Issuu on Google+

w

Paola Avila

teo dise単o teatral


Paola Ávila 1988 Santiago/Chile ¿Cómo te iniciaste en el diseño teatral? Siempre me gustó el teatro yquise vincular mi vida a el. Buscando y buscando fué que undía leí que existía esta carrera y fue ahí que ví la malla y me metí nomás, sinpensarlo mucho. Una vez adentro una se dacuenta que es muy diferente a lo que puede imaginarse. ¿Dónde es tu formación como diseñadora teatral? Estoy aun estudiando, esta carrera se imparte solo en la Universidad de Chile. ¿Ha sido muy difícil cursarla? La verdad, si. Ya estoy en tercero y creo que si ha sido difícil. Yo estudié antes Pedagogía en Historia y el ritmo era muy diferente y el ambiente también. Cuando entre a la carrera me costó mucho adaptarme, pero con el tiempo uno le agarra cariño a lo que hace y mirando hacia atrás se da cuenta de lo mucho que he aprendido y lo rico es que comprende muchos campos donde desarrollarme. ¿Cuál es el aspecto del diseño teatral que te llama más la atención? Me gusta todo, aunque debo reconocer que me cuesta mucho la iluminación. Lo que más me gusta es la escenografía. ¿Qué significa TEO? Se nos propuso crear un logo o firma para poner en nuestros trabajos y busqué algo que me identificara realmente. TEO son las iniciales de mi hijo, fue por lo mismo que escogí esas letras. Los dibujos tambien estan inspirados en el.


_PRIMER AÑO 2009

A Puerta Cerrada JEAN PAUL SARTRE A puerta cerrada es una obra de teatro existencialista creada 1944. La obra sólo presenta cuatro personajes (uno de los cuales, el Mayordomo, aparece por muy poco tiempo) y un sólo escenario. “A puerta cerrada” es la fuente de la, quizás, más famosa frase de Sartre, “El infierno son los demás” (en francés, “L’enfer, c’est les autres”). Ha sido adaptada al cine en muchas ocasiones, notablemente en 1954 por Jacqueline Audry. LA MIRADA DEL OTRO A puerta cerrada explota el concepto de la influencia de las miradas ajenas en la psique personal. Se parte de la idea de que la mirada del otro es aquello que desnuda, muestra al otro la realidad del ser. Y a partir de ésta, el individuo es juzgado, condenado. Los protagonistas de A puerta cerrada son sus propios verdugos. Tienen la mirada fija y constante en sus compañeros; solidifican, eternizan la existencia. En el infierno no existe el tiempo, es el eterno presente, sin cambios, angustiante y sofocante. No poder pestañar, no poder dormir, es la vida sin corte, es el ser siempre y constantemente juzgado por la mirada del otro. La solución sería encerrarse en sí mismo, huyendo de la mirada del otro. Pero no los salva. Están condenados a escuchar los pensamientos del otro, cuya presencia se hace patente e insoportable. CULPA Y VERDAD EN EL INFIERNO DE SARTRE La apariencia nos muestra que la llegada de los tres perso-

najes al infierno no es casual ni impensada. Garcin está allí por maltratar sádicamente a su mujer y ser traidor, con sus colegas y sus ideales. Inés, es abiertamente mala. Indujo a la muerte, incluso no le importa su propia muerte, a su primo y a Florence, su mujer. Estelle ha engañado a su esposo, ha matado a su hija, ha prostituido su vida. Pero esta apariencia no es la razón de la llegada de los tres personajes al infierno. La causa es más profunda, más real y definitiva. Garcin es un canalla, Inés es sádica, Estelle es netamente egoísta. La soberbia, el reconocerse cada uno como único e imprescindible, los llevó a la muerte eterna. Muerte que se expresa en la absorción en la mirada de los otros. ¿SALVACION? En su estancia en el infierno, cada personaje es lazo para el otro. No pueden abandonar el infierno sin el otro. La dependencia se ha hecho demoníaca (al modo de pensar de C. S. Lewis, en las “Cartas del diablo a su sobrino”). Teniendo la posibilidad de partir, no pueden. Se hallan condenados a vivir en la mirada de sus compañeros, en el pensamiento de sus compañeros, y así existir, para el castigo que es la eternidad. ean Paul Sartre y la mirada Para Jean Paul Sartre, la mirada del otro es el infierno. Impide ser, aunque es la única que permite manifestarse de algún modo en el mundo. Siendo así, la opinión del otro es importante. Es una crítica a la sociedad actual, que vive preocupada por el “qué dirán”, por el prejuicio. Hay miedo a mostrarse; la salida: un mundo de apariencias. Ocultando el ser, se expresa el aparecer, pero vacío de sentido. El horror al vacío impone una máscara, es el infierno de ser lo que se pretende que al otro le importe que yo sea.


_PRIMER AÑO 2009

N

UMANCIA

MIGUEL DE CERVANTES Como en toda tragedia, el argumento de La Numancia debe ser desvelado desde el principio, y este es un factor fundamental en el género. La irremediable fatalidad a que se ven abocados los numantinos desde el comienzo es parte consustancial al mantenimiento de la tensión dramática en la tragedia y a lograr una efectiva catarsis final. Numancia, una ciudad celtibérica, resiste desde hace años a las tropas del general romano Escipión, cuyas tropas han relajado sus costumbres. El general arenga a sus tropas y decide que caven un foso para tomar por inanición la plaza. Dos embajadores numantinos ofrecen firmar una paz, pero Escipión la rechaza: solo queda vencer o morir. Dos figuras alegóricas que representan a España y al Duero profetizan la caída de la ciudad, pero también las glorias que cosechará España con Felipe II, es decir, la época contemporánea a la escritura de la obra.

En Numancia, en tanto, los augures, mediante sacrificios a Júpiter, y el hechicero, que resucita a un cadáver, prevén la destrucción de la ciudad. Sin embargo, y sin perder nunca la esperanza, los jefes arévacos proponen un combate singular (un numantino contra un romano) para decidir la suerte de la guerra. Escipión, que confía en rendir la fortaleza por el hambre, no acepta la propuesta. Extenudados ya los habitantes de la ciudad, se aprestan a una salida desesperada, pero las mujeres, que temen quedarse tras la probable derrota a merced de los romanos, les piden que destruyan los bienes materiales de la ciudad, consuman la carne de los pocos prisioneros romanos y les den muerte antes de sufrir la indignidad de ser ultrajadas por el ejército de Escipión. Posteriormente, se dan muerte unos a otros. Los romanos entran en una ciudad inerte cuando ven al último de los habitantes de Numancia arrojarse al vacío desde una torre para evitar que ningún numantino tenga que pasear como trofeo de guerra en el desfile victorioso de Roma.


EN El ESPACIO

Primer ejercicio de 2do aテアo. Tomar una silueta de epoca y situarla sobre un fondo, transformandola y adaptテ。ndola a este entregテ。ndole una textura y un color en particular.

_SEGUNDO Aテ前 2010

Silueta


EL AVARO

EL AVARO

_SEGUNDO AÑO 2010

EL AVARO MOLIERE Es una comedia en prosa en 5 actos, donde se analiza un defecto humano común y peligroso: la avaricia, encarnada en Harpagón. La historia se sitúa en París en el siglo XVII, en el hogar de una familia acomodada, donde, sin embargo, los hijos sufren privaciones económicas y afectivas, a causa de la mezquindad de su padre. Harpagón está enamorado de Mariana y pretende casarse con ella a pesar de que su propio hijo se constituye en su rival, ya que también está enamorado de la joven. El poder del protagonista radica en su dinero, con el que pretende comprar los sentimientos más puros, pero que se convertirá en su opresión y su ruina moral, ya que renunciará a todo por no perder lo material.


ww

MACBETH La ambición, la traición, la lealtad, la patria, lo esotérico, lo sobrenatural, la naturaleza del ser humano, son elementos presentes en Macbeth una de las obras más cortas pero también más complejas de Shakespeare, que contiene algunos de los mejores versos que haya escrito jamás. Al regreso de una batalla Macbeth encuentra a tres brujas que le profetizan que se convertirá en rey. Otras dos profecías se realizan casi inmediatamente y esinevitable que Macbeth se pregunte cómo podrácumplirse la tercera, ya que el rey, Duncan, está vivo y tiene dos hijos. Macbeth imagina el asesinato de Duncan, y aunque en un primer momento rechace la idea, su mujer lo impulsa a hacerlo. Macbeth comete el crimen que le torturará y le quitará el sueño: mata a Duncan y es coronado. Pero este primer delito arrastra inexorablemente consigo una cadena de otros delitos y lleva a Macbeth a la ruina y a la muerte. Las brujas le habían dicho que ninguno de sus hijos lo sucedería en el trono, que iría a parar a los descendientes de Banquo. Macbeth le hace asesinar pero su hijo escapa. Las

brujas han puesto en guardia a Macbeth contra Macduff que logra huir, aunque su mujer y su familia son exterminados. Macbeth, en principio un hombre valiente y de ningún modo malvado, termina por convertirse en la clásica figura del tirano presa del terror, odiado y temido por todos, rodeado de espías, y asesinos constantemente obsesionado por el miedo a la traición y a la rebelión. Su condición lo obliga a ser cada vez más cruel. Al final, estalla la rebelión y Macduff y Malcolm, hijo de Duncan, invaden Escocia al frente de un ejército inglés. Las brujas habían hecho también otra profecía, que parecía garantizar la impunidad a Macbeth. Cuando el verdadero significado de la profecía se le hace claro, abandona toda esperanza y muere combatiendo, sostenido por el puro instinto del guerrero que muere en pie y no se rinde nunca


Espacio. Lady Macbeth y Macbeth


_SEGUNDO Aテ前 2010


_SEGUNDO AÑO 2010

Almuerzo en casa de Ludwig W. TOMAS BERNHARD

de encontrar un lugar propio que los refugie y en las diferentes verdades silenciosas que a través de la obra van develándose.

Almuerzo en Casa de Luwdig W, es una obra teatral escrita por el austriaco Thomas Bernhard, quien nos relata la vida de tres hermanos que han quedado encerrados en viejas y vacías costumbres que los obligan a caminar en una senda que oscila entre la racionalidad y la locura.

Los tres hermanos Worringer, tienen un intenso reencuentro cuando el varón de la familia, Voss es sacado de la clínica psiquiátrica (la cual considera su hogar) y se encuentra con sus dos hermanas, a quienes considera tontas, ridículas e inútiles.

Inspirada en la vida del filósofo Ludwig Wittgenstein, Bernhard nos introduce en un mundo acomodado y refinado, lleno de lujo y caprichos, haciéndonos a través del mismo, comprender lo absurdo y ridículo que es la ostentación y la vida burguesa en general. Esto lo logra, mostrándonos a tres hermanos, Denne, Voss y Ritter, quienes con sus discursos transitan en un interesante devenir existencial basado principalmente en la eterna insatisfacción de la clase burguesa, en la imposibilidad

Es acá cuando comienzan las recriminaciones, la violencia verbal y la ironía que nos llevan a la total incomprensión de las enfermas y morbosas relaciones que entre ellos existen. El devenir de la historia se torna cada vez más interesante y tenso, sin estallar nunca y manteniéndonos así en un estado de expectación constante que nos lleva a querer saber cada vez más y más detalles de la relación que mantienen entre ellos y obviamente con la sociedad en la que se desenvuelven y de la cual son víctimas.


Realizaci贸n vestuario Ritter. Fotograf铆as: Gabriela Claveria Modelo: Eulie Fritis


EMILIO RECABARREN La versión teatral del Taller Integrado I, de la Escuela de Teatro de la Universidad de Chile de la obra “Desdicha Obrera” de Luis Emilio Reabarren, propone hacer un viaje crítico por los últimos cien años de la hiStoria obrera de nuestro país a través de la historia de “Rebeldía”, joven costurera que es condenada a 10 años de cárcel por asesinar a su patrón, cuando éste pretendía abusar sexualmente de ella. Con el Bicentenario como telón de fondo y bajo la dirección de Jesús Urqueta, la estética de los tres cuadros que componen la obra se basa en tres etapas fundamentales de la historia de la lucha obrera en Chile (1910, 1970 y 2010) , la puesta en escena tiene como objetivo mostrar las nulas mejoras en las condiciones laborales y de vida de los obreros de nuestro país.

_SEGUNDO AÑO 2010

desdichaobrera


Fotografías: Gabriela Clavería


_SEGUNDO Aテ前 2010

rojomarmuerto

MUERTO


FotografĂ­as: Patricio Rojas


_TERCER AÑO 2011

LACLASEMUERTA TADEUSZ KANTOR La clase muerta es probablemente la obra de teatro más famosa de Tadeusz Kantor. Concebida durante los años 70 y escrita finalmente en 1975, esta obra le valió el reconocimiento mundial. Se ha convertido en el texto clásico de su “Teatro de la Muerte”, concepción teatral que desarrolla entre los años 1975 y 1984 y en la que nos remite a un enfrentamiento con la muerte como modo más intenso de vida. Los alumnos de la clase muerta, interpretados por viejos que se aferran a su memoria en un intento agónico por revivir aquello que alguna vez fueron, muestran bajo una luz poco favorable pero no por ello poco veraz: en ese distanciamiento que se genera se destierra la impostura de esos actores que pretenden ser aquéllos a los que interpretan. Esta traducción se apoya en su edición definitiva de 2004, en la que por primera vez en lengua polaca aparecen todos los comentarios de Kantor a su obra, representada por vez primera en Cracovia, en la mítica Galeria Krzystofory. Junto con La clase muerta, la obra Wielopole,Wielopole es el mejor logro de su Teatro de la Muerte, donde el título nos refiere a su tierra natal, Wielopole Skrzyńskie, símbolo de ese territorio mágico que es el pueblo natal de cada uno, donde toda historia personal comienza. Los demonios de su infancia, los conocidos y los imaginados, los arquetipos de una sociedad que desaparece en el caos de la guerra. Los dobles, los maniquís, los monstruos goyescos campan por estas páginas, y en medio de ellas aparece el propio Kantor intentando poner orden en el mundo espectral que surge, como maestro de ceremonias de un mundo que sólo existe en la memoria. Escrita en 1980 y escenificada por primera vez en Florencia, donde con cada vez mayor fuerza se desarrolla el teatro vanguardista europeo, con esta obra llega por primera vez a España, en 1981. Kantor se enfrenta al engaño de la pretensión; una vez desvelado su mecanismo, lo que se nos aparece ante los ojos es una realidad aplastante, apabullante y bella en su acritud.


MáquinaHamlet _TERCER AÑO 2011

HEINER MÜLLER La máquina Hamlet es representativa de un teatro experimental y abierto, influido por Bertolt Brecht, pero mucho más libre y crítico en cuanto a postulados ideológicos. Müller deconstruye la historia del famoso príncipe danés que debe vengar la muerte de su padre. La obra consta de cinco actos, sin división en escenas ni acotaciones. Los diálogos se cambian por monólogos y no se indica ningún escenario. El texto se construye como un discurso fluido que intermitentemente cambia de personaje, más parecido a la libertad de la poesía que al orden dramático. Entendemos que la obra presupone actores y un público, pero funciona también como un texto puramente literario. Abundan las citas y referencias: Shakespeare, Brecht, la Biblia, Dostoievsky, Elliot, alusiones a frases hechas, lemas publicitarios, oraciones (“Danos hoy nuestro asesinato

de cada día”). La acción es paródica y lleva al extremo la violencia que contiene el original. La crueldad se gesta en la familia, célula de todo crimen, y, al igual que en el drama isabelino, se extiende del ámbito privado al público. El lenguaje utilizado intenta alcanzar la máxima brutalidad y repugnancia posibles. Todos los rituales sociales son ridiculizados en una proyección esperpéntica. El duelo por el padre acaba convirtiéndose en una orgía repulsiva. Ofelia va más allá de la locura, simboliza a la mujer utilizada, empujada al suicidio, asqueada de engendrar: “Asfixio entre mis muslos al mundo que he parido”. Varias veces se manifiesta un deseo de que la mujer se cierre, un rechazo al nacimiento, esto es, a la continuación de la humanidad: “Habría que zurcir a las mujeres”, o: “Quisiera que mi madre hubiera tenido un agujero de menos”.


Personajes


Arriba. Peste en Buda. Abajo: Ă lbum de Familia


Feroz espera



Dossier 2011