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Chupetazos

ACUARELA

ILUSTRACION

RECICLADO mexicanisismo GRAFITTI

BODYPAINT


pure cigarette pleasures

lucky strike


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Historia de la acuarela: Aunque como tal, la acuarela es una técnica con un par de siglos de existencia, el carácter esencial de la acuarela de “valerse del agua y de colores transparentes” surge desde la prehistoria. Los pintores de las cuevas de Altamira y Lascaux mezclaron el agua con rojos y ocres obtenidos de la tierra y obtuvieron el negro del carbón de las hogueras, utilizan-

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Acuerela

do s u propio cuerpo como la primera herramienta de pintura. Al avanzar el acontecer humano, muchas de las antiguas civilizaciones emplearon también pigmentos suspendidos en agua, los cuales eran aglutinados con goma, almidón o miel. Se utilizaban éstos para decorar sus muros y su cerámica, principalmente. Dos mil quinientos años antes de cristo, los pintores del antiguo Egipto empleaban una técnica de acuarela sobre yeso, antecedente de lo que se conocería después como pintura al fresco, para decorar el interior de sus templos uti-

lizand o colores rojos y ocres pardos o amarillos. Las culturas del mediterráneo, como los Griegos y Romanos, aplicaron también pintura al agua en sus antiguos templos y palacios. La cultura china, responsable de la invención del papel, empleó la técnica de la aguada desde el siglo IV antes de Cristo, razón por la que dominaron las posibilidades de estos medios mucho antes de que en Europa naciera el interés por la acuarela. Durante el siglo IX los artistas que creaban y decoraban los manuscritos utilizaron acuarelas opacas y traslúcidas, además la pintura de la Edad Media, utilizó pigmentos con base de agua, combinadas con

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huevo y otras materias para representar motivos religiosos. Los pintores florentinos del siglo XV y XVI también utilizaron la acuarela en su variante al fresco. El fresco, practicado por los maestros del Quattrocento y el Quinquecento, alcanzó una cumbre de imaginación creativa. Desde esta época, se encuentran ya bocetos monocromos en acuarela sepia que servían como bocetos y estudios previos a la pintura al fresco y al óleo. Puede considerarse a Alberto Durero (14711528) el precursor de la acuarela como disciplina artística, sus acuarelas son obras minuciosas, predominaban los paisajes y estudios de la naturaleza. Sin embargo, su obra en óleo y grabado fue la que obtuvo mayor renombre. La técnica de pintura al


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acuerelA agua, entonces, ha proporcionado a los artistas en los principios de la historia del arte, una solución efect i va para plasmar sus ideas. Sin embargo, pesar de su larga historia, la acuarela por mucho tiempo se usó principalmente para bocetos, a partir de los cuales se pintaban obras al óleo. No es, sino hasta finales del siglo XVIII que la acuarela es reconocida como un procedimiento en sí mismo. Durante este siglo, debido a la gran transformación las academias de arte.

industrial en Inglaterra, la producción de dibujos topográficos, aguafuertes y grabados al cobre, incrementó y, quizás como forma de agregarle un valor ante el crecimiento de la oferta, se comenzaron a iluminar estas láminas con acuarela. Paul Sandby (17251809) es considerado el padre de la acuarela inglesa, además de iluminar grabados con acuarela realizaba paisajes exclusivamente en esta técnica, sobretodo escenas en el Bosque de Windsor. La obra de John Robert Cozens (1752-99), J.M.William Turner (17751851), Tomas Girtin (1775–1802) y John Constable (1776-1837) expone lo mejor del paisaje inglés en los inicios de la acuarela. Aunque muchos de los mejores acuarelistas pintaron paisajes, no es este el único tema que abordaron; muchos paisajes se transformaban en escenas bíblicas o mitológicas mediante la adición de las figuras apropiadas; y el mar siempre ha sido un foco de interés para muchos grandes acuarelistas. (Parramón & Fresquet, 1990) En 1804 en Inglaterra se fundó la primer sociedad de artistas dedicados a la acuarela: la Sociedad de Pintores a la Acuarela, que llegaría a ser Real Sociedad de Pintores a la Acuarela en 1881. Ésta tuvo su primera exposición de acuarela en 1805, marcando el precedente para la consideración de la acuarela en las exposiciones de arte. Este desarrollo de la acuarela se difundió a lo largo de Europa desde finales del siglo XVIII, Francia, España y Alemania principalmente y eventualmente al continente americano, a través de

frase

El primer cuadro abstracto de la historia del arte fue pintado en 1920 por Wassily Kandinsky y es una acuarela. Desde finales del siglo XIX el arte en acuarela había sido generalizado, surgiendo un extenso número de representantes de la acuarela, en todo el mundo. La acuarela actualmente se encuentra firmemente posicionada en el mundo del arte, no solo como una técnica de apoyo sino como una forma de arte y eso lo demuestra la diversidad de asociaciones y grupos de acuarelistas a lo largo del globo, la presencia de artistas que dedican su producción a sólo esta técnica y a la presencia de obras en acuarela en Bienales, Concursos y Muestras internacionales de gran renombre, destacando el esfuerzo mexicano por formalizar esta técnica al crearse espacios como el Museo Nacional de la Acuarela, y los Salones de Acuarela fundados por Alfredo Guati Rojo.

¿Cómo elegir el papel? Dependerá fundamentalmente de varios factores, a saber: -Tamaño de la obra a realizar, en función de la cual se optará por el bloc, hoja suelta tipo media hoja de unos 50x70 cm u hoja entera, de 70x100 cm. -Tema, de la que dependerá la textura es-

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cogida, de modo que se preferirá el papel liso o de grano fino para motivos que requieran precisión, por ejemplo, retrato o figura, reservando el grano grueso para temas de menor detalle, como el paisaje o las composiciones libres.

-Técnica, de forma que si es húmeda requerirá papel de mayor grosor y grano más grueso, mientras que si es seca puede ser suficiente con papeles delgados. -Presupuesto, ya que el factor precio es una condición importante, en especial en los primeros años de práctica, ya que

Acuerela el índice de acuarelas que no llegan a buen fin es mayor que cuando el pintor va adquiriendo experiencia. Con todo, hay que decir que incluso cuando uno está empezando se le debe recomendar algún tipo de papel que tenga un mínimo de calidad, para evitar una disuasión prematura debida a los malos resultados por culpa de un papel deficiente, máxime cuando estamos ante una técnica tan decepcionante en la fase inicial. Existen otros tipos de soporte rígidos, con superficies hechas con pastas diversas o mezclas con alguna proporción de gesso, pero en general son para formatos pequeños, siendo su coste mayor y su disponibilidad irregular.

¿Cómo escoger los colores? Los colores son una cuestión bastante personal. En primer lugar, dependerá de la propia filosofía general en cuanto a número de colores a usar. Si bien a nivel teórico es conveniente aprender a mezclar y a conseguir los tonos q u e

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acuerelA biando de modo frecuente alguno de los colores utilizados, para así generar nuevos registros en la obra. Ihillentium fugiandebiti untiorem ditat essi consectem nimus. Ediatia velendit que nobitaquo modis quas consequisqui consequi dolenie nienduc ipsant exceatur mo ipic tem eat recaeca boratur? Isin cus enia vellam hilis sit, a dolorru ptatiatem. Edigenis eaquam lab inimpor ibusant anti dolesed eum ut que essenim inumet recte nam resto offic to eos quae voloreris voluptasim autecusam imus, oditi ut ad ut erionet laborest, vellaborio quam rem sequi ut arcid quia alitet doles aute qui utassin ulluptium

Dolessimus expla evell andam re voluptiaecte vel min exereheni dictur mai o omnim ea consequi blatet pre mi, sapisit en cada momento, accatecati nobinfim mos buscando deliquam ar dipit, omnis inesistaau áctico cote t pr ve ás rib m us lta tib su us re , o om nim us a menud et alpis ma dem qu cu as de eampe a as en fábrica, lo qusatyaiahe quch i di s re en ezdcla re cs pe a ipsitaas tus ad que sitia vel otro en e rs tra mpe en olor nc co e rmitenis magniendit am ea opia o la prus modisque ne ta,rea pictórica comruptat notonsex de cela atur se qu ,atelmpropio atur agua as l sin de l cit ro nt co ax el im y icaapie doté lucn piet ción de laus dolesciis videje el i rittamerorode ercu up o nd icae volorepra dendi aje gu len doluptam nihicil in ve lli bus aut ad ut labo ra. rae. Et ipsaob m lant ut pro volupti offi to es ci pu do r, les ge su co nd es it y vo leculpa nemEs rioiaprmobar olor msaqu neiace nomface o ga atde ismfu am l mat es lor . co U o t ud ve en nihit m officit quise adoloria venis au muy distinta en ad t lid qu na id to es a tio un . n Fu git accusci tiepine enisqbruiedi sde ipid e se trate. quve deus e ca natib mar la qu rit em ión nc ut fu au ta solupta sim quisti sequi ulpa doluptatur accatiu el e bearum es ede afirmar qus ipsanditisto seeopu uints oeris nju En coeq s co mnit stan amtevoalt loo, repernam aceariprco calidad es baqu io s,de n es edtiu om eseq er nd ue pe re de m a et re va pt at ión e mpores volupta elecc quundi lo cu r am pogn vealllila individual, gnenietenide stro au gulo l as do lm ta dae di-lorectur, en am consecfuand tem l que se vo porio otrde st re ue sit up ut es qu pr l os de u ptatiur enimaximil bién ma nota n mprae sponga.simaxim oloriantibus est magnis in aspedio nsequam, ve tis llorp ores e qu ias ci nc as re fe as re pe les las es aut cer molupisc rade nmdequag Soiu i re ea resisru m a su no toue ns aneq cu en ex s ce ca st, ar m so lo las molorun cenbeaquos hatio versas, es- res ad se slo d ne qu cio e ua so sit a re e pe nt les fre nulla tenc quatempo r ia re in nidas tras estu- que ctteatlaurluz , ob , op ta tedo en lo lm be cia ru pe nt as nihit , om es pr am, es sus pres maxlab ios de las em orrn inatve am dios en los imor sa m es pratecerum voluptin net uc icra ills.ecaecab orempelli prod alto s dundignim ilignatiur re mos rere an ut re s pt ta as lis ev re ell ua at ac ia tes eailizqu ena parte de que sunt Un buot a nt aute asatiuri int st atemoc de di es in ca e lor iu co sd te am en ul ea lau án t autatum ult sim harum fugi a na tia consedis exped quam s. ca ar m qu ia tur assin coresec tisquossim id us mca ir n recomienda Algunos docentes

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PINCELES

¿Cómo escoger? En primer lugar, debe decirse que el pincel ha de guardar proporción con el tamaño de la obra a realizar. Resolver grandes formatos con pinceles pequeños s u p o n e , aparte de ineficiencia, c i e r t a falta de coherencia en el lenguaje, salvo que sea premeditado y rasgo estilístico buscado. En líneas generales debemos saber que los pinceles sintéticos retienen una menor cantidad de agua y pigmento entre sus fibras, en vista de lo cual deben usarse con cierta precaución a fin de evitar el goteo inoportuno, especialmente en los

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Chupetazos Ibus aut latempe rionsenda qui occus, quistio tem volest aditatiur siminciet faci qui consequi seque eos adigenimenti torro bera vel magnatium venti dolum faceper speribus, conecum facepe con poreiur simus sin re perunt iusda inulloratio. Ut lam eum vellaccab ipsuntia

quodianiatem suntium et errovit, que con et hariassin con porero bla sam, sum comni doluptate doluptatem estionse niendiorae viderum es doles dolescil im harions edissimod et faccae. Ende nos con rem facepta dolu

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Acuerela tamaños superiores al nº 16.

ecte vel ellandam re voluptia Dolessimus expla ev nim ea consequi coen oadom nfiierdi ai m e ct ur gr an ut ilid eh er gr ex acias min tem bian nogr versatilidad liquaamsu de sit pi de sa i, sc m rip e tiv pr a. et at accatecati bl us tibus, omnimus et rib ve t au is in s ni om Otras formas espe dipit, s reres a at,iacoqu qules miodilos ea pedcia de a de m de tip a o m ab s pi an as ico qu , tipo cepilni t am di en ni lo ag o m s co n e va or ria ol s m puqu ntas e sittieianevenl un uso más ipitatus ad atur qu se re , str ur ing at ido ce ex y pe noon a rs ne onisq al, ue vin cu od m lad us at pt la earu ciónapde iendi piet efectos texturado luea docr ciisconc muy aximus lesles mism retos. Colu m assincitatasim o am o existvo nds i do pt enlotarempr a n de bié ot ro ae ic pin up ce er les d taerrovi que ya llevan incorporada ipsam rae. el ag ua Et t ad ut labo en su au s bu lli int ve er ior in , l re ci su hi ltando prácticos ni lesculpa vota it no para ci dolessund je, lu copt nifooffi proviavo rmatos pequeños.. Ut venihit lant ut de ga quiam faceatam at fu nemolorEsiam importave tio. Fugit accusci ntni e sseau t qu r co nsid ciees ria nte de la gran auta lo officitisredo percusión que tendtibus veritem ut id que na rá la elección del catius s ip diopide enisquitip pincel sobre el asdo ac atur luoptfin qui ulpa pect al de se i ist qu la ob sim ra a , co pt lu nd so icionando suisca ermynilat quam uis er eorásctco umalies pear rson stoia be itiop daeq d y estilo del es ipsandpr tisue ta. rem et n estius, areq co ri ea ac am rn pe re volo Se deja en gnam vellign ienias últlu impt quarun o alug ladico s vo nsideraciónre sit ut mepore e br reptatso rio el presup tempo ecteanie ue stons co , , ur ct re lo vo o en axim e da au dolorcuenta que las diferenciaa nond ae sim prec aximil m s den pr im io en r iu en at tre pt un u tr as os y qu otras marcas, o as nsequam, o di pe en fu nc tis ión in s ni de ag l m tip t o es de us pelo utilizado, prov iscium qui iantib olordif ocan erencia less esdeautprmolup s peale as ab ism as ci es or rp vellosiempre ec io, nooloruntio lores m prns opeq cesst, alsore orue exda ciona no m su lta earu do re co por n ellas obtenido. les nulla que quatem pe re lo so e qu d se s beaquo es sus berunt, omnihit am, re inctatur, opta dolo luptin sam es pratecerum vo pres maximin vernam atiur gn pellis dundignim ili em or b ca ae ec ill ic al t ne que sunt ellatiates ea quatiuri re mos rere reptas ev m inullaut autatum haru am sd iu e ca oc e at ot autent ped quam quiatur assin fugia natia consedis ex

Los pinceles planos provocan unas formas más geométricas y modernas, siendo idóneos para representar las formas arquitectónicas en los paisajes urbanos, teniendo una menor capacidad descriptiva de las imágenes existentes en la naturaleza, que son más fáciles de explicar con pinceles redondos, entre los cuales sobresalen los de tipo japonés, de cuerpo grueso y afilados en su punta, perfectos para la expresión de las formas vegetales, para lo cual probablemente nacieron y que en cambio no son tan eficaces para pintar estructuras artificiales y líneas rectas. Los pinceles de forma mixta o intermedia entre los anteriormente descritos, conocidos como de lengua de gato, permiten un uso polivalente, lo que les

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ilustración

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¿Qué es la Ilustración?

e denomina ilustración al dibujo o imagen que adorna o documenta el texto de un libro. lustración (v.Latin, lat. illustrare), (de ilustrar) sust. Estampa, grabado o dibujo que adorna ó documenta un libro. Componente gráfico que complementa o realza un texto. Las ilustraciones son imágenes asociadas con palabras. Esto significa que podemos producir imágenes que llevan un mensaje, como las pinturas rupestres, y los mosaicos religiosos. Un buen punto de partida son los manuscritos medievales. Un aspecto importante de la ilustración es el uso de diseños bidimensionales, a diferencia de las imágenes pintorescas y espaciales que tratan de captar la tercera dimensión. Se trata de un movimiento relativamente moderno. En sus primeros momentos tuvo mucho que ver con la pintura de caballete, con la decoración arquitectónica y con los dibujos realizados para las revistas ilustradas. El uso cotidiano de la ilustración ha sido básicamente el de la publicidad, prestándose a hacer anuncios de cualquier tipo de producto, a decorar la portada de un libro, un cómic, de un juego de ordenador, o a hacer aparecer la imagen descrita en un libro de cuentos. Según Oscar Chichoni (ilustrador y dibujante de cómics) “… En un cierto género de pintura se plantea un hecho prevalentemente estético, donde la composición y el uso del color suelen tener una preponderancia sobre la anécdota. En la ilustración, en cambio, existe siempre una carga narrativa más evidente y directa. Por lo tanto creo que una ilustración es una suma de calidad estética, buena técnica y originalidad narrativa”. La ilustración es un campo fantástico donde puede desarrollarse un arte figurativo de altísima calidad y con un amplio espectro de modalidades. Cada artista puede ejercerlo a su manera; desde el clásico concepto de la ilustración como interpretación visual, generalmente de un escrito, a la libre creación de un universo propio de un terreno tal vez más cercano a la pintura.

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ilustración

“Saner” Edgar “Saner” Flores es un artista visual, ilustrador y diseñador gráfico cuya obra ha sido exhibida y reconocida internacionalmente. Su trabajo está fuertemente influenciado por el folklor, las tradiciones mexicanas y la cultura pop. Nacido en la Ciudad de México, Saner (tomado de la palabra en inglés, que quiere decir más sano mentalmente) mostró un interés por el muralismo mexicano y el dibujo desde muy joven. Comenzó por expresar su creatividad artística a través del graffiti para después recibir un título en Diseño Gráfico de la Universidad Nacional Autónoma de México. Desde entonces, ha pintado murales en las calles y su obra ha sido expuesta en lugares públicos y privados en México, Estados Unidos y Europa. Edgar “Saner” combina los elementos populares del muralismo mexicano con el urbanismo del Street Art para crear arte que llama la atención del espectador sin importar su edad o nacionalidad. En su obra, Saner utiliza elementos considerados íconos de la cultura mexicana como máscaras y calaveras, lo cual incorpora un cierto misticismo a su trabajo. El 16 de marzo de este año, se inauguró la exposición Bleeding Heart (corazón sangrante) en la galería FIFTY24SF en San Francisco. En esta muestra Saner presenta pinturas, dibujos y máscaras. Bleeding Heart es la primera exhibición de este artista mexicano en San Francisco.

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ilustración EL GRAND CHAMACO rand Chamaco nació en 1982 en Los Ramones, municipio del estado de Nuevo León. Pasaba las tardes de su niñez jugando con lápices de colores mientras botaneaba carne seca con salsa y limón. Es huérfano y pasó su infancia y adolescencia con su abuelo materno, quien lo encaminó en el rumbo del dibujo y la pintura, actividades que se convierten en su hobbie y que lo llevan a rebasar por mucho, cuando tenía 12 años, la técnica artística de su abuelo. Su comportamiento anarquista y revolucionario le trajo problemas en su desarrollo académico, cursando solamente la secundaria. Posteriormente, Grand Chamaco decide viajar a la capital del país, con el sueño de trabajar como aprendiz del pintor Arturo Rivera, objetivo que no llega a cumplir. Tras el sueño frustrado, empieza a tomar varios trabajos informales, como mesero en distintos restaurantes y cajero en tiendas de abarrotes, etc. 3 años después, conoce al escritor Ignacio Solares, de quien aprende mucho sobre las bases de la identidad mexicana. Después de años de austeridad y ahorro, Grand Chamaco logra juntar dinero para así viajar a

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ilustración

varias partes del mundo buscando referencias y tutores que lo ayudaran a darle forma a su arte, así como a encontrar una identidad y voz propia como creador. cando compartir sus conocimientos. La escuela fracasa completamente y en su frustración por A los 25 años regresa a su pueblo natal y crea una pequeña escuela de ilustración y pintura busla poca atención recibida de la gente del pueblo, se aleja de la sociedad y crea un taller en una casa de campo, donde pasa varios años estudiando y perfeccionando su estilo.

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GALAMONT SHAKU

ilustración

el trabajo de este dude se me hace muy cercano, crecí viendo videojuegos (no jugando porque la verdad era el típico baboso que nomás veía pero nunca lo dejaban jugar siempre fui muy maleta) tengo un lugarcillo asi especial por el pixel art y más cuando lo se ve bien logrado. Rifado el buen Galamot ¿Cómo te llaman -si tienes un pseudónimo- y por qué te dicen asi? Galamot, esencialmente era el nombre de mi mail que abrí como en la secundaria, eventualmente alguien me comenzó a llamar así y luego lo adopté como mi seudónimo. También me dicen Duende, pero creo que para eso no tengo que dar explicaciones… ¬¬
 ¿Qué dibujabas cuando eras niño? Intentaba hacer comics, dibujaba monas encueradas y personajes de caricaturas japonesas. ¿Escuchan música mientras trabajan? Lo que ponga el DJ itunes en general, pero cuando me da hueva cambiar de rola pongo mixtapes de electro. ¿Qué técnica es la que más utilizan? Ninguna de las anteriores… ¿Qué harías con un millón de dólares? Producir videojuegos. ¿Tienes algún tipo de ritual o costumbre al momento de trabajar? Satisfacer mis necesidades básicas C.C.C.(Comer, Cagar, Coger) y un cigarro antes de sentarme a trabajar. Cuando no se puede la 3ra “C” recurro a la incondicional. ¿Cuál es su peor pesadilla como profesional? Trabajar como impresor, en diseño editorial o imagen corporativa. Sobre todo cuando pagan mal… ¿Cuáles han sido tus trabajos favoritos? Hacer proyectos de animación: Si pudieras prohibir algo ¿Qué prohibirías? Peinarse con gel ¿En qué están trabajando ahora? Un video juego, un documental e intentando continuar mi comic, para poder después continuar con un corto

animado que estaba haciendo :/ ¿Cómo sabes que una ilustración ya está terminada? Cuando ya me puedo ir a dormir tranquilo, luego la checo de nuevo en la mañana y si me sigue gustando la considero terminada. ¿Qué blogs consultas con frecuencia? Kotaku, Who killed bambi, Pijamasurf ¿Crees que usen una imagen de tu trabajo, pero si avisarte sin fines de lucro está bien o mal?
 Es publicidad gratis

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además me gusta cuando encuentro mis trabajos en páginas raras de otras partes del mundo, me hace creer que en algún lugar les gusta lo que hago. El Internet está hecho para que la gente se apropie y remezcle todo, que no es lo mismo que lucrar con el trabajo de otros. ¿Hay algo que tu trabajo pueda hacer para cambiar la situación de México? Como diría una querida amiga “mi proyecto en un principio era muy diferente, pero las experiencias en mi vida nos fueron cambiando a mi y a mi obra”.

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Arte Reciclado Reciclar. Esa palabra con la que todos nos sentimos más buenos cuando tiramos el papel en el contenedor azul, el vidrio en el verde, el plástico en el amarillo y lo orgánico en el marrón. Pero, ¿reciclar sólo es eso? La respuesta es no. Todos lo hacemos muchas veces durante el día: estamos acostumbrados a comernos por la noche lo que ha sobrado por a medio día; guardar la ropa que ya no se lleva en el fondo del armario por si un día vuelve (y lo hace); comprar en una tienda de segunda mano; guardar el teléfono de un antiguo amor por si los pudiéramos necesitar. El reciclaje se ha convertido en un estilo de vida que va más allá de unos simples cubos de basura. Por eso son muchos los artistas que se han unido al arte povera o al reciclaje artístico para crear obras de lo más llamativas con un toque de solidaridad hacia el medio ambiente.

Adipidic iurent fugitia il inti ditis aut ati dolum non cum labo. Ed maximust, utatibu sciisit del ipide odia volestrum ium ius et eaque cum fugit alignihicto temod evelique peribus ea quam ea nonsequae eossima dus. Volorehendis debis sum fuga. Neque consequi blaut enet perunt, con nobit faccum estruptam nossuntiati qui alit alic te cus, nos molum ut as dolupid quam volupta quunt. Molorit rentoratiur? Quiam, is plitatia que is alitis aspersp eliquia veratis quatemo moles il ium cumenimi, officimus molupitatur aut exped maiorio etumqui susaectat remperum re vel mincime nonsequia am fugiam, quatiae nimos moditas modit aut estionsed mi, coriti am reritatus niendantia veles et moditat emoluptate voloratiis eat quati coreiciur? Quibus. Pit quiscid elestincit endem. Nemposs

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Reciclado


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recicladO Washed Ashore. La 1.- 

organización Washed Ashore crea obras de arte (todas ellas relacionadas con el mar) mediante todos los materiales plásticos que llegan a las orillas del mar. Con este gesto pretenden conseguir su objetivo: educar y crear conciencia sobre los deshechos marinos y la contaminación de mares y océanos.

Ramiro

2.-  Es argentino y tiene cuarenta y tres años. Como pasión, las bicicletas. Como hobbie, crear lámpara con piezas de bicicletas. Después de abrir hace varios años una tienda de bicicletas, El Ciclo, en el conocido Barrio Gótico de Barcelona y de que cientos de piezas se quedasen

Sobral.

vven un trastero sin utilidad, decidió crear su proyecto: “Bicicletas que vieron la luz”

Robert Bradford.

3.-  El británico Robert Bradford parece no haber superado la etapa de la niñez. Y es que este escultor trabajó en 2004 en un proyecto hecho a partir de juguetes reciclados. Sus esculturas han llamado tanto la atención que se han expuesto en ciudades como Nueva York, París, Amsterdam o Bangkok. Materiales con los que todos hemos contado alguna vez pero que ha nadie se nos había ocurrido antes.

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Reciclado

Esculpir hojas de china. No existe 4.- 

sólo

un artista que desarrolle esta técnica sino que son varios, y cada vez más, los que la fomentan. Se trata de esculpir las hojas del árbol Chinar (el plátano oriental). ¿Cómo? Dejándolas secar, hirviéndolas y esculpiéndolas. Eso sí, no es apto para personas con poca paciencia.

Yuken Teruya.

5.-  Este artista japonés utiliza el papel reciclado como elemento principal de todos sus trabajos. Materiales de papel que van desde rollos de papel higiénico hasta billetes de dólares. Su último

proyecto: árboles hechos a partir de rollos de papel higiénico

Bernard Pras

6.El artista utilizó objetos como juguetes, pelotas, tenis, lentes, botellas, ganchos de ropa y hasta frutas, para crear distintos retratos con basura. La intención de este estilo, llamado anamorfosis es crear una ilusión óptica y así formar el retrato.

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Ota incipsa menimpos earissit quossitaspis sandionseque doluptatur? Turepudi optur autendis re nient aped et volorio. Nam, commolutatem si doluptate vollorum sinctum aceaquae re cum, ea num faciusa duciis moluptat ut atint, seratios simagni milibus autet harcit plam et doluptate pererfersped eumquae. Nam, quatio ex et autem am cus conse mi, omnistrum quatusa corectas

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INSTRUMENTOS MUSICALES

recicladO

Los instrumentos reciclados de viento se construyen en Capiatá, el taller que pertenece a Don Tito Romero, un lutier de instrumentos de viento que al conocer la historia de nuestra Orquesta ofreció su ayuda para idear algunos instrumentos de viento, a partir de material reciclado. Fue así que inició la experimentación hasta llegara a elaborar

Investigando más a fondo sobre el arte reciclado, nos venimos a encontrar los instrumentos reciclados. En Paraguay, Favio Chávez dirige la Orquesta de Instrumentos Reciclados de Cateura, una agrupación conformada por niños de escasos recursos y lo más interesante de esto, es que sus instrumentos musicales son elaborados a partir de desechos rescatados de basureros en la región de Cateura. Entre los instrumentos podemos apreciar los de viento, cuerda y percusión.

saxofones soprano, alto y tenor, trompetas, flautas, trombones, guitarras y violines.

En la actualidad ya tiene nociones generales de cuáles son los materiales que pueden servir para tal

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o cual instrumento. Del mismo modo ya tiene las medidas y las plantillas de los instrumentos de cuerda que va a construir de modo que rescata todos los materiales que cumplen esas medidas y las características necesarias. Con estos materiales él construye en el taller la estructura de todos los instrumentos. Una vez armada la estructura del

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Assum que pereratempos dolorerovit illandae ella nonet re int pos etur, con re, conem ex eos maximin ulparib earumqui reiustruptis as et antia eum et ut quod et, quatae

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Reciclado instrumento, el director de la Orquesta acompañado de los músicos de cada instrumento colocan las cuerdas y otros accesorios a cada instrumento, haciendo las finalizaciones necesarias probando el instrumento: sonoridad, afinación, que sea cómo de tocar, etc. De este modo se va ajustando cada instrumento, hasta que se determine que reúne las condiciones para su uso en la Orquesta o en el proceso de aprendizaje musical de los niños.

Et quiam que aut hici doluptatur, nus, alitae nus, quo experciis ad maion poriberro qui as sam, ium rectecat alictemped ea cuptae. Vit, quas et quuntus exere, simo debisit invendi

Ximusand eliasit ium il ma coratquodio blaut minimi, utet lignis estis dolupta tibuscitis alit lacepud icipide rehenis restem. Ut libus, corenda ndelestin pe esequi officae. Eptatat urerum vent plibus a cullend aecustet esciasi mpediciati del il millibus arum delitat. Equundi tiisima vel ipsum, id mi, omnimus andignimo voloribus eatquid et volut et facera velici conse erupitatiunt fugias dolupide sunt molo molo te vendebi taerit apitae

Ur solorest am volor acitem eatibeati aute odis molestetus sitaepudita corepe ipiti ut quos dolorib usanimp eribus maio. Nam, nis mo qui officit vitibus acitam, quo core reris dis ut ipidignatur simolup taecabo. Ut is que experum ex et mi, sunt reseque num nit, eos eatio. Omnihillam, ist, que sitiis velit lab ipsantios adi aliqui opta dolorere asperiat.

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mexicanísimo ¿Qué es el arte mexicano? El arte mexicano es el arte que se desarrolló a través de los indígenas que fueron ligando al arte como las clases más importantes y con la religión, por lo tanto, no se podía hacer una distinción entre escritura, arte o arquitectura. Tiempo después fue la conquista española quien asocio su arte con la decoración y la construcción de diferentes iglesias. Por ello, durante los siglos siguientes a la conquista española esta modalidad de arte se fue desarrollando por otros países de Europa, aunque el principal fue España. El arte mexicano comienza con el arte mesoamericano, creado por culturas sedentarias que construyeron ciudades, y a menudo dominios. Una vez acabó la independencia, el arte mexicano se le caracterizo por tener un estilo muy europeo y siguió con sus prefer-

encias hasta el siglo XX, pero esta vez apareció el muralismo en México. Por lo tanto, este estilo artístico fue creciendo y desarrollándose hasta otro tipo de estilos de arte como pueden ser la artesanía o la fotografía y no fue hasta 1950 cuando se rompió totalmente con el estilo muralista y se integraron elementos de otros tipos de arte

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como podía ser el arte asiático. Para poder hablar del origen de este tipo de arte tenemos que diferenciar en diferentes etapas. ◾Etapa Prehispánica: El arte prehispánico en México pertenece a una región cultural conocida como Mesoamérica, en el centro de México en

Centroamérica y abarca tres mil años desde 1500 A.C. hasta el 1500 de nuestra era, esta etapa se ha dividido en tres eras: Pre-Clásico, Clásico y Pos-Clásico. La primera cultura dominante de Mesoamérica fue la de los olmecas, fue la creadora de muchos de los elementos asociados a Mesoamérica, como el sistema de escritura, los calendarios, avances en astronomía, esculturas monumentales siendo los creadores de otras culturas como la de Teotihuacán, el pueblo zapoteco y la cultura maya. Esta cultura olmeda creaba figuras de cerámica que eran producidas en tamaños pequeños, pero las esculturas de gran escala alcanzaban los 55 cm. El arte de esta cultura estaba relacionado con las necesidades religiosas y políticas, es decir,

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SER MEXICANO ES TODO UN PLACER Diciembre 2016

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mexicanísimo básicamente trataban la realidad de lo que era la política y la fuerza divina. Las maneras de representación eran variadas entre las que estaban la arquitectura, cerámica, papel amate, entre otros. El arte mexicano se expresa en una variedad de medios, como la cerámica, el papel amate y la arquitectura. La cerámica data desde antes del periodo mesoamericano, comenzó creando vasijas de cocina y almacenamiento y más tarde se fue adaptando al uso para rituales o en decoración. La cerámica era decorada por la forma, la pintura y los diferentes métodos de cocción, los temas utilizados eran la mayoría de mujeres, que eran asociadas a ritos de fertilidad, debido a sus caderas y muslos de gran tamaño, así como figuras que cargaban bebés o de enfermeras y las figuras de hombres son en su mayoría representaciones de soldados. La más antigua conocida era la puramente artística, con la cual se producían pequeñas figuras de cerámica que aparecieron

en el área de Tehuacán alrededor del 1500 A.C. Referente a las pinturas mesoamericanas eran plasmadas en diversas formas, pueden ser murales, códices prehispánico de Mesoamérica y pinturas en objetos de cerámica, con temas como figuras

diaria de gente común y corriente

humanas de hombres, mujeres o asexuales, puedes estar desnudos o elegantemente vestidos, plasmando el estatus social, escenas de guerra, sacrificios, a los dioses o a los nobles o escenas de la vida

materiales y visiones nativas y los materiales y visiones europeas. Mucho después de la dicha conquista las representaciones que se realizaron fueron con temas evangelistas y con construcciones

◾Etapa colonial: esta etapa surgió en la conquista española hasta finales de ella. Por ello, el arte mexicano siempre fue una interacción muy compleja y constante entre los

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de iglesias. Durante el periodo colonial los artistas trabajaban en grupos y cada uno de estos grupos tenía sus propias reglas, preceptos, mandatos y técnicas de innovación para sus obras de arte. Los primeros monasterios construidos en la ciudad de México, que no tenían mucha decoración, tenían elementos de la arquitectura del Renacimiento, plateresco y gótica, aunque el estilo dominante de arte y arquitectura durante el periodo colonial fue el Barroco, que se desarrolló por todo México haciendo que se crearan subestilos y técnicas, como el barroco estucado, que era puramente decorativo, el barroco Talavera, que usaba los azulejos de cerámica pintados a mano, el estilo churriguerismo mexicano, extendiéndose a la escultura y al mobiliario tallado. El arte religioso colonial fue patrocinado por las autoridades de las iglesias y patrocinadores privados. Las construcciones de iglesias tenían grandes decorados y muchas

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l graffiti es una expresión artística que lleva con nosotros d e s d e hace más de 30 años. Su epicentro fue en la Ciudad de Nueva York gracias a la gran mezcla cultural que la distingue, y las luchas de poder y territorio de las bandas que integraban el “bajo mundo” de esta ciudad. Sin embargo, el graffiti ha evolucionado hasta ser una de las corrientes artísticas más respetadas e innovadoras del arte contemporáneo. Aunque la intención del graffiti desde sus inicios fue meramente

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subversiva, hoy en día conserva esta actitud que distingue al street art, pero planteando problemáticas de carácter estético e incluso social gracias al impacto que genera en la urbe y su comunidad. En México, la vida del graffiti es extensa. En nuestro país, el origen de este movimiento fue la ciudad fronteriza de Tijuana que, por su cercanía con Estados Unidos, lo trajo al territorio y extendió hasta Guadalajara, donde se forman las famosas crews que más adelante contagiarían a los barrios bajos de la Ciudad de México, siendo la Ciudad Neza el lugar con mayor tradición sobre este tipo de arte. El graffiti mexicano cuenta con una larga historia, y las crews que han veni-

do a sustituir a las antiguas pandillas se sirven de una particular forma de organización: tienen un líder que decide cuándo y cómo se pinta, además de establecer algunas reglas respecto dónde se pinta: dejando fuera escuelas, iglesias y graffitis de mayor calidad que los suyos.

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En este artículo, te presentamos las obras de algunos de los nuevos talentos mexicanos que siguen posicionando al graffiti mexicano a nivel internacional, y sobre todo que demuestran que el graffiti no es algo para “pandilleros” o “vandalismo”, sino una forma de expresión de la urbe. Seguramente los conoces o has visto sus obras en alguna parte de la ciudad. Hoy representan el nuevo talento mexicano del street art.


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graffItI acer dibujos en las paredes no es una práctica que pertenece a nuestra civilización moderna. Nuestros antepasados de tiempos prehistóricos dejaron en las paredes de las cuevas donde se cobijaban algunos dibujos que muestran figuras antropomorfas en varias actividades de su día a día. En México, uno de los locales donde se puede hallar pinturas rupestres verdaderamente sorprendentes está en el estado de Baja California Sur, en la Sierra de San Francisco. Se estima que estas pinturas tengan mil 500 años de antigüedad. Así pues, la voluntad de representar, ya sea en paredes de rocas o en telas, las experiencias vividas por el ser humano parece ser un rasgo que lo distingue de otros seres vivos. Por lo cual, con el mayor grado de libertad que la generalidad de los jóvenes comenzaron a gozar a partir de los años 60, sobre todo en países como Estados Unidos o Francia, la normas de conducta social no pudieron reprimir este anhelo de expresión artística y, en ciudades como Filadelfia, se comenzaron a notar los primeros graffiti, fenómeno que, al final de los años sesenta del siglo pasado, se había extendido

La historia de la práctica del graffiti en México es un tanto incierta, sin embargo, lo que se especula es que el fenómeno llegó a través de la frontera con los Estados Unidos, en Tijuana. A lo largo de los años setenta surgieron otros núcleos importantes en urbes como Guadalajara o Aguascalientes, lo que se explica por la cantidad de ciudadanos emigrantes en Norteamérica. Finalmente, en el Distrito Federal se consolida esta práctica en los años ochenta gracias a los barrios marginales de la capital. Desde entonces, el graffiti en México ha sido una actividad que, aunque al principio generaba una amplia condenación de la población, poco a poco ha logrado establecerse como un movimiento cultural que es capaz de producir extraordinarias obras de arte comparables al muralismo cultivado por artistas como Diego Rivera o Clemente Orozco. Es así que varios “grafiteros” que integran estos movimientos optan por la legalidad, es decir, pedir el consentimiento del gobierno y el dueño de una pared para proceder a pintarla. El graffiti en México Foto por Mark Morgan / CC BY (Playa del Carmen, México)

Efectivamente, si todo funciona dentro de la legalidad, admirar una grafitti puede resultar ser una experiencia muy amena.

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Irving Cano es un grafitero oaxaqueño que fue elegido para que junto con siete artistas del mundo, pinten un mural de 500 metros de largo por 10 de ancho en calles de Dubái, como parte de un proyecto de rescate de espacios públicos de Emiratos Árabes Unidos. Irving, es el único mexicano que fue considerado para participar en este proyecto que le dará vida a las paredes de Dubái. ¿Cómo surgió la propuesta? Según declaraciones del propio Irving, la aventura comenzó luego de conocer en un festival de muralismo, llevado a cabo en la Ciudad de México, a un artista internacional que se sorprendió con su trabajo. La sorpresa del artista creció, al descubrir que Irving era autodidacta, lo que lo hacía diferente a ellos que cursaron una licenciatura en artes. “Se sorprendieron por la forma de cómo representaba mis raíces en mi obra, mi cultura zapoteca”. Irving Cano Para sorpresa de Irving, meses después de participan en dicho festival en la capital del país, la suerte le sonrió y se enteró que era buscado para participar en el proyecto de Dubai. “Tenemos que pintar un mural que represente la cultura árabe para proyectarlo de la misma forma como lo hacemos con la nuestra. Irving Cano El mexicano que dará vida a paredes de Dubái inició en el grafiti a los 17 años Irving Cano es originario de la comunidad zapoteca Santa María Xadani, se inició en el grafiti desde los 17 años formando parte de la agrupación de su localidad llamado Área 971. Confiesa que su amor por la pintura, surgió luego de un festival de su localidad en la que observó cómo personas pintaban figuras con aerosol, lo que llamó de inmediato su atención. Irving busca revalorar a los personajes populares de los pueblos a través del muralismo y es un fenómeno en Facebook, donde muestra al público sus obras.

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a pintura corporal (body painting) es una pintura artística que se aplica a la piel. Es una de las primeras formas de expresión artística usadas por nuestros ancestros. Probablemente incluso antes de que se grabase la primera piedra, el hombre aplicaba pigmentos sobre su cuerpo para afirmar su identidad. El ser humano tiene una dimensión creativa evidente y de manera permanente va buscando nuevas disciplinas artísticas. El Body painting es una actividad ,creadora que consiste en maquillar el cuerpo humano desnudo con dibujos. Si bien el maquillaje corporal se ha popularizado en las últimas décadas, la pintura y sobre el cuerpo se remonta a los orígenes de la humanidad.

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#1.- Natalie Fletcher La estadounidense Natalie Fletcher, es conocida por su destreza para utilizar el body painting y mimetizar a las personas con los fondos de la naturaleza, aunque también cabe mencionar su maestría para dibujar formas geométricas en la piel que cambian por completo la percepción del espectador.

#2.- Craig Tracy Natural de Nueva Orleans, es reconocido a nivel mundial por sus exquisitas composiciones con pintura corporal. Con una técnica depurada y una predilección por los motivos naturales animales, Craig sorprende camuflando cuerpos humanos con impresionantes obras de arte.

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body painT #3.- Fiorella Scatena

Con la capacidad de hacernos contener la respiración al observar sus impresionantes obras, Fiorella juega con maestría con el realismo y una oscura fantasía al hacer uso de toda clase de abalorios y complementos que realzan más si cabe sus creaciones. Reconocida con diversos galardones en festivales de body painting, esperamos que la italiana no deje de sorprendernos con sus geniales obras.

#4.- Johannes Stotter. Otro de los grandes gurús del camuflaje y amante de las texturas es Johannes Stotter, campeón mundial de body painting en 2012. Es el artista en cuya obra siempre está presente la naturaleza vista desde una perspectiva profunda y espiritual. En cualquier paisaje o composición de Stotter, los colores realistas y brillantes nos harán olvidar que los lienzos son personas, porque de hecho, en muchas ocasiones es francamente difícil encontrar los cuerpos.

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Body paint #5.- Scott Fray y Madelyn Greco. La pareja formada por Scott Fray y Madelyn Greco merece una mención muy especial. Son los únicos artistas que pueden presumir de haber ganado nada menos que 5 veces el Festival Mundial de Body Painting de Austria. Sus creaciones suponen una explosión de color y desprenden perfección y profesionalidad. La pareja hoy por hoy realiza seminarios, talleres, charlas y son unos de los principales representantes del body painting a nivel internacional.

#6.- Choo San

No podíamos dejar en el tintero el impresionante trabajo de la joven Choo San. Desde Tokio y con tan solo 19 años, la estudiante de arte nos deja con la boca abierta, al conseguir el realismo más impresionante. Lo que comenzó como un entretenimiento para ella con poco más que sencillos dibujos pintados en sus amigos, es hoy sin duda el comienzo de una prometedora carrera en el mundo del body painting.

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body painT El arte en las manos. Joachin Günter, Craig Tracy, Victor Akishkin o Emma Hack han desarrollado una técnica depuradísima que convierten sus trabajos en autenticas obras de arte. Las imágenes que ilustran esta entrada están realizadas con esta técnica pero el artista en lugar de utilizar todo el cuerpo utiliza únicamente sus manos. El resultado como podemos ver es espectacular. Es cota deest ime fore ia in vis sti, verebatemen ta, nihiliam ocris vis cont? Cute etilii supione oriditam dis hostion vivere, que consu iaed re actare con dies

Cepester itatust rescionsunt. Gra munum quon di condi, unum, que publi, que intiam. Opicont ellabus; hilissum det; host? intintuscre, clum inatis Ad conclegero crum. machum omperfe nihili pribut vem ina mus cum aursulla me peristus con Itatima ximissu ltuuscridi, non ta opondit firtuis pro, nos li silica ne

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Cada perro tiene un propòsito ...

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