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A U L A D E DIBUJO

Dibujo para diseñadores de Moda

profesional

Dibujo para diseñadores de

Moda Moda este libro se ofrece para asegurar una base de dibujo a los nuevos diseñadores que la industria la figura humana y el conocimiento de las distintas técnicas de ilustración son un aspecto fundamental del proceso creativo del diseño de moda. Tras una presentación de los instrumentos, materiales y medios gráficos, así como de algunos conceptos básicos sobre el diseño, se explican trucos y técnicas para resolver sin dificultades el dibujo del figurín, para encontrar nuestro propio estilo, y para aprender a realizar los dibujos técnicos destinados al taller de confección, más precisos y certeros. Además de ofrecer referencias a técnicas de dibujo e ilustración, el libro profundiza en el proceso creativo, presta

Dibujo atención al conocimiento de los tejidos, da diversas indicaciones sobre los colores, el modelado o trabajo sobre el maniquí y algunas nociones que nos ayuden a conocer el mercado, las tendencias y la confección del producto.

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las necesidades en el proceso de creación y diseño de una prenda. El dominio del dibujo de

ISBN 978-84-342-2992-1

de la moda precisa. Les procura los conocimientos y las técnicas adecuadas para satisfacer

Ángel Fernández / Gabriel Martín Roig

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Presentación, 6 ELECCIÓN Y USO DE LOS MATERIALES, 8 Trazos, manchas y soportes, 10 Lápices de grafito, 12 Pasteles y lápices conté, 14 Lápices de colores, 16 Rotuladores y marcadores, 18 Tintas y pinceles, 20 Tintas de colores y acuarelas, 22 Guache y acrílicos, 24 Soportes para el dibujo: papel y cuadernos, 26

Su-

mario


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EL ESTUDIO DE LA FIGURA HUMANA ESTILIZADA, 28 La figura como ilustración de moda, 30 La figura desnuda, 32 Proporciones del cuerpo, 34 Esquematización y síntesis de la figura, 36 Estudio del perfil del cuerpo: el figurín, 38 Estilización de la figura, 40 El estudio de la pose, 42 El equilibrio y el ritmo del figurín, 44 La importancia del torso, 46 Las poses recurrentes del diseño de moda, 48 Brazos y manos, 50 Piernas y pies, 52 Dibujando la cabeza del figurín, 54 Proporciones de la cabeza: visión frontal y perfil, 56 Estilización de la cabeza, 58 Estudio de las partes de la cara: dibujando los ojos y la nariz, 60 Dibujando la boca y las orejas, 62 El pelo: texturas y peinados, 64 El estudio de la figura vestida, 66 Vestir el cuerpo, ceñir la ropa, 68 Pliegues y arrugas, 70 Estudio de los drapeados: caídas, bies y tablas, 72 Texturas, la apariencia táctil del vestido, 76 Algunas texturas con el pincel, 78 Los estampados: explorar formas y colores, 80 Sombreado básico de la figura, 84 Maneras de sombrear el ropaje, 86 Dibujando los complementos, 88

DESARROLLO DE UN PROYECTO, 90 Conocer el cliente y el mercado, 92 Clientes y empresas, 94 La colección: grupo de ideas, 98 Desarrollo de una colección, 100 Investigación y documentación permanente, 102 Recopilar información, 104 La forma de los objetos, 106 Un recortable de papel de seda, 108 Abstraer ideas de la arquitectura, la historia y el arte, 110 El estudio de la silueta, 112 El tejido como fuente de inspiración, 114 El modelaje, el arte de los pliegues, 116 Explorar el colage, 118 El sketch-book: laboratorio de ideas, 120 Dominio de los colores y del estilo, 122 El conocimiento de los colores, 124 Interacción entre los colores, 126 Técnicas de coloreado, 128 Estilos de ilustración, 130 El ordenador aplicado al diseño, 132

EL DIBUJO TÉCNICO, 134 De lo artístico a lo industrial, 136 Presentación del diseño a un cliente, 138 La ficha técnica, 140 Cotas y baremos de medidas, 142 Símbolos de confección, 144 Glosario visual de moda, 146 Cuellos y escotes, 148 Hombros y mangas, 150 Camisas, blusas, vestidos, formas y acabados, 152 Pantalones y faldas, 154

Paso a paso, 156 Dibujando un figurín, 158 El dominio de la línea: figurín con tinta, 160 El dominio de las tramas, 164 Figurín con aguadas de tinta, 168 Colorear con lápices de colores, 170 Figurín masculino con chaqueta estampada a cuadros, 172 Transferir una imagen: figurín con acrílico, 174 Figurín con pastel y guache, 178 Un proyecto: el vestido medusa, 182

Glosario, 188 Bibliografía y agradecimientos, 191


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estudio de la

Pose

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Brazos

y manos

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l brazo es la articulación superior del cuerpo y está formada por cuatro partes móviles: hombro, brazo, antebrazo y mano. Aunque los brazos y las manos tienen una proporción asignada con respecto al cuerpo, la estilización del diseño de moda puede alterar sus dimensiones siempre y cuando armonicen y se relacionen con el conjunto. UN ESQUEMA SENCILLO Para representar de forma genérica los brazos hay que emplear un esquema sencillo que ponga de manifiesto, sobre todo, su correcta articulación. La mejor manera de dibujar un brazo es construirlo a partir de formas circulares superpuestas o cilindros en el caso de que deseemos destacar su forma volumétrica. Luego, al dibujar el perfil, conviene prestar atención a las prominencias musculares, al mayor volumen del hombro, del bíceps y del antebrazo (sobre todo si se trata de un brazo masculino). El brazo femenino es muy diferente al masculino, debe ofrecer un dibujo más delicado. Se caracteriza por la ausencia de una musculatura prominente, la regularidad de las proporciones y la delicadeza de la línea que define su perfil. En los brazos femeninos las zonas de articulación del codo y de las muñecas presentan mayor estrechez que el brazo masculino.

Los brazos no pueden comprenderse de manera aislada, la mejor forma de representarlos es interactuando con el cuerpo. Subrayan la actitud de éste y aportan ritmo y asimetría al figurín.

Para esquematizar el brazo podemos partir de una recta que actúa de eje vertebrador o bien yuxtaponiendo diversas formas circulares como si se tratara de un brazo articulable.

Una vez comprendemos su estructura debe tratar de representarse desde distintas posiciones y actitudes.


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EL DIBUJO DE LA MANO La mano es la parte del cuerpo capaz de ofrecer mayor número de posiciones distintas, de ahí que revista cierto grado de dificultad para un dibujante con poca experiencia. Una mano bien dibujada permite un acabado más grácil al figurín, mientras que una mal dibujada puede perjudicar un buen trabajo. Hay que considerar dos caras: la dorsal, donde terminan los tendones y aparecen los nudillos, y la palma de la mano, con formas más redondeadas, pues se encuentran los músculos más carnosos.

A

B

La estructura de la mano es sencilla: se divide en dos mitades, una corresponde a la palma y la otra a los dedos (A). La disposición de los dedos se resuelve con varias líneas curvas que coinciden con los puntos de flexión de cada falange (B).

C

D

Si bien la estructura de la mano es sencilla, su dibujo se complica cuando los dedos se abren y se agarrotan. En tales casos conviene sintetizarla con una forma geometrizante (C). Sobre el esquema anterior se dibujan las líneas que delimitan la extensión de las falanges y, a partir de éstas, concluimos la forma de los dedos (D).

PARTIR DE UNA ESTRUCTURA Para entender mejor las dimensiones de la mano, debemos partir de un esquema geométrico delimitando el perfil externo, y continuar con la representación de los dedos por medio de líneas u óvalos. La longitud de cada dedo es distinta, los diferentes puntos de articulación y movimiento se señalan con apenas un trazo curvo que se superpone a los dedos. Se debe a que la posición de éstos responde a un esquema compuesto por arcos concéntricos.

Tras estudiar la estructura de las manos conviene dibujarlas en diferentes posiciones; podemos tomar modelos de revistas, libros o dibujarlas del natural.

Hay dos posiciones en que la mano requiere una especial atención: cuando ésta se introduce parcialmente en un bolsillo buscando un anclaje, o cuando reposa sobre el brazo en jarras.


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el cliente y el

mercado

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APASIONARSE CON LOS DISEÑOS Trabajar para una marca de moda comporta varias limitaciones que deben conocerse y valorarse antes de decidir trabajar o no para la misma. El diseñador tiene que encontrar un equilibrio justo entre apelar a sus propios gustos y complacer a los clientes, sobre todo si la empresa tiene un estilo muy definido, que limita su creatividad. Es preciso encontrar un equilibrio entre nuestra creatividad y las limitaciones que impone la marca. Debemos acostumbrarnos a ser objetivos, intentar ser autocríticos con nuestras creaciones, y verlas desde el punto de vista de los directivos de la empresa que deben darles su aprobación. El buen diseño y el diseño que más nos atrae como diseñador no son necesariamente lo mismo.

Muchas veces uno se ve empujado a crear prendas que no son del todo de su estilo o agrado. El auténtico profesional se valora por su capacidad de poner entusiasmo y pasión en diseños afines al gusto ajeno.

Cuando se trabaja para una gran empresa de la moda hay que encontrar el equilibrio entre los gustos propios y lo que pide la marca. He aquí unos esbozos de diseños de jerséis para una firma comercial.

El diseño de una prenda para una gran firma sigue un proceso parecido al explicado en el libro. La diferencia consiste en que la empresa se implica en el diseño desde el principio, desde el boceto.

EL CONCEPTO DE MARCA En primer término siempre aparece la marca, mientras que los diseñadores y creadores de moda se mantienen en el anonimato. En una marca el estilo de las creaciones queda supeditado a una imagen corporativa. Una determinada característica, un logotipo, una firma, un accesorio o particularidad del diseño que identifica al fabricante. Las firmas dedicadas a la confección apuestan por el efecto del reconocimiento, para poner de manifiesto el vínculo de la prenda con el estilo de la casa en cuestión. Un cliente elige una marca u otra porque asume como propio el estilo de vestir, la actitud que transmite, el estilo de vida con el que asociamos el producto o bien porque desea llegar a dicha actitud con ayuda del producto.


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En las escuelas de moda se prepara al futuro diseñador no sólo para que aprenda a crear a partir de un estilo propio, sino también para que conozca cuál es el trabajo de taller (patronaje, estampación...).

Muchas firmas de moda se interesan en diseñar complementos para sus colecciones. Es conveniente, pues, practicar a menudo el dibujo de complementos, y anotar los aspectos y particularidades del diseño.

PLANIFICACIÓN DE UNA LÍNEA Para insertar nuestros diseños en el mercado de la moda, primero debemos conseguir una “línea” en el sentido comercial del término. Planificar una línea implica considerar la novedad y modernidad de las prendas, concebir los diseños como un vestuario de prendas completo que presentan un concepto común y unificador, con un conjunto equilibrado de prendas de arriba y de abajo, que ofrezcan numerosas posibilidades de combinar entre ellas, prendas que coordinen y sean intercambiables, incluso, si cabe, con piezas de otras marcas u otro diseñador. El objetivo es la versatilidad, tentar a los clientes para que compren el mayor número de prendas posible. La exclusividad está destinada a un segmento de público más reducido, aunque con un nivel adquisitivo mayor.

La exclusividad de los diseños que aparecen en los desfiles de moda no va dirigida a un público general. Sus clientes poseen un alto poder adquisitivo.

En una gran empresa el diseñador apenas participa del trabajo de patronaje; en un pequeño taller, en cambio, el diseñador se implica en la confección del prototipo.


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de lo artístico a lo ndustrial

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s

e refiere a las medidas reales que debe tener la prenda en todos sus recorridos. Si bien existe un tallaje estandarizado e internacional, el diseñador debe incluir las medidas definitivas en el dibujo técnico o en un dibujo plano adicional, pues son parte del propio diseño.

cotas y

baremos

de medidas

LA TALLA ADECUADA PARA EL MERCADO Los fabricantes venden las prendas con una gama de tallas que depende del segmento de público al que van destinadas, pues la moda joven y la de mediana edad tienen diferentes requisitos y expectativas. La diversidad es aún mayor si tenemos en cuenta que, en la actualidad, numerosos proveedores ofrecen tallas especiales (medidas grandes), gamas para personas bajas y altas, o prendas específicas como los pantalones se venden con varios largos de pierna. Entonces, dada la diversidad de tallas distintas que ofrece el mercado, ¿cuál es el tamaño más adecuado para que trabaje un diseñador?. Cuando un estudiante de moda trabaja en un proyecto o un diseñador prepara un diseño exclusivo, las tallas más recurrentes son la 38 y la 40.

Determinadas prendas requieren medidas especiales. Esto debe reflejarse en la ficha técnica, o en un dibujo plano que adjuntamos con el diseño del vestido.

Los dibujos de especificación usados para la producción fabril son muy técnicos y detallados, y recogen, además de la representación de la prenda, una lista detallada con los baremos de medidas.


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TALLAJE ESTANDARIZADO CON VARIACIONES Los diseñadores no siempre incluyen un baremo de medidas en la ficha técnica o en los dibujos de trabajo. Este inconveniente se soluciona asegurándose de que las representaciones se han proyectado a escala y de forma proporcional, lo cual da una pauta al taller. Los baremos de medidas que presentan la mayoría de prendas son estándar, esto significa que se encuentran dentro de un tallaje determinado. A pesar de esto, cada empresa, dentro de esa estandarización, presenta algunas variaciones en el tallaje, lo cual permite encontrar algunas diferencias de medidas en una prenda de la misma talla confeccionada por una empresa u otra. Del mismo modo, el diseñador puede incluir algunas anotaciones en la ficha técnica, especificaciones sobre una determinada medida, del tipo: “realizar con las medidas que tenemos establecidas en la Talla 42.” Y otras que son necesarias en algunas prendas, como el largo de una falda, que debe estimarlo el diseñador, y que tiene que reflejarse en la ficha técnica por medio de una cota con la medida determinada.

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DIVINAS PALABRAS HOME Jersey cuello semicisne

TEMP. Invierno 02-03 CARTA COMPO. 50% lana 30% poliamida 20% angora

TALLA M

Bajos de 2X1 de 6 cm de alto

OBSERVACIONES: – Bajar 2,5 cm por talla

CONFECCIÓN DE UN PROTOTIPO A veces el diseñador crea su propio patrón e incluso confecciona el prototipo o primera prenda, por lo cual no necesita de una ficha técnica tan detallada, pues con ambos cualquier taller tiene toda la información que necesita para realizar más prendas iguales. Para elaborar un prototipo se desarrollan varios métodos para medir el cuerpo con fines de sastrería; se emplean plantillas o bloques basados en la división del cuerpo en secciones simétricas. Conviene tener unos conocimientos básicos de patronaje para realizar la mayoría de prendas. Aunque no forme parte de sus planes ser un experto cortador de patrones, es importante comprender la importancia de la medición y la transferencia de estas medidas a un patrón con el fin de hacer nuestro dibujo, diseño de la línea y trabajo estructural. A pesar de esto, siempre es más efectivo presentar el prototipo en el taller con la ficha técnica completa, que reunirá las diferentes mediciones utilizadas en el prototipo.

HILO 2/15 a 2 hilos Santorini (Macre, S.L.) TEJIDO Punto liso gg.5 (Mibet’s) ACABADOS PIEZA CONFECCIÓN Loreto ESTAMPACIÓN Colormoda (estampación por laser) BORDADO

Ficha técnica de un jersey. Se especifica la talla (M) y se añaden algunas observaciones en las medidas del cuello y las costuras de las mangas y los bajos.

Cuello semicisne de 10 cm de alto

En lugar de preparar una ficha técnica puede elaborarse un prototipo y entregarlo al taller de confección junto con dibujos detallados y muestras de tejido.

Muchas prendas se ajustan a las medidas estandarizadas. En faldas, vestidos y pantalones es donde el diseñador se ve más libre para jugar con los largos.


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Dibujo para diseñadores de Moda

profesional

Dibujo para diseñadores de

Moda Moda este libro se ofrece para asegurar una base de dibujo a los nuevos diseñadores que la industria la figura humana y el conocimiento de las distintas técnicas de ilustración son un aspecto fundamental del proceso creativo del diseño de moda. Tras una presentación de los instrumentos, materiales y medios gráficos, así como de algunos conceptos básicos sobre el diseño, se explican trucos y técnicas para resolver sin dificultades el dibujo del figurín, para encontrar nuestro propio estilo, y para aprender a realizar los dibujos técnicos destinados al taller de confección, más precisos y certeros. Además de ofrecer referencias a técnicas de dibujo e ilustración, el libro profundiza en el proceso creativo, presta

Dibujo atención al conocimiento de los tejidos, da diversas indicaciones sobre los colores, el modelado o trabajo sobre el maniquí y algunas nociones que nos ayuden a conocer el mercado, las tendencias y la confección del producto.

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las necesidades en el proceso de creación y diseño de una prenda. El dominio del dibujo de

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de la moda precisa. Les procura los conocimientos y las técnicas adecuadas para satisfacer

Ángel Fernández / Gabriel Martín Roig

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