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ORQUESTA SINFONICA Prog8-2013:OSN0607_Prog1

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Programa

PRIMERA

PARTE

F. J. Haydn (1732 - 1809) Sinfonía nº 22 en Mi bemol mayor “El filósofo”

(APROX. 16’)

I. Adagio II. Presto III. Menuet IV. Presto

J. N. Hummel (1778 - 1837) Concierto para trompeta en Mi mayor

(APROX. 19’)

I. Allegro con spirito II. Andante III. Rondo SEGUNDA

PARTE

F. J. Haydn (1732 - 1809) Sinfonía nº 49 en Fa menor (La pasión)*

(APROX. 24’)

I. Adagio II. Allegro di molto III. Menuet IV. Presto *Por causas ajenas a nuestra voluntad no se interpretará la obra “Trame XII” de Martín Matalón.

S. Prokofiev (1891 - 1953) Sinfonía Clásica, op. 25

(APROX. 14’)

I. Allegro con brio II. Larghetto III. Gavotte: Non troppo allegro IV. Finale: Molto vivace SOLISTA

Manuel Blanco, trompeta DIRECTOR

Ernest Martínez Izquierdo PAMPLONA

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AUDITORIO

BALUARTE

Jueves 7 y viernes 8 de marzo de 2013. 20 horas

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no ta s a l pr o g ra m a

lo largo del siglo XVIII, muchas ciudades europeas fueron testigos de la consolidación de conciertos públicos en los que la música instrumental, preferentemente orquestal, adquiría un protagonismo completamente nuevo. Además de formas como el concierto para solista, que atraía con virtuosismo a un público cada vez más exigente, nació y se desarrolló durante este siglo la reina de los géneros orquestales, la sinfonía. Principal receptora de las influencias estilísticas llegadas del norte de Italia, fue Viena la sede vanguardista de la sinfonía de mediados del siglo XVIII. Desde la capital austriaca, la sinfonía clásica se extendió al resto de Europa y se convirtió en el género más novedoso e influyente de su época. Uno de los logros de aquellas sinfonías fue transmitir al público una estructura temática muy clara y comprensible, repleta de lógica aunque se tratase de un género puramente instrumental. El equilibrio entre las voces terminó definitivamente con aquella ley del contraste que triunfó durante el barroco con el omnipresente bajo continuo. Quienes tuvieron la suerte de escuchar las primeras sinfonías de Joseph y Michael Haydn, J. G. Albrechtsberger y C. Ordóñez, entre otros, se encontraron ante auténtica música experimental a la que hoy denominamos “clásica”. Cuando en 1761 Joseph Haydn (1732-1809) aceptó el cargo de maestro de capilla en la corte del príncipe Paul Anton de Esterházy, la orquesta del palacio se adaptó a los nuevos tiempos. Haydn contrató intérpretes que tocasen varios instrumentos y que permitieran una variedad de timbres necesaria para ejecutar la nueva música instrumental que se hacía en Viena. El príncipe Paul Anton murió en 1762 y su sucesor, Nicolás “el Magnífico” (1714-1790) era un hombre ilustrado y un gran amante de la música que aceptó con agrado todas las propuestas de Haydn, por muy novedosas que fueran. El propio Haydn describió así su relación con el príncipe: “Tenía su aprobación, podía, como jefe de una orquesta, hacer experimentos, observar aquello que subrayaba un efecto y lo que lo debilitaba, y así mejorar, añadir, cortar y correr

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no ta s a l pr o g ra m a

riesgos. Estaba apartado del mundo, no había nadie cerca de mí que me confundiese o me molestase en mi trabajo, por eso tenía que ser original”. Fue durante la década de 1760 cuando la fama de Haydn comenzó a extenderse por centro Europa. En un artículo sobre el gusto musical vienés, en el “Wiener Diarium”, en 1766, un crítico describió la música del compositor austriaco con las siguientes palabras: “Sus movimientos tienen belleza, orden, claridad y una expresión delicada y noble, que será apreciada por los oyentes de forma inmediata. (…) El arte de escribir las partes superior e inferior en octavas paralelas es de su invención, y no se puede negar que es de gran atractivo, incluso a pesar de su rareza tan haydiniana”. Probablemente, la característica más atractiva de las sinfonías tempranas de Haydn es la rica combinación de timbres instrumentales. No es que recurriera a instrumentos raros, sino que organizó la textura orquestal de un modo completamente nuevo: dos violines y un violonchelo como concertinos, cuerdas de relleno, e instrumentos de viento con frecuentes momentos en que actúan como solistas. La Sinfonía nº 22 en Mi bemol mayor [16’] constituye un hermoso ejemplo de invención melódica y riqueza de sonoridades. Haydn la compuso en 1764 y la estructuró en cuatro movimientos que no siguen el orden que triunfaría a lo largo del Clasicismo: “Adagio” (en lugar del rápido inicial) – “Presto” (en lugar del lento y lírico segundo movimiento) – “Menuet” – “Presto” (los dos últimos movimientos como en las sinfonías de décadas posteriores). De carácter grave y meditativo, el movimiento inicial introduce una melodía coral ejecutada por dos cornos ingleses, instrumentos que solían aparecer en partituras religiosas o dramáticas y no en música instrumental de carácter más festivo. Seguramente fue esta atmósfera solemne la que motivó a algún crítico a poner el sobrenombre de “El Filósofo” a esta sinfonía. Los mayores contrastes se producen con la irrupción del “Presto” (segundo movimiento) en el que trompas y cornos experimentan momentos de protagonismo en el tema principal y en motivos de enlace entre tonalidades, y tras el elegante “Menuet” con Trío que da paso al último “Presto”, 4


no ta s a l pr o g ra m a

que, en palabras de M. Vignal, “evoca casi una escena de caza”. En la década de 1790, Haydn completó su catálogo sinfónico con nada menos que 104 sinfonías que sentaron las bases de la música sinfónica de su discípulo Beethoven, y de compositores románticos como Schubert, Mendelssohn o Brahms, por citar a algunos de los más grandes del siglo XIX. Además de Beethoven, otros artistas acudieron a Viena para recibir las lecciones del “padre de la sinfonía”. Johann Nepomuk Hummel (1778-1837), heredero del encanto y la sencillez del lenguaje musical de Haydn, recibió finalmente lecciones de Mozart, de Albrechtsberger y de Salieri. Nacido en Bratislava, su padre, también músico, le acompañó en sus giras como niño prodigio del piano por las principales ciudades europeas. Con 26 años de edad y cuando era ya un famosísimo compositor y pianista, Hummel ocupó su primer cargo importante, nada menos que como maestro de capilla del príncipe Nicolás II de Esterházy (entre 1804 y 1811) antes de trabajar en Stuttgart y en Weimar. Además de componer numerosas partituras de música de salón para piano, Hummel escribió misas, ballets, óperas y sobre todo, ocho conciertos para piano que deberían ser estudiados en profundidad e interpretados con más frecuencia en nuestros auditorios. Sin embargo, conocemos al Hummel compositor para orquesta por un Concierto para Trompeta en Mi mayor [19’] que compuso en 1804. Es una obra de juventud, fresca y jovial, que muestra la transición entre el clasicismo mozartiano y el primer romanticismo de Weber. Comienza con un “Allegro con spirito” que sigue la tradicional forma de sonata de dos temas; tras la exposición de la orquesta entra brillantemente el solista. La melodía y la expresión lírica de los temas que entona el solista tienen un peso más evidente que el carácter virtuoso que cabe esperar en una obra de estas características. Del “Andante” destaca el lirismo del tema que canta la trompeta, con cierto aire operístico. El “Rondo” final es alegre y virtuoso; en palabras de M. Parouty, “endiablada en los últimos compases, la trompeta derrama su alegría sin reservas”. 5


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Aunque la inmensa obra de Haydn fue conocida y admirada por algunos compositores románticos, conscientes de la enorme herencia que recibían del maestro austriaco y de su amigo Mozart, su mayor reconocimiento llegó entrado el siglo XX. Se comenzaron a estudiar en profundidad muchas de sus obras, sinfónicas o vocales, y poco a poco se incorporaron al repertorio de las orquestas de todo el mundo. Pero también sirvió de inspiración para compositores de vanguardia atraídos por la sencillez de aquel primer Clasicismo vienés. Uno de estos compositores fue Sergey Prokofiev (1891-1953), que explicó esta tendencia con las siguientes palabras: “pienso que el deseo de que yo y muchos de mis colegas compositores tenemos de alcanzar una expresividad más sencilla y melódica, es sencillamente la inevitable dirección que tomará la música del futuro… Existe una vuelta hacia las formas clásicas, que comparto totalmente… En el campo de la música instrumental o sinfónica… no deseo nada mejor, nada más flexible o completo que la forma sonata, que contiene todo lo necesario para alcanzar mi propósito estructural”. Seguramente, su partitura que mejor resume esta idea fue la Sinfonía “Clásica” en Re mayor [14’], compuesta en 1917 y estrenada en San Petersburgo el 21 de abril de ese mismo año. En su autobiografía, Prokofiev explicó el porqué de componer una sinfonía al estilo de Haydn en un momento en que muchos compositores rusos, de talante conservador, como Glazunov, criticaban sus gustos innovadores y “modernos”; no olvidemos que Prokofiev trató de escandalizar al público y a los profesores del Conservatorio de San Petersburgo con la programación de obras de Schoenberg en algunos conciertos. Efectivamente, el estilo clásico se percibe desde los primeros compases de esta Sinfonía “Clásica”, que mantiene la instrumentación típica de una orquesta del siglo XVIII. Comienza con un vibrante “Allegro con brio” en forma de sonata, que está repleta de efectos tímbricos y superposiciones armónicas transmitidas con un sentido muy optimista, casi cómico en ocasiones. El segundo movimiento es un “Larghetto” que parece un minueto 6


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elegante y ligero con protagonismo del violín, el fagot y la cuerda en pizzicato. Quizás la “Gavotta” sea el movimiento más conocido de la sinfonía, debido, seguramente, a que Prokofiev la utilizó en su ballet “Romeo y Julieta”. Según A. Lischké, la gavota era una danza que gustaba mucho a Prokofiev debido a su nitidez rítmica. El movimiento final, como los de algunas sinfonías de Haydn, es un rondó con indicación “Finale: Molto vivace” y cierta inspiración popular rusa. Finalmente, Prokofiev demostró a la crítica y al público europeo que se podía hacer música sencilla, con claridad tonal y equilibrio de timbres, con un toque de humor y mucha naturalidad, asombrando a todos con un lenguaje “moderno”. Para el compositor ruso, en realidad, Haydn había “sobrevivido hasta nuestros días y conservado su propio estilo al tiempo que aceptaba algunas cosas del nuevo”. De entre todos los géneros orquestales que más éxito tuvieron durante el clasicismo, es el concierto para solista y orquesta uno de los preferidos por los compositores actuales. La forma musical, la manera en que los temas se interrelacionan y se desarrollan, se ha transformado completamente, pero se siguen cumpliendo dos formas básicas: el solista despliega toda su capacidad expresiva en su diálogo con la otra fuerza sonora, la orquesta, y ambos se funden y se complementan para narrar el mismo desarrollo temático. Un compositor que ha experimentado con un lenguaje innovador estos principios de la escritura concertante es el argentino asentado en Francia Martín Matalón (1958), que en 1997 inició una serie de conciertos que tituló “Trame”, a la que pertenece la obra que hoy escuchamos y que explica él mismo: “Trame XII para trompeta solista y orquesta de cuerdas, es la continuación de un ciclo de obras concertantes comenzado en 1997. Mi interés por este género radica en la tensión existente entre una escritura que valoriza todos los instrumentos, estableciendo lazos complejos entre ellos, y una escritura solista. El nombre genérico de “Trame” se inspira en el poema homónimo de Jorge Luis Borges, que 7


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nos descubre la sincronía que existe entre todos los elementos que constituyen la “ historia universal”. Menos ambiciosas y más circunscritas, mis Tramas evocan simplemente el tejido propio de cada composición, su hilo conductor. Abordan las problemáticas de composición que me preocupan en los diferentes momentos de su escritura, como si se tratara de un diario íntimo. Trame XII está constituida por 6 movimientos continuos. Las secciones II y IV y VI son los movimientos solistas donde la trompeta se encuentra en un primer plano. El preludio y ambos interludios (mvt I, III y V) están destinados exclusivamente a las cuerdas. En los movimientos solistas, la orquesta de cuerdas toma el papel de “extensión“ de la trompeta: en ocasiones se comporta como una simple caja de resonancia (mvt 6), como una desmultiplicación de las luces y sombras de la intervención de la trompeta (mvt 4) o como una combinación de ambas (mvt 2). El preludio (mvt 1) y los interludios (mvt 3 y 5) tratan la idea de la línea desde diferentes perspectivas: en el preludio, la línea es ágil y cambiante: recorre todo el espectro, adopta formas y colores diferentes y cambia constantemente de densidad y textura. En el primer interludio (mvt 3) la línea es continua y unificada, todas las cuerdas participan en el mismo proceso. En el segundo interludio (mvt 5) la línea es completamente atomizada, cada instrumento interpreta una línea independiente dentro de una dinámica al límite de lo audible… dentro de esta textura atomizada, se dibujan encuentros fugaces... Trame XII es también una continuación de 6 miniaturas. La idea de miniatura, es para mí la idea musical presentada de modo esencial, sin los diversos desarrollos lineales ya conocidos: proliferación, acumulación, procesamiento, ensayo… La trama de la obra se teje mediante las transformaciones del sonido y la dialéctica creada entre las diferentes secciones.” Mar García Goñi

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s ol i s ta

Manuel Blanco Nacido en 1985 en Daimiel (Ciudad Real), Manuel Blanco comenzó muy temprano sus estudios de trompeta con D. Martín Baeza Rubio y D. José María Ortí Soriano. En la actualidad también recibe asesoramiento musical del Concertista Internacional Reinhold Friedrich, mostrando estos tres maestros un especial interés en su preparación humana y profesional. Ha ganado diversos concursos como el Ciudad de Xátiva, Calviá, Moixent, Jeju (Corea del Sur)… pero su gran logro internacional llegó tras ganar el 1er premio en el prestigioso ARD Music Competition de Munich 2011, obteniendo la calificación más alta de la historia de la competición. Este galardón solo se ha concedido a otros dos trompetistas en sus 61 ediciones antes de Manuel Blanco siendo Maurice André el primero en conseguirlo en 1963. Ha trabajado en orquestas de primera categoría como Concertgebouw de Ámsterdam, Gewandhaus de Leipzig, Filarmónica de Radio France, Gustav Mahler Jugend Orchester, European Youth Orchestra, Berlin Staatsoper, Filarmónica Arturo Toscanini y la Orquesta Nacional de España donde es trompeta solista. Como concertista o solista, ha tocado con la Orquesta de la Radio de Baviera, Orquesta de la Radio de Munich, Orquesta Sinfónica de RTVE, Orquesta Nacional de España, Orquesta de Cámara de Munich, Budapest Chamber Orchestra, Jeju Philharmonic Orchestra, Camerata XXI, Philarmonisches Orchester Würzburg, Capella Symphonic Orchestra (San Petersburgo)…El interés de Manuel Blanco por la Música de Cámara le ha llevado a liderar el 9


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Mediterranean Chamber Brass que ha actuado por todo el mundo siendo el único quinteto de metales con más primeros premios internacionales en competiciones como la del Festival de Jeju (Corea del Sur), Lieksa Brass Week (Finlandia), Munich,…. Reciente su gira de conciertos como concertista en Japón y su colaboración en la Gira Mundial de aniversario de la Concertgebouw de Ámsterdam por Europa y Estados Unidos, sus proyectos futuros incluyen conciertos como solista con la Orquesta Sinfónica de Navarra, Orquesta Sinfónica de Burgos, Hofer Symphoniker, London Symphony Orchestra en la prestigiosa sala KKL de Lucerna, así como Masterclass y el lanzamiento de su primer CD como solista junto a la Orquesta Nacional de España para el sello Deutsche Grammophon.

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di re c t or

Ernest Martínez Izquierdo Orquesta Sinfónica de Navarra Director Artístico y Musical

Nacido en Barcelona (1962), es desde 1997 Director Artístico y Musical de la Orquesta Sinfónica de Navarra. Tras su formación musical en Barcelona y Paris, en 1985 inició su carrera como director de orquesta con la creación del grupo Barcelona 216, especializado en la interpretación del repertorio de cámara contemporáneo. Desde el año 2002 hasta el 2006 fue director titular y artístico de la Orquesta Sinfónica de Barcelona y Nacional de Catalunya, continuando como principal director invitado hasta el año 2009. Paralelamente a su actividad como director titular, ha dirigido las principales formaciones españolas e internacionalmente ha trabajado con orquestas como: Kyoto Symphony Orchestra, Finish Radio Symphony Orchestra, Helsinki Philharmonic, Philharmonique de Radio France, Nacional de Lyon, Warsaw Philharmonic, Zagreb Philharmonic, Orchestra Comunale de Bologna, Beethoven Academie (Amberes), Niederosterreische Tonkúnstler (Viena), y ensembles como Ensemble Contemporain de Montréal, Ensemble Modern de Frankfurt, Wien Klangforum, Avanti Chamber Orchestra (Helsinki) entre otros. Como director de ópera destacan las producciones Adriana Mater de Kaija Saariaho con dirección escénica de Peter Sellars (premiers en la Ópera Nacional de Finlandia y en la Ópera de Santa Fe, Estados Unidos), Le nozze di Figaro de W.A. Mozart, dirección escénica de Emilio Sagi y Carmina Burana de K. Orff, con puesta en escena de La Fura dels Baus. 11


di re c t or | E r n e s t M a r t í n e z I z q u i e r d o

Ha realizado grabaciones para sellos discográficos como Telarc, Harmonia Mundi, Collegno, Ircam, Stradivarius y Naxos. Entre los galardones recibidos destacan el premio Ojo Crítico de Radio Nacional de España (1995), el premio Roland de Periodismo de Música Clásica de Cataluña (2000), el premio Ciutat de Barcelona (2001) y el Latin Grammy (2006). Desde el año 2006 es miembro de la Reial Acadèmia Catalana de Belles Arts de Sant Jordi.

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or q u e s ta

Orquesta Sinfónica de Navarra La actual Orquesta Sinfónica de Navarra fue fundada por Pablo Sarasate en el año 1879, lo que hace de ella el conjunto orquestal en activo más antiguo de España. Hoy día la Orquesta Sinfónica de Navarra abarca el más amplio repertorio, colabora habitualmente con solistas y directores de renombre mundial y es considerada una de las mejores orquestas del panorama español, asiduamente invitada a salas de conciertos y festivales del máximo rango nacional e internacional. En las últimas temporadas, la OSN ha estado presente tres veces en el prestigioso Theatre des Champs-Elysées de París con solistas como Daniella Barcelona, Juan Diego Flórez y Roberto Alagna. En el trienio 2009-2011 la Orquesta fue invitada por el Theatre du Chatelet en Paris para tres producciones líricas (Magdalena, de H. Villalobos, Cyrano de Bergerac, de Alfano e Il Postino, de D. Catán, estas dos últimas con Plácido Domingo en el papel principal) y dos conciertos sinfónicos dirigidos por su titular, Ernest Martínez Izquierdo. También en su papel de embajadora cultural de Navarra realizó una gira de 7 conciertos por 5 de las más importantes ciudades de China con música de su fundador, D. Pablo Sarasate. Recientemente la OSN ha regresado de una gira por Europa con Joseph Calleja durante la que ha estado actuando en los principales escenarios de París, Munich, Praga, Viena, Ámsterdam y Baden-Baden. 13


or q u e s ta | O r q u e s t a S i n f ó n i c a d e N a v a r r a

La Orquesta mantiene un ciclo de temporada en Pamplona y Tudela con más de 2.200 abonados. Es la orquesta titular de los concursos Gayarre de canto y Sarasate de violín, así como colaboradora habitual en temporadas de ópera y representaciones líricas en Pamplona, resto de España y en el extranjero. Entre sus últimas grabaciones destaca una nueva integral de la obra de Sarasate para el sello Naxos con la violinista Tianwa Yang, de la que ya están a la venta tres CDs y que se completará con otro disco que se comercializará próximamente.

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nu e s t r o p ú b l ic o

Nombre y Apellidos: Mar García Goñi Elabora las notas al programa de los conciertos de abono de la OSN Profesión: Musicóloga . Profesora de Música en Secundaria Localidad de residencia: Zaragoza Por fin te ponemos cara. Hace muchos años que escribes las notas al programa de nuestra temporada de abono. ¿De dónde viene tu relación con la orquesta? Conocí la orquesta cuando estudiaba en el Conservatorio Pablo Sarasate, siendo adolescente. Acudía junto a otros compañeros al Teatro Gayarre y tuve la oportunidad de conocer muchas obras del repertorio clásico gracias a aquellos conciertos. Después estudié musicología en Oviedo. Gracias al profesor Luis Iberni, los alumnos disfrutamos de una oportunidad única: asistir a varios conciertos a la semana, incluso a ensayos con intérpretes de primera fila y confeccionar las notas al programa de algunos de estos conciertos. Descubrí entonces la importancia de estos textos. Cuando regresé a Pamplona, tuve la suerte de sustituir a Juan Antonio García Gorráiz en este trabajo y en la actualidad continúo disfrutando al realizarlo. ¿Conoces el Enclave Musical que la UPNA tiene en nuestra página web? En él musicólogos de la universidad analizan obras que la orquesta interpreta. ¿Qué opinión te merece? Sí. Es una iniciativa excelente; nos proporciona a todos la oportunidad de profundizar en el conocimiento de la música que interpreta la orquesta. En las notas al programa, la explicación de las obras y la contextualización de los compositores están supeditadas a una extensión muy concreta y deben ir dirigidas a todo el público que acude a los conciertos, al profesional de la música, al aficionado de toda la vida que conoce gran parte del repertorio orquestal tradicional y a quienes acuden por primera vez. Los comentarios de la página web añaden profundidad a las notas y nos permiten leer la partitura mientras escuchamos la música, algo indispensable para los músicos profesionales, una oportunidad interesantísima para los estudiantes y un aliciente para aprender para el resto de los oyentes. Este sitio anima a todos a escuchar la música de una manera completa y abierta, y proporciona a los más jóvenes, el futuro de la orquesta, las herramientas para adentrarse en el camino de la audición musical. 15


nu e s t r o p ú b l ic o

¿Cuáles son esas obras que aun no te hemos dado ocasión pero que llevas tiempo deseando comentar? Siento debilidad por Schubert (y es una pena no poder comentar su música de cámara o sus lieder), así que me gustaría que la orquesta interpretara “La Grande”; también me gustaría comentar la “Quinta” o la “Manfred” de Tchaikovsky. Por otra parte, descubrir obras de compositores contemporáneos es un reto muy interesante, y también de artistas anteriores que desconozco (me ocurrió con la obra del polaco Karlowicz). Esto me permite el lujo de escuchar por primera vez una obra, sin la presencia de recuerdos, ideas y conocimientos antiguos que me distraigan. Pero también echo de menos poder comentar obras del patrimonio sinfónico español del Romanticismo y de las primeras décadas del siglo XX (alguna transcripción de “Iberia” de Albéniz, por ejemplo). …Y joyas como “L’enfant et les sortilèges” o “L’heure espagnole” de Ravel. La gente nos pregunta por qué muchas veces los comentarios a las obras siguen el orden inverso al programa. Quién mejor que tú para responder. En mi opinión, las notas al programa deben introducirnos en el mundo creativo de los compositores y de sus obras, ayudar al oyente a comprender mejor el contexto en el que fueron compuestas las partituras. He optado casi siempre por el sistema clásico, el orden cronológico de composición, y siempre que es posible, conecto autores y obras, incluso de diferentes épocas, entre sí. Puede ser que las obras vanguardistas o contemporáneas se interpreten al comienzo de un concierto, y las más clásicas a continuación. Y los compositores, actuales y de todos los tiempos, se han interesado por las obras que crearon sus antecesores y han recibido sus influencias. No cabe duda de que es la música la auténtica protagonista; las notas se pueden leer antes del concierto, para introducirnos en él, o después, para conocer detalles de alguna obra que nos haya gustado especialmente o para comprender mejor el conjunto de las obras que hemos escuchado. Pocas personas pueden tener una visión tan en conjunto como la tuya de lo que ha sido la programación de esta orquesta en los últimos 15 años. ¿Cómo la resumirías? Al principio, las obras que se interpretaban eran muy clásicas en cuanto a orquestación, aunque fuesen posteriores al Clasicismo. Cuando se incorporó Ernest Martínez Izquierdo, comenzaron a aparecer compositores como Shostakovich, Stravinsky, Prokofiev, Falla, ¡Mahler! y muchos otros, al lado de otros románticos, clásicos, incluso Bach. Esto supuso un enriquecimiento muy importante. 16


or q u e s ta s i n f ó n ic a d e n ava r ra

Violines I

Violonchelos

Trompas

Vicent Balaguer Anna Siwek Daniel Menéndez Catalina García-Mina Nikola Takov Enrico Ragazzo Malen Aranzabal Aratz Uría Nathalie Gaillard Grazyna Romanczuk David Pérez

Herwig Coryn Tomasz Przylecki Lara Vidal Dorota Pukownik Carlos Frutuoso Aritz Gómez

Julián Cano Aritz García de Albéniz

Contrabajos

Timbales

Fco. Javier Fernández Piotr Antoni Piotrowski Gian Luca Mangiarotti

Javier Odriozola

Violines II

Flautas

Maite Ciriaco Anna Radomska Inés de Madrazo Angelo Vieni Tibor Molnar Fermín Ansó Lourdes González Pilartxo Ibáñez

Xavier Relats Ricardo González

Violas

Fco. Javier Gómez José Ramón Rodríguez Jerzy Wojtysiak Malgorzata Tkaczyk Irantzu Sarriguren Iustina V. Bumbu Robert Pajewski

Trompetas

Vicent Oliver Carlos Gomis

Oboes

Pilar Fontalba Juan Manuel Crespo Clarinetes

Javier Inglés Cristina Martín Fagotes

Ferrán Tamarit José Lozano

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da l a no ta

Queremos una Orquesta de la máxima calidad, que ofrezca una programación cada vez más abierta y variada, accesible y asequible para todo tipo de públicos. Ello sólo será posible con el apoyo y la generosidad de los amantes de la música que quieran sentirse herederos de quienes en 1879 fundaron la que hoy, 129 años después, podemos llamar con orgullo la Orquesta de Navarra. Ayúdanos a hacer posible nuestra ambición convirtiéndote en Socio Preferente de la Orquesta Sinfónica de Navarra.

MIEMBROS

ENTIDADES

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DE

LA

FUNDACIÓN

PATROCINADORAS

PABLO

SARASATE


da l a no ta

SOCIO

SOCIOS

BENEFACTOR

PREFERENTES

PRESTISSIMO HOTEL MAISONNAVE

VIVACE FUNDACIÓN FUENTES DUTOR BODEGAS CASTILLO DE MONJARDÍN

ALLEGRO

www.lokliza.com ALAIZ IRUÑA, SL

La Fundación Pablo Sarasate agradece también el generoso apoyo de los numerosos socios preferentes en la categoría de Adagio.

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PRÓXIMO

CONCIERTO

PAMPLONA-

AUDITORIO

BALUARTE

21 y 22 de marzo de 2013 - 20 h. TUDELA

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TEATRO

GAZTAMBIDE

23 de marzo de 2013 - 20,30 h.

K. Weill (1900-1950) Selección de la Suite de La ópera de tres peniques

(APROX. 14’)

A. Piazzolla (1921-1992) Concierto para bandoneón “Aconcagua”

(APROX. 20’)

K. Weill (1900-1950) Sinfonía nº 2

(APROX. 28’)

SOLISTA

Pablo Mainetti, bandoneón DIRECTOR

Ernest Martínez Izquierdo

Depósito Legal: NA-606/2011

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Programa de Mano Ciclo 8  

Programa de Mano Ciclo 8

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