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pre s en ta ci ó n

a Orquesta Sinfónica de Navarra mira al futuro. Tras haber logrado consolidarse como uno de los principales referentes culturales de Navarra y después de haber logrado poner en pie a los espectadores de los principales escenarios del mundo, la temporada 2012-2013 de la Orquesta Sinfónica afronta nuevos horizontes y apasionantes retos. El Director titular y artístico de la Orquesta, Ernest Martínez Izquierdo anuncia su despedida tras 15 años de intenso y fructífero trabajo. Será esta una temporada de despedidas y, sobre todo, de agradecimientos por la dedicación empleada, el esfuerzo y el interés mostrados y los éxitos logrados. Ernest Martínez Izquierdo, al frente de los músicos profesionales de la Orquesta, ha llevado por todo el mundo el buen nombre de Navarra, ligado a la excelencia cultural y al virtuosismo musical. Por todos los éxitos logrados, y en nombre de todos los navarros, muchas gracias Ernest. Pero la temporada que ahora se presenta también será un tiempo de ampliación de horizontes y de renovadas ilusiones. Además de mantener un ambicioso, excelente y renovado programa de música clásica para su ciclo de Pamplona, la Orquesta Sinfónica de Navarra añade este año a su programa un novedoso ciclo musical en el teatro Gaztambide de Tudela. De esta manera, la Orquesta Sinfónica de Navarra profundiza en su compromiso de ser una institución cultural al servicio de todos los ciudadanos navarros. No tengo ninguna duda de que esta nueva apuesta encontrará la acogida y el cariño que se merecen por parte de los ciudadanos de Tudela y de la Ribera de Navarra. Además, la Orquesta Sinfónica reafirma, un año más, su espíritu de cooperación con otras instituciones culturales navarras de primer

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nivel, como es el caso del Orfeón Pamplonés. En estos tiempos de dificultades económicas, la apuesta por la cooperación y la coordinación de las instituciones culturales navarras es la mejor fórmula para seguir disfrutándolas y potenciándolas. En definitiva, una Orquesta de Navarra, al servicio de los navarros, sin perder en ningún momento su vocación internacional y abierta al mundo. La mejor carta de presentación de una Comunidad apasionada por la buena música y la cultura con mayúsculas. Que la disfruten. Yolanda Barcina Angulo Presidenta del Gobierno de Navarra

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Primer Concierto de Ciclo | Programa

PRIMERA

PARTE

M. Ravel (1875 - 1937) Le tombeau de Couperin

(APROX. 17’)

I. Prélude II. Forlane III. Menuet IV. Rigaudon

J. Rodrigo (1901 - 1999) Concierto de Aranjuez

(APROX. 21’)

I. Allegro con spirito II. Adagio III. Allegro gentile

SEGUNDA

PARTE

P.I. Tchaikovsky (1840 - 1893) Sinfonía nº 2, en Do menor, op. 17 “Pequeña Rusia”

(APROX. 32’)

I. Andante sostenuto - Allegro vivo II. Andantino marziale, quasi moderato III. Scherzo - Allegro molto vivace IV. Finale - Moderato assai - Allegro vivo SOLISTA

J. M. Gallardo del Rey, guitarra DIRECTOR

Ernest Martínez Izquierdo

PAMPLONA

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AUDITORIO

BALUARTE

Jueves 13 y viernes 14 de Septiembre de 2012. 20 horas TUDELA

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TEATRO

GAZTAMBIDE

Sábado 15 de Septiembre de 2012. 20,30 horas

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a sinfonía y las formas orquestales de mayor tradición en la música europea del Romanticismo estaban en su madurez cuando comenzó a presentarse al mundo la primera generación relevante de compositores rusos. Estos músicos se preocuparon por estudiar el folclore musical de su país desde su juventud sin desprenderse de la tradición sinfónica centroeuropea del siglo XIX. P. I. Tchaikovsky (1840-1893) fue considerado el ruso más “cosmopolita” de todos ellos. Vinculado, guardando las distancias, al grupo nacionalista ruso que fundó Balakirev y que fue conocido como “Los Cinco”, este genial alumno de A. Rubinstein consiguió expresar en sus partituras el color del folclore de su país a través de un lenguaje melódico, armónico y orquestal romántico, como el que utilizaban sus contemporáneos Brahms o Dvorak, entre otros. Los inicios de Tchaikovsky como músico fueron el fruto de la combinación de la formación en la tradición musical centroeuropea y el estudio de melodías y ritmos típicos de su tierra. En 1866, el joven compositor se encontraba ya dando clases en el Conservatorio de Moscú, dirigiendo frecuentemente su mirada hacia lo que creaban sus colegas de Europa occidental. Considerada la más prometedora obra orquestal de Tchaikovsky, la Segunda Sinfonía en Do menor [32’] fue estrenada en Moscú el 26 de enero de 1873 bajo la dirección de Nikolai Rubinstei, y muestra la exquisita manera que el ruso tenía de expresar sus ideas de inspiración popular a través de un lenguaje europeo, con la incorporación de una orquesta rica y colorista que se convirtió en sello personal de su universo compositivo. Iniciada en Ucrania (Pequeña Rusia), la Segunda Sinfonía fue recibida con entusiasmo por el público ruso y por la crítica. No obstante, Tchaikovsky no quedó del todo satisfecho y revisó la partitura seis años después, siendo esta la versión que comúnmente se suele interpretar en la actualidad. Según A. Lischké, esta es una obra “calurosa y viva, como la región en la que se ha inspirado”. Quizás sea la partitura

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de Tchaikovsky que mantenga más conexiones con el universo nacionalista del grupo de los Cinco, debido a su inspiración en la música popular ucraniana, presente en varios movimientos de la sinfonía. Según Plantinga, el compositor trató las melodías con el recurso de la variación: la monotonía que podría generarse debido al gran número de repeticiones de la melodía “se evita a través de un colorido instrumental constantemente cambiante y por variadas figuras de acompañamiento”. El material folclórico de origen ucraniano aparece en el primer movimiento “Andante sostenuto-Allegro vivo”. El tema principal se inspira en la canción titulada “Bajando por el Volga” y es tratado con un carácter de ensoñación [“dumka”] que poco a poco se agita hasta que nace el Allegro. El segundo movimiento “Andantino marciale, quasi moderato” no fue revisado por el compositor, quien reutilizó en él materiales temáticos procedentes del último acto de la ópera “La Ondina” que él mismo destruyó. Enérgico y rápido, continúa un “Scherzo-Allegro molto vivace” que recoge la tradición beethoveniana y que muestra momentos de una brillante orquestación con diálogos entre la sección de viento madera y la de cuerda. La sinfonía termina con alegre “Moderato assai-Allegro vivo” cuyo tema está basado en la canción ucraniana titulada “La grulla” que es tratada como una danza popular. El profundo lirismo del lenguaje musical de Tchaikovsky y su exquisita manera de componer para la orquesta fueron en gran medida responsables del respeto y la predilección que por su música ha mostrado el público de todo el mundo desde el estreno de sus obras hasta la actualidad. En Francia, el vínculo entre compositores franceses y artistas rusos fue muy estrecho durante los años que rodearon el cambio de siglo. Especialmente interesante fue la relación que se desarrolló en torno al arte de la orquestación y que había surgido muchos años atrás con la publicación del Tratado de Instrumentación de Héctor Berlioz, tan difundido entre los compositores rusos de la segunda mitad del 5


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siglo XIX. Seguramente, el más grande maestro de orquestación francés heredero de esta tradición fue Maurice Ravel (1875-1937), gran admirador de los compositores rusos del último tercio del siglo XIX. Ravel coincidió en los escenarios parisinos de la vanguardia con otro grandísimo genio ruso, Stravinsky. Fue este último quien describió al francés como un “fabricante de relojes suizo” refiriéndose a su extraordinaria habilidad para “juntar diversos materiales y formar un todo consistente dentro de unas formas de enorme precisión” [R. Morgan]. El refinamiento de la música de Ravel siguió un camino que partió del impresionismo y de una estética heredera del último Romanticismo y que evolucionó hacia una simplicidad que se adentró en las normas del Neoclasicismo a partir de los años de la Gran Guerra. “Le Tombeau de Couperin” [17’] es probablemente la primera obra en que la tendencia neoclasicista de Ravel se muestra abiertamente. Sobre el origen y la intención de la partitura escribió el propio Ravel: “A comienzos de 1915 me enrolé en el ejército y debido a ello mi actividad musical se interrumpió hasta el otoño de 1917, en que fui licenciado. Entonces terminé “Le Tombeau de Couperin”. El homenaje está dirigido menos a Couperin que a toda la música francesa del siglo XVIII”. Primeramente, la suite fue escrita para piano y constaba de seis piezas, cada una de ellas dedicada a un amigo fallecido en el frente. Fue la pianista Margerite Long, viuda del capitán Joseph de Marliave (a quien iba dedicada la Tocata), quien estrenó la obra en París el 11 de abril de 1919. En 1920, Ravel escribió la orquestación de cuatro piezas del “Tombeau” (la Fuga y la Tocata eran esencialmente pianísticas y no pudieron ser orquestadas). El estreno de esta versión tuvo lugar en París en febrero del mismo año y en noviembre, los Ballets suecos de Rolf de Maré presentaron en el Teatro de los Campos Elíseos una versión danzada de la Forlane, del Minueto y del Rigodón. La suite comienza con un “Prélude” que con sus ornamentos recuerda en cierto modo el estilo de escritura que desarrollaron los 6


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principales compositores franceses de música para clave: L. y F. Couperin y J. P. Rameau, y que, con protagonismo del oboe, sirve de introducción a las danzas siguientes. Elegante y extraña, la “Forlane” conserva el ritmo “pointée” (con puntillos) de la danza barroca en el estilo francés pero con unas armonías modernas que desconciertan con sus frecuentes disonancias. El oboe es de nuevo protagonista en el “Menuet” que M. Parouty describe “de colores tiernamente pastorales” en una “atmósfera ambigua y casi indescriptible”. La “Mussette” que sirve de trío crea un momento de tensión que termina con la aparición de nuevo del Minueto. La última pieza de la suite es el “Rigodón” que aporta gran color orquestal con la participación de los instrumentos de viento metal. M. Parouty señala la importancia que tuvo en esta obra la orquestación de Ravel: “hace algo más que rendir homenaje al pasado, revela todo lo que ese pasado puede contener de moderno en una síntesis admirable, tanto en la letra como en el espíritu”. El Neoclasicismo triunfó en Europa desde el término de la Primera Guerra Mundial hasta pasada la década de los Treinta, y compositores como Ravel, Stravinsky o Prokofiev sentaron las bases del estilo. El valenciano Joaquín Rodrigo (1901-1999) conoció el estilo en París, donde trabó amistad con Manuel de Falla y P. Dukas, cuyas influencias fueron decisivas en su obra musical. Después de la guerra civil española, Rodrigo decidió regresar a España e instalarse en Madrid, el mismo año (1939) del estreno de su célebre Concierto de Aranjuez [21’]. Según J. Pascual, el desierto musical que representó el desenlace de la contienda, el interés por la guitarra que despertó la labor de Andrés Segovia, el deseo de las autoridades españolas de presentar autores homologables al resto de artistas europeos como signo de una normalidad inexistente, pueden ayudarnos a explicar el sorprendente éxito que alcanzó el “Concierto de Aranjuez”. Si “Le Tombeau de Couperin” se inspira en la música para clave del siglo XVIII francés, el Concierto de Aranjuez es un homenaje al 7


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siglo XVIII español, a la guitarra de Gaspar Sanz y a nuestro mundo popular. Con audacias armónicas y una simplicidad formal que dotan de una atmósfera espontánea que resulta muy cercana al público, Rodrigo creó una obra original y moderna que eclipsó a otras partituras suyas que deberían ser disfrutadas con mayor frecuencia. El “Concierto de Aranjuez” está organizado en tres movimientos como es habitual en una obra concertante. El “Allegro con spirito” inicial está repleto de energía y desde los primeros compases muestra el poder virtuoso de la guitarra solista que realiza numerosos adornos y escalas sobre un poderoso juego rítmico de ascendencia popular. De naturaleza melancólica es el “Adagio” central, con un tema de inspiración andaluza que entona el corno inglés y una virtuosa cadencia del solista. De nuevo el ritmo de inspiración popular española que alterna un compás binario con otro ternario aparece en el movimiento final, “Allegro gentile”. Mar García Goñi

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s ol i s ta

José María Gallardo del Rey José María Gallardo del Rey hace su debut en Sevilla con nueve años y desde entonces ha venido cosechando los mayores éxitos de público y crítica por todo el mundo. Artista de formación y conocimientos musicales insólitos en el mundo de la guitarra, es el solista más requerido y programado por las orquestas de todo el mundo. Directores y músicos le confirman unánimes como guitarrista de referencia. Sir Neville Mariner, Philippe Entremont, Frübeck de Burgos, Ros Marbá, García Asensio, Josep Pons, José Ramón Encinar, Leo Brouwer, Karel Mark Chichón, con orquestas como ONE, Royal Philarmonic, Orquesta de la RAI, Hong Kong Philarmonic, Ton Halle de Zurich, London Philarmonic, Orquesta de Cadaqués, ORTVE, Orquestas de la Comunidad y Sinfónica de Madrid, Orquesta Nacional de Bélgica, Radio Phil. Saarbrücken, etc., son habituales en las giras de conciertos de José María. Como solista, compositor, músico de cámara o director musical ha actuado en teatros como Carnegie Hall, Tokio Opera House, Konzerthaus de Viena, Teatro de los Campos Elíseos y Opera Cómica de París, Ateneo de Bucarest, Walt Disney Auditórium de Los Angeles, Sadler Wells y Cadigan Hall de Londres, Auditorio Nacional de Madrid, Palau de la Música de Valencia. Embajador musical de España, su presencia es requerida frecuentemente en conciertos y eventos culturales como EXPO 92 (Autor e intérprete de la Banda Sonora del Pabellón de España) EXPO AICHI 2005, Años de España en China, Corea, EXPO Shanghai 2010, Año Cervantes, Centenario Albéniz, y especialmente en el Centenario Rodrigo, que le ha llevado a interpretar sus conciertos para guitarra por todo el mundo. 10


s ol i s ta | J o s é M a r í a G a l l a r d o d e l R e y

Es director y fundador de “La Maestranza”, grupo de cámara español con el que interpreta su propia música y que, desde su creación en 1994, ha actuado en los más prestigiosos escenarios internacionales. Su música ha sido coreografiada por nombres de la danza como María Pagés , Víctor Ullate y Lola Greco en espectáculos como “Sevilla”, “De la Luna al Viento”, “Don Quijote” e “Iberia”. Su formación como guitarrista clásico ha sido enriquecida por su intensa relación con el mundo del flamenco. La conjunción de ambos estilos ha creado una manera única de interpretar y entender la música española. Es por esto que su presencia se torna imprescindible en proyectos como “Pasión Española”, con Plácido Domingo (Grammy Latino 2008), “Habanera Gipsy”, con Elina Garança (2010) , “Caprichos Líricos”, con Teresa Berganza (1996) o su labor como director y asesor artístico de Paco de Lucía en su debut con el Concierto de Aranjuez. (Japón 1990) Junto a otra de las figuras de la guitarra flamenca, Juan Manuel Cañizares , estrena en 2005 “Mano a mano”, con exitosas apariciones en Londres, Washington, Osaka, Tokio, hasta el espectacular concierto ofrecido en el Carnegie Hall de Nueva York. Fue invitado a tocar en París junto a Menuhin, Rampal, Ozawa y Elton John, en la gala del 70 aniversario de Rostropovich en Marzo de 1997. Aparece con John Williams en el prestigioso Festival Internacional de Guitarra de Australia (Darwin, 1995 y 1997). Artista de Deutsche Grammophonn, ha editado “The Trees Speak”, “14 maneras de echarte de menos” y acaba de editar su nuevo disco con La Maestranza, “My Spain”, que ha cosechado los mayores éxitos de crítica y público. Su discografía anterior recoge trabajos muy diversos en sellos como Mandala, RTVE, Autor, Almaviva y BMG. Sus clases de interpretación musical son requeridas en los más prestigiosos conservatorios y universidades de todo el mundo. Centros como la UIMP de Santander, “Proyect Canción Española” de Granada, Mannes Conservatory of Music de Nueva York, o Northridge University de Los Angeles, entre otros, son escenarios habituales de sus cursos y clases magistrales. 11


di re c t or

Ernest Martínez Izquierdo Orquesta Sinfónica de Navarra Director Artístico y Musical

Nacido en Barcelona (1962), es desde 1997 Director Artístico y musical de la Orquesta Sinfónica de Navarra. Tras su formación musical en Barcelona y Paris, en 1985 inició su carrera como director de orquesta con la creación del grupo Barcelona 216, especializado en la interpretación del repertorio de cámara contemporáneo. Desde el año 2002 hasta el 2006 fue director titular y artístico de la Orquesta Sinfónica de Barcelona y Nacional de Catalunya, continuando como principal director invitado hasta el año 2009. Paralelamente a su actividad como director titular, ha dirigido las principales formaciones españolas e internacionalmente ha trabajado con orquestas como: Kyoto Symphony Orchestra, Finish Radio Symphony Orchestra, Helsinki Philharmonic, Philharmonique de Radio France, Nacional de Lyon, Warsaw Philharmonic, Zagreb Philharmonic, Orchestra Comunale de Bologna, Beethoven Academie (Amberes), Niederosterreische Tonkúnstler (Viena), y ensembles como Ensemble Contemporain de Montréal, Ensemble Modern de Frankfurt, Wien Klangforum, Avanti Chamber Orchestra (Helsinki) entre otros. Como director de ópera destacan las producciones Adriana Mater de Kaija Saariaho con dirección escénica de Peter Sellars (premiers en la Ópera Nacional de Finlandia y en la Ópera de Santa Fe, Estados Unidos), Le nozze di Figaro de W.A. Mozart, dirección escénica de Emilio Sagi y Carmina Burana de K. Orff, con puesta en escena de La Fura dels Baus. Ha realizado grabaciones para sellos discográficos como Telarc, Harmonia Mundi, Collegno, Ircam, Stradivarius y Naxos. Entre los galardones recibidos destacan el premio Ojo Crítico de Radio Nacional de España (1995) el premio Roland de Periodismo de Música Clásica de Cataluña (2000), el premio Ciutat de Barcelona (2001) y el Latin Grammy (2006). Desde el año 2006 es miembro de la Reial Acadèmia Catalana de Belles Arts de Sant Jordi. 12


nu e s t r o p ú b l ic o

ABONO FAMILIAR CICLO TUDELA FAMILIA: Moreno - Vitas LOCALIDAD: Tudela RESPONDEN: Víctor Javier y Elvira

¿Habían acudido con anterioridad a algún concierto de la OSN? Sí, pudimos disfrutar una parte del concierto que se celebró en el patio del Centro Castel Ruiz en la primavera-verano del 2010. Me impresionó sobre todo cómo uno de los violonchelistas tocó algunos compases de una de las obras con los ojos cerrados. Control absoluto del instrumento y la obra. Lamentablemente el concierto se interrumpió por la lluvia. ¿Cómo y por qué tomaron la decisión de abonarse toda la familia al Ciclo? Nos gusta la música en general y así nos garantizamos las entradas para todos los conciertos de este ciclo. ¿De qué manera nació en su familia la afición musical? Sería muy largo de explicar en pocas palabras, pero lo que sí es más fácil de resumir es que ha formado parte de la educación, que intentamos sea completa, que han recibido nuestras hijas gracias a varios profesores de la Escuela de Música de Tudela y estos conocimientos aprendidos ahora ya van dando pequeños frutos … 13


nu e s t r o p ú b l ic o

¿Qué programa es el que más atractivo le resulta de todos los que van a poder disfrutar esta primera temporada? El concierto en el que participa el Orfeón Pamplonés. ¿Qué obra/s le gustaría escuchar en Tudela en próximas temporadas? Nos gustaría escuchar tantas cosas. Beethoven, Mozart, Charpentier… pero también algo de compositores navarros modernos y vivos. Ej. Carlos Echeverría, Javier Zuazu… ¿Qué les diría usted a los vecinos de Tudela y alrededores para animarles a asistir a nuestros conciertos? Que vamos a tener la oportunidad de disfrutar escuchando una orquesta sinfónica. No es lo habitual por esta zona. El directo supera en gran medida la música “enlatada”. Animaría a todas las personas que puedan asistir a que lo hagan, sobre todo a los jóvenes.

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or q u e s ta

Orquesta Sinfónica de Navarra La actual Orquesta Sinfónica de Navarra fue fundada por Pablo Sarasate en el año 1879, lo que hace de ella el conjunto orquestal en activo más antiguo de España . Hoy día la Orquesta Sinfónica de Navarra abarca el más amplio repertorio, colabora habitualmente con solistas y directores de renombre mundial y es considerada una de las mejores orquestas del panorama español, asiduamente invitada a salas de conciertos y festivales del máximo rango nacional e internacional. En las últimas temporadas, la OSN ha estado presente tres veces en el prestigioso Theatre des Champs-Elysées de París con solistas como Daniella Barcelona, Juan Diego Flórez y Roberto Alagna. En el trienio 2009-2011 la Orquesta fue invitada por el Theatre du Chatelet en Paris para tres producciones líricas ( Magdalena, de H. Villalobos, Cyrano de Bergerac, de Alfano e Il Postino, de D. Catán, estas dos últimas con Plácido Domingo en el papel principal) y dos conciertos sinfónicos dirigidos por su titular, Ernest Martínez Izquierdo. También en su papel de embajadora cultural de Navarra realizó recientemente una gira de 7 conciertos por 5 de las más importantes ciudades de China con música de su fundador, D. Pablo Sarasate. La Orquesta mantiene un ciclo de temporada con más de 2.000 abonados en Pamplona. Es la orquesta titular de los concursos Gayarre de canto y Sarasate de violín, así como colaboradora habitual en temporadas de ópera y representaciones líricas en Pamplona, resto de España y en el extranjero. 15


or q u e s ta | O r q u e s t a S i n f ó n i c a d e N a v a r r a

Entre sus últimas grabaciones destaca una nueva integral de la obra de Sarasate para el sello Naxos con la violinista Tianwa Yang, de la que ya están a la venta tres CDs y que se completará con otro disco que se comercializará próximamente.

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or q u e s ta s i n f ó n ic a d e n ava r ra

Violines I

Violonchelos

Trompetas

Vicent Balaguer Anna Siwek Daniel Menéndez Catalina García-Mina Aratz Uría Nikola Takov Enrico Ragazzo Nathalie Gaillard David Pérez Edurne Ciriaco

Herwig Coryn Tomasz Przylecki Aritz Gómez Lara Vidal Carlos Frutuoso Dorota Pukownik

Jonathan Clarke Carlos Gomis

Santiago Blanco Mikel Arkauz Héctor Prieto

Contrabajos

Fco. Javier Fernández Piotr Antoni Piotrowski Gian Luca Mangiarotti

Violines II

Anna Radomska Maite Ciriaco Grazyna Romanczuk Angelo Vieni Tibor Molnar Pilartxo Ibáñez Lourdes González Fermín Ansó

Trombones

Timbales

Javier Odriozola Percusión

Flautas

Ricardo González Oscar Catalán

Santiago Pizana Arpa

Tiziana Tagliani Oboes

Pilar Fontalba Juan Manuel Crespo Clarinetes

Violas

David Fons Jerzy Wojtysiak Fco. Javier Gómez Irantzu Sarriguren Robert Pajewski Iustina V. Bumbu Malgorzata Tkaczyk Jose Ramón Rodríguez

Javier Inglés Elisa López Fagotes

Ferrán Tamarit José Lozano Trompas

David Thompson Aritz García de Albéniz Daniel Mazarrota Benjamín Iglesias

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da l a no ta

Queremos una Orquesta de la máxima calidad, que ofrezca una programación cada vez más abierta y variada, accesible y asequible para todo tipo de públicos. Ello sólo será posible con el apoyo y la generosidad de los amantes de la música que quieran sentirse herederos de quienes en 1879 fundaron la que hoy, 129 años después, podemos llamar con orgullo la Orquesta de Navarra. Ayúdanos a hacer posible nuestra ambición convirtiéndote en Socio Preferente de la Orquesta Sinfónica de Navarra.

MIEMBROS

ENTIDADES

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DE

LA

FUNDACIÓN

PATROCINADORAS

PABLO

SARASATE


da l a no ta

SOCIO

SOCIOS

BENEFACTOR

PREFERENTES

PRESTISSIMO HOTEL MAISONNAVE

VIVACE FUNDACIÓN FUENTES DUTOR BODEGAS CASTILLO DE MONJARDÍN

ALLEGRO

www.lokliza.com ALAIZ IRUÑA, SL

La Fundación Pablo Sarasate agradece también el generoso apoyo de los numerosos socios preferentes en la categoría de Adagio.

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PRÓXIMOS

CONCIERTOS

PAMPLONA-

AUDITORIO

BALUARTE

27 y 28 de septiembre de 2012 SEGUNDO CONCIERTO DE CICLO

W. A. Mozart (1756-1791) La Clemenza di Tito, K. 621. Obertura

(APROX. 5’)

W. A. Mozart (1756-1791) Sinfonía nº 35 en Re mayor, K. 385 “Haffner”

(APROX. 18’)

F. Mendelssohn (1809-1847) Sinfonía nº 3 en La menor, op. 56 “Escocesa”

(APROX. 40’)

DIRECTOR

Manuel Hernández Silva TUDELA

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TEATRO

GAZTAMBIDE

13 de octubre de 2012

Encuentro de ganadores de los concursos Sarasate y Gayarre del Gobierno de Navarra

F. Mendelssohn (1809-1847) Concierto para violín en Mi menor, op. 64

(APROX. 26’)

G. Fauré (1845-1924) Réquiem, op. 48

(APROX. 36’)

SOLISTAS

Ana María Valderrama, violín Miriam Zubieta, soprano Isaac galán, barítono ORFEÓN

PAMPLONÉS

Igor Ijurra, director DIRECTOR

Jordi Bernàcer Depósito Legal: NA-606/2011

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Programa de Mano Ciclo 1 2012-2013