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Lo mejor del pop art

Paula A. Laiton Cruz


Lo mejor del Pop Art

Eduardo Luigui Paolazzi

“Collages que combinan de forma única las influencias del surrealismo con elementos de la cultura popular, y la maquinaria moderna No puedo soportar la idea de deshacerse de cosas-una botella de buen vino, una bonita caja. A veces me siento como un mago en Toytown, la transformación de un manojo de zanahorias en granadas “

Eduardo Paolozzi nació el 7 de marzo de 1924 en Edimburgo, Escocia. En los años 1940 y los años 50, hizo esculturas y collages que combinaban el surrealismo con la cultura pop y la maquinaria moderna. En la década de 1960, incorporó más maquinaria en su arte. Pasó la década de 1970 a trabajar en relieves del arte abstracto. A través de la década de 1980 y los años 90, él tomó encargos públicos. Murió el 22 de abril de 2005, en Londres, Inglaterra.

Surrealismo y collage A fines de 1940, Paolozzi pasó tiempo en París, Francia, el remedartistas surrealistas como Jean Dubuffet y Alberto Giacometti. Durante este tiempo, Paolozzi comenzó a hacer esculturas y co-


Top 10

llages que combinan de forma única las influencias del surrealismo con elementos de la cultura popular

Entre sus obras estan: * Las paredes llenas de mosaicos de la Tottenham Court Road tube station. * La cubierta del álbum de Paul McCartney Red Rose Speedway. * La paneles de los techos y la tapicería de las ventanas del Castillo Cleish. * La escultura Piscator fuera de la Euston Station de Londres. * Homenaje a Gaudí, de la I Exposición Internacional de Escultura en la Calle, Santa Cruz de Tenerife.

Una colección de collages de Paolozzi, compuesto de recortes Sacó de revistas soldados estadounidenses le habían dado en París, más tarde fueron exhibidos en una presentación en el Instituto de Arte Contemporáneo en 1952.

Art Ilndustrial En la década de 1960, Paolozzi incorporó aún más el tema de la maquinaria moderna en su arte, a través de la colaboración con empresas de ingeniería-que la industria le proporcionaron materiales, equipos y espacio de trabajo. Fusionado a través de la perforación, atornillado y soldadura, la suma total de las piezas producidas obra innovadora con bordes geométricos agudos que se las arregló para ser sugerentes de la forma humana. Paolozzi hizo una declaración social sobre el papel del hombre en la era de la tecnología.


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David Hockney

Hockney nació en Bradford, Inglaterra. Estudió en la Bradford Grammar School, en el Bradford College of Art y en el Royal College of Art en Londres donde conoció a Roland B. Kitaj. Mientras todavía estaba en el Royal College of Art, Hockney fue presentado en la exposición Young Contemporaries al lado de Peter Blake que anunciaba la llegada del British Pop Art. Se vincula con el pop art, pero sus primeros trabajos también muestran elementos expresionistas, no muy distintos de ciertos trabajos de Francis Bacon. A veces, como en We Two Boys Together Clinging (1961), titulado tras el poema de Walt Whitman, estos trabajos hacen referencia a su homosexualidad. Desde el año 1963 Hockney estuvo representado por el influyente tratante de arte John Kasmin. En 1963 Hockney visita New York y establece contacto con Andy Warhol. Más tarde, una visita a California, en donde se establece, inspiró a Hockney a hacer una serie de pinturas al óleo de piscinas en Los Ángeles, California.

“Lo que un artista intenta es acercar a la gente, porque la esencia del arte es compartir. Uno no sería un artista si no quisiera compartir una experiencia o un pensamiento, Una de mis principales preocupaciones es conseguir reducir las distancias y lograr que todos nos acerquemos cada vez más hasta que lleguemos a sentir que somos lo mismo, que somos uno. No se puede ser un artista si no se quiere compartir una experiencia, un pensamiento”


Top 09 Experiencias En 1961 visitó New York por primera vez, estableciendo relación con Andy Warhol. Da clases en el Maidstone College of Art en 1962. En 1963 viaja a Memphis y a Luxor, donde conoce a Fermín Domínguez y a Flavio Briatore. En esta época realiza su primer cuadro sobre duchas (showers). Entre 1963 y 1964 da clases de soldadura en la Universidad de Iowa. En 1964 se traslada a vivir a Los Ángeles, donde pinta suprimer libro de piscinas (swimmming-pool) y realiza sus primeras Polaroids.

Conocimiento Secreto En 2001 publicó un estudio “El Conocimiento Secreto”, obra polémica en la que postulaba la teoría de que los pintores clásicos (como Johannes Vermeer) hacían uso de diversos sistemas ópticos (cámara oscura, epidiascopios) a la hora de trasladar al lienzo las imágenes, y que este uso, generalizado en la Pintura desde el año 1430 aproximadamente había sido mantenido más o menos en secreto por parte de los propios pintores y demás personas vinculadas a la labor artística.

Retratos Hockney pintó retratos en diferentes períodos de su carrera. Desde 1968, y durante los próximos años pintó amigos, amantes y familiares poco menos de tamaño natural y en imágenes que mostraban buenos retratos de sus súbditos. . Las líneas de perspectiva convergen para sugerir el punto de vista del artista Hockney ha vuelto consecutivamente a los mismos temas - sus padres, artista Mo McDermott (Mo McDermott, 1976),

Mercado del arte Desde 1963, Hockney ha estado representada por el marchante de arte John Kasmin , así como por Annely Juda Fine Art, Londres. El 21 de junio de 2006, la pintura de Hockney, El Splash vendió 2,6 millones de libras. Una serie de 60 pinturas que se combinaron para producir un enorme cuadro, fue comprada por la Galería Nacional de Australia por $ 4,6 millones.

Amante de Hockney, Peter Schlesinger, un pintor de 19 años a quien había conocido durante la enseñanza, es la figura desnuda saliendo de la piscina.

En 1974 Hockney fue objeto de Jack Hazan película ‘s, A Bigger Splash, el nombre de una de las más famosas pinturas de piscinas de Hockney desde 1967. Hockney fue también la inspiración del artista Billy Pappas en el documental Waiting for Hockney, que debutó en el Festival de Cine de Tribeca en 2008. Una biografía de Hockney David Hockney: El progreso de un rastrillo por el escritor / fotógrafo Christopher Simon Sykes, que abarca los años 19371975. apareció en 2012. [60] El 14 de agosto 2012 fue el tema de la BBC Radio Four The New isabelinos presentado por James Naughtie “.


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Eduardo Arroyo

Arroyo cuenta actualmente con presencia en muchos importantes centros de arte mundiales. El Museo Reina Sofía de Madrid expone dos lienzos, destacando “Carmen Amaya asa sardinas en el Waldorf Astoria”, donde el personaje se representa simbólicamente con un mantón andaluz. El Museo de Bellas Artes de Bilbao, que le dedicó una muestra, posee “El camarote de los hermanos marxistas”, que mezcla cine y comunismo, dos de sus temas recurrentes, Un paso, un logro mas en su vida como artista.

Es un pintor español de estilo figurativo vinculado al pop art. Clave de la nueva figuración española, Arroyo cobró protagonismo en el circuito artístico nacional tardíamente, a partir de los años 80, tras un alejamiento de dos décadas forzado por el régimen franquista. Actualmente, sus obras cuelgan en los más reputados museos españoles y su creatividad se extiende a las escenografías teatrales y las ediciones ilustradas.

Vida y obra Tras finalizar la carrera de Periodismo (1957), se trasladó a París (“como muchos otros”, según él) huyendo del ambiente asfixiante del franquismo. Dejó atrás una primera etapa de caricaturista con incipientes coqueteos en la pintura, aunque su primera vocación fue escribir, tarea que prosigue hasta hoy. cordaban a la “España negra” (efigies de Felipe II, toreros, bailarinas) pero en clave cáustica y nada romántica. De un uso matérico del color, Arroyo pasaría a una técnica más propia del “pop art”.


Top 08

Reconstruccion Entre sus obras: *Naturaleza Viva *Homme de dos *Winston Churchill peintre *La forza del destino Young Pérez

Arroyo ridiculiza y “reinterpreta” los tópicos españoles con toques surrealistas. Ejemplo de ello es el lienzo “Caballero español”, donde el protagonista posa con un vestido de noche (1970; París, Centro Georges Pompidou). En 1974, Arroyo fue expulsado de España por el régimen, y recuperaría su pasaporte tras la muerte de Franco, en 1976. Sin embargo, su despegue crítico en España no fue inmediato y se demoraría hasta principios de los 80; en 1982 se le otorgó el Premio Nacional de Artes Plásticas de España, un desagravio por el olvido sufrido hasta entonces.

*The City of the Senses I

Cine

*The City of the Senses II

Su actividad como escenógrafo arrancó con el cineasta Klaus Grüber, y tuvo uno de sus hitos en 1982, con “La vida es sueño” de Calderón de la Barca, bajo dirección de José Luis Gómez. En 1999 montó con Grüber la ópera “Tristán e Isolda”, de Wagner, en el Festival de Salzburgo.

*Vittorio Emmanuelle III vestido y desnudo *Fausto con sombrero

Arroyo cuenta actualmente con presencia en muchos importantes centros de arte mundiales.


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Alle Jones

Nacido en 1937 en Southampton, estudió pintura y litografía 19551961 en Horsney College of Art de Londres, donde el método de enseñanza se basa en gran parte en “Pedagógico Sketchbook” de Klee. Durante este período él viajó a Provenza ya París, donde fue muy impresionado por la obra de Delaunay. En 1959 visitó la Musie Fernand Liger en Biot. En 1960 fue expulsado de la Royal College of Art, donde había estudiado con RB Kitaj, Peter Phillips, David Hockney y Derek Boshier. Entre 1961 y 1963 fue profesor de la litografía en el Croydon College of Art.

Carrera Su trabajo en la década de los sesenta fue influenciado por la psicología y por la lectura de Nietzsche, Freud y Jung. En 1963 recibió el Premio de las Jeunes Artistes en la Bienal de París. En 1964 se trasladó a Nueva York y viajó por todo el EE.UU.. En Nueva York

Su exposición de esculturas eróticas, como el conjunto Chair, Table y Hat Stand (1969), cada una de los cuales transforma a una mujer en una pieza de mobiliario. Gran parte de su obra nace de la imaginería del fetichismo de goma y BDSM. Las esculturas en el Milkbar Korova de la película La naranja mecánica se basan en obras de Jones. Jones diseñó el film Maîtresse.


Top 07 Hockney le llamó la atención al mundo de la imaginería de bienes de consumo producidos en masa. Trabajó en un ilusionismo tridimensional con componentes eróticos obvias.

Finales de los 60 En 1969 Allen Jones hizo la Tabla esculturas Escultura y sombrero de Soporte (imágenes de abajo), que se convirtió en el más famoso forniphiliac obra alrededor. El mobiliario femenino en el Korova Milkbar escena en la polémica naranja mecánica de Stanley Kubrick (1971) se inspiró en esta obra, pero no creado por Allen Jones como a veces erróneamente se reivindica.

Decada de los 70 Su trabajo en la década de los sesenta fue influenciado por la psicología y por la lectura de Nietzsche, Freud y Jung. En 1963 recibió el Premio de las Jeunes Artistes en la Bienal de París. En 1964 se trasladó a Nueva York y viajó por todo el EE.UU.. En Nueva York Hockney le llamó la atención al mundo de la imaginería de bienes de consumo producidos en masa. Trabajó en un ilusionismo tridimensional con componentes eróticos obvias.

Retrospectiva De 1968 a 1970 fue Profesor invitado en la Hochschule für Künste Bildende, Hamburgo. En 1969 fue profesor visitante en la Universidad de South Florida, Tampa. En 1973 fue Profesor Invitado en la Universidad de Los Angeles, Irvine. Él visitó Japón en 1974. Realiza una gira por Canadá en 1975. En 1976 diseñó la película de Barbet Schroeder Maitresse.

Comienzos de los 80 En 1977 fue Profesor Invitado en la Universidad de California, Los Ángeles, y en el verano del mismo año, Director de Visitas de Estudios de pintura y dibujo en la Escuela Banff Center de Bellas Artes en Alberta, Canadá. Diseñó una valla en el año 1978 para la fábrica de medias Fogal en la estación de Basilea. Él tenía una gran exposición retrospectiva en 1979 en la Galería de Arte Walker, Liverpool, que también se muestra en la Serpentine Gallery de Londres.

Su imagineria proviene del mundo de los medios de masas. Su obra se caracteriza por su enfasis en la sexualidad: examina el deseo representando provocativas y explicitas imagenes de mujeres vistas a traves de la fantasia de la publicidad y la imaginacion masculina.

A mediados de la década de 1970 regresó a una concepción más pictórico en lienzos como el de Santa Mónica Shores (1977; Londres, Tate) y para una estilización lúdica en esculturas de figuras, sobre todo El Tango (1984; propiedad conjunta de Liverpool, Walker AG, y Merseyside Corporación para el Desarrollo), una más grande que el tamaño natural pareja de baile hecha de chapa de acero policromado. Litografía, en la que su salida era prolífica, demostró ser un medio apropiado para su estilo gráfico. Entre sus publicaciones se encuentran figuras (Milán, 1969) y Proyectos (Londres, 1971).


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Derek

“Los temas Norteamericanos de la primera etapa como artista pop, volvieron a aparecer en escena dos décadas después con un matiz nuevo, enriquecidos por su experiencia personal. A finales de 1990, Boshier volvió a transladarse a Estados Unidos, esta vez a los Ángeles, donde realizó una serie de cuadros que recuperaban temas de formación en el arte pop”.

Boshier

Nació en CheeseLand el 19 de junio de 1937. Entre los años 1953 y 1957 estudió en Yeovil School of Art. Después de ofrecer servicio militar, destinado en Haslemere, acabará sus estudios en el Royal College of Art (1959-1962).

Estilo Derek Bossier aportó al arte pop británico una sólida vertiente satírica que diferencia su obra de la de sus compañeros de estudios del Royal Collage of Art. Sus pinturas de 1961-1962 contenían abundantes referencias a los asuntos de actualidad, sobre todo aquellos que tenían una dimensión política, como la carrera espacial entre Estados Unidos y la Unión Soviética. la Pepsi-Cola aparecían en su obra.


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Hombres hecho a medida Entre sus obras: * Pepsi Roller (1962) * Stripe Serpiente (1962) * Estudio de Buddy Holly en “Me pregunto que mis heroes piense en la carron” (1963) * Victima de la moda en la nieve (1987) * Alguien me pregunto (1983) *Hombres hecho a media (1980)

La cáustica interpretación que hizo Bossier de los medios de comunicación de masas y sus característicos “Hombres hechos a medida”. Figuras que parecen haber sido recortadas y después reconstruidas como si de un rompecabezas se tratara, o bien como si hubieran sido sometidas a un proceso de desintegración.

Etapa Pop La etapa pop del artista fue breve. Las pinturas que creo en India durante los años 1962-1963, cuya práctica totalidad fue destruida accidentalmente hacia el final de su estancia en dicho país, adaptan métodos narrativos similares a los del simbolismo hindú. A su vuelva a Inglaterra se dedicó brevemente a pintar con un lenguaje formal abstracto.Una de sus reacciones más divertida


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Tom Wesselmann

Tom Wesselmann, nacido en 1931 en los Estados Unidos, se ha hecho conocido por su característico estilo de pinturas que presentan desnudos. Este hombre ha comenzado su introducción en el ambiente artístico debido a su profunda afición a las tiras cómicas, motivo que lo lleva a estudiar en la Academia de Bellas Artes de su ciudad natal. De este modo, profesionalizándose en el ámbito, Wesselmann consigue vender algunas de sus tiras a distintas publicaciones, y motivado por su profesor de dibujo ingresa en la prestigiosa Cooper Union School de Nueva York. su estilo ha sido copiado o algunos pintores cuentan con uno similar, Tom comienza a esmerarse y afinarlo para que se distinga del resto.

“Con esto en marcha y otras perspectivas en ciernes, para cuando se inauguró la exposición del assemblage el observador perspicaz ya empezaba a notar un cambio gradual a partir de la superficie enmohecida, desconchada y batida por el tiempo, hacia una expresión más sencilla, más agresiva, más ordenada y más “fresca”


Top 05 Especialista en Comic De este modo, profesionalizándose en el ámbito, Wesselmann consigue vender algunas de sus tiras a distintas publicaciones, y motivado por su profesor de dibujo ingresa en la prestigiosa Cooper Union School de Nueva York. Luego de algunos años, en 1956, Tom se instala en Brooklyn, decidido a covertirse en profesional del cómic, y es durante su segundo año en la Cooper Union, que Wesselmann comienza a interesarse en las artes plásticas.

Su primera experiencia estetica Su “primera experiencia estética” ha tenido lugar en esa época ante una de las Elegías a la República española de Robert Motherwell, si bien ha sido influido por artistas expresionistas, ha llegado hasta el punto de que su opción por la pintura figurativa Al graduarse en la Cooper Union en 1959, sufre la separación de su primera mujer y se muda al Village, allí comienza a crear una serie de collages, en los que los materiales se adhieren al soporte mediante grapas.

Hasta que por fin llega lo suyo Su estilo, cuando en el año 1960 el artista incluye desnudos en sus collages, donde la relación amorosa con Claire Selley, una compañera de estudios con la que se casará en 1963, lo ayuda a saca del estado de duda y abatimiento. Aquí comienza a definir su estilo, por lo que basándose en un sueño en el que aparecen las palabras rojo, azul y blanco, determina atenerse a esa gama para resolver los problemas compositivos, y de aquí nace en 1961 la serie titulada “Gran desnudo americano”.

Collages En este momento clave, sus temas se diversifican, y Wesselmann comienza a expresarse realizando bodegones con gran presencia de imágenes publicitarias, integrando en algun tiempo más objetos tridimensionales a los collages en obras como “Gran desnudo americano.

Still Life # 20” combina elementos tan diversos como imágenes publicitarias, un grifo real y el gabinete de la cocina, y una reproducción de una pintura de De Stijl pintor movimiento de arte de Piet Mondrian .

Wesselmann había comenzado a trabajar en una nueva serie de naturalezas muertas. experimentación con el montaje , así como el collage. En Still Life # 28 que incluye un aparato de televisión que se enciende, “interesado en las demandas competitivas que una televisión, con imágenes en movimiento y un desprendimiento de luz y sonido, se puede hacer en las partes pintadas” . Se concentró en las yuxtaposiciones de diferentes elementos y representaciones, que eran en el momento verdaderamente emocionante para él: “No sólo las diferencias entre lo que eran, pero el aura de cada tenido con ella


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Richard Halminton

“El arte pop es popular (diseñado para una audiencia de masas), (solución a corto plazo) transitoria, expandible (fácil de olvidar), de bajo costo, producido en masa, joven (dirigido a la juventud) ingenioso, sexy, efectista, glamuroso, un gran negocio Impulsor de los movimientos artísticos“

Fue un pintor británico, pionero del arte pop británico. Tras dejar el colegio sin conseguir ningún título en su vida, entró a trabajar en una agencia publicitaria de la ciudad, mientras que acude a clases nocturnas en el Saint Martin's School of Art y en el Westminster Technical College. Con dieciséis años entra en la Royal Academy of Art para estudiar pintura, donde permanecería dos años. Entre 1941 y 1946 trabajó como delineante técnico, llevando a cabo su primera exposición en solitario en 1950, presentando una colección de aguafuertes. En los años cincuenta, su obra.


Top 04

Fisioculturismo

Entres sus obras:

*Glorious Techniculture (1964)

En esta obra aparecen multitud de elementos de la cultura de masas estadounidense: una chica de revista (ver: pin up y cover girl), un fisioculturista, un televisor, un logotipo de Ford, una portada de historieta, una aspiradora, un cartel de cine, un retrato de un antepasado centenario y un enorme chupa-chups (chupetín o caramelo con palo) sostenido por el fisioculturista como si fuese una raqueta de tenis, todo ello bajo el planeta Tierra a modo de techo.

*Swingeing London 67 (1969)

Album Blanco

*Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing? (1956)

*My Marilyn (Paste Up) Picasso’s Meninas(1973) *Pin-up

También fue el diseñador de la cubierta del White Album (Álbum Blanco) de The Beatles, en 1968. Precisamente la pintura y los colajes de Hamilton se hicieron famosos en prácticamente en todo el mundo por ser uno de los más célebres diseñadores gráficos de las obras, de los más conocidos exponentes del pop-art junto al estadounidense Andy Warhol, sin embargo, tras ser uno de los organizadores en 1967 de una retrospectiva de la obra de Marcel Duchamp en la Tate Gallery de Londres, su diseño para el White Album llamó la atención por el diseño, la “ilustración” .


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Jasper Johns

Nacido en Augusta, Georgia, Jasper Johns pasó sus primeros años en Allendale, Carolina del Sur , con sus abuelos paternos después del matrimonio de sus padres fracasó. Luego pasó un año viviendo con su madre en Columbia, Carolina del Sur y, posteriormente, pasó varios años viviendo con su tía Gladys en Lake Murray, Carolina del Sur veintidós kilómetros de Columbia. Terminó la escuela secundaria en Sumter, Carolina del Sur , donde una vez vivió con su madre.

Influencias En el mismo período, fue fuertemente influenciado por el gay pareja Merce Cunningham (coreógrafo) y John Cage (compositor). [6 ] [7] Trabajando juntos exploraron la escena del arte contemporáneo, y comenzó a desarrollar sus ideas sobre el arte. En

“En el lugar donde yo era un niño, no había artistas y había hay arte, así que realmente no sabía lo que eso significaba. Creo que pensé que significaba que iba a estar en una situación diferente a la que yo era pulg, “Todavía hay mucho por decir sobre el complejo diálogo artístico entre los dos, un intercambio que comenzó en colaboración y terminó en competición el carácter homosexual de la relación “


Top 03 1958, el galerista Leo Castelli descubierto Johns durante su visita a Rauschenberg estudio ‘s. [2] Castelli le dio su primera exposición individual. Fue aquí que Alfred Barr , director fundador de Nueva York Museo de Arte Moderno , compró cuatro obras de su exposición. [8] En 1963, Johns y Cage fundaron Fundación para las Artes Escénicas Contemporáneo, ahora conocida como Fundación de Arte Contemporáneo de Nueva Ciudad de York.

Vida Artistica

Su obra mundialmente más conocida son las banderas de los Estados Unidos realizadas con la técnica de encáustica en la década de 1950. Otros símbolos, como letras, números y dianas, aparecen recurrentemente en sus pinturas y grabados. Realizó numerosas pinturas “grises”, las que comenzaba con color para finalmente cubrir todo el lienzo con gris.

Influencia arte contemporaneo Johns es más conocido por su pintura de la bandera (1954-1955), que pintó después de tener un sueño de la bandera de Estados Unidos . Su trabajo es a menudo descrito como un neo-dadaísta, pesar de su tema a menudo incluye imágenes y objetos de la cultura popular. arte pop incluye Jasper Johns como un artista pop, porque de su uso artístico de la iconografía clásica.

Movimiento avance Johns A pesar de los expresionistas abstractos desdeñaban la materia, se podría argumentar que, al final, tenían temas simplemente cambiados. Johns neutraliza el tema, por lo que algo como una superficie pintada pura podría declararse. Durante veinte años después de Johns pintó Bandera, la superficie podría ser suficiente - por ejemplo, en Andy Warhol ‘s serigrafías o en Robert Irwin ‘obras ambientales iluminados s.

Expresionista Abstracto Expresionista abstracto figuras como Jackson Pollock y Willem de Kooning se suscribieron a la idea de un macho “artista héroe”, y sus pinturas son indicial en que se destacan de manera efectiva como una firma en la lona.

Esta imagen ilustra la técnica temprana Johns ‘de la pintura con espesor, chorreando encáustica sobre un collage hecho a partir de materiales encontrados como periódico. Este método aproximado de la construcción es raramente visible en las reproducciones fotográficas de su obra.

Johns hace sus esculturas en cera en primer lugar, las superficies de trabajo en un complejo patrón de texturas, a menudo capas de elementos de collage como impresiones de papel de periódico o de una llave, un elenco de su amigo Merce Cunningham pie ‘s, o uno de su propia mano . Luego arroja los ceras en bronce, y, finalmente, trabaja sobre la superficie de nuevo, aplicando la pátina. La linterna es una de sus esculturas a base de pedestal primeros. Una escultura, un relieve de doble cara titulado Fragmento de una carta (2009), recoge parte de una carta de Vincent van Gogh a su amigo, el artista Émile Bernard .


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Roy Fox Lichtenstein

“No estoy muy seguro de qué mensaje social lleva mi arte, en su caso. Y yo realmente no quiero llevar a una. No estoy interesado en el tema para tratar de enseñar a la sociedad algo, o para tratar de mejorar nuestro mundo, de ninguna manera. “Cuando he utilizado imágenes de dibujos animados, los he usado irónicamente”

Roy Fox Lichtenstein Artista norteamericano Roy Lichtenstein nació en la ciudad de Nueva York el 27 de octubre de 1923, y creció en el Upper West Side de Manhattan. En la década de 1960, Lichtenstein se convirtió en una figura destacada del nuevo movimiento del arte pop. Inspirado por los anuncios y las historietas, las obras brillantes, gráficos de Lichtenstein parodian la cultura popular estadounidense y el propio mundo del arte. Murió en la ciudad de Nueva York el 29 de septiembre de 1997. “Cuando he utilizado imágenes de dibujos animados, los he usado irónicamente, al plantear la cuestión: ¿Por qué iba alguien a querer hacer esto con la pintura moderna?”


Top 02

Primeros Años Nosotros pensamos que la generación anterior intentaba alcanzar su subconsciente, mientras que los artistas pop intentamos distanciarnos de nuestra obra. Yo deseo que mi obra tenga un aire programado e impersonal, pero no creo ser impersonal mientras la realizo. -Roy Lichtenstein

Roy Fox Lichtenstein nació el 27 de octubre de 1923, en la ciudad de Nueva York, hijo de Milton Lichtenstein, un exitoso promotor inmobiliario, y Beatrice Werner Lichtenstein. Como un niño que crecía en el Upper West Side de Manhattan, Liechtenstein tenía una pasión por la ciencia y los cómics. En su adolescencia, se interesó en el arte. Tomó clases de acuarela en la Parsons School of Design en 1937, y tomó clases en la Art Students League de 1940, estudiando con el pintor realista americano Reginald Marsh.

El éxito comercial y el arte pop En la década de 1950, él tomó a menudo sus temas artísticos de la mitología y de la historia de América y el folclore, y pintó esos temas en los estilos que rendían homenaje al arte anterior, desde el siglo 18 hasta el modernismo. Lichtenstein comenzó a experimentar con diferentes temas y métodos en la década de 1960, mientras enseñaba en la Universidad de Rutgers. Su trabajo sobre la cultura popular americana y una reacción al reciente éxito de la pintura expresionista abstracta de artistas como Jackson Pollock y Willem de Kooning .


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Andy Warhol

Nacido el 6 de agosto de 1928 en Pittsburgh, Pennsylvania, Andy Warhol fue una revista exitosa y ad ilustrador que se convirtió en un artista más destacado de la década de 1960 los movimientos del arte pop . Se aventuró en una amplia variedad de formas de arte , incluyendo arte de performance , cine , instalaciones de vídeo y la escritura, y la polémica borrosa las líneas entre las bellas artes y la estética de corriente. Warhol murió el 22 de febrero de 1987, en la ciudad de Nueva York.

“ Prefiero seguir siendo un misterio . Yo nunca doy mi fondo , y , de todos modos , yo hago todo para arriba diferente cada vez que me preguntan “


Top 01 Primeros años Nacido Andrew Warhola el 6 de agosto de 1928, en el barrio de Oakland en Pittsburgh, Pennsylvania , los padres de Andy Warhol eran inmigrantes eslovacos . Su padre, Ondrej Warhola , era un trabajador de la construcción , mientras que su madre , Julia Warhola , era bordador . Eran devotos católicos bizantinos que asistieron a misa con regularidad, y se mantienen gran parte de su cultura y herencia eslovaca mientras vivía en uno de los enclaves étnicos europeos orientales de Pittsburgh .

Trayectoria Artística Cuando se graduó de la universidad con su licenciatura en Bellas Artes en 1949 , Warhol se trasladó a Nueva York para seguir una carrera como artista comercial . Fue también en esta época cuando se le cayó la “a” al final de su apellido para convertirse en Andy Warhol. Él consiguió un trabajo con la revista Glamour en septiembre, y pasó a convertirse en uno de los artistas comerciales más exitosos de la década de 1950 . Ganó premios frecuentes por su estilo singularmente caprichosa , utilizando su propia técnica de línea y de goma sellos borrados para crear sus dibujos.

Finales de 1950 Warhol comenzó a dedicar más atención a la pintura, y en 1961 , debutó el concepto de “arte pop” - pinturas que se centraron en los bienes comerciales de producción masiva . En 1962 , expuso las pinturas ahora icónicas de latas de sopa Campbell . Estas pequeñas obras de lona de los productos de consumo diario crearon un gran revuelo en el mundo del arte , con lo que tanto Warhol y el arte pop en el centro de atención nacional por primera vez

Muerte y Legado Warhol murió el 22 de febrero de 1987, a la edad de 58 . Su vida personal ha sido objeto de mucho debate y consideración. Él se cree extensamente para haber sido un hombre gay, y su arte era a menudo impregnada de imágenes homoeróticas y motivos . Sin embargo , afirmó que él permaneció virgen durante toda su vida.

La obra sugiere una uniformidad mecánica que se repite en los miles de casas que tienen un objeto similar, una representación banal y cotidiana del espíritu de nuestro tiempo

El enfoque de Warhol en bienes de consumo y los iconos de la cultura pop , así como su gusto por el dinero y la fama, sugieren una vida en la celebración de los mismos aspectos de la cultura americana que su obra criticada. Warhol habló a esta aparente contradicción entre su vida y obra en su libro La filosofía de Andy Warhol , escribiendo que “hacer dinero es arte y el trabajo es arte, y un buen negocio es el mejor arte”.


TOP 10 DE LOS MEJORES ARTISTAS Los artistas pop de la década de 1960, precedidos por el gran Andy Warhol, hicieron observaciones acerca de todo lo referente a los medios de masas, la sociedad de consumo, la publicidad y el envasado de productos, con obras de gran colorido y a menudo cómicas. La profunda influencia del Pop Art en el arte contemporáneo y la cultura continúa siendo importante en la actualidad. En ninguna otra parte podrá encontrar tanto Pop Art en un libro tan compacto y elegante. Artistas incluidos: Tom Wesselmann, Andy Warhol, Allan Jones, Peter Blake, Richard Hamilton, Claes Peter Phillips, Jasper Johns, Roy Lichtenstein, David Hockney, Jim Dine, and Derek Boshier.

ISBN 978-958-30-1488-8

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