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artes escĂŠnicas

placeres

artesanĂ­as

conociendo

XPRESSIO

arte en movimiento

Body paint Talavera de puebla conoce su historia.

En escena

suspiros tras el escenario

DICIEMBRE 2012

El barrio del artista un lugar sin igual.

El xocolatl

exquisito palcer.


XPRESSIO

CONTENIDO

BODY PAINT

DIRECTORIO

DIRECTOR Miguel Badillo oficiodepapel @contralinea.com.mx TWITTER: @ badillo_contra SUBDIRECTOR José Réyez jreyez @contralinea.com.mx  TWITTER: @reyez_contra

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ARTE EN TU CUERPO HISTORIA TIPS.

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TALAVERA TRADICIONAL TALAVERA POBLANA.

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XOCOLATL ORIGEN Y TRATAMIENTO

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TEATRO LO QUE DEBES SABER SUSPIROS TRAS EL ESCENARIO

COORDINADOR DE INFORMACIÓN  Zósimo Camacho zosimo @contralinea.com.mx  TWITTER: @zosimo_contra   COORDINADORA DE EDICIÓN  Nancy Flores nancy @contralinea.com.mx  TWITTER: @nancy_contra   COORDINADOR WEB Gonzalo Monterrosa info @contralinea.com.mx   COORDINADORA DE PUBLICIDAD Janett Alba janett @contralinea.com.mx   COORDINADOR DE DISEÑO Miguel Minero / mimiga @contralinea.com.mx   COORDINADOR DE PRODUCCIÓN  Luis Kuan / produccion @contralinea.com.mx    REPORTEROS Isabel Argüello / isabel@contralinea.com.mx David Cilia / cilia @contralinea.com.mx TWITTER: @cilia_contra Flor Goche / flor @contralinea.com.mx Elva Mendoza / elva @contralinea.com.mx Mariela Paredes / mariela @contralinea.com.mx Ana Lilia Pérez / analilia @ contralinea.com.mx TWITTER: @analilia_contra Erika Ramírez / esoemi @ contralinea.com.mx TWITTER: @erika_contra Ruth Roque / ruth@contralinea.com.mx Mayela Sánchez / mayela @contralinea.com.mx TWITTER: @mayela_contra Rogelio Velázquez / rogelio@contralinea.com.mx   DEFENSOR DEL PERIODISTA Álvaro Cepeda DEFENSOR DEL LECTOR Jorge Melendez Preciado EDITORIALISTAS Abel Barrera,  Marcos Chavez, Miguel Concha Malo, Guillermo Fabela Quiñones, Edgar González Ruiz, Pablo Moctezuma Barragán, Jorge Luis Sierra,  DISEÑADOR Paola Alcacio Zarza

TELÉFONOS

(55)1998 0808 (55)1998 1818

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EL BARRIO DEL ARTISTA LUGAR CON HISTORIA Y CULTURA

Redacción: 5554-9194  /  Publicidad: 5554-9193  /  Suscripciones y venta de libros: 5554-9192 Av. Río Churubusco 590, Col. Del Carmen, delegación Coyoacán, CP 04100, México DF       Revista xpressio info. contacto@revistag&f.com.mx

IMPRENTA Compañía impresora EL UNIVERSAL Allende 176. Col. Guerrero. México DF. Tel. 51170190 DICIEMBRE 2012

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ARTESANÍAS

Talavera Poblana útil belleza

La talavera poblana es un tipo de mayólica típica del estado de Puebla, México. Su distintivo es su acabado vítreo en color blanco marfileño como base de la decoración. La auténtica talavera de Puebla sólo proviene de aquel estado, específicamente de las localidades de Atlixco, Cholula y Tecali, debido a la calidad de las arcillas que ahí se encuentra y a la tradición de su manufactura, que se remonta al siglo XVI.Los colores empleados en su decoración son el azul, el amarillo, el negro, el verde, el naranja y el malva (violeta pálido). La producción de talavera en Puebla alcanzó un gran desarrollo gracias a la disponibilidad de su barro y a la gran demanda de azulejos para revestir las iglesias y conventos. La industria creció a tal grado que para mediados del siglo XVII había creado sus propios gremios de artesanos y estándares, los cuales demandaron una mayor calidad, llevando a Puebla a su “era dorada” entre los siglos XVII y XVIII. En términos formales, la tradición surgida en Puebla se acuñó con el nombre de talavera poblana, diferenciándola así de las talaveras españolas. Es una mezcla de técnicas cerámicas chinas, italianas, españolas e indígenas

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ARTESANÍAS

La talavera es un tipo de cerámica mayólica, que se distingue por su blanco vítreo como base de color. La auténtica talavera sólo proviene de la ciudad de Puebla y de las localidades de Atlixco, Cholula y Tecali de Herrera, debido a que el tipo de barro y la historia de la artesanía provienen de esa región. Todas las piezas son elaboradas a mano en torno, y el vidriado contiene estaño y plomo, como han sido hechas desde la época virreinal. El vidriado debe craquelarse, ser ligeramente poroso y casi blanco. Sólo se permite usar seis colores: azul, amarillo, negro, verde, naranja y un violeta pálido, que deben generarse a partir de pigmentos naturales. Los diseños de color tienen una apariencia difuminada a medida que se funden con el vidriado. La base, la parte que toca la superficie no visible, no es vidriada y expone la terracota, la cual debe tener inscrito el logotipo del fabricante, las iniciales del artista y la ubicación de la fábrica en Puebla.

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Siguiendo una tradición... La tradición abrió su camino a través de la Guerra de Independencia al siglo XIX, durante el cual el número de factorías no sumaban más de ocho en todo el estado de Puebla. Posteriores esfuerzos de artistas y coleccionistas de principios del siglo XX trataron de rescatar la tradición y hoy en día existen colecciones de talavera en Puebla, en la Ciudad de México e incluso en Nueva York. Ulteriores esfuerzos para preservar y promover la artesanía han ocurrido a finales del siglo XX, con la introducción de nuevos diseños decorativos y la llamada denominación de origen para proteger la autenticidad de las piezas de talavera elaboradas con los métodos originales del siglo XVI. El diseño de las piezas está estrictamente regulado por la tradición. La pintura debe sentirse al tacto con una ligera elevación sobre la base. En sus comienzos sólo se empleaba el color azul cobalto, que era el pigmento más caro y también muy buscado, no sólo por prestigio sino porque aseguraba la calidad de toda la pieza. La talavera es la más destacada de la tradiciones artesanas. Sólo se emplean barros naturales y no barros tratados químicamente. Su delicada manufactura y fragilidad, ya que una pieza se puede romper en cualquier momento, hacen a la talavera tres veces más costosa que cualquier otra pieza de cerámica. Por ello, los fabricantes de la talavera han estado bajo presión por las imitaciones, más frecuentemente de China y piezas de cerámica similares de otras partes de México, especialmente de Guanajuato. El estado de Guanajuato pidió al gobierno federal compartir los derechos de la denominación de origen con el de Puebla, pero en 1997 recibió como respuesta una negativa, y la cerámica vidriada de otras partes de México se denominan simplemente mayólica.

Hoy en día, sólo las piezas provenientes de

zonas designadas y de talleres específicos que han sido certificados están permitidos para llamar a sus obras talavera.La certificación es emitida por el Consejo Regulador de la Talavera, un cuerpo regulatorio especial. Sólo nueve talleres hasta ahora han sido certificados: Talavera Uriarte, Talavera La Reyna, Talavera Armando, Talavera Celia, Talavera Santa Catarina, Talavera de la Nueva España, Talavera de la Luz, Talavera de las Américas y Talavera Virgilio Pérez. Cada una de las cuales debe pasar por una inspección bianual de sus procesos de fabricación. Las piezas son sometidas a 16 pruebas elaboradas por laboratorios certificados internacionalmente.Aunado a esto, hay una prueba hecha por la Facultad de Ciencias de la Universidad de Puebla para asegurar que el vidriado no contenga plomo en más de 2.5 partes por millón o de cadmio en más de 0.25 partes por millón, dado que la mayor parte de las piezas se usan para servir alimentos. Sólo aquellas piezas salidas de los talleres que alcancen los estándares están autorizadas para llevar la firma del alfarero, el logotipo del taller y el holograma especial que certifica la autenticidad de la pieza.

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PLACERES

Xocolatl

exquisito gusto

El chocolate (náhuatl: xocolatl ) es el alimen-

to que se obtiene mezclando azúcar con dos productos derivados de la manipulación de las semillas del cacao: una materia sólida (la pasta de cacao) y una materia grasa (la manteca de cacao). A partir de esta combinación básica, se elaboran los distintos tipos de chocolate, que dependen de la proporción entre estos elementos y de su mezcla o no con otros productos tales como leche y frutos secos.

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Origen

No se conocen con certeza los orígenes del árbol de cacao (Theo-

broma cacao). Algunas teorías proponen que su diseminación empezó en las tierras tropicales de América del Sur, de la cuenca del río Orinoco o el río Amazonas, extendiéndose poco a poco hasta llegar al sureste de México. Otras plantean que ocurrió lo opuesto: se extendió desde el sureste de México hasta la cuenca del río Amazonas. Lo que se tiene por hecho es que las primeras evidencias de su uso humano se encuentran en territorio mexicano, que hace mucho tiempo fue ocupado por culturas prehispánicas.


PLACERES

Tratamiento y despues disfrutarlo Tras el tratamiento al que se somete a las habas de cacao en las zonas de recolección, estas se envían a las distintas fábricas chocolatecras. Al llegar, los granos se examinan y se clasifican. Lo primero que se realiza es el lavado y tostado de las habas del cacao; el objetivo es aumentar el aroma y favorecer el desprendimiento de la piel de las semillas. Un sistema de cepillado posterior permite eliminar esas pieles y cualquier otra impureza o cuerpo extraño. A continuación, se realiza la torrefacción de las habas del cacao ya tostadas, un proceso importantísimo para la calidad final del producto. En unas grandes esferas giratorias, las habas se tuestan durante unos pocos minutos a entre 110 y 120 °C., eliminándose la humedad y la acidez, al tiempo que se favorece el desarrollo de los aromas. Cada tipo de grano que formará parte de una determinada mezcla de chocolate se tuesta por separado. Nunca se utiliza un único tipo de grano para elaborar el chocolate. Después de su enfriamiento, las habas, cuyas cáscaras han comenzado a explotar por el efecto de la torrefacción, se llevan a una máquina de descascarillar y cribar, que abre los granos tostados y separa los pellejos, ligeros, de la parte comestible, más pesada. Las cáscaras y hollejos se reciclan como compost para jardines, o para elaborar mantecas de baja calidad llamadas comercialmente Cocoa.

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Por su sabor...

La Cocoa tiene un perfume y un sabor relativamente similar al del chocolate en polvo, pero que carece de las características originales del Chocolate hecho a base de Cacao. Se consigue mayormente de manera industrializada y es de color marrón oscuro. La cascarilla sirve para hacer bebidas todavía típicas de algunos lugares, solo se pone a macerar un puñado de cascarilla unos minutos, luego esta se hierve con leche y se bebe caliente. Pero esta bebida resultante carece de nutrientes y en algunas ocasiones la cascarilla suele contener cobre en cantidades altas. Por ser muy amarga, la Cocoa es un recurso con gran rendimiento económico sobre todo para las industrias que modifican el sabor de la Cocoa con grandes márgenes de azúcar, que por ser tan amarga necesita. El siguiente paso es la mezcla. Determinadas cantidades de diferentes variedades de granos son pesadas e introducidas en un depósito cilíndrico, previamente a su paso a las máquinas de molienda. La mezcla de diferentes granos para hacer cacao en polvo es menos exigente que la del chocolate. A continuación, se muelen las habas del cacao. Las habas trituradas pasan a través de una batería de molinos y se someten a un batido a una temperatura constante de 60-80º; la duración de este tratamiento puede ir de las 18 a las 72 horas. La duración influye en la textura del chocolate resultante: a menos batido, mayor aspereza.

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Por efecto de la trituración, el tejido celular de las habas, que contiene de un 50 a un 60% de manteca de cacao, permite la liberación en parte de esta grasa, que luego se licúa por efecto del calor generado por el frotamiento. El resultado es una pasta fluida pero densa, la pasta de cacao: una suspensión de sustancias con cacao en manteca de cacao. Para su utilización en los diferentes productos, esta pasta se homogeneiza y se calienta a 100º, para ser luego propulsada en prensas hidráulicas. Se extrae así la mayor cantidad posible de manteca de cacao, que se filtra y se compacta en grandes bloques. La pasta de cacao, con un porcentaje de grasa reducido entre el 8 y el 22%, se presenta en forma de pan u hogaza. Esta parte sólida es durísima, pues se solidifica a 600 atmósferas. El característico crujido y el delicado brillo del buen chocolate es debido a la estructura cristalina de la manteca de cacao. La manteca de cacao, aparte de su utilización en la elaboración de chocolates, se usa en jabones y cosmética, por tener un punto de fusión ligeramente inferior a la temperatura corporal, lo que la convierte en una base perfecta para lápices de labios y otras cremas.


EL CHOCOLATE TE DA ENERGÍA

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XPRESSARTE

Body paint

un arte diferente... Desde el principio de los tiempos, los seres humanos tuvieron el deseo de crear arte. El body painting nació de este deseo, haciendo del cuerpo el primer lienzo. La historia de este oficio se remonta tanto tiempo atrás que los historiadores lo consideran una de las primeras formas de arte. En comparación con otras disciplinas de arte del cuerpo, como los tatuajes o piercings, esta es una práctica con efectos temporales, ya que las pinturas corporales no son permanentes. La pintura corporal, o body painting, es una pintura artística aplicada a la piel y se considera una de las primeras formas de expresión plástica utilizadas por nuestros antepasados. El hombre prehistórico descubrió la tierra coloreada, el carbón de madera, la tiza, la sangre de los animales y muchos otros pigmentos que sirvieron como pinturas de guerra o se utilizaron como señal de reconocimiento en las tribus indígenas. Esta técnica de maquillaje primitivo también sirvió de camuflaje para la caza. Esta práctica servía como instrumento de transformación; los dibujos y los colores permitían cambiar de identidad, señalar la entrada en un nuevo estado o grupo social, definir una posición ritual o reafirmar la pertenencia a una comunidad determinada. En otros casos, se utilizaban sencillamente como ornamento.

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Jesús Diaz

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XPRESSARTE Jesús Diaz

La pintura corporal reapareció en Occidente a finales del siglo XX. Se trata de un arte transitorio, en el que el artista crea un dibujo sobre el cuerpo de su modelo, con una finalidad lúdica y decorativa. Parte de su éxito está en que permite una exposición del cuerpo desnudo que no atenta contra el sentido del pudor que prevalece en las sociedades occidentales. A menudo se utilizan los motivos animales, transformándose los modelos en felinos, perros, cebras o tigres. Cuando se representan otros animales, es común que se integren en un decorado pintado sobre la piel del modelo; serpientes en la selva, arañas sobre su tela. Otro tema recurrente es el fantástico, por ejemplo, criaturas multicolores dotadas de alas, antenas o garras recorren los festivales dedicados a estas artes. Abundan también las pinturas de mimetismo o camuflaje. En estos casos, el cuerpo se integra con su entorno, ya sean árboles, papel pintado o paredes decrépitas. En el arte de la pintura corporal hay que tener también en cuenta los tatuajes efímeros que los artistas realizan con tintes naturales, como la henna, o con sustancias químicas no siempre inocuas. Los dibujos suelen seguir patrones florales o geométricos, reproduciendo los motivos de los tatuajes populares tradicionales.

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El cuerpo como lienzo Si bien el cuerpo es similar a un lienzo en el

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que pintar, incluye variables muy diferentes, al ser piel humana. El cuerpo tiene contornos que dificultan realizar ciertos paisajes o diseños y hacen que la tarea sea más complicada. De igual forma, al tratarse de un ser humano, conlleva dilemas éticos de cómo mostrar el cuerpo, qué ocultar y qué zonas pintar. Cualquiera sea la forma en que se realiza body painting, es de esperar que cause diversas reacciones. El arte corporal puede ser hermoso, cautivante, o perturbador, según el punto de vista y los valores del que observa. Esta disciplina ha ganado mucho terreno en eventos de cosmética y estética, pero aún existen personas que ven con ojos retrógrados la desnudez de los cuerpos que son decorados. Es por eso que es necesario tener en cuenta en qué lugar va a realizarse la pintura corporal, para no llevarse sorpresas en el momento de la exposición. El body painting permitió encontrar un nuevo lienzo donde desplegar belleza, mensajes y una nueva forma de expresar emociones. Es de esperar que en los próximos años esta disciplina sea tan común que el cuerpo desnudo ya dejará de ser noticia, y un nuevo dispositivo deslumbre en el mundo de la estética.

Algunos tips 1. Utilizar pinturas hechas específicamente para el cuerpo, a base de agua, y asegurarse que éstas hayan sido aprobadas por los entes regulatorios correspondientes (en Estados Unidos la FDA y en Argentina la ANMAT). Como se estará trabajando sobre piel humana, utilizar una pintura no diseñada para ella puede causar severas reacciones alérgicas. 2. Es necesario mantener todos los materiales al alcance de la mano a la hora de trabajar. Cuando se empieza a pintar no es nada cómodo tener que salir corriendo a buscar los materiales faltantes. Hay que preparar todo el kit antes de comenzar el trabajo. 3. Cuando se aplica pintura a una superficie grande del cuerpo, usar esponja. El truco allí es utilizar sólo una mínima cantidad de agua. De otra manera, se estará aplicando la pintura muy finamente. Para lograr una base más espesa, aplicar de tres a cuatro capas. Se recomienda evitar capear la pintura demasiado espesa en una sola vez porque esto hará que la pintura luego se resquebraje. 4. Cuando se pinta con el pincel, se aplica el mismo principio del agua con el color. Cuanto más agua se use, más fácil será esparcir la pintura alrededor. 5. Para crear una apariencia tridimensional, conviene empezar de las sombras más pálidas yendo hacia las más oscuras. 6. Para evitar manchar el trabajo, utilizar esponjas y pinceles diferentes para cada color. 7. Utilizar herramientas de calidad superior. No escatimar en gastos en los materiales, porque se trabaja sobre piel humana, y es mejor sentirse seguro que luego lamentarlo. 8. Hacer que la modelo se sienta cómoda. En la pintura facial, el lienzo no es solamente una hoja en blanco o una tela, es otro ser humano. Es por eso que hay que asegurarse que la modelo se sienta tranquila y esté en una posición cómoda. 9. La práctica hace la perfección. La pintura corporal es una habilidad que puede ser desarrollada. Cuanto más se pinta, mejores resultados se logran. 10. Realizar la actividad con alegría y optimismo hace que esa energía positiva se traslade al trabajo y se vea en los resultados. Precauciones: trabajar siempre sobre la piel limpia y perfectamente sana. Evitar las zonas perjudicadas por irritaciones y las cicatrices recientes. Limpiar pinceles y esponjas después de uso, con el fin de evitar la propagación de posibles enfermedades. Y acordarse que la desnudez puede herir la susceptibilidad de algunas personas.

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ARTES ESCÉNICAS

El Teatro

lo que hay que saber

El teatro, constituye un todo orgánico del que sus diferentes elementos forman una parte indisoluble. Esos elementos, no obstante, poseen cada uno características y leyes propias y, en función de la época, de la personalidad del director o de otras circunstancias, es habitual que se conceda a unos u otros mayor relevancia dentro del conjunto. Estos elementos son:

Texto Las obras dramáticas se escriben en diálogos y en primera persona, en el que existe las acciones que van entre paréntesis, (llamado lenguaje acotacional) En la tradición occidental, el texto, la obra dramática, se ha considerado siempre la pieza esencial del teatro, llamado "el arte de la palabra". Dado que, de forma más matizada, esta orientación predomina también en las culturas orientales, cabe cuando menos admitir como justificada tal primacía. A este respecto deben hacerse, no obstante, dos consideraciones: en primer lugar, el texto no agota el hecho teatral, pues una obra dramática no es teatro hasta que se representa, lo que implica como mínimo el elemento de la actuación; en segundo lugar, son numerosas las formas dramáticas arcaicas y los espectáculos modernos que prescinden por completo de la palabra o la subordinan a elementos cual la mímica, la expresión corporal, la danza, la música, el despliegue escénico. Dirección La personalidad del director como artista creativo por derecho propio sólo se consolidó, según se apuntó anteriormente, a fines del siglo XIX. Su figura, de cualquier forma, había existido siempre, en cuanto responsable de la coordinación de los elementos que representan, desde la escenografía a la interpretación. A él corresponde, en definitiva, convertir el texto, si existe, en teatro, por medio de los procedimientos que juzgue precisos. Para inducir a la reflexión por los alemanes Bertolt Brecht y Erwin Piscator o el ascetismo del polaco Jerzy Grotowski Actuación Las técnicas de actuación han variado enormemente a lo largo de la historia y no siempre de manera uniforme.

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En el teatro moderno se ha impuesto por lo

general la orientación naturalista, en que el actor por medio de adquisición de técnicas corporales y psicológicas y del estudio de sí mismo y del personaje, procura recrear en escena la personalidad de éste. Tal opción, evolucionada en sus rasgos fundamentales a partir de las enseñanzas del ruso Konstantín Stanislavski y muy extendida en el ámbito cinematográfico, no es desde luego la única y en último extremo la elección de un estilo interpretativo depende de características del espectáculo y de las indicaciones del director. Otros elementos De forma estricta, se entiende por decorado al ambiente en que se desarrolla una representación dramática, y por escenografía, al arte de crear los decorados. Hoy en día, tiende a introducirse en el concepto de “aparato escenográfico” a todos los elementos que permiten la creación de ese ambiente, entre los que cabría destacar fundamentalmente a la maquinaria o tramoya y la iluminación. En la antigüedad, la escenografía se hallaba condicionada a limitaciones técnicas y arquitectónicas, circunstancia que se mantuvo durante toda la Edad Media. Fue ya a fines del Renacimiento y, sobre todo, durante los siglos XVII y XVIII, cuando la escenografía comenzó a adquirir realce, gracias al perfeccionamiento de la perspectiva pictórica, que permitió dotar de mayor apariencia de profundidad al decorado, y posteriormente al desarrollo de la maquinaria teatral.


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ARTES ESCÉNICAS

En escena... SUSPIROS TRAS EL ESCENARIO

El foro estaba lleno, a reventar. La gente

comentaba las buenas críticas que la obra había recibido, los músicos en posición, las tres actrices y el protagonista de la misma forma, calentaban y estiraban; músculos, boca y garganta. El show iba a comenzar. A esas horas, las luces se apagaron, los actores, salieron meroliqueando productos de la supuesta vendimia que hacía honor a su papel. La música comenzó a sonar. Una rumba muy parecida y fina inundaba la sala, donde setenta y seis personas se acomodaban para una hora “y cachito” como decimos los chilangos, como se dice en el argot citadino, de espectáculo. Pero para que la magia ocurra, “se de” y fluya, diversos factores deben coexistir a manera de sinergia para poder dar forma a lo que con palabras, movimientos y gestos, da un mensaje a la sociedad en general. La historia; es casi la misma, en el centro podrido de esta ciudad, se levanta una figura, un dandi, maestro en el arte de la seducción y robo con elegancia. Es la historia del “Maik” “Pedro Navajas” y esque, el nombre llega a ser tan irrelevante como la existencia misma del personaje en la historia de México. Sin embargo, el traje impecable del Maik los instrumentos llenando con ondas el foro, entre otros tantos ingredientes, fueron la receta perfecta para dar a esta ciudad, la mejor de las mejores versiones realizadas de La Ópera del Mendigo de John Gay, basada previamente en La Ópera de los Tres Centavos del alemán Bertolt Brecht. La música de Cha Cha Cha y rumbas hace que el sabor se mezcle con la trama de la historia llenando de emociones al espectador y deleitándolo, de la misma forma, con los cuerpos de tres maravillosas actrices que entran y salen de escena, según su papel a interpretar. Las dos temporadas que se montaron y el buen reconocimiento ante una sociedad que busca “algo nuevo” hizo que esta producción fuera un éxito, y es ahí dónde mi papel entra en toda esta verborrea y mezcolanza de narraciones simples. Mi nombre, como escribí, tan irrelevante como mi existencia misma, es inverosímil. Mi actuación es detrás de los escenarios, donde produzco, coordino y dirijo a personal, instrumentos, músicos, actores y vestuarios, así como la escenografía, las relaciones publicas y los eventos masivos que en teatro, se pueden llevar a cabo.

Todo esto se escribe tan fácil, se escucha casi como novela para los oídos inexpertos, sin embargo, producir es todo un largo proceso de meses de preparación previos a ver la obra brillar en los escenarios. Se requiere de paciencia, de amor, de sudor, de lágrimas y sobre todo, de capital. Y es este último, quien toma el centro del universo dentro del teatro. Sin capital no hay teatro. A diferencia de las grandes producciones en Hollywood y Broadway, en México la cultura y los espectáculos son temas que se cuecen aparte. La cultura en México es algo de tercera o hasta cuarta necesidad, y ese, desgraciadamente ha sido nuestro error, nuestro lastre, nuestra condena. Y es que los recursos existen, están ahí esperando, sin embargo, la burocracia y la corrupción hacen que los recursos no lleguen a esparcirse correctamente. A pesar de esto, hay personas que todavía creen en la, actualmente, utópica idea de un México con más cultura, y son esas personas que hacen cosas, que producen, que dejan en pedazos su alma y bienes con tal de sacar adelante un proyecto. La producción independiente, por otra parte, e irónicamente, va en asenso. Esto quiere decir que poco a poco, gota a gota, hay más cultura en México, o al menos, en la ciudad de México. “Esto es una guerra y no puede parar, no sé cuánto tiempo el cuento va a durar, la gente en la calle no quiere pensar” y con esa mentalidad nos despertábamos en esos días, llenos de entusiasmo juntábamos los actores, íbamos y veníamos con comida, con desayunos, y con agua, mucha agua. El diseño de la escenografía corrió por parte de Armando López y el director, Bernardo Velasco, el vestuario por parte de Sofía Voguel y Sharon Camarena, los arreglos musicales fueron realizados por Armando López, “Chancla” y su narrador, servidor y colega. El teatro es hoy en día una válvula de escape, de nuestras tristezas y penas, pues, como dijo Alex Lora; “el mexicano es el único que es capaz de reírse de su propia desgracia” y seguirá siendo así, mientras descabellados incautos de la autoridad opresora que aflige a esta ciudad, existamos. Y ya sea con orquestas, rama de las artes que también coordino, programas de asistencia cultural, y el teatro mismo, seguiremos impulsando y no dejando caer a esta hermosa ciudad que si bien nos desespera, nos excita, nos impulsa, nos mueve, nos estresa; también nos da de vez en vez, una sonrisa.

Escrito por: Fabian García Bahena DICIEMBRE 2012

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CONOCIENDO

EL barrio del Artista

un lugar con historia... La Plazuela del Torno fue remodelada en 1941 y conserva un fuerte estilo colonial. Debe su nombre a los tornos de hilar que funcionaron aquí en la antigüedad Es un pintoresco rincón con una fuente barroca adornada con esculturas donde se puede dar un paseo ideal visitando los talleres de los pintores y artistas que trabajan a la vista del público. Ocasionalmente, se realizan conciertos y obras de teatro al aire libre. En el año de 1955 el Gobierno del Estado presidido por el Sr. General Rafael Ávila Camacho cede en custodia de la Agrupación la plazuela del factor, dada la importancia que va adquiriendo este lugar para el Turismo Nacional e Internacional, posteriormente se efectúa la construcción de la segunda planta y con motivo del primer centenario de la Batalla del 5 de mayo en 1962 es inaugurada la sala José Luis Rodríguez Alconedo presentándose una magna exposición pictórica con grandes Maestros de la Plástica Nacional (Diego Rivera, Frida Kalo, David A. Siqueiros, Saturnino Herran, José Clemente Orozco, Rufino Tamayo, Fernando Murillo y otros mas que engalanaron la muestra haciendo historia en los anales del Arte Plástico en Puebla). Su imagen, custodiada por ese monumento de arquitectura colonial que es la Casa del Alfeñique y el joyel barroco que constituye el templo de San Francisco, la histórica fabrica de la violeta con sus esbeltas chimeneas de ladrillo y su estanque de pescaditos y el histórico Teatro Principal con su portalillo, (primer teatro de América).

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Inspiracón de muchos... Lugar de cultura El “Barrio del Artista” ha sido

venero e inspiración de músicos y poetas que amparados por el ambiente bohemio del lugar han expresado su poesía y su música a través de diferentes épocas de la Agrupación. Las visitas y convivencias de personajes de la talla de Diego Rivera y su esposa la señora Frida Kahlo, las amenas reuniones (para enjuagarse la boca) con el maestro Fernando Murillo (Doctor Atl.), la presencia del Maestro David A. Siqueiros, del gran pintor Francisco Cornejo y de tantos otros intelectuales y estrellas del cine nacional que apoyaron el sueño del “Barrio del Artista” que es y seguirá siendo un Rincón en el Arte. Pero no todo ha sido bohemia e idealismos, la agrupación ha aportado a la Cultura de Puebla un gran número de Artistas Plásticos como: Faustino Salazar (prestigiado retratista), los maestros Desiderio Hernández Xochitiotzin, Eliseo Tenorio Velasco, Fernando Ramírez Osorio, precursores del movimiento muralístico de la Escuela Mexicana en la Puebla del siglo pasado, sin olvidar los nombres de Carlos Teodoro Torres, Eduardo Villanueva, Salomón Candia, Doctor Esteban Aguirre Beltrán, Martín Serrano, los hermanos Rafael y Aurelio Leonor Solís, el maestro Roberto Castro Silva y Miguel Ángel Domínguez, quienes con la expresión de su trabajo en diferentes técnicas y temas, han dado renombre a Puebla en latitudes fuera de nuestras fronteras.

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