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TRABAJO RESUMEN -PAISAJE -

Álvaro Sánchez López Patricia Moreno García


EL PAISAJE ARTÍSTICO ¿Qué es el paisaje? Es una elaboración mental que realizamos a partir de lo que vemos al mirar un territorio. El paisaje como concepto, es la conexión que permite interpretar en términos culturales y estéticos las cualidades de un territorio. El paisaje al ser una creación cultural y humana, es construido. En cada época, se han elaborado imágenes del mundo y del entorno según las creencias, conocimientos y deseos que se poseían. En la Edad Media, no se llegó a representar el paisaje debido a la fuerte influencia religiosa de las Iglesias. En China, comenzaron a desarrollar el paisaje a partir del siglo V en el mundo artístico. El Romanticismo en Europa dio una posición cultural de privilegio al paisaje. El paisaje contemporáneo se muestra cómo se “artealizado” países para transformarlos en paisajes y cómo intervinieron los artistas de dos formas: 1- Actuando sobre el terreno. 2- Generando nuevas maneras de mirar. El primer paso que deberíamos hacer es identificar nuestro paisaje, acotarlo. Y para llegar a cabo esta acotación, nuestro paisaje es: ● Lejano o cercano (Galen Rowell vs William Eggleston)


● Natural o humano (Ansel Adams vs Eugene Atget)

● Interior o exterior (Robert y Shara Parkeharrison vs David Burdeny)

● Documental o creativo (Stephen Shore vs Susan Burnstine)


● Existente o construido (Joel Sternfeld vs Gregory Crewdson)

● Figurativo o abstracto (Carleton Watkins vs Minor White)

● Simple o complejo (Michael Kenna vs Andreas Gursky)


● Buscado o encontrado (Bernd y Hilla Becher vs Stephen Shore)

● Experimental o convencional (Hiroshi Sugimoto vs Josef Hoflehner)

Político (Donovan Wylie)


● Evocador (Axel Hutte)

● Reivindicativo/denuncia/ecológico (Edward Burtynsky)

​Conceptual (Taiyo Onorato &Nico Krebs)


LA FOTOGRAFÍA DE PAISAJE A LO LARGO DEL TIEMPO El nacimiento de la fotografía va ligada al paisaje: La primera fotografía fue” Punto de vista desde la ventana de Gras” por Niepce. Niepce fue un rico burgués que, al arruinarse, se asoció con Louis Daguerre, un pintor. A la muerte de Niepce, se olvidó la gloria de este y Daguerre ganó todo el honor. Daguerre realizó mejoras sobre el soporte sensible: Revelar la imagen con vapores de mercurio y fijarla con un baño de sal, que redujo los tiempos de exposición a 20-30 minutos y consiguió bastante calidad y detalle. El daguerrotipo era una placa de plata fina que era un positivo que no permitía hacer copias. Daguerre comercializó la cámara y obtuvo mucha aceptación. En 1839, presentó sus primeras fotografías: Paisajes urbanos sin personas en ellas menos una. Posteriormente, con la difusión del daguerrotipo, se realizaron bastantes retratos pero resultaban una molestia para los retratados por los tiempos de pose. Lerebours encargó una serie de daguerrotipos, tomados en diversos países del mundo y lo publicó en el libro “Excursiones Daguerrianas” William Fox Talbot estaba haciendo reproducciones de dibujos por contacto. Se animó a aplicar esa idea a su trabajo y nació el calotipo. Las imágenes positivas obtenidas mediante el calotipo son poco nítidas y carecen de una escala de grises. Resultó ser un procedimiento más económico y más fácil de utilizar y requería un tiempo de exposición de unos 30 segundos. En 1850, Scott Archer inventa un nuevo soporte: el proceso al colodión húmedo. Este formato permitia obtener un negativo con el que hacer copias. El material sensible se aplicaba sobre cristal y era un proceso muy delicado, debía exponerse antes de que se secara. Gozó de mucha popularidad hasta la llegada de la celuloide.


George Eastman, fundador de Kodak, fabricó una cámara que sustituía la placa de cristal por un rollo de papel que permitía realizar 100 fotografías en un formato redondo. En 1889, el rollo de papel se sustituyó por uno de celuloide: El carrete de película. Hasta 1907 no se llegó a una fórmula que pudiera comercializarse, basada en el colodión húmedo. Se trató del “autocromo” por los hermanos Lumiere. El autocromo se empleó en el 1935, cuando se comercializó el Kodachrome, seguido de aportaciones de otras marcas como Polaroid. LA PRIMERA TOPOGRAFÍA Hasta finales del siglo XIX, los paisajes se orientan principalmente a uso comercial: ● ● ● ●

Productores de postales Turísticas Viajeros llevarse un recuerdo a casa Público que deseaba conocer, a través de una fotografía, lugares lejanos y diferentes al suyo.

Mostraban el clima social de una época, los fotógrafos del siglo XIX documentaron los cambios topográficos del paisaje rural y urbano.

PAISAJES DIFERENTES: UNITED STATES GEOLOGICAL SURVEY Empiezan a surgir paisajes diferentes a finales de los siglos XIX y comienzos del XX en el que fotógrafos como William Henry Jackson o Carleton Watkins fotografiaban un paisaje vislumbraba cierta advertencia de la fuerza indomable de la naturaleza y la relación del hombre con ésta.

FOTOGRAFÍA ACADEMICISTA En la segunda mitad del siglo XIX surgen también una serie de intentos de identificación artística de la fotografía, la academicista, que buscaban incorporar elementos propios de la pintura y se consideraban antecedentes del movimiento pictorialista.


Defienden lo artístico buscando que las fotos sean laboriosas de realizar, requiriendo destreza manual comparables a las de los artistas plásticos de la época. Se recurrían a temas literarios. Oscar Gustav Rejlander​ reproducía escenas más propias de la pintura con una compleja ejecución. “Los dos caminos de la vida” unió 30 negativos en una fotografía de casi 1m de longitud. Henry Peach Robinson​ con “Los últimos instantes” muestra una escenificación en una joven moribunda, rodeada de sus familiares. Se consiguió con el fotomontaje de 5 negativos. EL PICTORIALISMO Entre finales de 1880 y el final de la 1ª Guerra Mundial, triunfó el pictorialismo, considerado como el primer movimiento artístico en fotografía. Los fotógrafos del pictorialismo se definen como artistas en al linea de las teorías del romanticismo propias del siglo XIX, destacando la sensibilidad de los autores y otorgando un papel secundario a la técnica. El pictorialismo reivindica la fotografía como arte y sus fotógrafos se definen como artistas en la línea de las teorías del romanticismo propias del siglo XIX. La técnica tiene un papel secundario. Sus imágenes borrosas y los temas elegidos señalan una fuerte influencia del Impresionismo. Se puede fijar el punto de partida por una publicación del libro Naturalistic Photography de ​Peter Henry Emerson. ​Los pictorialistas reconocen también influencias y antecedentes de J ​ ulia Margaret Cameron​. Robert Demachy y Edward Steichen​ (Este último fundó el movimiento Foto-secessión) se acabaron desprendiendo del pictorialismo para entrar en la fotografía directa. En España continua hasta después de concluir la guerra civil. Destaca Ortiz Echague . LAS FOTOGRAFÍAS Y LAS VANGUARDIAS En las primeras décadas del siglo XX, la fotografía tuvo una conexión con otras artes plásticas. Se dio un cambio del medio fotográfico en un momento en el que los lenguajes hacían lo mismo. Las modalidades expresivas más tradicionales (Pintura, arquitectura, escultura) se combinan con las más modernas (cine, fotografía, diseño y otros mass-media)


Las vanguardias se caracterizan por la ruptura con su condición convencionalmente mimética, dejan de ser el espejo del mundo para ser susceptibles de provocar y de crear otra realidad. Las corrientes principales que se asocian son el futurismo, dadaísmo y el surrealismo. Los hermanos ​Antón y Arturo Bragaglia​ son los más representativos del futurismo. El Dadaísmo, se opone al concepto de razón y reta los cánones artísticos creando el antiarte modernos. Es una provocación. Las máximas representaciones dadaístas son el fotomontaje y el collage. Suelen contener letras, textos, imágenes superpuestas sin orden aparente. Man Ray ​fue uno de los precursores de la fotografía dadaísta. En Alemania destaca ​John Heartfield y Hannah Höch En la Bauhaus alemana se encuentra L ​ aszlo Moholy-Nagy​, que hizo muchas fotografías abstractas y fotomontajes. Fue una influencia decisiva en el diseño moderno. Paul Citroën ​ y sus fotomontajes de “metrópolis” y ​Karel Teige​ con montajes surrealistas. El surrealismo, nacido en París y heredero del dadaísmo, se define como el automatismo psíquico puro por cuyo medio se intenta expresar, verbalmente, por escrito o por otro cualquier modo, el funcionamiento real del pensamiento. Man Ray ​también fue unos de los precursores de este movimiento. André Kertész fue uno de los fotógrafos parisinos del surrealismo. Su serie fotográfica “Distortion”, transformaba cuerpos femeninos empleando espejos curvos. Eugène Atget fueencumbrado como uno de los preceptos surrealistas. Reconocía la prioridad en su visión surreal de lo cotidiano. A lo largo del siglo XX las dos grandes corrientes, artística y documental, han cambiado en paralelo. AÑOS 20/30 EN EEUU: LA FOTOGRAFÍA DIRECTA Antecedentes de la Photo-Secesión Edward Steichen creó, junto con Alfred Stieglitz, el grupo Photo-Secesión. Recordaba al pictorialismo pero con el tiempo evolucionaron hacia otros caminos de expresión. Su revista, Camera Work, recogía trabajos de fotógrafos con las últimas tendencias artísticas de la época, como reflexiones estéticas y explicaciones técnicas.


La fotografía directa En los años 20 en EEUU, aparecen la Straight Photography, apoyada por los fotógrafos tan influyentes como Alfred Stieglitz y Paul Strand. La straight Photography aboga por una fotografía pura y directa que se aleja de la dependencia con la pintura. Rechaza el pictorialismo y también las vanguardias. El objetivo era obtener resultados a través de medios fotográficos. La fotografía era aceptada como medio artístico legítimo. En el paisaje, surge una corriente que apuesta máxima nitidez y un examen riguroso de la naturaleza. A ​ nsel Adams y Edward Weston​, fundadores del grupo f/64 (1932) Utilizando la menor apertura del diafragma posible, los miembros del grupo f/64 se proponían conseguir fotos de gran precisión y detalle, con gran profundidad de campo. Ansel Adams​ desarrolló un método (el sistema de zonas) para positivar sus fotografías y conseguir una extraordinaria calidad y gama tonal.

AÑOS 20/30 EN ALEMANIA: LA NUEVA OBJETIVIDAD Surge la nueva objetividad en Alemania de la mano de ​Albert Renger-Patzsch. De forma paralela, Albert llega a conclusiones similares a las de Stieglitz o Strand. Desprendiéndose del pictorialismo, defendía una fotografía que debía reconocerse como una práctica autónoma y en posesión de sus propias leyes técnicas, ópticas y formales. En movimiento surgía como reacción ante el romanticismo impresionista. EUROPA: EL NACIMIENTO DEL FOTOPERIODISMO. AÑOS 30 HASTA LA 2ª GUERRA MUNDIAL. Paralelamente, se desarrolla en Europa una tendencia más cercana a la nueva objetividad conocida como Live Photography. El nacimiento de las cámaras Leica hacen posible el desarrollo de este tipo de fotografía. El fotoperiodismo podríamos decir que nació en Alemania en los años 20 y en este país vivió una verdadera ebullición en la época de entreguerras. En Francia, ​Henri Cartier-Bresson​ y su instante decisivo se convierte en el mayor exponente del fotoperiodismo.


EEUU: FOTOGRAFÍA DOCUMENTAL EN LA ÉPOCA DE ENTREGUERRAS La farm Security Administration Tuvo una gran relevancia que se generó en Estados Unidos y tomó gran empuje en los años 30 debido a la gran depresión americana del crack de Wall Street del 29. Se creó la “Farm Security Administration”. Su función era estudiar la situación del mundo rural y tratar de ponerle remedio. Entre los fotógrafos más destacados se encontraban ​Dorothea Lange y Walker Evans.

FAMILY OF MAN, LA FOTOGRAFÍA HUMANISTA. Edward Steichen​ organiza en el MOMMA la gran exposición “The family of man” una colección de 503 fotografías de 273 artistas de 68 países de entre millones de imágenes tomadas en todo el mundo. Reflejaban todo lo que constituye la vida humana como el nacimiento, la muerte, el trabajo, la familia etc. La exposición tuvo un enorme valor simbólico pues se gestó en un contexto de gran incertidumbre debido a la Guerra Fría y los terribles efectos de la bomba atómica. AÑOS 50: FOTOGRAFÍA DE POST-GUERRA EN EUROPA. FOTOGRAFÍA SUBJETIVA (ALEMANIA) Tras la Segunda Guerra Mundial, surge la Subjetktive fotografie de la mano de ​Otto Steinert​. Subraya la personalidad creativa del fotógrafo. Reivindica la forma sobre el contenido. Retoma la Bauhaus. Es una reivindicación de la creatividad del fotógrafo mediante su subjetividad e incluso del propio espectador,

AÑOS 50: LA STREET PHOTOGRAPHY (EEUU) En Estados Unidos aparece la Street Photography, que supuso un gran relanzamiento de los trabajos documentales en la década de 1950. Robert Frank, William Klein o Diane Arbus s ​ on los representantes máximos. Adoptan un estilo documental que introduce una mirada desprovista de todo sentimentalismo y muestra un retrato ácido y sombrío de la realidad.


AÑOS 60. LA ESCUELA DÜSSELDORF: LOS BECHER Y EL NUEVO REALISMO La concepción de la fotografía del matrimonio de Bernd y Hilla Becher se definía por ser fácilmente reconocibles y por su carácter estricto. Muestran instalaciones y objetos industriales. Las enseñanzas de los Becher desembocaron en el desarrollo de planteamientos individuales extremadamente divergentes. El objetivo no era la imitación, sino la invención de nuevos universos iconográficos.

AÑOS 70/80: NUEVO DOCUMENTALISMO Y NUEVA TOPOGRAFÍA. El principal exponente del nuevo documentalismo es W ​ illiam Eggleston​, aportó el uso del color y su preocupación por trasladar la atención fotográfica a ese ningún-lugar-en-particular del que tanto han bebido de las diversas hornadas de los artistas de la Nueva Topografía. Stephen Shore​ estableció una nueva norma para el paisaje mediante sus imágenes de gran formato. Influyó en la estética y aproximación fotográfica del posmodernismo. A finales de los 70 aparece la Nueva Topografía y Stephen Shore es referente. Su objetivo es representar el paisaje real más que el paisaje ideal, propio del romanticismo. Permite un resurgimiento de la naturaleza en fotografía en base a la llamada filosofía del paisaje que implica el estudio de las relaciones entre hombre y naturaleza. Neovanguardia y fotografía El concepto de neovanguardia puede definirse como el intento de aglutinar el conjunto de prácticas que entre los 50 y 70 son amparadas, en múltiples heterodoxias, bajo el signo del pop, el minimal y el conceptual. Consideran la fotografía no solo como una manera de describir la experiencia, sino como una herramienta conceptual. A partir de los años 70 sirven como expresión de deseos e ideologías. Barbara Kruger, Cindy Sherman y Sherry Levine​, desarrollaron metodologías de puesta en escena combinadas con criterios documentales.


ESCUELA DE HELSINKI: AÑOS 90 La Helsinki School se caracteriza por fomentar el uso de la cámara como una herramienta conceptual. Se pone gran énfasis en la imaginación de los artistas en el empleo de la fotografía como medio de expresión. ​Elina Brotherus, Aino Kannisto, Anni Leppälä y Susanna Majuri ​ son artistas pertenecientes a esta escuela.

AUTORES DESTACADOS Carlton Watkins (EEUU. 1829-1916) Es notable por su serie de fotografías del valle de yosemite, que influyeron en la decisión del congreso de estados unidos para establecer el valle como parque nacional. Carlton se interesó en la fotografía de paisaje aunque no le fue bien el negocio y acabó subastando sus fotografías sobre las que perdió todos los derechos. Comenzó una nueva serie con variedad de temas de california aunque permaneció pobre y vivio en un tren abandonado. Su vista comenzó a fallar y un terremoto destruyó su estudio y negativos. Murió en un psiquiátrico.


Eugene Atget (Francia) 1857-1927) Se dedicaba a sacar retratos de personas en la calle, así empieza una colección de fotografías para sí mismo de la vida diaria de principios de siglo xx. especialmente de zonas, oficios o modos de existir en desaparición. Monumentos, parques o escaparates son sus temas más recurrentes. Tras su muerte la fotografa Bernice Abott adquirió sus negativos.


André Kertesz (Budapest 1894-1985) Nace en Hungría y queda huérfano a temprana edad. La primera guerra mundial donde se alista como voluntario le da la oportunidad de salir de su entorno y comenzar a fotografiar. Se va a parís donde se integra en la corriente del dadaísmo y experimenta. Las revistas no querían fotos artísticas de la segunda guerra mundial por lo que andré lo deja y se va a EEUU Donde expone imágenes de sus días en parís y es aclamado por la crítica. Desde su ventana campo algunas de sus mejores fotografiadas y recibe muchos premios. Su mujer muere y esto le causa depresión.


Ansel Adams (San francisco 1902-1984) Fotógrafo ecologista maestro de la fotografia de pasiame. Fundó la asociación f/64 donde los miembros eran partidarios de la fotografía directa, no manipulada caracterizándose por la gran profundidad de cambio, realismo, composición, nitidez y riqueza de gama tonal.


Edward Weston (EEUU 1886 - 1958) Comenzó con 16 años con el movimiento pictorialista evolucionando al abstracto. Montó un estudio en méxico y se relaciono con los movimientos artísticos del momento Regreso a california y realizó sus trabajos más representativos, trabajo sobre el terreno del desierto de mojave. Comienza a emplear gran profundidad de campo y alto nivel de enfoque. Al final de su vida, su obra se hizo más sutil, casi íntima.


Minor White ( EEUU 1908-1976) Fue autodidacta con enfoque directo y documental en sus primeros trabajos. En NY contacta con ansel Adams y funda la revista Apertura trabajando junto a él, terminó sustituyéndole como director de departamento Define la fotografía como un espejismo.


Eliot Porter (1901-1990) FotĂłgrafo americano conocido por sus fotografĂ­as de naturaleza en color.


Bernd y Hilla Becher (Alemania 1931 - 2015) Sus imĂĄgenes en blanco y negro muestran instalaciones y objetos industriales, los motivos se presentan en un ciego gris, evitando las sombras intensas y los objetos se muestran con gran nitidez Su enseĂąanza en la escuela de Dusseldorf desembocĂł en el desarrollo de planteamientos individuales divergentes.


Franco Fontana (Italia 1933) Su fotografía de paisaje, urbana o rural se centra en la reducción a dos planos de las composiciones captadas por su cámara. es un trabajo de abstracción artística.


Jonh blakemore (Reino Unido 1936) Es conocido por sus bodegones y paisajes ricamente detallados y variados. Sus imรกgenes casi siempre en blanco y negro han sido ampliamente


Nils Udo (Alemania 1937) juega con la escala del paisaje, plantando o haciendo montajes de materiales para establecer vínculos entre un sitio específico, la horticultura y el arte. Con trabajos que él inicia y que la naturaleza se encarga de continuar, vinculado al movimiento medioambiental. La mayoría de sus trabajos son de carácter efímero, sus fotografías documentan y capturan utopías que crea y descubre en cada una de sus experiencias.


Robert Adams (EEUU 1937) uno de los más singulares y originales cronistas del paisaje del oeste norteamericano. Sus imágenes en blanco y negro en carreteras que se pierden en el horizonte bosques deforestados o complejos residenciales por los que deambulas figuras solitarias documentan y denuncian el enorme impacto que el desarrollo urbanístico y la exploración de recursos naturales ha tenido en este territorio.


William Eggleston (EEUU 1939) Es el principal exponente del nuevo documentalismo. Aportó su uso del color y centrar la atención fotográfica a “Ningún lugar” Reivindica el registro de lo anecdótico, vulgar y cotidiano sin valor estético.


Galen Rowell ( EEUU 1940 - 2002) Destacó por su uso de la luz y la búsqueda de lugares espectaculares por todo el mundo. El amor por la montaña le llevó a participar en muchas expediciones. Dio muchas conferencias, hizo articuloes y libros sobre fotografía. Murió en un accidente de avioneta.


Stephen Shore (EEUU 1947) Es referente de la nueva topografĂ­a Se centra en registrar la relaciĂłn entre hombre y naturaleza especialmente alteraciones y cambios producidos en el paisaje debido al impacto de la civilizaciĂłn sobre el ambiente natural.


Joel Sternfeld (EEUU 1944) Fotógrafo documental en color de gran formato que documenta paisajes de USA Explora la ironía de los paisajes alterados por el hombre viajando por Estados Unidos. Aporta cierta ironía y empatía con aquellos que fotografía.


Hiroshi Sugimoto (Japón 1948) Su obra interpreta el devenir del tiempo. Establece un diálogo silencioso entre lo que permanece inmutable y lo que evoluciona. Tiene influencia de la pintura occidental y evita la cultura japonesa No quiere buscar aquello que hay de específico en cada lugar. Recrea espacios sin identidad y sin edad.


Richard Misrach (California 1949) Ha abordado la relaciรณn entre la sociedad contemporรกnea y la naturalez. Consigue que el espectador se meta en su mundo por medio del dominio del color.


Per Bak Jensen ( Dinamarca 1949) Es pionero de la moderna fotografía de paisaje. Sus imágenes desoladoras de la naturaleza o de lugares industriales con frecuencia transmiten una impresión casi metafísica.


Axel Hutte (Alemania 1951) Es importante en la recuperación de una mirada contemporánea sobre el paisaje. Viajó por diversos países buscando reflejar la idea de lo sublime como punto de partida para su propio proyecto fotográfico Intenta atrapar en sus fotografías lo intangible de la naturaleza. Como si no quisiera implicarse en lo que fotografía. El interés de su trabajo radica en la capacidad para sedimentar estratos culturales.


Michel Kenna (Reino unido 1953) Estudió pintura y fotografía, sus fotos se centran en paisajes inusuales con luz etérea Su trabajo enigmático, profundo y extremadamente bello y espiritual derrama sutileza y simplicidad.


Andreas Gursky (Alemania 1955) En sus comienzos tenía un estilo de los Becher. abandona este estilo y retoma una observación más espontánea de la realidad con escenas inundadas de luz. A raíz de un viaje a japón que le lleva a recuperar los métodos becher. Representa lugares de intercambio humano.


Edward Burtsnsky (Ontario 1955) Reconocido por sus fotografĂ­as de gran formato de paisajes industriales (nueva topologĂ­a) Son grandes vistas de paisajes alterados por la industria. La impresionante belleza de sus imĂĄgenes esta a menudo en conclicto con los escenarios de la sostenibilidad del planeta.


Rodney Lough (EEUU 1960) FotografĂ­a parques nacionales de AmĂŠrica, monumentos nacionales y las grandes zonas salvajes


Nadav Kander (Israel 1961) Comenzó con 13 años y trabajo en un laboratorio haciendo fotografías aéreas enrolado en las fuerzas aéreas sudafricanas Comenzó un ensayo fotográfico tomando fotos a lo largo del río donde refleja el modo en que la vida humana y la industria.


Gregory Crewdson (EEUU 1962) Sus imágenes son surrealistas y de elaborada escenificación que muestran hogares y vecindarios norteamericanos. Las escenas son aisladas con imágenes oníricas e inquietantes en las que el desamparo, la soledad y la vida sin sentido son el elemento común, reflejo habitual de la psique del americano típico.


Bleda y Rosa ( Castellón 1970) Han estudiado en la escuela de artes de valencia, tienen varios proyectos como “Campos de Fútbol”, “Ciudades” u “Origen”. Están inspiradas en los becher por la manera limpia y fría que tratan la imagen.


Gilbert Garcin (Francia 1929) Sorprende por la claridad con la que decide crear un personaje y desarrollar en torno a él una obra ágil y emocionante. Recrea pequeños micromundos que construye meticulosamente y fotografía.


Susan Burnstine (EEUU 1966) Realiza fotos con cámaras y lentes construidos por ella consiguiendo imágenes evocadoras, emotivas, de ensueño, metafóricas… No lleva edición, por lo que las fotografías son un interrogante hasta el momento del revelado.


Todd Hido (EEUU 1968) Su obra versa espacios tanto exteriores como interiores y sus fotografĂ­as muestran viviendas urbanas y suburbanas, habitaciones de hotel o desnudos. Aborda el espacio desde una perspectiva personal.


Txema Salvans (Barcelona 1971) Considerado de los mรกs interesantes en cuanto a fotodocumentalismo por su trabajo irรณnico.


Donovan Wylie (Irlanda 1971) Su trabajo se centra en el paisaje político y social de irlanda. En su trabajo “the maze” fotografió la cárcel y llego a la conclusión de que su arquitectura, repetitiva era una estrategia para adormecer a los presos


Taiyo Onorato (Suiza 1979) Busca la interacción bidimensional de la fotografía con pinceladas de humor. Este toque lúdico se desarrolló durante sus estudios como reacción al estilo documental influyente pero estricto y rígido de dusseldorf.


Susanna Majuri (Helsinki 1978) Navega por un mundo de sueĂąos y fantasĂ­as donde le gusta crear imĂĄgenes de situaciones irreales y sugerentes. que nos plantean como espectadores parte de una historia que nosotros mismos debemos imaginar.


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