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Tsioque • Alarido mongólico • Jorge Vázquez

marzo 2016. número 5

Daniel Diaz Percusión sin límites

Iconos de los videojuegos


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Indice MÚSICA EDITORIAL Es intenso el trabajo necesario para sacar adelante una revista digital como la nuestra. No es una redacción de cincuenta redactores encerrados en una oficina de Chicago. Somos un grupo de entusiastas que funciona a fuerza de ilusión. Al final es un trabajo de estar al día. De conectar con la gente y tomar el pulso de lo que está pasando. Lo que hoy es noticia, mañana ya no lo es. El grupo que hoy funciona, mañana se deshace y no vuelve a tocar. Lo que hoy es moda, en un invierno está muerto. Por eso es un trabajo de día a día y de estar actualizado. De hablar con la gente y de apoyar a las bandas, creadores y profesionales gallegos. De entretener y divertir a la gente con nuestro trabajo diario. Y eso es lo que tratamos de sacar adelante cada día. Así que allá va el número de marzo. Cinco números que tratamos de hacer avanzar y mejorar poco a poco y esperamos os encante tanto como a nosotros. Pasen y vean.

Edición y fotografía: Miguel ED Marco Fernández Pablo Supermirafiori David L. Adrio Diseño y Maquetación: Raquel Ibar WebMaster e Informática: Adrián Santasmarinas Community manager: Marty Castiñeiras Moda y tendencias: Nacho Fraga

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lanzamientos

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curiosidades

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Daniel Diaz Fentanes

12 Alarido mongólico

AUDIOVISUAL 15 series

TENDENCIAS 18 6ème galerie 20 talento gallego en Juegos de Tronos 22 Jorge Vázquez

MUNDO FREAKY 24 comic 25 videojuegos

AGENDA

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Música LANZAMIENTOS Salve discordia, nuevo disco de Triángulo de Amor Bizarro

4 Doce años dan para mucho. Si eres de los que se duermen en la rutina se te pasan en un suspiro. Si eres de los que exprimen el segundo como si de un limón sobre la ostra se tratase el tiempo es un esquivo ladrón. Doce años dan para poco. Tres discos por ejemplo. ¿Dónde estabas hace 12

años? Madurando como un buen whisky. Abrimos la botella y tenemos “Salve discordia”, el nuevo trabajo de TAB para los “guachis” de las abreviaturas. Para la gente normal estamos hablando de Triangulo de amor bizarro. Pulso en el teclado Alt + Tab. Cambio de pantalla. Vamos al origen. New Order y su sencillo “Bizarre love triangle” aterriza en 1986 en las listas inglesas aunque no alcanza el top de los 40 principales. ¿Que raro, verdad? Sin embargo, poco a poco, se fue colando en otros mercados alcanzando la categoría de clásico para muchos. De aquí toma el grupo coruñés no sólo su

nombre sino sus raíces. Muchos años después (yo con 25 estaba todavía en barbecho vital), tras el “Victoria mística” (2013, Arts&Craft México), vuelven a la carga y de qué forma con el “Salve discordia” (2016 Mushroom Pillow). Para los curiosos musicales que desconocen el trabajo de esta banda, están encuadrados por los expertos etiquetadores como una banda shoegaze, es decir, que tocan mirando para los pies, cosa que me parece estupendo…por no decir que me parece una soberana gilipollez poner tales etiquetas. Bueno, parece que en la tierra de los Beatles hubo toda una generación de este tipo de grupos finalizando la década de los 80 hasta mediados de los 90. Grupos que al margen de sus miradas perdidas destacaban por guitarras rabiosas, cargadas de efectos que acercaban las composiciones a un “noise” caóticamente controlado en pos de unos ambientes oscuros, melódicamente dramáticos.


LANZAMIENTOS Silvia Penide pinta el mundo de plata en su nuevo disco Triángulo de amor bizarro, con “Salve discordia” que acaban de publicar el pasado 29 de enero, han dado una vuelta de tuerca a todo este asunto. Producido por Carlos Hernández (Los Planetas, Sr. Chinarro, Mercromina…) han elaborado, como buenos alquimistas que son, un discazo para los amantes del género de principio a fin. Canciones llenas de poesía terrenal mientras el martilleo constante de las guitarras y la percusión te atan al dúo vocal (Rodrigo e Isa) desde el primer tema, “Desmadre estigio”, perfecta entrada al salón de ese oscuro hogar. “Nuestros Siglo Fnord” es otro hit de esos que te hacen levantar la vista de los zapatos sucios. Con la voz de Isa como protagonista los latidos se aceleran y me hacen recordar a esos Placebo todavía no tocados por la varita del mainstream. Es curioso comprobar el dualismo de esta cantante, capaz de insultarte con una candidez solo disponible por los más ilustres políticos de nuestro país. Imagino un gélido “te quiero” capaz de hundir al más aguerrido pagafantas. Termino para no desvelar demasiado con “Luz del alba” el penúltimo corte del disco. Una pieza enérgica, directa con un guitarreo constante que te picotea sin cesar. Existen grupos cuyo nivel compositivo decae con los años. No nos encontramos ante tal caso, todo lo contrario. Si te gusta el noise y el rock con melodías pop este disco te encantará. Sin lugar a dudas es una buena señal de que esta tierra sigue exportando talento aunque tengan que emigrar para poder dar el salto.•

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Existen voces que te cautivan por su tersura. Hay quienes disfrutan acariciando un melocotón o incluso se lo comen con piel. Existen voces que te enamoran por su profundidad cavernosa, abisal. Me viene a la mente Mark Lannegan o Leonard Cohen. Voces femeninas como Basia Bulat o Lisa Hannigan te transportan a un estado de letargo mental donde conviven temas alegres con melancolía e infinita tristeza. Independientemente de estar o no reconocido en el Olimpo de las grandes voces, en el mundo terrenal podemos disfrutar todavía de voces con personalidad propia que se han forjado a sí mismas, evitando caer en las odiosas comparaciones en ocasiones forzadas intencionadamente, para obtener reconocimiento rápido. Imitadores/as siempre habrá en este mundo de la música, además

sin pudor alguno. Silvia Penide es una de esas personalísimas voces que por suerte podemos disfrutar. Lo reconozco, tengo debilidad especial por las intérpretes femeninas pero no penséis mal. Me siento como un bebé en su cuna al que le cantan una nana. Tienen ese efecto balsámico canten al amor o canten a la guerra. El pasado 23 de enero presentó su último trabajo, “Todo pintado de plata”. Este álbum es el resultado de una campaña de micro mecenazgo exitosa que logró alcanzar la cantidad necesaria para el proyecto con diez días de adelanto. Una muestra del apoyo con el que cuenta la artista gallega. Lo he escuchado unas ocho veces seguidas sin perder fuerza en ningún momento, reteniendo mis sentidos. Para quien ame este estilo de música, amen.•


CURIOSIDADES Las 20 bandas gallegas con nombres más extraños (segunda tanda)

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Segunda hornada de bandas. Otras 20, todas de Galicia y en activo, con nombres cuando menos originales. ¿Dónde quedan esos nombres tan auténticos como Obus, Leño, Barón Rojo, Aerolíneas Federales, Dinamita pa los pollos…? Bueno, no, esos también son un poco extraños. El caso es que desde siempre los grupos han tenido un problema al buscar ese nombre original, potente, pegadizo, sonoro, que sea bandera y consigna para su generación. Y además los nombres más chulos ya están cogidos como ACDC o Led Zeppelin. Así que la gente se lanza a la aventura de buscar nombre y tiene dos opciones: aceptar la primera idea que surja por muy surrealista que sea, o excavar en las profundidades del subconsciente hasta enlazar eros y thánatos en un nombre único que sea un mantra para una legión de seguidores. 20. Es un árbol, obviamente hicieron lo primero. La banda de Pontevedra es una referencia y una eminencia en Galicia, el rock absurdo como medio, invadir Chipre y dominar el mundo como fin. Gente extraña que colabora con el Colectivo Metamovida.

19. Los Televisores. Indie pop para todos o punk pop o garage pop y algo de psicodelia, sólo así puede salir este nombre tan directo. Otros que dijeron una palabra y vieron que a nadie se le había ocurrido llamarse así. Un logro desbloqueado. 18. Solfabirras, o punk salvaje. Esta gente excavó a fondo para unir sus dos pasiones. Lo han conseguido. En la sencillez está el gusto. Música y cerveza. Perfecto.

17. Metralletas Lecheras. Al sacar el tema de Los Televisores tiras del hilo y sin querer sale el Sr. Anido y su colección de grupos con nombres imposibles. Venga, va. Allá van. El primero Metralletas Lecheras, experimental y surrealista como todos los grupos de Rafa Anido. El que no los ha visto…bueno…hay que verlos para describirlos. 16. Travestí Afgano. Otro grupo de Rafa Anido. Un señor que lleva muchos años en el underground gallego…de hecho él es el underground gallego, al menos en Santiago. Después de grupos tan bonitos como Jimenez del oso, Jimenez los Santos, Hemisferio Izquierdo, Fraga y los Iribarnes, Iribarnes, Lamesugus, Taxi Driver… al fin tiene un reconocimiento que

su generación le negó, y triunfa en la nueva ola de grupos underground. Claro, nunca se fue.

15. Diola. Viene de mecagoen..diola. Y son supervivientes de Unicornibot reconvertidos en otra cosa. Ya os hablamos de ellos y los recomendamos, así que nada más, que luego se creen que les hacemos la pelota. 14. Agónica. El death metal es un filón de nombres originales. Agónica, gallegos de Vigo, son un ejemplo. Pero hay más, todos hablan de sufrimiento, sangre, vísceras, desmembramientos y cosas agradables para la noche del domingo antes del lunes.


13. Misterioso Viaje a Holanda. ¿Véis lo que pasa cuando se dicen cosas tras fumar cigarros de la risa?… Tienes un grupo, te plantas a planificar tu futuro y escoges este nombre. Ya está. Has triunfado si haces pop. Si haces death metal no, entonces no has triunfado. Tendría que ser Visceral Viaje a Holanda por lo menos.

12. Monstruo. De Ourense para el mundo. Si los has visto en directo entenderás el nombre. Era eso o La Banda que te Revienta la Cabeza. Y para escribir es más corto Monstruo. Mis favoritos de la lista y compartí escenario con ellos. Respect! 13. In-Verno. Melodic Dark Metal. ¿En serio existe esto? Pues sí. In-Verno… reminiscencias a Juego de Tronos, espadas, brujería, vampiros, muertes pero sin perder romanticismo ni épica. Nombre elegido por descarte. Las otras alternativas eran Ver-Ano (descartado por razones oscuras), Prima-Vera (cosas de familia) y O-Toño (que resultó ser un pariente de la cantante). Así quedó InVerno. 12. Comando Katana. El Rap tiene su espacio. No todo van a ser nombres americanos. Son de Compistolas y así lo reivindican este grupo de DJ’s, MC’s, Selektah’s, Producter’s y cosas acabadas de ‘s. El nombre se debe a …ni idea. Se lo pregunto y os lo cuento en otra ocasión.

11. Trópico de Grelos. Percusionistas y sospechosos habituales de acudir a acada evento carnavalero gallego. Batukada incansable, baile inagotable y nombre inolvidable. 10. La Casa de los Ingleses. Indie pop, Pontevedra, hipsters con barba hasta el ombligo. El nombre tal cual. Algo indescifrable que queda bien decir mientras compartes un gin con cardamomo. Oye, me encanta La Casa de los Ingleses….queda mejor que… Oye, me encanta Internal Suffering… .¿o no? 9. Pálida. Tío, asúmelo. Te llamas José Garnelo. No hay más. Pálida no existe. Eres tú. Te queremos. 8. El Puto Coke. Uno que lo tiene asumido. Desde los tiempos con Gran Purismo, el Coke ha evolucionado hasta lo que es hoy, el Puto Coke. Se puede decir más alto pero no más claro.

7. Buogh! Más metamovida. Buogh! son un grupo tan raro que sólo tocan un par de veces al año y cuando les da la gana. El nombre viene de la expresión de los miembros cuando les invitan a un festival. 6. Colectivo Oruga. Extraño combo de música electrónica. Pertenece a la discográfica Matapadre junto a Es un Árbol, Bala, Guerrera…y son de esos que salen en Los Conciertos de Radio3. No, es en serio. Con ese nombre es lógico. Llamas a la 2 y dices, hola, soy de Solfabirras y quiero tocar en

Radio3….te dicen que ni de coña. Pero si te llamas Colectivo Oruga, eso es otra cosa. 5. Los Puta Mierda. Colegas de los Solfabirras, punk, trío. Cosas sucias a golpe de guitarra. Pero a ver, tres palabras y dos malsonantes. Sobra “Los”. Yo lo dejaría en Puta Mierda. Triunfo seguro entre la punkarrada gallega y los aficionados al kalimotxo. O mejor Puta Mierda de Cojones. Nos vamos un poco al machismo, pero funciona. 4. Los Locos Hongos. Dúo con disco bajo el brazo. Psicodelia en el nombre, pero contundencia en el andar. 3. Al fondo hay sitio. Herederos de El último de la Fila. La otra posibilidad era Arrímate pallá, pero sonaba a cumbia colombiana. También manejaron llamarse Córrete o Ábrete, pero se dieron cuenta de que la gente sólo vería el lado sexual y no una elección entre las dos posibilidades para dejar que alguien se siente en un banco: correrse a un lado o abrirse y dejar todo el sitio libre. Al final todos dijeron que para qué discutir si Al Fondo hay Sitio.

2. Pus de Alce. Por más vueltas que le doy no entiendo qué quieren decir. Por eso están en el número 2. ¿Qué mente perturbada llama así a un grupo? 1. No es un grupo, ni es gallego. Pero quiero compartir una reflexión con vosotros, querid@s niñ@s. Cuidad los nombres de los grupos. En Woodstock tocaron The Who, The Band…y afortunadamente no estaban Yes. Pero se dieron malos entendidos.•

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Daniel Díaz Fentanes percusión sin límites por Marco Fernández. Fotografia de Marco Fernández

Daniel Díaz Fentanes nació en Saint Etienne, pero es más gallego que el pulpo. Llegó a Galicia con unas baquetas rotas a la edad de 5 años y ahora es maestro en la categoría de Jazz. Es un músico hecho a sí mismo, que lleva la percusión en el cuerpo desde que tiene uso de memoria. “Aprendí a tocar delante de la mini cadena de mi hermana, cantando las baterías y tocando en el aire con unas baquetas rotas que me habían regalado.” Tuvo un primer desencuentro con la música clásica al no encontrar formación de batería dentro del programa del conservatorio, “cuando vi que el programa no incluía batería, directamente me fui”, y no fue hasta los 27 años cuando pudo ingresar en la Escuela Superior de Música y Artes Escénicas de Oporto y hacer la especialidad de Jazz, pudiendo estudiar batería. Su camino hacia el Jazz, por supuesto, no fue en línea recta en lo musical. “Comencé tocando en grupos de rock haciendo versiones de Nirvana y The Smashing Pumpkins, pero cuando decidí que quería vivir tocando me di cuenta

de que el máximo exponente de la batería está en el Jazz. Encontré un disco de John Coltrane llamado “A Love Supreme”... era la primera vez que escuchaba algo así... no había entendido nada de lo que había pasado pero aquello tenía más energía que todo el rock que había escuchado... y me atrapó. Creo que el Jazz es donde realmente explota mi mayor potencial, y me dirigí hacia allí”.

Me di cuenta de que el máximo exponente de la batería está en el Jazz

La especialidad en Jazz le abrió muchas puertas y le mostró cómo sacar el máximo partido del instrumento, y la ocasión de rodearse de un entorno tan especializado y profesional, le hace admitir que se nota en los resultados. Aún así,

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advierte de la importancia de experimentar todo tipo de música: “cuando ya entras en una escuela enfocada al Jazz, la mayoría de las experiencias profesionales que puedes acumular son en esa rama, pero desde luego también conoces a otros músicos súper creativos, que no sólo se direccionan al Jazz, y ahí se abren más puertas a otros campos. Yo mismo estoy interesado en multitud de estilos, no soy “racista” musicalmente hablando.”

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Habiendo formado con bandas tan potentes y variadas como Artur Serra, Antonio Serrano, Voro García, Samuel Leví, Nicolas Pastoriza, Cró!, Milknaut, Mariana Vergueiro, McCarren Pool Factory, Triadic Model, Pablo Reyes, Juyma Estévez, David Regueiro, GdJazz Trio, Ceodei, Esmae BigBand, invasive sessions… se encuentra en el momento de iniciar su propia creación, que este mismo año presentará material. “El proyecto lleva mi nombre, Daniel Díaz Trío, junto a Xan Campos al piano y Javier “GdJazz” Pereiro a la trompeta. Las composiciones son mías y a los oídos de alguien que se acerca al Jazz por primera vez le parecerá algo así como Jazz “Moderno”, un entendido en el género te dirá que de Jazz tiene poco, cosa que es totalmente cierta, ya que sólo me interesan algunos conceptos de esa música y no es mi pretensión en ningún momento formar parte de una línea continuista del Jazz. Tiene partes de improvisación, partes de creación, que no es lo mismo que la improvisación, y un intento de ser onírica, de crear imágenes. La veo más cerca de las bandas sonoras que del Jazz, pero no creo que las etiquetas sean algo bueno ni necesario.” El pasado 16 de enero nos sorprendió con un set de Dubstep, formando equipo con un famoso Dj de Santiago, como parte de uno de los espectáculos de Invasive Sessions. La sesión fue un espectáculo único, que desató las pasiones ante un público totalmente entregado. Algo nunca hecho aquí en Galicia. Nos llamó mucho la atención el equipo de percusión con el que acometió la sesión: “el set que pudisteis ver en la sesión con Nerv es un set especial que monto sólo para él. Yo lo llamo “El Monstruo” (risas), y sí, es muy completo, lleva entre otras cosas

Del dubstep, nos dice “para mí es el espacio perfecto donde desarrollar conceptos que yo tengo como batería y poder ser creativo


dos Hihats, uno de ellos de 18 pulgadas, doble pedal para el bombo, dos cajas y muchos artilugios para hacer efectos. Cuando empecé a pensar en cómo quería que fuera mi kit para las sesiones de Invasive, siempre quise escapar de incorporar electrónica, me parecía demasiado obvio, y preferí hacer un set totalmente acústico en el que incluyera cosas físicas para hacer ruidos parásitos y efectos que están tan dentro de géneros como el Dubstep; entre esas cosas están los cuencos tibetanos, platos rotos, bandeja de camarero, campanitas... y todo lo que encuentre que al golpearlo me guste... y que se pueda transportar ¡claro!.” Del dubstep, nos dice “para mí es el espacio perfecto donde desarrollar conceptos que yo tengo como batería y poder ser creativo en una música en la que la rítmica es casi el 80 por ciento”.

Le preguntamos acerca de la dificultad de trabajar en un estilo tan acelerado y en un formato tan exótico como es el de DJ vs Batería y sobre la creación del show musical: “Trabajar con Nerv es la cosa más fácil que he experimentado como profesional nunca. Creo que tenemos un concepto de la música y la estética muy parecido, y eso ayuda. Yo elijo temas que creo que pueden funcionar, él elige otros tantos, nos los enviamos, descartamos, se monta una sesión, la graba, me la envía, la escucho (porque hace unas sesiones brutales!), nos vemos el día de la sesión y el tipo lo hace a tiempo real tal cual me la había mandado... ¡fácil!” Dubstep, jazz, bandas sonoras… todos campos muy profesionalizados y muy variados. Cuando le preguntamos por sus motivaciones a la hora de unirse a un proyecto nos contesta: “A veces simplemente te mueve pagar naranjas para el desayuno, pero aún siendo sólo por dinero, nunca podría formar parte de algo en lo que no creyera o no estuviera en mi discurso estético. Pero mientras haya naranjas en la nevera, siempre se pueden acumular experiencias que quieras tener. Es lo que me mueve a crear mi propio grupo con mi idea de la música, o unirme a un colectivo como Invasive.” Para cerrar el reportaje hemos pedido a Daniel que nos deje algo para transmitir a los lectores de Pentavox: “Lo primero agradeceros el interés y segundo es algo que digo en mis clases: no pierdas el tiempo haciendo algo que no ames. Es un poco Paulo Coelho, pero para mí es de primero de coherencia.”•

Aún siendo sólo por dinero, nunca podría formar parte de algo en lo que no creyera

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ENTREVISTA

Alarido Mongólico

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Quisimos someter al “ente universal” Alarido Mongólico a nuestro test más loco, y al final fuimos nosotros los que acabamos sometidos a su todopoderoso sentido del humor absurdo. ¡Arrodíllate mortal! Alarido Mongólico ha bajado de su nube para otorgarnos su decálogo:


Pentavox: ¿Sois pareja sentimental?

PV: ¿Si fuerais una pareja de superhéroes quienes seríais?

Alarido Mongólico: Soy como Dios, pero existiendo. Pues uno es todo, y todo es absoluto. Relleno de amor.

AM: Batman y tu madre. PV: ¿Y si fuerais un videojuego?

PV: ¿Estáis preparados para ocupar el hueco que dejó Bowie? AM: Batman y tu madre Bros. AM: Bowie estaba ocupando ese espacio hasta mi retorno. PV: ¿Cuántos maravedíes cuesta una fanega de centeno?

PV: ¿Vuestra música es el fiel reflejo de una sociedad decadente o un grito de esperanza para la humanidad?

AM: Según La hacienda arzobispal compostelana: libros de recaudación 1) 481-83 y 1486-91) una fanega de centeno costaba veinte maravedís en el siglo XV. A esto habría que añadirle un plus debido a la inflación.

AM: Sí

PV: ¿Por qué casette?

AM: La vida por delante de tus ojos. A cámara lenta. Mientras la persona a la que más quieres en este mundo está encima del escenario cantando para ti. Y te mira. Te sonríe. Y tú quieres llorar pero no puedes, porque cuando te quieres dar cuenta te has hecho caca de la emoción. Y entonces la gente te coge en volandas, y todos corean tu nombre. Y entonces sonríes. Y la caca se esparce por todas las personas, que también sonríen. Y la caca mancha sus caras, pero nunca dejan de sonreír. Cuando vas a limpiarte descubres que en realidad tú estás limpio. Has hecho un perfect. Algo así pero con fuego y truenos.

AM: Porque tú te agachas y Alarido Mongólico te la mete. ¡Y lo edita Ferror Records! PV: ¿Cuántos litros de amor se necesitan para vender un disco? AM: Los discos están pasados de moda, y con el amor no se pagan ni putas ni yates. Quiero amor, porque una vez que te quedes dormido puedo robarte la cartera. PV: ¿Fuego Thunder Trueno es el nuevo Pokémon? AM: Está el Pokémon que es un arcoiris. Y después está el Pokémon... a ver, espera... 7ª generación. No lo encuentro. Aún así, FUEGO THUNDER TRUENO es mi padrenuestro.

PV: ¿Qué se puede esperar de un “show” de Alarido Mongólico?

Su nuevo single “Arrodíllate Mortal” ya está disponible, y a mediados de abril estrenan su nuevo videoclip “FUEGO THUNDER TRUENO”. Si ya estás contando las horas para que salga todo el material te recomendamos encarecidamente que busques algo mejor que hacer con tu vida.•

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Audiovisual

SERIE Ash vs Evil Dead, primera temporada: el retorno del mal La motosierra y la recortada de Ash (Bruce Campbell en “Posesión infernal”) llevan 30 años cogiendo polvo en la caravana. Una noche loca, una hierba extra potente y el Necronomicon provocarán que el mal vuelva con todo a la tierra con ansias de venganza. Los incondicionales de la trilogía “Evil Dead”: Posesión infernal, Terrorríficamente muertos y El ejército de las tinieblas, estamos de celebración. Y es que Sam Raimi y Bruce Campbell vuelven con una serie que da continuidad a la historia original de Posesión Infernal. Han pasado 30 años de los hechos sucedidos en la cabaña del bosque donde encontraron el libro de los muertos: El Necronomicon. Ash lleva una vida tranquila, se dedica a trabajar lo mínimo posible como reponedor de unos almacenes, ligarse a todo lo que se mueva o respire, pillarse unos pedos sublimes y lucir su mano de madera artesanal. Lejos quedan aquellos días de locura peleando contra los engendros del inframundo. Pero una noche loca, se lleva a una “churri” al parque de caravanas, se ponen hasta el culo de alcohol y porros y Ash decide tirarse el rollo y mostrar a su nueva conquista el objeto más exótico de su colección: El Necronomicon. Entre risas y bromas, deciden abrir el tomo y empezar a leer algunas notas de la transcripción que hicieron los expertos. Nada más excitante para una noche de sexo apasionado que invocar al mal del infierno a través del portal que es el libro de los muertos. Al día siguiente no se acuerda de nada, pero empiezan a sucederle cosas que le resultan familiares. Las puertas del infierno se han vuelto a abrir y ya no hay vuelta atrás. Por suerte, a Ash le va la marcha y todavía conserva las

habilidades que le convertirán en “el Jefe”, se enfundará en su faja y llenará el depósito de gasolina de su motosierra para volver a la carretera y a pelear contra las fuerzas de mal. Más viejo, más gordo y mucho más echado a perder que en las películas originales, pero con un saco de frases lapidarias que lleva guardando 30 años para soltarlas justo antes de apretar el gatillo: EL PUTO AMO. La primera temporada consta de 10 episodios, de una duración aproximada de media hora por capítulo, en la que la sangre, los tacos y el rock duro de los 70 y 80 acompañarán al protagonista en su periplo contra las fuerzas del mal. Un aroma descarado a serie b y humor gore “suave” se fundirán con un acabado retro muy del estilo de las cintas más locas y sucias de Quentin Tarantino. Una serie pensada para los fans de la trilogía original que, aunque puede ser disfrutada por cualquiera, dejará un poco en fuera de juego a los que desconozcan la serie de culto original en algunas partes de su trama. Los incondicionales de “Evil Dead” encontrarán en esta serie todos los elementos que hicieron un éxito de “Posesión infernal”: litros de sangre como para llenar una piscina, lenguaje soez, chistes macarras, efectos especiales cutres pero divertidos, una motosierra y una escopeta que vuelan durante todas las escenas de acción, decapitaciones, posesiones y un buen carro de chistes de mal gusto que alimentarán la figura del héroe de la cinta. Una delicia para los friquis. Como novedad se introducirán algunos nuevos personajes, como Pablo, ayudante y fiel amigo de Ash en el almacen donde trabajan y poderoso santero, cuyo tío chamán ayudará a Ash a convertirse en “el Jefe” que lleva dentro y sacar todo su potencial interior. Kelly, la nueva compañera que se ve metida en el lío sin comerlo ni beberlo pero que promete acabar siendo una aventajada aprendiza de las técnicas de Ash: seguir golpeando hasta que no quede nada… y seguir insultando y golpeando. Veremos también algunos nuevos accesorios para el muñón del protagonista y a algunos actores míticos de las producciones de Sam Raimi, como Lucy Lawless (Xena, Espartaco) o Mimi Rogers (Historias de la cripta, Austin Powers). En cuanto a la historia o al guión, no podemos caer en un análisis al uso. Hay incoherencias, giros demasiado rápidos y situaciones excesivamente forzadas, pero todo responde a un estilo definido de comedia en la que no todo tiene que tener sentido. Lo mejor que podemos decir de la serie es que es fiel al estilo “Evil Dead” y la sensación es de estar viendo una película más que un formato episódico. A veces la sensación de que cuando Bruce Campbell no está en escena la serie pierde fuerza

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es demasiado latente, pero nuestro protagonista siempre vuelve a tiempo para que el ritmo no decaiga. Hay firmada una segunda temporada, pero nos encontraremos con un final de serie totalmente autoconclusivo, gracioso, sorprendente y totalmente apropiado para un gran personaje como Ash Williams. Recomendable y muy disfrutable en pequeñas dosis, una puta locura que se sale de los esquemas convencionales. Si te gusta el gore gracioso, los chistes pre-muerte y la acción sin freno ni control has encontrado tu serie.•

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SERIE

Mírame cuando te hablo, una webserie donde se habla con las manos Tras una primera temporada plagada de éxitos, vuelve la webserie gallega con más éxito internacional. Una comedia que trasciende al gallego o al castellano, ya que su base es el idioma de signos. Con total seguridad habréis escuchado eso de que vivimos en una aldea global donde cada día aparece un milagro nuevo en forma de electrodoméstico tan útil como alienante, un milagro en forma de nuevo comentario más retorcido de un periodista deportivo, un milagro en forma de nueva aplicación android en la que te enseñan a cosechar una granja de calamares y nécoras. ¡No me enviéis más invitaciones, no quiero ayudarte! Mensaje subliminal comentado paso a hablaros de

un necesario milagro que por voluntad de Idendeaf, asociación sin ánimo de lucro que trabaja para la creación de material audiovisual y formación audiovisual en lengua de signos han sacado de la chistera mágica. Se trata de la webserie “Mírame cuando te hablo”, una serie en la que aúnan subtítulos, audio (doblaje) y el lenguaje de signos con el que los actores se comunican en hilarantes y disparatados capítulos donde se suceden multitud de situaciones embarazosas, dobles sentidos que te arrancarán seguro una sonrisa. Ellos mismos se presentan como “una webserie donde desarrollan situaciones cotidianas entre compañeros de piso, ambientadas casi todas en su casa. Humor, romanticismo, malentendidos, enfados, tensión…” Esta serie ha ganado numerosos galardones como el Toronto International deaf film & arts festival a la mejor comedia y el Bilbao Web Fest, entre otros. Es una propuesta necesaria decía porque existen personas (no colectivo, ojo) con unas dificultades para acceder con normalidad a material audiovisual. Con “Mírame cuando te hablo” se democratiza (qué bien queda esta palabra siempre) el acceso a la cultura, al humor por concretar. Comedia pura, lo distinto radica en cómo cuentan las cosas. Otro tema a destacar es que cualquier persona puede disfrutar de ella. No es una serie exclusiva para personas con dificultades auditivas ni es una serie para sensibilizar en sí. Es una serie para todos y todas que viene a ocupar un espacio hasta la fecha vacío. Cuando hablamos de estas propuestas decimos siempre lo mismo. Queda mucho camino por recorrer. Idendeaf y “Mírame cuando te hablo” son esos primeros pasos necesarios.•


SERIE

Empaña, una webserie tan mala… que es buena! Una sucesión de gags al estilo “La hora chanante”, pero hecho en Galicia. Humor absurdo tan malo… que te ríes. Conoce el piloto de “Empaña” y su peculiar estilo de comedia. ¿Sabes esa situación en la que alguien cuenta un chiste tan tan malo que todos se ríen? Nunca se sabe si se ríen del que lo cuenta por hacer una gracia horrible, de lo malo que es el propio chiste que no cabe en la imaginación que alguien lo

considere como tal o si el que lo cuenta es tan gracioso que hasta una chanza pésima cobra gracia. Los chicos de Atiza Films y Mariola Productions nos traen el capítulo piloto de la que es su nueva web serie: EMPAÑA, y nos ponen en la tesitura de decidir en cuál de los 3 apartados está su nuevo trabajo. Una sucesión de sketches de humor absurdo, rodados impecablemente por Álex Mariño y con un gran trabajo en el acabado y postproducción, así como en el apartado sonoro a cargo de Bruno Area. En el piloto dan a conocer lo que significa EMPAÑA, nos muestran algunas pinceladas de lo que va a ser su estilo de comedia y nos llevan a vivir unas cuantas situaciones absurdas que harán reír a más de uno. Una idea original de María Verdía, que viene a nutrir el panorama de las webseries en Galicia, uno de los formatos del audiovisual con más éxito de la actualidad. Personalmente, pienso que con el piloto aún es pronto para decidir. Cuando vi el primero de “El Método Sueco” me quedé algo frío pero con el paso de los episodios han sabido demostrar que son ya un referente. De este piloto puedo decir que el chiste que me gustó fue sin duda el más malo de todos, lo que dice mucho en favor del equipo de Mariola Productions. Apostar por historias cortas, rápidas e intensas y no bajar el ritmo de la narración ha de ser su apuesta en futuras entregas.•

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Tendencias 6ème galerie, Nuevos talentos según Vogue por Nacho Fraga

La idea nació hace solamente tres años de la iniciativa de dos jóvenes emprendedoras, aunque ya veteranas en esta industria de la Moda

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Felicitaciones a la firma coruñesa 6ème galerie por ser la elegida en la quinta edición del concurso de nuevos talentos, Who’s On Next, organizado por la revista Vogue. Una marca definida por la feminidad y enfocada a un momento muy especial. Nada menos que un premio de 100.000 euros y el apoyo y la publicidad de la célebre revista para impulsar su carrera. Un nuevo nombre que empieza. Un nuevo estudio y taller que parte de prendas de calidad cuidadosamente confeccionadas. Partiendo de la minuciosa selección de

aquellos lugares donde mejor saben bordar. La idea nació hace solamente tres años de la iniciativa de dos jóvenes emprendedoras, aunque ya veteranas en esta industria de la Moda. Así, un buen día, Alba Vázquez de las Heras y Menchu Mora García decidieron unir sus fuerzas creativas. Su bagaje profesional es amplio en firmas conocidas y reconocidas del sector; desde Alexander McQueen o Kenzo pasando por Bimba & Lola y, por supuesto, el todopoderoso grupo Inditex. Conocen perfectamente la trastienda de lo más granado del sector.


Experiencia no les falta. Así que las dificultades para unir fuerzas en una nueva aventura no existían. Definen su unión como telepática, un nivel de compenetración y compatibilidad exigente, con algo en común entre ellas, como no, su amor a París. Como a tantos otros, la inspiración en la Ciudad de la Luz es clara y romántica, reflejada en el nombre de su recién creado estudio, y gracias a ella y su evocación en el mutuo recuerdo se ha convertido en el aglutinante y nexo en común de una especial relación estrecha, estimulante y hasta extrasensorial. 6ème galerie nos propone una belleza relajada y serena, un tributo a la feminidad más dulce y romántica. Prendas delicadas que pretenden soportar el paso del tiempo, que permanezcan siempre actuales y vigentes, se niegan a seguir tendencias, prefieren seguir su idea y visión del mundo. Lo suyo son las prendas de los grandes eventos: el mundo de las novias y de las invitadas. Siluetas vaporosas y ligeras con maravillosos bordados, apliques de piedras o cristales con detalles vintage. Es lo que nos vamos a encontrar en sus colecciones para conseguir que ese día tan significativo sea muy especial, una boda. Un canto a la más bucólica y dulce feminidad. Huye de lo extravagante y estridente, por eso enamoran a tantas novias e invitadas. Tejidos, los conocidos que nunca fallan, gasas.

Están dispuestas las creadoras a romper esas normas no escritas a la hora de afrontar la magia que supone casarse. Más allá del blanco puro proponen más colores. No rehuyen ni siquiera del negro. La gama de colores es amplia para lo acostumbrado en este tipo de vestido. Todo para que ese “sí quiero”sea inolvidable. Larga vida.•

Nos propone una belleza relajada y serena, un tributo a la feminidad más dulce y romántica

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Talento y artesanía gallega en Juego de Tronos por Nacho Fraga

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Arantza Vilas es uno de esos talentos que pasan desapercibidos, que extrañamente no parece interesar a nadie, cuando ella forma parte de la trastienda de uno de los espectáculos más llamativos, una serie exitosa del panorama audiovisual actual como Juego de Tronos. Es simplemente sorprendente. Una gallega internacional, que realiza una concienzuda y compleja actividad artesanal para hacer realidad los sueños y la fantasía de muchísima gente. Convierte en realidad parte del vestuario de la 5ª temporada de la serie Juego de Tronos y eso es mucho. Una serie caracterizada por la riqueza de sus propuestas indumentarias además de por sus tramas, tan del gusto de muchos políticos

actualmente. Vestir a los prestamistas de Braavos es su empeño y cometido. Los vestidos están perfectamente estudiados para el medio donde discurre esa trama; en este caso se busca una imagen de riqueza y eminentemente urbana. La inspiración medieval es evidente, pero recreados con mucha libertad e introduciendo detalles muy originales, con un acabado y decorativismo preciosista y suntuoso. Atractivo y sugerente, sin duda. La tarea y especialidad de Arantza consiste en dar volúmenes y pátinas imposibles a las telas, para mostrar el paso del tiempo en la ropa. Un envejecimiento buscado así para conseguir la adecuada ambientación y esa coherencia que el


espectador espera encontrar al visualizar las escenas. Todo un departamento sólo para maltratar los tejidos, literalmente, y dar aspecto de usado a los acabados de esas telas. El realismo es una prioridad para la credibilidad de la serie, por mucho que sea un mundo autónomo y una fantasía que permite variadas licencias creativas. A través de sus trabajos más personales en su estudio londinense, Pinaki Studio, dedicada a trabajos de sofisticados y lujosos diseños, se dio a conocer poco a poco en este peculiar tratamiento de los materiales. Arantza Vilas utiliza diversas técnicas para conseguir este sorprendente y alucinante resultado. Es una verdadera alquimista del diseño. Sus herramientas son manuales, tradicionales y se inspiran en técnicas muy antiguas, sobre todo de origen japonés. Como especialista en grabado que es, su trabajo es minucioso. Utiliza métodos de oxidación sobre hilos metalizados para conseguir esa apariencia, cocinando literalmente los tejidos a fuego lento, como si fuera una buena comida, modifica las tramas de los tejidos. El volumen, por otra parte, se consigue

con moldes creados y fabricados por ella y su equipo para generar formas tridimensionales en las prendas a través de plisados sorprendentes. El resultado da unos tonos y unas texturas sugerentes en unos vestidos con unos acabados muy bien armados y construidos que quedan perfectamente integradas en la trama, completándola y dándole toda la credibilidad, situándola a un nivel de belleza que va más allá de lo que aparece en la pantalla. Se trata de crear algo que hable por sí solo, a través de verdaderas piezas de arquitectura textil. El resultado es una explosión vibrante y decorativa de las diferentes escenas en las que sale su obra. Están teniendo tanto éxito estos diseños, que los directores creativos de Juego de Tronos se están planteando lanzar una colección basada en el variado vestuario de la serie. Muestra el buen trabajo realizado por Arantza Vilas.•


Jorge Vázquez, La mejor colección de la MB Fashion Week de Madrid por Nacho Fraga. Fotografia de Marco Severini

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A los que nos gusta la Moda estamos de enhorabuena, estamos de celebración los que creemos en la Moda gallega y en la capacidad de sus creadores. El diseñador Jorge Vázquez ha ganado el premio L’Oreal a la mejor colección de la Mercedes Benz Fashion Week que se está celebrando estos días en Madrid. No ha sido para menos. Una vez acabada la presentación de la colección del genial diseñador gallego, los aplausos, suspiros o vítores de admiración han sido unánimes. Ya antes, todo el mundo buscaba la mejor posición entre el público. Todo el mundo tenía casi la certeza de que sería un gran evento. Jorge Vázquez llevaba diez años sin aparecer por la pasarela madrileña y llegó y conquistó al público, a su público, triunfó. Un elenco de lo más granado de la “beautiful people” de este país y del sector estaba pendiente, a la expectativa. No salieron decepcionados. Laura Ponte, Eugenia de la Torriente, Alba Carrillo o Eugenia Martínez de Irujo, entre otros, no tenían más que palabras de elogio. Su sentido comercial y de moda amable y ponible ha vuelto a mostrarse de una forma magistral en una colección de claras influencias orientalistas. El carácter estructurado de la mayoría de las formas en faldas y abrigos, bebe de la tradición más japonesa; se adivinan líneas que evocan esos sofisticados kimonos que todos tenemos en mente en las prendas que iban apareciendo ante los ojos de los

espectadores, que recibían con entusiasmo su colección otoño/invierno 2016/2017. Las formas claras y construidas eran una oda a la mujer más

Su sentido comercial y de moda amable y ponible ha vuelto a mostrarse de una forma magistral en una colección de claras influencias orientalistas

femenina y elegante. En la retina la primera impresión es una apoteosis colorista. Colores plenos y brillantes donde los bordados y los estampados definían por ejemplo unos vestidos lenceros en tul siguiendo técnicas de ejecución inspiradas directamente en los tradicionales mantones de Manila; relajados y vaporosos, que podían combinarse con bombers como toque moderno y siguiendo tendencia y esos abrigos bien estructurados con líneas tan bien marcadas


como realizadas, con una precisión del mejor patronaje y la mejor sastrería. Estampados de flores, rayas o cuadros, pensados como verdaderas porcelanas en verde jade, esmeralda, rosa cuarzo o rojo coral. Una explosión de color combinado con la sobria elegancia de los camel, azul marino o el gris bien amarrado de las prendas de abrigo caracterizaban la heterogénea paleta. Un contraste muy bien armonizado y equilibrado en su definición y con unos resultados efectivos y sorprendentes. Dignos de lo mejor del gran modisto Paul Poiret, según el consenso de analistas, introductor de la

naturalidad femenina en sus prendas. En una grandiosa escenografía cuidadosamente orquestada en el Ifema, entre plantas exóticas, pudimos ver una gran variedad de propuestas sabiamente unificados y con un hilo conductor que las unía amable y optimista. Resplandecían la batería de delicados tejidos: cachemira, el crepé, las lanas o muselinas cubiertas y acariciadas por lentejuelas, satén o encaje consiguiendo definir una atmósfera poética e hipnótica. Resplandecían zafiros, rubies y granates compitiendo con la sonrisa y la satisfacción del genial modisto gallego.•

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Mundo Freaky CÓMIC

BD RECOMIENDA... Emanon Recuerdos ¡Qué bonita historia de ciencia ficción existencialista! Tomando como punto de partida el casual encuentro entre dos jóvenes en un ferry, un chico amante de los relatos de ciencia ficción y una extraña chica tan atractiva como enigmática, Kenji Tsuruta traslada al lenguaje del cómic las historias y personajes pensadas por Shinji Kajio. Una trama que tiene mucho de puesta en escena teatral y en la que su principal atractivo reside en los diálogos de los dos protagonistas que nos atraparán sin darnos la mínima concesión a abandonar la lectura. Una historia tan sencilla como cautivadora, muy evocadora y que sin contar nada nuevo sabe atraer la atención lectora de principio a fin. Un manga que podrá gustar por igual tanto a los amantes de las historias de ciencia ficción como a los del cómic costumbrista e incluso a los que disfruten con una buena historia, no me atrevería a decir de amor canónico, pero sí de relaciones humanas que una vez acaba nos dejará no pocas reflexiones existenciales.•

La francesa

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No vamos a descubrir a esta alturas la brillantez de Carlos Trillo como fabricante de historias, su trayectoria habla por si sola, pero sí que vamos a hablar de la brillantez de su última propuesta. Un documental disfrazado de thriller o un thriller disfrazado de documental, como prefiráis, en el que con una base en la realidad de hablar sobre el mundo de la prostitución y la trata de blancas en el Buenos Aires de los años 20. En 1927, el escritor y formidable reportero Albert Londres emprende una investigación sobre la trata de blancas. Para ello, se entrevista con varios proxenetas en París y se embarca luego para Argentina, siguiendo sobre el terreno a las llamadas “francuchas”, las francesas, pobres chicas obligadas a hacer la calle. Lo primero que consigue este cómic es transportarte al ambiente porteño de esa época, por medio de la documen-tación y, por supuesto, a través de las expresiones porteñas omnipresentes en el relato (la cana, las minas, los canillitas, el sorete...). Una vez conseguido que el lector se meta en la historia, lo demás es fácil. Resultado, una historia de esas que atrapan de principio a fin, con un guión de manual a la altura de la maestria de Trillo y con una aportación gráfica del dibujante Pablo Túnica que sabe conjugar el clasicismo de la BD francesa con la nueva ola de autores como Sfar y adláteres. Grata sorpresa y un álbum a recomendar sin ningún tipo de duda.•

Heavy 1986 Shot in the dark, Navegando, Tú mismo, Sólo lo hago en mi moto, Rock ‘n’ Roll children... si todas estas canciones acaban de despertar en ti recuerdos de juventud, posiblemente este cómic tenga que estar en tu estantería comiquera. Heavy 1986 es un homenaje en forma de cómic costumbrista para todos aquellos que eran heavies en los años 80, con los troncos, los garitos, el loro, la birras y el Ozzy. Aunque ubicado en la zona periférica de Madrid no será muy difícil para cualquier lector el cambiar las referencias locales, como esa mítica Canciller, por las propias referencias personales de cada uno y disfrutar la historia en primera persona. Queda claro que Miguel B. Núñez, autor de este sentido homenaje, vivió esa época y sabe de lo que habla, porque las páginas de Heavy 1986 destilan mucho cariño por un momento y un modo de vivir la vida a través de la música que ya ¿forma parte del pasado? A ser posible, se recomienda disfrutar con la banda sonora que Miguel B. Núñez usa como hilo conductor de la historia. Prepárate, va a estallar el Obús.•


VIDEOJUEGOS

El nuevo evento rítmico de Capcom lleva firma gallega Capcom, el gigante japonés de los videojuegos, amplía su colección de temas en su juego de ritmo para móviles CROSSxBEATS, con un tema gallego. Denis Siks (Aldán) es el primer español en poner música a un juego de los míticos creadores de Street Fighter. Ya conocemos todos a Denis Siks, el flamante productor, asociado a la electrónica japonesa, del que hablamos en nuestro artículo de noviembre, por

¿Qué es CROSSxBEATS y qué es esto de un evento único? Pues CROSSxBEATS es el último juego de ritmo de Capcom, desarrollado por Naoki Maeda, conocido por ser el fundador y productor de múltiples entregas de la saga DanceDanceRevolution, pero en este caso, para el mercado de móviles y tablets. Un exitazo que Capcom lanzó a finales de 2013, y es hoy por hoy, uno de los mejores juegos de ritmo de la

Un gran logro, especialmente si tenemos en cuenta el elevado número de usuarios que todos los días juegan al famoso ”Rhythm Game”, y especialmente si vemos la repercusión mediática de los artistas que componen la selección musical: NAOKI, Cranky, BABYMETAL, RIP SLYME, tofubeats y tatsh (entre otros gigantes de la industria). Logro que le llega a Denis Siks en el mejor momento posible, ya que acaba

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sus éxitos en las emisoras niponas. Hoy nos trae una nueva alegría a modo de exclusiva, y es que, aunque ya lo sabía hace tiempo, nos ha hecho esperar al anuncio oficial por parte de Capcom para poder darnos esta noticia, que nos llena a todos los friquis de orgullo y satisfacción. Y es que el tema “Nightmares” de Seeds of the Upcoming Infection, ha sido seleccionado por los creadores de CROSSxBEATS para un nuevo evento único.

actualidad y el mejor considerado para móviles en el país del sol naciente. El tema “Nightmares” de Denis Siks entra desde ya en un evento especial, que durante una semana permite a los jugadores de la comunidad CROSSxBEATS jugar la fase especial a la que pone banda sonora, premiando a los jugadores que se la pasen con quedarse el tema permanentemente, para rejugarlo una y otra y otra vez hasta que se le grabe a fuego en la mente y no puedan librarse de él.

de sacar al mercado su primer álbum completo en solitario. Su nombre es “Chapter I: Outbreak” y verá la luz durante el principio del mes de febrero. Toda esta vorágine de noticias y oportunidades han llegado desde que forma parte del sello Attack The Music, con el que lleva años colaborando y que le ha supuesto la llave de la puerta de un mercado tan hermético como el de la electrónica japonesa.•


VIDEOJUEGOS

Tsioque: retorno a las grandes aventuras gráficas con un gallego a bordo Hoy os voy a hablar, queridos amigos de Pentavox, de un videojuego indie que está totalmente financiado por crowfunding y que probar su demo me ha causado una gran nostalgia. Una aventura gráfica que recuerda inmediatamente a sagas tan queridas como Monkey Island, Dragon´s Lair o King Quest (el 8 ni mentarlo). Hablamos de Tsioque. Creado por el estudio polaco OhNoo Studio (creadores de Tormentum, uno de los juegos indies con me-

Ya desde el principio el juego recuerda ese carácter a aventura gráfica de los 90 con una intro que a más de uno recordará a The Curse of Monkey Island, pero combinado con una ambientación de cuento de hadas que sabe tratar muy bien y que enseguida te transporta a un mundo de fantasía desenfadado. Los personajes más carismáticos son los Imps, los maléficos servidores del Mago que siempre te arrancarán una sonrisa al aparecer en pantalla, ya que

jores puntuaciones de 2015 [10/10 en steam] y con varios galardones) es una apuesta personal de su creador, Alek Wasilewski, como homenaje a su hija. Y en esto reside gran parte de su encanto, la protagonista (inspirada en la hija del creador) no es la típica princesa desvalida a rescatar. Es una pequeña princesa guerrera con un gran ingenio, muchísimo valor, una cara de mala leche del copón y un gran talento para desatar el caos allí por donde pasa. Además sigue los pasos de su madre (una reina guerrera de armas tomar) con lo cual, pondrá todo su empeño e ingenio en salvar al reino del malvado Mago de la corte (un oscuro personaje que arde literalmente en deseos de dominar el mundo).

no son los típicos malos genéricos que aparecen a raudales y que hay que apalear, si no que cada uno tiene su propio diseño, animaciones y carácter (amables, rudos, fuertes, bajitos, altos, desgarbados, de todo tipo) dando una gran riqueza a la aventura de Tsioque. Pero no por ello son menos peligrosos, ya que, como en Dragon´s Lair o King Quest, el resultado de una mala elección es la captura o la muerte. Por suerte, la princesa Tsioque tiene un gran número de aliados en forma de los animales (y otros seres) que pueblan el castillo. El juego trasmite mimo por sus cuatro costados con unas animaciones y dibujos hechos a mano y frame a frame (al igual que el ya comentado Ori and

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the Blind Forest), que ya despiden una gran fluidez a pesar de estar en una etapa muy temprana de su desarrollo y que destacan por su elevado número (cualquier objeto clicable tiene una). También cuenta con un sonido ambiente combinado con una banda sonora (obra de Edward Harrison y Elle Kharitou) sencilla que cambia a cada acción que hagamos lo cual ayuda muy bien a sumergirte en el juego y en ese ambiente de cuento de hadas. Además, el juego posee una sencilla interfaz consistente en que el puntero del ratón se transforma según las acciones que podemos realizar sobre cada objeto y un bolso que es el inventario de Tsioque. Para realizar todo esto, OhNoo Studio cuenta con una pequeña plantilla de 7 personas a la que hace poco se ha añadido como animador de personajes al vigués José Garnelo, director y animador del videojuego independiente gallego Saucer-Like y animador de Psiconautas, y del cual en breve os mostraremos una entrevista que le estamos realizando. Como se dijo anteriormente, aún se encuentra en etapa de desarrollo, pero apunta maneras, y para que podáis juzgar por vosotros mismos, los creadores del juego han puesto a disposición una demo gratuita tanto para Mac como para Windows. Así que os invitamos a visitar la página de Tsioque y, si queréis, aportar vuestro granito de arena en Slacker-Backers para que este videojuego vea la luz de manos de OhNoo Studio con la inestimable colaboración de José Garnelo. Y si alcanzan el objetivo, que también lo localicen al español para poder disfrutarlo aunque no tengas ni idea de inglés.•


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Cómo hacerte famoso a través de los videojuegos No os vamos a decir que será fácil. Vais a necesitar de todo vuestro tiempo y esfuerzo para alcanzar la gloria en youtube, pero os aseguramos que con este método y nuestras propuestas alcanzaréis vuestro lugar en el olimpo de los gamers. Una de las cosas que más llaman la atención en el mundo de los videojuegos es la cantidad de gente que publica sus “gameplays” en internet. Gente jugando a sus juegos favoritos, enseñando sus mejores jugadas, movimientos, hábitos, análisis… Pero dentro de esta categoría hay un tipo de vídeos que sobresalen por encima de los demás: el de los “retos imposibles”. Veamos algunos ejemplos recientes: Carrie Swidecki: Padecía obesidad; llegó a pesar 95 kg. hasta que se dio cuenta de

para ir al baño en tandas de diez minutos (descontados para el reto). Desde entonces, su popularidad ha aumentado tanto, que se dedica a subir vídeos y canciones propias para el mercado japonés. Si aún no lo ves claro, te lo damos aquí mismo masticadito: lo que tienes que hacer es coger el videojuego que más te guste, ese por el que no pasan las horas al jugar, y hacer algo impensable, loco, absurdo… que esté al alcance de muy pocos. Sólo necesitas horas de entrenamiento, paciencia y una propuesta original. La fama en el sector está a tan sólo unos meses de duro trabajo. Y por si te quedas sin ideas aquí te traemos unas propuestas que seguro que darían mucho que hablar: 1. Superar el Ninja Gaiden sin sufrir

tendrás que aprender cada paso. Echando cuentas calculamos que el proceso de aprendizaje para no morir en Hotline Miami puede abarcar unas 4.000 horas y unas 100.000 muertes previas, pero sería la hazaña más viril de la historia y pasarías a ser conocido como “The Man” en el mundillo del pixel. 5. Hacer la partida perfecta de Puzzle Bobble (o Bust-a-Move, para los más friquis) en un monitor de blanco y negro. El mítico juego de las bolitas de colores, pero con un extra añadido: no ver los colores. Este reto tampoco se ha hecho nunca, pero viendo detalladamente los vídeos del arcade original sabemos que se puede conseguir. Las bolitas de colores también tienen sombras características que las diferencian. Con una en-

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que no podía seguir así. Se refugió en los videojuegos para perder peso jugando horas y horas al Just Dance. Tras bajar 35 kg. se animó a compartir un maratón de baile en Just Dance 4 que duró 49 horas. Récord Guinness. Hoy en día, además de youtuber famosa es la imagen del juego Just Dance. Dodai2525: Este japonés tardó 3 meses en dominar Super Mario Bros hasta el punto de terminarse el juego con los ojos vendados en un tiempo de 14:46. Hizo el reto en vivo para los fans el pasado 27 de enero. Su vídeo supera las 100.000 reproducciones y ya ha firmado contratos con varios patrocinadores para mostrar su show en grandes superficies. Kinumi Cati: De Vigo, (Galicia), es una fan de Final Fantasy, que un buen día se propuso batir un récord oficial. Se pasó 38 horas seguidas jugando a Final Fantasy X ante la atenta mirada de los testigos en el hotel de Los Galeones, sólo parando

daño en el modo de dificultad más elevado: no hace falta que sea el Ninja Gaiden Black (de la XBOX original), con el Ninja Gaiden 2 o incluso el 3 nos conformamos. 2. Pasarse el Quake jugando sólo con los pies. En principio habíamos pensado hacerlo en dificultad pesadilla, pero siendo realistas con hacerlo en normal completo ya tendrías asegurada la fama. 3. Pasarse el Rock Band en solitario, con 3 instrumentos a la vez (sugerimos guitarra, bajo y voz) en la dificultad máxima. Por supuesto, cuando te lances a intentarlo, no olvides una cámara que te grabe también a ti, para que podamos disfrutar del espectáculo. Si añades un disfraz de Gene Simmons al lote y un par de gatos asustándose en el vídeo, probablemente tu fama trascienda mucho más allá del mundo de los videojuegos. 4. Pasarse Hotline Miami todo seguido sin morir. Es como una coreografía,

trenada agudeza visual y fijándote en el detalle, no necesitarás saber el color de las bolas para poder ponerlas en su sitio. Como la vida misma. Si consigues hacer algo de esta lista, sin haber caído en el desespero, tendrás un lugar garantizado en el olimpo de los gamers. Si grabas la experiencia recibirás al menos 200.000 visitas y si consigues que te lo validen de forma oficial habrás arreglado gran parte de tu vida. Estas son sólo unas propuestas de cosecha propia, pero seguro que exprimiendo un poco la mente se te pueden ocurrir muchas más para asaltar la fama en el mundo de los videojuegos. Lo que está claro es que para poder afrontar este tipo de retos tienes que estar en el paro, no tener familia, mascota o plantas, asegurarte de que alguien te de de comer, y disponer de un buen surtido de coca cola, patatillas… e incluso pañales en los casos más extremos.•


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iconos culturales de los videojuegos por David L. Adrio

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Hoy hacemos un top de los más interesantes, no sólo para los seguidores de los videojuegos, gamers o players, sino para todo aquel que haya usado o visto una videoconsola en los últimos 40 años, los grandes iconos culturales de los videojuegos. Aquellos que marcaron época y que se pueden considerar conocidos por la inmensa mayoría de la gente, hasta tal punto que son parte de la imagen y cultura de esa época. A su vez intentaremos explicar porqué hay desde hace unos años, en nuestro ocio electrónico favorito, una absoluta falta de iconos que impacten en la cultura. Empezamos.

1970:

Época de los primeros jugadores y realmente cuando empezó toda esta locura de universo digital. Aquí nos encontramos con Atari, la gran fundadora de todo este tejemaneje que nos hace vibrar y evadirnos, con la aparición de su mítico videojuego y consola, tan mítico que has tenido que estar 40 años perdido en la jungla o en una isla desierta para no conocerlo (hasta ha salido en los Simpson, hombre de Dios): el Pong, considerado por muchos el primer videojuego de la historia (aunque, en realidad, el primero se diseñó en 1947 con el nombre de Dispositivo de Entretenimiento de Tubos de Rayos Catódicos [merchandising Powa, bitch]). El que no se ha echado una partida al Pong al menos una vez en su vida no merece llamarse gamer, y para que veáis que somos buenos os dejamos un enlace para poder jugarlo http://www.ponggame.org/. Seguimos viajando en el tiempo.

1975:

Aquí ya había empezado todo, llegando los videojuegos al gran público con la apertura de los salones arcade, más conocidos como las recreativas o “los vicios”, cuyos muebles se pudieron llegar a ver en cualquier bar o restaurante de carretera (principalmente para que los niños no diesen el coñazo en la sobremesa al cómodo precio de 25-100 pesetas). De las recreativas en este lustro el más famoso fue el Asteroids (http://www.freeasteroids.org) que por su sencillez, jugabilidad y enganche que generaba es además uno de los grandes ejemplos del diseño clásico de videojuegos.


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1980:

Continuamos con dos grandes videojuegos de las recreativas, que tardarian un poco más en llegar a nuestros hogares (excepto que tuvieses la gran suerte de tener una Atari 2600 o un Amiga), por un lado Donkey Kong (http://www.minijuegos.com/juego/donkey-kong) la primera aparición de tres de los grandes iconos de Nintendo: el propio Donkey Kong, Mario y Peach, y por otro su gran competidor de la época, Pacman (https://www.thepcmanwebsite.com/ media/pacman_flash) la gran creación de Toru Iwatani (mientras se comía una pizza) rebautizado en España como “el comecocos”. Es un juego, al igual que Pong, que todo el mundo ha jugado una vez en su vida y que tuvo (y tiene) hasta una serie de dibujos propia (horrible, todo hay que decirlo).

1985:

Si para los comics el inicio de Marvel se considera la época de oro, en los videojuegos tenemos estos cinco años con el lanzamiento de las primeras videoconsolas de Sega y Nintendo. Pero como todo el mundo que haya jugado en una sabrá, el gran icono de esta época es la NES y la mascota Mario, el más grande icono de los videojuegos (¿por qué Mario?, ¿por qué te hicieron esa m… de película?) un personaje también conocido por toda persona mayor como “el Super Mario Bros” y cuyo lanzamiento de videojuego no hace falta presentar y cuyo diseño de nivel inicial se da ahora en las carreras de diseño de videojuegos de todo el mundo. Si en las consolas Mario fue un antes y un después, en las recreativas había una máquina que sin duda generaba colas e ingentes beneficios: estamos hablando, como no puede ser de otro, de Street Fighter (con otra deplorable película) ¿Quién no ha ido corriendo a sus padres para que le diesen una moneda de 100 pesetas para echar una partida? ¿O ha gritado alguna vez HADUKEN? (O ha corrido espantado al ver a Jean-Claude Van Damme como Guille).

1990:

En la continuación de la guerra clásica de los videojuegos (Nintendo vs Sega) apareció la otra gran mascota del mundillo, Sonic, que al igual que Mario tuvo serie de dibujos animados, pero que no sufrió una película como la del fontanero o Ryu & company (gracias señores de Hollywood). En esta época apareció la consola más vendida de la historia, la Gameboy. Nos referimos, por supuesto, a la original, la ladrillo, la tocho, esa maravilla con pantalla bicolor (verde y negra) que hacía que después de estar unos cuantos días jugando al Tetris tuvieses los brazos de Hulk Hogan.

1995:

La revolución, ladies and gentlemen: en este lustro apareció la gran Playstation. Con la entrada de esta consola en el mercado se dió por concluida la guerra entre las dos míticas compañías de los videojuegos y empezó la era de las tres dimensiones con los potentes 32 bits de Sony (sí, se me quedó marcado en la memoria el anuncio, ¿pasa algo?). Marcó tanta tendencia que tus padres ya no decían que ya estaba bien de jugar con la consola, te decían: ¡Deja de una p… vez la play y ponte en la mesa a comer! (aunque tuvieses una nintendo 64). En esta época no tenemos un icono sólo, sino dos: Lara Croft y Pokemon,

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explotadísimos por el cine (2 y 18 películas más 6 series respectivamente), con unas sagas de videojuegos que aún perduran 20 años después (11 frente a 53!!) y con un nivel de merchandising sólo superable por Mario (y en el caso de los Pokemon no estoy seguro de esto último).

2000:

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La evolución en los videojuegos sentenció a muerte a uno de los máximos iconos culturales de los anteriores 25 años, un icono que salió múltiples veces como escenario en el cine desde los años 80 y que marcaba rutinas en el fin de semana de muchos de nosotros: los salones recreativos, que se vieron sustituidos por los cybers y por el reinado gráfico del PC (que con la aparición de Steam y las polémicas de los últimos años de demostraciones en el E3 de exclusivos de PS4 y Xbox corriendo en ordenadores no ha hecho más que remarcarse), dando una patada en las gónadas a la mayor parte de la prensa especializada que preconizaba la desaparición del PC como plataforma de videojuegos desde principios de los 90. En este lustro se remarcó la importancia de la saga Resident Evil (rescatadora del survival horror) como icono cultural que marcó la moda de los zombies con la aparición de las películas protagonizadas por Milla Jovovich (sólo falta sopa con figuritas de zombies en vez de Micky Mouse).

2005:

La democratización de los videojuegos, la Wii, el éxito más arrollador de Nintendo en este siglo XXI. Es extraño el hogar que no ha tenido una en estos años, lo que nos ha permitido ver lo que hace años sería impensable, gente de todas las edades jugando a los videojuegos, desde niños de apenas 2 o 3 años hasta ancianos de 70 u 80 años. Algunos llamaron a esto casualización, debido a que el perfil de los jugadores difería mucho del estándar anterior a la salida de la consola controlada por gestos de Nintendo, y la prensa especializada no tardoónada en demonizar a Nintendo por ello, pero nosotros le rendimos honores ya que crearon la última consola icono cultural universal de los videojuegos, y ayudaron a consolidar (aun más) a algún icono clásico como Mario o Sonic (hasta mi padre se pilla al bigotes en el Mario Kart). Pero como contrapartida no hay ningún personaje que podamos decir que sea un icono cultural de la época.

2010:

Menos mal que los chicos de Rovio nos dieron un respiro y gran aliento con Angry Birds, creando una de las sagas más innovadoras y adictivas del presente siglo que promete estar con nosotros muchos años en forma de películas, series animadas, merchandising y más videojuegos. A la vez reivindicaron el auge de las apps y la nueva plataforma predominante en los videojuegos: los móviles o smartphones. Y si no, confesad, cuantos videojuegos os habéis bajado en los últimos años desde google play o apple store.


2015 & beyond:

Y llegamos a nuestro presente y futuro, donde claramente no hay ningún icono cultural, solo destacaríamos a Minecraft (con una gran originalidad retro) y a la ingente cantidad de youtubers que hacen gameplays. Pero, claramente, no están a la altura de los iconos culturales que dieron los videojuegos en el pasado. ¿Cuál es la causa de esto? Seguramente la comodidad de un medio que ha visto como en menos de medio siglo ha pasado de ser marginal a mover más dinero que el cine y la televisión juntos. Y cuyas grandes multinacionales (excepto honrosas excepciones) no apuestan por proyectos originales y que arriesguen, si no por continuar sagas que exprimen hasta la extenuación y por fórmulas que llevamos jugando 20 años con pequeñas modificaciones gráficas, además de explotar formas de pago abusivas con el usuario al que antes se mimaba (DLCs, suscripciones, yo os maldigo!!!). Se quedaron atrás grandes revoluciones en jugabilidad como las que supusieron Super Mario Bros, Tomb Raider o el más reciente Angry Birds, además de personajes distintos y carismáticos como puede ser un fontanero de Brooklyn bigotudo y amigo de las setas, un erizo bípedo azul o una mujer arqueóloga, rica y aventurera que se vale por si misma (a ver si encontráis muchas más en los videojuegos). Por suerte, no todo es negro, y la gran cantidad de estudios independientes que buscan hacer algo innovador es gigantesca en comparación con los 30 años anteriores. Lo único que hace falta es que alguna de las grandes compañías se fije en uno de ellos y ayude a que el próximo icono cultural de los videojuegos salte a la fama.•

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Agenda 4MAR

Furious Monkey House. Teatro Colón, A Coruña. 20:30 Familia Caamagno + Cool Funeral. Sala Capitol, Santiago. 21:00 Eladio y los seres queridos. Fábrica de chocolate, Vigo. 22:00 Virandeira. Contrabajo club, Vigo. 22:00 The SoulJacket. Auriense, Ourense. 22:30

5MAR

Troy + Andrés Penabad + Luar na lubre + Miguel Campello + Nach. Arzúa, xxxx. 10:00 Andrés Penabad. Auditorio Cine Alovi, As Pontes. 21:00 Def con dos + Soplapaipers. Sala Pantalán, A Coruña. 21:00 Esquíos + Derradeiros. Gentalha do Pichel, Santiago. 21:30 The SoulJacket. La Pecera, Vigo. 22:30 Troy. La Iguana, Vigo. 23:45

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12MAR

Heredeiros da crus + ANHA + Mago de Oz + La Fuga. Coliseo, A Coruña. 19:30 Eladio y los seres queridos. Var con Uve, Moaña. 21:30 Rock Soul Fest 2016. SalaSon, Cangas. 21:30 Aphonnic + Vortex. La Iguana, Vigo. 23:30

18MAR

Aniversario Buenacalle. Masterclub, Vigo. 21:30

19MAR

Skunk D.F. + Vortex + Now I am. Sala Malatesta, Santiago. 19:30 Erin & DJ Mil + Sicario + Elio Toffana. Sala Capitol, Santiago. 21:00 Barbarian Prophecies + Enki. Transylvania, Vigo. 21:30 Santiautor 2016 Cincoparedes. Sala Sonar, Santiago. 22:00 Lexout + Carlos del Fruto + Tono. CarycarClub, Vigo. 23:45

20MAR

Virandeira. SalaSon, Cangas. 20:00

31MAR

SES. Teatro Principal, Santiago. 21:00


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