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Mastery of




ounded in 1980, HUBLOT was the first brand to pair a precious metal, gold, with a natural rubber strap — a move that made waves in the luxury watch world at the time. Since then, HUBLOT continues to push the envelope with innovation and groundbreaking technologies. From in-house watch complications, to revolutionary materials, to world class collaborations, HUBLOT characterizes itself through the «Art of Fusion» philosophy, bringing tradition into the future. As Boutique Director of the HUBLOT Galerie in Miami’s Design District, I am delighted to invite you to visit our very special boutique and view our collection of limited edition HUBLOT timepieces. With a mission to fuse the luxury watch world with the art world, HUBLOT Galerie is the first gallery-inspired HUBLOT boutique worldwide. It is also the first boutique to carry only the most exclusive limited edition high complication pieces from around the globe, some of which have never been seen in the U.S.


n 1980 se fundó HUBLOT, la primera marca en combinar un metal precioso, el oro, con una correa de goma natural. Un concepto que causó sensación en la relojería de lujo de la época. Desde entonces HUBLOT se ha mantenido un paso por delante gracias a su carácter innovador y sus técnicas pioneras. Con complejos diseños, materiales revolucionarios y colaboraciones a escala mundial, HUBLOT se caracteriza por la filosofía del “Arte Fusión” y lleva la tradición al futuro.

Como directora de la boutique de la Galería HUBLOT, en el Distrito de Diseño de Miami, tengo el placer de invitarle a visitar nuestra boutique especial y la colección de relojes HUBLOT de edición limitada. Con el objetivo de fusionar el reloj de lujo con el mundo del arte, la Galería HUBLOT es la primera boutique Hublot del mundo que combina ambos conceptos. También es la primera del mundo en ofrecer solamente las piezas de edición limitada más complejas, algunas de las cuales nunca han sido traídas a EEUU. Barbara Barnes HUBLOT Galerie Director Directora de la Galería HUBLOT

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ollowing its reopening in Miami Design District, Opera Gallery takes a full part in the energy of a city in the midst of a vibrant cultural and urban transformation, which has become a creative and artistic epicenter. Within the flourishing Design District, dedicated to fine art, luxury, fashion, design and gastronomy, HUBLOT has proved to be a partner of choice. We both share a common culture and passion for art, which lies in the heart of our two crafts. HUBLOT Galerie epitomizes this natural association between the art and the watchmaking worlds. We believe that such collaboration can build fruitful links between art and craftsmanship, creating new ways of seeing and appreciating the works. Mastery of craft and savoir-faire bring us back to the greatest Masters in the history of art. Technique and precision, tutelage and tradition are today taken over by a new generation of artists and creators, from Korea to China, from Britain to Morocco. Just like pieces of watchmaking, their works result from long hours of work and from boundless inventiveness. We are delighted to place contemporary works in dialogue with the most astonishing of HUBLOT creations. “Mastery of Craft” pays tribute to meticulousness and dedication, allowing a new relation to time and hopefully, letting beauty come forth. We hope you will take as much pleasure gazing at the selection as we did while designing it. Tras su reapertura en el Distrito de Diseño de Miami, la Opera Gallery se vuelca en la vibrante atmósfera de transformaciones urbanas y culturales que vive la ciudad, convertida en un epicentro artístico y de creatividad. Dentro del próspero Distrito de Diseño, entregado al arte, la exclusividad, la moda, el diseño y la gastronomía, HUBLOT ha demostrado ser un socio ideal. Ambos compartimos el culto y la pasión por el arte, que es la protagonista de nuestro trabajo. La Galería HUBLOT recoge esta relación esencial entre el arte y la artesanía relojera. Confiamos en que esta colaboración favorezca vínculos fructíferos entre el arte y la producción artesanal, creando así nuevas maneras de observar y apreciar cada obra. La maestría en el arte y el know-how nos devuelven a los grandes maestros de la historia del arte. Una nueva generación de artistas y creadores desde Corea hasta China, de Inglaterra a Marruecos, ha asumido la técnica y la precisión, lleva la batuta y la tradición. Igual que las piezas de relojería, sus obras son el resultado de horas y horas de trabajo, así como de su capacidad ilimitada de invención. Para nosotros es un placer reunir obras de arte contemporáneas junto a las creaciones más deslumbrantes de HUBLOT: “Maestría en el Arte” rinde homenaje al detalle y el cuidado creando un nuevo vínculo con el tiempo y, afortunadamente, destacando la belleza. Esperamos que disfrute tanto de esta selección como hicimos nosotros en su planificación. Dan Benchetrit Opera Gallery Miami Director Director de Opera Gallery Miami

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Introduction Kristian torok

What makes a piece of art and craft unique? A Great Idea comes first, before a Great Creator can materialise it into art. Some ideas come from the smallest inspirations. Then, the skilled one gives body to this idea, a person with fine craftsmanship and who can combine the elements of tradition and innovation into a single and unique work. This creation process demands preciosity and humbleness towards the finished object, as well as unlimited respect for the material used. In one word: it requires meticulousness at the highest level. It is this refined skill that unites the craftsman and the artist together, a sharp eye for detail from the beginning until the very end of the creative process. When the watchmakers create a watch from the first sketch, every single watch requires special care. Creating the perfect harmony, the master has to feel how each gear connect with each other. This can only come from a humble respect towards the materials and a good combination of innovative and traditional methods. This is where craftsmanship and art connects with each other, in the purest of forms. The tradition of meticulousness in creations goes back to the beginning of humanity From the earliest cave wall paintings, to the beautifully-detailed artworks of the Renaissance Masters and the dots favoured by the 19th Century’s Impressionists, the artist’s preferred (or required) technique has always been at the center of the creative process giving birth to an original idea. The artists presented in this exhibition all follow this path as well. This tradition not only appears in Western art but also in Oriental art, where the meticulousness of techniques and methods is an essential prerequisite of art making. Constantly revisiting their traditions as well as their cultural history, Korean artists are fleshing out the beginning of a singular identity that draws from cultural roots and sprouts up into contemporary inventiveness and originality. Seo Young-Deok and Ran Hwang’s mixed influences feature various elements borrowed from Buddhism. Their laborious hand-made artworks require extreme concentration while the repetitive creative methods turn into a sort of meditation. The persistent search for perfection and the long hour labour elevates the works of art to an even higher artistic level. As for Suh Jeong Min’s approach, it connects the Korean essence of harmony and order with the community and Cyclicality of Confucianism, through the reuse of traditional Korean hand-cut hanji paper. Suh Jeong Min’s practice implies a reference to the circle of life, using original paper imprinted with handwritten scriptures originating from Eastern philosophy. Other artists approach the meticulous process through their high respect towards materials, either with unique creation, immaculate natural forms or combination of traditional materials.

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Looking at Korean artists, the same philosophy seems to appear. Kim Ilhwa’s little universe is built up from thousands of small seeds individually created for the artwork and placed in a combination of straight lines and circles. This method creates each time a new universe with different emotional bonding. Lee Jae Hyo uses an extremely distinctive way of manipulating forms of metal and wood, with molding and cutting, in a way that is totally un-compromised by the natural shape of the original material. He reveals the essence of the material employed, which in turn lends itself to a sort of meditative aura. The great combination of Chinese background together with Western Impressionist elements creates the beautiful artworks of Zhuang Hong Yi. He makes paintings with ink, mixed traditional Chinese materials such as acrylic and oil paint and rice paper. Which creates a daring and surprising mix of bright colors. This use of color and material is often astonishing even to the sophisticated eyes. However, meticulousness does not only manifest itself in the individual connection with the material or a personal approach towards traditional methods. Using modern or undiscovered methods, the following artist achieved the highest level of precision and innovation. Yasmina Alaoui’s creation technique is an assembly of numerous strict methods and the act of the unpredictable. She creates traditional Moroccan Zellige-type geometrical patterns and, after this meticulous work is done, an extremely physical work begins where the unpredictable plays crucial part. Yasmina covers her patterns with a mix of organic and mineral material dusted with pure pigments and objects found in a palm grove next to Marrakech. In the finishing touches, she drops the materials directly on the surface, creating amazing new patterns Joe Black’s meticulous approach is an essential part of his work. While merging together old and new technologies, in our highly automated world, Joe creates a time-consuming, alternative from of pixilated assembly done entirely by his hand with the care of a true perfectionist. The use of small common objects ether creates a new dimension or pays tribute to the subject. Joe Black leaves the interpretation open to the viewer. Through the act of seeing the image, stories are created and revealed by the audience. Looking at Son Bong Chaes’ pieces, they feel like ethereal landscapes which are evocative of the traditional Korean landscape painting. However, Song Bong Chae was one of the first to explore kinetic art in Korea in the 1990s. He applies layers of oil painting on bulletproof glass; with this method he could create his own illuminated world. All these artists walk along the same line to create a meaningful piece in its own right with greatly precise method. From the highly reparative creating methods of Seo Young-Deok and Ran Hwang’s, including Lee Jae Hyo’s respect toward natural form such as wood and metal or with the combination of new and old technology just like Joe Black’s highly detailed pieces. We are delighted to welcome you to experience this exhibition as the celebration of craftsmanship, artistry and the conscientious making of beauty!

Introducción Kristian torok

¿Qué hace única a una obra de arte? Primero viene una Gran Idea, y a continuación un Gran Creador la materializa en arte. Algunas ideas vienen de las inspiraciones más pequeñas. Así, los mejor capacitados dan cuerpo a esta idea, personas con gran destreza y capaces de combinar elementos de tradición e innovación en una obra única. Este proceso creativo exige perfección y humildad hacia el objeto final, así como un respeto ilimitado por los materiales empleados. En una frase: requiere meticulosidad al más alto nivel. Es esta refinada capacidad la que une al artesano y al artista, una mirada aguda desde el principio hasta el final del proceso creativo. Cuando los relojeros crean un reloj desde el primer boceto, cada unidad requiere especial atención. Para crear la armonía perfecta, el maestro debe sentir cómo cada engranaje encaja con los demás. Esto sólo puede llevarse a cabo con un respeto humilde por los materiales y una buena combinación de métodos innovadores y tradicionales. Aquí es donde la artesanía y el arte se encuentran en la más pura de sus formas. La tradición de la meticulosidad en las creaciones data del principio de la humanidad. Desde las pinturas de la era de las cavernas hasta los hermosos detalles de las obras maestras del Renacimiento y más tarde el puntillismo empleado por los impresionistas del siglo XIX, la técnica preferida (o requerida) por los artistas siempre ha sido el epicentro del proceso creativo que da lugar a una idea original. Todos los artistas que presentamos en esta exposición siguen a su vez este camino. Esta tradición no aparece sólo en el arte occidental; también en el oriental, donde la meticulosidad de las técnicas y métodos es un requisito esencial para la creación artística. Contantes revisitadores de su tradición así como de su historia cultural, los artistas surcoreanos están dando lugar al comienzo de una identidad singular que va desde las raíces y brotes culturales a la inventiva y originalidad contemporáneas. Las influencias mixtas de Seo Young-Deok y Ran Hwang se caracterizan por varios elementos prestados del budismo. Sus laboriosos trabajos manuales requieren una concentración extrema, toda vez que sus métodos de creación repetitiva se convierten en una suerte de meditación. La persistente búsqueda de la perfección y el trabajo de muchas horas elevan estas obras a un nivel artístico todavía mayor. Suh Jeong Min conecta con la esencia coreana de la armonía y el orden con la comunidad y la ciclidad del confucionismo a través de la reutilización del hanji, papel coreano tradicional cortado a mano. La práctica de Suh implica una referencia al círculo de la vida usando papel original imprimido con escrituras manuscritas originales de la filosofía oriental. El enfoque de otros artistas se basa en el proceso meticuloso a través de su profundo respeto a los materiales, ya sea a través de una creación exclusiva, de formas naturales inmaculadas o de la combinación de materiales tradicionales.

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Si observamos a estos artistas coreanos, vemos una filosofía compartida. El pequeño universo de Kim Il-Hwa está formado por miles de pequeñas semillas creadas individualmente para la obra y situadas en una combinación de líneas rectas y círculos. Este método crea cada vez un universo nuevo con una vinculación emocional diferente. Lee Jae Hyo utiliza una manera extremamente particular de manipular formas de metal y madera, con corte y moldeado, de forma que pierde totalmente su compromiso con la forma natural del material. Desvela la esencia de dicho material, que cada vez se presta a una suerte de aura meditativa. La gran combinación del bagaje chino y de elementos del impresionismo occidental da lugar a las bellas obras de Zhuang Hong Yi. Pinta con tinta, materiales chinos tradicionales como el acrílico, óleo y papel de arroz, lo cual crea una atrevida y sorprendente mezcla de colores brillantes. Este uso del color y del material es a menudo asombroso incluso para las miradas más sofisticadas. Sin embargo, la meticulosidad no se manifiesta sólo en la conexión individual con el material o por el enfoque personal de los métodos tradicionales. También a través del uso de formas modernas e inéditas, los siguientes artistas han logrado el máximo nivel de precisión e innovación. La técnica creativa de Yasmina Alaoui es una amalgama de numerosos métodos estrictos y de la acción de lo impredecible. Crea patrones geométricos de la tradición marroquí del tipo Zelige de forma muy meticulosa. A continuación, comienza un trabajo extremadamente físico donde lo imprevisible juega un papel crucial. Yasmina cubre sus patrones con una mezcla de materiales orgánicos y minerales espolvoreados con pigmentos puros y objetos encontrados en un palmeral cercano a Marrakech. Para los toques finales, vierte los materiales directamente en la superficie creando sorprendentes patrones nuevos. El enfoque meticuloso de la obra de Joe Black es una parte esencial de su trabajo. Uniendo viejas y nuevas técnicas, en nuestro mundo altamente automatizado, Joe Black crea un “perdedero de tiempo”, una alternativa a la amalgama de píxeles hecha completamente a mano con el cuidado de un verdadero perfeccionista. El uso de pequeños objetos cotidianos bien crea una nueva dimensión o rinde homenaje al sujeto. Joe Black deja la interpretación libre al espectador. A través de la observación de la imagen, se crean historias que el propio espectador desvela. Si observamos las obras de Son Bong Chae, parecen paisajes etéreos que evocan la pintura paisajística coreana tradicional. Sin embargo, Bong Chae fue uno de los primeros en explorar el arte cinético en la Corea de los noventa. Aplica capas de óleo a vidrio a prueba de balas. Con éste método crea su propio mundo iluminado. Todos estos artistas crean algo único con un significado propio con métodos enormemente precisos. Desde los métodos reparativos de creación de Seo Young-Deok y Ran Hwang, incluyendo el respeto de Lee Jae Hyo a las formas naturales como la madera o el metal, hasta la combinación de nuevas y viejas técnicas como en las piezas minuciosamente detalladas de Joe Black. ¡Estamos muy orgullosos de darle la bienvenida a vivir esta exposición así como de celebrar la artesanía, el arte y la producción consciente de belleza!

WO R K S Detail

pink and purple trio #1 2016

Ya s m i n a A L A OU I ( b. 1977)

Yasmina Alaoui was born in New York in 1977 of French and Moroccan descent. She started making art at the age of seven. To further to pursue her passion and talent in art, Alaoui studied Fine Arts at the Carousel du Louvre in Paris and earned a BA in Sculpture from the College of William and Mary. Immersed in a bicultural environment with a Moroccan father and a French mother, Yasmina Alaoui immediately asserted her refusal of every stereotypes and finds inspiration into a large panel of artistic movements, allowing herself to incorporate into her art any subject that gets her attention. The underlying themes behind all her works deal directly with her experiences of multicultural upbringing and aims to bridge extremes by embracing opposites: secular and holy, classical and contemporary, order and chaos, repulsion and attraction. She is known to create complex and intricate visual works using a wide variety of techniques, which she combines in an authenticate manner. Her professional artistic career truly began with the collaboration she made with the photographer Marco Guerra and from which resulted the ‘1001 Dreams’ series in 2003. Since then Yasmina Alaoui had diversified her projects, saying that her love for different media leads her to use all of them, constantly shifting between sculpture, painting, drawing, fashion and jewellery designing, film making and music composing. More recently, the artist has started to explore new artistic horizons, producing large-framed works (panel paintings, triptychs and square formats) with abstract compositions evoking landscapes seen from the sky. She currently lives and works in New York. Her works have been collected and exhibited internationally since 2003. Yasmina Alaoui nació en 1977 en Nueva York; sus orígenes se sitúan en Francia y en Marruecos. Su vida artística empezó con siete años. Más adelante, para ahondar en su pasión y talento por el arte, Alaoui estudió Bellas Artes en el Carousel du Louvre en París y se licenció en Escultura en el College of William and Mary. Debido a su entorno bicultural, de padre marroquí y madre francesa, Yasmina Alaoui reivindicó desde un principio su oposición a cualquier tipo de estereotipo y se inspiró en una gran variedad de movimientos artísticos. Esto le facilitó introducir en su arte cualquier motivo que captara su atención. Su educación multicultural se aprecia directamente en la temática que subyace en gran parte de su obra en tanto que se abarcan y reúnen extremos opuestos como lo secular y lo sagrado, lo clásico y lo contemporáneo, el orden y el caos o la repulsión y la atracción. Destaca por crear complejas e intrincadas obras visuales utilizando una gran variedad de técnicas que combina de un modo genuino. Su carrera profesional comenzó formalmente con su colaboración con el fotógrafo Marco Guerra, de donde surgió la serie 1001 Dreams en 2003. Desde entonces Yasmina Alaoui ha diversificado sus proyectos expresando que su amor por medios diferentes la lleva a ponerlos todos en práctica, moviéndose continuamente entre la escultura, la pintura, el dibujo, el diseño de moda y joyería, la producción fílmica y la composición musical. Recientemente la artista ha comenzado a explorar nuevos horizontes artísticos con la producción de obras de gran dimensión (pintura sobre tabla, trípticos y formato cuadrado) que presentan composiciones abstractas de paisajes vistos desde el cielo. Actualmente vive y trabaja en Nueva York. Su obra se ha coleccionado y ha sido expuesta internacionalmente desde 2003.

pink and purple trio #1 2016 (triptych)

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Acrylic paint, pigments, salt and gravel on wood 72 x 99.2 in. 183 x 252 cm


( b. 1962 )


Zhuang Hong Yi can best be described as a Chinese, contemporary artist who has impressed audiences in different countries by his unique style in his many pieces of modern art. His works represent beauty, sophistication and a high level of perfection with a clear presence of Chinese influence represented in his use of colors, themes, shapes and materials that touch the heart. The fact that one can recognize features from his Chinese background which, at the same time, are gracefully combined with strong Western allure is undoubtedly the result of his upbringing and education in China and the international ‘European’ experience and inspiration he has gained since 1990, when he moved to the Netherlands; where he eventually settled with his wife Luluo, also an artist. Even after many years of residence in Europe, Zhuang still holds his studio in Beijing, China, where he returns a couple of times a year to work, collect new materials and to get inspiration. Since moving to Western Europe in the early nineties Zhuang Hong Yi’s style has continuously developed. His work exists in many different forms, shapes, but also in a variety of materials and sizes. Zhuang Hong Yi has made paintings with ink, mixed traditional Chinese materials like acrylic, oil paint and rice paper. Zhuang’s paintings are very often characterized by a daring and surprising mix of bright colors. He also creates sculptures and art objects in wood, porcelain and metals, amongst others. But all of his work is inviting and often very surprising; even for those who know his art well. In his different pieces of art, of which several of his paintings can be considered 3-dimensional, he brings elements from his Chinese background together with Western impressionist elements, which has resulted in an impressive and beautiful collection created over the past 21 years. Zhuang Hong Yi es un artista chino contemporáneo que ha impresionado al público de diferentes países con el estilo único de sus numerosas obras de arte moderno. Su obra refleja la belleza, la sofisticación y un alto nivel de perfección junto a una clara influencia china, basada en el uso de los colores, motivos, formas y materiales que sin duda alcanzan nuestra sensibilidad. Sin lugar a dudas, el hecho de que se reconozcan elementos de su origen chino combinados genuinamente con un fuerte atractivo occidental es el resultado de su educación y crecimiento en China, así como de la inspiración y experiencia internacional “europea” que ha acumulado desde 1990, cuando se mudó a Holanda. Allí se ha asentado con su mujer Luluo, también artista. Aun después de muchos años residiendo en Europa, Zhuang todavía conserva su estudio en Pekín, China, adonde viaja un par de veces al año para trabajar, adquirir nuevos materiales e inspirarse. Desde que se estableció en el oeste de Europa en los años noventa, el estilo de Zhuang Hong Yi ha evolucionado constantemente. Su obra comprende diversos formatos, además de diferentes materiales y tamaños. Zhuang Hong Yi ha realizado cuadros con tinta, combinando materiales tradicionales chinos como el acrílico, el óleo y el papel de arroz. Los cuadros de Zhuang Hong Yi se caracterizan muy a menudo por una atrevida y sorprendente combinación de colores brillantes. También realiza esculturas y objetos de arte con madera, porcelana y metales entre otros. Su obra al completo es sugerente y a menudo realmente sorprendente, incluso para quienes ya conocen bien su arte. En sus diferentes obras, de entre las cuales algunos cuadros pueden considerarse tridimensionales, se encarga de reunir motivos de su bagaje chino con elementos impresionistas occidentales, lo cual ha conformado una hermosa y extraordinaria colección a lo largo de los últimos 21 años.

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A2016-081 2016

Left, front and right views

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A2016-081 2016

Acrylic and rice paper 98.4 x 78.7 in. 250 x 200 cm

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R a n  H WA N G

( b. 1960 )

Ran Hwang was born in 1960 in South Korea, and currently lives and works in New York City. She received her BFA from the School of Visual Arts in New York, and her MFA from the Chung-Ang University Graduate School of Arts in Seoul. Hwang is known for using thousands of buttons, beads and pins to create large-scale, intricate installations. Her practice draws from Buddhist philosophy, and often depicts motifs from traditional Buddhist or Korean art: Buddha figures, cherry blossoms and birds in flight, temples and mandalas. Like the existence of human beings, the materials from the fashion industry that the artist uses are ordinary and mundane; each button is free to move along the length of the pin, suggesting the human desire to be free from restrictions. Hwang describes her time-consuming, repetitive and labour intensive process of hammering buttons into panels as a form of meditation that helps her find inner peace, like a monk practicing Zen Buddhism. That sense of peace is conveyed in her artwork, which in turn invites meditation from the viewer, in order to reach the state of fulfilment as promoted by Buddhist philosophy. Ran Hwang nació en 1960 en Corea del Sur. Actualmente vive y trabaja en Nueva York. Se licenció en Bellas Artes en la Escuela de Artes Visuales en Nueva York y realizó el Máster en Bellas Artes en la Escuela de Artes de la Universidad Chung-Ang en Seúl. Hwang es conocida por realizar complejas instalaciones de grandes dimensiones utilizando botones, abalorios y alfileres. Su estilo procede de la filosofía budista y a menudo representa motivos del arte budista tradicional o del arte coreano: figuras de Buda, flores de cerezo con pájaros en el cielo, templos y mandalas. Al igual que la existencia humana, los materiales de la industria textil que utiliza la artista son comunes y triviales: cada botón es libre de moverse sobre la longitud del alfiler, lo cual apunta al deseo humano de libertad de restricciones. Para Hwang el laborioso proceso de clavar los botones en la tabla, que se convierte en una tarea intensa, larga y repetitiva, es una forma de meditación para encontrar su paz interior; como el monje que practica budismo zen. Esta sensación de paz se asienta en su obra, que invita al espectador a meditar e intenta alcanzar el estado de realización que define la filosofía budista.

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ODE to second love 2013 Paper buttons, beads and pins on Plexiglas 47.2 x 78.7 in. 120 x 200 cm

healing blossoms-V 2016 (diptych)

Paper buttons, beads and pins on Plexiglas 86.6 x 43.3 in. 220 x 110 cm

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( B. 1983 )


Contemporary Korean artist Seo Young-Deok is a metal smith and sculptor. Seo graduated from the Environmental Sculpture department of the University of Seoul in 2008. In the same year he received the Grand Prize for the ‘ 9th National Undergraduate and Graduate Students Sculpture Competition ’. The artist has captivated audiences by producing life-size, hyper-realistic sculptures of the human body made with welded iron or stainless steel chains using the parts from bicycles and industrial machinery. Following numerous studies of the natural human form, his sculptures deliver epic narrations of humanity and modernity where stories are only inferred by the mere expressions of their bodies rather than the context of their surroundings. Seo explores the relationship between human and the modern environment through the creative repurposing of iron chains – a material that has been critical to the development of the modern world and Korea’s manufacturing industry. Inspired by his own rural upbringing in contrast to his urban adult life, he uses chains to question the industrialization of labor that has become synonymous with today’s human condition. While being artistically repurposed, his meticulous manipulation of the iron chains exposes their monotonous and repetitive nature. Seo’s sculptures of the human body exist either fragmented or as a whole. Each iron piece is welded together to become a part of the dynamic system of organic connectivity exhibited through his human forms. While the material may be physically strong, its structural completeness is what exudes strength of the human spirit. In a varying series – his series of sculptures with torn limbs and viscerally burned human torsos reflected the pain, suffering and decay from the experience of his family’s generation working in Korea’s industrialization era. By constantly weighing the dichotomy between ‘complete’ and ‘incomplete’ existence, Seo addresses the inevitable social inequalities of the industrial system. Although Seo’s works have largely only been exhibited in South Korea, his international exhibitions in the last two years have been met with much critical acclaim. He lives and works in South Korea. El artista coreano contemporáneo Seo Young-Deok es escultor y trabaja el metal. Seo se graduó en el departamento de Escultura Medioambiental de la Universidad de Seúl en 2008. Ese mismo año recibió el primer premio del “9º Concurso Nacional de Estudiantes de Escultura Graduados y No-graduados”. El artista cautivó a su público con la producción de esculturas a tamaño real del cuerpo humano hiperrealistas. Para ello utilizó cadenas de hierro soldado o de acero inoxidable procedentes de bicicletas y maquinaria industrial. Según indican numerosos estudios sobre el sujeto humano, sus esculturas representan narraciones épicas sobre la humanidad y la modernidad. Sin embargo, estas historias son exclusivamente deducibles de las expresiones de los cuerpos y no del contexto de su entorno. Seo explora la relación entre el humano y el medio moderno a través de la readaptación creativa de las cadenas de hierro, cuyo material ha sido crucial para el desarrollo del mundo moderno y de la industria manufacturera coreana. El contraste entre haber crecido en un medio rural y su vida adulta urbana inspira al artista a utilizar las cadenas para cuestionar la industrialización del trabajo y convertirla en sinónimo de la actual condición humana. Más allá de su readaptación artística, la manipulación rigurosa de las cadenas de hierro remite a su naturaleza monótona y repetitiva. Las esculturas de Seo del cuerpo humano existen en partes o como un todo. Cada pieza de hierro está soldada de tal manera que forme parte del sistema dinámico que configura el todo orgánico que expone la figura humana. El material es físicamente fuerte, pero es específicamente la totalidad de su estructura lo que irradia la fortaleza del espíritu humano. Con unas variables diferentes, la serie de esculturas de cuerpos humanos desmembrados y con los torsos quemados hasta las vísceras refleja el dolor, sufrimiento y decaimiento que vivió la generación de su familia, trabajadores en la época de la industrialización de Corea. Seo aborda las inevitables desigualdades sociales dentro de un sistema industrial en tanto que observa la constante dicotomía entre una existencia “completa” e “incompleta”. Aunque las obras de Seo han estado sobre todo expuestas en Corea del Sur, sus exposiciones internacionales durante los últimos dos años han obtenido una muy buena respuesta de la crítica. Seo vive y trabaja en Corea del Sur. ANGUISH 19 2013

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Ircn chain Edition of 8 37.4 x 29.5 x 19.7 in. 95 x 75 x 50 cm

Psalm - Deus, Deus meus - DIAMOND DUST Silkscreen print with glaze 74 x 71.5 cm 29.1 x 28.1 in. Edition of 50

VENUS 60 2016

Stainless chain Edition of 20 23.6 x 11 x 12.6 in. 60 x 28 x 32 cm

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anguish 180 2016 Stainless chain Edition of 8 44.1 x 37.4 x 23.6 in.

112 x 95 x 60 cm

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L e e  J A E

( b. 1965 )


Lee Jae Hyo was born in 1965 in Hapchen, Korea. He graduated from Hong-ik University with a Bachelor’s degree in Plastic Art. Lee assembles natural materials such as wooden logs, branches and leaves into three-dimensional works which have elegant forms and also convey a strong contemporary mood. He has a very distinctive way of manipulating form, not just through molding but by cutting, in a way totally un-compromised by the natural shape of the original material. Through the use of wood and metal, Lee Jae Hyo produces immaculately formed, intricate sculptures that reveal a mastery of his materials and a winking, sophisticated wit. Lee eschews traditional distinctions between the fine and applied arts and makes both functional and functionless works, presenting benches, stools and tables alongside abstract, biomorphic forms. Working with these basic materials, Lee Jae Hyo performs simple albeit labor-intensive operations, in particular, with nails in charred wood. The nails protrude in a perfectly measured surface, their heads bent in strategic directions so that the overall impression is one of movement and changing depth with each nail looking like a mark on paper. His art as has opened up a new distinctive direction in contemporary Korean art. He has held many solo exhibitions in Korea, Japan, China, the United Kingdom and the United States. With awards including the Grand Prize of Osaka Triennial (1998), Young Artist of the Day presented by the Ministry of Culture of Korea (1998) and Prize of Excellence in the 2008 Olympic Landscape Sculpture Contest. His works are widely appreciated and adored by art collectors in Asia, Europe and the Americas. Lee Jae Hyo nació en 1965 en Hapchen, Corea. Se graduó en Artes Plásticas en la Universidad de Hong-ik. Lee recupera materiales de la naturaleza como troncos de madera, ramas y hojas para crear obras tridimensionales de gran elegancia y cargadas de estilo contemporáneo. Tiene una manera muy particular de tratar los materiales: no sólo los moldea, sino que los corta sin tener en cuenta su forma original. Usando la madera y el metal Jae Hyo, Lee consigue dar una forma inmaculada a sus intrincadas esculturas, lo cual prueba su destreza con los materiales y un ingenio sofisticado. Lee rehúsa las distinciones tradicionales entre las obras de arte y las artes aplicadas, y hace ambas igualmente funcionales y artísticas: relaciona bancos, taburetes y mesas con figuras abstractas y biomórficas. Trabajando materiales básicos Jae Hyo lleva a cabo resultados sencillos si bien a través de un proceso intenso, como el de la obra de clavos en madera carbonizada. Los clavos sobresalen de la superficie en una medida exacta y sus cabezas están inclinadas en direcciones estratégicas para conseguir una impresión general de movimiento y de cambio de profundidad, ya que cada clavo simula una marca sobre un folio. Su arte ha definido una ruta distintiva dentro del arte contemporáneo coreano. Ha expuesto en solitario en Corea, Japón, China, Reino Unido y Estados Unidos. Entre sus premios se incluyen el Primer Premio de la Triennal de Osaka (1998), el de Joven Artista del Día, promovido por el Ministerio de Cultura de Corea (1998), y el Premio a la Excelencia en 2008 del Concurso Olímpico de Esculturas y Paisaje. Sus obras son altamente reconocidas y valoradas por coleccionistas de arte en Asia, Europa y América.

0121-1110=1090516 2009

Stainless steel bolts, nail and wood 57.1 x 47.2 x 2.4 in. 145 x 120 x 6 cm

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S u h   J EON G

( b. 1962 )


Born in Korea in 1961, Suh Jeong Min received his BFA from Chosun University and his MFA from Kyonggi University. He is known for his use of hanji, or traditional Korean paper made from the inner bark of Mulberry trees, to create elegant and somewhat imposing works are neither painting nor sculpture, yet have properties of both. His artwork employs the timeless structures of geometry while simultaneously pursuing an idiosyncratic aesthetic that combines cultural references with unusual formal techniques. Suh uses hanji originally used for calligraphy, tightly rolled into tubes or overlaid so that they resemble thin blocks of wood, and cut into small pieces by hand and affixed to the support by Suh with a rice-based glue. Suh’s works are visually weightiness despite the lightness of the material. Arranged in concentric circles, in rows, or set on top of each other like stacks of lumber, these paper units have a dense bodily presence. Cut horizontally, vertically or diagonally, they produce light and shade on canvas as existing calligraphic letters form black lines on the surface. The artist said his works are the result of coincidence and inevitability. «Instead of drawing my own lines with meok (ink), I find the lines from what others already wrote». What appears to be a severance from Asian painting in Suh’s work is instead a continuity of the practice in a new guise. As a craft unique to Korea, hanji is considered integral to the culture. Suh’s use of the traditional material can be seen as an acknowledgment of this craft, while showing how an aspect of culture long superseded by technological changes can be transformed from the commonplace to the exceptional through an artist’s innovative methods. Nacido en Corea en 1961, Suh Jeong Min se licenció en Bellas Artes en la Universidad de Chosun y obtuvo el Máster en Bellas Artes en la Universidad de Kyonggi. Se le conoce por el empleo del hanji, o papel tradicional coreano extraído del interior de la corteza del arbusto de la mora para crear obras elegantes e imponentes. Sin ser pintor ni escultor, tiene características de ambas disciplinas. Su obra emplea estructuras geométricas atemporales persiguiendo a la vez una estética idiosincrática que combina referencias culturales y formas técnicas inusuales. Suh usa el hanji empleado originalmente para caligrafía, enrollado firmemente en tubos o revestido con una apariencia similar a bloques de madera, y cortado a mano en pequeñas piezas adheridas al soporte por él mismo con un pegamento hecho a base de arroz. La obra de Suh es visualmente pesada a pesar de la ligereza del material. Dispuestas en círculos concéntricos, en filas o apiladas como pilas de leña, estas unidades de papel tienen una densa presencia corporal. Cortadas horizontal, vertical o diagonalmente, producen luces y sombras en el lienzo creando líneas negras en la superficie que delimitan caracteres caligráficos existentes. El artista ha dicho que su obra es el resultado de la coincidencia y la inevitabilidad. “En lugar de dibujar mis propias líneas con meok (tinta), encuentro las líneas en aquello que otros han escrito”. Lo que parece una ruptura con la pintura asiática en la pintura de Suh, es sin embargo una continuidad de la práctica habitual con un aspecto diferente. Al ser el hanji una técnica exclusivamente coreana, se la considera parte de su cultura. El empleo de este material por parte de Suh puede verse como un reconocimiento hacia esta técnica, a la vez que se muestra cómo un aspecto de la cultura tradicional puede superarse por los cambios tecnológicos que lo llevan desde su lugar habitual a lo excepcional a través de los métodos innovadores del artista.


Hand-dyed Hanji paper 47.2 x 47.2 in. 120 x 120 cm

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S o n  BON G

( b. 1967)


A pioneer of the 3D painting genre, Son Bong Chae was born in Hwasun County, South Korea in 1967. He received his BFA from Chosun University in Gwangju, and his MFA from the prestigious Pratt Institute in New York, USA. Son employs a layered painting process to create ethereal landscapes reminiscent of traditional Korean landscape painting. Each work is composed of the artist’s signature trees, painted in oil paint onto multiple layers polycarbonate, a special type of bulletproof glass 300 times stronger than acrylic glass. Illuminated by a luminescent diode, a type of lighting similar to a LED, these landscapes evoke both the memory of traditional painting and the timelessness of the scene. In 1997, at the age of 30, Son became the youngest person to participate in the Gwangju Biennale. He has since participated in numerous solo exhibitions internationally and an extensive list of biennales, and his work appears in the collections including the National Museum of Contemporary Art in and the Gwangiu Biennale Foundation Korea, and the Korean Cultural Centre in Shanghai, China. Pionero de la pintura en 3D, Son Bong Chae nació en el condado de Hwasun, en Corea del Sur, en 1967. Se licenció en Bellas Artes en la Universidad de Chosun en Gwagju, y obtuvo su Máster en Bellas Artes en el prestigioso Instituto Pratt de Nueva York. Son emplea un proceso de pintura por capas para crear paisajes etéreos con reminiscencias de la pintura paisajística tradicional coreana. Cada trabajo se compone de los árboles característicos, pintados al óleo en múltiples capas de policarbonato, un tipo especial de vidrio antibalas 300 veces más fuerte que el cristal acrílico. Iluminado por un diodo luminiscente, un tipo de iluminación similar al LED, estos paisajes evocan tanto la memoria de la pintura tradicional como la atemporalidad de la escena. En 1997, a la edad de 30 años, Son se convirtió en el artista más joven en participar en la Bienal de Gwangju. Desde entonces ha expuesto individualmente en multitud de lugares incluyendo el Museo Nacional de Arte Contemporáneo y la Fundación de la Bienal de Gwangju en Corea, y el Centro Cultural Coreano de Shanghai, China.

migrants 2015

Oil on polycarbonate, LED 33.1 x 50.4 in. 84 x 128 cm

migrants 2016

Oil on polycarbonate, LED

70.9 x 35.4 in. 180 x 90 cm

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migrants 2015

Oil on polycarbonate, LED 37 x 72.4 in. 94 x 184 cm

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Oil on polycarbonate, LED 33.1 x 48.8 in. 84 x 124 cm

K i m   I LH WA

( b. 1967 )

Korean artist Kim Ilhwa’s work ‘Seed Universe’ is composed of tens of thousands of seed units. Each seed unit has the combination of straight lines and circles, which compose a tiny single universe in her own physical terms. The materials are not given, but created personally for the each single universe. The Korean artist dyes each sheet of paper by hand with thousands of different colours and cuts and rolls the layers of paper to make it rigid. It gives her an emotional bonding to each single universe. Not a single universe has the same 18 shape, look, colour in her work. La obra ‘Seed Universe’, de la artista coreana Kim Ilhwa, se compone de decenas de miles de semillas. Cada semilla está hecha de la combinación de líneas rectas y círculo, que componen un pequeño universo único en sus propios términos físicos. Los materiales no existen previamente; están creados personalmente para cada universo único. La artista coreana tiñe a mano cada hoja de papel de miles de colores diferentes, y corta y enrolla las capas para darle rigidez. Eso le da una vinculación emocional a cada universo único. Ninguno de sus “universos” tiene forma, color ni apariencia.

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space station sample 2016 (triptych) Hand-dyed Hanji paper 76.8 x 131.5 x 4.7 in. 195 x 334 x 12 cm

seed universe 37 2016 Hand-dyed Hanji paper 46.9 x 36.6 x 4.7 in. 119 x 93 x 12 cm

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J o e  BL A C K

( b. 1973 )

Joe Black is a British contemporary artist known for his large-scale works based on popular imagery made from thousands of miniature objects. The vanguard of the current Pop Art movement, Black’s work has been described by the aesthete himself as “revealing the unexpected” as his oeuvres must be viewed both from a distance and up close to make the ordinary extraordinary. Black combines his natural craft skills with a love of materials – many of which are recognizable everyday objects – to create portraits and abstract works. Using a laborious technique of hand painting and altering each tiny object to give gentle lines and shading to his subjects, Black has pioneered an elaborate new form of pixilation that he uses to hide subtle implications within each of his images. Through his works, Joe Black aims for the audience to experience the grand and the intricate at the same time. This is perhaps best illustrated by his use of plastic toy soldiers in his depiction of Robert Capa’s iconic boy soldier piece ‘Made in China’ (2011). Black’s distinctive style encourages the viewer to interpret his playful works by exploring the piece as a dramatic whole as well as by examining the detailed collection of its parts. Since committing himself to the world of full-time fine art, Black has stormed the art world, stunning it with his powerful mix of image selection and craftsmanship. Exclusively represented by Opera Gallery since 2012, Black exhibited his debut show at Opera Gallery London during Frieze Art Fair in London in 2013. Since then, his works have been exhibited internationally, including with the exhibition ‘Readymade’ in Hong Kong (2014). Joe Black es un artista británico contemporáneo conocido por sus trabajos de gran tamaño basados en la imaginería popular y realizados con miles de objetos en miniatura. A la vanguardia del movimiento actual de Pop Art, el trabajo de Black ha sido descrito por él mismo como “revelador de lo inesperado”, ya que sus obras deben verse tanto desde la distancia como desde cerca para hacer lo ordinario extraordinario. Black combina sus capacidades técnicas naturales con su amor por los materiales –muchos de los cuales son objetos rutinarios reconocibles para crear retratos y obras abstractas. Empleando una técnica laboriosa de pintura a mano y alterando cada pequeño objeto para darle líneas más amables y una sombra a sus objetos, Black ha sido pionero en elaborar una nueva forma de pixelación que le permite incluir sutiles inferencias en cada una de sus imágenes. A través de sus dibujos, Joe Black pretende que el espectador experimente lo grande y lo complejo al mismo tiempo. Probablemente, esto queda mejor ejemplificado en su uso de los soldaditos de plástico de juguete en su representación de la icónica obra del niño soldado de Robert Capa Made in China (2011). El estilo distintivo de Black anima al espectador a interpretar sus obras inquietas explorando la obra como un todo dramático así como examinando el detallado conjunto de todas sus partes. Comprometido a tiempo completo con el arte, Black ha conmocionado al mundo artístico con su poderosa combinación de selección de imágenes y destreza manual. Representado en exclusiva por Opera Gallery desde 2012, Black realizó su primera exposición en la Opera Gallery London durante la Frieze Art Fair de Londres en 2013. Desde entonces, sus trabajos se han expuesto en multitud de países, incluyendo la exposición ‘Readymade’ en Hong Kong (2014).

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BLINK 2 2016

6,570 hand-painted plastic toy soldiers on aluminium with resin coatings D: 67.7 in. 172 cm

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COPY (PINK / MADE IN CHINA SERIES / LEFT) 2015 5,500 hand-painted toy soldiers on aluminium 80.3 x 66.1 x 3.9 in. 204 x 168 x 10 cm


Previous pages Classic Fusion Tourbillon Cathedral Minute Repeater 45mm 504.NX.0170.LR

Never being content to rest on previous accomplishments, HUBLOT challenges itself and the rest of the watch industry in all fields including the area of High Complications. The brand has created the Classic Fusion Tourbillon Cathedral Minute Repeater, an exceptional masterpiece that took the Watch World’s top honor for a striking watch at the Grand Prix de Horologie. Thinking outside the box and the use of titanium for the case allowed for a minute repeater of unequaled resonance and sound quality. Nunca satisfecho con los logros conseguidos hasta el momento, HUBLOT se desafía a sí mismo y al resto de la industria relojera en todos los campos, incluyendo el área de los Grandes Mecanismos. La marca ha creado el Classic Fusion Tourbillon Cathedral Minute Repeater, una obra maestra excepcional que se ha llevado el Watch World para un nuevo reloj en el Grand Prix d’Horologie. Nuestra forma diferente de abordar los proyectos y el uso del titanio en el armazón permiten un indicador de minutos de resonancia inigualable y gran calidad de sonido.

Spirit of Big Bang Titanium/Ceramic


The newest line in the HUBLOT family, the Spirit of Big Bang, is exactly that, the tonneau shaped case incorporates all the DNA of the Iconic Big Bang reimagined for the future. La última línea de la familia HUBLOT, el Spirit of Big Bang, es exactamente eso, la cobertura adaptada del armazón incorpora todo en ADN del icónico Big Bang reimaginado para el futuro.

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Big Bang Unico Sang Bleu 45mm


The HUBLOT Manufacture again challenged the status quo by partnering in a medium that other watch companies would never dare to go. The brand recently partnered with world famous tattoo artist Maxime Buchi, whose attention to detail and intricacy of design have propelled him to the top of his industry. In this partnership, the brand introduced a unique Big Bang Unico inspired by the sacred geometry which is at the heart of Maxime’s work. La Manufactura de HUBLOT ha desafiado de nuevo el status quo asociándose con un medio en el que otras marcas de relojes nunca han osado adentrarse. La marca se ha asociado recientemente con el mundialmente famoso artista del tatuaje Maxime Buchi, cuya atención al detalle y diseño intrincado le han aupado a lo más alto de su profesión. En esta asociación, la marca ha introducido el Big Bang Unico, inspirado por la geometría sagrada, tema central de la obra de Maxime.

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Big Bang Unico Black Sapphire 45mm 411.JB.4901.RT

To celebrate the 10th anniversary of the revolutionary concept «All Black» that HUBLOT created, the brand introduced the Big Bang Unico All Black Sapphire. A remarkable timepiece housing the inhouse chronograph caliber, designed and produced exclusively by HUBLOT, in a case entirely constructed of smoked black sapphire. Para celebrar el décimo aniversario del concepto revolucionario “All Black”, creado por HUBLOT, la marca creó el Big Bang Unico All Black Sapphire. Un reloj extraordinario que incluye un cronómetro de alta gama, diseñado y producido en exclusiva por HUBLOT con un armazón hecho únicamente de zafiro sublimado de negro.

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Classic Fusion Cruz Diez 45mm, 511. OS.8900.LR.CZD15

To affirm its position of «Hublot Loves Art”, HUBLOT partnered with world-renowned artist and the father of kinetic art, Carlos Cruz Diez. The end result is the Classic Fusion Cruz Diez with a unique dial designed by the artist himself which, as time goes by, changes and mimics his art style. The watch is in 18kt King Gold and limited to only 40 pieces.

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Reafirmando su posición de “Hublot Loves Art”, HUBLOT ha patrocinado al mundialmente reconocido artista y padre del arte cinético Carlos Cruz Diez. El resultado final ha sido el Classic Fussion Cruz Diez, con un diseño único del propio artista que, con el paso del tiempo, cambia y mimetiza su estilo artístico. El reloj está realizado en oro de 18 quilates y sólo se han realizado 40 piezas.

Classic Fusion King Gold Berluti Script

45MM, 511.OS. 0500.

A first time partnership between two of the premier manufacturer’s in the luxury industry. HUBLOT partnered with world famous leather goods manufacturer Berluti to create the beautiful Classic Fusion Berluti Scritto, featuring the signature Scritto leather on the strap and for the first time ever a dial made of leather. This beautiful piece is in 18kt King Gold and limited to only 250 pieces. La primera asociación entre dos de los principales fabricantes en la industria de lujo. HUBLOT se asoció con el mundialmente famoso fabricante de artículos de piel, Berluti, para crear el hermoso Classic Fusion Berluti Scritto. Representando a la firma Scritto tanto en la correa como en el fondo, hecho en piel por primera vez en la historia. Hermosa pieza en oro de 18 quilates; edición limitada de sólo 250 piezas.

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Classic Fusion turkish coffee 45mm 521.NX.3471.LR.TKH14

This exclusive limited edition timepiece was created to celebrate Turkey’s history and contribution to the world of coffee, which is richly ingrained in Turkish culture. Taking cues from coffee’s coloration, HUBLOT created a unique dial and a masterful timepiece. This 100-piece limited edition is available only at HUBLOT boutiques in Turkey and at HUBLOT Galerie. Este exclusivo reloj de edición limitada fue creado para conmemorar la historia de Turquía y su contribución al mundo del café, tan arraigado a la cultura turca. Tomando elementos de la coloración del café, HUBLOT creó una pieza maestra con un dial único. Esta edición, limitada a 100 piezas, sólo está disponible en las boutiques HUBLOT de Turquía y en la Galería HUBLOT.

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Big Bang Unico Italia Independent Green Camo 45mm


The HUBLOT Manufacture continues its role as a materials innovation hub in watchmaking, drawing inspiration from other industries to bring the field of watchmaking materials that have amazing applications in timepieces. This time HUBLOT looked to the luxury eye ware industry and fashion icon Lapo Elkaan’s Italia Independent brand, creating the first ever watch made of Texlium, a material that shares many of the same great attributes of carbon fiber, but with the added benefit of vibrant colors and unique patterns. HUBLOT continúa siendo el centro de innovación en materiales de relojería, inspirándose en otras industrias para traerlo al campo de los materiales de fabricación relojera con aplicaciones asombrosas. Esta vez HUBLOT ha mirado hacia la industria de la indumentaria de lujo e icono de la moda, la marca italiana independiente Lapo Elkaan’s para crear el primer reloj hecho de Texlium, un material que comparte muchos atributos de la fibra de carbono, pero con el beneficio añadido de colores vibrantes y patrones únicos.

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Big Bang Gold Ceramic 44mm


The original Big Bang, a now icon in the watch industry, was a created with a new way of thinking, «The Art of Fusion.” This has become the philosophy at the HUBLOT Manufacture, paying respects to traditions and craftsmanship of the Swiss watch industry while «fusing» this with new materials and processes. This timepiece won watch of the year an unheard of two times in a row. El original Big Bang, ahora icono en la industria relojera, fue creado a través de una nueva forma de pensar: “El arte de la fusión”. Ésta se ha convertido en la filosofía de la fabricación de HUBLOT, respetando las tradiciones y elaboración artesana de la industria suiza de relojería mientras fusiona nuevos materiales y procesos. Esta pieza de relojería ganó, de manera inaudita, el premio al reloj del año dos veces seguidas.

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Classic Fusion Bodrum Blue 45mm


The HUBLOT Classic Fusion Bodrum Blue is made of 18kt King Gold and limited to only 50 pieces. The inspiration behind this piece is the beautiful, rich blue color of the waters of the Bodrum Sea on the southern coast of Turkey. This beautiful blue is replicated on the dial of the HUBLOT Classic Fusion Chronograph and continues its way harmoniously onto the strap of the timepiece. Available exclusively at HUBLOT boutiques in Turkey and at HUBLOT Galerie. El HUBLOT Classic Fusion Bodrum Blue está hecho de oro de 18 quilates y fabricado en una edición limitada de 50 piezas. Esta pieza se inspira en el hermoso color azul del mar en Bodrum, en la costa sur de Turquía. El fondo del cronógrafo HUBLOT Classic Fusion logra replicar este hermoso azul que continúa, armoniosamente, a lo largo de la correa del reloj. Disponible exclusivamente en las boutiques HUBLOT en Turquía y en la Galería HUBLOT.

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Big Bang Unico Ferrari 305 45mm


HUBLOT, the first luxury watch brand to partner with the super car manufacturer Ferrari, celebrates their partnership with its Big Bang Unico case, taking cues from Ferrari with the famous Prancing Horse at the 9 o’clock position on the dial of the watch and the Ferrari logo on the chronograph pusher, which is shaped like the pedals of the Ferrari F1 racing cars. The Big Bang Unico Ferrari 305 was created in a limited series of only 50 pieces and is only available in the Miami area. HUBLOT, primera marca de relojes de lujo en asociarse con el fabricante de automóviles Ferrari, celebra esta unión con el armazón del Big Bang Unico, tomando elementos clave de Ferrari como el famoso caballo erguido indicando las 9 horas y el logotipo de Ferrari en la corona, que tiene la forma de los pedales de los coches de carreras Ferrari F1. El Big Bang Unico Ferrari 305 fue creado en una serie limitada a 50 ejemplares y sólo está disponible en el área de Miami.

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Mastery of Craft 15 - 29 December 2016

Miami Design District 140 N.E. 39th Street Suite 103, Miami, FL 33137 T. +1 (786) 762 2929

Miami Design District 140 N.E. 39th Street Suite 239, Miami, FL 33137 T. +1 (305) 868 3337

Ebook Mastery of Craft OG Miami