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PRIMERA BIENAL DE ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE DE CANARIAS FIRST ARCHITECTURE, ART AND LANDSCAPE BIENNIAL OF THE CANARIES


CREDITOS / CREDITS Proyecto Editorial / Editorial Project: Viceconsejería de Cultura, Gobierno de Canarias, Rosina Gómez-Baeza Coordinación General Editorial / Editorial General Coordination: Ana Botella Díez del Corral Coordinación Editorial / Editorial Coordination: Rosa Suárez Vera Coordinación de Arquitectura / Architecture Coordination: Miriam Arricivita Diseño / Design: Valladares Diseño y Comunicación, S.L. Música / Music: Tamgo Imágenes / Images: Teresa Arozena, Carlos de Saá, Alfredo Delgado, Nacho González, Tony Hernández, Juan Ramón Martínez, Luis Nóbrega, Miguel Ángel Quintas, Francisco Rojas Fariña Colaboración / Collaboration: Diana Fariña, Elena García, Silvia Lozano, Cristina Reina Traducciones / Translations: Lambe&Nieto, Gabinete Erasmus Textos Artes Visuales / Texts Visual Arts: Simón Flores, Beatriz Herráez, Cynthia Krell, Ravelle Niemann, Andrés Isaac Santana Impresión / Publisher: Gráficas Sabater ISBN: 978-84-7947-433-1 Depósito Legal:


COMITÉ DE HONOR / HONORARY COMMITTEE Presidente de Honor / Honorary President Su Majestad D. Juan Carlos I Rey de España Presidente del Gobierno de Canarias / President of the Government of the Canaries Excmo. Sr. D. Adán Martín Menis Ministra de Cultura / Minister of Culture Excma. Sra. Dª Carmen Calvo Poyatos Consejero de Educación, Cultura y Deportes / Counsellor for Education, Culture and Sports Ilmo. Sr. D. Isaac Godoy Delgado Viceconsejera de Cultura y Deportes / Vice-Counsellor for Culture and Sports Ilma. Sra. Dª Dulce Xerach Pérez


CABILDOS / ISLAND COUNCILS

AYUNTAMIENTOS / CITY COUNCILS

Presidente del Excmo. Cabildo Insular de El Hierro / President of the El Hierro Island Council Excmo. Sr. D. Tomás Padrón Hernández

El Hierro

Lanzarote

Alcalde-Presidente del Ayuntamiento de Frontera / Mayor of Frontera Sr. D. Pedro Luis Casañas Padrón

Alcaldesa-Presidente del Ayuntamiento de Arrecife de Lanzarote / Mayoress of Arrecife de Lanzarote Sra. Dª Mª Isabel Déniz de León

Alcalde-Presidente del Ayuntamiento de Valverde / Mayor of Valverde Sr. D. Agustín Padrón Benítez

Alcalde-Presidente del Ayuntamiento de Teguise / Mayor of Teguise Sr. D. Juan Pedro Hernández Rodríguez

Fuerteventura

La Palma

Presidente del Excmo. Cabildo Insular de La Gomera / President of the La Gomera Island Council Excmo. Sr. D. Casimiro Curbelo Curbelo

Alcalde-Presidente del Ayuntamiento de Betancuria / Mayor of Betancuria Sr. D. Ignacio Gordillo Padrón

Alcalde-Presidente del Ilmo. Ayuntamiento de Santa Cruz de La Palma / Mayor of Santa Cruz de La Palma Ilmo. Sr. D. Anselmo Francisco Pestana Padrón

Presidente del Excmo. Cabildo Insular de Lanzarote / President of the Lanzarote Island Council Excma. Sra. Dª Inés Rojas de León

Alcaldesa-Presidenta del Ayuntamiento de La Oliva / Mayoress of La Oliva Sra. Dª Claudina Morales Rodríguez

Tenerife

Presidente del Excmo. Cabildo Insular de La Palma / President of the La Palma Island Council Excmo. Sr. D. José Luis Perestelo Rodríguez

Gran Canaria

Alcalde-Presidente del Ayuntamiento de Granadilla de Abona / Mayor of Granadilla de Abona Sr. D. Francisco Jaime González Cejas

Alcalde-Presidente del Ayuntamiento de Agaete / Mayor of Agaete Sr. D. Antonio Lorenzo Calcines Molina

Alcaldesa-Presidenta del Ilmo. Ayuntamiento de San Cristóbal de La Laguna / Mayoress of San Cristóbal de La Laguna Ilma. Sra. Dª Ana Mª Oramas González-Moro

Alcaldesa-Presidenta del Excmo. Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria / Mayoress of Las Palmas de Gran Canaria Excma. Sra. Dª Josefa Luzardo Romano

Alcalde-Presidente del Ayuntamiento de El Puerto de la Cruz / Mayor of El Puerto de la Cruz Sr. D. Marcos Brito Gutiérrez

Alcalde-Presidente del Ayuntamiento de Santa María de Guía / Mayor of Santa María de Guía Sr. D. Fernando L. Bañolas Bolaños

Alcalde-Presidente del Excmo. Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife / Mayor of Santa Cruz de Tenerife Excmo. Sr. D. Miguel Zerolo Aguilar

La Gomera

Alcalde-Presidente del Ayuntamiento de Tacoronte / Mayor of Tacoronte Sr. D. Hermógenes Pérez Acosta

Presidente del Excmo. Cabildo Insular de Fuerteventura / President of the Fuerteventura Island Council Excmo. Sr. D. Mario Cabrera González Presidente del Excmo. Cabildo Insular de Gran Canaria / President of the Gran Canaria Island Council Excmo. Sr. D. José Manuel Soria López

Presidente del Excmo. Cabildo Insular de Tenerife / President of the Tenerife Island Council Excmo. Sr. D. Ricardo Melchior Navarro

Alcalde-Presidente del Ayuntamiento de San Sebastián de La Gomera / Mayor of San Sebastián de La Gomera Sr. D. Ángel Luis Castilla Herrera


UNIVERSIDADES / UNIVERSITIES

COMITÉ ORGANIZADOR / ORGANISING COMMITTEE

Rector de la Universidad de La Laguna / Rector, University of La Laguna Excmo. y Magnífico Sr. D. Ángel Gutiérrez Navarro

Presidente del Gobierno de Canarias / President of the Government of the Canaries Adán Martín Menis

Rector de la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria / Rector, University of Las Palmas de Gran Canaria Excmo. y Magnífico Sr. D. Manuel Lobo Cabrera

Consejero de Educación, Cultura y Deportes / Counsellor for Education, Culture and Sports Isaac Godoy Delgado Viceconsejera de Cultura y Deportes / Vice-Counsellor for Culture and Sports Dulce Xerach Pérez Directora de la 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias / Director of the 1st Architecture, Art and Landscape Biennial of the Canaries Rosina Gómez-Baeza Comité Científico de Arquitectura / Scientific Committee for Architecture Miriam Arricivita Vives Manuel Feo Ojeda Juan Antonio González Virgilio Gutiérrez Arsenio Pérez Amaral Flora Pescador José Antonio Sosa Juan Torres Comisario de Artes Visuales / Visual Arts Curator Antonio Zaya


ESTRUCTURA ORGANIZATIVA / ORGANISING STRUCTURE Consejera delegada de Canarias Cultura en Red / Chief Executive of Canarias Cultura en Red Dulce Xerach Pérez

Comité Técnico de Arquitectura / Architecture Technical Committee Miriam Arricivita Vives

Director Ejecutivo de Canarias Cultura en Red / Executive Director of Canarias Cultura en Red José Luis Cudós Weyler

Dirección Técnica de Producción / Technical Production Manager Ana Botella Diez del Corral Alejandro Vitaubet

Directora de la 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias / Director of the 1st Architecture, Art and Landscape Biennial of the Canaries Rosina Gómez-Baeza Comité Científico de Arquitectura / Scientific Committee for Architecture Miriam Arricivita Vives Manuel Feo Ojeda Juan Antonio González Virgilio Gutiérrez Arsenio Pérez Amaral Flora Pescador José Antonio Sosa Juan Torres Comisario Artes Visuales / Visual Arts Curator Antonio Zaya Coordinadora General / General Coordinator Ana Botella Diez del Corral Coordinadoras / Coordinators Elena García Silvia Lozano Clara Muñoz Rosa Suárez

Simposio Internacional / International Symposium Ángel Mollá Ramón Salas Antonio Zaya Coordinadora del Simposio / Symposium Coordinator Elena García Gabinete de Comunicación / Press Office Patricia Masset Soledad Petit Desireé Rieu Carlos Urroz Apoyo a la Coordinación / Assistant Coordinators Marisa Culatto Monzón Diana Fariña Cristina Reina Naira Rumeu Ruiz Becarios / Interns Natalia Clavijo Martínez Josué Marrero Hernández Ruth Rodríguez Pérez Juan Manuel Varela Álamo

Montaje de obra e instalación / Set-up and installation of artworks Obras y Carpintería Alonso SL Juan Pedro Ayala Antonio Calderín Luis Cuenca José Antonio Delgado Eclipse Elementhal Events Feltrero División Arte SL Miguel Ferrera Beni Martín MCB Gestión Cultural Gregorio Mendoza Rafael Moreno Jonay Ruiz Sentido Común Miguel Yurrita Tejuren Transporte de obra / Shipping of artworks Internacional: Artística Transporte Especial, SL Nacional: Sentido Común, aplicaciones y servicios culturales, SL Interinsular: Juan Grillo Seguros / Insurance Winterthur Seguros Seguridad / Security Visor Seguridad, SL Seguritas Seguridad España, SA Archipiélago Seguridad, SL Seguridad Integral Canaria, SA Web Canary Web SL Publicidad / Publicity BC Publicidad Patrocinios / Sponsors Juan Ramón Marcelino Antonio Domínguez Alfonso (La Noria), 27, 3ª planta 38003 Santa Cruz de Tenerife Tel: +34 922 574 752 Fax: +34 922 574 749 Avda de Canarias, 8. Edificio Tucán 35002 Las Palmas de Gran Canaria Tel: +34 928 277 530 Fax: +34 928 277 690


COLABORACIÓN DE CANARIAS CULTURA EN RED / COLLABORATION WITH CANARIAS CULTURA EN RED

COLABORACIÓN DE CENTRO DE ARTE LA REGENTA / COLLABORATION WITH CENTRO DE ARTE LA REGENTA

Director Ejecutivo de Canarias Cultura en Red / Executive Director of Canarias Cultura en Red José Luis Cudós Weyler

Dirección / Management Alejandro Vitaubet González

Presupuestos / Budgeting José Manuel González Hernández

Administración / Administration José Manuel Pérez Suárez

Administración / Administration

Centro de Documentación / Documentation Centre Nuria González Gili Elisa Hinestrosa Navarro

Jefe de Administración / Head of Administration Javier Palmés Contabilidad / Accounting Juan Santiago Sosa Recursos humanos / Human Resources Raquel del Pino Sánchez Apoyo a la contabilidad / Accounting Assistant Rafael Pérez Alonso Canarias Cultura en Red con / Canarias Cultura en Red with: El Hierro. Marta Alonso Varela Fuerteventura. María del Carmen Naranjo Gran Canaria. María del Mar Díe Lorenzo La Gomera. Rosa Suárez Lanzarote. José Manuel González Hernández La Palma. Manuel Feo Rosales Tenerife. Desireé Rieu Apoyo a la Coordinación / Coordination Assistants María del Mar Díe Lorenzo Fernando Pulido Camprubí Coordinación de espacios / Coordination of Sites Marta Alonso Varela Coordinación de Mailing / Mailing Coordination Enrique Trujillo Asesoría Jurídica / Legal Consultant Rosa Zárate Administration Assistant / Apoyo a la Administración Begoña Hernández

Departamento de Educación y Acción Cultural / Education & Cultural Action Department Natalia Ferrando Rodríguez Marta Vega González Dirección de Montaje / Setting-up Directors Juan López Salvador Carlos Matallana Manrique Diseño / Design Mario Rodríguez Sánchez Transportes y Correspondencia / Transport & Correspondence José María Betancor Suárez Mantenimiento y montajes / Maintainance and Set-up José Miguel Yurrita de Simón


ÍNDICE INDEX Presentación / Presentation Una iniciativa para abordar preocupaciones comunes en todo el planeta / An initiative addressing concerns shared all over the world Arte, arquitectura y paisaje, una invitación a imaginar Canarias / Art, architecture and landscape: an invitation to imagine the Canaries Una oportunidad para la reflexión / A chance for reflection El hombre y su medio / Man and his environs

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Arquitectura y paisaje / Architecture and landscape Comité Científico de Arquitectura / Scientific Committee for Architecture Virgilio Gutiérrez Arsenio Pérez Amaral Juan Antonio González Pérez Juan Torres Flora Pescador Jose Antonio Sosa Díaz-Saavedra Manuel Feo Miriam Arricivita Vives Construir la mirada / Building de gaze El vigilante del paisaje / Landscape watchman Arquitectura contemporánea en Canarias / Contemporary architecture in the Canaries Premio regional de arquitectura Manuel de Oraá y Arcocha / Manuel de Oraá y Arcocha regional architecture awards Escenarios del crecimiento / Scenarios for growth Ciudad de México: territorios de crecimiento / Mexico city: territories of growth Museum plaza: densidad urbana / conservación rural / Museum plaza: urban density / rural preservation Land-links, decálogo geo-urbano / Land-links. Geo-urban decalogue Lagos de cerca y de lejos. Viaje interactivo a una ciudad en plena explosión / Lagos wide and close. An interactive journey into an exploding city Metacity/datatown Pei Zhu Laboratorio de Fuerteventura: paisajes de encuentro / Fuerteventura laboratory: Landscapes of encounter Laboratorio fronterizo / Frontier laboratory Cuatro observatorios de la energía / Four energy observatories Encuentro las Pal+áfrica / Encouter las Pal+África Islas móviles / Mobile islands Festival del paisaje. 38 Años, 10 meses, 14 días... / Landscape festival. 38 years, 10 months, 14 days

023 025 026 027 028 029 032 033 034 036 040 044 046 050 056 058 060 062 065 068 072 078 084 090 092 098

Programación paralela / Fringe programme 101 Proyecto especies de espacios. Microarquitecturas para Arrecife / Species of spaces. Micro-architectures for Arrecife project 103 Especies de espacios / Species of spaces 104 Carta a los arquitectos / A letter to architects 106 Paseo marítimo de Arrecife de Lanzarote / Arrecife promenade in Lanzarote 108 El Reducto 110 La Plazuela: puesta a punto / La Plazuela: a tune-up 112 Olameda 114 Criterios generales de intervención en el área del Parque Islas Canarias / General criteria for intervention in the area of the Islas Canarias Park 116 La Baja del Camello 118 Árboles escultura, intervención en el parque Ramírez Cerdá / Tree sculpture, intervention in ramírez Cerdá Park 120 Charco de San Ginés. Morro de la Elvira 122 Charco de San Ginés, Las Cuatro Esquinas 124 ...Sobre el espacio urbano: paisajes de encuentro... / ...On urban space: landscapes of encounter... 126 Pasarela Arrecife 128 Luz al límite / Light at the edge 130 ¿...Espacio público...? / Public space...? 132 Costuras / Seams 134 Escenarios de luces y sombras... Esperando la guagua / Light and shadow scenarios... Waiting for the bus 136 La arquitectura y el arte / Architecture and art 138 Acceso al Castillo de San José / Access to San José Castle 140 VFP 142 Proyectar el paisaje territorios en transformación / Projecting the landscape- territories under transformation 144 Propuesta del pabellón land-lab para la Bienal de Canarias / Proposal of the pavilion land-lab for the biennial of the Canaries 148


Artes visuales y paisaje / Visual arts and landscape En Marcha / arte y medio / Under Way / art and environment Antonio Zaya Adel Abdessemed Eija-Liisa Ahtila Jaafar Akil Fernando Álamo Alexis W. Allora&Calzadilla Alexander Apóstol Hamdi Attia Kader Attia Juan Carlos Batista Karina Beltrán Thami Benkirane Ursula Biemann Eelco Brand Olaf Breuning Sergio Brito Mircea Cantor Jordi Colomer Alfonso Crujera Salomé Cuesta / Bárbaro Miyares Fabiana de Barros / Michel Favre Ángel Delgado Allan deSouza Hala Elkoussy Jon Mikel Euba Regina Galindo Carmela García Kendell Geers Ori Gersht Juan Hidalgo Alfredo Jaar Concha Jerez / José Iges Kcho Amal Kenawy Mahmoud Khaled Ellen Kooi Pablo León de la Barra

153 154 158 160 162 164 166 168 170 172 174 176 178 180 182 184 186 188 190 192 194 196 198 200 202 204 206 208 210 212 214 216 218 220 222 224 226 228 230

Won Ju Lim Juan López Rogelio López Cuenca Guillermo Lorenzo Sara Maneiro Ángel Marcos Mona Marzouk Mateo Maté José Román Mora David Moratón Mosco Shirin Neshat Otobong Nkanga NOXER Open Circle Germán Páez Maria Papadimitriou Cecilia Paredes Ester Partegás Key Portilla Kawamura PSJM Younes Rahmoun Juan Carlos Robles Julian Rosefeldt José Ruiz Ruth Sacks Teresa Serrano Javier Téllez Johan Thom Antón Vidokle / Julieta Aranda Miwa Yanagi Z (Club)/ Néstor Torrens

232 234 236 238 240 242 244 246 248 250 252 254 256 258 260 262 264 266 268 270 272 274 276 278 280 282 284 286 288 290 292 294

I Simposio internacional. África, América y Europa / 1st Africa, America and Europe. International symposium Ursula Biemann Mahi Binebine Kendell Geers Remo Guidieri Salah M. Hassan Ángel Kalenberg Abdellah Karroum Abdelwahab Meddeb Ángel Mollá Joan Nogué María Inés Rodríguez Joaquín Sabate Ramón Salas Ana Tiscornia Yolanda Wood

299 300 303 305 309 312 316 319 322 325 331 336 339 342 346 349

La memoria del paisaje / Memory and the landscape Canarias: del hombre en funcion del paisaje al no lugar / The Canaries: from man according to landscape to the non-place Canarias, paisajes filmados / The canaries, filmed landscapes Campus de verano de las artes de Guía / The summer arts campus* Seminario sobre paisaje / Seminar on landscape*

354 366 370 374

Índice de participantes / Participants index Agradecimientos / Acknowledgments

379 381

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Oportunidad, singularidad y sostenibilidad son conceptos que distinguen a la 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje, un proyecto del Gobierno de Canarias que ha tratado de reflejar en las siete islas, las fragmentaciones, los desplazamientos, el paisaje, que inspirados en nuestro territorio, conforman los ejes temáticos sobre los que también se debate el arte contemporáneo. Con esta iniciativa hemos propiciado una reflexión abierta y libre sobre el discurso urbano, social, alternativo que esta Bienal exhibe a través de los artistas y arquitectos seleccionados, cuyas obras representan el diálogo transfronterizo y nos acercan a una implicación directa con lo social, con la arquitectura, con la vida y el espacio real, generando un beneficio indudable para nuestra Cultura. La 1 Bienal de Canarias ha puesto de relieve la especial relación entre la arquitectura y el arte y, a su vez, la necesaria unión entre arquitectura y paisaje, asistiendo a su recuperación como uno de los grandes temas para el arte contemporáneo, dando respuesta a la creciente preocupación del artista por ocupar y dialogar con su territorio, que es el lugar donde nacen sus reflexiones. La sostenibilidad es el eje a partir del cual se ha diseñado esta Bienal, no sólo atendiendo a las preocupaciones de Canarias, sino a aquellas que son comunes en todo el planeta: la superpoblación, la inmigración, la falta de comunicación, de conectividad, asuntos que han abordado los ciento cincuenta creadores invitados, pronunciándose con sus obras, al tiempo que ese debate debe de ser compartido con los ciudadanos.

Timing, singularity and sustainability are concepts differentiating the 1st Architecture, Art and Landscape Biennial, a project held under the auspices of the Government of the Canaries that aims to reflect in the seven islands the fragmentations, displacements and landscape that, inspired by our territory, make up the thematic axes around which contemporary art is also debated. This initiative fosters an open and free reflection on the urban, social and alternative discourse deployed by this Biennial through the selected architects and artists whose works represent a transborder dialogue and bring us closer to a direct involvement with the social, with architecture, with life and with the real space, with an unquestionable benefit for our Culture. The Biennial of the Canaries brings to the fore the special relationship between art and architecture, and at the same time the necessary union of architecture and landscape, witnessing its recovery as one of the key issues in contemporary art while providing responses to the growing concerns of artists to occupy and engage in a dialogue with their territory: the source of their reflections. Sustainability is the axis around which this Biennial has been designed, not only paying attention to the particular concerns of the Canaries, but also to universal issues like overpopulation, immigration, lack of communication, of connectivity… issues addressed by the one hundred and fifty invited creators proposing a debate to the whole of the community.

Adán Martín Menis Presidente del Gobierno de Canarias

Adán Martín Menis President of the Government of the Canaries

1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

UNA INICIATIVA PARA ABORDAR PREOCUPACIONES COMUNES EN TODO EL PLANETA AN INITIATIVE ADDRESSING CONCERNS SHARED ALL OVER THE WORLD

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Desde siempre, la relación del canario con su entorno ha estado marcada por el cuidado por su territorio, tan volcánico, tan desértico, tan maravilloso y embriagador. Es cierto que el paisaje contiene más que lo que el ojo percibe a primera vista. Y detrás de una realidad volcánica y subdesértica, Canarias escondía un lugar esplendoroso que afloró tras el titánico esfuerzo de aquellos que durante generaciones supieron ver un futuro prometedor entre la miseria y el olvido. Ahora, la puesta en marcha de la 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje, nos permite volver a reflexionar sobre nuestro presente a través de distintos factores que, desde siempre, han estado ligados a nosotros, como la emigración, protagonizada por los que se fueron y los que vinieron, porque todos ellos han contribuido al enriquecimiento de esta tierra que Iñaki Ábalos, acertadamente, ha definido como siete maquetas del mundo. Esta 1 Bienal no es sólo una muestra del talento de numerosos artistas que, en torno a este magno evento promovido por el Gobierno de Canarias, han decidido convertir nuestro Archipiélago en el epicentro de la cultura contemporánea. Sin duda, se trata de mucho más. Es un diálogo apasionante entre la arquitectura y el arte con el paisaje y, de forma muy estrecha, con el ciudadano, aspecto que reviste este acontecimiento de una especial singularidad respecto a otras manifestaciones de similares pretensiones. Porque Canarias es singularidad; de otro modo no se puede explicar que, en un territorio tan reducido y fragmentado, tan volcánico haya tanta diversidad física y biológica. Sin embargo, no es menos cierto que Canarias se encuentra inmersa en un profundo proceso de transformación sociocultural, de su territorio y su patrimonio natural como consecuencia de la implantación y consolidación de un modelo de desarrollo que nos puede hacer morir de éxito. La 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje no es una respuesta a esta situación sino una invitación a la reflexión, a replantearnos nuestra realidad territorial, a tomarnos un tiempo para pensar que futuro queremos legar a la Humanidad. Es tiempo de reflexionar, de volver a imaginar Canarias.

Since time immemorial, the relationship of the people of the Canaries with their environment has always been defined by their pride in and care for its volcanic, desert-like, lush and enchanting landscape. Having said that, it is true to say that there is more to landscape than what first meets the eye. And beneath the volcanic and desert-like reality, the Canaries concealed a splendid place that blossomed after the colossal efforts undertaken by those who, generation after generation, were able to glimpse a brighter future notwithstanding the isolation and misery of the time. Now, the 1st Architecture, Art & Landscape Biennial of the Canaries gives us the opportunity to engage once again in a reflection about our present through a number of factors that have always been associated with the Canaries, including the migratory movements by those who left and those who arrived, for all of them have contributed to the prosperity of this land that Iñaki Ábalos rightly defined as seven models of the world. This 1st Biennial is more than a mere exhibition of the talent of the many artists who responded to the invitation to take part in this important event promoted by the Government of the Canaries and to turn our Archipelago into an epicentre for contemporary culture. Indeed, it is much more than just that: it is an exciting dialogue of architecture and art with landscape, and also, a particularly close one with citizens, a factor which differentiates this event from other manifestations sharing similar goals. Because the Canaries are truly unique. Otherwise it would not be possible to explain the huge physical and biological diversity in such a small, fragmented and volcanic territory. How and ever, it is no less true that the Canary Islands are immersed in a profound process of social and cultural transformation of its territory and natural heritage as a result of the implementation and consolidation of a model of development whose success might eventually strangle us. The 1st Architecture, Art and Landscape of the Canaries does not attempt to come up with a response to this situation, but instead to encourage reflection and a rethinking of our territorial reality: to stop and think about the future we want to leave for Mankind. It is a time for thinking, for imagining the Canaries again.

Isaac C. Godoy Delgado Consejero de Educación, Cultura y Deportes Gobierno de Canarias

Isaac C. Godoy Delgado Counsellor for Education, Culture and Sports of Government of the Canaries

1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

ARTE, ARQUITECTURA Y PAISAJE, UNA INVITACIÓN A IMAGINAR CANARIAS ART, ARCHITECTURE AND LANDSCAPE: AN INVITATION TO IMAGINE THE CANARIES

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Desde la Viceconsejería de Cultura nos planteamos esta Bienal como un acontecimiento cultural de gran envergadura, que parte de la base de que Canarias puede enfrentarse a retos como éste a pesar de la complejidad añadida de no ser un territorio continuo sino un Archipiélago de siete islas alejadas -hasta ahora- de los centros de creación mundial. A nadie se le escapa que estamos en un momento histórico en el que existen profundas preocupaciones en torno a, entre otros, el cambio climático, la movilidad, las migraciones, las identidades, la presión urbanística. Este departamento del Gobierno de Canarias quiere aportar su grano de arena al abordar estas cuestiones de la única manera en que puede hacerlo, invitando a la reflexión sobre las razones que han provocado esta situación y sobre lo que nos depara el futuro. Está claro que un proyecto de estas características requiere enormes dosis de energía e ilusión. Y esos son básicamente los dos ingredientes que le hemos puesto para la organización de esta primera edición de la Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje, que confío pueda cumplir los fines para los que ha sido concebida. De momento hemos conseguido implicar en el proyecto a cerca de 150 artistas y arquitectos de todo el mundo, cuyas propuestas están repartidas en 40 espacios naturales y arquitectónicos de las siete islas del Archipiélago hasta el 10 de febrero de 2007. Se trata de proyectos, instalaciones y trabajos que invitan a los visitantes a pensar y detenerse en muchos de los problemas que aborda esta Bienal, y que afectan a múltiples zonas a lo largo y ancho de todo el mundo. De la Bienal de Canarias quedarán después los proyectos, las ideas de futuro, el conocimiento –o la introducción al conocimiento– necesario para atender estos problemas. Quedarán también nuevos espacios culturales, ya que hemos tratado de incluir lugares no convencionales donde mostrar el arte, muchos de los cuales podrán incorporarse a partir de ahora al circuito cultural de las Islas.

Here at the Department of Culture, we conceived this Biennial as a major cultural event grounded in the assumption that the Canaries is ready to face challenges of this kind notwithstanding the added complexity of, rather than a territorial continuum, being an Archipelago with seven islands distant -up to now- from the creative centres of the world. Everybody knows that we are facing a historical moment with profound concerns about climatic change, mobility, migrations, identities, urban development pressure, etc. This department of the Government of the Canaries wants to do its bit by tackling all these questions in the only way it can: by encouraging a reflection on the reasons behind this situation and about what the future holds in store for us. Naturally, a project of this reach requires a huge input of energy and enthusiasm. And those are basically the two ingredients we have contributed to this first edition of the Architecture, Art and Landscape Biennial, which I sincerely hope meets the goals it was created for. We have managed to involve almost 150 artists and architects from all over the world in this project, with proposals scattered around 40 natural and architectural venues on the seven islands. Until 10th February 2007, these projects, installations and works invite visitors to stop and reflect about many of the issues dealt with by the Biennial which are affecting many areas of the planet. The Biennial of the Canaries will remain in the many permanent projects it leaves behind and also in the ideas for the future, and the knowledge-or introduction to knowledge-to face these pressing issues. Not to mention the new cultural spaces, for we wanted to include nonconventional venues to display art, many of which will be incorporated from now onwards to the cultural circuit of the Canaries.

Dulce Xerach Pérez Viceconsejera de Cultura y Deportes. Gobierno de Canarias

Dulce Xerach Pérez Vice - Counsellor for Culture and Sports of Government of the Canaries

1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

UNA OPORTUNIDAD PARA LA REFLEXIÓN A CHANCE FOR REFLECTION

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El gran, y originalísimo, pensador alemán Friedrich Nietzsche afirma que el arte es la actividad fundamental de la vida. Nietzsche pone la estética en el centro de su pensamiento filosófico. Esta pudiera ser una de las aspiraciones de esta primera Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias, aún cuando no la única. Dirigir la mirada de los creadores hacia esos paisajes -tan hermosos en su diversidad- de las siete islas ha constituído un objetivo prioritario de la Bienal, en un intento de atraer la atención del conjunto de la sociedad sobre la necesidad de preservar la belleza primigénia del paisaje. Las Hespérides de la leyenda de Plinio viven aún en el imaginario popular, pero la Islas Afortunadas, como se las conoce quizás por la benignidad de su clima, se saben amenazadas por un desarrollo indiscriminado y por sus consecuencias perniciosas. El estatus extraordinario que se ha concedido a la obra de arte en la modernidad permite, posiblemente, concebir la esperanza de que la reflexión en torno a la cultura de la sostenibilidad, propuesta por la Bienal y acometida por creadores de distintos orígenes, cobre visos de inmediatez y veracidad, como requiere la situación. La configuración de este archipiélago atlántico, tópicamente calificado como un pequeño continente por sus características tan variadas en cuanto a orografía, antropología, cultura y aún rasgos etnográficos, confiere a esta reflexión en torno a la cultura de la sostenibilidad rasgos de universalidad. Canarias es un microcosmos que ha de afrontar todos los problemas derivados de la sobrepoblación, recursos naturales limitados, territorio fragmentado de apenas 8.000 kilómetros cuadrados de superficie, dependencia en la movilidad, trágicas inmigraciones, turismo devastador, pérdida de la memoria colectiva… Este territorio fragmentado constituye, sin embargo, un enclave de la máxima importancia por su estratégica situación geográfica, una tricontinentalidad que se vive apasionadamente. Si el paisaje canario es fuente de vida, como se afirma, su conservación, captar el carácter quasi sacro de tantos lugares singulares, ha sido preocupación de los creadores que han participado. La Bienal incorporó un amplio espectro de prácticas artísticas que incluyen la arquitectura, el arte público -en su espacialidad y contextualidad-, el arte crítico, la intervención y la acción directa. También momentos de debate e intercambio a través de diferentes symposia, laboratorios y talleres. El Gobierno de Canarias ha querido auspiciar la participación ciudadana y dar acceso al público a obras de artistas de nuestro tiempo, abriendo vías de diálogo, trazando nuevos circuitos para el arte y la arquitectura. Démosle la enhorabuena por esta iniciativa y confiemos en su continuidad. Sólo me resta agradecer a todos los intervinientes su entusiasmo y dedicación a este ilusionante proyecto.

The great and highly original German thinker Friedrich Nietzsche claimed that art was the essential activity in life, placing aesthetics at the very centre of his philosophical thought. That might well be the core, if not the sole, aspiration of the first Architecture, Art and Landscape Biennial of the Canaries. Casting the gaze of creators over the landscapes-so beautiful in their diversity-of the seven islands was a top priority for the Biennial, in an attempt to focus the attention of society as a whole on the need to preserve the original beauty of landscape. The Hesperides of Plinius’ legend still remains in the popular imaginary. But the Fortunate Islands, as they are still known perhaps due to their mild climate, are fully aware of the threat hovering over them as a result of urban sprawl and its damaging consequences. The extraordinary status granted to the art work within modernity offers hope that a reflection around the culture of sustainability proposed by the Biennial and put into practice by creators from various origins, will acquire the immediacy and veracity demanded by the current situation. The configuration of this Atlantic archipelago, labelled with the cliché of a small continent due to the variety of its topographical, anthropological and even ethnographic features, gives this reflection on culture a condition of universality. The Canaries is a microcosm that must face all the problems rooted in overpopulation, limited natural resources, a fragmented territory of barely 8.000 square metres, dependency on mobility, tragic migratory movements, devastating tourism, loss of collective memory… A fragmented territory that nonetheless emerges as an enclave of the utmost importance by dent of its strategic geographic position, a tri-continentality passionately lived. But, if the landscape of the Canaries is, as has been said, a source of life, it is its preservation and a capturing the quasi-sacred nature of so many singular locations that has been the major concern for all the artists involved. The Biennial embraces a wide range of art practices, including architecture, public art-in terms of its spatiality and its contextuality-critical art, intervention and direct action. And also moments for debate and an exchange of views in the various symposia, laboratories and workshops. The Government of the Canaries wishes to foster the active participation of citizens and to bring works by artists from our time closer to the public by opening dialogues and drawing new circuits for art and architecture. Let us congratulate them for this initiative and then trust in its continuity. Finally, I would like to thank all those involved for their enthusiasm and devotion to this exciting project.

Rosina Gómez-Baeza Directora, 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias.

Rosina Gómez-Baeza Director. 1st Architecture, Art and Landscape Biennial of the Canaries

1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

EL HOMBRE Y SU MEDIO MAN AND HIS ENVIRONS

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ARQUITECTURA Y PAISAJE ARCHITECTURE AND LANDSCAPE


HORIZONTES HORIZONS Unquestionably it is the landscape that surrounds us on the island that is the best incentive to ensure a better construction of its places. To clarify positions, when speaking of landscape I do so from the simple definition offered by the dictionary: extension of land seen from a particular spot. On some small islands, close together (geographically “central” though never peripheral, in a privileged strategic position, with an ever growing population, with a worrying pressure on urban development, with the need to welcome and attend the unstoppable migratory mobility and rethink the public space in the face of the enormous wealth of cultural diversity it brings with it, with the responsibility of preserving the unique natural spaces) full of insensitive architecture and infrastructures, the landscape, understood from the above description, is something alive, over and above any other disciplinary and scholarly consideration. In any place, but with much more repercussion in smaller ones, wherever you look you see that architecture is the city and the city is land. It is this landscape that is always with you, where the disorder, carelessness, indifference, loss of character of places bring a sense of sadness when journeying through the islands. This feeling of unease, nonetheless, can be seized as a reason, incentive, opportunity, engagement, excuse, aspiration, challenge for collective creativity, for the imagination, sensibility and emotion in the better construction of the landscape. The landscape as something alive, The landscape always in function of mankind and not man in function of the landscape as the poet put it so many years ago. Work as a motive to recreate new scenarios that, besides insisting in remaking places, invites us, when possible, to reflect … to reconfigure our consciousness of a hugely worrying reality.

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Sin duda, es el paisaje que nos rodea en la Isla, la causa que nos incentiva para procurar una mejor construcción de los lugares. A fin de aclarar pareceres, cuando hablo de paisaje lo hago desde la simple definición que hace el diccionario de la lengua: “extensión de terreno visto desde un lugar determinado”. En unas islas pequeñas y apretadas –geográficamente “centrales” “nunca periféricas”–, situadas en una posición estratégica privilegiada, con un crecimiento poblacional progresivo, con una presión urbanística preocupante, con la necesidad de acoger y de atender la imparable movilidad migratoria y de repensar el espacio público ante la enorme y rica diversidad cultural que ello conlleva, con la responsabilidad de preservar los excepcionales espacios naturales protegidos llenas de arquitecturas e infraestructuras insensibles con los sitios, el paisaje, entendido desde la descripción anterior, resulta algo vital, por encima de cualquier otra consideración disciplinar y erudita. En cualquier sitio, pero con muchísima más repercusión en los pequeños, cuando miras hacia cualquier lado la arquitectura es la ciudad y la ciudad es el territorio. Es ese paisaje que continuamente te acompaña, donde el desorden, el descuido, la indiferencia, la pérdida del carácter de los lugares hace triste el paseo insular. Ese desasosiego, sin embargo, se aprehende como razón, incentivo, oportunidad, compromiso, excusa, aspiración o reto para la creatividad colectiva, la imaginación, la sensibilidad, la emoción en la mejor construcción del paisaje. El paisaje como algo vivo. El paisaje siempre en función del hombre y no el hombre en función del paisaje como, hasta hace unos años, decía el poeta. El trabajo como motivo para recrear nuevas escenografías que, además de insistir en rehacer los lugares, nos invite, si es posible, a reflexionar… a reconfigurar la conciencia que tenemos de una realidad enormemente preocupante.

1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

Virgilio Gutiérrez


ARQUITECTURA Y PAISAJE ARCHITECTURE AND LANDSCAPE

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1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

Arsenio Pérez Amaral

En nuestro particular entorno, un territorio frágil y fragmentado dentro de cada isla, separado por aguas infranqueables para el conjunto del Archipiélago, y sometido a una fuerte presión demográfica, el suelo se convierte en un bien escaso y, por tanto, especialmente apreciado. El crecimiento de los asentamientos se produce apoyándose en las zonas de costa de forma que las Islas tienden a convertirse en un conjunto de islas-ciudades en las que la hibridación del paisaje urbano con el rural proporcionan un apasionante campo de investigación cuyos resultados pueden constituir las claves del futuro de nuestro paisaje De la habilidad para articular estos territorios heterogéneos sin menoscabar sus valores naturales depende en buena medida la calidad del entorno que legaremos a las generaciones venideras. Las intervenciones, en cualquier caso, deberán implementarse teniendo en cuenta las siguientes claves: La hibridación, entendida como origen de las especificidades canarias, también debe ser la clave de su desarrollo futuro. La movilidad como reto fundamental para poder implementar soluciones que posibiliten la existencia de asentamientos dispersos pero racionalmente provistos de dotaciones y servicios. La reutilización de todos los ámbitos del territorio, dando un nuevo impulso a la trama de las ciudades históricas con la apuesta decidida por la revitalización de su patrimonio. El reciclaje de la plantilla hotelera y extrahotelera, con soluciones que apuesten por la remodelación y la puesta en valor de lo ya edificado por medio de operaciones como la especialización de la oferta y el empleo de soluciones arquitectónicas imaginativas, en vez de continuar con una política de depredación del paisaje descuidando el mantenimiento de zonas ocupadas por los asentamientos turísticos que datan de anteriores décadas. La progresiva desmaterialización de las fronteras entre las zonas turísticas y residenciales como reflejo de la amalgama de diferentes realidades culturales de los habitantes que pueblan las Islas en la actualidad y que contribuirá, sin duda, al enriquecimiento colectivo. La cauterización de las heridas producidas al paisaje en forma de excavaciones para extracciones de áridos, constituye, igualmente, una gran oportunidad para desarrollar trabajos de paisajistas y artistas de Land Art de nuestra época, en la que parece superado el binomio escultura-pedestal, y que cuentan con unos elementos de composición tan apasionantes como la luz de estas islas y la indudable fuerza de su medio geográfico. Este conjunto de claves define, a mi entender, un futuro apasionante y lleno de oportunidades.

In our particular natural surroundings, in the fragile and fragmented territory of each island, separated one from the other by the unbridgeable waters of the Atlantic, land is a scarce and, consequently, highly appreciated good especially in the light of the intense demographic pressure it suffers. Settlements are springing up and growing in coastal areas in such a way that the islands are tending towards becoming a group of island-cities in which the hybridisation of the urban and rural landscape is providing a fascinating field of research whose results might well provide the keys to the future of our landscape. The quality of the environment we pass down to future generations largely depends on our ability to articulate heterogeneous territories without undermining their natural values. In any case, interventions must be implemented taking into account the following keys: Hybridisation, understood as the origin of specificities of the Canaries also crucial for its future development. Mobility as a fundamental challenge if we are to come up with solutions enabling the existence of disperse settlements which are rationally provided with services and equipment. Reutilisation of all areas of the territory, giving a new impulse to the layout of historic towns and cities with a determined effort to revitalise their heritage. Recycling of hotels and other tourist accommodation, with solutions based on remodelling and revaluing the already existing stock by means of operations like the specialisation of product offer and the use of imaginative architectural solutions, instead of continuing a policy of depredation of the landscape and ignoring the maintenance of areas occupied by tourist settlements from previous decades. Progressive dematerialisation of the borders between tourist and residential areas as a reflection of the amalgam of different cultural realities of the inhabitants populating the islands at the current moment in time and which will unquestionably contribute to a collective enrichment. Healing of wounds produced in the landscape in the form of open quarrying, is also a huge opportunity for landscape architects and land artists at a time when we have gone beyond the sculpture-pedestal binomial, offering them such stimulating compositional elements as the unique light of these islands and the undeniable power of its geographic environment. To my way of thinking, this set of keys helps define a passionate future full of opportunities.


¿CULTURA DEL TERRITORIO? A CULTURE OF TERRITORY? Yet what is man, (...)? A geography? A culture, or in other words, a vocation of the human being in a certain direction, could well be defined by his specific relationship with the territory, by his peculiar form of constructing the landscape. Architecture, by giving form to the environment that surrounds us, constitutes the nexus between territory and body. Architecture draws the body and its specific ways of occupying space. For this reason, architecture and landscape are inseparable terms which this Biennial takes and transforms into a centre of reflection and a starting point for a critical construction of reality. If we were to undertake the mental exercise of subtracting all the protected natural spaces and the land with excessive incline, we would find that the Canaries has a very high average density, above 600 persons/km2, and in certain islands reaching 1500 persons/km2. Now, if are to consider the fact that these figures for the Canaries are also combined with a situation of maximum fragility of the territory and strong demographic pressure, we would then discover the true dimension of the problem. Local needs must be addressed from an understanding of the overall context of the island, and within the greater framework of the Archipelago as a whole. Development should take place in an integral fashion, taking into account social, environmental, and economic factors that are based on a cultural approximation with the territory. From the land of fire to the greenest green of all greens, not forgetting the land of light lashed by the wind, a multitude of “microlandscapes” populate our geography in a complete spectrum from desert to lushness. The strategies of intervention in this “landscape of landscapes” are multiple and respond to different gazes, because the problem is not what can be seen, but the very act of seeing. Interpreting the landscape through architecture is a form of rediscovering ourselves in it, because all landscape is already in ourselves. The landscape is a cultural construct which we inhabit, a result of time that reveals to us who we are, that structures our perception, that transforms us while we at once transform it. And in a territory, in a society in continuous change, the landscape is not a static stage set. Instead, we must analyse the forces that produce this transformation, take a closer look at the idea of dynamic landscapes, or the idea of a dynamic of landscape. For this purpose, it is absolutely crucial to encourage an expansion of the culture of landscape, of a consciousness and sensibility for the landscape. And as sensibility depends on knowledge, we hope that an initiative like the Architecture, Art & Landscape Biennial will find an echo in society, and lead to a greater awareness of the landscape, to a greater social demand for the rights of the landscape, to an increase in a territorial culture in the inhabitants of these islands. The landscape, far from being a neutral backdrop to our everyday activities, has become a central space for coexistence, a core theme of civil society, and an essential task of democracy.

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¿Pero qué es el hombre, (...)? ¿Una geografía? Una cultura, es decir, una vocación de ser hombre de una cierta manera, puede quedar definida por su específica relación con el territorio, por su peculiar forma de construir el paisaje. La arquitectura, al dar forma al ambiente que nos envuelve, constituye el nexo entre el territorio y el cuerpo. La arquitectura dibuja el cuerpo y sus modos específicos de ocupar el espacio. Por eso, arquitectura y paisaje son términos inseparables que en esta Bienal se convierten en centro de reflexión y punto de partida para una construcción crítica de la realidad. Si hiciéramos el ejercicio de descontar los espacios naturales protegidos y los suelos de excesiva pendiente, tendríamos en Canarias una densidad media muy alta, por encima de los 600 hab/km2, alcanzándose en determinadas Islas los 1.500 hab/km2. Si pensamos que en Canarias se simultanean estos índices con una situación de máxima fragilidad del territorio y una fuerte presión demográfica, tendremos la verdadera dimensión del problema. Se debe atender a las necesidades locales, desde la comprensión del contexto global de la isla, en el marco del Archipiélago. El desarrollo debe producirse de manera integrada, teniendo en cuenta aspectos sociales, medioambientales, económicos, que partan de una aproximación cultural del territorio. Desde la tierra de fuego al verde más verde de todos los verdes, pasando por la tierra de la luz azotada por el viento, multitud de “micropaisajes” se suceden en nuestra geografía, en una completa escala desde lo árido a lo exuberante. Las estrategias de intervención en este “paisaje de paisajes” son múltiples y responden a las distintas miradas, ya que el problema no es lo que se ve, sino el ver mismo. Interpretar el paisaje a través de la arquitectura es una forma de redescubrirnos en él, ya que todo paisaje está en nosotros mismos. El paisaje es una construcción cultural que habitamos, un resultado del tiempo que revela lo que somos, que estructura nuestra percepción, que nos transforma a la vez que lo transformamos. Y en un territorio, en una sociedad en continuo cambio, el paisaje no es un decorado estático, mas bien, debemos analizar las fuerzas que producen su transformación, profundizar en la idea de paisajes dinámicos, en la idea de una dinámica del paisaje. Para esto es imprescindible un incremento de la cultura del paisaje, de la conciencia y sensibilidad paisajística. Como la sensibilidad es función del conocimiento, esperemos que una iniciativa como la Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje cale en la sociedad, llevando a una mayor conciencia paisajística, a una mayor demanda social del derecho al paisaje, a un aumento de la cultura territorial de los habitantes de las islas. El paisaje, lejos de ser un fondo neutro de nuestra actividad, se ha convertido en un espacio central de la convivencia, en un tema central de la sociedad civil, en una tarea central de la democracia.

1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

Juan Antonio González Pérez


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1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

Juan Torres

La ARQUITECTURA y el ARTE son actores principales en el escenario del PAISAJE. Su encuentro, en actitudes y objetivos, imprecisa los límites entre ellos, y puede y debe incitar a una comunicación creativa, generadora de ambientes para ser experimentados y utilizados. Pero no olvidemos que el escenario también es protagonista. A menudo miramos el paisaje con nostalgia, incapaces de hablarle, de preguntarle. Sin embargo, él nos habla y no escuchamos su mensaje, un entorno ruidoso nos lo impide, con su ruido, fundamentalmente, visual. Propongo que hagamos un mínimo ejercicio de reflexión: cuando visitemos lugares intentemos, con las manos abiertas, ocultar aquello que entendamos ruidoso, como en un acto de rechazo, y percibamos sensualmente el espacio resultante. Nuestras manos, a modo de corrector visual, enmarcaran nuestra percepción, tamizando, que no ocultando, los elementos distorsionadores. Como haría un fotógrafo buscando el mejor de los encuadres posibles. Disponemos de cinco sentidos con los que experimentar y saborear nuestro entorno. La vista es probablemente el sentido que tenemos más desarrollado, si bien nuestro oído es más afinado de lo que sospechamos. Debido a que vivimos en una cultura basada en lo visual, presentamos menos atención a nuestro oído y damos por sentado que su importancia es menor. Cuando nos encontramos temporalmente privados de la vista, nos percatamos de lo sumamente precisa que puede ser la percepción auditiva. La audición posee un sentido de la correspondencia espacial distinto de la percepción visual. Miramos directamente lo que vemos y conectamos esta impresión con las imágenes previas que guardamos en la memoria. La percepción espacial se traduce en la lectura seriada de dichas imágenes, de modo similar a la secuencia de fotogramas que componen una película. La experiencia auditiva es menos vectorial. Experimentamos el sonido a más de 360 grados y en cualquier momento oímos los restos superpuestos de muchos sonidos. Semejante simultaneidad de percepción se traduce en una configuración espacial compleja que no está vinculada a ningún ángulo visual concreto. Gran parte de lo que nos rodea no es visible, si bien no deja de estar presente. El sonido puede hacer discernible lo oculto y sensible lo invisible. Como posee un riguroso control sobre nuestra estructura emocional, puede salvar grandes distancias en el tiempo y el espacio. La tensión de una película de terror se crea con el sonido; no puede existir ningún melodrama sin la música que lo acompaña. Una melodía concreta nos hará retroceder en el tiempo hasta el lugar donde la oímos por vez primera y nos traerá agradables asociaciones o bien recuerdos dolorosos. El sonido es invisible, si bien posee la facultad de cambiar el carácter del espacio que ocupamos. Propongo, por todo ello, un memorial del paisaje que nos recuerde su presencia constante. Los dedos, de nuestras manos, transformados en elementos verticales (tubos) correctores de percepción a su vez perforados y transformados en instrumentos de viento emisores de un susurro constante, que nos recuerde a todos su presencia.

ARCHITECTURE and ART are the main players in the scenario of the LANDSCAPE. Their coincidence in stances and goals blurs the dividing line between them and can, and should, provoke a creative communication that is capable of generating fields to be experimented and used. Yet, we ought not to forget that the scenario is also another leading player. We often look at the landscape through rose-tinted glasses of nostalgia, unable to speak to it or ask it questions. Nonetheless, it speaks to us although we may not listen to what it is saying. The deafening environment drowns it out with its primarily visual noise. What I am proposing is to make a minimum exercise in reflection: when we visit places we should try, with our hands open, to block out what we understand as noise, as an act of rejection, and we will sensually perceive the resulting space. Our hands, as if they were visual correctors, will frame our perception, filtering out, rather than hiding, the distorting elements. Just as a photographer would do to choose the best possible framing. We have five senses with which to experience and take pleasure in our environs. Sight is probably our most highly developed sense, though our hearing is much more sensitive than we often suspect. Because we live in a culture that is essentially visual, we sometimes pay less attention to our hearing and take for granted that it is of less importance. When we find ourselves temporally deprived of sight, we become aware of just how precise our auditive perception can be. Our hearing possesses a sense of spatial correspondence distinct from our visual perception. We look directly at what we see and we connect this impression with the prior images we have stored in our memory. Spatial perception is translated in a serialised reading of these images, in a similar fashion to the sequence of film stills that makes up a movie. The auditive experience is less vectorial. We experience sound in more than 360 degrees and at any given moment we can hear the overlayered remains and echoes of many sounds. Such simultaneity of perception in translated into a complex spatial configuration that cannot be associated with any specific visual angle. A large part of what surrounds us is not visible, though this does not mean that it is not there. Sound can make the hidden discernible and the invisible sensitive. Possessing a meticulous control over our emotional structure, it can bridge huge divides in both time and space. The tension in a horror movie is created with sound; a melodrama could not exist without the music that accompanies it. A specific melody takes us back in time to the place where we heard it for the first time and awakens pleasant or painful memories. Sound is invisible, yet it has the power to change the nature of the space we inhabit. Given the above, I propose a memorial of the landscape that constantly reminds us of its presence. The fingers of our hands are transformed into vertical elements (tubes) that correct our perception while at once perforated and transformed into wind instruments that emit a constant whisper, reminding us all of its presence.


The opportunity of an event like the 1st Architecture, Art and Landscape of the Canaries, located in our Archipelago, leads us to a reflection of the positive fact of evaluating the landscape of the islands beyond its recognised heritage, tourist, artistic or natural interest. The notions of Architecture, Art and Landscape underpin the very definition of the contents of the Biennial. It is, in principle, a way of positioning that provides a sort of heterogeneousness, all of them leading to non-stagnant categories of analysis which often demand to be understood simultaneously as intertwined fields. This definition, apparently effective in terms of the diversity and complexity of an argument, losses some muscle and consistency at the point in which it fuses growth, density, immigration, art, architecture and landscape in a totum revolutum. Of all those concepts landscape might well be the one best encompassing or embracing all those notions, given its polysemy, and the one ambiguous enough to play a major role in uniting the reasoning. When talking about a landscape of quality it seems all too easy for people to recognise those places that are significantly valued by a group, which are the natural, cultural, heritage monuments or exceptional sites of which our islands can boast an abundant, excellent and transcendent representation. In those cases, there is an unquestionable cultural perspective, a shared popular and ideological construct in relation with the quality of those landscapes which are depositaries of our identity, emotion and memory. As a financial, political or tourist resource, we are always tempted to deal with landscape from these principles, and more so in insular contexts, in territories that are strictly limited in geographical terms, and thus logical producers of well delimited models especially proficient in establishing a relationship of scale and concept. However, this temptation carries with it the danger of understanding landscape as a mere scenario; a desire for fascination associated to thematicity, to previously enunciated observations, to visual pleasure, to a banalisation and/or production of a brand image. The identification of singular milestones as a simple compilation of icons for consumers of images and scenarios implies, to begin with, a paralysing condition leading to a commoditisation of landscape as an unreal and spurious consumer item providing the expression of the frozen image of a happy and often nostalgic desire. In this regard, it is not possible to define a present-day landscape without assuming its critical dimension dramatically associated to the dynamics, speed, evolution and fast anthropic transformation of territory. And, as a concept, it demands to go beyond the mere identification of landscape exclusively valued as a scenario to enable a concept moving between the shifting borders of culture, sustainability, environmentalism and planning of the territory and that, as a result of its ambiguity, requires, today more than ever, approaches taking into account the quality of the environment, the health of ecosystems or the quality of our daily landscapes. In this sense, landscape is equivalent to engagement and authenticity. It is for all the above that the true opportunity provided by this Biennial will possibly lie in the management of its complex and ambiguous definition, provided it does not limit its ambition to the production of postcards or images for mass consumption and proves to be up to the challenge of making the most of its own indeterminacy, bringing to the fore issues and valuations of the dynamics currently rapidly altering the logics of the landscape of the archipelago. Thus, between order and disorder, between complexity and ambiguity, a huge abyss is currently beginning to open up between intentions and actions, where the product of the dynamics of landscape transformation generates the scenario of a drama, a place for manifold events and realities reflecting a convulsive code whose clues to decipher it are frequently lost to us.

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La oportunidad de un evento como la 1 Bienal de Canarias de Arquitectura, Arte y Paisaje localizada en el archipiélago nos lleva a reflexionar sobre lo positivo de la puesta en valor del paisaje en las islas más allá de su reconocido interés patrimonial, turístico, artístico o natural. En la definición de los contenidos de la Bienal aparecen los conceptos de Arquitectura Arte y Paisaje. Esta forma de posicionarse concede de entrada una especial heterogeneidad, todas ellas llevan a categorías de análisis no estancas y que demandan, en muchos casos, la necesidad de ser entendidas de forma simultánea, como campos imbricados. Esta definición, aparentemente eficaz desde el punto de vista de la diversidad y la complejidad de un argumento, pierde cierto impulso y coherencia en el momento que se mezcla en un todo revuelto el crecimiento, la densidad, la inmigración, el arte, la arquitectura y el paisaje. De todos ellos quizás sea el concepto de paisaje el que mejor engloba o atraviesa por su polisemia todos estos supuestos y que contiene en sí mismo la suficiente ambigüedad como para asumir un cierto protagonismo en la cohesión del argumento. Cuando se habla de paisaje de calidad parece que es fácil para todos identificar aquellos lugares que resultan significativamente valorados por una colectividad, son los monumentos naturales, culturales, patrimoniales o sitios excepcionales que en las islas tienen una importante representación por su extraordinaria presencia y trascendencia. Existe en estos casos una indudable visión cultural una construcción popular e ideológica compartida en relación con la calidad de estos paisajes de las islas, lugares en los que depositamos identidad, emoción y memoria. Como recurso económico, político o turístico siempre es una tentación abordar el paisaje desde estos supuestos máxime en contextos insulares, territorios enmarcados y estrictamente limitados por la geografía y por ello fácilmente productores de modelos acotados que relacionan con especial eficacia la escala y el concepto. Pero esta tentación conlleva el riesgo del entendimiento del paisaje como simple escenario, el deseo de fascinación asociado a la tematicidad, a las observaciones establecidas a priori, al placer visual, a la banalización y/o la producción de imagen de marca. La identificación de los hitos singulares como una simple colección de iconos para consumidores de imágenes y escenarios presupone de entrada una condición paralizante que lleva a la mercantilización del paisaje como objeto de consumo irreal y espurio, que ofrece como expresión la imagen detenida de un deseo feliz y a veces nostálgico. En este sentido no puede haber una definición de paisaje actual que no asuma su dimensión crítica asociada dramáticamente a la dinámica, velocidad, deriva y acelerada transformación antrópica del territorio; y como noción exige ir más allá de la simple identificación del paisaje valorado exclusivamente como escenario a favor de un concepto que se mueve en los contornos entre cultura, sostenibilidad, ecología y ordenación del territorio y que debido a su enorme ambigüedad hoy más que nunca demanda aproximaciones que tengan en cuenta la calidad del medio ambiente, la salud de los ecosistemas o la calidad de los paisajes cotidianos. Paisaje en este sentido es compromiso y autenticidad. Por este motivo la verdadera oportunidad de esta Bienal estará probablemente en la gestión de su definición compleja y ambigua si no busca sólo el producir postales o imágenes para consumo y es capaz de sacar partido a su propia indeterminación poniendo realmente sobre la mesa temas y valoraciones de las dinámicas que actualmente modifican con acelerada velocidad las lógicas del paisaje del archipiélago. Entre el orden y el desorden, la complejidad y la ambigüedad hoy se abre una enorme grieta que empieza a separar las intenciones de las acciones en donde el producto de las dinámicas de transformación del paisaje generan el escenario de un drama, el lugar de múltiples

1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

Flora Pescador


1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

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acontecimientos y realidades reflejo de un código convulso del que con frecuencia perdemos las claves para descifrarlo. En este sentido será muy interesante, en una bienal como ésta, tratar de la actualidad de los paisajes cotidianos y comunes, alertar sobre el estado en que se encuentra una buena parte de los paisajes antropizados en las islas y sus proyecciones futuras, los lugares más urbanizados en donde habita la mayor parte de la población porque son estos los lugares que marcan el verdadero sentido cultural de una sociedad y su relación contemporánea entre el territorio que habita y el paisaje que genera. Muchas de las actuales tendencias en el paisaje derivan de estas situaciones híbridas que demandan una lectura estructural del territorio con la introducción de lógicas nuevas capaces de activar positivamente la valoración cultural, natural y social de un contexto. Los paisajes cotidianos, muchas veces en apariencia banales, también suscitan emociones, la dimensión cultural, la calidad estética y la relación con el contexto tienen un protagonismo no accesorio. Estos lugares por su experiencia diaria condicionan y producen cultura y aportan con mayor intensidad cualidades de arraigo e identidad. Es aquí donde la apreciación social de la calidad se vuelve más relativa, el paisaje se vuelve un concepto más vinculado a la percepción de cada usuario y a su mejor o peor relación con el entorno. Desde esta perspectiva, es una manifestación clara de las oportunidades de sus habitantes a la vez que un indicador de su calidad de vida. Por tanto son estos los lugares potencialmente más necesitados de una buena relación entre Arquitectura, Arte y Paisaje. En este sentido la posición teórica de la que se parte será inconsistente si se pretende reducir el paisaje a objeto de diálogo formal o de seducción acrítica. Su fortaleza se basa en la potencia de un argumento que relaciona la Arquitectura el Arte y el Paisaje y no en un entendimiento desarticulado o paralelo de estas disciplinas; en definitiva, la interacción de todas en una apuesta por la valoración global del contexto. En este sentido la Bienal es uno de los muchos caminos que se pueden abrir para activar un valor y darle un mayor alcance. La percepción del paisaje requiere del caleidoscopio de la cultura, obviar las visiones cartesianas y tratar de comprender desde un punto de vista panóptico y de amplio espectro el estremecimiento de los lugares y los valores de las distintas capas de la realidad. Está claro que no hay soluciones definitivas pero si dinámicas de interés que llevan a posiciones mejores. Será un éxito no sólo si se produce una mayor difusión de unos valores reales y de interés sino también si se consigue que llegue a la gente, a los habitantes de las islas, si realmente produce una dinámica positiva de valoración de los paisajes cotidianos y de la asunción social de este derecho. En definitiva una ocasión que bien gestionada podría llevar a la visibilidad de algunos recursos patrimoniales y del paisaje y ya de paso reforzar la autoestima de los habitantes de las islas. Aunque obviamente habría que añadir que si como evento singular es positivo porque colabora en una manera de posicionarse, es claramente insuficiente y limitado si tenemos en cuenta la fuerza de las dinámicas contemporáneas de transformación del espacio que llevan a la destrucción de habitats naturales, la fragilidad de sus ecosistemas, la fragmentación del territorio, la dispersión urbana, la creciente accesibilidad al territorio, el crecimiento poblacional, la construcción densa del litoral, la banalización del territorio convertido en mero soporte, la contaminación de suelos y acuíferos o el abandono de las actividades tradicionales entre otras.

In this sense, it would be very convenient in a biennial such as this, to tackle the present condition of everyday and common landscapes, and to raise a warning about the situation of a considerable proportion of the Islands’ anthropised landscapes and their future projections: the most highly developed places inhabited by the largest section of the population, which are precisely the places defining the true cultural meaning of a society and the contemporary relationship between the territory inhabited by the population and the landscape it generates. Many present-day trends in landscape derive from those hybrid situations requiring a structural reading of territory through the introduction of new logics capable of positively activating the cultural, natural and social assessment of a specific context. Our often apparently banal everyday landscapes also trigger emotions; the cultural dimension, the aesthetic quality and the relationship with the context play a non accessory part. On account of their daily experience, these places condition and produce culture and add greater intensity to the characteristics of belonging and identity. And it is here where the social assessment of quality becomes more relative, with landscape becoming a concept associated more with the perception of each user and to his or her good or bad relationship with the environment. From this viewpoint, it is as much a clear expression of the opportunities of its dwellers as it is an indication about their quality of life. Subsequently, these will be the landscapes potentially in greater need of a good relationship between Architecture, Art and Landscape. But the theoretical starting point would be contradictory should we attempt to reduce landscape to an object of formal dialogue or acritical seduction. Its strength is based on the power of a reasoning that relates Architecture, Art and Landscape, rather than on an unarticulated or parallel understanding of those disciplines. In other words, the interaction of them all to enable a global assessment and valorisation of the context. In this sense, the Biennial is one of the many paths which may be opened to activate a value and to extend its scope. The perception of landscape needs the kaleidoscope of culture, eschewing Cartesian views and an attempt to understand, from a panoptical and wide-ranging viewpoint the narrowing of places and the values of the various layers of reality. Evidently, there are no definite solutions, but we do have interesting dynamics leading to better positions. And the event will be a success, not only if it manages to produce a greater dissemination of real and relevant values, but also if it reaches the people, the inhabitants of the Islands; if it actually gives rise to a positive dynamics of valuation of our everyday landscapes and a social assumption of that right. In short, it is an opportunity that, properly managed, could shed light on some heritage and landscape resources and, en passant, reinforce the self-esteem of the inhabitants of the Islands. And although we should obviously underscore the positive aspect of the event because it helps a certain way of positioning, it is clearly insufficient and limited if we consider the power of the contemporary dynamics of transformation of space leading to the destruction of natural habitats, the frailty of its ecosystems, territorial fragmentation, urban dispersion, the growing accessibility of the territory, the growth in population, the density of coastal development, the banalisation of the territory turned into a mere support, soil and water pollution and the abandonment of traditional activities, to name only a few. Providing responses to these dynamics demands actions of a different sort. Landscape is a concept moving at many different scales and thus demanding strategies and solutions that materialise at equally different levels of power and decision making, from the most general to the development of the most detailed, capable of articulating all-encompassing responses.


1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

Any one step always requires another. And admitting the positive and suggestive aspect of opening paths, if this Biennial wants to guarantee its future it must produce permanent inquiries into the culture and quality of landscape in the broadest sense, to define its scope and independence with greater theoretic accuracy, and at the same time to establish a strong discourse committed to Archipelago’ territory and population.

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Dar respuestas a estas dinámicas demanda acciones de otro calado. El paisaje es un concepto que se mueve a muchas escalas y requiere por tanto de estrategias y soluciones que se concretan en distintos niveles de poder y decisión desde los más generales hasta el desarrollo de los instrumentos más detallados capaces de articular respuestas integrales. Todo paso siempre requiere de otro paso más; y reconociendo lo positivo y sugerente de abrir caminos, esta Bienal, si desea tener un futuro deberá producir indagaciones permanentes sobre la cultura y calidad del paisaje en sentido amplio, definir con mayor precisión teórica su ámbito e independencia y simultáneamente afianzar un discurso fuerte y comprometido con el territorio y la población del archipiélago.


¿PURA CASUALIDAD?: EL SS PATRIS II Y EL STAR OF AMERICA PURE CHANCE? SS PATRIS II AND STAR OF AMERICA

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1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

Jose Antonio Sosa Díaz-Saavedra

En 1933, en plena sacudida y turbulencia política, y ante la dificultad de encontrar una sede europea donde celebrar el cuarto CIAM, Le Corbusier, junto a Van Esteren, Bourgeois, Gideon y Marcel Breuer han de tomar en Paris la urgente decisión de posponer el congreso para tiempos de mayor tranquilidad. Finalmente, en clara huida hacia adelante, evitan celebrar el CIAM en tierra firme y deciden, contra viento y marea (nunca mejor dicho), llevarlo adelante a bordo de un trasatlántico. Durante los meses siguientes - julio y agosto de ese año- arquitectos de todo el mundo celebraron sus concurridas reuniones de trabajo a bordo del SS PATRIS II en un recorrido marítimo y simbólico que unió Marsella con el Pireo de Atenas. A lo largo de aquellos días, y continuando anteriores debates sobre los principales postulados de la modernidad, se centraron especialmente en el análisis y formulación de “La Ciudad Funcional”. Producto de una casualidad en las jornadas preparatorias de la propia Bienal y durante la primera reunión del Laboratorio de Fuerteventura en aquella isla, nos desplazamos hacia la costa de poniente para comprobar in situ la dudosa existencia de un barco encallado en las playas de Pájara hace 12 años. Nos acercamos los miembros de LIP(a), como organizadores, junto a Manuel Gausa, Francis Kere y Jean Navarro descubriendo, con considerable asombro, los restos de lo que sabíamos había sido el trasatlántico Star of America. Este buque había sido bautizado por Eleonor, esposa del Presidente norteamericano Roosvelt, en 1939 así, que por curiosa coincidencia temporal, este barco podía haber sido el hermano benjamín y orgulloso (por su nombre) del SS Patris II. Nos pareció significativa y hermosa aquella ruina escorada vista al contraluz del atardecer. Pero también nos habló aquel barco, y no con menos intensidad, de la edad, y quizás del oxidado estado de aquellas primeras ideas de optimismo y progreso que acompañaron su nacimiento. Allí, sobre el fondo de arena, se desmoronaba aquel enorme objeto metálico varado, azotado por los años y las olas como el fin de una época de miradas excesivamente endogámicas y dirigidas al interior de la disciplina frente a posiciones más abiertas y complejas en las que halla lugar la hibridación, el encuentro de culturas y disciplinas… que valora por encima de la objetualidad, la preservación del medio, la sostenibilidad del territorio, y la conciencia mutua e interactiva del arte, el pensamiento y la arquitectura. Nos pareció que, a diferencia de lo que ocurrió en aquellos primeros años del panorama arquitectónico de vanguardia, ahora no se trataría tanto de debatir la ciudad o la Arquitectura desde postulados programáticos ni funcionales, ni tampoco de hacer excesivo hincapié en el objeto arquitectónico autista y aislado, plástico y abstracto, sino, más especialmente, de centrar la mirada en su encuentro con las fronteras difusas, pero a la vez presentes, del territorio y del paisaje. De aquí la enorme pertinencia y oportunidad de una Bienal como ésta, en la que interviene, ya desde su propio nombre, la combinación de Arquitectura, Arte y Paisaje. Aún a la vista del Star o America, y cerrando ya este breve texto con aquellas casualidades, nos pareció también significativa y curiosa la circunstancia de que aquel congreso CIAM se celebrase sobre el mar… al igual que éste. Y es que otra característica de esta Bienal insular es su geografía fragmentada y heterogénea unida por el mar. Y si aquella lo hizo directamente en un barco, símbolo máximo de la objetualidad autista y la descontextualización, esta lo hace justo a lo largo de la compleja geografía insular, tocando de lleno a todas las Islas y a las decenas de paisajes imaginarios y reales que se extienden y salpican su geografía.

In 1933, against a backdrop of political turmoil and in the face of the difficulty in finding a place in European to hold the 4th CIAM, Le Corbusier, together with Van Esteren, Bourgeois, Gideon and Marcel Breuer were forced to take the urgent decision in Paris of postponing the congress until more peaceful times. Finally, taking a leap into the dark, the decided not to hold CIAM on terra firma and instead to brave the high seas and hold it on a transatlantic. During the months of July and August that year, architects from all over the world held their busy working meetings on board SS PATRIS II in a maritime and symbolic voyage from Marseilles to Piraeus in Athens. Throughout this time, and following on from previous debates on the principles posited by modernism, they focussed on an analysis and formulation of the “Functional City”. By pure chance, in the preparatory sessions for the biennial and during the first meeting of the Fuerteventura Laboratory, we travelled to the coast to see for ourselves in situ the doubtful existence of a boat that had run aground on the beach in Pájara twelve years ago. The members of LIP(a), as the organisers, together with Manuel Gausa, Francis Kere and Jean Navarro went on the trip and discovered, not without considerable surprise, the remains of what once was the transatlantic Star of America. This liner had been christened by Eleanor Roosevelt, the wife of the US president in 1939, and so by the curious twists of fate and time, it could well have been the proud younger sibling of SS Patris II. Seen against the light of sunset, the beached remains struck us as both beautiful and meaningful. That said, the boat also spoke to us, with no less intensity, of age, and perhaps of the rusting condition of those initial ideas of optimism and progress with which it had set to sea for the first time. There, stuck in the sand, this huge metal object lay dejected, ravaged by the passing of the years and the crashing waves, perhaps speaking of the end of an era of excessively endogamous gazes directed inwards to the discipline as opposed to more open and complex positions that provide room for hybridisation, the meeting of cultures and disciplines… which would give more value to the preservation of the environment, sustainability and the mutual and interactive consciousness of art, thinking and architecture than to actual objecthood. It seemed to us that, unlike what happened in those early years of avant-garde architecture, now it would not be so much about debating the idea of the city or architecture from programmatic or functional postulates, nor putting excessive emphasis on the autistic and isolated, plastic and abstract architectural object but rather, and above all else, about focussing our gaze on the crossroads of the blurred yet at once real frontiers of territory and landscape. Hence the appropriateness and timeliness of this biennial in which, as the name suggests, Architecture, Art & Landscape intervene on an equal footing. With the vision of Star of America still before my eyes, and bringing this brief text on these coincidences to a close, it also strikes us as curious and meaningful the fact that that fateful CIAM congress was held at sea… just like this one. And another of the singular characteristics of this island biennial is its fragmented and heterogeneous geography united by the sea. And while the former took place directly on board a ship, the maximum symbol of autistic objecthood and of decontextualization, the latter takes place throughout the length and breadth of a complex insular geography, fully involving each and every one of the islands and dozens of imaginary and real landscapes that dot its singular geography.


Speaking of the Canaries has shifted from a kind of clichéd discourse to being one of pressing necessity. The most conventional definition of landscape, as a optical-perceptive aspect of a physical natural surrounding earmarked to be preserved in the memory as a postcard to be later used to demonstrate its existence, is no longer of any interest; and not because that type of landscape does not exist or is not capital in the constitution of a certain brand of identity of the Canary Islands, but rather because landscape is fundamentally a mental construct, sometimes metaphoric, sometimes a dreamed substitute of reality. In truth, the gaze of contemporary man modifies what he sees without the need for physical contact with what it transforms. A closer look reveals that the mere fact of describing an environs, actually modifies it. The perception of reality is in itself a cultural fact. Every age reformulates its own handle on reality. This demand is inexorable, yet this very inexorability can only be controlled by premeditation, by a formulation of a project, a project that defines what the landscape of the Canaries wants to be, that proposes the terms in which this landscape can be established as a subject subjugated to democratic status; deep down, the construction of the landscape is the construction of the image we wish to have our ourselves. Man is a consubstantial part of the landscape, but the landscape is also part of man, as the backdrop and stage setting for all human life. The landscape is a huge amplifier of man and, in short, is a reflection of the society that produces it. The Canary Islands possess a powerful, yet not invulnerable, topographical support. They also possess an orography, lack of uniformity, differing climates, a problem of limited coastline, mountains, beaches, infrastructures, density, immigration, desertification, repopulation, forests, mist, sun, water, hydraulic resources, air generators, bungalows, shopping centres, old towns, outskirts and suburbs, ports, airports, cities, villages, strategic areas, seabed, place names,... that all operate in the articulation of the landscape. It is in these terms that we would like this Biennial to cast its gaze over the landscape, landscape as an expanded concept, landscape as a focussed space of contemporary architecture, landscape as a space of calculated transformation, landscape as a space of human construction but also as a receptacle of the memory. There’s no doubt that the proper instrumentation to deal with the complex equation formulated here is still not available, but that does not mean that we cannot explore the possibility of elaborating discourses to represent our vision of the fact of inhabiting in the Atlantic, of the fact of being a vortex from where, in a privileged position, it is possible to interpret the world in which we live. In this equation, the Canaries offers itself up as a huge laboratory, as a place from which to take a sample of the contemporary situation, as a sensitive and at once possible space. Let’s look around us and get down to work.

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Hablar de Canarias ha pasado de ser un tipo de discurso tópico a ser una necesidad pertinente. El paisaje, en su percepción más convencional, como aspecto óptico-perceptivo de un entorno de carácter natural destinado a ser conservado en el recuerdo en soporte postal para posterior demostración de su existencia, ya no nos interesa; y no porque este tipo de paisaje no exista o no sea capital para la constitución de cierto tipo de identidad archipielágica, si no más bien porque en el fondo, el paisaje es siempre una construcción mental, a veces de carácter metafórico, a veces sustituto soñado de la realidad. En efecto, la mirada del hombre contemporáneo modifica lo que ve sin necesidad de contacto físico con lo transformado. Una observación más atenta descubre que el sólo hecho de describir una situación ambiental, la modifica. La percepción de la realidad es en sí mismo un hecho cultural. Cada tiempo reformula la manera de gestionar la realidad. Esta demanda es inexorable, pero esta inexorabilidad sólo puede ser controlada desde la premeditación, desde la formulación de un proyecto, un proyecto que defina qué quiere ser el paisaje canario, que proponga los términos en los que éste, el paisaje, se puede establecer como sujeto sometido a un status democrático; en el fondo, la construcción del paisaje es la construcción de la imagen que tenemos de nosotros mismos. El hombre está dentro del paisaje, pero también el paisaje está inserto en el hombre, como escenario de la vida humana. El paisaje es un gran amplificador de esta y es en suma, reflejo de la sociedad que la produce. Canarias posee un soporte topográfico muy potente, pero no invulnerable. También posee una orografía, un desnivel, distintos climas, un problema de límite litoral, cumbres, medianías, costas, infraestructuras, una densidad, una inmigración, una desertización, una repoblación, una laurisilva, una bruma, el sol, el agua, infraestructuras hidráulicas, aerogeneradores, adosados, centros comerciales, centros históricos, múltiples periferias, puertos, aeropuertos, metrópolis, pueblos, áreas estratégicas, infraestructuras aeroportuarias, fondos marinos, toponímicos,... que operan, todos ellos, en la articulación del paisaje. Es en estos términos, cómo nos gustaría que esta Bienal formule su mirada en el paisaje, paisaje como concepto ampliado, paisaje como espacio enfocado de la arquitectura contemporánea, paisaje como espacio de la transformación intencionada, paisaje como espacio de la construcción humana pero también como espacio receptáculo de la memoria. Seguramente no tenemos instrumentación a punto para manejar la compleja ecuación que aquí se formula, pero ello no es motivo para no experimentar, para elaborar discursos que hagan visible nuestra posición respecto al hecho de habitar en el Atlántico, respecto al hecho de ser un vórtice desde donde, en posición privilegiada, interpretar el mundo que nos ha tocado vivir. Canarias se propone, en esta ecuación, como gran laboratorio, como lugar desde donde establecer un testeo de la situación contemporánea, como espacio sensible y posible a un tiempo; miremos a nuestro alrededor y empecemos a trabajar…

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Manuel Feo


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Miriam Arricivita Vives

Nace la 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias, en medio de un mundo efervescente y artísticamente camaleónico, para quedarse. En plena era de la globalización se fundan los pilares de una plataforma cuyo objetivo es cortar el tiempo determinando un marco temporal limitado, en el que poder exponer, explicar, reflexionar y, fundamentalmente, alcanzar conclusiones, pudiendo así retomarlo con alguna lección aprendida. En este contexto dos son nuestras principales ventajas; la primera nos viene dada, privilegio de las islas en que vivimos, la situación geográfica del archipiélago atlántico culturalmente mestizo que nos acoge, la segunda ha supuesto un logro, la imbricación de tres disciplinas por primera vez, y con espíritu de permanencia, en una misma iniciativa en pos de soluciones comunes. La situación cartográfica de Canarias, en tanto que plataforma tricontinental ha propiciado su consolidación como crisol de culturas radicalmente opuestas actuando como tamiz entre América Latina, África, Europa e incluso Norteamérica, viniendo a depurar en nuestro territorio “lo mejor de cada casa”. No son pocos los méritos demostrados atendiendo a los inconvenientes a los que se ha tenido que hacer frente: los permanentes, esto es, su lejanía, su insularidad, su fragmentación, y los actuales que esperemos sean temporales, el problema de los flujos migratorios, los sobrecostes de la ultraperificidad, los esfuerzos que conlleva cualquier intento de movilidad y los problemas burocráticos, que supone “hacer ciudad” en pleno siglo XXI. Respecto a la segunda ventaja antes apuntada, pocos méritos pueden arrogarse, como no sea el de haber sabido percibir su convivencia indisociable y haber decidido propiciar un cauce único de expresión. Sobre esta base las exposiciones, los seminarios, los talleres y las construcciones han sido pensadas por canarios, tomando como referente Canarias y esperando obtener resultados para Canarias. Este proceso constructivo ha permitido vislumbrar un panorama francamente desalentador en el que el auge económico de las últimas décadas del siglo XX provocó un deterioro considerable del territorio. El resultado ha sido un entorno altamente densificado y, lo que es peor, un desarrollo ajeno al paisaje, producto de posturas egoístas y acomodadas propias de niveles sociales y culturales bajos que no se corresponde con la realidad intelectual de nuestras Islas: responsable, madura, reflexiva y comprometida con el medio. No obstante lo anterior, se pueden aislar distintos estadios en la evolución de la arquitectura en Canarias, los cuales, si bien solapados en el tiempo, son fácilmente identificables. Un primer estadio fértil, caracterizado por modelos arquitectónicos modernos aplicados sobre un territorio virgen y ejecutados con medios precarios, en el que se produjo una arquitectura de bases racionalistas. En el mismo convivían los pioneros de la modernidad de la arquitectura en Canarias que marcan la impronta de las futuras generaciones. Respecto a este periodo, si bien no se puede hablar de una singularización canaria, sí se pueden distinguir rasgos caracterizadores del mismo. Estos rasgos son desarrollados y enriquecidos por una generación bien definida que ha integrado el desarrollo técnico de su época generando una arquitectura matérica, particular de nuestras islas y reconocida internacionalmente. La historia se repite, ésta nueva generación ha conseguido fijar su impronta en los nuevos arquitectos isleños. A nosotros nos corresponde dar otra vuelta de tuerca, de modo que, bebiendo de las fuentes vernáculas y continuando con la evolución constatada hasta el momento, sepamos, una vez más, alcanzar nuevos horizontes asumiendo nuevos retos. Sin embargo, nuestra realidad es radicalmente opuesta: espacio colmatado, alta densidad poblacional, empantanamiento burocrático, graves problemas de planeamiento,

The 1st Architecture, Art & Landscape Biennial of the Canaries has come into being in the midst of an effervescent and artistically chameleonic world with the intention to stay. In this era of globalization we are laying the foundations for a platform whose goal is to demarcate time and outline a limited time frame in which it is possible to expound, explain, reflect and, more crucially, reach conclusions, and thus be able to return to it with a lesson learnt. In this context there are two main advantages: the first is a given, the privilege of these islands in which we live, the geographic situation of the culturally mixed Atlantic archipelago that gives us a home; the second is an achievement, the interweaving of three disciplines for the first time, and with a will to last in time, in one single initiative with the goal of coming up with shared solutions. The cartographic situation of the Canaries, insofar as a tri-continental platform, has led to its consolidation as a melting pot of radically opposed cultures, acting as a sieve for Latin America, Africa, Europe and even North America, filtering “the best of each” in our territory. Given the obstacles which have had to be overcome, the merits are quite considerable. These obstacles are either inherent, in other words, the remoteness, insularity, fragmentation, or else temporary, at least this is what we hope, in the problem of migratory flows, the added costs of our ultra-peripheral position, the efforts involved in any attempt at mobility and the bureaucratic problems of “making city” in the 21st century. Returning to the second advantage mentioned above, few merits can be assumed, if it were not for having perceived their inseparable coexistence and for having decided to encourage one single channel of expression. On this basis, the exhibitions, the seminars, the workshops and the constructions have been conceived by people from the Canaries, taking the Canaries as their reference and hoping to obtain results for the Canaries. This constructive process has proportioned a glimpse of a frankly discouraging panorama in which the economic boom of the final decades of the 20th century has led to a considerable deterioration of the territory. The result has been a highly densified environs and, what is worse, a development removed from the landscape, the product of selfish and self-interested postures one would expect from low social and cultural levels that do not correspond with the intellectual reality of our islands: responsible, mature, reflexive and engaged with the environment. Despite what I have just said, one can isolate different states in the evolution of architecture in the Canaries which, while overlapping in time, are easily identifiable. An initial fertile phase, characterised by modern architectural models applied to a virgin territory and executed with precarious means, in which a rationalist architecture was produced. This phase saw the involvement of the pioneers of modernism in architecture in the Canaries who would mark the path to be followed by future generations. Regarding this period, while one cannot speak of a Canarian singularisation, it is possible to distinguish characterising features of it. These features are developed and enriched by a well-defined generation that integrated the technical development of their time generating a material architecture, particular to our islands and internationally recognised. History repeats itself, and this new generation has managed to leave its mark on the new architects from the Canaries. It now corresponds to us to give a new twist to the screw, in such a way that, drinking from vernacular sources and continuing the evolution confirmed up until this moment, we can now reach new horizons by accepting new challenges. Nevertheless, our current reality is radically opposed: exhausted space, population density, bureaucratic standstill, severe planning problems, bitter competitiveness in a limited market,


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stagnation of demand for residential models… These are the problems against which we have to struggle and which we must find solutions to. And it is precisely this framework that is the subject for reflection in the 1st Architecture, Art & Landscape Biennial of the Canaries, and one of its goals is to encourage a forum for debate and encounter among architects from the Canaries with a view to redefining the present and catching a glimpse of the future. This goal is part of the much more ambitious target, which is a critical analysis of the contents of the three disciplines that will conclude with the necessary shared evolution. For this reason, it will be necessary to join individual, theoretical and institutional efforts that will allow us to achieve the most pressing goal, the success of the Biennial, given that its success will mean not just success in promoting the cause of architecture, but also a rapprochement between Culture, with uppercase, and the people of the Canary Islands.

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competitividad acérrima por un mercado limitado, estancamiento de la demanda de modelos residenciales… Estos son los problemas contra los que hemos de luchar y a los que debemos dar solución. Es precisamente este marco, el objeto de reflexión de la 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias, siendo uno de sus objetivos, propiciar un foro de encuentro y discusión de los arquitectos canarios a fin de replantearnos el presente y atisbar el futuro. Este objetivo forma parte de una meta mucho más ambiciosa, un análisis crítico de los contenidos de las tres disciplinas que concluya con la necesaria evolución conjunta. Para ello será necesario aunar esfuerzos individuales, teóricos e institucionales que permitan alcanzar lo más perentorio, el éxito de la Bienal, puesto que su éxito supondrá, no sólo el éxito en la promoción de la arquitectura, sino el acercamiento de la cultura, con mayúsculas, a los canarios.


CONSTRUIR LA MIRADA BUILDING THE GAZE 1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

CHARCO DE LOS CLICOS, LANZAROTE ANA MARÍA TORRES DE TORRE

Es doctora en arquitectura y trabaja entre los Estados Unidos y España. Es autora de los libros: Isamu Noguchi: A Study of Space y Carme Pinós: An Architecture of Overlay, ambos publicados por The Monacelli Press, Nueva York. En 2004 comisarió las exposiciones y catálogos sobre James Turrell y Scott Burton organizadas y publicadas por el Institut Valenciá d’Art Modern de Valencia, España.

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Is a doctor in architecture, who practices in the United States and Spain. She is the author of the books Isamu Noguchi: A Study of Space and Carme Pinós: An Architecture of Overlay, both published by The Monacelli Press, New York. In 2004 she curated the exhibitions and catalogues on James Turrell and Scott Burton, which were held at and published by the Institut Valenciá d’Art Modern in Valencia, Spain

Intervención / Intervention Comisaria / Curator: Ana María Torres de Torre Arquitecta / Architect: Carme Pinós Colaboradores / Collaborators: Estudio Carme Pinós, Holger Hennefarth

CARME PINOS

Después de trabajar conjuntamente con Enric Miralles, funda su propio estudio en 1992. Desde entonces ha compaginado su actividad como arquitecta con la docencia, habiendo sido profesora invitada, entre otras, en la Columbia University, la École Polytechnique Fédérale de Lausanne o la Harvard Graduate School of Design. Su obra ha sido reconocida con diversos premios entre los que destacan el Premio Nacional de Arquitectura por la Escuela – Hogar en Morella (1995), el Premio del Colegio de Arquitectos de la Comunidad Valenciana por el Paseo Marítimo Juan Aparicio de Torrevieja (2001) y el Premio Arqcatmon del Colegio de Arquitectos de Cataluña por la Torre Cube en Guadalajara (2005). Actualmente se encuentra realizando, entre otros, un edificio de viviendas en Florencia, la Delegación Territorial de las Terres de l’Ebre en Tortosa y el conjunto de la Escuela Massana, un edificio de viviendas y urbanización de la plaza de la Gardunya en Barcelona. After working with Enric Miralles, she set up her own studio in 1992. Since then she has combined her work as an architect with teaching as a visiting professor at Columbia University, the École Polytechnique Fédérale in Lausanne or the Harvard Graduate School of Design, among others. Her work has won many awards, including the Spanish National Architecture Award for the Boarding School in Morella (1995), the College of Architects of Valencia Award for the Torrevieja Waterfront (2001) and the Arqcatmon Award from the College of Architects of Catalonia for the Cube Tower in Guadalajara, Mexico (2005). She is currently working on an apartment building in Florence, the Terres de l’Ebre headquarters in Tortosa, the Massana School, and the redesign of Plaza de la Gardunya in Barcelona.

Carme Pinós y yo nos encontramos en el aeropuerto de Lanzarote el pasado mes de octubre. Después de saludarnos nos metimos en el coche y empezamos a recorrer la isla. Uno de los lugares fue el Charco de los Clicos, en El Golfo, uno de los paisajes más impresionantes de la isla, un cráter a la orilla del mar. Conduciendo, íbamos hablando de la isla, de su topografía, discutiendo ideas: herir el terreno, diseñar un banco, etc. Carme comentaba: Ana, diseñar un banco no es nada fácil. Llegamos al Golfo, aparcamos el coche y empezamos andar. Nos acercamos a la charca verde, subimos, bajamos, contemplamos, caminamos en zigzag, y en un momento determinado Carme dijo no quiero hacer nada aquí, y continuó, en este lugar, sería pretencioso, lo único que consideraría hacer sería jugar con esa cuerda y esos palitos que están muy mal colocados enfrente de la charca y a lo largo del borde del camino asfaltado, utilizándolos tal y como son y convertirlos en un guiño, en una ironía. En ese momento, decidimos proponer a la Bienal que la intervención fuera permanente. Pinós se aproximó a este proyecto de la misma manera que empieza todos sus proyectos: andando; andando en línea recta, en zigzag, en relación directa con la tierra, con el paisaje. Sin pretender conquistar ni poseer el espacio, sino creando escenarios que tienen en cuenta el lugar, la luz y la tierra, que aumentan nuestra conciencia sobre la realidad del entorno. Andar, según el diccionario de la Real Academia de la Lengua Española proviene de una variación romance del latín ambulare, y se interpreta como “dicho de un ser animado”: “ir de un lugar a otro dando pasos”. Francesco Careri, fundador del grupo Stalker, definió ‘andar’, en su libro Walkscapes. El Andar como practica estética, Gustavo Gili, Barcelona, 2002, como, ‘un arte que contiene en su seno el menhir, la escultura, la arquitectura y el paisaje’. Andar, la acción de atravesar el espacio que en un principio servía al ser humano para buscar cobijo, o alimento, se convirtió más adelante en una acción simbólica utilizada para transformar el lugar. Antes de marcar el territorio, modificamos el paisaje andando. Con este simple acto el ser humano ha establecido las relaciones más importantes con su entorno. Andar también define un límite en movimiento, pone de manifiesto las fronteras interiores del lugar, identifica zonas. Esto va siempre a la par con los intersticios, los espacios intermedios, los contornos indefinibles que sólo podemos ver realmente cuando andamos por ellos. Andando dejamos huellas, marcas, “el pasado lleno de sentido y de sabiduría aprendido por experiencia de siglos en observación y necesidad de su clima, de su latitud, de su viento, de su luz, y de un increíble paisaje”, escribía en 1974 César Manrique en Lanzarote Arquitectura Inédita, edición de autor, Lanzarote. Andando, también Carme Pinós como

Carme Pinós and I met up at in the airport in Lanzarote last October. Upon greeting each other, we got into the car and started our tour of the island. One of the places on our itinerary was Charco de los Clicos, in El Golfo, a crater by the seashore. It is one of the most stunning landscapes in Lanzarote. During our drive, we spoke about Lanzarote and its topography, and discussed ideas: opening a wound in the land, designing a bench, etc. Carme said “Ana, designing a bench is not easy”. We arrived at El Golfo, parked the car and began walking. We reached the green pool, drew up close, moved away, contemplated, walked in a zigzag, and then at a certain moment Carme said “I don’t want to do anything here”, “It would be pretentious in this place. The only thing I would consider doing would be to play with that rope and those posts that are so badly set in place beside the pool and along the edge of the asphalt path, using them as they are and turning them into a knowing nod, an ironic gesture”. It was at that point, we decided to propose to the Biennial that this gesture: an intervention should be permanent. Pinós approached the project is the same way as she begins all her projects: by walking; walking in a straight line, in zigzag, in direct relation with the earth, with the landscape. Without any pretensions of conquering nor possessing the space, instead creating scenarios that take the place, the light and the ground into account. that heightens our awareness of the reality of our surrounding environs. In return it heightens our awareness of the reality of our surrounding environment. In the dictionary, to walk “is to go on foot” or “to move over a surface by taking steps”. Francesco Careri, founder of the Stalker group, defined “‘walking” in his book Walkscapes. El Andar como practica estética, Gustavo Gili, Barcelona, 2002, as, “an art that contains in its core the menhir, sculpture, architecture and landscape”. Walking, as the action of crossing over a space, was how the human initially moved in search of shelter and food, before it became a symbolic action used to transform places. Before marking a territory, we modify the landscape by walking. With this simple act, the human being has established his most important relationships with his environment. Walking also defines limits in movement, reveals the interior frontiers of a place and identifies areas. And this is always coupled with interstices, intermediary spaces, the indefinable contours the we can only really see when we walk through them. When walking, we leave behind traces, marks, “the past full of meaning and wisdom learned by centuries of experience in observation and the need of its climate, its latitude, its wind, its light, and an incredible landscape”, wrote César Manrique in 1974 in Lanzarote Arquitectura Inédita, published by the author. When walking, Carme Pinós like César Manrique, listened to the silence, the poetics, the magic, the colour and the vast visual power of Lanzarote.


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César Manrique, escuchó el silencio, la poética, la magia, el color y la enorme potencia plástica de Lanzarote. Partiendo de lo existente, la cuerda, el hierro, y el diseño ya creado en este lugar, Pinós habilita este proyecto, como un receptor de todos los matices y sensaciones de este escenario insólito. Utiliza la cuerda para enlazar cada accidente del entorno a una historia, a un recorrido, a un cántico, que terminan entrelazados en un banco, que se superpone a la superficie casi sin tocarla, como una telaraña de ensueños. “La cuerda y los palitos” ya no sólo nos llevan a unos lugares, sino que son lugares. Pinós enfatiza de esta manera esa “jornada a pie” de los visitantes: con un gesto simple, humilde, coge la cuerda… y la deja caer sobre la topografía para crear topografía. Ana María Torres, Nueva York, 2006

The rope, the iron posts, and the surroundings become the receptors for the nuances and feelings of its unique emplacement. She used the rope to weave together each accident of the surroundings into a narrative, into a route, a hymn. . It ended up interwoven in a bench, over layering the surface, almost without touching it, like a spider’s web in a dream. that ended up interwoven in a bench, overlayering the surface almost without touching it, like a spider’s web in a dream. Not only does “the rope and the posts” lead us to a place, but now they themselves become the place. In this way Pinós underscores a visitor’s “day’s walk” with a simple, humble, gesture. She takes the ropeand lets it fall onto the topography: to create topography. Now “the rope and the posts” not just lead us to a place, but rather are in themselves places. In this way Pinós underscores a visitor’s “day’s walk”. With a simple, humble, gesture she takes the rope… and lets it fall onto the topography to create topography.

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Ana María Torres, New York, 2006


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EL VIGILANTE DEL PAISAJE LANDSCAPE WATCHMAN

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CRUCE DE TAMADUSTE, VALVERDE, EL HIERRO ELIAS TORRES

(Ibiza, 1944) Arquitecto por la ETSA de Barcelona en 1968. Obtiene el título de Doctor en 1993. Comparte estudio profesional con José Antonio Martínez Lapeña desde 1968. Arquitecto Diocesano de Ibiza entre los años 1973 y 1977. Profesor de la ETSAB de las siguientes especialidades: Composición, entre los años 1969 y 1977; Paisaje, desde 1977 hasta 1999; Dibujo, entre 1978 y 1988. Es Titular de Proyectos desde 1996. Ha sido Profesor invitado en University of California Los Angeles (UCLA) en 1977, 1981, 1984; en Harvard University (GSD) en 1988,1995 y 2002. Residente en la Academia Española, Roma 1990. Ha realizado las siguientes publicaciones: Guía de Arquitectura de Ibiza y Formentera, Collegi Oficial d’Arquitectes Catalunya (COAC) i Balears, 1980; Park Güell, Gustavo Gili, 2002; Luz Cenital, COAC, 2005; Hubiera preferido invitarles a cenar..., Pretextos, 2005.

Intervención / Intervention Arquitecto / Architect: Elías Torres Tur Comisaria / Curator: Cristina González Vázquez de Parga Colaboradores / Collaborators: Pau Badía Roca Tomás Sánchez (ingeniería) Francisco León (estructura) Manuel Jesús Peraza (electricidad) Montaje / Montage: Taller Artero

(Ibiza, 1944) Architect ETSA Barcelona 1968, PhD 1993 Professional studio with José Antonio Martinez Lapeña since 1968 Ibiza Diocese Architect 1973-77.Lecturer at ETSAB; Composition 1969-77; Landscape 1977-99; Drawing 1978-88; Permanent Teacher of Projects since 1996. Visiting Scholar at University of California Los Angeles (UCLA) in 1977, 1981, 1984; at Harvard University (GSD) in 1988,1995 y 2002. Resident at the Academia Española, Rome 1990. Books: Guía de Arquitectura de Ibiza y Formentera, Col.legi Oficial d’Arquitectes Catalunya (COAC) i Balears, 1980; Park Güell, Gustavo Gili, 2002; Luz Cenital, COAC, 2005; Hubiera preferido invitarles a cenar..., Pretextos, 2005.

El satélite El vigilante del Paisaje será lanzado a la estratosfera en la Epifanía de 2007. Su objetivo es estar atento, día y noche, a los desmanes urbanísticos, a las construcciones ilegales, a los incendios, a las talas de árboles vandálicas y a todos sus autores. Al detectar el satélite una infracción o atentado en las Islas, transmitirá las señales adecuadas (de tecnología óptica super avanzada) a la autoridad competente, para que sancione a los responsables mediante el carné por puntos paisajístico. El carné por puntaos se repartirá a los residentes y a los visitantes en lugares estratégicos. Mejore pero no estropee. Crezca pero no moleste. Use correctamente los recursos escasos. Sea consciente de que las Islas Canarias son únicas.

The Landscape Watchman satellite will be launched into the stratosphere in the Epiphany of 2007. Its purpose is be keep an eye, day and night, on developing excesses, illegal constructions, forest fires, illegal felling of trees and their perpetrators. When the satellite detects an infraction or assault against the island, it will transmit the appropriate signals (using advanced optical technology) to the relevant authorities, so that they can fine the offenders and take away points from their landscape license. These license with points will be distributed to residents and visitors in strategic locations. Improve without damaging. Grow without vandalising. Use the scant resources correctly. Be conscious that Canary Islands are unique.


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1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

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CRISTINA GONZÁLEZ VÁZQUEZ DE PARGA

(Canadá, 1966) Finaliza sus estudios de Arquitectura en la E.T.S.A. de Navarra en 1991, obteniendo el Premio Extraordinario Fin de Carrera. En 1994 realiza un máster en Diseño Urbano y Paisaje en la Universidad de Harvard, EEUU, en el que consigue matrícula de honor. Este mismo año, colabora con Martha Schwartz Inc., EEUU, en proyectos de paisaje. Desde 1995 trabaja en Santa Cruz de Tenerife.Ha sido profesora de Diseño Urbano, en el Boston Architectural Center, EEUU, en 1994, y profesora asociada de Proyectos E.T.S. de Las Palmas de Gran Canaria, durante los años1996 a 2000. Sus trabajos han sido reconocidos con distinciones y premios como el Regional de Accesibilidad 2005, las Menciones del Premio Oraá en sus ediciones 2004-2005 y 2002-2003, el Premio de Arquitectura Accesible 2003, así como la Mención Premio Agustín Bethencourt de Obra Civil.Asimismo, es coautora del libro Rubéns Henríquez, arquitecto, así como de diversos artículos de investigación.

(Canadá, 1966) Graduated in Architecture from the E.T.S.A. of Navarra in 1991, where she received the Extraordinary Prize. In 1994 she obtained a master in Urban and Landscape Design at Harvard, USA, where she received a magna cum laude. That same year, she collaborated with Martha Schwartz Inc., USA, in landscaping projects. Since 1995 she works in Santa Cruz de Tenerife. She has taught Urban Design at the Boston Architectural Center, USA, in 1994, and was adjunct professor in Projects at E.T.S.A. of Las Palmas de Gran Canaria, from 1996 through 2000. Her work has been awarded with several prizes and distinctions including Regional Accessibility Award 2005, special mentions at the Oraá Awards in 2004-2005 and in 2002-2003, the Accessible Architecture Prize 2003, and the Agustín Bethencourt Award for Civil Work. She is also the co-author of the book Rubéns Henríquez, arquitecto, besides many academic articles.

El Hierro es isla reserva de la biosfera. Lo es por su apuesta por un modelo de desarrollo sostenible, basado en la revitalización y conservación de los recursos naturales, culturales y paisajísticos, que se materializa en propuestas tan ambiciosas como el proyecto para su total autoabastecimiento con energías renovables. Paralelamente, sin embargo, la presión urbanística sobre todo el Archipiélago va en aumento, las malas prácticas escapan frecuentemente al control y una falta generalizada de sensibilidad medioambiental deteriora irreversiblemente nuestro territorio. En este contexto, la mirada de Elías Torres propone, desde el reconocimiento de la singularidad herreña, una toma de conciencia sobre la fragilidad del equilibrio ambiental al que aspiramos, ofreciéndonos un curioso artefacto, el Vigilante del Paisaje. Si el satélite Quickbird, a 600km de la Tierra, tiene como misión localizar, mediante un complejo sistema computarizado, la más leve modificación en el territorio para determinar su legalidad, el Vigilante del Paisaje, posado en suelo herreño, pareciera por contra querer escanearnos el pensamiento, y, desde su imperfecta tecnología, quizás su misión sea hacerse visible ante nuestras conciencias. De un modo irónico y al tiempo amable, esta estructura estrambótica de tecnología chatarrera, el Vigilante del Paisaje, compuesta por elementos reciclados de la construcción y la industria, bufando humo de colores, y mirando en todas direcciones con múltiples ojos luminosos, nos hace una llamada de atención, nos vigila, para que ordenemos nuestro territorio con coherencia, para que construyamos con calidad y para que evitemos los desastres ecológicos que generamos. Este artefacto, por su propia naturaleza, invita al reciclaje, al uso de energías alternativas renovables y al aprovechamiento de los propios recursos, tanto materiales como humanos. Está construido con piezas de chatarra encontradas en la isla y ha sido fabricado y ensamblado por empresas y artesanos locales, que se han mostrado entusiasmados con la idea, identificándose de inmediato con las premisas de reciclaje y respeto al territorio. La intervención se acompaña del Carné Paisajístico por Puntos, un tríptico que, divertido y directo, explica el porqué de la intervención y ofrece un catálogo de aquellas pautas de desarrollo que habitualmente deterioran el paisaje. En definitiva, el Vigilante del Paisaje nos provoca a la reflexión sobre la singularidad de nuestro territorio insular y sobre el modo en que lo ocupamos, advirtiéndonos del peligro de la sobreexplotación de los recursos. No se trata de no crecer, ni de no progresar; al contrario, se trata de hacerlo, pero en armonía con nuestros recursos y sin hipotecar nuestro futuro.

The island of El Hierro is a biosphere reserve. This is largely because of its commitment with a model of sustainable development based on the revitalisation and conservation of natural, cultural and landscape resources, which is materialised in ambitious proposals like the project for complete self-sufficiency in renewable energies. At the same time, however, the pressure of property development on the whole of the archipelago is increasing all the time, malpractice frequently evades control and there is a generalised lack of environmental sensitivity, which, taken together, are producing an irreversible deterioration in our territory. Against this backdrop, Elías Torres’ gaze proposes, from the perspective of the singularity of El Hierro, a raising of consciousness about the fragility of the environmental balance to which we aspire, offering us a curious artefact, what he is calling Vigilante del Paisaje or, in other words, a Landscape Watchman. While the mission of the satellite Quickbird, orbiting at 600 km over the Earth, is to locate, by means of a complex computerised system, the slightest modification in the territory in order to determine its legality, the Landscape Watchman, resting on the ground of El Hierro, would seem, on the contrary, to scan our minds, and, by means of its imperfect technology, perhaps its particular mission is to make itself visible to our consciences. In an ironic and witty fashion, this outlandish structure of scrapmerchant technology, the Landscape Watchman, made of recycled elements from construction and industry, snorting out coloured smoke, and looking in all directions with multiple luminous eyes, is a call to order, watching us, making sure that we keep our territory in order, ensuring that we build with criteria of quality and avoid the ecological disasters we are currently generating. This artefact, given its own nature, is an invitation to recycle, to use alternative renewable energies and make proper use of existing resources, both material and human. The Landscape Watchman is built with pieces of scrap found around the island and was put together by local craftspersons and businesses, who were all delighted with the idea, immediately identifying with the underlying premises of recycling and respect for the environment. The intervention is rounded off with a Landscape Licence with a points system, a triptych explaining in a direct yet humorous way the reasons for the intervention, listing the development infractions that are causing the ongoing deterioration of the landscape. In short, the Landscape Watchman incites a thoughtful reflection on the singularity of our island territory and on the way we inhabit and use it, warning us of the dangers of overexploiting its resources. It doesn’t put a stop to growth or a stop to progress; on the contrary, it aspires precisely to do those things, but in harmony with our resources and without mortgaging our future.

Cristina González Vázquez de Parga

Cristina González Vázquez de Parga


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ARQUITECTURA CONTEMPORÁNEA EN CANARIAS CONTEMPORARY ARCHITECTURE IN THE CANARIES PLAZA DE ALBERTO SARTORIS,1. SANTA CRUZ DE TENERIFE, TENERIFE 1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

RAFAEL ESCOBEDO DE LA RIVA

(Santa Cruz de Tenerife, 1971) Realiza sus estudios en la E.T.S.A.de Madrid, School of Architecture de Oxford, Brookes University y Università degli studi di Roma La Sapienza. Fue seleccionado para la Bienal de Arquitectura Española para Estudiantes en 1995. En 1999 forma el estudio EdR.P, con sede en Roma y Tenerife con especial dedicación al estudio de proyectos arquitectónico y urbanos, junto con la actividad profesional y docente. Seleccionado para la Bienal de Jóvenes Artistas de Europa y el Mediterráneo (Sarajevo, 2001), Premio de Arquitectura Jóvenes Arquitectos de la Academia Nacional de San Luca en Roma (2003) y Premio U33 en el Festival Internacional de Arquitectura (Parma 2004).

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(Santa Cruz de Tenerife, 1971) Graduated from E.T.S.A. Madrid, School of Architecture at Oxford Brookes University and Università degli studi di Roma “La Sapienza” Rome. Selected for the 1995 Biennale of Spanish Architecture for students. In 1999, he founded the EdR. P studio based in Rome and Tenerife, dedicated to urban and architectural projects, combining this with teaching activity. He was selected for the Biennial of Young Artists from Europe and the Mediterranean (Sarajevo 2001), Architecture Award of Young Architectures of the San Luca National Academy of Rome (2003) and the U33 Award of the International Architecture Festival (Parma 2004).

Comisario / Curator: Rafael Escobedo de la Riva Colaboradores / Collaborators: Cristina Amigó, Tomas Boehm

A la hora de plantear una exposición de la arquitectura que se ha realizado en Canarias en los últimos años, dentro de un marco con la importancia de una Bienal Canaria de Arquitectura, Arte y Paisaje, nos enfrentamos al reto de toda exposición de esta naturaleza, como es la de transmitir una información especializada a un público general. Se ha trabajado mucho en qué tipo de lectura plantear, creyendo más conveniente proponer una doble estrategia de discurso pero en un todo continuo. Con la intención de crear una experiencia dinámica y didáctica, abierta a un público general pero que ofrezca con rigor científico un muestrario de las arquitecturas que se han realizado en Canarias desde la llegada de la modernidad a nuestra tierra. Todo ello dentro de un espacio que haga del acto expositivo una experiencia, a lo largo de un recorrido, en un entrar y salir, donde al final cada cual se marche con algo: un recuerdo, una imagen, una curiosidad. La intención sería la de crear una exposición que sirviera para promocionar y difundir de forma dinámica y didáctica, también de fácil lectura, a un público no especializado en la materia, la arquitectura que se ha realizado en Canarias en los últimos 25 años pero que ofrezca con rigor científico un muestrario de las arquitecturas, con el objetivo de: ”Mostrar una realidad consolidada de una arquitectura que ha tenido un desarrollo altamente condicionado ya desde sus orígenes (de gran importancia) y consiguiente desarrollo, en la lucha por resolver una serie de condicionantes y problemáticas que con el tiempo han sido más importantes que tendencias y modas ya sea por el continuo debate con el medio, por su aislamiento tanto geográfico como cultural, así como de la gran escasez de materias primas, que no han sido un impedimento para que los arquitectos de las Islas, con su quehacer, hayan buscado una modernidad ética a través de su labor, con un importante respeto de la identidad territorial, que ha dado lugar a una arquitectura con reconocido prestigio y de gran calidad, equiparable a la que se realiza internacionalmente. Con la llegada del siglo XXI, momento de globalizaciones, sería un buen momento para analizar este fenómeno, y reivindicar su valor”. La exposición pretende mostrar el desarrollo de la Arquitectura contemporánea en Canarias a través de una experiencia expositiva con dos lecturas pero en un todo continuo. Con una primera mirada más institucional, se haría un recorrido de los premios y menciones del Oraá en todas sus ediciones, que serviría para tomar pulso ya no sólo a la evolución de la interesante arquitectura desarrollada en estos años sino a su vez a la evolución que el propio Premio Regional de Arquitectura, que a día de hoy ya posee suficiente madurez para tomar la relevancia que merece más allá del ámbito de los propios arquitectos y darse a conocer a un público más extenso. Esta

antológica del Premio Regional de Arquitectura Manuel Oraá y Arcocha ofrecería, por primera vez, la visión de la globalidad de los mismos, acto ya no sólo novedoso sino de gran interés. Considerando que ésta sería una inmejorable oportunidad para tener una perspectiva histórica de la Arquitectura canaria desde su modernidad en donde poder establecer unos puntos de referencia y valorización objetivos. Esta parte de exposición no tiene otro carácter o intención más que el de servir de guía y presentar las obras premiadas sin entrar a analizarlas, dejando este cometido al espectador. La otra lectura complementaria de la exposición, sería un repaso de la Arquitectura canaria a través de los propios arquitectos introduciendo a la nueva generación de estos profesionales a través de imágenes. Al contrario que en la parte anterior, aquí el protagonismo no sería exclusivo de la obra construida; ahora tendría cabida el entorno cultural que ha hecho posible el desarrollo de la arquitectura desarrollada. Una visión continua de personas, obras, acontecimientos, lugares… Rafael Escobedo de la Riva


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When it comes to devising an exhibition on the architecture from the Canaries in the last 25 years in such a significant framework as the Architecture, Art and Landscape Biennial of the Canaries, we are faced with the challenge posed by any architecture exhibition, namely, to convey specialised information to the general public. Much work has been done in the type of reading to formulate, reaching the conclusion that the most convenient solution would be to design a double strategy of reading, but within a continuum. With the intention of creating a dynamic and didactic experience, open to the general public but displaying with scientific rigor a range of the architecture made in the Canaries since the arrival of modernism. And all in a space capable of turning the exhibition act into an experience, a journey, into an in and out, where one always leaves with something: a memory, an image, a curiosity. With an initial, more institutional, reading, I would propose a review of the prizes and mentions in the Oraá Awards in all its editions, to gauge not only the evolution of the interesting architecture developed through out these years, but also the evolution of the Regional Architecture Awards themselves, now mature enough as to have earned a wider reputation beyond the strict field of architecture. This anthology exhibition of the Manuel Oraá y Arcocha Regional Architecture Awards would provide, for the first time, a conspectus, something not only innovative but also highly interesting. Considering that this would be an unbeatable opportunity to take a historical overview of the Canaries Architecture from modernism, a place where it would be possible to establish some objective points of reference and assessment. This exhibitive aspect has no other intention than to act as a guide and to present the awarded works without analysing them, leaving that to the spectator. The second reading is the intention of creating a view through images, with the main role not played exclusively by the constructed work. Here the cultural environment that has developed in our Islands, and that has made the evolution of architecture in the Canaries possible, would also have a place. A continuous vision and view of individuals, works, competition, events, places…

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Rafael Escobedo de la Riva


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PREMIO REGIONAL DE ARQUITECTURA MANUEL DE ORAÁ Y ARCOCHA MANUEL DE ORAÁ Y ARCOCHA REGIONAL ARCHITECTURE AWARDS

I EDICIÓN BIENIO 83-84 1st EDITION - BIENNIUM 83-84

II EDICIÓN BIENIO 85-86 2nd EDITION - BIENNIUM 85-86

III EDICIÓN - BIENIO 87-88 3rd EDITION - BIENNIUM 87-88

PRIMER PREMIO / FIRST PRIZE Gasolinera Texaco. Mercatenerife. Tenerife / Texaco filling station. Mercatenerife. Tenerife José Mª Rodríguez-Pastrana Malagón Felipe Artengo Rufino Fernando Martín Menis

PRIMER PREMIO (ex aequo) / FIRST PRIZE (joint) 30 viviendas. Juan Grande. Gran Canaria / Residential development, 30 units. Juan Grande. Gran Canaria

PRIMER PREMIO (ex aequo) / FIRST PRIZE (joint)

PRIMERA MENCIÓN / FIRST MENTION Cooperativa Farmaceútica Cofarte. Taco. La Laguna. Tenerife / Cofarte Pharmaceutical Cooperative. Taco. La Laguna. Tenerife Manuel García Gómez Julián Valladares Hernández SEGUNDA MENCIÓN (ex aequo) / SECOND MENTION (joint) Casa Betania. Las Eras. Arico. Tenerife / Betania house. Las Eras. Arico. Tenerife Hugo Luengo Barreto Alberto Luengo Barreto Residencia de vacaciones para las Monjas de La Asunción. Tegueste.Tenerife / Holiday home for La Asunción nuns. Tegueste. Tenerife Juan Carlos Díaz-Llanos La Roche Andrés Piñeiro Izquierdo Vivienda del arquitecto. Tacoronte.Tenerife / Architect’s house. Tacoronte. Tenerife Federico García Barba Hogar Escuela. Vallehermoso. La Gomera / Boarding school. Vallehermoso. La Gomera Juan Luis Hernández Cabrera

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Edificio Grevilla. Santa Cruz de Tenerife. Tenerife / Grevilla building. Santa Cruz de Tenerife. Tenerife Fernando Machado Carrillo José Pascual Arias Fernando Bercedo Franquet

María Luisa González García

Edificio García y Correa. Tenerife / García y Correa building. Tenerife María Isabel Correa Brito

MENCIONES / MENTIONS Fábrica Granini. Salinetas. Telde. Gran Canaria / Granini factory. Salinetas. Telde. Gran Canaria

Francisco Javier Cabrera Cabrera José Antonio Sosa Díaz-Saavedra

Bungalows. Playa del Inglés. Gran Canaria / Bungalows. Playa del Inglés. Gran Canaria

José Antonio Sosa Díaz-Saavedra

Facultad de Derecho y Económicas. La Laguna. Tenerife / Faculty of Law and Economics. La Laguna. Tenerife José Angel Domínguez Anadón Francisco Artengo Rufino Carlos Schwartz Pérez

Rehabilitación de la Biblioteca Insular de Gran Canaria. Gran Canaria / Refurbishment of Gran Canaria Island Library. Gran Canaria José Luis Gago Vaquero

Sede Social de la Caja General de Ahorros de Canarias. Santa Cruz de Tenerife. Tenerife / Social Headquarters of Caja General de Ahorros de Canarias. Santa Cruz de Tenerife

2 viviendas adosadas. El Médano.Tenerife / 2 semidetached houses. El Médano. Tenerife Eustaquio Martínez García

Conjunto de viviendas. Vecindario. Santa Lucía de Tirajana. Gran Canaria / Housing development. Santa Lucía de Tirajana. Gran Canaria María Teresa Manrique de Lara José Luis Medina Miranda Arsenio Pérez Amaral

José Angel Domínguez Anadón Francisco Artengo Rufino Carlos Schwartz Pérez

Cementerio. Agulo. La Gomera / Cemetery. Agulo. La Gomera

Reforma del Circulo de Bellas Artes. Santa Cruz de Tenerife. Tenerife / Refurbishment of Circulo de Bellas Artes. Santa Cruz de Tenerife

10 viviendas de protección oficial. Alajeró. La Gomera / Social housing development, 10 units. Alajeró. La Gomera

María Isabel Correa Brito Diego Estévez Pérez

MENCIONES / MENTIONS

14 viviendas de reposición. La Laguna. Tenerife / 14 housing units. La Laguna. Tenerife María Nieves Febles Benítez Agustín Cabrea Domínguez

Conjunto de viviendas. Vecindario. Santa Lucía de Tirajana. Gran Canaria / Housing development. Santa Lucía de Tirajana. Gran Canaria María Teresa Manrique de Lara José Luis Medina Miranda

Cristóbal Vargas Casañas

Javier Domínguez Anadón Cristóbal Vargas Casañas

IV EDICIÓN - BIENIO 89-90 4th EDITION - BIENNIUM 89-90

V EDICIÓN - BIENIO 90-91 5th EDITION - BIENNIUM 90-91

PRIMER PREMIO (ex aequo) / FIRST PRIZE (joint)

PRIMER PREMIO / FIRST PRIZE Estación Marítima del Jet-Foil. Santa Cruz de Tenerife. Tenerife / Jet-Foil station. Santa Cruz de Tenerife

Centro Atlántico de Arte Moderno. Las Palmas de Gran Canaria. Gran Canaria / Centro Atlántico de Arte Moderno. Las Palmas de Gran Canaria Francisco Javier Sáenz de Oiza Jesús Monzón González

Estación Transformadora. Santa Cruz de Tenerife. Tenerife / Transformer station. Santa Cruz de Tenerife Javier Díaz-Llanos La Roche Vicente Saavedra Martínez

Estación Marítima. San Sebastián de La Gomera. La Gomera / Port station. San Sebastian. La Gomera Javier Díaz-Llanos La Roche Vicente Saavedra Martínez MENCIONES / MENTIONS

Pabellón de Exposiciónes. Santa Cruz de Tenerife. Tenerife / Exhibition Hall. Santa Cruz de Tenerife José Lorenzo García García

Eustaquio Martínez García Arsenio Pérez Amaral Antonio Corona Bosch

MENCIONES / MENTIONS

Nave industrial para producción láctea. Arico.Tenerife / Factory for dairy products. Arico. Tenerife Federico García Barba

88 viviendas de protección oficial en Añaza. Tenerife / Social housing development, 88 units. Añaza. Tenerife Javier Díaz-Llanos La Roche Vicente Saavedra Martínez

Centro de formación ocupacional de agricultura. Los Realejos. Tenerife / Agricultural training school. Los Realejos. Tenerife Ciro de la Torre Fragoso Ana Rojo Montijano Fernando Maqueda Lorenzo

Local para Caja de Arquitectos. Las Palmas de Gran Canaria. Gran Canaria / Headquarters for Caja de Arquitectos. Las Palmas de Gran Canaria

Rehabilitación de la Casa Lercaro. La Laguna. Tenerife / Refurbishment of Casa Lercaro. La Laguna. Tenerife

Tribuna del Estadio. Santa Cruz de Tenerife. Tenerife / Stadium grandstand. Santa Cruz de Tenerife

33 viviendas de protección oficial. Polígono del Rosario. Tenerife / Social housing development, 33 units. Polígono del Rosario. Tenerife

María Luisa González García

Carlos Schwartz Pérez

Apartamentos La Vigilia. Tenerife / La Vigilia apartments. Tenerife

José Mª Rodríguez-Pastrana Malagón Felipe Artengo Rufino Fernando Martín Menis

Centro de 8 unidades de E.G.B. Tenerife / Primary school with 8 units. Tenerife María Isabel Correa Brito Diego Estévez Pérez

Fernando Saavedra Martínez Luis Abreu Fernández

José Antonio Sosa Díaz-Saavedra Virgilio Gutiérrez Herreros Miguel López Navarro Juan Antonio González Castro


Rehabilitación Casa Pérez. Agulo. La Gomera / Refurbishment Casa Pérez. Agulo. La Gomera Cristóbal Vargas Casañas

86 viviendas de promoción pública. Los Realejos. Tenerife / Social housing development, 86 units. Los Realejos. Tenerife Eustaquio Martínez García Arsenio Pérez Amaral Antonio Corona Bosch

Edificio Departamental Informática y Matemática. Campus de Tafira. Gran Canaria / Department of Computer Sciences and Mathematics. Tafira Campus. Gran Canaria Giaguno Polesello Juan Manuel Palerm Salazar Manuel Bote Delgado Juan Ramírez Guedes Benito García Macía

Vivienda Unifamiliar. Radazul. Tenerife / House. Radazul. Tenerife María Isabel Correa Brito Diego Estévez Pérez

Reforma interior salón de actos Plaza de la Constitución. Las Palmas de Gran Canaria. Gran Canaria / Refurbishment of assembly hall in Plaza de la Constitución. Las Palmas de Gran Canaria

Carlos Ardanaz Miranda Juan Carlos Cabrera Sainz de Medrano Lisandro Hernández Montes

PRIMER PREMIO (ex aequo) / FIRST PRIZE (joint)

PRIMER PREMIO / FIRST PRIZE Centro de visitantes e interpretación de San Sebastián de La Gomera. La Gomera / San Sebastian Visitor & Interpretation Centre. La Gomera

Pabellón Ana Bautista. Santa Cruz de Tenerife. Tenerife / Ana Bautista Hall. Santa Cruz de Tenerife José Mª Rodríguez-Pastrana Malagón Felipe Artengo Rufino Fernando Martín Menis

Colegio Mayor de San Agustín. La Laguna. Tenerife / San Agustín hall of residence. La Laguna. Tenerife

José Mª Rodríguez-Pastrana Malagón Felipe Artengo Rufino Fernando Martín Menis MENCIONES / MENTIONS

Edificio Servicio de Aguas. La Laguna. Tenerife / Water Company building. La Laguna. Tenerife Federico García Barba María Nieves Febles Benítez

30 y 20 viviendas de promoción pública. Los Andenes. Tenerife / Social housing development, 30 and 20 units. Los Andenes. Tenerife Eustaquio Martínez García Arsenio Pérez Amaral Antonio Corona Bosch

Cementerio Municipal. Valle Gran Rey. La Gomera / Municipal Cemetery. Valle Gran Rey. La Gomera Cristóbal Vargas Casañas

Juan A. González Pérez Ana Zurita Expósito José Francisco Arnau Díaz-Llanos MENCIONES / MENTIONS

Vivienda unifamiliar en Puerto del Carmen, Tías, Lanzarote / House in Puerto del Carmen, Tías, Lanzarote Luis Díaz Feria

Edificio Proa, Santa Cruz de Tenerife. Tenerife / Proa building, Santa Cruz de Tenerife José Mª Rodríguez-Pastrana Malagón Fernando Martín Menis Felipe Artengo Rufino

48 VPO en Santa Clara, Santa Cruz de Tenerife. Tenerife / Social housing development, 48 units, Santa Cruz de Tenerife Eustaquio Martínez García Arsenio Pérez Amaral Antonio Corona Bosch

Granja clínica y animalario de la Facultad de Veterinaria, Arucas, Gran Canaria / Farm clinic for Veterinary Faculty, Arucas, Gran Canaria Alfredo Bescos Olaizola

VIII EDICIÓN - BIENIO 96-97 8th EDITION - BIENNIUM 96-97 Recinto Ferial, Santa Cruz de Tenerife. Tenerife / Exhibition Centre, Santa Cruz de Tenerife

Arquitecto / Architect: Santiago Calatrava Valls Arquitectos Directores / Project Architects Joaquín Amigó – Carlos Cabrera

Palacio de Congresos, Feria del Atlántico, Las Palmas de Gran Canaria. Gran Canaria / Congress Hall, Las Palmas de Gran Canaria Félix Juan Bordes Caballero

Pabellón Polideportivo de Los Realejos. Tenerife / Los Realejos Sports Pavilion. Tenerife Angel García Palmas Nylian Glez. Arzola Antonio Pelayo Martín Arquitecto Director / Project architect: Luis Mª Machi Pérez

Museo del Vino, El Sauzal. Tenerife / Wine Museum, El Sauzal. Tenerife

Juan Carlos Díaz-Llanos La Roche Fernando Beautell Stroud

PRIMER PREMIO (ex aequo) / FIRST PRIZE (joint)

Espacio Cultural Tanque Cepsa. Santa Cruz de Tenerife. Tenerife / El Tanque Cultural Centre. Santa Cruz de Tenerife José Mª Rodríguez-Pastrana Malagón Fernando Martín Menis Felipe Artengo Rufino

Biblioteca General de la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria. Tafira. Gran Canaria / Library of University of Las Palmas de Gran Canaria. Tafira. Gran Canaria Luis Martínez de Santamaría

Edificio de viviendas Landero. Santa Cruz de Tenerife. Tenerife / Landero apartment block. Santa Cruz de Tenerife Fernando Martín Menis

MENCIONES / MENTIONS

Vivienda adosada. Santa Brígida. Gran Canaria / House. Santa Brígida. Gran Canaria

18 Viviendas de protección oficial. María Jiménez. Santa Cruz de Tenerife. Tenerife / Social housing development, 18 units. María Jiménez. Santa Cruz de Tenerife Eustaquio Martínez García Arsenio Pérez Amaral Antonio Corona Bosch

Rehabilitación del Hotel Santa Catalina. Las Palmas de Gran Canaria. Gran Canaria / Refurbishment of Santa Catalina Hotel. Las Palmas de Gran Canaria

1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

Carlos Schwartz Pérez

VII EDICIÓN - BIENIO 94-95 7th EDITION - BIENNIUM 94-95

José A. Sosa Díaz-Saavedra Francisco J. Cabrera Cabrera

Rehabilitación Instituto Cabrera Pinto. La Laguna. Tenerife / Refurbishment of Instituto Cabrera Pinto. La Laguna. Tenerife Mª Isabel Correa Brito Diego Estévez Pérez

Manuel Feo Ojeda Víctor Alonso Martínez

97 Viviendas de promoción pública. Añaza. Santa Cruz de Tenerife. Tenerife / Social housing development, 97 units. Añaza. Santa Cruz de Tenerife Virgilio Gutiérrez Herreros José Lorenzo García García

Museo de la Ciencia y el Cosmos. La Laguna. Tenerife / Museum of Science and Cosmos. La Laguna. Tenerife Jordi Garcés Bruses Enric Soria Badia

Restitución del dominio público y rehabilitación de la Caleta de Guatiza. Teguise. Lanzarote / Restoration of Caleta de Guatiza. Teguise. Lanzarote Carlos J. Hernández Gómez Antonio Suárez Linares

Centro de Formación del Profesorado. La Laguna. Tenerife / Teacher Training School. La Laguna. Tenerife Manuel Feo Ojeda Juan José Espino Durán

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Rehabilitación del Teatro Guimerá. Santa Cruz de Tenerife. Tenerife / Refurbishment of Guimerá Theatre. Santa Cruz de Tenerife

VI EDICIÓN - BIENIO 92-93 6th EDITION - BIENNIUM 92-93


1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

IX EDICIÓN - BIENIO 98-99 9th EDITION - BIENNIUM 98-99 PRIMER PREMIO / FIRST PRIZE Sede de la Presidencia del Gobierno de Canarias. S/C de Tenerife / Presidency of Government of the Canaries. Santa Cruz de Tenerife

José Mª Rodríguez-Pastrana Malagón Felipe Artengo Rufino Fernando Martín Menis

MENCIONES / MENTIONS Vivienda-estudio en Acorán. Santa Cruz de Tenerife / House-studio in Acorán. Santa Cruz de Tenerife Juan A. González Pérez, Félix Perera Pérez Urbano Yanes Tuña

Edificio Sede de la Sociedad “Polígono Industrial de Granadilla S.L. / Headquarters of Sociedad Polígono Industrial de Granadilla Mª Isabel Correa Brito Diego Estévez Pérez

Intervención singular en el Puerto de las Nieves, Agaete. Gran Canaria / Intervention in Puerto de las Nieves, Agaete. Gran Canaria Miguel Saavedra Pérez Félix Juan Bordes Caballero

Centro de Servicio al Ciudadano. Reforma. Cabildo Insular de Tenerife / Citizen Service Centre. Cabildo Insular de Tenerife Virgilio Gutiérrez Herreros

Rehabilitación del Cine Cuyás y su entorno. 1ª Fase. Las Palmas de Gran Canaria / Refurbishment of Cuyás Cinema and environs. 1st phase. Las Palmas de Gran Canaria Luis Correa Suárez

X EDICIÓN - BIENIO 2000-2001 10th EDITION - BIENNIUM 2000-2001

XI EDICIÓN - BIENIO 2002-2003 11th EDITION - BIENNIUM 2002-2003

XII EDICIÓN - BIENIO 2004-2005 12th EDITION - BIENNIUM 2004-2005

PRIMER PREMIO (ex aequo) / FIRST PRIZE (joint) Centro de Salud Arona – Vilaflor / Health Centre Arona – Vilaflor

PRIMER PREMIO / FIRST PRIZE Escuela de Artes Escénicas de Tenerife / Performing Arts School in Tenerife

PRIMER PREMIO / FIRST PRIZE Vivienda entre medianeras “Casa Ruiz” / “Casa Ruiz”

Juan A. González Pérez, Félix Perera Pérez Urbano Yanes Tuña

Vivienda unifamiliar para Ramón Barrera, Santa Cruz de Tenerife / House for Ramón Barrera, Santa Cruz de Tenerife Virgilio Gutiérrez Herreros Blas Pérez Ojeda

MENCIONES / MENTIONS

Aula Medioambiental del PIRS,

Äbalos y Herreros S.L. / PIRS Environmental Hall Virgilio Gutiérrez Herreros

Parque-Quiosco de San Francisco / San Francisco Park-Kiosk Juan A. González Pérez, Félix Perera Pérez Urbano Yanes Tuña

Centro Cultural San Bernardo / San Bernardo Cultural Centre Juan A. González Pérez, Félix Perera Pérez Urbano Yanes Tuña

Rehabilitación de Nave Agrícola en el Barranco de Guiniguada / Refurbishment of agricultural warehouse in Barranco de Guiniguada Héctor García Sánchez

Primera fase VPO Viviendas Municipales en Cuevas Blancas / 1st phase of social housing project in Cuevas Blancas Virgilio Gutiérrez Herreros Eustaquio Martínez García Antonio Corona Bosch Arsenio Pérez Amaral

Sede Social de EMMASA / Headquarters of EMMASA

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José Ángel Domínguez Anadón Francisco Artengo Rufino

GPY arquitectos S.L. (Juan A. González Pérez, Félix Perera Pérez y Urbano Yanes Tuña

MENCIONES / MENTIONS Rehabilitación y ampliación de la “Casa Museo de la Sierva de Dios” en el Sauzal, Tenerife / Refurbishment and extension of “Casa Museo de la Sierva de Dios” in Sauzal, Tenerife GBGV Arquitectos, (Federico García Barba, Cristina Glez. Vázquez de Parga

Naves Industriales en la Dársena Pesquera del Puerto de Santa Cruz de Tenerife / Industrial warehouses in fishing port in Santa Cruz de Tenerife AMA, ARQUITECTURA Y MEDIO AMBIENTE S.L. (Angel Luis García Palmas, Nylian González Anzola, Natalia Bernárdez García, José Angel Afonso Tosco).

Instituto de Enseñanza Secundaria Marina Cebrián en Taco, La Laguna, Tenerife / Marina Cebrián Secondary School in Taco, La Laguna, Tenerife GPY Arquitectos S.L. (Juan A. González Pérez, Félix Perera Pérez y Urbano Yanes Tuña)

Edificación para Palacio de Justicia de Telde, en las Palmas de Gran Canaria / Building for Palacio de Justicia in Telde, Palmas de Gran Canaria Félix Juan Bordes Caballero Félix Juan Bordes de Santa Ana.

Terminal del Aeropuerto de Tenerife Norte, en La Laguna, Tenerife / Tenerife North airport terminal, La Laguna, Tenerife Antonio Corona Bosch, Arsenio Pérez Amaral Eustaquio Martínez García

Mª Luisa González

Magma Arte & Congresos / Magma Arte & Congresos

Felipe Artengo Rufino, Fernando Martín Menis y Jose María Rodríguez-Pastrana Malagón

Edificio Brigantium / Brigantium building Manuel J. Feo Ojeda

MENCIONES / MENTIONS Centro Sociosanitario Hospital de Dolores / Health Centre, Hospital de Dolores GBGV ARQUITECT.Y URB., S.L., (Garcia Barba, Federico y Gonzalez Vazquez de Parga, MªJ. Cristina.)

Plaza Woermann; viviendas y oficinas / Woermann Plaza; housing and offices Abalos y Herreros, y Casariego y Guerra

Edif.Inakasa 34 viviendas, locales comerciales y garajes / Inakasa building with housing, shops and garages

Julio Alexis Acosta y Xavier Ivan Diaz Martin

18 Apartamentos en las Maretas / 18 apartments in Las Maretas

Eustaquio Martinez Garcia y Virgilio Gutierrez Herrero

Secundaria y Bachillerato, 16 uds+1taller / Secondary School, 16 units workshop Juan Torres Alemán


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ESCENARIOS DEL CRECIMIENTO GROWTH SCENARIOS

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CENTRO DE ARTE LA REGENTA, LAS PALMAS DE GRAN CANARIA, GRAN CANARIA

EXPOSICIÓN / EXHIBITION Comisaria / Curator: Clara Muñoz Participantes / Participants Bregtje van der Haak / Rem Koolhaas Zhu Pei Architecture Studios MVRDV (Winy Maas, Jacobs van Rijs y Natalie de Vries) Arquitectura 911sc + Tello y Hernández (Jose M. Castillo, Saidee Springall + Alejandro Hernandez y Juan Carlos Tello) Actar Architecture (Manuel Gausa, Florence Raveau) REX Ramus Ella Architecs: (Joshua Prince - Ramus, Erez Ella) Dirección de Montaje / Postproduction control room: Juan Espino Durán Coordinación / Coordination: Marisa Culats

CLARA MUÑOZ (Santander. Reside en Las Palmas de Gran Canaria) Es licenciada en Historia del Arte, crítica de arte y comisaria independiente. En 1998 fue comisaria de la exposición Una Hora Menos con la participación de los arquitectos AMP (Artengo, Menis y Pastrana), Juan Espino Durán, José Antonio González Pérez y Magüi González, y de los artistas Sergio Brito, Antonio del Castillo, Miriam Durango, Juan Hidalgo, Fernando Larraz, Luis Navarro, José Rosario Godoy, José Ruiz y Néstor Torrens. En 2001 fue comisaria de la exposición Uno es siempre Dos, con los arquitectos Correa & Estévez y G+S (Magüi González y José A. Sosa), y los artistas Margarita Amat, Teresa Arozena, Karina Beltrán, Laura Gherardi, Hildegard Hahn, Kirsten Mosel y Eileen Yaeger. En 2003 comisarió la exposición Espacios de la intimidad, en la Bienal FOTOARTS, con los arquitectos Antonio Corona y Arsenio Pérez Amaral, Luis Díaz Feria, Ebarquitectos, Cristina González Vázquez de Parga, Juan Antonio González Pérez, Magüi González, Virgilio Gutiérrez, José A. Sosa y Juan Torres. En 2004 participa en la Bienal de Dakar, Senegal, comisariando la exposición La ciudad que vino del tiempo con los arquitectos Magüi González y Juan Espino y los artistas Kirsten Mosel, Sergio Brito y Hildegard Hahn. En 2006 fue comisaria de la exposición de los arquitectos Magüi González y José A. Sosa.

(Santander. Lives in Las Palmas de Gran Canaria) A graduate in Art History, art critic and independent curator. In 1998, she curated the exhibition Una Hora Menos with the participation of the architects AMP (Artengo, Menis y Pastrana), Juan Espino Durán, José Antonio González Pérez and Magüi González, and of the artists Sergio Brito, Antonio del Castillo, Miriam Durango, Juan Hidalgo, Fernando Larraz, Luis Navarro, José Rosario Godoy, José Ruiz and Néstor Torrens. In 2001 she curated the exhibition 1 es siempre 2, together with the architects Correa & Estévez and G+S (Magüi González and Josá A. Sosa) and the artists Margarita Amat, Teresa Arozena, Karina Beltrán, Laura Gherardi, Hildegard Hahn, Kirsten Mosel and Eileen Yaeger. In 2003 she curated the exhibition Espacios de la intimidad, for the FOTOARTS Biennale, together with the architects Antonio Corona and Arsenio Pérez Amaral, Luis Díaz Feria, Ebarquitectos, Cristina González Vázquez de Parga, Juan Antonio González Pérez, Magüi González, Virgilio Gutiérrez, José A. Sosa and Juan Torres. In 2004 she took part in the Dakar Biennale, Senegal, curating the exhibition The City that Came from Time with the architects Magüi González and Juan Espino and the artists Kirsten Mosel, Sergio Brito and Hildegard Hahn. In 2006 she curated an exhibition of the architects Magüi González and José A. Sosa.

Durante los próximos años la actividad humana se realizará en las ciudades, con ello culminará un largo proceso que tiene comienzo en los primeros burgos y alcanza en la actualidad un nuevo sistema de magnitudes, relaciones e intensidades. El suelo que fue el objeto de la colonización urbana, es, en la actualidad, incapaz de dar respuesta a las necesidades que se derivan de la actividad ciudadana. Ha dejando de servir de referente. De hecho la actividad que se lleva a cabo en la ciudad se sitúa a diferentes niveles y las tramas urbanas se superponen a cualquier tipo de topografía, natural o incluso arquitectónica, ya que el nuevo suelo de las ciudades, la nueva topografía sobre la que también se edifica la urbe, comienza a detectarse, incluso, en las cubiertas de los edificios que la constituyen. Todo esto unido a un nuevo sistema de relaciones de la residencia y el trabajo, una visión más ambiciosa del comercio y una economía globalizada como motor de la cohesión social y urbanística, nos hace pensar en la necesidad de que la ciudad debe de disponer de mecanismos que permitan reinventarse a sí misma y así incorporar los nuevos retos que se vislumbran en un futuro inmediato. Entre estos objetivos se encuentra, fundamentalmente, la toma de conciencia y la necesidad de optimizar los recursos, los gastos, las inversiones, que desde todos los estamentos sociales, políticos y económicos intervienen en la urbe moderna. Con este objetivo podemos conseguir una ciudad capaz de mejorar sustancialmente los espacios públicos detectar aquello que debe preservarse y la creación de espacios verdes así como la protección del patrimonio urbano. Lo importante es que la ciudadanía perciba estas actuaciones derivadas de la política pública integral sin que surja el rechazo a aquellos cambios que han de llevarse a cabo en las tramas urbanas ya consolidadas y que representan el verdadero y gran reto para la mejora de las condiciones de vida dentro del área metropolitana. Durante muchos años la planificación urbanística en muchas ciudades, alentada por políticas públicas ansiosas de réditos a corto plazo y corta de miras, no hizo caso de la inversión de tendencias de expansión continuada a favor de un aumento de la densidad demográfica en el centro de otras urbes que apostaron por un crecimiento urbano más inteligente. Según estudios recientes, se estima que las ciudades que priorizan las infraestructuras viarias y el crecimiento físico destinan una proporción mucho mayor de sus recursos al transporte, de entre 12 y el 16% del PIB. Las que apuestan por un desarrollo más compacto reducen ese gasto de un 4 a un 8%. Sabemos que la expansión urbana se encuentra íntimamente relacionada con las prioridades del transporte. La expansión física sigue claramente a las autopistas y carreteras de circunvalación, favoreciendo la baja densidad, la discontinuidad urbana, la dependencia del vehículo y el desarrollo aislado. La “falsa apariencia” de progreso y desarrollo de los nuevos barrios periféricos, el auge de las empresas vinculadas a la explotación inmobiliaria y de su influencia social, el enorme incremento en los capítulos de mantenimiento de las infraestructuras y del transportes, la corrupción política y el deterioro del medio ambiente no son sino el aderezo de esta planificación, cuando menos, desatinada. Un crecimiento urbano inteligente influye directamente en la mejora del hábitat en el interior de las áreas metropolitanas, afectando directamente a la calidad ambiental mediante instrumentos urbanísticos para la protección y recuperación de áreas “sensibles”, para un desarrollo más compacto o intensivo que ayude a la revitalización y regeneración de las zonas antiguas del corazón de las ciudades. Aún pervive la creencia de que el crecimiento extensivo es un indicativo de progreso porque subyace, en parte, la idea de la necesidad de grandas extensiones de terreno para la creación de empleos industriales. La realidad es que en los países más desarrollados las economías se encuentran en proceso de terciarización. Los nuevos empleos se crean en servicios relacionados con el conocimiento y las tecnologías de la información. La era de la información requiere de lugares de concentración intensiva de recursos humanos, donde los trabajadores pongan en común sus conocimientos e implanten sus proyectos. El descubrimiento del atractivo que tienen las calles comerciales de los centros urbanos, por parte de los ciudadanos, está poniendo fecha de caducidad a los centros comerciales, que rediseñan su interior para dar una mayor apariencia urbana, con calles, aceras, farolas y bancos. Basta un mínimo


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In the years to come, human activity will take place in cities, culminating a protracted process that began with the first burghs until reaching, in our times, a new system of magnitudes, relations and intensities. Land, the former object of urban colonisation, is now proving unable to provide responses to the needs rooted in city life. It is no longer a groundbase reference. In point of fact, the activities carried out in the city take place on various different levels, with the urban fabric superimposed on any type of natural or even architectural topography, for the new land of the cities, the new topography on which it is also built, is beginning to be traced even in the roofs of the buildings making it up. All the above, together with a new system of relationships between place of residence and work place, a more ambitious view of commerce, and a globalised economy acting as the driving force for social and urban development cohesion, force us to ponder the city’s need for mechanisms which might help it to reinvent itself and so to incorporate the new challenges held in store in the immediate future. Those goals basically include becoming aware of and acknowledging the need for optimising the resources, expenses and investment that take part in the modern metropolis, on all social, political and economic strata. In fulfilling this goal we shall succeed in achieving a city capable of substantially improving public spaces, identifying what must be preserved, creating green areas and protecting the urban heritage. What matters is that the actions stemming from an all-encompassing public policy are perceived by the citizenry without provoking a rejection vis-à-vis the changes that are necessary to carry out in well-consolidated urban fabrics and that pose a true challenge for the improvement of living conditions in any metropolitan area. For many years, in many cities, urban development, stimulated by short-sighted public policies eager to obtain short-term benefits, did not pay attention to the reverse in the trends for ongoing expansion in favour of an increasing demographic density in the centre of other cities that fostered a more intelligent urban growth. Recent studies reveal that those cities that prioritise road infrastructures and urban sprawl devote a much larger proportion of their resources –between 12% and 16% of their GDP- to transport. Those investing in more compact development reduce that expense by 4% to 8%. We know all too well that urban growth is closely linked to transport priorities. Urban sprawl clearly follows by-passes and ring roads, favouring low density, urban discontinuity, a dependence on vehicles and isolated development. A “false appearance” of progress and an emergence of new peripheral neighbourhoods, a boom in real estate and its social influence, a huge increase in the maintenance costs of infrastructures and transport systems, political corruption and a deterioration of the environment are nothing but the dressing of this brand of short-sighted urban planning. Intelligent growth produces a direct improvement in the living conditions of inner cities, directly affecting environmental quality through urban instruments for the protection and recovery of “sensitive” areas, for a more compact or intensive development contributing to revitalise and regenerate degraded areas in city centres. There is a prevailing belief that extensive growth is a sign of progress partly due to the underlying idea of the need for large extensions of land for the creation of industrial employment. However, the truth is that the most developed countries are in a process that evolves towards outsourcing and a service economy. New jobs are created in services that have to do with knowledge and information technologies. The information era demands places with an intensive concentration of human resources, where employees can pool their knowledge and put their projects into practice. The discovery by citizens of the appeal of shopping streets in urban centres is putting an expiry date on shopping malls, now changing their interior design to accommodate a more urban look, with streets, sidewalks, lampposts and benches. Just a little public investment to tidy up urban shopping areas would be enough to bring the best trading brands back to these regenerated areas.


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de inversión pública para el adecentamiento de los centros urbanos comerciales para que las mejores firmas comerciales decidan trasladarse a estas áreas recuperadas. La mejora de las condiciones ambientales en el corazón de las áreas metropolitanas, una política generosa de incentivos para la rehabilitación de viviendas, desarrollo del circuito interno de transportes públicos, incremento en la dotación de zonas verdes y en seguridad ciudadana y en definitiva una imaginativa política urbanística de esponjamiento del tejido urbano acompañada de un aumento de la densidad, podría invertir la tendencia de los a vaciar los centros deteriorados para habitar las nuevas zonas de la periferia. Hecho que se produce tanto entre las clases sociales más acomodadas como entre las menos favorecidas, que amparándose en estas nuevas vías rápidas encuentran áreas y asentamientos en los que el precio del suelo les resulta aún asequible. Es lógico que los intereses de los empresarios de la construcción sean favorables al crecimiento extensivo y a la inversión pública en estas áreas de nueva creación y reciente inauguración y no encuentren tanto atractivo en la menos lucrativa rehabilitación o renovación urbana especialmente en áreas en las que durante años han estado fuera de los objetivos de la inversión pública. Las ciudades actuales no tienen más remedio que reinventarse a sí mismas para adaptarse a la nueva era post- industrial. El futuro de las metrópolis, el control de las dimensiones sociales, económicas y culturales de las urbes deben retornar al dominio de aquéllos que piensan en la ciudad: arquitectos, urbanistas, sociólogos y economistas que sepan obrar con independencia de intereses ajenos al bienestar de las ciudades y de sus gentes. Crecer hacia el centro o crear nuevos asentamientos son opciones estratégicas de una política urbanística que tiene como referente el territorio. Reorientar el crecimiento de las ciudades resulta ser una de las tares fundamentales de un planeamiento responsable. Fomentar en el interior de las ciudades un sistema de habitabilidad multiescalar en el que se definan espacios y recursos compartidos podría definir y activar diversos estilos de vida o relaciones sociales que modificasen los parámetros de la habitabilidad en el espacio y el tiempo. La inversión pública, fundamentalmente en lo relacionado con el transporte colectivo, esponjamiento del tejido urbano, gestión y desarrollo de sistemas de espacios verdes y un estudio profundo de la nueva realidad de la unidad familiar en relación con las estrategias de fomento de las viviendas de inversión pública o privada, ayudaría a revitalizar la vida de los barrios. Llevando a cabo un estudio de la familia en la actualidad y sus necesidades, podemos ver que, en la última década, ha sufrido una serie de cambios importantes y que los modelos de vivienda siguen patrones alejados de esta nueva realidad. En España la unidad familiar ha pasado de los dos hijos en los años ochenta a hogares unipersonales que suponen el 20% de los 14,2 millones de hogares en la actualidad. Las personas mayores, viejos y ancianos alcanzan un porcentaje antes nunca visto. Los problemas de trabajo en los jóvenes y su prolongada permanencia en el seno de la familia, los problemas familiares derivados de la carestía de la vivienda, los cuestiones derivadas de la inmigración y la costosa inversión de la familias en materia educativa y tecnológica, la definitiva incorporación de la mujer al mercado laboral, son datos de una realidad que hay que contemplar antes de definir modelos para la definición de las nuevas viviendas, los edificios y la redefinición de los barrios. Los cambios en la economía mundial han incidido en la forma y las dinámicas de nuestras ciudades. La información individualizada que recibimos a través de las redes de comunicación e información nos ha hecho cada vez más diferentes. Los referentes estéticos, de modos de vida y de convivencia social son tan variados en su origen que nos encontramos, no solo ante nuevos retos, sino que nos vemos en la necesidad de retomar otros que ya creíamos haber superado. La compleja realidad urbana que habitamos, hecho que se agudiza en el corazón de las ciudades, no debería permitirnos seguir trabajando únicamente desde la abstracción del dibujo. La ciudad es la vida cotidiana, el día a día. El concepto de ciudad debe centrarse en una aproximación, cada vez más exhaustiva, de un lugar de asociación de gentes heterogéneas, opciones de vida diversas, múltiples intereses. Todo ello conforma una realidad que posee cada vez menos referencias locales y códigos internacionalmente legibles. Las mayoría de las extensiones periféricas de la ciudad parecen responder, fundamentalmente, a iconos comerciales, a formas de vida “ideales”, a comportamientos y escenarios políticamente correctos que

An improvement in the environmental conditions in the very heart of metropolitan areas, a generous policy of incentives for housing renovation, the development of an inner circuit of public transport, more green areas and better security; in other words: an imaginative urban policy of airing the urban fabric accompanied by an increase in density could suffice to reverse the trend that is emptying derelict inner cities in favour of new suburban areas. A fact that is happening both in well-off classes and the most disadvantaged sectors who, thanks to these new fast roads, can still find areas and developments in which the price of the land is affordable. It is all too logical that the interests of developers favour urban sprawl and public investment in these newly created areas, in contrast with the less financially appealing urban renewal, particularly in areas that for years were ignored by public investment. Present-day cities have no other option than to reinvent themselves and to adjust to the new post-industrial era. The future of metropolises, the control of cities’ social, economic and cultural dimensions should return to the sphere of those thinking the city: architects, city planners, sociologists and economists, able to act independently from interests that ignore the wellbeing of cities and their dwellers. Either growing inwards or creating new settlements are strategic options in a city planning policy where land, territory, is the key. Redirecting the growth of cities is one of the basic tasks for responsible planning. The promotion inside cities of a multi-scale system of habitability, establishing shared resources and spaces, could help to define and to activate lifestyles or social links that may change parameters of habitability in space and time. Public investment, basically in anything related with collective transport, the airing of the urban fabric, management and development of systems of green areas and a thorough analysis of the new reality of the family unit in relation with the strategies of promotion of publicly or privately funded housing, would inject new life into inner city neighbourhoods. A study of the present-day family and its needs will show significant changes in its configuration, that have not been matched by changes in housing models which still follow guidelines ignoring this new reality. In Spain, the family unit has shifted from two parents with two children in the 1980s to a present day situation where 20% of the 14.2 million homes in the country are occupied by single dwellers. An unprecedented percentage of the total population is made up by elderly people. Employment problems among the young; their deferred independence from the family home; problems arising from the high cost of housing; immigration-related issues; the high family expenditure in education and technology; the definitive incorporation of women into the labour market… are all factors to be analysed before designing models for the definition of new homes and constructions, and the redefinition of urban areas. Changes in the world economy have influenced the shape and dynamics of our cities. The oneto-one information we obtain through the information and communication networks make us increasingly different. Aesthetic referents, lifestyles, ways of social coexistence, have such varied expressions that we find ourselves not only facing new challenges, but also a need to return to others that we thought we had left behind. The complex urban reality we live in—a fact further intensified in inner cities—should not allow us to go on working exclusively from the abstraction of drawing. A city is its everyday life, its day by day. The concept of a city should focus on an increasingly exhaustive approach as a place for the association of heterogeneous people, diverse lifestyle options, multiple interests. All of these factors shape a reality with less and less local references, and more internationally readable codes. Most urban periphery extensions seem to respond, above anything else, to commercial icons, to “ideal” lifestyles, to politically correct behavioural patterns and scenarios reacting to marketing strategies seasoned with cleanliness, modernity and a carefully devised security aesthetics: gated interior areas and gardens, CCTVs, entryphones, security guards, walls, etc., displaying in the very conception of the projects a clear segregationist determination removed from a new and necessary sense of belonging that will only be possible to create with the involvement of all citizens.


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The late-rationalist city emerging in new peripheral areas is nothing but a perverted replication of the modern city. The ancient ideal of a classless city has derived toward a city in sections. The notion of segregated functions of the modern movement degenerated into a city of segregated functions where classes are also segregated. The first planners foresaw an unlimited growth of cities. Distances were gradually being cut by the speed of the first automobiles, and images arriving from the United States sold a model of a low-density city with one-family houses and an abundance of open areas. The grid model favoured the notion of urban growth proportional to that of the growth in population. Higher housing prices and lower interests rates provoked uncontrolled growth and destructive patterns deriving from a planning resulting in a scarcely sustainable city. Changing that development, recovering the street and city life with all its complexity and laying the foundations for a city capable of self-managing in its urban conversion and renewal, would be a clear goal of city planners and a symptom of good health of cities and citizenry. That is the reason why it is no longer necessary to talk about city models, and the use of the concept of urban vision becomes increasingly necessary. The same environment is seen by the various forces that have an influence on the city in different ways. The activities and habits derived from urban activity overlap. We are no longer interested in what the city “looks like,” but rather in “what” it offers us and in “how” we project ourselves on it. A greater attention in planning policies aimed at recovery, a fostering of urban renovation with a view to increasing the density of population in city centres would favour new insights and promising perspectives for real estate investors and retailers. If we want to address the strategies for the revitalising of new urban public spaces we must take into account that the appearance of large shopping malls as public spaces is a consequence of the sprawling and low-density diffuse city, and represents a form of privatisation of the urban social life. We must point out that they also offer a response to the inability of public administrations to provide alternatives to public spaces vis-à-vis the new social and spatial scenarios. Indeed, some administrations have opted for the development of major architectural and cultural projects, in an understanding of culture as an accumulation of large spectacles targeting spectators-citizens with the result of large portions of the city turned into a sort of museum or tourist object. And this leads to the need to recover urban spaces as part of a policy aimed at finding a more compact and dense model, injecting vitality and dynamism into the inner cities. It is necessary to devise attractive alternatives for citizens, preserving and/or revitalising public spaces as essential elements for city life. The city must be seen as a complex physical structure to which the human element is added. That way of understanding the city and its operational involves an attempt to generate city life at the highest possible level in each sector. And all of it added to an effective and agile public transport system demanding an intensification of public expenditure in order to achieve a reduction of the costs brought about by the unnecessary use of cars inside the city. Thus, a system of environmentally friendly transport is encouraged through the planning of a combined use, that could result in a city and urban culture beginning to balance the real costs of land consumption and its impact on non-renewable resources. Otherwise, an irreversible process of environmental, social or cultural decay will take place in pursuit of privatised bubbles devoid of any space for cultural or human miscegenation and therefore alien to the real city. A worrying effect of spatial disintegration that has a by-product of a mushrooming of gated developments on the outskirts of cities. Inner city decay, the lack of resources to sustain the traffic infrastructure of a dispersed and sprawling metropolis, the lack of an efficient public transport service, are all serious handicaps for the future of the city. Stirring-up fear and, as a result, the marketing strategies of real estate companies offering security as an added bonus for certain areas or estates, private chains of information, and with cultural miscegenation viewed by certain social, political and economic

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responden a estrategias de “marketing” debidamente aderezadas con dosis de limpieza, modernidad y una elaborada estética de la seguridad: espacios libre interiores y jardines rodeadas de vallas, cámaras de vigilancia, porteros eléctricos, vigilantes, muros, etc. Presentando ya en la propia concepción de los proyectos una evidente voluntad segregacionista que se aleja de un nuevo y necesario sentido de pertenencia que solo puede elaborarse con la participación de toda la ciudadanía. La ciudad tardorracionalista que se nos presenta en las nuevas áreas periféricas, no deja de ser una repetición pervertida de la ciudad moderna. El viejo ideal de una ciudad sin clases ha derivado en algo parecido a una ciudad por partes. La idea de las funciones segregadas del movimiento moderno ha degenerado en la ciudad de las funciones segregadas, donde también se segregan las clases y los géneros. Aquellos primeros planificadores preveían el crecimiento ilimitado de las ciudades. Las distancias se veían recortadas en el tiempo por la velocidad de los primeros automóviles y las imágenes que nos llegaban de los EEUU aportaban un modelo de ciudad de baja densidad, viviendas unifamiliares y abundante espacio libre. El modelo de retícula favorecía la idea de un crecimiento urbano extensivo proporcional al de la población. El aumento del valor de las viviendas y la bajada de los tipos de interés ha motivado el crecimiento desaforado y los comportamientos destructivos derivados de un planeamiento que da lugar a una ciudad difícilmente sostenible. Cambiar esta dinámica, recuperar la calle y la vida urbana con toda su complejidad y transigencia y sentar las bases para una ciudad capaz de autogestionarse en su reconversión y renovación urbana sería un claro objetivo del urbanizador y un síntoma de buena salud de la ciudad y de la ciudadanía. Es por ello que ya no resulta preciso hablar de modelos de ciudad y cada vez más se hace necesario emplear el concepto de visiones urbanas. Un mismo entorno es contemplado por las distintas fuerzas que inciden en la ciudad de múltiples formas. Se solapan las actividades y los hábitos derivados de la actividad ciudadana. Ya no interesa tanto “cómo es” la ciudad sino “qué” nos interesa de ella y “cómo” nos proyectamos sobre la misma. Una mayor dedicación de las políticas urbanísticas a la recuperación, fomento de la rehabilitación y renovación urbana, destinada al aumento de la densidad de los centros urbanos favorecería nuevas visiones y prometedoras perspectivas para los inversores inmobiliarios y comerciantes. Profundizando en las estrategias para la revitalización de los espacios públicos urbanos hay que tener en cuenta que la aparición de grandes centros comerciales como espacios públicos es consecuencia de la ciudad difusa extendida y de baja densidad y representa una forma de privatización de la vida social urbana. Hay que señalar que también son una respuesta a la incapacidad de las administraciones públicas para proporcionar alternativas a espacios públicos ante los nuevos escenarios sociales y espaciales. Algunas administraciones han optado por desarrollar grandes proyectos arquitectónicos y culturales, entendiendo la cultura como acumulación de grandes espectáculos dirigidos a ciudadanos-espectadores para acabar convirtiendo determinadas zonas de la ciudad en una suerte de museos y objetos turísticos. Surge así la necesidad de recuperar los espacios urbanos como parte de una política que busca un modelo más compacto y denso que incentive la vitalidad y dinamismo de los centros urbanos. Es necesario crear alternativas atractivas para los ciudadanos, preservando y/o revitalizando los espacios públicos como elementos fundamentales de la vida urbana. La ciudad ha de verse como una estructura física compleja a la cual se le suma el elemento humano. Esta forma de entender la ciudad y su funcionamiento implica tratar de generar la vida urbana en el más alto grado posible en cada sector. Todo ello unido a un sistema efectivo y ágil de transportes públicos que requiere una intensificación del gasto público para reducir el gasto y el uso innecesario de vehículos motorizados dentro de la ciudad. Se prioriza así un sistema de transportes respetuosos con el medio ambiente mediante la planificación de uso combinado, podría dar como resultado una ciudad y una cultura urbana que abre las puertas al equilibrio entre los costes reales del consumo del territorio y su impacto sobre los recursos no renovables. De lo contrario, se producirá un proceso irreversible de deterioro ambiental, social o cultural en pos de burbujas privatizadas en las que no existe ningún espacio de mestizaje cultural o humano, ajenas a la ciudad real. Este preocupante efecto de desintegración espacial tiene como consecuencia la proliferación de urbanizaciones cerradas en la periferia de las ciudades. La degradación de los centros urbanos, la falta de recursos para el mantenimiento de la red


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de vías de tráfico de una metrópolis dispersa y extensa, la falta de un servicio efectivo de transportes públicos, representan serios obstáculos para el futuro de la metrópolis. El fomento del miedo y como consecuencia las estrategias de marketing de las empresas inmobiliarias que tienen en determinadas zonas o urbanizaciones la seguridad como un plus, las cadenas privadas de información y el mestizaje cultural, presentado por determinadas fuerzas sociales, políticas y económicas como un choque de civilizaciones, unido a un crecimiento extensivo, ocasiona el que comencemos a percibir fracturas en el entendimiento del planeamiento urbanístico como la expresión técnica de un único interés general. La cuestión clave es, por tanto, si el planeamiento urbanístico será capaz de ofrecer una respuesta eficiente a estos nuevos problemas tal como en el pasado fue útil para responder a los graves problemas de organización de la ciudad industrial. Hablamos de un planeamiento capaz de armonizar las técnicas urbanísticas con la complejidad e indeterminación de la ciudad real y el territorio, y que se presente como un acto de responsabilidad integracional sintetizada en el concepto de desarrollo sostenible. Seis equipos de arquitectos abordan la problemática derivada del crecimiento y de la densidad en diversos casos de la ciudad contemporánea. Hoy más que nunca la prosperidad de un territorio se mide por la capacidad que este posee de generar espacios habitables. Escenarios del crecimiento reúne los trabajos de distintos arquitectos que se enfrentan a los retos que el desarrollo ha producido en los últimos años. La exposición pretende reflexionar sobre una serie de problemáticas que afectan a la colonización del territorio en diferentes lugares del mundo. Rem Koolhaas, Studio Pei-Zhu, arquitectura 911sc+F304 (Saidee Springall y José Castillo +Alejandro Hernández y Juan Carlos Tello), REX Ramus Ella Architects, MVRDV (Winy Maas, Jacob van Rijs y Nataly de Vries), Actar Architecture (Manel Gausa Navarro y Florence Raveau) presentan distintas alternativas al desarrollo urbano de la ciudad, siendo conscientes de que una concepción renovadora lleva implícito un análisis exhaustivo de los escenarios que nos rodean. La exposición muestra algunas investigaciones que estos equipos han realizado en torno a los criterios de interpretación, preservación y articulación que debería contemplar el crecimiento. Se trata de saber cómo debemos crecer para poder generar nuevos espacios que den cabida a las exigencias culturales, sociales y urbanas de nuestro tiempo. Escenarios del crecimiento articula distintas respuestas al habitar de un mundo cambiante donde las certezas difícilmente pueden convivir con la realidad de un presente que necesita ser analizado con precisión y rigor, pero también con suficiente imaginación para poder concebir el futuro. En Lagos de cerca y de lejos Rem Koolhaas investiga el día a día de una metrópolis africana con múltiples deficiencias cuyo acelerado crecimiento la convertirá en la tercera ciudad más grande del mundo en 2020. Arquitectura 911sc+F304 estudia la problemática que acarrea el crecimiento poblacional de Ciudad de México, cuya área metropolitana concentra 19.311.365 habitantes, casi el 20% de la población de su país. Pei-Zhu pertenece a una nueva generación de arquitectos chinos que se ha formado en el extranjero y lucha por mantener viva la llama de la identidad sin renunciar a un pensamiento universal sobre la arquitectura. La propuesta de REX confluye en un análisis riguroso de las características urbanísticas de la ciudad de Louisville proponiendo un edificio que reactivará el centro urbano. MVRDV nos presenta una ciudad que demanda ser explorada tan solo como información. Actar Architecture reúne proyectos realizados en distintas ciudades (Barcelona, Valencia, Graz, Bruxelas Gwandju) para hablarnos del nuevo hábitat de la metrópolis contemporánea, cuestión sobre la que ellos han teorizado.

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Clara Muñoz

forces as a clash of civilisations causes, in combination with urban sprawl, a growing perception of fractures in the understanding of city planning as the technical expression of one single general interest. The key question would therefore be whether city planning will be capable of providing an effective answer to those new problems in line with its past ability to respond to the new organisational challenges posed by the industrial city. And we are talking of a planning capable of harmonising city planning expertise with the complexity and lack of determination of the real city and the territory, and that unfolds as an act of integrational responsibility synthesised within the concept of sustainable development. Six teams of architects are dealing with the problems derived from growth and density in various case studies of contemporary cities. More than ever, the present-day prosperity of a territory is measured by its ability to generate inhabitable spaces. Scenarios for Growth features works by various architects facing the challenges posed by development in recent years. The exhibition attempts to reflect on a number of problems affecting territory colonisation in various places of the world. Rem Koolhaas, Studio Pei-Zhu, arquitectura 911sc+F304 (Saidee Springall and José Castillo +Alejandro Hernández and Juan Carlos Tello), REX Ramus Ella Architects, MVRDV (Winy Maas, Jacob van Rijs and Nataly de Vries), Actar Architecture (Manel Gausa Navarro and Florence Raveau) present alternatives to urban development from a shared awareness that a truly renewing concept involves an exhaustive analysis of our surrounding scenarios. The exhibition shows the result of research carried out by these teams around the interpretation, preservation and articulation that criteria for growth should always consider. It is about learning how we must grow in order to be able to generate new spaces providing room for our present-day cultural, social and urban demands. Scenarios for Growth organises various responses to face an ever-changing world, where certainties can hardly coexist with the reality of a present that requires to be analysed with accuracy and rigor, but also with the necessary imagination to conceive the future. In Lagos Wide and Close, Rem Koolhaas investigates the everyday of an African metropolis affected with manifold problems and whose fast growth is set to turn it into the world’s third largest city by 2020. Arquitectura 911sc+F304 studies the problems brought about by the population growth in Mexico City, with a metropolitan area of 19,311,365 inhabitants, nearly 20% of the country’s total. Pei-Zhu belongs to a new generation of Chinese architects educated abroad and struggling to keep identity alive without renouncing a universal thinking of architecture. REX’s proposal is materialised in a rigorous analysis of the urban features of Louisville by proposing a building that will inject new life into the city centre. In turn, MVRDV is presenting a city demanding to be explored exclusively as information. Actar Architecture uses various projects carried out in a number of cities (Barcelona, Valencia, Graz, Brussels, Gwandju) as an excuse to talk to us about the new habitat in contemporary cities, a subject on which they have developed a new body of theory. Clara Muñoz


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1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE


1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

CIUDAD DE MÉXICO: TERRITORIOS DE CRECIMIENTO MEXICO CITY: TERRITORIES OF GROWTH

Arquitectos / Architects: arquitectura 911sc+F304 Saidee Springall y José Castillo + Alejandro Hernández y Juan Carlos Tello Colaboradores / Collaborators: Adriana David, Edgar González, Laura Janka, Ernesto Lomelí, Jessica Mallen, Alejandro Ramos, Clorinda Romo, Alejandra Romo, Alma Ruiz, Guillermo Ruiz de Teresa, Claudia Salgado

ARQUITECTURA 911SC

arquitectura 911sc es un estudio de arquitectura y urbanismo, fundada por José M. Castillo y por Saidee Springall, que conjuntan varios años de experiencia profesional en proyectos de diversa envergadura. Recientemente han participado en proyectos de vivienda de interés social y medio, así como de instituciones educativas. Su trabajo ha sido reconocido y publicado ampliamente y sus propuestas premiadas en diversos concursos.

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arquitectura 911sc is a city planning and architecture studio, founded by José M. Castillo and Saidee Springall, pooling their many years of experience in different types of projects. They have recently participated in projects for social and environmental housing designs, as well as for educational institutions. Their work has been widely recognized and published and their designs have received many awards in competitions.

JOSE CASTILLO OLÉA

(México, 1969) Es arquitecto graduado por la Universidad Iberoamericana, con maestría y doctorado en Urbanismo por la Graduate School of Design de la Universidad de Harvard. En el 2002 funda junto con Saidee Springall, arquitectura 911s.c., un estudio profesional independiente dedicado a proyectos de arquitectura y diseño urbano. Han realizado diversos proyectos entre los que destacan en 2002 el primer puesto en el concurso para la ampliación del Centro Cultural de España en el Centro Histórico de la Ciudad de México (junto con Higuera y Sánchez); y en el 2006 (junto con Fernanda Canales) en el concurso para el Centro de Estudos Superiores de Diseño de Monterrey CEDIM. Sus trabajos y escritos han sido publicados en las revistas de México y el extranjero. Ha impartido clases y conferencias en diversas instituciones de México y el extranjero. Ha participado como comisario de diversas exposiciones y bienales internacionales.

SAIDEE SPRINGALL DEL VILLAR

(Mexico, 1969) Graduated in architecture from the Universidad Iberoamericana, and a master and doctorate in City Planning from the Graduate School of Design at Harvard. In 2002, together with Saidee Springall, he founded arquitectura 911s.c., an independent professional studio dedicated to architecture and urban design projects. They have realized several projects, with a special mention for the first place in 2002 in the competition for the extension of Spanish Cultural Centre in the old quarters of Mexico City (together with Higuera and Sánchez); and in 2006 (together with Fernanda Canales) in the competition for the Design School in Monterrey CEDIM. His designs and articles have been published in magazines in Mexico and around the world. He has taught and given conferences at various institutions worldwide, and has curated several international exhibitions and biennials.

(México, 1968) En 1993 se gradúa en Arquitectura por la Universidad Iberoamericana. Obtiene el doctorado y maestría en la Graduate School of Design de la Universidad de Harvard, en 1996. Su trabajo y escritos han sido publicados en las revistas Arquitectura, Praxis, Arquine, Enlace, 2G, y en el libro 10x10. Ha sido becaria del CONACYT, así como en el programa de Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (1996). En 2002 funda con José M. Castillo arquitectura 911sc que recientemente ganó junto con Javier Sánchez el concurso del Centro Cultural de España y con Fernanda Canales el Centro de Estudios Superiores de Diseño de Monterrey CEDIM. Su trabajo ha sido exihibido en la exposición Mexico City Dialogues en el Center for Architecture de Nueva York, NY así como en la Bienal de Arquitectura de Sao Paulo, Brasil en el 2005.

(Mexico, 1968) After graduating in Architecture from the Universidad Iberoamericana in 1993, obtained a master and doctorate from the Graduate School of Design at Harvard in 1996. Her works and writings have been published in the magazines Arquitectura, Praxis, Arquine, Enlace, 2G, and in the book 10x10. She received a scholarship from CONACYT, and a grant for Young Creators from the National Fund for Culture and Arts (1996). In 2002, together with José M. Castillo, she founded arquitectura 911sc which recently won the competition for the extension of Spanish Cultural Centre in the old quarters of Mexico City (together with Higuera and Sánchez); and in 2006 (together with Fernanda Canales) in the competition for the Design School in Monterrey CEDIM. Her work has gone on show in the exhibition Mexico City Dialogues at the Center for Architecture in New York, and the São Paulo Biennial of Architecture in 2005.


1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

The idea of arquitectura 911sc+F304 for the exhibition Growth Scenarios, as part of the 1st Architecture, Art & Landscape Biennial of the Canaries, is to show how, in the context of a city like Mexico, the conceptual and operative dimensions of notions of growth, development and territory are transformed. By means of presentations of non-realized architectural, city planning and landscaping projects, it hopes to explore the potentials of a territory growing and transforming in a multiplicity of ways. This work accumulates and updates over two years of research and development of ideas on Mexico City addressed and posited in various exhibitions on architecture and cities. The first condition that singularises Mexico City has to do with its scale and the impact on growth and transformation of the territory. What does growth mean in a city whose population increases by almost 300,000 every year? What does it mean to build 105,000 new housing units every year (without counting improvised dwellings)? What relationship is possible between the limits of urban growth and natural and rural territories? What new stories, techniques, protocols and projects are necessary in order to transform and potentialise the territory in a city as complex as Mexico? These territories redefined by the growth of Mexico City are associated with aspects of the metropolis that escape the confines of mere demographic growth and its architectural and urban references. Perhaps they are more clearly defined by the very conditions of the contemporary city, by thematics that cut across architecture, city planning and landscaping. The growth of Mexico City has effects and evidences in systems of organisation that, at first sight, would not seem to be so crucial as might be the urban form but which nevertheless are much more central in the definition of the territory. Systems that understand the use of water and drainage, waste treatment, the processes of deindustrialisation and regeneration of centrals, the new infrastructure of mobility and transport, and the rural-urban transition. And all this is associated with categories of housing, open space, infrastructures and work places. Strategy: To explore the implications of the growth scenarios for Mexico City, we have chosen five conditions both central and peripheral, where new dimensions of territorial growth are presented. Each one of them will be presented both cartographically as well as by means of an ‘archive’ that explains them. Obviously, the starting point is the acceptance that these conditions present a certain ‘latency’ or intrinsic potentiality of transformation. Each condition is developed as a project of distinct scale that posits a territorialisation, deterritorialisation or reterritorialisation. These operations ultimately posit a taking of (political, economic, social, spatial) power.

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El planteamiento de arquitectura 911sc+F304 para la exposición Escenarios del Crecimiento, dentro de la 1 Bienal de Arte, Arquitectura y Paisaje de Canarias, es presentar cómo en el contexto de una ciudad como México, las nociones de crecimiento, desarrollo y territorio se transforman en sus dimensiones conceptual y operativa. Busca exponer, mediante la presentación de proyectos arquitectónicos, urbanos y paisajísticos no realizados, los potenciales de un territorio que crece y se transforma de múltiples maneras. Este trabajo acumula y actualiza más de dos años de investigación y desarrollo de planteamientos sobre Ciudad de México realizadas y planteadas en diversas exposiciones sobre arquitectura y ciudades. La primera condición que convierte en particular presentar Ciudad de México como muestra, tiene que ver con su escala y sus impactos en el crecimiento y transformación del territorio. ¿Qué significa el crecimiento en una ciudad que incrementa su población casi 300 mil habitantes cada año? ¿Qué implica construir 105 mil viviendas nuevas al año (sin contar las que se producen de manera informal)? ¿Qué relación es posible entre los límites del crecimiento urbano y los territorios naturales y rurales? ¿Qué nuevas historias, técnicas, protocolos y proyectos son necesarios para transformar y potencializar el territorio en una ciudad tan compleja como México? Estos territorios redefinidos por el crecimiento de Ciudad de México están vinculados a aspectos de la metrópolis que escapan de un simple crecimiento demográfico y sus referentes arquitectónicos y urbanos. Quizá están definidos, de forma más notable por las condiciones propias de la ciudad contemporánea, por temáticas que transversan lo arquitectónico, lo urbano y lo paisajístico. El crecimiento en Ciudad de México tiene efectos y evidencias en sistemas de organización que a primera instancia no serían tan relevantes como pudiera ser la forma urbana pero que, sin embargo, se vuelven mucho más centrales en la definición del territorio. Sistemas que comprenden el uso del agua y su drenaje, el tratamiento de la basura, los procesos de desindustrialización y regeneración de centrales, las nuevas infraestructuras de movilidad y transporte, y las transiciones rural-urbana. Todo ésto vinculado a categorías de la vivienda, al espacio abierto, la infraestructura y los espacios de trabajo. Estrategia: Para explorar lo que implican los escenarios del crecimiento en Ciudad de México, hemos escogido cinco condiciones manifiestas tanto de forma central como periféricas, donde se presentan nuevas dimensiones del crecimiento territorial. Cada una de ellas se presentará tanto de forma cartográfica, como mediante un ‘archivo’ que las explica. Evidentemente se parte de la base de que estas condiciones presentan cierta ‘latencia’ o potencialidad intrínseca de transformación. Cada condición se desarrolla como un proyecto de distinta escala que plantea una territorialización, desterritorialización o reterritorialización. Estas operaciones plantean tomas de poder (político, económico, social, espacial).


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MUSEUM PLAZA: DENSIDAD URBANA / CONSERVACIÓN RURAL MUSEUM PLAZA: URBAN DENSITY/ RURAL PRESERVATION

JOSHUA PRINCE-RAMUS

(EEUU, 1969) En 1991 se licenció en Filosofía por la Yale University. En 1996 cursó un Máster de Arquitectura en Harvard University, donde fue el primer Araldo Cossutta Fellow y SOM Fellow. Joshua Prince-Ramus es Director de Ramus Ella Architects (REX). Actualmente el estudio lleva a cabo varios proyectos en los Estados Unidos, entre los que se encuentra el Museum Plaza de Louisville, Kentucky; el Dee & Charles Wyly Theatre, Dallas, Texas; el Annenberg Center, California Institute of Technology, Pasadena, California; y Forward Residence, Nueva York. Con anterioridad a la creación de REX, Prince-Ramus fue socio de OMA (Office for Metropolitan Architecture) y fundador de OMA New York, filial estadounidense de la firma. Durante su permanencia en este estudio, fue socio responsable de la Seattle Central Library de Seattle, Washington; del Guggenheim-Hermitage Museum de Las Vegas, Nevada; y del Vestbane Máster Plan de Oslo, Noruega. Asimismo, Prince-Ramus supervisó la construcción del Illinois Institute of Technology Campus Center de Chicago, y de las tiendas “Epicenter” de Prada en Nueva York y Beverly Hills.

EREZ ELLA

Prince-Ramus received a Bachelor of Arts in Philosophy with distinction from Yale University in 1991 and a Master of Architecture from Harvard University in 1996, where he was the first Araldo Cossutta Fellow and an SOM Fellow. Joshua Prince-Ramus is a Principal at Ramus Ella Architects (REX). REX’s current projects include Museum Plaza in Louisville, KY; the Dee & Charles Wyly Theatre in Dallas, TX; the Annenberg Center at the California Institute of Technology in Pasadena, CA; and the Forward Residence in New York, NY. Prior to establishing REX, Mr. PrinceRamus was a Partner at the Office for Metropolitan Architecture (OMA) and founder of the firm’s U.S. branch, OMA New York. While with OMA, Mr. Prince-Ramus was Partner-in-Charge of the Seattle Central Library in Seattle, WA; the Guggenheim-Hermitage Museum in Las Vegas, NV; and the Vestbane Master Plan in Oslo, Norway. Additionally, Mr. PrinceRamus oversaw the execution of the Illinois Institute of Technology Campus Center in Chicago, IL; and the Prada “Epicenter” Stores in New York, NY and Beverly Hills, CA.

(Israel, 1971) Es licenciado en Arquitectura por la Universidad de Tel Aviv. Actualmente y bajo su codirección, el estudio Ramus Ella Architects (REX), lleva a cabo varios proyectos en los Estados Unidos, como el Museum Plaza de Louisville, Kentucky; el Dee & Charles Wyly Theatre, Dallas, Texas; el Annenberg Center, California Institute of Technology, Pasadena, California; y Forward Residence, Nueva York. Con anterioridad a su entrada en REX, Ella trabajó, desde 1999, como Arquitecto de Proyectos para OMA, Rótterdam, en el que fue un activo colaborador de muchos de los proyectos más relevantes del estudio. Ha sido también Arquitecto de Proyectos del Whitney Museum of Art de Nueva York, Los Angeles County Museum of Art, y del Centro Cultural de la Televisión de CCTV (Central China de Televisión) de Beijing.

Ella received a Bachelor of Architecture degree from Tel Aviv University. Under his co-leadership, REX is currently designing and executing Museum Plaza in Louisville, KY; the Dee & Charles Wyly Theatre in Dallas, TX; the Annenberg Center at the California Institute of Technology in Pasadena, CA; and the Forward Residence in New York. Prior to joining REX, Mr. Ella worked as a Project Architect at OMA in Rotterdam since 1999, where he was a prolific contributor to many of the offices most significant projects. Mr. Ella served as a Project Architect for the Whitney Museum of Art in New York, the Los Angeles County Museum of Art, and, most importantly, the Television Cultural Center for China Central Television (CCTV) in Beijing.

El Museum Plaza, un complejo de 111.000 metros cuadrados de uso mixto y que será próximamente construido en el centro de Louisville, trata del vacío y de la densidad; del suelo agrícola y del centro urbano; de cómo evitar la urbanización y de la forma de promover la máxima rentabilidad. Los creadores del proyecto se plantean un doble objetivo: por un lado, revitalizar el centro de Louisville; por el otro, proteger el carácter rural de su extrarradio. Así, mientras los promotores amenazan invadir el más preciado suelo rústico de Louisville dando la espalda a su cada vez más deteriorado núcleo, el Museum Plaza inyectará nueva vida al centro urbano y pondrá coto al agotamiento de sus tesoros rurales. El Museum Plaza ha sido concebido como una concentración estratégica de arte y comercio, con un museo, viviendas, equipamientos escolares, un hotel, oficinas y zonas comerciales que revitalizarán una ribera en la actualidad desprovista de vida. Mediante la agrupación de volúmenes independientes, cada uno diseñado para dotar a su respectivo programa del máximo de eficacia, el complejo está llamado a convertirse en un generador de actividad durante veinticuatro horas los siete días de la semana. Se prevé que unas 10.000 personas pasarán cada día por el Museum Plaza; 10.000 personas que, de otra forma, no visitarían el centro de Louisville; 10.000 personas que pasarían a engrosar la indiferenciada expansión urbana característica de la típica ciudad americana que ha abandonado su centro urbano. Temas: A. EL MUSEUM PLAZA EN UN CONTEXTO URBANO/RURAL ¿Qué efectos cabe prever sobre la ciudad de Louisville y su paisaje rural como resultado de la inyección de 10.000 personas a su centro urbano? 1) Louisville hoy: Análisis de la distribución actual de actividades: residencial, cultural, educativa, hoteles, oficinas, tiendas, granjas, aparcamientos. 2) Suelo rústico en Louisville: Análisis de las granjas vendidas/urbanizadas en los alrededores de Louisville. Estudios de proyección demográfica en suelo rústico urbanizado 3) Museum Plaza: Análisis de ocupación de la superficie edificada durante un periodo de 24 horas. a. Cálculo de capacidad máxima b. Estimación de personas/por programa/por hora al día. 4) Proyección: impacto del Museum Plaza sobre la economía y la población de Louisville y su entorno agrícola.

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B. EL MUSEUM PLAZA COMO EDIFICIO: La economía como generadora de arquitectura. ¿Cómo aborda el Museum Plaza los objetivos económicos de los promotores? Presentación del edificio como la expresión racional en tres dimensiones de una proyección económica de promoción inmobiliaria.


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Museum Plaza, a 1,200,000 square foot mixed-use complex soon to be built in downtown Louisville is as much about emptiness as it is about density; as much about farmland as it is about the city center; as much about preventing development as it is about stimulating maximum profitability. The creators of the project have a twofold mission: to revitalize downtown Louisville on the one hand, and to protect the rural outskirts on the other. While developers threaten to invade Louisville’s most precious farmland, turning their backs on the deteriorating urban core, Museum Plaza will re-animate the city center, curbing the consumption of its Arcadian treasures. Museum Plaza is conceived as a strategic concentration of art and commerce: museum, housing, educational facilities, hotel, office, and shopping will be injected into a currently lifeless riverfront urban area. Through the clustering of independent volumes, each designed for the maximum efficiency of its program, the complex will become 24-7 activity generator: it is predicted that 10,000 people will move through Museum Plaza each day – 10,000 people who might not, otherwise, be in downtown Louisville; 10,000 people who might otherwise feed the undifferentiated sprawl of an unremarkable American city with a neglected core. Issues: A. MUSEUM PLAZA IN URBAN/RURAL CONTEXT What will the injection of 10,000 people into the center of Louisville mean for the city and its rural landscape? 1) Louisville Today: Analysis of current distribution of activities: residential, cultural, education, hotel, offices, shops, farms, parking. 2) Louisville Farmland: Analysis of farms being sold/developed in area surrounding Louisville. Projected population studies for developed farmland 3) Museum Plaza: Analysis of building occupancy in 24-hour period. a. Calculate maximum capacity b. Estimate # of people/per program/perhour during each day. 4) Projection: influence of Museum Plaza on economy and population of Louisville and its surrounding farmland.

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B. MUSEUM PLAZA AS BUILDING: Economics generates architecture. How does the design for Museum Plaza directly address the economic goals of the developers? Presentation of the building as a rational, 3-D expression of a financial projection for property development.


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LAND-LINKS, DECÁLOGO GEO-URBANO LAND-LINKS. GEO-URBAN DECALOGUE

MANUEL GAUSA NAVARRO

(Nace en Barcelona, 1959) Finaliza sus estudios de Arquitectura en 1983 (ETSAB). Es Doctor Arquitecto desde 2005 (ETSAB). Desde 1987 ejerce profesionalmente en Barcelona. Entre los años 1991 y 2001 fue director de la revista Quaderns d’Arquitectura i Urbanismo, publicación oficial del COAC, y entre los años 1998 y 2006, presidente de la Asociación Civil Metápolis. Actualmente es co-director del Máster “Costa Inteligente. Nuevas Estrategias Turísticas, Nuevas Estructuras Territoriales” de la Fundación Politécnica de Cataluña. Además, desde 1994 dirige la firma Actar Architecture S.L., taller de Arquitectura y Urbanismo. Ha realizado en equipo diversos proyectos de edificación y propuestas de ordenación territorial. Sus trabajos han sido galardonados en consultas de ámbito nacional e internacional. En 2000 fue distinguido con la Medalla de la Académie de Architecture de Francia. Es autor de numerosas publicaciones. Asimismo, ha editado diversos artículos en revistas nacionales e internacionales. (Barcelona, 1959) Architect,1983 (ETSAB), PhD 2005 (ETSAB). Works professionally in Barcelona since 1987. Between 1991 and 2001 he was editor of the magazine Quaderns d’Arquitectura i Urbanisme, the official publication of C.O.A.C., and from 1998 to 2006 he was President of Metápolis Civil Association. At present he is co-director of the Master “Smart Coast. New Tourist Strategies, New Territorial Structures” at the Fundación Politécnica de Cataluña. Besides, from 1994 he has been managing Actar Architecture, architecture and city planning studio. He has taken part in teams involved in many building projects and city planning proposals. His works have been distinguished both nationally and internationally. In 2000 he was awarded a Medal of the Académie de Architecture of France. He is also the author of many publications. He has collaborated in many Spanish and international publications.

FLORENCE RAVEAU

(Francia, 1965) En 1991 obtiene el título de Arquitecto Superior (Concepción de formas urbanas a partir de una obra-escultura) por la Escuela de París La Défense-París. Realiza el Máster de diseño “Espacios Urbanos”, Barcelona, en el año 1992. Entre 1993 y 1995 colabora en varios despachos de Barcelona. Ha organizado visitas arquitectónicas para el Consejo de Arquitectura, Urbanismo y Medio Ambiente de París. Asimismo, ha coordinado seminarios, en el marco del XIX Congreso UIA-Barcelona’96, así como en “Arq y Com”-Arquitectura y comunicación, “Cine y Arquitectura”. Desde 1995 es miembro de la redacción de la revista Quaderms d’Arquitectura i Urbanisme, publicación oficial Del Col.legi d’Arquitectes de Catalunya. Durante los años 1998 y 1999 realizó la coordinación del Foro en la ESARQ-UIC, Escola Superior de Arquitectura-Universitat Internacional de Catalunya. En la actualidad es socio de ACTAR, Agencia de Arquitectura. (France, 1965) In 1991 graduated in Architecture (Conception of Urban Forms based on a Work-Sculpture) at the Paris La Défense School of Architecture, Paris. In 1992 completed a Master of Design of “Urban Spaces” in Barcelona. From 1993 to 1995 she collaborated in several studios in Barcelona. She has organised architectural visits for the Paris Council of Architecture, City Planning and the Environment, and coordinated seminars for the 19th UIA-Barcelona’96 Congress, as well as in “Arquitectura y comunicación” and “Cine y Arquitectura”. Since 1995 she is a member of the editorial team of Quaderms d’Arquitectura i Urbanisme, official magazine of the College of Architects of Catalonia. In 1998 and 1999 she coordinated the Forum of la ESARQ-UIC, School of Architecture, Universitat Internacional de Catalunya. She is currently a member of the ACTAR, Architecture Agency.

5 CUESTIONES El inesperado cambio de escala experimentado en los últimos 20 años –fruto del incremento exponencial de la movilidad, la comunicación y el intercambio– ha conducido a las ciudades hacia una nueva dimensión geo-urbana donde las antiguas fronteras entre ciudad y territorio han acabado diluyéndose. La ciudad ya no es aquel lugar “ideal”o “familiar” (más o menos homogéneo y reconocible, a rememorar o a recrear) sino un inmenso organismo diverso, poliédrico e irregular, a un tiempo. Una nueva naturaleza múltiple y multiplicada –multicapa y multiescalar, es decir n-dimensional– a la que hemos denominado Metapolis. A algunos parecer asustarles esa dimensión heterogénea y diversificada de la ciudad. Pero vista con ojos positivos ésta puede convertirse en un rico “lugar de lugares” a valorar, a recuperar, a re-inventar o a desarrollar… ¿Cómo? Intentando responder a diversas cuestiones…

5 QUESTIONS The unforeseen change in scale undergone in the last twenty years-fruit of the exponential growth of mobility, communication and interchange-has led cities toward a new geo-urban dimension where the former boundaries between city and country have been blurred. The city is no longer that “ideal” or “familiar” place (more of less homogeneous and recognizable, to recall or recreate) but an immense diverse organism, at once polyhedral and irregular. A new multiple and multiplied-multilayered and multiscale, in other words n-dimensional-nature which we have called Metapolis. Some people seem to be frightened by this heterogeneous and diversified dimension of the city. But seen with positive eyes it can become a rich “place of places” to value, to recover, to re-invent or to develop… But how? By trying to respond to various questions…

1. ¿Cómo crecer hacia afuera sin destruir el medio? Es decir, cómo imaginar esquemas territoriales inter-urbanos e intersistemas (edificación, infraestructura, paisaje) de desarrollo coordinado. (Land-Grids).

1. How to grow outwards without destroying the environment? In other words, how to imagine inter-urban and inter-system (building, infrastructure, landscape) territorial plans of coordinated development (Land-Grids).

2. ¿Cómo crecer hacia dentro re-definiendo las tramas existentes? Es decir, cómo propiciar re-implosiones urbanas, esto es, operaciones de reciclaje y reestructuración interior capaces de potenciar activos y entornos específicos, dotando a la ciudad de espacios de identidad –y sensualidad– más allá de las nociones patrimoniales al uso. (Land-Flows).

2. How to grow inwards re-defining existing layouts? In other words, how to encourage urban re-implosions, or, operations of interior recycling and restructuring able to boost specific areas and assets, providing the city with spaces of identity-and sensuality-over and above accepted patrimonial concepts. (Land-Flows)

3. ¿Cómo crear nuevos espacios relacionales, más allá del espacio público tradicional? Es decir, cómo trabajar con el uso y la actividad, en –y entre– paisajes y espacios colectivos. (Lands in Lands).

3. How to create new relational spaces, beyond the traditional public space? In other words, how to work with the use and activity, in-and betweenlandscapes and collective spaces. (Lands in Lands).

4. ¿Cómo reinterpretar las viejas nociones del hábitat más allá del simple “espacio residencial”? Es decir, cómo imaginar nuevos escenarios para la vida y la actividad desde la mixicidad entre programas y entornos, arquitecturas y naturalezas. (Living Lands). 5. ¿Cómo celebrar –y articular–, en definitiva, la diversidad (esto es la irregularidad y la mixicidad) desde operaciones de concepción global y de sensibilidad local? Desde nuevas operaciones híbridas, de cruce e intercambio entre fenómenos, procesos, estratos, programas, culturas lugares y atmósferas, destinadas a reactivar en la ciudad su carácter plural. (Land-Layers).

4. How to reinterpret old ideas of the habitat beyond a simple “residential space”? In other words, how to imagine new scenarios for life and activity from a mix of programmes and surroundings, architectures and natures. (Living Lands). 5. How to, definitively, celebrate-and articulate-diversity (or irregularity and mixicity) from operations of global conception and local sensibility? From new hybrid operations, of crossing and interchange between phenomena, processes, strata, programmes, cultures, places and atmospheres, aimed at reactivating the plural character of the city. (Land-Layers).

5+1 PROCESOS 1. Salto(s) de escala: Land links Reconocemos la naturaleza compleja de una ciudad que se manifiesta como un poli-territorio “entre” lugares, escenarios y dimensiones, entre paisajes, infraestructuras y edificaciones; entre espacios, sistemas y territorios. Ello plantea una necesaria condición de “salto de escala” entre la propia estructura urbana y la forma del objeto

5+1 PROCESSES 1. Leaps(s) of scale: Land Links We recognise the complex nature of a city that is expressed as a poly-territory “between” places, scenarios and dimensions, between landscapes, infrastructures and buildings; between spaces, systems and territories. This posits a necessary condition of “a leap in scale” between the very urban structure and the form of the architectural


2. Diagramas e ideogramas, criterios operativos: Land links El abordaje de este nuevo espacio requiere la elaboración de nuevos mapas sintéticos; mapas capaces de seleccionar informaciones y movimientos de la propia realidad urbana y de comprimirlos en “decisiones / instrucciones” tan intencionadas en su definición como abiertas en su desarrollo. Diagramas e ideogramas, inductores y catalizadores a la vez, capaces de sintetizar en formulaciones concisas (y precisas) fenómenos, relaciones, espacios, y vectores de desarrollo.

2. Diagrams and ideograms, operative criteria: Land Links Addressing this new space requires the elaboration of new synthetic maps; maps able to select information and movements of the very urban reality and to compress them into “decisions / instructions” as calculated in their definition as they are open in their development. Diagrams and ideograms, at once instigators and catalysts, capable of synthesising in concise (and precise) formulations the phenomena, relations, spaces, and vectors of development.

3. Sistemas entrelazados: Land grids/Land flows Conectar e interconectar infraestructura(s) –e intraestructuras– combinadas. En un nuevo tipo de “geografía relacional”, extra-urbana e inter-urbana, a la vez; una nueva geo-urbanidad en red, de concepción “dis-densa”. Ni modelos compactos, ni modelos difusos: “modelos” entrelazados. Capaces de combinar movimientos implosivos y desarrollos extendidos. No contraponiendo ya espacio natural y espacio urbano, sino haciéndolos cohabitar en sistemas globales atentos a la definición de los espacios de articulación, enlace y transición.

3. Interwoven systems: Land Grids/land Flows Connecting and interconnecting combined infrastructure(s) and intrastructures. In a new kind of “relational geography”, at once extra-urban and inter-urban; a new geo-urbanity in network, with a “dis-dense” conception. Neither compact models, nor diffuse models: interwoven “models”. Able to combine implosive movements and extended developments. No longer opposing natural space and urban space, but making them cohabit in global systems attentive to the definition of spaces of articulation, link and transition.

4. Escenarios relacionales: Lands in land Del antiguo espacio público hemos pasado al espacio relacional. Un espacio auténticamente colectivo abierto al ocio, el descanso, a la actividad temática, lúdica, o mixta y a todos aquellos usos cada vez más importantes en la nueva sociedad que se avecina. Más que “salones” verdes, paisajes operativos; generados desde una compre(n)sión de los usos concebida –y desarrollada– en nuevas “topografías densas” de actividad. Paisajes activos sobre paisajes anfitriones.

4. Relational scenarios: Lands In Land From the former public space we have shifted to the relational space. A truly collective space open to leisure, rest, to thematic, ludic or mixed activity and to all those users who are increasingly more important in the new society that is on its way. More that green “rooms”, operative landscapes; generated from a compre(hen/s)sion of uses conceived—and developed—in new “dense topographies” of activity. Active landscapes over host landscapes.

5. Nuevos habitats: Living (in) lands La vivienda ya no puede ser sólo un lugar “digno” sino un lugar “estimulante”. Más próximo a la propia idea de “hábitat”, como escenario de vida y mixicidad. Hoy se trata de generar auténticos “paisajes habitados” (más allá de los tradicionales “ensanches urbanos”) en interacción directa con el medio. Paisajes que sugerirían una necesaria interacción entre lo natural y lo artificial, entre lo urbano y lo territorial, entre residencia, producción y ocio.

5. New habitats: Living (In) Lands Housing can no longer be just a “decent” place but a “stimulating” place. Closer to the idea of “habitat” as a scenario of life and mixicity. Nowadays it is about generating real “inhabited landscapes” (beyond traditional “urban expansions”) in direct interaction with the environs. Landscapes that evoke a necessary interaction between the natural and the artificial, between the urban and the territorial, between residence, production and leisure.

5+1. Mecanismos Tridimensionales: Land–layers La ciudad contemporánea no puede seguir siendo confiada tan sólo a clasificaciones de zonning y viejos trazados en planta como mecanismos de planeamiento. Una comprensión multi-capa de la realidad precisa, en efecto, una compre(n)sión multi-capa de sus actividades, usos y programaciones. Un abordaje “n-dimensional”. Proyectar la ciudad “en sección”. O en estratos. En nuevas topologías (o topografías) simultáneas de actividad. Propiciando encuentros híbridos entre construcciones, paisajes e infraestructuras. Entre objetos, redes y entornos

5+1. Three-dimensional Mechanisms: Land–layers The contemporary city cannot continue trusting only in classifications of zoning and old layouts in ground plan as planning mechanisms. A multi-layered understanding of the precise reality, in fact, a multilayered compre(hen/s)sion of its activities, uses and programmes. An “n-dimensional” approach. Projecting the city “in section”. Or in strata. In new simultaneous topologies (or topographies) of activity. Fostering hybrid encounters between constructions, landscapes and infrastructures. Between objects, networks and surroundings.

1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

object; a displaced action of the mere construction to the geographic and infrastructural.

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arquitectónico; una acción desplazada de lo tan sólo edilicio a lo geográfico e infraestructural.


1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

LAGOS DE CERCA Y DE LEJOS. VIAJE INTERACTIVO A UNA CIUDAD EN PLENA EXPLOSIÓN LAGOS WIDE AND CLOSE. AN INTERACTIVE JOURNEY INTO AN EXPLODING CITY

Dirección / Director: Bregtje van der Haak Desarrollo de concepto / Concept development: Bregtje van der Haak y Silke Wawro Colaborador / Collaborator: Rem Koolhaas Producción / Producer: Bruno Felix y Femke Wolting Diseño / Design: Silke Wawro Cámara / Camera: Alexander Oey Sonido / Soundscape: Rik Meier Dirección de producción / Line producer: Janneke van de Kerkhof Montaje / Editors: Alexander Oey, Jasper Quispel, Bas Rath Post-producción de audio / Audio post-production: Jeroen Goeijers Corrección de color / Color correction: Eddi Bal Autoría de Dvd / Dvd authoring: Boy Carper, Sander Veenhof Consultoría de edición / Editorial consultant: Jennifer Sigler Fotografía de cubierta de DVD / Photography DVD Edgar Cleijne

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Con nuestro agradecimiento especial a Ademide Adelusi Adeluyi y Pieter van Huijstee Film & Television Production / With special thanks to Ademide Adelusi Adeluyi y Pieter van Huijstee Film & Television Production El presente DVD está basado en la investigación del Harvard Project on the City, un proyecto dirigido y coordinado por Rem Koolhaas, Edgar Cleijne y Jeffrey Inaba. / This DVD is based on research by the Harvard Project on the City, directed and coordinated by Rem Koolhaas, Edgar Cleijne, and Jeffrey Inaba. El presente DVD ha sido financiado por la Amsterdam Foundation for Visual Arts, Dutch Cultural Broadcasting Fund y VPRO Television / This DVD was funded by the Amsterdam Foundation for Visual Arts, Dutch Cultural Broadcasting Fund, and VPRO Television.

Créditos El presente DVD no habría sido posible sin la investigación llevada a cabo por el arquitecto Rem Koolhaas, el fotógrafo Edgar Cleijne y el proyecto Harvard Project on the City. El concepto fue desarrollado por la cineasta Bregtje van der Haak y la diseñadora Silke Wawro en el curso de una clase magistral organizada por el Sandberg Institute y el Dutch Cultural Broadcast Fund. Fue producido en colaboración con Submarine. Otros aspectos de la investigación pudieron verse con anterioridad en el documental de Van der Haak Lagos/Koolhaas (vídeo digital de 55’, VPRO, 2002), una coproducción de VPRO y del productor Pieter van Huijstee Film & TV.REM KOOLHAAS This DVD would not exist without the research carried out by architect Rem Koolhaas, photographer Edgar Cleijne, and the Harvard Project on the City. Its concept was developed by filmmaker Bregtje van der Haak and designer Silke Wawro during a masterclass organized by the Sandberg Institute and the Dutch Cultural Broadcast Fund. It was produced in collaboration with Submarine. Other aspects of this research have been previously presented in Van der Haak’s documentary Lagos/Koolhaas (55’ digital video, VPRO, 2002), a co-production between broadcaster VPRO and producer Pieter van Huijstee Film and TV.

BREGTJE VAN DER HAAK

Licenciada en ciencias políticas, periodista y realizadora de documentales, tras concluir sus estudios de Ciencias Políticas (1990) y Derecho (1992) en la Universidad de Ámsterdam, estudió Periodismo en la Universidad de Columbia. Inició su carrera televisiva en el “Charlie Rose Show” y como productora de RTL News, Nueva York. En sus documentales, Van der Haak aborda los cambios que tienen lugar en la sociedad contemporánea y su impacto en nuestra vida cotidiana. En ellos aparecen intelectuales como Benjamin Barber, Manuel Castells, Achille Mbembe, Antoni Negri o Muhammad Yunus. La cineasta ha dirigido también programas sobre figuras culturales de la talla de Hussein Chalayan, Peter Eisenman, Dan Graham, Jack Lang y Philip Johnson. Su obra se ha proyectado en festivales internacionales de cine documental celebrados en Marsella, Ámsterdam, Sydney, Berlín y Nueva York. A political scientist, journalist, and documentary filmmaker. After graduating from the University of Amsterdam with degrees in political science (1990) and law (1992), she studied at the Columbia University School of Journalism. She started her career in television at the “Charlie Rose Show” and as a producer for RTL News in New York. Van der Haak’s documentaries deal with changes in contemporary society and their impact on our daily lives. They feature intellectuals such as Benjamin Barber, Manuel Castells, Achille Mbembe, Antoni Negri, and Muhammad Yunus. She has also directed programs on cultural figures such as Hussein Chalayan, Peter Eisenman, Dan Graham, Jack Lang, and Philip Johnson. Her work has been shown in international documentary festivals in Marseille, Amsterdam, Sydney, Berlin, and New York.

REM KOOLHAAS

Es cofundador y líder de Office for Metropolitan Architecture (OMA), entre cuyas realizaciones más recientes destacan la Embajada de los Países Bajos en Berlín, un campus del Illinois Institute of Technology, la Seattle Public Library o la Casa da Musica de Oporto. En la actualidad, OMA construye las nuevas instalaciones de 575.000 metros cuadrados de la sede de la Televisión Central China (CCTV) en Beijing. Como catedrático de la Harvard University Graduate School of Design, Koolhaas inició su Project on the City, un programa de investigación que estudia las cambiantes condiciones urbanas que tienen lugar en todo el mundo. El proyecto de Harvard ha generado libros como Great Leap Forward (a study of China’s Pearl River Delta) y The Harvard Guide to Shopping. Koolhaas es autor de Delirious New York: A Retroactive Manifesto for Manhattan (1978), S,M,L,XL (1995), y, más recientemente, Content (2004). Co-founder and leader of the Office for Metropolitan Architecture (OMA), whose recent buildings include the Netherlands Embassy in Berlin, a campus center at the Illinois Institute of Technology, the Seattle Public Library, and the Casa da Musica in Porto. Currently OMA is engaged in a new, 575,000 m2 headquarters for China Central Television (CCTV) in Beijing. As a professor at the Harvard University Graduate School of Design, Koolhaas initiated the Project on the City, a research program investigating changing urban conditions around the world. The Harvard project generated the books Great Leap Forward (a study of China’s Pearl River Delta) and The Harvard Guide to Shopping. Koolhaas is the author of Delirious New York: A Retroactive Manifesto for Manhattan (1978), S,M,L,XL (1995) — and most recently, Content (2004).

EDGAR CLEIJNE

Fotógrafo con base en Rótterdam, dedicado a documentar el desarrollo urbano en ciudades africanas como El Cairo, Kinshasa o Lagos, que han experimentado un vertiginoso crecimiento y cuyo desarrollo ha sido en gran medida ignorado por los medios de comunicación occidentales. En paralelo a su colaboración con Rem Koolhaas, que se remonta a 1997, Cleijne continúa documentando la dinámica de las urbes africanas. Su trabajo ha podido verse en muestras individuales organizadas en el Museo Boijmans van Beuningen de Rótterdam, la Bienal Fotográfica de Lisboa y en exposiciones en Burdeos, Bruselas, Tokio, Seúl y Berlín. Rotterdam-based photographer who documents urban development in places like Cairo, Kinshasa, and Lagos — African cities that have undergone high-speed expansion, and whose developments have been largely ignored by the Western media. In parallel to his collaboration with Rem Koolhaas, which began in 1997, Cleijne continues to document the dynamics of African cities. His work has been presented in solo exhibitions at the Boijmans van Beuningen Museum (Rotterdam), the Lisbon Photo Biennale, and in exhibitions in Bordeaux, Brussels, Tokyo, Seoul, and Berlin.

SILKE WAWRO

Diseñadora residente en Ámsterdam, licenciada por la Gerrit Rietveld Academy y el Sandberg Institute de esa ciudad. Su trabajo, que denomina Volksware, aborda la creación de valor en los productos de consumo, así como su impacto sobre el consumidor. Su obra más reciente, “el abrigo más caro del mundo”, ha sido confeccionado con más de 7.500 etiquetas de ropa. An Amsterdam-based designer who graduated from the Gerrit Rietveld Academy and the Sandberg Institute in Amsterdam. Her work, called Volksware, deals with the value creation of consumer products and its effect on the consumer. Her most recent work, the most expensive coat in the world, is made of more than 7,500 clothing labels.

SUBMARINE

Submarine es un estudio independiente multimedia con base en Ámsterdam, que produce nuevos formatos de televisión, Internet y artefactos móviles combinando medios digitales y tradicionales. Submarine desarrolla formatos documentales, entretenimiento en la web, ficción/drama y servicios ricos en contenido, posibilitando la combinación de programas de emisión y de Internet online. Submarine is an independent multi-media studio based in Amsterdam that produces new formats for television, internet, and mobile devices, combining digital and traditional media. Submarine develops documentary formats, webtainment, fiction/drama, and content-rich services, and enables combinations of broadcasting and online internet programs.


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The Explosion of Lagos Every hour, 50 people start new lives in the African city of Lagos. As the largest port and commercial center of Nigeria, Lagos is home to an estimated 15 million people whose very survival depends on improvisation, networking, and risk-taking. This dangerous, polluted, and dysfunctional city - with drainage problems, relentless traffic jams, and shortages of water and electricity- is growing so quickly that by 2020 it is expected be the third largest city in the world. How and why does a city with so many problems continue to grow against all odds? Architect Rem Koolhaas decided to study Lagos in an attempt to understand the hidden logic that makes a “dysfunctional” city function. His research revealed a population’s unique ability to cope inventively with an urban landscape of disorder. Lagosians have equipped their expanding metropolis with a finely meshed web of efficient self-organizing networks, challenging the dominant idea that Lagos “doesn’t work.” Loosely based on the trajectories of bus driver Olawole Busayo, this DVD provides glimpse into the lives of eight Lagos inhabitants, revealing the creative relationships that individuals are developing with their complex city. Parallel to Busayo’s journey, Koolhaas voices his reactions, interpretations, and changing attitudes towards Lagos during his five years of research. Recording Now Because filming has long been prohibited in Nigeria, very few images exist of Lagos Exist. This DVD is an intimate engagement with this hardly documented city, capturing multiple perspectives of a volatile moment in its evolution. In 2001, Rem Koolhaas invited filmmaker Bregtje van der Haak to help document his research in Lagos. To present Lagos through the eyes of Koolhaas, Van der Haak created the documentary Lagos/Koolhaas that premiered in the International Documentary Festival Amsterdam and the Volksbühne in Berlin in the fall of 2002. As the title suggests, Lagos/Koolhaas is as much a portrait of the architect and his research methods as it is an image of the city of Lagos. But another, more personal interpretation of the city was embedded in the 55 hours of material she shot during her three trips to Nigeria - a collection of up-close encounters with the people of Lagos and a tracing of the paths and rhythms of their daily lives. If Koolhaas looked at the patterns of Lagos from afar and then zoomed in on the details, Van der Haak

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La explosión de Lagos Cincuenta personas vienen al mundo cada hora en la ciudad africana de Lagos. El mayor puerto y centro comercial de Nigeria, Lagos está habitada por unos quince millones de personas que sobreviven improvisando, estableciendo contactos y asumiendo riesgos. Esta urbe peligrosa, contaminada y disfuncional –con problemas de alcantarillado, incesantes atascos de tráfico y dificultades de abastecimiento de agua y electricidad– crece a tal velocidad que se espera que en 2020 sea la tercera más grande del mundo. ¿Cómo y por qué una ciudad con tantos problemas continúa creciendo teniéndolo todo en contra? El arquitecto Rem Koolhaas se decidió a estudiar Lagos en un intento por comprender la lógica oculta que hace que una ciudad “disfuncional” funcione. Su investigación reveló la capacidad única que poseen sus habitantes para sobrellevar imaginativamente un caótico paisaje urbano. Los habitantes de Lagos han dotado a su ciudad de una estructura exquisitamente engrasada mediante unas eficaces redes de auto-organización, desafiando así la idea de que Lagos “no funciona”. Basándose de una manera bastante libre en los itinerarios del conductor de autobús Olawole Busayo, el presente DVD se adentra en las vidas de ocho habitantes de Lagos, desvelando los vínculos creativos que las personas establecen con su compleja ciudad. En paralelo al viaje de Busayo, Koolhaas va explicando sus reacciones, lecturas y su cambio de actitud frente a Lagos a lo largo de los cinco años de investigación. Rodar hoy Durante mucho tiempo filmar fue una actividad prohibida en Nigeria, lo que hace que existan muy pocas imágenes de Lagos. Este DVD representa un compromiso personal con una ciudad apenas documentada, y capta múltiples ángulos de un fugaz momento de su evolución. En 2001, Rem Koolhaas invitó a la cineasta Bregtje van der Haak a que le ayudara a documentar su investigación sobre Lagos. Con el objetivo de proporcionar una visión de Lagos a través de la mirada de Koolhaas, Van der Haak creó el documental Lagos/Koolhaas que fue estrenado en el Festival Internacional de Cine Documental de Ámsterdam y en el Volksbühne berlinés en el otoño de 2002. Como el propio título sugiere, Lagos/Koolhaas ofrece tanto un retrato del arquitecto y de sus métodos de investigación como una imagen de la ciudad de Lagos.


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Pero las cincuenta y cinco horas de material fílmico grabado por Van der Haak durante sus tres viajes a Nigeria (una recopilación de encuentros personales con los habitantes de su capital y un seguimiento de sus rutinas y ritmos cotidianos), encierran una interpretación más personal de la ciudad. Así, mientras Koolhaas centra su atención en los patrones de Lagos desde la distancia, para acercarse después a los detalles, Van der Haak hace que sus encuentros personales vayan poco a poco dándonos pistas que nos permitan descifrar la imagen global. No hay historia sin acontecimiento El DVD presenta una nueva selección de vídeos y audios de Lagos, separando las visiones distantes de la ciudad (panorámicas), de las íntimas (primer plano), permitiendo así al espectador ir cambiando de una manera interactiva entre las dos perspectivas. Más que seguir una línea narrativa, se plantea acercar al espectador a la realidad de la vida y el trabajo en Lagos, introduciéndole en las diversas capas de su tejido urbano, viajando con el conductor Olawole Busayo y con otros de sus habitantes, y ayudándole a comprender poco a poco los códigos, las posibilidades y los estilos de vida de la cotidianidad de Lagos. Uno de los escasísimos documentos recientes de una ciudad ignorada por los medios de comunicación occidentales, si exceptuamos disturbios religiosos o golpes militares, el DVD invita a mirar y a escuchar a Lagos en un momento en el que la energía del cambio posee la capacidad de desvelar algunas de las fascinantes claves que subyacen bajo los incontrolables impulsos urbanizadores.

started from within letting personal encounters gradually reveal clues for deciphering the larger picture. No event No History This DVD presents a new selection of video and audio of Lagos. It separates the distant – wide – and the intimate – close views of the city enabling the viewer to switch between these perspectives interactively. Rather than following a dramatic storyline, it aims to bring the viewer close to the reality of what it means to live and work in Lagos — to delve into the city’s layered fabric, to move alongside the bus driver Olawole Busayo and other inhabitants, and to slowly make sense of the rules, the possibilities, and the lifestyles of daily life in Lagos. As one of the few recent records of a city that has been largely ignored by western media – with the exception of events like religious riots and military coups - this DVD is an invitation to look and listen to Lagos – at a moment when the energy of change can reveal fascinating insights into the uncontrollable forces of urbanization.


La instalación ha sido posible gracias al apoyo económico de Stimuleringsfonds loor Architectuur, Fonds voor Beeldende Kunsten, Vormgeving en Bouwkunst y Stroom / The installation has been made possible by the financial support of the Stimuleringsfonds voor Architectuur, Fonds voor Beeldende Kunsten, Vormgeving en Bouwkunst and Stroom. La publicación que acompaña a la instalación ha sido diseñada por Paul Ouwerkerk/Graphic Language, Rótterdam. MetaCITY/DATATOWN está publicado por 010 Publishers, Rótterdam, con apoyo financiero de Stimuleringsfonds voor Architectuur, Rotterdam y DGMR, Arnhem / The book that accompanies the installation has been designed by Paul Ouwerkerk/Graphic Language, Rotterdam. MetaCITY/DATATOWN is published by 010 Publishers, Rotterdam and has been financially supported by the Stimuleringsfonds voor Architectuur, Rotterdam and DGMR, Arnhem

NATHALIE DE VRIES

WINY MAAS

(Appingedam, 1965) Nathalie De Vries studied architecture at the TU Delft, receiving her diploma with honourable mention in 1990. Nathalie de Vries has lectured throughout the world. In addition, she is Railroad Architect for ProRail/NS (aug. 2005/-).

(Schijndel, 1959) Winy Maas was educated at the RHSTL Boskoop (1978/83) as a landscape architect. In 1984 he started to study at the Technical University of Delft, department of Architecture and Urban Planning. Here he graduated both as an architect and as an urban planner in 1990 with honourable mention.

(Holanda, 1965) Estudió arquitectura en la Universidad Técnica de Delft, diplomándose con honores en 1990. Nathalie de Vries ha impartido cursos por todo el mundo. Además de ello, trabaja como arquitecta en la compañía de infraestructuras ferroviarias de Holanda ProRail/NS.

(Holanda, 1959) Se formó como arquitecto paisajista en RHSTL Boskoop (1978/83). En 1984 inició sus estudios de Arquitectura y Urbanismo en la Universidad Técnica de Delft, en donde se licenció con honores en 1990.

JACOB VAN RIJS

(Holanda, 1964) Se formó en la Academia Libre de La Haya (1983/84) y en el departamento de Arquitectura de la Universidad Técnica de Delft, en donde se licenció en 1990 con honores, incluida una mención de honor de Archiprix, galardón que se concede a los mejores proyectos de arquitectura. (Amsterdam, 1964) Jacob Van Rijs was educated at the Free Academy in The Hague (1983/84) and the Technical University of Delft, department of Architecture, where he graduated in 1990 with honorable mention and a honourable mention of Archiprix.

MetaCITY/DATATOWN se basa en la vídeo-instalación homónima producida por MVRDV para el Centro Stroom de Artes Visuales de la Haya, expuesta entre el 12 de diciembre de 1998 y el 13 de febrero de 1999. La vídeo-instalación constituye la segunda parte del proyecto ‘Metacity’, concebido por Jan van Grunsven, Winy Maas y Arno van der Mark en colaboración con Stroom.

MetaCITY/DATATOWN is based on the video installation of the same title produced by MVRDV for the Stroom, Centre for the Visual Arts, The Hague, and exhibited from 12 December 1998 through 13 February 1999. The video installation was the second part of the project ‘Metacity’ that was conceived by Jan van Grunsven, Winy Maas and Arno van der Mark in collaboration with Stroom.

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La investigación y la producción son obra de MVRDV / Research and production have been carried out by MVRDV: Winy Maas, Jacob van Rijs y Natalie de Vries con Bas van Neijenhof, Mathurin Hardel, Ximo Peris Casado, Margarita Salmerón Espinosa, Eline Wieland, Marino Gouwens, Ali Rahim, Kok Kian Goh, Penelope Dean, Christoph Schindler, Nicole Meijer, Paul Ouwerkerk y Joost Grootens

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METACITY/DATATOWN


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¿Entendemos de verdad qué es la ciudad contemporánea en un momento en el que la globalización desborda nuestra capacidad de comprensión? ¿Hemos perdido el control de sus magnitudes o seremos capaces de analizar sus componentes y manipularlos? Imaginen una ciudad descrita únicamente a base de datos, una ciudad que demanda ser explorada tan sólo como información. Una ciudad sin topografía dada ni ideología prescrita; sin representación ni contexto. Nada más que un dato inmenso, puro: MetaCITY/DATATOWN. ¿Qué implicaciones tendrá? ¿A qué conclusiones podría conducirnos? ¿Qué planes de arquitectura y urbanismo traerá consigo ese enfoque numérico? La presente instalación aspira a analizar esos planes. Datatown parte de una extrapolación de estadísticas de Holanda. Y, aunque los Países Bajos son en la actualidad, al menos en apariencia, una auténtica tierra de promisión en el campo de la economía, la cultura y la producción, seguir las pautas de otro tiene sus riesgos. No obstante, lo accesible de la información estadística la convierte en un instrumento útil para la extrapolación. A la hora de definir los límites de una ciudad, Datatown sigue un enfoque clásico (¿no fue eso lo que reiteró el arquitecto holandés Carel Weeber recientemente?), a saber: que las dimensiones urbanas equivalen a una hora de viaje. Durante la Edad Media el parámetro utilizado era el de 4 km caminando, y en los años veinte del pasado siglo el desarrollo de zonas urbanas ajardinadas se basaba en distancias de 20 km. en bicicleta. El uso masivo del automóvil llevó en la década de los ochenta a aglomeraciones urbanas de unos 80 km. como Randstad o Los Angeles. Y ahora, con el tren de alta velocidad, la ciudad puede alcanzar los 400 kilómetros. Por consiguiente, Datatown podría definirse como una ciudad de 400 x 400 kilómetros, es decir, de

160.000.000.000 metros cuadrados. Datatown es densa; digamos que 4 veces más densa que los Países Bajos, uno de los países más densamente poblados del mundo. De hecho, con 1.477 habitantes por kilómetro cuadrado, Datatown es el lugar de la tierra con mayor densidad de población. Se trata de una ciudad de 241 millones de habitantes, es decir, toda la población de los EEUU en una única ciudad. Datatown es autárquica. No reconoce la existencia de países extranjeros. Es, por tanto, autosuficiente. Sus problemas pueden resolverse dentro de sus propios límites. Datatown está construida en base a una recopilación de datos. La presente información ha sido organizada y agrupada por sectores, en relación con los porcentajes actualmente vigentes en Holanda. Ordenada inicialmente por orden alfabético dentro de un campo con código de barras, la información fue después transformada por razones prácticas: algunas zonas requieren medidas más amplias para su adecuado funcionamiento. El código de barras acabó convirtiéndose en un campo “mondrianesco”, comprimido dentro de sus contornos cuadrados para formar la ciudad más compacta que imaginarse pueda. Datatown es el resultado de una serie de asunciones. Cada sector existe dentro de diversas variaciones que responden a una serie de ‘hipótesis’ que encarnan diferentes asunciones. Datatown es un proyecto en progreso, en construcción permanente. Su evolución es, literalmente, inagotable. En este momento existe acceso a 6 sectores. Si el conjunto del mundo contuviera 376 Datatowns, sería capaz de albergar 88.687 millones de habitantes, 18 veces más que los actuales.

Can we understand the contemporary city at a moment when globalization has exploded its scale beyond our grasp? Have we lost control of its quantities, or can we analyze its components and manipulate them? Imagine a city that is described only by data. A city that wants to be explored only as information. A city that knows no given topography, no prescribed ideology, no representation, no context. Only huge, pure data: MetaCITY/DATATOWN. What are the implications of this city? To what conclusions can it lead? What agenda for architecture and urbanism could this numerical approach provoke? This installation wants to examine that agenda. Datatown is based on an extrapolation of Dutch statistics. Though the Netherlands today seems a dreamland for economics, culture, and production, it remains suspicious to follow its doctrine. But the accessibility of statistical information makes it a useful instrument for extrapolation. Datatown follows a classical (didn’t the Dutch architect Carel Weeber repeat that recently?) approach of defining the boundaries of a city, namely that the urban size is equivalent to one hour of travelling. In the Middle Ages it was 4 km of walking. In the 1920s the development of garden-city extensions was based on a bicycle-distance of 20 km. The mass use of the car lead in the 1980s to cities of about 80 km like the Randstad or Los Angeles. And now, with the bullet-train, the city can equal 400 km. Datatown can therefore be defined as a city of 400 by 400 km: 160,000,000,000 m2. Datatown is dense – let us say 4 times as dense as the Netherlands, one of the densest populations in the world. In fact, with 1,477 inhabitants per square kilometre, Datatown is the densest place on earth. It is a city for 241 million inhabitants. It is the USA in one city. Datatown is autarkic. It does not know any foreign countries. It therefore has to be self-supporting. Its problems must be solved within its boundaries. Datatown is constructed as a collection of data. This information has been sorted and gathered in sectors, relative to the percentages of existing use in the Netherlands. Initially ordered alphabetically within a barcode field, the information was transformed for practical reasons: some zones need wider measurements in order to function properly. The barcode thus became a Mondrian-like field, compressed by its square outline into the most compact city thinkable. Datatown is based upon a series of assumptions. Each sector exists in several variations. They are constructed on a series of ‘whatifs’ that embody different assumptions. Datatown is always in progress. Its evolution is literally endless; it is permanently under construction. At this moment, 6 sectors may be entered. If the world settlement envelope has been filled up with 376 Datatowns, the world capacity will be 88,687 million inhabitants, 18 times the current population.


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PEI ZHU

PEI ZHU

(China, 1962) Licenciado en Arquitectura por la Universidad de Tsinghua, China, y en Arquitectura y Urbanismo por la Universidad de California, Berkeley, EEUU. A comienzos de los noventa trabajó como adjunto a cátedra en la Universidad de Tsinghua. Ha ganado numerosos concursos dentro y fuera de su país, y es conferenciante habitual en gran número de instituciones académicas de EEUU, Europa y China. Ha publicado libros y colaboraciones en China y en medios internacionales. Sus trabajos han sido exhibidos en prestigiosos centros internacionales. Asimismo, ha recibido numerosos galardones y reconocimiento mundial.

(China, 1962) A graduate in Architecture from the University of Tsinghua in China, and in Architecture and City Planning from the University of California, Berkeley, USA. In the early 1990s, he was adjunct professor at the University of Tsinghua. He has won many competitions in China and abroad, and is a regular lecturer in a large number of academic institutions in USA, Europe and China. He is the author of many books and collaborations in China and in international publications. His works have been exhibited in prestigious international institutions. Pei Zhu has also been awarded many distinctions and enjoys worldwide recognition.

Studio Pei-Zhu La China urbana atraviesa por su segundo gran periodo de agitación de los últimos sesenta años. Tras las transformaciones emprendidas por el Partido Comunista de China durante los años de la prerreforma que dieron como resultado la ruptura del tejido urbano existente mediante la construcción de bloques de estilo soviético y de unidades de trabajo autónomas, la transición a una economía de mercado hipercapitalista ha enfrentado a las ciudades chinas a un impulso transformador, más poderoso incluso, que tiene en el crecimiento masivo su rasgo fundamental: se espera que en un plazo de veinte años, 400 millones de nuevos habitantes lleguen a las ciudades. Mientras tanto, el país concentra la mitad del total de la superficie que se construye cada año en todo el mundo. Las ciudades crecen horizontal y verticalmente, antiguas periferias industriales y zonas rurales son absorbidas por los centros urbanos y vecindarios de construcciones de baja altura quedan arrasados para hacer espacio a construcciones en altura y de alta densidad. China necesita espacio nuevo para crecer, que se adapte, no sólo a su creciente población urbana, sino también a los nuevos estilos de vida surgidos de una sociedad en proceso de modernización. Pero mientras millones de personas se benefician del auge económico, culturas urbanas de larga tradición son engullidas y se pierden en el clamor del crecimiento y la modernización. La cuestión, por tanto, a plantear aquí es la de cómo puede China abordar su crecimiento sin consumir una identidad cultural y una historia únicas, sin perder el alma de sus ciudades.

Studio Pei-Zhu Urban China is in the midst of its second major upheaval in the last 60 years. After the transformations under the CCP during the pre-reform years, which saw existing city fabric interrupted by soviet-style blocks and self-contained work units, the transition to hyper-capitalist market economy sees China’s cities facing an even more powerful force for transformation. The primary characteristic of this transformation is massive growth: 400 million new inhabitants are expected to arrive in China’s cities in the 20 years, whilst the country accounts for around half of all the new floor area produced globally each year. Cities expand both outwards and upwards, with formerly peripheral industrial and rural zones absorbed into urban centers, and low-rise neighbourhoods flattened to make way for high-rise, high-density construction. China needs new space to grow, to accommodate not only it’s increasing urban population, but also the new patterns of living emerging in this modernizing society. But whilst millions are prospering from this economic boom, long-established urban cultures are being swallowed up and lost in the clamour to modernize and expand. The question posed here then, is how can China grow without consuming its own unique cultural identity and history, without losing the soul of it cities?


Los proyectos que aquí presentamos no plantean la negación o condena de los cambios que afectan a la sociedad china ni el retorno a una suerte de nostálgica utopía histórica, sino su asunción positiva reaccionando frente a esa especie de amnesia urbana o de “reformateo” de las zonas urbanas que, como si tal cosa, está teniendo lugar en toda China. Para enfrentarse a los problemas enunciados se ha recurrido a una estrategia común. La acción de combinar programas que respondan a las nuevas demandas y a las necesidades que surgen de la sociedad china, con un enfoque que conecte con la cultura y el tejido urbanos precedentes, ha dado como resultado que, en lugar de ser demolidos y reemplazados, los espacios cobren nueva vida y se transformen. El objetivo último es la creación de edificios y territorios que se adapten a las nuevas formas de vida pero que, a la vez, sean ricos en referencias a la historia cultural, social y arquitectónica de la China urbana. En el caso de los proyectos presentados, cabe considerar que participan de las situaciones típicas de la expansión urbana china. Los dos exploran cómo enfrentarse a los espacios potencialmente problemáticos generados por el crecimiento físico y económico del país dentro del contexto estratégico ya descrito. Ningbo Book City aborda la asimilación de zonas industriales y construcciones de la periferia hoy obsoletas, un fenómeno recurrente y que es consecuencia, bien de la reubicación de fábricas en el hinterland de los centros urbanos, bien de su incapacidad para cubrir las demandas de un mercado más competitivo. Por su parte, el Blur Hotel se sitúa en un antiguo edificio gubernamental del periodo anterior a la reforma que ha perdido su función como consecuencia de la continua adaptación del estado a la economía de mercado. Se espera que ambos proyectos sean capaces de ofrecer modelos que sirvan a futuros desarrollos a lo largo de una China que continúa creciendo: un antídoto contra la urbanización comercial, omnipresente y sin alma, que anega las ciudades de esta enorme nación.

The projects presented here do not attempt to deny or condemn the changes occurring in Chinese society, to seek to return to some kind of nostalgic historical utopia. Instead they positively embrace them. What they are reacting against is the kind of urban amnesia, or “re-formatting” of urban areas which is occurring all across China as a matter of course. A common strategy is adopted in an attempt to deal with these problems. By combining programmes which respond to new demands and needs in Chinese society with an approach which makes connections with existing urban fabric and culture, areas are re-animated and transformed, not razed and replaced. The ultimate aim is the creation of buildings and territories accommodating new patterns of living whilst richly layered in the cultural, social and architectural history of urban China. The two projects can be seen as operating in situations typical of the country’s expanding cities. They explore how we can deal with potentially the problematic spaces created by China’s physical and economic growth, within the context of the strategy described above. Ningbo Book City deals with the assimilation of redundant industrial zones and buildings on the peripheries, a commonplace occurrence as factories have either relocated to the hinterlands of urban centers or found themselves surplus to requirements in the new competitive marketplace. The Blur Hotel is located in a disused pre-reform era government office block, no longer needed as the machinery of the state continues to adapt to life in a market economy. It is hoped that these projects can provide models for future development across China as it continues to grow, an antidote to the ubiquitous and soulless commercial development currently flooding this vast nation’s cities.

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Ningbo Bookcity Location: Ningbo, China Design: 2005-2006

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Ningbo Bookcity Ubicación: Ningbo, China Diseño: 2005-2006


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Blur Hotel Ubicación: Beijing, China Diseño: 2003-2004 Construcción: 2005-2006

Blur Hotel Location: Beijing, China Design: 2003-2004 Construction: 2005-2006

Situado en los intersticios mismos de este contexto urbano y cultural, el proyecto de Ningbo Book City es de vital importancia para la China de hoy. Ubicado en un lugar prominente de una ribera en la actualidad ocupada por una planta de harina y un granero abandonados, el plan aspira a proporcionar un modelo alternativo a la reurbanización de las ciudades chinas a la vez que a crear un distrito urbano, nuevo y diferente, en Ningbo, construido en torno a los medios y al intercambio de información. El terreno se encuentra dividido horizontalmente en una serie de bandas irregulares alternas sólidas y vacías, que van creando una red de conexiones entre la zona urbana circundante y el río. Nuevas edificaciones dispuestas a modo de delgadas cuñas que discurren por y entre el antiguo tejido industrial creando una intrincada estratificación de pasado y presente. Dentro de esas dinámicas cuñas, cada planta es vista más como un medio de transporte que como una forma de división, recurriéndose al análisis diagramático para determinar la distribución vertical del programa. La asignación de un programa más diverso a las plantas inferiores del complejo tiene como resultado la creación de una zona general más mezclada, de fácil acceso a los diversos grupos de usuarios. Como resultado del estímulo a la interacción entre los diversos grupos de individuos que usan el complejo como espacio para el trabajo, las compras, el ocio o el aprendizaje, prevemos el surgimiento de una nueva y vibrante “ciudad dentro de la ciudad”. El Blur Hotel, ubicado en un gran edificio gubernamental de oficinas situado junto a la entrada occidental a la Ciudad Prohibida, representa todo un experimento de “acupuntura urbana”: en lugar de operar el tumor (es decir, de demoler una vez más), un método mucho menos perturbador y dañino lo dejará en su sitio limitándose a neutralizar sus efectos negativos. En tanto que propuesta de rehabilitación, el proyecto aspira a armonizar el edificio existente con su entorno sin recurrir para ello al pastiche retrógrado, y a servir de inspiración para la renovación de la zona circundante. Dentro de ese objetivo, la primera estrategia empleada consistió en abrir la planta baja del edificio para crear una capa de espacio de libre acceso ocupado por programas de orientación pública. El siguiente enfoque se planteó una mayor integración del edificio con la tipología constructiva local del sihueyuan, o casa con patio. Un dibujo de patios verticales alternos ha sido creado grabando simplemente unas losas de hormigón en el suelo, reproduciendo así la disposición espacial de los hutongs del en-

Sitting at the interstice of this urban and cultural context, Ningbo Book City is a project of key significance in contemporary China. Situated on a prominent riverside site presently occupied by a disused flour factory and granary, the scheme seeks to provide an alternative model for the redevelopment of Chinese cities, whilst creating a diverse new urban district within Ningbo based around media and the exchange of information. The site is divided horizontally into series of irregular strips, which alternate as solid and void to create a complex web of connections between the surrounding urban district and the river. New buildings are therefore arranged in a series of slender wedges driving through and between existing industrial fabric to create an intricate layering of past and present. Within these dynamic wedges, each floor is considered more as a means of transportation than as a form of division, with diagrammatic analysis used to determine the vertical distribution of program. By placing more diverse program on the lower floors of the complex a general mixing zone easily accessible to the various user groups is created. By encouraging interaction between diverse groups of people using the complex variously as a workplace, shopping, leisure or educational zone, a vibrant new “city within the city” is envisaged. The Blur Hotel, located on the site of a large government office beside the western Gate of the Forbidden City, is an experiment in “urban acupuncture”. Rather than operate and remove the tumour (in other words demolish yet again), a far less disruptive and harmful method is to leave it in place and simply neutralise its ill effects. As a refurbishment proposal, the project aims to harmonize the existing building with its surroundings without resorting to backward looking pastiche, and provide a beacon for renewal of the surrounding area. The first strategy employed with this end in mind is to open out the ground floor of the building to create a layer of traversable space occupied by public-oriented programs. The next approach aims to integrate the building more with the local building typology of the sihueyuan, or courtyard house. By simply carving into concrete slab floors of the existing building, an arrangement of alternating vertical courtyards is created replicating the spatial arrangement of the surrounding hutongs. With the interior of the building transformed, the third and final tactic deals with the exterior of the building, wrapping it in a continuous and semi-transparent façade.


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Referring to local traditions, this skin is based on the image of a Chinese lantern. Allowing light out and into the building on every floor it diffuses the building into a single, but permeable, object.

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torno. Una vez transformado el interior del edificio, la tercera –y última- táctica consistió en envolver su exterior con una fachada continua y semitransparente. Aludiendo a tradiciones locales, esa piel evoca la imagen de la linterna china, permitiendo la entrada y salida de luz del edificio en cada una de sus plantas y difuminándolo como un objeto único a la vez que permeable.


LABORATORIO DE FUERTEVENTURA: PAISAJES DE ENCUENTRO FUERTEVENTURA LABORATORY: LANDSCAPES OF ENCOUNTER

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CENTRO DE ARTE JUAN ISMAEL, PUERTO DEL ROSARIO, FUERTEVENTURA JOSÉ ANTONIO SOSA DÍAZ-SAAVEDRA (Las Palmas de Gran Canaria, 1957) Arquitecto (Madrid, 1981). Se doctora en Las Palmas de Gran Canaria en 1995. Catedrático de Proyectos Arquitectónicos (ETSALP, 2000) y Visiting Scholar (Harvard, 2000). Su obra ha sido publicada en distintas revistas especializadas y ha formado parte de exposiciones colectivas como la organizada por la Eight Floor Gallery, Hard & Soft (Nueva York, 1997), Uno es Siempre Dos en el Colegio de Arquitectos de Tenerife, 2001. Espacios de Intimidad, sala Los Aljibes, Lanzarote 2003, 2004, Arquitectura para la Justicia, COAC, Madrid, 2005. Bienal de Arquitectura de São Paulo, Brasil, 2005. Sus trabajos han sido premiados en prestigiosos concursos nacionales. Fue compromisario del DoCoMoMo (1993-2003), es miembro del Consejo de Redacción de la revista BASA, y desde 2002 de la revista Transfer. Ha realizado las siguientes publicaciones; Contextualismo y Abstracción 1996, Arquitectura Moderna en Canarias, 1925-1965, La Casa del Marino de Miguel Martín-Fernández.

Architect (Madrid 1981) PhD (LPGC, 1995) Professor of Architectural Projects (ETSALP, 2000) and Visiting Scholar (Harvard, 2000). His work has been featured in several specialised publications and included in a number of group exhibitions, such as the shows organised by Eight Floor Gallery, Hard & Soft (New York, 1997); Uno es Siempre Dos at Colegio de Arquitectos de Tenerife, 2001; Espacios de Intimidad, Sala los Aljibes, Lanzarote 2003; Sede de los Órganos Judiciales CAAM, 2004, Arquitectura para la Justicia, COAC, Madrid, 2005; and 2005 Sao Paulo Architectural Biennale, Brazil. He has won several commissions. He was elector of DoCoMoMo (1993-2003), a member of the editorial board of the magazine BASA, and of Transfer magazine since 2002. Books: Contextualismo y Abstracción 1996, Arquitectura Moderna en Canarias 1925-1965, La Casa del Marino de Miguel Martín-Fernández.

El laboratorio Paisajes de encuentro, puede considerarse un proceso de experimentación en el campo de las migraciones. Un experimento arquitectónico desarrollado por cuatro equipos de investigación de distinta procedencia internacional, desarrollado por cada uno en su lugar de origen, aunque a partir de determinados espacios comunes: la definición inicial, deliberadamente somera y abierta, la concreción posterior, que emerge del debate en vivo, del encuentro y la reunión de los componentes de los equipos allá en la Isla Blanca y, por último, el especial marco de actuación sobre el sensible espacio del Barranco de la Herradura en Puerto del Rosario. El punto inicial de partida es las (e-in)MIGRACIONES, los movimientos en todos los sentidos y direcciones a los que, desde siempre, está sujeto el hombre y su indisociable pareja, la cultura. Se perseveró en este Laboratorio en la renuncia a la insistente pervivencia de fronteras en el mundo contemporáneo; la voluntad de no reconocer por más tiempo el “adentro y el afuera” y su sustitución por un nuevo entendimiento del Planeta como espacio continuo, como espacio de los flujos o espacio de movimientos sin límite. Fuerteventura, y por extensión todo el Archipiélago, es hoy un espacio de encuentro entre poblaciones y culturas. Lo es Canarias, y lo es el resto del Planeta. Hace años que venimos sosteniendo que Canarias es un laboratorio donde experimentar lo que en otras partes ha de llegar más bien pronto que tarde. Su densidad máxima, su escaso y frágil territorio, o su arrugada y apretada orografía deben servir de base a la reflexión y la experimentación cuidadosa. El laboratorio de Fuerteventura es una oportunidad para investigar sobre uno de los aspectos de esta compleja realidad donde, sobre un territorio frágil y muy conectado, se encuentran, hibridan y construyen las diferentes culturas. El paisaje elegido se localiza próximo a la capital de la Isla, Puerto del Rosario. Se trata de un barranco de bordes bien definidos. En su recorrido longitudinal, se ordena como secuencia variable de espacios diversos: la árida llanura interior, la autovía de circunvalación que lo corta, tierras de cultivo en hermosísimas gavias, y así hasta alcanzar la franja de costa, el mar, y, a veces, mas allá, sobre el horizonte, en días claros y luminosos, la inesperada costa de África. La potente geografía de este espacio longitudinal ha marcado las intervenciones realizadas para este Laboratorio. Inevitable su consideración como elemento estructurante del territorio, su papel de corte transversal de la Isla, de elemento capaz de enlazar y articular diferentes paisajes. Inevitable considerar la falla geográfica como motivo de trabajo. El paisaje entendido como lugar de encuentro y simultaneidad con la Arquitectura. Ésta podría ser una de las conclusiones más vinculadas a la propia esencia de la Bienal: el paisaje construyendo la Arquitectura, y no a la inversa…

The laboratory LANDSCAPES OF ENCOUNTER asks to be thought of a process of experimentation in the field of migrations. An architectural experiment developed by four international research teams with different geographical origins, carried out by each team in its place of origin, albeit on the basis of certain common spaces: the initial definition, deliberately summary and openended, the subsequent concretion, which emerges from the face-to-face encounter and lively discussion between the members of the team on the Isla Blanca of Fuerteventura and, finally, the special framework of actuation in the sensitive site of the Barranco de la Herradura ravine in Puerto del Rosario. The initial starting point was the (e/im)MIGRATION, the movements in all senses and directions to which the human species and its inseparable partner, culture, have always been subject. This Laboratory emphasized the rejection of the persistent presence of frontiers in our contemporary world; the commitment no longer to recognize ‘inside’ and ‘outside’ and to replace these with a new understanding of the planet as a continuous space, a space of flows or a space of movements without limit. Fuerteventura, and by extension the entire Archipelago, is today a space of encounter between populations and cultures. This is true of the Canary Islands, and true, too, of the rest of the Planet. We have been saying for years that the Canary Islands is a laboratory in which to experiment with what other places are sure to experience sooner or later — sooner rather than later. The Islands’ maximum density, their scarce and fragile territory and their rugged and tightly packed topography should serve as the basis for reflection and carefully planned experiment. The laboratory of Fuerteventura is an opportunity to investigate one of the aspects of this complex reality in which the different cultures come into contact, hybridize and construct on a fragile and very closely connected territory. The chosen landscape, on the outskirts of the island’s capital, Puerto del Rosario, is a ravine with well-defined edges. In its longitudinal course it is ordered as a variable sequence of different spaces: the arid interior plain, the ring road that cuts across it, cultivation lands in beautiful gavias (traditional strips of arable land) and on down to the strip of coast, the sea, and sometimes, away over on the horizon, on bright clear days the unexpected coast of Africa. The potent geography of this longitudinal space has shaped the interventions carried out for this Laboratory. It was inevitable that it should be regarded as an element structuring the territory, its role as a transverse cut through the island, an element capable of linking together and articulating different landscapes. It was inevitable that the geographical fault should be regarded as a motive to work with: the landscape understood as place of encounter and simultaneity with the architecture. This could be one of the conclusions most closely linked to the very essence of the Biennial: The landscape constructing the Architecture, and not the other way round…


Comisario / Curator: José Antonio Sosa Profesores / Professors: Luís Correa Suárez, Héctor García Sánchez, María Luisa González, José Antonio Sosa, Berta Prieto Vidal. Participantes / Participants: Diabedo Francis Kéré (Burkina – Faso y Berlín), Manuel Gausa (Barcelona), LIP (Laboratorio de Proyectos Arquitectónicos), R&Sie (n) (François Roche, Stephanie Lavaux, Jean Navarro) (París)

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In every case the existence of this landscape has drawn the projects; these have been strongly determined by the natural and anthropic topography and by the theoretical reflection that underpins the Laboratory. The generation of a virtual plane loaded with symbols that ACTAR has overlaid on the actual plane; the tense, cicatrising stitching of the opposing slopes by R&Sie(n); the potent, stony generation of a new soil of pebbles on a magnificent scale formulated by Francis Kere, or the utilization of the steep north face as the backbone structuring the whole of the LIP(a) proposal — these are clear indices of this extreme sensibility toward the place. There is no place here for an autistic architecture divorced from the reality of the different scales of landscape capable of being conceived without the presence of the land, the undulations of the landscape, its cuts and inclines, its colour or its texture… Nor was there any place for vague or unanchored thinking. In every case there is focused reflection, from different points of view, on the role of human migrations, of cultural hybridization, of encounters and failures to coincide. Not from the reductionist perspective of those who find beauty in the abandoned object, in the open boats and inflatables, or in the bucolic dreams of those who deny history and only have a past, but from the will to

LIP (Laboratorio de Proyectos Arquitectónicos)

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En todos los casos la existencia de este paisaje ha dibujado los proyectos; éstos han sido fuertemente determinados por la orografía natural y antrópica tanto como por la reflexión teórica que sustenta el Laboratorio. La generación de un plano virtual y preñado de símbolos que ACTAR desliza sobre el mismo; el cosido cicatrizante y tenso de las laderas opuestas de R&Sie(n); la potente y pedregosa generación de un nuevo suelo de callaos en escala magnífica que formula Francis Kere; o la utilización del rocoso acantilado norte como dorsal estructurante de toda la propuesta de LIP(a), son claros exponentes de esta sensibilidad extrema hacia el lugar. No hay cabida aquí para una arquitectura autista, ajena a la realidad de las diferentes escalas paisajísticas capaz de entenderse sin la presencia de la tierra, las ondulaciones del paisaje, sus cortes y desniveles, su color o su textura… Como tampoco lo hubo para la forma vacía y despistada del pensamiento. En todos los casos, se reflexiona, desde distintos enfoques, sobre el papel de las migraciones, de la hibridación cultural, del encuentro y desencuentro…. No desde la reduccionista óptica de quien encuentra la belleza en el objeto abandonado, en la patera y el cayuco, o en la bucólica ensoñación de quien niega la historia y sólo tiene pasado, sino desde


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Diabedo Francis Kéré (Burkina – Faso y Berlín)

la voluntad de construir un nuevo espacio social, capaz de formular auténticos paisajes de encuentro. El propio proceso de trabajo desarrollado por los diferentes integrantes de este Laboratorio ha sido, en sí mismo, lugar de encuentro para gentes de procedencia lejana. No conozco otra reflexión sobre estos mismos aspectos hecha desde la Árquitectura. Y esto le confirió a ese proceso el carácter investigador y novedoso que en todo momento sostuvo. Las experimentaciones programáticas o conceptuales se produjeron desde distintas ópticas; no podía ser de otro modo. Las plataformas activas que propone ACTAR, en torno a un extenso jardín de sombras, generan un lugar para la interacción, un espacio múltiple donde la formación, la cultura, el comercio, y el intercambio, lo lúdico y el esparcimiento… –todas ellas actividades capaces de construir un nuevo espacio público para el encuentro–, interactúen hacia la construcción de un nuevo lugar. Los variables cilindros de Kere construyen un paisaje de perfil variado, como una nueva geografía de alojamientos, no sólo habitacionales, también para la cultura, transformando el Barranco de La Herradura en una “estación de naciones”, formulándolo como lugar de paso y transición hacia Europa, abierto a todos, sin límites, para que lo que hoy huye de sur a norte, pueda ser mañana de norte a sur. Actitud no concretada en proyecto formal, más perfomativa, la de R&Sie(n) se formula abierta, como un espacio por escribir, puerta entornada al debate espontáneo de la exposición pública de los trabajos en Fuerteventura el 9 de febrero de 2006. La reflexión de LIP(a) se centra en el sistema de gestión de los ingentes recursos de ayuda a los llamados países del tercer mundo, tratando de invertir el proceso por el cual las ayudas llegan, siempre a través de instituciones a la población. Alterar este camino utilizando como mejor vía justamente la inversa, la que facilitan los propios inmigrantes, conocedores de ambas realidades, y por ello capaces de invertir, y de inyectar conocimientos a sus propios países de origen; actuando directamente sobre la base constituida por sus propios allegados o conocidos. Un proceso de autogestión de recursos económicos y formativos. La Arquitectura es escenario y representación del mundo. No resuelve por sí misma, ni tiene la capacidad necesaria para cambiar ella sola, una situación de la trascendencia de ésta. Nadie lo discute hoy a diferencia de lo que ocurría hace tan sólo un siglo. Pero la Arquitectura, y esto no debería confundirse con lo anterior, es también ACTORA en este mundo. Capaz de avanzar en la imaginación nuevas formas de vida y de relación social, capaz de construir nuevos paisajes y acontecimientos… El Laboratorio de Fuerteventura ha tratado de ser un lugar para la reflexión y la experimentación de nuevas situaciones reales, de nuevas demandas, donde la Arquitectura es capaz de mostrar nuevos escenarios y construir nuevas realidades. En este Laboratorio de título Paisa-

construct a new social space, capable of formulating authentic landscapes of encounter. The actual working process carried out by the various participants in this Laboratory has in itself been a place of encounter for people from distant places. I am aware of no other reflection on these issues from the field of architecture — a reflection that conferred on this process the innovative and investigating character that has characterized it throughout. The conceptual or programmatic experiments were undertaken from a number of points of view; indeed, they could not have been carried out in any other way. The active platforms proposed by ACTAR around a spacious shade garden generate a place for interaction, a multiple space in which training, culture, commerce and exchange, leisure and recreation… —all of them activities capable of constructing a new public space for encounter— interact to favour the construction of a new environment. Kere’s variable cylinders construct a landscape with a variegated profile, as a new geography of homes, not only residential but also for culture, transforming the Barranco de la Herradura into a ‘station of nations’, formulating this as a place of passage and transition toward Europe, open to all, without limits, so that what is at present a migration from south to north may in the future flow from north to south. The more performative approach, not concretized in a formal project, put forward by R&Sie(n) is formulated as open, as a space still to be written, a door left ajar to the spontaneous debate of the public exhibition of the projects for Fuerteventura on the 9th of February 2006. The reflection put forward by LIP(a) is centred on a system for managing the enormous resources in aid to the countries of the so-called Third World, with a view to inverting the process by which aid is always channelled to the population by way of institutions. This seeks to change things by taking a better route, in precisely the opposite direction: the route facilitated by the immigrants themselves, with the first-hand knowledge of both realities that enables them to invest and inject knowledge into their own countries of origin, acting directly from the base constituted by their own family and friends in a process of self-management of economic and training resources. Architecture is a scenario and a representation of the world. It does not of itself resolve anything, nor has it the necessary capacity to change by itself a situation that transcends it. Nobody today disputes this, in contrast to what was the case only a hundred years ago. But Architecture —and this should not be confused with what we have just said— is also an ACTOR in this world, capable of advancing in our imagination new forms of living and of social relations, capable of constructing new landscapes and events… The Fuerteventura Laboratory has sought to be a place for reflection on and experimentation with new real situations, new demands, where the Architecture is capable of outlining new scenarios and constructing new realities. In


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Manuel Gausa (Barcelona).

jes de Encuentro, el encuentro se produjo, ciertamente, sobre un paisaje real.

this Laboratory, entitled Landscapes of Encounter, the encounter most evidently took place in and on a real landscape.

Agradecimientos El trabajo que aquí se presenta se desarrolló en el seno de la 1 Bienal de Canarias de Arquitectura, Arte y Paisaje y, más concretamente, dentro de la Sección de Arquitectura de dicho evento. Vaya nuestro primer reconocimiento y gratitud a Rosina Gómez-Baeza, su directora, y a Virgilio Gutiérrez, responsable de la Sección de Arquitectura, por invitarnos a participar en la misma y habernos dado la oportunidad de este fascinante encuentro. Nuestro agradecimiento, asimismo, a Miriam Arricivita; cuyo permanente ánimo hizo posible superar con simpatía e ilusión las barreras que la distancia siempre impone. Y, ya dentro de lo que ha sido la propia organización de este Laboratorio, es obligado agradecer a Berta Prieto su incansable apoyo y eficaz gestión de los –con frecuencia complejos– pasos administrativos. Por último, nuestra mayor gratitud a todos los participantes en los trabajos, tanto arquitectos como estudiantes de arquitectura; a todos ellos, reconocerles sus esfuerzos nunca bien compensados y, sobre todo, la ILUSIÓN, la máxima ilusión puesta en ello.

Acknowledgements The work presented here was developed in the bosom of the 1st Canary Islands Architecture, Art and Landscape Biennial, and more concretely within the Architecture Section of this event. First and foremost, then, we wish to declare our gratitude to Rosina Gómez Baeza, its Director, and to Virgilio Gutiérrez, in charge of the Architecture Section, for inviting us and for giving us the opportunity to take part in this fascinating encounter. Our heartfelt thanks also go to Miriam Arricivita, whose unfailing good spirits, warmth and enthusiasm enabled us to overcome the difficulties that distance always imposes, and, within the organization of the Laboratory itself, to Berta Prieto for her tireless support and her admirably efficient handling of the frequently complex administrative procedures. In conclusion, we extend our warmest gratitude to all of the participants in the projects, both architects and architecture students; to all of them, in recognition of their never well-recompensed efforts and, above all, their ENTHUSIASM, the tremendous enthusiasm they have put into this endeavour.

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R&Sie (n) (François Roche, Stephanie Lavaux, Jean Navarro) (París)


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DIÉBÉDO FRANCIS KÉRÉ Es un joven arquitecto nacido en Burkina Faso, aunque formado en Alemania. Durante su periodo de estudios fundó, con ayuda de sus amigos, la Schulbausteine für Gando, una asociación cuyos principales objetivos son la construcción de edificios adaptados a las exigencias climatológicas, y contribuir al desarrollo de su país. El espectro de esos proyectos cubre la educación de adultos, la sanidad y el apoyo económico para las mujeres, que son quienes llevan las mayores cargas en su país. Su lema es: “hay que ayudar a quienes se ayudan a sí mismos”. Desde 1999, Francis Kéré ha participado en innumerables conferencias internacionales e impartido cursos en diversas universidades europeas. En 2004, uno de sus proyectos –una escuela primaria en Gando, su lugar de nacimiento– mereció el “Premio Aga Khan de Arquitectura”. Desde 2004 Francis Kéré trabaja como docente en la Universidad Técnica de Berlín.

Is a young architect from Burkina Faso who studied in Germany. Assisted by his friends, during his study he founded the Schulbausteine für Gando association whose main aims are to create buildings that meet climatic demands, and to support the Burkinabe people in their development. Since 1999 Francis Kéré has already taken part in numerous national and international conferences and has given lectures at several European universities. In the year 2004 one of his projects - a primary school in his home village Gando - won the “Aga Khan Award for Architecture”. Besides his occupation as a selfemployed planner Francis Kéré has been working as a lecturer at the Technical University of Berlin since 2004.


LIP Es “Laboratorio de Investigación de Proyectos Arquitectónicos”, un grupo dedicado a la práctica medioambiental (ligada especialmente al paisaje macaronésico) y su relación con el hábitat. Fue creado en 2005. Se trata de un equipo formado por profesores de proyectos arquitectónicos vinculados a la investigación en la ULPGC. Ha publicado, como grupo de proyectos, los siguientes libros: Cultivos, Hibridaciones y Redes relacionados con investigaciones en el área de proyecto. Cada uno de sus miembros dispone, a nivel individual, de un extenso currículo profesional e investigador entre los que destacan multitud de premios profesionales y publicaciones. LIP participó por primera vez como equipo de proyectos con una propuesta para “Territorios en Transformación” en Güímar en 2006. Miembros del grupo: José A. Sosa Díaz-Saavedra, María Luisa González García, Héctor García Sánchez, Luis Correa Suárez, Eva Llorca Afonso

Is the acronym for “Laboratorio de Investigación de Proyectos Arquitectónicos” (Laboratory of Research on Architectural Projects), a group created in 2005, dedicated to environmental practice with special attention to the Macaronesian landscape, and its links with the habitat. The team comprises lecturers in architectural research-related projects at ULPGC. As a project group, they have published the following books: Cultivos, Hibridaciones and Redes related with research in the area of each project. Individually, each one of the team members has a long professional and research history, with many professional distinctions and publications to his/her credit. LIP intervened for the first time as a project team with a proposal for “Territorios en Transformación” in Güímar in 2006. Group Members: José A. Sosa Díaz-Saavedra, María Luisa González García, Héctor García Sánchez, Luis Correa Suárez, Eva Llorca Afonso

R&Sie (n) Equipo R&Sie (n): Francois Roche, Stephanie Lavaux y Jean Navarro. Roche se graduó como arquitecto en la Universidad de Versalles en 1987, mientras que Lavaux terminó sus estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Francia en 1990 y Navarro se licencia también en la Universidad de Versalles en 1999. Hasta ahora, estos artistas han exhibido sus obras escultóricas en lugares como el Centro Georges Pompidou o el Museo de Arte Moderno de París; el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona; la Galería Stern, en Los Ángeles; o el Instituto Holandés de Arquitectura, de Rótterdam. Han participado en varias Bienales de Venecia, y sus instalaciones pueden contemplarse en las sedes de la NASA de Houston y Malmö (Suecia) o el Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York, entre otros. En sus proyectos, estos arquitectos procuran abstenerse de la transformación radical del territorio respetando el entorno y experimentan con nuevas tecnologías para crear escenarios arquitectónicos de distorsión cartográfica, sustituciones y mutaciones en el territorio.

Roche graduated in architecture from the University of Versailles in 1987, while Lavaux graduated from the National School of Fine Arts in 1990 and Navarro also graduated from the University of Versailles in 1999. Until now, these artists have exhibited sculptural works in venues like the Georges Pompidou Centre and the Museum of Modern Art in Paris; the Museum of Contemporary Art in Barcelona; Stern Gallery in Los Angeles; the Netherlands Architecture Institute in Rotterdam. The team has taken part in various editions of the Venice Biennale, and their installations can be viewed at the headquarters of NASA in Houston and Malmö (Sweden) on in the Museum of Modern Art in New York, among others. In their projects, these architects eschew a radical transformation of the territory, respecting the environs and experimenting with new technologies to create architectural scenarios of cartographic distortion, substitutions and mutations in thea territory.

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(Barcelona, 1959) Architect,1983 (ETSAB), PhD 2005 (ETSAB). Works professionally in Barcelona since 1987. Between 1991 and 2001 he was editor of the magazine Quaderns d’Arquitectura i Urbanisme, the official publication of C.O.A.C., and from 1998 to 2006 he was President of Metápolis Civil Association. At present he is co-director of the Master “Smart Coast. New Tourist Strategies, New Territorial Structures” at the Fundación Politécnica de Cataluña. Besides, from 1994 he has been managing Actar Architecture, architecture and city planning studio. He has taken part in teams involved in many building projects and city planning proposals. His works have been distinguished both nationally and internationally. In 2000 he was awarded a Medal of the Académie de Architecture of France. He is also the author of many publications. He has collaborated in many Spanish and international publications, and taken part in debates and seminars on contemporary architecture and urban and territorial strategies.

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MANUEL GAUSA NAVARRO (Nace en Barcelona, 1959) Finaliza sus estudios de Arquitectura en 1983 (ETSAB). Es Doctor Arquitecto desde 2005 (ETSAB). Desde 1987 ejerce profesionalmente en Barcelona. Entre los años 1991 y 2001 fue director de la revista Quaderns d’Arquitectura i Urbanismo, publicación oficial del COAC, y entre los años 1998 y 2006, presidente de la Asociación Civil Metápolis. Actualmente es co-director del Máster “Costa Inteligente. Nuevas Estrategias Turísticas, Nuevas Estructuras Territoriales” de la Fundación Politécnica de Cataluña. Además, desde 1994 dirige la firma Actar Architecture S.L., taller de Arquitectura y Urbanismo. Ha realizado en equipo diversos proyectos de edificación y propuestas de ordenación territorial. Sus trabajos han sido galardonados en consultas de ámbito nacional e internacional. En 2000 fue distinguido con la Medalla de la Académie de Architecture de Francia. Es autor de numerosas publicaciones. Asimismo, ha editado diversos artículos en revistas nacionales e internacionales y participado en diferentes coloquios y seminarios sobre arquitectura contemporánea y estrategía urbana y territorial.


LABORATORIO FRONTERIZO FRONTIER LABORATORY

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COAC DEMARCACIÓN DE GRAN CANARIA, FUERTEVENTURA Y LANZAROTE MANUEL J. FEO OJEDA (Las Palmas de Gran Canaria, 1961) Arquitecto por la E.T.S.A.L.P. de la que es Subdirector de Cultura e Investigación y Profesor de Proyectos I, P.F.C. y Ampliación de Proyectos. También es Profesor de Proyectos 9, Proyectos 10 y P.F.C. en la ESARQ-UIC de Barcelona. Vocal de Cultura de la Demarcación de Gran Canaria del Colegio de Arquitectos de Canarias. Ha impartido conferencias sobre su obra en Venecia, Barcelona, Madrid, Santiago de Compostela, Alcalá de Henares y Las Palmas de Gran Canaria. Ha participado en los Festivales Metápolis 2.0 y 3.0, en el 1st Architectural Market EME3 en Barcelona y en el I Encuentro de Pensamiento Contemporáneo en Las Palmas de Gran Canaria. Ha recibido premios en distintos concursos nacionales e internacionales. Su obra ha sido seleccionada en las ediciones VII, VIII, IX, X y XI del Premio Manuel Oraá y Arcocha, con menciones en las ediciones VI y VIII, siendo ganador exaequo en la última XII edición del mismo. Su trabajo ha sido publicado en revistas nacionales e internacionales.

(Las Palmas de Gran Canaria, 1961) Graduated in Architecture from ETSALP, where he is now Vice-director of Culture and Research and Lecturer in Projects 1, Final Year Projects and Further Development of Projects. He also lectures in Projects 9, Projects 10 and Final Year Projects at ESARQ–UIC in Barcelona. He is spokesperson for Culture on the board of the Gran Canaria Delegation of the College of Architects of the Canaries. He has given papers on his work in conferences in Venice, Barcelona, Madrid, Santiago de Compostela, Alcalá de Henares and Las Palmas de Gran Canaria. Has taken part in the Metápolis 2.0 and 3.0 festivals, in the 1st Architectural Market EME3 in Barcelona and the Contemporary Thinking Encounter in Las Palmas de Gran Canaria. He has received several awards in different competitions both here in Spain and internationally. His work has been chosen for the 7th, 8th, 9th, 10th and 11th editions of the Manuel Oraá y Arcocha Awards, receiving special mentions at the 6th and 8th editions, and joint winner in the 12th edition. His work has been published in magazines here in Spain and worldwide.

La propuesta de laboratorio hace referencia a un espacio simultáneo de experimentación, observación, detección y medida, donde se somete el paisaje ampliado de Gran Canaria a una acción de redescripción mediante una doble operación: por una parte, proponer la isla como un lugar donde los fenómenos que afectan a la arquitectura y al paisaje contemporáneos se hacen especialmente visibles y detectables; por otra, aceptar que puede ser necesario simultáneamente plantear las respuestas pero también las preguntas para operar en este escenario complejo. La identificación de situaciones para las cuales no hay instrumentación puesta a punto, y por ello mismo, el establecimiento de un espacio de trabajo fascinante y seductor al tiempo, constituyen las bases desde las que se establecen líneas de acción que reproponen Gran Canaria como espacio de intensificación desde la arquitectura y el paisaje y como escenario de la complejidad contemporánea. La condición fronteriza está implícita en cualquier caso en la propia formulación de la Bienal, la construcción de un espacio disciplinar de transversalidad entre las tres grandes áreas: Arquitectura, Arte y Paisaje, aparece como labor posible y necesaria. La fórmula operativa escogida implica a equipos locales y foráneos a realizar una acción de reconocimiento y proposición a desarrollar en una exposición, para posteriormente y con la celebración de un seminario establecer un espacio de debate sobre el tema expresado.

The proposed laboratory is a space for experimentation, observation, detection and calibration, where the wider landscape of Gran Canaria will be subjected to a process of redescription by means of a twofold operation: on one hand, it will address the island as a place where phenomena affecting contemporary architecture and landscape are rendered particularly visible and detectable, and, on the other hand, it will accept that it is equally necessary to posit possible responses as well as the actual questions to be posed in order to operate in this complex scenario. Identifying situations for which there is no existing instrumentation, and in consequence, establishing a working space that will be fascinating and at once seductive, are the two basic principals from which we will prepare policies of action capable of recomposing Gran Canaria as a space of intensification from the perspective of architecture and landscape and as a scenario of contemporary complexity. In any case, the frontier condition is implicit in the very groundbase of the Biennial, and the construction of a disciplinary space of transversality between the three broad areas of Architecture, Art and Landscape, is both a necessary and possible challenge. The chosen operative formula involves local and overseas teams in the realization of an action of recognition and proposition to be developed in an exhibition, and a subsequent seminar to establish a space for debate on the issues touched on.

Manuel J. Feo Ojeda Manuel J. Feo Ojeda


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COAC Demarcaciones de Gran Canaria, Fuerteventura y Lanzarote Comisario / Curator: Manuel J. Feo Colaborador / Collaborator: Gonzalo Royo Comité organizativo / Organising committee: Miriam Alemán, Miguel Angel Martínez, Yaiza Negrín, Elena Cabrera. Participantes / Participants: José David Izquierdo Hernández & Raquel Guanche García, MPTres, Exe Arquitectura Barcelona SL, Claudia Collmar, Ricardo Sánchez Lampreave.Gadapbordes SL, Josep Cargol + Ricard Turon, Ángel Verdasco + PILAR GARCÍA, T24, Pedro Romera + Ángela Ruiz, Hadi A. Tandawardaja, Hans Ibelings, Robin Winogrond + Cornelia Schwaller, Juan Correa


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JOSÉ DAVID IZQUIERDO HERNÁNDEZ & RAQUEL GUANCHE GARCÍA son arquitectos por la ETSA Las Palmas de Gran Canaria graduándose en 2003. Desde 2003 llevan desarrollando su labor profesional en las Islas realizando diferentes proyectos y concursos en varios de los cuales han obtenido premios y menciones. Sus proyectos han sido publicados en diferentes libros y revistas y han sido invitados en diversas ocasiones por el COA de Canarias para exponer sus trabajos. En su estudio han hecho del “concurso” una constante en su trabajo diario, lo que les permite plantear sus inquietudes arquitectónicas y abrir nuevas vías de experimentación.

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The architects José David Izquierdo Hernández and Raquel Guanche García graduated in 2003 from the ETSA Architecture School of Las Palmas de Gran Canaria. Since then, they have carried out their careers in the Canaries, developing a number of projects and entering competitions in which they have won awards and mentions. Their projects have also been featured in books and magazines, and on several occasions have been invited by the College of Architects of the Canaries to lecture about their work. Their studio has taken the open competition as a constant in their daily work, something allowing them to explore their architectural concerns and open up new ways of experimentation.

MPTres MPTres es un colectivo de personas que cree en el diálogo entre arte y arquitectura como herramienta que propicie e impulse la ruptura continua de modelos y esquemas. El grupo pretende habilitar un espacio para la creación, la participación y la colaboración interdisciplinar entre los agentes implicados en generar cultura. Los ideales transgresores de MPTres no están reñidos con la sensibilidad hacia todos los componentes y circunstancias que rodean sus trabajos. Aunque ponen un especial énfasis en la arquitectura de espacios intermedios, el lenguaje empleado por MPTres está abierto y en constante movimiento, e incorpora elementos del paisaje, el urbanismo, el cine, la moda, el diseño gráfico y la arquitectura de gran y pequeña escala. La apuesta otorga gran importancia a la investigación para poder propiciar el trasvase de los logros realizados de un campo a otro (de la arquitectura al cine, de la moda a la arquitectura, etc.) Tras realizar varios trabajos de diversa índole, en el que coincidían dos o más de sus componentes, MPTres inicia su andadura como tal en 2006. Sus fundadores son: Yurena Morales Moreno, Rubén Pérez Bautista y Noemí Tejera Mujica.

EXE ARQUITECTURA BARCELONA SL

MPTres is a group of individuals who believe in a dialogue between art and architecture as a tool to foster and encourage the ongoing rupture of received models and preconceptions. The group intends to set up a space for creation, participation and interdisciplinary collaboration among all the agents involved in the generation of culture. The transgressing ideals of MPTres are not at odds with a sensibility towards all the elements and circumstances surrounding their works. And although they put the stress on the architecture of intermediate spaces, their vernacular is open and in constant motion, incorporating elements from landscape, city planning, cinema, fashion, graphic design and small and large scale architecture. Their orientation is heavily weighted towards research with a view to fostering the transfer of achievements from one field to another (from architecture to cinema, from fashion to architecture, etc.) After carrying out a number of different projects in which two or more of its member were involved, MPTres began to work as such in 2006. Its founding members are: Yurena Morales Moreno, Rubén Pérez Bautista and Noemí Tejera Mujica

Exe Arquitectura Barcelona SL fue fundada en 2004 por profesionales en ejercicio desde 1991 con la intención de llevar a término proyectos que aúnen la calidad arquitectónica y de servicio para clientes públicos, privados y particulares que entiendan la arquitectura como un valor añadido a la actividad constructiva, valoren la gestión eficiente, el trato individualizado de sus necesidades y la gestión basada en la confianza mutua. La arquitectura de nuestro estudio quiere ser singular en su identidad, intensa en su percepción, posible en su concepción y social en su compromiso. Entendemos el proyecto como instrumento de transformación de la realidad que sintetiza aspectos sociales, económicos, tecnológicos, ambientales y culturales a los que se debe dar respuestas contemporáneas. Exe Arquitectura Barcelona SL was founded in 2004 by a group of architects who are professionally active since 1991, with the intention of carrying out projects combining architectural quality and service for public and private clients who understand architecture as an added value to the building activity, value efficient management, an individualised solution to their requirements and a management based on reciprocal trust. This studio’s architecture aims at being singular in its identity, intense in its perception, feasible in its conception, and social in its commitment. They understand the project as a tool for the transformation of reality, synthesising social, economic, technological, environmental and cultural aspects in need for contemporary answers.

CLAUDIA COLLMAR Es Arquitecta por la Universidad de Stuttgart, Alemania, desde 1996. Obtuvo su licenciatura en Carpintería por la Escuela de Formación Profesional de Ludwigsburg, Alemania, en 1987. En 1998 funda en Santa Cruz de Tenerife el despacho IN SITU Estudio de Arte y Arquitectura, realizando proyectos de Arquitectura y Paisaje tanto para clientes privados como públicos en Canarias y Alemania. Entre ellos, el Proyecto Piloto Europeo de Paisagem, la Ampliación del Parque Cultural Atlantis-Mariposa, la vivienda “Habitar el Paisaje”, una vivienda en el casco histórico de La Laguna, todos ellos en Tenerife. Sus más recientes trabajos son la propuesta artística para el Barranco de Badajoz de Tenerife y la intervención reflection, en el Centro Cultural de La Mercé en Gerona. Actualmente desarrolla su actividad profesional y docente entre Cataluña y Canarias. Graduated as an Architect from the University of Stuttgart, Germany, in 1996. She is also a qualified Joiner and Carpenter from the Ludwigsburg School of Professional Training, Germany (1987). In 1998, she established the IN SITU Art and Architecture Studio in Santa Cruz de Tenerife. From there, she carries out projects for both private and public clients from the Canaries and Germany, including the Paisagem European Pilot Project, the Extension of the Atlantis-Mariposa Cultural Park, the “Habitar el Paisaje” house in the old quarters of La Laguna, all of them in Tenerife. Recent works include an artistic proposal for the Badajoz ravine in Tenerife, and the Reflection intervention at the La Mercé Cultural Centre in Girona. She currently develops her professional and teaching activity between Catalonia and the Canaries.

RICARDO SÁNCHEZ LAMPREAVE (Madrid, 1957) Es arquitecto y profesor de Proyectos de la ETS de Alcalá de Henares. Pensionado en la Academia de Roma. Ha comisario exposiciones y coordinado ciclos de conferencias. Asimismo, ha sido editor de diversas publicaciones; actualmente dirige la colección de libros de los Premios Nacionales de Arquitectura del Ministerio de Vivienda y la revista Formas del Colegio de Arquitectos de Ciudad Real. Sus proyectos han obtenido diversos premios en concursos nacionales e internacionales, y sus obras distinciones de la Comunidad, el Ayuntamiento y el Colegio de Arquitectos de Madrid. (Madrid, 1957) Architect and Projects Teacher at the Alcalá de Henares University School of Architecture. He obtained a scholarship for the Academy of Rome. He has curated exhibitions and curated cycles of lectures. He has also edited many publications, and is currently the director of the collection of books of the National Architecture Awards for the Spanish Ministry of Housing, and or the Formas magazine of the College of Architects of Ciudad Real. His projects have won several awards in national and international competitions, and distinctions from the Madrid Region, Madrid City Council and Madrid College of Architects.


A team of professionals created to function both at a territorial and landscape scale, and in the field of architecture and city planning, and arriving to a control of the object and the constructive scale. Apart from a number of building projects, the studio is drafting the 5th phase of the Special Landscape Territorial Plan for the Island of Gran Canaria. The team’s main members are Félix Juan Bordes Caballero, Félix Juan Bordes de Santa Ana and Ricardo Bordes de Santa Ana.

Architect graduated in 1995 from the Barcelona School of Architecture. From 1994 to 1997 he collaborated with Enric Miralles and Benedetta Tagliabue. From 2001, he has worked in partnership with Ricard Turon. He is a director of Architectural Projects at ESARQ-UIC 2006 and an ESARQUIC Projects Lecturer since 1999. From 2005 to 2006, he was guest lecturer at Facoltà di Architettura di Alghero, Sardinia. His work has been awarded with the 2000 and 2004 “Catalonia Young Architects” Award, the <40 CoAC 2003 Exhibition and he was shortlisted for the 2005 FAD Awards. Editor of etc.01 Intervenciones Arquitectónicas en el medio rural, University of Girona-CoAC, Girona, Actar Editorial, 1999.

RICARD TURON VICH Arquitecto por la E.T.S.A. de Barcelona desde 1998, miembro fundador de “10x15 col·lectiu” y desde 2001 colaboración profesional con Josep Cargol. Profesor IV i V taller vertical ESARQ-UIC (20012003). En 2005 fue profesor invitado Seminario Bloom “Arte e jardins efémeros”, Lisboa, y desde 2005 es profesor de proyectos IV en la E.T.S.A. La Salle. Desde 2003 es Vocal de Cultura de la Demarcación de Girona del CoAC. Premio FAD 1998, finalista FAD 1999 y premio FAD de la opinión 2000 en Efímeros. Resultó finalista en la convocatoria FAD 2005 Arquitectura Exterior. Architect graduated in 1998 at the Barcelona School of Architecture, and is a founding member of “10x15 col·lectiu”. Since 2001 he works collaboratively with Josep Cargol. He is a lecturer at ESARQ-UIC (2001-2003). In 2005 he was a guest lecturer at the Bloom “Arte e jardins efémeros” Seminar, Lisbon, and since 2005 is a Projects teacher at ETSA La Salle. Since 2003 he is a member of the board of CoAC Culture, Delegation of Girona. 1998 FAD Award, nominated for the 1999 FAD Award and 2000 FAD Opinion Award. He reached the final of the 2005 FAD Award for Exterior Architecture.

ÁNGEL VERDASCO Ángel Verdasco es arquitecto por la ETSAM desde el año 1995). Su estudio mezcla trabajos de edificios públicos y proyectos de paisaje. Ha sido profesor en la ETSAM y actualmente es Profesor de Proyectos en la Escuela de Arquitectura de Alcalá de Henares. Fue el Director del Taller de Paisaje 2004 de la Universidad de Alcalá. Entre los premios obtenidos destacan el primer puesto en los siguientes certámentes: Centro del Agua, los Regadíos y el Paisaje. Huesca, Centro Paisajistico en el Nacimiento del Río Tajo, Teatro-Auditorio de Guadalajara, Palacio de Congresos de Santa Pola. Asimismo, obtuvieron un segundo puesto en los premios: Palacio de Congresos de Plasencia y Centro de Arte y Museo en Las Palmas de Gran Canaria. Sus trabajos han sido finalistas de los Premios FAD, VII Bienal de Arquitectura Española, y tercer puesto en el Premio Arquitectura Castilla–La Mancha.

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JOSEP CARGOL NOGUER Es Arquitecto por la ETSA de Barcelona desde 1995. Colabora con Enric Miralles Benedetta Tagliabue entre los años 1994 y 1997. Desde 2001 realiza una colaboración profesional con Ricard Turon. Es director de Área de Proyectos Arquitectónicos ESARQ-UIC 2006 y profesor de Proyectos ESARQ-UIC desde 1999. Entre los años 2005 y 2006 ha sido profesor invitado Facoltà di Architettura di Alghero, Sardeña. Su trabajo ha sido galardonado con el Premio “Jóvenes Arquitectos de Cataluña” los años 2000 y 2004, Exposición ‹40 CoAC 2003, y Finalista FAD 2005 Arquitectura Exterior. Es editor de etc.01 Intervenciones Arquitectónicas en el medio rural, Universidad de GironaCoAC, Girona, Actar Editorial, 1999.

Ángel Verdasco graduated as an architect from ETSAM in 1995. His studio develops projects for public buildings and for landscaping. He has been a teacher at ETSAM and currently lectures in Projects at the School of Architecture of Alcalá de Henares. He was Director of the 2004 Landscape Workshop at the University of Alcalá. Distinctions include first positions in the following competitions: Centre for Water, Irrigation and Landscape in Huesca; Centre for Landscape Design at the source of the Tagus river; Auditorium-Theatre in Guadalajara; Conference Hall in Santa Pola. It also won a second prize in the open competition for the Conference Hall in Plasencia and an Art Centre and Museum in Las Palmas de Gran Canaria. His studio reached the final of FAD, Spain’s 7th Architectural Biennial Award, and was awarded third prize in the Castilla–La Mancha Architectural Awards. 81

GADAP-BORDES SL Equipo profesional que se crea para operar tanto en la escala territorial y de paisaje como en el ámbito de la arquitectura y de la ciudad, llegando hasta el control de la escala constructiva y del objeto. Actualmente, aparte de la elaboración de varios proyectos de edificación, se encuentra en la 5ª fase de la redacción del Plan Territorial Especial del Paisaje de la isla de Gran Canaria. Sus principales componentes son: Félix Juan Bordes Caballero, Félix Juan Bordes de Santa Ana y Ricardo Bordes de Santa Ana.


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PILAR GARCÍA ARRANZ Es arquitecto por la ETSAM desde el año 1999. Sus intereses se sitúan principalmente en la arquitectura antropológica y el discurso fenomenológico. Sus métodos de proyectación son la lógica inductiva por reducción al absurdo y el método dialéctico socrático cuando trabaja con Verdasco. Ha colaborado en los despachos de Rafael Moneo, Carlos Puente, Soto-Maroto y Samuel Torres de Carvalho. Durante algún tiempo tuvo vocación docente e impartió clases de Proyectos en la ETSAM y en el Instituto Europeo di Desing. Entre sus experiencias construídas destaca el edificio de 92 viviendas VPO en Valderribas. Disfruta de un cierto reconocimiento a nivel local y excepcionalmente nacional.

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Graduated as an architect from the ETSAM Architecture School in 1999. She is primarily interested in anthropological architecture and phenomenological discourse. Her projecting methods are inductive logic by a reduction to the absurd and the Socratic dialectic method when working with Verdasco. She has collaborated in the studios of Rafael Moneo, Carlos Puente, Soto-Maroto and Samuel Torres de Carvalho. García Arranz has also taught at ETSAM, lecturing on Projects and at the Instituto Europeo di Design. Particularly noteworthy among her built projects is her social housing block with 92 apartments in Valderribas. García Arranz enjoys a solid reputation both locally and nationally.

TERRITORI 24 ARQUITECTURA I URBANISME S.L. Bet Alabern Cortina + Adrià Calvo L’Orange + Alvaro Casanovas Leal + Filena M Di Tommaso + Iván Pérez Barés. Son un colectivo de cinco arquitectos que comparten el mismo interés en la práctica profesional. Desde el año 2000 han combinado las aportaciones individuales para estructurar un proyecto interdisciplinar propio. La confrontación de experiencias individuales les permite tener la necesidad común de abarcar las diferentes escalas del proyecto desde estrategias operativas compartidas. t24 entiende la condición colectiva de la disciplina como una oportunidad para gestionar la complejidad, interesándose en el desarrollo simultáneo de proyectos a diferente escala, así como su implicación en el territorio al que pertenecen. Bet Alabern Cortina + Adrià Calvo L’Orange + Alvaro Casanovas Leal + Filena M Di Tommaso + Iván Pérez Barés. A collaborative team of five architects sharing the same professional approach. Since 2000, they have been combining individual contributions to articulate their own interdisciplinary project. The confrontation of individual experiences gives them an openness to embrace the various scales of the project from shared operational strategies. t24 understands the collective nature of the discipline as an opportunity to manage complexity, concerned with the simultaneous development of projects on different scales, as well as an involvement in the territory they belong to.

PEDRO ROMERA GARCÍA & ÁNGELA RUIZ MARTÍNEZ Arquitectos, profesor de Proyectos Arquitectónicos y profesora de Arquitectura del Paisaje, en la E.T.S. de Arquitectura de la ULPGC. Desde 1999 desarrollan diferentes proyectos obteniendo diversos premios y menciones. Autores de publicaciones y artículos en revistas de proyección nacional e internacional, han dirigido, además, diferentes seminarios sobre arquitectura y paisaje. Architects, and lecturers in Architectural Projects and Landscape Architecture, respectively, at the ULPGC School of Architecture. Since 1999, they have been developing a number of projects which have won awards and honorary mentions. They have written texts for publications and magazines in Spain and abroad, and imparted seminars on architecture and landscape design.

HADI A. TANDAWARDAJA (Alemania) Estudió Arquitectura y Urbanismo en la Universidad de Stuttgart y la Ecole Polytechnique Lausanne en Suiza. Ha fundado haditan después de haber colaborado con Carlos Ferrater y Enric Ruiz Geli en Barcelona. Este estudio de arquitectura está trabajando en todos los campos del diseño, formando “equipos efímeros” con otros arquitectos, diseñadores, científicos y urbanistas. Entre otros lugares, su trabajo estuvo expuesto en el DAM (Deutsches Architektur Museum), Frankfurt y el Instituto Max Plank, Múnich. Hadi A. Tandawardaja studied Architecture and Urbanism at the University of Stuttgart and the Ecole Polytechnique Lausanne in Switzerland. After working with Carlos Ferrater and Enric Riuz Geli in Barcelona he founded haditan. The architectural office is working in all fields of design, forming „ephimere teams“ with other architects, designers, scientists and urbanists. Among others, his work had been exhibited by the DAM (Deutsches Architektur Museum) Frankfurt and the Max Plank Insitute Munich.

HANS IBELINGS (Holanda, 1963) Es un historiador de Arquitectura afincado en Ámsterdam y redacto/editor de la revista bimestral A10 Nueva Arquitectura Europea. Es autor de varios libros incluyendo Supermodernismo: Arquitectura en la Era de la Globalización. Actualmente es profesor invitado en la EPFL, Escuela de Arquitectura en Lausana. (NL, 1963) Is an Amsterdam- based architetural historian and editor/ publisher of the bi-monthly magazine A10 new European architecture. He is the writer of several books, including Supermodernism: Architecture in the Age of Globalisation. He is currently guest professor at the EPFL School of Architecture in Lausanne.


Is an American Landscape Architect living and working in Zurich. She has a Masters in Landscape Architect and Bachelors in Urbanism. She studied in the USA and has had her own office since 1998 in Germany and Switzerland, both building projects and planning at a larger landscape and urban scale. In 2005 she paticipated in the EU Project Paisagem in Tenerife. R. Winogrond has been teaching at the Architecture School in Winterthur since 1998. Her approach to projects at both the large and small scales is based on an interest in phenomelogy – that of the perception and experience of space and atmosphere-.

phalt *the spatialists is a young architectural office in Zürich set up in 2004 by Cornelia Schwaller and Mike Mattiello. They have each worked in various offices in Switzerland and Great Britan and as teaching assistants at the Ecole polytechnique fédérale in Lausanne and the University of applied Science Burgdorf. phalt tries, independent of scale, to look for innovative and specific spatial solutions to each project by integrating social, ecological and economical interests. The products of our approach can vary therefore completely.

JUAN CORREA

(Las Palmas de Gran Canaria, 1969) Juan Correa, Escultor 1969. Comienza los estudios de arquitectura en la E.T.S.A de Las Palmas de Gran Canaria en 1989. Deja los estudios de arquitectura en 5º curso para dedicarse a la escultura en 1997. Su obra se centra en la investigación de los espacios continuos. Ha expuesto en distintas Galerías profesionales e institucionales en ciudades como New York, Barcelona, Las Palmas de Gran Canaria… Ha desarrollado distintas intervenciones urbanas de gran formato.

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PHALT phalt (los espacialistas), es un joven estudio de arquitectura en Zúrich establecido en 2004 por Cornelia Schwaller y Mike Mattiello. Ambos han trabajado en varios estudios en Suiza y Gran Bretaña y también han sido profesores adjuntos en la Escuela Técnica Federal de Lausana y la Universidad de Ciencias Aplicadas de Burgdorf. phalt intenta, independientemente de la escala, buscar soluciones espaciales innovadoras y específicas para cada proyecto integrando intereses sociales, ecológicos y económicos. De esta forma, los productos resultantes de su acercamiento pueden variar completamente.

(Las Palmas de Gran Canaria, 1969) He started studying architecture in 1989 at the ETSA Architecture School in Las Palmas de Gran Canaria, but later abandoned in 5th course to dedicate himself full time to sculpture. His work focuses on an experimentation with continuous spaces. His work has been exhibited in various private and public galleries in New York, Barcelona and Las Palmas de Gran Canaria. He has also created several large format urban interventions.

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ROBIN WINOGROND Es una Arquitecta Paisajista Americana que vive y trabaja en Zúrich. Tiene un Máster en Paisajismo y es Licenciada en Urbanismo. Estudió en EEUU y ha tenido su propio estudio de Arquitectura desde 1998 en Alemania y Suiza, tanto construyendo proyectos como trabajando en planeamiento a mayor escala urbana y de paisaje. En 2005 participó en el Proyecto Paisagem en Tenerife. Robin Winogrond es profesora en la Escuela de Arquitectura de Winterthur desde 1998. Su acercamiento a proyectos, tanto de pequeña como gran escala, están basados en un interés por la fenomenología –aquella relacionada con la percepción y la experiencia del espacio y la atmósfera–.


CUATRO OBSERVATORIOS DE LA ENERGÍA FOUR ENERGY OBSERVATORIES

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CONVENTO DE SAN FRANCISCO, SANTA CRUZ DE LA PALMA IÑAKI ÁBALOS (San Sebastián, 1956) Es Catedrático de Proyectos y Director del Máster en Arquitectura y Medioambiente en la Escuela de Arquitectura de Madrid, donde fue profesor de Construcción durante el periodo 1984-1988. Desde 1984 trabaja asociado con Juan Herreros en Abalos&Herreros. En 2000 publicó el libro La buena Vida, ed. GG. Recientemente ha publicado Campos de batalla, ed. Exit.LMI, y Atlas Pintoresco I, ed. GG (el volumen II está en preparación), ambas obras enfocadas a redefinir las prácticas del paisajismo en relación a la arquitectura. Desde 2004 es Visiting profesor en Princeton University, Nueva Jersey. Ha sido nombrado en 1995 Buell Book Fellow y Visiting Teacher de la Universidad de Columbia, Nueva York, y en 1998 Diploma Unit Master en la Architectural Association de Londres. Asimismo, ha sido Professeur Invité en la EPF de Arquitectura de Lausana en 1999. Es socio y coordinador para España de LMI (Liga Multimedia Internacional), organización que tiene por objeto contribuir a la simplificación e intensificación de las prácticas artísticas.

Director / Director: Iñaki Ábalos Vázquez Coordinador / Coordinatror: Renata Sentkiewicz Arquitectos / Architects: Auxiliadora Gálvez, Miguel Kreisler, Luís Ortega, Renata Sentkiewicz Invitados / Guest: Virgilio Gutiérrez, Fernando Menis, José Antonio Sosa, Marina Romero, Ricardo Devesa Apoyo / Support: Ángel Caro. COAC. Demarcación de La Palma

(San Sebastián, 1956) Is a Professor of Projects at the Madrid School of Architecture, and Director of the Master in Architecture and the Environment of the same institution, where, in 1984-1988 was a lecturer in Construction. From 1984 he has been working in partnership with Juan Herreros in Abalos&Herreros. In 2000, he published the book La buena Vida translated into English as The Good Life and Portuguese as A Boa Vida. He has recently published Campos de batalla (Exit. LMI) and Atlas Pintoresco I (GG) (volume II in preparation), two works focusing on a redefinition of landscaping in relation to architecture. From 2004 has been a Visiting Lecturer at Princeton University, New Jersey, and in 1995 he was appointed Buell Book Fellow and Visiting Lecturer at the Columbia University, New York, and in 1998 Diploma Unit Master at the London Architectural Association, as well as Professeur Invité at EPF of Architecture of Lausanne, 1999. He is a member and coordinator for Spain of LMI (International Multimedia League), an organisation whose mission is to contribute to the simplification and intensification of art practices

Durante los días 24 de Noviembre a 3 de Diciembre de 2006, se celebró en Santa Cruz de La Palma, en el convento de San Francisco, un taller de proyectos dirigido por Iñaki Ábalos, coordinado por Renata Sentkiewicz y con Lluis Ortega, Auxiliadora Gálvez y Miguel Kreisler como equipo de profesores, contando con la participación de 16 alumnos –arquitectos y estudiantes del último curso– de distintos países europeos, así como algunos locales. El objetivo del taller, enmarcado en la I Bienal de Canarias de Arte, Arquitectura y Paisaje, dirigida por Rosina Gómez Baeza, además de producir una exposición abierta al público en el mismo local del convento de San Francisco del 3 al 31 de Enero de 2007, es proponer un proyecto integral, tanto de arquitectura como de paisaje, para el total de la Isla, basado en intervenciones puntuales de poca huella y gran impacto en la redescripción de La Palma para adaptarla, creándole un perfil único y diferenciado, a los cambios estratégicos y económicos inminentes derivados de la futura apertura del nuevo aeropuerto que cuatriplicará (de 1 a 4 millones) el número de visitantes de una Isla con apenas 80.000 habitantes (500 visitantes por residente/año). En línea con las investigaciones desarrolladas por Iñaki Ábalos –por ejemplo en el ensayo Atlas Pintoresco vol 1 y 2– el taller plantea la oportunidad de reconsiderar la tipología del “Observatorio” como una arquitectura que hace de “interface” entre naturaleza y tecnología transformando la percepción en conocimiento. La isla de La Palma, toda ella declarada Reserva de la Biosfera –incluido el cielo y fragmentos del mar–, supone por el carácter pintoresco de su belleza un excelente laboratorio–“una maqueta del mundo”– en el que experimentar la idoneidad de esta concepción tipológica y su capacidad para transformar la realidad. Pero la Isla de La Palma supone también un caso flagrante de la necesidad de aportar desde la arquitectura y el paisajismo, ideas que permitan dotar de un carácter, una identidad propia al conjunto de su territorio, enmarcado en las estrategias contemporáneas para fidelizar un determinado segmento turístico, un turismo alternativo, verde y de nivel cultural y económico, que garantice el conseguimiento de los objetivos de la Reserva de la Biosfera –crecimiento económico y cultural de la población y aumento de la biodiversidad simultáneamente– y anule las estrategias de mercado de los “expertos turísticos” –golf, grandes cadenas hoteleras, gastronomía temática, espectáculos prefabricados, etc –respetando las formas de vida locales. Para generar riqueza, cultura y biodiversidad, el proyecto que se presenta propone 4 observatorios, uno en cada orientación solar, dedicados cada uno a intensificar y transformar en conocimiento la experiencia de cada uno de los elementos aristotélicos que componen la idea de naturaleza: la tierra, el aire, el agua y el fuego, en la hipótesis de partida de que es precisamente La Palma el territorio europeo en el que con mayor intensidad se experimentan estos cuatro elementos y que en cada orientación

During the brief period stretching from 24th November to 3rd December 2006, a workshop was held in Santa Cruz de La Palma, in the San Francisco monastery. It was directed by Iñaki Ábalos, coordinated by Renata Sentkiewicz, and had a team of lecturers comprising Lluis Ortega, Auxiliadora Gálvez and Miguel Kreisler, together with a group of 16 students –qualified architects and final year architecture students– from various European countries as well as the Canaries itself. Besides producing an exhibition in the San Francisco monastery open to the public from 3rd to 31st January 2007, the goal of the workshop, organised within the framework of the 1st Architecture, Art & Landscape Biennial of the Canaries, directed by Rosina Gómez Baeza, is to propose a project integrating architecture and landscape for the whole of the island, based on discreet and discrete interventions yet with sufficient impact to redescribe La Palma and so to adapt it, with a unique and differentiated profile, to the imminent strategic and economic changes deriving from the future opening of the new airport which looks set to quadruple (from 1 to 4 million) the number of visitors to an Island with barely 80,000 inhabitants (500 visitors per resident/year). Following in the line of research already carried out by Iñaki Ábalos –for instance in his essay Atlas Pintoresco vol. 1 & 2– the workshop will address the opportunity of reconsidering the typology of the “Observatory” as an architecture that functions as an “interface” between nature and technology transforming perception into cognition. The island of La Palma (including the surrounding sea and sky) was declared a Biosphere Reserve as a whole, and its picturesque beauty makes it an excellent laboratory –“a model of the world”– in which to explore the suitable of this typological conception and its capacity to transform reality. But the island of La Palma is a flagrant case of the need to contribute, from architecture and landscape, ideas that will be able to imbue a single character and identity to the whole of its territory, framed within contemporary strategies to foster the loyalty of a certain tourist segment, an alternative green tourism with a high cultural and economic level that will guarantee the achievement of the goals of the Biosphere Reserve –economic and cultural growth of the population also an increase in biodiversity– and counterplay the market strategies of “tourism expert” –golf, big hotel chains, theme cuisine, prefabricated shows, etc– and respecting the local ways of life. To generate wealth, culture and biodiversity, the project presented 4 observatories, one in each cardinal point, each one dedicated to intensifying and transforming into cognition the experience of each one of the Aristotelian elements in nature: earth, air, water and fire, staring out from an hypothesis that La Palma is the European territory where one can experience these four elements with the greatest intensity and that in each of the cardinal


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es posible encontrar emplazamientos estratégicos, ligados también a la vida y las poblaciones de los locales. Meses atrás, el proyecto fue tomando forma a partir de distintas visitas realizadas por el grupo de profesores a la Isla de la mano de Ángel Caro, arquitecto y presidente del Colegio de Arquitectos Insular, y de Iñaki Ábalos, quien tanto en la ETSAM como en Princeton School of Architecture, había comenzado a proponer experiencias piloto varios años antes. El planteamiento que se propuso a la I Bienal de Canarias de Arquitectura, Arte y Paisaje –que apoyó el proyecto desde el primer momento sin reservas– no era realizar un taller al uso, sino un proyecto concebido y dirigido por los profesores, con vocación realista y pragmáticamente contextualizado, en interacción con los distintos agentes locales –económicos, políticos, culturales, sociales– y con la vocación de servir de referencia en las estrategias urbanísticas territoriales y en las inversiones públicas insulares. Los profesores del curso no eran agentes pasivos canalizando el entusiasmo de un grupo selecto de alumnos, sino un verdadero equipo de trabajo, que previamente al inicio del taller había visitado reiteradamente los lugares, hablado con los agentes locales y, sobre todo, había comenzado a realizar y dibujar los primeros esbozos de un verdadero proyecto de arquitectura y paisaje, colectivo e individual, colectivo por ser discutido sistemáticamente por equipo para dar coherencia a la suma de proyectos y cubrir los objetivos territoriales, paisajísticos y turísticos propuestos, e individual por que cada profesor asumía plena responsabilidad sobre cada uno de los observatorios haciendo que el trabajo reflejase la personalidad de cada uno de ellos sin desdecir al carácter colectivo. El trabajo realizado en el convento de San Francisco fue el propio de un estudio de arquitectura ubicado en un edificio memorable, uno de los más bellos de la Isla, llevado a cabo con un equipo de profesionales internacional, seleccionado por su currículum, calidad y entrega, permitiendo en un tiempo récord realizar un verdadero proyecto, que es el que aquí se enseña sin retoques posteriores y que haciéndolo, culmina el objetivo del trabajo al darle difusión y permitir tanto un debate local ligado a la oportunidad del mismo, como global, al proponer una forma de enfrentarse a la relación paisaje-arquitecturaturismo metodológicamente renovada y con la confianza de su necesidad por razones productivas sociales, pero también por razones culturales, para expandir los límites de las disciplinas y de la experiencia del mundo.

points it is possible to find strategic emplacements, also associated with the life and populations of the locals. The project started to take shape months ago after various visits by the team of lecturers to the island guided by Ángel Caro, architect and president of the College of Architects, and by Iñaki Ábalos, who had already proposed pilot experiences years ago at ETSAM and at Princeton School of Architecture. The approach proposed for the 1st Architecture, Art & Landscape Biennial of the Canaries –which supported the project wholeheartedly from the very beginning– was not to carry out a standard workshop, rather to organise a project conceived and directed by the lecturers, with a realist and pragmatically contextualized goal, in interaction with the various local –economic, political, cultural, social– agents and with a will to serve as a future reference for zoning and urban planning policies and public investment strategies on the island. The teachers in the course were not passive agents channelling the energy of a select group of students, but a true working team who, prior to the workshop, had made several visits to the locations in question, had spoken with the local agents and, above all, had begun to outline the preliminary sketches and guidelines for a true architecture and landscape project, both collective and individual, collective insofar as it was systematically debated by the team to give coherence to the various projects and to meet the territorial, landscape and tourism goals proposed, and individual insofar as each teacher accepted full responsibility for each one of the observatories, making sure that the work reflected the personality of each one without denying the collective character of the whole. The work produced in the San Francisco monastery was like that of an architect studio in a symbolic building, one of the most beautiful on the island, carried out conjointly by a professional international team chosen for their curriculum, quality and commitment, vouchsafing a true project in record time, which is what is now on exhibit without any later retouching and which achieves the targets of the project by giving it greater diffusion and encouraging local debate on the feasibility and opportuneness, and a more global debate, by proposing a method of addressing a methodologically renewed landscape-architecture-tourism relationship and with the belief in the need for social productive reasons, but also for cultural reasons, to expand the limits of the disciplines and the experience of the world.

Iñaki Ábalos

Iñaki Ábalos


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Observatorio del Fuego

Al norte, el observatorio del Roque de los Muchachos parte de las cualidades únicas del aire de La Palma para la observación astronómica con el fin de hacer comprensible y experimentable la visión del cosmos y el trabajo del conjunto astrofísico así como el marco topográfico y ecológico singular en el que se ubica, mirador sobre la Caldera de Taburiente (parque nacional) y sobre el conjunto de Islas vecinas, y punto estratégico en la red de senderos del norte de la Isla.

To the North, the Air Observatory at El Roque de los Muchachos uses the unique qualities of the air on La Palma for astronomic observation, not only in order to make the view of the cosmos and the work of the astrophysics team understood and to conduct experiments, but also to create a singular topographical and ecological framework from which to observe the Caldera de Taburiente (National Park) and the group of neighbouring Islands, because it is a strategic point on the network of footpaths on the north of the Island.

Al este se proyecta la creación de un Observatorio del Agua, una conformación que ponga en relación meteorología, ingeniería hidráulica y portuaria con la cultura local; cultura en el doble sentido de cultura de la tierra y de práctica artística. En definitiva, una visión holística de la techné asociada al agua de la Isla, así como una experiencia física inmediata de tal techné, situada entre los manantiales y el puerto, como un vínculo o un vector entre ambas situaciones.

To the East, it is planned to establish a Water Observatory, an idea that puts meteorology, hydraulic engineering and port engineering in touch with local culture; culture in two senses of the word, earth culture and artistic practice. All in all, a holistic view of the technologies associated with water on the Island as well as an immediate physical experience of those technologies located between the springs and the port area, serving as a link or as a vector between these two situations.

Al sur, entre el volcán de San Antonio, el faro y salinas de Fuencaliente, y la Fuente Santa recientemente descubierta se prevé la realización de un Observatorio de la Tierra capaz de explicar la formación aún en proceso de la Isla y transmitir el movimiento de placas tectónicas y la constitución geomorfológica del Archipiélago así como introducir en la temporalidad geológica y en los principios de la vulcanología contemporánea.

To the South, it is planned to create the Land Observatory at a point lying between the San Antonio Volcano, the lighthouse and the saltpans of Fuencaliente and the recently discovered Fuente Santa. It is intended that it should be designed to show how the Island was formed – and is still being formed -, as well as to explain how the tectonic plates move, to demonstrate the geomorphologic constitution of the archipelago as well as to give an insight into the temporary nature of the geomorphology and to provide an introduction to the principles of contemporary vulcanology.

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Al oeste se prevé ubicar un Observatorio del Sol, o del fuego, un lugar dedicado al sol de poniente y al paisaje subtropical como paraíso rememorado, tal y como Levi-Strauss definía el poniente en Tristes Trópicos. Ubicado en la zona del Time, con vistas sobre la Caldera de Taburiente, el fértil valle de Aridane, las plataneras de Tazacorte, el mar y la Isla de El Hierro, contendrá entre sus instalaciones una escuela de hostelería, largamente demandada.

To the West, there is a plan to locate a Sun Observatory (or maybe a Fire Observatory) given over to the setting sun and dedicated to the sub-tropical countryside as a paradise to be remembered, just as Levi-Strauss defined the wind here in Tristes Tropicos. Located in the Time zone, with a view of the Caldera de Taburiente, the fertile valley of the Aridane, the banana plantations surrounding Tazacorte, the sea and the Island of Hierro; these installations will also provide a home for the greatly demanded catering school.


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Observatorio Tierra

Observatorio del Aire

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Observatorio del Agua


ENCUENTRO LAS PAL+ÁFRICA ENCOUNTER LAS PAL+AFRICA

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ESCUELA TÉCNICA SUPERIOR DE ARQUITECTURA CAMPUS UNIVERSITARIO DE TAFIRA, LAS PALMAS DE GRAN CANARIA Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Las Palmas Coordinador / Coordinator: Manuel Martín Hernández Angeles Ortíz Hernández

La Escuela Técnica Superior de Arquitectura como institución académica posibilita y capacita el acceso al conocimiento experto, cultural, técnico y científico en la rama de la Arquitectura y la Ordenación del Territorio. Este rol institucional de centro emisor de cultura relacionado con el mundo de la Arquitectura y el Territorio unido a nuestra posición geográfica se podría utilizar como plataforma de difusión y formación dirigida a la cooperación con algunos países africanos vecinos a partir de la posible labor de la ETSA como centro de emisión de conocimiento y aprendizaje, como prestadora de servicios y asistencia técnica, como agente de colaboración en programas de investigación y conocimiento experto y de propuestas de desarrollo de actividades formativas en un contexto universitario. Uno de los objetivos de este encuentro es el de fomentar la participación entre expertos africanos y locales en la definición de problemas y posible puesta a punto de herramientas metodológicas de colaboración y cooperación al desarrollo capaz de abrir una nueva vía de relación entre la ETSA y los países vecinos de África. Con este fin se propone un encuentro en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura dirigido a la formulación de problemáticas y soluciones sobre: Habitabilidad básica en África, Desarrollo y género. Objetivos de desarrollo del milenio y Desarrollo sostenible y medio ambiente.

As an academic institution, ETSA enables and facilitates access to expert, cultural, technical and scientific cognition in the field of Architecture and Zoning. This institutional role of the school as a transmitter of culture related with the world of Architecture and Zoning coupled with our geographical position can be used as a platform for diffusion and education targeting cooperation with some neighbouring African countries, using ETSA’s ongoing mission as a centre for channelling knowledge and learning, as a supplier of services and technical assistance, as an agent for collaboration in research programmes and expertise and development projects for educational activities in a university context. One of the goals of this encounter is to encourage the participation of African and local experts in the definition of problems and the possible implementation of methodological tools of collaboration and cooperation for development able to open up a new relationship between ETSA and neighbouring African countries. With this purpose in mind, we are proposing an encounter at ETSA aimed at the formulation of problematics and solutions on: Basic Inhabitability in Africa, Development and Gender. Millennium Goals and Sustainable Development and the Environment.


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ISLAS MÓVILES MOBILE ISLANDS 1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

SEDE DE LA PRESIDENCIA DEL GOBIERNO DE CANARIAS, SANTA CRUZ DE TENERIFE ARSENIO PÉREZ AMARAL

(Santa Cruz de Tenerife, 1958) Estudio Arquitectura en la ETSA de Las Palmas de Gran Canaria entre los años 1975 y 1978 y en la ETSA de Madrid desde 1978 a 1982. En 1983 realizó el curso de Postgrado en la Universidad de Cornell, Ithaca, Nueva York. En 1984 forma equipo con Antonio Corona Bosch y Eustaquio Martínez García, creando la sociedad “N Tres Arquitectos, S.L.” que en julio de 2002 se convirtió en “Corona y P. Amaral Arquitectos, S.L.”, continuando su actividad profesional en sociedad con Antonio Corona Bosch. Durante su trayectoria han realizado más de cien proyectos y direcciones de obra, y obtenido menciones honoríficas en las ediciones 3ª, 5ª, 6ª, 7ª, 8ª y 10ª del premio Manuel Oraá de Arquitectura del Colegio Oficial de Arquitectos de Canarias. Asimismo, obtuvieron el Primer Premio en la 5ª Edición con el Edificio para la Estación Marítima del Jet-Foil, obra que fue seleccionada para la II Bienal de Arquitectura Española 1990-1991. Han realizado el edificio Terminal del aeropuerto de Tenerife Norte. En la actualidad llevan a cabo la ampliación del hotel Mencey, así como varios proyectos de viviendas colectivas

Organización / Organization: COAC Demarcación de Tenerife, La Gomera y El Hierro Director / Director:

Arsenio Pérez Amaral

Organizador / Organizator:

Fermín Garcia Morales

Coordinación / Coordination:

Elena Real Hardisson

Maquetación Gráfica / Graphical Maquetación:

Tanya Rada Kos

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Participantes / Participants:

Jaime Lerner, Lisa Diedrich Sebastien Marot, José Fariña, Salvador Rueda, Manuel Herce, Javier Echevarria, Bernardo Secchi, Dominique Perrault, Manuel Delgado, Bernardo Secchi, Alfonso Vergara, Carmen Vázquez, Stephan Bakan

(Santa Cruz de Tenerife, 1958) Studied Architecture between 1975 and 1978 at ETSA in Las Palmas de Gran Canaria, and from 1978 to 1982 at ETSA in Madrid. In 1983, he completed postgraduate studies at Cornell University, New York. In 1984 he founded a studio with Antonio Corona Bosch and Eustaquio Martínez García, creating the partnership N Tres Arquitectos, which in July 2002 was transformed into Corona y P. Amaral Arquitectos, although continuing his partnership with Antonio Corona Bosch. They have designed and supervised over one hundred projects, winning Honorary Mentions at the 3rd, 5th, 6th, 7th, 8th and 10th of the Manuel Oraá Canaries Architecture Awards, as well as First Prize at the 5th Edition for their Jet-Foil Station, also selected for the 2nd Spanish Architecture Biennial in 1990-91. They also designed the terminal for the Tenerife North Airport. They are currently working on an extension of the Mencey Hotel as well as several projects for collective housing

El espacio que conforma el archipiélago canario se percibe a partir de la diversidad de diferentes hechos insulares, de carácter fragmentado y discontinuo, y con múltiples vivencias de carácter disperso, aunque identificadas en la unidad de la experiencia atlántica, y como nexo de unión entre tres continentes. En este escenario la certidumbre de contar con un buen sistema entrelazado de comunicaciones requiere no tener déficit alguno en la accesibilidad y conectividad de todos los fragmentos. Esto permitirá alcanzar una funcionalidad que evite la duplicidad de servicios y equipamientos básicos. Así, ha de entenderse el atractivo de la oferta turística de las Islas, el valor de su patrimonio histórico y todas las necesidades socioeconómicas que se plantean hoy en día. Desde un principio de proximidad, por un lado, y de racionalidad en los desplazamientos, por otro. Porque una concepción del transporte desde estos parámetros implica cambios en el diseño y forma de asentamientos humanos más sostenibles y en los usos del suelo, que conlleven a una mayor mezcla de los mismos y a una reducción de las necesidades de desplazamiento, propiciando que las actividades cotidianas de las personas puedan desempeñarse lo más próximo a su lugar de residencia. Los niveles de movimientos en los territorios insulares contienen toda la gama de combinaciones posibles de trasladarnos que existen a escala global. Tierra, mar y aire. Tres elementos que nos definen e identifican y que, además, nos comunican con el resto del mundo. Tenemos, pues, que basarnos en el concepto de intermodalidad, que además de una cualidad es una necesidad. Es una característica intrínseca a nuestra geografía, a nuestra condición insular, la cual nos induce a pensar en la posibilidad de configurar modelos en los que la definición de territorio metropolitano interinsular tendría pleno sentido. No obstante, también debe advertirse, desde una visión medioambiental, que cada día más las actividades de transporte contribuyen de forma significativa al cambio climático que estamos experimentando en el planeta. La dependencia que en la actualidad tenemos del consumo de combustibles sólidos en el transporte es el principal eje del problema. No sólo porque se debe al consumo de un recurso no renovable, sino a las crecientes emisiones derivadas de la combustión de hidrocarburos que influyen de forma directa en el efecto invernadero. A otra escala debemos abordar nuestra situación geoestratégica en el mundo. Si desplegáramos un plano mapamundi, en donde en el margen derecho tenemos la costa pacífica del continente americano y en el izquierdo la del continente asiático, resultaría una posición central al señalar las Islas, casi equidistante con los extremos de la lámina desplegada. Este punto de encuentro configura el Archipiélago como un cruce de caminos mundial.

The space of the Canary Islands is perceived as a diversity of varying islands, as something fragmented and discontinuous, with multiple and disperse experiences, though identified in the unity of the shared Atlantic expression and as a nexus between three continents. Against this backdrop, the uncertainty of assuring an effective interconnected communications system means that none of the individual fragments can have any deficits in either accessibility or connectivity, thus opening the way for a brand of functional sustainability that avoids duplicating basic services and equipment. And so, under this premise one must try to understand the attraction of the tourism offer of the islands, the value of their historic heritage and all their socioeconomic needs today. From a principle of proximity, on one hand, and the rationality of displacements, on the other. Because a conception of transport from these parameters means a change in the design and form of more sustainable human settlements and the use of land, that brings with it a greater mix and a reduction of the need for displacements, fostering a situation whereby everyday activities can be carried out as close as possible to people’s place of residence. The level of movement in these territories embraces the whole range of possible combinations that exist globally: Earth, sea and air. Three elements that define us, identify us and, besides, help us to communicate with the rest of the world. As such, we have to instigate a discourse starting from a groundbase of intermodality, seen as a quality as much as a necessity. It is an intrinsic feature of our geography and our island character, and could lead one to consider the possibility of configuring models in which the definition of inter-island metropolitan territory would take on its proper meaning. Nonetheless, we must also raise the alarm, from an environmental perspective, on how transport activities are making a significant contribution to the climate change we are witnessing in the planet. Out current dependence on the use of solid fuels for transport is the main source of the problem. And not just because we are dealing with the use of a non-renewable resource, but because of the increasing emissions deriving from the combustion of hydrocarbons which is having such a direct influence on the greenhouse effect. On another level, we ought to address our geostrategic situation in the world. If we were to spread out a map of the world, with the Pacific coast of the American continent on the right and Asia on the left, the Canary Islands would be perceived in a central position, almost equidistant from either edge of the map. This point of encounter reinforces the archipelago as a crossroads of the world.


In this regard, it should not be viewed solely as a destination, because historically speaking it has always been a key node for the transfer of persons and goods between the continents of Europe, Africa and America, though with significant differences in the direction of the flows, in function of various historic factors. Now, at the opening of the 21st century, immigration ought to be viewed as a structural and not interim social phenomenon. Existing social, economic and political inequalities between the so-called rich countries of the north and the impoverished countries of the south ensures that the current immigration as witnessed in the United States of America and European countries will continue on the rise. Considering all those who aspire to migrate as economic immigrants must illicit an integral response in the mid to long term from public administrations and organizations in order to be able to channel this phenomenon socio-economic. Existing demographic research has shown that with the aging of the European population, the low birth rate and the scarcity of workforce in certain service industries, immigration is necessary to maintain the economies of rich northern countries. Europe, and the Canaries as one of its gateways, suffers a double process of border generalization, from inside and from outside. As Zygmunt Bauman explained in Trust and Fear in the City, it has been above all in Europe, and in its epigones, ramifications and sediments, where the tendency toward fear and the obsession for security has taken gigantic leaps in recent years. Nowadays, in this liquid modernity in which we live, we forget the horizons of citizenship, which is recognised in individual duty, tolerance and respect for others as the principal basics of civilized coexistence. A sensible reflection on new models of mobility in, between and from island territories will have to take these phenomena into account, analysing then from a holistic perspective that integrates them. And it is this reflection that should be the goal for this seminar.

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En este sentido no solo aparece como lugar de destino, sino que históricamente se ha configurado como un nodo fundamental de transferencia de personas y mercancías entre el continente europeo, el africano y el americano, con importantes diferencias en el sentido de flujos en función de diversos factores históricos. La inmigración ha de considerarse, ya en este siglo XXI, como un fenómeno social estructural y no coyuntural. Las desigualdades sociales, económicas y políticas existentes entre los llamados países ricos del norte y los países del sur empobrecidos contribuyen a que la actual inmigración que conocen los Estados Unidos de América y los países europeos continúe aumentando. Considerando a los actuales aspirantes a la migraciones como inmigrantes económicos se deberá generar una respuesta íntegra a medio y largo plazo por parte todas las administraciones y organizaciones actuantes para poder encauzar este fenómeno socio-económico. Los actuales estudios demográficos han demostrado que con el envejecimiento de la población europea, la baja natalidad y la falta de mano de obra en ciertos sectores de servicios, que la inmigración es necesaria para el mantenimiento de las actuales economías de los países del norte. Europa, y Canarias como una de sus puertas, sufren un doble proceso de generalización fronteriza, intramuros y extramuros. Explica Zygmunt Bauman en Confianza y temor en la ciudad que “ha sido sobre todo en Europa, y en sus epígonos, ramificaciones y sedimentos, donde en los últimos años la propensión al miedo y la obsesión por la seguridad ha ido ganando terreno a pasos agigantados”. Hoy en día, en esta modernidad líquida en que vivimos, olvidamos los horizontes de la ciudadanía, que se reconoce en el deber individual, la tolerancia y el respeto hacia los otros como principales fundamentos de una convivencia civilizada. Una reflexión sensata sobre los nuevos modelos de movilidad en, entre y desde los territorios insulares habrá de tener en cuenta todos estos fenómenos, estudiados desde un perspectiva holística que los integre. Esta reflexión debe ser la meta que persiga la celebración de este seminario.

COAC Demarcación de Tenerife, La Palma, La Gomera y El Hierro

PALABRAS CLAVE: Territorio fragmentado y discontinuo; Intermodalidad; Territorio metropolitano interinsular; Cambio climático; Posición geoestratégica; Punto de encuentro; Transferencia de información, mercancías, personas y capitales; Inmigración; Fronteras; Modernidad líquida; Convivencia.

KEY WORDS: Fragmented and discontinuous territory; intermodality; inter-island metropolitan territory; climate change; geostrategic position; point of encounter; transfer of information, goods, persons and capital; immigration; frontiers; liquid modernism; co-existence.

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COAC Demarcación de Tenerife, La Palma, La Gomera y El Hierro


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MANUEL HERCE VALLEJO

Es director del Departamento de Transportes y Territorio de la Universidad Politécnica de Catalunya (UPC). Director of the Transport and Land Department, UPC (Polytechnic University of Catalonia). JOSÉ FARIÑA TOJO

Doctor Arquitecto, Licenciado en Derecho. Catedrático de Universidad, Departamento de Urbanismo y Ordenación del Territorio de la Universidad Politécnica de Madrid.

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PhD in Architecture and degree in Law. Professor at the City Planning and Land Zoning Department, Polytechnic University of Madrid.

JAIME LERNER

(Brasil, 1937) Arquitecto, urbanista y político, Jaime Lerner destaca por su labor urbanística en su ciudad natal, Curitiba, de la cual fue alcalde en tres ocasiones, y gobernador del estado de Paraná durante dos legislaturas. Entre otras cosas, la implementación de las ideas de Lerner, llevaron a Curitiba a ser considerada en 2002 como una de las cinco ciudades más modernas del mundo. Graduado en 1964 por la Escuela de Arquitectura de la Universidad Federal de Paraná contribuyó, en 1965, a la creación del Instituto de Investigación y Planeación Urbana de Curitiba (IPPUC - Instituto de pesquisa e planejamento urbano de Curitiba), del cual fue presidente durante los años 1968 y 1969; participando en el desarrollo del plan maestro para la ciudad. Entre otros destacados premios internacionales, en 1990 la ONU le otorgó el Premio Máximo de Medio Ambiente. Entre los años 2002 y 2005 fue elegido presidente de la Unión Internacional de Arquitectos. Architect, city planner and politician, Jaime Lerner is wellknown for his city planning work in his native Curitiba, a city of which he was the mayor on three occasions. He also served two terms as governor of the State of Parana. The implementation of Lerner’s ideas won Curitiba the consideration in 2002 as one of the world’s most modern cities. He graduated in 1964 from the School of Architecture at the Federal University of Parana, and in 1965 he contributed to the creation of the IPPUC (Institute for Urban Research and Planning of Curitiba) of which he was president in 1968 and 1969, taking part in the master design plan for the city. He has won several international distinctions, including the 1990 UN award for the environment. From 2002 to 2005 he served as elected president of the International Union of Architects.

SÉBASTIEN MAROT

(Francia, 1961) Es crítico de arquitectura y paisajismo, y fundador y director de la revista Le visiteur: ville, territoire, paysage, architecture. Autor de numerosas publicaciones sobre arquitectura del paisaje contemporánea, ha sido profesor de esta materia en diversas escuelas europeas y norteamericanas (París, Génova, Londres, Harvard, Cornell, University of Pennsylvania y Université de Montreal). Investigador en el Centre Canadien d’Architecture de Montreal, actualmente trabaja en la continuación del libro The landscapes of time: Suburbanism and the art of hope. (France, 1961) He is an architecture and landscape critic, and editor of the Le visiteur: ville, territoire, paysage, architecture magazine. He has written widely on contemporary landscape architecture, and has lectured on this subject in several European and NorthAmerican institutions (Paris, Genoa, London, Harvard, Cornell, University of Pennsylvania and University of Montreal). A Researcher at the Centre Canadien d’Architecture of Montreal, he is currently preparing a sequel to the book The Landscapes of Time: Suburbanism and the Art of Hope.

DOMINIQUE PERRAULT

(Francia, 1953) En 1978 obtiene su diploma en Arquitectura en la Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de París. En 1979 se diploma en Urbanismo en la Ecole Supérieure des Ponts et Chaussée, París. Es postgraduado en Historia por la Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales, París, en 1980. En 1981 abre oficina en París. Asimismo, en 1992 inaugura estudio en Berlín; en 2000 en Luxemburgo y en 2001 en Barcelona. Ha sido profesor en la Escuela de Arquitectura de Rennes, Francia; Escuela de Arquitectura de Nueva Orleans, EE UU, Urbana-Champaign, Chicago; EE UU, Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona, España, y el Institut Victor Horta, Bruselas, Bélgica. Sus proyectos han sido galardonados con los más prestigiosos premios internacionales. (France, 1953) Graduated in Architecture from the Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts, Paris in 1978, and in City Planning at the Ecole Supérieure des Ponts et Chaussée, Paris, in 1979. He took postgraduate courses in History at the Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales, Paris, in 1980. In 1981 he opened his office in Paris, in 1992 in Berlin, in 2000 in Luxembourg and in 2001 in Barcelona. He has been a teacher of the Schools of Architecture of Rennes, France; New Orleans, USA; Urbana-Champaign, Chicago, USA; Barcelona, Spain, and the Institut Victor Horta, Brussels, Belgium. His projects have been widely distinguished with prestigious international awards.

SALVADOR RUEDA PALENZUELA

LISA DIEDRICH

(Spain, 1953) Graduated with a degree in Biology and Psychology, and a diploma in Environmental Energy and Energetic Engineering. He has worked as Head of Technical Services at the City Councils of Sant Adrià de Besòs and Barcelona, and also as coordinator of the programme for the renewal and revitalising of Barcelona’s Ciutat Vella district. He worked in the drafting of the Plan for the Reorganisation of Catalonia and the Plan for Special Waste and Urban Waste of Catalonia, as well as for the Waste Management Program for the Barcelona Metropolitan Area. He is a member of the UE Urban Environment Experts Group, and of the Editorial Board of the Medi Ambient, Tecnologia i Cultura magazine. He is the author of many scientific and technical essays on the urban environment for many specialised publications.

She graduated as an architect from the School of Architecture Paris-Belleville, France. She majored in landscape architecture at the University of Stuttgart, Germany, and at the School of Art and Architecture of Marseille-Luminy, France. From 1993 to 2000, Diedrich was a member of the editorial board of TOPOS European Landscape Magazine. Currently, Lisa Diedrich works as a researcher and a teacher at the University and Research Centre of Wageningen, Netherlands. She is also an assistant to the Head Architect of Munich. She writes reviews on architecture and landscape for several publications, and provides landscape consultancy services for European municipal institutions and administrations. She has lectured widely in specialised symposia on architecture and landscape design. Since 2003 she is chief-editor of the Landscape Architecture Europe books collection.

(España, 1953) Licenciado en Ciencias Biológicas y en Psicología, diplomado en Ingeniería ambiental y en Ingeniería energética, ha sido, además, jefe de los Servicios Técnicos del Ayuntamiento de Sant Adrià de Besòs y del Ayuntamiento de Barcelona, así como coordinador de los programa de renovación y revitalización de la Ciutat Vella de Barcelona. Ha redactado el Plan de Saneamiento de Cataluña y los Planes de Residuos Especiales y de Residuos Urbanos de Cataluña, así como el Programa de Gestión de residuos del Àrea Metropolitana de Barcelona. Es miembro del Grupo de Expertos de Medio Ambiente Urbano de la U.E, y del Consejo de Redacción de la revista Medi Ambient, Tecnologia i Cultura. Asimismo, es autor de diversos artículos científico-técnicos y de divulgación sobre medio ambiente urbano, y de numerosas publicaciones especializadas.

Es arquitecta por la Escuela Nacional Superior de Arquitectura de Paris-Belleville, Francia. Se especializó en arquitectura del paisaje en la Universidad de Stuttgart, Alemania, y en la Escuela de Arte y Arquitectura de Marsella-Luminy, Francia. Entre los años 1993 a 2000, fue miembro de la redacción de la revista TOPOS European Landscape Magazine. Actualmente, Lisa Diedrich es investigadora y docente en la Universidad y Centro de Investigación de Wageningen, Países Bajos. Asimismo, es asistente del arquitecto-jefe de Munich; crítica de arquitectura y paisaje para varias publicaciones y asesora en materia de paisaje para instituciones y administraciones municipales europeas. Ha ofrecido conferencias en congresos especializados sobre paisajismo y arquitectura, y desde 2003, es redactora-jefe de la colección de libros Landscape Architecture Europe.


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FEDERICO GARCIA BARBA

(Santa Cruz de Tenerife, 1953) Es arquitecto, especialista en urbanismo, por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona desde 1977. Ha sido director de la revista Basa, vocal de Cultura del COAC entre 1982 y 1985, y profesor del Departamento de Arte, Ciudad y Territorio de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Las Palmas de Gran Canaria desde 1993 a 1995. Ha Participado en el Comité Organizador de la V Bienal de Arquitectura Española, siendo responsable directo de la organización del curso sobre Diseño del Paisaje. Es autor de diversas publicaciones sobre arquitectura y territorio entre las que destaca la separata sobre el Archipiélago canario de la Guía de Arquitectura Española 1920-2000 editada por Tanais. Asimismo, su trabajo ha aparecido publicado en diversas publicaciones nacionales y extranjeras de arquitectura. Entre los trabajos de planeamiento destacaría su participación en los equipos redactores de los Planes Generales de Ordenación de Santa Cruz de Tenerife y La Laguna, en el de los Planes Insulares de Tenerife y Fuerteventura, así como la redacción y aprobación de otros Planes Generales de Ordenación en la isla de Tenerife En 1995 funda GBGV Arquitectos, equipo que ha realizado numerosos trabajos hasta su disolución en 2005. En 2006 funda Consultores de Planeamiento, Paisaje y Arquitectura, empresa dedicada fundamentalmente a trabajos de diseño del paisaje y planeamiento. Actualmente, es Presidente de la Agrupación de Arquitectos Urbanistas de la Demarcación de Tenerife, La Gomera y el Hierro del Colegio de Arquitectos de Canarias

(Santa Cruz de Tenerife, 1953) Architect graduated from the ETSA architecture school in Barcelona in 1977 with a major in urban planning. A former editor of the Basa magazine, board member of COAC Cultural committee between 1982 and 1985, and professor at the Art, City and Territory Department at the ETSA in Las Palmas de Gran Canaria from 1993 to 1995. A member of the Organising Committee of the 5th Spanish Architecture Biennial, directly responsible for the organization of the Landscape Design Course. He is the author of various publications on architecture and land zoning with a special mention for the section on the Canaries in the Spanish Architecture Guide 1920-2000 published by Tanais. His work has been featured in architecture magazines both here in Spain and internationally. Among his most noteworthy planning projects are his participation in the committee for the General Urban Planning Plans for Santa Cruz de Tenerife and La Laguna, the Island Plans for Tenerife and Fuerteventura, as well as drafting and approving other such plans on the island of Tenerife. In 1995 he founded GBGV Arquitectos, a studio which designed several projects until it was wound up in 2005. In 2006 he founded Consultores de Planeamiento, Paisaje y Arquitectura, a consultancy specialising in landscape design and urban planning. At the current moment, he is President of the Association of Urban Planning Architects for the Tenerife, La Gomera and El Hierro delegation of the College of Architects of the Canaries.

BERNARDO SECCHI

Es profesor de Urbanística en el Istituto Universitario de Architettura de Venecia con una amplia y fructífera carrera como urbanista y como docente. Como urbanista ha redactado innumerables planes de ordenación de distintas escalas, territorial, municipal y de detalle, entre los que cabe destacar los de Siena, La Spezia, Bérgamo, Prato, Brescia, Pesaro, Narni, o Kortrijk. En su obra ocupa un lugar destacado su influencia como analista y teórico presente en las más destacadas tribunas, desde su función de miembro de la redacción del Archivio de studi urbani e regionali, a su colaboración en Casabella y su dirección de Urbanística. Ha publicado obras como Análisis de las Estructuras Territoriales (1965), Un progetto per l´urbanistica (1998), Tre piani (1994) y su participación en tantas otras obras compartidas. Professor in City Planning at the Istituto Universitario de Architettura in Venice with a broad-ranging and fruitful experience as a teacher and city planner. He has drawn up several zoning and planning projects on various scales, ranging from territorial, municipal and local, with a special mention for those in Sienna, La Spezia, Bergamo, Prato, Brescia, Pesaro, Narni, and Kortrijk. His work is driven by his concerns as an analyst and theorist, exercising a key influence on many significant juries and committees, for instance on the team drafting the Archivio de studi urbani e regionali, his collaboration in Casabella and his directorship of Urbanística. He has published works such as Análisis de las Estructuras Territoriales (1965), Un progetto per l´urbanistica (1998), Tre piani (1994) and taken part in many joint projects.

MANUEL DELGADO

Es licenciado en Historia del Arte por la Universitat de Barcelona, y doctor en Antropología por la misma universidad. Realizó sus estudios de tercer ciclo en la Section de Sciences Religieuses de l’École Pratique des Hautes Études, Sorbona de París. Desde 1986 es profesor titular de Etnología religiosa en el Departamento de Antropología Social de la Universitat de Barcelona, coordinador del doctorado Antropología del Espacio y del Territorio, miembro del GRECS (Grup de Recerca en Exclusió i Control Socials) de la Universitat de Barcelona y del Grupo de Trabajo Etnografía de los Espacios Públicos del Institut Català d’Antropologia. Ha dictado conferencias y seminarios en distintas universidades, y ha sido comisario de la exposición La ciudad de la diferencia, en Barcelona, Madrid, Marsella, A Coruña y San Sebastián. Es director de la colección “Biblioteca del Ciudadano”, de la Editorial Bellaterra, y miembro del Consejo de dirección de la publicación Quaderns de l’ICA. Actualmente forma parte de la junta directiva del Institut Català d’Antropologia. También es miembro de la Comisión de Estudio sobre la Inmigración del Parlament de Catalunya. Además de numerosos artículos en revistas nacionales y extranjeras, es editor de las compilaciones Antropologia social (1994), Ciutat i immigració (1997) e Inmigración y cultura (2003).

A graduate in the History of Art and a doctor in Anthropology from the University of Barcelona. Since 1986 he is Professor of Religious Ethnology at the Department of Social Anthropology at the University of Barcelona, and coordinator of the doctorate course on Anthropology of Space and Territory. He has given papers in conferences and seminars in various universities, and has curated the exhibition La ciudad de la diferencia, in Barcelona, Madrid, Marsella, A Coruña and San Sebastián. He is director of the “Biblioteca del Ciudadano” collection for Bellaterra publishers, and is a member of the editorial board for Quaderns de l’ICA. Delgado is also a member of the Study Commission on Immigration for the Parliament of Catalonia. Besides numerous articles in magazines both here in Spain and abroad, he is editor of the compilations Antropologia social (1994), Ciutat i immigració (1997) and Inmigración y cultura (2003).

ALFONSO VERGARA GÓMEZ

(Alicante, 1955) Es Doctor Arquitecto, economista y sociólogo. Asimismo, es presidente de la Fundación Metrópoli, ha sido profesor de Urbanismo en la Escuela de Arquitectura de Madrid, en la Universidad de Navarra y en la Universidad de Pensilvania, donde nació el Proyecto CITIES (análisis de las contribuciones al urbanismo de 20 ciudades emblemáticas de nuestro planeta). Sus proyectos sobre ciudades y territorios los ha desarrollado en su empresa, ‘Taller de Ideas’, y han sido difundidos a través de la publicación de más de 25 libros y conferencias pronunciadas en diversas ciudades del mundo. Sus proyectos han recibido premios de las Naciones Unidas, la Unión Europea, el Consejo Europeo de Urbanistas, Colegio de Arquitectos, Asociaciones Empresariales, Ayuntamientos y Gobierno nacionales. (Alicante, 1955) A Doctor in Architecture, an economist and sociologist, he is also the president of Fundación Metrópoli, and has lectured in Urban Planning at ETSA Architecture School in Madrid, at the University of Navarra and at the University of Pennsylvania, the birthplace of the CITIES Project (analysing the input of city planning in 20 emblematic cities on our planet). At his studio Taller de Ideas he undertakes city planning and zoning projects which have been published in over 25 books and in papers given at conferences in cities around the world. His projects have been awarded with prizes by the United Nations, the European Union, the European Council of Town Planners, the College of Architects, business associations, town councils and national governments.


(Pamplona) A graduate in Philosophy (1970) and in Mathematics (1970) and a Doctor in Philosophy (1975) from the Universidad Complutense in Madrid. In 1980 he was awarded the title of Docteur d’Etat-ès Lettres et Sciences Humaines from the Université Paris I (PanthéonSorbonne). He was adjunct professor at the Polytechnic University of Madrid (Architecture and Telecommunications, 1972-74) and then at various Investigation Centres in Paris, Brussels, Hanover and UrbanaChampaign. Between 1979 and 1986 he taught at the Universidad del País Vasco, and from 1986 to 1996 he was Professor of Logic and Philosophy of Science at the same university. Since 1996 he is a lecturer in Research into Science, Technology and Society at the Philosophy Institute at CSIC (Council for Scientific Research, Madrid). He has held posts in various international associations and institutions. Noteworthy among his many publications is Los Señores del Aire: Telépolis y el Tercer Entorno (Barcelona, Destino, 1999), for which he received the National Essay Award in 2000.

CARMEN VÁZQUEZ VARELA

(Madrid, 1964) Doctora en Filosofía y Letras en la especialidad de Geografía, por la Universidad Autónoma de Madrid (1996), con la calificación de Apto Cum Laude y Mención de los XI Premios de Urbanismo, Arquitectura y Obra Pública 1996, en el apartado “Jóvenes profesionales”, por la tesis doctoral: Espacio urbano y segregación social. Procesos y políticas en el casco histórico de Madrid, Gerencia Municipal de Urbanismo, Ayuntamiento de Madrid. Es profesora Titular de Análisis Geográfico Regional del Departamento de Geografía y Ordenación del Territorio de la Universidad de Castilla-La Mancha, de la que también es directora académica del Servicio de Publicaciones y Cultura. Sus principales líneas de investigación las ha realizado sobre: Geografía social urbana: segregación socio-espacial, Procesos y transformaciones en áreas metropolitanas y franjas periurbanas, turismo de interior y desarrollo local, así como sobre Nuevas tecnologías de la información y la comunicación y desarrollos urbanos.

(Madrid, 1964) Doctor in Philosophy and Arts with a major in Geography from the Universidad Autónoma in Madrid (1996), where she received a Cum Laude and a special mention at the XI Town Planning, Architecture and Public Works Awards in 1996 in the New Professionals category, for her doctoral thesis on The urban space and social segregation. Processes and politics in the old quarters of Madrid, City Planning Dept., City Council of Madrid. She is a lecturer in Regional Geographical Analysis at the Department of Geography and Zoning at the University of Castilla-La Mancha, where she is also the academic director of its Publications and Culture Service. Her main lines of research are: urban social geography: socio-spatial segregation; processes and transformations of metropolitan areas and city outskirts; rural tourism and local development; and new information and communication technologies and urban development.

STEPHAN BACKAN

(Alemania) Científico meteorólogo, miembro de la empresa Earth System, cuya principal labor es el control remoto monotorizado de la atmósfera y la superficie oceánica vía satélite. Los objetivos de la institución son emprender un análisis de la composición y dinámicas de la Tierra enfocados, en los procesos de interacción física, química y biológica , y más específicamente para el desarrollo y uso apropiados de las herramientas con el fin de investigar la complejidad del planeta, explicando cómo el sistema se ve afectado por los avances en la industria, la urbanización y otras acciones producidas por los humanos.

1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

(Pamplona) Es Licenciado en Filosofía (1970) y en Matemáticas (1970) y Doctor en Filosofía (1975) por la Universidad Complutense de Madrid. En 1980 obtuvo el título de Docteur d’Etat-ès Lettres et Sciences Humaines en la Université Paris I (Panthéon-Sorbonne). Fue profesor ayudante de la Universidad Politécnica de Madrid (Arquitectura y Telecomunicaciones, 1972-74) y posteriormente realizó estancias en Centros de Investigación de París, Bruselas, Hannover y UrbanaChampaign. Entre los años 1979 a 1986 fue profesor en la Universidad del País Vasco, y desde 1986 a 1996 fue Catedrático de Lógica y Filosofía de la Ciencia en dicha Universidad. Desde 1996 es profesor de Investigación de “Ciencia, Tecnología y Sociedad” en el Instituto de Filosofía del Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC, Madrid). Ha mantenido cargos de relevancia en diferentes sociedades e instituciones internacionales. Entre sus numerosas publicaciones se cuenta Los Señores del Aire: Telépolis y el Tercer Entorno (Barcelona, Destino, 1999), con la que obtuvo el Premio Nacional de Ensayo en 2000.

(Germany.) Atmospheric physics of the Max-Planck-Institut f. Meteorologie, Hamburg, Germany. Passive remote sensing of the atmosphere and the ocean surface with satellite and surface based instruments The objectives of the institute are to undertake an analysis of the Earth´s composition and dynamics, focusing on the interactive physical, chemical and biological processes that define Earth System dynamics, and more specifically to develop and use the appropriate tools to investigate the complexity of the Earth system, explain its natural variability, assess how the system is affected by changes in land-use, industrial development, urbanization, and other human-induced perturbations.

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JAVIER ECHEVERRIA


FESTIVAL DEL PAISAJE. 38 AÑOS, 10 MESES, 14 DÍAS… LANDSCAPE FESTIVAL. 38 YEARS, 10 MONTHS, 14 DAYS

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ESCUELA TÉCNICA SUPERIOR DE ARQUITECTURA (U.L.P.G.C). CAMPUS UNIVERSITARIO DE TAFIRA, LAS PALMAS DE GRAN CANARIA FLORA PESCADOR MONAGAS

(Las Palmas de Gran Canaria, 1953) Doctora Arquitecta. Profesora Titular de Urbanística y Ordenación del Territorio y Master de Arquitectura del Paisaje por la UPC de Catalunya. Desarrolla su labor docente en la ETS de Arquitectura de Las Palmas de Gran Canaria donde participa habitualmente en distintos proyectos docentes, dirección de Master y de investigación relacionados con el Paisaje y el Urbanismo. Ha sido profesora visitante en L’Ecole D’Architecture de Lyon, en el CUAAD de Arte, Arquitectura y Diseño de Guadalajara (México) y en la Oxford Brookes University. Autora del libro “Viaje a través del patio” y coautora del libro “+ urbanismo” entre otras publicaciones. Desarrolla su actividad profesional en Arquitectura, Paisajismo y Urbanismo, recibiendo el primer premio para la CICER en la playa de Las Canteras, obra seleccionada en la X Bienal de Venecia. Es redactora de las Directrices de Ordenación del Paisaje para el Gobierno de Canarias. En la actualidad es Directora de la ETS de Arquitectura de la ULPGC.

Directora Festival / Director of the Festival: Flora Pescador Monagas Coordinación y administración / Coordination and administration: Angeles Ortíz Hernández

(Las Palmas de Gran Canaria, 1953) PhD in Architecture. Senior Lercturer in City Planning and Land Zoning, and Master of Landscape Architecture, UPC of Catalonia, Spain. She is a teacher at the ETSA of Las Palmas de Gran Canaria where she regularly takes part in teaching projects, and Master and research management related with Landscape and City Planning. She has been a visiting lecturer at the Ecole D’Architecture of Lyon, CUAAD of Art, Architecture and Design of Guadalajara (Mexico), and Oxford Brookes University. She is the author of the book “Viaje a través del patio” and co-author of “+ urbanismo” among other publications. She develops her professional activity as an Architect, a Landscape Architect and a City Planner. She has won the first CICER Award for Las Canteras beach, a work selected for the 10th Venice Biennale. She drafted the Guidelines for Landscape Organisation for the Regional Government of the Canaries.Pescador is currently Director of ETSA (School of Architecture) of the University of Las Palmas de Gran Canaria.

La presencia de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura durante casi cuatro décadas en Canarias ha supuesto un importante activo en muchos ámbitos culturales y sociales sobre el mundo disciplinar de la Arquitectura, la Ordenación del Territorio y el Paisaje. El Festival de Paisaje inicia el aniversario de estos casi cuarenta años de la creación de la ETSA a partir de la colocación y distribución de obras efímeras en el interior del Campus universitario de Tafira de la ULPGC. Durante una semana el espacio libre del Campus universitario de Tafira servirá como medio de expresión espacial en donde desarrollar proyectos temporales que aporten reflexiones activas y experiencias docentes sobre la Arquitectura el Arte y el Paisaje. Las intervenciones se organizarían a partir de una multiplicidad de enfoques y puntos de vista y se podrán dirigir entre otras posibles temáticas a Interpretar, Visualizar, Cartografiar, Interactuar, Recrear, Representar, Imaginar, Producir nuevas espacialidades y atmósferas a partir de los conceptos temáticos de esta I Bienal de Canarias entendiendo el Campus Universitario como un verdadero campo de experimentación espacial en donde generar durante una semana un acontecimiento compartido. Simultáneamente, el edificio de la ETSA acoge en su interior un espacio público virtual en donde desarrollar vídeos, exposiciones y experiencias multimedia relacionados con la labor global desarrollada por la Escuela en relación con la Arquitectura y el Paisaje en Canarias.

The ETSA school of architecture has played an important role over the last four decades in the Canaries in many different fields of culture and society from the disciplinary perspective of Architecture, Zoning and Landscape. The Landscape Festival gets the anniversary of these four decades off to a start with the placement and distribution of ephemeral works around the Campus in Tafira of the University of Las Palmas de Gran Canaria. For the duration of one week, the open air spaces in the university campus will be the spatial expression and setting for various temporary projects engaging with issues and experiences on Architecture, Art and Landscape. The interventions revolve around a multiplicity of viewpoints and perspectives and could be further broken down into possible categories of Interpretation, Visualisation, Cartography, Interaction, Recreation, Representation, Imagining, producing new spatialities and atmospheres based on the thematic concepts of the 1st Biennial of the Canaries, with the university campus understood as a true field of spatial experimentation for the generation of a shared event for the duration of one week. At the same time, the ETSA building will host a virtual public space for videos, exhibitions and multimedia experiences related with the overall task of the school in relation to Architecture and Landscape in the Canaries. Participants: All the installations will be coordinated by lecturers and developed by students.


Profesores coordinadores / Coordinating teachers: Juan A. González Pérez José L. Padrón Rivas Juan M. Palerm Salazar Pedro N. Romera García Angela Ruiz Martínez Constanze Sixt Localizaciones 1,2,12 / Locations 1,2,12 Tema: La estructura descontextualizada. Proyectación y posterior construcción de un objeto, a partir de la estructura portante como soporte, en sentido lato, para su materialización. El conocimiento de los sistemas estructurales, los conceptos de equilibrio, resistencia y estabilidad, forman parte de los “materiales” de la estructura portante que le son propios. A partir de este bagaje, se trata de utilizar la estructura o elementos estructurales como soporte para la definción de la forma en cualesquiera de sus manifestaciones. Profesores coordinadores / Coordinating teachers: Benito García Maciá José Manuel Pérez Luzardo Alumnos participantes / Pupils participants: Localizacion 1 / Location 1 Daniel Melián García Judith Moreno Delgado Raquel Perdomo Alonso José Yeray Santos Santana

Localización 2 / Location 2 Sara Acosta Pérez Paula Cristina Álvarez Morales Salvador Caballero Bordón Sara Delisau Suárez Natalia Méndez Silvosa Samantha Jean Prevost Brito Mario Yanis Valido Medina Localización 12 / Location 12 Idaira Álvarez Tejera Jonay Martín Méndez Moisés Sánchez Rodríguez Mariana Suárez López Jonathan Tabares Sicilia Localizaciones 3,4,5,10,11 / Locations 3,4,5,10,11 Tema: Mirar del paisaje. Construir un lugar para mirar el paisaje y también para ser visto desde él. Profesores coordinadores / Coordinating teachers: Luis Correa Suárez Enrique Roig García Antonio Suárez Linares Antonio Trujillo González Urbano Yanez Tuña

Alumnos participantes / Pupils participants: Localización 3 / Location 3 Tania Batista Lasso Claudia Cabrera Fernández Pedro Miguel González Quintana Omaira Padrón Robayna Elizabeth Ramos Vega Sara Robayna de León Mario Yanís Valido Medina

Alumnos participantes / Pupils participants: Localización 15 / Location 15 Ouafik Khallada Miquel Olivares Giral Moisés Rodríguez Reyes Carmen Rosa Santana Llado Daniel Francisco Zamarbide Suárez

Localización 4 / Location 4 Ruben Gómez Vara Ricardo Hernández Acosta Damián León García

Localización 16 / Location 16 Joaquín Graciá Francés Angélica Nagy Román Enrico Polato Nicolás Rohde Diana Vivanco Acevedo

Localización 5 / Location 5 Paloma Bautista Sánchez Francisco Castilla Montero Eloy Gómez Arroyo Sandra Hernández Segura Pablo Llinás Sánchez María Roig López

Localización 17 / Location 17 Vanessa Balvin Ortega Yenfri José Melián Galarraga Maria Inmaculada Moreno Soler Ruben Dario Padrón Sánchez Nicolás Quesada Molina

Localización 10 / Location 10 Sabrina Quesada López Vanessa Rodríguez Alonso Thaidibell Travieso del Rosario

Localización 18 / Location 18 Sergio Dorta González Dulce Fernández Montesdeoca Vanessa Hernández Reyes Lara Pérez Calvo Yessica Santana Santana

Localización 20 / Location 20 Jonathan David Díaz González Carla Garrido Hernández Elisabet Martín Betancor María José Melián Cordero Cristina Isabel Lòpez Santana Localizaciones 6,7,13,14 / Locations 6,7,13,14 Tema: El espacio público entre el campo y la ciudad. El plano del suelo. La proyectación de un pequeño espacio público en uno de los cuatro puntos señalados en el gráfico, que desempeñe un rol de elemento “conector” entre, lo que podríamos denominar espacio urbano, el Campus, y el campo cultivado o no adyacente. Relacionar ambos mundos a partir del plano del suelo. Profesores coordinadores / Coordinating teachers: Manuel Bote Delgado Leonardo Navarro Pulido Alumnos participantes / Pupils participants: Localización 6 / Location 6 Carlos Alberto Fuente Valerón Jorge García Suárez Patricia Jiménez Momblach Cristina Langa Martínez Ana María Marrero Oñate Ana María Martín Ruano Haridian Moraima Pescoso Luis Marta Santana Botella Francisco Javier Trujillo Estévez Kiran Vasnani Localización 7 / Location 7 Carl Bengtson Grafl Garoé Exposito Sentis Nauzet López Hernández Alberto Martin González Fernando Miguelañez Nubla Raquel Sánchez Solis

Localización 13 / Location 13 Paloma Bautista Sánchez Sandra Hernández Segura Carlos Pino González Lucía Ramírez Gil María Ramírez Herrera Amanda Rodríguez Pileño María Roig López Aída Santana Sosa Omar Suárez Delgado Patricia Tavío Domínguez Localización 14 / Location 14 Gregorio Carayol Sánchez Débora Cipriani Santana Nadia Eugenio Suárez Maisa Hudmila López Brito Israel López Sánchez Nerea Serrano Jiménez

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Localizaciones 15,16,17,18,19,20 / Locations 15,16,17,18,19,20 Tema: Tránsitos. La apreciación del tránsito como lugar intermedio que se contempla con fugacidad lo convierte en un campo de estados en transformación donde las sensaciones modifican instantánea o secuencialmente, donde la fluctuación, los recorridos, forman un universo de inestabilidades, en la dimensión dinámica del espacio.

Localización 19 / Location 19 Diego Cayuelas García Carlos Díaz Melián José Antonio Jiménez Nuñoz Gerardo Pérez Sánchez Daniel Ruiz Rivas

Localizaciones 8,9 / Locations 8,9 Tema: Land Arq. Una invitación a: interactuar, activar, provocar, transgredir, reflexionar, experimentar, procesar, expresar y representar el espacio. Profesores coordinadores / Coordinating teachers: Flora Pescador Monagas Angela Ruiz Martínez Jin Taira Alonso Alumnos participantes / Pupils participants: Localización 8 / Location 8 Paula Cabrera Fry Micle Moon Kim Rocío Narbona Flores Mario Novas Martínez Berta Prieto Vidal Eduardo Rega Calvo Rayco Tejera Romero Localización 9 / Location 9 Lancelot Montesdeoca Rocha Yurena Morales Moreno Mónica Santana Santana Minerva Segura Suárez Noemí Tejera Mujica

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Localización 11 / Location 11 Omayra Molina Reyes Janiel Mosegue Rodríguez Ana Valerón Romero


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PROGRAMACIÓN PARALELA FRINGE PROGRAMME


The world has entered the era of the digital society, of scientific advances, of delocalisation and globalisation. A time of uncertainty where the directions of large migrations rooted in economic and demographic inequality cuts across others which strive to satisfy the needs for desire and pleasure in which tourism is grounded. Atime of multiculturalism, of the hybrid coexistence of many culturally diverse spaces and the cultural ghettos for immigrants. A progressive and dangerous disappearance of frontiers between democracy and totalitarianism can be envisaged like storm clouds on the horizon. Sustainability is now a crucial concept to help us face the challenges of global warming. And in the midst of this mobile landscape, that has no centre anyplace, we find the Canary Islands. The reality of these islands at such a convulsive moment in history is exciting. In the face of this reality we can react in various different forms: remain dumbfounded, petrified by the sheer dimension of the changes, or try to change the times, our times, because changing the whole world would be a task that would unquestionably lead to madness. When Juan Gopar proposed the Species of Spaces. Micro-architectures for Arrecife project we immediately understood the need for this type of initiative that would involve the world of culture in programmes that provide tools for a proper understanding of the present, that help us to create a new ethical dimension to our cities, to rethink them from a perspective of sustainability. Architecture in the Canaries is currently at one of its most exciting moments, with exhibitions like On-Site. New Architecture in Spain, recently organised in the MoMA in New York, providing excellent proof of this claim. It is essential for culture to Involve itself directly in the task of defining new territories and provoking a qualitative transformation of the times. To ponder the time is what Juan Gopar has asked of the architects, to ponder the practices of the city, what actually happens in our streets and plazas, in its relationships, in the encounter of elderly persons playing domino, children on swings and slides, locals without shade, citizens who stroll, people who read, chat, live. And it is these people who benefit from the 18 interventions, which increase the quality of life of our towns and cities. Species of Spaces begins in Arrecife on Lanzarote, but it is conceived to extend to other towns in the Canaries, yet always focused on the same scale, on the proximate, on the small, on details. In his prologue to A la sombra del mar by Manuel Padorno, Miguel Martinón reminded us that Lanzarote has been the central focus of three of the most celebrated literary works of the 20th century from the Canaries. He was referring to Lancelot 28º-7º by Agustín Espinosa, Mararía by Arozarena and to the above-cited title by Manuel Padorno. It is now our hope that this list will be added to with the names of Juan Antonio González, Felipe Artengo-José María Pastrana, Fernando Menis, Virgilio Gutiérrez, Juan Manuel Palerm, Arsenio Amaral, Manuel Feo, Javier Mena, Ricardo Devesa-Marina Romero, Juan Torres, Juan Palop, Magüi González, Joaquín Casariego-Elsa Guerra, Bárbara Müller, Ramón Cabrera, Blanca Fajardo, Blanca Cabrera and Pablo Ley, and that architecture will reach the same levels of quality as already reached by literature. Though we will never know whether the world we are living in is old or not, what we are sure about is that there are no spare parts, and no trading it in for a new one; it is worth the effort to try and do everything within our power to vouchsafe a better quality of life.

Manuel Fajardo Feo Consejero de Turismo Gobierno de Canarias

Manuel Fajardo Feo Head of Tourism Dept. of Government of the Canaries

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El mundo vive el tiempo de la sociedad digital, de los avances científicos, de las deslocalizaciones y la globalización. Tiempo de incertidumbre donde las direcciones de las grandes migraciones que provoca la desigualdad económica y demográfica se encuentran con otras que buscan satisfacer la necesidad de deseo y placer que propone el turismo. Tiempo de la multiculturalidad, de la convivencia híbrida de muchos culturalmente diversos respetando las diferencias, y de los guetos culturales para los inmigrantes. Una progresiva y peligrosa desaparición de las fronteras entre democracia y totalitarismo se levantan en el horizonte como nubes de tormenta. La sostenibilidad se ha convertido en un concepto indispensable para enfrentarnos a la amenaza del calentamiento global. En mitad de ese paisaje móvil, que no se detiene en ningún lugar, se encuentran las Islas Canarias. La realidad que viven las Islas en estos momentos tan convulsos de la historia es apasionante. Ante esa realidad podemos reaccionar de forma diferente: quedar anonadados, petrificados por la dimensión de los cambios, o intentar cambiar el tiempo, nuestro tiempo, ya que cambiar el mundo sería una tarea que, sin duda, nos conduciría a la locura. Cuando Juan Gopar propuso el proyecto Especies de espacios. Micro-arquitecturas para Arrecife, entendimos la necesidad de este tipo de iniciativas que involucren al mundo de la cultura en programas que proporcionen herramientas para la comprensión del presente, que nos ayuden a crear una nueva dimensión ética de nuestras ciudades, a repensarlas en clave de sostenibilidad. La arquitectura en Canarias pasa por uno de sus momentos más brillantes, exposiciones como la organizada recientemente en el MoMA de Nueva York, On-Site. Nueva Arquitectura en España, dan buena cuenta de ello. Es necesario que la cultura se implique en las tareas de definición de nuevos territorios y provoque una transformación cualitativa del tiempo. Pensar el tiempo es lo que Juan Gopar les ha pedido a los arquitectos, pensar en las prácticas de la ciudad, en lo que acontece en las calles y plazas, en las relaciones, en los encuentros entre un grupo de ancianos que juega al dominó, niños y columpios, vecinos sin sombra, ciudadanos que caminan, gente que lee, que conversa, que vive. La gente es la que se beneficia de estas 18 intervenciones, que contribuirán a aumentar la calidad de vida de nuestras ciudades. Especies de espacios comienza en Arrecife de Lanzarote, pero nace con el propósito de intervenir en otras ciudades canarias, siempre atendiendo a la misma escala, a lo próximo, a lo pequeño, a los detalles. Nos recordaba Miguel Martinón en su prólogo en A la sombra del mar, de Manuel Padorno, que Lanzarote ha sido objeto central de tres de las obras más relevantes de las letras insulares del siglo XX. Se refería a Lancelot 28º-7º de Agustín Espinosa, Mararía de Arozarena y al título ya citado de Manuel Padorno. Esperemos que a estos nombres se sumen Arsenio Amaral, Felipe Artengo-José María Pastrana, Ramón Cabrera, Blanca Cabrera, Joaquín Casariego-Elsa Guerra, Ricardo Devesa-Marina Romero, Blanca Fajardo, Manuel Feo, Juan Antonio González, Magüi González, Virgilio Gutiérrez, Pablo Ley, Javier Mena, Fernando Menis, Bárbara Müller, Juan Manuel Palerm, Juan Palop y Juan Torres, y que la arquitectura alcance cotas de calidad como ya lo ha hecho la literatura. Vivimos en un mundo que nunca sabremos si es viejo. De lo que sí estamos seguros es de que no tiene recambio; merece la pena intentar hacer todo lo que podamos para lograr una mejor y mayor calidad de vida.

1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

PROYECTO ESPECIES DE ESPACIOS. MICROARQUITECTURAS PARA ARRECIFE SPECIES OF SPACES. MICRO-ARCHITECTURES FOR ARRECIFE PROJECT


ESPECIES DE ESPACIOS SPECIES OF SPACES

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1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

LITORAL DE ARRECIFE, LANZAROTE Comisario / Curator: Juan Gopar Arquitectos / Architects: AmP Arquitectos, Blanca Cabrera/Rafael Ramírez, VPF, Pablo Ley, Casariego/Guerra Arquitectos, Ramón Chesa y Javier Mena, Corona y P. Amaral, Blanca Fajardo, Manuel Feo/Claudia Collmar, Magüi González, gpy Arquitectos, Virgilio Gutiérrez, LPA, Menis Arquitectos, MRD Arquitectos, Bárbara Müller, Palerm-Tabares de Nava Arquitectos, Juan Torres

JUAN GOPAR (Lanzarote, 1958. Vive y trabaja en la Isla de Lanzarote) En toda su obra se encuentra una ambigüedad inabarcable, inquietante. Desde la pintura petrificada de los 80 hasta la desmaterialización y fuga del soporte, todo su trabajo mantiene la misma tensión indescifrable que lo sitúa a medio camino entre la posibilidad y la voluntad de representar el mundo. No resulta fácil definir un trabajo que se encuentra entre la pintura, la escultura y la arquitectura y es, en esa indeterminación, escapándose, negando todas las características que pudieran atraparlo y deportarlo, donde el trabajo de Gopar vive. Entre sus exposiciones más relevantes cabe destacar Escenario para azul, en Tenerife, Imagen du même en la galería Manuel Ojeda de Las Palmas de Gran Canaria, Tokonoma, en la galería Gamarra y Garrigues, Madrid, Estancia, en la galería Carles Taché, Barcelona, Momentos en la orilla, en la Fundación MAPFRE, Las Palmas de Gran Canaria y Sujeto desnaturalizado en la galería Alfredo Viñas, Málaga.

(Lanzarote, 1958. Lives and works in Lanzarote) His body of work embraces an inexpressible, unsettling ambiguity. Ranging from his petrified painting in the 1980s to the actual dematerialization of the support, all his work maintains the same level of indescribable tension that locates it halfway between the possibility and the desire to represent the world. It is not easy to define a work that straddles painting, sculpture and architecture. In fact, it is in this very indeterminacy, evasiveness, and its eschewal of all elements that might pin it down, where Gopar’s work finds the space to breath. Among his most noteworthy exhibitions are Escenario para azul in Tene-rife, Imagen du même at the Galería Manuel Ojeda in Las Palmas de Gran Canaria, Tokonoma at Galería Gamarra y Garrigues, Madrid, Estancia at Galería Carles Taché, Barcelona, Momentos en la orilla at the MAPFRE Foundation, Las Palmas de Gran Canaria and Sujeto desnaturalizado at Galería Alfredo Viñas, Malaga.

Esta iniciativa parte de la obviedad de que la arquitectura es un hecho cultural consustancial a la condición humana. Sin embargo, constatamos una disparidad de objetivos y realidades que se dan entre los nuevos modos de vivir la ciudad, las políticas urbanísticas, los intereses particulares de las promotoras inmobiliarias, la investigación de nuevos modelos urbano-arquitectónicos, los adelantos tecnológicos y la conciencia de un planeamiento más sostenible. Por ello, con el proyecto a largo plazo de Especies de Espacios, la Consejería de Turismo del Gobierno de Canarias. Pretende estimular puntos de encuentro entre los diversos agentes que intervienen en la producción y recepción de los espacios públicos de la ciudad. Con esta propuesta se pone al servicio de los habitantes de Arrecife, en primer lugar, la observación de la realidad del entorno urbano-paisajístico; en segundo lugar, la creación de opinión e intercambio; en tercer lugar y a la promoción de actitudes destinadas a incidir y mejorar la realidad de Arrecife en cuarto lugar. Especies de Espacios busca fundamentar una teoría de la ciudad contemporánea, de su arquitectura y del espacio público. Especies de Espacios es un proyecto de microintervenciones para la gente en la ciudad, para diferentes edades, intereses y culturas. La nueva realidad urbana somete a las ciudades a múltiples y cambiantes tensiones. La ciudad contemporánea necesita ser creativa, justa, ecológica y diversa. Una ciudad donde la gente sienta el espacio público como propio, seguro, abarcable y disfrutable. Especies de Espacios nace con el afán de convertirse en un órgano consultivo estructurado, en un referente dinamizador y estimulador de acciones y de toma de decisiones que afecten a la ciudad de Arrecife en concreto, pero que se pueda exportar a otras ciudades de Canarias como materialización de las prácticas sociales, artísticas y culturales en evolución. This initiative is grounded in the widely accepted avowal that architecture is a cultural fact consubstantial to the human condition. Having said that, we can also detect a disparity of goals and realities between new ways of inhabiting the city, urban planning policies, the private interests of property developers, research into new urban-architectural models, technological advances and the awareness of more sustainable planning. For this reason, with the long term project Species of Spaces, the Dept. of Tourism of the Government of the Canaries wants to stimulate common points of encounter between the diverse agents that intervene in the production and reception of public spaces in the city. With this proposal, it puts at the service of the inhabitants of Arrecife, first of all, the observation of the reality of the urban-landscape surroundings; secondly, the creation of opinions and interchange; thirdly, the promotion of attitudes aimed at influencing and improving the reality of Arrecife; and in fourth place, Species of Spaces wants to set in place a theory of the contemporary city, of its architecture and of the public space. Species of Spaces is a project of microinterventions for the citizens of the city, for different age groups, interests and cultures. The new urban reality puts cities under multiple and changing tensions. The contemporary city needs to be creative, fair, ecological and diverse. A city where people identify with the public space as their own, as safe, manageable and enjoyable. Species of Spaces was conceived with the goal of becoming a structured consultative organ, a catalysing reference and stimulator of actions and decision-taking that affect the city of Arrecife specifically, but which can be exported to other cities and towns in the Canaries as a materialization of social, artistic and cultural practices in evolution.


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EQUIPOS: 1 Diseño Lanzarote SL | 2 AmP arquitectos | 3 Juan Torres | 4 Corona y P. Amaral | 5 Manuel Feo | 6 Palerm & Tabares De Nava | 7 LPA, Juan Palop | 8 Menis arquitectos | 9 Virgilio Gutiérrez | 10 Chesa y Mena arquitectos | 11 VPF arquitectos | 12 Blanca Fajardo | 13 Pablo Ley | 14 gpy arquitectos | 15 Magüi González | 16 Bárbara Müller | 17 MRD arquitectura_Marina Romero_Ricardo Devesa | 18 Casariego/Guerra, arquitectos SL |

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CARTA A LOS ARQUITECTOS A LETTER TO ARCHITECTS

Quería hablarles de una arquitectura. Una arquitectura pensada para la gente, como una playa, de todos y de nadie, íntima y colectiva, que diga lo que está pasando, que haga preguntas; no hay mayor intensificación de la realidad que el descubrimiento de una pregunta. Una arquitectura que sea un espacio de reflexión fecundo, que quiera pensar, que te dé tiempo. Una arquitectura que deje hablar a las flores, es horrible una ciudad que no huela a nada. Una arquitectura que transforme lo invisible en visible. Una arquitectura que no pretenda aferrarse a nada, que produzca pero sin apropiarse de ello, que haga pero sin esperar nada, que cuando esté acabada nada se le añada, y por ese no añadir, permanezca. Una arquitectura desinhibida, espontánea, feliz, que le dé voz al deseo y lo vuelva convicción, que nos obsequie con un poco de tiempo. Una arquitectura desenfadada y lúdica, contaminada por la proximidad del otro, poblada de relaciones ambiguas y vulnerables. Una arquitectura anonadada que inaugure otro universo y otra atmósfera, pues es posible otra cultura arquitectónica capaz de crear vínculos entre lo vivo y lo inanimado, entre lo nombrable y lo innombrable. Una arquitectura que done lugares a la ciudad para que converjan los destinos de quienes los habitan, que no tome la palabra en lugar de otros, que cree condiciones para que se escuche la voz de los vencidos. Una arquitectura de la acción que se manifieste en los gestos y en el mirar de un sujeto crítico, capaz de imaginar otro paisaje, de pensamiento y plástica. Una arquitectura compleja y real, desacralizada, contemporánea, que obedezca a una vocación de vida, a la vocación de otra vida, de una vida más estimulante y creativa. Una arquitectura ubicada en territorio ajeno al poder arquitectónico, no pensada para las almas sino para los cuerpos, donde se manifiesten los procesos individuales y colectivos. Una arquitectura que sepa escuchar, sensible a los comportamientos y las prácticas de sus huéspedes, como una voz que acompaña. Una arquitectura polifónica, palimpséstica, hecha del lenguaje, los ritmos, las creencias y las obsesiones de éste o aquel arquitecto, de éste o aquel vecino, de ésta o aquella cultura. Una arquitectura sosegada que no detenga el tiempo, todo lo contrario, que lo contradiga y lo transfigure. Una arquitectura orgullosa de pertenecer a su tiempo, que no sea melancólica, ni nostálgica, ni que sueñe con un futuro perfecto que deshumanice el presente.

Una arquitectura que dude, que balbucee, que más que sede o ámbito reciba la voz del lugar, se convierta en murmullo, algarabía, silencio y así sucesivamente. Una arquitectura que no sea discurso de nadie, alejada de toda crispación. Como una estructura abierta, intencionalmente incompleta, ya que debe completarse en el receptor. Una arquitectura que traduzca la intuición pura del instante, sin necesidad de encarnarse: es suficiente con que ondee en el aire, como el vuelo de una sábana, como un tañido de campana. Una arquitectura donde se articule lo común y se tramiten las diferencias. Que no se constituya en una realidad dada, sino que se trate más bien de una construcción laboriosa, frágil y variable. Que exija un continuo trabajo de representación y argumentación. Una arquitectura agradecida que nos haga sentir orgullosos de pertenecer a una cultura, a una comunidad, donde se haga la noche y el mediodía. Una arquitectura bella, y que esa belleza resida no en su forma agradable y complaciente, sino en su cualidad de experiencia integradora, de aventura compartida con otros. Una arquitectura recolectora que cree unidad, que atraiga hacia su centro el pensar, el sentir, el imaginar, el amar, el crear. Una arquitectura que proponga una vida móvil. Como una playa sometida al ritmo de las mareas, no fosilizada, no momificada, no museificada. Una arquitectura de los pasos, activa y vibrante, productora autónoma de afectos y relaciones, que proponga espacios vivos a las amnesias urbanas. Una arquitectura entrelazada con la vida, de los pasos inciertos, a la deriva, que navegue en el silencio de noche. Una arquitectura sin urgencias. De alegría renovada. Actualizada por cada narrador, transparente y misteriosa, hecha de sombra, materia y vida. Una arquitectura que sea metáfora incompleta y que sólo se complete en quien la reciba y recree. Una arquitectura que no sea origen de nada, que no inaugure nada, sólo un fluir, un pasar, un andar entre los otros haciéndose cargo de sí misma. Una arquitectura que aún conserve la inocencia, que te susurre al oído que no debemos abandonarnos a los criterios formales y estilísticos, sino al principio vital de la cosa como materia viva. Una arquitectura que nos ayude a salir del coma que nos propone este mundo teledirigido para volver a experimentar a qué huele el mar o la tierra mojada.

Una arquitectura que sea instrumento de medición, suma de saberes destinada a organizar el tiempo y el espacio de la ciudad, que nos permita medirnos con el ambiente natural.

Una arquitectura a la que sólo le falte decir no para ser humana y que nos haga sentir que la vida vale la pena.

Una arquitectura humilde, pero a la vez poderosa. Que no tenga nada que ocultar, transparente. Que camine por la vida con la cabeza bien alta, sin bajar los ojos. Que sepa más de sí misma que el arquitecto que la construyó.

Juan Gopar

Una arquitectura que nos ayude a construir el relato de nuestras vidas, que nos ayude a contarnos, a recordarnos cómo somos ahora y cómo seremos entonces. Una arquitectura incierta como nosotros mismos, que envejezca como una puerta expuesta al sol, siempre dispuesta a abrirse. 106

Una arquitectura sin verdad absoluta, razonable y esperanzada, que mejore los ahora de nuestras vidas.


An architecture as uncertain as we are ourselves, that ages like a door exposed to sunlight, always ready to open. An architecture without an absolute truth, reasonable and hopeful, that improves the now of our lives.

An architecture which could be a fertile space for reflection, that wishes to think, that gives you time.

An architecture which doubts, stutters, more than a centre or a range it receives the voice of the place, becomes a murmur, gaiety, silence and so on successively.

An architecture which lets the flowers talk, it’s awful that a city smells of nothing.

An architecture which is not anybody’s discourse, removed from all tension. Like an open structure, intentionally unfinished, because it must be completed by the receiver.

An architecture which makes the invisible visible. An architecture which does not try to stick to one thing, that produces something without appropriating it, that does something without expecting anything back, that adds nothing to something finished, and in this non-adding, it remains. An uninhibited, spontaneous, happy architecture that gives voice to desire and turns it into a conviction, that gives us the gift of a little time. A fun-loving and playful architecture contaminated by the proximity of the other, populated with ambiguous and vulnerable relations. A speechless architecture that opens another universe and another atmosphere, because another architectural culture is possible, capable of creating links between the living and the inanimate, between the nameable and the unnameable. An architecture which donates places to the city where the destinies of the people who inhabit them can converge, that does not try to speak for others, that creates conditions so that the voice of the defeated can be heard. An architecture of action that expresses itself in gestures and in the gaze of a critical subject, capable of imagining another landscape, both mental and visual. A complex and real, demystified, contemporary architecture that obeys a vocation of life, a vocation of another life, of a more stimulating and creative life. An architecture located in territory removed from architectural power, not conceived for souls but for bodies, where individual and collective processes are manifested. An architecture which knows how to listen, sensitive to the behaviours and the practices of its guests, like a voice that accompanies it. A polyphonic, palimpsest architecture made out of the language, rhythms, beliefs and obsessions of this or that architect, of this or that neighbour, of this or that culture. A paused architecture that does not stop time, on the contrary, one that contradicts it and transfigures it. An architecture proud to belong to its time, that is not melancholic, nor nostalgic, nor dreaming of a perfect future that dehumanises the present. An architecture which would be an instrument of measurement, a sum of knowledge destined to organise the time and space of the city, that allows us to measure ourselves against our natural environs. A humble yet at once powerful architecture. That has nothing to hide, transparent. That walks with its head held high, without lowering its eyes. That knows more about itself that the architect who built it. An architecture which helps us to build the story of our lives, that helps us to tell it, to remind us who we are now and what we will be subsequently.

An architecture which translates the pure intuition of the instant, without needing to be made incarnate: it is enough for it to blow in the breeze, like a flapping sheet, like the pealing of a bell.

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An architecture with people in mind, like a beach, belonging to everyone and nobody, intimate and collective, that says what is happening, that asks questions; there is no greater intensification of reality than the discovery of a question.

An architecture where the common is articulated and differences transmitted. That does not become a given reality, but instead is a laborious, fragile and variable construction. That demands a continuous task of representation and argumentation. A grateful architecture that makes us feel proud to belong to a culture, to a community, where it is night and day. A beautiful architecture, in which the beauty resides not in its pleasant and indulgent form, but in its quality of integrating experience, of an adventure shared by others. A recollecting architecture that creates unity, that draws into its centre thought, feeling, imagining, loving, creating. An architecture which proposes a mobile life. Like a beach washed by the rhythm of the tides, not fossilised, not mummified, not museumified. An architecture of steps, active and vibrant, autonomous producer of affects and relations, that proposes living spaces as opposed to urban amnesias. An architecture interwoven with life, with uncertain steps, adrift, that floats in the silence of the night. An architecture without urgencies. Of renewed joy. Updated for each narrator, transparent and mysterious, made of shadow, material and life. An architecture which is an unfinished metaphor and can only be completed in the person who receives it and recreates it. An architecture which is not the origin of anything, that opens nothing, only a flowing, a motion, a walking among others yet looking after itself. An architecture which still preserves its innocence, that whispers into our ear that we should not abandon ourselves to formal and stylistic criteria, but to the vital principle of the thing as living material. An architecture which helps us to come out of a coma induced by a remote-control world and once again experience the smell of the sea and the rain dampened earth. An architecture that only has to say “no” to be human and that makes us feel that life is worth living.

Juan Gopar 107

I want to speak of an architecture.


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PASEO MARÍTIMO DE ARRECIFE DE LANZAROTE ARRECIFE PROMENADE IN LANZAROTE

AMP ARQUITECTOS

FELIPE ARTENGO RUFINO (Santa Cruz de Tenerife, 1954) JOSÉ Mª RODRÍGUEZPASTRANA (Santa Cruz de Tenerife, 1952) Se gradúan en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona en 1978 y 1977, respectivamente. Forman equipo desde 1981 con Fernando Martín Menis, con quien fundan la sociedad AMP arquitectos. En 2004 Martín Menis abandona el estudio y Artengo y Pastrana continúan con la sociedad AmP. AMP arquitectos han obtenido 5 premios regionales de Arquitectura y diversos accésit del “Premio Manuel de Oraa” del COAC., así como otros galardones nacionales e internacionales. Su trabajo realizado en el Estadio de Atletismo de Tincer resultó recientemente elegido para la exposición del Moma en Nueva York . Seleccionados en varias ocasiones para la Bienal de Arquitectura Española, Premio Fad de Arquitectura y la Bienal de Venecia, recientemente han sido finalistas en el Premio Europeo de Espacio Público Urbano. Su proyecto, con el que ganaron el concurso Internacional Puerto-Ciudad de los Cristianos, resultó seleccionado para la Bienal de Arquitectura de Venecia en su edición de 2006. AMP ha sido elegido, con la obra Magma Centro de Congresos, como finalista para la décima edición del premio Mies van der Rohe.

Graduated as architects from the ETSA Architecture School of Barcelona in 1978 and 1977, respectively. They have worked together since 1981 in a team with Fernando Martín Menis, with whom they set up AMP arquitectos. In 2004 Martín Menis left the studio and Artengo and Pastrana continued under the name of AMP. AMP arquitectos have won 5 regional awards and mentions in the Manuel de Oraa Awards organised by COAC, as well as several other international recognitions. Their design for the Tincer athletics stadium was recently chosen for the exhibition on Spanish architecture at the MoMA in New York. They have been chosen on various occasions for the Spanish Architecture Biennial, the FAD Architecture Awards and the Venice Biennale, and were recently finalists in the European Awards for Public Urban Space. The project with which they won the International Competition for Puerto-Ciudad de los Cristianos, was chosen for the Venice Architecture Biennale in 2006. AMP were chosen, for their Magma Congress Centre, as finalists for the 10th Mies van der Rohe Award.

La propuesta actúa en la franja intermareal de Arrecife en un paseo peatonal de reciente ejecución de carácter lineal con una magnífica contemplación del horizonte marítimo, sin más puntos de referencia significativos para el ciudadano. La actuación incide principalmente en el encuentro con las tres rotondas actuales del propio paseo peatonal, lugar de mayor ámbito de profundidad para intervenir. La intervención pretende dinamizar y activar, actuando en este nuevo espacio público, mediante unos conceptos rotundos, que estimulen las acciones sobre el lugar.

This proposal acts on the intertidal strip in Arrecife in the recently executed promenade with a lineal disposition offering a magnificent view of the sea horizon, yet without any significant reference points for the public. The action focuses primarily on the intersection of three roundabouts with the pedestrian promenade, offering points of greater depth for intervention. The intervention is conceived to act as a catalyst injecting dynamic energy and acting on this new public space by means of clear-cut concepts.

Recuperar referentes históricos intermareales El proyecto retoma referentes históricos de la costa y recupera espacios perdidos en la orilla por la barrera del paseo. A su vez se reinterpreta el trazado actual del límite mar-paseo del litoral. Por un lado el paseo se introduce en el mar activando lugares de ocio, de pesca y potenciando la relación con el mar. Por otro lado la franja intermareal recupera su lugar hacia el paseo, generando nuevas tensiones tierra-mar.

Recovering intertidal historical references The project recuperates historical references on the coastline and recovers spaces on the shore lost because of the barrier produced by the promenade. At once, it reinterprets the current layout of the promenade-barrier. On the one hand, the promenade enters into the sea and opens up active places for leisure, fishing and a closer bond with the sea. On the other hand, the intertidal strip next to the promenade is recovered, thus generating new tensions between land and sea.

Se introduce un nuevo objeto generador de nuevas actividades y secuencias espaciales. Una pieza ondulante de malla de acero inoxidable se constituye en el hilo conductor de la propuesta, estableciendo esas nuevas relaciones en esta área intermareal. Esta nueva estructura ligera será el objeto interactivo que: genere sombra, se pliegue como encuentro lúdico de toboganes y juegos, potencie la movilidad y dinamice el paseo, genere lugares de descanso y de encuentro… Se modifica el tapiz del paseo mediante diferentes planos articulados entre sí A partir del inicio y final de la articulación de la propuesta con el paseo peatonal cambian todos los referentes del lugar donde se actúa. El actual murete de separación entre el paseo y el frente marítimo desaparece dentro un nuevo tapiz peatonal variable en diferentes planos y cotas y enrasado con el muro antes referido. El medio natural de la rasa se introduce en el paseo mediante el nuevo deslinde propuesto y a su vez de manera virtual se reproduce secuencialmente en el nuevo recorrido peatonal propuesto. En el ambiente nocturno se potencia y activa la propuesta mediante luz rasante que estimule las actividades lúdicas en esta franja intermareal, paseo, descanso, pesca nocturna…

Introducing a new object to generate new activities and spatial sequences. An undulating element of stainless steel mesh acts as a common thread running through the concept, weaving new relationships in the intertidal area. This new light structure will be an interactive object creating shade and folds that serve as play areas for slides and swings, reinforcing a sense of mobility and activating the promenade with other new areas for relaxation and meeting places. Modifying the weave of the promenade through inter-articulated planes All the references of the promenade on which the proposal acts change at either extreme of the articulation. The existing wall separating the promenade and the seafront disappears within the new variable pedestrian weave with differing planes and levels which are blended in with the above-mentioned wall. The natural medium is seamlessly co-opted into the promenade through the new demarcation proposed and at once it is reproduced sequentially in a virtual fashion in the new pedestrian trajectory proposed. At night-time the concept is heightened and activated by low-level lighting that encourages leisure activities in this intertidal strip like strolling, chilling out, fishing.

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EL REDUCTO

MANUEL FEO (Las Palmas de Gran Canaria, 1961) Arquitecto por la E.T.S.A.L.P. de la que es Subdirector de Cultura e Investigación y Profesor de Proyectos I, P.F.C. y Ampliación de Proyectos. También es Profesor de Proyectos 9, Proyectos 10 y P.F.C. en la ESARQ-UIC de Barcelona. Vocal de Cultura de la Demarcación de Gran Canaria del Colegio de Arquitectos de Canarias. Ha impartido conferencias sobre su obra en Venecia, Barcelona, Madrid, Santiago de Compostela, Alcalá de Henares y Las Palmas de Gran Canaria. Ha participado en los Festivales Metápolis 2.0 y 3.0, en el 1st Architectural Market EME3 en Barcelona y en el I Encuentro de Pensamiento Contemporáneo en Las Palmas de Gran Canaria. Ha recibido premios en distintos concursos nacionales e internacionales. Su obra ha sido seleccionada en las ediciones VII, VIII, IX, X y XI del Premio Manuel Oraá y Arcocha, con menciones en las ediciones VI y VIII, siendo ganador exaequo en la última XII edición del mismo. Su trabajo ha sido publicado en revistas nacionales e internacionales.

(Las Palmas de Gran Canaria, 1961) Graduated in Architecture from ETSALP, where he is now Vice-director of Culture and Research and Lecturer in Projects 1, Final Year Projects and Further Development of Projects. He also lectures in Projects 9, Projects 10 and Final Year Projects at ESARQ–UIC in Barcelona. He is spokesperson for Culture on the board of the Gran Canaria Delegation of the College of Architects of the Canaries. He has given papers on his work in conferences in Venice, Barcelona, Madrid, Santiago de Compostela, Alcalá de Henares and Las Palmas de Gran Canaria. Has taken part in the Metápolis 2.0 and 3.0 festivals, in the 1st Architectural Market EME3 in Barcelona and the Contemporary Thinking Encounter in Las Palmas de Gran Canaria. He has received several awards in different competitions both here in Spain and internationally. His work has been chosen for the 7th, 8th, 9th, 10th and 11th editions of the Manuel Oraá y Arcocha Awards, receiving special mentions at the 6th and 8th editions, and joint winner in the 12th edition. His work has been published in magazines here in Spain and worldwide.

CLAUDIA COLLMAR Es Arquitecta por la Universidad de Stuttgart, Alemania, desde 1996. Obtuvo su licenciatura en Carpintería por la Escuela de Formación Profesional de Ludwigsburg, Alemania, en 1987. En 1998 funda en Santa Cruz de Tenerife el despacho IN SITU Estudio de Arte y Arquitectura, realizando proyectos de Arquitectura y Paisaje tanto para clientes privados como públicos en Canarias y Alemania. Entre ellos, el Proyecto Piloto Europeo de Paisagem, la Ampliación del Parque Cultural Atlantis-Mariposa, la vivienda “Habitar el Paisaje”, una vivienda en el casco histórico de La Laguna, todos ellos en Tenerife. Sus más recientes trabajos son la propuesta artística para el Barranco de Badajoz de Tenerife y la intervención reflection, en el Centro Cultural de La Mercé en Gerona. Actualmente desarrolla su actividad profesional y docente entre Cataluña y Canarias.

Graduated as an Architect from the University of Stuttgart, Germany, in 1996. She is also a qualified Joiner and Carpenter from the Ludwigsburg School of Professional Training, Germany (1987). In 1998, she established the IN SITU Art and Architecture Studio in Santa Cruz de Tenerife. From there, she carries out projects for both private and public clients from the Canaries and Germany, including the Paisagem European Pilot Project, the Extension of the Atlantis-Mariposa Cultural Park, the “Habitar el Paisaje” house in the old quarters of La Laguna, all of them in Tenerife. Recent works include an artistic proposal for the Badajoz ravine in Tenerife, and the Reflection intervention at the La Mercé Cultural Centre in Girona. She currently develops her professional and teaching activity between Catalonia and the Canaries.

La propuesta de intervención en El Reducto se organiza en tres áreas, independientes entre sí o formando parte de una sola operación. El proyecto intenta dar forma, e intensificar actividades que ya existen en el lugar, el baño, juego de niños, tomar el sol, deporte… La acción principal es redibujar el límite con el paseo, con la introducción de un sistema de planos inclinados que se facetan para producir una suave transición entre el paseo y la arena. En este espacio se sitúan graderíos, plataformas de descanso, piscinas de profundidad variable y un borde formado por una lámina de agua que reconstruye y se confunde con el agua del mar cuando esta alcanza la cota más alta. En este momento, unas almadías flotantes permiten colonizar el mar y actúan como “islas” dentro del agua. Para un mejor uso de este espacio, pero independiente de él, unos arcos metálicos se articulan entre sí para producir planos tensados de sombra en una acción parecida al acto de abatir en vertical la curva del paseo. Al otro lado de este, un gran carrusel, cuya imagen recuerda una nasa de pesca sobredimensionada, se sitúa sobre la actual zona de césped. El carrusel como un gran juguete permite el juego de niños y la estancia a la sombra, el entorno de césped se sustituye por una topografía intencionada de piedra a modo de un mar embravecido pero congelado, en cuyo centro el vórtice metálico actúa como oasis o claro en el bosque… Manuel Feo / Claudia Collmar


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The proposal for the intervention in El Reducto revolves around three areas, either mutually independent or forming part of one single operation. The project is conceived to give form, and to intensify activities that already exist in the place: swimming, children’s games, sunbathing, sports… The core action is to redraw the limit with the promenade, by means of introducing a system of inclined planes which are faceted to produce a smooth transition between the promenade and the beach. This intermediate space will include stands, platforms for resting, swimming pools with varying depths and a border consisting of a sheet of water that reconstructs and blends in with the sea water when it reaches its highest level. At the current moment, some floating rafts open up a “colonisation” of the sea and act like “islands” within the water. For a better use of the space, yet independently from it, a number of metallic arches will be articulated to produce tensed planes of shade in an action not unlike the act of vertically projecting the curve of the promenade. On the other side is a big carrousel with a profile reminiscent of a gigantic lobster pot, located on the existing landscaped green area. The carrousel is a huge game for children to play on and the area of shade around the lawn is replaced by a stone topography designed to resemble a stormy sea captured and frozen in an instant, and the centre of this metallic vortex is like an oasis or a clearing in the forest.

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Manuel Feo / Claudia Collmar


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LA PLAZUELA: PUESTA A PUNTO LA PLAZUELA: A TUNE-UP

PABLO LEY BOSCH

Es arquitecto y Máster en Planeamiento Urbano por la ULPGC. Profesor de Urbanística en la ETS de Arquitectura de Las Palmas, y profesor visitante en la Universidad Metropolitana de Caracas. Desarrolla su actividad profesional entre el urbanismo y la arquitectura, habiendo obtenido mención especial en el Concurso Europan-3 en Lieja, Bélgica (1994), o primer premio en el Concurso para Tratamiento Ambiental de Altavista en Lanzarote (2000). Fue redactor del Proyecto de Peatonalización de la calle León y Castillo y la plaza de la Constitución en Arrecife (1997). Es editor de la colección EX, y autor de diversos trabajos en medios especializados, habiendo publicado libros como Waterfronts (1999), o La construcción del espacio turístico (2002).

A graduate in Architecture and a Master in City Planning at the University of Las Palmas de Gran Canaria. He lectures in City Planning at ETSA Architecture School of Las Palmas, and is visiting professor at the Universidad Metropolitana of Caracas. He develops his professional activity between city planning and architecture, and has won a special mention at the European-3 Competition in Liege, Belgium (1994), and the first prize in the Altavista Environmental Treatment Competition in Lanzarote (2000). He drew up the Pedestrianisation Project for calle León y Castillo and Plaza de la Constitución in Arrecife (1997). He is the editor of the EX collection, and has written several articles for specialised publications and books like Waterfronts (1999), and La construcción del espacio turístico (2002).

Intervenir nuevamente sobre La Plazuela con la perspectiva obtenida diez años después, permite matizar algunos aspectos a través de pequeños reajustes en su arquitectura. Pero sobre todo, abre la posibilidad de introducir datos sólo legibles transcurrido ese tiempo: distintas formas de apropiación social desarrolladas sobre el espacio público, demandas antes no previsibles, nuevas expectativas que poco a poco se han ido generando en este lugar... En su momento la peatonalización de la calle León y Castillo y de la plaza de la Constitución supuso una mejora significativa en el paisaje urbano y en la rentabilidad social de esta parte de Arrecife. Una década después se presenta la oportunidad de revisar determinados criterios implementados en su momento, así como de corregir imprevistos propios de una dirección de obra ajena al equipo redactor. Por tanto, la “puesta a punto” de la Plazuela se dirige hacia los siguientes aspectos: Añadir una nueva “capa” a la pérgola existente para incrementar su capacidad de producir sombra, articulando ambas estructuras a través de una franja intermedia cuyas líneas albergarán iluminación nocturna. Modificar la fuente existente mediante un diseño flexible capaz de hacerla visible o plegarla, de acuerdo a las necesidades de uso en un espacio cambiante. Recuperar la idea del alumbrado público proyectado en su día, colocando las luminarias previstas originalmente en consonancia con las instaladas en la calle León y Castillo. “Restituir” piezas de mobiliario como el banco-chaise longue, superficies de pavimentos, etc., propiciando una cultura de mantenimiento de los espacios públicos que favorezca su disfrute colectivo.

To intervene again in La Plazuela with a new perspective after a lapse of ten years, allows us to qualify some aspects by introducing small readjustments in its architecture. But, above all, it opens up a possibility to introduce data that only become legible after the passing of time: various forms of social appropriation developed in public space, previously unforeseen demands, new expectations that have gradually developed. In its time, the conversion of calle León y Castillo and plaza de la Constitución into pedestrian areas significantly improved the urban landscape and the social profitability of this part of Arrecife. One decade later, we have the opportunity to revise certain criteria implemented at the time, as well as to correct unexpected occurrences deriving from the management of the project by a team different from the one who created it. Therefore, this “conditioning” of La Plazuela addresses the following aspects: Adding a new “layer” to the existing pergola to increase the shade it produces by articulating both structures with an intermediate strip which contains the night lighting. Altering the existing fountain with a flexible design aimed at making it visible or folding it, depending on the functional needs of a changing space. Recovering the idea of public lighting designed at the time, by arranging the originally devised lights in consonance with those in calle León y Castillo. “Restore” fixtures such as the chaise longue-bench, flooring, etc., favouring a culture of maintenance of public spaces and promoting their use by the public.

Pablo Ley Bosch

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OLAMEDA

BLANCA CABRERA/RAFAEL RAMIREZ

Diseño Lanzarote s.l. es una empresa en la que colaboran los arquitectos Blanca Cabrera Morales y José Rafael Ramírez López. Ambos trabajan desde el año 1981 como profesionales independiente realizando una media de 30 proyectos anuales. Blanca Cabrera Morales colaboró con César Manrique en muchas obras, entre las que cabe destacar el Mirador del Palmarejo en La Gomera, Mirador de la Peña en El Hierro y Mirador de Morro Velosa en Fuerteventura. José Rafael Ramírez López trabajó desde 1984 hasta 1996 como arquitecto jefe de la Oficina Técnica de Arrecife.

Diseño Lanzarote s.l. is a architect’s studio in which the architects Blanca Cabrera Morales and José Rafael Ramírez López collaborate together. Since 1981 both have worked independently creating an average of around 30 projects annually. Blanca Cabrera Morales worked with César Manrique on many projects, with a particular mention for the viewpoints of Palmarejo in La Gomera, La Peña in El Hierro and Morro Velosa in Fuerteventura. José Rafael Ramírez López worked between 1984 and 1996 as the head architect in the Technical Office of Arrecife.

Hemos diseñado un gran elemento de mobiliario urbano, lineal y crecedero, que se puede colocar a lo largo de cualquier punto del paseo existente entre la Punta del Camello y El Cable. Que proteja del sol y del viento, factores muy importantes en esta Isla.

We have designed a large urban fixture, a lineal and extensible element that can be put in place at any point along the existing promenade between Punta del Camello and El Cable. It protects one from both the sun and from the wind, two highly important factors on this island.

Que sea una alameda de sombra que refresque al paseante.

It is a shaded boulevard that keeps the stroller fresh and cool.

Que sea un oasis en el que se pueda descansar mirando al mar, protegido de las inclemencias del tiempo.

It is an oasis where one can stop and rest, and look out to sea, protected from inclement weather.

Podrán, además, instalarse elementos de jardinería, bebederos, aspersores de agua, horquillas aparca bicicletas, equipos para desarrollar una pequeña tabla de gimnasia…

Furthermore, it allows for the addition of gardening elements, drinking fonts, sprinklers, bicycle stands, equipment for the development of a fitness circuit …

Olameda esta diseñada con sólo tres piezas diferentes: 1. La base de hormigón en forma de ola. 2. La viga curva de madera en forma de cuaderna de barco. 3. Los listones de madera que sirven a la vez para techo de pérgola, protección lateral y para base del asiento.

Olameda is designed with just three different pieces: 1. The cement base in the shape of a wave. 2. The curved wooden beam in the shape of a rib of a boat. 3. The wood bars that act as ceiling, lateral protection and seating.

Está pensada de manera que no hace falta hacer obra.

It is conceived in such a way that no construction work is required.

La base se deposita en el lugar, adaptándola a la curva que queramos. Sólo necesitamos recortar más o menos los listones. Podemos hacerla tan grande como queramos, disminuirla o crecerla en un futuro sin ningún tipo de obra.

The base is placed in situ, adapting to the curve we desire. We only need to cut the wooden bars to adapt. It can be made as big as we require, increased or reduced in the future without any kind of construction work.

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CRITERIOS GENERALES DE INTERVENCIÓN EN EL ÁREA DEL PARQUE ISLAS CANARIAS

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GENERAL CRITERIA FOR INTERVENTION IN THE AREA OF THE ISLAS CANARIAS PARK

RAMÓN CHESA PADRÓN

En 1975 finaliza sus estudios en la E.T.S. de Arquitectura de Madrid. En el año 1977 es promovido a profesor encargado de Curso de Proyectos I. Entra en el despacho del Arquitecto Pérez Parrilla, catedrático de composición de la E.T.S.A. de Las Palmas de Gran Canaria en el año 1975. En 1982 comienza de una nueva etapa profesional con la colaboración de Javier Mena Marqués hasta el presente. Sus trabajos han sido premiados con prestigiosos galardones regionales y nacionales. Asimismo, ha impartido conferencias y publicado en diversas ediciones especializadas.

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Graduated as an architect from the ETSA Architecture School of Madrid in 1975. In 1977 he was appointed lecturer in Projects. He joined the studio of the architect Pérez Parrilla, Professor of Composition at ETSA of Las Palmas de Gran Canaria in 1975. In 1982 he started out on a new phase in his professional career, collaborating with Javier Mena Marqués. His projects have received several prestigious regional and national awards. He has also given papers at conferences and written articles for many specialised publications.

JAVIER MENA MARQUÉS

En 1973 finaliza sus estudios de Arquitectura con el nº 1 de la promoción, siendo el Arquitecto más joven de España. Obtiene un Máster en Arquitectura por la Universidad de Berkeley, California, en el año 1975. Este mismo año se traslada a Las Palmas de Gran Canaria, ingresando como profesor encargado de la asignatura Proyectos I en la E.T.S.A. En la actualidad continúa con su labor docente. Ha realizado proyectos de forma individual, así como en colaboración con Ramón Chesa Padrón, con el que forma estudio en el año 1982. Ha impartido conferencias y publicado sus trabajos en diversas revistas especializadas. He graduated as an architect in 1973, number one in his year, and became Spain’s youngest architect. In 1975 he completed an Master in Architecture at the University of California, Berkeley. In that same year he moved to Las Palmas de Gran Canaria, working as a lecturer in Projects at the city’s School of Architecture. He continues working as a teacher. He has designed several individual projects, and works in collaboration with Ramón Chesa Padrón, with whom he created a studio in 1982. He has lectured widely and contributed regularly to many specialised publications.

El parque “Islas Canarias” se diseñó con unos criterios espaciales y de usos que, si bien se han ejecutado en gran parte, aún quedan algunos temas pendientes de ejecución, o bien deberían mejorarse elementos que no han dado el resultado esperado. Los elementos que, por distintas razones, no se ejecutaron en su día, abarcan diversas escalas: desde la organización de continuidad del litoral, a la reposición de especies vegetales eliminadas del antiguo parque, elementos de iluminación, o la colocación de quioscos de apoyo a las actividades lúdicas propias de un espacio público, hasta la instalación de las fuentes previstas. El frente litoral de Arrecife que viene desde antes de la playa del Refugio y pasa por el frente del parque Islas Canarias prolongándose hacia el norte se interrumpe en un punto de nuestro entorno coincidiendo con la piscina del Club Náutico. Independientemente de cuestiones legales acerca de la ocupación del espacio público de Costas, es obvio que debería resolverse dicha continuidad eliminando los obstáculos actuales. Deberían de situarse árboles de gran porte, en torno a las zonas de estancia y en especial en los juegos de niños. En las zonas con profundidad suficiente de tierra de los parterres se podrían plantar árboles de raíces extendidas, o distintos tipos de palmeras, también sería interesante la plantación de tapizantes con flor en las zonas donde no se da bien el césped. En el parque estaban previstos tres tipos de quioscos. En el parque actual se observa el buen funcionamiento de las pérgolas instaladas, debido, por una parte, a la sombra que proporcionan, y por otra a la iluminación nocturna de que disponen, lo que nos lleva a la conveniencia de extender el uso de pérgolas con distintos diseños en las zonas del parque que lo necesita. El proyecto original proponía una línea de fuentes junto a las pérgolas para crear un ambiente fresco en horas de sol. Debería de completarse las fuentes, ejecutadas en parte, y preparadas para su funcionamiento sin grandes inversiones, con objeto de crear un espacio más agradable en la zona intermedia del parque.

The “Islas Canarias” park was designed with a series of use and spatial criteria of which, though largely executed, some are still pending materialisation, besides which, there are several elements that ought to be improved given that they have not produced the expected results. The elements which were never implemented, for whatever reason, are of different scales: from the organisation of the continuity of the shoreline, the replacement of flora species eliminated from the old park, elements of lighting, or the placement of kiosks for the leisure activities of a public space, including the installation of the fountains planned. The shoreline of Arrecife that stretches from just before the beginning of Refugio beach and passes by the Islas Canarias park, continuing to the north is interrupted at the swimming pool of the Club Náutico. Independently of the legal questions surrounding the appropriation of the public space of the coastline, it is clear that this continuity must be resolved and the current barriers eliminated. There ought to be big trees around areas where people congregate and especially where children play. In areas of the parterres with sufficient depth plants with large roots can be planted, or various types of palm trees, and it would also be good to plant flowering shrubs in the areas where lawns are not feasible. Three different types of kiosks were planned for the park. In the existing park one can observe the proper functioning of the pergolas that were installed, largely thanks to the shade they provide, and also because of the night-time lighting incorporated into them. This encourages us to recommend extending the use of pergolas with different designs in the areas of the park in need of them. The original project also proposed a line of fountains next to the pergolas to create a refreshing atmosphere during the hours of daylight and greatest heat. Partly executed and ready to function, the fountains could be completed without heavy investment and thus create a more pleasant space in the middle section of the park. Several levels of lighting had been devised for the park. Some of them were either never installed or have been vandalised. More specifically, it was considered necessary to reinforce the lighting on ground level by using light beacons and to place vertical spotlights to bath the trees. The use of photovoltaic panels in the new lampposts is also recommended.


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The original project foresaw the creation of an axis of sculptures along the transversal pedestrian path. This was to be gradually incorporated through a system of open invitations and competitions. The project for park should be completed, though altering the initial project in consonance with recommendations which the passing of time have suggested. Pergolas and jetties or piers work effectively, regaining the use of the shoreline on a long section of the coast. However, something should be done to round off the area next to the Yacht Club. There is a lack of shade inside the park and a greater use of the sea is advisable. Given the plans to develop the Doña Fermina Islet, we recommend introducing some sort of floating islands that would act as stepping stones and stopovers for anyone swimming out to it. This is why we propose placing platforms accessible to bathers in the centre of the small bay. The children’s playground should include elements other than trees to create some form of shade, using non-rigid elements such as fabrics, nets, cables, etc. Apart from the area for events next to the yacht club, it would be positive to create a smaller one for puppet shows, radio and TV broadcasts, storytelling, etc.


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LA BAJA DEL CAMELLO

CORONA Y P. AMARAL ARQUITECTOS, S.L.

La actividad profesional como equipo se inicia en 1.984 en N. Tres Arquitectos, S.L formada por Antonio Corona Bosch, Arsenio Pérez Amaral y Eustaquio Martínez García. En el 2002 la sociedad adopta el nombre de Corona y P. Amaral Arquitectos, S.L. quedando finalmente constituida por los arquitectos Antonio Corona Bosch y Arsenio Pérez Amaral. Durante su trayectoria profesional el estudio ha realizado más de cien proyectos, habiendo obtenido el primer premio y varias menciones honoríficas del certamen Manuel de Oraá de Arquitectura del Colegio Oficial de Arquitectos de Canarias. En los últimos años han realizado el edificio terminal del Aeropuerto de Tenerife Norte, obra que está expuesta en el MoMA NY. En la actualidad están elaborando una ampliación en el Hotel Mencey (el más representativo de la Isla) junto a varios proyectos de viviendas colectivas.

Antonio Corona Bosch, Arsenio Pérez Amaral and Eustaquio Martínez García starting working together as a team in 1984 when they founded N. Tres Arquitectos, S.L. In 2002 the studio changed its name to Corona y P. Amaral Arquitectos, S.L. when it was finally constituted by the architects Antonio Corona Bosch and Arsenio Pérez Amaral. Throughout its professional career the studio has produced over one hundred projects, and has obtained the first prize and various mentions in the Manuel de Oraá Architecture Awards presented by COAC (College of Architects of the Canaries). In recent years it has designed the terminal building at the Tenerife North airport, a project which was exhibited at the MoMA in New York. The studio is currently preparing the extension of the Mencey Hotel (Tenerife’s best known hotel) as well as various housing projects.

La situación, como punto de conexión entre la ciudad de Arrecife y todas las orillas del sur de la Isla, le dan a la Baja del Camello un carácter de lugar privilegiado de observación de las actividades de la playa, el islote del amor y el horizonte, siempre presente. El hecho de que, en algunas ocasiones, las olas salten hasta cubrir la zona y llegar hasta la Playa de El Reducto nos ha sugerido la idea de que, después de una gran marea aparezcan una serie de bolos candentes varados sobre la baja. Pero en este caso esa gran marea proviene del interior de la tierra, de forma que las piezas que emergen fracturan el pavimento ,lo traspasan y confieren a la isla-baja una carácter espacial que favorece diversos tipos de uso ya que los espacios situados entre estos volúmenes serán zonas resguardadas de los vientos desde los que siempre se podrá ver el mar mientras que las piezas ,en sí mismas, servirán de asientos sobre los que se puede estar , con las piernas hacia unos de los lados, apoyarse en ellas o bien sentarse a horcajadas sobre los volúmenes que, de esta forma, se convierten en cabalgaduras desde las que se domina lo que ocurre en un impresionante entorno de 180 grados. El material de que se constituirán estos grandes elementos será de caucho y fibra de vidrio, de forma que no resulte atacable por la corrosión debida al salitre y la acción de los vientos alisios. Acompañando a las grandes piezas varadas sobre la plataforma se sitúa un conjunto de banderolas macizas arrolladas a sus mástiles por medios de cintas de nylon que se prolongan en el aire y se rematan con piezas metálicas de diferentes dimensiones y composición para producir un conjunto de sonidos cuando son agitadas por los vientos. De esta manera se producen líneas de sombra y puntos de sonido. La idea de que las piezas provienen de las entrañas de la tierra se potenciará en la imagen nocturna del conjunto en la que predominarán las luces rojizas procedentes de las fisuras del pavimento y que contagiarán a las piezas-bolos candentes de lava.

The fact that it is the point of connection between the city of Arrecife and the coast of the south of the Island makes La Baja del Camello a privileged vantage point for the activities carried out on the beach, the love isle and the ever-present horizon. The big waves that sometimes cover the area and reach the El Reducto beach, brought to mind the idea of flotsam stranded on La Baja after a high tide. However, in this case the high tide comes from under the ground so that emerging pieces break through the surface of the earth, piercing it and conferring the Baja-Island with a special nature that allows for various functions, for the spaces located in-between the volumes will provide shelter from the winds, from which it will always be possible to have a view of the sea. Meanwhile, the pieces in themselves will function as seats on which to sit and rest with your legs to one side, or to lean against or to seat astride as if they were saddles from which to get a 180º view of everything happening nearby. The material these large elements will be made of is rubber and fibreglass, thus making them resistant to corrosion caused by saltwater and the action of the trade winds. The large washed-up elements stranded on the platform, will be accompanied by a number of solid banners wrapped around masts with nylon ribbons that extend out into the surrounding air and crowned with metal pieces of various sizes and shapes, producing sounds when blown by the winds. Thus lines of shadow and points of sound are produced. The idea that the pieces come from the very heart of the earth is reinforced at night time with reddish lights coming from cracks in the earth turning the elements into burning lava.


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ÁRBOLES ESCULTURA, INTERVENCIÓN EN EL PARQUE RAMÍREZ CERDÁ TREE SCULPTURE, INTERVENTION IN RAMÍREZ CERDÁ PARK

BLANCA FAJARDO LÓPEZ

(Tenerife, 1973) Entre los años 1999 y 2000 trabaja como colaboradora en la oficina municipal de Oporto para la rehabilitación del patrimonio, CRUARB. En 2003 se gradúa como Arquitecta, por la ETSA de Las Palmas de Gran Canaria. Ha colaborado con varios estudios de arquitectura. Entre los años 2002-2005 trabajó en la redacción del planeamiento para el Estudio de Fernando Senante. En 2005 abre su propio estudio en Arrecife

(Tenerife, 1973) Between 1999 and 2000 she worked as a collaborator with CRUARB, the municipal office for the recovery of heritage in Porto. Graduated as an architect from the ETSA Architecture School of Las Palmas de Gran Canaria in 2003. She has collaborated with several architecture studios. Between 2002-2005 she worked on city planning projects for the Fernando Senante studio. And in 2005 she opened her own studio in Arrecife.

“El ciudadano necesita de referencias innovadoras para poder opinar como también necesita de lo cotidiano para poder vivir” Xerardo Estévez. Arte público: naturaleza y ciudad.

“Citizens need innovative references to be able to express an opinion Just as they need the everyday in order to live” Xerardo Estévez. Arte público: naturaleza y ciudad.

Exhibiendo su carácter simbólico el parque Ramírez Cerdá se propone como un espacio que establece una relación íntima entre cultura, historia y naturaleza. Donde el deambular cotidiano se entremezcla con la tradición y la historia. Lugar destacado del frente urbano de Arrecife y de su Centro histórico, junto con la Plazuela, la Calle Real y el Charco de San Ginés. Estos lugares han ido tomando su posición dentro de la nueva ciudad ya sea por su interés turístico, administrativo o comercial, quedando el Parque algo olvidado en el deambular cotidiano. Propone como experiencia, recuperar el asombro que reside en nuestra memoria y volver consciente la capacidad humana de invención como morada común entre los hombres. Al intervenir en el Parque, en un espacio de nuestra memoria corremos el peligro de rodearnos de prejuicios, de trabas y miedos; para evitarlo he partido de la convicción de que la actuación efímera sobre el espacio público suscitará el debate, la opinión crítica desprejuiciada y, por tanto, que los habitantes de la ciudad ejerzamos nuestra condición de ciudadanos. La mirada que la arquitectura hace de su entorno parte del análisis de la realidad y, tras ello busca soluciones a problemas concretos: destrucción de la masa arbórea, falta de sombra y mala iluminación. Con una mirada algo naif he intentado reflexionar sobre el espacio público aportando una solución más escultórica que arquitectónica. El color, las diferentes texturas de las mallas y la iluminación son la esencia de estos nuevos árboles abstractos que cubrirán, abrazarán y protegerán a los actuales para que se regeneren. A la hora de intervenir en el espacio público he querido llevar la idea a la máxima abstracción y dejar que los materiales de trabajo: luz, color, textura y forma se muestren con libertad y sin artificio. Un árbol abraza a un árbol, lo protege, lo mima. La luz y el color que muestra ofrecerán, mientras una visión libre y rotunda quiere suscitar el debate entorno a él, como en su momento personajes de nuestra historia debatieron bajo su sombra.

Underscoring its symbolic character, the Ramírez Cerdá Park is refocused as a space creating an intimate relationship between culture, history and nature, where an everyday stroll in the park is interwoven with tradition and history. This park is in a prominent urban location in Arrecife and its old quarters, next to the Plazuela, Calle Real and the Charco de San Ginés. While these places have all found their own place within the new city whether for their tourist interest, as shopping areas or for use by the local authority, the Park has been left out of the everyday pedestrian life of the city. What this project proposes is an experience, the recovery of a sense of wonder in our memory and a reactivation of the human capacity for invention as a shared ground between people. By intervening in the Park, in a space registered in our memory, we run the risk of limiting ourselves by accepting prejudices, shackles and fears. To avoid this, I have started out from the conviction that the ephemeral action in the public space will stimulate debate, unprejudiced critical opinions and, as a result, inhabitants of the city will exercise their role as free citizens. The gaze architecture casts on its environs is based on an analysis of existing reality and a search for solutions to specific problems like the destruction of the mass of trees, the lack of shade and bad lighting. With a somewhat naif gaze I want to reflect on the public space and come up with a solution that is more sculptural than architectural. The colour, the varying textures of the netting and the lighting are the essence of these new abstract trees that will cover, embrace and protect the existing trees so that they can regenerate. When it comes to intervening in a public space I wanted to take the idea to its maximum abstraction and allow the working materials—light, colour, texture and form—to express themselves freely and non-contrived. A tree embraces a tree, protects and pampers it. The light and the colour offer a free and open vision which wishes to foster debate around it, just as in earlier moments celebrities from our history also debated under its shade.


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CHARCO DE SAN GINES. MORRO DE LA ELVIRA

MAGÜI GONZÁLEZ

Es Arquitecta por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Las Palmas de Gran Canaria. Asimismo, es profesora de Proyectos Arquitectónicos en el mismo centro. Desde 2004 es miembro de la Comisión Técnica del DoCoMoMo Ibérico. Sus trabajos han sido galardonados con los premios Oraá en 1985 y 2006, y resultó finalista en los Premios FAD, también en 2006. Ha obtenido primeros premios en concursos regionales y nacionales de reconocido prestigio. Sus trabajos han sido expuestos en bienales y muestras nacionales e internacionales entre los años 1990 y 2006.

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Graduated as an architect from the ETSA Architecture School of Las Palmas de Gran Canaria. She is a lecturer in Architectural Projects at the same school. Since 2004 he is a member of the Technical Commission for DoCoMoMo Ibérico. Her projects won the Oraá Award in 1985 and 2006, and she was shortlisted for the FAD Awards, also in 2006. Her designs have received the first prize in prestigious regional and national competitions, and have been exhibited at Spanish and international biennials and shows from 1990 to the present.

El proyecto consiste en la captura de un fragmento de la obra del artista Juan Gopar Vuelo en el patio, aumentamos su escala y lo devolvemos a su condición utilitaria: una sábana ahuecada por el viento y que da sombra. La operación arquitectónica invierte así el proceso del ready made Duchampiano. La sombra se apoya en un soporte de hormigón blanco sobre la que vuela una delgada lámina de espesor variable construida con doble capa de fibra de carbono con interior de espuma de poliestireno. Por la noche puede emitir luz propia, como las luciérnagas, gracias a la utilización de áridos fosforescentes. La creación de un lugar de sombra nos sirve de excusa para proponer un nuevo tramo del paseo que sirva de elemento de mediación entre la roca y el mar, y que se utilice, además, de plataforma de baños. El morro de la Elvira es una roca de enorme presencia paisajística dentro de la charca, su encuentro con el mar fue brutalmente agredido en los años 70 por un paseo de hormigón, las barandillas postmodernas y las farolas de desproporcionada presencia provocan el alejamiento del ciudadano del mar y de la posibilidad del contacto con el agua. Proponemos un encuentro del morro con su orilla más amable, más orgánico, más ondulante, más natural…, más paisaje. Una pasarela realizada con traviesas recicladas de ferrocarriles, se apoya en el agua para poder tocarla con la mano, entre ellas se insertan líneas de iluminación de suelo, se ve la luz pero no el foco emisor, crean un ambiente más íntimo y acogedor que las molestas farolas que existen actualmente. Una segunda plataforma 40 cm más baja nos sirve de banco y nos acerca al agua sirviendo de plataforma de baños, que pronto serán posibles gracias a una próxima regeneración medioambiental de los fondos marinos por parte del Ayuntamiento...

The project involves capturing a fragment of the work by the artist Juan Gopar Vuelo en el patio. Once captured and after enlarging its scale, we return it to its utilitarian condition: a sheet billowing in the wind that provides shade. In this way, the architectural operation inverts the Duchampian ready-made process. The shadow rests on a white concrete support, over which a thin sheet of variable thickness is projected, built with a double layer of carbon fibre on either side of polystyrene foam. It can give out its own light in the evenings, just like fireflies, thanks to the use of phosphorescent. Creating a shady place is an excuse to propose a new stretch of the promenade acting as a mediating element between the rock and the sea, and which may also be used as a bathing platform. The Morro de la Elvira is a rock sticking out from the pool with enormous landscape presence. Its point of contact with the sea was subject to a brutal aggression in the 1970s with the construction of a concrete promenade, post-modern banisters and ill-proportioned lampposts, scaring citizens away from the sea and from any possible contact with the water. We now advocate a more gentle, organic, sinuous, natural and landscape-oriented contact of the Morro with its shore. A gangway made with recycled railway sleepers, supported on the water so it is possible to touch it with our hands. Lines of light at ground level are installed in-between, projecting light outwards but without revealing the source, thus creating a more intimate and cosy atmosphere than the current lampposts. A second platform 40 cm lower may be used as a bench bringing us closer to the water and acting as a platform for bathing, an activity that will soon be made possible thanks to the environmental regeneration of the sea bed by the Town Council.


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CHARCO DE SAN GINÉS, LAS CUATRO ESQUINAS

GPY ARQUITECTOS JUAN ANTONIO GONZÁLEZ PÉREZ

Desde 1990 es Arquitecto por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria y fue premio al mejor expediente académico en 1993. Desde este mismo año es Profesor Asociado de Proyectos Arquitectónicos en la E.T.S.A. de Las Palmas de Gran Canaria y en 2000 es nombrado Vocal de Cultura en el Colegio de Arquitectos de Canarias, Demarcación de Tenerife, La Gomera y El Hierro. Sus trabajos han sido premiados con los más prestigiosos galardones nacionales e internacionales. Graduated as an architect from the ETSA Architecture School of Las Palmas de Gran Canaria in 1990 and received an award in 1993 for most outstanding academic record. Since then he is an Adjunct Professor in Architectural Projects at the above school and in 2000 he was appointed Cultural Spokesperson on the board of COAC (College of Architects of the Canaries), Delegation of Tenerife, La Gomera and El Hierro. His projects have won several prestigious Spanish and international awards.

URBANO YANES TUÑA

Desde 1996 es Arquitecto por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria y Profesor Asociado de Proyectos Arquitectónicos en la E.T.S.A. de Las Palmas de Gran Canaria desde 2003. Sus trabajos individuales, así como en colaboración con Juan Antonio González Pérez han sido premiados con los más prestigiosos galardones nacionales e internacionales. Graduated as an architect from the ETSA Architecture School of Las Palmas de Gran Canaria in 1996 and is Adjunct Professor in Architectural Projects at the same school since 2003. His individual projects, as well as those in collaboration with Juan Antonio González Pérez, have won several prestigious Spanish and international awards. CONSTANZE SIXT

Arquitecta por la Universidad de Stuttgart desde 2001 y desde ese mismo año es arquitecta colaboradora de gpy arquitectos. Graduated as an architect from the University of Stuttgart in 2001, since when she has been working as a collaborating architect with gpy arquitectos.

La actuación en el Charco de San Ginés, dentro de la iniciativa Especies de Espacios,Microarquitecturas para Arrecife, se plantea en base a la oportunidad de recuperar áreas de gran valor patrimonial para la ciudad. En este sentido, el lugar elegido, “las cuatro esquinas”, se configura como enlace, mediador entre el espacio urbano de la calle principal del casco urbano, la calle Real, y el gran vacío interior que constituye el Charco de San Ginés, postergado históricamente a una posición trasera y residual con respecto al crecimiento urbano de la ciudad. Recuperar para el Charco, un papel relevante para la ciudad, conlleva sustantivar los valores de su naturaleza particular, de vacío “interior” de la ciudad, cualificado para servir de marco y escena de la relación íntima de los ciudadanos de Arrecife con el mar. Esta relación, otrora intensa, donde los habitantes de Arrecife disfrutaban en el borde del Charco, siempre cambiante, de un espacio público versátil, de una “orilla” urbana, se ve actualmente dificultada por la configuración del borde-límite del paseo y amenazada por el proceso de regeneración del tejido edificatorio del entorno. Si entre los temas genéricos de reflexión de la iniciativa Especies de Espacios, Microarquitecturas para Arrecife, se plantea el papel de la sombra como elemento recualificador de espacios urbanos, dotaremos a la sombra de un papel activo preservando un contorno preciso, un lugar, el de “las cuatro esquinas”, donde desplegar la iniciativa de recuperación. Se propone así, en este ámbito, incorporado por la ciudad al Charco y, por tanto, fruto de una nueva vocación urbana de reencuentro, comenzar la redefinición del borde del charco para las actividades de ocio, baño y relación social. Recuperar una relación Charco-Ciudad, y un uso de la “orilla” como espacio público, donde el medio urbano y la naturaleza se entremezclan, en Arrecife, en una forma específica en razón de los ritmos de las mareas. Entendiendo el carácter variable de esta relación, la intervención se materializa en una propuesta de borde que enfatiza la percepción de lo móvil, de los intervalos entre pleamar y bajamar mediante la regeneración de un charco para el baño urbano, dentro del Charco de San Ginés, dentro de la ciudad de Arrecife y en la ausencia de sombra.

The action in Charco de San Ginés, as part of the Species of Spaces, Micro-architectures for Arrecife project, was addressed from the viewpoint of the opportunity to recover areas with enormous heritage value for the city. In this regard, the chosen area, know as “las cuatro esquinas” or the four corners, is a kind of nexus or link, a mediator between the urban space of the main street in the old quarters, calle Real, and the huge interior empty space of Charco de San Ginés, historically relegated to a residual position with respect to the urban growth of the city. To recover a major role for the Charco within the city, means substantiating the values of its particular characteristics, this “interior” emptiness in the city, qualified to serve as a framework and setting for the intimate relationship of the citizens of Arrecife with the sea. This once intense relationship in which the inhabitants of Arrecife used the always changing Charco as a versatile public space, an urban “shore”, is now impeded by the configuration of the boundary-barrier of the promenade and threatened by the process of regeneration of the building weave of the surrounding area. Given that one of the central themes for reflection in the Species of Spaces, Micro-architectures for Arrecife projects was precisely to address the idea of shade as a requalifying element of urban spaces, we will now give shade an active role by preserving a precise environs, a place, “the four corners”, from which to unfold the recovery plan. What we are proposing is to begin the redefinition of the boundary of the Charco with leisure activities, bathing and social relations, and in so doing conceive a new urban place for mutual encounters in the city. To recover the relationship between the Charco and the City, and to use this “shore” as a public space where the urban meets nature, with a specific form based on the rhythm of the tides. Accepting the variable character of this relationship, the intervention is materialised in a proposal for a boundary that outlines the perception of mobility, of the intervals between high and low tides by means of a regeneration of a space for urban bathing, within the Charco de San Ginés, within the city of Arrecife and in the absence of shade. gpy arquitectos

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... SOBRE EL ESPACIO URBANO: PAISAJES DE ENCUENTRO ... ...ON URBAN SPACE: LANDSCAPES OF ENCOUNTER ...

VIRGILIO GUTIÉRREZ HERREROS

(Tenerife, 1958) Arquitecto desde 1982, por la Escuela de Madrid después de los primeros años en la Escuela de Las Palmas. Durante el último curso fue alumno colaborador en la Cátedra de Composición a cargo de Rafael Moneo. Desde entonces ha realizado continuas colaboraciones con diferentes arquitectos y estudios en el desarrollo de trabajos en la Isla. Abre oficina en Santa Cruz en 1984. Desde 1988 colabora con el Colegio de Arquitectos desempeñando diversas funciones; entre otras: Vocal de Cultura de la Demarcación de Tenerife, La Gomera y El Hierro en el periodo 1995-2000 (con la organización de múltiples actividades en torno a la arquitectura y el paisaje) y Presidente de ésta desde entonces. Distinciones en diversas ediciones del Premio Manuel de Oraá de Arquitectura en Canarias, con Menciones en la 5ª (33VPO), en la 8ª (97 VPO), en la 9ª (Centro de servicio al ciudadano), en la 10ª (164 VPO y Aula medioambiental), en la 12ª (18 Apartamentos en La Mareta) y Premio en la 10ª edición, concedida en el año 2002 (Casa Barrera), todas realizadas en colaboración con diferentes compañeros. Sociedad con Herzog & de Meuron para el desarrollo del Instituto Óscar Domínguez, en construcción. Sociedad con Herzog & de Meuron para la remodelación de la Plaza de España y su entorno, también en construcción. Impulsor y coordinador, desde la Demarcación, de la colección Documentos de Arquitectos Canarios. Publicación de trabajos y escritos en diferentes revistas especializadas. Miembro del Comité Científico de la 1 Bienal de Arte, Arquitectura y Paisaje de Canarias.

(Tenerife, 1958) Graduated as an architect in 1982 from the School of Architecture in Madrid after beginning his studies in Las Palmas. In his final year he collaborated with the Professorship of Composition led by Rafael Moneo. Since then he has worked with various architects and studios in the development of projects on the island. He opened his own studio in Santa Cruz in 1984. Since 1988 he has held several posts at the College of Architects of Tenerife, La Gomera and El Hierro; among others, he has been Spokesperson for Culture from 1995 to 2000 (organising many activities involving architecture and landscape). At the moment he is President of the college. He has won many awards in various editions of the Manuel de Oraá Architecture Awards, with Mentions at the 5th edition (social housing), the 8th (social housing), the 9th (Citizen Services Centre), the 10th (social housing and an Environmental Centre), 12th (apartments in La Mareta) and an Award in the 10th edition in 2002 (Casa Barrera), all designed in collaboration with different colleagues. He worked in association with Herzog & de Meuron in the development of Instituto Óscar Domínguez, and in the remodelling of Plaza de España, both projects currently in construction. He has led and coordinated the collection Documentos de Arquitectos Canarios. He has published essays in many architecture magazines. He is a member of the Scientific Committee of the 1st Architecture, Art and Landscape Biennial of the Canaries.

...sobre el espacio urbano: paisajes de encuentro*... ...Juan nos pide que plantemos unos árboles...“Arrecife necesita árboles y sombra...y lugares para los niños”... rincones que acojan su curiosidad...que arropen sus juegos, su imaginación, sus fantasías...sus risas... ...en Arrecife ya pasamos algún verano...lo recuerdo como un sitio de calles estrechas, de casas y plazas pequeñas; con un charco grande que no olía muy bien; con un castillo negro para el arte moderno; con barquitos al fondo; con un hotel, de pronto, metido en el mar, raro y grande, muy grande, que siempre se veía; con una playa donde sobraba mucho sitio, donde comprendimos eso de las mareas al verlas subir y luego pausadamente observarlas bajar y bajar; con un paseo largo, muy, muy largo, que parecía que siempre se perdía... lo recuerdo como un sitio extraño, como de paso, donde siempre teníamos que esperar... ...y Juan, hoy, nos pide que plantemos unos árboles... ...pero los árboles han de crecer...¡a veces se ponen muy pesados!...y les tenemos que cuidar mucho; regar, abonar, podar, limpiar, empujar y quitar los bichos...y las sombras tardarán... ...podemos colocarlos aquí y allá...asomando desde la esquina...velando el mar...en pequeños grupos...como de unos siete...distanciados para no perdernos y poder ir saltando, cuando crezcan, de sombra en sombra, como cuando juegas al parchís... ...podemos protegerlos mientras crecen y para no perder los sitios prepararlos para algo que haga falta...y hacer lo que hace Juan...podemos recoger aquello que se cae: usarlo para los árboles y dárselo a los niños... ...y en un despiste...en un pausado abrir y cerrar de ojos... los árboles crecerán...y esos niños crecerán...y las sombras también crecerán...y también los recuerdos...y en esos lugares, ahora de la memoria, de claroscuros, bajo el manto verde de ramas y de hojas donde ahora se entrelaza el sol y la luz, azocados de la brisa y del vacío, y de las risas de los que ahora son niños, descansaremos la curiosidad en ese espacio atrapado de sombras y de brillos, del rugir del mar en su empeño de ir y venir, de las huellas del viento, de las hojas y de los pies, del olor a verde y azul, en una fiesta constante de encuentros de tiempos y de sentir... ...probemos, Juan, plantando en la playa, allí donde se ven, a la salida de la esquina, siete árboles...donde la ola, ya mansa, no tenga aliento para llegar...busquemos los más fuertes y resistentes...los que aguanten sin regar y ¡tanta sal!...y ¡tanto sol!...distanciados para que en breve, con el simple rocío, entrelacen ramas y copas...busquemos tablas y tablones olvidados, arrimados, desgastados...levantemos

...On urban space: landscapes of encounter*... ...Juan asks us to plant a few trees...“Arrecife needs trees and shadows...and spaces for children”...corners to explore... for their games … their imagination … their fantasies … their laughter... ... we spent some summer in Arrecife in the past...I remember it as a place with narrow streets, small houses and plazas; with a rather smelly large pond; with a black castle for modern art; with little boats in the horizon; all of a sudden, with a hotel in the sea, odd and large, very large, that was always visible; with a beach with plenty of space, where we understood the song and dance of the tides by seeing them rising and then slowly ebbing; with a long, extremely long promenade, that always seemed to lose its way … I remember it as a strange place, not a place to stay for long, where we always had to wait... ... and today Juan asked us to plant some trees... ...but trees must grow...and they are so stubborn sometimes!... and they demand a lot of care; watering, fertilising, pruning, cleaning, pushing, debugging … and the shade will take time to appear... ... we could arrange them here and there...in any corner... looking out to sea...in small groups around seven... spaced so that we don’t get lost and can jump, when they are big enough, from shade to shade, as if playing hopscotch... ... we could protect them while growing and to prevent us from losing the places, prepare them for whatever may come … and do what Juan does...we may pick up what falls to the ground: use it for the trees and give it to the kids... ... and in a moment of daydreaming … in a slow opening and closing of the eyes … the trees will grow … and the kids will grow … and the shades will also grow … and so will memories … and in those places, now belonging to memory, of chiaroscuros, under the green mantle of branches and leaves where sun and light are intertwined and gently shaken by the breeze and emptiness, by the laughter of those who are now children, we shall rest our curiosity in that space trapped with shades and sunlight, with a sea roaring in its ebb and flow, with the traces of the wind, with leaves and feet, with the smell of green and blue, in a never-ending festival of comings and goings, of times and feelings... ... let’s try, Juan, to plant seven trees on the beach, where they can be seen, at the corner … where the exhausted wave can barely reach … let us look for the strongest and most resilient ones … those capable of surviving without watering and so much salt!...and so much sun!...spaced now so, shortly, with the simple dew, their branches and crowns intertwine … let us look for boards left behind, piled up, worn out … let us build fences


Noviembre de 2006... para Juan de Virgilio...

November 2006... for Juan de Virgilio...

* (Paisajes de encuentro...precioso título de Pepe Sosa para el taller de Fuerteventura de la 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias )

* Landscapes of Encounter... a beautiful title by Pepe Sosa for the Fuerteventura workshop of the 1st Architecture, Art & Landscape Biennial of the Canaries

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and eaves...bringing the longed-for shade forward!... and with those same boards let’s make benches all around the place... with their back to the heat and protected from the breeze... and always looking out to sea...Juan, paint those canvases with colour!...the way you do...but not all of them!...leave some for the kids...let them do it!...let them pick up the chalk from the ground with all the colours we must look for...for the joy of their hands and their clothes...their eyes, their faces and their laughter...chalk to fertilise trees...it would be brilliant!...chalk painting and fertilising!...and so, little by little, we would apprehend the true consciousness of the place … and meanwhile, little by little, the place would grow, would transform itself … a corner of lived time … of memory...of a space still to be lived... a landscape of an ever shared landscape...

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tapias y aleros...¡que adelanten esa sombra anhelada!... y hagamos, también, con esas mismas tablas, bancos aquí y allá...de espaldas al calor y escondidos de las brisas...y siempre mirando el mar...¡pinta Juan de colores esos lienzos!...como tú lo haces...pero, ¡no todos!...deja alguno para los niños...¡que lo hagan ellos!...que cojan del suelo las tizas de todos los colores que debemos de buscar...que alegren sus manos y sus ropas...sus ojos, sus caras y sus risas...tizas que abonen los árboles...¡sería fantástico!...¡tizas que pinten y que abonen!...y así, poco a poco, aprehenderíamos la conciencia del lugar...y mientras, poco a poco, el sitio crecería, se transformaría...rincón del tiempo vivido...del recuerdo y de la memoria...y del espacio por vivir...paisaje del encuentro siempre compartido...


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PASARELA ARRECIFE

LPA

LPA fue fundada en el año 2002 en las Palmas de Gran Canaria, con el objetivo de desarrollar técnicas de proyectación y de planificación urbana capaces de desplegar el potencial social y económico que ofrecen las geografías del buen tiempo. Los trabajos de la oficina incluyen proyectos arquitectónicos, planes urbanísticos e investigaciones sobre fenómenos territoriales. Actualmente la oficina está trabajando en proyectos residenciales, culturales y educacionales, además de propuestas urbanísticas en varios municipios de las Islas. En paralelo a la producción propia, LPA tiene abierta colaboraciones profesionales con oficinas internacionales como UNStudio (Ámsterdam) y OveArup (Madrid-Londres). El trabajo de la oficina ha sido premiado en concursos nacionales e internacionales.

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LPA (Laboratorio de Planeamiento y Arquitectura) was founded in 2002 in Las Palmas de Gran Canaria, with the mission to create projecting and urban planning techniques capable of channelling the social and economic potential of geographies with good weather. The office’s projects include architecture projects, city planning and research into territorial phenomena. The office is currently working on residential, cultural and educational projects, besides a range of urban planning commissions for various towns in the Islands. Together with its own projects, LPA undertakes ongoing collaborative work with international offices like UNStudio (Amsterdam) and OveArup (Madrid-London). The studio has won several awards in Spanish and international competitions.

JUAN PALOP CASADO

Fundador /Director LPA en el año 2002. En 1995 se gradúa como Arquitecto por la ETSA de Las Palmas de Gran Canaria. Máster in Design Studies, Harvard University, EE.UU. Desde 1998 es profesor de Urbanismo en la ETSA Las Palmas. Founder and Director of LPA in 2002. Graduated as an architect from the ETSA Architecture School of Las Palmas de Gran Canaria in 1995. He obtained a Master in Design Studies from Harvard University, USA. Since 1998 he has lectured in City Planning at the ETSA of Las Palmas. CRISTINA SUÁREZ LACALLE

Directora de Investigaciones LPA. Licenciada en Filosofía por Universidad de Navarra en 1991. Máster en Acción Directiva, IESE. Universidad de Navarra. Es socia fundadora LPA (Laboratorio de Planeamiento y Arquitectura, sl). Research Director of LPA. Graduated in Philosophy from the University of Navarra in 1991. She obtained a Master in Management Action, from IESE, at the University of Navarra. She is a founding member of LPA.

JAVIER GARCÍA PÉREZ

Coordinador de Proyectos LPA Se graduó en Arquitectura en 2001 por la ETSA de Las Palmas de Gran Canaria. Máster en Proyectación Urbana y del Paisaje por la ULPGC.. Ejerce profesionalmente en proyectos de edificación, dirección de obra, urbanismo y planeamiento. Projects Coordinator of LPA Graduated as an architect from ETSA of Las Palmas de Gran Canaria in 2001. Obtained a Master in Urban Projecting and Landscape from ULPGC. Works professionally on construction projects, project management, and city planning.

FERNANDO PORTILLO DE ARMENTERAS

Coordinador de Proyectos LPA. Graduado por la ETSA de Las Palmas de Gran Canaria en 2004. Ejerce profesionalmente en proyectos de edificación y dirección de obra. Projects Coordinator of LPA Graduated as an architect from ETSA of Las Palmas de Gran Canaria in 2004. Works professionally on construction projects and project management.

La vida urbana se traduce en un movimiento aleatorio continuo. La comunicación e interrelación de las personas genera energía. La concentración de energía producida por el movimiento y la interrelación se traduce en áreas de vitalidad. Las áreas de concentración de vitalidad generan áreas de oportunidad. La ciudad está viva. Los usuarios son neurotransmisores urbanos. La ciudad necesita energía. Generarla supone generar más movimiento, más vitalidad, más fuerza, más músculo. La existencia de una fractura en el caudal de energía que recorre la ciudad se presenta como una oportunidad para generar una nueva área de concentración. Nueva energía. Las necesidades y sinergias entre lugar-usuario y usuario-usuario definirán el proyecto. City life produces continuous random movements. Communication and interrelation between people generates energy. The concentration of energy produced by movement and interrelation in turn creates areas of vitality. And the areas of concentration of vitality then generate areas of opportunity. Cities are alive. Its users are urban neurotransmitters. Cities need energy. And energy generation involves more movement, more vitality, more power, more muscle. The existence of a fracture in the flow of energy running through the city is an opportunity to generate yet another new area of concentration. New energy. The needs an synergies of place-user and user-user needs and synergies will define the project.


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LUZ AL LÍMITE LIGHT AT THE EDGE

FERNANDO MENIS

(Tenerife, 1951) Estudió Arquitectura y Bellas Artes en Barcelona donde conoció a Felipe Artengo y José María Pastrana con los que formaría estudio durante la década de los ochenta y noventa, después de pasar dos años en Francia. En el año 2004 abrió su propia oficina, Menis Arquitectos. Sus trabajos han sido premiados con prestigiosos galardones entre los que se encuentran: Concurso internacional de dibujo industrial: Un objeto para b.d. con Inés Rodríguez Mansilla, Tumbona YUH (1989); primer premio Manuel Oráa, casa MM (1999); finalista del premio FAD casa MM (1999); primer premio del Frente Marítimo de Puerto de Cruz (2004); primer premio; Rehabilitación del centro histórico de Agulo y Vallehermoso en La Gomera (2005); primer premio Viviendas Sociales MUVISA (2005).

(Tenerife, 1951) He studied Architecture and Fine Arts in Barcelona, where he met Felipe Artengo and José María Pastrana with whom he would set up a studio in the 1980s and 1990s, after two years spent in France. In 2004 he opened his own office, Menis Arquitectos. His works have won prestigious distinctions, including the International Competition of Industrial Drawing, an object for b.d. with Inés Rodríguez Mansilla, the YUH deck chair (1989); a first prize in the Manuel Oráa Award, MM house (1999); a finalist in the FAD Award, MM house (1999); first prize for the Puerto de Cruz Seafront (2004); first prize for the Renewal of the historical centre of Agulo and Vallehermoso in La Gomera (2005); first prize in the MUVISA Award for social housing (2005).

Lanzarote se caracteriza, junto con el resto de las islas que componen el archipiélago canario, por tener personalidad muy marcada en la configuración de sus paisajes que las hace diferenciarse entre sí y han sido musas de múltiples artistas de diferentes ramas a lo largo de la historia .En el caso de Arrecife, además, se caracteriza por sus vientos que, aunque no formen parte del mundo de lo visible (si del sensible), acaben teniendo influencia en el mundo de lo visible, esto es, los asentamientos humanos y el espacio natural. Efectivamente, la vegetación existente y su valor para configurar espacios quedan en entredicho debido a que los fuertes vientos no propician la proliferación de la masa forestal, que, en definitiva, es la arquitectura primigenia. Esto hace que, a pesar de la amabilidad y estabilidad de sus temperaturas, la arquitectura juegue un papel fundamental de protección del hombre frente a los agentes externos –viento y sol–. Recurramos a la tapia, entonces, como elemento primero para actuar en este entorno y mejorar la calidad de vida. Una herramienta low-tech que siempre se destacó por su capacidad de sustentar una cubierta que acabaría configurando un espacio cerrado en el que vivir .Sin embargo la tapia antes de sustentar una cubierta, divide el espacio en dos. Su verdadera esencia reside e su poder de partición pues una tapia no lo es menos por no preceder a un techo. Toda acción humana supone una reacción del entorno natural. En el caso de Lanzarote, y con la orientación adecuada, la diferencia más inmediata entre ambos lados del tapia será que, en uno de ellos, no hace viento y, por lo tanto, puedan existir un árbol que un principio no podría subsistir y que por su escala y complexión propicia la sombra aparte de su capacidad de generar un espacio alrededor. La tapia se convierte en un elemento puro porque no necesita sostener una cubierta que nos proteja de soleamiento, tan solo a sí mismo. Pero la reacción no acaba aquí. Bajo el árbol un sombrajo. Bajo el sombrajo un lugar. Añadamos una silla y obtendremos un lugar para estar. Un lugar para la relación y para la comunicación, factores fundamentales para el desarrollo social y la vida. Contradictoriamente podría decirse que, por esta vez, una tapia nos ha facilitado la comunicación. Es muy fácil, tan sólo hace falta comprender la trascendencia y el potencial de una simple tapia. El arquitecto, como agricultor, a veces sólo necesita plantar una semilla. De la misma manera, en el entorno de la ciudad tienen lugar situaciones inesperadas cuya rectificación supone un auténtico shock social .El arquitecto como cirujano debe saber encontrar remedios, para mejorar el espacio público que no sean excesivamente traumáticos para, con lo mínimo, subsanar los vicios de nuestro entorno arquitectónico y revivir los lugares que quedaron abandonados.

Like the rest of the islands in the Canaries, Lanzarote is known for a well-defined character in the configuration of its landscape, highly differentiated from the others. A landscape that has inspired many artists working in all types of disciplines throughout history. More specifically, Arrecife is famous for its winds which, even though they are not visible (though they are indeed part of the sentient world), end up influencing what we see, namely, the human settlements and the natural environment. In point of fact, the existing vegetation and its ability to configure spaces is conditioned precisely by the action of these winds, which prevent the proliferation of trees and forests which, after all, were our primeval architecture. This means that, notwithstanding the mild and stable weather conditions, architecture has had to play the major role in protecting men from external agents such as wind and sun. Let us then look to the wall as an original element to intervene in this environment and improve its living conditions. A lowtech tool that has always been used given its ability to support a roof that would then end up covering the closed space for dwelling. However, before holding up a roof, the wall first of all separates the space in two. In fact, its true essence lies in its power to divide spaces, for a wall is no less a wall whether a roof follows or not. Any human action implies an equal reaction in the natural environment. In the case of Lanzarote and with the appropriate orientation, the most immediate difference between both sides of the wall will be the absence of wind on one side and therefore the feasibility for a tree to exist, one whose scale and shape would produce shade apart from its ability to create space. The wall is therefore a pure element because it does not need to hold up a roof that protects us from the sun, but only itself. But the reaction does not stop there. A shadow forms under the tree. The shade in turns forms a place. If we add a chair, we then have a place to inhabit. A place for relationship and communication, essential factors for social development, for life itself. On the contrary, it could be well said that, for once, a wall has made communication easier. It is not hard to understand, we just need to recognize the transcendence and potential of a simple wall. Like a farmer, architects sometimes need to plant a seed. Similarly, the environs of the city is an arena for unexpected situations which call for true social upheaval. Just like surgeons, architects should look for non-traumatic remedies to improve public spaces and cure, with minimum means, the vices of our architectural environment and bring new life to previously neglected places.


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¿… ESPACIO PÚBLICO…? PUBLIC SPACE…?

MRD ARQUITECTURA

Estudio fundado en 2000, por Marina Romero y Ricardo Devesa. Desde entonces han construido proyectos en Catalunya, la Comunidad Valenciana y Canarias. Ambos son profesores asistentes de proyectos en la ESARQ-UIC de Barcelona y habitualmente participan en sus Talleres Verticales. En el 2003 fundaron la editorial de libros KEYBOOK®, junto a Fernando Guerrero. The MRD arquitectura studio was founded in 2000 by Marina Romero and Ricardo Devesa. Since then it has built projects in Catalonia, Valencian Community and the Canary Islands. Both of the founding members are adjunct lecturers in Projects at ESARQ-UIC in Barcelona and take part regularly in its Vertical Workshops. In 2003 they founded the KEYBOOK® publishing house together with Fernando Guerrero.

MARINA ROMERO

Arquitecta por la ETSA de Barcelona. Su proyecto de fin de carrera obtuvo matrícula de honor y fue finalista de los premios Dragados. Participó con Casariego/Guerra, AMP y Chesa/Mena. Colaboradora entre 1989 y 19998 de la Agencia de Publicidad FERNANDO GUERRERO C&D. Corresponsal de la revista Quaderns. Actualmente es directora de la revista BASA y está cursando el doctorado en la UPC. Graduated as an architect from ETSA in Barcelona. Her degree project was awarded a distinction and was shortlisted for the Dragados Awards. She took part with Casariego/Guerra, AMP and Chesa/Mena. Between 1989 and 1998 she collaborated with the FERNANDO GUERRERO C&D advertising agency. Correspondent for the Quaderns magazine. She is currently editor of the BASA magazine and studying for a doctorate at UPC.

RICARDO DEVESA

Arquitecto por la ETSA de Valencia. Fue miembro del equipo de redacción de Quaderns. Colaboró con la Editorial ACTAR y en los Festivales de arquitectura Metápolis. Ha escrito diversos artículos que han sido editados en publicaciones como Quaderns, Basa, Circo, Lampreave Ediciones y Volume. En 2000 estuvo presente en la Bienal de Venecia con el Colectivo Frágil. Actualmente es coordinador de la revista BASA y está desarrollando su tesis doctoral en la UPC. Graduated as an architect from ETSA in Valencia. Was a member of the editorial board of Quaderns. Collaborated with ACTAR publishers and in the Metápolis architecture festivals. He has written many articles for publications like Quaderns, Basa, Circo, Lampreave Ediciones and Volume. Took part in the Venice Biennale in 2000 with Colectivo Frágil. Currently coordinates the BASA magazine and is working on his doctoral thesis at UPC.

Este descampado es un espacio público, existe y dejará de existir. Un lugar donde ir a pescar, a comer, a beber; un lugar para el vicio. Para todos. Para ir a follar, a romper botellas, a comprar droga, para quedar con los amigos, y con los enemigos… Para jugar con los skates, las bicis. Para competir con el coche, con la moto, con el quad, con el riesgo de caerte al mar. Otras veces morir. Para celebrar conciertos, fiestas y para todo aquello que molesta dentro de la ciudad pero sin estos espacios la ciudad no puede existir. DO NOT DISTURB (…) el espacio público como un ente vivo al que servir, haciendo de él lo que ya es: ese escenario ávido de acontecimientos, dispuesto para que las cosas se crucen y se junten. Extracto del artículo “Espacio Público” de Manuel Delgado, publicado en El País el 05-09-2006. This vacant lot is a public space, it exists and one day will no longer exist. A place to go fishing, to eat, to drink; a place for vice. For everybody. To fuck, To break bottles, to score drugs, to meet friends, and enemies… For skateboarding, bicycles. To race cars, motorbikes, quads, with the risk of falling into the sea. Other times to die. To hold concerts, parties and all kinds of things that bother in the city but without these spaces the city could not exist. DO NOT DISTURB

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(…) the public space as a living entity to be served, making it what it already is: a scenario crying out for things to happen, ready for things to meet and join. Extract from article “Espacio Público” by Manuel Delgado, published in El País on 05-09-2006.


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COSTURAS SEAMS

BÁRBARA MÜLLER

(Argentina, 1970) Estudió arquitectura en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona, graduándose en 2002. Desde 2000 colabora con Martin Martin Aquitectos en Lanzarote. (Argentina, 1970) Graduated as an architect from the ETSA Architecture School in Barcelona in 2002. Since then she has been collaborating with Martin Martin Aquitectos in Lanzarote.

La propuesta comienza a partir de observar la realidad, el uso del litoral de Arrecife. El uso del todo como un todo, como paseo, como sitio para caminar, correr, andar en bicicleta, hacer deporte…jugar, descansar, mirar y ser mirado. Aprovechando el litoral para el deporte, ahora medimos el tiempo de ejercicio con dos vueltas al Charco, desde El Reducto al Puente de las Bolas… Y es allí donde vuelvo a las COSTurAs, que van hilvanando la costa, son marcas en el pavimento que sutilmente miden mi andar, 100 m…200…1000 m…y llego al Parque Infantil, a la parada de taxis, a la Calle Real, al acceso al castillo San Gabriel, al final del Parque Ramírez Cerdá, al Kiosco. Un espacio vivo, activo pero fragmentado, dándose la espalda, rozándose, chinijos, madres, padres, taxis, turistas, deportistas, clientes, gente que pasea, que compra, que mira, que pasa y se queda. Coso nuevamente: uno. Los pongo en relación, los abro al mar, dotándolos de servicios, para los grandes y los chicos para los que van con sillas de rueda o con pañales. El kiosco se enfrenta al parque infantil, éste se dota de sombra…de bancos, formas curvas, colores, texturas. La calle Real, activa arteria comercial es junto al Castillo un solo pespunte. Los taxis, punto de partida o llegada...más organizados, con paradas, con sombras y bancos necesitan apropiarse del litoral. Continuidad de lo urbano con el mar, de lo artificial con lo natural. Continuidad transversal y longitudinal al litoral, a las costuras… Sombra de día, luz de noche. El parque que continúa con el paseo, otra puntada se abre, para la próxima estación…para el próximo “especie de espacio”.

The proposal begins from an observation of reality and the use of the coast in Arrecife. The use of everything as a whole, as a place to stroll, a promenade, for jogging, bicycles, sports …playing, relaxing, to see and be seen. Making the most of the coastline for the practise of sports, we can measure the time for exercise with two circuits of Charco, from El Reducto to the Puente de las Bolas… And it is there where I return to COSTurAs. Costuras are seams or threads sewing together the coast, seams in the pavement that subtly measure how far I walk, 100 m…200 m…1000 m…until I arrive at the children’s playground, at the taxi rank, at Calle Real, at the entrance to the San Gabriel castle, at the end of Ramírez Cerdá Park, at the Kiosk. A living space, active yet fragmented, ignoring each other, rubbing shoulders, children, mothers, fathers, taxis, tourists, joggers, customers, passers-by, shoppers, lookers, strollers and sitters. I start sewing again: one. I put them all together, I open them up to the sea, providing them with services, for adults and kids, for wheelchairs and prams. The kiosk is opposite the children’s playground, which is given lots of shade …benches, curved forms, colours, textures. Calle Real, the main shopping street next to the Castle is just a backstitch. Taxis, arrival or departure... now more organised, with a proper rank, with shade and benches to appropriate the shoreline. Continuity of the urban with the sea, of the artificial with the natural. Transversal and longitudinal continuity with the shoreline, with the seams … Shade by day, light by night. The park is prolonged with the promenade, another stitch is opened, for the next stop …for the next “species of spaces”.

Bárbara Müller

Bárbara Müller


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ESCENARIOS DE LUCES Y SOMBRAS… ESPERANDO LA GUAGUA LIGHT AND SHADOW SCENARIOS… WAITING FOR THE BUS

JUAN MANUEL PALERM SALAZAR

En 1982 obtiene el título de Arquitecto en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Las Palmas de Gran Canaria, con la calificación de sobresaliente. Es Doctor Arquitecto y profesor titular de Proyectos Arquitectónicos de la Escuela de Arquitectura de Las Palmas de Gran Canaria. Entre los años 1983 a 1986 fue becado por el Ministerio de Educación y Ciencia, en el servicio de formación de personal e investigador y por la Universidad Politécnica de Las Palmas, para desarrollar trabajos de investigación (Doctorado) y docencia en el Departamento di Progettazione Architettonica del Instituto universitario de Arquitectura de Venecia. Juan Manuel Palerm Salazar y Leopoldo Tabares de Nava y Marín trabajan desde1985 en su estudio de arquitectura Palerm & Tabares de Nava S.L.

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Graduated as an architect from ETSA Architecture School of Las Palmas de Gran Canaria in 1982. He is a Doctor in Architecture and lecturer in Architectural Projects at the ETSA of Las Palmas de Gran Canaria. Between 1983 and 1986 he received a scholarship from the Ministry of Education and Science, as a trainer and researcher and from the Polytechnic University of Las Palmas, to undertake research (Doctorate) and lecture at the Department of Architectural Projects at the University Institute of Architecture of Venice. Juan Manuel Palerm Salazar and Leopoldo Tabares de Nava y Marín have been working in partnership since 1985 as Palerm & Tabares de Nava S.L architecture studio.

LEOPOLDO TABARES DE NAVA Y MARÍN

Obtiene el título de Arquitecto en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Las Palmas de Gran Canaria, con las especialidades de Edificación y Urbanismo en 1983. Durante su trayectoria profesional ha participado en diferentes programas, conferencias, seminarios y convenios sobre Patrimonios Arquitectónicos. Además, ha publicado diversos artículos en revistas nacionales e internacionales, como Periferia o Basa, entre otras. Ha sido asesor urbanístico del Ayuntamiento de San Sebastián de La Gomera, y actualmente forma parte de su Comisión de Patrimonio Histórico. También es fundador, junto con Juan Manuel Palerm Salazar, de la Fundación Canaria DADO, publicación dedicada a la divulgación de la Arquitectura y Urbanismo. Juan Manuel Palerm Salazar y Leopoldo Tabares de Nava y Marín trabajan desde 1985 en su estudio de arquitectura Palerm & Tabares de Nava S. L. Graduated as an architect from the ETSA Architecture School of Las Palmas de Gran Canaria in 1983, majoring in Construction and City Planning. In his professional career he has taken part in many programmes, conferences, seminars and conventions on Architectural Heritage. Besides, he has published various articles in Spanish and international magazines like Periferia and Basa, among others. He has worked as City Planning consultant to the Town Council of San Sebastián on the island of La Gomera, and is currently on its Historical Heritage Commission. He is also the founder, together with Juan Manuel Palerm Salazar, of Fundación Canaria DADO, a publication dedicated to Architecture and City Planning. Since 1985 Juan Manuel Palerm Salazar and Leopoldo Tabares de Nava y Marín work together in the Palerm & Tabares de Nava architecture studio.

“…el ruido del mar arrullaba las siestas (…) la dulzura de la solisombra que proyectaban los árboles… era sólo una ilusión”. (La ciudad de los prodigios, Eduardo Mendoza)

“…the sound of the sea murmuring during the siesta (…) the sweetness of leafy shade … was nothing but an illusion”. (The City of the Prodigies, Eduardo Mendoza)

El proyecto se sitúa a la entrada-salida de la ciudad de Arrecife, formando parte de un eje con forma de omega, que rodea la ciudad con espacios verdes en su encuentro con otra de las principales líneas de la ciudad; en diálogo directo con la playa El Reducto y siendo parte de la fachada marítima, junto a él se proyecta el nuevo intercambiador. La parcela fue un antiguo cementerio, ahora un terreno vallado con vegetación que tiene dificultades de crecimiento por el fuerte viento que azota la zona, al estar desprovisto de cualquier tipo de protección. Existen unas paradas de guaguas en la acera de la avenida, sin apenas espacio ni sombra para alojar a los pasajeros. El proyecto propone revitalizar el lugar imprimiendo carácter mediante la potencialización de la vegetación ya existente, introduciendo nuevos elementos provenientes de otros ámbitos como la agricultura. La malla crea un nuevo paisaje hacia el exterior. Se sitúa a una altura que permite el paso inferior, protege a la vegetación del viento, filtra la luz y crea junto con la vegetación un juego de luces y sombras. La malla se sitúa a dos metros de altura. Los soportes de la malla son de acero galvanizado y en ellos aparecen luminarias que durante la noche acompañan las líneas de la malla. Los soportes situados junto a la zona más cercana a la ciudad se utilizan como paneles publicitarios y pantallas para proyectar desde el interior del recinto. Desde el parque inferior se introduce un recorrido en la alfombra de picón negro, que una vez dentro del recinto se difumina apareciendo una plataforma elevada adosada a unos asientos desde los que se puede contemplar la parada de la guagua o las pantallas de proyección. Junto a la parada de la guagua se desarrolla un escenario-plataforma mirador con una pequeña pendiente desde la que tener relación visual directa con la playa, con la posibilidad de alojar una cafetería bajo rasante.

The project is located at the entrance, and exit, from the city of Arrecife, as part of an omega-shape axis surrounding the whole of the city with green areas at its point of contact with another of the main lines of the city. In close dialogue with the El Reducto beach and part of the seafront, the new interchange is projected next to it. The site was a former graveyard, now a fenced plot covered with vegetation that has difficulties to grow due to the strong wind blowing in the totally unsheltered area. There are some bus stops on the pavement of the avenue, with barely space or shade to protect waiting passengers. The project intends to inject new life into the area, endowing it with character by enhancing the already existing vegetation, introducing new elements from other areas such as agriculture. The mesh creates a new landscape. It is located at a height that allows one to pass under it, protects vegetation from the wind, filters light and creates a play of light and shadow in combination with the vegetation. The mesh is placed two metres high. Its supports are made of galvanised steel, with lights installed in them accompanying the lines of light of the mesh at night. The supports in the area closest to the city are used as advertising billboards and projection screens from the inside. A passage is made from the lower park on the path of black volcanic earth which, once inside the premises, blends in with a raised platform with seats from which it is possible to see the bus stop or the projection screens. A stage-cum-vantage point platform is created next to the bus stop, with a slight inclination that allows a direct vision of the beach and provides spaces for a cafeteria underneath.


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LA ARQUITECTURA Y EL ARTE ARCHITECTURE AND ART

JUAN TORRES ALEMÁN

(Las Palmas de Gran Canaria, 1953) Es arquitecto por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Las Palmas de Gran Canaria desde 1989. Ha colaborado en renombrados estudios de arquitectura. Miembro del Consejo de Administración de la Revista de Arquitectura BASA entre los años 1993 y 1996 y miembro de la Comisión de Relaciones Internacionales del CSCAE desde 2002. En el año 2005 es nombrado presidente de la Fundación DO.CO. MO.MO (Documentation and Conservation Building, sites and neighbourhoods of the Modern Movement) Ha obtenido distinciones y galardones en diversos concursos de gran relevancia tanto a nivel local como internacional. Asimismo su obra ha sido propuesta en los años 1999 y 2002 a los Premis FAD d´Arquitectura.

(Las Palmas de Gran Canaria, 1953) Graduated as an architecture from the ETSA architecture school in Las Palmas de Gran Canaria in 1989. He has worked with many leading architecture studios. Alemán was a member of the editorial board of the BASA architecture magazine from 1993 and 1996 and is a member of CSCAE’s International Liaison Commission since 2002. In 2005 he was appointed president of the DO.CO.MO.MO Foundation (Documentation and Conservation Building, sites and neighbourhoods of the Modern Movement). He has won many awards and distinctions in major competitions both locally and internationally. His projects were shortlisted for the FAD Architecture Awards in 1999 and 2002.

La ARQUITECTURA y el ARTE son actores principales en el escenario del PAISAJE. Su encuentro, en actitudes y objetivos, imprecisa los límites entre ellos, y puede y debe incitar a una comunicación creativa, generadora de ambientes para ser experimentados y utilizados. Pero no olvidemos que el escenario también es protagonista. A menudo miramos el paisaje con nostalgia, incapaces de hablarle, de preguntarle. Sin embargo, él nos habla y no escuchamos su mensaje, un entorno ruidoso nos lo impide, con su ruido, fundamentalmente, visual. Propongo que hagamos un mínimo ejercicio de reflexión: cuando visitemos lugares intentemos, con las manos abiertas, ocultar aquello que entendamos ruidoso, como en un acto de rechazo, y percibamos sensualmente el espacio resultante. Nuestras manos, a modo de corrector visual, enmarcaran nuestra percepción, tamizando, que no ocultando, los elementos distorsionadores. Como haría un fotógrafo buscando el mejor de los encuadres posibles. Disponemos de cinco sentidos con los que experimentar y saborear nuestro entorno. La vista es probablemente el sentido que tenemos más desarrollado, si bien nuestro oído es más afinado de lo que sospechamos. Debido a que vivimos en una cultura basada en lo visual, presentamos menos atención a nuestro oído y damos por sentado que su importancia es menor. Cuando nos encontramos temporalmente privados de la vista, nos percatamos de lo sumamente precisa que puede ser la percepción auditiva. La audición posee un sentido de la correspondencia espacial distinto de la percepción visual. Miramos directamente lo que vemos y conectamos esta impresión con las imágenes previas que guardamos en la memoria. La percepción espacial se traduce en la lectura seriada de dichas imágenes, de modo similar a la secuencia de fotogramas que componen una película. La experiencia auditiva es menos vectorial.

ARCHITECTURE and ART are the main players in the scenario of the LANDSCAPE. Their coincidence in stances and goals blurs the dividing line between them and can, and should, provoke a creative communication that is capable of generating fields to be experimented and used. Yet, we ought not to forget that the scenario is also another leading player. We often look at the landscape through rosetinted glasses of nostalgia, unable to speak to it or ask it questions. Nonetheless, it speaks to us although we may not listen to what it is saying. The deafening environment drowns it out with its primarily visual noise. What I am proposing is to make a minimum exercise in reflection: when we visit places we should try, with our hands open, to block out what we understand as noise, as an act of rejection, and we will sensually perceive the resulting space. Our hands, as if they were visual correctors, will frame our perception, filtering out, rather than hiding, the distorting elements. Just as a photographer would do to choose the best possible framing. We have five senses with which to experience and take pleasure in our environs. Sight is probably our most highly developed sense, though our hearing is much more sensitive than we often suspect. Because we live in a culture that is essentially visual, we sometimes pay less attention to our hearing and take for granted that it is of less importance. When we find ourselves temporally deprived of sight, we become aware of just how precise our auditive perception can be. Our hearing possesses a sense of spatial correspondence distinct from our visual perception. We look directly at what we see and we connect this impression with the prior images we have stored in our memory. Spatial perception is translated in a serialised reading of these images, in a similar fashion to the sequence of film stills that makes up a movie. The auditive experience is less vectorial.


We experience sound in more than 360 degrees and at any given moment we can hear the overlayered remains and echoes of many sounds. Such simultaneity of perception in translated into a complex spatial configuration that cannot be associated with any specific visual angle. A large part of what surrounds us is not visible, though this does not mean that it is not there. Sound can make the hidden discernible and the invisible sensitive. Possessing a meticulous control over our emotional structure, it can bridge huge divides in both time and space. The tension in a horror movie is created with sound; a melodrama could not exist without the music that accompanies it. A specific melody takes us back in time to the place where we heard it for the first time and awakens pleasant or painful memories. Sound is invisible, yet it has the power to change the nature of the space we inhabit. Given the above, I propose a memorial of the landscape that constantly reminds us of its presence. The fingers of our hands are transformed into vertical elements (tubes) that correct our perception while at once perforated and transformed into wind instruments that emit a constant whisper, reminding us all of its presence.

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Experimentamos el sonido a más de 360 grados y en cualquier momento oímos los restos superpuestos de muchos sonidos. Semejante simultaneidad de percepción se traduce en una configuración espacial compleja que no está vinculada a ningún ángulo visual concreto. Gran parte de lo que nos rodea no es visible, si bien no deja de estar presente. El sonido puede hacer discernible lo oculto y sensible lo invisible. Como posee un riguroso control sobre nuestra estructura emocional, puede salvar grandes distancias en el tiempo y el espacio. La tensión de una película de terror se crea con el sonido; no puede existir ningún melodrama sin la música que lo acompaña. Una melodía concreta nos hará retroceder en el tiempo hasta el lugar donde la oímos por vez primera y nos traerá agradables asociaciones o bien recuerdos dolorosos. El sonido es invisible, si bien posee la facultad de cambiar el carácter del espacio que ocupamos. Propongo, por todo ello, un memorial del paisaje que nos recuerde su presencia constante. Los dedos, de nuestras manos, transformados en elementos verticales (tubos) correctores de percepción a su vez perforados y transformados en instrumentos de viento emisores de un susurro constante, que nos recuerde a todos su presencia.

Juan Torres

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Juan Torres


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ACCESO AL CASTILLO DE SAN JOSÉ ACCESS TO SAN JOSÉ CASTLE

Casariego/Guerra arquitectos Joaquín Casariego Ramírez, arquitecto Elsa Guerra Jiménez, arquitecta Colaboradores / Collaborator: Daniel Ruiz Rivas Rayco Tejera Romero

JOAQUÍN CASARIEGO RAMÍREZ

(Santa Cruz de Tenerife, 1948) Es Doctor Arquitecto y Catedrático de Universidad en el área de Urbanística y Ordenación del Territorio. Desde 1977 imparte urbanismo en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Las Palmas, de la que fue Director entre 1987-1991. Ha sido profesor visitante en la Graduate School of Design (Harvard University), USA, en la Escuela de Arquitectura de la Universidad Metropolitana de Caracas, Venezuela y en la Staedelschule de Arquitectura de Frankfurt. Ha sido miembro del Consejo Rector de la AEEA (Asociación Europea para la Enseñanza de la Arquitectura) y publicado varios libros de urbanismo. Es miembro del Consejo de Redacción de Cartas Urbanas y dirige la colección Exploraciones.

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(Santa Cruz de Tenerife, 1948) Doctor in Architecture and a University Professor in Urban Planning and Zoning. Since 1977 he has taught planning at the ETSA Architecture School in Las Palmas, which he directed between 1987 and 1991. He has been visiting professor at the Graduate School of Design (Harvard University), USA, at the Architecture School at the Universidad Metropolitana in Caracas, Venezuela and at Staedelschule in Frankfurt. He has been a member of the Board of AEEA (European Association for Education in Architecture) and he has published books on urban planning. He is a member of the Editorial Board for Cartas Urbanas and is editor of the Exploraciones collection.

ELSA GUERRA JIMÉNEZ

(Las Palmas de Gran Canaria, 1959) Arquitecta y Máster en Planeamiento Urbano. Desde 1984 desarrolla su actividad profesional en el estudio que comparte con Joaquín Casariego. Desde 1985 hasta 1992 trabajó en la Dirección General de Vivienda del Gobierno de Canarias, obteniendo la plaza de arquitecta de la Comunidad Autónoma, en excedencia en la actualidad. Colabora puntualmente en el curso de Urbanística II, de la ETSA de Las Palmas. Ha sido profesora visitante en Graduate School of Design, Harvard University, USA, en la Universidad Metropolitana de Caracas, Venezuela y en la Staedelschule de Arquitectura de Frankfurt en 2003. (Las Palmas de Gran Canaria, 1959) Architect and Master in Urban Planning. Since 1984 she has been working professionally with Joaquín Casariego. From 1985 to 1992 she worked in the Housing Dept of the Government of the Canaries, where she received the title of Architect of the Autonomous Region. She collaborates regularly with the Urban Planning courses at ETSA in Las Palmas. She has been a visiting professor at the Graduate School of Design, Harvard University, USA, and at the Universidad Metropolitana de Caracas, Venezuela and at Staedelschule in Frankfurt in 2003.

Fundan su Estudio de Arquitectura y Urbanismo en 1984, que posteriormente pasará a denominarse CASARIEGO/GUERRA, arquitectos S.L.. Dirigen la colección de libros Especiales de Urbanismo, siendo autores del nº 1: Waterfronts, de nuevo, de la que el último número es Reinventando el Destino. Publicación del I Congreso Internacional sobre el Espacio Turístico, celebrado en Santa Cruz de Tenerife en Diciembre del 2003. Han sido invitados a diversos congresos y participado en múltiples concursos internacionales de proyectos, entre los que destaca el del Centro Urbano de Eindhoven (Holanda), el del Frente Marítimo de Las Teresitas y la Playa de Valleseco en Santa Cruz de Tenerife, el edificio Woermann de Las Palmas de Gran Canaria, siendo premiados en diversas ocasiones. They set up a studio together in 1984, now called CASARIEGO/ GUERRA, arquitectos S.L.. They edit the book collection Especiales de Urbanismo, and are the authors of no. 1: Waterfronts, de nuevo, whose latest issue is Reinventando el Destino, publication of the 1st International Congress on the Tourist Space, held in Santa Cruz de Tenerife in December 2003. They have been invited to many congresses and have participated in many international competitions, with a special mention for the project for the City Centre of Eindhoven (Holland), the waterfront for Las Teresitas and the Valleseco beach in Santa Cruz de Tenerife, the Woermann building in Las Palmas de Gran Canaria, and have been awarded on several occasions.

En la actualidad el “Acceso al Castillo” no existe. Existe un fragmento de espacio desdibujado entre piezas monumentales de gran interés, tanto naturales como artificiales: el Castillo, el borde del mar donde se combinan las zonas de playa, y el malpaís rocoso, y las Salinas. Fragmento que entendemos debe definirse en dos aspectos: como enlace y como jerarquizador de espacios, ofreciendo la posibilidad de vivencia diversa del mismo. Enlazando con el skyline del borde de la ciudad de Arrecife y el Puerto, y, al mismo tiempo, recogiendo al paseante y al usuario de la orilla. Iniciamos la propuesta construyendo el Enlace: traduciendo a símbolos la sucesión de lugares que imaginamos; identificando las franjas que desde el camino nos acercan al mar: la topografía, los diversos materiales y texturas, el color, la pendiente; también la sucesión de recorridos, especialmente el más amplio que lleva a los visitantes desde el barco hasta la ciudad; concluimos en un ideograma de símbolos que identificamos con la idea de filamento: caminos multifurcados contínuamente. El ideograma es la primera expresión de la propuesta, y define los puntos de inflexión, los descansos, la reunión de acontecimientos, y por tanto el esquema de fuerzas que organiza el lugar. El Filamento nos lleva a la Red, a la Malla, a la sucesión o yuxtaposición de mallas, como esquema o modelo de construcción. Y su expresión en la obra de Juan Gopar. También en los utensilios de pesca, y a la construcción de paisajes tan propios de Lanzarote como la Geria. La Red será el sistema sobre el que soportamos la propuesta. Su materialización como Filamento de Caminos, al modo de multiplicación de mallas, que, al mismo tiempo, definen y ordenan el lugar, cualificándolo de formas diversas.


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we conclude with an ideogram of symbols we identify with the idea of filament: continually forking paths. The ideogram is the initial expression of the proposal, and it defines the points of inflection, the areas for rest, the meeting of different events, and as a consequence the plan of forces that organises the place. The Filament leads us to the Net, to the Mesh, to the succession or juxtaposition of meshes, as a plan or model for construction. And its expression in the work of Juan Gopar. And also in the fishing elements, and the construction of typical Lanzarote landscapes like Geria. The Net will be the system on which we will build the proposal. Its materialisation as a Filament of Paths, like the multiplication of meshes, which, at the same time, define and order the place, qualifying it in various ways.

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At the current moment in time, there is no access to the castle. There is a blurred fragment of space between monumental pieces of great interest, both natural and artificial: the Castle, the seafront where beach areas, rocky seashore and salt mines all coexist. A fragment that we understand should be defined by two aspects: as a link and as an element to establish a hierarchy of spaces, offering a multiplicity of possible experiences. Linking up with the skyline of the city of Arrecife and the Port, and, at once, providing a space for the passer-by and the user of the waterfront. We begin the proposal by constructing the Link: translating into symbols the succession of places we imagine; identifying the different strips that take us closer to the sea: the topography, the various materials and textures, the colour, the slope; and also the succession of routes or paths, especially the widest one that takes people from the boat to the city; and


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VPF

VPF Estudio de Arquitectura S.L. fue fundada en el año 2004 por Rubén Álvarez Viñas, Ramón Elías Cabrera Paz y Sandra Lorena Hernández Fernández VPF architecture studio was founded in 2004 by Rubén Álvarez Viñas, Ramón Elías Cabrera Paz y Sandra Lorena Hernández Fernández

RUBÉN ÁLVAREZ VIÑAS

Arquitecto por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria en el 2002, en las especialidades de Urbanismo y Edificación. Graduated as an architect from the ETSA Architecture School of Las Palmas de Gran Canaria in 2002, majoring in City Planning and Construction.

RAMÓN ELÍAS CABRERA PAZ

Arquitecto por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria en el 2001, en las especialidades de Urbanismo y Edificación. Graduated as an architect from the ETSA Architecture School of Las Palmas de Gran Canaria in 2001, majoring in City Planning and Construction.

SANDRA LORENA HERNÁNDEZ FERNÁNDEZ

Arquitecto por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria en el 2002, en las especialidades de Urbanismo y Edificación.

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Graduated as an architect from the ETSA Architecture School of Las Palmas de Gran Canaria in 2002, majoring in City Planning and Construction.

La intervención se enfrenta directamente a los problemas que plantea la existencia de multiplicidad de usos en lugares no diseñados específicamente para ello, como es el caso. Esta dinámica de desarrollo del espacio público, implica una propuesta flexible, capaz de dar respuesta a los problemas obvios (servicios públicos, sombra, almacenaje, iluminación), pero capaz de admitir posibles cambios o transformaciones en el uso del propio lugar. El resultado final es una intervención que se suma a este dinamismo, caracterizándolo y enriqueciendo su desarrollo.

The intervention directly addresses the problems brought about by the existence of a multiplicity of uses in spaces that were not specifically designed for that, as in this case. The dynamics for the development of the public space involves a flexible proposal, capable of providing a response to obvious problems (public services, shade, storage, lighting), although capable of admitting possible changes or transformations in the use of the place itself. The final result is an intervention added to this dynamism, defining it and enriching its development.


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PROYECTAR EL PAISAJE TERRITORIOS EN TRANSFORMACIÓN PROJECTING THE LANDSCAPE- TERRITORIES UNDER TRANSFORMATION

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BARRANCO DE BADAJOZ, GÜIMAR, TENERIFE JUAN MANUEL PALERM SALAZAR

(Santa Cruz de Tenerife, 1957) Es Doctor Arquitecto y Profesor Titular de Proyectos Arquitectónicos de la Escuela de Arquitectura de Las Palmas de Gran Canaria. Obtiene el título de Arquitecto en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura con la calificación de sobresaliente en 1982. Entre los años 1983 a 1986 es becado por el Ministerio de Educación y Ciencia en el Servicio de Formación de Personal, e Investigador y por la Universidad Politécnica de Las Palmas para desarrollar trabajos de Investigación (Doctorado) y Docencia en el Dipartimento di Progettazione Architettonica del Instituto Universitario de Arquitectura de Venecia. Ha desarrollado trabajos de Investigación y Docencia, e impartido conferencias en universidades, centros e instituciones nacionales e internacionales, así como intervenido en seminarios y cursos especializados. Ha participado en los programas europeos Erasmus y Tempus Phare, en cursos de Doctorado, Postgrado y Maestría Internacional. Algunos de los principales proyectos realizados son el Parque García Sanabria, Intervención en el Barranco y Punta de la Sabina de La Victoria, Nuevo Centro de Güímar y Casino, Residencial Beleyma Bulevar, Barranco de Santos (Tenerife), Taller-Residencia Fundación César Manrique (Lanzarote) y Biblioteca Pública del Estado (Gran Canaria).

(Santa Cruz de Tenerife, 1957) Has a PhD in Architecture, and is Professor of Architectural Projects at the School of Architecture of Las Palmas de Gran Canaria. He graduated as an Architect with honours in 1982. From 1983 to 1986 he benefited from a scholarship granted by the Spanish Ministry for Education and Science, at the Service of Research Personnel and at the Universidad Politécnica of Las Palmas, to develop research work (Doctorate) and Teaching at the Dipartimento di Progettazione Architettonica at the University Architecture Institute of Venice. He has developed research and teaching programmes and imparted lectures in universities and Spanish and international institutions, and taken part in specialised seminars and courses. He has also participated in the Erasmus and Tempus Phare European programmes, and in Doctorate, Postgraduate and International Master courses. Projects recently carried out include the García Sanabria Park, an Intervention in La Victoria, Nuevo Centro in Güímar and Casino, Residencial Beleyma Bulevar, Gully of Santos (Tenerife), WorkshopResidence Fundación César Manrique (Lanzarote) and State Public Library (Gran Canaria).

La Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias cuenta en su programación paralela con la actividad ‘Proyectar el paisaje – Territorios en transformación’, comisariada por el doctor arquitecto Juan Manuel Palerm. Se desarrolla en el barranco de Badajoz (Güímar) y es el resultado de los trabajos y conclusiones del Seminario Internacional de Arquitectura ‘Proyectar el Paisaje – Territorios en transformación’, que se clausuró a finales de junio en el parque etnográfico Pirámides de Güímar, con la idea clara de entender y comprender el territorio insular como una unidad. Este Seminario, dirigido por Juan Manuel Palerm, tuvo como objetivo proponer respuestas formales, funcionales y medioambientales en el barranco de Badajoz, un área que ha visto transformada sus condiciones originarias geomorfológicas debido a la extracción industrial de áridos. ‘Proyectar el Paisaje’, organizado por el Laboratorio de Proyectos Arquitectónicos de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria, surgió a partir del convenio de colaboración firmado entre el Cabildo Insular de Tenerife y la Demarcación de Tenerife, La Gomera y El Hierro del Colegio Oficial de Arquitectos de Canarias. Además, la participación del Ayuntamiento de Güímar y del Gobierno de Canarias a través de la Consejería de Medio Ambiente y Ordenación del Territorio y de la Consejería de Industria, Comercio y Nuevas Tecnologías, se completó con las empresas: Áridos Los Pasitos, Áridos Atlántico y Áridos Puerto de Güímar. Según destacó el profesor Palerm en el Seminario, “el barranco de Badajoz es mucho más que piedras y máquinas extractivas”, al tiempo que lo peor no son los grandes agujeros y movimientos de tierra. En cualquier caso, indicó, “resulta injustificable no proponer en este lugar el espacio adecuado para la convivencia presente y futura de un territorio tan singular y tan necesario para los ciudadanos de Güímar, Tenerife y Canarias”. Por todo esto, los objetivos del Seminario partieron del Plan Especial que está en redacción y sugirieron que la alternativa más clara y precisa para actuar sobre él era desde la consideración minera como recurso fundamental para Tenerife, como así lo enuncia el Plan Insular de Tenerife. Pero también se entendió desde otra perspectiva: la del paisaje en un marco territorial más amplio y estructural para el territorio.

The Biennial Exhibition of Architecture, Arts and Landscape of the Canary Islands holds in its parallel programme the activity named ‘Projecting The Landscape-territories Under Transformation’, curated by the Ph. Dr. Architect Mr Juan Manuel Palerm. It takes place in the Barranco (gully) de Badajoz in Güimar and it is the result of the work and conclusions of the International Seminar of Architecture ‘Projecting The Landscape-Territories Under Transformation’, which came to an end during the last days of June in the ‘Pirámides de Güimar’ Ethnographic Park, with the clear idea of understanding and apprehending the insular territory as a unit. This Seminar, under the direction of Juan Manuel Palerm, had the goal of proposing formal, functional and environmental responses to the Barranco de Badajoz, an area that has seen its original geomorphologic conditions transformed due to the industrial extraction of aggregates. ‘Projecting The Landscape’, organised by the Laboratory of Architectonic Projects of the Higher College of Architecture of Las Palmas de Gran Canaria, came up as a part of the collaboration agreement signed by the Cabildo Insular de Tenerife (Tenerife Island Council) and the Tenerife, La Gomera and El Hierro demarcation of the Official College of Architects of the Canary Islands. Moreover, the participation of the Güimar Local Council and the Canarian Government through its Regional Ministry of Environment and Zoning and the Regional Ministry of Industry, Commerce and New Technologies, was completed with the private companies Áridos Los pasitos, Áridos Atlántico and áridos Puerto de Güimar. As remarked by Professor Palerm in the Seminar, “the Badajoz gully is much more than stones and extracting machinery”, whereas the worst issue is not about big holes and soil movements. In any case, he pointed out, “it is unjustifiable not to propose in this place the adequate space for the current and future coexistence in such a peculiar territory, so useful for the inhabitants of Güimar, Tenerife and the Canaries. Thus, the goals of the Seminar came from the on the making Special Planning, and they suggested that the clearest most precise alternative to work on it was that of considering the mining activity as a basic resource for Tenerife, as it is indicated in its Plan Insular de Tenerife (Tenerife’s Insular Planning). Nevertheless, it was understood from other perspective: that of the landscape within a wider and structured territorial framework.


Comisario / Curator: Juan Manuel Palerm Participantes / Participants: Arquitectos, Paisajistas, Ingenieros, Botánicos, Agrónomos. Formando 27 grupos de 15 Universidades de 10 países europeos

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With this last premise and willing to clarify the different questions around the term landscape, but, above all, not to trivialise about it, Juan Manuel Palerm analyses its many different aspects: “As it has been explained by some Historians, the term and concept of landscape in Europe are relatively modern, and they appear in Holland in the 16th Century and they do not are commonly used in everyday language until the 18th Century, when gardening and painting become landscaping. Nowadays, the word landscape is used with excessive easiness, has overcome the field of the description of nature and it is extended too to the artifices, using properly terms like urban landscape. Terms like imaginary and virtual landscapes are also used and, each time less metaphorically, terms like scientific or linguistic landscapes, pointing towards the factors that determine a scientific or linguistic field. There are some physical elements, like mountains, valleys, forests, rivers, prairies, human settlements, coasts or animal cattle, which are measurable and countable and, as such, they can be object of literary or scientific descriptions or they can be registered on commercial paperwork, or they can be represented in drawings, plans or taken in pictures. These elements contribute to the physical background of what we understand by landscape. To name the set of these elements, it is used the term spot that designates the place or location set out in a determinate way. But, the former terms acquire the landscape category, its name, only is there is an eye contemplating the set and a feeling able to interpret it in an emotional way. The landscape is not, then, what is there. It is an invented concept or, to be more precise, a cultural construction. The landscape is not a physical place anymore, but a series of a ideas, sensations and feelings to be elaborated from the place in question. The word landscape claims for something else: an interpretation, a character and a sensitivity, that is, a term that shows others: Landscape-System. Thus, the idea of landscape does not lie on the object but on the glance. It is not what is in front of but what is seen. But, the glance needs of a training to perceive the different systems that take part in its final composition. Telluric phenomena, crops, mining exploitations, building construction, public works or cities expansion, are some of the main causes of landscape transformation. Landscapes,

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Con esta última premisa y para aclarar las muy diferentes cuestiones que plantea el término paisaje, pero, sobre todo, para no trivializar sobre él, Juan Manuel Palerm analiza, a continuación, los distintos aspectos que en torno al paisaje se pueden suscitar: “Como muy bien han explicado algunos historiadores del tema, el término y el concepto paisaje en Europa son relativamente modernos, surgen en Holanda en el siglo XVI y no se generalizan en el lenguaje cotidiano hasta el siglo XVIII, cuando la jardinería y la pintura se hacen paisajistas. Hoy día, la palabra paisaje se emplea con excesiva facilidad, ha superado el ámbito de la descripción de la naturaleza y se extiende también a los artificios, empleándose con propiedad términos como paisaje urbano. Se habla también de paisajes imaginarios y virtuales y, cada vez menos metafóricamente, se emplean términos como paisaje científico o paisaje lingüístico, refiriéndose al conjunto de factores que determinan un ámbito científico o lingüístico. Existen unos elementos físicos, como montañas, valles, bosques, ríos, praderas, asentamientos humanos, costas o rebaños de animales, que son mensurables y cuantificables y, como tales, pueden ser objeto de descripciones literarias, científicas o registrados en documentos mercantiles, también pueden ser representados en dibujos o planos y recogidos en fotografías. Estos elementos, entre otros, constituyen el substrato físico de lo que entendemos por paisaje. Para nombrar el conjunto de esos elementos utilizamos el término paraje que designa un sitio o lugar dispuesto de una manera determinada. Pero, para que esos elementos antes nombrados adquieran la categoría de paisaje, para poder aplicar ese nombre, es necesario que exista un ojo que contemple el conjunto y que se genere un sentimiento que lo interprete emocionalmente. El paisaje no es, por lo tanto, lo que está ahí, ante nosotros, es un concepto inventado o, mejor dicho, una construcción cultural. El paisaje no es un lugar físico, sino una serie de ideas, sensaciones y sentimientos que elaboramos a partir del lugar. La palabra paisaje, con una letra más que paraje, reclama también algo más: una interpretación, un carácter y una emotividad, es decir un término que evidencia a otros: Sistema-Paisaje. Por lo tanto, la idea de paisaje no se encuentra tanto en el objeto como en la mirada. No es lo que está delante sino lo


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ARQUITECTOS, PAISAJISTAS INGENIEROS, BOTÁNICOS, AGRÓNOMOS FORMANDO 27 GRUPOS DE 15 UNIVERSIDADES DE 10 PAÍSES EUROPEOS

que se ve. Pero, la mirada requiere un adiestramiento para contemplar los diferentes sistemas que intervienen en su composición final. Fenómenos telúricos, cultivos, explotaciones mineras, construcción, obras públicas o expansión de ciudades, son algunas de las causas principales de la transformación del paisaje. Los paisajes, por tanto, son susceptibles de ser destrozados o mejorados y, como cualquier otro mecanismo, pueden ser compuestos. Hemos de ser conscientes de que nosotros, los hombres, somos los principales agentes de estas transformaciones y, también, de que no está reñida la explotación de la tierra con la conservación y mejora del entorno y de sus valores paisajistas. Uno de los temas posibles de trabajo consiste en estudiar cómo actuar frente a este fenómeno de la transformación del paisaje, de los aspectos visuales de la naturaleza. Surge así la atractiva idea de proyectar el paisaje, de tratar el entorno natural y la ciudad en el que se disponen de forma ideal los elementos que lo forman. En la actualidad, se plantean además otros temas interesantes: generar nuevas visiones, nuevas maneras de mirar, interpretar y comprender los paisajes para adecuarnos a una realidad muchas veces no deseada. Si nos remitimos a la famosa frase de Goethe: ‘También lo innatural es naturaleza’, se podría admitir que la propia diferenciación entre natural y artificial desaparece. El hombre es el verdadero inventor de lo artificial y toda nuestra civilización es partícipe de ello. Sin embargo también esta artificialidad acaba por formar parte del gran dominio de la naturaleza. Me refiero a todo lo que el hombre ha creado ex novo, más allá de lo que la naturaleza misma ya le ofrecía. Pero existe otro aspecto distinto de cualquier artificio preexistente que podríamos definir como ‘antinaturaleza’, entendiendo por este término todo lo creado por el hombre y que se pueda considerar enemigo de la naturaleza, destinado a falsearla y probablemente a destruirla”.

then, are susceptible to be destroyed or meliorated and, as any other mechanism, they can be compound. It must be taken into account the fact that we, the human beings, are the main agents of these transformations and, also, that land exploitation can get along with conservation and environmental improvement alongside its landscaping values. One of the possible working subjects deals with studying how to act over this landscape transformation phenomena, over the visual aspects of nature. This way, it arises the attractive idea of projecting the landscape, treating the natural and urban environment in whch its ideal components are displayed. Currently, other interesting subjects are posed: creating new views, mew ways of looking, interpreting and understanding landscapes to adapt us to a many times not wished reality. If we point out to Goethe’s famous sentence: ‘Also the unnatural is nature’, it could be admitted that the difference between natural and artificial disappears. Man is the true inventor of the artificial and all our civilisation takes part in it. However, this artificiality also ends forming part of nature’s big scope. I mean everything that man has created ‘ex novo’, beyond anything that nature itself offered him. But there is other aspect different from any pre-existent artifice that we could define as ‘antinature’, understanding with this term everything created by men and that can be considered nature’s enemy, addressed to distort and, maybe, destroy it”.

ÈCOLE D’ARCHITECTURE PARIS LA VILLETTE. FRANCIA J. P. Le Dantec / P. Aubry / A. Laffagel INST. OF ARCH. OF TECH. OF KRAKOW. POLONIA M. Misiagieweickz / D. Kozlowski / M. Kozien. FACHOCHSCHULE LAUSITZ FACHBEREICH ABV STUDIENGANG ARCHITEKTUR COTTBUS ALEMANIA R. Fein / J.Körner / M lange / M Preuss / S. Restemeier / N. Rohde / M Sobolewski / E Woehler ARISTOTLE UNIV. OF THESSALONIKI SCHOOL OF ARCHIT., GRECIA M. Papanicolaou / I. Sakellaridou. / C. Conenna, E M. Pefani, V. Ntovros, V. Tsiouma UNIVERSIDAD DE LJUDJANA. ESLOVENIA V. Ravnikar / N.Grabar

UNIVERSIDAD LEBANESE AMERICAN UNIVERSITY. LÍBANO M. El-Daccache. UNIVERSIDAD LUSIADA – LISBOA – PORTUGAL J. Nunes / A. A. Poças / Orlando Azevedo ESTA UNIVERSIDAD DEL PAÍS VASCO. ESPAÑA I. Galárraga UNIVERSIDAD DE UDINE – ITALIA P. Barberewicz / A. Fratelli UNIVERSITÁ IUAV DI VENEZIA. ITALIA R. Bocchi / E. Fontanari / S. Marini / L. Reta A. del Fabro / G. Bignotto / G. Ferro / E. Leder / P. Palmarini S. Rocchetto. / M. Bossio / V. Gambelli / F. Magnani / T. Pelzel C. Magnani / A. Groppello / M. Morsut / R. Pascolat / P. Virgioli


UNIVERSITÀ DI TRENTOITALIA G. Cacciaguerra / C. Battaino / L. Zecchi C. Lamanna / C.Mattuicci / L Attolico / E. Carron / S. Filz / A. Gajo / F. Pasini / N. Reales / M. Righetti / E. Siviero / L.Siviero, A stocco / L. Zampieri

Manuel Feo P. Romera / A. Ruiz Martínez / A. Ruiz Hernández J. A. Sosa / H. García Sánchez / M. L. González García / V. Gutiérrez Herrero / L. Correa Suárez / E. M. Lorca Afonso / F. Martín Menis / J. Moon Kim / C Navarro Pinto

ARQUITECTOS DE TENERIFE. ESPAÑA R. M. Escobedo de la Riva. / T. Boehm / R. González / A. Krieger G. Baez / F. Alayón González / X.I. Díaz Martín / D. García Baéz / N. Laviolle / S. Peña Saavedra R. Guanche / J. D. Izquierdo / M. Carrera Aguilar / D. Espejo Campos / J. L Marichal Hernandez / E. Fernández Navarro

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ETSA UNIVERSIDAD DE SEVILLA. ESPAÑA J. L. Trillo de Leyva / A. Martínez / J. A. Alba Dorado / I. Ceacero / P. Blanquez Jesús / R. Castro Peñalva / J. Mayoral Moratilla / Mi. Serrano López

UNIVERSIDAD DE LAS PALMAS DE GRAN CANARIA. ESPAÑA F. Pescador / V. Mirallave

C. Collmar

M. Bote Delgado / S. Padrón / B. Fajardo Lopez

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SWISS FEDERAL INSTITUTE OF TECHNOLOGY ZÜRICH. SUIZA C. Girot / M. Voser


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PROPUESTA DEL PABELLÓN LAND-LAB PARA LA BIENAL DE CANARIAS PROPOSAL OF THE PAVILION LAND-LAB FOR THE BIENNIAL OF THE CANARIES ANTIFABRIC Elena García + Iván Ballesteros [Tenerife, 1974. Madrid, 1974.] Arquitectos licenciados por la E.T.S.A. de la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria. Entre el 2004-2006 cursan estudios de postgrado (MArch) Design Research Laboratory (AAD[R]L) en la Architectural Association de Londres. Han sido ganadores del Primer Premio en el Concurso Monumento-Mirador en la Montaña de Chayofita, Adeje, Tenerife. Finalistas en la IV Edición del Concurso Nacional Formica Funcional, con el Proyecto [PI]³, Bilbao. Han colaborado en los estudios de Zaha Hadid Architects (Londres), E.M.S.L. (Tenerife), Virgilio Gutiérrez (Tenerife), Casariego & Guerra Arquitectos (Las Palmas de Gran Canaria). Paralelamente, desde 1998 forman la pareja artística Pérez & Joel, cuyo trabajo ha sido expuesto en varias bienales internacionales. Comisarios del ciclo de conferencias Paisajes Epidérmicos en el COAC. Demarcación de Tenerife, La Gomera y El Hierro. En el 2006, Elena García e Iván Ballesteros fundan el Laboratorio Multidisciplinar de Arquitectura, Diseño y Paisaje, ANTIFABRIC.

Elena García + Iván Ballesteros [Tenerife, 1974. Madrid, 1974.] Architects from the ETSA Architecture School at the University of Las Palmas de Gran Canaria. Between 2004 and 2006 they took (MArch) Design Research Laboratory (AAD[R]L) postgraduate courses at the Architectural Association in London. They have won the First Prize in the Competition for a Monument-Viewpoint for Chayofita mountain, Adeje, Tenerife; and finalists in the 4th Functional Formica Competition, with the [PI]³ project, Bilbao. They have collaborated with Zaha Hadid Architects (London), E.M.S.L. (Tenerife), Virgilio Gutiérrez (Tenerife), Casariego & Guerra Arquitectos (Las Palmas de Gran Canaria). At the same time, they have worked together as artists under the moniker Pérez & Joel since 1998, with a body of work which has been exhibited at various international biennials. They curated the Paisajes Epidérmicos conference season at the College of Architects of the Canaries, Delegation of Tenerife, La Gomera & El Hierro. In 2006, Elena García and Iván Ballesteros founded ANTIFABRIC, a multidisciplinary architecture, design and landscape laboratory.

Antifabric propone el Pabellón Land-LAB, un laboratorio de actividades de la Bienal de Canarias: un espacio multifuncional dedicado a oficinas, punto de información, conferencias y talleres. Land-LAB se plantea como una pieza híbrida vinculada a la morfología del “invernadero” (elementos singulares del paisaje canario) y a la concepción más aséptica del laboratorio como referente tecnológico antagónico del espacio natural que entendemos genéricamente como Paisaje. Land-LAB esta compuesto por dos volúmenes de geometrías complejas: el interior de apariencia translúcida, el exterior de naturaleza opaca y porosa. La micro-perforación de la superficie permite el control de la luz y facilita la ventilación cruzada entre ambos volúmenes, garantizando el confort térmico. Este espacio intersticial acoge un jardín artificial por medio de bandejas con vegetación autóctona, láminas de aguas y cultivos hidropónicos. Por otro lado, el descuidado entorno arquitectónico de la localización, nos obliga a anular las miradas al exterior y concentrarnos en la generación de una atmósfera interior muy controlada, como un Laboratorio, donde poder manipular las condiciones de trabajo y uso, generando con el mobiliario un paisaje interior capaz de reorganizarse según las necesidades programáticas.

Antifabric proposes Land-LAB Pavilion, a laboratory of activities at the Biennial of the Canaries: a multifunctional space for offices, information, conferences and workshops. Land-LAB is conceived as a hybrid piece associated with the morphology of the “greenhouse” (a singular element in the landscape of the Canaries) and the most aseptic conception of the laboratory as a technological reference in opposition to the natural space we understand generically as Landscape. Land-LAB comprises two volumes with complex geometries: the inside is translucent, the outside opaque and porous. The micro-perforations of the surface allow a control of light and the crossed airing between the two volumes, guaranteeing an adequate thermal control. This interstitial space includes an artificial garden thanks to the use of trays of autochthonous vegetation, sheets of water and hydroponic cultivation. On one hand, the chaotic architectural environs surrounding the location, forces us to deny a gaze over the outside and focus on generating a more controlled interior atmosphere, like a Laboratory, a place where one can manipulate working and use conditions, creating an interior landscape with the elements and fixtures capable of being rearranged according to programmatic requirements.

Serie fotográfica DE-Code Landscape por Pérez & Joel. DE-Code / 56, 2006. Mural de la oficina de la Bienal de Canarias.


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Volumen exterior

Volumen interior trasl煤cido

Micropatios de ventilaci贸n

Frame y cerchas estructurales

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Diagramas


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ARTES VISUALES Y PAISAJE VISUAL ARTS AND LANDSCAPE


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EN MARCHA /ARTE Y MEDIO* UNDER WAY / ART AND ENVIRONMENT* “Desde la Antigüedad, cualquier referencia a las Islas Canarias se ha relacionado siempre con un mundo paradisíaco, fuera del alcance de los mortales; con un territorio más propio para recreadas hazañas de los dioses, que para las fatigas y desventuras de los hombres” –escribe el Dr. Antonio Tejera Gaspar, especialista en historia y arqueología prehispánica–.”Pareciera –añade– como si los términos de mito y mitología estuvieran ya asociados para siempre con Canarias, como mitemas de otras mitologías, puesto que las islas se convirtieron en objeto y naturaleza del mito mismo. En la mitología grecolatina aparecen, unas veces como la ubicación de la Atlántida pensada por el filósofo para recrear el paradigma de su mundo ideal; otras, la mayoría, como el jardín de las Hespérides, remanso final de las almas de los Bienaventurados; o como las apacibles Afortunadas que los romanos imaginaron primero, y que más tarde identificarían...”[1]. No obstante, a pesar de su fama desde el Mundo Antiguo, hay una leyenda mencionada por el profesor Antonio Cabrera Perera, sobre los orígenes de nuestro archipiélago atlántico, que revela el humor y la ironía con la que nuestro pueblo se mira a sí mismo y su ausencia o invisibilidad: “Después de que Dios creara el mundo, hizo también al hombre con barro de la tierra. Una vez que lo hubo hecho, el Creador miraba complacido su obra. Y mientras la contemplaba, se limpiaba, inconscientemente, la tierra que se había adherido a sus manos. Distraído arrojó al mar las ‘pellas’ de barro y de ellas nacieron las Islas Canarias, que ni Dios mismo sabe dónde están”[2]. Pero además de territorio ultraperiférico de la Unión Europea en África –como la isla de Guadalupe en el Caribe, por ejemplo–, el archipiélago de las Islas Canarias ha sido un lugar de emigración hacia América hasta la mitad del pasado siglo XX y secularmente dejado de la mano de Dios. Pero las Islas Canarias no son únicamente el destino de millones de turistas europeos y un convidado de piedra en el tránsito obligado y trágico de los emigrantes africanos que intentan llegar a Europa. Canarias quiere asumir, en definitiva, su papel estratégico entre continentes y culturas atlánticas como frontera sur de Europa. A propósito, este mismo escenario ya fue anticipado hace casi dos siglos por el eminente político y poeta canario Nicolás Estévanez. “La territorialidad, que tal vez día a día pierda sentido en lo geográfico, conserva una dimensión metafórica todavía vigente” –señala la artista y crítica uruguaya Ana Tiscornia– “Las fronteras y los mapas cambian, las redes cibernéticas tienen trazados más antojadizos que los ríos y las montañas, pero no todo se ha vuelto virtual. Aún se tiran bombas en territorios concretos, todavía hay guerras por tierras reales”. Y continúa: “A veces, el territorio es la materialización de un símbolo, una tierra elegida por hombres para entronizar su pensamiento. Otras veces es elegida para disputarse sus recursos. También hay selecciones con signo opuesto, tierras relegadas al olvido”. Y añade: “Los reacomodos de la geografía y la vigencia circunstancial de las fronteras... están directamente ligados con las estrategias. Estas estrategias serán de resignificación, de equiparación, de conquista, de visualización, etc., según quien sea el estratega, qué se proponga, en qué momento histórico y con qué cuente para llevarla adelante”. En este sentido, la nómina artística de la I Bienal de Canarias pretende abrir un diálogo múltiple, a la vez local y global, inspirado en nuestro territorio fragmentado, tanto en su espacio vital como en sus condiciones y componentes ambientales y circunstancias actuales. Por esta razón, el listado que les presento de los artistas y teóricos que he elegido para esta reflexión, entre África, América, Asia y Europa, pretende ser un diálogo activo, no indiferente a nuestro contexto propio, a nuestro espacio real y nuestra memoria, una reflexión transitoria, dinámica y sin clausura, sobre cuestiones que afectan nuestro medio y nuestras vidas. Omitiendo la mayor o menor legitimación que conocen en el mundo del arte contemporáneo las expresiones que tienen su origen en el Atlántico Sur y realizadas por artistas de estas áreas vecinas de Canarias, es incuestionable que la producción de estos artistas se ha convertido en uno de los pilares esenciales, ineludibles, en los que descansa la imagen de la globalización transcultural, multilateral, activada gracias- en buena medida- a la revolución tecnológica y las migraciones, obligadas y voluntarias y que tienen su reflejo en numerosas ciudades del norte

“Since time immemorial, every reference to the Canaries has been associated with a Eden-like world, out of reach to mortals. Its territory is more suited to re-enactments of the feats of the gods than to the predicament and misfortune of men” wrote Dr. Antonio Tejera Gaspar, a scholar specialised in Pre-Hispanic history and archaeology, before going on to add “it would seem as if the terms myth and mythology were already eternally associated with the Canaries as mythemes from other mythologies, with the Islands being taken as the object and nature of the myth in itself. It appears in Greco-Latin mythology sometimes as the location of Atlantis, conceived by the philosopher to recreate the paradigm of his ideal world; and yet other times, as the Garden of Hesperides, the ultimate haven of peace and tranquillity for the souls of the Blessed; or as the Fortunate Islands first dreamt of, and later identified, by the ancient Romans...”[1]. How and ever, despite their fame in the Ancient World, there is a legend mentioned by Professor Antonio Cabrera Perera about the origins of our Atlantic archipelago, revealing the humour and irony with which our people looks at itself and its absence or invisibility: “When God created the world, he also created man out of clay taken from the earth. Once made, the Creator looked at his work with pleasure. And while looking, he unconsciously rubbed off the earth that had stuck to his hands. Absentmindedly, he tossed the bits of clay into the sea, and so the Canary Islands were created without God even knowing where they are”[2]. But, apart from being an ultraperipheral European Union territory in Africa –not unlike, for instance, the Island of Guadeloupe in the Caribbean– and largely left to its own devices until the second half of the 20th century, the Canary Archipelago had always been a place of emigration to America. Yet the Canaries now are more than a destination for millions of European tourists or an uncomfortable stepping stone in the forced and tragic trafficking of African emigrants trying to make their way to Europe. In other words, the Canaries want to finally accept their strategic role in between Atlantic continents and cultures as Europe’s southernmost border. Incidentally, this very scenario was foreseen almost two centuries ago by the eminent native politician and poet Nicolás Estévanez. “Territoriality, though surely the idea is losing sense in geographical terms by the day, still holds a metaphorical dimension” claims the Uruguayan artist and critic Ana Tiscornia, “borders and maps change; cybernetic networks contain patterns even more fanciful than those of rivers and mountains. Still, not everything has become virtual. Real bombs are still dropped on actual territories; there are still wars for real territories.” And she adds, “sometimes, a territory is the materialisation of a symbol, a land selected by men to enthrone their ideas. Other times, it is used to fight over resources. There are also choices of an opposite sign: lands abandoned to oblivion.” She then goes on to say “readjustments of geography and the circumstantial validity of borders… are directly linked to strategies. Strategies of re-signification, levelling, conquest, visualization, etc., depending of who the strategist is, what his aims are, the historical moment and the available resources to implement them.” In this regard, the roster of artists at the 1st Biennial of the Canaries opens up a both local and global multidirectional dialogue inspired by our fragmented territory, fragmented both in its vital space as well as in its environmental conditions and elements and present-day circumstances. For that reason, the list of artists and theoreticians I have put forward for this reflection made from Africa, America, Asia and Europe, strives to ensure an active dialogue, not indifferent to our own context, our real space and our memory: a transitory, dynamic and open-ended reflection on questions affecting our milieu and our lives. Regardless of the greater or lesser legitimisation expressions originating in the Southern Atlantic area or the neighbouring regions of the Canaries find in the contemporary art world, there is no doubt that the production of these artists has become one of the crucial, central pillars supporting the image of the transcultural, multicultural globalisation to a large extent activated by the technological revolution and by migrations, whether forced or voluntary, that find their reflection in many cities in the “Western” North (though we should not forget that


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Africa and Latin America also belong to the West). In any case, it is well-accepted that these artists, first of all deliberately burdened by a label marking their origin and subsequently excluded until the arrival of postmodernism when they were then absorbed and integrated in a single massive melting pot, have managed to influence our present-day art scene, particularly from the last decade of the past century onwards[3], perhaps bringing to the fore the exhaustion of the hegemonic market trends, placing themselves at the forefront of the changes taking place since the fall of the Berlin wall notwithstanding the many walls thrown up after the destruction of the Twin Towers, an event that issued a blank cheque to a hypothetical, simulated and apparent unchallenged clash of civilizations. Despite this first element of Trojan penetration of “the others” favoured by economic globalisation, rather than viewing it as something alien or circumstantial, we must now consider it as a widespread and irreversible development, as demonstrated by the soundest analyses carried out over a period of more than two decades, thanks to the power and speed of communication, migration, tourism, Internet and the postcolonial theory, among other variables... That is why, from the very beginning, I saw the presence of these artists in the 1st Biennial of the Canaries as highly significant for our development, both for the construction of our present and for the understanding of the “new territoriality” imposed by a unidirectional globalization. Without the shadow of a doubt, there are risks inherent to venturing into the minefield of an identity anathematized and despised by the “others”, resisting the loss of their cultural differences. However, unlike what a Bosnian guard told Alma Suljevic, an artist from that country, as we saw and heard in one of her early videos from the 1990s denouncing the indiscriminate carpeting of landmines in an area of Sarajevo swarming with explosive devices during the war, I believe that, as happened in other times, today’s artists venture into new landmines of lies and uncertainties, into parallel universes and transversal perceptions shaking up our lives and our art. In this regard, the contemporary art on view in this 1st Biennial of the Canaries is not just what it seems. One single dimension would not suffice to define this adventure of present-day art for, like a living entity, it triggers off and sows confusion in the definitive and the stable, as we can see in the works these artists are proposing for the biennial from the slant of interdisciplinarity, differences, plurality and resistance. We must, nonetheless, make it clear that it is not a contemplative art, indifferent to the place it emerges from nor the time it is ascribed to, as made evident in the vast majority of the artistic proposals I am referring to. In this sense, art and landscape go hand in hand, both of them bound to the changes driving human action, the needs for food and shelter (agriculture and architecture) and both of them also reflecting the sublime and the delirious that configure us in equal parts. Armando Hart, former Cuban Minster for Culture claimed that “confusing art and culture is a political mistake. Separating art from politics is another one.” Paraphrasing Luis Camnitzer**, culturally and historically, we see images of Africa, South America and Asia as fuzzy, still defined by an arbitrary mix of colonial, neo-colonial and postcolonial ingredients from Europe and North America. We receive and file away these, either voluntarily or involuntarily, naively or unconsciously, biased and disoriented images as alien and different, but not as themselves. And so, we are brought to believe, like Camnitzer, that the separation of art and politics existing even today between “discrete entities” is not only “reactionary” but also a “flawed theory” to use his own expression from 1991. “The very structure of the policy of final context, the context of international culture, with its absolute values, condemns our work to be derivative avant la lettre. Our work may only be accepted and absorbed once those values allow its recognition (...) our work will be seen as a consequence, never as an origin. Our work will be, by definition, derivative providing it is allowed to exist within the hegemonic context. When it is too uncomfortable as a precedent, it will be ignored.” In a paper for the 4th Havana Biennial, he concluded “if we were to unify art and politics within a common vision, a total cognitive process, an instrument for cultural construction, a process for reaction and action within the

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“occidental” (pero no olvidemos que África y Latinoamérica son Occidente también). En cualquier caso, es un hecho contrastado que estos artistas, primero lastrados deliberadamente con una denominación de origen y por ello excluidos hasta el posmodernismo y, luego, absorbidos e integrados en un mismo puchero masivo, han logrado influir en la escena del arte de nuestros días desde la última década del pasado siglo[3], acaso poniendo en evidencia el agotamiento de las tendencias principales hegemónicas de mercado para liderar los cambios que se habían producido desde la caída del muro de Berlín y a pesar de los múltiples muros levantados con la destrucción de las Torres Gemelas, que extendía un cheque en blanco a un supuesto, simulado y aparente, conflicto impune de civilizaciones. Aunque, este primer elemento de penetración troyana de “los otros”, propiciado por la globalización económica, hemos de considerarlo ya no como ajeno o circunstancial, episódico o de temporada, sino generalizado e irreversible; como se advierte en los análisis más autorizados que se vienen produciendo desde hace casi dos décadas gracias a la magnitud y velocidad de las comunicaciones, las migraciones, el turismo, internet y la teoría poscolonial, entre otras variables... Por ello, la presencia de estos artistas en esta I Bienal de Canarias me parecía desde un principio muy significativa para nuestro desarrollo, tanto para la construcción de nuestro presente como para el entendimiento de la “nueva territorialidad” que impone la globalización de dirección única. Desde luego, supone un riesgo aventurarse en un campo minado como es la identidad anatematizada y despreciada de los “otros”, que se resisten a perder sus diferencias culturales pero, al contrario de lo que un guardia bosnio comentara a la artista de aquel país, Alma Suljevic –según pudimos ver y escuchar en uno de sus primeros vídeos del final de los noventa dedicados a denunciar la siembra indiscriminada de minas personales en una zona restringida de Sarajevo plagada de artefactos explosivos durante la contienda–, pienso que el artista de hoy se aventura como en otros tiempos en nuevos campos minados de mentiras e incertidumbres, en universos paralelos y en percepciones transversales, que agitan nuestras vidas y nuestro arte. El arte contemporáneo presente en esta I Bienal de Canarias no es, en este sentido, únicamente lo que parece. Una sola dimensión no definiría esta aventura del arte de nuestros días porque, como un ser vivo, desencadena y garantiza el desconcierto de lo definitivo y estable, como podemos advertir en las obras que estos artistas nos proponen para esta I Bienal de Canarias desde lo interdisciplinario, las diferencias, la pluralidad y la resistencia. Aunque, desde luego, no se trata de un arte contemplativo ni indiferente al lugar donde se ubica ni al tiempo que lo acoge, como resulta evidente en la gran mayoría de estas propuestas artísticas a las que me refiero expresamente. En ese sentido, arte y paisaje se dan la mano, ambos sujetos a los cambios que impulsan la acción humana, las necesidades de alimentación y abrigo (agricultura y arquitectura) y, ambos también, reflejos de lo sublime y del delirio que por igual nos conforma. Decía el anterior Ministro de Cultura de Cuba Armando Hart que “confundir el arte y la política es un error político. Separar el arte y la política es otro error”. Parafraseando a Luis Camnitzer**, las imágenes de África, América del Sur y Asia, cultural e históricamente, nos parecen borrosas todavía definidas por cualquier mezcla arbitraria de ingredientes coloniales, neocoloniales y poscoloniales desde Europa y Norteamérica. Estas imágenes interesadas y desorientadas, voluntaria o ingenuamente/inconscientemente, las sentimos y calificamos como ajenas y diferentes, pero nunca como a ellas mismas. Así que resulta inevitable creer, como Camnitzer, que la separación del arte y la política, aún hoy, en “entes discretos” es no sólo “reaccionaria” sino una “falacia teórica”, por hacer uso de sus propios términos de 1991. “La política del contexto final, el contexto de la cultura internacional con sus valores absolutos, condena por su propia estructura, nuestra obra a ser derivativa avant la lettre. Nuestro trabajo sólo puede ser aceptado y absorbido una vez que estos valores permiten su reconocimiento (...) nuestra obra será vista como una consecuencia y no como un origen. Nuestra obra será derivativa por definición si es que se le permite existir en el contexto hegemónico o, cuando sea demasiado incómoda como precedente, será ignorada”. Y concluía en su docu-


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mento presentado en la IV Bienal de La Habana: “Si unificáramos el arte con la política dentro de una visión común, un proceso cognitivo total, un instrumento de construcción cultural, un proceso de reacción y de acción dentro del contexto original en el cual trabajamos, entonces nuestros esfuerzos se concentrarían en temas mucho más importantes e interesantes que la mercantilización del arte”. Estas han sido otras razones estratégicas que he querido asumir para abordar con estas obras presentes las temáticas propuestas por la I Bienal de Canarias, que cuestionan el contexto mismo, los valores absolutos y los patrones previos fracasados de aproximación a un medio en tránsito. Pero también ha habido una intención tácita de alejarnos de los valores de mercado que otros encuentros ya representan y abordan. No obstante, no deseo olvidar que la exclusión tradicional y canónica de “los otros” en el reparto de beneficios generales siempre actúa el efecto boomerang, incita y alienta el desplazamiento del margen (y sus metáforas infames) hacia el corazón de nuestro tiempo y nuestro mundo hegemónico satisfecho y opulento, orgulloso del despilfarro y el exceso, el verdadero efecto llamada. De ello tenemos conciencia propia, memoria histórica, aunque algunos interesadamente presuman ahora de amnesia y hasta terminen por renunciar a su propio rostro enmascarado. En este sentido, la necesidad imperiosa de “los otros” de salir de sus países de origen es consecuencia, primero, de la asfixia económica, política y cultural y, en el caso que nos ocupa, también del propio discurrir del arte que tradicionalmente ha borrado a estos artistas del mapa y la historia y los ha privado de existencia hasta fecha muy reciente, aun habiéndose éstos anticipado frecuentemente a las expresiones y discursos que el centro hegemónico, en su ocaso, ha asumido luego como propios y patentado astutamente. Algunos artistas se exiliaron, desplazaron, emigraron, hace tiempo, otros casi acaban de alcanzar el norte de la abundancia y se han integrado en él hasta disolver sus diferencias de origen que, no obstante, la distancia y el olvido hacen emerger muchas veces en forma de desgarros emocionales y desarreglos que arden. También otros, alejados de sí mismos, exploran aún la castración de su memoria que deriva hacia poéticas híbridas y complejas, mórbidas y alternativas, ancestrales, inaccesibles y nómadas. En cualquier caso, parece milagroso que en condiciones tan excepcionales y desfavorables los artistas de estos países, que carecen de atención mediática equivalente a las que disfrutan los creadores “de casa”, hayan podido salir de las sombras de la diferencia y “la nada” y que su influencia sea tan importante para el desarrollo del arte de nuestro presente, a pesar de la hegemonía y dictadura de los mercados europeos y norteamericanos. África y su situación actual tiene mucho que decir en todo esto por su renovación discursiva y sus diferencias, porque acaso su “presencia” sea más decisiva ahora que a principios del siglo XX, cuando también lo fuera para las vanguardias históricas, sin reconocimiento expreso, con la apropiación de sus elementos estéticos primordiales. Desde hace dos décadas, algunos cínicos e interesados atribuyen al arte de nuestros tiempos la responsabilidad de una presunta confusión generalizada, precisamente en un contexto donde el extravío, la mentira y el naufragio general es la moneda global de cambio. Pero el cinismo ya no coge a nadie por sorpresa, ni la mentira aún repetida por el coro de goebelianos. Otros piensan que estos periódicos “espectáculos” colectivos del arte global de nuestros días han propiciado y alimentado este supuesto caos, esta auténtica transformación que vino a quedarse y se ha olvidado de la belleza. Las bienales son y definen estrategias presuntamente nacionales, locales, para la difusión del país o la ciudad que las acoge y organiza. Las bienales no son, con todo, fachadas que utilizan el arte contemporáneo como plataforma secundaria y excusa para vender lo inconfesable, ni correas de transmisión de intereses mezquinos. Ni hay un modelo alternativo a seguir ni tampoco un modelo de obligado cumplimento que garantice su entendimiento y significación. Hay innumerables variables, pero lo que a menudo se olvida es que son las obras de los artistas por sí mismas las que emiten, omiten, ocultan, camuflan y exhiben su identidad y propósito; aún

original context we are working in, then our efforts would focus on far more important and interesting issues than on the mere commoditisation of art.” Those are other strategic reasons I wanted to adopt when addressing the works to be presented within the various thematic proposals for the 1st Biennial of the Canaries, questioning, as they do, the absolute values and previously failed patterns in their approach to an environment immerse in a moment of transience. It has been, however, also a tacit attempt to put some distance between ourselves and the market values already represented by and dealt with by other events. Notwithstanding the above, we should not overlook the fact that the traditional and canonical exclusion of “the others” in the distribution of general benefits further enhances the boomerang effect, and encourages and stimulates displacement from the margin (and its loathsome metaphors) towards the core of our time and our self-satisfied and opulent hegemonic world, proud of its waste and excess: the true factor behind the so-called call effect. Something about which we have our own consciousness, our historical memory, although rather conveniently some people now seem to have developed amnesia and even end up renouncing their own masked faces. In this regard, the urge of “the others” to leave their countries of origin is a direct consequence, first of all, of their economic, political and cultural suffocation, and in this specific case we are dealing with right now, also in the art world that has traditionally erased those artists from the map and from history, until very recently depriving them from any existence even though they have often spearheaded expressions and discourses that the hegemonic centre, in its decline, has later shrewdly patented and assumed as its own. Many artists emigrated, went into exile, or moved home sometime ago while others have just recently reached the North of wealth, integrating themselves into it until dissolving their original difference which nevertheless distance and forgetfulness often manage to bring forth in the form of disturbing emotional turmoil. Meanwhile yet others, at one remove from themselves, are still exploring the castration of their own memories, deriving towards poetics that are hybrid and complex, morbid and alternative, ancestral, inaccessible and nomadic. All in all, it seems miraculous that, in such exceptional and disadvantaged conditions, the artists from these countries, lacking the media attention similar to that enjoyed by art practitioners “from home,” managed to find their way out of the darkness of difference and “nothingness” and that their influence is as important for the development of the art of our days, in spite of the hegemony and dictatorship imposed by European and North-American markets. Africa and its present-day situation has a lot to say in this regard as a consequence of its discursive renewal and its difference, for its “presence” is perhaps more telling now than in the early years of the 20th century, when it was also key for the historical avant-gardes, though without any express recognition, in the appropriation of its prime aesthetic elements. For two decades now, some cynics and other interested parties have attributed to the art made in our time the responsibility for a hypothetical generalised confusion, precisely in a context where loss, lies and general collapse is the global common currency. But cynicism no longer catches anyone unawares, nor do the lies still being repeated by the choir of Goebbelians. Some others believe that these periodical collective “spectacles” offered by the global art of our time have fostered and feed this supposed chaos, this authentic transformation that came to stay and forgot about beauty. Biennials are, and define, supposedly national, local strategies aimed at promoting the country or the city hosting them. All in all, biennials are not facades used by contemporary art as a secondary platform and an excuse to sell the unmentionable, nor are they the drive belts of petty interests. We do not have an alternative model to follow, nor it there a binding one ensuring its understanding and meaning. The variables are manifold, but what we tend to forget is that it corresponds to the works of the artists to emit, omit, conceal and display their identity and purpose by themselves, even if there is a curator in charge of their selection,


who will use them to convey a diagnosis, a latent state of things. In this sense, the role played by this 1st Biennial of the Canaries could be critical for the development of dynamics and discourses updating our insight into the contemporary art world and into ourselves. If not a mirror, this Biennial attempts to be a thermometer recording the transcultural environment and communication in the specific landscape of the Canary Islands. Ticio Escobar maintains that “the constitution of identities is no longer a matter of ontological principles or of ethical imperatives, but rather of strategies.” In a text from 1991 he went on to claim that “Bruno Barrás, from a Chamacoco community, speaks, apart from his own, another five languages, collects several names earned in forests, towns and cities, and proudly admits to have successively received the Catholic, Protestant and Mennonite christening. He is well aware of the fact that, in order to preserve his identity and that of his people, nowadays he must be in possession of several passports. His people of ancient nomadic hunters has now turned partly to farming and to labouring for others. The Chamacoco people he leads use radios and recorders, walk to Bahía Negra to make their phone calls and dream of their own motorcycles. But when night falls, in front of the fire they whisper stories from before the beginning of time. And at an invisible signal, they venture into the forest in search of their most profound identity, erase their faces with masks, cover their bodies with paint, feathers and shouts, strip off their identities and become gods and strange birds.” An uncontrollable displacement, a passage, that has opened up a crevice in the terminal art of the 20th century, that not only has not been closed, but has in fact widened to become a gaping hole in the white cube. It is about a meaning open to the new scenario of encounter among cultures, not only ethically convincing as the only acceptable option, but also involving us all in a project which is common to everybody, regardless of place of origin as I have attempted to reflect in the artistic selection of this 1st Biennial of the Canaries, fragmented, plural and under way. It has given us a chance of addressing our environment, our landscape and our memory from a number of different perspectives and concepts, from a diversity of origins and manifold utopias, from a real territory, free from dogmas. And, naturally, from a plurality sometimes undistinguishable from everyday rituals, but often imaginatively escaping the supposedly hypothetical official reality or one we are usually capable of perceiving in difference.

Antonio Zaya. Comisario 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias

Antonio Zaya. Curator. 1st Architecture, Art and Landscape Biennial of the Canaries

*Este texto es consecuencia y fusión de diferentes textos previos realizados para la Revista de Occidente de Madrid, escrito el pasado año sobre las Bienales de São Paulo y La Habana; una conferencia que tuvo lugar en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA), sobre el mismo tema, y otra conferencia realizada este año en el Instituto Iberoamericano de Berlín por invitación del Instituto Cervantes de la capital alemana. Quiero decir con ello que este texto discurre en la misma reflexión que sobre el fenómeno de las Bienales he venido desarrollando durante estos últimos años, aunque en esta ocasión específica su marco de referencia sea mi propio país natal, las Islas Canarias.

*This text is the fusion of various previous texts written last year for Revista de Occidente from Madrid, about the Sao Paulo and Havana biennials; a paper given at MACBA (Museum of Contemporary Art of Barcelona) on the same subject, and another one imparted this year at the Ibero-American Institute of Berlin by express invitation from the Cervantes Institute in that city. With that, I want to suggest that the text follows the same reflection on the Biennial phenomenon that I have been developing in recent years, although this time using for it the framework of my own native land, the Canary Islands.

**Crítico y artista latinoamericano de origen alemán y residente en Nueva York desde hace décadas. [1] Antonio Tejera Gaspar. La religión de los Guanches. 3ª Ed. Asociación Cultural de las Islas Canarias (ACIC). La Laguna (Tenerife). 1993. [2] Antonio Cabrera Perera. Las Islas Canarias en el Mundo Clásico.Viceconsejería de Cultura y Deportes. Gobierno de Canarias. Madrid. 1988. [3] Como he tratado de mostrar desde 1992 en la revista Atlántica (CAAM), editada en Las Palmas de Gran Canaria.

Platja d’Aro, 2006. **Latin-American art critic and artist of German descent, based in New York for several decades. [1] Antonio Tejera Gaspar. La religión de los Guanches. 3rd Ed. Asociación Cultural de las Islas Canarias (ACIC). La Laguna (Tenerife). 1993. [2] Antonio Cabrera Perera. Las Islas Canarias en el Mundo Clásico .Viceconsejería de Cultura y Deportes. Gobierno de Canarias. Madrid. 1988. [3] As I have been trying to demonstrate since 1992 in the magazine Atlántica (CAAM), published in Las Palmas de Gran Canaria.

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Platja d’Aro, 2006.

1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

siendo seleccionadas por un comisario responsable, quien se sirve precisamente de ellas para reflejar un diagnóstico, un estado latente de las cosas. El papel de esta I Bienal de Canarias puede ser primordial, en este sentido, para el desarrollo de las dinámicas y discursos que actualizan nuestra visión del mundo artístico contemporáneo y de nosotros mismos y si no un espejo, esta I Bienal de Canarias pretende ser un termómetro de ambiente y comunicación transcultural en el paisaje específico de las Islas Canarias. Ticio Escobar ha escrito: “La constitución de las identidades ya no es un asunto de fundamentos ontológicos ni de imperativos éticos sino cuestión de estrategias”, como señalaba al inicio Ana Tiscornia. El propio Ticio Escobar relataba en el mismo texto antes citado de 1991: “Bruno Barrás, actual palota de un grupo chamacoco, habla, aparte del suyo propio, cinco idiomas, colecciona varios nombres ganados en bosques, aldeas y ciudades y confiesa orgulloso que recibió, sucesivamente, el bautismo católico, el protestante y el mennonita. Sabe que, para cuidar su identidad y la de su gente, hoy debe estar munido de varios pasaportes. Su pueblo de antiguos cazadores itinerantes se ha vuelto en parte agricultor y en parte jornalero. Los chamacocos que él lidera utilizan radios y grabadoras, caminan hasta Bahía Negra para hacer llamados telefónicos y sueñan con motocicletas propias. Pero cuando cae la noche, narran en susurros y mirando las fogatas, las historias de antes del tiempo. Y ante una señal invisible, se hunden en la selva buscando su identidad más profunda, borran sus rostros con máscaras, se cubren de pinturas, de plumas y de gritos, se desnudan de sus identidades y se convierten en dioses y pájaros extraños”. Este desplazamiento incontenible, este tránsito, ha abierto una grieta en el arte terminal del siglo XX que no sólo no ha vuelto a cerrarse sino que se ha ensanchado hasta convertirse en un verdadero agujero en el cubo blanco. Se trata de un sentido abierto a la nueva escena de encuentro entre culturas, que no sólo convence éticamente como única opción aceptable sino, también, nos involucra en un proyecto común a todos, independientemente del lugar de origen, como he tratado de reflejar en la selección artística de esta I Bienal de Canarias fragmentada y plural, en marcha. Esto nos ha permitido abordar nuestro entorno, nuestro paisaje y nuestra memoria desde diferentes percepciones y conceptos, desde orígenes diversos y utopías múltiples, desde un territorio real sin dogmas. Y, desde luego, en la pluralidad que no se distingue en ocasiones del cotidiano ritual pero que frecuentemente se fuga con extraordinaria imaginación de la presunta realidad oficial o de la que somos capaces de percibir habitualmente en la diferencia.


ADEL ABDESSEMED

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CONSTANTINE, ARGELIA / ALGERIA, 1971. VIVE EN / LIVES IN PARÍS, FRANCIA / FRANCE

©Foto: Alberto García Állix

Centro de Arte La Recova Santa Cruz de Tenerife

Adel Abdessemed ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas, entre las que destacan la muestra individual del artista en Le Plateau de París (2006), Notre Histoire (Palais de Tokyo, París, 2006) y Happiness: A Survival Guide for Art and Life (Mori Art Museum, Tokio, 2004). Asimismo, ha sido nominado al Premio Marcel Duchamp, en su edición 2006. Adel Abdessemed has taken part in countless solo and group exhibitions, including the solo show at Le Plateau, Paris (2006); Notre Histoire (Palais de Tokyo, Paris, 2006) and Happiness: A Survival Guide for Art and Life (Mori Art Museum, Tokyo, 2004). He was shortlisted for the 2006 Marcel Duchamp Prix.

Adel Abdessemed pertenece a una generación de artistas que tienen en Francia, y en concreto en su capital, París, el lugar desde donde han comenzado a trabajar de un modo sistemático en torno al análisis de las restricciones asociadas con la cultura occidental –islámica–, y su hibridación; una mezcla que enriquece su percepción pero que no está exenta del conflicto permanente vinculado a ambos contextos. Problemáticas sociales y políticas a las que Abdessemed será particularmente sensible por su origen argelino, integrando en su práctica artística –vídeos, escritos, dibujos, esculturas o instalaciones–, elementos íntimamente ligados con ambos territorios, y que ahondan en la lectura crítica y comprometida de lo contemporáneo. Imágenes inquietantes, saturadas de referencias, que hacen del uso y abuso de los límites de lo políticamente correcto su particular estrategia de Tolerancia Zero; como acción enfrentada a los discursos hegemónicos del conflicto. Los dos vídeos que Abdessemed presenta en el contexto de esta primera edición de la Bienal abordan cuestiones como las de la libertad de expresión, la propaganda política o la violencia, a través de acciones directas protagonizadas por un impactante primer plano de un gato que devora a un ratón en plena calle, o un micrófono en bucle que se estampa contra el suelo. Imágenes agresivas que, a pesar de su sencillez, entablan de forma inmediata correspondencias evidentes con cuestiones de difícil resolución.

Adel Abdessemed belongs to a generation of artists that chose France, and more specifically, Paris, as the place to work systematically on an analysis of the restrictions associated with western Islamic culture and its hybridisation. While enriching his perception, this mixture is not free from the permanent conflict associated with both contexts. Abdessemed is particularly sensitive to these social and political issues given his Algerian origin. For his art practice featuring videos, writings, drawings, sculptures and installations he uses elements that are closely associated with both territories and which explore a critical and engaged reading of contemporaneity. His disturbing images, brimful of references, test the limits of political correctedness to the maximum with his particular strategy of Zero Tolerance, as actions confronted with the hegemonic discourses of conflict. The two videos presented by Abdessemed in this first Biennial address issues of freedom of speech, political propaganda and violence, through direct actions dominated by a shocking close-up of a cat devouring a mouse in the middle of the street; or a looped microphone crashing against the ground. Notwithstanding their simplicity, these aggressive images immediately reverberate with underlying questions that are difficult to resolve.

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Talk is Cheap, 2006 Vídeo / Video Duración / Duration 1’’ Cortesía / Courtesy: © Adel Abdessemed y / and Galerie Kamel Mennour, París Birth of Love, 2006 Vídeo / Video Duración / Duration 40’’ Cortesía / Courtesy: © Adel Abdessemed y / and Galerie Kamel Mennour, París

Birth of Love, 2006 Captura del vídeo / Video still Talk is Cheap, 2006 Captura del vídeo / Video still


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EIJA-LIISA AHTILA

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HÄMEENLINNA, FINLANDIA / FINLAND, 1959. VIVE EN / LIVES IN HELSINKI, FINLANDIA / FINLAND

©Foto: Nauska Crystal Eye Ltd, Helsinki

Antiguo Convento de Santo Domingo La Laguna - Tenerife

Eija-Liisa Ahtila estudió cinematografía en Los Ángeles y Londres, y ha expuesto su obra recientemente en espacios como Documenta 11 (Kassel, 2002); Tate Modern (Londres, 2002); San Francisco Museum of Modern Art (2003); Bienal de Busan (Corea del Sur, 2004); 51 edición de la Bienal de Venecia (2005), o Marian Goodman Gallery (Nueva York, 2006). Eija-Liisa Ahtila studied filmmaking in Los Angeles and London, and has recently exhibited her work in Documenta 11 (Kassel, 2002); Tate Modern (London, 2002); San Francisco Museum of Modern Art (2003); the Busan Biennial (South Korea, 2004); 51st Venice Biennale (2005), and at the Marian Goodman Gallery (New York, 2006).

The Hour of Prayer es un relato en vídeo que se origina a partir de un hecho que pertenece a la biografía de la artista; la muerte de un perro que tiene lugar durante un invierno en Nueva York, y que termina de narrarse once meses más tarde en la ciudad de Benin, al oeste de África. Un monólogo a medio camino entre sueño y realidad, cuidadosamente editado, y que se presenta como una instalación de cuatro proyecciones simultáneas pero diferenciadas en el espacio de exhibición. Un particular modo de confrontar imagen y narración, muy presente en piezas anteriores de esta creadora, a través de obras que exploran los “dramas humanos”, de películas que reflexionan en torno a las relaciones personales y de la percepción de las pasiones más básicas del individuo, así como su relación con el Otro y el afuera. Partiendo del análisis psicológico de los protagonistas de sus películas, Ahtila hace de lo aparentemente anecdótico un espacio singular y “sagrado” desde el que analiza los límites difusos entre realidad y ficción. La identidad, las conductas sociales, las reacciones extremas del individuo, o la fragilidad y vulnerabilidad de la mente humana son tan sólo algunos de los intereses de sus obras. Trabajos donde se confunde lo objetivo del documental con el realismo mágico, y que alteran cualquier convención sobre la percepción de la imagen, mediante la ruptura con la linealidad del lenguaje audiovisual.

The Hour of Prayer is a video narration based on a real event in the artist’s own life; beginning with the death of a dog during a winter in New York, and ending eleven months later in the city of Benin, in west Africa. A monologue somewhere between dream and reality, carefully edited and presented as an installation with four simultaneous yet differentiated projections in the exhibition space. A unique way of confronting image and narration, presaged in the artist’s previous works exploring “human dramas”, films reflecting on personal relationships and the perception of an individual’s most basic passions, as well as her relationship with the Other and with the outside. Starting out from a psychological analysis of the characters in her films, Ahtila turns the apparently anecdotal into a singular and “sacred” space from which to analyse the blurred limits between reality and fiction. Identity, social behaviour, the extreme reactions of the individual, or the fragility and vulnerability of the human mind, are some of the concerns. Her work confuses the objectivity of the documentary with magic realism, and alters all conventions of the perception of the image, by means of breaking the linearity of the audiovisual language.

The Hour of Prayer, 2005 Vistas de la instalación / Installation views © Fotos: Teresa Arozena

The Hour of Prayer, 2005 Captura del vídeo / Video still

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The Hour of Prayer, 2005 Vídeo instalación de 4 proyecciones / Video installation with 4 projections Duración / Duration: 14’ 12’’ Cortesía / Courtesy: Marian Goodman Gallery, Nueva York y París © Cristal Eye-Kristallisilmä Oy Con el apoyo de / With the support of: AVEK - The Promotion Centre for Audiovisual Culture Finnish Cultural Foundation FRAME - Finnish Fund For Art Exchange Fondazione La Biennale di Venezia, 51 edición


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JAÂFAR AKIL MEKNÈS, MARRUECOS / MOROCCO, 1966. VIVE EN / LIVES IN MEKNÈS

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Jaâfar Akil desempeña actualmente el cargo de Presidente de la Asociación Marroquí de Fotografía, y ha participado en numerosas exposiciones colectivas en lugares como Marruecos, Siria, Canadá o España. En el año 2004, durante su residencia como artista en Dar-Batha, realizó el proyecto titulado Orident. Asimismo, su trabajo fotográfico ha sido expuesto recientemente en las muestra Lignes et couleurs sur surfaces (Rabat) y Les doubles de l’auteur (Meknès).

Casa de Los Coroneles La Oliva - Fuerteventura

Jaâfar Akil is currently President of the Moroccan Photography Association, and has participated in many group shows in Morocco, Syria, Canada and Spain. In 2004, during an artist residency in Dar- Batha, he created the project titled Orident. His photos have been seen recently in Lignes et couleurs sur surfaces (Rabat), and in Les doubles de l’auteur (Meknès).

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Contrastes I- IV, Marrakech, 1995 4 fotografías color / 4 colour photographs 80 x 110 cm c.u. / each Producción de / Produced by 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias

Jaâfar Akil presenta una serie fotográfica que registra distintos elementos arquitectónicos y espacios diferenciados de un edificio. Fragmentos de su interior cuidadosamente re-enmarcados bajo la óptica de un artista que redefine por completo los usos y naturaleza de los lugares que fotografía, aislando elementos concretos del entorno en un recorrido singular llevado a cabo por sus distintas estancias. Detalles de muros, pasillos, escaleras, arcos ornamentados, celosías o ventanas, que se presentan en la serie de imágenes de Jaâfar Akil como composiciones pictóricas singulares y limitadas. Superficies de colores vivos, de contrastes extremos, de estructuras geométricas definidas, configuran paisajes extraños donde cualquier significado arquitectónico pasa a un segundo plano al ser “desprovisto”, cada uno de los elementos registrados, de la utilidad y finalidad inicial para la que fueron pensados. En un hábil juego de intercambio de funciones, de “cambios de escala” o saturación de colores, Jaâfar Akil genera un imaginario singular donde se da un sentido nuevo a una arquitectura muy significada; convertida casi en un paraje desconocido a explorar. Una imagen fotográfica que se “confunde” –de modo intencionado– con una composición pictórica, anulando cualquier seña de identidad previa de aquello que es fotografiado.

Jaâfar Akil presents a photographic series that registers the different architectural elements and differentiated spaces in a building. Fragments of a carefully re-framed interior under the optic of an artist who completely redefines the uses and character of the places he photographs, isolating specific elements of the surroundings on a singular voyage throughout its various rooms. Details of walls, corridors, staircases, decorated arches, latticework and windows, are seen in Jaâfar Akil’s series of images as singular and limited pictorial compositions. Brightly coloured surfaces, featuring extreme contrasts and defined geometric structures, comprise strange landscapes where any architectural meaning is pushed into the middle ground when divested, in each of its registered elements, of the utility and end purpose for which they were initially conceived. In a clever play of exchanging functions, of “changes of scale” or saturation of colours, Jaâfar Akil generates a singular imaginary that gives a new meaning to a specific architecture; almost transformed into an unknown landscape ready to be explored. A photographic image that is intentionally “confused” with a pictorial composition, denying any sign of identity prior to the moment of being photographed.


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FERNANDO ÁLAMO SANTA CRUZ DE TENERIFE, ESPAÑA / SPAIN, 1952. VIVE EN / LIVES IN LAS PALMAS DE GRAN CANARIA

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Desde el año 1972 Fernando Álamo ha realizado exposiciones individuales en ciudades como Málaga, La Habana, Las Palmas de Gran Canaria, Múnich, Jerusalén y Madrid. Asimismo, ha tomado parte en numerosas exposiciones colectivas, y su obra figura en colecciones como las de la Fundación “la Caixa”, CAAM, Colección Roland Penrose, Parlamento Europeo, Parlamento de Israel, IODACC, Museo Albertina y en colecciones privadas internacionales. Since 1972, Fernando Álamo has had individual exhibitions of his work in cities such as Malaga, Havana, Las Palmas de Gran Canaria, Munich, Jerusalem and Madrid. His work has also been included in many group exhibitions, and is in collections such as Fundación “la Caixa”, CAAM, Roland Penrose Collection, European Parliament, Israeli Parliament, IODACC, Albertina Museum and international private collections.

Las obras del artista Fernando Álamo son imágenes pictóricas de cuidada factura con un tema repetido de forma casi obsesiva: las rosas. Un trabajo que es reflejo de la trayectoria de un creador en constante evolución, y que habilita, desde la actividad de la práctica artística, un espacio de reflexión generado por la mirada curiosa del individuo en su aproximación y conocimiento de los elementos de su entorno. Las exposiciones de Fernando Álamo, en el contexto de la Bienal de Canarias, se estructuran en torno a distintas series de cuadros; primeros planos de una flor, casi impresiones, donde se superponen gruesos trazos de formas esquemáticas. Pinturas que son el resultado directo de la acción de depositar la pintura y el pigmento sobre el lienzo, a modo de poso o huella que fija y detiene esa mirada extraña sobre lo cotidiano. La apariencia austera y desprovista de ornamentos de las pinturas, la desnudez de las estructuras compositivas que organizan las imágenes, o la inmediatez de las relaciones que se establecen entre el proceso y la huella, parten de un interés constante por lo particular y concreto.

Fernando Álamo’s works are meticulously finished pictorial images featuring the recurrent and almost obsessive theme of roses. His work reflects the trajectory of a continuously evolving artist who creates, from his art practice, a space for reflection generated by the individual’s inquisitive gaze in its approach to and acknowledgement of surrounding elements. Fernando Álamo’s exhibitions for the biennial revolve around different series of his paintings; close-ups, almost impressions, of a flower where he overlays thick schematic brushstrokes. Paintings directly resulting from the action of placing paint and pigment on the canvas, in the manner of a sediment or print fixing and freezing this strange gaze over the everyday. The austere appearance of the paintings, stripped of all ornamentation, the starkness of the compositional structures organising the images, or the immediacy of the relations established between the process and the trace, are the by-product of a permanent interest for the specific and the particular.

Casa Rahn Puerto de la Cruz - Tenerife Centro de Arte La Recova Santa Cruz de Tenerife

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Casa Rahn Flores blancas y negras a la manera de Matisse, 2006 Técnica mixta sobre lienzo / Mixed media on canvas 200 x 450 cm Centro de Arte La Recova Dos rosas, 2006 Técnica mixta sobre lienzo y DM / Mixed media on canvas and DM 230 x 450 cm Dos rosas (bis), 2006 Técnica mixta sobre lienzo y DM / Mixed media on canvas and DM 230 x 450 cm Ocho rosas, 2006 Técnica mixta sobre lienzo y DM / Mixed media on canvas and DM 230 x 450 cm Ocho rosas (bis), 2006 Técnica mixta sobre lienzo y DM / Mixed media on canvas and DM 230 x 450 cm

Vista de la instalación en Casa Rahn / Installation view at Casa Rahn

Vistas de la instalación en La Recova / Installation views at La Recova

© Foto: Teresa Arozena

© Fotos: Teresa Arozena


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ALEXIS W. TAIBIQUE, EL HIERRO, ESPAÑA / SPAIN, 1972. VIVE ENTRE / LIVES BETWEEN MADRID, BERLÍN Y / AND EL HIERRO

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De formación autodidacta, Alexis W ha participado en exposiciones como: La ventana indiscreta (acción en espacio público, Madrid, 2003-2006); El ojo queer (Galería Carmen de la Guerra, Madrid, 2006); Islas Móviles (Centro de Arte La Regenta, Las Palmas de Gran Canaria, 2006, y Sala de Arte Contemporáneo, Santa Cruz de Tenerife, 2006); En construcción (Espacio C, Camargo, Cantabria, 2005); Pornografías (Galería Carmen de la Guerra, Madrid, 2005); Espacios Abiertos (Fundación Mapfre Guanarteme, Santa Cruz de Tenerife y Las Palmas de Gran Canaria, 2005); o Te quiero (Centro de Arte Juan Ismael, Fuerteventura, 2003).

Plaza del Virrey de Manila Valverde - El Hierro

A self-taught artist, Alexis W has shown his work in exhibitions like La ventana indiscreta (action in public space, Madrid, 2003-2006); El ojo queer (Galería Carmen de la Guerra, Madrid, 2006); Islas Móviles (Centro de Arte La Regenta, Las Palmas de Gran Canaria, 2006 and Sala de Arte Contemporáneo, Santa Cruz de Tenerife, 2006); En construcción (Espacio C, Camargo, Cantabria, 2005); Pornografías (Galería Carmen de la Guerra, Madrid, 2005); Espacios Abiertos (Fundación Mapfre Guanarteme, Santa Cruz de Tenerife and Las Palmas de Gran Canaria, 2005); and Te quiero (Centro de Arte Juan Ismael, Fuerteventura, 2003).

La ventana indiscreta es la instalación que el artista Alexis W, originario de El Hierro, presenta en la Plaza del Virrey de Manila, en Valverde. Se trata de una intervención específica en el espacio público construida a partir de una estructura modular de andamios con tres niveles diferenciados de alturas en la que se exhiben 14 imágenes –cajas de luz–, iluminadas de forma aleatoria. Esta pieza, cuyo título es una referencia directa al clásico cinematográfico que Alfred Hitchcock realizara en 1954, modifica la idea del voyeur presente en la cinta original al proponer una mirada recíproca entre lo vigilado –los retratos de individuos desnudos protagonistas de las imágenes–, y el espectador –sorprendido por su presencia “incómoda” en el espacio público. Una confusión intencionada de intercambio de roles entre observador y observado, que hace difícil definir quién es realmente el sujeto “expuesto”, y quién el que contempla. Una galería de retratos privados, voluntariamente “desocultados” ante los ojos de un paseante anónimo que se transforma en voyeur obligado. La ventana indiscreta, de la que han sido presentadas versiones previas en Madrid, continúa muchas de las obsesiones presentes en proyectos anteriores del artista; la trasgresión de los límites entre los ámbitos público y privado, el uso del desnudo, la necesaria revisión y trasformación de las convenciones sociales, o la recurrente teatralidad y puesta en escena de la que hacen uso muchas de sus imágenes.

La ventana indiscreta (or Rear Window) is an installation by the artist Alexis W, born here in El Hierro, and presented at Plaza del Virrey de Manila, in Valverde. A specific intervention in the public space based on a modular structure of scaffolding on three different levels with fourteen lightbox images, lighted randomly. This piece, whose title is a direct reference to the classic movie by Alfred Hitchcock from 1954, modifies the idea of the voyeur from the original film by positing a reciprocal gaze between the watched –portraits of the nude individuals in the images– and the spectator –surprised by their “uncomfortable” presence in the public space. A deliberate confusion in the exchange of roles between the observer and the observed, which makes it difficult to define who is really the subject “on exhibit”, and who is contemplating. A gallery of private portraits, voluntarily “unmasked” in front of the eyes of an anonymous passer-by who is forced into the role of voyeur. This rear window, of which previous versions have gone on exhibit in Madrid, continues many of the recurring obsessions in prior works by the artist; the disintegration of limits between public and private areas, the use of the nude, a necessary revision and transformation of social conventions, and the recurrent theatricality and mise en scene in many of his images.

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La ventana indiscreta, 2006 Instalación con 14 cajas de luz / Installation with 14 lightboxes Producción de / Produced by 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias

La ventana indiscreta, 2006 Vistas de la instalación / Installation views © Fotos: Miguel A. Quintas


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ALLORA & CALZADILLA JENNIFER ALLORA, FILADELFIA, EE.UU. / PHILADELPHIA, USA, 1974 GUILLERMO CALZADILLA, LA HABANA / HAVANA, CUBA, 1971 VIVEN EN / LIVE IN SAN JUAN DE PUERTO RICO 1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

Jennifer Allora se graduó en el Instituto Tecnológico de Massachusetts y Guillermo Calzadilla lo hizo en el Bard College de Nueva York. La unión entre ambos se formalizó en 1995 en San Juan de Puerto Rico. Sus trabajos han sido expuestos ampliamente en muestras como las organizadas en el Stedelijk Museum voor Actuele Kunst S.M.A.K., Gante; (En)Tropics, Galerie Chantal Crousel, París; Land Mark, Palais de Tokyo, París; o el MOCA, Los Ángeles. Asimismo, han tomado parte en la XXIV Bienal de São Paulo (1998); la VII Bienal de La Habana (2000); o la Bienal de Gwangju (2004).

Teatro Chico Santa Cruz de La Palma

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Casa Vegueta Las Palmas de Gran Canaria

Jennifer Allora graduated from the Massachusetts Institute of Technology and Guillermo Calzadilla from Bard College in New York. They started working together in 1995 in San Juan, Puerto Rico. Their work has gone on show at S.M.A.K. Stedelijk Museum voor Actuele Kunst, Ghent; (En)Tropics, Galerie Chantal Crousel, Paris; Land Mark, Palais de Tokyo, Paris; and LA MOCA, Los Angeles. They have also been included in the 24th Sao Paulo Biennial (1998); the 7th Havana Biennial (2000); and the Gwangju Biennial (2004).

Sweat Glands, Sweat Lands, 2006 Vídeo monocanal con sonido / Single-channel video, sound Duración / Duration: 2’ 21’’ Cortesía / Courtesy: Los artistas y / the artists and Galerie Chantal Crousel, París; Lisson Gallery, Londres / London

Sweat Glands, Sweat Lands es un trabajo en vídeo que se estructura a partir del ritmo impuesto por la voz en off de Residente Calle 13, un grupo de reggaeton puertorriqueño que funciona a modo de banda sonora y texto-guión de la película. Un tema donde se describen, con la cadencia propia de un estilo musical rápido y envolvente, distintos sistemas de oposición; de organización y caos, de orden-desorden, de civilización y barbarie. Mientras el audio transcurre, un delirante plano-fijo muestra un pedazo de carne ensartado en una barbacoa cuyo giro se produce por el efecto del acelerador de un coche al que está conectada esta peculiar parrilla improvisada. Un insólito artefacto que mecánicamente, y siguiendo el metro persistente impuesto por la canción, da vueltas al cuerpo inerte de un animal sobre el fuego encendido. Un catálogo –visual y sonoro– de sistemas precarios, artefactos curiosos y mecanismos extraños, que pueblan los proyectos de este dúo de artistas; artilugios, objetos y modos de comunicación “alternativos” producidos en la urgencia que surge de una necesidad concreta, y que se materializan en las piezas de Allora & Calzadila como modelos posibles –aunque poco probables– de una organización “al margen” de lo establecido.

Sweat Glands, Sweat Lands is a video work structured around the rhythm of the off-screen voices of Residente Calle 13; a Puerto Rican reggaeton group providing the soundtrack and script for the film. To the rhythm of a fast and enveloping musical style, they describe various systems of opposition; of organization and chaos, of order-disorder, of civilization and barbarism. To the backdrop of the sound, a rambling travelling shot shows a carcass of meat skewered on a barbeque which is being rotated by the accelerator of a car connected to the peculiar improvised spit. This odd device and the inert carcass mechanically revolves over the fire to the relentless beat of the music. A visual and sound catalogue of the precarious systems, strange artefacts and devices that populate the projects by this pair of artists; “alternative” forms of communication, objects and contraptions produced in the urgency of a specific need and materialised in the works by Allora & Calzadilla as possible though improbable models of an organisation on the “margins” of the established.

Sweat Glands, Sweat Lands, 2006 Capturas del vídeo / Video stills


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ALEXANDER APÓSTOL BARQUISIMETO, VENEZUELA, 1969. VIVE EN / LIVES IN MADRID, ESPAÑA / SPAIN

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La obra de Alexander Apóstol ha sido expuesta en las Bienales de Praga, Estambul y São Paulo; así como en museos relevantes de Latinoamérica y España. Trabaja con la galería Distrito Cu4tro de Madrid. The work of Alexander Apóstol has been seen in the Prague, Istanbul and São Paulo Biennials, and in major museums in Latin American and Spain. He works with Distrito Cu4tro gallery, Madrid.

Sala de Arte Contemporáneo Museo Municipal de Bellas Artes Santa Cruz de Tenerife

Alexander Apóstol muestra en las salas del Centro de Arte Contemporáneo de Santa Cruz de Tenerife una instalación con tres proyecciones simultáneas de un vídeo producido de modo específico para la Bienal. Una película rodada en una piscina localizada en el Hogar Canario de Caracas; un país que se convirtió en centro tradicional de emigración de los habitantes de las islas en décadas pasadas, y que provocó que Venezuela llegase a ser conocida con el sobrenombre de “la octava isla”. Hogar Canario está protagonizado por un grupo de ancianos de origen canario que juegan peligrosamente a mantener la respiración el mayor tiempo posible bajo el agua. Las secuencias proyectadas presentan distintos momentos de una idéntica acción; el entusiasmo con que se inicia el juego, un segundo tiempo donde el ritual se problematiza mediante la aparición y desaparición constante de los rostros de los protagonistas sobre la superficie del agua en busca de aire; y una escena si cabe aún más inquietante que muestra la masa de agua con los cuerpo inmóviles –casi inertes– de los ancianos en su esfuerzo por no consumir oxígeno y mantenerse el mayor tiempo posible sumergidos. En un sugerente intercambio de roles, escenarios y tiempos, Apóstol reflexiona en torno a la memoria de las nuevas generaciones que ahora asisten en sus costas a algo similar a lo que pudo suceder con sus antepasados en otras playas. Un trabajo que reflexiona acerca de la cuestión migratoria, y en el que el artista enfrenta la acción inocente del juego con la angustia y el sufrimiento derivados de la supervivencia del ser humano.

The Contemporary Art Centre of Santa Cruz de Tenerife houses an installation by Alexander Apóstol consisting of three simultaneous projections of a video work produced specifically for the Biennial. A film shot in the swimming pool of the Hogar Canario [House of the Canaries] in Caracas. In the past, Venezuela was the traditional destination of emigrants from the Canaries and this was true to the point that Venezuela became known as “the eighth island.” Hogar Canario features a group of old men of Canary descent playing the dangerous game of holding their breath as long as possible underwater. The projected sequences show various moments of an identical action: the enthusiasm at the beginning of the game, shifting to a second phase with the arrival of problems before ending in the ritual of the constant appearance and vanishing of the kids’ faces over and under the water surface to take in air, and an even more unsettling, if possible, scene showing the mass of the water with the still, almost lifeless bodies in their effort to use as little oxygen as possible and remain inside the water for as long as they can. In what amounts to a redolent exchange of roles, scenarios and times, Apóstol reflects on the memory of the new generations now witnessing the arrival to their own shores of a phenomenon similar to what happened to their ancestors on other beaches. A work reflecting on the issue of migration, with the artist confronting the innocent action of play with the anxiety and suffering derived from the human being’s need for survival.

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Hogar Canario, 2006 Triple vídeo instalación / Triple video installation Duración / Duration 8’ Agradecimientos / Acknowledgements: Hogar Canario, Caracas Embajada Española en Venezuela Producción de / Produced by 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias

Hogar Canario, 2006 Capturas del vídeo / Video stills


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HAMDI ATTIA ASSIUT, EGIPTO / EGYPT, 1964. VIVE ENTRE / LIVES BETWEEN EL CAIRO Y / AND NUEVA YORK / NEW YORK

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Hamdi Attia estudió en la Escuela de Bellas Artes de El Cairo, y en la Academia Egipcia de Bellas Artes en Roma. Su trabajo ha sido expuesto en la Bienal de Venecia de 1995 –donde recibió el premio al mejor pabellón de la Bienal–, o en ciudades como París, Nueva York, Detroit o São Paulo.

World Map, 2003-2006 Vista de la instalación / Installation view © Foto: Miguel A. Quintas

Hamdi Attia studied at the School of Fine Arts of Cairo, and at the Egyptian Academy of Fine Arts of Rome. His work was seen at the 1995 Venice Biennale, where he received the award for the best pavilion– and in cities including Paris, New York, Detroit or São Paulo.

Casa Vegueta Las Palmas de Gran Canaria

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La obra de Hamdi Attia confronta las diferencias que surgen entre la percepción de la cultura norteamericana desde su actual experiencia, viajando por los Estados Unidos, con la imagen aprehendida de forma previa, y que deriva de la publicidad o el cine comercial. Unos medios que son los responsables primeros de la configuración de una suerte de imaginario “ideal”, que se aleja mucho de la situación real del territorio. La instalación realizada en la Casa Vegueta de Las Palmas de Gran Canaria, examina, precisamente, muchos de estos aspectos de confusión permanente a través de un sencillo montaje que consiste en empapelar un muro del espacio con un mapa de grandes dimensiones, y delante del cual se permite al espectador el acceso desde un ordenador portátil –vía internet–, a distintas fuentes de información con las que confrontar la veracidad del paisaje contenido en el mapa. Un mapa que es siempre contenedor formal y aparentemente “inocente”, pero que al tiempo es dibujo preciso cuyo trazado es producto de acontecimientos fatales; de guerras, conflictos y muertes. Una sucesión precisa –en el tiempo–, de esquemas y diagramas, una acumulación ordenada de testigos del pasado y presente.

World Map, 2003-2006 Instalación site-specific / Site-specific installation Vinilo sobre pared / Vinyl on wall 280 x 360 cm

Hamdi Attia’s work confronts the differences existing between the perception of American culture from his current experience travelling through the US, with the image previously garnered from advertising or mainstream cinema, the media ultimately responsible for the configuration of a brand of “ideal” imaginary that is considerably removed from the real situation of the country. The installation on exhibit at Casa Vegueta in Las Palmas de Gran Canaria, explores many of the aspects of permanent confusion through a simple installation consisting of covering the wall with a large map. Using a laptop, spectators have Internet access to various sources of information to confront the veracity of what they are seeing on the map. A map always functions as a formal and apparently “innocent” container, yet its creation it at once a by-product of a number of fatal events: wars, conflicts and death. It is an accurate succession in time of diagrams and sketches, and an organised accumulation of witnesses from the past and the present.


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KADER ATTIA

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DUGNY, SEINE SAINT DENIS, FRANCIA / FRANCE, 1970. VIVE EN / LIVES IN PARÍS

©Foto: Serge Hasenboehler

Kader Attia estudió en la Escuela Superior de Artes Decorativas de París, y en la Escuela de Artes Aplicadas La Massana, en Barcelona. Fue nominado al prestigioso Premio Marcel Duchamp en el año 2005. Asimismo, ha participado en la Bienal de Venecia (2003) y la Bienal de Lyon (2005), entre otras citas relevantes. Kader Attia trained at the Paris School of Decorative Arts and at La Massana Applied Arts School in Barcelona. In 2005 he was nominated for the prestigious Marcel Duchamp Prize. He has exhibited his work at the Venice Biennale (2003), the Lyon Biennial (2005), and other major venues and events.

Playa de El Cotillo Fuerteventura

Kader Attia realiza una obra específica en el contexto de la Bienal que consiste en la instalación, en una playa de las islas, de 91 fragmentos de espejo de gran tamaño “dirigidos” hacia el mar. Diseminados sobre la arena, la superficie brillante de cristales configura un paisaje cegador para aquel que los contempla desde el agua; un radiante señuelo para quien se acerca y que paulatinamente, a medida que la ilusión empieza a trasformarse en algo tangible, convierte de forma radical este paraje ideal en una realidad abrupta, cortante, e incluso dolorosa. Una metáfora sobre la migración de individuos de una costa a otra, desde el territorio de África a las playas canarias, y de su “traducción” forzosa a un contexto nuevo en condiciones jamás sospechadas. Como en proyectos anteriores del artista, en el año 2000 presentaba por ejemplo la obra Piste d’Aterrissagge –un diaporama sobre aspectos cotidianos en la vida de transexuales argelinos exiliados en Francia–, Attia aborda de forma directa y cruda cuestiones como las del desarraigo, las tensiones producto de la inmigración, la identidad o las desigualdades de la sociedad actual. Imágenes y dispositivos “hostiles” relacionados con la biografía de un artista que asimismo, ha experimentado una negociación constante y forzosa con su entorno producto de su origen argelino y su residencia permanente en París.

Kader Attia has created a site-specific installation for the Biennial, consisting of 91 large size mirror fragments on a beach, “facing” the sea. Scattered along the sand, the shiny surface of the fragments of glass creates a blinding landscape for those looking at it from the sea. A radiant decoy drawing people in, which gradually, as the initial illusion is transformed into something tangible, radically turns this ideal place into a tough, piercing and even painful reality. A metaphor on the migration of individuals between shores, from Africa to the beaches of the Canary Islands, and of its forced “translation” into a new context under conditions that were never foreseen. Like previous projects by this artist, for instance the piece Piste d’Aterrissagge he presented in 2000, a diaporama about daily aspects in the lives of Algerian transsexuals living in exile in France, Attia directly tackles issues face-on including uprootedness, the tensions emerging from immigration, identity and the inequalities of present-day society. “Hostile” images and devices related with the biography of an artist who is also forced to continually negotiate with his environment because of his Algerian origin and permanent residency in Paris.

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Holly Land # 1, 2006 Instalación site-specific con 91 espejos / Site-specific installation with 91 mirrors Producción de / Produced by 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias

© Fotos: Miguel A. Quintas


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JUAN CARLOS BATISTA TENERIFE, ESPAÑA / SPAIN, 1960. VIVE EN / LIVES IN TENERIFE

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Juan Carlos Batista ha tomado parte en importantes muestras individuales y colectivas como; La mémoire inventée (19912005) (Fnac, Nancy); Made of sterner stuf (1997-2004) (Glass Art Gallery Simona, Bratislava); o la serie Patología de Guerras que se exhibió en el Centro de Fotografía Isla de Tenerife, en el CAAM de Las Palmas de Gran Canaria y en Nueva York. Juan Carlos Batista has had several solo shows and has taken part in major important group exhibitions, including La mémoire inventée (1991-2005) (Fnac, Nancy); Made of Sterner Stuff (1997-2004) (Glass Art Gallery Simona, Bratislava); or the series Patología de Guerras at Centro de Fotografía Isla de Tenerife, CAAM of Las Palmas de Gran Canaria and New York.

La obra del tinerfeño Juan Carlos Batista se ha caracterizado, desde sus tempranas esculturas en talla realizadas en la década de los ochenta, por el virtuosismo técnico y la cuidada elección de los temas tratados. Una factura tradicional que, sin embargo, se ve rápidamente “contaminada” por intereses conceptuales y procesuales diversos, y que el artista no duda en incorporar a su lenguaje formal en una trayectoria siempre muy atenta a la práctica artística más experimental. Tentativas y ensayos continuados que en trabajos posteriores darán un nuevo giro a los soportes empleados por Batista, y de los que surgen distintas series de trabajos fotográficos que se trasformarán nuevamente en esculturas por acción de la papiroflexia. Un recurrente cambio, de técnicas y soportes, que pone de manifiesto la necesidad de reflexión permanente y de análisis continuo, presente en los proyectos de este creador. Para esta I Bienal, Batista presenta en las inmediaciones de playa de El Médano, la escultura pública titulada Espiral aborigen, estructura laberíntica horizontal que contrasta con el paisaje que lo circunda. Asimismo, en el parque Hamilton de Tacoronte, presenta la intervención específica titulada El síndrome de Estocolmo; escultura que se origina a partir de un árbol y que se integra en el entorno, casi en una operación de “camuflaje” con el paisaje. Una acción que, paradójicamente, lejos de facilitar que el objeto pase inadvertido, refuerza su condición de extraño en un contexto que se ha convertido en hostil.

From his early carved sculptures dating back to the 1980s, the work of the Tenerife artist Juan Carlos Batista has always been underpinned by technical virtuosity and a shrewd selection of subject matters. The traditional finish is nonetheless quickly “contaminated” by a diversity of conceptual and processual interests the artist readily incorporates into his formal vocabulary in an ongoing evolution ever attentive to more experimental practices. His permanent experimentation would give rise in later works to a new twist in the supports used by Batista, leading to various series of photographic pieces, transformed nonetheless into sculptures by means of origami techniques. The artists changes techniques and media with consummate ease, making patent the constant for reflection and analysis always visible in his projects. For this Biennial, Batista is presenting a public sculpture titled Espiral aborigen near the El Médano beach. It consists of a maze-like horizontal structure contrasting with the surrounding landscape. At the same time, in the Hamilton park in Tacoronte, he also has the site-specific intervention El síndrome de Estocolmo, or Stockholm syndrome, a sculpture created from a tree and fully integrated into the surrounding environment, in what virtually amounts to an operation of “camouflaging” in the landscape. An action that, paradoxically, far from making it possible for the object to go unnoticed, reinforces just how out of place it is in a now hostile context.

Ctra de Los Abrigos El Médano El Médano - Granadilla de Abona - Tenerife Parque Hamilton Tacoronte - Tenerife

Ctra de Los Abrigos - El Médano Espiral aborigen, 2006 Escultura / Sculpture Cadenas de hierro / Iron chains Altura / Height 60 cm Diámetro / Diameter 250 cm

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Parque Hamilton El síndrome de Estocolmo, 2006 Árbol seco, pintura acrílica, barniz / Dry tree, acrylic paint, varnish Altura / Height 350 cm Diámetro / Diameter 250 cm Producción de / Produced by 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias

Espiral aborigen, 2006 © Foto: Teresa Arozena

El síndrome de Estocolmo, 2006 © Foto: Teresa Arozena


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KARINA BELTRÁN BUENAVISTA DEL NORTE, TENERIFE, ESPAÑA / SPAIN, 1968. VIVE EN / LIVES IN LONDRES, REINO UNIDO / LONDON, UNITED KINGDOM

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Karina Beltrán estudió Bellas Artes en la Universidad de La Laguna, completando su formación en el Chelsea College of Art and Design de Londres. Ha expuesto su obra fotográfica, en muestras individuales y colectivas en Canarias, y en ciudades como Londres, Dakar, Oporto o Madrid. Karina Beltrán studied Fine Arts at the University of La Laguna, and furthered her training at the Chelsea College of Art and Design in London. She has exhibited her photographic work in solo and group shows in the Canaries, and also in London, Dakar, Porto or Madrid.

Sala de Arte Los Lavaderos Santa Cruz de Tenerife

Karina Beltrán construye en sus imágenes espacios de reflexión y “detenimiento” desconcertante protagonizados por individuos anónimos que a modo de “coreografía” posan, desde el distanciamiento, frente a la cámara de la artista. A través de una puesta en escena extrema, y de la teatralización de acciones sencillas, de ensayos que son casi un inventario de juegos perversos, estas obras alteran la percepción de los gestos más simples provocando un fuerte desasosiego en quien las contempla. Desde las piezas tempranas como Mi cuerpo jugando a morirse –donde la artista registraba sucesivos autorretratos con su cuerpo “inerte” sobre la nieve, o sumergido en el agua–, hasta las imágenes más recientes de la serie Apariciones –protagonizadas por esos seres ausentes fotografiados en distintos paisajes como parques, calles o plazas desiertas–; Karina Beltrán ha ideado un peculiar imaginario de individuos abyectos, intangibles y casi artificiales. Un paisaje que se origina en la mirada “extrañada” y curiosa de una creadora que mantiene siempre la distancia con el objeto de estudio, iniciando de este modo con los sujetos fotografiados un diálogo casi “sagrado”. Propuestas con una fuerte carga performativa que exhiben –desde la mirada voluntariamente desapasionada de la artista– muchas de las obsesiones y preocupaciones del ser humano: su soledad, aislamiento, sus temores, miedos y angustias, construyendo un particular universo poblado por seres melancólicos contemporáneos.

In her images, Karina Beltrán builds spaces for reflection and for a disconcerting “pause” featuring anonymous individuals who, not unlike a “choreography,” pose from a distance before the artist’s lens. Through an extreme mise en scène and the dramatisation of simple actions, rehearsals that are almost an inventory of perverse games, these works alter the perception of the most simple gestures and provoke a deep sense of malaise in the onlooker. From early pieces like Mi cuerpo jugando a morirse where the artist recorded a succession of self-portraits with her “lifeless” body on the snow or immersed under water to more recent images from the series Apariciones featuring absent beings photographed in various environments like deserted parks, streets or public areas, Karina Beltrán has created a personal imaginary of abject, intangible and virtually artificial individuals. A landscape rooted in the “surprised” and interesting gaze of an artist always keeping her distance vis-à-vis the subject of her study, thus beginning a kind of “holy” dialogue with the photographed individuals. Charged with a strong performative load, the deliberately dispassionate gaze of the artist unveils many of the obsessions and concerns affecting human beings. Loneliness, isolation, doubts, fears and anxiety, building a personal universe peopled by contemporary human beings.

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Apariciones. Interior, 2006 Apariciones. Pasaje, 2006 Apariciones. Jardín japonés, 2006 Apariciones. Carpa I-V, 2006 8 fotografías color / 8 colour photographs 120 x 180 cm c.u. / each Producción de / Produced by 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias

Vistas de la instalación / Installation views © Fotos: Teresa Arozena

Apariciones. Carpa, 2006


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THAMI BENKIRANE FEZ, MARRUECOS / MOROCCO, 1954. VIVE EN / LIVES IN FEZ

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Thami Benkirane realizó sus estudios superiores en la universidad de Aix-en-Provence, Francia, donde se inició en la fotografía a través de su “Club de Foto”. Sus trabajos han sido expuestos frecuentemente en muestras realizadas en Marruecos, Francia y Siria, entre otros países. Asimismo, en la actualidad, es docente de la Facultad de Letras de la Universidad de Fez. Thami Benkirane studied at the University of Aix-en-Provence, France, where he took up photography. His works have been exhibited in Morocco, France, Syria and other countries. He is currently a teacher in the Faculty of Humanities at the University of Fez. Centro de Arte La Recova Santa Cruz de Tenerife

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Sin Fès: fissures et fascines, 2006 6 dípticos fotográficos / 6 photographic diptychs 45 x 110 cm c.u. / each Producción de / Produced by 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias

Thami Benkirane presenta una serie de dípticos fotográficos titulados Sin Fès: fissures et fascines; imágenes que forman parte de los espacios cotidianos del artista, y que son escenas urbanas de una ciudad marroquí. Calles y travesías angostas, apuntaladas por estructuras temporales y precarias realizadas en madera, bajo las que transitan diversos viandantes anónimos. Construcciones a partir de las cuales, y por efecto de la luz que las atraviesa, se genera un peculiar paisaje de formas geométricas, de claros y sombras, dando lugar a un entramado “modular” que tapiza las paredes y el suelo, y que convierte estas superficies en espacios delicadamente fragmentados. Efectos e ilusiones que surgen a partir de los elementos más básicos, y que Thami Benkirane congela en su particular aproximación y percepción de algo considerado, a priori, anecdótico. Una atención, casi obsesiva, al detalle, ya presente en obras anteriores del artista; en trabajos de fotografía tempranos sobre el “graffiti vegetal” donde la huella humana impresa en la naturaleza –las escarificaciones sobre cortezas de un árbol– era protagonista de sus instantáneas. En una práctica artística que, en cierto modo, puede ser calificada como cercana al land-art, Benkirane detiene su mirada en el efecto que surge del gesto más elemental, en lo básico, trasmutando un paisaje deteriorado en un espacio fantástico y mágicamente ornamentado.

Thami Benkirane presents a number of photographic diptychs titled Sin Fès: fissures et fascines featuring images taken from the artist’s everyday spaces and urban scenes of a Moroccan city. Streets and narrow alleyways peopled with temporary and precarious wooden structures below which anonymous passers-by move. Constructions that, by means of the effects of the light crossing through them, generate a unique landscape of geometric forms, light and shadow, giving rise to a “modular” pattern covering walls and floor, and turning these surfaces into delicately fragmented spaces. Effects and illusions from the most mundane elements are captured by Thami Benkirane in his personal approach and perception of something that could a priori be regarded as anecdotal. This almost obsessive attention to detail was already visible in previous works by this artist; some of his early photographic pieces centred on “vegetal graffiti” like the human traces on nature and scarifications on tree barks. In an art practice that, to some extent, could be filed under the area of influence of land-art, Benkirane casts his gaze over the effects emanating from the most essential, from the basic elements, turning a decaying landscape into a fantastic and magically decorated space.


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URSULA BIEMANN ZÚRICH, SUIZA / SWITZERLAND, 1955. VIVE EN / LIVES IN ZÚRICH

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Ursula Biemann es autora de varios libros, entre ellos Been There and Back to Nowhere, 2000; Geography and the Politics of Mobility, 2003; Stuff It - The Video Essay in the Digital Age, 2003. Su obra ha sido expuesta recientemente en el MoMA de Nueva York, y las bienales de Estambul, La Habana y Manifesta 3, entre otras citas relevantes.

Casa de los Capitanes La Laguna - Tenerife

Ursula Biemann has written several books, including Been There and Back to Nowhere, 2000; Geography and the Politics of Mobility, 2003; Stuff It - The Video Essay in the Digital Age, 2003. Her artistic work has been recently on show at the MoMA, New York, and the Biennials of Istanbul, Havana and Manifesta 3, among other major events.

Sahara Panels, 2005 Instalación con 10 paneles / 10 panel installation 140 x 100 cm c.u. / each

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Producción de / Produced by 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias Guns and Slyness, 2006 Vídeo / Video Duración / Duration 7’ 10’’

Artista, teórica y comisaria de exposiciones, Ursula Biemann viene desarrollando una importante labor de investigación y producción de trabajos que reflexionan en torno al fenómeno migratorio contemporáneo y sus consecuencias más inmediatas; aspectos centrales de proyectos como el titulado Geography and the Politics of Mobility, iniciado en Viena en 2003 y bajo el que se aglutinan acciones tan distintas como la organización de debates, seminarios y exposiciones, en los que han tomado parte antropólogos, teóricos culturales, miembros de ONGs, arquitectos o artistas. Tanto Sahara Panels –una instalación con distintas imágenes fotográficas y texto impreso– como Guns and Slyness –un trabajo reciente en vídeo–, abordan estas cuestiones desde casos de estudio concretos; la primera, a través del análisis de las dificultades y riesgos que entraña el viaje emprendido por la población sub-sahariana hacia las costas de las Islas Canarias; la película, en su intento por determinar –en un gesto político y poético al tiempo– cuál es la siempre compleja y cambiante noción de frontera en el nuevo panorama global. Espacios de reflexión y crítica sobre la precariedad de estos enclaves de tensión y supervivencia, generados en la traducción forzosa de los individuos a contextos hostiles; desde las mujeres maquiladoras de Ciudad Juárez, hasta la inmigración africana del estrecho de Gibraltar, pasando por el impacto generado por herramientas que como Internet han permitido la “circulación y tráfico” de mujeres desde zonas desfavorecidas hacia el denominado primer mundo.

Ursula Biemann is an artist, theorist and curator who has produced a considerable body of work reflecting on the contemporary phenomena of migration and its most direct effects. In fact, it is the core concern of many of her projects, like Geography and the Politics of Mobility, which she began in Vienna in 2003, covering actions as disparate as the organisation of debates, seminars and exhibitions, with the participation of anthropologists, cultural theorists, NGO members, architects and artists. Both Sahara Panels, an installation with photographic images and printed texts, and Guns and Slyness, a recent video work, deal with these issues from specific case studies. The first of the two, by means of an analysis of the hardship and risks involved in the journey of the Sub-Saharan population towards the coast of the Canaries; the second, in its attempt to pinpoint the always complex and ever-changing notion of border in this new global context, a political and at once poetic gesture. Spaces for reflection and critique on the precariousness of spaces of tension and survival, generated from the forced movement of individuals to hostile contexts: from the women labouring in the maquiladoras of Ciudad Juárez, to the African migrants crossing the Gibraltar Strait, not forgetting the impact generated by the use of tools like the Internet, which have stimulated the “circulation and traffic” of women from disadvantaged areas towards the so-called first world.

Vista de la instalación / Installation view © Foto: Teresa Arozena

Sahara Panels, 2005 Guns and Slyness, 2006 Capturas del vídeo / Video stills


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EELCO BRAND ROTTERDAM, HOLANDA / THE NETHERLANDS, 1969. VIVE EN / LIVES IN AMSTERDAM

1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

Eelco Brand ha realizado numerosas exposiciones individuales entre las que destacan las presentadas en ciudades como Manchester, Breda, Milán, Nueva York, Utrecht, León y Calais. Eelco Brand has had many solo exhibitions in, among other places, Manchester, Breda, Milan, New York, Utrecht, Leon and Calais.

Casa de los Capitanes La Laguna - Tenerife

Eelco Brand presenta sus obras en el espacio de la Casa de los Capitanes de La Laguna en Tenerife; dos proyecciones de vídeo que recogen imágenes de paisajes casi estáticos, y donde “nada” sucede; a excepción de las variaciones, casi imperceptibles, que sufren alguno de los elementos –flores, animales, árboles, praderas, agua o hierba– que protagonizan las escenas de los vídeos. Tomando como punto de partida la naturaleza, Eelco Brand genera, por medio de un sofisticado sistema de animación digital, imágenes de factura pictórica, que se sitúan a medio camino entre lo ideal y lo real, entre lo que se muestra evidente y lo que permanece oculto, entre lo natural y el artificio, envolviendo la escena con una atmósfera extraña que provoca una confusión segura en el espectador de sus obras. Tanto R.movi como V.movi, son una sucesión de imágenes “pictóricas”, sutilmente animadas con un ritmo lento y una cadencia tranquila, que contrasta fuertemente con la técnica avanzada a partir de la que son originadas, tradicionalmente asociada con la idea de velocidad y la sucesión vertiginosa de imágenes. Un sugerente diálogo que desestabiliza la mirada del espectador a través del gesto mínimo y la “invisibilidad” de la acción.

Eelco Brand presents his works at the Casa de los Capitanes of La Laguna, Tenerife. Two video projections with images of practically static landscapes where “nothing” seems to happen. Only the virtually imperceptible variations in some of the elements, for instance flowers, animals, trees, meadows, water or grass are on view in the scenes. Using nature as his starting point, with the aid of a sophisticated digital animation system, Eelco Brand generates pictorial-looking images, half-way between the ideal and the real, between what is evident and what remains hidden, between the natural and the artificial, surrounding the scene with a strange atmosphere surely bound to provoke confusion in the spectator. Both R.movi and V.movi, are a succession of “pictorial” images, subtly animated with a slow pace and measured rhythm, strongly contrasting with the state-of-the-art technique used for their creation, traditionally associated with the notion of speed and the frantic succession of images. A highly redolent dialogue destabilising the spectator’s gaze through gestural economy and the “invisibility” of action.

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V.movi, 2003 DVD 3D-animación / DVD 3D-computer animation Duración sin fin / Duration endless Cortesía / Courtesy: El artista y / the artist and Torch Gallery, Ámsterdam R.movi, 2005 DVD 3D-animación / DVD 3D-computer animation Duración sin fin / Duration endless Cortesía / Courtesy: El artista y / the artist and Torch Gallery, Ámsterdam

R.movi, 2005 Capturas del vídeo / Video stills V.movi, 2003 Capturas del vídeo / Video stills


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OLAF BREUNING SCHAFFHAUSEN, SUIZA / SWITZERLAND, 1970. VIVE EN / LIVES IN NUEVA YORK, EE.UU. / NEW YORK, USA

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Olaf Breuning ha expuesto recientemente de forma individual en las galerías Metro Pictures, Nueva York; Nicola von Senger, Zúrich; Sketch, Londres; Air de Paris, París; Galería Leyendecker, Santa Cruz de Tenerife, o Meyer & Kainer, Viena. Olaf Breuning has recently exhibited his work in solo exhibitions at the galleries Metro Pictures, New York; Nicola von Senger, Zurich; Sketch, London; Air de Paris, Paris; Galería Leyendecker, Santa Cruz de Tenerife; and Meyer & Kainer, Vienna.

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Centro de Arte La Regenta Las Palmas de Gran Canaria

Home, 2004 Doble vídeo-proyección con sonido / Double video projection, sound Duración / Duration 32’’ Cortesía / Courtesy: El artista y / the artist and Galería Leyendecker, Santa Cruz de Tenerife

En el Centro de Arte La Regenta el artista Olaf Breuning, presenta Home, una instalación compuesta de dos proyecciones simultáneas. Una de ellas, en blanco y negro, muestra al protagonista –también narrador de la historia– confinado en la habitación de un hotel sumamente peculiar; mientras la otra lo muestra viajando por el mundo a todo color, en sucesos que no siguen una lógica secuencial. La acción de la proyección a color emana de la mente del narrador y en ella el personaje adopta diferentes roles (como indigente, vaquero, turista, etc.) buscando un hogar en distintos ambientes. La primera escena, donde el protagonista se ve a sí mismo en sueños como un zombi, ya sugiere su relación problemática con el mundo. Rodada en diversas zonas del planeta, en lugares tan esencialmente naturales como Macchu Picchu, o el Venetian Hotel de las Vegas (inspirado en Venecia), el entorno siempre participa de la cultura de consumo, que hace que estos enclaves tengan la apariencia mostrada en las guías de viaje o en los medios. De esta manera, el sueño de carácter zombi describe el mundo entero como irreal. La habitación de hotel en la proyección en blanco y negro tiene cualidades parecidas; es una residencia temporal que no se define ni aquí ni allá. La relevancia de este artista estriba en mezclar –bajo una mirada sumamente particular– la cultura de las clases más altas y la cultura popular. Breuning retoma temas artísticos como el miedo a la muerte o a las diferencias culturales y los conecta con las subculturas juveniles, el rock y las películas de terror. Irónico, inteligente, creador de imágenes familiares y, al mismo tiempo, escalofriantes, Breuning es considerado como uno de los creadores más importantes del arte actual. Sus fotografías y películas muestran personajes con obsesiones psicológicas contemporáneas, empleando una estética mestiza no exenta de ironía y sentido del humor.

At the La Regenta Art Centre the Swiss artist Olaf Breuning is presenting Home, an installation comprising two simultaneous projections. One of them, in black and white, shows the protagonist –and narrator of the story– confined in the room of an odd hotel; while the other, in colour, shows him travelling throughout the world, in a series of events without any logical sequence. The action in the colour projection stems from the mind of the narrator and, in it, the character plays different roles (tramp, cowboy, tourist...) looking for a home in distinct locations. In the first scene, where the character sees himself in dreams as a zombie, we already get an idea of his problematic relationship with the world. Filmed in various locations around the world, in essentially natural places like Macchu Picchu, or in the Venetian Hotel in Las Vegas (inspired in turn by the real Venice), the surroundings always participate in the consumer culture, making these places adopt to the images of themselves as appearing in travel guides or in the media. In this way, the dream of the zombie character somehow describes the whole world as unreal. The hotel room in the black and white projection has a similar quality; it is a temporary residence that is neither here nor there. The power of this artist’s work lies in its coupling of high and low cultures with a highly distinctive and personal gaze. Breuning picks up on art themes like the fear of death or cultural differences and connects them with youth subcultures, rock and terror movies. An ironic, intelligent creator of familiar and at once terrifying images, Breuning is one of the most seminal artists at the present moment. His photos and films feature characters suffering from contemporary psychological obsessions, using a hybrid aesthetic not exempt from irony and a cutting sense of humour.

Home, 2004 Capturas del vídeo / Video stills


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SERGIO BRITO CARACAS, VENEZUELA 1960. VIVE EN / LIVES IN LAS PALMAS DE GRAN CANARIA, ESPAÑA / SPAIN

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Sergio Brito ha expuesto de manera individual en la Sala de Arte “la Caixa” (La Laguna, Tenerife); La Gallera (Valencia); o la Galería Saro León (Las Palmas de Gran Canaria), entre otros lugares. Asimismo, ha tomado parte en distintas muestras colectivas en ciudades como La Habana, Lanzarote, Gran Canaria, Senegal, Santander, Tenerife o Valencia. Sergio Brito has exhibited individually at Sala de Arte “la Caixa” (La Laguna, Tenerife); La Gallera (Valencia); Galería Saro León (Las Palmas de Gran Canaria), among other places. He has also taken part in several group shows in Havana, Lanzarote, Gran Canaria, Senegal, Santander, Tenerife or Valencia.

Los proyectos de Sergio Brito –vídeo, instalaciones, escultura y fotografía– están fuertemente marcados por reflexiones de carácter autobiográfico. Nacido en Venezuela, Brito emigra a una edad temprana a Las Palmas de Gran Canaria, en un trayecto inverso al que décadas atrás emprendieran muchos de los habitantes de las Islas en su éxodo hacia la búsqueda de una vida mejor, y que tuvo en este país americano uno de sus destinos más habituales. Es en esta noción de viaje “a la contra”, y en la necesaria inserción posterior del individuo en un contexto que le resulta extraño –y para el que él es, asimismo, un elemento ajeno-, el punto desde el que se inicia la obra de este artista. Una propuesta que se interroga acerca de la posibilidad futura de una comunidad y una cultura mestiza. En la Bienal de Canarias, Sergio Brito presenta dos trabajos recientes donde el artista aborda nuevamente, y a través de imágenes sencillas, el complejo conflicto de la “traducción” cultural obligada en el individuo desplazado. Como si de un bucle se tratase, el artista “da vueltas” cíclicamente en torno a preocupaciones fijas y de imposible respuesta, en un personal recorrido de búsqueda si no de todas, sí de algunas repuestas a la difícil cuestión de los flujos de población en el paisaje contemporáneo.

Sergio Brito’s projects, primarily using video, installations, sculpture and photography, are acutely determined by autobiographic reflections. Born in Venezuela, Brito emigrated at an early age to Las Palmas de Gran Canaria in the reverse journey to that carried out some decades before by the inhabitants of the Canaries in an exodus in search of a better life, when Venezuela was one of the most popular destinations. It is this notion of a “journey in reverse” and the subsequent necessary insertion of the individual in an alien context –and for which he is also an alien element- that this artist takes as the starting point for his work. A body of work engaging in a questioning about the future possibility of a miscegenated community and culture. At the Biennial of the Canaries, Sergio Brito presents two recent pieces in which the artist uses simple images to explore the complex conflict of the compulsory cultural “translation” taking place inside the displaced individual. Like in a loop, the artist cyclically “revolves around” fixed concerns with impossible answers, in a personal inquiry into some, if not all, of the questions affecting population flows in the contemporary landscape.

Sala de Arte Contemporáneo Museo Municipal de Bellas Artes Santa Cruz de Tenerife Paseo de Las Canteras Las Palmas de Gran Canaria

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Sala de Arte Contemporáneo Loop, 2006 Vídeo-proyección con sonido / Video projection, sound Duración / Duration 1’ 53’’ Paseo de Las Canteras Welcome, 2006 Vídeo-proyección con sonido / Video projection, sound Duración / Duration 3’

Welcome, 2006 Captura del vídeo / Video stills Loop, 2006 Capturas del vídeo / Video stills


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MIRCEA CANTOR RUMANÍA, 1977. VIVE EN / LIVES IN PARÍS, FRANCIA / FRANCE

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Mircea Cantor es co-editor de la revista Version, y autor de la identidad gráfica de los Fondos Regionales de Arte Contemporáneo Franceses (Frac). Entre sus exposiciones recientes destaca su participación en la Bienal de Venecia (2003) y la 4a Bienal de Berlín. Asimismo, su obra ha sido expuesta en reconocidos espacios como los de la Tate Modern de Londres, y el Palais de Tokyo en París.

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Casa Vegueta Las Palmas de Gran Canaria

Mircea Cantor is co-editor of the magazine Version, and creator of the graphic identity of the French Fonds Régional d’Art Contemporain (Frac). Recent exhibitions include his participation at the Venice Biennale (2003) and the 4th Berlin Biennial. His works has also been seen in Tate Modern, London, and Palais de Tokyo, Paris.

“(...)” + Black, 2003 Vídeo instalación con sonido / Video installation, sound Duración / Duration 7’ 7’’ Cortesía / Courtesy: El artista y / the artist and Galerie Yvon Lambert, París

A pesar de la fecha, el año 2003, en que Mircea Cantor realizara el vídeo titulado “(...)” + Black, ésta es la primera ocasión en que se exhibe la película. Una vídeo instalación donde se proyecta un plano fijo de una línea de horizonte filmada en la noche durante 7 minutos y 7 segundos, y en la que apenas se percibe modificación alguna, a excepción de unos pequeños puntos de luz que surgen aleatoriamente de la oscuridad de la imagen. Un paisaje enigmático que se estructura por el audio envolvente de la instalación y que, como en otros trabajos del artista, es un elemento clave para organizar lo narrado y descrito en la obra. Mircea Cantor pertenece a una joven generación de artistas que tienen su origen en los países del este, y que se dan a conocer internacionalmente, hace pocos años, mediante la exhibición de propuestas comprometidas con la realidad circundante. Implicado en el estudio y conocimiento de los distintos sistemas de comportamiento y modelos políticos del escenario contemporáneo, Cantor aborda en su trabajo cuestiones como las de la memoria biográfica o las nuevas estructuras de organización y control social. Proyectos que recorren muchos de los episodios asociados con situaciones políticas concretas –de recuerdos, emociones e impresiones– en una revisión desapasionada de relatos y símbolos, y de las complejas relaciones que se establecen entre su percepción individual y colectiva.

Notwithstanding the fact that Mircea Cantor made the video “(...)” + Black in 2003, this is the first occasion on which it is actually exhibited. This video installation consists of the projection of a 7 minutes, 7 seconds fixed shot focused on the horizon line during the night. We barely notice any alteration, except for some small points of light appearing at random in the darkness. An enigmatic landscape is structured by the enveloping sound of the installation which, like other works by this artist, plays a key role in articulating what is being narrated and described in the piece. Mircea Cantor belongs to a young generation of Eastern European artists that has recently gained international recognition thanks to proposals fully committed with their surrounding reality. Involved in the study and cognition of the various behavioural systems and political models of the contemporary scenario, in his pieces, Cantor tackles issues like biographic memory or the new structures for social organisation and control. Projects dealing with many episodes associated with specific political situations –memories, emotions and impressions– in a dispassionate revision of narratives and symbols, of the complex relationships established between individual and collective perception.

“(...)” + Black, 2003 Captura del vídeo / Video still


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JORDI COLOMER BARCELONA, ESPAÑA / SPAIN, 1962. VIVE EN / LIVES IN PARÍS, FRANCIA / FRANCE

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Jordi Colomer ha participado recientemente en la Bienal de La Habana y ha expuesto su obra, individual o colectivamente, en prestigiosas galerías y museos de Francia, Suiza, Alemania, Holanda, Bélgica, Italia, República Checa, Brasil y Estados Unidos, entre otros. Jordi Colomer recently took part in the Havana Biennial, and has presented his work in solo or group exhibitions in prestigious art galleries and museums of France, Switzerland, Germany, Holland, Belgium, Italy, Czech Republic, Brazil and the United States, among other.

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Castillo del Tostón El Cotillo - Fuerteventura

Arabian Stars, 2005 Vídeo y sala de proyección / Video and projection room Cortesía / Courtesy: Galería Juana de Aizpuru, Madrid y Galerie Michel Rein, París Producción / Production: MNCARS (Espacio 1), Madrid; Salvador Dalí Museum, San Petersburgo; F1, EE.UU.

Yemen es el escenario elegido para el rodaje de este vídeo de Jordi Colomer; un enclave casi desconocido para occidente, salvo por algunas noticias puntuales –y no demasiado afortunadas– como su inclusión reciente en el denominado “eje del mal” norteamericano. Un vídeo protagonizado por individuos anónimos –por niños y adolescentes– que recorren una ciudad portando improvisados carteles donde se leen los nombres de “celebridades” de la segunda mitad del siglo XX, Picasso o Mies Van der Rohe, junto a los de poetas o políticos yemeníes. Personajes históricos, nombres de la actualidad o la ficción, que son percibidos en ocasiones como agentes extraños –el artista explicaba cómo el cartel de Picasso fue numerosas veces “rectificado” por los espectadores que pensaban de inmediato en Pikachu, un dibujo japonés muy famoso en Yemen–, constatando el singular trasvase de información o el flujo de una cierta “fama” de unos lugares a otros. En un hilarante e irónico recorrido por las calles de la ciudad, que sirve para determinar cuál ha sido el efecto del mundo “desarrollado” –mediático y económico–, Arabian Stars cuestiona muchas de las convenciones acerca de la idea de la historia construida desde la perspectiva occidental. Una película que se sitúa entre los géneros del documental y la ficción, en un teatro improvisado teñido de un humor cercano al absurdo que analiza y hace uso de lo inesperado para confrontar el modo en el que dos realidades se observan de manera extraña. Un país donde lo habitual es precisamente la coincidencia entre la tradición –casi la estructura medieval que todavía está presente en su sociedad–, junto a un universo plagado de objetos de plástico y de “celebridades” importadas que conforman una realidad Otra, producto de la particular “integración” de lo occidental en su tejido social.

Jordi Colomer chose Yemen as the backdrop for the recording of this video. It is a virtually unknown enclave for the Western world, except by the occasional, and usually none too positive, news such as its recent inclusion in the so-called “axis of evil” in American politics. A video featuring anonymous children and teenagers, as they cross a city bearing makeshift posters with the names of “celebrities” from the second half of the 20th century, like Picasso or Mies Van der Rohe, together with others of Yemeni poets or politicians. Historical characters, topical real or fictional names, sometimes perceived as alien agents –the artist explained how the poster of Picasso was frequently “altered” by the spectators who immediately thought of Pikachu, a Japanese cartoon very popular in Yemen, thus confirming the singular transfer of information and flow of celebrity from one place to another. In a hilarious and ironic passage through the streets of the city, highly effective to determine the effect of the media-driven and economic “developed” world, Arabian Stars engages in a questioning of many of our assumptions about the notion of history built from a Western perspective. A film located between documentary and fictional genres, staged in an improvised theatre tinged with a humour bordering on the absurd that resorts to the unexpected to reveal how two realities look at each other in the oddest of manners. A country where the habitual is precisely the coincidence of tradition –a nearly medieval structure still pervades its society– with a universe filled with plastic objects and imported “celebrities” make up an Other reality which is the by-product of a singular “integration” of Western aspects into its social fabric.

Arabian Stars, 2005 Capturas del vídeo / Video stills


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ALFONSO CRUJERA SEVILLA, ESPAÑA / SEVILLE, SPAIN, 1951. VIVE EN / LIVES IN GRAN CANARIA

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Alfonso Crujera es cofundador de distintos grupos artísticos y colectivos, y hace uso en sus proyectos del vídeo, la performance, el grabado o la escultura. Habitualmente, desarrolla su labor profesional en el campo del diseño gráfico. Artista polifacético ha participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales en ciudades como Las Palmas de Gran Canaria, Helsingborg, Madrid o Murcia.

Casa Vegueta Las Palmas de Gran Canaria

Alfonso Crujera is the cofounder of a number of art groups and initiatives. He works regularly with video, performance, engraving and sculpture. He also works as a designer. A highly versatile artist, he has taken part in many solo and group exhibitions in Las Palmas de Gran Canaria, Helsingborg, Madrid, Murcia, and other places.

3 KM es el título de un trabajo en vídeo reciente realizado por Alfonso Crujera, un artista sevillano residente desde hace ya varios años en Las Palmas de Gran Canaria. Una reflexión, en clave de diario autobiográfico, que recoge en sus imágenes la contaminación medioambiental y el progresivo deterioro que sufren muchos espacios del paisaje que transita el autor en su itinerario cotidiano. Una denuncia-documental sobre los hábitos irresponsables e incívicos de los seres humanos, y su falta de respeto por el entorno. En una deriva, trayecto, que se inicia en la casa del artista y cuyo recorrido tiene una extensión de tres kilómetros, Crujera registra los cambios sufridos por el paisaje de la Isla durante las grabaciones que realiza, de manera regular, durante un mes completo de trabajo y desarrollo del proyecto. A pesar de la corta franja de tiempo en la que se desarrolla la pieza, el documento hace evidente la rápida trasformación –degradación– de un entorno que acentúa peligrosamente su condición de receptáculo de desechos y escombros. Una película que es testimonio directo sobre el progresivo deterioro medioambiental del territorio canario.

3 KM is the title of a recent video work by Alfonso Crujera, an artist from Seville now based in Las Palmas de Gran Canaria. The work mirrors the form of an autobiographical diary, gathering images of environmental pollution and the gradual decay suffered by much of the landscape in many spaces of the artist’s everyday life. A documentary protest against irresponsible and uncivilised human actions and against man’s lack of respect for the environment, it overviews the practices and behaviours damaging the landscape we live in. During the course of a three-kilometre exploration beginning at the artist’s home, Crujera records the changes suffered by the landscape of the Island during the regular filming over the course of the month in which he developed the project. In spite of the short lapse of time of the work, the document makes readily visible the quick transformation and degradation of an environment veering dangerously close to becoming a mere receptacle for waste and debris. The film ultimately witnesses the gradual environmental deterioration of the Canaries.

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3 KM, 2006 Vídeo monocanal con sonido / Single-channel video, sound Duración / Duration 8’ Producción de / Produced by 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias

3 KM, 2006 Capturas del vídeo / Video stills © Foto: Miguel A. Quintas


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SALOMÉ CUESTA & BÁRBARO MIYARES SALOMÉ CUESTA, VALENCIA, ESPAÑA / SPAIN, 1964 BÁRBARO MIYARES, SANTIAGO DE CUBA, CUBA, 1959 VIVEN EN / LIVE IN VALENCIA 1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

Salomé Cuesta y Bárbaro Miyares han tomado parte en exposiciones y eventos como; Arte Joven - Escultura’92 (Cuba), El Laboratorio de Luz (UPV, Valencia); o Del mono azul al cuello blanco. Transformación social y práctica artística en la era post-industrial. Desde hace cinco años trabajan en la revista online nonsite. Salomé Cuesta & Bárbaro Miyares have taken part in exhibitions and events including Arte Joven - Escultura’92 (Cuba), El Laboratorio de Luz (UPV, Valencia); or Del mono azul al cuello blanco. Transformación social y práctica artística en la era post-industrial. Five years ago they started the online magazine nonsite. Experiencia de relacionar: luz / señal / iluminación, 2006 Instalación site-specific / Site-specific installation Producción de / Produced by 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias

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Castillo Negro Santa Cruz de Tenerife

Mediante un sofisticado sistema de cámaras de vídeo-vigilancia, micrófonos ocultos e iluminación programada –dispositivos cuidadosamente colocados en distintos lugares del Castillo Negro, en Santa Cruz de Tenerife–, la pareja de artistas formada por Salomé Cuesta y Bárbaro Miyares presentan, en esta primera edición de la Bienal, un proyecto concebido para este enclave arquitectónico tan significado de la Isla. La serie de imágenes que son captadas por las cámaras situadas en el perímetro del edificio –registros de la arquitectura que circunda el castillo, como el Auditorio o el Parque Marítimo César Manrique, junto a distintas secuencias del paisaje marítimo frente al que se erige la fortaleza– son transmitidas, “devueltas”, al edificio de forma continua. Un movimiento en sentido inverso que redefine la función originaria para la que fue ideada la arquitectura que contiene la obra; como enclave militar, punto de observación y vigilancia del territorio circundante. Casi como en una acción de reflejos simultáneos, que contamina el espacio interior con fragmentos de imágenes y sonidos reconocibles procedentes del exterior, la fortificación pasa a ser invadida por lo que examina, y su espacio ocupado por aquello de lo que se protege. Un recurrente cambio de sentido, de juego entre opuestos –interior y exterior, desconocido y amigo–, que reflexiona acerca de la “materialización/visualización de la naturaleza imperceptible de la luz y su capacidad de devenir imagen e información”.

Through a sophisticated video-surveillance security system, hidden microphones and programmed lighting carefully located in various places in Castillo Negro, Santa Cruz de Tenerife, the artist group comprising Salomé Cuesta and Bárbaro Miyares presents, at this first edition of the Biennial, a project expressly conceived for this architectural location, a landmark building on the Island. The series of images captured by the cameras placed in the building, recording the architectural surroundings of the castle such as the Auditorium or the César Manrique Park, together with various shots of the sea front the fortress overlooks, are continuously broadcast and “sent back” to the building. This reverse movement redefines the original function this fortress was created for, as a military stronghold and a vantage point for the surveillance of the surrounding territory. Almost like an action of simultaneous reflections, it contaminates the interior space with fragments of recognisable images and sounds from the outside, with the result that the fortress is invaded by what it looks at, and its space is occupied by what it is protected from. A recurrent play of opposites of interior and exterior, unknown and familiar, reflects on the “materialization/visualization of the imperceptible nature of light and its power to become image and information.”

Música “BS3-1BCCNb” compuesta a partir del patch “Tone Generator” de EyesWeb. Dispositivos de audio, vídeo e iluminación, 6 cámaras de vigilancia + 6 proyectores de vídeo + 6 pantallas de proyección + 10 strobo/flash digital + 6 cajas autoamplificadas + 6 micrófonos + 1 reproductor dvd + mesas de control de audio, vídeo e iluminación / The BS3-1BCCNb music is composed using EyesWeb tone generator patch. Audio, video and lighting mechanisms, 6 surveillance cameras + 6 video projectors + 6 projection screens + 10 digital strobe/flash + 6 amplifiers + 6 microphones + 1 DVD player + sound, video and lighting control boards Idea y proyecto / Idea and project: Bárbaro Miyares y Salomé Cuesta Colabora el Grupo de Investigación Laboratorio de Luz de la Universidad Politécnica de Valencia / With the collaboration of Laboratorio de Luz research group at the Polytechnic University of Valencia En la producción técnica han participado / Participating in the technical production were: Rafa, Juvenal, Feria, Oliver y Bernard de Elementhal (Tenerife), Alfonso Alberto de BISERVICUS (Tenerife), Juan Pedro de SIDEP (Valencia)

Experiencia de relacionar: luz / señal / iluminación, 2006 Vistas de la instalación / Installation views © Fotos: Teresa Arozena


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FABIANA DE BARROS & MICHEL FAVRE FABIANA DE BARROS, SÃO PAULO, BRASIL / BRAZIL, 1957 MICHEL FAVRE, GINEBRA, SUIZA / GENEVA, SWITZERLAND, 1964 VIVEN EN / LIVE IN GINEBRA / GENEVA 1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

Fabiana de Barros crea intervenciones y performances interactivas con las que intenta forjar una relación individual con el espectador. Sus proyectos individuales más representativos son Tours du Monde (1987/89), Aller/ReTour (1994) y Fiteiro Cultural (1998/2006). Michel Favre Formado en la Escuela de Bellas Artes de Ginebra, se dedica al cine experimental, siendo cofundador del cine Spoutnik. Profesor en la Escuela de Arte de Ginebra (ESBA), Favre colabora con la Televisión Suiza como director de reportajes.

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Casa Vegueta Las Palmas de Gran Canaria

Fabiana de Barros creates interactive interventions and performances in an attempt to forge an individual relation-ship with the spectator. Worth singling out among her many projects are Tours du Monde (1987/89), Aller/Re-Tour (1994), and Fiteiro Cultural (1998/2006). Trained at the School of Fine Arts of Geneva, Michel Favre is an experimental filmmaker. A cofounder of Spoutnik, and teacher at the School of Art of Geneva (ESBA), he also directs reports for Swiss Television.

Escuchando imágenes (l’image à paroles), 2006 Vídeo-proyección con sonido / Video projection, sound Duración / Duration 90’

La ciudad brasileña de São Paulo es el escenario en el que se desarrolla la película Escuchando imágenes; un peculiar retrato del lugar que se construye a partir de pequeños fragmentos de la imaginación y vivencias de los habitantes que suben al taxi AUTO Psi. “Dime que sueñas y te diré qué es”, es la cuestión con la que se inicia este particular guión que surge de la colaboración entre Michel Favre, director de la película, y la artista Fabiana de Barros; algo que se pregunta al transeúnte que toma este taxi tan especial, y que quien acepta el juego ha de contestar durante su trayecto por las calles de la ciudad a cambio de un viaje gratuito. Un diálogo en forma de juego “inocente” que sirve para rastrear y dar forma a esos espacios privados, casi secretos, que finalmente conforman la identidad real de cualquier población. A través de la filmación de los testimonios protagonizadas por los usuarios del taxi, que son confrontadas con imágenes del exterior del vehículo –de calles y avenidas de la ciudad–, se da forma a un paisaje urbano que se aleja de cualquier noción preconcebida sobre el lugar. Un mosaico de miradas que articula, desde la experiencia colectiva, un precioso documento y retrato sobre la ciudad de São Paulo.

The city of São Paulo is the chosen setting for the film Escuchando imágenes, a singular narration of the place constructed using small fragments of imagination and through the living experiences of the people who travel in the AUTO Psi taxicab. “Tell me what you dream of, and I will tell you what it is,” is the opening question in the script of this collaborative work between Michel Favre, director of the film, and the artist Fabiana de Barros. The question is addressed to travellers in this unique taxi. Those who accept the game must provide answers throughout their journey through the streets of the city in return for a free ride. The dialogue adopts the form of an “innocent” game, used to explore and give shape to those private, almost secret, spaces that are the real identity of any place. By filming these situations featuring the users of the taxi and listening to their testimonies, contrasting them with images of the city’s streets and avenues, an urban landscape is gradually created, removed from any preconceived notion of the place. In fact, it is as mosaic of gazes articulating a beautiful document and portrait of the city of São Paulo from a collective experience.

Escuchando imágenes (l’image à paroles), 2006 Capturas del vídeo / Video stills


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ÁNGEL DELGADO LA HABANA / HAVANA, CUBA, 1965. VIVE EN / LIVES IN LA HABANA / HAVANA

1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

Ángel Delgado es un de los artistas más importantes del arte contemporáneo cubano y ha participado en importantes exposiciones colectivas y ferias de arte como: Bâlelatina 2006 (Basilea); La huella múltiple, colateral a la IX Bienal de la Habana 2006; Art Basel Miami Beach 2005; MACO: Feria de Arte Contemporáneo de México 2005; o The Mattress Factory (Filadelfia, 2004). Asimismo, ha expuesto de manera individual en ciudades como Madrid, México DF y La Habana, entre otras.

Casa de Los Coroneles La Oliva - Fuerteventura

Ángel Delgado is one of Cuba’s seminal contemporary art practitioners. He has taken part in important group exhibitions and art fairs including Bâlelatina 2006 (Basel); La Huella múltiple, held concurrently with the 9th Havana Biennial 2006; Art Basel Miami Beach 2005; MACO: Mexico Contemporary Art FAir 2005; or The Mattress Factory (Philadelphia, 2004). He has also exhibited individually in Madrid, Mexico City and Havana, among other places.

La obra del artista cubano Ángel Delgado es una de las propuestas más sólidas y soberbias de lo que aún hoy se considera el Arte Cubano Contemporáneo. Proveniente de una generación de artistas que hicieron del hecho estético un ejercicio autorreflexivo y con altas dosis de participación e indagación en lo social, su obra ha resultado ser uno de los pasajes más atendibles de esa generación, sobre todo a partir de la experiencia dramática que supuso para el artista estar recluido en la cárcel en Cuba por la ejecución de una performance. Corría el año 1990 y varios artistas cubanos decidieron plantear una exposición bajo el título El objeto esculturado. Fue entonces cuando Ángel Delgado, siguiendo las directrices conceptuales que proponía este ejercicio de comisariado, improvisó una performance titulada La esperanza es lo último que se está perdiendo, con el propósito de aportar un objeto esculturado breve efímero que no era más que los excrementos del artista depuestos sobre el periódico Granma, Órgano Oficial del Partido Comunista de Cuba. La reacción por parte de las instituciones fue la de considerar este gesto estético como una amenaza para la moral de la Revolución Cubana. Como consecuencia de ello ingresó en prisión desde mayo hasta noviembre. De la cárcel y de esta terrible experiencia extrajo el artista sus principales recursos técnicos e instrumentales. Allí aprendió, con sus compañeros de cautiverio, a dibujar sobre pañuelos con lápices de colores y cold cream, y a tallar imágenes sobre jabones de lavar. La obra que presenta en esta Bienal, Punto de fuga, consiste en una gran instalación compuesta por 400 pastillas de jabón y 800 remos de madera, todos orientados hacia el ángulo cerrado de una pared desde la que resulta difícil salir y sin tener siquiera acceso a un resquicio de horizonte.

The Cuban artist Ángel Delgado possesses one of the most rigorous and coherent bodies of work in contemporary Cuban art. Belonging to a generation of artists who took the aesthetic fact as a self-reflective exercise combining active participation and an exploration of social issues, his work sketches one of the notable evolutions in this generation, especially after the dramatic experience for the artist of being imprisoned in Cuba for one of his performances. This happened in 1990 when several Cuban artist decided to organise an exhibition titled El objeto esculturado, or the sculpted object. Ángel Delgado, following the conceptual guidelines implicit in this exercise of curatorship, improvised a performance he titled La esperanza es lo último que se está perdiendo (Hope is the last thing we are losing), with the purpose of contributing a brief ephemeral sculpted object which consisted of his own excrements on top of the Granma newspaper, the organ of the Communist Party in Cuba. The official reaction considered this aesthetic gesture as a threat to the moral of the Cuban Revolution. As a consequence, he was sent to prison from May to November. From his terrible experience in prison the artist built a series of technical and instrumental resources. While inside, he learnt from his fellow inmates to draw on handkerchiefs with colour pencils and cold cream, and to carve images in bars of soap. The work on view at the Biennial, Punto de fuga, or vanishing point, consists of a large installation composed of 400 bars of soap each with two wooden oars, all pointed toward a corner of the room from which it will be difficult to return and without any hint of a horizon. Andrés Isaac Santana

Andrés Isaac Santana

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Punto de fuga, 2006 Instalación site-specific con 800 remos de madera y 400 pastillas de jabón / Site-specific installation with 800 oars and 400 bars of soap Agradecimientos / Acknowledgements: Galería Nina Menocal, México DF Producción de / Produced by 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias

Punto de fuga, 2006 Vista de la instalación / Installation view © Foto: Miguel A. Quintas


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ALLAN DESOUZA NAIROBI, KENIA / KENYA, 1974. VIVE ENTRE / LIVES BETWEEN PARÍS Y / AND ÁMSTERDAM

1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

Allan deSouza tienen una extensa trayectoria en la que destacan exposiciones individuales como la realizada en la Talwar Gallery de Nueva York; y su participación en importantes muestras colectivas como Looking Both Ways (Fundaçao Calouste Gulbenkian, Lisboa, 2005) o Africa Remix (Museum Kunst Palast, Düsseldorf, 2004, itinerante). Asimismo, ha realizado estudios avanzados en centros de prestigio de los EE.UU. como los de UCLA o el Whitney Indepent Studies Program.

Casa de los Coroneles La Oliva - Fuerteventura

Allan deSouza has had solo exhibitions in venues including Talwar Gallery, New York; and his work has been seen in major group shows like Looking Both Ways (Fundaçao Calouste Gulbenkian, Lisbon, 2005) or Africa Remix (Museum Kunst Palast, Düsseldorf, 2004, touring exhibition). He has studied at prestigious US centres, including UCLA and the Whitney Independent Studies Program.

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Even the Dead I-III, 2006 3 dípticos fotográficos Impresión cromogénica: sangre del artista sobre papel / 3 photographic diptychs C-print: blood of artist on paper 102 x 183 cm c.u. / each Agradecimientos / Acknowledgements: Talwar Gallery, Nueva York Producción de / Produced by 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias

Allan deSouza es artista, escritor, y trabaja de forma habitual con herramientas del lenguaje antropológico, ideando paisajes contemporáneos que, a modo de escenarios extraños, evidencian las tensiones continuas de un mundo drásticamente dividido entre opresores y oprimidos. En su presentación en esta primera edición de la Bienal, Allan deSouza retoma muchas de las preocupaciones presentes en sus proyectos anteriores, a través de un trabajo específico realizado para esta muestra con el título Even the Dead I-III. Tres dípticos fotográficos que tienen la apariencia de un paisaje volcánico, y donde se sugieren formas similares a las provocadas por las erupciones que son registradas desde puntos de vista sofisticados como los proporcionados vía satélite. Imágenes que, sin embargo, ocultan una realidad –y origen– bien distinto ya que son escenas pintadas con la sangre del artista, sobre papel, para ser posteriormente fotografiadas. Mediante un tratamiento que, a primera vista, puede ser calificado de aséptico y científico, estas instantáneas son finalmente el resultado de la actividad cercana y performativa llevada a cabo por el artista. Imágenes que enmascaran otras imágenes, en un juego de ocultamiento que provoca un seguro desasosiego en quien las contempla y desvela, finalmente, su “secreto”.

Allan deSouza is an artist and writer who works regularly with instruments of anthropological language in the creation of contemporary landscapes which, like strange-looking scenarios, bring to the fore the ongoing tensions of a world drastically divided into oppressors and oppressed. In his presentation for this first Biennial of the Canaries, Allan deSouza returns to some of the concerns visible in his previous projects through a site-specific work created for this event, titled Even the Dead I-III. Three photographic diptychs seem to feature a kind of volcanic landscape, suggesting shapes similar to those coming from eruptions, recorded from sophisticated viewpoints like those provided by satellite. These images nevertheless hide a very different reality and origin, for they are scenes painted with the artist’s own blood on paper, to be photographed at a later stage. Through a treatment that at first sight could be considered aseptic and scientific, the images are ultimately the by-product of a close-up performative action carried out by the artist. Images concealing other ones, in a play of hide and seek that is bound to provoke an unsettling feeling in the beholder, before finally unveiling its own “secret.”


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HALA ELKOUSSY EL CAIRO, EGIPTO / CAIRO, EGYPT, 1974. VIVE EN / LIVES IN ÁMSTERDAM, HOLANDA / THE NETHERLANDS

1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

Hala Elkoussy ha expuesto sus fotografías y vídeos en citas tan relevantes como las bienales de Estambul, Dakar, Bamako y El Cairo. Asimismo, sus proyectos han sido mostrados en distintas ciudades europeas y norteamericanas. En 2003 organizó el programa PhotoCairo Workshop; y en 2004 comisarió, en un apartamento amueblado de la capital egipcia, un proyecto site specific que reunía a artistas suizos y de su país natal, y The Pick 2, una exposición de jóvenes fotógrafos. Elkoussy es también co-fundadora de Contemporary Image Collective (CiC), una iniciativa independiente de artistas dedicados al trabajo en fotografía y vídeo.

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Antigua Estación Marítima del Jet Foil Santa Cruz de Tenerife

Hala Elkoussy has exhibited her photographs and videos in key events like the Istanbul, Dakar, Bamako and Cairo biennials. Her projects have also gone on show in various European and US cities. In 2003, she organised the PhotoCairo Workshop; and in 2004, she curated in a furnished apartment in Cairo a site-specific project that brought together Swiss and Egyptian artists, and The Pick 2, an exhibition of young artists working with photography. Elkoussy is also co-founder of Contemporary Image Collective (CiC), an artist independent initiative dedicated to photography and video.

Peripheral Stories, 2006 Vídeo-instalación con sonido / Video installation, sound Duración / Duration 28’

Peripheral Stories (Historias Periféricas) es el título del proyecto más reciente de la artista egipcia Hala Elkoussy; un vídeo que tiene como escenario su ciudad natal, El Cairo, y que documenta los vertiginosos y constantes cambios que la urbe está experimentando en los últimos tiempos. Un viaje que se materializa en imágenes fotográficas de paisajes suburbiales de la ciudad, sobre los que se superponen distintos testimonios ofrecidos por sus habitantes, junto a reportajes periodísticos o textos y consignas procedentes de los medios de comunicación y la publicidad. El contraste entre la imagen ideal –casi una panorámica romántica– de las fotografías mostradas, junto al ritmo frenético impuesto por lo narrado, evidencia la coexistencia obligada entre dos mundos opuestos. Una coincidencia “forzosa” producto de la traducción del contexto dentro de los parámetros de consumo de la sociedad occidental, y su impacto en un entorno desprovisto de la información necesaria para asimilar un movimiento tan brusco. Este particular recorrido ideado por la artista –cuya propia deriva biográfica transcurre asimismo entre dos realidades opuestas–, hace que “historias periféricas” sea un documento singular, sobre la compleja sociedad egipcia actual.

Peripheral Stories is the title of the most recent project by Egyptian artist Hala Elkoussy: a video work set in her native Cairo, documenting the frantic changes the Egyptian capital is going through in recent years. A journey rendered through photographic images of landscapes on the outskirts of the city, juxtaposing testimony offered by its dwellers and journalistic reports or texts from the media or advertising. The contrast of the ideal image –almost a romantic overview– of the photographs, and the frantic pace imposed by the narration, brings to the fore the forced coexistence of two conflicting worlds. An overlay resulting from the translation of a context into the consumerist parameters of Western society, and their impact on an environment lacking the necessary information to process those sudden changes. This particular journey conceived by the artist –whose own biography runs between two opposing realities– turns Peripheral Stories into a highly singular document on the complex Egyptian society of the present.

Peripheral Stories, 2006 Capturas del vídeo / Video stills


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JON MIKEL EUBA BILBAO, ESPAÑA / SPAIN, 1967. VIVE EN / LIVES IN BILBAO

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Jon Mikel Euba ha expuesto de forma individual en espacios como el Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo ARTIUM, Vitoria; la Kunstlerhaus Bethanien, Berlín; Imago, Salamanca; la Sala Amadís, Madrid; el Palacio de Abrantes, Salamanca; o Consonni. Asimismo, ha participado en exposiciones colectivas en Graz, Londres, Francfort, Bilbao, Barcelona, Venecia, Hannover , Buenos Aires, Ámsterdam, Rennes o Madrid. Entre otros, ha recibido el Premio Altadis de Artes Plásticas, el Premio Gure Artea y el Premio Caja Madrid.

Centro de Arte La Regenta Las Palmas de Gran Canaria

Jon Mikel Euba has exhibited individually in Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo ARTIUM, Vitoria; Kunstlerhaus Bethanien, Berlin; Imago, Salamanca; Sala Amadís, Madrid; Palacio de Abrantes, Salamanca; and Consonni. He has also taken part in group shows in Graz, London, Frankfurt, Bilbao, Barcelona, Venice, Hanover, Buenos Aires, Amsterdam, Rennes and Madrid. Among the many distinctions he has received, worth underscoring is the Altadis Visual Arts Prize, the Gure Artea Prize and the Caja Madrid Award.

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Jugando con piedras, 2006 Instalación compuesta por 24 fotografías / Installation. 24 photographs 129 x 200 cm c.u. / each Producción de / Produced by 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias

Jon Mikel Euba interviene en el Centro de Arte La Regenta –una antigua fábrica de tabacos adquirida por el Gobierno de Canarias en el año 1987 y reconvertida en espacio de uso cultural–, con la instalación fotográfica titulada Jugando con piedras; una nueva serie de 24 instantáneas dispuestas en dos niveles diferenciados sobre la superficie del muro que conforman dos frisos completos. Una sucesión de imágenes protagonizadas por un joven que lleva a cabo una acción-coreografía, casi de ocultación, tras un plástico negro de grandes dimensiones que impide al espectador hacerse una idea precisa de lo que está sucediendo en la escena. La acción tiene lugar durante la noche en un espacio descampado, desacogedor y sin referencias, y que está iluminado únicamente por un foco puntual que tiñe el suceso con una luz extraña y precaria. Instantes consecutivos de una acción de la que se congelan distintos gestos y movimientos, y donde se construye una sucesión de formas escultóricas efímeras, pero precisas y rotundas a un tiempo; las descritas en el espacio por la superficie de plástico negro que se presenta en la imagen como un material denso y pesado, casi metálico. Con los mínimos recursos y movimientos leves, la pieza presenta una secuencia enigmática donde se hacen posibles múltiples respuestas para aquel que se interroga acerca de lo que sucede en lo expuesto.

Jon Mikel Euba has created an intervention for the La Regenta Art Centre, a former tobacco factory acquired in 1987 by the Government of the Canaries for refurbishment as a cultural venue, consisting of a photographic installation titled Jugando con piedras (Playing with Stones): a new series of 24 photographs arranged on two different levels on a wall, making up two complete friezes. The succession of images features a young man performing an action or choreography, hidden behind a large black piece of plastic that prevents spectators from knowing what exactly is going on. The action takes place during the night in an inhospitable vacant lot devoid of any external reference, lit only by a single strange and precarious source of light. In the succession of moments in the action, gestures and movements are frozen, producing ephemeral, yet at once effective and lasting sculptures: written in space by the surface of the black plastic seen in the image as an almost metallic, dense and heavy material. With an economy of resources and movements of light, the piece is an enigmatic sequence providing possible responses to those who wonder what is going on in front of their eyes.

Vista de la instalación / Installation view © Foto: Miguel A. Quintas

Jugando con piedras, 2006 Detalles / Details


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REGINA GALINDO CIUDAD DE GUATEMALA, GUATEMALA, 1974. VIVE EN / LIVES IN REPÚBLICA DOMINICANA / DOMINICAN REPUBLIC

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Regina Galindo ha participado en las últimas ediciones de la Bienal de Venecia, recibiendo el León de Oro en la categoría de artista joven. Asimismo, sus obras han sido expuestas en la III Bienal de Albania; la II Bienal de Praga; la III Bienal de Lima, Perú; el I Festival Arte Corporal, Venezuela; o el IX Festival de Performance ExTeresa, México. Su trabajo ha formado parte de exposiciones colectivas en Nueva York, Palermo, París, Burdeos, Trento, República Dominicana, Guatemala, Madrid, Italia. Regina Galindo has taken part in the latest Venice Biennale, being awarded a Golden Lion in the young artist category. Her works have also been seen at the 3rd Tirana Biennial, 2nd Prague Biennial and the 3rd Lima Biennial; the 1st Body Art Festival of Venezuela; or the 9th ExTeresa Performance Festival, Mexico. Her work has also been included in group shows in New York, Palermo, Paris, Bordeaux, Trento, Dominican Republic, Guatemala or Madrid.

Las obras de Regina Galindo son acciones directas que tienen el cuerpo femenino como objeto desde el que se inicia una reflexión crítica en torno a distintas situaciones de violencia presentes en la sociedad actual; la artista desnuda y rasurada paseando por las calles, acurrucada frente al mar, mostrando un cuerpo “defectuoso” sobre el que un cirujano plástico ha garabateado los arreglos que son “necesarios”. Acciones que son herederas de las prácticas artísticas performativas del conceptual de las décadas de los sesenta y setenta, y en los que el sujeto-protagonista es el cuerpo de la artista sobre-expuesto que, de forma irreverente, se presenta frente a los ojos del espectador, en gestos muchas de las veces “violentos”, por su no adecuación a ninguna fórmula de lo políticamente correcto. Una práctica artística que puede ser calificada de militancia-poética, casi activista, y que revisa las convenciones y “acuerdos” sobre cuestiones como las de la violencia de género, las desigualdades sociales o la pérdida de la memoria histórica en el presente. Llevadas a cabo en el espacio público, y registradas en vídeo para ser posteriormente expuestas, las distintas acciones de Regina Galindo son estrategias efectivas que desestabilizan, por su crudeza, la mirada anestesiada del espectador.

Regina Galindo’s work consists of direct actions centring on the female body, around which she develops a critical reflection on various existing situations of violence in our present-day society. The artist strolls through the streets, or curls up in front of the sea, naked and shaved, presenting a “defective” body on which a plastic surgeon has made a series of “necessary” repairs. These actions are indebted to the performative practice of conceptual art in the 1960s and 1970s with the overexposed body of the artist acting as both subject and main player, irreverently exhibited to the spectator’s eyes through gestures often deemed as “violent”, yet divested of any politically correct didactism. Her art practice might well be labelled as a virtually activist poetic-militancy, revising conventions and “agreements” on issues ranging from gender violence or social inequality, to the present-day loss of our historical memory. Carried out in the public space and recorded on video for subsequent exhibition, Regina Galindo’s actions are effective strategies whose raw undercurrent destabilises the spectator’s anesthetised gaze.

Casa Vegueta Las Palmas de Gran Canaria Convento de San Francisco Santa Cruz de La Palma

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Isla, 2006 Vídeo monocanal con sonido / Single-channel video, sound Documento performance / Performance document Santo Domingo, República Dominicana Vídeo / Video David Pérez Duración / Duration 2’ 50’’ Recorte por la línea, 2005 Vídeo monocanal con sonido / Single-channel video, sound Documento performance / Performance document Caracas, Venezuela Vídeo / Video David Pérez Duración / Duration 12’ 40’’

Isla, 2006 Capturas del vídeo / Video stills Recorte por la línea, 2005 Capturas del vídeo / Video stills


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CARMELA GARCÍA LANZAROTE, ESPAÑA / SPAIN, 1964. VIVE EN / LIVES IN MADRID

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Carmela García ha realizado numerosas muestras individuales y tomado parte en prestigiosas colectivas, entre las que destacan las realizadas en el Espacio Uno del MNCARS, Madrid; la galería Juana de Aizpuru, Madrid; Ofelias y Ulises, Bienal de Venecia; o The Real Royal Trip, PS1 de Nueva York y Museo Patio Herreriano de Valladolid. Carmela García has exhibited her work in solo and also in prestigious group shows, including Espacio Uno at MNCARS, Madrid; Galería Juana de Aizpuru, Madrid; Ofelias y Ulises, Venice Biennale; or The Real Royal Trip, PS1 New York and Museo Patio Herreriano in Valladolid.

La artista canaria residente en Madrid, Carmela García, hace uso principalmente de la imagen fotográfica y el vídeo en la construcción de una obra que tiene en la exploración del imaginario femenino, y en las cuestiones de género, sus temas de reflexión principales. Un cuidado catálogo de espacios habitados casi en exclusiva por mujeres, de paisajes panorámicos y misteriosos –interiores y exteriores, naturales y urbanos–, poblados por las protagonistas ideales del imaginario de la creadora, y que conforman un peculiar universo identitario. Instantáneas que congelan momentos triviales, gestos cotidianos, sucesos rutinarios y “silencios”, teñidas de un realismo casi mágico que las traslada al estatus de un universo fantástico, hacia su consideración como un “jardín de las delicias” actualizado. La identidad, el deseo, la tristeza, el sufrimiento, el dolor o el amor, se entremezclan en los relatos suspendidos de Carmela García. Una sugerente propuesta que se inicia en la singular mirada de una artista que genera, a través de escenas decididamente ambiguas, un imaginario tan singular como bello y sorprendente.

The Canaries-born and Madrid-based artist Carmela García creates a body of work based on the exploration of female imaginary and gender issues, her main subjects for reflection, primarily using photography and video. She is gradually compiling a portfolio of spaces inhabited almost exclusively by women: panoramic and mysterious, indoor and outdoor, natural and urban landscapes peopled by ideal heroines plucked from the artist’s imaginary, to forge a singular identity and universe. Her images capture seemingly trivial moments, everyday gestures, routine events, and “silences” tinged with a magic realism that transports them to the realm of fantasy, somehow reminiscent of an updated “garden of delights.” Identity, desire, sadness, suffering, pain or love are seamlessly intertwined in the suspended narrations created by Carmela García. Her evocative world is grounded in the highly personal gaze of an artist who, by means of decidedly ambiguous scenes, generates an imaginary that is as unique as it is beautiful and surprising.

Centro de Arte La Recova Santa Cruz de Tenerife

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Contornos I, 2006 Contornos II, 2006 2 fotografías sobre vinilo / 2 photographs on vinyl 250 x 900 cm c.u. / each Producción de / Produced by 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias

Contornos I, 2006 Contornos II, 2006


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KENDELL GEERS NACIDO EN MAYO DE 1968 / BORN IN MAY 1968

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Kendell Geers ha participado en numerosos eventos y exposiciones internacionales. Entre sus muestras individuales recientes destacan; The forest of suicides (MACRO Museum, Roma, 2004); In the flesh (Salon 94, Nueva York, 2004); Inferno (CCA Kitakyushu Project Gallery, Japón, 2003); Terrorealismus (Migros Museum, Zürich, 2003); The Prodigal son (Goodman Gallery, Johannesburgo, 2003); o Rogue States (Stephen Friedman Gallery, Londres, 2003 y 2005). Así mismo ha participado en la Bienal de Lyon 2005 y Documenta 11.

Castillo Negro Santa Cruz de Tenerife

Kendell Geers has taken part in numerous international events and exhibitions. His recent one-person shows include The Forest of Suicides (MACRO Museum, Rome, 2004); In the Flesh (Salon 94, New York, 2004); Inferno (CCA Kitakyushu Project Gallery, Japan, 2003); Terrorealismus (Migros Museum, Zurich, 2003); The Prodigal Son (Goodman Gallery, Johannesburg, 2003); and Rogue States (Stephen Friedman Gallery, London, 2003 and 2005). He has also participated in the 2005 Lyon Biennial and Documenta 11.

Broken English es el título de la intervención específica que el artista sudafricano Kendell Geers lleva a cabo en el exterior del Castillo Negro en Santa Cruz de Tenerife. Un cartel de gran tamaño que se sitúa frente al mar, de espaldas al espectador, y en el que se lee la frase Not our ists, una referencia directa a la condición del territorio como punto de llegada de un número cada vez más elevado de refugiados procedentes de las costas africanas, y que, sin embargo, se presenta camuflada en un juego de palabras. Como en trabajos anteriores del artista, es precisamente esta acción de “sabotaje” del lenguaje, de apropiación, manipulación y citación, la estrategia que desestabiliza la percepción final del mensaje. Y es que Not our ists puede ser transformado rápidamente, y por efecto de una nueva reagrupación del texto, en No tourists; una afirmación dirigida hacia el inmigrante que se acerca desde el mar. Un error tipográfico que subraya la diferente acogida a la que están expuestos los individuos en función de su procedencia y condición económica, y que en el contexto canario se presenta como una realidad extrema. Errores intencionados del lenguaje que sirven para evidenciar la situación de desequilibrio y contrastes dramáticos experimentados en el territorio, un conflicto en el que Geers ahonda desde su propia condición de africano blanco; un aspecto autobiográfico que es, asimismo, una constante en los trabajos del autor.

Broken English is the title of the site-specific intervention by the South African artist Kendell Geers in the grounds of Castillo Negro in Santa Cruz de Tenerife. A large banner faces out to sea, its back to the beholder, on which one can read the words Not our ists, a direct reference to the islands’ status as a point of arrival of increasingly larger numbers of refugees from the coast of Africa, and nonetheless, the words are dressed up in a play of words. Like other prior works by the artist, this action of “sabotaging” language, appropriation, manipulation and quotation, is the chosen strategy to destabilise the final perception of the message. With a simple regrouping of the letters Not our ists can be quickly transformed into No tourists; a statement aimed at immigrants who arrive by sea. A simple typographic error that underscores the different welcome dished out according to a person’s origins and economic status, a pertinent reality today in the Canary Islands. Deliberate mistakes in language serve to unmask the unequal situation and the dramatic contrasts on view in a conflict which Geers explores from his own perspective as a white African; an autobiographical aspect which is also a constant in the artist’s work.

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Broken English, 2006 Instalación site-specific / Site-specific installation Pancarta / Banner 5 x 5 m Producción de / Produced by 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias

Broken English, 2006 Vista general de la instalación / General installation view © Foto: Teresa Arozena


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ORI GERSHT TEL AVIV, ISRAEL, 1967. VIVE EN / LIVES IN LONDRES, REINO UNIDO / LONDON, UNITED KINGDOM

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Ori Gersht ha realizado numerosas exposiciones como; The Forest (Tel Aviv Museum); Liquidation (Noga Gallery, Tel Aviv); The Clearing (Angles Gallery, Los Ángeles); The Forest (CRG Gallery, Nueva York); The Clearing (Photographers Gallery, Londres); Blaze (Andrew Mummery Gallery, Londres); o History in the Making (PhotoEspaña, Madrid).

Centro Atlántico de Arte Moderno. CAAM Las Palmas de Gran Canaria

Ori Gersht has carried out many exhibitions, including The Forest (Tel Aviv Museum); Liquidation (Noga Gallery, Tel Aviv); The Clearing (Angles Gallery, Los Angeles); The Forest (CRG Gallery, New York); The Clearing (Photographers Gallery, London); Blaze (Andrew Mummery Gallery, London); or History in the Making (PhotoEspaña, Madrid).

The Forest, 2005 Vídeo-proyección digital / Digital video projection Duración / Duration 13’ 22’

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Liquid Houses, 2005 152 x 128 cm May or May Not, 2005 152 x 128 cm The Mountain, 2005 102 x 84 cm Trace 1, 2005 102 x 84 cm Trace 3, 2005 102 x 84 cm Drawing Past, 2005 105 x 104 cm Impresión cromogéncia / C-print Cortesía / Courtesy: El artista y / the artist and Andrew Mummery Gallery, Londres; CRG Gallery, Nueva York; Angles Gallery, Los Ángeles; Noga Gallery, Tel Aviv

Los trabajos del artista israelí asentado en Londres Ori Gersht, son principalmente vídeos y fotografías que exploran la noción de viaje; literal y metafóricamente. Proyectos que se materializan en la serie de expediciones, de recorridos diversos, iniciados hace algún tiempo por el creador, y que tienen como destinos principales, lugares con un interés histórico de fuerte significado. Y de manera especial, aquellos relacionados con la memoria autobiográfica; como la deriva que se relata en la serie fotográfica Liquidation, donde Gersht se aproxima al dolor y sufrimiento del pueblo judío durante el holocausto nazi en Ucrania. Imágenes congeladas de paisajes “semi-borrados”, que el artista consigue mediante la exposición excesiva de la película, y que son escenas “pictóricas”, saturadas de melancolía. En el montaje ideado para la Bienal de Canarias, Gersht enfrenta estas imágenes al vídeo titulado The Forest; un recorrido por espacios deshabitados de gran belleza, que el artista obtiene de su visita a los bosques de Galitzia (Europa central). Parajes naturales que son contenedores de la memoria y el tiempo, protegidos por árboles ancianos, que son los únicos testigos mudos de los acontecimientos.

The works of the London-based Israeli artist Ori Gersht consist mainly of videos and photographs literally and metaphorically exploring the notion of voyage. Projects rendered in the series of expeditions started by the artist some time ago, whose destinations are highly charged with meaning. And very specially, those bearing relation with autobiographical memory. That is the case of the inquiry narrated in the photographic series Liquidation, where Gersht explores the pain and suffering of the Jewish people during the Nazi holocaust in Ukraine. Frozen views of “semi-erased” landscapes, which he creates by overexposing the film, with the result of “pictorial” images exuding melancholy. In the project conceived for the Biennial of the Canaries, Gersht confronts this series with the video titled The Forest: a passage through beautiful deserted spaces, created by the artist during a visit to the forests of Galitzia. Natural landscapes that are containers of memory and time, protected by ancient trees that were silent witnesses of the events.

May or May Not, 2005 Trace 1, 2005 The Forest, 2005 Captura del vídeo / Video still


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JUAN HIDALGO LAS PALMAS DE GRAN CANARIA, ESPAÑA / SPAIN, 1927. VIVE EN / LIVES IN AYACATA, GRAN CANARIA

1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

Juan Hidalgo estudió piano y composición con figuras como Xavier Montsalvatge, Nadia Boulanger o Bruno Maderna. Ha tomado parte en exposiciones y eventos tan relevantes como el XII Internationale Ferienkurse Neue Musik de Darmstadt en 1957; el Festival Internacional DIAS –simposium para la destrucción del arte–, celebrado en Londres; o Los Encuentros de Pamplona de 1972. Recientemente ha expuesto de forma individual en ciudades como Zamora, Vitoria, Vigo o Madrid.

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Casa Vegueta Las Palmas de Gran Canaria

Juan Hidalgo studied piano and composition with key figures of the importance of Xavier Montsalvatge, Nadia Boulanger and Bruno Maderna. He has participated in major exhibitions and events such as XII Internationale Ferienkurse Neue Musik in Darmstadt en 1957; the DIAS International Festival –symposium for art destruction– held in London; or Los Encuentros de Pamplona in 1972. He has recently exhibited in Zamora, Vitoria, Vigo and Madrid.

Memoria I Piscimuca. Testimonio mexicano, 2004-2006 Memoria II Rosas rojas en Berlín, 2001-2006 Memoria III Plutón. Pequeño planeta, 2006 Memoria IV El pelo de Miguel Ángel, 2006 4 fotografías enmarcadas en vitrina / 4 photographs framed in glass box 115 x 155 cm c.u. / each

Silencio, elegancia y discreción, las consignas de Blanchot, podrían ser fácilmente aplicables a la figura de Juan Hidalgo; alguien que ha definido el arte como una actividad similar a la de “estar en casa un domingo por la mañana con sandalias, camiseta y calzoncillos”, ser “la bomba atómica del ser” o “la roña de un pie que no se ha lavado jamás”. La intensa producción desarrollada por Juan Hidalgo en su dilatada trayectoria dibuja un mapa apasionante por un conocimiento singular; acciones, objetos, performances, fotografías, textos y actitud… Desde los autorretratos sin rostro y ocultos donde el artista ofrece su espalda o “saluda” al espectador mostrando su pene; hasta las imágenes de la serie Las tres gafas (2000); o frases como las cíclicamente impresas en los escritos de libros como Un viaje a Argel (1966); “Afterthought. ¡Qué lata!”; “isabel makes pipi on the rug of the dinning room”, “maybe in anticipation of the Spanish National Holiday?”; o “si usted está en la cama y le mean dos veces encima, qué?”, lo cierto es que Hidalgo deja siempre al espectador de sus piezas “sin palabras”. En la Bienal de Canarias el artista presenta distintas series fotográficas de factura reciente en las que aparece nuevamente protagonizando muchas de las imágenes, como en Rosas rojas en Berlín, o ideando extraños escenarios contenedores de objetos, documentos y “recuerdos”, como los acumulados en la serie Piscimuca, un catálogo de testimonios –personales, pero transferibles–, de muchos de los temas y reflexiones que estructuran la producción de Hidalgo.

Silence, elegance and discretion, Blanchot’s keywords, are equally applicable to Juan Hidalgo, an artist who has defined art as an activity equivalent to “being at home on Sunday morning in sandals, T-shirt and underwear,” or “the atomic bomb of being” or “the dirt of a foot that has never been washed.” The huge body of work produced by Juan Hidalgo in his extended career, outlines an exciting map of a singular body of knowledge: actions, objects, performances, photographs, texts and attitude… From his faceless and hidden portraits, with the artist turning his back to us or “greeting” the spectator with a view of his penis, or the images of the series Las tres gafas (2000); to sentences like those cyclically printed in books like Un viaje a Argel (1966); “Afterthought. ¡Qué lata!”; “Isabel makes pipi on the rug of the dinning room”, “maybe in anticipation of the Spanish National Holiday?”; or “si usted está en la cama y le mean dos veces encima, qué?”, what remains constant throughout is that Hidalgo leaves spectators of his pieces literally “speechless.” At the Biennial of the Canaries, the artist presents various recent photographic series in which he is again the focus of many of the images, like in Rosas Rojas en Berlín, or conceiving strange scenarios containing objects, documents and “mementos” like those accumulated in the Piscimuca series, a catalogue of personal although non transferable testimonies of many of the issues and reflections in his production.

Memoria IV El pelo de Miguel Ángel, 2006 Memoria III Plutón. Pequeño planeta, 2006 Memoria II Rosas rojas en Berlín, 2001-2006


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1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE


ALFREDO JAAR SANTIAGO DE CHILE, CHILE, 1956. VIVE EN / LIVES IN NUEVA YORK, EE.UU. / NEW YORK, USA

1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

Artista, arquitecto y director de cine, el trabajo de Alfredo Jaar ha sido expuesto en importantes exposiciones como las realizadas en el New Museum of Contemporary Art (Nueva York); la Whitechapel Art Gallery (Londres); The Museum of Contemporary Art (Chicago); Pergamon Museum (Berlín); y el Moderna Museet (Estocolmo). Ha participado en las Bienales de Venecia, São Paulo, Johannesburgo, Sidney, Estambul y Gwangju, además de en la 11 Documenta de Kassel.

Espacio Cultural El Tanque Santa Cruz de Tenerife

An artist, architect and filmmaker, Alfredo Jaar has shown his work in key exhibitions organised in venues such as the New Museum of Contemporary Art (New York); Whitechapel Art Gallery (London); The Museum of Contemporary Art (Chicago); Pergamon Museum (Berlin); or Moderna Museet (Stockholm). He has taken part in the Venice, Sao Paulo, Johannesburg, Sidney, Istanbul and Gwangju biennials, and in the 11 Documenta, Kassel.

Alfredo Jaar participa en esta primera Bienal de Canarias con una intervención específica en el Espacio Cultural El Tanque, un antiguo depósito de combustible rehabilitado como sala de uso cultural. El entorno neutral y minimalista que presenta la construcción se convierte en el escenario de Escalera al cielo, una intervención intimista a la vez que escenográfica y sonora, que adquiere una presencia cargada de potencia y reclama una atención que trasciende lo formal para conectarnos con el aspecto humano, social y político. La instalación rinde homenaje al drama de dos adolescentes africanos que murieron congelados en el fuselaje de un avión en el que viajaban clandestinamente desde Guinea-Conakri a Bruselas. El espectador asciende por una rampa en la más absoluta oscuridad, para llegar a un espacio nebuloso donde es conducido hasta un juego de auriculares situado en el muro perimetral de El Tanque. Entonces, se enciende una potente luz central que deja ver una plataforma colocada entre el bosque de columnas interior, y comienza la lectura de la carta que fue hallada en la ropa de una de las víctimas. El texto, dirigido a las autoridades de los países occidentales, constituye un auténtico reclamo de misericordia y compasión, una petición de ayuda, un grito de vida y una búsqueda de responsabilidades y de culpables. El trabajo de Alfredo Jaar gira en torno a su deseo de “hacer arte a partir de la información que la mayoría de nosotros preferiría ignorar”. Desde una postura profundamente comprometida con la representación de temas sociales, políticos y humanos, Jaar denuncia el poder de los medios de comunicación y la violencia global a través de textos, fotografías, instalaciones y trabajos de luz. Desde principios de los años ochenta, ha recurrido a nuevas estrategias de presentación que, en lugar de competir con la velocidad a la que fluye la información, intenta contextualizar y aletargar el proceso de recepción y comprensión del observador. Con estas estrategias, Alfredo Jaar presenta nuevas lecturas a los dramas más recientes de nuestra historia.

For his participation in the first Biennial of the Canaries Alfredo Jaar has created a specific intervention for El Tanque Cultural Centre in Santa Cruz de Tenerife, a former fuel deposit reconverted as an art and cultural venue. He transforms the neutral surroundings and the minimalist appearance of the building into the backdrop for Escalera al cielo, an intimate intervention and at once a sound and stage setting, which take on a charged power and call out for a level of attention that transcends the formal in order to connect us with the human, social and political aspects the artist addresses. The installation pays tribute to the drama of two African teenagers who froze to death in the fuselage of an airplane on which they stowed away from Guinea-Conakri to Brussels. The spectator walks up a ramp in total darkness that takes him to a sinister space leading him directly to some headphones set in the wall of El Tanque. Then a strong central light comes on, showing us a platform in the midst of the columns, and then we hear someone read a letter that was found in the clothes of one of the victims. The text, addressed to the powers that be in the western world, is a cry for mercy and compassion, a true call for help, a clamour for life and a demand for responsibilities and blame. Alfredo Jaar’s work revolves around his desire to “make art based on the information the majority of people wish to ignore”. From a profound engagement with the representation of social, political and human issues, Jaar protests against the power of the mass media and global violence through texts, photographs, installations and light. Since the beginning of the eighties, Jaar has co-opted new strategies of presentation which, instead of competing with the speed of information transmitted through consumer images, tries to contextualise and slow down the process of reception and understanding of the observer. With these strategies, Alfredo Jaar presents new readings of the most recent dramas in history. Andrés Isaac Santana

Andrés Isaac Santana

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Escalera al cielo, 2006 Instalación site-specific / Site-specific installation Producción de / Produced by 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias

Escalera al cielo, 2006 Vista de la instalación / Installation views © Foto: Teresa Arozena


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1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE


CONCHA JEREZ & JOSÉ IGES CONCHA JEREZ, LAS PALMAS DE GRAN CANARIA, ESPAÑA / SPAIN, 1941 JOSÉ IGES, MADRID, ESPAÑA / SPAIN, 1951 VIVEN EN / LIVE IN MADRID 1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

Concha Jerez y José Iges inician su colaboración en el año 1989. Su trabajo conjunto se desarrolla en series de proyectos denominados “interferencia en los medios”; instalaciones, piezas sonoras y visuales, así como performances. Han intervenido en espacios de reconocido prestigio en España, Alemania y Francia. Concha Jerez and José Iges have been working together since 1989. Their work takes the form of series of projects they call “interference in the media”; installations, sound and visual works, as well as performances. They have intervened in eminent spaces in Spain, Germany and France. Antiguo Poblado de Guinea Valle del Golfo - El Hierro

Concha Jerez y José Iges presentan, en el contexto de 1 Bienal de Canarias, un proyecto específico localizado en el poblado de Guinea de la isla de El Hierro; un núcleo arqueológico y etno-histórico de gran importancia que, tras su minuciosa restauración, fue declarado como primer ecomuseo de España. Son precisamente los aspectos ligados al territorio; desde los relacionados con la singular historia del enclave –uno de los asentamientos más significativos de la época aborigen–, hasta las peculiaridades geológicas del paisaje –localizado sobre un terreno plagado de tubos volcánicos–, los elementos que vertebran El árbol de secretos. Una obra que se construye en torno a tres ejes fundamentales; la existencia de un árbol –en el jameo de Isidro–; los relatos contados por los habitantes de la Isla; y la enigmática presencia de unos petroglifos grabados sobre la lengua gigantesca de lava en El Julan. Una intervención “silenciosa” que hace uso de la luz, la palabra y el sonido, para narrar una historia que es casi un susurro, a partir de fragmentos, imágenes e impresiones, que son restituidos en el espacio al que pertenecen y en el que tienen su origen. Desde la inclusión de una mirada ajena, respetuosa y atenta, que se hace cómplice del contexto, el proyecto dialoga con la memoria del lugar, haciendo de la intervención mínima y el gesto más discreto, su estrategia principal.

For this first Biennial Concha Jerez and José Iges are presenting a site-specific project in Guinea on the island of El Hierro. Poblado de Guinea is an important archaeological and ethnohistoric site which, after thorough restoration, was declared the first ecomuseum in Spain. El árbol de secretos (or Tree of Secrets) is based on elements grounded in the area; including those related with its unique history as one of the most significant settlements from the aborigine period, and others rooted in the geological peculiarities of the volcanic landscape. The work revolves around three key axes; the existence of a tree in a jameo or volcanic tube; the stories told by the inhabitants of the village; and the enigmatic presence of petroglyphs etched in a gigantic tongue of lava. A “silent” intervention that makes use of light, the word and sound to narrate a story that is almost a whisper, based on fragments, images and impressions that are restored to the space where they originally came from. From the perspective of a distant, respectful and attentive gaze working with the context, the project dialogues with the memory of the place, basing its main strategy on minimal intervention and discreet gestures.

Árbol de secretos, 2006 Instalación sonora y visual / Sound and visual installation Audio: Concha Jerez y José Iges, grabaciones originales / Audio: Concha Jerez and José Iges, original recordings Intérpretes: Pilar Subirá, percusión Carlos Gil, trombón tenor Niños del Colegio Público Tigaday, Curso 5º A (Elena Gambín, profesora) / Performers: Pilar Subirá, percussion Carlos Gil, tenor trombone. Children from Tigaday Public School, Course 5A (Elena Gambín, teacher) Mezcla y edición / Mixing and editing: José Iges Vídeo: Concha Jerez y José Iges, grabaciones originales / Video: Concha Jerez and José Iges, original recordings Edición: Concha Jerez y Pedro López / Editing: Concha Jerez and Pedro López

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Agradecimientos / Acknowledgments: María Teresa Ruiz Sixto Sánchez Producción de / Produced by 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias

Árbol de secretos, 2006 Vistas de la instalación / Installation views © Fotos: Miguel A. Quintas


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1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE


KCHO ISLA DE LA JUVENTUD, CUBA, 1970. VIVE EN / LIVES IN LA HABANA / HAVANA

1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

En 1986 Kcho se traslada a La Habana para cursar estudios en la Escuela Nacional de Arte. Su obra se ha divulgado en los más importantes museos y galerías del mundo. In 1986, Kcho moved to Havana to study at the city’s National School of Art. His work has been exhibited in some of the world’s most important art museums and galleries.

Plaza de San Antonio Abad Las Palmas de Gran Canaria

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La nueva puerta, 2006 Intervención site-specific / Site-specific intervention Contrucción de ladrillos / Brick construction Producción de / Produced by 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias

La nueva puerta, es el título del proyecto de intervención específica realizado por el artista cubano, Kcho en el contexto de esta 1 Bienal de Canarias. Un muro levantado –a modo de escultura pública de carácter efímero–, en la Plaza del Pilar Nuevo de Las Palmas de Gran Canaria. Una obra para la que el artista ha elaborado y trasladado desde su taller, en La isla de la Juventud de Cuba, unos ladrillos realizados artesanalmente para este proyecto. La migración, el trasvase entre dos continentes lejanos, o el largo trayecto al que ha sido sometido el material de la obra, inician una serie de reflexiones presentes en el trabajo de un artista muy vinculado con el análisis permanente de los intercambios, desplazamientos y flujos migratorios que dan forma al paisaje contemporáneo. Una revisión sobre los cambios constantes a los que está sometido el individuo, que hace uso asimismo de materiales precarios y temporales en su definición de la nueva y terrible realidad de un porcentaje muy alto –y a menudo oculto– de la población mundial. Las obras de Kcho están asimismo muy relacionadas con la propia biografía del artista; las balsas cubanas que son usadas para alcanzar las costas de los EE.UU., los remos, la madera y el mar. Referencias que, en el contexto canario, lejos de ser un tema ajeno o extraño, se presentan asimismo como temas de reflexión necesaria y urgente por su angustiosa “actualidad”.

La nueva puerta, the new door, is the title of the site-specific intervention project created by the Cuban artist Kcho for this 1st Biennial of the Canaries, consisting of a wall erected in Plaza del Pilar Nuevo in Las Palmas de Gran Canaria, as if it were some kind an ephemeral public sculpture. For this work the artist created handmade bricks made expressly for this project and shipped them from his workshop in Isla de la Juventud, Cuba. Migration, the transfer between two distant continents, and the long journey endured by the materials, are the starting point for a number of reflections in the work of an artist concerned with the idea of the exchange, displacement and migratory flows that are giving shape to our contemporary landscape. He explores the ongoing changes modern individuals are submitted to, using precarious and ephemeral materials to define the new and terrible reality of an extremely high, yet often hidden, percentage of the world population. Kcho’s works are also closely related with his own biography and with the rafts used by the Cuban population to reach the US shore, the oars, the wood and the sea. Far from being a remote subject matter, in the context of the Canaries, these references are topical, necessary and urgent issues.

Dibujo preparatorio / Preparatory drawing La nueva puerta, 2006 Vista de la instalación / Installation view © Foto: Francisco Rojas Fariña


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1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE


AMAL KENAWY EL CAIRO / CAIRO, EGIPTO / EGYPT, 1974. VIVE EN / LIVES IN EL CAIRO / CAIRO

1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

Licenciada en pintura y escultura por la Facultad de Bellas Artes de El Cairo, Amal Kenawy realiza estudios en diseño de moda y cine en el Instituto de Cinematografía ART. Ha participado en numerosas exposiciones internacionales, y bienales como las de Singapur (2006), Dakar (2006 y 2004), Alejandría (2005) y El Cairo (1998). Asimismo, ha tomado parte en distintos festivales de teatro.

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Antigua Estación Marítima del Jet Foil Santa Cruz de Tenerife

After graduating in painting and sculpture from the Faculty of Fine Arts of Cairo, Amal Kenawy studied fashion design and filmmaking at the ART Cinema Institute. She has taken part in countless international exhibitions and events like the Singapore (2006), Dakar (2006 and 2004), Alexandria (2005) and Cairo (1998) biennials. She has also been included in various theatre festivals.

The Room, 2006 Vídeo-proyección con sonido / Video installation, sound Duración / Duration 10’

The Room es un trabajo en vídeo producto de la colaboración que vienen realizando en distintos proyectos, durante los últimos años, la artista egipcia Amal Kenawy y su hermano Abdel Ghany Kenawy. Un documento que muestra un primer plano de las manos de la artista, enfundadas en delicados guantes de encaje blanco, realizando distintas actividades sobre un pedazo de carne fresca; un corazón que todavía late. En un plano-secuencia continuo, Amal Kenawy “borda” y cose distintos ornamentos sobre la carne, en una acción “dolorosa” y violenta que se reviste con una pátina de ritual desconcertante. El aséptico escenario en el que se desarrolla la escena, donde además la artista se presenta vestida como una novia, aumenta si cabe el desasosiego de lo narrado; un juego de oposiciones constantes entre el comportamiento individual y la práctica social, entre las esfera privada y lo público, o la necesaria y constante redefinición de la identidad. Asimismo, y como en trabajos anteriores de estos creadores, The Room aúna en sus imágenes las estrategias del mundo científico –al que pertenece Abdel Ghany–, con las de la práctica artística; ideando proyectos donde se diluyen las barreras entre un territorio considerado como objetivo –el de la ciencia–, con el de la supuesta subjetividad del artista.

The Room is a video created from the collaboration undertaken in recent years by the Egyptian artist Amal Kenawy and her brother Abdel Ghany Kenawy. It shows a close-up of the artist’s hands, covered by delicate white lace gloves, performing a number of actions on a piece of raw meat: a still beating heart. A continuous tracking shot shows Amal Kenawy “embroidering” and sewing a number of ornaments on the meat, in a “painful” and violent action covered with the patina of a disconcerting ritual. The aseptic setting the scene takes place in, with the artist dressed as a bride, tweaks the disquieting effect of the narration up a notch further, if that is at all possible. A play of constant oppositions between individual behaviour and social practice, between private and public domain, or between the necessary and constant redefinition of identity. Similarly to previous works by these creators, the images in The Room combine the strategies of a scientific world –which Abdel Ghany belongs to- with those of art practice, conceiving projects that blur the boundaries between a field regarded as objective –science– with the artist’s hypothetical objectivity.

The Room, 2006 Capturas del vídeo / Video stills


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1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE


MAHMOUD KHALED ALEJANDRÍA, EGIPTO / ALEXANDRIA, EGYPT, 1982. VIVE EN / LIVES IN ALEJANDRÍA / ALEXANDRIA

1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

Mahmoud Khaled ha participado en proyectos colectivos como Actual Position (Townhouse Gallery, El Cairo, 2005); The Noubar Project (Mashrabia Gallery, El Cairo, 2004); Insularities (Kunstlerhaus Stuttgart, Alemania, 2005); taller AIWA (Líbano, 2005); y Actual Position (2) (Kulturzentrum NAIRS, Suiza). Destaca su muestra individual 15-minutes of Acting as if I’m in My House (Oberwelt, Stuttgart, 2006).

Instituto de Canarias Cabrera Pinto La Laguna - Tenerife

Mahmoud Khaled has taken part in group projects including Actual Position (Townhouse Gallery, Cairo, 2005); The Noubar Project (Mashrabia Gallery, Cairo, 2004); Insularities (Kunstlerhaus Stuttgart, Germany, 2005); AIWA workshop (Lebanon, 2005); and Actual Position (2) (Kulturzentrum NAIRS, Switzerland). Particularly noteworthy is his solo show 15-minutes of Acting as if I’m in My House (Oberwelt, Stuttgart, 2006).

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Wikislamkitsch, 2006 Instalación site-specific / Site-specific installation Producción de / Produced by 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias

La introducción de cualquier producto nuevo requiere una identidad corporativa integral que logre llegar a los clientes y satisfacerles. El título de la obra del artista alejandrino Mahmoud Khaled plantea un aspecto novedoso, un vocablo compuesto, un tríptico que contiene una plataforma de información “democrática” global y de conocimiento: Wikipedia; una de las religiones monoteístas: el Islam; y un término que designa objetos recargados y repletos de sentimentalismo: kitsch. Un patio de Tenerife, una de las Islas Canarias, donde la fusión de esas esferas tan diversas está especialmente presente, nos sitúa en el camino de la historia. El espacio cuadrangular forma parte del Convento de San Agustín, construido poco después de la conquista de los moros por parte de los españoles. Su atmósfera nos remite a la de esos lugares abiertos del interior de las mezquitas que aíslan lo íntimo de lo exterior ofreciendo un espacio a la calma y el sosiego: el escenario perfecto para el retiro y la contemplación. Desde el punto de vista arquitectónico, el espacio muestra la influencia recíproca de lenguajes culturales diferentes. Y sin embargo, a pesar de las manifestaciones híbridas y de lo que sabemos acerca de la mezcla de valores e ideas que se influyen mutuamente como consecuencia de los viajes pero también de tecnologías “globalizadas” como Internet y la televisión por satélite, se diría que asistimos hoy a un fuerte impulso por dividirlo todo en partes aisladas y por reforzar el mito de la linealidad. Para su proyecto Wikislamkitsch, Khaled recurrió a la colaboración de Mohammed Fahmy, un experto creativo de El Cairo que optó por un papel transparente con diversos adornos en variados tonos verdes (“color del Profeta” que simboliza la vida y la fertilidad) y cubrió con él las ventanas que dan al patio. Un tipo de papel translúcido en colores y estampados identificables como “islámicos” pero que se fabrica a bajo coste en China. La economía de salarios bajos permite a cualquier clase social satisfacer la nostalgia y ofrecer una identidad visual a precios razonables. Además, un soporte publicitario colocado en mitad del patio proclama una explicación “objetiva” del “arte islámico” en caracteres latinos de origen caligráfico, tomada de una enciclopedia de Internet. La hábil elaboración realizada por Mahmoud Khaled en diversos niveles nos invita a replantearnos ideas preconcebidas, desafiando al público y al propio espacio a emprender un viaje a través de la historia para analizar nuestro contexto presente, registrando de una manera lúdica el hecho de que tanto él como el diseñador llevan nombres islámicos.

Introducing a new product calls for an entire corporate identity, targeting to reach and satisfy customers. The Title of Alexandrian artist M.Khaled’s piece of work indicates an innovation. A compound word, a triptych, embraces a global “democratic” information and knowledge platform: Wikipedia; one of the monotheist religions: Islam; and a synonym for excessively and sentimentally charged objects: kitsch. A patio on Tenerife, one of the Canary Islands, where the fusion of these very diverse spheres is tied in takes us onto the road of history. The quadrangle is part of St.Augustine Convent built shortly after the conquest of the Moors by the Spanish. It has a similar atmosphere to the open area inside a mosque – it separates the outside from the inside and offers a peaceful and calm space – a perfect setting for retreat and contemplation. Architecturally this space proves mutual influence of different cultural languages. Nevertheless, despite of hybrid manifestations and the knowledge about blending values and ideas reciprocally affected, resulting from travelling as well as from “globalised” technologies such as the internet and satellite television, there seems to be a very strong urge to divide things into their separate parts and to underpin the myth of linearity. For his project Wikislamkitsch Mahmoud Khaled chose to collaborate with creative expert Mohammed Fahmy from Cairo, who is in charge of designs ranging from kitchens, coffee shops and stores to accessories. Placing traditional basic elements from oriental and Islamic background in a contemporary context Fahmy tackles new impulses for stylish moulding. For the given context of the in situ work Fahmy was asked to “decorate” the space. Fahmy decided in favour of a transparent foil with a variation of ornaments in green shades (green is the “colour of the Prophet”, signifying life and fertility) to cover the windows overlooking the quadrangle. This kind of see-through foil in different colours and patterns, which are recognized as “Islamic”, is cheaply produced in China. The low-wage economy enables any social class to satisfy nostalgia and to serve visual identity for a reasonable price. Furthermore, a billboard placed in the centre of the patio announces an “objective” explanation of “Islamic Art”, which is taken from an Internet encyclopaedia, employing Latin letters generated in calligraphy. Mahmoud Khaled’s skilful elaboration on various levels invites us to reassess assumptions. He is challenging the space and the audience to travel through history scrutinising nowadays context, playfully acknowledging the fact that he and the designer are both bearing Islamic names.

Rayelle Niemann

Rayelle Niemann Wikislamkitsch, 2006 Vista de la instalación / Installation view © Foto: Teresa Arozena


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ELLEN KOOI LEEUWARDEEN, HOLANDA / THE NETHERLANDS, 1962. VIVE EN / LIVES IN HAARLEM

1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

Ellen Kooi ha tomado parte en distintas muestras individuales y colectivas, entre ellas, las realizadas en la galería Espacio Líquido, Gijón; la galería Beaumontpublic, Luxemburgo; Out of Context, en el Art Omni International Arts Center, Nueva York; Trial Balloons, en el MUSAC de León; Photography Biennale de Moscú; o Out There: Landscape in the New Millennium, en el Museum of Contemporary Art, en Cleveland.

Centro Atlántico de Arte Moderno. CAAM Las Palmas de Gran Canaria

Ellen Kooi has exhibited her work in various solo and group shows, including Espacio Líquido, Gijon; Beaumontpublic, Luxembourg; Out of Context, Art Omni International Arts Center, New York; Trial Balloons, MUSAC, Leon; the Moscow Photography Biennale; or Out There: Landscape in the New Millennium, Museum of Contemporary Art, Cleveland.

Los paisajes de Ellen Kooi son fragmentos de una realidad onírica, cuyos elementos protagonistas son siempre superficies acuáticas registradas en estados diversos; en forma de lluvia, de lago, en los canales, el río, los charcos, las nubes y el cielo, o el mar. Fotografías que son estados de conciencia alterada por la abolición del tiempo, a mitad de camino entre realidad y sueño, entre arte y simulación, y cuya iluminación las aproxima a las escenas surrealistas de artistas como Magritte. Paisajes congelados, detenidos en el tiempo, casi rescatados de un estado de amnesia, que conforman un universo singular teñido de una atmósfera densa. Instantes suspendidos, que están poblados por individuos extraños, casi seres inanimados. Ellen Kooi hace uso de una sofisticada técnica –un gran angular deformante–, y sus trabajos requieren de la preparación previa y exhaustiva de cada imagen. En la salas de exposición del CAAM, la artista presenta distintas instantáneas de paisajes holandeses protagonizadas por una Ofelia ideal, una manada de perros salvajes, o una inquietante niña pelirroja que cierra sus ojos ante la cámara; tan sólo parte de los personajes de este relato visual artificial y sorprendente.

Ellen Kooi’s landscapes are fragments of a dreamlike reality always featuring water in its many and varied states: rain, lakes, canals, rivers, puddles, clouds, sky and the sea. These photographs reflect frames of mind altered by the eradication of time, half-way between reality and dream, between art and simulation, with a light redolent of the surrealist scenes of artists like Magritte. Icy landscapes frozen in time, as if rescued from a state of amnesia, make up a singular universe laden with a heavy, dense atmosphere. These suspended instants are populated by odd, virtually lifeless individuals. Ellen Kooi uses a sophisticated deforming wide-angle technique in works requiring a prior, exhaustive preparation of each image. At the CAAM, the artist is presenting several views of Dutch landscapes, in which we can see an ideal Ophelia, a pack of wild dogs or a disturbing red haired girl who closed her eyes to the camera, just a few of the characters in this surprising, artificial visual tale.

Almere-Ophelia, 2006 Amersfoort-benen, 1997 Heemsteede-heuvel, 2003

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Almere-Ophelia, 2006 77 x 144,5 cm Penningsveer-riet, 2006 90x 148 cm Amersfoort-benen, 1997 55 x 168 cm Halfweg-man running, 2003 60 x 182 cm Heemsteede-heuvel, 2003 77 x 155 cm Amsterdam-honden, 2005 85 x 190 cm Fotografías color / Colour photographs Cortesía / Courtesy: La artista y / the artist and Torch Gallery, Amsterdam


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PABLO LEÓN DE LA BARRA MÉXICO DF/ MEXICO CITY, MÉXICO, 1972. VIVE EN / LIVES IN LONDRES, INGLATERRA / LONDON, UNITED KINGDOM

1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

Entre otras muestras relevantes, Pablo León de la Barra ha sido comisario de; To Be Political it Has to Look Nice (Apexart, Nueva York, 2003) o Glory Hole (Architecture Foundation, Londres). Asimismo ha participado en las exposiciones; Localismos (México DF, 2004); Tropical Abstraction (Stedelijk Museum, 2005); BMW- 9th Baltic Trienal 2005, (CAC-Lithuania e ICA-London); Globos Sonda/Trial Balloons (MUSAC, León, 2006); y Nothing Really Matters When You Wear A Big Moustache (Locus, Atenas, 2006).

Paseo de las Canteras Las Palmas de Gran Canaria

Among other major exhibitions, Pablo León de la Barra has curated To Be Political it Has to Look Nice (Apexart, New York, 2003) or Glory Hole (Architecture Foundation, London). He also intervened in Localismos (Mexico City, 2004); Tropical Abstraction (Stedelijk Museum, 2005); BMW- 9th Baltic Trienale 2005, (CAC-Lithuania and ICA-London); Globos Sonda/Trial Balloons (MUSAC, Leon, 2006); and Nothing Really Matters When You Wear A Big Moustache (Locus, Athens, 2006).

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Demostración de Lucha Canaria Canary Islands Wrestling/Wrestling Demonstration, 2006 Performance site-specific celebrado en la Playa de Las Canteras (Las Palmas de Gran Canaria) el 28 de noviembre de 2006 / Site-specific performance held at Playa de Las Canteras (Las Palmas de Gran Canaria) on November 28th 2006 Luchadores / Wrestlers: Javier Monzón Ramírez y / and Carmelo Rodríguez del Toro Con nuestro especial agradecimiento a la / With special thanks to the Federación de Lucha Canaria

Pablo León de la Barra es un personaje inquieto, multifacético, irónico. Artista, comisario, director de Pablo International Magazine, y co-director de Blow de la Barra Gallery en Londres, su trabajo en todos estos ámbitos consiste en crear situaciones y construir una plataforma desde la cual explorar algunas de las tensiones que existen en la sociedad y principalmente dentro de la institución arte. Es importante notar que todas estas actividades forman parte de lo que puede considerarse su “obra” o en todo caso, su manera de acercarse al sistema del arte contemporáneo al que ataca desde distintas posiciones. Pablo León de la Barra se sitúa en las fronteras de este mismo contexto sin desmarcarse hacia la marginalidad total, pero incidiendo desde fuera a un establishment cada vez más abarcador. A través de sus actividades culturales, León de la Barra cuestiona la migración, la apropiación, la traducción y la diferenciación de la producción cultural contemporánea en distintos contextos, al tiempo que reconsidera y expande las funciones tradicionales de lo que se conoce tradicionalmente como “espacios de arte”. Junto con Beatriz López y Sebastián Ramírez es co-director de 24/7 Projects en Londres, una iniciativa que funciona como galería de bajo presupuesto que León de la Barra utilizó como plataforma para trabajar con artistas latinoamericanos y cuyo trabajo cuestiona los tópicos y las convenciones de las representaciones culturales de América Latina. Para la primera Bienal de Canarias, León de la Barra realizó una performance relacionada con la lucha canaria en la emblemática playa de Las Canteras en Las Palmas de Gran Canaria. La puesta en escena cuenta con la explicación pormenorizada de un entrenador que informa sobre las características de este deporte.

El origen de la lucha canaria, popular en las siete islas del Archipiélago, se remonta a los guanches, sus antiguos pobladores indígenas. Los luchadores se arremangan los pantalones hasta los muslos para facilitar el agarre, y el combate o “brega” comienza. Dos contendientes intervienen en cada “brega”, que intentan desequilibrarse mutuamente con espectaculares zancadillas y llaves llamadas “mañas”. Los dos deben mantenerse en pie y en el momento mismo en que el cuerpo de uno de ellos toca el suelo, es eliminado. Esta modalidad de lucha se practica también en Venezuela y Cuba como legado de la inmigración canaria.

Canary Islands wrestling has Guanche indigenous origins and is popular in all the Canary Islands. The ”luchadores” would roll their trousers up to the thigh so that they could both get a grip of the other and the bout - or “brega” would begin. Each “brega” is between two contestants who try to unbalance each other with spectacular trips and throws called “mañas”. The two wrestlers have to remain on their feet, as, if any other part of the body touches the ground, that wrestler is eliminated. Canary Islands wrestling is also practised in Venezuela and Cuba; a legacy of Canary Islands migration.

Pablo León de la Barra is a provocative, multifaceted, ironic individual. Artist, curator, director of Pablo International Magazine, and co-director of Blow de la Barra Gallery in London, his work in all these fields consists primarily in creating situations and constructing a platform from which to explore some of the tensions existing in society, mainly within the art institution. It is worth underscoring that all these activities form part of what one might consider his “work” or, in any case, his personal way of approaching the contemporary art system, which he attacks on various flanks. Pablo León de la Barra can be located on the boundary of this context without precipitating toward the complete marginality of the outsider, yet influencing a system hungry for alternatives to an increasingly more all-embracing establishment. Through his cultural activities León de la Barra questions the migration, appropriation, translation and differentiation of contemporary cultural production in distinct contexts, just as his both public and private manifestations reconsider and expand the traditional functions of what we know as “art spaces”. Together with Beatriz López and Sebastián Ramírez, he is co-director of 24/7 Projects in London. This initiative works as a low budget gallery which León de la Barra uses as a platform for collaborating with Latin American artists living in London and elsewhere, whose work questions the clichés and conventions of cultural representations of Latin America. For the first Biennial of the Canaries, León de la Barra made a performance related with traditional Canary wrestling on the well-known Las Canteras beach in Las Palmas de Gran Canaria. The performance was accompanied by detailed explanations from a trainer on the characteristics of this sport native to the Canaries.

Demostración de Lucha Canaria Canary Islands Wrestling/Wrestling Demonstration, 2006 Vista de la perfomance / Performance view © Fotos: Miguel A. Quintas


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WON JU LIM GWANGJU, COREA DEL SUR / SOUTH KOREA, 1968. VIVE EN / LIVES IN LOS ÁNGELES, EE.UU. / USA

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Won Ju Lim ha expuesto sus obras de forma individual en espacios como la galería Pilar Parra & Romero (Madrid), el Centro de Arte Contemporáneo DA2 (Salamanca), la galería Emily Tsingou (Londres), o la galería Max Hetzler (Berlín). Asimismo, recientemente ha tomado parte en muestras colectivas realizadas en países como EE.UU., Suiza, Austria, Alemania y Corea.

Casa de los Coroneles La Oliva - Fuerteventura

Won Ju Lim has exhibited her work in solo shows at Galería Pilar Parra & Romero (Madrid), Centro de Arte Contemporáneo DA2 (Salamanca), Gallery Emily Tsingou (London) and Galerie Max Hetzler (Berlin), among others. She has also recently been included in group shows in USA, Switzerland, Austria, Germany and Korea.

En su proyecto en la Casa de los Coroneles de Fuerteventura, Won Ju Lim, artista surcoreana afincada en Los Ángeles, recurre a papeles pintados producidos en serie con los que recubre minuciosamente los muros del espacio. Estos papeles ofrecen imágenes estereotipadas de una isla mitificada, con sus connotaciones paradisíacas y de fuerte impronta kitsch. A este ambiente idealizado, sobrepone imágenes de paisajes reales de la isla filmadas en un viaje anterior. Las cinco proyecciones ofrecen una realidad igualmente manipulada, esta vez a partir de su acentuada ralentización. Convergen así diferentes representaciones del concepto de isla, percepciones que funcionan a modo de capas y que cuestionan los clichés creados para satisfacer nuestra necesidad de evasión, desde la literatura de lo exótico hasta la venta de experiencias prefabricadas de la industria del turismo. La obra de Won Ju Lim se centra en una visión muy particular de la arquitectura y el urbanismo directamente ligada a sus estructuras culturales, económicas y sociales. Crea construcciones modulares con plexiglás de diferentes colores a las que añade proyecciones y sofisticados juegos de luces y sombras. Plantea lugares donde coexisten la realidad física de la ciudad y un espacio virtual que tiende a lo teatral, para impulsar al espectador a reflexionar sobre su espacio y su memoria.

In her project at Casa de los Coroneles in Fuerteventura, Won Ju Lim, a South Korean artist based in Los Angeles, uses wallpaper to painstakingly cover the walls of the exhibition space. This paper depicts stereotyped images of a mythicised island with all its paradisiacal connotations and strong kitsch undercurrents. This idealised ambience is overlayered with images of real landscapes of the island filmed on a prior trip to the Canaries. The five projections offer an equally manipulated reality, this time based on a noticeable slow-motion. In this way, we have a convergence of different representations of the concept of the island, perceptions that work as layers questioning the clichés created to satisfy our need for escapism, ranging from exotic literature to the sales of prefabricated experiences by the tourism industry. Won Ju Lim’s work is focused on a highly personal vision of architecture and city planning and its cultural, economic and social structures. She creates modular constructions in Plexiglas in different colours on which she adds projections and sophisticated plays of lights and shadows. She creates places where the physical reality of the city coexists with a virtual space that tends towards the theatrical, triggering off in the beholder a series of interrogations on space and memory.

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Wishing You Were Here, 2006 Instalación site-specific / Site-specific installation Papel de pared, 5 proyecciones / Wallpaper, 5 projections Cortesía / Courtesy: Pilar Parra & Romero Galería de Arte, Madrid Producción de / Produced by 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias

Wishing You Were Here, 2006 Vistas de la instalación / Installation views © Fotos: Miguel A. Quintas


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JUAN LÓPEZ

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SANTANDER, ESPAÑA / SPAIN, 1979. VIVE EN / LIVES IN BARCELONA

©Foto: Bruno Ochaita

Juan López ha realizado muestra individuales como; 1 pone y Dios dispone (Cuenca, 2002); One’n’One (Madrid, 2004); Estuve en Toledo y me acordé de ti (Toledo, 2005); o Para Tu Tara (Barcelona, 2005). Asimismo, ha participado en numerosas colectivas como las Muestras de Arte y Vídeo del Injuve (Madrid), o la exposición de los becarios de la Fundación Marcelino Botín (Santander). Este año ha recibido el Premio Altadis de Artes Visuales. Solo exhibitions by Juan López include 1 pone y Dios dispone (Cuenca, 2002); One’n’One (Madrid, 2004); Estuve en Toledo y me acordé de ti (Toledo, 2005); or Para Tu Tara (Barcelona, 2005). He has also taken part in many group exhibitions, like the Injuve Art and Video Shows (Madrid), or the exhibition of grant holders of Fundación Marcelino Botín (Santander). This year he has received the Altadis Visual Arts Prize.

Aeropuerto de los Rodeos La Laguna - Tenerife Aeropuerto de Gando Las Palmas de Gran Canaria

Con la sagacidad y la ironía tan propias de su trabajo, el joven artista Juan López presenta una intervención titulada Dale espaciado + Bonus Track. El proyecto pretende, a través de la frase “ven a verme”, establecer un nexo entre las dos islas capitales, Gran Canaria y Tenerife. El artista fragmenta la frase colocando “ven” en una cinta transportadora de maletas en el aeropuerto de Tenerife Norte; “a” en un avión de vuelo regular entre ambas islas y, finalmente, “verme” en una segunda cinta transportadora de maletas en el aeropuerto de Gran Canaria. Además, los mostradores de facturación reparten adhesivos de color naranja con las tres palabras, que harán las veces de las etiquetas identificatorias de las maletas, y que podrán colocar alrededor del asa de su equipaje. “Ven a verme” es un ejercicio lúdico en el que el artista plantea la obra de arte como algo dinámico, fragmentario como la propia geografía de las Islas Canarias. Sus intervenciones llaman la atención del viandante/espectador e interfieren en su rutina. Juan López activa la percepción del viajero en lugares transitorios como el aeropuerto y el avión. La obra, en un principio fragmentaria, se completa en el aeropuerto de destino al unirse, de una forma u otra, las tres palabras. En el conjunto de la obra de Juan López subyace un profundo interés por vincular el lenguaje desarrollado en la calle con los diferentes códigos artísticos propios del ámbito privado e institucional. Así, su trabajo propone recorridos de ida y vuelta: por un lado, introduce en galerías y centros de arte el vocabulario propio del entorno urbano y, a su vez, traslada al exterior cuestiones afines al lenguaje del arte, más cercanas al contexto institucional. En sus primeros trabajos murales, la mayoría de ellos realizados con cinta aislante, modificaba la percepción del lugar de trabajo por medio del dibujo y la construcción temporal, poniendo en relación determinados conceptos arquitectónicos. El uso de materiales efímeros, de lenguajes como el graffiti y soportes como pegatinas, pósters o fanzines, aludían a su entorno más inmediato, ligado siempre al contexto de las subculturas urbanas.

Dale espaciado + Bonus Track, 2006 Intervención site-specific en un avión y dos cintas transportadoras de maletas / Site-specific installation on an aeroplane and two conveyor belts

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Agradecimientos / Acknowledgements: Aena Binter Canarias Producción de / Produced by 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias

© Foto: Teresa Arozena

Dale espaciado + Bonus Track, 2006 © Fotos: Miguel A. Quintas

With a body of work underpinned by a knowingness and ironic gesture, the young artist Juan López is now presenting an intervention titled Dale espaciado + Bonus Track. Playing on the phrase “Ven a verme”, [Come and see me], the project wishes to put in place a nexus between Gran Canaria and Tenerife, two of the seven islands serving as the backdrop and scenario for the Biennial. The artist breaks up the phrase with the first part, “Ven”, placed on the luggage reclaim belt in the Tenerife North airport; the middle section, “a”, on an airplane flying back and forth between the two islands and finally, the third section, “verme”, on another luggage reclaim belt, this time in the airport in Gran Canaria. Besides, available on the check-in counters are orange stickers with the three words, which are also used to identity luggage, and can be fitted around the suitcase handle. “Ven a verme” is a playful exercise in which the artist posits the work of art as something as dynamic and fragmentary as the very geography of the Canary Islands. His interventions attract the attention of the traveller/spectator and interfere in his usual routine. Juan López activates the traveller’s perception in transitory places like an airport and an airplane. The work, in itself fragmentary, is completed in the airport of destination when, in one way or another, the three words are joined together. Underlying the whole of Juan López’s work is a profound interest in associating language as evolving in the street with the various artistic codes of private and institutional spaces. His work proposes a roundtrip journey: on the one hand, he introduces the urban into art galleries and centres and, at the same time, he takes into the outside world other questions associated with the language of art, closer to a more institutional context. In his early mural works, mostly using insulating tape, he modified the perception of the workspace by means of drawing and temporary construction, eliciting associations with certain architectural concepts. His use of ephemeral materials, and languages like graffiti or supports like stickers, posters and fanzines, make allusions to his most immediate surrounding environs, always rooted in the context of urban subcultures.


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ROGELIO LÓPEZ CUENCA MÁLAGA, ESPAÑA / SPAIN, 1959. VIVE EN / LIVES IN MÁLAGA

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Entre las últimas exposiciones individuales de Rogelio López Cuenca destacan: La sortie des usines (Caixaforum, Barcelona); NKTV/LNZ (MIAC, Lanzarote); ASTILHAOGRAFO (Casa de América, Madrid); El paraíso de los extraños (Granada, Madrid y Burgos). Asimismo, ha participado en exposiciones colectivas en Barcelona, León, Madrid, Estambul, Nueva York, Viena, Roma, Lima o São Paulo. Recent solo exhibitions of Rogelio López Cuenca include La sortie des usines (Caixaforum, Barcelona); NKTV/LNZ (MIAC, Lanzarote); ASTILHAOGRAFO (Casa de América, Madrid); El paraíso de los extraños (Granada, Madrid and Burgos). He has taken part in group exhibitions in Barcelona, Leon, Madrid, Istanbul, New York, Vienna, Rome, Lima and São Paulo.

Zona Centro Santa Cruz de Tenerife Zona Centro Las Palmas de Gran Canaria

Rogelio López Cuenca es, sin duda, uno de los artistas españoles más importantes en el ámbito del arte crítico y de derivación conceptual, además de gozar de una trayectoria larga que se afianza con el tiempo. López Cuenca realiza desde los años ochenta acciones vinculadas al terreno de la poesía experimental y es, en efecto, el lenguaje en todas sus dimensiones una de sus principales preocupaciones. Desde sus inicios desarrolla un trabajo ligado a su vez a la problemática social contemporánea. En toda su obra se aprecia una relectura del constructivismo que el artista confronta con la actividad urbana del presente. Igualmente, su trabajo replantea el propio uso y significado de los lenguajes en su sentido semántico, formal e incluso estético. El interés por los usos del lenguaje y por los deslizamientos de sentido que manifiestan las palabras en sus distintas versiones, es decir, en diferentes lenguas, ha llevado a López Cuenca a indagar sobre las políticas del lenguaje a través de sus representaciones más cotidianas entre las que privilegia la señalética y la publicidad. Es la mezcla de estos dos ámbitos el motivo principal de las intervenciones urbanas que Rogelio López Cuenca propone en esta primera Bienal de Canarias. Mediante la ocupación con carteles de diseño propio de los paneles publicitarios urbanos en Las Palmas de Gran Canaria y en Santa Cruz de Tenerife, el artista desvela por un lado la normalización del bombardeo de mensajes en el que se encuentran inmersas las sociedades actuales y por otro subvierte esos mismos mensajes confrontando al espectador y retándole a asumir una actitud crítica y reflexiva frente a la avalancha de información con la que se encuentra cada día. El trabajo artístico de Rogelio López Cuenca se concibe así como una tarea de desmontaje de “las construcciones ideológicas” del mundo en el que vivimos a través de las armas del humor empleados de manera irónica, incisiva y mordaz.

Rogelio López Cuenca is recognised as one of the key Spanish artists working with critical and conceptual discourse, with an increasingly more solid and influential body of work. Since the eighties López Cuenca has designed and created actions close to the precepts of experimental poetry in which his main concern is unquestionably language in all its dimensions. Since his beginnings he has developed a body of work exploring contemporary social issues. His whole body of work is also underpinned by a rereading of constructivism which he confronts with the urban reality of the present. At the same time, his work readdresses the very use and meaning of the semantic, formal and even aesthetic aspects of language. The artist’s interest in the use of language and the slippage in meaning of words in their various versions, in other words, in different languages, has led López Cuenca to explore the politics of language through its most quotidian representations with a special focus on signage and advertising. In fact, it is the combination of these two aspects where we can locate the underlying motif of the urban interventions Rogelio López Cuenca has created for the first Biennial of the Canaries. Inserting posters he has designed himself in standard advertising billboards around the city centres of Las Palmas de Gran Canaria and Santa Cruz de Tenerife, the artist on one hand unmasks the normalisation of the bombardment of messages our current society is subjected to and, on the other hand, he subverts those very messages, confronting the beholder and challenging him to adopt a critical and reflective attitude in the face of the avalanche of information he comes across every day. Rogelio López Cuenca conceives his work as a dismantling of the “ideological constructs” of the world in which we live using an ironic, incisive and biting sense of humour.

Andrés Isaac Santana

Andrés Isaac Santana

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© Fotos: Teresa Arozena

Total, 2006 Intervención site-specific en soportes publicitarios / Site-specific intervention in advertising boards


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GUILLERMO LORENZO LAS PALMAS DE GRAN CANARIA, ESPAÑA / SPAIN, 1961. VIVE EN / LIVES IN LAS PALMAS DE GRAN CANARIA

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Entre los últimos proyectos de Guillermo Lorenzo destacan su participación en; transhumancia (CAAM, octubre de 2005); Proyecto Atlántico de Arte Digital (PAAD); o la Muestra retrospectiva de artistas sonoros. Among the Guillermo Lorenzo’s recent projects, we would highlight his participation in Trans-humancia (CAAM, October 2005); Proyecto Atlántico de Arte Digital (PAAD); and A retrospective exhibition of sound artists.

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Centro Atlántico de Arte Moderno. CAAM Las Palmas de Gran Canaria

nAuta, 2006 Performance celebrada en el CAAM (Las Palmas de Gran Canaria) el 28 de noviembre 2006 / Performance held on November 28th 2006 at CAAM (Las Palmas de Gran Canaria)

Guillermo Lorenzo participa en la Bienal de Canarias con la performance nAuta, y el proyecto de intervención urbana titulado DIS-trito. La primera, es una acción que consiste en el recorrido llevado a cabo por el artista en las calles de la ciudad, en el que se presenta “asépticamente” aislado en el interior de una esfera de plástico hinchable. Un trayecto que vienen marcado previamente por otros colaboradores, por los rastros y huellas –visuales y sonoras que estos dejan sobre el asfalto, y que el artista sigue en un trayecto, que además está siendo transmitida en tiempo real a distintos lugares, un “evento” difundido a contextos dispares. Por su parte DIS-trito es un trabajo que hace hincapié en las paradojas y contradicciones presentes en el paisaje urbano, “equiparando su deterioro patrimonial con un proceso de degradación medioambiental”. Una denuncia sobre la salvaje “rentabilización” que se opera en la historia y la cultura, con la progresiva espectacularización y banalización de la misma, y que reivindica la reconsideración del espacio público como territorio de lo político. Mediante estrategias directas como la colocación de letreros, vinilos y pegatinas, con mensajes que subrayan estos hechos, o la “contaminación” visual del agua –de color amarillo fosforito–, que llega al mar desde la ciudad por efecto del volcado de un pigmento en el líquido, Guillermo Lorenzo ensaya en sus obras distintas tácticas destinadas a “recuperar” ese espacio y territorio usurpado.

Guillermo Lorenzo takes part at the Biennial of the Canaries with the performance nAuta, and a project for urban intervention titled DIS-trito. The former is an action consisting of the artist wandering through the city’s streets, “aseptically” isolated inside an inflatable plastic sphere. His path was previously defined by other collaborators by means of leaving visual traces on the tarmac, which the artist followed in an action broadcast in real time to several places, this spreading the “event” to disparate contexts. In turn, DIS-trit is a piece underlining the paradoxes and contradictions taking place in the urban landscape, “establishing parallels between the deterioration of its heritage and a process of environmental deterioration.” A protest against the unbridled “profit making” permeating history and culture, with their growing spectacularisation and banalisation, vindicating a rethinking of the public space as a territory of the political. Through the use of direct strategies, like the placing of signs, stickers and posters with messages alluding to those facts, or the visual “contamination” of water using a phosphorescent yellow colour, in his work, Guillermo Lorenzo explores different tactics aimed at “retrieving” this usurped space and territory.

nAuta, 2006 Vista de la performance / Performance views © Fotos: Miguel A. Quintas


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SARA MANEIRO CARACAS, VENEZUELA, 1965. VIVE EN / LIVES IN CARACAS

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Sara Maneiro es fotógrafa y comunicadora social. Realiza sus estudios de fotografía con Ricardo Armas, para pasar años más tarde a la Universidad de Nueva York. Ha tomado parte en distintas muestras internacionales como las realizadas en La Habana, Montevideo, Caracas, Washington, Houston, Filadelfia, o México DF. Asimismo, entre sus exposiciones individuales destacan las de la 80 Washington Square Gallery (Nueva York, 1993) y en la Sala Mendoza (Caracas, 1997).

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Centro de Arte La Recova Santa Cruz de Tenerife

Sara Maneiro is a photographer and social communicator. She studied photography with Ricardo Armas, and furthered her training at the New York University. She has taken part in various international shows in Havana, Montevideo, Caracas, Washington, Houston, Philadelphia and Mexico City. Worth singling out among her solo exhibitions are those organised in 80 Washington Square Gallery (New York, 1993) and in Sala Mendoza (Caracas, 1997).

Sin título, de la serie Souvenirs, 2005 5 fotografías impresas en plotter / 5 photographs printed on plotter 50 x 70 cm c.u. / each

Souvenirs es un archivo exhaustivo desarrollado en el tiempo, una singular cartografía en proceso llevada a cabo por una artista que define su actividad como de investigación social y arqueológica. Un catálogo arbitrario y subjetivo –tan sólo condicionado por la mirada selectora de la creadora–, que es una acumulación de las imágenes y los encuentros cotidianos –no por ello menos sorprendentes–, que surgen de las derivas que Sara Maneiro lleva a cabo por distintos espacios urbanos. Fotografías que congelan distintos momentos de un paisaje contemporáneo que se estructura en base a modelos instables de organización y caos. La obra de esta artista venezolana, es un valioso testimonio y un documento singular del presente; un proyecto de “registro imposible” –por inabarcable– de las huellas y rastros de la civilización contemporánea. O por lo menos, de ciertas parcelas. Una mirada que se acerca a cuestiones como las de “la superproducción, el desecho, el centro y la centralidad, la segregación, o el urbanismo como fracaso…”, y que es un intento por reactivar y rehabilitar el espacio político urbano.

Souvenirs is a wide-ranging archive put together over time, or a cartography in progress, by an artist who defines her activity as social and archaeological research. This arbitrary and subjective catalogue whose only conditioning factor is the artist’s own selective gaze, consists in the accumulation of everyday, yet not for that any less surprising, images and encounters discovered as she wanders through a variety of urban spaces. Her photos capture diverse moments of a contemporary landscape articulated around unstable models of organisation and chaos. The work by this Venezuelan artist provides precious testimony and a unique document of the present time: an impossible (read insurmountable) project to register the prints and traces of contemporary civilisation. Or, at least, of certain areas of it. A gaze entering into close proximity with issues including “overproduction, waste, centre and centrality, segregation, or urban development as an expression of failure…”, yet attempting to reactivate and rehabilitate the urban political space.


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ÁNGEL MARCOS VALLADOLID, ESPAÑA / SPAIN, 1955. VIVE EN / LIVES IN VALLADOLID

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Ángel Marcos ha expuesto recientemente en espacios como los de; la Maison Européene de la Photographie en París, 2006; la galería Ernst Hilger de Viena; o el Palacio de Abrantes en Salamanca, 2005. Ángel Marcos has recently exhibited in Maison Européene de la Photographie, Paris, 2006; Galerie Ernst Hilger, Vienna; and Palacio de Abrantes, Salamanca, 2005.

Castillo de Santa Bárbara Teguise - Lanzarote

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...la mar negra, 2006 Instalación site-specific / Site-specific installation Producción de / Produced by 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias

Ángel Marcos presenta una intervención específica realizada en el Castillo de Santa Bárbara y sus aledaños; un proyecto que reflexiona en torno al fenómeno de la inmigración y su relación directa con el entorno, confrontando la tradición del lugar como origen de emigrantes, con su trasformación, en el presente, en espacio de llegada de las nuevas corrientes migratorias. Partiendo de textos concretos, entre los que se encuentran fragmentos de escritos del Museo del Emigrante Canario, la obra se integra en el paisaje y dialoga con la realidad del contexto, formulando no pocos interrogantes acerca de las razones que impulsan a los individuos a abandonar sus países en busca de lo que se imaginan como una “vida mejor”. Una reflexión que ha llevado al artista a realizar una intensa investigación previa sobre esta situación, y que ha requerido del contacto directo con sus protagonistas; aquellos que en Saint Louis preparan su viaje en cayuco, y los recién llegados al Puerto de los Cristianos, en Tenerife, que para muchos se convierte en el punto de inicio de una nueva odisea. Marcos formaliza su reflexión en el Castillo de Santa Bárbara –“espacio del bienestar”-, y en el trayecto que hay desde Teguise hasta el edificio –“el recorrido del emigrante”. La primera parte de la pieza consiste en una sucesión de retratos de senegaleses –250 señales que “interrumpen” el trayecto del visitante– distribuidas a lo largo de una carretera de acceso. En el interior del edificio el espectador inicia un recorrido por distintas obras; desde una serie de fotografías retroiluminadas protagonizadas por individuos de vacaciones confrontados con imágenes de inmigrantes senegaleses, hasta objetos impresos con reproducciones de los productos de un mercado africano. Una mirada ecléctica y comprometida con la nueva realidad de un paisaje e identidad en constante redefinición, siempre presente en los trabajos del artista.

Ángel Marcos is presenting a site-specific intervention for the Castillo Santa Bárbara and surrounding area. His project addresses the phenomenon of immigration and its direct relationship with the environment, confronting the tradition of the place as a point of origin of emigrants, and its presentday transformation into a destination for new migratory movements. Using specific texts as a starting point, including fragments of documents from the Museo del Emigrante Canario, the work is fully integrated into the landscape and engages in dialogue with the contextual reality, formulating many questions on the reasons pushing individuals to leave their countries in search of what they imagine as a “better life.” A reflection that led the artist to carry out intensive prior research on this situation that demanded direct contact with its protagonists –those preparing their journey in cayucos in Saint Louis, and those newly arrived to Tenerife’s Puerto de los Cristianos, for many just the starting point of a new odyssey. Marcos renders his project in the Castillo de Santa Bárbara –“welfare space”- and in the stretch from Teguise to the building –“the emigrant’s trajectory.” The first part of the piece consists of a succession of portraits of Senegalese people –250 signals “interrupting” the visitor’s course– arranged along the road leading to the castle. Inside the building, the spectator begins his visit in front of a number of works –from a series of backlit photographs showing holidaymakers confronted with images of Senegalese immigrants, to objects printed with products from an African market. The intervention is rounded off with a number of projections leading to an “upper” space, where the notion of Europe’s welfare state is re-enacted. An eclectic gaze engaged with the new reality of a landscape and an identity undergoing a process of ongoing redefinition, always present in the works of this artist.

Detalle de la instalación / Installation detail © Foto: Miguel A. Quintas

...la mar negra, 2006 Vista exterior de la instalación / Exterior installation view © Foto: Miguel A. Quintas


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MONA MARZOUK ALEJANDRÍA, EGIPTO / ALEXANDRIA, EGYPT, 1968. VIVE EN / LIVES IN ALEJANDRÍA / ALEXANDRIA

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Mona Marzouk ha participado en citas internacionales tan relevantes como las de la Bienal de La Habana (2000); Rainbow - A painting show, galería Sfeir-Semler (Beirut, 2005); o An Image Bank for Everyday Revolutionary Life, realizada en la Sala del Arte Público Siqueiros de México, y el Redcat de Los Ángeles(2004) Mona Marzouk has taken part in major international events like the Havana Biennial (2000), Rainbow - A painting show, Gallery Sfeir-Semler (Beirut, 2005); and An Image Bank for Everyday Revolutionary Life, organised in Sala del Arte Publico Siqueiros, Mexico, and Redcat in Los Angeles (2004). Centro de Arte La Regenta Las Palmas de Gran Canaria

El trabajo de la artista egipcia Mona Marzouk surge de las revisiones constantes operadas sobre muchas de las convenciones y elementos formales heredados de las grandes civilizaciones del pasado. Arquitecturas, ornamentos e imágenes, son irónicamente modificados y “actualizados”, en obras que hacen alusiones constantes a periodos histórico-artísticos concretos como los del Antiguo Egipto, el arte greco-romano, la cultura islámica o el arte Copto. Una amalgama de elementos formales “asimilados”, que resultan sospechosamente familiares, y que son las formas-madres del singular imaginario habilitado por la artista. Símbolos religiosos y políticos desprovistos de las funciones iniciales para las que fueron creados, y que ahora forman parte de un leguaje contemporáneo producto de una hibridación cultural nunca imaginada. La pieza expuesta en la Bienal de Canarias, concebida de forma específica para la muestra, retoma nuevamente muchas de las cuestiones descritas a través de una imagen fuertemente significada; la de una bandera que remite de inmediato a los EE.UU., pero sobre la que la artista ha realizado cambios tan sutiles como la sustitución de sus estrellas por minúsculos seres fantásticos. Una operación que altera el sentido inicial de la imagen por medio de una estrategia de intervención –casi de sabotaje doméstico–, de tergiversación y apropiación de temáticas y formas fuertemente significantes. En una suerte de disolución-integración entre arte y activismo, la obra de Marzouk altera, con su sola exhibición, cualquier información previa, al trasladar a sus objetos y arquitecturas la tensión generada entre una forma “trastocada” y su mensaje.

The work of the Egyptian artist Mona Marzouk is grounded in a constant revision of many of the formal conventions and elements inherited from the great civilisations of the past. Architecture, ornaments and images are ironically altered and “updated” in works alluding to specific historical-artistic periods including Ancient Egypt, Greek-Roman art, Islamic culture or Coptic Art. An amalgamation of suspiciously familiar “assimilated” formal elements, that are the mother-forms of the personal imaginary created by this artist. Religious and political symbols are stripped of the initial functions they were created for, now co-opting them as part of a contemporary vocabulary resulting from a never imagined cultural hybridisation. The piece exhibited at the Biennial of the Canaries, specifically conceived for the event, retakes many of the above issues through an image loaded with meaning: a flag redolent of the US stars and stripes, but which the artist has subtly altered, replacing the stars with tiny fantastic creatures. The operation changes the initial meaning of the image through an intervention strategy, of domestic sabotage, of tergiversation and appropriation of highly meaningful subjects and forms. In a kind of dissolution-integration between art and activism, merely through its exhibition, Marzouk’s work manages to alter any previous information by transferring to her objects and architectures the tension generated between a “disrupted” form and its message.

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The New World, 2006 Mural. Instalación site-specific / Mural. Site- specific installation 336 x 185 cm Producción de / Produced by 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias

The New World, 2006 Vista de la instalación / Installation view © Fotos: Miguel A. Quintas


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MATEO MATÉ MADRID, ESPAÑA / SPAIN, 1964. VIVE EN / LIVES IN MADRID

1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

Las obras de Mateo Maté han sido expuestas en importantes centro de arte, galerías y museos de ciudades como; Madrid, Barcelona, Múnich, Viena, Lisboa, Nueva York, París o Caracas. Mateo Maté has exhibited his work in major art centres, galleries and museums in Madrid, Barcelona, Munich, Vienna, Lisbon, New York, Paris and Caracas.

Las obras de Mateo Maté son fragmentos de una “cartografía” de lo real que se materializan en soportes tan diversos como la instalación, el vídeo, la escultura, el dibujo o la fotografía. Un sutil juego entre equilibrio y desequilibrio, entre forma y mensaje, entre memoria personal y documento, que estructura cada uno de sus trabajos. Obras que son producto de un singular procedé, y que funcionan a modo de contenedores de muchos de los relatos y narraciones que conforman el singular universo poético –e irónico– de este artista. Dispositivos complejos que dan forma a un personal imaginario poblado por situaciones que aunque posibles, resultan poco probables. Mateo Maté presenta dos proyectos en el contexto de la Bienal. Desubicado consiste en una instalación cuyo elemento central es un barco construido en madera que gira suspendido en el espacio sin un destino predeterminado; y que describe un movimiento que completa los 360 grados de un giro realizado durante un minuto. Una embarcación precaria que, siguiendo el rumbo –borrado– de una brújula, de un instrumento que ya no proporciona orientación alguna, no cesa en su trayecto mecánico a pesar de su segura “inutilidad”. Espacios y lugares similares al viaje –igual de absurdo– que necesariamente emprenden muchos seres humanos que, casi como mercancías, tienen en las islas canarias un punto clave de su recorrido. En este sentido de “revisión” de usos y significados diversos, la serie Nacionalismo doméstico, presenta distintas banderas sin más territorio a representar que el de distintos espacios domésticos que pertenecen al territorio de lo privado.

Mateo Maté’s works are fragments of a “cartography” of the real, rendered in a wide range of supports including installation, video, sculpture, drawing and photography. A subtle play between balance and unbalance, form and message, personal memory and documentation underpins each one of his pieces. The final works are the result of a singular process, and are containers for many of the narrations and tales making up this artist’s unique poetical and ironical universe. Complex devices giving shape to a personal imaginary populated by situations that, albeit possible, are highly improbable. At the Biennial, Mateo Maté is presenting two projects. Desubicado consists of an installation with a suspended wooden boat as its central element. The boat revolves a full 360º every minute. This precarious boat follows the (erased) direction marked by a compass, an instrument no longer pointing out any real direction, and continues on its mechanical journey notwithstanding the proven “uselessness” of it all. Spaces and places reminiscent of the equally absurd journey undertaken by many human beings who, like commodities, end up in the Canary Islands. With this same idea of “revising” accepted uses and meanings, Nacionalismo doméstico features various flags without any other territory than the representation of various domestic spaces belonging to the private domain.

Paseo Marítimo Arrecife - Lanzarote Centro de Arte La Recova Santa Cruz de Tenerife

Paseo Marítimo Nacionalismo doméstico, 2006 Instalación site-specific con 30 banderas / Site-specific installation with 30 flags

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Centro de Arte la Recova Desubicado, 2006 Instalación site-specific / Site-specific installation Agradecimiento / Acknowledgement: Astilleros Nereo Producción de / Produced by 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias

Desubicado, 2006 © Foto: Teresa Arozena

Nacionalismo doméstico, 2006 © Foto: Miguel A. Quintas


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JOSÉ ROMÁN MORA LA GOMERA, ESPAÑA / SPAIN, 1949. VIVE EN / LIVES IN LAS PALMAS DE GRAN CANARIA

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Las obras de José Román Mora han participado en distintas muestras colectivas e individuales; haciendo del espacio público, y de la naturaleza, los lugares principales donde exhibir sus trabajos. José Román Mora’s works have been shown in various oneperson and groups exhibitions; the public space, nature and the landscape are the natural “venues” for his work.

Centro de Visitantes e Interpretación San Sebastián de La Gomera

Los Barrancos del Silbo, es el título de la propuesta ideada por el artista José Román Mora para su presentación en esta primera edición de la Bienal de Canarias. Una escultura integrada en el paisaje de la Gomera, y la performance que se desarrollará en el espacio circundante. Una acción protagonizada por silbadores nativos de las islas que introducen al espectador del proyecto; en un sonido característico y con una cadencia propia, que asimismo será provocada por la obra escultórica. En esta caso, por el efecto del viento que la atraviesa, y que genera distintos tipos de sonido y silencios, alternos. José Román Mora recupera e integra en su intervención uno de los modos de comunicación más peculiares del contexto, y que es producto de la complicada orografía de la Isla. Un modo de expresión que el Gobierno Canario declaró Patrimonio Etnográfico del lugar en el año 1999, y que se estructura mediante el uso de fonemas del lenguaje hablado, en el que la vibración de las cuerdas vocales es reemplazada por un intenso silbido. La referencia a los elementos naturales del paisaje, así como a temas culturales del contexto, son los ejes principales en torno a los que se estructuran los proyectos e intervenciones de este artista canario. Obras que dialogan con el territorio para el que son concebidas, en un interesante juego de intercambio entre referencias diversas, entre tradición y modernidad, o un entorno natural y un proceder artificial.

Los Barrancos del Silbo (or Whistling Ravines) is the title of this work conceived by José Román Mora for the first biennial. A sculpture integrated within the landscape of La Gomera coupled with a performance to be enacted in the surrounding environment featuring native whistlers from the island. This special whistling language unique to the island has a characteristic sound and its own rhythm, which will be played off those from the sculpture. In this case, coming from the effects of the winds passing through the landscape which generate different types of alternating sounds and silences. In this intervention José Román Mora recovers one of the world’s most unusual forms of communication, a product of the island’s complicated terrain. In 1999 the government of the Canaries declared this language of Ethnographic Heritage. It is formed using phonemes of spoken language, with the vibration of the vocal chords replaced by a sharp whistle. The reference to the natural elements of the landscape, as well as to cultural concerns of the context, are the main axes around which the work of this artist from the Canaries revolves. Interventions and projects that dialogue with the areas for which they are conceived, in an intriguing exchange between diverse references, between tradition and modernism, or between natural surroundings and artificial behaviours.

Barrancos del silbo, 2006 Instalación site-specific / Site-specific installation

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Silbo. El lenguaje del viento, 2006 Performance celebrada en San Sebastián de La Gomera el 1 de diciembre de 2006 / Performance held on December 1st 2006 at San Sebastián de La Gomera Participantes / Participants: D. Isidro Ortiz Mendoza D. Lino Rodríguez Martín D. Eugenio Darias Darias Alumnos / Students: Ayoze R. Rodríguez Mora Mª de los Ángeles García Castilla Producción de / Produced by 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias

Silbo. El lenguaje del viento, 2006 Vistas de la perfomance / Performance views © Fotos: Juan Martínez

Barrancos del silbo, 2006 Vista de la instalación / Installation view © Foto: Juan Martínez


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DAVID MORATÓN ALICANTE, ESPAÑA / SPAIN, 1974. VIVE EN / LIVES IN TENERIFE

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Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia y la Fachhochschule de Hannover, David Moratón cursa estudios de Ingeniería en Informática de Sistemas. Entre sus exposiciones individuales recientes destacan: Fantasía y Sinestesia (Sala de los Lavaderos, Tenerife, 2004); Pintura/Malerei (Consulado General de España en Hannover, 2003); o Der Sprung (Recinto ferial EXPO 2000, Hannover, 2002). Asimismo, ha participado en exposiciones colectivas como; EnCaja 2005 (Sala de Arte Cajacanarias, Tenerife, 2005); Tristán e Isolda (II Festival de Cortos de Animación, Tenerife) y Die Grenze überschreite (DAAD Wissenschaftszentrum, Alemania, 2000). Centro de Visitantes e Interpretación San Sebastián de La Gomera

A graduate in Fine Arts from the Polytechnic University of Valencia and Fachhochschule, Hannover, David Moratón studied Computer Systems Engineering. Worth highlighting among his recent solo shows are Fantasía y Sinestesia (Sala de los Lavaderos, Tenerife, 2004); Pintura/Malerei (Spanish Consulate in Hannover, 2003); and Der Sprung (EXPO 2000, Hannover, 2002). He has been included in group shows like EnCaja 2005 (Sala de Arte Cajacanarias, Tenerife, 2005); Tristán e Isolda (2nd Animated Shorts Festival, Tenerife) and Die Grenze überschreite (DAAD Wissenschaftszentrum, Germany, 2000).

Satori, 2006 Vídeo transferido a DVD / Video transferred to DVD Duración / Duration 12’

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Satori, 2006 Fotografía digital. Ed. de 3 / Digital photograph. Ed. of 3 85 x 180 cm Producción de / Produced by 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias

“Satori es una palabra japonesa que significa literalmente comprender, y se utiliza en el ámbito del Zen y del Tantra para denominar un momento especial de iluminación de la conciencia. Se llega a él a través de un proceso meditativo de comunión íntima con el mundo, sin mediación del pensamiento”. Con estas palabras se inicia el proyecto de David Moratón en esta Bienal de Canarias. Una instalación que consiste en la proyección de un vídeo, junto a una imagen fotográfica que es producto del uso de una sofisticada técnica digital, y que se origina en una serie de instantáneas tomadas por el artista en el Parque de las Cañadas del Teide. Una imagen que combina 80 tomas fotográficas de un mismo enclave, y cuyo espacio recorre los 360 grados de un giro completo. Un paisaje suspendido en el espacio y el tiempo, y al que envuelve una atmósfera misteriosa. Un ambiente que está asimismo presente en su trabajo audiovisual; en el que se suceden distintas escenas rodadas en espacios naturales como el del Parque García Sanabria –y en el que se hacen “visibles” los sonidos de los pájaros, producto del fenómeno de sinestesia operado en el artista. Proceso de catarsis e identificación con fenómenos naturales, muy presentes en otros trabajos previos del artista.

Satori is a Japanese word literally meaning to understand, and it is used in Zen and Tantra to name a special moment of enlightenment of the consciousness. One arrives at this moment by means of a meditative process of intimate communion with the world without the mediation of thought. This is how David Moratón begins to describe his project for the Biennial. An installation consisting of a video and a photographic image created using sophisticated digital techniques, which in turn are based on a series of snapshots taken by the artist in the Las Cañadas Park in Teide. An image that combines 80 different photos taken from the same spot, composing a 360 degree complete circle of a landscape suspended in space and time, surrounded by a mysterious atmosphere. An atmosphere that is also captured in his video featuring different scenes filmed in natural spaces like the García Sanabria Park, in which the sounds of the birds are made “visible”, a product of the phenomenon of synaesthesia used by the artist. He engages in a process of catharsis and identification with natural phenomena, very much to the fore in other works by the artist.

Satori, 2006 Capturas del vídeo / Video stills Satori, 2006


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MOSCO

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MÉXICO DF / MEXICO CITY, MÉXICO, 1977. VIVE EN / LIVES IN NUEVA YORK, EE.UU. / NEW YORK, USA

©Foto: Hugo Martínez Graffiti NYC Prestel Publishing, 2006

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Guaguas Santa Cruz de Tenerife

Su nombre procede de la palabra “mosquito”. Es nativo de México DF, y comenzó a “escribir” sus obras cuando apenas había nadie haciéndolo al sur de la frontera norteamericana. Esencialmente es un inventor de grafismos y es pionero del graffiti de su país, paralelo a la segunda evolución del movimiento en Nueva York. Sus influencias vienen del skateboarding al punk rock, del arte gráfico mexicano al grafismo Cholo y los libros clásicos del “Arte del Metro”, que son de culto para su generación. Mosco se trasladó a Nueva York en 1998 y rápidamente se significó con su estilo fluido no-tradicional. His name comes from the word “mosquito”. Born in Mexico City, Mosco started to “write” his works when hardly anyone was using that type of expression on the south of the US border. He is essentially an inventor of graphic marks and a pioneer of graffiti in Mexico, a second wave of the movement from New York. His influences range from skateboarding to punk rock, from Mexican graphic art, Cholo graphic expression and the classic books of “Metro Art” that has become a cult for his generation. Mosco moved to New York in 1998 and quickly made his mark there with his non-conventional free-flowing style.

Intervención en una guagua metropolitana / Intervention in an urban bus

MOSCO es el nombre con el que se conoce a uno de los artistas del graffiti más reconocidos de la escena neoyorquina. Un “escritor” que comienza a estampar su nombre en las calles de México D.F. cuando apenas ningún rastro de la cultura graffitera había sido aun importado del país vecino. En un gesto pionero, MOSCO –una firma que deriva de la palabra mosquito– , se convierte en referencia para las jóvenes generaciones de artistas del graffiti mexicano. Una práctica plagada de alusiones a territorios “alternativos” de la cultura más joven, como los del skateboarding, la música punk, el hard-core, junto a fanzines y publicaciones que, como la conocida con el título de Arte del Metro, llegarían a convertirse en textos de culto para otros muchos “escritores”. Junto a artistas como Clone y Pacheco, MOSCO formará el colectivo de graffiti PGR crew –un irónico y provocativo juego de palabras que tiene su origen en el nombre del escuadrón de policía más temido de la ciudad de México D.F.–; convirtiéndose bajo estas siglas, en el primer grupo de graffiti que comienza a intervenir en espacios como el del metro. MOSCO se desplazará años más tarde a Nueva York, concretamente en 1998, tras un recorrido previo por ciudades norteamericanas como Oakland, Los Ángeles y San Diego, integrándose rápidamente en el colectivo de “escritores de graffiti” más importantes de la ciudad. MOSCO se caracteriza por el estilo singular de sus piezas; “throw up”. Murales de rápida ejecución, que se repiten de modo obsesivo sobre distintos espacios, configurando un paisaje que se ha convertido en seña de identidad de este núcleo urbano.

MOSCO is the name of one of the most famous artists on the New York graffiti scene. A “writer” that began to leave his tag in the streets of Mexico City when there was virtually no trace yet of the graffiti culture that would eventually be imported from the neighbouring country. In what amounts to a pioneering gesture, MOSCO, a signature derived from the word mosquito, became a point of reference for the younger generations of Mexican graffiti artists. A practice infested with allusions to “alternative” territories of youth culture such as skateboarding, punk and hard-core, together with fanzines and publications that, like “Arte del Metro”, ended up becoming cult texts for many “writers”. Together with other artists such as Clone and Pacheco, MOSCO established the graffiti group PGR crew, an ironic and provocative pun taken from the name of the most fearsome police squadron in Mexico City. Under this moniker, they became the first graffiti group in intervening in public spaces such as the metro. Some years later, more specifically in 1998, MOSCO moved to New York after travelling through US cities like Oakland, Los Angeles and San Diego, and quickly became one of the city’s crucial “graffiti writers”. MOSCO is well known for the singular style of his “throw up” pieces. Quickly executed mural works obsessively repeated on various spaces, comprising a landscape that has become a sign of identity of this urban nucleus.

© Fotos: Juan Martínez


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SHIRIN NESHAT

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QAZVIN, IRÁN, 1957. VIVE EN / LIVES IN NUEVA YORK, EE.UU. / NEW YORK, USA

©Foto: Lina Bertucci Cortesía: Gladstone Gallery, NY

Shirin Neshat ha tomado parte en prestigiosas muestra como las realizadas en el Centro Atlántico de Arte Moderno, CAAM (Las Palmas de Gran Canaria), el Stedelijk Museum (Ámsterdam); el MUSAC (León); Documenta 11 (Kassel); o el Hiroshima City Museum of Contemporary Art (Hiroshima, Japón). Shirin Neshat has taken part in prestigious shows at the Centro Atlántico de Arte Moderno, CAAM (Las Palmas de Gran Canaria), Stedelijk Museum (Amsterdam); MUSAC (Leon); Documenta 11 (Kassel); or Hiroshima City Museum of Contemporary Art (Hiroshima, Japan) among many others.

Casa de la Pólvora Santa Cruz de Tenerife

Shirin Neshat es una artista iraní residente en Estados Unidos que se dio a conocer internacionalmente en la década de los noventa con una serie de autorretratos donde su cuerpo se presentaba parcialmente oculto por un velo, al tiempo que las partes visibles del mismo aparecían recubiertas con textos procedentes de poemas en árabe escritos por mujeres. Tooba (2002), un film presentado por vez primera en Documenta 11, continúa la serie de instalaciones iniciadas con piezas que como Turbulent, de 1998, constituyen un discurso alegórico sobre cuestiones antagónicas: entre hombre y mujer, occidente y oriente-medio, tradición y modernidad, presentadas sobre pantallas de proyección, asimismo –físicamente– enfrentadas, que obligan al espectador a realizar una operación de elección permanente entre puntos de vista contrarios sobre una misma situación. Tooba se construye sobre este mismo principio de “selección”; mostrando por una parte un jardín en el centro del cual un árbol centenario protege bajo sus ramas a una anciana con los ojos cerrados, extraña a los ruidos del mundo; y frente a ella, un grupo de hombres-religiosos que se preparan para un viaje cuyo destino final resulta ser este mismo jardín –alegoría universal de la tierra prometida de las culturas musulmanas y judeocristianas–. Al final de un largo periplo, el grupo de hombres penetra en el jardín, la escena es abordada simultáneamente desde dos puntos de vista opuestos: la expectativa y la diligencia de los recién llegados, y la invasión que perturba la tranquilidad de este jardín edénico. La última escena deja al espectador a la expectativa y se abstiene de formular ningún juicio sobre una posible reconciliación final.

Shirin Neshat is a US-based Iranian artist who garnered international recognition in the 1990s thanks to a number of self-portraits of her body partially covered by a veil and of her visible limbs covered by texts written in Arabic by women. Tooba (2002), a film debuted in Documenta 11, continues the series of installations that began with pieces like Turbulent, from 1998, which represent a true allegoric discourse on conflicting issues of man-woman, West-Middle East, traditionmodernity, presented on mutually and physically confronted projection screens, forcing the spectators to engage in a permanent operation of choice between opposing perspectives on the same situation. Tooba is built on this same principle of “selection”, showing, on one hand, a garden with a hundred year old tree under whose branches an old woman sits with her eyes closed, oblivious to the noise of the outside world. Opposite her, a group of religious men are getting ready for a journey whose final destination is this very same garden, in turn a universal allegory of the promised land in Muslim and Jewish-Christian cultures. At the end of a long journey, the group of men enters the garden. The scene is simultaneously addressed from two conflicting viewpoints: the expectation and diligence of the newly arrived, and the invasion that disrupts the peace of this Eden-like garden. The final scene leaves the spectator expectant, and refrains from formulating any type of judgement on a possible final reconciliation.

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Tooba, 2002 Vídeo de dos canales Instalación audio / Two-channel video Audio installation Duración / Duration 12’ 35’’ © Shirin Neshat Cortesía / Courtesy: Gladstone Gallery, Nueva York

Tooba, 2002 Vistas de la instalación / Installation views


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OTOBONG NKANGA KANO, NIGERIA, 1974. VIVE EN / LIVES IN ÁMSTERDAM, HOLANDA / THE NETHERLANDS

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Otobong Nkanga lleva a cabo sus estudios en centros tan prestigiosos como el de la Rijksakademie de Ámsterdam; o l´École Nationale Supérieure des Beaux-Arts, en París. Su trabajo ha sido expuesto recientemente en muestras como las de Snap Judgments: New Positions in Contemporary African Photography (ICP International Center of Photography, Nueva York), o en el Miami Art Center.

Casa de los Coroneles La Oliva - Fuerteventura

Otobong Nkanga has studied at prestigious educational institutions such as Rijksakademie in Amsterdam and École Nationale Supérieure des Beaux-Arts in Paris. Her work has recently been seen in shows at the Miami Art Center and Snap Judgments: New Positions in Contemporary African Photography (ICP International Center of Photography, New York).

La artista nigeriana Otobong Nkanga utiliza la fotografía, la performance, la instalación y el dibujo para cuestionar la manera en que construimos nuestra identidad. En la Casa de los Coroneles en La Oliva, Fuerteventura, Nkanga presenta una performance, un díptico y un tríptico fotográficos que reflexionan sobre el paisaje y la memoria a partir de las observaciones y experiencias vividas en la isla. Nkanga orquesta una intervención en dos partes en las que se adentra en el origen geológico del Archipiélago remontándose, por un lado, al paisaje volcánico original y, por otro, a su constante transformación. Su performance tuvo lugar en la azotea de esta casa señorial del siglo XVII. Vestida con una bata blanca y sentada en una silla de madera que se elevaba ante el paisaje de la isla, Nkanga tomó instantáneas de tres motivos diferentes (una palmera solitaria, una montaña y una construcción en ruinas) que imprimía inmediatamente, firmaba y repartía entre los asistentes. La artista documentaba así el paso del tiempo y su incidencia en el paisaje. Esta faceta de artista como observador se complementa con la de artista viajero, abierto siempre a las experiencias que vive en su periplo. Nkanga utiliza la transformación del paisaje como una metáfora de la experiencia personal, dándose a la tarea de “descubrir” espacios devastados, espacios en construcción, vestigios, ruinas, espacios estancos, espacios vírgenes y finalmente espacios familiares que en su conjunto conforman una visión personal y circunstancial de la relación entre paisaje y memoria.

The Nigerian artist Otobong Nkanga uses photography, performance, installation and drawing to question the way in which we construct our identity. At Casa de los Coroneles in La Oliva, Fuerteventura, Nkanga presents a performance and three photographic diptychs reflecting on the landscape and memory based on her observations and experiences on the island. Nkanga orchestrates an intervention in two parts exploring the geological origins of the islands, returning, on one hand, to the original volcanic landscape, and, on the other, its constant transformation. Her performance took place on the roof of this mansion house from the 17th century. Dressed in a white coat and seated on a wooden chair raised above the landscape of the island, Nkanga took snapshots of three different motifs (a lone palm tree, a mountain and a building in ruins) which she immediately printed, signed and handed out to the audience. In this way, the artist documented the passing of time and its influence on the landscape. This facet of the artist as observer is complemented by her role as a travelling artist open to the experiences she comes across along the way. Nkanga uses the transformation of the landscape as a metaphor of the personal experience, exploring the task of “discovering” devastated spaces, spaces in constructions, remains, ruins, stagnated spaces, virgin spaces and ultimately familiar spaces that, taken together, comprise a personal and circumstantial vision of the relationship between landscape and memory. Andrés Isaac Santana

Andrés Isaac Santana Alterscape Uproot, 2006 Tríptico fotográfico / Photographic triptych Impresión cromogénica / C-prints 120 x 120 cm c.u. / each Alterscape Spillingwaste, 2006 Díptico fotográfico / Photographic diptych Impresión cromogénica / C-prints 120 x 120 cm c.u. / each

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Arrested moment before the State of Amnesia crops in, 2006 Performance site-specific celebrada en la Casa de los Coroneles (La Oliva, Fuerteventura) el 25 de noviembre de 2006 / Site-specific performance held at La Casa de los Coroneles (La Oliva, Fuerteventura) on November 25th 2006 Producción de / Produced by 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias

Arrested moment before the State of Amnesia crops in, 2006 Vista de la perfomance / Performance view © Foto: Miguel A. Quintas

Alterscape Uproot, 2006


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NOXER

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NUEVA YORK, EE.UU. / NEW YORK, USA, 1980. VIVE EN / LIVES IN NUEVA YORK / NEW YORK

Los dibujos y composiciones de NOXER pueden ser ahora contemplados en una guagua de Santa Cruz de Tenerife, en lo que es una singular traducción de mensajes “extraños”, y de elementos que se integran en el paisaje canario. ©Cortesía: Martinez Gallery

The drawings and compositions by NOXER are now on display on a bus or guagua in Santa Cruz de Tenerife, in what amounts to a unique translation of “strange” messages and elements incorporated into the landscape of the Canaries.

Guagua Santa Cruz de Tenerife

NOXER es un escritor de graffiti que nace en un área marginal del barrio de Brooklyn en los años ochenta. A pesar de su juventud, y tras una intensa actividad llevada a cabo como miembro del colectivo de graffiteros conocido con la siglas DOD, este artista se hace rápidamente un lugar entre los nombres del “hall of fame” del graffiti internacional. Un estilo directo construido a partir de mensajes contundentes y referencias a los medios de masas y la cultura popular –series de televisión, películas, publicidad o personajes como los Simpson o los Pitufos–; una actitud muy alejada de cualquier convención de lo “políticamente correcto”; así como estética muy personal, que roza lo guerrillero, casi militarizado, hacen que los murales y composiciones de NOXER sean fácilmente reconocibles en un paisaje urbano saturado de mensajes encontrados. Dibujos de rápida ejecución, inmediatos, y que recubren los lugares más degradados de la ciudad de Nueva York, siendo las huellas visibles que dan forma a la identidad de este gran núcleo urbano. Los dibujos y composiciones de NOXER pueden ser ahora contemplados en las guaguas de Santa Cruz de Tenerife, en lo que es una singular traducción de mensajes “extraños”, y de elementos que se integran en el paisaje canario.

NOXER is a graffiti writer born in a deprived hood in Brooklyn in the 1980s. Notwithstanding his youth, after intense activity as a member of the graffiti group known as DOD, this artist would soon find a place for himself in the “hall of fame” of international graffiti with a straightforward style built with forceful messages and references to the media and popular culture (TV series, films, advertising or characters like the Simpsons or the Smurfs) and an attitude totally removed from the conventions of “political correctedness”. NOXER’s highly personal aesthetics bordering on the military and guerrilla, make his murals and compositions easily recognisable within an urban landscape saturated with found messages. Quickly, immediately executed drawings covering the most severely decaying areas of New York City are the visible traces and identity of this vast urban nucleus. The drawings and compositions by NOXER are now on display on the buses or guaguas in Santa Cruz de Tenerife, in what amounts to a unique translation of “strange” messages and elements incorporated into the landscape of the Canaries.

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Intervención en una guagua municipal / Intervention in an urban bus Producción de / Produced by 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias

© Fotos: Juan Martínez


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OPEN CIRCLE COLECTIVO ARTÍSTICO CREADO EN / ART GROUP BASED IN MUMBAI / MUMBAY, INDIA

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El colectivo Open Circle nació en Mumbai en 1999 como plataforma artística para el diálogo y el intercambio intercultural, y desde entonces desarrolla, de forma estable, proyectos culturales que son respuestas a su contexto político más inmediato. Open Circle is an art group set up in Mumbay in 1999 as an artistic platform for intercultural dialogue and exchange. Since then, it has been developing regular cultural projects coming up with responses to its most immediate political context.

Casa Vegueta Las Palmas de Gran Canaria

En sus proyectos recientes, y siguiendo una línea muy significada de trabajo que aúna práctica artística y experiencia política, Open Circle ahonda en cuestiones como las de “la lucha contra el fundamentalismo y el desgaste de valores laicos en la India”, o la necesaria pluralidad cultural frente a la progresiva y frenética homogenización del conocimiento que opera en el paisaje global. En este sentido, las importantes contribuciones recientes del colectivo han sido materializadas en proyectos diversos como los de la programación de intercambios constantes con artistas y pensadores de otros países, la organización continua de talleres, seminarios y debates, o la realización de acciones concretas como la subasta en favor de las víctimas del Tsunami. En la Bienal de Canarias, el colectivo lleva a cabo el proyecto específico titulado Kathajaal: A Web of Stories, una obra que reflexiona acerca de la diáspora emprendida por sectores amplios de la población india desde los tiempos de las colonias, y que es un intento por compilar “todas las historias” posibles; los relatos individuales narrados en primera persona de los emigrantes, la descripción de sus diferentes trayectos, el modo de integración en un contexto que les percibe como extraños, o los lazos que todavía mantienen con sus territorios de origen. Un archivo audiovisual que toma forma a través de los testimonios orales de sus protagonistas, en entrevistas a comunidades concretas, y en especial en las realizadas a los Sindhis y Gujarathis residentes en Las Palmas de Gran Canaria. ¿Qué es aquello que todavía recuerdan y cómo lo hacen?, ¿cuáles son las imágenes que persisten en su memoria?… Narraciones que serán documentadas y a las que les acompañarán distintas “pruebas sentimentales”; fotografías, películas, libros, revistas u otros objetos. Asimismo, se mantendrá abierta una vía de comunicación –mediante correo electrónico– para favorecer el diálogo entre comunidades diversas.

In the group’s most recent projects, and in consonance with a line of work combining art practice and political experience, Open Circle explores issues including the “fight against fundamentalism and the erosion of secular values in India,” or the need for a cultural pluralism vis-à-vis the frantically growing standardisation of knowledge in the global scene. In this sense, the group has recently made significant contributions in various projects including the programming of permanent exchange projects with various artists and thinkers from other countries including the regular organisation of workshops, seminars and debates, or the implementation of specific actions like the auction in favour of the victims of the tsunami. At the Biennial of the Canaries, the group is presenting a site-specific project titled Kathajaal: A Web of Stories, a work examining the diaspora undertaken by large sectors of the Indian population since colonial times, and attempts to compile all the possible stories. Individual narrations told in first person by the emigrants themselves; the description of their diverse trajectories; their integration into contexts in which they are perceived as aliens; or the bonds they still maintain with their country of origin. An audiovisual archive given shape by the oral testimonies recorded in interviews made with specific groups, and very in particular with the Sindhi and Gujarathi communities living in Las Palmas de Gran Canaria. What memories do they treasure? And how do they do it? These narrations are documented and accompanied by various “sentimental clues,” like photographs, films, books, magazines or other objects. A path of communication via email will be kept open to foster dialogue between the various communities.

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Kathajaal: A Web of Stories, 2006 Instalación site-specific / Site-specific installation Producción de / Produced by 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias

Kathajaal: A Web of Stories, 2006 © Fotos: Miguel A. Quintas


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GERMÁN PÁEZ LANZAROTE, ESPAÑA / SPAIN, 1967. VIVE EN / LIVES IN LAS PALMAS DE GRAN CANARIA

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Mediante la subversión de aspectos más simples, y el uso del humor y la ironía, Germán Páez desencadena con sus intervenciones toda una serie de situaciones jamás imaginadas. Estrategias de desasosiego que son llevadas al límite con los mínimos recursos y altas dosis de radicalidad y de ingenio. Through the subversion of simple aspects, and the use of humour and irony, in his interventions, Germán Páez triggers a whole series of never imagined situations. Strategies of disturbing and unsettling taken to the limit with an extreme economy of means and high input of radicalism and ingenuity. Espacio Guía Santa María de Guía - Gran Canaria

Desde mediados de los años 90 el artista canario Germán Páez comienza a interesarse por los procesos de intervención directa y acción sobre el paisaje, realizando, entre otros proyectos, una muestra titulada Land art en Canarias, donde se exhibieron distintos documentos y fotografías relacionadas con construcciones agrícolas abandonadas de las que el artista se apropiaba. En este sentido, la intervención propuesta por Páez en el contexto de la Bienal, consiste en la “rehabilitación” irónica de un territorio tan degradado como el de la costa de Arucas. Mediante dos dibujos trazados con cal blanca sobre la tierra oscura del enclave, y en el que el artista perfila el esquema de construcciones en planta, se generan dos siluetas que recuerdan de inmediato a los planos de posibles casas. Líneas ortogonales, reforzada con postes metálicos en sus esquinas, que sugieren el comienzo de una urbanización futura. Esta intervención-simulacro se completa con la colocación en lugar muy visible, cercano a la carretera general del norte, una pancarta publicitando el asentamiento fantasma, y la que se incluye un teléfono de contacto. Las reacciones de los posibles compradores, así como la sorpresa ante un asentamiento que tapa un “vertedero”, y puede convertirse en barrera frente al mar, son registradas en un contestador automático como “prueba” y documento de la acción llevada a cabo.

In the mid 1990s, the Canary artist Germán Páez began to develop an interest for the processes of direct intervention and action in the landscape. Among other projects, he produced a show titled Land art en Canarias, featuring documents and photographs related with abandoned farms appropriated by the artist. Within this line of work, the intervention proposed by Páez for the Biennial consists of an ironic “rehabilitation” of the degraded landscape on the coast of Arucas. Through two drawings made with white lime on the dark soil of the place, the artist makes a sketchy representation of the floor plans for two constructions, generating two silhouettes immediately reminiscent of the plans for possible houses. Octagonal lines, reinforced with metal poles in the corners, suggest the beginning of a future development. This intervention-simulacrum is completed with the placement, in a highly visible spot near the North road, of a banner advertising the ghost development that even includes a contact number. The reactions of prospective buyers, as well as their surprise on viewing a development that conceals a dumping site, and that could become a barrier in front of the sea, are recorded on an answering machine functioning as documentary “proof” of the action.

Remarcando un vertedero ilegal del municipio de Arucas: desde este hasta la localidad más cercana, 2006 Acción fotográfica / Photographic action 6 fotografías / 6 photographs 130 x 76 cm c.u. / each Remarcando un vertedero ilegal: Costa de Arucas, 2006 Acción fotográfica / Photographic action 5 fotografías / 5 photographs 130 x 76 cm c.u. / each Fujitrans

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Remarcando distintos vertederos ilegales del norte de Gran Canaria, 2006 Vídeo monocanal / Single-channel video Duración / Duration 10’ Producción de / Produced by 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias

Construcción de la gran muralla, 2006 Dibujando líneas de cal en un terreno costero


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MARIA PAPADIMITRIOU ATENAS, GRECIA / ATHENS, GREECE, 1957. VIVE ENTRE / LIVES BETWEEN VOLOS Y / AND ATENAS / ATHENS

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Maria Papadimitriou es profesora del departamento de Arquitectura de la Universidad de Tesalia, y está considerada como una de las artistas contemporáneas más reconocidas internacionalmente de su país. Ha realizado exposiciones individuales en la Fondazione Olivetti, Roma; el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; la Bienal de São Paulo (2002); Manifesta 04; o la Bienal de Venecia. En 2005 recibió el Premio Deste.

Castillo de San Gabriel Arrecife - Lanzarote

Maria Papadimitriou teaches at the Department of Architecture, University of Thessaly. She is one of Greece’s most internationally acclaimed artists. Her work has been featured in solo exhibitions in Fondazione Olivetti, Rome; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; Sao Paulo Biennial (2002); Manifesta 04; and the Venice Biennale. In 2005 she recieved the Deste Prize.

The Plug Inn Hotel, 2006 Instalación site-specific / Site-specific installation

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Agradecimientos / Acknowledgements: Tejuren, Christos Kakalis, Natassa Llanoy, Ermes Chalvatzis Producción de / Produced by 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias

The Plug Inn Hotel es el proyecto de intervención ideado por la artista griega Maria Papadimitriou, y que continúa muchos de los intereses presentes en trabajos anteriores de la creadora. Una artista que se dio a conocer en el panorama internacional con propuestas como las de TAMA –el Museo Autónomo Temporal para Todos, www.tama.gr–, que consistía en la acción directa en una zona suburbial muy deteriorada del cinturón de Atenas, y en la que se construyeron estructuras arquitectónicas que eran ocupadas –y “completadas” formalmente– por los inmigrantes de origen rumano que llegaban al asentamiento. Una pieza que favorecía la integración del recién llegado, facilitando a los habitantes del enclave su contacto con estéticas y formas de vida que, sin duda, estaban muy alejadas de las propias. Una “integración” que no neutralizaba al extraño, y fomentando la pervivencia de esas señas de identidad –estéticas– Otras. The Plug Inn Hotel, forma parte de la peculiar “cadena hotelera” que Papadimitriou construye en los distintos lugares a los que es invitada; recintos básicos que la artista invita a “ocupar” a quien los visita. En Canarias, el Hotel se localiza en una forma arquitectónica preexistente –el Castillo de San Gabriel en Arrecife–, un laberinto de habitaciones irregulares que la artista transforma en un sinfín de ambientes con mobiliario construido para la ocasión, juegos de luces y sombras, proyecciones, instalación de sonido. El mobiliario de cada una de las salas (recepción, de lectura, de sueños, dormitorios) ha sido diseñado y construido personalmente por la artista a partir de cayucos encontrados en la Isla. El resto de los materiales y objetos utilizados fueron recolectados durante su estancia en Lanzarote. Espacios de reflexión, encuentros, conciencia e intercambio en torno a uno de los grandes dramas de nuestro recién comenzado siglo, la inmigración. Entre los asentamientos previos proyectados por Papadimitriou se encuentran; The Hotel Grande en Larissa, (Grecia, 2005); The Hotel Isola en Milán (Italia, 2006); o The First Andros International Hotel en la isla de Andros (Grecia, 2006).

The Plug Inn Hotel, 2006 Vistas de la instalación / Installation views © Fotos: Miguel A. Quintas

The Plug Inn Hotel is an intervention conceived by the Greek artist Maria Papadimitriou, picking up the threads of the issues addressed in many of her previous works. The artist came to light internationally as a result of projects like TAMA (Temporary Autonomous Museum for All, www.tama.gr), consisting of a direct action in a derelict area on the outskirts of Athens, for which architectural structures were built to be occupied and formally, ornamentally “completed” by the Romanian immigrants arriving to the settlement. The work fosters the integration of the newly arrived, and puts inhabitants of the area in contact with aesthetics and lifestyles unquestionably removed from their own. The “integration” did not attempt to neutralise the other, but promoted the survival of those Other (aesthetic) signs of identity. The Plug Inn Hotel is part of the singular “hotel chain” that Papadimitriou is slowly putting in place in the various places where she is invited to work; basic lodgings which the artist invites visitors to “occupy” or squat. In the piece presented in the Canaries, the hotel is located in a pre-existing building, the castle of San Gabriel in Arrecife, a labyrinth of irregular rooms that the artist has transformed into an endless medley of ambiences with furniture built for the occasion, plays of lights and shadows, projections, and sound installations. The furnishings of each one of the rooms (reception room, reading room, dream room, bedrooms) have been designed and built personally by the artist using the cayucos (boats used by immigrants) found on the island. The rest of the materials and objects were collected during her stay in Lanzarote. These are spaces for reflection, encounters, consciousness and exchange around one of the biggest issues of our recently inaugurated century: immigration. Some of Papadimitriou’s previous settlements include The Hotel Grande in Larissa, (Greece, 2005); The Hotel Isola in Milan, (Italy, 2006); and The First Andros International Hotel in the island of Andros (Greece, 2006).


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CECILIA PAREDES LIMA, PERÚ, 1950. VIVE EN / LIVES IN FILADELFIA, EE.UU. / PHILADELPHIA, USA

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Cecilia Paredes ha realizado estudios de Artes Plásticas en la Universidad Católica de Lima y en el Cambridge Arts and Crafts School de Inglaterra. Sus obras han sido expuestas, entre otros lugares, en ciudades como San José, Madrid, Salamanca, La Habana o Filadelfia. Cecilia Paredes studied fine arts at Universidad Católica in Lima and at the Cambridge Arts and Crafts School in England. Her work has been exhibited in San José, Madrid, Salamanca, Havana and Philadelphia.

Antiguo Poblado de Guinea Valle del Golfo - El Hierro

En esta obra, Cecilia Paredes reinterpreta la leyenda del Garoé de los Bimbaches. En su adaptación, el árbol sintético simboliza la naturaleza de nuestro planeta y el agua que produce simboliza el sustento que nos brinda la naturaleza. El agua producida cae de las ramas como lágrimas, advirtiendo que si no cuidamos la naturaleza podemos perderla para siempre. La paradoja representada en esta obra, es decir, que la naturaleza produce el sustento de la fuerza que la maltrata, se aprecia en las lágrimas que derrama el árbol. El llanto del árbol apunta hacia nuestro descuido, pero es al mismo tiempo la fuente de nuestro alimento. Así como Agarfa, está en nuestras manos preservar este sustento. En nuestro caso, hacerlo es esencial no sólo para la supervivencia de los humanos, sino también para el planeta. Recorrer la obra de Cecilia Paredes es acceder al registro de una visión del Edén, una visión que revive bríos creativos, cuando todo lo racional y objetivo resulta una carga cotidiana. La estética de Cecilia Paredes hace eco a memorias de un pasado tan personal como genérico, e invita a dibujar un imaginario propio para grabarlo en nuestro sentido de la nostalgia. Su concepto de la realidad es tan primal que fusiona las fronteras entre las formas de existir: la vida, sea animal o vegetal, es una energía que merece apreciarse y preservarse.

In this work, Cecilia Paredes reinterprets the legend of the Garoé de los Bimbaches. In her adaptation, the synthetic tree symbolises the nature of our planet while the water it produces symbolises the sustenance that nature provides. The water produced falls from the branches like teardrops, warning us that if we do not take care of nature we could lose it forever. The paradox represented in this work, in other words, that nature produces the sustenance for the force that abuses it, can be appreciated in the tears spilling from the tree. The crying of the tree underscores our carelessness, but at once it is the source of our nourishment. Like Agarfa, it is in our hands to preserve this sustenance. In our case, to do so is essential not only for the survival of mankind, but also for the whole planet. An overview of Cecilia Paredes’ work is like a register of a vision of Eden, a vision that produces a creative spirit, where the rational and objective ends up as an everyday load. Paredes’ aesthetic harks back to memories of a past that is as personal as it is collective, and it invites us to outline our own imaginary and record it in our sense of nostalgia. This concept of reality is so primal that it blurs the boundaries between forms of existing: life, whether animal or vegetable, is an energy that deserves to be appreciated and preserved.

Simón Flores

Simón Flores

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El rocío de cada mañana, 2006 Instalación site-specific / Site-specific installation Ramas de sauce tejidas, azahares del desierto, espejo y fuente de agua, bomba de agua, aspersores, piedras / Woven willow branches, desert blossoms, mirror and water fountain, water pump, sprinklers, stones 170 x 350 cm aprox. Producción de / Produced by 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias

El rocío de cada mañana, 2006 Vistas de la instalación / Installation views © Fotos: Miguel A. Quintas


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ESTER PARTEGÁS BARCELONA, ESPAÑA / SPAIN, 1972. VIVE EN / LIVES IN NUEVA YORK, EE.UU. / NEW YORK, USA

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Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona y por la HDK de Berlín, Ester Partegás ha tomado parte en proyectos como 16 Proyectos de Arte Español (ARCO/Galería Helga de Alvear, Madrid); Less World (Uplands Gallery, Melbourne); We the People (Christopher Grimes Gallery, Santa Monica); Saturated Fat (Foxy Production, Nueva York); o la Bienal de Busan (Corea del Sur).

Centro de Arte La Regenta Las Palmas de Gran Canaria

After graduating in Fine Arts from the University of Barcelona and HDK, Berlin, Ester Partegás has intervened in projects included 16 Proyectos de Arte Español (ARCO/Galería Helga de Alvear, Madrid); Less World (Uplands Gallery, Melbourne); We the People (Christopher Grimes Gallery, Santa Monica); Saturated Fat (Foxy Production, New York); and the Busan Biennial (South Korea).

Ester Partegás exhibe, en esta primera edición de la Bienal de Canarias, la obra titulada Barbarie; un trabajo específico realizado para la muestra que consiste en un mural de grandes dimensiones colocado sobre un muro del espacio expositivo del Centro de Arte La Regenta. Un vinilo donde distintas letras con apariencia metálica, que cuelgan de una estructura formada por cadenas, forman la palabra “barbarie”. Como en trabajos previos de la artista, donde es frecuente el uso de diversos soportes –el dibujo, la instalación, el vídeo, la escultura o la pintura-, Partegás confronta territorios dispares de la cultura contemporánea; “reciclando” de manera continua muchos de esos “lugares comunes” del imaginario colectivo. Referencias al exceso y al lujo, y sus consecuencias directas en forma de “desperdicios” –aquello que es desechado por la saturación de información desmedida producto de la sociedad de consumo. A través de un archivo minucioso de objetos genéricos –desde bolsas de tiendas, frases en post-it y neones, hasta árboles y plantas artificiales, pasando por set-prefabricados o listas de calorías, recibos y cuentas–, la artista revisa ese territorio rechazado, realizando pequeñas modificaciones que consisten en cambios de material o escala, y que provocan, de inmediato, la reconsideración de su función y, por extensión, de su estatus. Frente a una “civilización sobrevalorada”, la oposición de una barbarie, asimismo, cuidadosamente pre-fabricada.

For this first Biennial of the Canaries, Ester Partegás is exhibiting a piece titled Barbarie, a large site-specific mural piece on a wall at the La Regenta Art Centre. It consists of a vinyl from which various metal letters are suspended on chains to form the word barbarie [barbarism]. Like in earlier works for which she used various types of media, including drawing, installation, video, sculpture and painting, Partegás confronts disparate territories of contemporary culture, engaging in a continuous “recycling” process of many of the commonplaces of the collective imagery. References to excess and luxury and their direct consequence in the form of “waste”, all that is discarded by the disproportionate flow of information brought about by consumerist society. Through a systematic archive of generic objects ranging from shopping bags, to sentences written down on post-its and neon lights; from artificial plants and trees, to prefab sets or list of calories, receipts or accounts, the artist revises this rejected territory, making minor alterations consisting of replacing materials or tweaking the scale, immediately provoking a rethinking of their function and, by extension, of their status. Partegás opposes “overrated civilization” with an equally meticulously prefabricated barbarism.

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Barbarie, 2006 Mural. Vinilo sobre pared / Mural. Vinyl on wall 8 x 5,70 m Producción de / Produced by 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias

Barbarie, 2006 Vista de la instalación / Installation view © Foto: Miguel A. Quintas


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KEY PORTILLA KAWAMURA

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OVIEDO, ESPAÑA / SPAIN, 1979. VIVE EN / LIVES IN BASILEA, SUIZA / BASEL, SWITZERLAND

Colegio Oficial de Arquitectos de Canarias. COAC Las Palmas de Gran Canaria

Key Portilla Kawamura estudia arquitectura en la University of East London y la Architectural Association de Londres. Ha participado en seminarios, conferencias, exposiciones y talleres en diversas instituciones de España (Universidad de Oviedo, UIMP A Coruña, Universidad Rey Juan Carlos, Foro de Expertos de Arte Contemporáneo en ARCO, o MUSAC), Italia (Fondazione Pistolletto Biella), Suiza (Shedhalle), Alemania (Universität Kassel), Eslovenia (AA in Slovenia) y Gran Bretaña (University of East London, Barttlett School of Architecture, y Architectural Association). Asimismo Portilla ha trabajado en países como Japón, Gran Bretaña o Suiza, y en la actualidad colabora en el estudio Herzog & deMeuron de Basilea, Suiza.

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Key Portilla Kawamura trained as an architect at the University of East London and the Architectural Association, London. He has taken part in seminars, lectures, exhibitions and workshops in various institutions in Spain (University of Oviedo, UIMP A Coruña, Universidad Rey Juan Carlos, ARCO International Contemporary Art Experts Forum, MUSAC), Italy (Fondazione Pistolletto Biella), Switzerland (Shedhalle), Germany (Universität Kassel), Slovenia (AA in Slovenia) and Great Britain (University of East London, Bartlett School of Architecture, and Architectural Association). Portilla has also worked in countries such as Japan, Great Britain and Switzerland. He is currently collaborating with the studio Herzog & deMeuron in Basel, Switzerland.

Quito - Un simulacro retroactivo, 2006 Acción-Conferencia / Action-Conference

Los proyectos de Key Portilla Kawamura están inscritos en una suerte de “disolución” del binomio tradicional existente entre arte y arquitectura; algo que se traduce en propuestas e intervenciones de difícil clasificación, llevadas a cabo, principalmente en el paisaje urbano. En este sentido, su trabajo se caracteriza por su naturaleza interdisciplinar, y la puesta en marcha y reactivación de espacios de resistencia que le permiten superar las limitaciones propias del arte y la arquitectura. “Ética y estética” que, en ocasiones, se confunden intencionadamente, y que alternan su papel protagonista como caras de una misma moneda. La obra de Key Portilla Kawamura habilita nuevos espacios de diálogo e intercambio –discursivo y formal–, siempre “saturados” de referencias constantes a territorios diversos como los de la arquitectura, el paisajismo, la crítica de arte o el teatro. Key Portilla Kawamura “formaliza” su participación en esta primera edición de la Bienal de Canarias mediante una acciónconferencia que será impartida en el Colegio Oficial de Arquitectos de Las Palmas. Analiza un proyecto realizado hace unos años por Portilla en Londres, y que consistía en el “simulacro” de una experiencia volcánica y de sus consecuencias inmediatas sobre la ciudad de Quito. El paisaje de Las Palmas de Gran Canaria –asimismo de naturaleza volcánica– se convierte ahora en “receptáculo” de las conclusiones de este singular ensayo.

Key Portilla Kawamura’s projects ought to be inscribed in a kind of “dissolution” of the traditional binomial existing between art and architecture, something he translates into proposals and interventions which are difficult to classify, carried out mainly in the urban environment. In this regard, his work might well be defined by its interdisciplinary nature, and by the emplacement and reactivation of spaces of resistance, allowing him to overcome the limitations of art and architecture. “Ethics and aesthetics” are sometimes deliberately confused and their roles’ alternates like the two sides of the one coin. The work of Key Portilla Kawamura creates new spaces for discursive and formal dialogue and exchange, always “saturated” with constant references to territories as distinct as those of architecture and landscape design, art criticism or theatre. Key Portilla Kawamura “formalises” his participation in this first Biennial of the Canaries with this action–conference to be given at the College of Architects of Las Palmas. In it, he will analyse a project carried out some years ago in London, consisting of the “simulacrum” of a volcanic experience and its immediate effects on the city of Quito. The equally volcanic landscape of Las Palmas de Gran Canaria is now turned into a “receptacle” for the conclusion of this singular experiment.


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PSJM

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PABLO SAN JOSÉ, MIERES, ASTURIAS, ESPAÑA / SPAIN, 1969 CYNTHIA VIERA, LAS PALMAS DE GRAN CANARIA, ESPAÑA / SPAIN, 1973 VIVEN EN / LIVE IN MADRID En 1998 Pablo San José decidió que su firma se convirtiera en marca. Le interesaban los procesos de promoción de las firmas artísticas y su paralelismo con el resto de firmas comerciales y comenzó un trabajo que aún continua, un proyecto que se construye con cada obra realizada. “El artista es la marca, la obra es el producto”. En 2003 Cynthia Viera, licenciada en Dirección de Comercio Internacional y Marketing, se incorpora al proyecto haciendo realidad las intenciones teóricas de trabajar bajo las estructuras propias de la empresa y formalizar legalmente el equipo como una marca comercial. In 1998 Pablo San José decided to turn himself into a brand. His interest in the marketing and promotion of art and the parallels with commercial brands led him to undertake a body of work that he still continues today, a project in process built with every completed work. “The artist is the brand; the work, the product”. In 2003, Cynthia Viera, a graduate in International Trade and Marketing, joined the project and totrun into a practical reality the theoretical intentions to work under the specific structures of a company, and legally formalise the team as a commercial brand.

Grandes marcas, 2006 Edición limitada en soporte textil Camisetas de la Bienal / Limited edition on textile support.T-shirt of the Biennial

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Paisaje urbano, 2006 Intervención en las bolsas de la Bienal / Intervention in the bags of the Biennial Culture Guardians, 2006 Intervención en la vestimenta distintiva de la Bienal / Intervention in the Biennial signature costume

3 Intervenciones en objetos producidos industrialmente La participación del equipo-marca de arte PSJM en la Bienal de Canarias supone un compromiso con la línea de trabajo de este colectivo. PSJM lleva años desarrollando su actividad creativa en la fina línea que separa la institución arte con las manifestaciones vinculadas a la cultura de masas y sus productos, de este modo la invitación para intervenir en los subproductos de la Bienal ofrece al colectivo el terreno idóneo para generar tres proyectos que comunican preocupaciones diferenciadas pero que comparten la intención de llegar al mayor público posible, haciendo realidad el querer democratizador para el arte que este equipo se empeña en perseguir. GRANDES MARCAS Edición limitada en soporte textil. Camisetas de la Bienal En la sociedad actual, caracterizada más por el consumo de signos que por el consumo de mercancías, las marcas comerciales se presentan como portadoras de valores simbólicos que conforman la identidad del individuo. Grandes Marcas reflexiona críticamente sobre la adecuación de este intercambio simbólico al mundo de la cultura, dominado también por los envites comerciales y sus mecanismos de distinción. En el entorno cultural las firmas funcionan como elementos referenciales cargados de valores intelectuales que el experto, el aficionado y todo aquel que actúa en este campo saca a relucir sin reparo para legitimar su posicionamiento cultural. Se cita a Derrida, a Foucault o a Duchamp como quien invoca a Gucci, Nike o Apple. PAISAJE URBANO Intervención en las bolsas de la Bienal Una adaptación de la serie La Calle en Casa, donde se aplica un proceso de descontextualización de ciertos elementos urbanos. Se trata de comercializar el underground, de rediseñar la protesta y ofrecerla como un objeto estético decorativo, simulando el mecanismo que emplea el sistema para asimilar su contracultura y convertirla en un producto más. En esta ocasión se afronta el tema del paisaje como entorno urbano y se producen dos modelos de bolsas que se contraponen. CULTURE GUARDIANS Intervención en la vestimenta distintiva de la Bienal Sumidos en la confusión postmoderna algunos autores como Hal Foster reclaman una autonomía estratégica para la cultura, acosada por los dictados del mercado y las leyes del máximo beneficio. Aunque esta demanda puede incurrir nuevamente en una postura elitista, parece evidente que la cultura necesita protección. Culture Guardians propone un pacífico ejército de las artes, guardianes de las actividades culturales. Estos uniformes están inspirados en la estética Bosozoku, bandas de motoristas niponas, que ahora desligamos de su actitud violenta para adaptarla a la vestimenta distintiva de la Bienal, sembrada de leyendas impresas encriptadas que recogen algunos de los conceptos sobre los que se edifica nuestra herencia cultural más reciente.

3 Interventions in industrially manufactured objects The involvement of the PSJM art brand-team in the Biennial of the Canaries is a commitment with this group’s line of work. For several years now, PSJM has been developing its creative activity on the thin line separating the art institution from manifestations associated with mass culture and its products. In this way, the invitation to intervene in the by-products of the Biennial provided the group with fertile ground to generate three projects rooted in differentiated concerns yet which share a desire to reach the largest possible audience, materialising the democratising will for art that this group promotes. BIG BRANDS Limited edition on textile support.T-shirt of the Biennial In present-day society, more defined by a consumerism of signs than by a consumerism of goods, commercial brands are presented as bearers of the symbolic values defining an individual’s identity. Big Brands critically reflects on the adaptation of this symbolic exchange to the world of culture, also under the control of the same commercial drive and mechanisms of differentiation. In the cultural environment, brands function as referential elements, loaded with intellectual values that experts, enthusiasts and everyone intervening in this field, bring unreservedly to the fore with a view to legitimising their cultural positioning. Derrida, Foucault or Duchamp are quoted in much the same way as, for instance, Gucci, Nike or Apple. URBAN LANDSCAPE Intervention in the bags of the Biennial An adaptation of the series called La Calle en Casa where a process of decontextualising certain urban elements is applied. It is all about commercialising the underground, redesigning the protest and offering it as a decorative object, mimicking the mechanism used by the system to assimilate counterculture and turn it into yet another product. On this occasion, the subject matter is that of the landscape as an urban environment, and two mutually contrasting models of bags have been produced. CULTURE GUARDIANS Intervention in the Biennial signature costume Bogged down in postmodern confusion, some thinkers such as Hal Foster defend a strategic autonomy for a culture that is currently hounded by market dictates and laws of maximum profit. And although this demand may yet again incur in elitism, it seems all too evident that culture is in need of protection. Culture Guardians proposes a peaceful army of the arts, guardians of cultural activities. These uniforms draw their inspiration from the aesthetics of the Bosozoku, the Japanese motorcycle gangs, but now detached from the violence associated with them and adapted to the Biennial’s signature costume, full of printed encoded legends reflecting some of the concepts our most recent cultural heritage is built on.


Culture Guardians, 2006 Intervenci贸n en la vestimenta distintiva de la Bienal / Intervention in the Biennial signature costume

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Paisaje urbano, 2006 Intervenci贸n en las bolsas de la Bienal / Intervention in the bags of the Biennial

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Grandes marcas, 2006 Edici贸n limitada en soporte textil Camisetas de la Bienal / Limited edition on textile support.T-shirt of the Biennial


YOUNÈS RAHMOUN TETUÁN, MARRUECOS / MOROCCO, 1975. VIVE EN / LIVES IN TETUÁN

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Younès Rahmoun ha participado en las bienales de Singapur (2006), BJCEM (2005, Nápoles) y Dakar (2004). Asimismo ha llevado a cabo diversas exposiciones individuales y colectivas entre las que destacan; Markib (Rabat, 2005); Tentoonstelling (Schiedam, 2005); l’Appartement 22, (Rabat, 2003), o la realizada en el Museo de Artes Decorativas de París (1999).

Casa de los Capitanes La Laguna - Tenerife

Younès Rahmoun has taken part at the Singapore (2006), BJCEM (2005, Naples) and Dakar (2004) biennials. His work has also been included in key solo and group shows, like Markib (Rabat, 2005); Tentoonstelling (Schiedam, 2005); l’Appartement 22, (Rabat, 2003), or at the Paris Museum of Decorative Arts (1999).

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Hoyra, 2006 DM hidrófugo pintado, vidrio, fluorescentes y electricidad / Painted wood, glass, fluorescents and electricity Producción de / Produced by 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias

Hoyra –que se traduce como habitación, cámara– es una construcción en madera localizada en la Casa de los Capitanes de La Laguna en Tenerife. Un edificio de pequeñas dimensiones, de proporciones humanas, que hace las funciones de “capilla” improvisada para el espectador que se acerca a la muestra. Un espacio “ideal” de meditación y reposo orientado hacia la meca, y cuyo interior está asimismo cuidadosamente iluminado por una fuente de luz cenital. Un templo portátil, transplantable y precario, que como otras estructuras arquitectónicas planteadas por Younès Rahmoun, reflexiona acerca de lo que supone la experiencia de habitar en el mundo presente, y en la búsqueda y redefinición continua de la noción de identidad. Muy influenciado por un discurso espiritual que deriva de la tradición sufí, el trabajo de este artista –performances, vídeos, dibujos e instalaciones– se alimenta de elementos religiosos de carácter autobiográfico para dar forma a estructuras que, bajo una aparente simplicidad formal, recubren intrincadas estancias y recorridos discursivos complejos.

Hoyra, which could be translated as room or chamber, is a wooden construction on view at Casa de los Capitanes in La Laguna, Tenerife. It is a small building with human proportions, functioning like an improvised “chapel” for visitors to the show. An “ideal” space for meditation, to rest, facing Mecca, and whose interior is carefully lit with a source of light flooding down from the ceiling. A portable, transplantable and precarious temple which, like other architectural structures conceived by Younès Rahmoun, ponders on the experience of inhabiting the modern world, and on the ongoing inquiry into and redefinition of the notion of identity. Highly influenced by a spiritual discourse deriving from the Sufi tradition, the work of this artist –performances, videos, drawings and installations– feeds on autobiographic religious elements in the creation of structures which, under the guise of apparent formal simplicity, contain complex discursive spaces and paths.

Vistas interiores / Interior views © Fotos: Teresa Arozena

Vista exterior / Exterior views © Foto: Teresa Arozena


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JUAN CARLOS ROBLES SEVILLA, ESPAÑA / SEVILLE, SPAIN, 1962. VIVE EN / LIVES IN SEVILLA / SEVILLE

1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

Juan Carlos Robles reside actualmente en Sevilla tras un largo periodo en Berlín. Robles ha participado, entre otras citas de interés, en la II Bienal de Johannesburgo, y en exposiciones individuales y colectivas en ciudades como Gijón, Madrid, Sevilla o Berlín. Juan Carlos Robles currently lives and works in Seville, following a long period of time in Berlin. Robles has taken part in the 2nd Johannesburg Biennial and one-person and group shows in Gijon, Madrid, Seville and Berlin.

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Teatro Chico Santa Cruz de La Palma

Isla Mágica (Early Morning People), 2006 Duración / Duration 8’ 40’’ Alpenflug, 2006 Duración / Duration 2’ 14’’ Strada, 2006 Duración / Duration 2’ 20’’ African Coast (Camille), 2006 Duración / Duration 4’ Dave The Slave, 2006 Duración / Duration 3’ 29’’ 5 vídeo-proyecciones monocanal / 5 single-channel video projections Cortesía / Courtesy: El artista y / the artist and Galería Oliva Arauna, Madrid

Juan Carlos Robles presenta en el Convento de San Francisco de Santa Cruz de La Palma, una selección videográfica donde los títulos de cada cinta surgen de la citación directa de la canciones de Puts Marie, un grupo suizo que es asimismo el responsable de la banda sonora de los vídeos. Los proyectos de este artista, principalmente desarrollados en soportes como los del vídeo, la fotografía o la instalación, son espacios habilitados para el trasvase de información, y la contaminación entre tejidos sociales diversos; entre la alta y baja cultura, entre la esfera de lo privado y lo público… Obras que tienen como protagonistas a paisajes significados que son al tiempo lugares donde se suceden encuentros improvisados, y en los que el artista detiene una mirada curiosa que traza un particular recorrido sobre la ecléctica superficie del presente. Una búsqueda obsesiva de esos no-lugares que configuran casi un archivo arqueológico de la sociedad contemporánea, y que se extiende desde las grandes superficies comerciales asépticamente desencantadas, hasta las huellas que dejan los mercadillos improvisados e idénticos de distintas ciudades, pasando por las estancias de lo doméstico, o los espacios públicos neutralizados de los aeropuertos. Un catálogo de paisajes cercanos que configuran la memoria individual y colectiva más eficaz, en el diagnóstico acertado y desapasionado del presente iniciado por este artista.

At the Convento de San Francisco in Santa Cruz de La Palma, Juan Carlos Robles is presenting a selection of videos whose titles are taken directly from songs by Puts Marie, a Swiss group which also provides the soundtrack for the videos. The projects by this artist, mainly featuring videos, photos and installations, are spaces conceived for the transfer of information and cross-contamination between various different social strata; between high and low culture, between the private and the public. His works usually revolve around landscapes charged with meaning yet which are at once places where improvised encounters take place, and where the artist casts a curious gaze, scanning the eclectic surface of the present. An obsessive search for these non-places that comprise an archaeological archive of contemporary society: and which extend from huge aseptically disillusioned shopping malls to the traces left behind by the same makeshift street markets we see in different cities, not forgetting rooms at home or the neutralised public spaces of airports. A whole catalogue of landscapes close at hand that make up an effective individual and collective memory, and an impartial and telling diagnosis of the present.

Isla Mágica (Early Morning People), 2006 Alpenflug, 2006 Strada, 2006 African Coast (Camille), 2006 Dave The Slave, 2006 Capturas de los vídeos / Video stills


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1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE


JULIAN ROSEFELDT MÚNICH, ALEMANIA / GERMANY, 1965. VIVE EN / LIVES IN BERLÍN

1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

Julian Rosefeldt ha expuesto sus obras en espacios como Arndt & Partner, Berlín; Max Wigram Gallery, Londres; Bonner Kunstverein, Bonn; 4 KW Kunst-Werke, Berlín; el Festival de Avignon, Avignon; el Baltic Centre for Contemporary Art, Newcastle; o el Museum of Art, Tel Aviv. Julian Rosefeldt has exhibited his work in Arndt & Partner, Berlin; Max Wigram Gallery, London; Bonner Kunstverein, Bonn; 4 KW Kunst-Werke, Berlin; the Festival of Avignon; the Baltic Centre for Contemporary Art, Newcastle; and the Museum of Art, Tel Aviv, among other venues.

Casa Vegueta Las Palmas de Gran Canaria

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Lonely Planet, 2006 Vídeo-instalación. Filmado en 16 mm y transferido a DVD / Video installation. Filmed in 16 mm and transferred to DVD Duración / Duration 18’ Cortesía / Courtesy: El artista y / the artist and Max Wigram Gallery, Londres; Arndt & Partner, Berlín / Zúrich Con el apoyo / with the support of Galería Leyendecker, Santa Cruz de Tenerife

Los proyectos de Julian Rosefeldt son grandes despliegues visuales donde el espectador se sumerge en un laberinto de vídeo-proyecciones; rodeado de escenas oníricas, cuidadosamente escenificadas y coreografiadas en escenarios extravagantes y profusamente ornamentados. En la producción de Lonely Planet, Julian Rosefeldt emprende un viaje a la India que se inicia a partir de la serie de imágenes más repetidas sobre el país, aquellas construidas desde el cliché y los estereotipos sobre el territorio, y a las que el artista contrapone, de modo efectivo, una realidad bien distinta que se genera por el recorrido no sólo de esos “lugares comunes”, sino también de aspectos tan poco conocidos como los relacionados con la religión, la medicina, el folklore, o la rutina y lo cotidiano del lugar. Realidad y ficción, tradición y modernidad, documental y teatralización, se enfrentan en un itinerario que actualiza cualquier noción preconcebida sobre el país, y desestabiliza la visión ofrecida por las guías de viaje más conocidas, como la que se sugiere en el título de la obra. Manuales que en demasiadas ocasiones no hacen sino perpetuar una interminable lista de tópicos sobre el territorio “extraño”, y que es convenientemente revisada desde una mirada distinta, la de Rosefeldt, que subraya precisamente las consecuencias derivadas de la no consideración del Otro como individuo singular.

Julian Rosefeldt’s projects consist of the deployment of visual effects allowing spectators to immerse themselves into a maze of video projections, inside oneiric scenes carefully staged and choreographed in outlandish and profusely ornamented settings. In Lonely Planet, Julian Rosefeldt undertakes a trip to India that begins with a number of the most recurrent images of that country, built from clichés and stereotypes, to which the artist effectively opposes a different reality generated from his visit, not only to those “common places,” but also to such little-known aspects as those related with the religion, medicine, folklore or the everyday of each place. Reality and fiction, tradition and modernity, documentary and fiction, are all mutually confronted in an itinerary updating any preconceived notion about the country, destabilising the image provided by the best known travel guides, as suggested by the title of the piece. Manuals that, all too often, perpetuate a never-ending catalogue of clichés about “foreign” places, yet now conveniently revised from a different perspective, Rosefeldt’s, who shifts the focus onto the consequences rooted in the lack of consideration of the Other as a singular individual.

Lonely Planet, 2006 Capturas del vídeo / Video stills


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JOSÉ RUIZ LAS PALMAS DE GRAN CANARIA, ESPAÑA / SPAIN, 1968. VIVE EN / LIVES IN LAS PALMAS DE GRAN CANARIA

1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

José Ruiz se licenció en Bellas Artes en la Universidad de Barcelona, y desde entonces sus trabajos –calificados por el artista como de “neodigital povera”, uno de los muchos términos ideados por José Ruiz– han sido expuestos en muestra individuales y colectivas de carácter internacional en países como Holanda, Suiza, Senegal, España o Portugal. José Ruiz graduated in Fine Arts from the University of Barcelona. Since then, the works which he labels “neodigital povera”, one of the many terms he has coined, have been exhibited in solo and group exhibitions in Holland, Switzerland, Senegal, Spain and Portugal. Castillo de San Felipe Puerto de la Cruz - Tenerife

José Ruiz es un artista canario cuya obra se puede contemplar en el particular enclave del castillo de San Felipe, en el Puerto de la Cruz de Tenerife. Una edificación que ha sido “invadida” por el trabajo del artista, y que consiste en la ocupación del exterior e interior de la fortificación por más de quinientos cocodrilos inflables. Un paisaje poblado por caimanes que surgen de las ventanas y puertas del edificio, configurando un amenazante tapiz verde encendido que recibe al visitante del castillo y que de inmediato se conecta con las imágenes tantas veces repetidas en los medios de la llegada de inmigrantes a las costas canarias. En la misma localización, y en concreto en la planta superior del edificio, el artista ha ideado un chill out específico –un lugar para el descanso y la consulta de distintos libros, textos y catálogos–, que se deslizan desde el techo de la estancia, hacia un posible lector que accede a ellos cómodamente sentado sobre cámaras neumáticas de gran tamaño repartidas por el suelo. Un espacio en origen austero que ha sido drástica –e irónicamente– trasformado en punto de encuentro, pero también de recogimiento, para el espectador que se sumerge en este recorrido complejo ideado por el artista.

José Ruiz is an artist from the Canaries. His installation is on view in the unique setting of the castle of San Felipe in Puerto de la Cruz, Tenerife. The building is “invaded” by the work of the artist, consisting of occupying the inside and outside of the fortress with over five hundred inflatable crocodiles. A landscape populated by reptiles emerging from the windows and doors, configures a bright green tapestry welcoming visitors, and bearing an immediate association with images so often seen in the media, of the arrival of immigrants to the shores of the Canaries. In this very same location, more specifically on upper floor of the building, the artist has conceived a site-specific chill-out space for rest and relaxation and for reading books, texts and catalogues that slide down from the ceiling to meet prospective readers who has easy access to them while comfortably sitting on large pneumatic recliners scattered on the floor. This originally austere space is drastically and ironically transformed into a meeting place for visitors, but also a place for withdrawal along the complex passage created by the artist.

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Migración, 2006 Intervención site-specific / Site-specific intervention Producción de / Produced by 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias

Migración, 2006 Vista interior / Interior view Vista exterior / Exterior view © Fotos: Teresa Arozena


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RUTH SACKS PORT ELIZABETH, SUDÁFRICA / SOUTH AFRICA, 1977. VIVE EN / LIVES IN CIUDAD DEL CABO / CAPE TOWN

1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Ciudad del Cabo (UCT), en la actualidad Ruth Sacks forma parte del Departamento de Discurso Artístico de ese mismo centro; una actividad que compagina con su ocupación como crítica de arte en varios medios nacionales. Ruth Sacks ha expuesto sus obras en varias muestras colectivas de carácter internacional, así como en las individuales; Works in Wax & Plastic (2003) y When the Inside Stays Incide (2005), en la galería João Ferreira Fine Art, de Ciudad del Cabo.

Sala de Arte Los Lavaderos Santa Cruz de Tenerife

Graduated in Fine Arts from the University of Cape Town (UCT), Ruth Sacks is currently a member of its Discourse of Art Department, an activity she combines with her contributions as an art critic in several South African media. Ruth Sacks has exhibited her work in a number of international group shows, as well as in the solo exhibitions Works in Wax & Plastic (2003) and When the Inside Stays Inside (2005), at João Ferreira Fine Art, Cape Town.

Iluminación artificial (Artificial Moonlight): (Departamento de Defensa norteamericano, OTAN) Iluminación artificial del campo de batalla, sea visible o invisible al ojo humano. Véase Iluminación indirecta. (Glosario de Términos, Expresiones, Abreviaturas y Jerga militar) Desde sus orígenes como lavadero público hasta su actual función como sala de arte, el edificio Los Lavanderos ha desempeñado diferentes papeles dentro de la comunidad. Todos los años el edificio acoge un festival en homenaje a las lavanderas, en el que se rinde también tributo a la Virgen de Fátima, aparecida, según se cree, a los habitantes de un pequeño pueblo de Portugal en 1917 y que se manifestó a través de unos extraños destellos de luz en el cielo. Durante la Semana Inaugural de la Bienal se proyectaron unos potentes reflectores que custodiaban el acceso a la sala de exposiciones de Los Lavanderos como si de un misterioso rito nocturno se tratara, prohibiéndose la entrada y salida del edificio. A través de su obra, Ruth Sacks introduce diferentes contradicciones en nuestra cotidianidad sirviéndose para ello de una gran variedad de mensajes. Su proceso creativo conlleva un proceso constante de búsqueda y ordenación de los materiales que la rodean, modificando su función original para crear situaciones de desconcierto. Ruth Sacks se licenció en Bellas Artes en la Universidad de Ciudad del Cabo donde es profesora a tiempo parcial del Departamento de Discurso del Arte. Sacks es también crítica de arte y ha participado en diversas exposiciones colectivas dentro y fuera de su país. Entre sus individuales cabe destacar Works in Wax & Plastic (2003) y When the Inside Stays Inside (2005) en la galería Joao Ferreira Fine Art de Ciudad del Cabo.

Artificial moonlight: (DOD, NATO) The lighting of the battle area by artificial light, either visible or invisible to the naked eye; see also indirect illumination. (Glossary of Military Terms, Phrases, Abbreviations and Slang) The Los Lavaderos building has played different roles for the surrounding community. It was originally a washhouse. Today it is an art gallery. Every October it hosts a festival commemorating washerwomen, where homage is paid to the Virgin of Fatima, who is believed to have presented herself to a small Portuguese village in 1917 through strange flashes of light in the sky. During the Opening Week of the Biennial, powerful searchlights patrolled the entrance to the Los Lavaderos exhibition hall in an unexplained nightly ritual. Access or escape from the building was denied. Ruth Sacks’ work involves inserting inconsistencies into the fabric of day-to-day life, using a variety of messaging systems. Her process involves a constant selection and sorting of material from her surroundings. These are altered to confuse their original function and create disconcerting situations. Ruth Sacks graduated in Fine Arts from the University of Cape Town where she also teaches part time in the Discourse of Art Department. She also works as freelance art critic. Sacks has exhibited on a variety of group shows in her own country and internationally. She has had two solo exhibitions, Works in Wax & Plastic (2003) and When the Inside Stays Inside (2005) at Joao Ferreira Fine Art, Cape Town.

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Artificial Moonlight, 2006 Instalación site-specific con 4 focos de vigilancia / Site-specific installation with 4 searchlights Producción de / Produced by 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias

Artificial Moonlight, 2006 Vista desde Los Campitos / View from Los Campitos © Fotos: Teresa Arozena


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TERESA SERRANO MÉXICO DF, MÉXICO, 1936. VIVE ENTRE / LIVES BETWEEN MÉXICO DF Y / AND NUEVA YORK, EE.UU. / NEW YORK, USA

1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

Teresa Serrano ha participado en importantes citas internacionales como las bienales de Johannesburgo y Monterrey. Asimismo ha expuesto en el espacios de reconocido prestigio como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid); y de modo habitual en ciudades como Nueva York y Los Ángeles. Teresa Serrano has taken part in key international events, including the Johannesburg and Monterrey biennials. She has also exhibited her work in highly prestigious venues, including Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid); and regularly in New York and Los Angeles.

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Casa Vegueta Las Palmas de Gran Canaria

Mi casa soy yo, 2002 Vídeo-instalación / Video installation Duración / Duration 7’

La intervención que presenta la artista Teresa Serrano en la Bienal de Canarias, consiste en la proyección del vídeo Mi casa soy yo sobre un suelo totalmente cubierto por arena blanca procedente de una playa. Un sencillo pero efectivo dispositivo de visualización que refuerza, con su puesta en escena, el tema en torno al que gira esta pieza; la similitud existente en la redistribución del espacio entre la población animal y en el ámbito del ser humano. Una cadena de hechos que evidencia patrones conductuales muy marcados en ambos grupos “sociales”, y entre los que se registran acciones paralelas como las del abandono del lugar de origen y la búsqueda de nuevos espacios. A partir de una cinta documental que investiga los comportamientos y procesos estructurales de una sociedad animal concreta, la del cangrejo ermitaño –que “transita” proyectado sobre la arena blanca del espacio de exposición–, el espectador “traduce”, de manera inmediata al territorio de lo humano, lo descrito en las imágenes; “el concepto de cadena de ocupación y movilidad, y la sociología de distribución” de estas agrupaciones. Un sugerente “estudio de movilidad” y de las series de relaciones y consecuencias que este flujo migratorio provoca, y que se construye sobre las sorprendentes “coincidencias” de sociedades que son consideradas, en apariencia, como distantes, cuando no completamente ajenas.

The intervention presented by the artist Teresa Serrano at the Biennial of the Canaries, consists of the projection of the video Mi casa soy yo on a ground totally covered with white sand brought from the beach. A simple although highly effective visualisation device whose mise en scène reinforces the issue addressed: the existing similarity between the redistribution of space among the animal population and the human realm. A chain of facts bringing to the fore behavioural patterns that are clearly defined in both “social” groups, and that include parallel actions such as the departure from the place of origin, and the search for new spaces. From the contemplation of a documentary examining the structural behaviour and processes of a specific animal society, that of the hermit crab –which “circulates” propelled on the white sand of the exhibition space– the spectator makes an immediate “translation” to the human territory of what the images describe: “the concept of a chain of occupation and mobility, and the sociology of distribution” of those communities. A suggestive “study of mobility” and of the series of relations and consequences brought about by this migratory flow, built on the surprising “coincidences” of societies apparently seen as distant, if not entirely alien.

Mi casa soy yo, 2002 Vista de la instalación / Installation view © Foto: Miguel A. Quintas


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JAVIER TÉLLEZ CARACAS, VENEZUELA, 1969. VIVE EN / LIVES IN NUEVA YORK, EE.UU. / NEW YORK, USA

1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

Javier Téllez ha presentado sus trabajos recientemente en la galería Peter Kilchmann, Zúrich (2006); The Power Plant Contemporary Art Gallery, Toronto, (2005); In_Site_05, San Diego y Tijuana, 2005; o las Bienales de Sidney (2004) y Venecia (2003). Javier Téllez presented his works recently at Peter Kilchmann, Zurich (2006); The Power Plant Contemporary Art Gallery, Toronto, (2005); In_Site_05, San Diego and Tijuana, 2005; and the Sydney (2004) and Venice (2003) biennials.

Sala de Arte Contemporáneo Museo Municipal de Bellas Artes Santa Cruz de Tenerife

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El león de Caracas, 2002 Vídeo-proyección monocanal en color con sonido / Single-channel video projection, colour, sound Duración / Duration 7’ 50’’ Cortesía / Courtesy: El artista y / the artist and Galerie Peter Kichmann, Zúrich

La obra en vídeo El león de Caracas (2002) muestra un extraño cortejo de cuatro policías uniformados recorriendo una zona de chabolas de Caracas con un león disecado a hombros. Los policías avanzan lentamente a causa de la configuración del barrio a base de escalinatas que suben y bajan entre construcciones, más que en lo que normalmente entenderíamos por calles. Unos cuantos curiosos acompañan la procesión, que provoca un ligero gesto de un enfermo mental, a los sones de la famosa Popule Meus (siglo XVIII), obra del compositor venezolano José Ángel Lamas. El grupo nos recuerda las procesiones religiosas que sacan a pasear reliquias por las calles. Parecería que lo que Téllez ha creado es una narración de película muda, con los policías simbolizando el poder represivo del Estado mientras transportan un icono de la ciudad, el animal heráldico de la capital venezolana, por un escenario marginal, enfrentándose a las reacciones espontáneas de los habitantes de la zona. (La fotografía de cuatro policías anónimos en posición de firmes junto al león disecado y que guarda relación con la performance descrita, va acompañada de un proverbio africano: “Hasta que los leones puedan crear su propio historiador la historia de la cacería glorificará solamente el cazador”. El sentido real del proverbio es, sin embargo, que la historia o la política dependen siempre de su narrador/autor y el punto de vista puede hacer que una narración tenga un significado totalmente opuesto. Aquí, el león –símbolo de la era colonial– es transportado por los policías que funcionan como representantes uniformados del poder y de la ley, en lo que podría entenderse como una metáfora/comentario del artista acerca de la forma en que los políticos manejan el legado histórico de Venezuela hoy.) Desde mediados de los noventa, Javier Téllez ha venido trabajando con frecuencia con enfermos mentales en diferentes hospitales de todo el mundo. Hijo de psiquiatras, su entorno familiar le permitió aprender cómo tratar a ese tipo de pacientes. Su práctica artística está caracterizada por unas poco convencionales colaboraciones con enfermos mentales concebidas para emplazamientos específicos. Mientras explora el espacio social de la psiquiatría y desvela sus problemas estructurales, Téllez cuestiona el poder de esos mecanismos y estudia las circunstancias vitales de los enfermos mentales, manifestando un especial interés por la relación entre normalidad y demencia y por la investigación en la historia cultural de esa relación. En sus propias palabras, las instituciones de una sociedad se reflejan en la psiquiatría, en la que tanto el poder como la exclusión están presentes.

The video piece El león de Caracas (2002) shows a some-what strange procession consisting of four uniformed police officers in the roads of Caracas shantytown, who carry a dissected lion on their shoulders. They are moving slowly, because the streets in the quarter are more like steps between the houses going up and down then representative roads. Curious spectators, accompany the procession, passes a brief gesture of a mentally ill man, while at the same time listening to the wellknown Popule Meus (18th century) written by the Venezuelan composer José Angel Lamas. This procession realized by the artist strongly reminds one of religious processions, during which relics are frequently carried along the streets. It seemed that Téllez developed a history for a silent movie in the main role the police men as figure of the repressive power of the State, carrying the symbol of the town’s landmark and the heraldic animal of the Venezuelan capital located in a marginalized setting confronted with the spontaneous inhabitants from there. (The photograph – four anonymous looking police officers are standing firm near by a stuffed lion – is related to the described performance and underlined with an African speech: “Hasta que los leones puedan crear su propio historiador la historia de la cacería glorificará solamente el cazador.“ However, that means that history or politics is always depending from the storyteller/ author. The point of view could change the same history towards the opposite. Here, the lion – a symbol of the colonial era – was carried by the police officers who functions as uniformed representative of power and law. Maybe it seems to be a metaphor/a commentary by the artist how politician are handling nowadays the historical inheritance in Venezuela.) Since the beginning of the mid-nineties, Javier Téllez has often worked together with mentally disordered people in different hospitals worldwide. In his family surrounding, he got to know how to handle people with mental illnesses as his parents were both working as psychiatrists. His artistic work is characterised by site-specific and unorthodox collaborations with patients. As the artist penetrates the social area of the psychiatry and reveals structural problems, he questions the power of such mechanisms and examines the existing life circumstances of people with mental illnesses. Moreover, he is especially interested in the relationship between normality and insanity and the investigation of its cultural history. According to a statement by the artist, the institutions of a society are reflecting themselves in the psychiatry, which demonstrates power and exclusion.

Cynthia Krell

Cyntia Krell El león de Caracas, 2002 Capturas del vídeo / Video stills


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JOHAN THOM JOHANNESBURGO, SUDÁFRICA / JOHANNESBURG, SOUTH AFRICA, 1976. VIVE EN / LIVES IN JOHANNESBURGO / JOHANNESBURG

1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

Johan Thom ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas como las bienales de Venecia (2003 y 2005), el Festival de Cine de Rótterdam (2006), el Festival Internacional de Artes Informáticas de Eslovenia (2004), Minotaur Series 12 (Johannesburg Art Gallery, 2006) o Diary of New York (Graskop Gallery, Nueva York, 2006). En la actualidad, es profesor, a tiempo parcial, de Performance, Estudios Postcoloniales e Historia del Arte Africano y Sudafricano, en varias universidades de su país natal.

Espacio Conventual de San Buenaventura y Ruinas del Camino de San Diego Betancuria - Fuerteventura

Johan Thom has shown in many solo and group exhibitions, including the Venice Biennale (2003 and 2005), the Rotterdam Film Festival (2006), the Slovenia International Computer Arts Festival (2004), Minotaur Series 12 (Johannesburg Art Gallery, 2006) and Diary of New York (Graskop Gallery, New York, 2006). He is currently a part-time lecturer in Performance, Post-Colonial Studies and History of African and South-African art in several universities in his native country.

The Theory of Flight se construye en torno a la proyección de un vídeo de 12 minutos en bucle sobre una estructura creada por distintas planchas de cristal “elevadas” en una montaña de arena de grandes proporciones. Un documento de una performance de la misma serie que aquélla realizada por Johan Thom en el exterior del espacio conventual de Betancuria, y en la que hizo uso de materiales tan diversos como botellas de cristal vacías, petróleo, polvo de tiza, o tierra extraída de un lugar cercano. Una acción enigmática, que a modo de sacrificio ritual, explora el estrecho vínculo –espiritual– existente entre el ser humano y su entorno más inmediato. Una obra que pertenece a una serie más amplia de trabajos titulada Perfect Human Series, donde Thom se interrogan acerca de: “¿cuál es el significado de lo humano hoy en día?”. Como en muchos de sus trabajos anteriores, el artista se presenta en sus performances sentado frente al espectador como Buda, –personaje central de estas obras, y cuya filosofía es una parte imprescindible del discurso–, encadenando acciones y movimientos sumamente desconcertantes y ambiguos, que terminan por colapsar al protagonista. La espectacularidad del display expositivo que contiene el registro de esta serie de gestos “sencillos”, contrasta con el silencioso proceder que se ensaya en la puesta en escena de sus performances. Johan Thom ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas como las bienales de Venecia (2003 y 2005), el Festival de Cine de Rótterdam (2006), el Festival Internacional de Artes Informáticas de Eslovenia (2004), Minotaur Series 12 (Johannesburg Art Gallery, 2006) o Diary of New York (Graskop Gallery, Nueva York, 2006). En la actualidad, es profesor, a tiempo parcial, de Performance, Estudios Postcoloniales e Historia del Arte Africano y Sudafricano, en varias universidades de su país natal.

The Theory of Flight consists of a 12-minute loop video projection on a structure consisting of a number of glass sheets raised on a large mound of sand. It is a document of a performance from the same series as the one made by Johan Thom outside the monastery of Betancuria, and for which he used materials ranging from empty glass bottles, petrol or chalk, to earth extracted from a nearby site. Not unlike a ritualistic sacrifice, this enigmatic action explores the existing close, spiritual link between human beings and their most immediate surroundings. The work is part of a wider series titled Perfect Human Series, in which Thom poses questions about the present-day meaning of the human. Like in many of his previous works, in his performances the artist appears seated in front of the spectator in a Buddha-like position –a core character in his works, whose philosophy underpins the discourse– setting off a chain of highly disconcerting and ambiguous actions and movements which eventually overwhelm the protagonist. The spectacular nature of the exhibition display contained in this series of “simple” gestures contrasts with the silence in the mise en scène of the performances. Johan Thom has shown in many solo and group exhibitions, including the Venice Biennale (2003 and 2005), the Rotterdam Film Festival (2006), the Slovenia International Computer Arts Festival (2004), Minotaur Series 12 (Johannesburg Art Gallery, 2006) and Diary of New York (Graskop Gallery, New York, 2006). He is currently a part-time lecturer in Performance, Post-Colonial Studies and History of African and South-African art in several universities in his native country.

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The Theory of Flight (from The Perfect Human Series), 2006 Vídeo proyección sobre planchas de cristal, tierra y técnica mixta / Video projection on multiple glass plates, soil and mixed media Duración / Duration 8’ 25’’ 300 x 300 x 300 cm aprox. The Theory of Gravity (from The Perfect Human Series), 2006 Performance site-specific celebrada en Betancuria (Fuerteventura) el 25 de noviembre de 2006 / Site-specific performance held on November 25th 2006 at Betancuria (Fuerteventura) Duración / Duration 80’ Asistente / Assistant: Rafael Moreno

The Theory of Flight, 2006 Vista de la instalación / Installation view © Foto: Miguel A. Quintas

The Theory of Gravity, 2006 Vistas de la perfomance / Performance views © Fotos: Miguel A. Quintas


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ANTON VIDOKLE & JULIETA ARANDA ANTON VIDOKLE, MOSCÚ, RUSIA / MOSCOW, RUSSIA, 1965 JULIETA ARANDA, MÉXICO DF, MÉXICO / MEXICO CITY, MEXICO, 1975 VIVEN EN / LIVE IN BERLÍN, ALEMANIA / GERMANY 1 BIENAL DE CANARIAS ARQUITECTURA, ARTE Y PAISAJE

Anton Vidokle ha expuesto en las Bienales de Venecia, Dakar y Lodz; así como en importantes espacios de Londres, Ljubljana, París, México D.F., Los Ángeles, Boston o Nueva York. Es co-fundador del proyecto on-line e-flux; que dirige y en donde ha producido proyectos como Do it, o Utopia Station. En la actualidad pone en marcha un instituto de investigación en Berlín. Julieta Aranda ha expuesto su obra internacionalmente en ciudades como León, Los Ángeles, París, Vilnius, Londres, Santiago de Chile, Estambul, Berlín o Nueva York.

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Centro de Arte La Regenta Las Palmas de Gran Canaria

Anton Vidokle has exhibited at the Venice, Dakar and Lodz biennales, as well as in important venues in London, Ljubljana, Paris, Mexico City, Los Angeles, Boston or New York. He is the co-founder and director, with Julieta Aranda, of the e-flux online project, responsible for setting in motion projects like Do it or Utopia Station. He is currently organising a research institute in Berlin. Julieta Aranda has exhibited her work internationally in cities like Leon, Los Angeles, Paris, Vilnius, London, Santiago de Chile, Istanbul, Berlin and New York.

E-flux Video Rental, 2004-2007 Instalación site-specific / Site-specific installation

Julieta Aranda y Anton Vidokle presentan en la Bienal de Canarias un proyecto iniciado en el año 2004 con el título de E-flux Video Rental; un espacio singular, ideado para el visionado y el alquiler gratuito de las cintas de un archivo videográfico, que ha sido expuesto en distintas ciudades como Nueva York, Amberes y Berlín. A partir de la selección de trabajos llevada a cabo en colaboración con más de cincuenta comisarios internacionales –entre los que se encuentran Daniel Birnbaum, Mariana David, Anthony Huberman, Catherine David, Lauri Firstenberg, Maximiliano Gioni o Jens Hoffmann–, EVR presenta casi 500 obras en vídeo realizadas por artistas como Doug Aitken, Can Altay, The Atlas Group, John Bock, Mircea Cantor, Cerith Wyn Evans, Alicia Framis, Laurent Grasso, Teresa Margolles o Jorge Macchi. Una oficina temporal y portátil, que permite el acceso y estudio de un catálogo exhaustivo de películas recientes, configurado a partir de los proyectos de muchos de los creadores más relevantes del momento. EVR reflexiona asimismo acerca de las formas de exhibición y distribución del soporte vídeo; una videoteca diseñada como plataforma trasplantable a contextos y tiempos distintos, en una tentativa por hacer visibles obras y creadores internacionales ante públicos nuevos.

At the Biennial of the Canaries, Julieta Aranda and Anton Vidokle are presenting a project they began in 2004 with the title of E-flux Video Rental. A singular space for the free viewing and rental of the tapes in a video archive, previously exhibited in New York, Antwerp and Berlin. Starting from a selection of works carried out in collaboration with more than fifty international curators –such as Daniel Birnbaum, Mariana David, Anthony Huberman, Catherine David, Lauri Firstenberg, Maximiliano Gioni or Jens Hoffmann– EVR presents nearly 500 video works by artists including Doug Aitken, Can Altay, The Atlas Group, John Bock, Mircea Cantor, Cerith Wyn Evans, Alicia Framis, Laurent Grasso, Teresa Margolles or Jorge Macchi. A temporary and portable office, granting access to and the study of a long catalogue of recent films and projects by many of the most relevant art practitioners of today. EVR questions the forms of exhibition and distribution of video works: a video library designed as a platform transferable to different contexts and times in what amounts to an attempt to make international works and creators visible for new audiences.

E-flux Video Rental, 2004-2007 Vistas de la instalación / Installation views © Fotos: Miguel A. Quintas


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MIWA YANAGI KOBE, JAPÓN / JAPAN, 1967. VIVE EN / LIVES IN KIOTO / KYOTO

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Miwa Yanagi se diplomó en 1991 en la Universidad de Bellas Artes de Kioto. La artista ha tomado parte en importantes muestra internacionales como; Darkness of Girlbood & Lightness of Aging (Museum of Contemporary Art, Kagawa); Miwa Yanagi, (Deutsche Bank & Solomon R. Guggenheim Foundation, Berlín); My Grandmothers, (Galería Leyendecker, Santa Cruz de Tenerife) o La Réunion des Reines, (Palais de Tokyo, París) Miwa Yanagi graduated in Fine Arts from the University of Kyoto in 1991. The artist has taken part in major internationals show like Darkness of Girlhood & Lightness of Aging (Museum of Contemporary Art, Kagawa); Miwa Yanagi, (Deutsche Bank & Solomon R. Guggenheim Foundation, Berlin); My Grandmothers, (Galería Leyendecker, Santa Cruz de Tenerife) and La Réunion des Reines, (Palais de Tokyo, Paris).

Suna Onna es un vídeo rodado por la artista japonesa Miwa Yanagi en el Parque Natural de las Cañadas del Teide, en Tenerife. Un relato de tinte sobrenatural protagonizado por una abuela y su nieta, en el que la anciana describe, con intensidad y fervor, su encuentro con el personaje de Suna Onna, o lo que es lo mismo, la “mujer de agua”. La cinta se presenta junto a una obra fotográfica de gran formato y cuidada factura –realizada con sofisticados medios técnicos y una extrema precisión que roza el perfeccionismo–, elaborada especialmente para su exhibición en la Bienal. Imágenes –fotografías o vídeo– que recrean atmósferas que parecen sacadas de un tiempo extraño, casi de un universo mágico de difícil traducción al mundo presente, y que son relatos protagonizados por mujeres, por heroínas de distintas generaciones que dan forma a una suerte de retrato épico y fantástico. Espacios decididamente ambiguos ideados por la artista, y que son escenas que se presentan de forma contradictoria ante la mirada del espectador, por resultar tan familiares y ajenas al tiempo. Un trabajo que hace un uso preciso de aquello que es conocido, para transformarlo en su opuesto, en un paraje completamente extraño habitado por intrusos. Con motivo de su participación en una exposición en la Galería Leyendecker de Tenerife, Miwa utilizó como plató el icono geológico más relevante del territorio de Canarias.

Suna Onna is a video filmed by the Japanese artist Miwa Yanagi in the Las Cañadas Natural Park in Tenerife. A vague thread of a plot runs through the video, narrating a kind of supernatural story featuring a grandmother and granddaughter, in which the old woman passionately describes the time she met a suna onna, a “water woman”. The video is presented alongside a large format photo carefully produced using sophisticated techniques bordering on perfection, also made specifically for the biennial. These images, whether video or photo, recreate atmospheres that seem to be taken from a strange time, almost from a magical dimension that is hard to translate to the present world. The narratives feature women, heroines from different generations that give a sense of meaning and form to a kind of epic and fantastic portrait. The decidedly ambiguous spaces are conceived by the artist and are present in a contradictory fashion to the gaze of the spectator, seeming familiar yet at once out of time. The work makes precise use of the known, only to transform it into its opposite, into a completely strange and estranged place inhabited by intruders.Coinciding with an exhibition at Galería Leyendecker in Tenerife, Miwa used the most significant geological icon of the Canaries as her chosen backdrop.

Casa de los Coroneles La Oliva - Fuerteventura Centro de Visitantes e Interpretación San Sebastián de La Gomera

Girls in her Sand, 2004 Vídeo / Video Duración / Duration 6’ 5’’ Cortesía / Courtesy: La artista y / the artist and Galería Leyendecker, Santa Cruz de Tenerife Suna Onna, 2005 Vídeo / Video Duración / Duration 11’ Cortesía / Courtesy: Viceconsejería de Cultura y Deportes del Gobierno de Canarias

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Sin título de la serie Fairy Tale, 2004-2006 6 fotografías. Impresión en gelatina de plata / 6 photographs. Gelatin silver print 140 x 100 cm c.u. / each Cortesía / Courtesy: La artista y / the artist and Galería Leyendecker, Santa Cruz de Tenerife Producción de / Produced by 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias

Suna Onna, 2005 Capturas del vídeo / Video stills Sin título de la serie Fairy Tale, 2004-2006


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(Z) CLUB / NÉSTOR TORRENS COLECTIVO ARTÍSTICO CON SEDE EN ISLAS CANARIAS / ART GROUP BASED IN CANARY ISLANDS

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Este grupo surgió de unos talleres del CAAM en 2005 y tiene una trayectoria muy corta como colectivo, aunque muchos de sus integrantes tienen un largo itinerario artístico. Es multidisciplinar: artes plásticas, danza, teatro, acción ciudadana. Es abierto. En cada acción participan distintas personas y hay un núcleo estable que quiere permanecer anónimo. Por lo tanto, no hay nombres propios ni currícula de particulares. La acción que se va a llevar a cabo para la Bienal se hará en colaboración con varias organizaciones independientes de las Islas.

Casa Vegueta Las Palmas de Gran Canaria

This group was founded during a workshop organised by the CAAM in 2005. Despite it short life span as an art collaborative so far, many of the individual members have long-standing experience in the arts. Its focus is multidisciplinary: visual arts, dance, theatre, civil action, and its projects are open, with several individuals always involved in each action, around a stable core of artists wishing to remain anonymous. As such, there are no individual names or résumés. Their action for the Biennial will be carried in conjunction with several independent organisations from the Canaries.

(Z) Club es un colectivo de artistas que surge de los talleres llevados a cabo en el CAAM en el año 2005. Con una trayectoria todavía corta como grupo, muchos de los integrantes del colectivo poseen sin embargo un extenso currículo individual que no quieren que sea “desocultado”. Las propuesta de (Z) Club son generadas alrededor de este núcleo estable de individuos en el anonimato, pero es asimismo un colectivo de carácter flexible, abierto y multidisciplinar, que se interesa por las artes plásticas, la danza, el teatro, y acción ciudadana. En este sentido, la acción que será llevada a cabo en el contexto de la Bienal, contará con la colaboración y la implicación directa de varias organizaciones independientes de las Islas. Un proyecto de intervención en el espacio urbano, que estará localizado en torno a la autopista de Agaete-La Aldea. Una acción ciudadana que consiste en la simulación de una vía de circulación “alternativa” a la proyectada, y que será realizada empleando como material el plástico negro de invernadero. Una vía de enormes proporciones que se perderá en la línea de horizonte, “hasta el infinito, y más allá”, como reza el eslogan de esta campaña de activismo artístico-ciudadano. Un fragmento de “autopista portátil”, que se desplaza por efecto de los movimientos de los individuos que se encuentran “reunidos” bajo el plástico negro mientras una cámara de vídeo graba la acción, y que son asimismo seres anónimos que hacen de la acción colectiva y de la apuesta por un proyecto común, sus estrategias más efectivas.

(Z) Club is a group of artists that came about from workshops carried out at CAAM in 2005. Though relatively new as a group, many of its individual members have long individual careers which they do not choose to “disclose.” The proposals of (Z) Club are generated by a stable group of anonymous individuals. The group is flexible, open and multidisciplinary, with interests in visual arts, dance, theatre and community action. In this regard, the action that they will carry out for the Biennial is based on the direct collaboration and involvement of several independent organisations from the Canaries. The project for an intervention in the urban space is located around the motorway connecting Agaete and La Aldea. A citizens action that simulates an “alternative” route to what has actually been designed, to be made using black plastic sheeting. A long road that will vanish beyond the horizon line, “ad infinitum and beyond,” according to the slogan dreamed up for this campaign of artistic-community activism. A fragment of “portable motorway,” moved by the action of the individuals “gathered together” below the black plastic while the video camera records the action, anonymous citizens turning community action and the support for a common project into their most effective strategy.

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Casa Vegueta Acción C-80, 2006 Acción e instalación site-specific / Action and site-specific installation Producción de / Produced by 1 Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias

Acción C-80, 2006 © Foto: Miguel A. Quintas


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I SIMPOSIO INTERNACIONAL. ÁFRICA, AMÉRICA Y EUROPA 1st AFRICA, AMERICA AND EUROPE. INTERNATIONAL SYMPOSIUM


URSULA BIEMANN

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CRÓNICA DE AGADEZ. POLÍTICAS POSTCOLONIALES DE ESPACIO Y MOVILIDAD EN EL SÁHARA AGADEZ CHRONICLE. POST-COLONIAL POLITICS OF SPACE AND MOBILITY IN THE SAHARA

(Suiza, 1955) Artista, teórica y comisaria, ha desarrollado una considerable producción sobre migraciones, movilidad, tecnología y género. Ha expuesto internacionalmente y es autora de varios libros (Been There and Back to Nowhere, 2000; Geography and the Politics of Mobility, 2003; Stuff It - The Video Essay

in the Digital Age, 2003). Ha convertido el espacio y la movilidad en motivos principales de su proyecto comisarial Geography and the Politics of Mobility (2003) en Viena. Su trabajo incluye debates con antropólogos, teóricos culturales, miembros de ONGs, arquitectos y estudiosos de la cultura auditiva y sónica.

Situada en el corazón de Níger, Agadez es la puerta de acceso a la Cuenca Sahariana para las principales rutas procedentes del África Occidental, un importante centro comercial transahariano y la capital de los tuaregs. Lugares hasta hoy desconocidos por nosotros, o que habían caído temporalmente en el olvido, resurgen hoy como nudos y escalas cruciales dentro de las redes internacionales de emigrantes y distribución de recursos. Estamos ante una reconfiguración geográfica a gran escala activada por las crecientes y enormemente flexibles actividades migratorias, expertas en cambiar itinerarios, reorganizarse o esconderse en un tiempo récord. Ese volumen creciente de movilidad transahariana ha convertido a Agadez en un nudo del tráfico de personas de dimensiones internacionales: un centro emisor continental. Y aunque la migración constituye la forma dominante de movilidad, no es la única. En la cuenca sahariana los flujos migratorios dependen de, y se superponen a, otras formas de movilidad organizada como son los movimientos nómadas estacionales, el turismo, formaciones militares ambulantes -incluyendo grupos rebeldes y terroristas-, la presencia temporal de personal humanitario vinculado a las migraciones y por último, y no por ello menos importante, de escritores, periodistas o creadores de imágenes que, como yo misma, luchan por encontrar sentido en todo lo anterior. La convergencia de los movimientos anteriormente citados provoca las sinergias, los conflictos y, en ocasiones, las sorprendentes alianzas que conforman la temática de mi proyecto de vídeo Agadez Chronicle [Crónica de Agadez] y de estas líneas.* Mi motivación inicial fue documentar la partida del gran éxodo a través del desierto: todos esos jóvenes hombres y mujeres de África Occidental en busca de una vida mejor en el Magreb o, dentro de un horizonte más vago y distante, en esa Europa que representa la abundancia en tiempos de escasez. Un desierto que cuesta cuatro horas atravesar en avión separa Agadez de la materialización de ese sueño. En tierra, el viajero se expone a las emanaciones de un terreno de piedras ardientes, de arena cuarzosa a punto de convertirse en cristal líquido. Los cadáveres de quienes caen en el intento se momifican inmediatamente y quienes consiguen finalmente alcanzar las costas mediterráneas tendrán que enfrentarse al siguiente peligro: perecer ahogados. Los medios occidentales centran el foco en el fracaso de los que quedan atrás, los náufragos, y celebran, con igual intensidad, el éxito de los esfuerzos policiales. Pero las travesías triunfantes quedan indocumentadas. Y que el intento se perciba como éxito o fracaso es, naturalmente, una cuestión de perspectiva y, ni que decir tiene, mi principal preocupación no radica en rebatir la validez argumental de cada lado. Sin embargo, sí veo la necesidad de liberar la migración transahariana de ese mediático mantra hipnotizante de captura de barcas llenas de personas o de víctimas de un siniestro tráfico. Los medios parecen ceder a toda tentación de reducir la realidad, de condensarla en un símbolo, conduciendo el conjunto del problema hacia el desastre discursivo. Como en un bucle ininterrumpido, unos clips televisivos capturan la interceptación y suspensión del curso de la continuidad, ese verse atrapado en un proceso de no alcanzar jamás

(Switzerland, 1955) An artist, theorist and curator, she is the author of a considerable body of work on migration, mobility, technology and gender. She has exhibited internationally and published several books (Been There and Back to Nowhere, 2000; Geography and the Politics of

Mobility, 2003; Stuff It - The Video Essay in the Digital Age, 2003). Biemann has turned space and mobility into the leitmotif for her curatorial project Geography and the Politics of Mobility (2003) in Vienna. Her work includes debates with anthropologists, cultural theorists, members of NGO, architects and scholars of aural and sonic culture.

Agadez, at the heart of Niger, is the gate to the Saharan basin for the main routes coming from West Africa, it is a major trans-Saharan trading centre, and capital of the Tuareg. Places that we have never heard of, or that have gone temporarily silent, emerge now as crucial nodes and relays in the international migration and resource-distribution network. We witness a large-scale geographic reconfiguration activated by the growing and highly flexible practices of migration, proficient at rerouting, reorganizing or going covert in record time. With the increasing volume of trans-Saharan mobility, Agadez has become a hub for migration traffic of international dimensions, a continental dispatch center. While migration is the prevailing mode of mobility, it would be insufficient to present it as an isolated phenomenon. In the Saharan basin, migration flows rely on, and overlap with, other forms of organized mobility such as seasonal nomadic movements, tourism, roaming martial formations including rebel or terrorist groups, the temporary appearance of migration-related humanitarian personnel and, not least, the writers, journalists and image-makers like myself, who strive for making sense of it all. The conjunction of these movements generates synergies, conflicts and sometimes surprising alliances, which are the subject of my video project Agadez Chronicle and this text.* My motivation was to document the great departure of the Exodés across the desert, those many young men and few young women from West Africa on the quest for a better life in the Maghreb or, in a vague and more distant perspective, in Europe, signifying plenty in times of want. Between Agadez and the realization of that dream lies a desert that takes four hours to fly over. On the ground, one is subjected to the emanations of baked stone, quartz-sand about to turn into liquid glass. The corpses of those who don’t make it are instantly mummified. And those who finally reach the Mediterranean shores face the next danger of drowning. Western media direct their spotlights on the failure of the stranded, the Naufragés, and celebrate, by the same token, the successful police efforts. Victorious passages go undocumented. Whether an endeavor is presented as a failure or success is, of course, a matter of perspective, and it’s certainly not my prime concern to refute the validity of arguments on either side. However, I do see the necessity to liberate the trans-Saharan migration from its hypnotizing media mantra of captured boat people or victims of a grim trafficking business. The media seem to surrender to every temptation of reducing reality and condensing it into a symbol, thrusting the whole issue into discursive disrepair. In a perpetual loop, television clips capture the state of being intercepted and suspended from the course of continuity, caught in a process of never reaching destination, a permanent still of the raft of the Medusa drifting off the shores of Senegal. In cinematographic language this fixed spatial determination is simply called “a shot,” suggesting that the real is no longer represented but targeted. In the staccato of television news slots, this particular shot becomes the symbol that encapsulates the meaning of the entire drama.


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It is evident that complex social relations are not negotiated in this frantic manner. Besides the time compression creating an immense discrepancy between representation and social reality, there is something seriously inadequate about this robotic viewpoint when it is directed to the shifting and precarious movements of life. Video doesn’t necessarily have to speak a cinematographic language, but like film, video unfolds in time and is comprised of everdifferentiating planes of movement, constituting a complex visual field. It is not merely raw material that works as evidence. A more complex temporal composition is required. Dedicated to experimentation, the Agadez Chronicle is a gesture towards spatializing the signifying process and creating a simultaneous reading of different temporalities. This is done by the orchestration of several videos operating on different discursive planes. As I have done in previous works, I use video as a way of writing into representation the concrete embodiment of abstract economic relations, mostly through the experience of migration. In this project, I would like to give some thought to the parallels between the flow of people across territories and the flow of the moving images and text, unfolding both in a spatial and temporal dimension. It is as meaningless to think about video as an initially blank electronic field prior to the appearance of a moving image, as it is to think of the desert as a geometric entity preexisting all human activities. Both digital and material spaces are formed by and gain meaning through the processes that occur in them. The material landscape is not just the backdrop for a plot, it is an iconographic index of the mind, a cultural product in which ideas and ideologies manifest themselves, and as such it has its own symbolic presence. Even though the desert plays a central part in the Agadez Chronicle, there is no single panoramic view of the Sahara, no vision of the natural monster. The landscape appears only in the narrative, as the social construct of a transportation network and as a medium to examine the aesthetic grammar of movement and the construction of video space. The geographies that are generated in the process, and I mean both the migratory and videographic ones, are likewise spaces of fluidity, relationality and multiplicity. In this way, my work facilitates an open visual and discursive field where the artistic is not separate from the social, but faces the challenge of delivering their complex correlation. Images of vulnerable biological bodies adrift and disconnected from social life simply won’t do a proper signifying job here. It is vital to recontextualize them within the field of representation. I chose to tie migration systems in North Africa back to a history of local and colonial concepts of space and belonging and to current discourses on mobility and networks in the global logic, because in my observation, these are precisely the links that are often foreclosed in public debates. The very existence of the network gets discredited, if not criminalized. Television journalists keep reporting on the reckless operations engaged in illegal transit migration through lethal landscapes, leaving many dead on the wayside. Without wanting to make the traffic with migrants sound like a harmless affair, such images do display sub-Saharan migration as a criminal invasion, as some ill-organized external force intruding on passive Europe. In their honest concern to look for the roots of the problem, commentators too often get stuck in explanations over economic push factors. The Agadez Chronicle is an exploration of the post-colonial entanglement underlying the sub-Saharan exodus and a fresh look at the buzzing activities in the logistic nodes of the transit migration network that functions, in fact, admirably. Saharan people live in open space, mobility is everything in this geography. They have developed different methods of mastering the terrain. Tuareg culture has worked out a system of information, a specific topographic literacy, with itineraries and means of communication. They are GPS embodied. In this environment, orientation makes all the difference between drifting and traveling, between fate and destination. Even during colonial times, the Tuareg remained in charge of the only thing that counts in this terrain: mobility. The unique expertise of the nomads in strategies of mobility and territorial literacy is in high demand, since a steady flow of sub-Saharan migrants transit through Agadez. It is a crossroad

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el destino: una especie de visión detenida de la balsa de la Medusa vagando a la deriva desde las costas de Senegal. En vocabulario cinematográfico esta fijación en el espacio recibe la simple denominación de shot como sugiriendo que, más que representar la realidad, se “apunta” a ella. Perdido dentro de la abrupta sucesión de titulares de los telediarios, esta particular shot o toma se convierte en el símbolo que condensa el significado de todo ese drama. Es evidente que las complejas relaciones sociales no se conducen con ese frenesí. Además de la enorme disparidad entre representación y realidad social resultante de la comprensión temporal, algo en esta perspectiva robótica falla estrepitosamente a la hora de abordar los cambiantes y precarios movimientos de la vida. El vídeo no tiene necesariamente que emplear un lenguaje cinematográfico; sin embargo, como el cine, se despliega dentro de un contexto temporal a base de planos de movimiento siempre diferentes que componen un complejo campo visual. No es simplemente materia prima que funciona como evidencia: exige una composición temporal más sofisticada. Realizada con un propósito experimental, Agadez Chronicle es un gesto dirigido a la espacialización del proceso de significación y crea una lectura simultánea de diferentes temporalidades, algo que se realiza combinando varios vídeos que operan en diferentes planos discursivos. Como en obras anteriores, utilizo el vídeo como forma de representar la materialización de relaciones económicas abstractas, sobre todo a través de la experiencia migratoria. A lo que aspiro con este proyecto es a proponer una reflexión acerca de los paralelismos que existen entre el flujo de personas a través del territorio, y el flujo de texto y de la imagen en movimiento, desplegándolos en ambos casos en una dimensión espacial y temporal. Tan absurdo es concebir el vídeo como si fuera una especie de campo electrónico en blanco hasta que aparece en él la imagen en movimiento, como pensar en el desierto como una entidad geométrica cuya existencia antecede a la de cualquier actividad humana. Los espacios digitales y materiales se forman con los procesos que tienen lugar en ellos y adquieren sentido a través de ellos. El paisaje material es algo más que un simple decorado para una trama: es un índice iconográfico de la mente, un producto cultural en el que se expresan ideas e ideologías y que, como tal, posee su propia presencia simbólica. Y aunque el desierto desempeña un papel protagonista en Agadez Chronicle, no hay ni una vista panorámica del Sáhara ni reflexión alguna de ese monstruo natural. El paisaje aparece exclusivamente en la narración como construcción social de una red de transporte y como medio para explorar la gramática estética del movimiento y la construcción del espacio del vídeo. Las geografías que se generan en el proceso mismo –y me refiero tanto a las migratorias como a las videográficas- son unos espacios de fluidez, de relación y de multiplicidad que ayudan a mi obra a proporcionar un campo visual y discursivo abierto, en donde lo artístico es inseparable de lo social, enfrentándose a la exigencia de presentar su compleja correlación. No bastan aquí las imágenes de unos vulnerables cuerpos biológicos desorientados y desvinculados de la vida social: resulta vital recontextualizarlos dentro del campo de representación. Y, para ello, elegí relacionar los sistemas migratorios norteafricanos con una historia de concepciones locales y coloniales sobre el espacio y la pertenencia y con los actuales discursos sobre la movilidad y las redes dentro de la lógica global ya que, en mi opinión, son esos precisamente los eslabones que a menudo se soslayan en los debates públicos. La propia existencia de la red se ve sometida al desprestigio cuando no directamente a la criminalización. Los reporteros televisivos continúan informando sobre las temerarias operaciones de los movimientos migratorios ilegales a través de unos paisajes letales, que dejan un reguero de muertos por el camino. No pretendo insinuar que el tráfico de inmigrantes sea una práctica inofensiva, pero lo que esas imágenes transmiten es una visión de la migración subsahariana como invasión criminal, como una especie de desorganizado ejército exterior penetrando en la pasiva Europa. En su honesta preocupación por apuntar a las raíces del problema, los comentaristas se quedan a menudo atascados en explicaciones sobre los factores económicos desencadenantes. Agadez Chronicle propone una exploración del enredo postcolonial que se esconde detrás del éxodo subsahariano, y una mi-


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rada limpia sobre las vibrantes actividades que tienen lugar dentro de los nudos logísticos de la red de un tránsito migratorio que, por lo demás, funciona admirablemente. La gente del Sáhara vive en un espacio abierto; en esta geografía, la movilidad lo es todo, y los habitantes de la zona han desarrollado diversos métodos para dominar el terreno. La cultura tuareg ha ideado un sistema de información, un conocimiento topográfico específico con sus propias rutas y medios de comunicación. Son verdaderos GPS personificados. En este entorno, la orientación es lo que marca la diferencia entre el vagar y el viajar, entre el destino como fatalidad y el destino como punto de llegada. Incluso durante la época de la colonia, los tuaregs continuaron practicando lo único que cuenta en este territorio: la movilidad. El conocimiento único sobre las estrategias de movilidad y sobre territorio que poseen los nómadas es objeto de una enorme demanda como consecuencia del incesante flujo de emigrantes subsaharianos que pasan por Agadez: una auténtica encrucijada de caminos para emigrantes en tránsito procedentes del sur, que desde aquí toman, unos la ruta que se dirige hacia Libia por el este, a través del mortal desierto de Ténéré, y otros la ruta hacia Argelia, en el norte, por Arlit. La pieza central de Agadez Chronicle documenta los diversos actores de la red de transporte de emigrantes que actúan sobre todo en la Ruta Este y que utilizan grandes camiones que transportan tanto carga como personas hacia la ciudadela de Dirkou, en medio del desierto. La escena tiene lugar en el patio de STT, la Sahara Ténéré Transportation Company en Agadez, donde se preparan los camiones, se venden los billetes y se rezan las últimas plegarias. Una sosegada rutina diaria dedicada a las gestiones de un viaje que cambiará la vida de quienes lo emprendan. En la actualidad, Agadez es un centro logístico y transnacional al servicio de los 50.000 viajeros subsaharianos que cada año recalan en ella. Las viejas pistas nómadas se han convertido en una autopista para trabajadores emigrantes. Agadez Chronicle investiga también la relación que existe entre la política laboral de la mina de uranio de Arlet, cerca de Agadez, que provocó la rebelión tuareg del periodo de postguerra. La injusticia social y la exclusión del reparto de la riqueza generada por el uranio que se encuentra en su territorio empujó a los tuaregs a la acción armada. Arlit representa una constelación económica y política de gran interés, expresada en el vídeo por medio de la digna figura de Adawa, un antiguo líder rebelde que en la actualidad dirige las operaciones de transporte clandestino de la ruta argelina. La crónica de este particular lugar nos habla sobre la cambiante lucha por los recursos y la localización de éstos desde el periodo colonial hasta nuestros días. El cambio de manos del yacimiento de uranio en el periodo postcolonial desplazó el foco a la materia prima en tanto que recurso movilizado que escapa al control de la población local provocando la rebelión tuareg. Con el surgimiento, a mediados de los noventa, de la globalización, la movilidad se convierte de nuevo en principal recurso y estratificador social, y los tuareg vuelven a entrar en escena. Son esos grandes cambios culturales en la explotación de los recursos del territorio, las reservas fósiles y la movilidad por parte de los diversos actores, y las poderosas prácticas de significación que el proceso genera, los que nos dan las claves para comprender la situación presente.

for transit migrants coming from the South who branch off into the Eastern route through the deadly Ténéré desert to Libya, and the Northern route via Arlit to Algeria. The core video piece of the Agadez Chronicle documents the various players in the migrant-transportation racket who serve mainly the Eastern line, using large desert trucks that bring cargo as well as people to the desert citadel of Dirkou. The scene is set in the courtyard of STT, the Sahara Ténéré Transportation Company in Agadez, where trucks are prepared, tickets sold, last prayers made. The quiet daily routine of handling life-changing journeys. Today, Agadez is the logistical center and transnational hub for 50,000 sub-Saharan transit passengers every year; the ancient nomad tracks have turned into a highway for work migrants. Agadez Chronicle also investigates the correlation between the labor politics of the Arlit uranium mine near Agadez which caused the Tuareg rebellion in the post- Cold-War period. Social injustice and the exclusion from the wealth generated by the uranium found on their territory had pushed them to armed action. Arlit represents a particularly interesting economic and political constellation which manifests, in the video, through the dignified figure of Adawa, former rebel leader and today head of the clandestine transportation operations of the Algerian line. The chronicle of this particular site tells us about the shifting struggle over resources and where these resources are seen to be located from colonial times on. With the post-colonial disentanglement of territorial possession from the exploitation of uranium ore, the focus was shifted to the raw material as a mobilized resource, sidestepping the local population and thereby sparking the Tuareg rebellion. Since the surge of globalization of the mid-1990s, the new prime resource and social stratifier is again mobility, and the Tuareg are back on stage. It is within these larger cultural shifts in how resources of territory, fossil reserves and mobility have been made productive by the different players, and the powerful signifying practices they produce in the process, that we have to understand the present situation.

* El presente texto es un extracto del ensayo del mismo título publicado en the maghreb connection – Movement of Life across North Africa, ed. Ursula Biemann y Brian Holmes, Actar 2006. The Maghreb Connection es un proyecto de colaboración artístico y de investigación desarrollado para su exhibición en Townhouse Gallery de El Cairo, en diciembre de 2006.

* This text is an excerpt from the research essay of the same title, published in THE MAGHREB CONNECTION – Movement of Life across North Africa, ed. Ursula Biemann and Brian Holmes, Actar 2006. The Maghreb Connection is a collaborative art and research project developed for exhibition at the Townhouse Gallery Cairo, December 2006. www.maghreb.geobodies.org


MAHI BINEBINE

a 1999 vive en los Estados Unidos. Sus pinturas forman parte de la colección permanente del museo Guggenheim de Nueva York. Una experiencia singular, Pintura a cuatro manos, lo liga al pintor español Miguel Galanda durante tres años. En 2002, regresa a Marrakech donde vive y trabaja.

La idea de escribir un libro sobre la inmigración clandestina se me ocurrió un poco por casualidad. En aquella época, 1996, vivía en Nueva York, lejos del estrecho de Gibraltar, de Lampedusa y de las Islas Canarias. Al ojear la prensa americana daba de vez en cuando con algún que otro artículo en el que se relataban los intentos de los mexicanos para cruzar, por la fuerza, las fronteras del Tío Sam. El método que utilizaban me hacia reír: algunos centenares de personas se daban cita de noche en un punto preciso de la frontera, no lejos de una gran ciudad, y echan a correr, todas al mismo tiempo, hacia el territorio yanqui. Una auténtica plaga de langostas que supera a policías y aduaneros. Diez, veinte, cien personas son detenidas, las demás se desperdigan y desaparecen al instante sumándose a los diez millones de clandestinos que trabajan en su mayoría en la construcción, la agricultura y la restauración. Estos clandestinos dejan de serlo para el IRS, el fisco americano, ya que no les exige poseer el permiso de residencia, green card para pagar sus impuestos. En resumen, a los que cogen, los devuelven a la frontera y los demás terminan construyendo su nido aquí o allá, en el vasto imperio acaudalado. Los seres humanos son como las aves, van allí donde mejor se respira. Un día, cayó en mis manos un artículo del periódico francés Libération en el que se hablaba de un hecho similar que, esta vez, se producía en mi país, Marruecos, y aquí al lado, en la costa ibérica. Al contrario de lo que ocurre con los mexicanos, muchos de los candidatos africanos a la emigración mueren. Según estadísticas fiables, las cifras son espeluznantes: tres muertos al día en los últimos diez años. Todos los días que Dios alumbra, el mar expulsa hacia nuestras playas de arena fina jóvenes cadáveres (un estorbo para el turismo). Cuerpos hinchados por el agua, roídos por los peces, lanzados al mar por traficantes nerviosos cuando se acercan las patrullas de vigilancia o fruto del naufragio de las pateras. Al leer otros artículos sobre el tema he tenido a menudo la impresión de que los seres de los que se habla eran tan sólo puras sombras, cifras, espectros anónimos. Emprendí entonces la aventura quijotesca de darles un nombre, un rostro, una identidad. Así es como nació la idea de escribir Cannibales (La Patera, en su edición española). Habría podido escribir un ensayo dado el elevado número de pretendientes al paraíso (o al infierno según se mire). Un ejército de desamparados cuyas orejeras están hechas con antenas parabólicas y no les permiten ver más que una serie ininterrumpida de imágenes tentadoras, a menudo pornográficas, imágenes de un mundo mejor, forzosamente un mundo libre, hermoso, rico. Su discurso es el mismo. Vean a continuación algunos extractos: «Mira, esta travesía es la de la última oportunidad, es la última frontera entre el infierno y un mundo supuestamente mejor. Los que intentan cruzar este límite saben a lo que atenerse. Es un juego, el juego de la vida y de la muerte...» O bien: «Tres veces lo he intentado en patera, una detención y dos naufragios en los que murieron seis personas y lo volveré a intentar. Si muero seré ¡un mártir económico! Todo esto lo hago para alimentar a mi familia.».

(Morocco, 1959) In 1980 moved to Paris to study Mathematics and become a teacher. However, he later devoted himself to painting and writing. He is the author of several novels translated to various languages, and which have won major awards. From 1994 to 1999, he lived in the

United States. His paintings are part of the permanent collection of the New York Guggenheim Museum. He worked closely with the Spanish painter Miguel Galanda for three years in a singular experience called Four Hand Painting. In 2002, he returned to Marrakech where he lives and works.

The idea of writing a book on illegal immigration occurred to me somewhat by chance. Back then -1996- I was living in New York, a long way from the Straits of Gibraltar, Lampedusa and the Canary Islands. Looking through the American newspapers I would come across the occasional article describing the attempts by Mexicans to force their way across Uncle Sam’s border. Their method made me smile: hundreds of Mexicans would meet up at night at a given spot on the border, near a large town, and would simply start running -all at once - towards Yankee territory. A plague of locusts that the police and customs officers were unable to cope with. Ten, twenty or maybe a hundred of the Mexicans would be detained, but the rest scattered and disappeared, swelling the ranks of the 10 million illegals who find work mainly in the construction industry, farming and hotels and bars. These illegals are not illegal for the IRS, who do not insist on a Green Card in order to make them pay taxes. The ones who are caught are escorted back to the border while the rest end up building their nests here or there, in a vast and rich empire. Humans are like birds, they go where the air is best. One day I came across an article in the French paper, Libération, which talked about a similar phenomenon, this time in my own native Morocco and near here, on the Spanish coast. Unlike what happens in Mexico, many would-be African emigrants die along the way. According to reliable statistics, the figures are spine-chilling: three deaths every day over the past decade. Every day sent by God sees young bodies washed up by the sea on sandy beaches (a nuisance for tourism). Corpses bloated by the water, nibbled at by the fish, dumped into the sea by traffickers who get nervous at the sight of a patrol boat, or bodies from a capsized ‘patera’. On reading other newspaper articles on the same subject I have often had the impression that the people talked about were just shadows, statistics, faceless spectres. It was then that I set out on my Quixotesque adventure to give them a name, a face, an identity. That is how the idea of writing ‘Cannibals (‘La Patera’ in the Spanish version) arose. I could have written an entire essay, given the number of candidates who set out to reach paradise (or hell, depending on which way you look at it). An entire army of destitute persons wearing blinkers made out of satellite dishes that let them see only a constant stream of enticing images, some of them pornographic, images of a better world, which is necessarily a free, beautiful and rich one. The discourse is the same. Here are a few extracts: ‘Look, crossing is the last chance, the last frontier between hell and presumably a better world. Those that try and cross this border know what to expect. It is a game, the game of life and death’. Or ‘I have tried three times by ‘patera’; I have been arrested once and twice our boat capsized, killing six. But I will keep trying. If I die I will be an economic martyr. I am doing all this to feed my family’. And that’s not all. Many want to leave for the sake of it, because they don’t want to stay at home. They want to go, because they can no longer dream in their own country, because the creation of Schengen and the ensuing drastic reduction in the number of visas granted makes

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(Marruecos, 1959) Se instala en París en 1980 para estudiar matemáticas y dedicarse después a la enseñanza, consagrándose posteriormente como pintor y escritor. Cuenta con numerosas novelas traducidas a varios idiomas y galardonadas con importantes premios. De 1994

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DE LOS SUEÑOS AL AGUA / FROM DREAMS TO WATER


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Pero no sólo es eso. Muchos quieren marcharse porque sí, porque ya no quieren quedarse. Irse porque en su país ya no pueden soñar, porque desde la creación del espacio Schengen y la consiguiente reducción drástica de los visados les oprime un sentimiento de estar encerrados. Y seguirán marchándose, cada vez más, dado que no podrán ponerse alambradas alrededor de Europa entera. Y siempre habrá mafias rapaces perfectamente organizadas a ambos lados de la frontera para chuparles la sangre (sangre por otra parte carburante indispensable también para las economías occidentales). Sí, se irán porque la lucha contra la inmigración clandestina no debe hacerse en las fronteras sino en los lugares de los que proceden los inmigrantes clandestinos, y en su forma de pensar; ha de llevarse a cabo en el marco de la cooperación Norte-Sur, una cooperación basada en un diálogo equilibrado y no en un monólogo del Norte. Lo que se necesita es una política y no una policía de inmigración. El Sur no puede verse abocado a la mendicidad. Ahora bien, no todos los africanos quieren forzosamente marcharse. Algunos se resignan a mirar con dignidad a los inmigrantes legales que vuelven a su país durante el verano. Les brillan los ojos al ver los coches repletos de objetos misteriosos cubiertos por toldos, pero apenas lo expresan. Morad es uno de ellos. Todas las noches, este chiquillo de pelo rizado y cara de muñeca se planta delante del consulado de Francia, un hermoso edificio de arquitectura colonial, y allí pasa la noche; Al día siguiente vende su sitio a los solicitantes de visado. El precio varía en función de la longitud de la cola y de las condiciones meteorológicas: los días de lluvia aumenta considerablemente. Pero cuando de verdad florece el negocio es al acercarse las vacaciones escolares. Si además llegara a estallar una bomba en algún lugar de Europa, el sitio a las puertas del paraíso alcanzaría un precio récord. A Morad le han denegado tres veces el visado pero ha encontrado un trabajillo y se las arregla bastante bien. Puede recitar, como si de un menú se tratara, la larga lista de documentos necesarios para tan valioso documento. Es más, vende todo tipo de trucos para obtener los certificados, el sinfín de pruebas de su buena voluntad, los contactos útiles para las falsificaciones; en definitiva, el negocio ordinario en torno a un sueño, en resumidas cuentas... ordinario.

them feel they are closed in. They will carry on leaving, increasingly so, because you can’t surround the whole of Europe with barbed wire. There will always be perfectly organised mafias on both sides of the border to squeeze blood from them (blood which is also a vital fuel for western economies). Yes, they will go because the fight against illegal immigration should not be waged on the borders but in the countries of origin, in the minds of the migrants. It has to be fought through north-south cooperation, based on balanced dialogue and not a monologue from the north. Required is an immigration policy, not an immigration police force. The South cannot be doomed to begging. Not all Africans necessarily want to emigrate. Some are resigned to gazing with dignity at the legal immigrants who return home during the summer. Their eyes shine at the sight of cars brimming with mysterious objects covered with tarpaulins, but they express little as they watch. Morad is one such person. Every night this boy with curly hair and baby face takes up a spot outside the French consulate, a lovely colonial style building, and he spends the night there. Next day he sells his spot to visa applicants. The price varies depending on the length of the queue and the weather: it rises considerably on rainy days. The real business booms as the school holidays draw near. If a bomb goes off somewhere in Europe, a spot at the gates of paradise fetches a record price. Morad’s visa application has been turned down on three occasions but he has found a job to get by and he does reasonably well. As if reading off a menu, he can recite the full list of documents needed for the precious piece of paper. He sells all kinds of tricks to get the certificates, endless proof of his goodwill, useful contacts for forgeries. In short, an ordinary business related to a dream which is... in a word, ordinary.


KENDELL GEERS

Project Gallery, Japón, 2003); Terrorealismus (Migros Museum, Zürich, 2003); The Prodigal son (Goodman Gallery, Johannesburgo, 2003); o Rogue States (Stephen Friedman Gallery, Londres, 2003 y 2005). Asímismo, ha participado en la Bienal de Lyon 2005 y Documenta 11.

No deja de asombrarme, cada vez que vuelo a los Estados Unidos, la ingenuidad de las medidas de seguridad aeroportuarias. Al tomar tierra te preguntan si eres nazi, terrorista, drogadicto, alcohólico o si hay antecedentes de enfermedad mental en tu familia. Pero, ¿quién iba a molestarse en adquirir artefactos explosivos sofisticados e indetectables, en invertir años planificando un ataque para acabar, en el último momento, admitiendo ser terrorista y llevar una bomba en la maleta? Además, cualquiera que quiera desbaratar un vuelo internacional mediante un acto de terror no tiene más que abrir las puertas a mitad de vuelo. Seamos serios: resulta tan fácil secuestrar un avión o desatar el terror en él como mentir sobre las propias intenciones.Con independencia de sus posiciones políticas, las acciones y estrategias de los terroristas son siempre el resultado directo de la falta de alternativas. Superados en número y armamento, subalimentados y empobrecidos, se espera de ellos que desaparezcan entre los pliegues de la historia y que acaben siendo silenciosamente asimilados por la cultura de sus amos y opresores. El concepto del “Terrorista” se construye sobre la premisa de una sociedad homogénea en la que todos compartimos el mismo sistema de valores y subscribimos idénticos códigos sociopolíticos y éticos. El Terrorista es el “otro” para quien nuestros códigos no sirven y que, como consecuencia de ello, se convierte en nuestro enemigo. Al llegar hoy a los EEUU, a cualquiera que necesite un visado se le fotografía y se le toman las huellas dactilares en el acto. De pie, mientras escanean mi cuerpo, me doy cuenta de que soy extraño a esa cultura, de que no soy bienvenido y de que, como mucho, mi presencia será tolerada. En el proceso, mis diferencias, mi “otredad”, son consideradas delictivas y archivadas. Mi delito: haber nacido en un país clasificado como sospechoso. Parte II. El lenguaje es más la manifestación externa de una cultura que el resultado de un designio personal. Las estructuras y códigos que hacen posible o rechazan lo que somos capaces de expresar en un idioma concreto han sido predeterminados por la clase y la cultura dominantes. En la lengua inglesa, el acento de la reina y la Universidad de Oxford son los que fijan el nivel y la norma, la estructura de autenticidad. No debemos, por ello, sorprendernos de que el idioma inglés muestre una predisposición tan clara hacia los prejuicios, valores y experiencias de esa clase social. La única resistencia reside en tu acento, que no es, en modo alguno, ni neutral ni yermo. El acento es una voz auténtica que adquiere poder en tanto que referencia, alusión o entonación, priorizando la palabra hablada sobre la escrita y convirtiendo la lengua en arma. El acento se construye sobre las bases de una experiencia vivida que sitúa lo callejero, lo provinciano y lo coloquial en su propio núcleo semántico y que se define en función de las vivencias compartidas que aglutinan a una comunidad concreta. Con la creación de las colonias, el modus operandi de las superpotencias europeas se dirigió a duplicar el centro en todos los aspectos imaginables: el lenguaje, los nombres de las calles, el trazado urbano, la arquitectura y hasta

Born in may 1968 Kendell Geers has taken part in numerous international events and exhibitions. His recent one-person shows include The Forest of Suicides (MACRO Museum, Rome, 2004); In the Flesh (Salon 94, New York, 2004); Inferno (CCA Kitakyushu Project

Gallery, Japan, 2003); Terrorealismus (Migros Museum, Zurich, 2003); The Prodigal Son (Goodman Gallery, Johannesburg, 2003); and Rogue States (Stephen Friedman Gallery, London, 2003 and 2005). He has also participated in the 2005 Lyon Biennial and Documenta 11.

Every time I fly to the USA I am amazed and shocked by the naive stupidity of the security procedures at the airport. On arriving in the USA the visa forms ask if you are a Nazi, terrorist, drug addict, alcoholic or have a history of insanity in your family. Why would you go through all the trouble of acquiring sophisticated and undetectable explosive devices, spend months, if not years planning your attack, and then in the eleventh hour admit that you are a terrorist and that you are packing a bomb? In reality if you really want to disrupt an international flight with an act of terror it’s so much easier to simply open the doors mid-flight. Let’s face it, it’s about as easy to hijack or cause terror in an airplane as it is to lie about your intentions. Irrespective of their political position, terrorists’ actions and strategies are always forced upon them through a lack of alternatives. Outnumbered, outgunned, under nourished and impoverished they are supposed to disappear into the folds of history and silently assimilate into the culture of their oppressors and masters.The concept of a “Terrorist” is built upon the premise of a homogenous society in which we all have the very same value system and subscribe to the same socio-political and ethical codes. The Terrorist is the outsider, the other to whom our codes do not apply and who is as a result now our enemy.Arriving in the USA today everybody who requires a visa is then also digitally photographed and their fingerprints scanned. Standing there as my body is scanned I am reminded that I am alien to that culture, that I am unwelcome and shall be tolerated only for as long as I behave appropriately. My differences, my otherness is in the process coded as criminal, captured and archived. My crime was to be born into a country classified as suspicious. Part II. Language is oppressive as it only acknowledges that which can be named. It is not the result of any particular individual’s design so much as the external manifestation of a culture. The structures and codes that enable or disavow what may be expressed in any particular language are predetermined by the dominant class and culture that it gives voice to. In English it is the Queen’s accent and Oxford University that set the standard and norm, the structure of authenticity. It is thus hardly surprising that English should be predisposed towards the prejudices, value and experiences of that social class. Your only resistance is in terms of your accent which is by no means neutral nor impotent. The accent is an authentic voice that is empowered in terms of points of reference, allusion and intonation. It prioritizes the spoken word over the written, transforming the tongue into a very sharp weapon. The accent is built upon the foundation of a lived experience that places the street, the parochial and colloquial at its semantic core, defining itself in terms of the shared experiences that bind that specific community and no other. In creating their colonies, the modus operandi of the European Superpowers was to duplicate the centre in every imaginable aspect, from the language to the names of the streets, the

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Nacido en mayo de 1968 Kendell Geers ha participado en numerosos eventos y exposiciones internacionales. Entre sus muestras individuales recientes destacan; The forest of suicides (MACRO Museum, Roma, 2004); In the flesh (Salon 94, Nueva York, 2004); Inferno (CCA Kitakyushu

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I, TERROREALISTA* / I, TERROREALIST*


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las clases de historia. Enseñar a los nativos a leer y escribir era un método rápido y eficaz de insertar la “voz de su amo” y, con ella, sus valores y creencias, en el alma de los escolares aplicados. Siguiendo las líneas maestras coloniales, los nativos quedaron divididos en “buenos”, es decir, aquellos que hablaban, vestían, caminaban y pensaban como sus amos y aspiraban a ser en todo como ellos; y “malos”, que se comportaban en base a una concepción del bien y el mal totalmente diferente, asignándoseles, como consecuencia de ello, el papel del Caníbal. En 1928, el Manifiesto Antropófago de Oswald de Andrade reivindicó la voz de ese Caníbal como la más adecuada para el nativo que aspira a salirse de la duplicidad binaria del modelo cristiano europeo. Hace ya dos años se inauguró la que se suponía iba a ser “nuestra” Documenta. Pocas cosas han cambiado desde entonces. Quienes nacimos en el Tercer Mundo, en los márgenes, pensamos, ingenuamente, que el tablero daría la vuelta y que íbamos finalmente a poder sentarnos a la mesa en lugar de a servirla.Documenta XI fue responsable de la incorporación del artista políticamente correcto y multicultural a la corriente dominante, sin advertir que con ello se hacía el juego a los neocons y se nos dejaba con un arte inofensivo. Enarbolando su supuesta superioridad ética, el artista políticamente correcto se equivoca al presumir de una elevada estatura moral que los demás deben limitarse a seguir. Una posición que, con independencia de su parcialidad política, tiene como defecto su plasmación en un trabajo que plantea una opción binaria terriblemente predecible que no nos deja otra alternativa que el acuerdo o el desacuerdo. El partidismo de ese tipo de obra no sólo no desafía ni subvierte ningún sistema de valores, sino que, con su reduccionismo, refuerza, con toda probabilidad, la diferencia. La obra de arte necesita huir de la lógica del lenguaje y adentrarse en el peligroso mundo del terror. La única amenaza a los códigos del lenguaje y la historia radica en el terror y en lo inimaginable, impredecible, inexpresable, intraducible, innombrable, inoportuno y en lo que se articula a través del humor, la contradicción, el peligro y el extremismo. Naturalmente, con sólo enunciarse una vez, el código se pondrá de nuevo a cero y la amenaza quedará totalmente conjurada mediante su transformación en moda. Es ahí donde lo coloquial se vuelve tan poderoso: la experiencia vital en los márgenes -sean estos geográficos, emocionales o morales- se encuentra tan alejada de la concepción del centro que la asimilación completa se vuelve problemática. Para que funcione es necesario que la expresión se articule dentro del territorio común del código compartido. El punto de resistencia radica en el énfasis en el acento y la canibalización del lenguaje y la historia mediante la inversión de su lógica de poder a través de una experiencia vivida totalmente diversa y de la reubicación del centro en el margen. Parte III. La galería del cubo blanco es el templo supremo del capitalismo, y los galeristas los sacerdotes encargados del sacrificio diario de la integridad en aras del beneficio económico. A su servicio están los artistas, que reciben encargos, bien formalmente, bien por la propia presión de las demandas del mercado, para expresar ese sistema de valores. El sistema del cubo blanco es, por tanto, la manifestación del alto capitalismo y la materialización de su expresión ideológica más pura. A cada amenaza potencial, el capitalismo responde asimilándola en forma de moda. Una vez desaparecido todo peligro, la violencia implícita y la trasgresión se registra como simple hecho histórico. El Che Guevara sobrevive hoy como eslogan de camiseta y sus diarios como guión hollywoodense; y si la última documenta trasladó lo multicultural y lo políticamente correcto al corazón mismo de la corriente hegemónica fue porque se encontraban, lo uno y lo otro, totalmente muertos ya. Parte IV. Me gustaría, una vez aquí, volver al punto de partida: a la cuestión del lenguaje y del poder de mentir. La composición semántica de la estructura del arte encarna y representa los valores y necesidades de las clases dominantes que actuarían como brokers de aquella predeterminando el resultado y provocando la impotencia del artista.

urban design, architecture and even the history lessons. Teaching the natives how to read and write was a quick and efficient method for inserting the “master’s voice” and hence his values and beliefs into the soul of the good students. According to the colonial master plan, the natives were divided between that of the “good” native who spoke, dressed, walked and thought like his master and in every way aspired to become that master and on the other hand the “bad” native functioned according to an entirely different concept of good and evil and was thus cast in the role of Cannibal. In 1928 Oswald de Andrade’s Anthrophagic Manifesto recalled this same Cannibal as the most appropriate voice for the native who sought a way out of the binary duplicity of the Christian European model.It’s been two years since the opening of what was meant to be “our” Documenta and I would argue that little has changed as a direct result. Those of us born into the Third World, the margins, the disenfranchised, the colonized, the disempowered, naively trusted that the tables would turn, that we would finally be granted a seat at the table rather than waiting on it.Documenta XI ushered into the mainstream the Politically-Correct-Multi-Cultural (PCMC) artist, playing into the hands of the neo-conservatives and left us with an art that is inoffensive. The holier-than-thou PCMC artists start off on the wrong foot with the assumption that they have the moral high ground and that the rest of us mere mortals should follow. The problem with such a position, irrespective of their political bias, is that such work leaves us with a very predictable binary choice where we are only able to agree or disagree with. The partisan nature of such work neither challenges nor subverts any value system and probably reinforces difference with its reductionism. The work of art needs to move outside the logic of language into the dangerous world of terror. The codes of language and history are threatened only by terror and that which is unimaginable, unpredictable, inexpressible, untranslatable, unmentionable, inappropriate and articulated through humour, contradiction, danger and extremism. Of course having been articulated once, the code resets itself and assimilates and denies the threat by transforming it into fashion. It is here where the colloquial becomes so powerful, for the lived experience of life in the margins, be it geographical, emotional or moral, lies so far outside the conception of the centre, that complete assimilation is very problematic. In order to function it is necessary that the expression be articulated through the common ground of a mutually understood code. The point of resistance is the emphasis on the accent and the cannibalization of language and history by inverting its logic of power through an entirely different lived experience and relocating the centre to the outside. Part III. The white cube gallery is the high temple of capitalism and its dealers are the priests who make daily sacrifices of integrity in order to keep the gods of profit happy. At its service are the artists who are commissioned either formally or via the pressures of market demand to make manifest this value system. The white cube gallery system is the manifest form of high capitalism and the physical form of its purest ideological expression. Capitalism responds to every potential threat by assimilating the threat in the form of fashion. No longer dangerous, the implicit violence and transgression has been recorded as mere history. Che Guevara is now only a slogan on a T-Shirt and his diaries a Hollywood script. The last Documenta shifted the Multicultural and Politically Correct into the mainstream only because it was already dead. Part IV. I would like to return to my starting point, to the question of language, of truth and the ability to lie. Given that the semantic composition of the art structure embodies and represents the values and needs of the ruling class and that their brokerage predetermines the outcome, the artists themselves are impotent. Enter the TerroRealist. I have previously attempted a somewhat crude analysis of a certain kind of marginal artist, an artist who speaks both within a language of vested power and


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simultaneously articulating the realities of an entirely different experience. I observed that artists who had grown up in countries that had been torn apart by war, revolution, conflict, crime and genocide created work according to an entirely different set of aesthetic principles. In place of the cool detached passive showroom aesthetics of the white cube shrine, their work was invested with a Reality Principle that sought to disrupt the viewer’s pleasure more than satisfy it. Whilst most of these artists may be known to the institutional powers, their practice seems to preclude full assimilation. On the one hand the artists typically grew up or lived significant parts of their lives in countries that had experienced extreme ideological switches like the former USSR, Yugoslavia, Serbia, Croatia, South Africa, East Germany and so forth. Having witnessed such extreme ideological reversals and dramatic shifts in their social realities and moral codes, these artists would naturally be more critical of any social codes and ideological promises. There exists too an entirely similar group of artists who grew up in countries in which capitalism has failed to take root, countries that embody the empty promise of profit and the criminal inequality of a system designed around the needs of the G8. The favelas, streets and ghettos of São Paulo, Mexico City, Rio, Havana and Bogota have witnessed a very similar strategy coming from artists based once again on a loss of faith in a political system that disqualifies and disenfranchises them even before they begin. But there are also artists from the centre who demonstrate those very same characteristics. The answer is that terrorists must infiltrate in order to survive, slowly integrating themselves into the culture they seek to destroy. The more successful they are in being able to lie about their intentions and disappear into the social fabric, the greater their chances will be to later rip it all apart. Since it can sometimes take years for a plan to be set in motion, it is very important that they keep their eyes on their goal with a very strong sense of faith and courage, hiding behind subterfuge and equivocation. As a role model, there can be no better for the contemporary artist. The artists I have attempted to define as TerroRealist would refute such a definition for they would be suspicious of the power and control that follows the process of naming. Their work is performative and disruptive, anti-social and yet at the same time they can sometimes use fashion as a vehicle. Most importantly, the TerroRealist distrusts power whatever its form. Power is defused with humour, contradiction, disavowal and history is thrown back into the dustbin from whence it came. Perhaps the most important aspect of such artists is that they begin every project from the perspective of the self. Unlike the PCMC artist the TerroRealist does not speak on behalf of others. Instead, the self is located at the centre, as the subject from which the world may be analysed and decoded. Part V. According to the Hindu tradition of cosmology we are now entering into the age of Kali Yuga, a dark spiritual age of chaos, rampant sexuality, greed, violence, debauchery and lies. The gods that were once feared have since been reduced to one dimension. Most Contemporary Art practice reflects this condition in its vapid banality and decorative emptiness. There is no spiritual dimension to contemporary art beyond celebrating the sale and exchange value of the objects. The excess of profit has created lifestyles in which death, disease, pain, trauma and the fragility of the body is removed from experience. According to the ancient Shamanistic ways, it is necessary that you confront and deal with the realisation and experience of your own death before you can express life. Memory is a scar that holds onto the body in pain, ecstasy, anger, orgasm, hysteria and excess, and God is the ultimate terrorist constantly creating and destroying our world with violence and beauty.

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Y es aquí donde entra en escena el Terrorrealista. He tratado antes de analizar, en forma un tanto cruda, un cierto tipo de artista marginal; un artista que habla dentro del lenguaje del poder pero que a la vez expresa las realidades de una experiencia radicalmente diferente. He notado que aquellos artistas que han crecido en países destruidos por la guerra, la revolución, los conflictos, el crimen o el genocidio crean un tipo de obra que responde a un conjunto de principios estéticos completamente diferente. En lugar de la fría y distante estética expositiva pasiva del templo del cubo blanco, su obra se impregna de un Principio de Realidad que, más que complacer, busca perturbar al espectador. Y, aunque muchos de esos creadores sean familiares a los poderes institucionales, su propia práctica impide la asimilación total. Por otro lado están los artistas que crecieron o vivieron una parte importante de sus vidas en países que han experimentado cambios ideológicos tan extremos como los registrados en la antigua Unión Soviética, Yugoslavia, Serbia, Croacia, Sudáfrica, Alemania Oriental, etc. Es natural que, tras haber presenciado giros ideológicos tan extremos y dramáticos en sus realidades sociales y códigos morales, esos artistas se muestren más críticos con cualquier código social o promesa ideológica. Existe también un grupo parecido de artistas que crecieron en países en los que el capitalismo fracasó en su intento de echar raíces; países que encarnan la promesa vacía del beneficio y que padecen la criminal desigualdad de un sistema cuyo diseño responde a las necesidades del G8. Las favelas, calles y ghettos de Sao Paulo, Ciudad de México, Río, La Habana y Bogotá son testigos de estrategias parecidas de artistas que basan también su trabajo en la pérdida de fe en un sistema político que los descalifica y anula antes incluso de iniciar su trayectoria. Pero hay también artistas del centro que comparten características con los arriba mencionados. La razón es que, para sobrevivir, el Terrorista tiene que infiltrarse, integrarse sigilosamente en la cultura que aspira a destruir. Cuanto más consiga mentir y perderse en el interior del tejido social, mayores serán sus posibilidades de destrozarlo. Y, como poner un plan en marcha puede llevar años, es muy importante mantener la vista fija en el objetivo con fe y valor, ocultándose mediante subterfugios y equívocos. Un modelo de comportamiento perfecto para el artista contemporáneo. Los artistas que he intentado definir como Terrorrealistas rechazarían dicha definición al sospechar del poder y el control inherentes al proceso de nombrar. Su trabajo es performativo y perturbador, antisocial y no elude la moda como vehículo. Y, lo que es más importante: el Terrorrealista desconfía del poder se manifieste en la forma que sea; el poder se desactiva mediante el humor, la contradicción, la negación, y la historia es arrojada al cubo de basura de donde salió. Quizás el rasgo más importante de ese tipo de artista es que inicia todos sus proyectos desde la perspectiva del yo. En contraste con el artista políticamente correcto, el Terrorrealista no habla en nombre de otros. En lugar de ello, el yo se localiza en el centro como sujeto desde el que analizar y descodificar el mundo. Parte V. Según la tradición cosmológica hindú, nos adentramos en estos momentos en la era de Kali Yuga: un oscuro periodo espiritual de caos, desenfreno sexual, codicia, violencia, disipación y mentira. Los otrora temidos dioses han quedado reducidos a tópicos dimensionales. La mayor parte de la práctica artística contemporánea refleja esta situación en su banal insulsez y decorativa vacuidad. No existe otra dimensión espiritual del arte contemporáneo que la que resulta de la celebración del valor de cambio de los objetos. El exceso de beneficio ha dado lugar a unos estilos de vida en los que la muerte, la enfermedad, el dolor, el trauma y la fragilidad del cuerpo se arrebatan a la experiencia. Según los antiguos procedimientos chamanísticos, para expresar la vida es necesario enfrentarnos y abordar antes la consciencia y experiencia de nuestra propia muerte.


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La memoria es como una cicatriz aferrada al cuerpo presa del dolor, el éxtasis, la rabia, el orgasmo, la histeria o el exceso, y Dios el terrorista último, que crea y destruye permanentemente nuestro mundo con violencia y belleza. He arrancado la lengua a mi maestro y de lo que se trata ahora es de devolver el cuerpo a un espacio de deseo, sexo, sangre, sudor, dolor, amor muerte, del despertar de la Bestia dentro de nosotros, del caníbal en Dionisio devorando a Apolo para poder, así, asimilarlo. *Este texto es una versión reducida del original.

I have ripped out the tongue of my master and now we must return the body to a space for desire, sex, blood, sweat, pain, love, death, the awakening of the Beast within, the cannibal in Dionysus devouring Apollo in order to assimilate him. *Edited version of a longer text.


REMO GUIDIERI

universidades, publicando, entre otros: L’abondance des pauvres, Juan y la pintura, Symétries de guerre, Pandora’s Box, Argonautics. Philosophical Flaneries, On Loan and Sacrifice, Capodarco Fermano, Senz’autunno né tuoni, Le livre d’or, Giocattoli, Juguetes/ Toys, Commiato di Matisse, Caro Pinocchio. Piccola genealogia del negativo y Ombre.

Vieja cantinela sobre los desvalidos: “¡Afortunados los que aún pueden gozar de lo esencial!” Versión orientalista, India y hambruna como parangón: “Mueren pero en la alegría”. Versión postcolonial: “Amables salvajes”. Versión positivista y sentimental: “Coherentes y modestos, cicateros y acaudalados”. Lugar común en versión académica: “Ellos son nuestra salvación”. Frases de opulento de turno para encanallarse después, temeroso y bajo protección, transmitidas por las damas de la buena sociedad y por el orden establecido de antaño. El rico piensa en sí mismo con orgullo, opta por un “paréntesis educativo” y lo vive como prueba consentida con la certeza de ser una persona honrada, con su razón y sentimientos en consonancia. Trueca limosna por generosidad. Se da unas semanas de prueba para pulir su perfectibilidad. Conrad fue su excelente retratista, sobre todo en Heart of Darkness, con esos belgas medios que se embolsan el dinero hablando de civilización venidera, Mista’ Kurz excluido (siendo él “demente”). Estamos lejos de las Casas de Misericordia en las que se alojan y son atendidos los necesitados y los enfermos, donde la compasión y la entrega son prácticas cotidianas y de toda una vida. Desde entonces, la aventura calafateada por la institución (etnología) o por la organización del ocio (turismo), lo extranjero se ha convertido en un exotismo liso como las fotografías que se miran al volver en invierno. Una fundición sobreexpuesta de culturas calificadas en tránsito, “metamórficas” en permanencia, de contornos indefinidos. El proceso barre las descripciones “geométricas”, abstractas, tachadas de ilusorias, de los maestros pensadores desaparecidos y que ya no se leen. Cierto es, como decía Bacon el filósofo, “map is not the territory”. Pero cabe preguntarse al leer la antropología actual cómo puede todavía hablarse de culturas si no es como fragmentos flotantes sobre una superficie por la que se dan paseos. Culturas-nenúfares en tránsito que se observan para componer herbarios. Libros desencantados y cínicos con el imprimatur de la industria cultural. ¿No será acaso que ante la miseria ajena se pone una palabra caritativa para conjurarla? Se subestima la superficialidad sentimental del hombre abstracto (la expresión y el retrato se encuentran en Sartre): a esa superficialidad le faltaban las medallas académicas con las que ahora se pavonea, confrontada con una diferencia, medida en términos de riqueza y pobreza extremas. Us/them nombra de manera concisa el invariante que ha forjado, nosotros como otros –si aún se quiere separar el interés pragmático del que no lo es– tantos remedios como ilusiones [1]. En medio siglo de crecimiento, el invariante del que da fe el despilfarro “corriente”, tanto militar como pacífico, quizás ya no sea el mismo. Del nido de abejas suspendido del árbol virgiliano a la reina madre, enorme, adiposa, máquina reproductora. El eje que acumula tales diferencias se altera tanto o más incluso que en la época de la revolución neolítica. La acumulación supera con creces la prevención de la miseria que duró milenios[2]. Y el vértigo del poder florece en los excesos del despilfarro de las poblaciones cebadas con lo superfluo.

(Italy, 1944) Professor of Anthropology and Aesthetics at the Nantes University, he studied at the Levi Strauss school, and has become a key reference for international contemporary art. He is a lecturer of the Paris X University, and co-founder of the journal RES. Has led ethnographic missions to Solomon Islands and Polynesia. Has been visitor professor in

prestigious universities, and is the author, among other, of: L’abondance des pauvres, Juan y la pintura, Symétries de guerre, Pandora’s Box, Argonautics. Philosophical Flaneries, On Loan and Sacrifice, Capodarco Fermano, Senz’autunno né tuoni, Le livre d’or, Giocattoli, Juguetes/ Toys, Commiato di Matisse, Caro Pinocchio. Piccola genealogia del negativo and Ombre.

An old refrain on the destitute: ‘Lucky are those who can still enjoy the essential things’. Orientalist version, India, with famine as the backdrop: ‘They die, but at least they are happy’. Postcolonial version: ‘Friendly savages’. Postivist and sentimental version: ‘Coherent and modest, parsimonious and well-off’. Cliché, academic version: ‘They are our well-being’. Phrases by the affluent man of the day, who then frequents low company, fearful and under protection, alternating between high society ladies and the well-meaning people of bygone times. The rich man thinks of himself with pride, takes an ‘educational break’, experiencing it like an approved test, in the certainty that he is an honest person, with coherent reason and sentiments. Alms exchanged for generosity. He takes a few weeks to polish his perfectability. Conrad portrayed him brilliantly, particularly in Heart of Darkness, with those average Belgians who pocket the money while speaking of future civilisation – save for Mistah Kurz (since he is ‘crazy’). A far cry from the Charity Houses which give shelter and tend to the needy and infirm, where compassion and commitment are common and lifelong. The adventure is made cosy by the institution (ethnology) or by the leisure organisation (tourism) and foreignness becomes something blandly exotic, like the photos you look at on your return in winter. An overexposed blend of cultures denominated ‘in transition’, permanently metamorphic, with blurred contours. The process deletes the geometrical, abstract descriptions -criticised as illusory- of the late, great thinkers who are no longer read. As the philosopher Bacon rightly said, ‘Map is not the territory’. But one wonders when reading current anthropology how one can talk of cultures nowadays except in terms of fragments floating on a surface we use to walk on. Water lily cultures in transition that are used to make herbariums. Disenchanted and cynical books with the imprimatur of the culture industry. Could it be that when confronted with the distress of others we use a charitable word to try and keep it away? The sentimental superficiality of abstract man (expressed and portrayed in Sartre) is underestimated. Missing were the academic medals used to show off today when confronted with difference measured in terms of extreme wealth and extreme poverty. ‘Us/Them’ designates accurately the invariant which has forged, if one still wants to separate pragmatic from non-pragmatic interest- as many remedies as it has illusions[1]. In half a century of growth, the invariant attested by ‘normal’ squandering waste, both military and peaceful, may no longer be the same. From the bee’s nest hanging from the Virgilian tree to the Queen Bee, an enormous, adipose reproduction machine. The axis that accumulates such great divides is altered as much as, or even more so than, during the Neolithic revolution. This accumulation was far greater than the prevention of the misery that has lasted centuries. The vortex of power blossoms in the excessive squandering of populations stuffed by excess. 309

(Italia, 1944) Es catedrático de Antropología y Estética de la Universidad de Nantes, formado en la escuela de Levi Strauss, y referente dentro del arte contemporáneo internacional. Es profesor de la universidad París X y cofundador de la revista RES. Ha realizado misiones etnográficas en las islas Salomón y Polinesia. Ha sido profesor invitado en prestigiosas

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A ESTE LADO DEL SUPUESTO PARAÍSO / FROM THIS SIDE OF A SO-CALLED PARADISE


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Un eje de estas características impera como un tabú arcaico: toda trasgresión es juzgada como un acto fallido, lamentable y sancionable. Un fracaso que hay que revocar. Modula el desarrollo y las palabras que lo tornarían razonable: combate contra la negatividad, futuro bajo control. En resumidas cuentas, el progreso oculta la ambigüedad que encierra tal crecimiento indefinido. El fin dista mucho de ser la perfección alcanzada y no es sino la superación como tal, la línea orientada hacia la “x”, la negación del círculo, es decir, de la continuidad. Singular negación en tiempos de nihilismo maduro, del Eterno Retorno de lo Mismo que es, Nietzsche dixit, el fondo y el principio. No se aprecia lo suficiente la enorme contradicción que queda oculta entre la voluntad de incrementar la Voluntad de poder y el círculo, despliegue de lo Mismo, que al contrario la refuta. ¿Podríamos quedarnos acaso bajo la autoridad de la “parte maldita”, siendo su paradigma esos desechos nocivos, enterrados y desenterrados, que dan la vuelta al mundo, inalterablemente activos, esas guerras y matanzas cometidas ante la indiferencia o con el sostén de los países opulentos? ¿Tendríamos nosotros ese impulso, la necesidad salvadora en el acto de destruir, el exceso dentro del exceso, destrucción y expulsión homologados al sacrificio, vinculados al arcaico péndulo entre éxtasis y desequilibrio, contemplando nuestro despilfarro ateológicamente, considerado inevitable por ser necesario, en una dependencia no sacrificada de los actos que nosotros nombramos gastos y que resultan ser tanatológicos, la saturación vencida por la complicación –al menos hasta este momento– ¿Sigue siendo todavía el evolucionismo el que marca el progreso (suponiendo que el crecimiento del tecné lo fuera)?, o bien ¿sería el progreso una hibridación aberrante puesto que el crecimiento conduce al caos cuyo alcance comprobamos cotidianamente? ¿Será esta la carrera para controlar esta metástasis sin premisa ni conclusión evolutivas por carecer de optimismo, salvo por una cuantificación de la virtualidad? ¿Estaremos siguiendo el curso de una tuerca loca, que se ha corrido, y en la que cada vuelta deshace lo que había atornillado la precedente? Nunca se ha hablado de negatividad si no es en ese tejido del sentido en el que lo que se pierde por un lado se gana por el otro, como decía Derrida[3].Tampoco disponemos de equivalentes para ganancia o pérdida en un socius que reivindica la ganancia y disimula ignorar lo negativo que es el precio que paga por ello o que lo conjura por lo espectacular pero al que le falta la katharsis, dado que ésta no equivale a desahogo. La “optimización” de la riqueza descabelladamente acumulada en el ejemplo del recipiente cuyo contenido se vuelca en otro, vaciando uno para llenar el otro, ¿será entonces la otra cara de la penuria y la figura de la explotación seguirá acaso siendo la de las Réflexions de Simone Weil en 1932: el invariante, la estructura del bios moderno-homeóstasis imposible de eliminar que sostiene el conjunto? ¿O más bien habría que considerarlo como la empresa que busca “elitistamente” la escisión del socius, ahora ya planetario, dirigida por el azar y sus combinados entre opulentos y condenados “que no tienen suerte”, destinados al anonimato y a la desaparición? ¿Qué relación existe entre azar y lógica en historia? ¿Cómo predispone lo uno a lo otro? ¿Basta el clinamen de Lucrecia para convertir la espléndida imagen del átomo oblicuo que atraviesa la continuidad física del mundo, fluidez alterada, en acontecimiento de la historia, el imperio que se extiende y decae después, masas movilizadas que pasan del rojo al negro, las innumerables ascensiones a las que se puede resistir, los rescoldos que luego se transforman en incendio, Octubre y el Black Thursday? ¿Cómo podría la lógica de lo vivo, de la historia, dar el positivo y negativo mediante el combinado anónimo del jaque mate, calculado en cantidades considerables de tiempo (historia) y de sociedades (invención de formas)? Viejas preguntas a las que nunca se da plena respuesta. Cuando se disuelven aquí, por obstinación especulativa, reaparecen allí. Pasamos de Polybus a Spengler, de Hegel a Marx. Hoy en día, el juego de matanzas denominado “racional” parece que puede ahorrarse esta renqueante presciencia –“fin de las ideologías” quiere decir eso–.

One such axis operates as an archaic taboo: all transgressions are judged as a failed, lamentable and punishable act. A failure that must be revoked. It modulates development and the words that make this reasonable. Combat negativity, the future is under control. In sum, progress conceals the ambiguity of such undefined growth. The goal is a long way from perfection and is mere excess, the line leading to X, the negation of the circle, of continuity. A singular negation in times of mature nihilism, the Eternal Return, which -as Nietzsche puts it- is both the end and the beginning. Insufficient measure is given to the vast contradiction between the desire to increase the desire for Power and the Circle, the deployment of the Same, which refutes it. Could we be under the thumb of the ‘cursed part’, the paradigm of which is the dangerous -buried and unburied- waste that travels around the world, unchangeably active; the wars and massacres committed with indifference or even with support from well-off nations? Do we have the drive, the salvational need, in the act of destruction, excess in excess, destruction and expulsion approved for sacrifice, associated with the archaic pendulum swinging between ecstasy and disequilibrium, contemplating our squandering atheologically, considering it inevitable since it is necessary, in a non-sacrificed dependence on acts we call expenditure and which turn out to be tanatological, saturation defeated by complication, at least up until now? Does evolutionism still mark progress (assuming that growth of tecne is indeed progress) or is progress an abhorrent hybridisation, since growth leads to chaos, the extent of which we can see with our own eyes day by day? Or is it a race to control metastasis that lacks an evolutionary premise or conclusion since it lacks optimism, save for that derived from quantifying virtuality? Are we following the path of an endless screw, which undoes the thread made by the previous turn? Negativity has never been spoken of except in the sense of what is lost here is gained there, as Derrida[3] said . We don’t have equivalents for loss and gain in a socius which advocates gain and feigns ignorance of the negative aspects, which is the price paid for this gain, or foreswears it through spectacle, but which lacks katharsis, which is not the same as relief. Might the optimisation of wealth accumulated on the basis of a container whose contents are poured into another, emptying one to fill another, be the other side of penury and the face of exploitation still be that found in the Réflexions of Simone Weil in 1932: the invariant, the structure of the modern bios, the unremovable homeostasis, which underpins the whole?. Or should we consider it as the enterprise that seeks ‘elitely’ to divide the socius, which is now global, bearing the staff of chance and its contrivances of rich versus hapless, those who are doomed to anonymity and to disappear? What relation exists between chance and logic in history? How does one predispose to the other? Is Lucretia’s clinamen enough to convert the splendid image of the oblique atom passing through the world’s physical continuity, altered fluidity, into an event in history, the empire rising and then falling, mobilised masses that change from red to black, the countless upward movements that can be resisted, the embers that become fire, October and Black Thursday? How can the logic of the living, of history, produce positive and negative through the anonymous combination of checkmate, calculated in considerable amounts of time (history) and societies (invented forms)? Old questions which have never been answered fully. When they dissolve here, due to speculative obstinacy, they reappear elsewhere. We go from Polybus to Spengler, Hegel to Marx. Today, the so-called rational game of massacres appears to be able to dispense with this lame prescience... the ‘end of ideologies’ means just that.


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[1] Us/them: from as early as Greek times (Thucydides), by extension with others --- barbarian, with a different vision of autoritas, of polis and ultimately hieros (see The Persians by Aeschylus)---: a powerful difference, by its very nature uncontainable. The essentially dominant traits are servitude of the socius and the enormity of the theos, the deified figure of the caput, submission to him with no exceptions. The distinction between slave andfree man is of no value, including even Master and Noble. To detect the Greek duality free man vs. slave one has to turn to the Laws (Plato) and Politieias (Aristotle): autochthonous/barbarous. The Asian invariant is satrapism. The ‘Asian fashion’ (also found in Marx’s Grundrisse: the Asian way of production). This fashion appeared only in the area of the Aegean archipelago, defined: to the east, of which it also forms part, by the conquering satrapy that failed temporarily (under the auspices of Latin expansion, after Carthage it penetrated even the ordo of res-publica, turning it into Imperium, orientalised, -after Pompey- to conquer the world with Rome; to the west, by the nations to be conquered; to the south-west, the Middle East, except Thebes, Babylonia etc, and coastal and inland Phoenicia, by the religion of the desert, the intransigent, racist monotheism- even more polytheismwhich conquered on the basis of the ‘us/them’ exclusion. Not so much submission, except for necessary vassalage, as physical suppression of others, ignoring their rules, principles and habits: the conquering nomad ignores the meaning of eetate, territory, cultural niche, although at times he has ambitions to grow and ultimately become sedentary. This is true of the 12 tribes of the desert to Judean Royalty). Hunter-nomads managed to avoid this for thousands of years. Again, satrapism in ‘the name of God’. The meeting, in times of Octavian, between pagan East and Semitic East took the world in the direction of the massive seism of the Christian unicuum. Fides plus Imperium radically altered past indifference-opportunism towards the customs of others, particularly the Latins (the Greeks, less so or nothing). Could it be that Latin empire-building is what sets some conquerors apart from others? [1] The reader is referred to the essay entitled Postlithic in Catalogue Pac, Padiglione Arte Contemporanea, 1993, Milan, which offers deliberately -and involuntary also- pataphysical approaches within an anthropological perspective. The following essay is an extension of this one, and of that for which notice was given back in 1983 in ‘Le primitivism aujourd’hui’ in ‘L’abondance des pauvres’, Paris 1984). [2] “De l’économie restreinte a l’économie généralisée”, en L’écriture et la différence, Paris, 1967: 380. [3] “De l’economie restreinte a l’economie generalisee”, en L’ecriture et la difference, 1967: 380.

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[1] Nosotros/ellos: desde al menos los Griegos entre ellos (Tucídides), por añadidura con los otros –bárbaro, con una visión diferente de la autoritas, de la polis, y por ende también del hieros, (véase Los Persas de Esquilo)–: diferencia de potencia, por su naturaleza propia, incontenible. Los aspectos esencialmente dominantes constituyen la servidumbre del socius y la enormidad del teos, la figura divinizada del caput, la sumisión a él sin excepción alguna. La distinción: esclavo/hombre libre no tiene valor incluso entre Maestro y noble. Para detectar el dualismo griego: hombre libre/esclavo es necesario remitirse a las Leyes (Platón) et a la Politeia (Aristóteles); autóctono/bárbaro. El invariante asiático es el satrapismo. “Modo asiático” (también se encuentra en los Grundrisse de Marx: “modo de producción asiático”). El modo apareció únicamente en el contorno del archipiélago del Egeo: al este, del que también forma parte, por la satrapía conquistadora que fracasa provisionalmente (bajo los auspicios de la expansión latina, después de Cartago penetrará en el mismo ordo de la res-publica, convirtiéndola en Imperium, orientalizada –desde Pompeya–, para conquistar con Roma el mundo; al oeste por los pueblos que había que colonizar, al sudoeste, Oriente Medio, con la exclusión de Tebas, Babilonia, etc., y la Fenicia costera y del interior, por la religión del desierto, el monoteísmo intransigente, racista –más politeísmo aún– y conquistador, con el modo de la exclusión “nosotros/ellos”: menos someter, excepto para el necesario avasallamiento, más bien supresión física del prójimo, ignorando los principios, reglas, costumbres de los demás: el nómada conquistador ignora lo que es estado, territorio, nicho cultural ; aunque a veces tenga la ambición de crecer, de sedentarizarse por ende: así desde las doce tribus del desierto hasta la Realeza de Judea). De ello se escapan los nómadas-cazadores durante milenios. De nuevo satrapismo “en nombre de Dios”. El encuentro en tiempos de Octaviano entre el Oriente pagano y el Oriente semítico orienta al mundo hacia el enorme seísmo del unicuum cristiano. Fides plus Imperium alteran radicalmente la indiferencia-oportunismo de antaño hacia las “costumbres” de los demás, sobre todo los Latinos (los Griegos, menos o nada). ¿Será entonces el empirismo latino el que distingue a unos conquistadores de otros? [1] El ensayo Postlitico, en: Catalogue Pac, Padiglione Arte Contemporanea, 1993, Milán, da una visión patafísica, voluntaria –e involuntariamente– dentro de una perspectiva antropológica a la que ruego al lector se remita. El siguiente ensayo es la prolongación del mismo así como del que lo anunciaba en 1983 Le primitivisme aujourdhui (en: L’abondance des pauvres, Paris, 1984). [2] “De l’économie restreinte a l’économie généralisée”, en L’écriture et la différence, Paris, 1967: 380. [3] “De l’economie restreinte a l’economie generalisee”, en L’ecriture et la difference, 1967: 380.


SALAH M. HASSAN

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LA MODERNIDAD EN ÁFRICA: MÁS ALLÁ DEL DISCURSO DE ALTERNATIVAS DE LO MODERNO AFRICAN MODERNISM: BEYOND ALTERNATIVE MODERNITIES DISCOURSE

Es director del Centro de Estudios e Investigación Africana, y ha sido Jefe del Departamento de Historia del Arte de Cornell University, y catedrático de Historia del Arte y Cultura Visual Africana y de la Diáspora Africana. Es co-director de NKA: Journal of Contemporary African Art, y consejero de las redacciones de African Arts y Atlántica. Ha escrito y editado numerosos libros, entre los que destacan Unpacking Europe (2001) Authentic/Ex-Centric: Conceptualism in Contemporary African Art (2001), Gendered

Visions: The Art of Contemporary Africana Women Artists (1997) y Art and Islamic Literacy Among the Hausa of Northern Nigeria (1992). Ha colaborado en varias antologías, como The Art of African Fashion (1998), Women, Patronage, and Self-Representation in Islamic Societies, editada por D. Fairchild Ruggles (1999); y Reading the Contemporary: African Art from Theory to Marketplace editada por Olu Oguibe y Okwui Enwezor (1999). Hassan ha sido comisario de varias exposiciones internacionales.

África es un complejo constructo intelectual que significa cosas diferentes según para quién. Pero África es también una entidad histórica enormemente diversa y complicada. Después de lo sucedido en los últimos cuatro siglos como consecuencia de la esclavitud, el colonialismo y la consiguiente diáspora y desplazamiento masivo de gentes y culturas africanas, ya no es posible hablar de “África” o de lo “africano” como mera categoría geográfica. Y sea cual fuere el significado que decidamos atribuir al término “africano” que, naturalmente, contendrá a la modernidad africana, será siempre fruto de esa históricamente compleja realidad y presencia global. Pero la pregunta continúa en el aire: ¿qué es eso de modernidad africana? La práctica del arte moderno, en Europa o en cualquier otro contexto, marca un sentido de diferencia, un proceso autoconsciente de reconfiguración del yo y de proyección de actitudes particulares frente al pasado y al presente. Y eso e