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August 2016 l Year 1st l Number 3

Pag. 6 Esp. p10 – Eng. p18


PolĂ­tica Doral

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TU CEREBRO DE PAPEL

YOUR PAPER BRAIN

Universidades y estudiosos de la neurolingüística investigan en Europa esa extraña afición de leer el periódico como este, en papel, esa pulsión a huir de lo digital cuando queremos internalizar un texto.

Universities and scholars of Neurolinguistics in Europe are investigating the strange habit of reading real Newspapers such as this one and an aversion to digital media when we want to analyze any given text.

Sócrates hace 25 siglos veía a la palabra escrita como una amenaza contra la oratoria y la memoria, pero ahora ¿vemos al soporte digital como la amenaza que desplazará al papel? Ni Sócrates tenía razón ni lo digital, de acuerdo a los números del negocio editorial lo hará con lo escrito en papel. Simplemente nuestro cerebro se acomoda a la actualidad y a la tendencia sin olvidar lo grato del tacto, se los explico mejor: de acuerdo a tendencias científicas, nuestro cerebro tiene más limitaciones de la que pensamos, pero posee una gran capacidad para salvarlas, superarlas y acomodarse, una de ellas podría ser la dificultad de leer en una pantalla cuando está acostumbrado al papel pero esta sentencia es verdaderamente ¿real? Al final tiene que ver con su preferencia y de como lo han educado. Les aclaro aún más: los jóvenes que nacieron en la década digital y que son capaces de manejar una pantalla táctil antes de caminar no lo notarán, por el contrario, son los cerebros acostumbrados al papel quienes sentirán el cambio.

Socrates saw the written word 25 centuries ago as a threat against oral words and memory but now, do we see the Digital world as a threat that will displace the paper word? Neither Socrates nor digital were right, according to studies done by the publishing business, the Newspapers will win. Our brains simply mold to the new trends not withstanding the nice sense of touch. Allow me to explain it better: Based on scientific facts, our brains are more limited than we think but they have great capabilities to overcome them, bypass them and accommodate to them. One of them could be the difficulty of reading from a screen when it has been used to paper. But is this really valid? In the end, it has to do with preferences and upbringing.

Seguramente si Usted es una persona madura, tendrá la ductilidad de ambos mundos, podrá como hago yo, leer múltiples periódicos en su computador personal antes del amanecer, pero seguramente ese artículo que le interesa lo disfrutará mucho más tocándolo y lo imprimirá.

Let me further the idea: Young people who were born in the digital era and are capable of maneuvering through a touch screen before learning to walk, will not notice the change. On the contrary, it will be those brains used to paper who will feel the change the most. Of course, if you are a mature adult, you will be able to handle both. You will, as I do, read several Newspapers in your personal computer before dawn and sure enough you will enjoy that article of your interest much more by touching it and even printing it.

Las tendencias a veces son engañosas pero los números no y por ello la industria de las publicaciones en papel produce solo en Europa más de cuatro millones de Euros anuales y dan empleo a un ejército lindante a las 13.000 personas. En los Estados Unidos se producen anualmente 70.000 libros en papel y la mayoría de los periódicos en ambos formatos (digital y papel).

Sometimes, tendencies are tricky but numbers are not and that is why the publishing business generates in Europe alone more than 4 millions Euros a year and employ an army of close to 13.000 people. In the United States 70.000 books are printed in paper a year and so are most Newspapers in both formats (Digital and paper).

Al final del día, Usted no podrá huir de estos dos mundos, porque la lectura en papel, de acuerdo a Wayne Wolf de la Universidad de Tufts es “un paisaje escrito que se asemeja a un mapa topográfico que guía la lectura”, en lo personal a mí me cautiva el tacto, el olor, las esquinas y márgenes y me ayudan a recordar, me ayudan a la memoria visual que se forja con muchas horas del paso de las páginas.

At the end of the day, you wont get away from either world because reading in paper, according to Wayne Wolf from Tufts University “is like a written landscape that mimics a topographic Map guiding the reading”. Personally, I love the feel, the smell, the edge and the margins. They help me remember and aide my visual memory forged in the many hours of going over the pages.

¡Me sigue gustando mucho leer en papel!

I continue to like reading on paper! Luis E. Alcala Editor - Publisher

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Le Carvallo

“Mientras más joven, más actual” Actualmente, existe una tendencia que está orientada hacia el tema de la sexualidad libre, puesto que el amor es libre. “La tendencia esta en el aire”. Le Collage, una expresión de arte llamada “Collage”, no es más que esa antigua técnica creada por los chinos con la invención del papel. Los japoneses durante el siglo 10 mezclaron poemas y papel engomado y ha sido desde entonces una práctica muy interesante de muchos artistas en diferentes etapas de la historia del arte. El movimiento modernista tuvo grandes obras de arte del pintor cubista George Braque y Pablo Picasso quien fue el primero en usar esta técnica en pinturas al oleo. Ahora “El collage” es la tendencia.

POR OSCAR CARVALLO Facebook: Oscarcarvalloparis www.oscarcarvallo.com

Hay una nueva generación de artistas que están haciendo grandes composiciones

a gente siempre me pregunta. Cuál es la tendencia? Es una pregunta que me gusta mucho porque la respuesta es subjetiva. Yo siempre he dicho que no hay una respuesta como tal. La tendencia es lo que olemos pero no podemos ver. La tendencia es la creación del futuro y es mucho mejor si nosotros mismos creamos la tendencia. Por eso es que las nuevas generaciones tienen una tendencia natural en la piel, en sus mentes y en la forma como actúan y como se visten. Cuando yo tengo que diseñar una nueva colección, odio seguir la tendencia de la moda, porque no debemos seguir lo que hace todo el mundo, siempre trato de crear mi propia tendencia. Usualmente visitamos las ferias parisinas, como las primeras opciones, por ser las proposiciones más grandes que podemos apreciar puesto que ellos sugieren los colores

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de la estación, las nuevas formas para la época y la nueva tendencia. Debemos seguirla? La tendencia esta en nuestro espíritu y sale para hacernos diferente de otros. Debemos en un proceso creativo tratar de liberarnos de las tendencias, solo crear convencidos y apasionadamente, lograr una propuesta de profunda observación, crear una tendencia, no seguirla. El éxito de los italianos en el campo del diseño textil o industrial proviene de su búsqueda permanente e investigación profunda del diseño, nuevos experimentos, nuevas combinaciones, materiales, colores, creando de esta manera, una nueva forma de ver el mundo.

que pueden dejarnos sin aliento; Muu Blanco, un artista Venezolano basado en Miami, tiene grandes obras de collage “Assenblage” en 3D, con diferentes partes de juguetes ensamblados en diferentes formas, creando una pieza única que puede dejarte pensando por horas y muy confundido. Un trabajo de collage muy fuerte en estos tiempos modernos. El ha creado el concepto de “Modernismo Anacrónico” el cual es una acción Dadaísta del “sin sentido”: La deconstrucción de la realidad que no es posible. Es una actuación que tiene resultado en los grandes objetos que él hace. Instagram: Muuuublanco.


Le Carvallo La narrativa de Collage de Eugenia Loli, una artista Griega establecida en Ca-

lifornia, tiene una poética y una comunicación con mucha fuerza en su trabajo de collage. Ella es una artista única quien da mensajes a través de su trabajo. Siempre hay un sentido implícito en su obra. Ella representa la escena narrativa. Me gusta su forma sarcástica y su lado horroroso. Es una artista que te hace pensar y te pone a volar la imaginación cuando ella habla acerca de su trabajo artístico. Ella dice, “Yo fui a la universidad porque me gustaban las ilustraciones de Julien Pacaud, pero fue Kieron “Cures” Cropper quien se convirtió en mi gran influencia”. Kieron era un genio, Brian “Glass Planet” Olson y David Delrulle son también mis

arte contemporáneo. Su trabajo es único e interesante. Ella crea el “l’enfant terrible” en una acción mundial y es precisamente por eso que aprecio su técnica. Ella no tiene límites en la creación de muchos caracteres oscuros pero inocentes del futuro de los niños. Los niños perdidos. Una verdadera artista a seguir y apreciar en este mundo subreal en el que ella vive. Instagram: Mariana Monteagudo.

influencias. Pero de los viejos artistas, tendría que decir que Margritte también está presente. Sin embargo un collage de muchos estilos: de pop a dad y de ilustraciones modernas a lo tradicional surrealista. “Yo no creo en artistas que deben “conseguir sus estilos”, eso es muerte artística. Si yo tengo un estilo, es probablemente un aspecto “meta” del mismo (el sarcasmo que usualmente empleo en mis collages) en vez de algo visual”. Instagram: Eugenia Loli.

Video Artists. La primera vez que vi un

video de mi colección, entendí la fuerza y el verdadero significado de mi brand de moda. Estamos acostumbrados a fotografías en el mundo de la moda. La perfecta imagen de un “maniquí” vistiendo un vestido perfecto que haría ilusionar a cualquier mujer. Pero el arte del video puede llevarnos mucho más allá de la imagen puesto que es la realidad del movimiento. Con un extraordinario y talentoso grupo de artistas y nuestra casa en Paris, “Satellite my Love” se llevo a cabo este extraordinario trabajo audiovisual. Dirigido por el talentoso Alain Dib y Cristóbal Valecillos quien vive en Los Ángeles, certeramente seleccionado por Alain. El tema es un “Hommage” de Paris representado por Edith Piaf y su canción “La vie en Rose”, el cual fue también interpretado por la favorita de todos los tiempos Grace Jones. El resultado de este video de moda experimental fue que Jones se convirtió en Piaf a través de un vestido musical. Denle una mirada a este video tan interesante, en Facebook: Oscarcarvalloparis www.oscarcarvallo.com l

La escultura contemporánea de Mariana Monteagudo.

Mariana Monteagudo es una artista basada en Miami quien ha estado trabajando en su serie de esculturas de muñecas la última década. Sus figuras de Látex, Cerámica y mezclas de Media son únicas, intrigantes y fascinantes. Su trabajo de arte, muestra un interés en una ancha gama de referencias. Desde precolombinas, hasta la moda, TV, cultura pop, manga japonés y juguetes de mercado masivo. Muñecas, es el término genérico que Monteagudo usa para describir sus creaciones desde 1988. Con ellas, la artista ha recibido importantes premios y gran proyección, sus piezas han sido presentadas en ciudades como Madrid, Miami, Chicago, Aruba, Caracas, New York, Sao Paulo y otras. Su carácter inusual, tiene atraído la atención de los críticos y su trabajo es parte del MOLAA museo de California, Everson Museum, NY, Cesar Gaviria Trujillo collection, además de otras colecciones de

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MANO Fine Art

KNOCK ON WOOD BY C. BEGUIRISTAIN

MANO Fine Art Project Space is one of the founding members of the Bird Road Art Walk that takes place from 7 – 10 pm on the third Saturday of each month in Miami’s Bird Road Art District. For additional information on exhibits and upcoming programs presented by MANO Fine Art contact 305.467.6819.

MANO Fine Art 4225 SW 75 Ave, Miami 33155 Facebook: Mano Fine Art, Instagram: MANO Fine Art twitter: @MANOFineArt l

raditionally, a fifth anniversary is celebrated with a gift made of wood. The exhibit, Knock on Wood is an exceptional gift and officially forms part of an ongoing celebration for the Bird Road Art Walk’s fifth anniversary. The exhibit, conceptualized and presented by MANO Fine Art features eight extraordinary Miami-based artists working with wood: Abdiel Acosta, Jorge Ballara, Luis Berros, Eleazar Delgado, Robert McKnight, MANO, Tony Mendoza and Gerry Stecca. Wood art has a long history that can be traced to ancient cultures through mythology and folklore. It would appear that man has always had an ambiguous relationship with trees and wood. Worshiped for perceived magical powers, and revered for its strength and beauty this age old element is perhaps one of the oldest mediums used for artistic expression. Today contemporary artists continue to work with wood but with a different aesthetic; using materials that are local and reclaimed, artists explore the unique characteristics of wood pushing the boundaries to incorporate the authentic nature of wood in a new visual language that is fresh, bold and confident. On exhibit through July, the exhibit features more than thirty brilliant works of art including a series of panel paintings, intriguing sculptures with subliminal forms and installations juxtaposed to underscore the strength, beauty and sensual nature of wood.

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Alejandro Toro

POR ERIKA MARCANO

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Llegó a Los Ángeles para probar suerte y la encontró. Carismático y multifacético, Alejandro Toro es el primer venezolano en participar en MasterChef, una de las competencias de cocinas más importantes de la televisión americana.

nvestigarlo fue sorpresa. Con 27 años de edad este joven que nació en Miami, se crio en Venezuela, de madre venezolana y padre puertorriqueño, tiene un interesante background como locutor, voice over, actor, fotógrafo. Su voz destaca en comerciales de televisión para grandes marcas como Payless Shoes, Wendy’s, Miami Dolphins y como Randy Marsh, personaje de la conocida serie animada South Park. El boom mediático que Alejandro Toro disfruta -desde hace poco-, fue una combinación de varias situaciones dentro del show de tv. Desde el momento que vio el anuncio del programa en Internet, llenó la aplicación, quedó seleccionado, cocinó para los productores, quedó entre 80 seleccionados, pasó a los 40, después fue seleccionado para el top 20 y quedó entre los 12 concursantes.


Alejandro Toro “Es algo que no me esperaba. Sólo estaba buscando un trabajo extra, vi el anuncio en craigslist.com, yo entraba en ese perfil de personas que les gustara la cocina pero que, no fuesen profesionales y apliqué. Yo soy un venezolano que sabía hacer arepas y en mi casa siempre comí sabroso”, recuerda. Toro ha tenido un desempeño interesante. El chef Gordon Ramsay lo felicitó por mejorar su propia demostración en un reto con una langosta. Sin embargo, lo que realmente lo hizo viral en redes sociales fue un episodio en el que el desafío se basaba en comida latinoamericana. “Todas las miradas estaban puestas en mí, era una presión. El único latino del grupo y tuve que cocinar con ingredientes mexicanos, pero, me aferré a mis sabores.

“señala. Desde ese momento se convirtió en “el venezolano que cocinó arepas en MasterChef”, y además representa a toda América Latina.

estudiarlas, explorar, aprender técnicas y probar diferentes ejecuciones. Hay que cocinar, arriesgarse”.

Ahora, Alejandro Toro siente que tiene bajo sus hombros una “enorme responsabilidad”. “El apoyo ha sido increíble, sobre todo de los venezolanos. Siento el compromiso de ser un digno representante de nuestra cultura. Voy a trabajar duro para compartir lo que somos, lo que nos caracteriza como latinoamericanos”, explica.

Fusión

Toro es un joven sin apegos y sin obsesiones de alcanzar objetivos o metas específicas. Él lo define como un proceso de la vida, en el que aprovecha las oportunidades que se le presentan. En el caso de MasterChef, ser el ganador no le quitaba el sueño, pues llegar entre los 12 mejores resultó una victoria para él. “Me enfoco en cada reto, cada episodio. Me concentro mucho en lo que hago y disfruto cada paso. Disfruté del camino”, agrega. Alejandro Toro está experimentando los encantos de la exposición mediática. Dice que lo aprovechará para desarrollar proyectos en los que pueda fusionar lo que mejor sabe hacer: producción de contenidos. “Me gustaría fusionar todo lo que me apasiona, grabar, producir contenidos, viajar, disfrutar y compartir la cultura latina y la de Estados Unidos. Mi visión es ser un canal para hablar de nuestra esencia, de nuestra cocina.”, señala Alejandro. Afirma que no pretende ser reconocido como un experto culinario, simplemente quiere desarrollarse y mejorar como cocinero. “Las recetas ya están inventadas, hay que reinventarlas,

Como joven emprendedor, de raíces latinas, Alejandro Toro alienta a que las personas sigan sus sueños, disfruten el proceso de la vida y se permitan explorar.

Puertas abiertas

Alejandro Toro ha despertado un sentimiento de unión y de orgullo en la comunidad venezolana a nivel mundial. Dentro de las muchas propuestas que está apoyando e impulsando, está la de explorar proyectos con Sonia Pérez, una venezolana chef y somelier que lanzará próximamente su libro CAVA, un editorial que se enfoca en la cocina, armonía, vinos y afrodisíaco. Sonia invitó a su compatriota a cocinar una de sus recetas: arepas. El nivel del plato, ambos lo llevaron a otro nivel y pronto esperan mostrar esta interesante fusión a la comunidad de Miami. Pérez es arquitecto de profesión, cocinera desde siempre, y se convirtió en chef y somelier como parte de su pasión por la buena mesa y la combinación con el mundo de los vinos. Hace siete años llegó al país y como muchos, busca hacer sus sueños realidad. Su libro, CAVA es el resumen de perseverancia y las ganas de plasmar en papel y fotografías los sabores de su tierra. “CAVA tiene varios conceptos, pero en general es una combinación de arte y cultura. Es un libro en el que enseño como presentar un plato y cómo unirlo con un buen vino. Busco dejar un precedente y educar a las personas sobre como disfrutar de la comida y la bebida”, explica la chef. Sonia Pérez lanzará su libro este año, con el que espera realizar eventos y ofrecer experiencias gastronómicas al público de Miami. l

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Nicolas Felizola

NICOLAS FELIZOLA “EL ICONO DE LA MODA”

icolás Felizola es una alma mística y llena de creatividad, que paso a paso ha dado grandes avances en el mundo de la moda y a pulso se ha ido ganando el nombramiento de “ICONO DE LA MODA” en Latinoamérica. Para describirlo es necesario pasearse por las diversas ramas del arte, ya que es considerado un artista integral cuya visión no tiene límite, hoy en día su nombre es sinónimo de elegancia, calidad y sobre todo, exclusividad. Humilde, espiritual y sincero, con una humanidad arraigada en cada parte de su ser: Así es Nicolás, un venezolano que sin miedo llenó su maleta de sueños y se aventuró a explorar el mundo para escribir el nombre de su patria adorada en la esfera universal. Un ser humano espectacular, Open Art News se tomo el día para Dedicárselo a este gran Venezolano, nos recibió con una gran sonrisa, amable y siempre de punta en blanco. Nos dio un tour por su atelier, para que disfrutáramos de sus colecciones y su nueva línea felizolaonline. com, su colección de carteras, bellísimas todas y un gran amante del Arte, pasamos varias horas hablando de su gran colección de Arte, luego nos invito a su oficina donde disfrutamos de su conversación, y de ver tantos premios que le han sido otorgados y una pared llena de portadas y material fotográfico, de sus innumerables desfiles realizados alrededor del mundo.

ble, porque se les invito y advirtió que no podían perderse este maravilloso evento, que no se repetiría; Único en su género, de hecho es la primera Edición de lo que ellos quisieron llamar Missochic, que este año será con un artista o un cantante, pero en la moda solamente era único, porque fue mi idea desde el principio, hacer un desfile de la colección de Nicolás Felizola, acompañado por la Orquesta Sinfónica de Miami, no se va a repetir, a nivel de costo, producción fue muy complejo, con personalidades, modelos, 100 músicos en escena que dieron color a esta colección primavera verano 2016 y vibrar con los músicos de la Sinfónica.

JB. Como ves el mercado de la Moda en Miami?

NF. El Mercado de la Moda en Miami ha dado un vuelco maravilloso, precisamente porque Miami se ha convertido en una capital de arte, música, entretenimiento y sobre todo de Moda, ya tenemos una diversidad impresionante étnica, que busca la manera de proyectar su personalidad, a través de cada una de las piezas que porta, también implementando el estilo de cada una de ellas y eso es muy válido en el mundo de la moda, de hecho Nicolás Felizola, siempre dice que no cree en la Moda si no en el estilo de vida como tal y la proyección es que cada vez más, vemos en Miami, la misma diversidad que hay en las grandes capitales del mundo como Milano, Londres, Paris, que realmente hay gente con mucha identidad al vestir y adecuado obviamente a este clima que tenemos aquí, que es un clima privilegiado, pero que nos permite también de vez en cuando jugar con el estilo, los colores y la inclemencia del tiempo, así que tenemos una variedad en ese sentido.

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JB. Nueva Colección Felizolaonline.com directamente de Italia?

JB. Eventos como el de Eduardo Marturet, Misso y Felizola, se repetirán? NF. Mi iniciativa de hacer este evento conjuntamente con Eduardo Marturet, desde hace tres años, se pudo lograr gracias a la comunión, diría yo perfecta, con las Damas Salesianas, América Developing Smiles, Eduardo Marturet a través de la Orquesta Sinfónica de Miami y auspiciadores del Mundo del Arte, del entretenimiento y también clientes maravillosos míos y gente que entendió esto como un proyecto muy ambicioso, único e irrepeti-

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NF. La calidad siempre ha sido un norte en cada una de las colecciones que realizo, esta no podía ser la excepción con mis artesanos de altísima calidad, que comprende una decisión, particular a petición de mi clientela y de mis seguidores que querían tener un pedacito de Nicolás Felizola, sabemos que los trajes son hechos a la medida, son piezas únicas, están hechas también a la personalidad de cada quien. El desarrollar una pieza de estas conlleva un proceso creativo, también muy único. A través de las carteras, las pañoletas, lentes de sol, maquillaje mineral, los trajes de Hombre, las corbatas, carteras de caballeros, cinturones y una línea maravillosa de productos para el embellecimiento de la mujer y el hombre de hoy, hemos creado una página Felizolaonline.com es una subdivisión de


Nicolas Felizola Nicolás Felizola y la marca se llama Felizola, con la cual hemos tenido un gran éxito a nivel de internet y de nuestra clientela privada, porque están entendiendo la posición y visión que no se esta sacrificando para nada la calidad y el diseño del producto.

JB. La economía inestable es un factor determinante en la Moda?

NF. Definitivamente la economía determina la moda, en cuanto a la adquisición de piezas inalcanzables en costos, pero la moda es una necesidad básica, porque no podemos dejar de vestirnos, de ir a comer, ni de tener esas cosas que nos dan satisfacción a nivel personal. La moda es definitivamente fluctuante, de acuerdo a la situación económica del país e incluso mundial y también a la trascendencia que cada uno le da a la moda como parte de expresión de nuestra personalidad, hoy en día lo que vemos es que hay un gran abanico con respecto a crear tu propio estilo, para no entender la moda, como un seguimiento estratégico e ineludible en la manera de vestir, no queremos ser títeres de la moda , a veces queremos combinar lo que tenemos con piezas que podamos adquirir a un cómodo precio, así podemos ver que siguen de moda los zapatos plataformas, sin plataforma, de punta en el caso de las damas y en los caballeros sigue lo mismo, la corbata ancha, la delgada, la mediana, los trajes ajustados , los clásicos, no hay un parámetro especifico de lo que es la moda hoy en día.

JB. Miami es una plaza importante? y porque?

NF. Si es una plaza importante, yo soy uno de los primeros que creyó en Miami, es importante entender que Miami era una ciudad muy joven a nivel de arte, música, moda y se fueron creando unos movimientos maravillosos como Art Basel, temporadas de Ópera, Teatro, Bienales, Ferias de Arte y la Moda no se podían quedar atrás, Miami Fashion Week, Mercedes Fashion Week entre otros, muchos eventos de moda que dieron a Miami esa característica de ciudad contemporánea en todo sentido

y la moda no era la excepción, el mercado de Miami es importante porque soy diseñador Latinoamericano, soy Venezolano-Italiano y por consiguiente tengo una gran clientela Latina y Miami es la Capital de Latinoamérica indiscutiblemente. Miami, geográficamente tiene una ubicación espectacular, ya que estamos a corta distancia de Latinoamérica, pero también de Europa, yo estoy radicado en tres ciudades, estoy entre Paris, New York y Miami, donde tengo tres Atelieres que Atiendo por citas, pero me encanta ese calor de aquí de Miami, el calor de los latinos que realmente me hacen sentir en casa y que sienten a uno como un estandarte en la moda que les pertenece y como siempre lo digo en las entrevistas que me hacen medios locales e internacionales, soy Latino, soy Venezolano, me siento orgulloso de entender la moda, las curvas, el cuerpo de la mujer y los colores, como una celebración a

nuestras raíces y cultura.

JB. Como te enfrentan los Diseñadores?

NF. Risas, yo no los veo como un enfrentamiento, lo veo como una propuesta de cada una de las visiones con respecto a la moda y yo creo que el juez que decide siempre si se identifica o no con la propuesta de cada uno de nosotros es el cliente, la celebridad obviamente en el producto final y destinado a nosotros para poder transmitir lo que nosotros entendemos como moda y yo creo que es muy lindo entender que hay mucha variedad de estilos, variedad de tendencias y yo Nicolás Felizola en mi caso particular, cada vez que me incluyen en la lista de los grandes diseñadores latinoamericanos, del lado de Oscar de la Renta, Carolina Herrera, para mi simplemente no es más que un compromiso constante en la búsqueda de expresarme como artista en el mundo de la moda.

JB. Cuéntame de tu experiencia con el Maestro Carlos Cruz Diez?

NF. Una experiencia Mágica estar en Paris con él. Cuando yo iba a hacer mi colección en Paris ‘’CINETIC’’, le presente mis primeras telas, inspiradas en el movimiento cinético y se lo dedique a Cruz Diez y a Jesús Soto y para mí fue una experiencia Mágica, cuando el Maestro me dijo eres un pionero del cinetismo textil, porque no estás copiando el estilo de ninguno de nosotros, tú no estás dando una tela inspirada en un cuadro mío, si no estás creando tu propio movimiento Cinético y eso se me quedo grabado en la mente, porque es un alago viniendo de un gran Maestro. Y de esta manera nos despedimos de Nicolás quien en esta entrevista nos ha demostrado una vez más su calidad profesional, humana y su pasión por el arte en todas sus vertientes, solo me queda decir, Nicolás Felizola, Icono de la Moda y un amante del Arte. l www.openartnews.com

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REDE

POR 305 PR & MEDIA RELATIONS

En alianza con la agencia de arte REDE:

Un “Portugal Tropical”

impregnado de color y sensualidad llegó a Miami. iami, Fl. El pasado mes de Junio los espacios de Merzbau Gallery -ubicada en el artístico distrito de Wynwood – se vistieron de color y de trópico para recibir una nueva exhibición de arte contemporáneo llamada “Portugal Tropical”. La muestra recopila lo mejor de Pedro Calapez, María de Miranda y María Ana Vasco Costa, artistas plásticos oriundos de Lisboa, quienes llegan a Miami con una original propuesta en la que recrean todo lo exótico y sensual que puede llegar a ser el trópico. Merzbau Gallery es un espacio creado en el 2015 por Arsen Wannissian y Glauco Avila, dedicado al estudio, exposición, promoción y difusión del arte moderno y

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contemporáneo internacional. Arsen Wannissian, nos cuenta que traer “Portugal Tropical” a Miami, ha sido un proyecto que se viene gestando desde hace meses y que finalmente se cristalizó gracias a la alianza con REDE, una agencia que se dedica a promover el arte en países de habla portuguesa. Con esta alianza Merzbau abre la puerta a un intercambio cultural que se consolidara en el 2017 cuando Wannissian y Avila lleven la obra de artistas locales de Miami para exhibirla en Lisboa. La exhibición ha sido concebida por las curadoras Alda Galsterer y Verónica de Mello quienes seleccionaron lo mejor de estos tres artistas lusos. De Calapez, la intensidad cromática de su paleta. Del lente de Mónica de


REDE

Maria Ana Vasco Costa

Miranda sus paisajes africanos impregnados de feminidad y de María Ana Vasco Costa la calidad cromática de su escultura arquitectónica. Un grupo de piezas que refleja a cabalidad el legado cultural que Portugal heredó de los continentes americano y africano.

También vive y trabaja en Lisboa donde tomó una licenciatura en Arquitectura en 2004, en la Facultad de Arquitectura de Lisboa. En 2014 finaliza el Curso de Cerámica y el proyecto individual en arte visual en Ar.Co - Centro de Arte y Comunicación Visual de su ciudad natal. A partir de ahí comienza participar en una serie de exposiciones mencionamos lo que le ha valido ser galardonada con el Surface Design Award 2016 y el Mostyn Open 19 en el 2015.

Tanto Merzbau Gallery como REDE creen y confían en que una ciudad tan multicultural como Miami, es el espacio perfecto para compartir el arte y el talento de estos tres artistas portugueses que exponen de una forma apasionada y diferente lo atractivo de un trópico que finalmente, no tiene límites geográficos. La inauguración contó con la presencia del Honorario Cónsul de Portugal, Rui Forcada, quien junto a los directores de Merzbau, dieron la bienvenida a más de un centenar de asistentes que, sin importar la lluvia, se dieron cita en la galería para disfrutar de Portugal Tropical.

Sobre los Artistas

Pedro Calapez

Nacido en Lisboa en 1953, donde todavía vive y trabaja. Calapez comenzó a formar parte en exposiciones en los años setenta y en 1982 tuvo su primera exhibición en solitario creando pinturas que se acoplan con el espacio e interviene en nuestra percepción de la arquitectura y el espacio de exhibición. Desde pequeños formatos, intervenciones a gran escala e l instalaciones específicas del lugar, este artista portugués ha marcado toda una generación de artistas portugueses y españoles.

Acerca de Merzbau Gallery Merzbau Gallery es un espacio ubicado en pleno distrito artístico de Wynwood, fundado en el 2105 y que se dedica al estudio, exposición, promoción y difusión del arte moderno y contemporáneo. La galería lleva a cabo

Mónica de Miranda

De origen portugués, Mónica de Miranda es un artista, educadora y productora. Actualmente está desarrollando un proyecto artístico en el Centro de Estudios comparativos, como investigador. Fue seleccionada para optar al NOVO BANCO Foto 2016, el reconocimiento más importante al arte contemporáneo en Portugal. Fue becada por la Fundación Calouste Gulbenkian para participar en el proyecto El Globo (2014), por DGArtes para el proyecto “underconstruction” (2009) y por el Instituto Camões para el proyecto “Novas Geografias” (2008). Carlos Cruz-Diez

un programa innovador en la escena artística de Miami; que busca promover la diversidad en el arte, así como un intenso intercambio cultural. Merzbau representa y organiza exhibiciones de artistas locales e internacionales tanto emergentes y de reconocida trayectoria cuyas prácticas van desde la fotografía, pintura, instalaciones, escultura, vídeo y otras disciplinas de las artes plásticas. Para mayor información visita www.merzbaugallery.com

Acerca de REDE REDE es una agencia de arte contemporáneo que trabaja dentro del universo artístico de países como Angola, Brasil, Cabo Verde, Macao, Mozambique y Santo Tomé y Príncipe. Promueven una nueva perspectiva sobre el mercado del arte posicionándose como una plataforma internacional de curaduría y representación de artistas. Para mayor información visita www.redeartagency.com l

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KAMPEI POR ERIKA MARCANO

Kampei,

nueva opción gastronómica con acento asiático en Miami Beach

i de buen comer se trata, Miami, “capital” de Latinoamérica, lo tiene todo. Una ciudad multicultural como esta ofrece muchísimo en materia gastronómica, gracias a emprendedores y entusiastas de la buena mesa como Yony Moy, quien ha dedicado su vida a esta industria y desde hace ocho años ancló sus propuestas en el sur de Florida, con su restaurante Qianlong en Doral y recientemente con Kanpei Asian Sushi + Sake Lounge en Miami Beach. De Caracas, Venezuela y con una tradición familiar culinaria heredada por su abuelo, quien fue chef en China, Yony recuerda que de niño un wok (olla/ cacerola/cazuela) hacía el papel de juguete, luego se convertiría en un objeto que representa la cultura gastronómica de sus antepasados y es símbolo de su pasión de crear restaurantes.

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Con seis décadas de éxito en su natal Venezuela, con el restaurante El Palmar, Moy se reinventó para ofrecer una visión distinta de la comida china y marcar una diferencia en Miami. No se considera chef, porque no estudió para eso, pero, cocinar es un placer para él y lo conecta con su entusiasmo por manejar la industria y atender al cliente. “Mi objetivo es que nuestro cliente coma sabroso. Por eso ideé una estructura atípica a los restaurantes chinos. La cocina abierta fue lo principal, también el techo abierto, el ambiente y sobre todo la frescura de cada ingrediente es lo que, sin duda, nos caracteriza”, comenta Moy.

Sorpresa culinaria Miami Beach es parada obligada para turistas y residentes que quieren divertirse y probar nuevas propuestas gastronómicas. Y desde hace ocho meses Kanpei es una de ellas.

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El concepto de la comida japonesa con productos frescos y platos hechos al momento, hacen de él un lugar imperdible. Además, por su ubicación en 7308 Collins Ave Miami Beach, FL 33141, resulta atractivo para los comensales. “Somos una opción diferente para un público tan amplio y diferente como el de Miami. Tenemos platos que no son comunes como el sushi pizza, que junto a rolles como el Kanpei y el Miami Hits, hemos ganado en poco tiempo la fidelidad y aceptación de las personas que han disfrutado de nuestro menú”. Yony Moy, creador de Kanpei Asian Sushi + Sake Lounge celebra este nuevo proyecto gastronómico, en el que, el sabor, frescura y sobre todo la sorpresa, es protagonista de cada bocado. l


Alejandro Toro

BY ERIKA MARCANO

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He went to Los Angeles looking for a lucky strike and he found it. Charismatic and multitasker, Alejandro Toro is the first Venezuelan who participates in MasterChef, one of the most important cooking competitions on American television.

The 27-years-old chef was born in Miami and raised in Venezuela. He comes from a Venezuelan mother and a Puerto Rican father. He has an interesting background as an announcer, voice-over, actor and photographer. Big companies as Payless Shoes, Wendy’s and Miami Dolphins used his voice on television commercials. Additionally, he gave life to Randy Marsh, a character of the popular TV show South Park. The media conversation generated around Alejandro Toro – not so very long ago – was a combination of several situations in the TV reality show. Since he first saw the ad online, he filled up the application, was selected, cooked for the producers and stood within the 80 candidates. He later was selected in the top 40, then top 20 and it was among the 12 participants of the show.


Alejandro Toro “It was something I didn’t expect. I was just looking for an extra job, saw the ad in craiglist.com and realized my profile matched with the people who liked cooking, but were not professionals, and I applied. I am a Venezuelan that knows how to make arepas and in my house, I always ate deliciously,” he said. Toro had an interesting performance. The chef Gordon Ramsay congratulate him for improving his own dish in a lobster challenge. Nonetheless, what made him viral in social media was an episode in which the challenge was to cook Latin Amercian food. “All eyes were on me, it was a lot a pressure. I was the only Latino in the group and I had to cook with Mexican ingredients, but I hold on to my taste,” he said. From that moment he became “the Venezuelan that cooked arepas in MasterChef,” besides he represented Latin America.

Open doors

Alejandro Toro has awakened a sense of togetherness and pride in the Venezuelan community worldwide. Among the many proposals that he is supporting and driving, he is exploring projects with Sonia Perez, a Venezuelan chef and sommelier who will soon launch her book CAVA, that focuses on the kitchen, harmony, wines and aphrodisiac. Sonia invited his compatriot to cook one of her recipes: arepas. They both took the dish to another level and they soon will show this fusion with the community of Miami. Perez is an architect by profession, cook since forever, and became chef and sommelier as part of his passion for good food and the combination of good wines.

Now, Alejandro Toro feels he has an “enormous responsibility” over his shoulders.

Seven years ago she arrived at the country and, like many others, she wants to make her dreams come true. Her book CAVA is a summary of her perseverance and the desire to capture on paper and photographs the flavors of her land.

“The support has been incredible, especially from Venezuelans. I have a commitment to being a worthy representative of our culture. I’m going to work hard to share what we are and what characterizes us as Latin Americans,” he explained.

“CAVA has several concepts, but overall it is a combination of art and culture. It is a book in which I teach how to present a dish and how to connect it with a good wine. I want to leave a precedent and educate people on how to enjoy food and drink, “the chef said.

Merge

Toro is a young unattached man who does not want to achieve a specific objective or goal. He defines it as a life process, in which he takes advantage of the opportunities. In the case of MasterChef, being the winner is not a worry. Have been in the top 12 was a victory for him.

Sonia Pérez will launch her book this year and she hopes to organize events and offer gastronomic experiences to the public of Miami. l

“I focus on every challenge, every episode. I focus on what I’m doing and enjoy every step,” he adds. Alejandro Toro is enjoying the charms of media exposure. He says he will take advantage of it to develop projects where he can mix what he knows best: content production. “I would like to merge everything that I love: record, produce content, travel, enjoy and share the Latin and US culture. My vision is to become a medium to talk about our essence, our cuisine,” Alejandro says. He assures he does not want to be recognized as a culinary expert, he just wants to develop and improve as a chef. “The recipes are already written, we have to reinvent them, study them, explore them, learn techniques and try different thing. We have to cook and take a risk.” As a young entrepreneur from Latino roots, Alejandro Toro encourages people to follow their dreams, enjoy the process of life and explore. www.openartnews.com

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BY OSCAR CARVALLO Facebook: Oscarcarvalloparis www.oscarcarvallo.com

“The Younger the trendier” eople always ask me the question, what is the new trend? It is a question that I love, because the answer is subjective, I have always said, there is no answer for that, the trend is what we smell but we cannot see, the trend is the new future creation, and it is even better if we create the trend, that is why the young generation have the natural trend in their skin, in their minds and in the way they act, the way they dress. When I have to design a new collection I hate to follow the fashion trends, because we don’t want to do what everybody does, we want to make our own trend, usually when we visit the Parisians faires as Premiere vision, wich are the biggest trend proposals we can appreciate, usually they propose the new colors for the season, the new shapes for the season and the new “Tendence “but, do we have to follow it? The trend is in our souls and what comes out makes us different from others, we must make a statement, a new proposal a deep observation, a new trend. The success of Italians in design fields as fashion or industrial it comes from their research and their investigation, the new experiment, the new combination, can create a new way of seeing the world. Actually the new very strong trend is the free sexuality, no matter what sex you love, because love is free. “Trend is in the air”.

Le Collage

The art expression called “Collage” this very ancient technique created by the Chinese with the invention of paper, then the japanese in the 10th Century mixing poems and glued paper, it has been always an interesting technique used by many artists in different times of the history of Art. The modernist movement had great works of collage art from cubist painter Georges Braque and Pablo Picasso who was the first one to use this technique in oil paintings. Now a days the Collage is in the trend, there is a new generation of artists who are making great compositions that can leave us breathless; Muu Blanco a venezuelan

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artist based in Miami has a great work of collage “ assemblage “ in 3D with different parts of toys, ensambling different figures to create another unique piece that can leave you thinking over confusion; a very strong work of collage in this moderns times. He created the concept of / Anacronic modernism / which is a Dadaist action of the no sense ; the descontruction of a reality to intent create a new reality which is not possible, it is a performance that has a result in this great objects he makes. Instagram: Muuublanco

Le Collage Narrative

Eugenia Loli , a Greek artist based in California has a poetic and strong way of communication in her Collage work; She is a vintage Collage artist and she gives messages through her work, there is always a meaning behind, she represents a narrative scene. I love her sarcastic way and she has an horrific side, it is an artist that makes you wonder and leaves you a place to fly in your imagination when she speaks about her work she says: “ I got into collage because I loved Julien Pacaud’s illustrations, but it was Kieron “Cures” Cropper who became my main influence. The guy’s a genius. Bryan “Glass Planet” Olson and David Delruelle are also influences of mine. From the older artists, I’d have to say, Magritte. However, I collage on many different styles: from “pop” to dada,


Política Doral

and from modern illustrations to traditional surrealism. I don’t believe that artists should “find their style”. That’s artistic death. If I have a style, it’s probably some “meta” aspect of it (e.g. the sarcasm that I usually employ in my collages), rather than something visual”. Instagram: Eugenia_Loli.

The contemporary Sculpture of Mariana Monteagudo

Award winning Sculptor Mariana Monteagudo is a Miami based artist who has been working her series of doll sculptures over the last decade. Her latex, ceramic and mixed-media figures are unique, intriguing and fascinating. Her artwork shows interest in a wide range of references, from the pre-Columbian aesthetics, to fashion, tv pop culture, Japanese manga and massmarket toys.

Muñecas (Dolls) is the generic term Monteagudo uses to describe her creations since 1998. With them, the artist has received important awards and exposure, and her pieces have been featured in solo and group shows and fairs in Madrid, Miami, Chicago, Aruba, Caracas, New York, Sao Paulo, and other venues. Her unusual characters have attracted the attention of critics and her work is part of the MOLAA Museum in California, Everson Museum, NY, Cesar Gaviria Trujillo Collection, among other contemporary art collections. Her work is so unique and interesting; she creates “ L’enfant terrible“ in a thriller world and this is exactly what I appreciate from her technique, she has no limits in creating so many different dark but innocent characters, the future children , the lost children. A real artist to follow and to appreciate this surreal world she lives in. Instagram: Mariana_Monteagudo

Video Artist

The first time I saw a video of one of my collections I understood the force and the real meaning of my fashion brand. In fashion we are so used to photography, the perfect image of a “ mannequin “ wearing the perfect dress that makes women dream, but the art of video can take us so much far away in the image, because is the reality of movement. We made a fantastic collaboration between our production house in Paris , “Satellite my Love” directed by the talented Alain Dib who has the eagle eye to choose the best directors around the globe , like Los Angeles based video artist Cristobal Valecillos, the theme an “ Hommage” to Paris, represented by Edith Piaf and her song “ La vie en rose “ who was also interpreted by favorite of all times Grace Jones. the result of this experimental fashion video was how Jones becomes Piaf through a musical dress. Take a look at this interesting video in facebook: Oscarcarvalloparis www.oscarcarvallo.com l

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Kampei,

KAMPEI

BY ERIKA MARCANO

nueva opción gastronómica con acento asiático en Miami Beach f it is about good eating, Miami, the Latin American “Capital” has it all. A multicultural city such as this one, offers plenty in Gastronomical option. Thanks to entrepreneurs and enthusiasts of good eating such as Yony Moy who has dedicated his life to this industry and two years ago settled here in South Florida with his Restaurant QUANLONG in El Doral and more recently with KANPEI Asian sushi+ Sake Lounge in Miami Breach. Straight from Caracas, Venezuela with a long family tradition of culinary art inherited from his grandfather who was a Chef back in China, Yony remembers from his childhood a Wok (Bowl/frying pan) that was a toy and later became an object representative of the gastronomical culture of his ancestors and a symbol of his passion for restaurant work. With Six successful decades in his past in his native Venezuela and his first Restaurant, El Palmar, Moy re-invented himself in order to offer a new vision of Chinese food and thus make a difference in Miami. He doesn’t see himself as a chef because he did not go to school for that, but cooking to him is a pleasure and brings out his enthusiasm to shape the industry and pamper the customer. “My goal is that our client eats well. That is why I came up with a different type of Chinese Restaurant. The open Kitchen was the first step, next came the open ceiling, then the atmosphere but above all the freshness of each ingredient is what undoubtedly singles us out” Says Moy

Culinary surprise Miami Beach is a necessary stop for tourists and residents who are out for fun and to try new gastronomical possibilities and since 8 months ago, KANPEI is one of them. The idea of Chinese food made of fresh products and cooked instantly makes this Restaurant an unavoidable place. His location at 7308 Collins Ave Miami Beach, Fl. 33141 is ideal for patrons.

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“We are a different option for a broad and unique market as Miami. We have dishes that are uncommon like Sushi Pizza which along with rolls like Kanpei and Miami hits, have earned us the loyalty and acceptance of all those who have come to check out the menu”. Yony Moy, creator of Kanpei Asian Sushi + Sake Lounge celebrates this new gastronomical project in which the flavor, the freshness and above all the surprise, is the star of every bite. l


Wynwood

POR PABLO ERMINY.

…o ser ciudadanos en el constante Distrito del Futuro Ayer n suave hilo de perfume de mujer se fue abriendo camino a través del humo que asfixiaba el baño. Era la segunda vez que podía percibirla. Yo me encerré a escribir encima del inodoro, rodeado de ilustraciones grafiteadas, calcomanías de bandas y mensajes sobre el fin del mundo que decoraban los muros que rodeaban a la poceta. La primera vez que sentí su aroma fue una hora atrás cuando la gente ya perdía el control al dispararse la pieza más emblemática de Mr. Pauer, uno de los dj´s más representativos de la escena en Wynwood. Todos éramos consumidos por el ‘in crescendo’ brillo de las luces. Apreté mis ojos mientras inhalaba las bocanadas de vapor producidas por la piel y el aliento de una multitud bañada en sudor y escarcha. Exhausto y empapado, sentí una punzada dentro de la brisa. Era aquel suave perfume de mujer. El aroma natural de su piel manchado de una fragancia de ‘cool water’ revivió los recuerdos de amantes que ya, desde hace algún tiempo, habían desaparecido de esta vida. No la había podido ver, pero podía olerla sobre las torres hechas de mujeres semidesnudas que se amontonaban entre los hombres a lo largo de la sala. Cuando Mr. Pauer dejó caer finalmente el beat y la audiencia levanto los brazos en un solo grito, ya el perfume delicioso se había disuelto por completo. Ahora, aquí en el baño, sentí nuevamente la presencia de aquella mujer. Un eco de varios tacones la acompañaban. Pero ninguna de sus amigas olían como ella. De ellas, hedía un funesto olor a cigarrillo y saliva seca remojada en diversas versiones de alcohol. Para poder llegar a los baños en donde busqué encerrarme, se tenía que recorrer un pasillo negro salpicado con intensas luces de neón púrpura y naranja. Una pareja de jóvenes acorralaban a una chica justo debajo de unas largas líneas fosforescentes atornilladas en la pared. Me quede un rato observándolos bajo la

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penumbra del corredor. Se gozaban entre la indiferencia de los hipsters y las muñecas entonadas, quienes solo querían descansar unos instantes del ecléctico estruendo musical antes de regresar a la congestión de la pista. El trio se fue descarrilando por los corrientázos del otro. Sería una escena típica de callejón bajo la madrugada si no fuera por la claustrofobia que me provocaba el estar encerrado en un pasillo lleno de gente respirando con la boca abierta. Mientras el varón comía por los bordes de la boca a la más joven; la hembra, la mayor del grupo, con una palma acariciaba a la menor debajo de la falda, enredando la otra en su cabello, jalándolo con fuerza hacia arriba para revelar la nuca y así ofrecerla a la boca del varón. Ambos provocaron en la chica un furioso gemido que fulminó el ruido que me aturdía de fondo. Minutos después, los tres chicos se abrazaban en un coro de carcajadas. Se separaron, cada quien por su camino, y nunca más se volvieron a ver. Debo confesar que el estar sentado aquí, en este sitio, podría seducir a cualquiera a escribir un poquito de fic-


Wynwood

una historia más fantástica que la siguiente. Por eso me dediqué a venir regularmente a este baño, solamente a escribir. Es el lugar ideal para el escritor de hoy. Sus paredes sirven como una compleja Biblia urbana, con fórmulas para provocar la corrida más agresiva que un lector se pueda imaginar; recetas para construir bombas caseras, titulares sobre bandas musicales que se desvanecieron sin explicación durante sus tours, chistes ilustrados con sus respectivos coños y penes figurativos; ‘Matías is fucking

ción. Que si esto realmente sucedió de esta o de aquella manera, y no es fácil evitarlo, porque aquí me veo rodeado de pequeños detalles en donde cada uno detona

Jesse… you can find her screaming with delight illustrated on his tatoos’. Muchos escriben dentro de una bañera, desnudos, empapados, con la máquina de escribir reposando en una tabla sobre sus genitales. Yo solía hacerlo. Otros, en estaciones de bus abandonadas, en cementerios recostados de las lápidas; en prostíbulos, sobre sillones de terciopelo azul oscuro. Yo prefiero hacerlo en este baño, como muchos iguales, en el distrito de arte de Wynwood. Al ver entre tantos otros, el flyer de la banda de rock en español ‘Minimal’ pegado en la pared, en donde dibujan a un avión con sus pasajeros sentados sobre las alas, me pregunto sobre aquél escritor que escribía durante su vuelo de NY a Miami una columna digna del Pulitzer, y que lo firmaba justo minutos antes de que todo saliera mal a 32.000 pies en el aire, llevándolo a él, y al resto de los pasajeros, de picada hacia el mar. Fue una obra maestra que jamás será leída. Por eso yo prefiero quedar-

me cerquita del pavimento y escribir dentro de este recinto, inspirado por pensamientos garabateados en la pared, mientras alivias tu vejiga y tu estómago, rodeado de sexo invisible sobre los lavamanos, invadido por las conversaciones sobre lo que hace el novio de Adriana, las zapatillas de Giselle, el arte de Obey, y el ya no tan puro perico de Santiago. En fin… este aposento es un verdadero mapa de cuentos dedicados a los lectores de cinco minutos, rococó en letras de imaginación peculiar, oscura, cochina… una casa ideal para un escritor como yo. Al salir, crucé la cocina ubicada detrás del bar. Atravesé una nube aromática de caldo y carne cubano hasta caer directo al callejón. Las galerías estaban todas abiertas, rebosadas con el arte más reciente para decorar la venida del final del mundo. Los murales vibraban con la electricidad pulsante de los postes. Celebraban la llegada de mil mesías. Las bandas más importantes de este subterráneo bajo las estrellas emanaban una sangría de acordes y gritos que enloquecía a los presentes, hábiles expertos en el arte de diluir a la música revuelta en el vodka y en el ron. Una marea de personas iban y venían, vestidos muy ligero con faldas cortas y pantalones de lino claro. Barbas debajo de peinados perfectos, y cabellos suavemente atados por cintillos. Era sábado por la noche y Wynwood estaba repleto de invitados y locales, pero nunca de invasores. Y mientras camino bajo el impredecible clima de Miami, en donde de la nada comenzaba a caer una tormenta, a lo lejos, sobre los food-trucks, aún las hermosas modelos bailaban mientras la lluvia les lavaba el sudor y el maquillaje. No existe un lugar como este sobre la faz de la tierra. Para escribir, para crear, para conocer, para desaparecer; cada rincón, cada callejón, cada bar y café, cada galería, cada muro, cada mirada, cada piel, cada boca; cada mente en Wynwood, es una metáfora de incendio, saliva y belleza pintada con los colores más bonitos del caos. Una metáfora de historias que comienzan con un beso, una mirada, una corrida, una sonrisa, un disparo; y terminan con una visión, con un trago, con una revelación que desnuda todas las versiones de la vida del ser humano; amables y torcidas, ingenuas y oscuras, iluminadas y terroríficas; apasionadamente ilustradas sobre una inmensa cordillera de murales. l

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REDE

BY 305 PR & MEDIA RELATIONS

Portuguese Artists Reveal the Light of the Tropic

iami, Fl. Portugal Tropical is an art exhibition that brings to Miami an approach to the work of three prominent Portuguese contemporary artists, who carry out their artistic views in different expressive ways but are bounded by the exoticism and sensuality of the tropics. A selection of paintings by Pedro Calapez, landscapes by Monica Miranda and ceramic sculptures by Maria Ana Vasco Costa are the core of the exhibition curated by Alda Galsterer and Veronica de Mello in Merzbau Gallery (Wynwood, Miami) from June 9th to August 29th of 2016. Calapez’ color palette proposes an approach to the tropics with expressive

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and dynamic lines, from the perspective of this Lusitanian artist. Meanwhile, the photographic images of landscapes delicately embroidered by Miranda offers a reading through a visual fabric that unites tropical wild nature, with a human hand holding the knitting needle. The subtle strength of Vasco Costa ceramics, remembers us that tropics also has an urban side that lives in a symbiotic way with forests, mountains and rivers. The confluence of these artistic proposals, bonded together with an organic line by the curators, parts by the influence that Portugal receives from the tropics since years ago: music, food, dances and traditions from Africa and America, part www.openartnews.com

of this country’s memories, enriched and nourished. Portuguese contemporary artists can prove it.

in the art market. Merzbau has been positioned as an international platform for curatorship and artists all over the world.

For Arsen Wannissian and Glauco Avila, both founders and directors of Merzbau Gallery hosting this exhibition felt very natural, but was always a very important project to achieve. Merzbau is a space dedicated to showcase an innovative program that promotes diversity in the arts, as an intense cultural exchange in our city. The exhibition is presented in partnership with REDE, a contemporary art agency that works within the artistic community in countries such as, Angola, Brazil, Cabo Verde, Macau, Mozambique, São Tome and Principe, bringing a new perspective

Miami, known as a cultural melting pot, seems to be the right stage for this exhibition. “We hope our city received this proposal with enthusiasm, and take this unique opportunity to see the tropical light through the eyes of these talented Portuguese artists” Wannissian said.

About the Artists

Pedro Calapez

(Lisbon, 1953), lives and works in Lisbon. The artist began taking part in exhibitions in the seventies and in 1982 he had his first solo exhibi-


REDE University (London, 2014). Also won a scholarship from the Foundation for Science and Technology. She is one of the founders of the artistic project Network residences Triangle Network in Portugal and the project Hangar, where she is the artistic director. Coordinated the artistic residencies: “Offline” (2013), “Transiting” (2012) and “Home and Abroad” (2010).

Maria Ana Vasco Costa

(Lisbon, 1981) Lives and works in Lisbon. Maria Ana Vasco Costa took a BA degree cation, Lisbon. From a various number of exhibitions we mention: PERIPLOS / Arte português de hoy, at CAC Málaga (2016), Ar.Co Bolseiros & Finalistas 2014, Museum of Lisbon / Pimenta Palace, Lisbon (2015), Space A-Z in Lisbon (2014), Mostyn Open 19, Mostyn Llandudno, Walles, UK (2015), Exhibition of Autumn, Ar.Co Center of Arts and Visual Communication, Almada (2014), HD, ABECEDARIO – 40 years of Ar.Co, Museum of Chiado (2013), Por todos, at Galeria Ilacions, Barcelona (2012). Won the Surface Design Awards in 2016 and tion. Pedro Calapez creates paintings that engage with space, influence our perception of archi-tecture and the exhibition room. From small formats to large scale interventions and sitespecific installations, this Portuguese artist has marked a whole generation of Portuguese and Spanish artists, himself having strong connections to artists like Richter or Twombly.

Mónica de Miranda

Mónica de Miranda is an artist, educator and producer. She is currently developing an artistic project in Comparative Studies Center, as a researcher. She was recently selected for the NOVO BANCO Photo 2016, the most important contemporary art prize held in Portugal.

She took a bachelor degree at Camberwell College of Arts (London, 1998). A master’s degree in Art Education and the Institute of Education (London, 2000) and PhD at Middlesex

in Architecture in 2004, at Faculty of Architecture of Lisbon. Between 2012-2014 finished the Course of Ceramic and the Individual Project in Visual Art at Ar.Co – Center of Arts and Visual Communi-

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the Mostyn Open 19 in 2015. Portugal Tropical will be an ongoing exhibit at Merzbau Gallery, 2301 North Miami Ave. Miami, Fl. 33127. l l

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WEIL

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MANUEL BRITO:

PERSPECTIVAS DE SUENOS

El pintor venezolano, discípulo del maestro Armando Villalón, aborda el paisaje desde un planteamiento poco convencional que mezcla estampas naturales con composiciones arquitectónicas. Texto: Fabián Soto Rueda (@SotoRueda) Fotos del pintor: Héctor Andrés Segura (@HASPKARATE) JENIREE BLANCO ART DIRECTOR WHITE’S ART GALLERY

ay obras que despiertan melancolía y otras que son una explosión de júbilo. Hay artistas que parecen nostálgicos y otros que nos contagian con su alegría. Por supuesto, también hay quienes se mueven de un estado a otro con la facilidad que cambian de lienzo o paleta; pero con certeza, son pocos los artistas que hacen confluir emociones tan disímiles en una misma obra. Este es el caso del pintor venezolano Manuel Brito, un esmerado estudioso del color, del juego de los tonos, la luz y la sombra que como en la película Inception (2010) se ha dedicado a crear su propio mundo con una mezcla de planos, perspectivas y dimensiones que desafían las reglas con las que vemos el mundo. A diferencia del film de Christopher Nolan, las escenas de Brito no son de ciudades o parajes abiertos, sino de recintos cerrados, amplios interiores que parecieran desocupados en los primeros parpadeos, pero que tras unos minutos de observación evidencian la carga de sentimientos y sensaciones que allí reposan, estáticas, en objetos y ángulos de luz inmutables que parecen hablar con nuestras memorias. Es común escuchar entre los espectadores de Manuel Brito ex-

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presiones como: “Yo tenía uno así...”, “Ese arco se me parece a…”, “Esto me recuerda…”. En Inception, el protagonista Dom Cobb, interpretado por Leonardo DiCaprio, le dice a la arquitecta del mundo de sueños, Ariadne (Ellen Page), que no use elementos de sus recuerdos en sus diseños, sino recursos universalmente conocidos para que cobre verosimilitud el sueño, pero sin comprometer su propia memoria; de la misma manera el artista venezolano se apropia de objetos, figuras y espacios que todos

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alguna vez hemos visto o experimentado, con lo cual despierta en el espectador una empatía instantánea con la obra. Su propuesta plástica actual es la extensión de una serie muy laureada con la que viene trabajando desde hace una década llamada Infantino, caracterizada por el uso de figuras infantiles, juguetes y mobiliario del hogar en grandes salones despejados, de pisos relucientes donde se puede apreciar la experiencia del pintor en la degradación del color,


White’s Gallery la recreación de la luz, y conceptos básicos de volumen, dimensión y profundidad. “Sigo jugando con la perspectiva y experimentando con las líneas. Esa inquietud por la arquitectura sigue presente, donde las sombras cumplen un rol muy importante al hacer contraste en el juego de planos, pero sin alterar la serenidad y tranquilidad de las atmosferas que ha sido mi principal reto: evocar paz y serenidad”, explica Manuel Brito. Algunos encuentran esa paz en los recuerdos y por eso los juguetes despiertan melancolía, otros lo consiguen en el inmensurable paisaje al que sucumben absortos. En cualquier caso objetos como metras (canicas), un soldado de plomo, bicicletas o balones no son más

artista plástico venezolano, discípulo del maestro Armando Villalón. Justamente con “El Pintor de la Bruma” aprendió las lides de las artes plásticas, desde armar un lienzo hasta preparar pigmentos cuando todavía era un adolescente. Al notar su pasió n y habilidad, el maestro Villalón no tardó en apoyarlo para que emprendiera su propia carrera, debutando con su primera exposición en la propia galería de su mentor, hoy VGA Villalón Galería de Arte, organización que representa su obra. Manuel Brito es un confeso admirador del paisaje al que aborda desde un planteamiento poco convencional, en una propuesta vanguardista que mezcla composiciones arquitectónicas y estampas naturales. Su obra es una evocación, una metáfora permanente de la realidad con la que demuestra que no todo es lo que parece, y lo que parece resulta mejor cuando no es.

que representaciones del ser humano, símbolos de su vulnerabilidad en el mundo. Sin embargo, en su producción más reciente, el artista ha optado por eliminar algunas de las paredes de esos grandes salones para dejar al descubierto columnas y balcones frente a un firmamento absoluto del Ávila con la silueta de Caracas o Marinas de aguas apacibles y cielos despejados. Trinitarias en la urbe o bancos de arena en la costa, complementan la escena en un segundo plano donde confluyen la línea arquitectónica y el volumen del paisaje.

MANUEL BRITO EN WHITE’S ART GALLERY JULIO-AGOSTO 2016 “Yo me siento muy orgulloso de mis raíces paisajistas, por eso el paisaje sigue presente pero esta vez en un rol más protagónico, ya no está tan tímido, sino por el contrario se apropia de ese brillo en las superficies, bien sea en la quietud del mar o en los juegos de luz y sombra de los pliegos del Ávila”, agrega el

Manuel Brito, hace su debut en los ESTADOS UNIDOS, gracias a la Alianza de VGA Gallería de Arte Villalón Venezuela y WHITE’S ART GALLERY, en Bird Road Art District Miami fl. Te invitamos a disfrutar de esta maravillosa ‘’Individual’’, abierta al público desde el sábado 16 de julio 2016, de martes a sábado de 12.30m a 6pm. l

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PÓKER de Damas

El arte de las prostitutas

Este año el tema de “What people do for money” ocupó la edición número 11 de la Bienal Europea de Arte Contemporáneo MANIFESTA.

POR KARINA MATHEUS

l reloj aún no marcaba las 12 del mediodía, y en Clarahuss ya podía verse las trabajadoras sexuales activarse en su jornada laboral. Para algunos la calle lucía variopinta y divertida; para otros resultaba una suerte de escándalo y ausencia de elegancia tropezarse en Webergasse 34 con este remolino hormonal de mujeres ofreciendo y de hombres demandando el servicio del placer pagado. Muy probable para los primeros ver esa variedad de gustos y colores en los cuerpos de las prostitutas -latinas, suizas, europeas, asiáticas, africanas- le daba esa sazón especial a un Basel atiborrado de arte en pleno mes de junio. De seguro para los otros que repudiaban enfrentarse a esa dantesca escena antes del mediodía en la entrada de una de las ferias más importantes como lo es Scope Basel, no era la mejor manera de celebrar su cumpleaños número 10. Al primer vistazo uno no atina a saber cómo es el movimiento pero unas horas después detectas todo el sistema. La curiosidad despertada, quizás por ver en las ventanas de esos edificios de pocos pisos algunas de estas chicas charlando por teléfono o por escuchar las melodías escapadas de un saxofonista flirteando con su instrumento, te hace caminar para tener el respectivo registro fotográfico -futuro post de las redes- y husmear y oler la calle. Aprovechas para asombrarte de las fricciones corporales con las

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ojos desorbitados un potencial cliente se te acerca y te dice “How much?”. Juras que no es contigo pues llevas un abrigo desde la nariz hasta los tobillos pero al segundo intento del hombre te volteas y le dices “Really?”. La profesión más antigua del mundo -según Wikipedia- siempre ha sido retratada en el arte. Mujeres, hombres y más reciente los transgéneros ocupados en la prostitución. Este año el tema de “What people do for money” ocupó la edición número 11 de la Bienal Europea de Arte Contemporáneo MANIFESTA, realizada en esta oportunidad en el Migros Museum de Zurich. Bajo mi óptica uno de los trabajos más interesantes fue el de Teresa Margolles, una artista mexicana cuya línea principal es el arte conceptual, la fotografía y el perfomance. Margolles es bien conocida por sus trabajos sobre la violencia en su país causada por la guerra del narcotráfico y en especial por su muestra títulada Vaporización, una instalación de agua desinfectada tomada del lavado de los cádavares de víctimas de muerte violenta de la morgue de la Ciudad de México. cuales las chicas pretenden levantar la clientela del día y sonríes disimuladamente por experimentar sin mayor peligro un momento de película. Como si estuvieras en el set robando el primer plano a los protagonistas. Y la magia desaparece cuando con

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Para esta ocasión, la artista decidió retratar las trabajadoras sexuales transgénero. En principio, Margolles pretendía recrear un salón de póker con Sonja Victoria Vera Bohórquez, una prostituta transgénero de Zurich junto a otras similares provenientes de


PÓKER de Damas juego del sujeto - objeto se activa: los roles se entremezclan y se intercambian. La participación plena de estas prostitutas transgénero las coloca en determinados instantes como el sujeto creador de la obra, como el artista mismo, permitiéndose bocanadas de aliento artístico como segunda carrera profesional.

Esta sección de MANIFESTA no se quedaba allí. Incluían un testimonial en video de 13 minutos de “La Martina”, otra trabajadora que hablaba sobre el crimen de Karla y una fotografía de la propia difunta cuyo nombre real era Hilario Reyes Gallegos, todos estos trabajos cortesía de la artista y de Galerie Peter Kilchmann su representante en Zurich.

México y colaboradoras de la artista. La idea era realizar un performance en junio en las instalaciones del Hotel Rothaus on Langstrasse en el renovado distrito rojo de esta ciudad suiza. Pero si alguien asiste a MANIFESTA 11 antes de su cierre el 18 de septiembre de este año, encontrará la variante de la idea original: a raíz del asesinato a golpes de Karla, una de esas colaboradoras mexicanas el 22 de diciembre de 2015 en Ciudad Juárez, Margolles decidió trasladar a Sonja a la ciudad del deceso y en compañía de otras transexuales prositutas amigas de la fallecida crear “Póker de damas”. Este diálogo registrado en video el 11 de mayo en las habitaciones del sótano del Hotel Bombín duró 3 horas con conocidos de Karla y centró su atención en las viscisitudes de inseguridad por la que pasan estos trabajadores sexuales en ambas ciudades.

De toda el conjunto resaltó ante mis sentidos una pieza. Para juntar los extremos del círculo en esta parte de la bienal, Sonja se valió de un objeto punzopenetrante e hirió una de las paredes del espacio. Plasmó una “Incisión” que dibuja la entrada del órgano sexual femenino -dicho así elegantemente para evitar el sonrojo en rostros amigos o por lo menos el mío delante de ellos-. Aquellos que observen la fotografía de esta pieza verán la despedazada malla rosa que asocio con el himen de la vida destrozado por el abuso, la desidia, el desdén y hasta la inhumanidad ante esta situación social. Es inevitable sentir la rabia, la ira y el sufrimiento en cada relieve de esta hendidura filosófica que pone en tela de juicio nuestro rol ante el tema de la prostitución y sus derivaciones criminales.

Pienso que Zurich es uno por no decir el mejor lugar para exhibir un trabajo como éste. A fin de cuentas es una ciudad con una larga historia de liberalismo artístico e intelectual, albergue de importantes movimientos en esas esferas. Al mirar a esta ciudad uno puede tener uno de los ejemplos más notorios de avance económico y tecnológico en el mundo actual. Seleccionarla como sede de Manifesta 11 ha permitido -según los propios fundamentos de la biennalexplorar un discurso crítico sobre temas globales directamente relacionados con el espacio urbano y la sociedad en sí, en donde el arte evidencia un agudo rol social. Curioso es que en Zurich, así como en toda Suiza, la prostitución voluntaria y ejercida por mayores de edad es totalmente permitida. El gobierno ha diseñado sistemas para mejorar las condiciones de las trabajadoras sexuales habilitando zonas especiales para ejercer la profesión, otorgando seguridad y dotación sanitaria. Pero el aumento de los casos de trata de personas va en ascenso, siendo en su mayoría inmigrantes no sólo de la Unión Europea sino de Latinoamérica. P.D.: Por cierto, el caso de Karla sigue abierto. El asesinato sigue impune. l

Mientras, el Hotel Rothaus el original recinto lo protagoniza Karla con un memorial póstumo creado por Margolles. Y esa obsesiva tendencia a la asociación, me lleva a curiosear como en esta participación de Margolles el www.openartnews.com

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Gastronomía

Frutas Exóticas en Cesta de Chocolate

POR SONIA PEREZ

Luego corte las frutas exóticas en formas diferentes; la patilla, en forma de cubo para luego colocarle encima el queso cottage; con el melón saque bolitas que se coloquen dentro de la barquilla junto con las fresas y las uvas. Para preparar el coulis de fresas, lávelas y corte por la mitad, luego colóquelas en una licuadora con un chorrito de agua y azúcar al gusto. Licúe hasta obtener un jugo muy espeso.

PREPARACIÓN

Cocina

Ingredientes:

1 carambola o Fruta Estrella 1 cono o barquilla para helados 1 cucharada grande de queso cottage 1 cucharada grande de queso mascarpone 1 fruta Dragón o Pitaya 1 tableta de chocolate 1 trozo grande de patilla (sandía) 1/2 melón (sacar bolitas) Fresas Salsa de chocolate Uvas

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Para la cesta de chocolate, corte la tableta en pedazos y colóquela en una olla pequeña a fuego lento revolviendo constantemente. Una vez que comience a derretirse, retire del fuego y siga revolviendo hasta estar disuelto por completo. Deje enfriar y cuando esté espeso colóquelo dentro de un dispensador de salsas. Tome un bol pequeño o cucharón y una vez volteado rocíe spray antiadherente o con mantequilla. Comience por el centro a hacer arabescos con el dispensador hasta tener toda la superficie cubierta, deje endurecer para luego desmoldar con cuidado. Si no va a usarlo en el mismo momento debe guardarse en la nevera. www.openartnews.com

Afrodisíaco

PATILLA (Sandia). Contiene sustancias como el licopeno, betacaroteno y citrulina. La arginina que genera en el cuerpo beneficia al corazón, la circulación y estimula la producción de estrógenos y testosterona de manera tal que cumple casi las mismas funciones del viagra, pero de una forma natural y sin efectos secundarios para el organismo. Es además, un fortalecedor del sistema inmunológico y mantiene la piel lozana.

Armonía

Vinos recomendados: Champagne Extra Seco, Mimosa, Cava, Prosecco, Asti Espumante. l


Wynwood

BY PABLO ERMINY.

or How to be citizens of the continuing District of the Future of Yesterday soft whiff of the scent of a woman made its way through the smoke that asphyxiated the bathroom. It was the second time that I smelled her. I locked myself down in the bathroom stall surrounded by graffiti, music band stickers and end of the world messages that decorated the walls around the toilette. The first time I felt her scent was about an hour ago when people lost control of themselves at the end of the most emblematic music piece from Mr. Pauer, one of the most representative Dj’s of the scene at Wynwood. We were all engulfed by the “in crescendo” brightness of the lights. I closed my eyes tightly while I inhaled the large waves of vapor produced by the skin and breath of the crowd drenched in sweat and frost. Exhausted and wet, I felt a pinch in the breeze. It was that sweet perfume of a woman. The natural aroma of her skin stained with a fragrance of “cool water”. It brought back memories of lovers that had long gone from this life. I had been unable to see her but I could smell her over the oceans of half naked women that piled up among the men along the main room. When Mr. Pauer let his final beat down and the audience raised their arms in one single cry, the delicious scent had dissipated completely. Now, here in the bathroom I felt again the presence of that woman. En echo of high heels accompanied her but none of her friends smelled as she did. They all had

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intense purple and orange neon lights. A couple of youngsters cornered a girl just under some large flourescent lights bolted to the wall. I stayed there under the darkness, watching them. They enjoyed themselves, indifferent hipsters and good looking chics. They just wanted a break from the electric musical thunder and the crowded dancing floor.

a sickening odor of cigarette and dry spit mixed with several versions of alcohol. To get to the bathroom where I managed to lock myself in, you had to go through a long and black corridor sprinkled with

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in a chorus of laughs, split in different directions never to see each other again.

The three lost in each other under their own desire. It would have been a typical

I must confess that sitting there, in this place could induce anybody to write a bit of fiction. Did this happen this way or that way and it is not easy to avoid it since I see myself surrounded by little details where each story is more fantastic the next. That is why I decided to come here regularly only to write. It is the ideal place for the writer of today.

alley scene of an early morning had it not been for the claustrophobia I felt for being locked in a corridor filled with people breathing through their open mouth. While the boy kissed the borders of the younger girl’s mouth, the older girl slipped her hand under her skirt, messing with her hair. They both caused the girl a furious moan that muffled the noise that bothered me from the back. A few minutes later, the three of them embraced

Its walls serve as a complex urban Bible with formulas that can provoke the most aggressive reading frenzy any reader could imagine: recipes to build house bombs, headlines about music bands that vanished inexplicably during their tour, jokes drawings with their respective fucks and figures of penis; “Matias is fucking Jesse... you can find her screaming with delight illustrated on his tattoos”.


Wynwood

of bloody sounds and yells that enraged the passerbys who were experts at mixing the music with Vodka and Rum. A sea of people came and went dressing casual with short skirts and clear cotton pants.

Many write inside a bathtub, naked, drenched, with the typewriter resting on a plank over their genitals. I used to do it. Others write in abandoned bus terminals, in cemeteries leaning against the tombstones; in brothels, sitting in blue velvet chairs. I prefer to write in this bathroom as do others, in the Art District of Wynwood. Seeing the flyer, among so many others of the Spanish Rock and Roll Band “Minimal” taped to the wall and where they show a plane with the passengers sitting on its wings, I ask myself about that writer who wrote during the flight from N Y to Miami a note worth the Pulitzer price and who signed it just before everything went wrong at 32,000 feet taking him and the rest straight into the ocean. It was a masterpiece that will never be read. That is why I choose to stay close

to the pavement and write inside this enclosure inspired by garbled thoughts plastered on the wall while you relieve your bladder and your stomach surrounded by invisible sex over the sinks and imbued by the conversations of what does Adriana’s boyfriend do, Giselle’s shoes, the

art of Obey and the not so good coke of Santiago’s. Anyway this enclosure is a true map of stories dedicated to five minute readers, rococo of letters of peculiar imagination, dark, filthy.... the ideal place for a writer like me. On my way out, I went through the kitchen behind the bar. I felt an aromatic cloud of broth and Cuban meat until I stumbled on the to the alley way. The Galleries were all open, filled to the brim with the most recent art ready to decorate the avenue of the end of the world. The murals vibrated with the pulsing electricity of the light poles. They celebrated the arrival of the Mesiah. The most important bands of this subterranean place under the stars spilled a series

Beards under perfect haircuts and hair do’s perfectly pinned by bobby bands. It was Saturday night and Wynwood was packed with guests and locals but never invaders. And while I walk under the unpredictable climate of Miami where out of nowhere comes a heavy rainfall, far away, close to the food-trucks were the models, dancing under the rain that washed away their sweat and make up. There is no other place like this one on this planet. To write, to create, to know, to disappear, each corner, each alleyway, each bar and coffee shop, each gallery, each wall, each look, each skin, each mouth, each mind in Wynwood is a metaphor of fire, saliva and beauty, painted with the most beautiful colors of chaos. A metaphor of stories that begin with a kiss, a look, a run, a smile, a shot and end with a vision, a drink, with a revelation that strips all the versions of the life of a human being: nice and twisted, naive and dark, illuminated and horrific; Passionately illustrated over a immense overpass of murals. l


Aunque Usted no lo Vea

POR PABLO ERMINY.

Swiss Army

Man... Acababa de ver algo perturbador y hermoso al mismo tiempo. La película había comenzado con un modesto público presente, que a lo largo de los primeros minutos se fue retirando de la sala, dejándonos a unos pocos a la aventura entre un náufrago suicida y el cadáver flatulento que descubre descompuesto a la orilla de la playa. Sería justo argumentar que gracias al descaro de ‘Daniels’ (Daniel Scheinert y Daniel Kwan), autores celebrados por sus videos musicales; y realizadores en conjunto de este, su primer filme en cuestión, se le haya rociado gasolina al ‘establishment’ de las carteleras actuales. Todo, en el nombre por mantener al séptimo arte, excepcional. ‘¿Habré traído mi cajetilla de fósforos?’, pensé con la cara aun empapada.

as luces fluorescentes del baño público emitían sobre mi el mismo verdor moribundo que tiene la tez de aquel que lleva días, quizás semanas, muerto. Mientras me lavaba la cara, traté de darle un sentido concreto a la emoción que llevaba atornillada en el pecho. Levanté los ojos, y al verme al espejo sobre el lava manos, emulé la tierna sonrisa cadavérica de uno de los personajes principales; el fallecido.

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Los primeros minutos ponen a prueba la tolerancia de la audiencia. Hank descubre que los pedos que expide el cadáver de Manny podrían provocar una propulsión a chorro, necesaria para escapar de aquella isla desierta. Entre gritos de desesperación y alegría, Hank monta a Manny a toda velocidad al estilo de un jet-ski humano, penetrando cada vez más la inmensidad del océano con la esperanza de encontrar tierra firme y así escapar de una muerte segura. El título de la obra invade el centro de la pantalla… ‘Swiss Army Man’, y es magistralmente protagonizada por Paul Dano, (’There will be blood’, ‘Little Miss Sunshine’, ‘Where the wild things are’) y Daniel Radcliffe, (‘Harry Potter’, ‘Kill your darlings’, ‘Horns’). Solo se necesita

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un poco de fe y curiosidad de parte del espectador para arribar hasta los créditos finales; y ciertamente vale la pena hacerlo, porque la obra nos transporta por el sendero de un impresionante ‘storytelling’ cinemático, utilizando como premisa un precioso tributo a la amistad; y con el objetivo de cumplir una misión que parece imposible… no dejar de existir. Este trabajo fílmico corre constantemente el riesgo de irse por el desbarrancadero del mal gusto, de ser asquerosamente profano y de ser un tributo al mal celuloide; pero la película nunca colapsa. Todo lo contrario. Con una suave danza entre la historia, las interpretaciones, la fotografía y la música, llegamos a disfrutar como a lo largo de la aventura la relación entre Hank y Manny se va fortaleciendo. Hank descubre que el cadáver de su nuevo compañero funciona como una navaja suiza humana; utilizando sus brazos para cortar troncos, su estómago como depósito de agua fresca, su boca como metralleta, sus pedos para encender fogatas. Sin embargo, es en las conversaciones delirantes que ambos sostienen, en donde logramos re-conectarnos con la razón de estar vivos. Si tan solo los fariseos de la academia le apostaran una nominación a esta película, (ya con todas las características para convertirse en una obra de culto), y con esto ofrecerles un chance al ‘mainstream’, sería como dinamitar con la imaginación los cimientos de una industria que lleva años asfixiando las butacas con contenido hueco. ‘Swiss Army Man’ es una película que lo ofrece todo, de unos creadores que prometen ofrecer aún mucho más: la promesa de una irreverente resurrección de este medio en América del Norte. Ya fuera del baño, me percato que no hay nadie en el cine. Solo se escucha un hilo musical diminuto, esa pieza de Brian Eno, ‘An Ending (Ascent)’. Me siento por unos instantes sobre la alfombra que se extiende hacia los interminables pasillos abandonados, y que hacen del lugar una estación fantasma de sueños, de imágenes que parpadean disparadas desde un proyector hacia la pantalla, en cada sala, todas vacías. Una secuencia de afiches que promueven las próximas películas decoran la salida con una melancolía terrible. Las escaleras mecánicas siguen funcionando y es porque de seguro vive y respira un monstruo debajo de ellas. La puertas de vidrio se abren y se cierran solas, como poseídas por un caballero cortés. Me pregunto que sucedería en el cerebro de Lynch al exponerse a una escena como esta. No hay nadie vivo, solo algunos escasos zombies recorriendo el estacionamiento, consumidos por sus móviles. Se me ocurre que en estos tiempos de desconexión severa entre nosotros, lo más sensato para ‘rebutear’ el alma, para reiniciar la capacidad de asombro, es tener un cadáver multiuso a nuestro lado. No. No cargo los fósforos conmigo, pero me pregunto si alguno de ellos quisiera acompañarme a casa. l


Event

EMILIA AZCÁRATE:

Full Emptiness/ El Vacío Lleno

Opening Reception: Friday May 27, 7-9 pm Exhibition runs through July 30, 2016 Gallery Hours: Monday to Friday 11-6 pm

rings through urban neighborhoods-each experience is a unique interaction. The exhibition will feature Azcárate’s newest mandala, Miami (2016), with bottle caps collected through a collaborative effort between the artist and city residents.

iami Biennale is pleased to present Full Emptiness, Emilia Azcárate’s first exhibition at the foundation. Her works on paper, canvas and board, present unique forms of conceptualizing and synthesizing her spirituality and artistic practice. The installations shown in the gallery space highlight color, concentric compositions and forms of calligraphy and serve as a visual counterpoint to the permanent installation of James Turrell’s Coconino (2007). The disciplines of Azcárate’s meditation practice carry her through her art making, providing a structure that allows for the blurring between internal reflection and participation in the frenetic activity of contemporary society. Azcárate’s mandalas are one such example. The mandala has been used for millennia in Hindu and Buddhist iconography as a means of centering the

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practitioner, aiding in concentration and meditation. The geometric patterns found within them are meant to resemble a microcosm of the universe and to transcend the finite boundaries of space and life by signifying the limitlessness of the mind and the cosmos. In this context, Coconino can be seen as a modern such mandala. As Turrell explains, “My work has no object, no image and no focus. With no object, no image and no focus, what are you looking at? You are looking at you looking. What is important to me is to create an experience of wordless thought.” The mandalas that Azcárate creates are composed of discarded bottle caps foraged from the streets of the cities she visits. Bearing the names of the cities in which they were generated, the mandalas are contemporary microcosms that represent the inclinations of their constituents. The mandalas are mounted according to the creative and intuitive processes that guide Azcárate’s wande-

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The “Gohonzon” is used in Nichiren Buddhism and takes the shape of a scroll inscribed with Japanese and Sanskrit characters that embody the principles of Nam-myoho-renge-kyo, which is the life state of Buddahood inherent in all people. In her series Gohonzon (2013-present) Azcárate builds on the circular forms of the scroll by abstracting them and layering stark monochromes and concentric patterns. With the Gohonzon occupying a place of high importance in Nichiren Buddhism and meditation, these works offer an insight into the artist’s spiritual, aesthetic and conceptual interpretation of this complex object of devotion and its primacy in her Buddhist practice. The Practicables series (2012-present) is also structured around the prominence of the circle but is dedicated to the physical acts of continuous spiritual practice and the varied emotions and gestures that comprise it. This sense of engagement, set forth by Azcárate, is completed by the requirement for viewer interaction with the Practicables. Placed on an open shelf instead of being hung on a wall, the individual paintings can be rearranged and manipulated to create new compositions, allowing the viewer to become involved with the works on a personal level. In Full Emptiness, one can see how profoundly Azcárate has integrated her spirituality and art into her everyday life. As experienced through her mandalas, which involve meditative practices in the urban environment, as well as her Practicables and Gohonzon series, which invite the spectator to participate in her conceptual and creative forms of materializing her spiritual practice, Azcárate demonstrates how she bridges these very different worlds. Through these connections we too can appreciate the subtleties between internal and external, between the material and the spiritual. True to Miami Biennale’s mission of providing Education through Art, a gallery talk will be held during the course of the exhibition. l


Ladies POKER

The Art of Prostitutes

This year, the topic is “What people do for money” It took the 11 th edition of the European Bienal of contemporatry art. MANIFESTA.

BY KARINA MATHEUS

he clock did not show 12 O’clock noon yet and in clarahuss, you could see the sexual workers begin their work day. For some, the street looked colorful and fun. For ohers, it was sort of a scandal with a mix of lack of elegance to stumble on to Webergasse 34 and this whirlwind of women’s hormones offering themselves and men demanding the services of paid pleasure. Most likely, for the former to see that much variety of shapes and colors in the bodies of prostitutes- Latin, Swedish, European, Asians, Africans – provided that special feel of Art Basel smack in the middle of june. For the latter, who most probbably found it atrocious to face this Dante like scene before noon and right by the entrance of one of the most important fairs like Scope Basel, it was not the best way to celebrate its 10th anniversary. At first sight you might miss the way things are but after a few hours you get the whole picture. Curiosity aside and due to maybe those buildings of few floors, some of these girls talking on the phone or from listening to the tunes of some Saxon player flirting with his instrument. It makes you walk so you get the photographic information – a kind of future post for the grid- and from wondering and smelling the street. You surprise yourself at the contortions the girls make, aiming to get clients that day and you smile fakingly for living through a movie moment without any danger.

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since you are wearing an overcoat that covers you from head to toe but at the second request from the man, you turn around and say “ Really”.

As though you were at the set, stealing the first shot from the stars. Only to have it all vanish instantly with bloodshot eyes when a potential customer approaches and asks “ How much”. You swear it is not with you,

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The oldest profession in the world _ according to Wikipedia – has always been the one reflected by art. Women, Men and most recent transgenders involved in prostitution. This year, the topic, “ What people do for money” took the 11th edition of the Bienal Europen of Contemporary Art MANIFESTA that was held this time at the Migros Museum of Zurich. In my opinion, one of the most interesting works was that of Teresa Margolles, a Mexican artist whose main line is Conceptual Art, Photography and Performance. Margolles is well known for her work about violence in her home country stemming from the war of drug trafficking but especially for her piece tittled Vaporizacion. A disinfected water station used to clean the bodies of violent deaths at the morgue in Mexico City. For this occasion, the artist decided to photograph transgenders prostitutes. At first, Margolles tried to re-create a poker room with Sonja Vera Bohorquez, a transgender prostitute from Zurich along with others from Mexico and some of her collabortators. The idea was to stage a performance in June at the premises of the Rothaus Hotel on Langstrasse on the renovated red district of that Swiss city. But if anyone goes to MANIFESTA 11 before the closing on the 18th of September of this year, He will find a variant


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And this obssesive tendency to associate, takes my curosity to how Margolle’s work, the role of the subject – object activates: the roles mingle and interchange. The full participation of these transgender prostitutes, places them in an situation similar to the creator of the artwork, the artist himself, allowing them glimpses of artistic moves as a second professional careers. I think Zurich is, if not the best, is the best place to exhibit a work like this. It is in the end, a city with a long history of artistic and intellectual liberalism, craddle to important movements of the same kind. Looking at this city, you can have one of the most nototious examples of economic and technonological advances in today’s world. Selecting it as the site for MANIFEST 11 has allowed – the very fundaments of the biennal- to explore a critical course about global terms related directly with the urban space and society as a whole where art plays an keen social role. Curious is that Zurich as the rest of Switzerland, voluntary prostitution carried out by consenting adults is legally allowed. The goverment has intervened by improving the conditions for sexual workers and enabling special zones to excersise this profession, and creating safety and sanitary conditions. But human trafficking cases continues to rise to include not only immigrants from the European Union but also from LatinAmerica

of the original idea. Due to the murder by beating of Karla, one of the Mexican collaborators on the 22 of September of 2015 in Ciudad Juarez, Margolles decided to move Sonja and other Transexual prostitutes to that city and create “ Ladies Poker”. This dialog, taped in video on the 11th of May at the basement rooms of the Hotel Bombina lasted 3 hours with Karla and closed in on the vicissitudes and insecurity that sexual workers go through in both cities. This section of MANIFESTA did not stop there. It included the testimony in video for 13 minutes of “La Martina”, another sexual worker talking about the Karla’s murder whose real name was Hilario Reyes Gallegos and her picture. All this work, courtesy of the artist and the Peter Kilchmann Gallery in Zurich.

Of all the body of work, one stood out in my mind. In order to close the circle in this part of the Bienal; Sonja took a sharp object and stabbed one of the walls of the place. She made an “ incision” that depicts the female sexual organ – putting it elegantly to avoid the blushing in the faces of friends or mine at the very least – those who see the potograph of this work, will see the torn pink cloth that I associate with the hymen of life, broken by abuse, desdain and even the lack of humanity at this social situation. It is inevitable to feel rage, anger and suffering of this philosophical texture that undoubtely questions our role about this topic of prostitution and its criminal byproducts.

P.S.: By the way. Karla’s case is still open. The murder is still not solved. l

Meanwhile, at the Hotel Rothaus, the origianl set, Karla is the star of a posthumous memorial created by Margolles. www.openartnews.com

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Miami Home Design

HGTV’s Matt Muenster is Crashing the Miami Home Show! Be Inspired at a Star-Studded, Labor Day Weekend Design Event!

iami, FL...July 19, 2016…The Miami Home Design and Remodeling Show returns Labor Day Weekend (September 2-6, 2016) to the Miami Beach Convention Center. Visitors will find thousands of choices including the latest trends in landscaping, design, furniture, fine art, decor, home security, hurricane protection, and more. “Over forty years of experience presenting leaders in the residential and commercial improvement industries, allows us to be adept at evaluating the needs of a new generation of homeowners,” comments Adam Kayce, Show Director. “We strive to be the community’s premier source for design inspiration and education, and provide business to consumer engagement before, during, and after each Show.” The five-day event includes seminars, art showcase, cooking demonstrations, and interactions with local and national celebrities. Here’s what to expect:

and Blog Cabin. His passion for design led him into a career of hosting TV and creating an identity and brand to engage viewers through his high energy yet comfortable on camera persona. • Five South Florida Interior Designers will create a room vignette for a popular television news journalist. Ask questions and learn design tips while relaxing in each designer’s stylish, room vignette created exclusively for the Show. This year’s Designer/Celebrity matches are: Viviana Galetto-Malave of VGM Decorators Inc. and Glenna Milberg from Local 10 WPLG; Anya Cesar of Anya Renise Design Group and Shireen Sandoval from WSVN 7; Roberta Black of RB Design and Jasmina Marazita from Telemundo 51; Janice Attia of J. Attia Design and Sandra Peebles from Noticias 23 Univision; and Reginald W. Dunlap of Luxe Interior Design and Finishing and Rick Folbaum from CBS4 Miami.;

• Matt Muenster of HGTV’s Bath Crashers and DIY Network’s BATHtastic! presents, “A Modern Take on Bathroom Design” – Sunday, September 4th and Monday, September 5th (Labor Day.)

• “Know Your Rights: Ask Christina!” – Emmy AwardWinning, Local 10 News reporter Christina Vazquez of the Call Christina segment, will discuss Consumer Protection and answer questions on Saturday, September 3, at 2:00 and 4:00 p.m.;

Matt Muenster, TV Host, Designer and Licensed Contractor, has been hosting in continuous production for the past 8+ years on HGTV and DIY Network branded programming. He has hosted the hit show Bath Crashers, BATHtastic!, Ellen’s Design Challenge, HGTV Dream Home 2015

• Become “At Home with Art” – Chat with South Florida artists, learn about local art events and resources, and enjoy a showcase of paintings, sculptures, and photography. This year’s Ambassador Artists are: Alessandro Abate, Aquarela Sabol, Nate Dee, and Teepop of the Little Haiti

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Mural Project curated by Yuval Ofir; Charles Trainor Jr., Jennifer Kay, Marice Cohn Band, CW Griffin, and Patrick Farrell, Edouard Duval-Carrié, Creative Director of the Haitian Cultural Arts Alliance, and curated by Carl Juste; Rolando Elejalde, Annie M, and Marta Ismail of Viernes Culturales/Little Havana Art District curated by Pati Vargas; MANO, Josepo, Jorge Ballara, Lorie Ofir, Rosee Camafreita, Darren Johnson, Ivan Castillo Lagrange, and Bartus Bartolomes. • Under the direction of Chef Paulette Bilsky (Culinary Stage Coordinator) popular local Chefs provide culinary inspiration at weekend-long demos with a Miami Beach Chef Spotlight presented by the Miami Beach Chamber of Commerce; • Support the launch of the first Home Show’s “Collection Drive” benefitting the Ronald McDonald House of South Florida Charities. The organization will also offer an interactive, family-friendly art activity.

September 2-6, 2016 | Labor Day Weekend Miami Beach Convention Center 1901 Convention Center Drive Miami Beach, FL 33139 www.homeshows.net flhomeshows@gmail.com Facebook url: https://www.facebook.com/ events/1774999989408960/ Ticket url: http://ow.ly/8g4G302jfFK l


MANUEL BRITO:

DREAM PERSPECTIVES

The Venezuelan painter and disciple to Maestro Armando Villalon works the canvas from a very unconventional view which mixes natural landscapes with architectural compositions. Text: Fabián Soto Rueda (@SotoRueda) pictures: Héctor Andrés Segura (@HASPKARATE) JENIREE BLANCO ART DIRECTOR WHITE’S ART

There are work of arts that inspire melancholy and others that are an explosion of joy. There are artists who seem nostalgic and others who are contagious with happiness. Furthermore, there are those who move us from one emotion to the next with as much ease as changing the canvas or the palette. But surely there are few artists who evoke different emotions in one single piece of art. Such is the case of the Venezuelan painter Manuel Brito, a student of color, the play in hues, the light and the shadows like found in the movie Inception. (2010). He has dedicated himself to the creation of his own world with a mix of planes, perspectives and dimensions that defy the rules with see the world under. Different from the movie by Christopher Nolan, Brito’s landscapes are not cities or open ranges but closed areas, wide in door spaces that seem unused at first sight but upon closer inspection reveal a full charge of feelings and sensations. Statics and objects and angles of unsubstantiated light that seem to speak of our memories. It is common to hear the spectators of Manuel Brito’s work, expressions such as “I had one like that one”, That Arch looks like...”, “This reminds me of...”

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In Inception, the star, Don Cobb played by Leonardo DiCaprio tells the architect of the world of dreams, Ariadne (Ellen Page) not to use elements of her memories in her designs but familiar universal resources so that the dream comes to life, with an uncommitted memory. The same way the Venezuelan artist appropriates objects, figures and spaces that we have all seen or experienced and awaken the spectator into an instantaneous empathy with the piece. His actual plastic proposal is the extension of a series of well received body of work, he has been working on for a decade called, Infantino, characterized by the use of child like figu-

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White’s Gallery Manuel Brito is a confessed admirer of the landscape which he assumes from an unconventional standpoint in an avant-gard proposition that mixes architectural compositions and natural landscapes. His work is a calling, a permanent metaphor of reality showing that nothing is what it seems and what it seems is better when it is not

MANUEL BRITO EN WHITE’S ART GALLERY JULIO-AGOSTO 2016

Manuel Brito has his debut in The United States thanks to the alliance of VGS Art Gallery Villalon Venezuela and WHITE’S ART GALLERY, in Bird Road Art District Miami fl. We invite you to enjoy this wonderful and “individual” exhibition. Open to the public from Saturday 16 June 2016. From Tuesday to Saturday from 12:30 to 6 pm l

rines, toys and home furnishings in large dinning rooms of shiny floors where the experience of the artist can be appreciated as to the degration of colors, the re-creation of light and the basic concepts of volume, dimension and depth.

brightness of the surface weather on the stillness of the ocean or in the play of light and shadows over the canvas of the Avila”. Says the Venezuelan plastic artist, a disciple of Armando Villalon.

“I continue to play with the perspective and experimenting with the lines. Such craving for architecture is still present where the shadows play an important role contrasting with the plane but without altering the serenity and tranquility of the ambience which has been my biggest challenge: To evoke peace and serenity” explains Manuel Brito.

Precisely with the painter of “The painter of the Myst”, he learned the ways of plastic arts from putting together the canvas until mixing the pigments when he was still a teenager. When the Maestro Villalon discovered his passion and ability, he did not doubt in supporting him to start his own career. He debuted with his first exhibition in the gallery of his mentor today VGA Villalon Art Gallery. The organization that represents his body of work.

Some find peace in the memory and that is why the toys generate melancholy. Others find it in the unmeassurable landscape for which all fall for in awe. In any other case, objects like marbles, a lead soldier, Bicycles or balls are more representations of human beings. Symbols of their vulnerability in the world. Nevertheless, in his most recent production, the artist has chosen to eliminate some of the walls of those large dinning rooms only to leave open columns and balconies facing a complete dusk of Avila mountain silhouetted over the city of Caracas or Marines of still waters and open skies. Trinitaries in the city or banks of sand by the coast line complement the landscape in a second plane where the architectural line and the volume of the landscape converge. “I feel very proud of my landscaping roots. That is why the landscape is still present but with a more of a protagonist role, not as timorous but the contrary, it takes away the

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Nicolas Felizola

NICOLAS FELIZOLA “ THE ICON OF FASHION”

icolás Felizola is a mystic soul filled with creativity who has taken step by step advances to achieve big things in the fashion world and has earned the nick name of “ICON OF FASHION” in Latin America. To describe his work, you must walk through many fields of art since he is considered an integral artist whose vision is limitless. Today, his name is synonym with elegance, quality and above all, exclusivity. He is humble, spiritual, sincere, direct and a dreamer with an inherent sense of human values. That is Nicolas, a Venezuelan man who with dreams in his bags, ventured to explore the world and leave the name of his beloved country all over the universe. A spectacular human being and a lover of art. That is why OPEN ART NEWS took the day to spend with this great Venezuelan man. He greeted us with a big smile, affable and always looking his best. He took us for a tour of his atelier, to enjoy his collection and his new line (felizolaonline.com). His line of beautiful purses. We spent several hours talking about his art collection. Then he invited us to the office where we continued to enjoy his conversation and saw many of his awards and a wall filled with magazine covers and photographic material relevant to his business and Fashion shows taking place around the world.

are calling the Missochic which this coming year will be carried out with an artist or a singer. But it was also unique in Fashion because it was my idea to have a fashion show of my collection accompanied by the Miami symphonic orchestra. This will not repeat because it was complicated in terms of cost and production. Many personalities, models, 100 musicians on stage which will give color to this spring summer collection of 2016

JB. How do you see the fashion market in Miami? NF. The fashion market in Miami has taken a wonderful turn because Miami has become a capital for the Arts, Music and Entertainment but above all for Fashion. We have here an impressive ethnic diversity that seeks to project its personality through their work, leaving a mark with their style and that is very normal in the fashion world. I always say that I don’t believe in Fashion but in a style of life as such. The projection increases and we see how Miami is becoming more and more like any other world capital such as Milano, London, and Paris where there is a big awareness in dressing up. Here, obviously adjusted to the local climate which is privileged and allows us to play with the style and the colors and creating a large variety

JB. Events like the one with Eduardo Marturet Misso and Felizola will come back?

NF. The truth is that this event which I initiated with Eduardo Marturet three years ago and actually took place thanks to the perfect union of the Damas Salecia-

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JB. Is the new collection Felizolaonline.com directly from Italy?

NF. Quality has always been the goal in each one of the collections I do and this could not be the exception with my highly skilled workers who understand the decision made by my clients and my followers that wanted to have a piece of Nicolas Felizola. They know the clothes are tailor made. They are unique pieces and made to suit the personality of the wearer.

nas, American Developing Smiles, Eduardo Marturet with the Miami symphonic orchestra, sponsors from the Art world and entertainment and of course a wonderful group of my own clients along with people who understood the ambition, uniqueness and unrepeatable aspect of the event, knew they could not miss it. The one and only of its kind, the first edition of what they

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To produce a piece as such involves a creative and unique process. We have created a webpage. Felizolaonline.com to offer women purses, scarf ’s, sunglasses, mineral make up, men’s suits, ties, men’s wallets, belts and a beautiful line of beauty products. This webpage is s division of the Felizola brand which has been very successful on the internet and our private clientele since they realize that the quality and design is part of a vision and positioning particular to the brand


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Nicolas Felizola JB. Is an unstable economy a definite factor in fashion?

NF. Definitely. The economy has an impact on the fashion industry in terms of costs but fashion is a basic need since we can not go about without clothes or without food or have those things that provide personal satisfaction. Fashion is definitely fluctuant, depending on the economy situation of the country or word wide but it also depends on the importance that each one of us places on the way we express our personality. What we see today is that there is a plethora of choices in terms of you creating your own style and that makes fashion not a trend setter, unavoidable in the way you dress. You don’t want to be a puppet to fashion. Sometimes you want to mix what you already have with something you can afford. We can see that platform shoes without platform are still in demand, pointy for women while for men the same applies. Wide ties, the thin one, the medium size, tight suits, the classics. There is no specific parameters of what fashion is today.

JB. Is Miami an important market, why?

NF. Yes, it is an important market. I am one of the first ones to believe it. You must understand that Miami is a very young city in terms of Art, Music, and Fashion and that there have been very wonderful movements such as Art Basel, Opera Season, Theater, Art fairs and Fashion could not be left behind. Miami Fashion week, Mercedes Fashion week are some Fashion events that gave Miami that feel of contemporary city in all senses. The Miami market is important to me because I am a Latin-American designer. I am Venezuela-Italian and have a clientele that is latin and Miami which is without a doubt the Latin American Capital. Its location is ideal and spectacular. We are a very short distance of Latin-American but also close to Europe. I

live in three cities, Paris, New York and Miami where I have Ateliers that I see people by appointment only. I love the heat of Miami, the warmth of Latins who really make me feel at home and who think of me as a standard of Fashion that belongs to them. I always say it in the interviews I give locally and internationally. I am Latin. I am Venezuelan. I am proud to work in the Fashion industry. I understand it; I understand the body of a woman and the colors as a celebration of our roots and culture

JB. How does other designer see you?

NF. Laughs. I don’t confront them. I see them as an option of different visions of what fashion is. I think that whoever always decides what is good for them or not is the customer. Celebrity is the by product, the end result and placed on us in order to transfer what we understand as fashion. I think it is great that there should be a

variety of styles, trends and such. In my particular case, it becomes a commitment for the constant search to express myself as an artist in the world of fashion every time I am included in any list of famous designers as Oscar de La renta or Carolina Herrera

JB. Tell us about your experience with Carlos Cruz Diez?

NF. It was a magical experience to be in Paris with him. When I was going to do my collection in Paris “ CINETIC”, I showed him my first fabrics, inspired in the cinetic movement which I dedicated to Cruz Diez and Jesus Soto and it was a magical experience when he told me I was a pioneer of the textile cineticism movement because I was not copying anyone style. You are not working on fabric inspired on one of my pictures but you are creating your own Cinetic movement. That stayed seared in my brain since it is a big compliment coming from someone like him. So this way, we say goodbye to Nicolas who has shown us in this interview his professionalism, his human side and his passion for art in all his forms. So Nicolas Felizola, an Icon of Fashion and a lover of art. l

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