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Octavo Concierto de Ciclo | Programa

PRIMERA

PARTE

R. Hahn (1875 - 1947) Mozart: Obertura

(APROX. 5’)

D. Shostakovich (1906 - 1975) Concierto para violonchelo nº 2 en Sol Mayor, op.126 Solista violonchelo: Asier Polo I. Largo II. Allegretto III. Allegretto SEGUNDA

(APROX. 33’)

PARTE

J. J. Eslava (1970) “Desde el Muro” Concierto para saxofón bajo y orquesta* (Estreno absoluto) Solista saxofón: Josetxo Silguero (APROX. 12’)

M. Reger (1873-1916) Variaciones y fuga sobre un tema de Mozart, op.132

(APROX. 35’)

Tema, andante grazioso Variación I. L’istesso tempo Variación II. Poco agitato Variación III. Con moto Variación IV. Vivace Variación V. Quasi presto Variación VI. Sostenuto Variación VII. Andante grazioso Variación VIII. Molto sostenuto Fuga. Allegretto grazioso DIRECTOR

José Ramón Encinar * Obra de encargo de la AEOS – Orquesta Sinfónica de Navarra – y la Fundación Autor AUDITORIO

BALUARTE

Jueves 8 y viernes 9 de marzo de 2012. 20 horas

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no ta s a l pr o g ra m a

a atracción que ha ejercido la figura de Mozart desde su fallecimiento hasta la actualidad ha fructificado en numerosas obras, artísticas, críticas e historiográficas. Desde la visión idealizada que los escritores y artistas románticos difundieron de su vida, hasta las revisiones historicistas que los musicólogos han realizado a partir de las primeras décadas del siglo XX, Mozart continúa cautivando a todo músico u oyente que se acerca a su obra. Su música es adorada por la mayor parte del público que llena los auditorios de todo el mundo y son numerosos los músicos que se sumergen en su lenguaje, universal y esencialmente humano. Durante las primeras décadas del siglo XX, el repertorio de las principales orquestas sinfónicas del mundo incluía habitualmente obras de los clásicos vieneses, especialmente de Mozart y de Beethoven. La interpretación, cada vez más demandada de sus obras, y el interés que suscitó entre los investigadores dio como resultado la aparición de una gran colección de ediciones críticas de sus partituras, de sus cartas y de otros documentos, que han aclarado numerosos detalles de su vida. Una de las piezas más delicadas e inspiradas del catálogo de Mozart para piano es la Sonata en La mayor K. 311, cuyo primer movimiento es un tema con variaciones y su rondó final es el célebre “alla turca”. Fue compuesta durante el tercero de los viajes que realizó a París (en 1778), y que fue el más triste de todos ya que en su transcurso la madre del joven compositor falleció. La delicada gracia del primer movimiento de esta sonata inspiró muchas décadas después de la desaparición de Mozart al compositor alemán Max Reger (1873-1916), que en 1914 escribió sus “Variaciones y fuga sobre un tema de Mozart para orquesta” op. 132 [35’].

L

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no ta s a l pr o g ra m a

Según F. R. Tranchefort, esta obra posee la perfecta maestría de las técnicas tradicionales de composición de la “variación”. No era la primera vez que Reger recurría a esta forma musical; antes había abordado con gran inspiración y un dominio del lenguaje polifónico del que se declaró heredero, las Variaciones sobre un tema de Hiller para orquesta, las desarrolladas a partir de un tema de Telemann o de Bach para piano y de Beethoven para dos pianos, entre otras. Era, pues, un maestro de la forma Tema con Variaciones que tanta tradición había tenido en la Alemania del siglo XVIII. Hay que tener en cuenta que Reger, como buen discípulo de Hugo Riemann, era un excelente conocedor de la música de J. S. Bach, un organista virtuoso que dominaba la técnica contrapuntística y el lenguaje expresivo del músico barroco, y que, como éste, también vivió en la ciudad de Leipzig. Reger luchó contra las corrientes del postromanticismo y del wagnerianismo, aunque durante algún tiempo había defendido el estilo de Wagner o incluso de Debussy, y siempre buscó en su música el equilibrio heredado de la polifonía clásica. Pues bien, las Variaciones y fuga sobre un tema de Mozart muestran este afán por recuperar la sencillez del clasicismo y la transparencia sonora de las obras del genial músico de Salzburgo. La instrumentación de la partitura es clásica y consigue el equilibrio sonoro entre la cuerda y los instrumentos de viento, a partes iguales. El Tema original, por ejemplo, es expuesto alternadamente por las maderas y por la cuerda, y respeta, con una sonoridad nueva, el carácter delicado de la melodía de Mozart. La primera variación “L’istesso tempo, quasi un poco più lento” repite el tema casi sin transformarlo, con una cuidada orquestación y un acompañamiento ligeramente más ágil que el tema. La transformación es más evidente en la tercera variación “Con moto”, repleta de cambios armónicos de modo mayor a menor y un exquisito 4


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tratamiento de las dinámicas. Mayor agilidad rítmica y gran energía aparecen en la variación cuarta “Vivace”, y un desdibujado tema es desarrollado con cierto misterio en la quinta variación “Quasi presto”. Vuelve a aparecer el tema con motivos ornamentales en diferentes planos sonoros en la variación sexta “Sostenuto”, y más desnudo en la séptima “Andante grazioso”, aunque con una ligera expresión romántica. La afición que Reger mostró en ocasiones por el cromatismo de influencia wagneriana hace su aparición en la última variación “Molto sostenuto”, antes de la magnífica doble fuga final “Allegretto grazioso”, donde se reencuentran los motivos tratados en las anteriores variaciones con gran lirismo y luminosidad. Según R. Morgan, la partitura de Reger constituye “un ejemplo fascinante de esta peculiar mezcla entre elementos progresistas y conservadores (…), una reminiscencia de Busoni”. La admiración por Mozart llegó a los escenarios parisinos en 1925 de la mano de Reynaldo Hahn (1874-1947) y del dramaturgo y cineasta francés Sacha Guitry (1885-1957). Esta vez fue una comedia musical que ambos artistas estrenaron en el Teatro Eduardo VII de París. Las notas al programa del estreno de aquella obra fueron escritas por el propio Guitry y comenzaban así: “El 27 de enero de 1756, un ángel llegó a la tierra”. El tema de la obra era el segundo de los viajes que W. A. Mozart había realizado a la capital francesa, cuando era todavía un adolescente. Durante aquel viaje, los Mozart fueron invitados a la gran fiesta de San Silvestre de 1763 y Nannerl, hermana de Wolfgang, relató en su diario de viaje todos los detalles de aquella visita al palacio de Versalles: “Wolfgang estuvo junto a la reina (María Lesczynska, esposa de Luis XV) hablando con ella continuamente, entreteniéndola, besándole la mano. (…) Madame de Pompadour ha debido ser muy bella, pues todavía es bonita. Es grande, distinguida, gruesa, pero de cuerpo muy proporcionado, 5


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(…) tiene mucho orgullo y todavía lo gobierna todo, se hace honrar y tiene un espíritu poco común. Sus habitaciones de Versalles son como un paraíso”. Reynaldo Hahn había nacido en Venezuela pero muy pronto se trasladó a París, donde se relacionó con los personajes más influyentes de la cultura y el arte de las últimas décadas del siglo XIX y las primeras del XX. Alumno de Massenet, se mantuvo a cierta distancia del impresionismo de Debussy, manifestó predilección por la música escénica y no olvidó su origen americano. Como ferviente admirador de la música de Mozart, Hahn dirigió en Salzburgo un “Don Giovanni” (1906) y recibió, casi veinte años más tarde, con entusiasmo la proposición de Sacha Guitry de componer una opereta o comedia musical sobre este episodio de la vida de Mozart. El encanto y la alegría que transmite la obertura de “Mozart” preludia la atmósfera optimista de la obra teatral que entusiasmó al público parisino de aquellos años. A pesar de la enorme popularidad que consiguió Hahn en vida, durante la segunda mitad del siglo XX su obra fue olvidada. Muchos críticos le reprocharon el haber compuesto “música ligera” en un momento en que las vanguardias y la invención de nuevos lenguajes musicales eran mejor considerados. En los últimos años, los descendientes de Reynaldo Hahn están desarrollando una interesante labor de recuperación de sus obras en Francia. Muy diferente fue la situación personal y el carácter artístico del ruso Dimitri Shostakovich (1906-1975), quien durante las décadas del poder stalinista tuvo que sobrevivir a la censura y adaptarse a los requerimientos artísticos del partido. En los últimos años de su vida, Shostakovich desarrolló su arte musical con una cierta libertad que se materializó en obras que utilizan técnicas más novedosas y “modernismos” que la censura toleró con mayor frecuencia. No se olvidó de sus pilares compositivos, de los modelos que influyeron en su concepto 6


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de lenguaje musical desde su juventud, especialmente de Bach, de Mahler, de los nacionalistas rusos del siglo anterior. Pero tampoco huyó de algunas características de las vanguardias del siglo XX y concibió una serie de obras originales, quizás eclécticas en algunos momentos, pero muy personales. A la última etapa de la vida de Shostakovich pertenece el Segundo Concierto para Violonchelo y orquesta op. 126 [33’]. Estrenado por Mstislav Rostropovich el 25 de septiembre de 1966, este concierto es el más innovador del catálogo concertístico del compositor. Organizado en tres movimientos, el segundo y el tercero encadenados, es considerado una de las obras más ricas y atractivas de Shostakovich. El virtuosismo de la parte solista aparece en la segunda parte del Largo inicial, que contrasta con la austeridad y el intimismo de la primera parte. Los movimientos segundo y tercero llevan la indicación de “Allegretto”. Inician con una danza de inspiración zíngara que se transforma en una especie de tocata que, en palabras de A. Lischké, “se resuelve sobre redobles de tambor y toques de trompas”. Los contrastes entre unos momentos líricos y otros violentos, entre ritmos enérgicos y pasajes relajados, el clasicismo de la cadencia que entona el solista y el “ligero martilleo” del xilófono, protagonista en segundo plano durante toda la obra, convierten a este concierto en uno de los más inspirados y originales del compositor soviético. Mar García Goñi

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no ta s a l pr o g ra m a

Desde el muro

insertado en las estrías palpando, tras la maraña su presencia oculta como lento umbral recogido

hacia adelante meciéndose, en áspero mugir respirando el cemento liso de las entrañas

desde la sombra

"Desde el muro" es una partitura escrita en estrecha colaboración con el saxofonista Josetxo Silguero.

Notas: Juan José Eslava 8


c om p o s i t or

Juan José Eslava Eslava trabaja actualmente sobre encargos provenientes de la Orquesta Sinfónica de Navarra y la compañía de danza Li(Luo) (Francia) en colaboración con el centro cultural André Malraux. Recientemente ha recibido encargos del Centro Nacional de Difusión Musical, Plural Ensemble, Consejería de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid, Sigma Project, el guitarrista japonés Norio Sato, la intérprete de koto Kimura Maya, Quincena Musical, Museo Gustavo de Maeztu y la U.P.N.A.. Su música ha sido presentada en festivales como la International Computer Music Conference (ICMC), Festival Internacional de Música Informática de Seúl (Corea), Jornadas Argentinas de Música Contemporánea, Festival d’Art Lyrique d’Aix-en-Provence, Résonnances (Francia), World Saxophone Congress, Transitio (México), La Kitara Soi (Finlandia), Sinkro, Festival Internacional de Música de Alicante, Musikaste, II Circuito de música contemporánea de Euskadi., Punto de encuentro, Son (músicadhoy). Su música es habitualmente programada en salas relevantes de la escena internacional como la Tokyo Opera City, Kunitachi College of Music, Meguro Bashomon Hall (Japón), Ircam (Francia), Instituto Cervantes, Auditorio Nacional de Madrid, Centro de Arte Reina Sofía, Teatros del Canal, Fundación Eresbil, Fundación BBVA de Bilbao y otros. Es premio a la mejor obra europea del encuentro ICMC 2008, finalista del Concurso Internacional de Arte electrónico del festival Transitio 2007 y primer premio del Concurso internacional de

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c om p o s i t or | J u a n J o s é E s l a v a

composición de la Universidad de Murcia 1994. Colabora habitualmente con intérpretes como Josetxo Silguero, Masanori Ooishi, Norio Sato, Rody van Gemert, Rie Watanabe, Yoshiko Kanda, Sigma-Project, Plural-ensemble, Nomad-ensemble, 2e2m, Court-Circuit, Orquesta de la Comunidad de Madrid, Orquesta Sinfónica de Navarra, orquesta del Capitôle de Toulouse, agrupación vocal KEA y directores como José-Ramón Encinar, Ernest Martínez Izquierdo, Pascal Rophé, Fabian Panisello y otros. En tanto que investigador ha colaborado con el Ircam y el Kunitachi College of Music de Tokio. Ha impartido seminarios sobre su trabajo en la Universidad Nacional de las Artes de Seúl (Corea), el Kunitachi College of Music (Japón) y la Academia Sibelius de Helsinki (Finlandia). Realizó sus estudios de composición en el Conservatorio Superior de Zaragoza, el Conservatorio Nacional Superior de París, el Ircam (Cursos de Composición e informática musical), los cursos de verano de Szombathely (Hungría), Veruela (España), “CentreAcanthes”, “Fundación Royaumont-Voix-Nouvelles” y la Academia de Composición del Festival d’Aix-en-Provence (Francia), trabajando con compositores como Claude Ballif, Teresa Catalán, Marc André Dalbavie, Brian Ferneyhough, Gérard Grisey, Jonathan Harvey, Philippe Leroux, Michael Lévinas, José Manuel López-López, Mikhail Malt, Philippe Manoury, Luis Naon, Emmanuel Nunes, Yizak Sadai. Así mismo es titular de una suficiencia investigadora por la Universidad Pública de Navarra en el ámbito de la pedagogía musical. Nacido en Gijón, Asturias, inició su formación musical en Pamplona y en Bayona. Actualmente reside en Pamplona.

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s ol i s ta

Asier Polo Nacido en Bilbao, Asier Polo estudió con Elisa Pascu, María Kliegel e Ivan Monighetti, recibiendo masterclasses de maestros como Starker, Gutman o Rostropovich. Comenzó pronto a destacar al obtener el Primer Premio de violonchelo y de música de cámara en el Concurso Nacional de Juventudes Musicales. Ha colaborado como solista con la mayoría de las principales orquestas españolas, además de orquestas extranjeras como la Philharmonia Orchestra, Orchestra Sinfonica Nazionalle della RAI, Dresdner Philharmonie, Orchestre de Paris, Bergen Filharmoniske Orkester, Israel Philharmonic Orchestra, Orquesta Nacional de México, Orquesta Sinfónica de Sao Paulo o la Basel Symphony Orchestra. Asier Polo ha tocado bajo la dirección de importantes batutas, como Pinchas Steinberg, Christian Badea, Rafael Frühbeck de Burgos, Claus Peter Flor, Günther Herbig, Antoni Wit o Anne Manson, además de los principales directores nacionales. Ha sido invitado por importantes festivales de música, como los festivales de Nantes (Francia), Ohrid (Yugoslavia), Roma, Lisboa, Morelia (México) o la Quincena Musical de San Sebastián. Ha compartido escenario con artistas de la talla de Josep Colom, Eldar Nebolsin, Gerard Caussé, el Cuarteto Janáček o Alfredo Kraus, quien le invitó en los últimos años de su carrera a colaborar como solista en sus recitales, actuando en el Maggio Fiorentino, el Covent Garden londinense, el Tonhalle de Zürich o la famosa Musikverein de Viena, además de una exitosa gira por las más destacadas salas de Japón.

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s ol i s ta | A s i e r Po l o

Cabe destacar su compromiso con la música actual, especialmente con la de nuestro país. Impulsor de nuevas obras, compositores como Gabriel Ercoreca, Luis de Pablo y Antón García Abril le han dedicado algunas de sus obras. Ha sabido compaginar la nueva música con el gran repertorio de la literatura clásica, abarcando desde las Suites de Bach hasta la música contemporánea (Henri Dutilleux, Cristóbal Halffter), pasando por los grandes conciertos clásicos y románticos. Recientes y futuros compromisos le llevarán a tocar con la BBC Philharmonic, Orchestre National des Pays de la Loire, Louisiana Philharmonic Orchestra y Manitoba Chamber Orchestra de Canadá. Asier Polo ha sido galardonado con numerosos premios, entre los que cabe destacar el “Ojo Crítico” de Radio Nacional (2002) y el Premio Fundación CEOE a la interpretación Musical (2004). En 2009 fue galardonado como “Ilustre de Bilbao”. Ha realizado catorce trabajos discográficos para los sellos Claves, RTVE, Marco Polo o Naxos, interpretando obras de diversos autores como los conciertos de Usandizaga, Villarojo, Escudero, Marco, Rueda, Bernaola o Rodrigo. Próximamente saldrán dos nuevos trabajos: la integral para violonchelo de Jesús Villa-Rojo (Naxos) y un disco dedicado a Sofia Gubaidulina (Et’cetera-records). Actualmente es profesor en el Centro Superior de Música del País Vasco. Asier Polo toca un violonchelo Francesco Rugieri (Cremona 1689) adquirido con la colaboración de Banesto. www.asierpolo.com

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s ol i s ta

Josetxo Silguero Gorriti “Poseedor de una técnica y sonoridad exquisitas, dejó a su saxofón hablar con libertad dentro del mundo armónico orquestal” (Euskadiko Orquestra – Estreno en la península de la Rapsodia de C.Debussy) J. Lobera, El Correo, 20/0I/2008 Silguero representa, sin lugar a dudas, la vanguardia del saxofón en España. Intérprete poseedor de múltiples recursos técnicos y expresivos e improvisador audaz. Diario Levante, 16/X/2002 Firmemente comprometido con la creación musical contemporánea, Josetxo Silguero está considerado como un solista de amplio espectro musical (sinfónica, cámara, ópera, electrónica, jazz, músicas improvisadas). De su especial dedicación a la música electroacústica han surgido los estrenos de más de treinta partituras, colaborando con los compositores más importantes de su generación. Ha presentado estrenos y proyectos sonoros en Alemania, Francia, Eslovenia, Inglaterra, Italia, Suiza, Canadá, Argentina, Chile, Perú, Bolivia, Ecuador, Colombia, Venezuela y Tailandia, así como en los más importantes festivales y ciclos nacionales (Ciberart, Experimenta 21, Festival de Alicante, Museo Reina Sofía, Quincena San Sebastian, Musikaste, Festival Bernaola, Matinées Orquesta Sinfónica de Euskadi…). Solista de saxofón de la Euskadiko Orkestra, es invitado también por las orquestas sinfónicas de Bilbao, Córdoba, Comunidad de Madrid, RTVE y sinfónica de Baleares, y requerido asimismo como solista de cámara por los ensembles Proyecto Guerrero de Madrid, Grupo Enigma de Zaragoza, Espacio Sinkro de Vitoria, Ensemble Krater de San Sebastian y Proxima Centauri de Bordeaux, todo ello sin 13


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dejar de crear a su vez sus propios grupos de cámara (Aksax, Oiasso Novis), y más recientemente, en 2008, el Sigma Project (www.sigmaproject.es). Con dichas agrupaciones, cabe destacar el estreno mundial en concierto de los Cantos del Capricornio de Giacinto Scelsi, junto a la mítica cantante japonesa Michiko Hirayama (Auditorio Nacional de Música de Madrid, 2004); el estreno de Laberinto de la Noche, de Carlos Satué, concierto para saxofones, gran ensemble y dispositivo electroacústico (Festival de Música de Alicante, 2007); la primera audición en la península de la Rapsodia para Orquesta y Saxofón Alto de C. Debussy (Orquesta de Euskadi, 2008); LALIBELA, de Xavier Carbonell, concierto para 4 saxofones bajos solistas y Orquesta Sinfónica (Palma de Mallorca, 2010) y CHAMAN, de Thierry Alla (Festival de Música de Alicante, 2010) para cuarteto de saxofones bajos. Entre sus próximos proyectos destacan el estreno de sendos conciertos para cuarteto de saxofones y orquesta sinfónica de Félix Ibarrondo (ORCAM) y Josep Maria Mestres Quadreny (OBC-Arturo Tamayo), y la presentación de la obra Qumran para saxofón bajo, video y electrónica, de Ángel Arranz, en el Instituto de Sonología de La Haya. Natural de Irún (Gipuzkoa, 1964), iniciado en la música por sus padres, desarrolla su formación musical en el Conservatorio Superior de Música de San Sebastián, especializándose durante tres años (19911994) con el profesor Jean-Marie Londeix en Bordeaux (Francia), y asistiendo a cursos de música contemporánea y análisis con Paul Mefano, Ivo Malek, Bernard Carlosema, José Manuel López López y Luís de Pablo. Como profesor, impartió clases en el antiguo Conservatorio Superior de Música de San Sebastián, y más recientemente en Musikene. En la actualidad es docente en el Conservatorio de Música Jesús Guridi de Vitoria-Gasteiz. Josetxo Silguero Gorriti interpreta, en exclusiva, con instrumentos SELMER-PARIS (Artista Selmer) y accesorios VANDOREN (París). www.josetxosilguero.com 14


di re c t or

José Ramón Encinar Nacido en Madrid en 1954, José Ramón Encinar ha sido Director Titular de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria (1982-1984), Director Titular de la Orquesta Sinfónica Portuguesa (1999-2001) y actualmente es Director Titular y Artístico de la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (desde la temporada 2000/2001). Como director, ha estado al frente de la mayoría de las orquestas españolas, así como las orquestas más representativas del panorama internacional, como la London Symphony, Orquesta Filarmónica de México, English Bach Festival, Santa Cecilia de Roma o la Orquesta Arturo Toscanini de Parma. Ha dirigido la recuperación de obras poco habituales del repertorio orquestal, como La Clementina de Luigi Boccherini o Los amantes de Teruel de Tomás Bretón, así como un gran número de estrenos absolutos, entre los que destacan tres de las óperas de Luis de Pablo. Es Premio Nacional de Música, Académico Correspondiente de la Academia de Bellas Artes de Granada y Académico Electo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Ha recibido numerosas distinciones tanto por su labor como director como compositor: Premio Ícaro, Premio Larios y premios de Composición Polifónica y Composición de Música de Cámara. También ha recibido el Premio de la Asociación de Compositores Madrileños y el Premio de Música de la Comunidad de Madrid.

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Su extensa discografía incluye grabaciones para diversos sellos; Naxos, Stradivarius, Col Legno, Glossa, Verso, Decca o Deutsche Grammophon. En su catálogo de compositor destacan obras como Cum plenus forem enthousiasmo, El aire de saber cerrar los ojos, Almost on stage, Io la mangio con le mani, Proyecto y Mise-en-scène.

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or q u e s ta s i n f ó n ic a d e n ava r ra

Violines I

Violonchelos

Trompas

Klaidi Sahatchi Anna Siwek Daniel Menéndez Catalina García-Mina Iraia Aizpuru Nikola Takov David Pérez Aratz Uría Nathalie Gaillard Enrico Ragazzo Edurne Ciriaco

Herwig Coryn David Johnstone Tomasz Przylecki Aritz Gómez Lara Vidal Carlos Frutuoso Dorota Pukownik

Julián Cano Aritz García de Albéniz Daniel Mazarrota Enric Camarasa

Contrabajos

Fco. Javier Fernández Piotr Antoni Piotrowski Gian Luca Mangiarotti

Violines II

Maite Ciriaco Anna Radomska Inés de Madrazo Grazyna Romanczuk Angelo Vieni Lourdes González Fermín Ansó Pilartxo Ibáñez Tibor Molnar

Trompetas

Carlos Gomis Javier Losarcos Timbales

Javier Odriozola Percusión

Flautas

Xavier Relats Ricardo González Arantza Almoguera

Enric Monfort Santiago Pizana Carlos Peiró Arpa

Oboes

Pilar Fontalba Juan Manuel Crespo

Alicia Griffits Piano

Pedro Rodríguez Clarinetes

Violas

Cristian Ifrim Jerzy Wojtysiak Fco. Javier Gómez Irantzu Sarriguren Iustina Bumbu Jose Ramón Rodríguez Malgorzata Tkaczyk Robert Pajewski

Javier Inglés Elisa López Fagotes

Ferrán Tamarit José Lozano Rubén Ferreira

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da l a no ta

Queremos una Orquesta de la máxima calidad, que ofrezca una programación cada vez más abierta y variada, accesible y asequible para todo tipo de públicos. Ello sólo será posible con el apoyo y la generosidad de los amantes de la música que quieran sentirse herederos de quienes en 1879 fundaron la que hoy, 129 años después, podemos llamar con orgullo la Orquesta de Navarra. Ayúdanos a hacer posible nuestra ambición convirtiéndote en Socio Preferente de la Orquesta Sinfónica de Navarra.

MIEMBROS

ENTIDADES

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DE

LA

FUNDACIÓN

PATROCINADORAS

PABLO

SARASATE


da l a no ta

SOCIO

SOCIOS

BENEFACTOR

PREFERENTES

PRESTISSIMO HOTEL MAISONNAVE

VIVACE FUNDACIÓN FUENTES DUTOR BODEGAS CASTILLO DE MONJARDÍN

ALLEGRO

www.lokliza.com ALAIZ IRUÑA, SL CLÍNICA DE ORTODONCIA LAHOZ-ROUCH

La Fundación Pablo Sarasate agradece también el generoso apoyo de los numerosos socios preferentes en la categoría de Adagio.

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PRÓXIMO

CONCIERTO

22 y 23 de marzo de 2012 NOVENO CONCIERTO DE CICLO

P. I. Tchaikovsky (1840-1893) Concierto para piano nº 1, en Si bemol menor, op. 23

(APROX. 32’)

L. V. Beethoven (1770-1827) Sinfonía nº 3, en Mi Mayor, op. 55, “Heroica”

(APROX. 47’)

SOLISTA

Nicolai Demidenko, piano

DIRECTOR

Ernest Martínez Izquierdo

Depósito Legal: NA-606/2011

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Programa de Mano Ciclo 8  

Programa de mano Ciclo 8 Temporada 2011-2012

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