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Facultad de Arquitectura Universidad de la República Montevideo - Uruguay Medios y Técnicas de Expresión IV Equipo Docente: Gonzalo Ricardo Núñez Bonjour Estela López Castañero Ethel Carolina Mir Caula María Magdalena Peña


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FOTOGRAFÍA COMO MEDIO DE EXPRESIÓN ARQUITECTÓNICA


ÍNDICE  Introducción

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 Objetivos / Estrategias

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 Fotografía

14-16

 Julius Shulman

17-19

 Hiroshi Sujimoto

20-22

Olivo Barbieri  Biografía  Flippers  1880-1883  Iluminación Artificial

26 27-28 29 30-32

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 Realidad Virtual

33-34

 Mundos Reales

35-37

 Específicas

38-68

 Parques

69-71

 Tilt-Shift

72-75

 Tutorial Photoshop

76-82

 Flippers

27-28

 Post-producción

83-87

 Nuestra producción

88-99

 Conclusión

101-102

 Bibliografía

103-105

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introducción Existen diversas formas de representación de la arquitectura, como son los croquis, las maquetas, los esquemas, el dibujo técnico, entre otras. Estos medios tienen como característica común el ser representativos desde el proyecto arquitectónico, es decir, forman parte de la arquitectura desde que ésta empieza a formarse en la imaginación del proyectista, y lo siguen haciendo después de concluida la obra. Elegimos la fotografía, ya que encontramos en ella un medio de expresión diferente, que resalta ante los demás al ser el único que solo puede ser utilizado luego de que la arquitectura ya está materializada. Desde ella obtenemos un punto de vista único, debido a que puede ser el medio más representativo de la realidad objetiva, sin embargo cada fotógrafo obtiene resultados muy diferentes incluso fotografiando un mismo edificio.

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objetivos / estrategias Demostraremos como la fotografía puede persuadir, modificar o engañar la arquitectura, ciudad o paisaje, mediante efectos y técnicas empleadas con la cámara fotográfica y la post producción. Un claro ejemplo es Olivo Barbieri por cómo logra plasmar la arquitectura a través de diferentes técnicas y dejando en claro su punto de vista. Estudiamos y analizamos las técnicas de Olivo y las aplicamos para fotografiar la ciudad de Montevideo. Éste fotógrafo es contemporáneo ya que emplea técnicas que requieren la tecnología, como lo son los programas para post-producción y los lentes para efectuar efectos como tilt-shift. Sin embargo, esto no siempre fue posible por tanto analizamos las técnicas de la fotografía que se utilizaron a lo largo de la historia, y tomamos como ejemplo a Julius Shulman e Hiroshi Sugimoto, que son fotógrafos del siglo pasado que emplean técnicas más conservadoras.

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FotografĂ­a

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La Historia de la fotografía empieza oficialmente en el año 1839 en Francia, llegando a Uruguay en febrero de 1840. La idea de la fotografía surge como síntesis de dos experiencias muy antiguas. La primera, es el descubrimiento de que algunas sustancias son sensibles a la luz y la segunda fue el descubrimiento de la cámara oscura (1). La historia de la fotografía comienza en el año 1839, con la difusión mundial del procedimiento del daguerrotipo, desarrollado y perfeccionado por Daguerre, a partir de experiencias previas inéditas de Niépce. A partir de 1855 es cuando realmente triunfa el colodión, siendo el procedimiento mundialmente más usado hasta 1880. Después de este año, las placas al gelatinobromuro son las que triunfan, rebajando el tiempo de exposición a un cuarto de segundo, permitiendo posteriormente el concepto de fotografía instantánea. En 1907 la fábrica Lumière comercializa la fotografía en color. Son diapositivas o transparencias en vidrio, conocidas como placas autocromas o Autochrome.

(1) Para más información del tema, visitar la página adjunta http://boj.pntic.mec.es/jgomez46/documentos/cav/historiafoto.pdf

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En 1948 nace la fotografía instantánea de Polaroid: una cámara que revelaba y positivaba la imagen en tan solo 60 segundos. En 1990 comienza la digitalización del ámbito fotográfico: las imágenes son capturadas por un sensor electrónico que dispone de múltiples unidades fotosensibles y desde allí se archivan en otro elemento electrónico que constituye la memoria. En 1913 sale la primera Leica, y desde entonces el perfeccionamiento de las lentes y la mecánica de las cámaras ha sido enorme. En la actualidad los mayores avances se encuentran en las réflex monoculares de 35 mm., las mejores cámaras de hoy cuentan con velocidades de obturación de 1/8 de milésima de segundo, objetivos con hasta 15 grupos de lentes, 6 o más programas automáticos, entre muchas otras. Incluso puede dispararse con velocidades superiores a la millonésima de segundo y fotografiarse en total oscuridad, y se han llegado a fotografiar desde las simas abisales con cámaras provistas de fuertes juntas tóricas, al interior del cuerpo humano

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julius shulman


Julius Shulman, nacido en Estados Unidos en 1910, fue uno de los fotógrafos de arquitectura más conocido de todos los tiempos, y la "Case Study House # 22" en Los Angeles fue una de sus obras más conocidas. A través de sus numerosos libros, exposiciones y presentaciones personales de su obra, Shulman marcó el comienzo de un nuevo punto de vista del movimiento modernista a partir de la década del 90. En sus fotografías, fusiona la percepción y realidad arquitectónica de los edificios con el lugar que estos ocupan en su entorno y en el paisaje en que se encuentran. Su objetivo era no revelar únicamente arquitectura, sino reflejar en sus fotos las personas que viven esa arquitectura, que la sienten. Aportar humanidad a su trabajo, y aunque no aparezcan personas en él, esté presente. Actualmente, la mayoría de los edificios documentados por Shulman han desaparecido o han sido transformados, pero sus fotografías permanecerán siempre en la historia para recordarnos lo que fueron en sus mejores épocas.

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Desde Frank Lloyd Wright a Juan Herreros, algunos de los influyentes arquitectos que pasaron por el lente de Shulman, dejando sus espectaculares registros para la historia. Shulman, muri贸 en su casa en Los Angeles, en 2009 a los 98 a帽os de edad.

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hiroshi sugimoto


Hiroshi Sugimoto, es un reconocido fotógrafo japonés con una visión muy original y con mucha personalidad. Con un sentido estético muy fuerte, sus fotografías poseen algo particular: muchas posibilidades de interpretación, lo cual las hace sumamente interesantes. Hiroshi Sugimoto se instaló en Nueva York desde los 70. Desde su llegada a la gran manzana se sintió muy atraído por la sociedad norteamericana y el estilo de vida, retratando con su lente las demandas de esta sociedad a la que tanto admira, por lo cual sus imágenes conllevan una crítica implícita. Dioramas y Seascapes son unas de sus series más conocidas, en las cuales se ven plasmados sus capturas personales de edificios y monumentos importantes. Las fotografías de Sugimoto van desde lo conceptual a lo literal; ha retratado desde la naturaleza (1), a fotografías de moda, buscando plasmar su personal y original visión.

(1) Como la famosa fotografía del Lago Constanza que se utilizó como tapa de un Cd de U2, extraída del libro Seascapes .

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Sugimoto también es conocido por emplear métodos poco convencionales, y su pasión por experimentar distintas técnicas lo han hecho lograr resultados increíbles; gracias a un generador muy poderoso logró captar los efectos sobre negativos fotográficos de las partículas de luz de una descarga eléctrica similar a un rayo. En estas fotografías se ven detalles que no pueden ser percibidos por el ojo humano.

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olivo barbieri


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biografía Olivo Barbieri, nacido en el año 1954 en Carpi, Italia, es un artista y fotógrafo reconocido por su técnica innovadora, creando fotografías de paisajes urbanos reales que simulan profundidad de campo a través del efecto generado por el "Tilt-shift", el cual se logra al inclinar el ángulo de la lente al plano posterior de la cámara y crea un desenfoque gradual en los bordes superior e inferior, o los bordes izquierdo y derecho de la imagen filmada. La técnica se llama "Selected focus" y el efecto es que la imagen de una ciudad real se parece a la foto de una maqueta. Barbieri comenzó su carrera en la fotografía de estudio en el DAMS (Drama, Arte y Estudios Musicales) en la Facultad de Artes y Humanidades de la Universidad de Bologna. Después de 1971, su interés por la fotografía fue creciendo y, en un principio, centró su investigación en iluminación artificial. En 1978, participó en varias exposiciones en Italia y en el extranjero.

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En 1989 comenzó a viajar regularmente al Lejano Oriente, especialmente a China. En 1993, 1995 y 1997, Barbieri expuso su obra en la Bienal de Venecia, entre otras exposiciones internacionales, y en galerías y museos de Europa, América del Norte y China. En 1996, el Museo Folkwang de Essen, Alemania, dedicó una retrospectiva a su obra, que ha sido recogida por museos de todo el mundo. En 2003 Barbieri comenzó el proyecto "Site Specific", sitios específicos (fotografías y películas), que describe ciudades como Roma, Turín, Montreal, Amman, Las Vegas, Los Angeles, Shanghai, Sevilla, Nueva York y otros. Ha realizado varias películas de 35 mm dentro de este proyecto. En 2005 comenzó dos películas llamadas "Seascape" y "Riverscape", que fueron presentadas en algunos de los festivales de cine más importantes. El proyecto continua vigente hasta el momento, ya que este año ha fotografiado la ciudad de San Pablo. Barbieri ha ganado varios premios y reconocimientos por su trabajo a lo largo de toda su carrera. De hecho, varios libros y catálogos se han publicado sobre su obra.


Flippers Con 23 años de edad, Olivo Barbieri empieza a demostrar sus capacidades en la fotografía, interesandose en el arte callejero , encontrando cierto valor en escombros y pintura graffiti, que recuerdan al movimiento vanguardista Pop Art del siglo XX, que se destacó en Italia a los 10 años de haber nacido. Fotografías llenas de posters, comics y caricaturas que encontrados casualmente en ruinas forman lo que parecen ser collages.

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Estas imágenes fueron tomadas dentro de una fábrica de pinball (Flippers) abandonada y destruida. Ell proyecto realizado por Olivo Barbieri incluye 76 fotografías con textos del autor Francis Zanot.


1880 - 1883 En esta etapa de su vida, Olivo encuentra la inspiración en las ruinas y cómo éstas interactúan con la iluminación, creando un juego especial de luces y sombras. Aparecen detalles particulares en cada imagen, como puede ser una rajadura de un muro creada por un terremoto, o las columnas de una galería, o simplemente una serie de elementos dispersos por el suelo. En esta etapa, Barbieri se dedicó a fotografiar diferentes ciudades de Italia, como Verona, Livorno, Napoli, Montova, entre otras.

Yo estaba interesado en lo que había alrededor mío, el mundo, pero a su vez la ciudad también, su periferia .

1. Verona, Italia 1983 2. Pegognaga, Mantova Italia 1982

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Iluminación artificial Ya en esta etapa, Olivo Barbieri comienza a fotografiar en diferentes ciudades del mundo, y no solo ciudades Italianas. Entre 1985 y 1996 paises como Japón, China, Francia e Inglaterra son fotografiados por este artista. Éste encuentra la belleza de la arquitectura de estos países cuando se ven iluminados por luz artificial, la cual puede ser con el fin de simplemente iluminar, o también de resaltar la obra. Pero por otro lado, Barbieri comienza a encontrar detalles no solo en elementos arquitectónicos, sino también en elementos naturales, como mares y vegetales; y también de estos en interacción con arquitectura. Observamos como en algunos casos la iluminación juega un papel fundamental, al punto que puede modificar la obra de cierto modo, y en otros casos logra resaltarla fuertemente. Olivo logra encontrar el ángulo perfecto para poder capturar ese efecto que genera la luz.

Iluminación Artificial es un poco de confrontación entre el Este y el Oeste .

Roma, Italia 1987

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1. Osaka, Jap贸n 1992 2. Pisa, Italia 1992

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1. Roma, Italia 1995 2. Suzhou, China 1989


Realidad Virtual Entre 1999 y 2002 observamos que las fotografías son tomadas con algún efecto generado con la propia cámara, lo cual es digno de las nuevas tecnologías que en esa época ya comenzaban a aparecer. Dicho esto, también es notorio el trabajo de post producción con el que cuentan algunas de las imágenes. En esta nueva etapa del fotógrafo, sus imágenes comienzan a ser tomadas desde lo alto, tratando de capturar también el entorno. Mediante algunos efectos, se logra que la obra quede en un segundo plano, aparentando en algunos casos ser una maqueta. En otros casos, la imagen hasta parece un dibujo, más que una foto, haciendo honor al nombre que se le da a esta etapa de su fotografía: realidad virtual .

Ganden, Tibet 2000

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Potenza, Italia 1999

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Mundos Reales

Beijing, China 2008

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Ya no estoy interesado en ver y saber todo de una vez en mi trabajo. En lo técnico, selecciono el área de enfoque y, si es posible, intento hacer una fusión de cada forma y color en la imagen para que adquiera un movimiento circular: desde representación a la abstracción, desde la vida a la muerte, y vice versa . Yo nunca estuve interesado en la fotografía, pero si en imágenes. Yo creo que mi trabajo empieza cuando la fotografía termina . Olivo Barbieri Con el fin de resaltar la arquitectura, notamos como Olivo en esta etapa de su obra utiliza recursos como encuadres (líneas blancas) dentro de la misma fotografía para de alguna manera diferenciar lo que quiere resaltar de la misma, a lo que no, el entorno, dejando éste en segundo plano.

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1. Machao, China 2010 2. Harbin, China 2010


1. Manaus, Brasil 2009 2. Cavezzo, Modena Italia 2012

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Específicas Ya en este momento, Olivo encuentra su propio estilo, destacándose como un fotógrafo de arquitectura a nivel mundial. No se centra en ciudades Europeas, sino que salta a otros continentes, fotografiando ciudades como San Pablo, Tel Aviv, Bangkok, Las Vegas, Beijing, Ciudad de México, Estambul, entre muchas otras, continuando con los efectos utilizados anteriormente, pero cada vez de una manera más propia y original.

Es una forma de entender las diferencias entre un estilo de vida distinto; estaba interesando en lo íntimo . Olivo Barbieri

Nueva York, Seagram Building

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Montreal 2004 Desde su punto de vista aéreo, él toma fotos de la ciudad reconocibles y los reorienta en una luz mágica. La infraestructura y la arquitectura se acentúan a tal grado, que adquieren una hiperrealidad intensa, provocando admiración renovada.

1. La Ronde amusement park and the Jacques Cartier Bridge 2-3. Skyline

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Roma 2004 Viendo Roma a través de los lentes de Barbieri, vemos como decide resaltar lo que él considera más importante de la toma (como en todas sus obras). Crea un corto con el propósito de ver Roma de otra perspectiva, otra visión, ya que es una ciudad antigua muy conocida, por eso decidió miniaturizarlo.

Estaba curioso de saber qué es lo que pasaría cuando el foco de la cámara se moviera de un sujeto a otro. Todo se veía diferente. Había dobles distancias, una es bastante obvia, la distancia del helicóptero hacia el suelo y la otra es la distancia creada por este tipo de visión . Olivo Barbieri

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1. Panteón de Agripa 2. Plaza Popolo


Coliseo

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Los Ángeles 2005 El propósito de este trabajo es ir más allá para entender que pasará en el futuro de las ciudades. Dentro de los siguientes 20 años será muy interesante ver como se manejan con la cantidad de habitantes que habrá Olivo Barbieri

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1. Muelle de Santa Mónica 2. Banco de America Plaza, Two California Plaza, US Bank Tower 3. Aon Center, City National Plaza, Well Falgos Tower


Museo Guggenheim

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Nueva York 2007 Yo veo el mundo como una instalación temporal de un sitio específico, las estructuras, las infraestructuras, la base de nuestro sentido de pertenencia y la identidad, vista desde lejos, como un modelo a escala: la ciudad como un avatar de sí mismo. Olivo Barbieri

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1. Coney Island 2. Central Park´s Sheep Meadow 3. Flatiron building


1. Solow Building 2. Times Square

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San Francisco 2008 En ésta etapa, Olivo abandona la búsqueda con el uso del foco selectivo. Decide ir hacia atrás en el tiempo y comenzar desde el render y el dibujo.

"Al principio estaba interesado en la transformación de partes de ciudades en maquetas. Es un proceso virtual que incluso pone en cuestionamiento cada proyecto. Luego decidí ir más allá, a los comienzos, pasando por el dibujo, el proceso proyectual. Este nuevo punto de vista se convirtió en una manera de comprender el crecimiento urbano y pensar en el futuro." Olivo Barbieri

Pirámide Transamérica

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Lombard street

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Catania 2009 La a茅rea, es una vista completamente distinta, puedes realmente entender la forma y la escala del edificio. Florencia por ejemplo, es espectacular desde el piso pero cuando la miras desde arriba parece un teatro en ruinas. Cuando ves las cosas desde arriba no entiendes tanto el significado del lugar, su contexto, pero sus formas y escalas si, lo cual dan una visi贸n fresca y arquitect贸nica. Olivo Barbieri

Golfo de Catania

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Teatro romano en ruinas

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Milán 2009 En Milán, Olivo Barbieri no fija la atención sólo en los monumentos de la ciudad, como la Catedral o la Torre Velasca , pero también explora nuevas áreas tales como Rho y el sitio de la futura sede de la región de Lombardía , dejando al descubierto la estructura de una ciudad en plena transformación a la vuelta de la Expo 2015 . En las imágenes de Barbieri, plazas y calles, edificios y monumentos parecen perder consistencia , lo que permite la instalación con fuertes componentes conceptuales .

Edificio Pirellone

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Catedral de Milรกn

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Río de Janeiro 2010 En cada captura, Olivo hace resaltar colores y formas que le interesan, de manera que no se pierdan el resto de los detalles. La forma en que percibimos algo muy importante, porque después de que lo vemos, tratamos de entenderlo, pero sin una cuidadosa percepción puede que sea demasiado fácil ver lo que es normal . Olivo Barbieri

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1. Cristo redentor 3. Museo de Arte Contemporáneo de Niteroi


1. Puente en la favela Rocinha, dise単ado por Niemeyer 2. Catedral Metropolitana do Rio de Janeiro

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Bangkok 2010 El desafío es tener éxito en construir una historia que descoloque el lugar, luego relacionarlo con otros lugares para dibujar una imagen más grande que describa la forma de la ciudad contemporánea . Olivo Barbieri

Robot Building

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Baiyoke Tower II

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Chicago 2010 Barbieri reinterpreta espacios urbanos de aislamiento del ruido y el bullicio humano, que presenta a los ojos del espectador como pr铆stino, la representaci贸n en miniatura.

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1. Skyline 2. One Prudential Plaza 3. Auditorium Building a la derecha


1. Edificio Aqua 2. Marina City I, II

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Estambul 2011 La posibilidad de ver el desenfoque y enfoque al mismo tiempo, para mí era una manera de tener una confrontación entre el realismo y la abstracción. La fotografía es demasiado descriptiva: el paisaje con el árbol y cada hoja en particular, era aburrido para mí, porque la cámara toma demasiadas decisiones . Olivo Barbieri

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1. Handan Agha Mosque 2. Torres Trump


Edificio Sapphire

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Tel Aviv 2011 No nos estamos moviendo de la fotografía, la fotografía no nos está dejando . Nunca estuve interesado en la fotografía sino en la fotos. Yo creo que mi trabajo empieza cuando la fotografía termina . Olivo Barbieri

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Jaffa´s Clock Tower

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Londres 2012 Cada imagen está destinada a actuar independientemente pero, también, funcionan como un todo que es más que una suma de partes. El resultado es una serie de imágenes que se asemejan a fotografías. Los Londinenses son capaces de ver su ciudad a través de los ojos de Barbieri. Él espera que sus imágenes le permitan a los ciudadanos, descubrir algo nuevo acerca de su ciudad y también provocarles inquietudes acerca de la naturaleza de la percepción y el rol del fotógrafo.

ArcelorMittal Orbit

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"La textura de Londres desde lo alto en comparación con otras ciudades se parece más a un organismo vivo. Me di cuenta, inevitablemente, el latido constante de las arterias, las líneas de comunicación, en el diálogo continuo con la tierra y los edificios y la tierra ". Olivo Barbieri

1. London bridge

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St Paul Cathedral

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Los ángeles 2012 El desafío es tener éxito en construir una historia que discoloque el lugar, luego relacionarlo con otros lugares para dibujar una imagen más grande que describa la forma de la ciudad contemporánea. "Trato de definir los puntos atractivos de la imagen, como en una hoja escrita. Olivo Barbieri El resultado es un conjunto de imágenes las cuales no parecen fotografías.

1. Memorial Coliseum and Sports Arena

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Randy´s Donuts

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Parques AquĂ­ Olivo pretende destacar no tanto la arquitectura, sino mĂĄs espacios naturales. Mediante algunos efectos logra resaltar el verde de los vegetales y el azul del agua.

Capri 2013

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Victoria Falls, Zambia/Zimbabwe 2006

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Dolomites project 2010

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Tilt Shift


Def. Tilt Shift Se traduce al español como "fotografía con inclinación y desplazamiento del lente". Es una técnica que produce efectos surrealistas, haciendo que cualquier construcción aparente ser una maqueta. Es una manera interesante de llamar la atención sobre algún lugar específico. Tilt-Shift es una técnica en donde el lente mismo es inclinado con respecto al sensor de la cámara (el efecto se puede lograr también con cámaras análogas). Al inclinar el lente, y después desplazarlo hacia delante o hacia atrás, se logran dos cosas: 1. Que se enfoque solo una parte de la imagen, de una manera muy surrealista, ya que la "banda de enfoque" es proporcional a la inclinación del lente, lo que significa que se puede tener, como por ejemplo, la parte superior y la parte inferior de la imagen fuera de foco, y sin embargo, la banda central estar totalmente en foco.

2. Logra cambiar la perspectiva capturada en el lente, en una relación matemática que relaciona el plano del sensor con el plano del lente inclinado. Cuando se combinan ambas, se logra que nuestra mente capte la imagen como si ésta fuera de un objeto en miniatura, tomado con un lente bien de cerca. Existen tres maneras de lograr este efecto: 1. El uso de lentes especiales diseñados para hacer Tilt-Shift. 2. El uso de un lente más económico, diseñado por un mismo, para lo cual existen guías en internet. 3. El uso del lente Lensbabies 3G, que permite logra un efecto bastante similar.

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falso tilt shift A continuación demostraremos las técnicas o los pasos a seguir para realizar el efecto tilt shift en Photoshop pero primero lo que ayudara a determinar si el resultado final es creíble o no es la imagen que elijamos; tendremos mejores resultados si tomamos en cuenta las siguientes características: 1. Fotografías tomadas desde un lugar elevado y apuntando hacia abajo. Ya que cuando miramos una maqueta lo solemos hacer desde su parte superior, a la hora de engañar al ojo, esto será más creíble. 2. Cuanto menos se vea el horizonte, mejor es; aunque esto no es determinante. 3. A mayor resolución de la imagen, más real será el resultado final. De igual manera, el efecto que la imagen crea en el espectador es mayor cuanto más grande sea el tamaño de la imagen.

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1. Muestra la característica n° 1 2. Explica la característica n° 5


4. Los elementos verticales que ocupen gran parte del encuadre en un mismo plano van a ser nuestros enemigos, porque la banda de enfoque no debe dejar nítida sólo una parte de los mismos; por eso lo ideal es que la imagen esté compuesta por elementos dispuestos en franjas horizontales que no se mezclen entre sí. Como lo son las carreteras y vías de trenes, ya que son elementos horizontales que fotografiados desde arriba dando un plano único del que podemos desenfocar la zona que queramos a voluntad. 5. El colorido es primordial, ya que vamos a tratar de dar a la imagen una apariencia de plástico mediante la saturación de los colores y la variación de la curva tonal; los colores muy vivos al final de la escena serán más creíbles para el espectador.

Figura 1 y 2 marcan la característica n° 4

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tutorial - photoshop 1. Abrimos la imagen elegida en Photoshop. Ésta fotografía está tomada desde un lugar elevado y con un ángulo considerable, tenemos un plano sin elementos verticales el cual permite trabajar sin problemas.

2. Elegimos la máscara rápida (tecla Q ) Una pulsación sobre la tecla 'Q' activará una máscara rápida que modificaremos en el siguiente paso. Lo único que vas a ver al pulsar dicha tecla es que la barra de título de la imagen cambia para mostrar el modo en el que nos encontramos ahora (como vemos en la imagen) pero nada más.

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3. Herramienta de degradado (tecla 'G') Empleando la herramienta de degradado seleccionamos la zona que dejaremos nítida en la imagen final. Tal vez sea este el paso más delicado de todo el proceso: se trata de elegir la zona (en realidad es una banda horizontal) que va a quedar nítida en la imagen, por lo que se supone que es donde vamos a centrar nuestra atención, quedando el resto más o menos desenfocado en función de la intensidad del filtro que luego aplicaremos. Para seleccionar dicha banda vamos a elegir la herramienta de relleno degradado (tecla 'G' o haciendo click sobre el icono que he señalado en la imagen) configurándola en el modo de degradado bilineal para que la transición sea suave (cuarto modo comenzando por la izquierda en la barra de herramientas superior). Ahora, para elegir la zona de la imagen que quedará enfocada, pincharemos con el ratón justo en el centro de lo que será dicha banda y trazaremos una línea vertical que marcará el final de la misma.

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Veremos que en el momento que levantemos el dedo del ratón aparece una zona roja suavizada que será la que marque los límites del filtro que emplearemos a continuación. Tener en cuenta de que si pinchamos y trazamos una línea de tres centímetros, el centro de la banda enfocada estará en el lugar del pinchazo y sus límites estarán tres centímetros por arriba y por debajo de dicho punto. Lo mejor para dominar la definición de esta banda es probar una y otra vez hasta que veamos que el resultado es el deseado. Por lo general, si la banda está muy cerca de la parte superior o inferior de la imagen, el resultado no será demasiado espectacular. Lo ideal es situarla en la zona central o al menos dejar libre el cuarto inferior o superior de la fotografía, pues así la sensación de profundidad es más real.

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4. Quitamos la máscara rápida (tecla 'Q' de nuevo) y elegimos el filtro Lens Blur . Una vez definida la banda de enfoque vamos a volver a pulsar la tecla 'Q' para modificar nuestra máscara original y aplicar sobre ella el filtro de degradado. En realidad el filtro va a ser aplicado a todo lo que no está en la banda, pues lo que vamos a hacer es dejar inalterada la zona seleccionada y difuminar el resto para dar sensación de profundidad al conjunto. Por lo tanto, elegimos el filtro Lens Blur (Filter > Blur > Lens Blur) y nos vamos al siguiente paso para ver los parámetros a aplicar.

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5. Elegimos los parámetros de filtro El filtro lens blur tiene una serie de parámetros de los que vamos a tocar en la mayoría de las veces sólo uno y, si queremos afinar más, tres de ellos. El parámetro principal es el radio a aplicar al efecto; cosa que podemos traducir como cuanto más alto sea el valor, más desenfoque . En cada imagen vamos a necesitar un valor distinto en función de la distancia, el tamaño de la imagen, la cercanía a los ojos del espectador, lo mejor es ir probando valores hasta encontrar el que más nos satisfaga. Emplearemos valores entre 10 y 20 en la mayoría de las ocasiones, pero aquí se uso un valor de 12. Los otros dos parámetros a los que hacía referencia se refieren al brillo (que se suele dejar en un valor de 10) y al del número de hojas del diafragma de la lente con el que, en teoría, se hizo la fotografía. Ese valor por defecto es 6 pero si queremos una mayor calidad del desenfoque deberíamos ponerlo en 8. Una vez que la preview está a nuestro gusto pulsamos OK y comenzará a tener más aspecto de maqueta que la fotografía original.

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6. Quitamos la máscara definitivamente (crtl + 'A') Lo que nos queda por hacer va a afectar a toda la imagen por igual (retoque de los colores para dar apariencia sintética a las cosas) así que vamos a pulsar ctrl + 'A' para seleccionar toda la fotografía y a partir de ahí comenzar a trastear con el apartado cromático. 7. Subimos la saturación de los colores (ctrl + 'U') entre 20 y 40 puntos Para tratar de dar a la imagen un aspecto sintético vamos a subir bastante la saturación de los colores (el diálogo correspondiente se abre con ctrl + 'U'). En las imágenes a la sombra con colores apagados es mejor no subir mucho este valor (no pasarlo de 20) porque si no todo se teñirá de un tono azulado que no quedará nada convincente. En el caso de imágenes a pleno sol con colores muy vivos como la que estamos empleando podemos subir la saturación sin miedo. Sobre todo, si hay hierba muy verde, un valor de 40 ó incluso un poco más dará una sensación de miniaturización a la zona enfocada muy particular como podemos ver en la imagen.

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8. Ajustamos la curva de color (ctrl + 'M') trazando una S muy abierta La modificación de la curva de color va a dar a la imagen ese toque final que simulará la presencia de un foco cercano que se encarga de iluminar nuestra maqueta. Si lo hacemos con cuidado nos dará unos matices de iluminación muy buenos y un aumento del contraste que complementará a la perfección a la modificación de los colores que hicimos en el paso anterior. Lo que mejor queda es trazar una especie de S muy abierta mediante la adición de dos puntos intermedios en la curva que podemos ver en la imagen.

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POST PRODUCCIÓN


Mediante el retoque fotográfico, podemos obtener una imagen completamente modificada, ya sea para lograr desde efectos extraños a retoques para mejor su realismo. Todo este proceso se utiliza mediante distintos programas informáticos.

Muchas veces nos encontramos con fotos que son irreproducibles solamente con una cámara, y aquí es donde entran en juego los fotomontajes y una variedad de posibilidades mediante el más utilizado Adobe Photoshop, entre otros.

Usando distintas técnicas de retoque es bastante sencillo mejorar la calidad de las imágenes, consiguiendo de esta manera muy buenos resultados, incluso se pueden corregir distintos errores.

Los filtros son más que nada utilizados para corregir los colores de las imágenes. Hay una gran cantidad de ellos, y aunque cambian de nombre dependiendo del editor utilizado (Photoshop, Gimp, Corel Photo Paint, etc), básicamente se logran los mismos resultados.

Antes de la fotografía a color, se utilizaban acuarelas para conseguir esto, o incluso se retocaban los negativos para eliminar imperfecciones. Las técnicas de retoque actualmente son muy utilizadas para la postproducción de las mismas, sobre todo profesionalmente, desde imágenes publicitarias a producciones de moda, donde es muy importante llegar a la perfección.

Ajuste de color, siguiente página

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Brillo y contraste Este filtro lo utilizamos para realzar los colores, corregir irregularidades en cuanto a la iluminación en imágenes claras u oscuras, además puede ser muy útil para crear efectos dramáticos y resaltar o opacar distintas cosas dentro de la misma fotografía. Ajuste de colores Hay fotografías en las cuales hay un color predominante, muchas veces debido a la iluminación natural del día, o la artificial mal utilizada. Por ejemplo las fotografías sacadas en interior donde hay luz incandescente tienden a ser amarillentas, este filtro permite corregir la intensidad de los colores y de esta manera equilibrar la imagen. Tono, saturación y luminosidad A veces es necesario corregir los excesos o faltas de color dentro de algunas fotografías, para esto se utiliza este filtro el cual sirve para cambiar completamente el rango de color y crear una gran variedad de efectos.

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Balance de color Esta herramienta es muy parecida a las curvas de color, es ideal para corregir tintes de color tanto en la luz, tonos medios y sombras, pero por separado y entre cada uno de los canales ya que permite aumentar o bajar la presencia de cada color, y esto aunque parezca intrascendente, juega un rol importante en la fotografía. Niveles de Color Su funcionamiento a pesar de parecer parecido al balance de color, es distinto ya que permite regular no solo la intensidad de cada color, sino su luminosidad y gama en la imagen y en cada uno de los canales que la componen. Es ideal para corregir imágenes muy claras o muy oscuras que además tengan algún problema en su colorización en general.

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Colorización Este filtro sirve para dar un efecto general a toda la imagen. Ya sea para convertir una imagen en sepia o escala de grises, también se puede utilizar para corrección de ciertas cosas. Por ejemplo, si la imagen original es un campo de pasto, y tiene en un tono de verde bastante parejo, pero posee zonas como pasto seco, mediante esta herramienta se puede corregir esto logrando un resultado más homogéneo.

Umbral El Umbral trabaja separando la imagen en dos colores plenos, blanco y negro, y mediante el punto medio se puede definir donde está la separación con respecto a la iluminación original de la imagen. Es muy útil para corregir fotos escaneadas, o dibujos hechos a lápiz útil a la hora de limpiar por ejemplo. Esta herramienta también puede utilizarse en unión a otros filtros para generar distintos efectos.

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nuestra producci贸n


efecto tilt - shift Estas fotografías fueron tomadas con una cámara fotográfica Sony Cybershot 16.2 mp. Los efectos se lograron con un efecto mismo de la cámara, ya que el lente para conseguir el efecto titl - shift no lo tenemos y es uno de los lentes más caros de conseguir (como se explico previamente). Éste constituía en enfocar el objeto cercano y desenfocar el fondo, dentro de ésta opción se selecciono el desenfoque fuerte. El continuo movimiento del lente al enfocar y desenfocar logró en algunas tomas el efecto tilt - shift.

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otros efectos Para estos efectos, se utilizaron diversas opciones; variando el color, el obturador y el valor de la abertura. En el caso del color, en las opciones se cambio para que la exposiciĂłn fuera incandescente, algunas mĂĄs que otras. Uno de los efectos fue jugar con la velocidad del obturador, otro ajustar manualmente el valor de la abertura y por Ăşltimo combinar ambas para lograr un efecto mas radical.

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Palacio Legislativo, foto sin efectos

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Palacio Legislativo, con obturador abierto y valor de abertura

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conclusión Por medio de esta investigación pudimos concluir como la fotografía además de ser un medio de representación arquitectónica, tiene muchas variables, las cuales a través de distintas miradas conllevan a resultados diferentes en lo que uno está acostumbrado a ver. Cómo mediante una fotografía se pueden transmitir ideas hasta emociones, por ejemplo, de lugares que uno ve todos los días. Nos centramos en Olivo Barbieri, el cual nos interesó desde un principio por su manera peculiar de ver las cosas, con un punto de vista bastante distinto de lo normal, haciendo que cualquiera de sus fotografías no pasen desapercibidas. Analizamos cada una de sus etapas, pasando desde simples fotografías de juegos electrónicos a fotos aéreas las cuales cambian la forma de ver la ciudad; incluso arquitectos se han cuestionado su trabajo al verlo desde un horizonte aéreo, ya que se perciben edificios como maquetas. Éste era parte del objetivo de Barbieri, generar dudas de la planificación urbanista, sin perder su particular estilo.

Comparando fotógrafos de gran renombre como Shulman y Sugimoto, pudimos observar las diferentes técnicas utilizadas por éstos, que fieles a su estilo, muy conservador, no llamaron nuestra atención como lo hizo Olivo, que durante diez años utilizó el recurso del efecto Tilt-Shift desde un helicóptero, fotografiando todas las ciudades que consideraba pertinentes. Mediante este recurso, logró resaltar lo que creía importante, dejando el contexto y edificios que no le parecían trascendentes, por ejemplo, en un segundo plano. Su intención en algunos casos, desde su vista área y mediante su tilt-shift era destacar arquitectura que tal vez pasa desapercibida a nivel peatonal. Avanzando en su carrera, pudimos concluir como su punto de vista y ambición evoluciona, creando no solo imágenes desde su cámara, sino también editándolas, sin perder su fascinación de resaltar distintos elementos (como ruinas, automóviles, monumentos, calles, puentes, etc)

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Por estos motivos, decidimos llevar a cabo algunas de sus tĂŠcnicas, intentando ponernos en los ojos de Olivo , para comprender mĂĄs su obra y de alguna manera comprobar cĂłmo con la fotografĂ­a podemos generar distintas emociones.

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Paola Amoroso Paulina CantĂş Josefina Hernandez Florencia Sosa


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