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ORQUESTA SINFÓNICA DE MICHOACÁN Miguel Salmon Del Real, Director Titular Viernes 20 de junio de 2014 / Teatro Ocampo 20:30 horas Entrada Libre / Morelia, Michoacán PROGRAMA 6

RACHMANINOFF, Sergei (1873-1943) Concierto N° 4 para piano, en sol menor, Op. 40 º Allegro vivace - Alla breve º Largo º Allegro vivace

24´

Abdiel Vázquez, piano

INTERMEDIO

ROLDÁN, Amadeo (1900-1939) Rítmicas V y VI

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VARÈSE, Edgar (1883 – 1965) Ionisation (Ionización), para trece percusionistas

REVUELTAS, Silvestre (1899 – 1940) La Noche de los Mayas

29´


Orquesta Sinfónica de Michoacán Fundada el 14 de septiembre de 1961 y con una trayectoria de poco más de 51 años, la Orquesta Sinfónica de Michoacán (OSIDEM), se ha convertido en la institución musical más importante del Estado de Michoacán. Su repertorio abarca desde el barroco hasta el contemporáneo, incluyendo no solo las obras sinfónicas del repertorio universal sino el ballet, la Ópera y obras de estreno tanto de compositores michoacanos como Paulino Paredes y José Jesús Carreño así como de compositores internacionales tales como Marco Aurelio Yano entre otros. Ha realizado diversas producciones discográficas y ha sido reconocida con múltiples distinciones, testimonio de su importancia en la vida cultural de Michoacán, habiendo realizado durante su historia diversas giras al interior de la entidad. Algunos de los escenarios en los que se ha presentado incluyen el Palacio de Bellas Artes, la Sala Nezahualcóyotl en la Ciudad de México, así como en el Pritzker Pavilion del Millennum Park en Chicago. La OSIDEM ha recibido a solistas como María Alejandres, Jianfeng Chen, Olivia Gorra, Katherine Jacobson, Jean Francois Heisser, Alex Klein, Michael Ludwig, Fred Mills, Richard Young, Jorge Federico Osorio,  Dima Tkachenko, Lourdes Ambriz, Erika Dobosiewicz. Y a directores como Francesc Estevez, JoAnn Falletta, Enrique Pérez

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Meza, Juan Felipe Molano, Eduardo Díazmuñoz, Víctor Puhl, Héctor Quintanar, Igor Verbitsky, entre otros. En 2012 el Señor Gobernador del Estado de Michoacán, a través de la Secretaría de Cultura del Gobierno del Estado de Michoacán, convocó a un proceso de reestructuración artística a través de la selección de un nuevo director artístico. Durante los meses de junio a septiembre de 2012 se llevó a cabo un concurso en el cual varios directores participaron visitando a la OSIDEM en calidad de directores invitados siendo designado Miguel Salmon Del Real como el noveno director titular en la historia de la misma.

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Miguel Salmon Del Real, Director Titular Nombrado por concurso nacional, Director Titular de la Orquesta Sinfónica de Michoacán en octubre de 2012, Miguel Salmon Del Real ha dirigido orquestas y ensambles de cámara en diversos países europeos desde 2002, tales como la Voronezh State Symphony Orchestra en Rusia, la Janacek Philharmonic Ostrava en República Checa, l’Orchestre d’Auvergne, la Orquesta y Coro de graduados del Conservatorio de París, le Court Circuit Ensemble en Francia, el Ensemble Cosmopolitano en Berlín, el London Steve Reich Ensemble en Londres y el Nederlandse Nieuwe Muziek Groep en los Países Bajos, el cual fundó en 2003. En 2009 recibió el grado de Maestría en Dirección Orquestal por el Conservatorio de Amsterdam (Lucas Vis, asistente de Bruno Maderna, este a su vez alumno de Hermann Scherchen). En 2005 obtuvo la licenciatura en Composición musical por el Conservatorio de la Haya (Ayres, Barlow, van Bergeijk y Wagennar), ciudad donde realizara estudios adicionales de composición algorítmica (Paul Berg) y psicoacústica (Bert Kraaipoel) en el curso anual de Sonología de dicho conservatorio.

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En 2007 se convirtió en el primer joven director invitado por segunda vez para tomar parte activa en los cursos de Dirección Orquestal de la Academia del Festival de Lucerna, Suiza, siendo seleccionado por concurso mundial por el legendario Pierre Boulez en 2005 y por Peter Eotvos en 2007. En 2006, Boulez expresó por escrito acerca de él: “sin duda, ha probado ser un músico serio y talentoso”. Ganador por decisión unánime del primer concurso para directores mexicanos 2012 de la Orquesta Sinfónica Sinaloa de las Artes ha dirigido en México, además de dicha sinfónica, la Filarmónica de Jalisco, la Filarmónica de Sonora, la Filarmónica de Zacatecas así como la Juvenil de dicho Estado, la Orquesta Sinfónica de Puebla, la Sinfónica de San Luis Potosí, la Sinfónica de la Universidad de Hidalgo, la Sinfónica de Coyoacán, la Juvenil Carlos Chávez, la Sinfónica y el Coro de la Escuela Superior de Música y el Ensamble Nuevo de México del cual es director titular con el cual, ha realizado cerca de 70 estrenos absolutos de compositores mexicanos vivos. Entre 1996 y 2002, antes de partir a Europa, realizó sus estudios de Dirección Coral, Dirección Orquestal, Musicología e idiomas (Padre Xavier González) y Composición (Juan Trigos y Victor Rasgado) y piano (Gustavo Morales) además de completar de manera particular el taller de estudios polifónicos con Humberto Hernández-Medrano y cursos humanísticos varios con Ernesto de la Peña. Fue coordinador de programación (2010 y 2011) del Foro Internacional de Música Nueva “Manuel Enríquez”, auspiciado por el INBA, docente (Orquestación, Fuga, Teoría de la Música y Prácticas Orquestales y Corales en Instituciones como el Centro de Investigación y Estudios de la Música, la Escuela Superior de Música y el Tecnológico de Monterrey, Campus ciudad de México. Como conferencista ha tomado parte en el Centro de Investigación y Documentación Carlos Chávez y la Universidad Autónoma Metropolitana. Su tesis de maestría en los Países Bajos “Nuevas viejas ideas en la composición musical, un compendio de nociones desconocidas de y acerca de Julián Carrillo” fue completada en 2009 y tiene su base en el estudio integral de escritos y obras de dicho compositor entre el 1999 y el 2009. 6


En 2011 la revista Proceso lo calificó como “el más versátil y prometedor de los nuevos directores orquestales”, y en 2012 como “el mejor director de música contemporánea”. Futuros compromisos incluyen su debut con orquestas en Polonia, Portugal, Italia, Alemania y Bulgaria.

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Abdiel Vázquez, piano “El más grande pianista que haya nacido en México” David Dubal, autor de The Art of the Piano y Evenings with Horowitz, maestro en The Juilliard School y anfitrión del programa de radio The Piano Matters. “El pianista y director Abdiel Vázquez... estuvo a la altura del desafío, sorteando las dificultades con aplomo y estilo. Su ejecución manifestó libertad, sonoros clímaxes y unas octavas formidables”. Michael Sherwin para The Epoch Times de Nueva York. Abdiel Vázquez es el ganador de los concursos de piano más importantes de México, y en el año 2013 obtuvo el Primer Lugar en dos concursos abiertos a cantantes e instrumentistas de todo el mundo: The World Competition y Shining Stars Debut Series en Nueva York. Este último representó también su debut en Carnegie Hall, estrenando en esta ciudad el Concierto para piano y orquesta de Manuel M. Ponce.

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Desde su debut con la Orquesta Sinfónica Nacional de México en el Palacio de Bellas Artes interpretando el Concierto No. 3 de Rachmaninoff a los 21 años, Vázquez se ha presentado regularmente cada año con


la mayoría de las orquestas de México y sus actuaciones en festivales, conciertos, concursos y compañías de ópera lo han llevado a Asia, Europa, Sudamérica y los Estados Unidos, en una carrera que lo vio comenzar como pianista concertista y expandirse hacia la dirección orquestal y operística. Fue en 2009 cuando el joven pianista decidió canalizar su talento musical hacia la dirección orquestal y fundó la Juventud Sinfónica de Monterrey, orquesta conformada por los músicos más destacados de su ciudad natal. Con esta agrupación se convirtió en el primer mexicano en tocar y dirigir desde el piano el Concierto de Ponce, el Concierto Emperador de Beethoven y la Rapsodia en azul de Gershwin. Su repertorio incluye los conciertos más importantes de la literatura para piano y orquesta: Beethoven, Liszt, Grieg, Saint-Saëns, Tchaikovsky, Prokofiev, Rachmaninoff, Ravel, Poulenc, Gershwin y Ponce; y en 2014 estrenará en México el Concierto de Samuel Barber, además de tocar el Concierto de Ricardo Castro en ocasión del 150 aniversario del nacimiento del compositor. En octubre de 2013 presentó el recital Parnaso y Paraíso: las óperas de Wagner y Verdi, en el Festival Internacional Cervantino en Guanajuato, el cual fue considerado por la crítica como uno de los mejores y más atractivos recitales en la historia del festival. El programa de transcripciones - algunas de ellas inéditas - de Liszt, Tausig, Cziffra, Martucci y el propio Vázquez será grabado en disco compacto y estará disponible en 2014. Vázquez nació en Monterrey en 1984 y cuando terminó sus estudios en esta ciudad en 2006 ya se había hecho acreedor al Premio Nacional de la Juventud de manos del entonces Presidente Vicente Fox, el Premio Estatal de la Juventud de Nuevo León, la Medalla al Mérito Ciudadano, y a una beca del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes. Posteriormente continuó su formación en Nueva York y Madrid. Cuenta entre sus mentores a los pianistas Gerardo González, James Tocco y Oxana Yablonskaya; al director orquestal David Gilbert y a la mezzo soprano Mignon Dunn. Actualmente reside en Nueva York, donde pertenece a la planta docente de preparadores vocales de Manhattan School of Music y trabaja regularmente con cantantes y maestros de la Metropolitan Opera House, la Juilliard School, y New York City Opera.

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SERGEI RACHMÁNINOFF (1873-1943) Concierto no. 4 para piano y orquesta, en sol menor, Op. 40 º Allegro vivace- Alla breve º Largo º Allegro vivace

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Rachmáninoff escribió su Cuarto Concierto para piano en 1926 y fue estrenado el 18 de marzo del año siguiente con el propio autor como solista y la Orquesta de Filadelfia dirigida por Leopold Stokowski. Más de doce años después él escribió sus Tres canciones rusas para coro y orquesta, las Variaciones sobre un tema de Corelli para piano, la Rapsodia sobre un tema de Paganini, la Tercera sinfonía y sus brillantes Danzas sinfónicas. Después de escribir todas estas obras geniales Rachmáninoff decidió volver su atención al Cuarto concierto para piano en 1941 para revisar la orquestación de sus dos primeros movimientos y hacer cambios sustanciales en el último tiempo. Todo ello ocurrió después de su estreno el público lo recibió tibiamente la obra y el autor decidió hacerle algunos cambios para publicarla en 1928. Nuevas presentaciones vinieron con esos cambios pero seguía existiendo insatisfacción del resultado final. La tercera (y definitiva) versión de esta obra es la que más se toca en los escenarios mundiales, aunque en el año 2000 fue puesta a disposición la versión original del Concierto gracias a los herederos de Rachmáninoff. La partitura está dedicada a Nikolai Medtner quien, en agradecimiento, dedicó su Segundo concierto para piano a su colega y amigo. Si escuchamos atentamente los Conciertos para piano previos de Rachmáninoff, concluimos que el Cuarto (en su versión definitiva) logra asimilar influencias estéticas en boga en la época, sin alejarse de la fuerte vena romántica que siempre caracterizó al compositor. Eran tiempos en que ya había tenido un contacto más directo con los músicos de Norteamérica y había escuchado con interés el estreno de la Rapsodia in blue de Gershwin; escuchó también a Duke Ellington, a Eddie Duchin y a Art Tatum y (afirman sus más allegados) que gustaba de tocar jazz para sí mismo. Todo ello pasó por el filtro de su propia personalidad y creó una partitura de contornos “más modernos” aunque la acendrada fuerza rusa y el lirismo que siempre caracterizó a Rachmáninoff habitan en esta música. El primer movimiento del Cuarto concierto para piano contiene dos temas amplios, típicos de Rachmáninoff, mientras que el segundo tiempo tiene un ambiente muy cercano al “blues”. Aparentemente, el tema que enuncian las cuerdas es una variación (en tonos mahlerianos) de


la típica canción infantil estadounidense Three Blind Mice. Personalmente, debo admitir que este movimiento es clave para comprender lo que el autor experimentaba en los tiempos en que concibió la partitura: nostalgia por su Patria, repudio y agradecimiento por el país que lo había abrigado con calidez. En resumen: falta de aceptación personal ante acontecimientos claramente boyantes. ¿Será por eso que no se sintió satisfecho con la versión original del Cuarto concierto? Probablemente… El movimiento final suena endiablado, aunque en realidad notamos un magistral tratamiento de las texturas orquestales y del piano, dejando ver todos los detalles de forma cristalina. En este caso, la riqueza melódica de Rachmáninoff pasa a un segundo plano para exaltar la actividad rítmica y una deliciosa policromía sonora. No cabe duda que, aunque poco tocado en las salas de concierto, esta obra es la más consistente en el terreno musical dentro del catálogo de piezas concertantes de Rachmáninoff. JOSÉ MARÍA ÁLVAREZ @red_mayor

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AMADEO ROLDÁN (1900-1939) Rítmicas V y VI

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El caso de Amadeo Roldán en la música universal puede ser casi equiparado al de genios como los de Mozart, Pergolesi, Arriaga, Clarke, Schubert, Bellini, Lili Boulanger entre unos pocos más: Roldán murió antes de cumplir los cuarenta años de edad y con una carrera ciertamente meteórica en el campo de la composición y la práctica instrumental. Nacido en la alborada del siglo XX en París, Francia, la madre de Amadeo (la pianista cubana Albertina Gardes) lo impulsó desde muy niño para que recibiera la mejor instrucción musical posible junto con sus hermanos María Teresa (cantante) y Alberto (cellista). Desde 1908 el muchacho fue alumno del Conservatorio de Madrid y unos diez años más tarde ya estudiaba composición con Conrado del Campo. Su innegable talento le permitió ingresar a la recién formada Filarmónica de Madrid como violinista a los 17 años de edad. Poco después llegó a Cuba, la patria de sus padres. Con 19 años estudió con el director de orquesta español Pedro Sanjuán Nortes y comenzó su actividad profesional en la Sociedad de Música de Cámara de La Habana tocando viola. Así floreció su actividad en los escenarios tanto en las orquestas de la capital cubana como instrumentista y director de orquesta. A los 25 años de edad fue elegido Secretario de la Sociedad Solidaridad Musical de La Habana. Gracias a su amistad con el escritor Alejo Carpentier, Se dio inicio a los conciertos de música “nueva” en Cuba, promoviendo las primeras audiciones en la isla de piezas de Debussy, Falla, Ravel, Poulenc, Stravinsky y Satie, es decir el último grito de la moda musical en los años veinte. La Enciclopedia de Historia y Cultura del Caribe anota que Amadeo Roldán ha sido “el iniciador del moderno arte sinfónico en Cuba, el primer músico cubano que incorporó los instrumentos afrocubanos, no como simple acompañamiento, sino como elemento protagónico y constructivo de la obra musical. Fue el primero en representar gráficamente los ritmos propios de esos instrumentos de percusión con todas sus posibilidades técnicas”. De tal suerte, sus obras son consideradas como íconos en el arte cubano de principios del siglo XX. Su Obertura sobre temas cubanos fue recibida con gran gozo por el público cubano y comenzó a escucharse pronto en los principales centros musicales mundiales. Luego vinieron sus Tres pequeños poemas que fueron tocados en 1926 por la Orquesta de Cleveland. Cito nuevamente a la mencionada Enciclopedia cubana: “En esta etapa de su producción, el músico recurrió pocas veces al documento


folklórico (exceptuándose el Pregón) y captó directamente la hirviente vida populachera de La Habana de 1830, en el día de la fiesta de Reyes.  La rebambaramba  quedó como la más famosa de sus partituras, habiendo sido ejecutada en México, en París, en Berlín, en Budapest, en Los Ángeles y en Bogotá. Terminada La rebambaramba, el músico quiso escribir, como complemento, un ballet que evocara la moderna vida rural de Cuba. Sobre un texto de Alejo Carpentier, compuso El milagro de Anaquillé, auto coreográfico en un solo cuadro (1929).” Ya en 1930 Roldán comenzó a trabajar en su serie de Rítmicas para flauta, oboe, clarinete, fagot, corno y piano, y cuyo objetivo principal era explorar las sonoridades de dichos instrumentos utilizando elementos afro-cubanos y con un interés especial en las texturas sonora y rítmica. Las dos últimas de estas Rítmicas (las V y VI) están escritas para instrumentos de percusión e incorporando algunos típicos cubanos. Es importante resaltar cómo Roldán inauguró con estas Rítmicas para percusiones un nuevo mundo sonoro en la historia de la música. Precisamente en el año en que las escribió (1930), Edgar Varèse escribió también su Ionisation para trece percusiones. Tanto Roldán en Cuba como Varèse en París estaban creando las partituras germinales del repertorio para percusiones. En el caso de Varèse, escribió Ionisation en la búsqueda de nuevas sonoridades, con el interés sempiterno de la interacción entre ritmo y timbre. Y Roldán lo que logró con sus Rítmicas V y VI fue el uso colorístico de la percusión explorando la polirritmia y los sonidos primordiales de su tierra. Y para concluir este comentario me permito hacer una reflexión trivial: Amadeo Roldán falleció a los 38 años de edad. Mozart a los 35. Los dos se llamaban igual (Amadeo. En el caso de Mozart pues fue bautizado como “Teófilo” que en su acepción latina es “Amadeus”). Dos “amados de Dios” de acuerdo a sus nombres de pila. ¿Llevarían tatuado un estigma de morir jóvenes… y geniales? JOSÉ MARÍA ÁLVAREZ @red_mayor

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EDGAR VARÈSE (1883-1965) Ionisation (Ionización), para trece percusionistas “El estratosférico coloso del sonido…” Henry Miller (refiriéndose a Varèse)

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¿Qué opinaría usted si le dijera que uno de los más grandes compositores del siglo XX tan sólo escribió… 19 obras? El caso de Edgar Varèse en la historia de la música es muy peculiar. No lo recordamos hoy día por haber escrito un nutrido catálogo de partituras, pero lo importante es la innovación y el fantástico universo sonoro que él creó en cada una de ellas. Su interés residió, desde muy joven, en la combinación entre ritmo y timbre y la forma en que interactúan para desarrollar una nueva forma de expresión musical. Varèse acuñó el término de “sonidos ordenados” y en el que reside la capacidad de manejar ruidos comunes y corrientes para el oído y transformarlos en música. Su percepción de la música era la de una serie de sonidos organizados de cierta forma para complacer al escucha. Según él, el ruido es un sonido que a uno disgusta… el enorme secreto que él trabajó durante su vida era cómo organizar dichos ruidos poco placenteros para que suenen a música. Nacido en Francia y educado por sus abuelos y posteriormente en Italia, Varèse concluyó su primera ópera siendo aún niño (hoy perdida). Su padre insistió en que el joven Edgar debía dedicarse a la Ingeniería, pero él no pudo con esos estudios y comenzó un interesante peregrinar de aprendizaje: de regreso a París con clases dirigidas por Albert Roussel y Charles-Marie Widor y posteriormente en Berlín, donde contrajo nupcias muy joven y lo cual resultó en divorcio muy pronto. Sus figuras a seguir incluían tanto a Erik Satie como a Richard Strauss, a Debussy y a Busoni. Muchos de ellos promovieron sus obras juveniles para ser estrenadas, pero consiguiendo rotundos fracasos y sonados escándalos de público y crítica. Aunque se enroló como soldado en la Primera Guerra Mundial muy pronto fue dado de baja del Ejército francés y decidió probar suerte en el Nuevo Mundo. Así, su carta de presentación ante el público estadounidense ocurrió empuñando la batuta en una presentación del Réquiem de Berlioz. Desde muy pronto comenzó a relacionarse con músicos interesados en los novedosos instrumentos electrónicos como León Theremin. En los primeros años de la década de 1920 fueron estrenadas con gran éxito su primeras obras orquestales escritas en el Continente: Hyperprism, Ameriques y Arcana, a cargo de la Orquesta de Filadelfia


y Leopold Stokowski. Colaboró con Francis Picabia en la publicación de varios poemas dadaístas gracias a lo cual conoció a quien se convirtió en poco tiempo en su segunda esposa: Louise. Hacia 1928, y habiendo obtenido la ciudadanía estadounidense, regresó a París donde entró en contacto con un instrumento electrónico recientemente construido, las Ondas Martenot, y hace modificaciones en la partitura de Ameriques para incluirlo. Alrededor de 1930 escribió Ionisation (Ionización), primera obra escrita exclusivamente para instrumentos de percusión y teniendo como antecedentes el Ballet Mécanique de George Antheil y las Rítmicas V y VI de Amadeo Roldán. Ionisation fue pensada para trece percusionistas que tocan un total de 37 instrumentos de percusión (¡incluyendo dos sirenas!) y cuya esencia es, justamente, la interacción entre ritmo y timbre. Su título hace referencia a la ionización de las moléculas dado que la pieza está estructurada bajo la expansión y variación de células rítmicas. De acuerdo con Robert P. Morgan: “Cada sección de Ionisation es identificada por su propia combinación de instrumentos, o rango de sonoridad, y cada cambio importante en la sustancia de la sonoridad también es una demarcación en la forma. (…) Ionisation es música noble, capaz de exaltar al escucha. Cuando se enumeren las obras maestras del siglo XX, (Ionisation) debe estar en la lista, no en el primer lugar –quizá- pero debe estar ahí a como dé lugar”. Ionisation de Varèse recibió su estreno mundial el 6 de marzo de 1933 en la Steinway Hall de Nueva York bajo la dirección de Nicolás Slominsky.

JOSÉ MARÍA ÁLVAREZ @red_mayor

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SILVESTRE REVUELTAS (1899-1940) La Noche de los Mayas, 1939 Suite de José Ives Limantour, 1960

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La Noche de los Mayas, de Chano Urueta, fue una muy ambiciosa producción fílmica realizada en 1939, en las mismas locaciones naturales de Yucatán, con el fondo de sus pirámides y templos mayas y del Cenote Sagrado. Reunió a destacados creadores e intérpretes en su producción, como Antonio Mediz Bolio, autor del argumento y de los diálogos, el camarógrafo Gabriel Figueroa y los compositores Cornelio Cárdenas Samada –autor de los arreglos de las melodías mayas tradicionales usadas en la película– y Silvestre Revueltas, además de actores como Stella Inda, Isabela Corona y Arturo de Córdova. A pesar de todo este personal involucrado, la película se quedó en buenas intenciones muy alejadas de un resultado satisfactorio. Ante una falta de acción dramática, una edición sin dinamismo y una incomprensión del mundo indígena, los hombres de talento como Figueroa o Revueltas se dieron a la tarea de resolver de manera muy personal las necesidades que les planteaba la película. Gracias a esta relativa independencia de contenidos, la música del durangueño se fue cargando de brillo, de fuerza dramática, y fue cargando de significados emotivos muchas imágenes que carecían de expresión definida por ellas mismas. Lo que Revueltas logró ha sido comparado más de una vez con la obra plástica de los grandes muralistas de la Escuela Mexicana. El compositor nunca preparó una versión de concierto de esta impresionante música fílmica. En 1960 el director mexicano José Ives Limantour, devoto admirador suyo, elaboró la más conocida de las suites de concierto que se han realizado de La Noche de los Mayas, la cual estrenó al frente de la Orquesta Sinfónica de Guadalajara, en el Teatro Degollado de la capital jalisciense, el 31 de enero de 1960. Los materiales musicales fueron organizados por Limantour sin apego alguno a la secuencia original de la película, y más bien con la intención de que reflejaran una cierta estructura análoga a la de una sinfonía, con títulos inventados por el propio director: un gran primer movimiento expositivo como de obertura –Noche de los mayas–; un scherzo: Noche de jaranas; un movimiento lento y lírico, Noche de Yucatán, con gran protagonismo de las cuerdas y la cita textual de un tema tradicional maya, Los Xtoles –cuyo arreglo es de Cárdenas Samada, no de Revueltas–; por último, Noche de encantamiento, un tema con variaciones, con un gran final de recapitulación del tema inicial de toda la suite.


Limantour colocó las secuencias musicales originales en el orden que él quiso, repitiendo o adaptando muchos de sus materiales, inventando pasajes propios para enlazar los originales y recargando la orquestación hasta el extremo de inventarse catorce percusionistas para el cuarto movimiento de su suite, que Revueltas nunca prescribió. El director llegó hasta el extremo de colocar en el cuarto movimiento de su suite –en la edición publicada por la casa Peer– una extravagante indicación: “Percussion cadenza”, así como esta instrucción, en inglés y español: “Libre improvisación sobre cada ritmo básico. La cadenza acabará mf”. Toda esta invención, alejada por completo de los criterios de composición de un autor como Revueltas, que siempre escribió todo lo que quería que se tocara en su música, sin improvisaciones de ningún tipo, revela hasta qué punto La Noche de los Mayas de Limantour no puede representar una composición original ni auténtica de Silvestre Revueltas: por mucho que despierte el aplauso fácil debido a su espectacularidad sonora, el resultado final impide apreciar cabalmente el verdadero discurso sonoro del autor. Empero, el éxito de la suite de Limantour ya se ha vuelto internacional, lo cual se manifiesta en sus reiteradas ejecuciones, en la decena de grabaciones que circulan por el mundo, y en la aceptación pasiva por el medio musical de que este arreglo parece una obra original de Revueltas. Si hasta un director tan famoso como Gustavo Dudamel declara lo siguiente: “Cuando los percusionistas improvisan en el movimiento en forma de variaciones, ‘Noche de encantamiento’, sientes estar justamente en medio de la atmósfera sombría de un ritual”, es evidente que Limantour ha triunfado, al hacer pasar sus invenciones como intenciones originales del autor de Sensemayá. Y sin embargo, a pesar de tanta deformación y mixtificación, algo del poder real de la verdadera música de Revueltas asoma en esta sobrevalorada suite. La sonoridad violenta, de disonancia dramática y complejidad rítmica pocas veces igualada termina imponiéndose por encima del esquema formal que se le haya dado, como terminó por imponerse sobre la mediocre película que la inspiró. EDUARDO CONTRERAS SOTO

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VIOLINES PRIMEROS:

VIOLAS:

Serguey Kossiak* Miguel Ángel García Ramírez*_* Ricardo García Pérez**** Ma. de Jesús Sierra Ballesteros**** Martín García Estrada**** José de Jesús Segoviano Torres**** Jesús García Cortés**** Natalia Semykina **** Alfredo Hernández Cadena**** Camilo Armando González Tavira (B) Raúl Ricardo Moreno Rueda (B)

Lucía de la Serna García** José Luis Patlán Montero**** Gerardo Medina Esquivel**** Cecilia Capdepont Altamirano**** Rolando Vidal García Calderas (B)

VIOLINES SEGUNDOS: Dulce María Veiga Freire** Candy Mónica Lucatero Ramírez*** Juan Bruno Caro Estrada**** Luis Ramos Torres**** Aristeo Gómez Sevilla**** Areli Villanueva Barajas (B) Daniel Ramos Martínez (B)

FLAUTAS : Guillermo Portillo Hofmann** Martha Claudia López Mendoza *** Manuel Alfonso Clavijo Hernandez ****

FAGOTES:

VIOLONCELLOS: Marcos Franco Faccio Zanza** Juan Villalobos Guerrero**** Jesús Gutiérrez Guzmán**** Arturo García Gómez **** Jose Luis Galvez Mariscal **** Jose Luis Herrera Hernandez **** Abner Jairo Ortiz García (B) Carlos Humberto Cantú Rodríguez (B) Auryn Villegas Hernández (B) Pablo Ángel Quiñonez Encinas (B)

CONTRABAJOS: Carlos Cuín Herrera*** José Arnoldo Valladares Ortiz B) Karlo Reyes Perches ( B) Zadig Martin Granados Ávila ( B)

OBOES : Nicolas Hernández Almanza *** Héctor Jerónimo Ortigoza Guayazán

Javier Martínez Olivares** Everardo Gastelum Anduaga***

CLARINETES: CORNOS: Miguel Cornejo Miranda** Jenny Yuth Cárdenas Moreno*** Martin Martínez Villaseñor****

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Armando Granados Hurtado** Marco A. Bribiesca Vázquez**** Héctor Calderón Chávez****


TROMPETAS:

GERENTE

Ángel Bedolla Guzmán*** Jorge Hernández Clavijo Juan Carlós Zamudio Anastasio Víctor C. Próspero Maldonado

Silvia Dolz

TROMBONES:

COORDINADORESADMINISTRATIVOS

Cuauhtémoc Silva Abad**** Fidel Martínez Álvarez****

Carlos Javier Ramírez Mata Fernando Romero García

JEFE DE PERSONAL Hugo Padilla Muñoz

TUBA :

ASISTENTE ADMINISTRATIVO

Javier Perez Perez**

María Esthela Castro Villa

TIMBALES :

BIBLIOTECARIO:

Salvador Rodríguez Cervantes**

Diego Edmundo Lázaro Hernández

PERCUSIONES:

ASISTENTE DE BIBLIOTECARIO:

Jose Luis Mendoza López **** Ana Luisa Herrejon Vega **** José Carlos Barron Valadez****

Álvaro García García

PIANO : Ma. Esther Chavez Garibay **

TÉCNICOS: Salvador Domínguez Ochoa Miguel Ángel Zalapa Sánchez José Arredondo Villa Adrián Cruz Pineda

* Concertino *-*Concertino Asistente ** Principal *** Coprincipal **** Fila B Becario MI Músico Invitado

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PROGRAMA 6 OSIDEM TEMPORADA 2