Page 1

цукенгшщзхъфывапролджэячсмить бюйцукенгшщзхъфывапролджэячсм итьбюйцукенгшщзхъфывапролджэя чсмитьбюйцукенгшщзхъфывапролд жэячсмитьбюйцукенгшщзхъфывапр олджэячсмитьбюйцукенгшщзхъфыв апролджэячсмитьбюйцукенгшщзхъ фывапролджэячсмитьбюйцукенгш щзхъфывапролджэячсмитьбюйцуке нгшщзхъфывапролджэячсмитьбюй цукенгшщзхъфывапролджэячсмить бюйцукенгшщзхъфывапролджэячсм итьбюйцукенгшщзхъфывапролджэя чсмитьбюйцукенгшщзхъфывапролд жэячсмитьбюйцукенгшщзхъфывапр олджэячсмитьбюйцукенгшщзхъфыв апролджэячсмитьбюйцукенгшщзхъ фывапролджэячсмитьбюйцукенгш щзхъфывапролджэячсмитьбюйцуке нгшщзхъфывапролджэячсмитьбюй Хроника выставочной деятельности

Центра графики, живописи и дизайна StArt Академия

2009-2012


Хроника выставочной деятельности

2

Центр графики, живописи и дизайна StArtАкадемия - это проект, который объединяет выставочное пространство StArtGallery и Студии-мастерские для взрослых и детей ArtStudio. Авторские программы с нестандартным «живым» подходом позволяют каждому человеку открыть в себе художника, приблизиться к миру искусства и выбрать свое направление. Посещение настоящей мастерской художника и его авторский мастер-класс – уникальная составляющая StArtАкадемии. Галерея современного искусства StArtGallery Пять этажей выставочного пространства создают полифонию стилей и направлений, отвечающих высокому уровню мастерства художников. Персональные выставки и тематические экспозиции - срез современного искусства, находящийся вне художественного дискурса. Ежемесячно проводится от трех до пяти новых выставок. Это постоянный живой диалог со зрителем, возможность внутренне расти и совершенствоваться. StArtGallery - это галерея-старт (от анг. start). Старт для новых талантливых художников. Старт для прогресса и движения вперед, для рождения новых техник, взглядов и мироощущений. Но старт не на пустом месте. Тесная связь молодых талантов со старшим поколением художников, дает удивительное взаимное обогащение и сохраняют традицию петербургской (ленинградской) пластической культуры. StArtGallery - это в буквальном смысле галерея «святого искусства» (от анг. saint), созидательного, утвердившего себя во времени и пространстве, доказавшего свою состоятельность. Это искусство подлинное, свободное от любых деструктивных и разрушающих элементов. Это актуальность прошлого в настоящем. Это сочетание классических подходов в искусстве с новым, свежим, современным. Это состоявшиеся художники, чьи работы представлены в лучших выставочных залах и украшают музейные и частные коллекции.


Хроника выставочной деятельности

3

Открытие галереи состоялось в октябре 2009 года. Первым художественным проектом стала выставка живописи «Банковский мостик Non-Stop» и мастер-классы по городскому пейзажу круглые сутки, ставшие традиционными круглый год. Из окна Центра открывается уникальный вид на Банковский мостик канала Грибоедова. И сотрудники, и художники галереи сразу оценили это преимущество, так в коллекции стали появляться картины с написанным в разное время года потрясающим сюжетом. Водная гладь или замерзший канал, зеленые деревья, либо заиндевелый гранит. В начале XVIII века в этом месте была берёзовая роща. После основания СанктПетербурга и появления Большой першпективы Пётр I строжайше запретил рубить здесь деревья, "непролазное" болото было засыпано. В 1736-1737 годах во всём квартале расположились деревянные торговые ряды с галереями. Здание, в котором находится Центр графики, живописи и дизайна StArtАкадемия больше двух веков назад, называлось “Малый Гостиный Двор”. Построено оно в 1790 гг. - автор не установлен, предположительно архитектор Джакомо Кваренги. В конце 1840 - начале 1850-х гг. было перестроено архитектором Николаем Павловичем Гребёнка. По нынешней улице Ломоносова проходила Новая банковская линия, где располагались чиновники, казначеи, обслуживавшие торговлю.


Хроника выставочной деятельности

4

В октябрь 2009 «Real Art. Пространства…», живопись: Александра Романова. — Куратор искусствовед Е. Прилашкевич. Rоманова Aлександра - личность яркая и многогранная. Она постоянно развивается, ищет, экспериментирует, находя всё новые и новые применения своему творческому началу. RealArt – то направление, в котором художник живёт и работает. Здесь нет стремления к точной, классически выверенной передаче предмета, также как и к педантичной отвлечённости интеллектуальных рефлексий современного искусства. Произведения существуют где-то посередине, отдавая дань чувственному восприятию окружающего мира. Городские пейзажи, абстракции, работы-фантазии – являются воплощением неожиданных жизненных столкновений и личностных открытий Александры. Меняется степень творческой свободы художницы, меняется и подход к передаче образов, угол преломления действительности. Меланхоличность и поэтичность соседствуют с необузданной экспрессией; декоративность уравновешивается тонкостью цветовых отношений. Несмотря на всё разнообразие, в произведениях всегда просматривается единый внутренний стержень, выраженный в утверждении живописной гармонии. Большое влияние на деятельность художника оказало сотрудничество с детскими театрами, работа над созданием кукол. Открытость, чистота эмоции, а порой даже некоторая наивность, свойственная творчеству Романовой, притягивает подкупающей искренностью. Пространства Александры Романовой, будь то представленные на выставке виды Петроградской стороны, фантастический замок из песка или состояния времён года, приоткрывают занавес к пониманию персональной мифологии художницы от сотворения мира до его кристаллизации в реальность.


Хроника выставочной деятельности

5

Октябрь 2009 «ОТКРЫТкОСТЬ» фестиваль социального искусства АртСобес «Окна М/Ж роста». Куратор О. Давыдова. Главные герои выставки – советские мужчины и женщины, такие, какими представляли их себе идеологи советской эпохи и художники советской открытки. Как должно было проявляться мужское и женское в гражданах и гражданках СССР? Что в товарищах советского союза было достойно осмеяния? Какими они были на самом деле? Почтовая открытка – уникальный артефакт эпохи, один из самых популярных способов коммуникации, жанр искусства и часть бытовой культуры – ярко выражает социальногендерные представления, царившие в 1950-1980х годах. Советское искусство, в официальной форме отражавшее идеологические установки, в то же время являлось первичным источником формирования идентичности советских людей. Однако, несмотря на цензуру, «открыточные» образы советских мужчин и женщин переполнены отсылками к коллективному бессознательному советского народа. Отрицание сексуальности, ударное производство, семья как ячейка общества и другие реалии советского быта соседствуют на нашей выставке с тем, что все-таки смогло вырваться из тесных рамок идеологии государства «рабочего и колхозницы». Мы не смеемся над прошлым - мы пересматриваем его и улыбаемся, и с помощью этого переоцениваем свое настоящее. Открытка, или открытое письмо, помогает нам открыто заявить о том, что глубоко укоренилось в «культурной памяти народа». Мы уверены, что у каждого есть свои представления о современных женщинах и мужчинах. Мы стремимся к тому, чтобы каждый мог высказаться, поэтому на выставке «ОТКРЫТкОСТЬ» у вас появляется возможность создать свою собственную почтовую карточку. Лучшие открытки будут изданы и созданное вами сообщение получат тысячи людей!


Хроника выставочной деятельности

Октябрь 2009

6

«Возможность чуда», монотипия: Арина Даур С 17 октября в StArtАкадемии открывается выставка обладательницы титула «королевы монотипии» Арины Даур. Титул был получен от восторженных зрителей и коллег на выставке 2002 г., проводимой в здании Совета Европы г. Страсбурга. Монотипия – не единственная область применения таланта художницы. Выпускница Высшего художественнопромышленного училища им. В.И.Мухиной, член Союза художников СПб Арина Даур активно проявляет себя в разных видах искусства - графике, живописи, керамике, но её излюбленным подходом остаётся именно этот загадочный и непредсказуемый вид печатной техники. Уникальность её подхода оценили в России, Франции, США, Латвии, Японии.

Арина Даур воспринимает монотипию, как возможность развития перцептивного зрения. Научиться рисовать дано далеко не каждому, а сфера чувственного восприятия присуща любому. Цветные и монохромные пятна, появляющиеся на бумаге в ходе небольших манипуляций, преображаются в некий образ. Образ не закончен, он продолжает развиваться в воображении зрителей, создавая поле для новых ассоциаций и трактовок. Зритель в данном случае дорастает до уровня художника. Свобода фантазии, открытость творчества – к этому стремится художница. При минимуме средств ей удаётся достичь максимума выразительности. Её произведения изысканны и поэтичны. Реальность здесь напрямую соседствует с вымыслом, а импровизация с творческим планом. Неожиданные переплетения придают работам особую содержательность. «Смотрите зорко» – говорит Арина Даур, и открывайте новые грани своих возможностей. Арина Даур родилась в 1958 г. в Краснодаре. Член Союза художников СанктПетербурга. С 2000 г. − Член Союза художников России. Автор статей и методических разработок в области изобразительного искусства, преподаватель художественной школы в Пушкинских Горах. Работает в различных жанрах, занимается керамикой, куклами, живописью, графикой, иллюстрацией книг, батиком, но главное её дело – это монотипия. В 2002 году в здании Совета Европы (г. Страсбург, Франция) прошла ее персональная выставка.


Хроника выставочной деятельности

7


Хроника выставочной деятельности

8

Ноябрь 2009«Песок и ветер», графика: Марина Красильникова. «…Сотворять что-либо из призрачной, зыбкой материи, из которой сотканы сны,труд более тяжкий, чем вить веревку из песка или чеканить лик на ветре». Х.Л. Борхес Каждый автор, обращаясь к слушателю ли, зрителю ли, рассказывает историю. Эта история о том, как все взаимосвязано – птицы и здания, люди и камни, вымысел и повседневность. Эта история о ветре, летящем подобно времени, и времени, пронизывающем все подобно ветру. О шорохе песка, пересыпающегося в часах или сглаживающего следы. Это история о перекрестках миров и образов, внутреннего и внешнего, о незаметном движении невидимых песков, постоянно и безвозвратно меняющих облик привычного. История о том, как уязвима и непрочна реальность, где единственное, что может иметь ценность – взгляд, фиксирующий равновесие краткого мига, пока не начали пересыпаться песчинки. Марина Красильникова родилась в 1967 году в Ленинграде, живет в Петербурге. Окончила ЛВХПУ имени В.И. Мухиной. График, иллюстратор, специализируется на журнальной иллюстрации. В 2000-х работала художником в ИД «Эксперт». Автор, организатор и куратор арт-проектов, тематических выставок книжной иллюстрации «ПРИ - творчество» (2008г.). Участник многих выставок, проектов и биеннале, в том числе международных.


Хроника выставочной деятельности

9

Ноябрь 2009 «Соло ржавого металла», живопись, инсталляции: Пётр Рейхет. — Куратор искусствовед И. Мамонова. «Сто пудов винила» Петра Рейхета – 2400 пластинок, образующих мощный, туго закрученный узел, или спираль. В ней есть энергия и сила живого существа, способного выйти из-под власти художника. Спружинить и развернуться, зазвучать каждым виниловым диском - позвонком. Это символ выставки. Метафора музыки неслышимой физически, воспринимаемой внутренним слухом, памятью и воображением. Экспозиция выставки Рейхета – оркестровая партитура, записанная маслом, пастелью, железом, медью, винилом. При желании и опыте можно услышать ее звучание. «Бегство графа Л. Н. Толстого» сопровождается пением сирен и свистящими звуками рассекающих воздух рыбьих плавников. Вокальным партиям аккомпанируют флажолеты бутылок в натюрмортах. Глухо, как шаманский бубен, ухает моржовый череп. «Портрет Ростроповича» напоминает о глубоком тембре виолончели. Медные: тубы – трубы – самовары, немилосердно сплющенные художником для участия в общей гармонии, в нужный момент дружно выводят сипловатое крещендо. В этой полифонии опытное ухо профессионального зрителя различит и ржавое железо. Этот, богатейший по возможностям материал, у каждого автора имеет свой голос. П. Рейхет подчеркивает его фактуру, оттенки, цветовые нюансы. Ржавое железо воспринимается как сложная живописная поверхность и потому так органично объединяется с традиционной живописью, так естественно солирует в ансамбле экспозиции. Петр Рейхет родился в 1953 году в семье известного живописца Виктора Рейхета, ученика И.Е. Репина. Окончил Институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина (Академия Художеств) в 1980 году. Член Союза художников, участник более 200 выставок в России, Японии, Европе, Америке. Пишет портреты в академической манере, работает в традиционных графических техниках (литография, рисунок углем, рисунок в стиле Vetonit, рисунок сангиной, тушью), создает абстрактные холсты и коллажи, делает т.н. "левкасы", композиции в технике масляной пастели. Известен своими инсталляциями, "поп-артовскими" объектами из ржавого железа и папьемаше. Побывал в трех полярных экспедициях.


Хроника выставочной деятельности

0

1

29 декабря 2009 - 15 января 2010 «Тюлений мостик» - художественнопросветительская акция в защиту ладожской нерпы и балтийского тюленя. — Куратор М. Красильникова. Эта тематическая выставка–акция живописи, графики и декоративного творчества Петербургских художников посвящена тюленям Балтийского моря. Почему тюлень? – спросите вы, – Какое отношение этот симпатичный зверь имеет к нашему городу и к новогодним праздникам, когда на каждом углу напоминают, что ждет нас год тигра? Отвечаем. Тигров, друзья, и без нас в эти дни будет так много, что впору получить аллергию на кошачью шерсть. Тюлень, поверьте, ничем не хуже. А относительно того, насколько петербургский это зверь – судите сами. Мы привыкли жить интровертно, глядя внутрь не только собственной жизни, но и городской среды, не замечая того, что существует на расстоянии вытянутой руки, но вне обычного круга зрения. Говоря о петербургских животных, кого мы имеем в виду? В первую очередь тех, кто делит с нами жилище - котов, собак. Мы рисуем их, пишем про них, посвящаем им выставки, создаем музеи. А совсем рядом есть и другие, исконные жители этих краев. Например, тюлени. Петр Первый прорубил окно в Европу, и что первое показалось в форточке? Не иначе как любопытная усатая мордочка балтийской нерпы. Мы с интересом смотрим по ТВ фильмы про редких зверей, а рядом с нами в Финском заливе и Балтийском море живут несколько видов тюленей, некоторые из которых скоро могут стать совсем редки. Мы гордимся тем, что Санкт-Петербург – историческая столица России на Балтийском море. А об обитателях его вспоминаем только, когда голодного потерявшегося тюлененка находят у Летнего сада, как несколько лет назад. Несколько лет жители Петербурга проводили акции и собирали подписи горожан за запрещение истребления детенышей гренландского тюленя на Белом море, и вот в уходящем 2009 году было принято постановление Правительства РФ, запрещающее промышленную добычу тюленей. В этом гуманном решении – немалая доля участия петербуржцев. Мы не чужие, мы соседи, и можно сказать, что такой же петербургский символ, как чижик-пыжик, кошки на кухнях, собаки на газонах и голуби на памятниках, - балтийский


Хроника выставочной деятельности

1

1

тюлень, с любопытством наблюдающий «что это мы там на берегу делаем» из холодных волн Финского залива. Петербургские художники, посвятившие выставку этому удивительному животному, представят на ней работы в различных техниках, от традиционной живописи до каллиграфии, авторской бумаги и инсталляций. В экспозиции можно будет увидеть иллюстрации к мифам и сказкам про тюленей, а также не только анималистичный подход к теме, но и взгляд на образ тюленя как символ и арт-объект. При участии Детской библиотеки истории и культуры Петербурга проводятся литературный и художественный конкурсы для детей. Состоялись подведение итогов и награждение победителей, представлена выставка лучших детских работ. В программе были концерты петербургских музыкантов, лекционная программа, мастер-классы для детей и взрослых.


Хроника выставочной деятельности

2

1

Январь 2010 «Отблеск несбывшихся миров», живопись: Тамара Репина. Реальными кажутся фантастические, инопланетные пейзажи, сказочные персонажи Тамары Репиной. Ей близки мифологические образы, архетипические сюжеты. После знакомства с техникой монотипии открыла для себя магию Случайного. В монотипии Тамара имеет свой узнаваемый, авторский стиль. В масляной живописи Тамара Репина совмещает фактурный красочный слой с приемом лессировки по образцу старых мастеров. Это доводит картину до иллюзии драгоценного свечения. Ведь ее работы можно рассматривать и с близкого расстояния, и на отдалении. Тамара Репина родилась в 1958 г. Черняховске (Калининградская обл.). В 1975г. закончила Художественную школу г. Гатчины. 1975-1980 гг. Ленинградское художественно-графическое педагогическое училище № 2. Педагог Г. А. Олялина. Так как в училище готовили педагогов, то изучали разные направления — работали в техниках офорта, графики, но любимой всегда остается масляная живопись. Посещала вечерние курсы рисования при Ленинградском Институте живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина. Тамара всегда была очарована Цветом. В любых техниках, в которых бы ни работал автор ее в первую очередь привлекали цветовые эффекты. Именно поэтому кажутся реальными её фантастические, инопланетные пейзажи сказочные персонажи. Ей близки мифологические образы, архетипические сюжеты. После знакомства с техникой монотипии открыла для себя магию Случайного. В монотипии Тамара имеет свой узнаваемый, авторский стиль. В масляной живописи Тамара Репина совмещает фактурный красочный слой с приемом лессировки по образцу старых мастеров. Это доводит картину до иллюзии драгоценного свечения. Ведь ее работы можно рассматривать и с близкого расстояния, и на отдалении.


Хроника выставочной деятельности

3

1

Февраль 2010 «Цветодинамика Касперской», живопись: Ирина Касперская. — Текст - искусствовед М. Шейнина. Цветовсплеск Цветовзрыв Динамика цвета Конфликт? Яркость, характерность Звучность Ритмичность Музыкальный хаос (Шнитке?) Многоголосье, равноправность звуков, цвета Открытость цвета Тепло В своих произведениях Ирина Касперская управляет цветовым хаосом, почти первозданным, мощным, но уже не диким. Движения цвета узаконено и композиционно выверено, укрощено. Вместо хаотического дикого движения – динамичное развитие и сопоставление цвета, фактуры, форм. Эта цветовая феерия и ее динамичность заставляют вспомнить «цветодинамосы» 1920-х гг. Любови Сергеевны Поповой – то же движение, тот же укрощенный цвет, но в абстрактных композициях – где плоскость и геометрические фигуры в «свободном» движении и во взаимодействии рождали новое пространство. Тем интереснее работа с цветом и его динамическими свойствами Ирины Касперской, так как эти взаимоотношения выведены в фигуративную живопись и традиционную композицию – будь то пейзаж, натюрморт, портрет… Цветодинамика в работах Ирины дают возможность в обыденных и привычных вещах оценить вновь фактурную красоту предметного мира, оценить поверхности и воздушные вихревые потоки, рождаемые во взаимодействии этих поверхностей и с этими поверхностями, ощутить таинство «импульсации» материй и их свето-цветовых воплощений. Отблески и всполыхи… И в запечатленном пиршестве цвета и движений герои произведений художника щемяще ранимые куклы, медвежата, игуана, павлин, кот, деревья, дома, города из немых свидетелей, предстоятелей события – рождения мира – рождения картины, как произведения искусства, превращаются в носителей некоего знания о моем мире, моем зрительском продвижении и движении в моем пространстве. Они становятся носителями сказок о моем мире, о неведом мне мире, о волшебном и чудесном событии и событиях, свершениях будущих, таинственных, загадочных, позитивных, то есть почти предвестниками добрых начал, хороших историй, правильных дел… И каждый холст под кистью Ирины Касперской рожден быть драгоценностью, семейной ценностью, семейным


Хроника выставочной деятельности

4

1

преданием, реликвией, как очаг с мягким огнем, чуть искрящим, не обжигающим, греющим пламенем. Мария Шейнина


Хроника выставочной деятельности

5

1

Ирина Касперская родилась в 1976 году в Ленинграде. Окончила СПбГХПА в 2001 году, отделение книжной и станковой графики. График, живописец, детский поэт. Член Союза Художников России, член творческого объединения "Маленькая полярная станция". Лауреат конкурса грантов "Музы Петербурга". Работает в технике масляной живописи, пастели, офорта, литографии, монотипии. С 1997г. Ирина участник многочисленных выставок как в России, так и за рубежом. Среди последних: 2001 - Санкт-Петербург, зал СХ на Охте 2005 - Париж, галерея "Кристиан Болтанский" , проект "Конфета познания" 2007 - Петербург, галерея "Борей" , проект "Эндорфины" 2010 - Париж, Международный Художественный Салон 2011 - Токио 2011 - Санкт-Петербург, StArt Gallery "Парижский weekend" Персональные выставки: 2003 - Санкт-Петербург, Фонтанка,15 2008 - Санкт-Петербург, галерея "Антиква" 2009 - Гамбург, галерея "Мама Леоне" 2009 - Москва, "Джаганнат" 2009- Санкт-Петербург, галерея "Пу-Эр", проект "...Вечность. Париж. Впечатление..." 2010 - Санкт-Петербург, StArtАкадемия, "Цветодинамика Касперской" 2010 - презентация книги "Про мышек и детишек", "Буквоед"


Хроника выставочной деятельности

6

1

Февраль 2010 «Образы и Ню-ансы», графика: Владислав Кетов. «Профессор, снимите очки - велосипед, я сам расскажу о времени и о себе» (В.В. Маяковский) Родился в 1949 году на Урале недалеко от Свердловска (Екатеринбурга). Рисую я, сколько себя помню… С 4 класса ходил в Детскую художественную школу, после 9го поступил в художественное училище №42 Свердловска на камнереза, специализировался на мозаичном портрете. Одна из работ – «Портрет Рихарда Зорге» получила медаль на ВДНХ, что не так уж плохо в 16 лет. В 1977 году закончил отделение искусствоведения Уральского государственного университета. Диплом писал о портретном рисунке, которым занимаюсь всю жизнь. Моя работа называлась «Портретный рисунок ленинградских художников и некоторые вопросы станковой графики» и работал я над ней в Ленинграде и Москве в музеях и частных коллекциях. Руководителем диплома был профессор Академии художеств Бродский Иосиф Анатольевич, в то время куратор кафедры искусствоведения УРГУ. Углубившись в тему, я обнаружил, что строгой научной теории изобразительного искусства практически не существует. Поэтому большую часть времени пришлось потратить на то, чтобы разобраться в вопросе и сформулировать основы теории. Судя по всему, мне это удалось. Более 30 лет творчества и преподавательской деятельности многократно на практике подтвердили правильность теории. В Свердловске работал художником-оформителем, художником-скульптором, декоратором, техникомконструктором и зав. постановочной частью кукольного театра, занимался дизайном интерьеров. В 1979 году переехал в Питер и пошел вольнослушателем в Мухинское художественное училище, или «Муху». Год активно посещал сразу три группы подкурсов и факультатив по рисунку обнажённой натуры, где стал старостой, не будучи при этом студентом. Затем поступил в Академию художеств тоже вольнослушателем, там занимался ещё два года. В 1983г. создал творческое объединение "ОБРАЗ" и руководил им до 1991г. Вначале это был пустой класс – небольшая студия для взрослых - на окраине Павловска, а через год нас пригласили в Пушкинский ДК — студия превратилась в творческое объединение художников. Все, приходящие ко мне заниматься, как правило, говорят: я очень хочу рисовать, но нигде не учился. Это замечательно, не надо переучивать,- отвечаю. И первое занятие всегда посвящаю основам понимания изобразительного искусства, как я их сформулировал ещё в 1977 году. Правильное осознание сути вещей помогает преодолевать первоначальный этап обучения с


Хроника выставочной деятельности

7

1

минимальными затратами сил и времени. Прогресс идёт так быстро, что после года занятий многие способны создавать выставочного уровня работы. С 1986 года организовывал первые свободные выставки-ярмарки в Ленинграде, работал по договору в Павловском дворце - рисовал графические портреты. С 1991 года по настоящее время осуществляю первое в истории путешествие действительно вокруг земли - вдоль береговой линии континентов. Являюсь первым обладателем почётного звания «Выдающийся путешественник России». Я вез с собой немного бумаги и коробочку, в которой лежали пастель, сангина, уголь и соус. За время путешествия нарисовал многие сотни портретов, и теперь они висят в домах у людей со всех континентов, кроме Антарктиды. При этом включая Австралию: хоть я там и не был, но австралийских туристов в пути рисовал неоднократно. За десять лет пути больше всего портретов нарисовано в Польше, Париже, испанском Кадисе, в Риме, Афинах, Дакаре, Кейптауне, в Найроби – в штаб-квартире UNEP, в Сан-Франциско и Монреале. За последние годы самая значительная серия портретов создана на русском севере от Мурманска до Ямала. В столице Марокко Рабате для восстановленного православного храма я написал 4 больших иконы: Иверская Богоматерь, Святой Пантелеймон, Иоанн Кронштадтский и Святой Иосаф Белгородский. В настоящее время преподаю рисунок в StArtАкадемии, провожу мастер-классы по графическому портрету и рисунку обнажённой натуры. Я знаю: Искусство ничего не изображает. Это не его задача. Изображает документ. Искусство ВЫРАЖАЕТ. Изобразительное искусство делает это путем создания изображений.

Изображение — лишь средство, а цель — выражение: чтобы другие ощутили то, что хотел выразить автор. А виды искусства различаются между собой тем, какими выразительными средствами они пользуются. Графика от живописи отличается не материалами, а выразительными средствами. В живописи это цвет, а в графике – линия и тон. Уровень мастерства определяется не количеством затраченных материалов и времени, а уровнем концентрации выразительности. Цель творчества – минимумом средств выразить максимум возможного. В литературе хорошо сказано "словам должно быть тесно, а мыслям просторно". В своей графике я стремлюсь достичь уровня выразительности созвучного поэзии в её самых лаконичных формах. Моё кредо: "Я художник одной безгранично узкой темы – Человек. Тема – Человек. Средство – Графика". Для меня Портрет не изображение лица, а Образ личности.


Хроника выставочной деятельности

8

1

Мои НЮ – нюансы состояния, настроения и чувства всегда прекрасных Женщин .


Хроника выставочной деятельности

Февраль 2010 «Экспликация регенерации. компьютерная графика: Давид Плаксин.

Photoshopом

по

9

1

классике»,

Искусство не выдерживает эпитетов мужское/женское, старое/новое, актуальное/отжившее и т.п. Оно перестает быть искусством или опровергает смыслы самих эпитетов. Формы искусства могут быть разными. Проявления искусства разнятся, но искусство всегда или искусство, или нет. И нет исключений из этого простого правила. Но существование его форм, например таких, как препарирующей и изучающей, исследующей, экспериментирующей – часто воспринимается публикой, как нечто новое, другое, отличное от «старого», новейшее, нечто квазисовременное: «актуальное течение искусства или новое направление искусства». Но это лишь перерастание и развитие самого тела искусства. Недаром данное тело время от времени взбрыкнет бывало и отряхнет от себя все лишнее, грязное, излишне «красивое» (кич, например), излишне геометрическое, нарочито физиологичное, агрессивное… Именно этот процесс освобождения и последующей регенерации изучен и зафиксирован Давидом Плаксиным. Нагромождения смыслов, обломки форм, излишнее низовое сознание, неотрефлексированная энергия темных снов – зафиксированы художником на теле искусства, также запечатлены и акцентированы им моменты освобождения, сбрасывания струпьев, как отживших листьев, рождения новых форм и прорастания новых смыслов. И это новое – плоть от плоти искусства вообще, искусства нашего времени, старых времен. Здесь, в его произведениях, тягучесть пространственных построений и доступная художественным экспансиям пластичность пространства, возможность выбора формы существования художественного текста как пространства… Кубы, башни, монтаж, коллаж, фотография как техника воплощений и преобразований, азбука замещений и трансформаций. Он фиксирует новое визуальное пространство. Его работы несут визуализацию текстов постмодернистов. Где главные темы – «я», «другой», «авторская маска», «граница», «смысловые аберрации», «язык», «вавилонская башня», «классика», «цитата» и т.д., и т.п., и т.д., и т.п. и прочее, и прочее… На пике регенерации искусства. Общемировая практика, чуть впереди ощущения необходимости возвращения искусства как формы сознания, как способа мышления и как возможности наслаждения, эстетического, например. Мария Шейнина, член Международной ассоциации искусствоведов


Хроника выставочной деятельности

0

2

Март 2010 «На пиру у Флоры». Тематическая выставка графики, живописи, изделий из стекла и ДПИ петербургских художников. Весенняя выставка цветов «На пиру у Флоры», представляет работы известных художников в области живописи, графики и декоративно-прикладного искусства. Жителям и гостям заснеженного Санкт-Петербурга галерея «StArtGallery» дарит первую весточку долгожданной весны – художественную выставку цветов «На пиру у Флоры». Посетители смогут погрузиться в лучезарные разноЦВЕТные композиции, выполненные в технике масляной живописи, акварели, пастели и стекла. Полотна известных мастеров и работы талантливых молодых художников, представленные на выставке, открывают удивительный мир весенних образов природы, способный закружить зрителя в калейдоскопе сочных красок и размягчить замороженные за зиму чувства и мысли, жаждущие тепла, света и любви. Особо понравившиеся работы могут стать частью персональной коллекции и изыскано украсить самый стильный интерьер дома или офиса. Авторы: Галина Горнева, Арина Даур, Дзовинар Бекарян, Елена Белоусова, Сергей Белоусов, Мария Васильева, Ирина Высоцкая, Елена Заяц, Ирина Касперская, Марина Красильникова, Вера Ларионова, Марина Логинова, Екатерина Неменчинская, Татьяна Николаева, Анна Никольская, Елена Попова, Тамара Репина, Александра Романова, Максим Свиридов.


Хроника выставочной деятельности

1

2

Март 2010 «Этюды в пастельных тонах», пастели: Дзовинар Бекарян. — Куратор искусствовед Ю. Иваненко. Дзовинар создает картины маслом, акварелью, пастелью. Ее индивидуальный характерный художественный язык узнаваем в каждой ее работе, будь то эпический или романтический пейзаж, жанровая картина, портрет или натюрморт. Постоянная тема в творчестве художника — Ленинград-Петербург, именно о нем романтическая серия акварелей «Белые ночи». Бекарян создает воображаемый мир, где люди, природа, предметы одушевлены автором, соединены незримой нитью тонких чувств, исторических и культурных связей, доброты, изящества и красоты, ее творчество является одним из самых заметных и ярких явлений изобразительного искусства СанктПетербурга. Дзовинар Аровна Бекарян родилась в Ленинграде 23 февраля 1940 года в семье художников. Детство пришлось на суровые годы Великой Отечественной войны. Вернувшись в послевоенный Ленинград из эвакуации, Дзовинар поступила в Среднюю художественную школу при Институте имени Репина, а потом окончила факультет живописи этого института, мастерскую А. А. Мыльникова. В Союз художников Д. Бекарян приняли в 26 лет, что говорит о ее раннем творческом становлении, самостоятельности и яркости. Она участвовала во многих выставках в СССР и за рубежом, ее работы хранятся в Государственной Третьяковской галерее, Вологодской картинной галерее, Музее изобразительных искусств Комсомольска–на-Амуре, Новгородском государственном объединенном музее–заповеднике, Псковском художественном музее-заповеднике и в частных собраниях Болгарии, Германии, Румынии, США, Франции. В 1978 году в Русском музее прошла персональная выставка. Обращение художницы пять лет назад к искусству пастели знаменательно: основные принципы самобытного творчества, умноженные на большой художественный опыт, проявились в картинах в технике пастели. Она приняла участие в проектах «Петербургская пастель в Петергофе», «Душа Петербурга», «Петербургская красавица». Это фантазии на историческую тему, раскрывающие культуру Петербурга, начиная с ХVIII века и до настоящего времени. Данная выставка является первой персональной выставкой пастели Дзовинар Бекарян, на которой нравственная и художественная позиции художника раскрываются очень тонко, ненавязчиво, в доверительном диалоге со зрителем. Несомненно это новая яркая страница в современном искусстве Санкт-Петербурга. Юрий Иваненко, искусствовед


Хроника выставочной деятельности

2

2

Дзовинар Бекарян родилась в Ленинграде в 1940 году в семье художников. В 1964 г. окончила Институт живописи, скульптуры и архитектуры имени И.Е. Репина. Участница выставок с 1964 года (более 10 персональных). С 1968 года член Санкт – Петербургского Союза Художников. Член Санкт – Петербургского Общества акварелистов. Произведения находятся в Третьяковской галерее, Русском музее, Вологодской картинной галерее, в Музее изобразительных искусств Комсомольска- на- Амуре, Новгородском государственном объединенном музее – заповеднике, Псковском государственном музее – заповеднике и в частных собраниях Болгарии, Германии, Румынии, США, Франции.


Хроника выставочной деятельности

3

2

Март 2010 «В плену цветочного барокко», акварели: Галина Горнева. Умение выбирать – особый дар, сродни искусству составления букета. Из многообразия мира составить список вещей, созвучных музыке души, вещей, которые мы сами создали бы, если бы получили дар божественного творения. Каждый человек, подчас неявно для себя и для других, живет внутри такого списка, в процессе отбора обустраивая собственный мир. Берясь за инструменты ремесла, художник вынужден осознать свой выбор и открыть свой личный список для всех. Мир Галины Горневой – цветы. Выбор глубоко женственный, однако от капризного желания окружить себя красивым, он отличен тем, что осуществляется по законам поэзии. Простое любование перетекает в сосредоточенное созерцание цветка как зеркала, как образа себя, цветка как звездного неба, как образа мироздания. Язык цветов становится универсальным способом поэтического высказывания того, что не подвластно слову. Гладиолусы и пионы, розы и гибискусы, - цветы для Галины – бесконечная энциклопедия форм. Следуя их прихотливым линиям, кисть и карандаш обретают свободу. Беря в соавторы природу, художница воссоздает строение цветка лишь как сумму исходных данных. Далее творение идет уже по законам картины. Каждая деталь оттачивается в гармонии единого декоративного целого. Классическая красота полного расцвета, робкое обещание бутона, причудливое барокко увядания – темы для фантазий и импровизаций. Однако работам художницы безоговорочно веришь. Они не столько вымышлены, сколько выращены и живут, подобно цветам. Лист бумаги, словно кусок изобильной почвы, зарастает формами, развивающимися, множащимися, варьирующими друг друга. Форма насыщена витальной энергией настолько, что, кажется, процессы роста продолжаются, когда работа художника уже завершена. Безукоризненно владея мастерством изображения, Галина Горнева не довольствуется им. Волшебство ее искусства в том, что стоит за формой, за видимостью, за именами цветов, за названиями вещей. Оно в несказанных состояниях души, более тонких и сложных, чем известный набор эмоций. Волшебство это делает возможным полет пионов над городскими крышами, низвержение букета роз из окна во двор, господство цветущей гортензии в сутолоке домов. Цветы – действующие персонажи городских фантазий Галины Горневой. Ее Петербург – романтика булыжных мостовых и проходных дворов, мостиков, сгорбившихся над изгибами каналов. Ее дома кажутся нерукотворными, одушевленными органическими формами. Геометрия их линий содержит поправку на стачивающую работу времени. Пространство этого города изобилует просветами в иные измерения, где поэтическая фантазия отменяет законы гравитации. Их границу незаметно для себя может переступить замечтавшийся прохожий, одержимый бессонницей влюбленный, или сладко спящий ребенок.


Хроника выставочной деятельности

4

2

Художница наделена особым чувством города, способностью сопереживания состояний, в которые он погружается с течением суточного и сезонного цикла. Белая ночь, золотая осень, ледоход, летний дождь, - не столько характеристика пейзажа, сколько диагностика особых петербургских настроений. Городской ландшафт становится метафорой души. Акварели Галины Горневой счастливо соединяют в себе виртуозную отточенность графической техники, щедрую декоративность, проникновенный лиризм. Им свойственна очаровательная способность гармонизировать и одухотворять пространство, в котором они продолжают существовать, покинув родную мастерскую. Они интерьерны по своему характеру, а, часто и по назначению: художница много работает в области оформления интерьера. Немало сказано о том, что жилище отражает внутренний мир владельца, и что в потоке сосуществования дом становится похожим на хозяина, а хозяин - на дом. Работы Галины оказывают благодатное душевно терапевтическое воздействие на общающихся с ними, живущих на их фоне людей. Незаметно и ненасильственно, они становятся для нас неотторжимо своими, становясь частью не только интерьера, но и нашего интимного списка вещей, созвучных музыке души, вещей, которые мы сами создали бы, если бы получили талант и дар творения. Любовь Шакирова, искусствовед Галина Горнева родилась в Карелии. В 1979 году закончила ЛВХПУ им. В.И. Мухиной по специальности художник по проектированию интерьера. Член Cоюза дизайнеров России. С 1981 по 1995 г. работала в архитектурной мастерской Комбината живописно–оформительского искусства ЛОХФ. Художник-архитектор. Работы находятся в частных коллекциях России, США, Мексики, Испании, Японии, Финляндии, Германии и других стран. С 1976 года Галина Горнева участвует в коллективных выставках Союза архитекторов, Союза художников, художественных галерей Санкт-Петербурга и других городов России, а также за рубежом. В настоящее время занимается графикой (акварель, темпера) и проектированием частных интерьеров.


Хроника выставочной деятельности

5

2

Апрель 2010 Пятый Международный фестиваль монотипии, посвящённый творчеству Уильяма Блейка. Выставка работ художников-монотипистов России, Украины, Белоруссии, Италии, Сербии, Германии, Испании, США, Финляндии. Персональная выставка монотипии: Валерий Васильевич Бабанов: «Белое. Чёрное». Выставка фотоживописи: «В одно мгновенье видеть вечность». Фотохудожники: Дарья Андреева; Елена Готваник; Ася Немчёнок; Яна Булыжева; Елена Чумакова; Галина Мережко; Валентина Милина; Алена Пахомова; Наталья Юркова. Великое чудо монотипии Наше искусство переживает сегодня удивительный этап – этап возрождения монотипии. Это глубоко закономерно, так как в самой технике монотипии всегда дремали нераскрытые и неосвоенные ресурсы. Судьба распорядилась так, что силами группы энтузиастов этот необыкновенный вид искусства переживает сегодня настоящий ренессанс. Многоцветие этой области творчества, тематическая палитра и яркость творческих личностей художников-монотипистов не могут не поражать. Фестивали монотипии, которые стали сегодня доброй традицией, объединяют художников разных направлений и стилей, создают уникальную креативную площадку для общения художников разного возраста. Монотипия - всегда загадка и тайна. Этот вид искусства теснейшим образом связан с личным миром человека. Гравюра на стали быстро была освоена официальным искусством - банкнотной графикой, а ксилография получила выход в книжно-журнальную и газетную иллюстрацию. А монотипия сомкнулась со сферой Личного. Причем настолько тесно, что современная монотипия буквально балансирует на грани индивидуально-личностного и вечного. В таинственных пятнах, их причудливой игре и взаимоналожении мы порой усматриваем игру случая и повороты судьбы... В эпоху, когда искусство доказало свою способность тиражироваться и одно произведение может разлетаться по свету в миллионах копий, уникальность и неповторимость монотипического отпечатка стала символом элитарной единичности. И хотя авторы нередко возвращались к любимой теме и создавали повторения одного и того же сюжета, приближаясь немного к идее тиражности, в каждом листе словно светилась таинственным светом неповторимость именно данного сочетания цветов и оттенков, штрихов и пятен... При рассмотрении монотипий порой возникает ощущение, что по листу "погуляло" солнце. Но не только в смысле отблесков лучей, а и в смысле какой-то таинственной и пока недоступной нашему


Хроника выставочной деятельности

6

2

пониманию работы над изображением… Словно то самое Солнце, которое когда-то зашло в гости к Маяковскому, взяло и поработало с оттиском краски, добавив изображению поистине планетарное измерение. Не может не поражать круг тем и мотивов работ монотипистов. Здесь и мифология во всех ее многосторонних и многозначных проявлениях, и все жанры традиционного искусства – пейзажи, натюрморты и портреты, и мир сказки, для которого монотипия словно специально создана. Волшебные пятна краски то воссоздают бескрайнее космическое пространство, то напоминают нам о безбрежных океанах. Художники-монотиписты и исследователи этого вида искусства очень многим обязаны Арине Юрьевне Даур, выдающемуся петербургскому художникуиллюстратору, талантливому популяризатору искусства. Именно ее инициатива легла в основу современных фестивалей монотипии. Эти фестивали стали поистине многогранными событиями в культурной жизни города, неотъемлемыми компонентами стали мастер-классы, выставки, научные конференции и бесценное общение художников-монотипистов друг с другом. Фестивали монотипии, проведение которых стало традицией, не только дают широкую панораму современного состояния этого вида искусства, но и прокладывают мост между прошлым и будущим. И из далекого прошлого на нас взыскующе смотрят умные глаза Уильяма Блейка (1757 - 1827). Ему, наверное, было труднее всех из армии монотипистов. Ибо он был первопроходцем в этой области. Мир Блейка - глубоко религиозного художника, который стремился отразить в своих работах вечные ценности. Очень близок современному человеку. Поэтому на Фестивале-2010 будет отдана дань наследию знаменитого английского монотиписта, проанализированы закономерности его творчества и его уникальный стиль. Еще одна “культурная ось” – это мост между Востоком и Западом. Когда-то великий монотипист Пьер Боннар взял на вооружение композиционный и цветовой арсенал японской гравюры на дереве. Многие приемы - как композиционные, так и цветовые проникли и в искусство монотипии и сегодня они уже широко узнаваемы в работах многих современных художников. Боннар был элитарным художником, мастерская которого была настоящим храмом эстампа. Однако среди его современников мы находим Мориса Прендергаста - бедного американского рисовальщика, у которого не было даже своей мастерской. Пользуясь беднейшими техническими средствами, Прендергаст стал осваивать искусство монотипии и за короткий срок стал лидером в этой области по крайней мере у себя на родине в США. Всем своим творчеством М. Прендергаст доказал, что монотипия способна возвысить художника до необыкновенных высот. К счастью, в нашей культуре есть совершенно неподражаемые художники, которых хочется открывать и открывать заново, даже если о них уже немало написано. Предыдущие фестивали монотипии отдали дань уникальной художнице Елизавете Сергеевне


Хроника выставочной деятельности

7

2

Кругликовой (1865 - 1941). Освоение ее неповторимого стиля, исследование ее биографии и творчества продолжается. Впереди публикация новых материалов о произведениях Е. Кругликовой. Поклонники ее яркого таланта с нетерпением ждут, что пока неизвестные произведения художницы, выполненные в технике монотипии, будут введены в культурный обиход. Сегодня принято говорить об инновациях, как в науке, так и в искусстве. Монотипия пока что не проанализирована как инновационная техника. Предстоит дать ответы на вопросы. Что дали уникальные единичные оттиски мировому искусству, как изменился взгляд художника на проблему единичного и тиражируемого благодаря творчеству монотипистов. Это далеко не простые вопросы и то, что в дни фестиваля перед зрителем развернутся прекрасные выставки монотипии не может не стать залогом того, что роли монотипии в мировой культуре будет дана должная и, главное, глубокая оценка. Андрей Дьяченко, член Международной ассоциации искусствоведов (МАИС)


Хроника выставочной деятельности

8

2

Мемориальная выставка работ и личных вещей Елизаветы Сергеевны Кругликовой (1865 −1941): «Русская парижанка». Куратор — искусствовед, доцент Т. П. Чаговец В экспозиции представлены графические и живописные работы Е. С. Кругликовой, созданные в Париже, Ленинграде, а также редко показываемые публике портреты родных, выполненные в технике масляной живописи. Впервые демонстрируются графические портреты Кругликовой кисти учеников и друзей. Уникальность этой выставки состоит ещё и в том, что некоторые произведения, документы и мемориальные предметы показаны впервые, а многие экспонаты этой выставки демонстрировались очень редко или четверть века тому назад. Среди таких произведений следует назвать в большинстве те, что были созданы Кругликовой до 1914 года: живописные портреты и графические листы, на которых запечатлена семья художницы, а также акварель 1896 года (женский портрет). Произведения Елизаветы Сергеевны, созданные в Петрограде-Ленинграде 1920-1940 годов дают достаточно полное представление о ней, не только как о мастере монотипии, гравюры и силуэта, но также дают возможность оценить их художественное и тематическое разнообразие. Открытием для зрителя будут впервые представляемые скульптурный портрет Е.С.Кругликовой, (автор - Мазур, бронза, 1905), созданный, вероятно, в Париже, а также эскизы четырёх открыток, возможно предназначавшиеся для издательства Общины Святой Евгении, занимавшейся благотворительностью в пользу Красного Креста и две почтовые открытки 1912 года с письмом брату, Н.С. Кругликову. Наибольший интерес для исследователей художественной родословной Кругликовой вызывают, также впервые показанные силуэты деда художницы, Николая Александровича Кругликова (1788-1868). В них можно увидеть изящный абрис членов семьи КругликовыхАкрымовых, первой половины 19 столетия. Экспонируемый дагерротип, на котором запечатлена Ольга Юльевна Кругликова-мать художницы, прекрасная пианистка и фотография её юной дочери-гимназистки, тоже ранее не демонстрируемые, позволяют дополнить представление об их облике, интерьере парижского ателье Е.С. Кругликовой, самой художницы и её гостей. Внимательный взгляд зрителя отметит много интересных «точек соприкосновения» с произведениями, находящимися рядом. .В силуэтах запечатлен облик многих известных поэтов, писателей, художников, друзей и родных. В монотипиях и гравюрах Кругликова воплощает на этюдах образ города начала века, совместно с А. П. Остроумовой-Лебедевой, иллюстрирует книги, помогает в


Хроника выставочной деятельности

9

2

организации театра марионеток в содружестве с Л. Яковлевой-Шапориной. Интересны поиски Кругликовой в жанре агитационного плаката и новые решения в гравюре, она с 1920х годов работает в техниках сухой иглы по целлулоиду и чёрной манере (меццо-тинто) в сочетании с акватинтой, линогравюре. Среди непосредственных учеников называют: М. А. Волошина, М. А Доброва, Л. В. Яковлеву-Шапорину, супругов И. С. Ефимова и Н. Я. Симонович-Ефимову, К. Е. Костенко, В. П. Белкина, П. А. Смелова, Б. Н. Матвеева, Е. Н. Давиденко, А. П. Шнейдер.


Хроника выставочной деятельности

0

3

Май 2010 «Коллекция мастера цветовых перемещений», доски: Игорь Орлов. — Куратор искусствовед М. Шейнина. В общем порыве к телу и фигуративности вообще современное актуальное искусство почти затоптало робкий интерес снобов и образованных зрителей России к абстракции. Почти не осталось критиков, интересующихся абстрактным искусством как актуальным направлением в contemporary art. «Абстракция? – Что Вы, это не интересно и не модно, нет ничего нового», – говорят циники от искусства. Тем интереснее проект Игоря Орлова, так как вновь этот художник открывает новые горизонты и новые формы абстрактного искусства, вводя его в общий актуальный дискурс о новой визуальности, смене «картинок»… Итак, представляем: Культурные экспликации. Ч. УШ Деревянная коллекция мастера цветовых перемещений ДЕРЕВО всегда было для человека символом устойчивости, надежности, символом защиты и способом нападения (дубина), обладало антропоморфными характеристиками (дуб-богатырь, осина-предательница, береза-подружка), душой. Бывало сокровенным собеседником с древнейших времен, мифологических построений, до сего дня и в литературе, искусстве, и в современном стремлении найти корни свои среди друидских и других «зеленых» обращений к лесу, в леса, к дереву, деревьям, к смыслу слова, к понятию, к архетипу, к дереву вообще и дереву частному. Дерево не бывает мертво, даже в спиленном и, казалось бы, в неживом состоянии оно дарит человеку дух своего величия, многоголосье своих многих фактур, дух тактильного волшебства прикосновений, тепла огня или старения в мебели, в полене, в изделии, в объекте. Дерево в работах Игоря Орлова не обработано и технологически не испорчено, оно несет тексты фактур/текстур расчлененного организма. Его деревянные доски – части чегото единого, но части, найденные или созданные художником как единицы новой еще только рождаемой структуры. ЦВЕТ/КРАСКА в свободном потоке, в устремлении, в перетекании. Диалог цветовых пересечений в едва уловимом движении структур поверхности – спила дерева, ствола. Рождение нового цветового пространства в потоке, направленном уже существующей, предопределяющей текстурой. Это спонтанное перемещение красок как субстанций в определенном, предписанном природой порядке, заранее продиктованным хаосом наращенного годами вещества, волокна некогда всеизменяющегося, сейчас остановленного и фиксированного, но в движении красок и их потоков, оживающих. ДВИЖЕНИЕ спонтанно и предопределено одновременно. Для художника процесс почти магический – найти в противоречии этом воплощение своего художественного устремления и зафиксировать результаты опыта в построении абстрактного всплеска на плоскости, и вывести его в пространственное бытие. Течение магических сакральных жизнетворящих красок – цветовых жидкостей – в руслах/сосудах деревянной плоскости. Наполняя ее объемом внутреннего скрытого движения, внутреннего существования, внутреннего содержания – наполнения духом, душой, мощью внутреннего духа – воина – охранителя = защитника, сравнимого и со сгустком мощи бокена, студийного заместителя катаны.


Хроника выставочной деятельности

1

3

Представленные объекты драгоценны в единосплетении: дерево – краска/цвет – форма – смыслы и рождаемые ассоциации. Эти объекты – единицы мира, природного хаосапорядка, но в подчинении идеи художника, его абстрактные композиции как тончайшие лаковые росписи деревянных предметов мира самурая или европейца в средневековье, где предмет и в тактильном своем бытовании, и в визуальном должен был быть, и защищен магией переплетений рисунка и цвета рисунка, и нести ответственность за построение внутреннего пространства обитания человека, он – часть визуального общего пространства. Так объекты Игоря Орлова – части общего визуального, нового визуального, как характеристики мирового пространственного отображения в нашем восприятии картины современного мира, мира как пространства нашего с Вами присутствия. Где знак искусства прочитывается в глобальной мимолетности, схваченности изображения как идеи, и идеи как изображения. Где новая визуальность укрепилась в активном фигуративно наполненном искусстве. Здесь перед Вами новая визуальность в предмете искусства, с нанесенными абстрактными композициями, мельком схваченными и зафиксированными. Так частное стремление художника попадает в общее мировое движение, развитие искусства, где глобальное прорывается в смене масштабов, утрированности изображения, и «картинка» размывается в пространстве, становясь лишь деталью, частицей, кварком нового расширенного смотрения – видения с последующей фиксацией мира нашего пребывания и бытования художника. Мария Шейнина, искусствовед

Орлов Игорь родился в 1959 году в Ленинграде. Творческой деятельностью занимается с 1977 года. Член ТЭИИ (товарищество экспериментального изобразительного искусства) с 1984, гуманитарного фонда “Свободная культура” с 1989, Исполнительный директор Арт-центра «Пушкинская 10» с 1998. Один из основателей товарищества ««Свободная культура/Арт-центр «Пушкинская 10»». С 1984 принял участие более чем в 70 групповых выставках в России, США, Германии, Дании, Финляндии. Работает с архаическими знаковыми системами, увлекается восточными искусствами, философией, занимается пространственными построениями, пространственно-временными закономерностями, интересуется философией музыки. Произведения находятся в собраниях музеев: Государственный Русский музей, Петербург; Валаамский историко-художественный музей; Центр искусств им. Дягилева, Санкт-Петербург; фонд музея современного искусства, Петербург; Художественный музей г. Нарва; Fisher Gallery, Los Angeles, California; The Norton and Nancy Dodge Collection the Yane Voorhees Zimmerli Art Muzeum Rutgers, the State University of New Yersey, USA; а также во многих частных зарубежных и российских коллекциях. 2002 - Вода. Музей нон-конформистского искусства. Арт-центр «Пушкинская 10», Санкт-Петербург 2001 - Избранное. Галерея «На Обводном», Санкт-Петербург 1997 - Текст художника. Центральный Выставочный зал, Манеж, Санкт-Петербург 1994 - Композиции. «Галерея 21», Санкт-Петербург 1993 - Сны интеллекта. Выставка-акция, галерея «Navicula artis», Санкт-Петербург. Куратор - Мария Тереня. 1992 - Сон формы. Петербург, Центральный Выставочный зал, Санкт-Петербург.


Хроника выставочной деятельности

2

3

«Отражение весны», выставка икебана Санкт-Петербургского отделения международной организации Ikebana International «Severnaya Stolitsa» № 263. Школы: Согэцу, Икэнобо. Софу Тэсигахара, основатель школы Икебаны Согецу, сказал такие слова: «Икебана есть встреча. Вот цветок, вот ветка. Кто и когда задумал поставить их вместе в вазу? Всё в мире есть встреча. Превратить случайную встречу в неизбежную – в этом Икебана. Природа непрерывно изменяется вне зависимости от нас. То же и человек - он непрерывно изменяется вне зависимости от природы. Происходит встреча - и рождается Икебана. Вот что в старину называли словом ФУРЮ. Так и жизнь человеческая. Всё в ней происходит в результате таких же случайных, непредвиденных встреч. Как схожи человеческая жизнь и Икебана! В странный мир случайностей помещён человек. Цветок не цветёт дважды. И человек тоже не может дважды встретиться с цветком, оставаясь прежним. Что – то непременно должно связывать их в этом бренном мире. Не Икебана ли?» Приглашаем вас на ВСТРЕЧУ с вечным и мимолётным, прекрасным и волнующим искусством – искусством Икебаны. Наша выставка – попытка чуть приоткрыть дверцу к пониманию удивительной и загадочной страны – Японии.


Хроника выставочной деятельности

3

3

Май 2010 «Полевая почта. Фронтовые письма». Выставка живописи Н. Яссиевича, акварелей Татьяны Яссиевич, посвященная 65 годовщине Победы в Великой Отечественной войне. Уникальный выставочный проект, посвященный 65летию со Дня Победы в Великой Отечественной войне. Экспозиция строится на сочетании двух начал: репринтных отпечатков писем, написанных с фронта в 1941-43 гг. советским художником Николаем Яссиевичем, и акварелей, созданных по мотивам этих писем и архивных фотографий специально к этому выставочному проекту, его внучкой, голландской художницей Татьяной Яссиевич. Преемственность художественного взгляда на реальность, связь поколений, разнесенных во времени и по странам с разной идеологией, важность частного на фоне общего – вот что хотелось показать этой выставкой. Фронтовые письма поражают и цепляют воображение современного читателя яркостью и конкретностью деталей, подмеченных острым глазом художника. Акварели Татьяны Яссиевич своей подчеркнутой графичностью, скупостью цветовой гаммы и в то же время абсолютной свободой линий усугубляют ощущение путешествия во времени. Зритель оказывается лицом к лицу с персонажами архивных писем, испытывает чувство сопричастности к личной истории этих людей и через них - к истории Великой Победы. Николай Яссиевич (1902 - 1976) - советский художник, ученик И. И. Бродского, прошел обучение в его мастерской в Академии художеств в 1936 г., к началу войны – аспирант Академии художеств, в 1941 г., несмотря на бронь, ушел добровольцем в Народное ополчение. Был переведен во флот, служил в чине морского пехотинца на Ораниенбаумском пятачке. Воевал до 1943 г., был комиссован по ранению. Для ноябрьской демонстрации 1943г. писал огромное полотно с портретом И.В. Сталина на стену Исторического музея на Красной площади. Татьяна Яссиевич (р. 1968) - внучка Николая Яссиевича, окончила СХШ им. Иогансона при Академии художеств, обучалась в ЛВХПУ им. Мухиной, оттуда в 1991 г. по частному обмену перевелась в Академию художеств Утрехта в Нидерландах. Постоянно живет в Амстердаме. Автор многих проектов и персональных выставок. Работы находятся в ряде публичных коллекций в разных странах мира, в том числе в коллекции Фонда Горбачева в Москве.


Хроника выставочной деятельности

4

3

«Образ и Буква-2». Выставка каллиграфии. Организаторы: Национальный союз каллиграфов, Петербургская Школа каллиграфии. — Куратор Пётр Чобитько. Школа каллиграфии была основана Петром Петровичем Чобитько в 2005 году при СанктПетербургской государственной художественнопромышленной академии им. А.Л. Штиглица. В 2006 году Школа организовала две выставки «Образ и буква», где были представлены работы П. Чобитько и его учеников (каллиграфические композиции, живописные произведения, копии древних рукописей, книги, произведения декоративно-прикладного искусства): в музее СПГХПА и в Союзе художников (в рамках дней Славянской письменности). В 2008г. выходит в свет «Азбуковник» П. П. Чобитько, посвященный основам написания основных форм славянского шрифта (устав, полуустав), и первые каллиграфические прописи О. Варламовой. Результатом плодотворного сотрудничества Школы с Международной Выставочной Компанией (МВК) явилось проведение Первой Международной выставки каллиграфии в Санкт-Петербурге в залах музея Академии Художеств. Ученики Школы - участники, мероприятий, посвященных открытию Современного музея каллиграфии и празднованию Дней Славянской письменности, призеры международного конкурса «Святое Писание в каллиграфии», проводимого в рамках Второй Международной выставки в Москве. В Школе проводятся занятия для детей и взрослых по авторской программе П.П. Чобитько и подготовка специалистов-педагогов по искусству каллиграфии. Вместе с будущими педагогами руководитель проводит мастер-классы, лекции и семинары во многих городах России. В мае 2009 года в рамках проекта «Арт Петербург 2009» была организована Первая выставка «Каллиграфия Петербурга», в которой приняли участие И.Т. Богдеско, Д. И. Петровский и П. П. Чобитько со своими учениками. Основная цель Школы возрождение искусства письма в России, приобщение к красоте каждой буквы, раскрытие творческих и умственных способностей учеников, самосовершенствование личности.


Хроника выставочной деятельности Июнь 2010 - Л. Хромова.

5

3

«Филигранность чистого цвета», пастели: Сергей Белоусов. Куратор Сергей Белоусов – из славной плеяды серьезных и хорошо подготовленных профессионалов. Среди их преимуществ – широкий кругозор, знание мирового контекста художественного творчества, в который вплетается создаваемое тобой, привычка следить за открытиями и находками коллег, определенные проверенные временем пристрастия и ориентиры. Его ныне узнаваемый индивидуальный стиль – это логичное продолжение поисков живописцев, работавших на рубеже девятнадцатого и двадцатого веков. Только он работает на современном уровне и использует возможности современных материалов. К своей филигранной технике он пришел, не изучая и не копируя предшественников. Наоборот, найдя свое и утвердившись в индивидуальной манере изображения, Сергей стал открывать для себя заново мирискуссников, Врубеля, Кустодиева, Рембрандта.

Его пастели создаются как мозаика. Как на неисчислимых ее гранях играет свет сотнями оттенков, так и в его пастелях цвет играет и переливается. Он работает в технике классической пастели, потому что она ярче, выразительнее масляной. Отечественная, французская, итальянская – ему требуются сотни мелков, ибо принцип работы действительно сравним с выкладыванием мозаики, при чем без предварительного рисунка. Картина проявляется постепенно, соотносясь с образом, который сложился в воображении. Процесс не быстрый, требует ежедневных кропотливых трудов. Случается большую часть созданного приходится стирать и начинать заново. В белоусовской технике это возможно: он пишет только чистым цветом, корпусно. Важна бумага – работают ее цвет, фактура. Особенно на первых пора при освоении собственного языка цвет бумаги был определяющим, создавая основной ритм, ведущую мелодию произведения: «Пробуждение», «Листопад в Летнем», «Весна в Петропавловке», «Площадь искусств», Предгорье Кавказа», «Весеннее равноденствие», «Старый пруд». «Сочельник» - городской пейзаж, далеко не первый в творчестве Белоусова, однако именно его художник считает точным попаданием в тему: здесь ему, наконец, удалось показать «свой» Петербург. Узнаваемый уголок парадного Петербурга – силуэты зданий, обрамляющих Екатерининский садик, сумерки, фонарь, скамейка, городские деревья с безлиственными ветвями, налипший на стволах снег, выпавший в канун Рождества. Название картины «Сочельник» явилось во время ее создания. С этим пейзажем связано нечто необъяснимо мистическое: когда картина, над которой он работал, преодолевая затянувшуюся простуду, была окончена, автор словно преобразился, как это ни банально звучит – вернулось здоровье, и он стал по-другому видеть – более четко, ярко многоцветно. Стремление адекватно передать переливы воды в каналах, речках, прудах, море («Русская Америка», «Остров», «Сидеми», «После дождя», «Бухта Средняя»), сложность цвета высокого северного неба, завораживающе яркую палитру лесных просторов под летним и осенним щедрым солнцем («Дорога», «Сосновый бор», «Орешек») постепенно привело к отказу от включения в картину больших плоскостей нетронутой «рисующей» бумаги. «Грань мозаики» становилась микроскопически мала, сама технология рисования потребовала создания авторской бумаги – с крупным зерном: эффект многоцветья на ее поверхности становился выразительнее, стереофоничнее ( «Ожидание», «Плес»).


Хроника выставочной деятельности

6

3

Импульсом в движении к собственному стилю для художника стали некоторые выставки в залах Русского музея и Эрмитажа. Запомнилась встреча с поздним творчеством Моне в залах арки Главного Штаба, где Сергей побывал не один раз, буквально потрясла выставка Куинджи, давнего кумира Сергея. Это было счастье – увидеть десятки его небольших по размеру этюдов, совершенных и емких как картины. Захотелось (совсем как Делакруа после выставки Жерико) бежать к мольберту и писать, чтобы приблизиться в работе к несравненному магу света. В последние годы ценителей пастели становится больше с расширением круга мастеров, которые обращаются к этой технике и создают в ней образцы высокого искусства. Немало тому способствуют состоявшиеся выставки, международные фестивали пастели, работы известных художников, предпочитающих пастель и бумагу холсту и маслу. В Петербурге в начале «нулевых» Сергей оказался одним из активных участников с российской стороны масштабного международного проекта «Европастель». Проект напомнил имена великих живописцев прошлого, которые работали в этой технике. Академия художеств и Эрмитаж в своих залах представили зрителям пастельные шедевры собственных коллекций, созданные несколько столетий назад и сохранившие яркость цвета и гармонию колорита. Белоусовские пастели, в частности, «Царскосельский модерн» и «Полдень» вошли в каталоги, экспонировались в рамках проекта не только в Петербурге, но и в Италии, Франции, Швейцарии, США. Пастели Белоусова, выполненные в размере 110 на 70 см ( «На краю времени»,, «Бархатный сезон», «Утро на Дону», «Волхов», «Аляска», «Балтика», «Утро в Хельсинки», «Каллахти») – впервые представленные на выставках объединения художников «Полиреализм» в Большом зале Дома художников, открыли мастеру обаяние масштабного полотна, его выразительные возможности. Одна из таких работ – городской пейзаж «Морская столица». Толчок к созданию картины – впечатления от прошедшей в Петербурге международной регаты. Заворожила музыка графических и живописных ритмов, северные высокие небеса и рвущиеся в небо стройные мачты. Хотелось уловить и выразить праздничность и романтизм знакового события – явления в город, рожденный как морская столица России, парусных кораблей, покоряющих моря и океаны благодаря союзу природной стихии и человеческой воли, отваги и ловкости. Непросто оказалось изобразить богатство живой природной палитры, игру света на воде зачаровывающие ритмы стройных вертикалей и глубокого пространства на краю двух сред- земли и океана. Потребовалось почти три месяца, чтобы с удовлетворением заключить - задуманное удалось. В какой-то степени картина «Морская столица» стала и романтическим приветом, напоминанием о счастливом десятилетии в Приморье, где Сергей, выпускник знаменитой Строгановки, еще в конце восьмидесятых оценил возможности пастели. Серия его работ в этой технике, воспевающих уникальные природные красоты Приморья, была закуплена краеведческим музеем имени Арсеньева. Петербург – город, который, как не без основания считается, сам выбирает своих жителей, принял Сергея. Художник упорно искал язык, адекватный метафизике города. Он открывал и совершенствовал его, запечатлевая свой «белоусовский» Петербург, его пригороды, парадные виды и романтические уголки в непрерывном и плодотворном творческом диалоге. «Миражи на Невском», «Диалоги Петербурга», «Морская столица» – это не только названия картин Белоусова – это благодарность городу и судьбе, своему призванию.


Хроника выставочной деятельности Людмила Хромова, искусствовед

7

3


Хроника выставочной деятельности Июль 2010

8

3

«Энергия рисующего света», выставка живописи: Мария Васильева. Мария Васильева окончила с отличием Академию Художеств в Санкт-Петербурге в 1993 году под руководством А.А. Мыльникова. Из мастерской профессора выходят самобытные художники, ведь главным в обучении считается совершенствование профессионального умения, приобщение к традициям мирового художественного опыта, воспитание индивидуальности, личности. Свою выставочную практику М. Васильева начала еще студенткой, за пределами России стала известна благодаря живописным натюрмортам, в которых новаторство и изобретательность объединены с игровой составляющей. Участвовала в престижном аукционе в L'Hotel Drouot, удостоена персональных выставок в галереях «Christian Siret» в Париже, «Renaissance» в Вермонте, «Zalman Gallery» в Нью-Йорке, «Музее C. A. S. E.» в Нью Джерси, «Green House gallery» в Техасе, Центре искусств в Токио и др.

С 2004 года Мария Васильева - член Французской ассоциации художников. Была занята в художественных проектах в Бельгии, Швейцарии, Марокко, Испании. Работы М. Васильевой экспонируются в Гамбурге, Турку, Барселоне, Сан Антонио - США, Париже, Шанхае, Пекине, Москве и Петербурге. На выставке в StArtGallery представлены живописные эксперименты с контражурным светом, игра с бликами на поверхности воды и цветовыми пятнами в натюрморте. Послойная цвето-теневая градация переводит фигуративные композиции в абстракцию. Новые работы Марии Васильевой — это серия женских образов на фоне окна. Свет из окна или контражур вырисовывает светлый абрис по контуру. Подчёркивает общее и частное, линии и детали. Красивый по рисунку, пластичный, можно сказать «обволакивающий» свет, которым нельзя управлять, - главное действующее лицо картин, подлинный создатель динамики сюжета в статичных, казалось бы, постановках. Лучи света из окна - параллельны, что прочитывается на подсознании и вызывает совершенно особое восприятие изображения у зрителя. Художественная манера Марии Васильевой узнаваема и пластична. Характерная черта ее - утонченность и нежность в изображении пейзажей, точный психологизм в портретах, лаконичность и одновременно многообразие цветовой гаммы, раскованность приемов и свобода движений кисти. Энергия света, то мягкого, то ослепительного, пронизывает творчество художницы, поднимая его над обыденностью, придавая сиюминутной игре теней и бликов ценность подлинного искусства.


Хроника выставочной деятельности

9

3


Хроника выставочной деятельности Июль 2010

0

4

«Мир синевзорья», живопись: Инна Антонова. Куратор - Л. Хромова. Те, кто впервые видят работы Инны Антоновой, испытывают некоторое беспокойство и стараются побыстрее их классифицировать, втиснуть в какие-то рамки: лубок, примитивизм, религиозная живопись. И это понятно: живопись Инны поражает широтой жанрового диапазона – от бытовых деревенских сцен до православных сюжетов, ошеломляет напором пылающего цвета. Она просто из тех свободных счастливцев, которые от природы одарены самобытным художественным видением, мощным изобразительным языком, которым она все может выразить - и чувства, и мысли. Инна Антонова – художник, и говорит языком образов.

Она родилась во Владивостоке в 1959 году. В городе училась, а летние каникулы проводила у бабушки в деревенском доме. Там в двенадцать лет и появилась первая серия ее творческих работ – портреты животных: корова, кот, петух. Это были именно портреты ее деревенских друзей - огромные лики с человеческими глазами. И с тех пор все ее персонажи – и животные, и люди, как божий дар, как отблеск небес, несут исполненные проточной синевы очи. Когда-то Велимир Хлебников писал:"И с ужасом /Я понял, что я никем не видим, / Что нужно сеять очи, / Что должен сеятель очей идти!" Подобно поэту, Инна постоянно рассеивает на своих холстах эти поразительные иконописные очи, они прорастают как цветы, напоминая об истинном цвете и красоте этого мира. Иногда Инна сама сетует, что не получила полноценного художественного образования. Однако школьный учитель рисования был не единственным, кто давал ей уроки профессионализма в живописи. Во Владивостоке она несколько лет посещала известную в городе изобразительную студия Г. Цаплина, но еще чаще брала уроки в мастерской В. М. Шлихта, в творчестве которого соединялись традиции европейского искусства и "культурная память" дальневосточного региона. В семидесятые Шлихт во Владивостоке противостоял официозу и его диктату, собиравшихся вокруг него учил дорожить творческой свободой и доверять себе. Инну Виктор Михайлович любил: она была решительной, даже дерзкой в освоении живописной техники, воплощении собственных, зачастую фантастических замыслов, одинаково уверенно бралась за любой сюжет и жанр, на коллективных выставках ее работы властно притягивали взгляд. Отъезд Инны Антоновой в Ленинград, эту мекку отечественных художников, был вполне закономерен. На долгие годы общение учителя и ученицы стало эпистолярным. Он напутствовал:"Искусство заставляет человека жить в истине жизни, а не в истине вещей, которые его окружают… Настоящее искусство начинается там, где кончается личное, там, где творец встречается с вечностью". Инна всегда жила сильными чувствами, умела их выразить в картинах, поражая зрителей самобытностью сюжетов и мощью декоративного письма. В 1986 году знаменитый художник и педагог Евсей Евсеевич Моисеенко, увидев работы Инны в фотографиях, пригласил ее в свою мастерскую в Академии художеств, позволил работать вместе со своими студентами. В Ленинграде Инну ждало самое главное для любой женщины – замужество, ребенок. В 1994 году судьба вернула Инну во Владивосток – залечивать раны после пережитых потрясений: этнических конфликтов, потери всего созданного в Таджикистане, голода, нищеты. Из солнечной республики, которая вдруг обернулась адом для ее русских жителей, Инне удалось вывезти самое дорогое - двух дочерей. И здесь горечь утрат усугубилась: вскоре по возвращении она потеряла учителя, собеседника и друга – Виктор Михайлович Шлихт умер.


Хроника выставочной деятельности

1

4

Но Инна продолжала работать, создавая все новые полотна, и в 2000-ом году в Приморской государственной галерее состоялась первая в Приморье персональная выставка Инны Антоновой. И в ней еще очень сильны были отголоски среднеазиатского периода ее живописи. В аннотации к выставке арт-критик Марина Куликова писала:"Необычные, нереальные, фантастические персонажи в ее огромных полотнах кажутся пришедшими в наше сегодня из мифологического вчера, из древних преданий, легенд, мифов. Они олицетворяют собой то архаическое древнее время Востока, когда взаимоотношения между мифом и реальностью не носили антагонистического характера. Каменные истуканы, кровавая богиня Кали, крылатая корова – как будто перенеслись к нам из далекого прошлого Индии, Персии, Средней Азии. И в то же время что-то заставляет нас сомневаться в их незамутненном мифологическом происхождении. Слишком много тревоги в контрастных цветовых сочетаниях, в крупных скульптурных формах. Они монументальны и автобиографичны одновременно". Затем был приморский период, который условно можно назвать"смоляниновским". Там, в оставшемся после бабушки доме, были созданы многие работы, в которых ярко проявилась способность Инны Антоновой превращать обыденную жизнь, если не сказку, то в миф, где жизнь соседей, огородные заботы превращаются в почти фантастические сказания. Причем особую остроту и выразительность этим произведениям придают ирония и горькая мудрая усмешка. Здесь можно вспомнить, например, такие работы, как"Домовой","Баня","Умер Максим, да и хрен с ним"… И, пожалуй, даже мужское сердце дрогнет перед работой"Жизнь не сахар и не мед, никто замуж не берет", когда зритель оказывается один на один с монументальной женской фигурой, вписанной не просто в квадрат ночного окна, а во Вселенную. Сейчас Инна живет в Ростове Великом, городе, куда судьба два года назад ее забросила, потому что не удалось, как мечталось, остаться в Питере. Но и этот поворот судьбы теперь принимается ею как благодатный в творческом смысле. Вдруг оказалось, что все жизненные дороги вели именно сюда, в этот небольшой город-заповедник на берегу озера Неро. Она вошла в русский православный мир как в родной дом – с отчетливым и радостным чувством обретения того, к чему всю жизнь подсознательно стремилась и чего не могла обрести во время своих не всегда добровольных скитаний: Дальний Восток, Москва, Ленинград, Таджикистан… За десять тысяч километров от места рождения она ощутила здесь, на древней русской ярославской земле, что и земля, и город, и церкви, и монастыри, и люди в нем дышат с ней в такт. Несмотря на обилие мифологических мотивов, главной темой Инны Антоновой всегда была окружающая ее жизнь, можно сказать, личная судьба, которую Инна отражала зачастую в символических формах, отдавая свои пристрастия крупному плану. Можно сказать, уже в детстве она почувствовала себя монументалисткой. И в дальнейшем ей всегда требовался большой холст, были нужны цветовые пятна предельной насыщенности и их контрастное соединение – так ярче и убедительнее всего передавался драматизм сюжета. Она по природе своего дарования, конечно, живописец, из тех, кому под силу создать формулу живого, как удавалось это Петрову-Водкину, Пиросмани, Моисеенко. Инна чувствует с ними родство по корневой близости к народной стихии, ко всему здоровому, животворящему. А в Ростове Великом она по-


Хроника выставочной деятельности

2

4

настоящему встретилась с духовной родиной - русской историей, духом, русским цельным миром: обрела то, чего всю жизнь жаждала ее душа. Библейские мотивы, церковная и монастырская традиционная жизнь стали заполнять ее новые полотна:"Монастырская трапеза","Покров Богородицы","Ростовская тройка"… Они красивы и гармоничны – ее холсты, созданные в Ростове.


Хроника выставочной деятельности Сентябрь 2010

3

4

«В момент запечатления», пастель, акварель: Юрий Столяров. Художник запечатлевает. Юрий Столяров путешествует и запечатлевает, рачительно и педантично фиксирует все мотивы-привязанности второстоличного жителя к первостепенным по важности знакам северного карельского аномального природного тяготения. Вот - мох, вот - ствол, фактурен и затейлив, вот - камень-скала, почти абстрактного узорчатого переплетения композиция на нем...

Его работы как капли, брызги Финского залива, волн, озер Карелии, хрустальных тяжелых и стремительных вод Вуоксы. Эти брызги, оседая в домах горожан, несут холодноватый, чистый воздух перешейка в квартиры захламленного мегаполиса, дают ощущение сопричастности чему-то важному, стихийно-свободному, непокоренному, а потому свежему, чистому, девственному, чему-то, что дает надежду на приобщение к тайнам тайн самой сущности самой натуральной натуры - природы, к ее сокровенным тайнам и смыслам, причастности к чему-то неизбывно важному, деликатному и забытому целыми народами, культурами и цивилизациями. Искусствовед Мария Шейнина Столяров Юрий родился в 1961 году в Ленинграде. Окончил Высшее Художественное Училище им. Мухиной , отделение дизайна. График, живописец. Член Союза Художников России. Участник многочисленных групповых и персональных выставок. Работы находятся в частных и музейных собраниях России, Чехии, Германии, Греции, в том числе в Музее Современного Искусства, г. Салоники. Работает в технике масляной живописи, монументальной живописи, пастели, офорта, литографии.


Хроника выставочной деятельности

4

4

Октябрь 2010« Мифосфера», графика, монотипия: Марина Красильникова, тексты: Дмитрий Лавров. Не верьте, если вам скажут, что художник рисует. Это он так говорит. А эта выставка – еще одна попытка автора не вступить в диалог со зрителем, а рассказать ему некую историю. Верней, несколько историй, связанных общей темой и местом, а, возможно, даже действующими лицами. Выставку можно считать чем-то вроде сборника рассказов. Тем более, что каждый автор всю жизнь рассказывает, по сути, одну и ту же – свою – историю, только по-разному. На этот раз история будет о границах одиночества внутри города и человека, и о странных созданиях, живущих в мирах наших внутренних сфер. Сфера – наш личный миф. Миф – персонификация необъяснимого. Мифосфера – необходимая нам граница мира. Самая первая сфера - звездное небо – поверхность мироздания. В сочетании звезд люди видят отражения придуманных ими сказок, одомашнивают небо, разрисовывая его контурами персонажей, приближают к понятной и плоской земле. Одному человеку не под силу заполнить весь небосклон, он выбирает себе свою маленькую реальность. Так огонь свечи в темной комнате рисует естественную сферу света, а за ее пределами, в пугающей пустоте, живут непонятные страхи. Сфера — символ замкнутого. Место, где пространство перестает быть бесконечным. Интровертность повседневного бытия внутри большого города, внутри собственного мира, ограниченного словами и населенного образами. Концентрация сфер порождает пласт бытия, отслаивающийся от реальности. Концентрация одиночеств пропорциональна количеству загорающихся вечером окон. Сферы, которые мы носим с собой, внутри и вокруг себя, – индивидуальны и редко совместимы. Это – privacy, личное, хранилище тайных мифов, защищающее их от страхов и бесцеремонностей внешней пустоты. Шаманские знаки принадлежности, наносимые на внутренную сторону границы мифа/мира, охраняют от «Ничего» то «Нечто», что единственное имеет смысл и ценность для своего вольного или невольного творца. Набор символов, не требующий расшифровок, лоскутный покров реальности, сшитый стежками вероятностей. Пространство неосуществленных желаний, населенное силуэтами несбывшегося. Город-призрак, прорастающий сквозь ткань слов и событий, вечный город, отпечаток которого мы носим в себе. Это история путешествия внутрь собственной сферы и рассказ о том, что там можно найти: - тени и образы, которыми мы ее населяем,


Хроника выставочной деятельности

5

4

- мифология, которую мы творим для внутреннего пользования, - сказки, которые мы рассказываем сами себе на ночь. Уникальность проекта в том, что каждый лист графики, представленный в основной экспозиции, дополняют специально именно к этой картине написанные стихотворные строки. Это не просто рифмованный аккомпанемент изображению, но и равноправная составляющая часть выставки. В чем-то слова определяли образы, в чем-то образы рождали слова. Так что внутри сферы выставки не один мифотворец, а двое. Со-авторство и сотворчество создали пространство, в которое мы предлагаем вам заглянуть.

Чуть вечер, лезет мне на плечи Мы нарисуем этот странный город

Его мурлыканье не лечит,

Тем, что случится под рукой.

Но отгоняет страх ночной

Слова ли, линии ли, или что другое Сгодится все и все придется впору.

И мы идем дома смотреть,

Неплохо то, что повод есть для спора, И хорошо, что он у нас такой. xxx Двор, дерево, пыль в трещинах коры… День, мыльным пузырем скользящий, Вдоль солнцем выкрашенных стен… Такой живой, как будто настоящий Он тихо кончится, когда ему взамен Придут совсем другие правила игры… xxx Зверь одиночества ручной

На дне дворов искать покоя Нам хорошо, пока нас двое – Мой зверь и я. Но где же треть? Прости меня, мой нежный зверь, За ожиданье этой трети. Я жил с тобой, но умереть я Хотел бы с ней. И не теперь. xxx Мосты стоят дорогой в небо Я знаю, это так непросто Указывать туда, где небыль


Хроника выставочной деятельности На бытии рисует звезды

Они останутся мостами

Замученный вопросом: «Где бы?»

Когда разлуки час настанет

Пойми, ведь это так несложно

А мы устанем от разлук

Мосты стоят дорогой в небо,

Не разводи сведенных рук

А это значит, все возможно.

Они останутся глазами

xxx

6

Когда безмолвье станет нами

Не разводи сведенных рук

Вписав нас в бесконечный круг

Они останутся опорой

Смешно безмолвие молитвы

В пылу бессмысленного спора

Перед бессмысленностью веры

Меж нами вспыхнувшего вдруг

А жизнь идет своим манером

Не разводи сведенных рук

Сверкая наподобие бритвы

4


Хроника выставочной деятельности

7

4

Ноябрь 2010 «Цветы и тени», живопись: Рашид Доминов. Цветы Знаки События Мистика Мистические значения/символы Хрупкость и жизнеупорность Стабильность Стабильность временного обозначения Уложения Начало-развитие-конец-начало-развитие-конец Цветение-увядание-возрождение-прорастание-цветение-увядание-смерть-ничтовозрождение-прорастание Символы Знаки Христианство Ведовство (травами/цветами лечат, варят из них зелья, целительные отвары) Манящая красота Эротизм Волшебство цвета и запаха, формы и строения Символы будущего плода и будущего увядания

Тени Тень в культуре, искусстве присутствовала всегда как смысловая единица Царство теней Тень и предмет Свет и тень Не самостоятельность


Хроника выставочной деятельности

8

4

Упрямство Упрямство отображения, отражения. Знак перехода в иные пространства. Но, всегда, знак присутствия в этом – нашем мире. Знак временности всего сущего. Знак тщания земных хлопот и служений, услужений/копошений. То, что всегда ускользает и то, что всегда рядом – за спиной, под ногами – рукой дотянуться можно. В изобразительном искусстве тень рождает живопись и подтверждает жизнь, а заодно и качество самой живописи. Взаимоотношения цвета/света и тени выстраивают живописное произведение композиционно, как структурно, так и эстетически, семантически. Тень всегда там, где нужно подчеркнуть (не навязчиво) торжество света, солнечного, дневного, вечернего, искусственного, человеческого – свеча, лампада, - божественного. Освещенное пространство – пространство защищенное, огражденное от «злого» умысла, от «черных» мыслей, от не доброго влияния, проникновения. Запечатленные в едином пространстве, втянутые художником в композиционноструктурные отношения Цветы и Тени создают новую реальность снов и разговоров, историй, непрочитанных писем и недодуманных несбывшихся событий. Рашид Доминов определяет «темы диалогов» своих героев, то есть заставляет соприкоснуться смыслы и значения, приобретенные ими за долгие путешествия в культурах прошедших времен. Произведения, представленные на выставке «Цветы и Тени», по сути своей натюрморты. Однако, они теряют качества мертвой, а значит, тихой, замолкшей натуры. Ибо портреты цветов и их теней велеречивы и многосюжетны, где сказки, были, притчи прочитываются зрителем так, как только зритель и может их прочитать, то есть наделить своими смысловыми ассоциациями (не галлюцинациями), аберрациями, своими надеждами, своими страхами, тщаниями, таинством ожидания, опасениями, прозрениями. Особенности построения этих портретов, а именно – используемые в едином пространстве – плоскость и ее фактурность/текстурность, пульсирующий «клеточный» орнамент, строгий натурализм, визуализация взаимоотношений объемамассы и света-тени,- отсылают нас к опыту художников-исследователей, реформаторов начала-середины ХХ века. Но портретное почти алхимическое таинство, рождающее торжественное представление-называние, создание героя и его подтверждения – двойника – тени, заставляет вспомнить лучшие образцы портретного искусства Г. Гольбейна, младшего. Где человек и его тень, охарактеризован и приближен в своем гуманитарном ореоле к нам, стирая все грани между персонажем далекого ХVI столетия и зрителем 2010 года этого моего дня. Цветы и тени, портреты и судьбы, дневные – ночные. Неразделимость времен и усилий, пространств и художественной воли. Созданы органически живущие и развивающиеся произведения цикла «Цветы и тени» замечательным петербургским художником, Рашидом Доминовым, вне стилей, школ, направлений, во благо новых стремлений, открытий, событий, историй, откровений, возобновлений цвеТЕНИй…


Хроника выставочной деятельности

9

4

Мария Шейнина, член Международной Ассоциации искусствоведов Ра

шид

1946

году

Доминов родился в в

Астрахани. 1962 - 1972 гг. учёба в СХШ и Институте им. И.Е. Репина Академии Художеств. Член Союза Художников России. Член Санкт-Петербургской Академии Современного Искусства. Художник - постановщик более 30 спектаклей в различных театрах России. Автор иллюстраций ряда книг. Участник многочисленных выставок в России и за рубежом, из которых 15 персональных. Произведения находятся в собраниях: Государственный Эрмитаж. Санкт-Петербург; Государственный Русский Музей. Санкт-Петербург; Государственный Музей истории искусств Грузии. Тбилиси; Астраханская картинная галерея имени Б. Кустодиева; Алтайский музей изобразительных искусств. Барнаул; Художественный музей. Волгоград; Вологодская картинная галерея; Воронежская картинная галерея; Дальневосточный художественный музей. Хабаровск; Государственный музей искусств Татарстана. Казань; Томский художественный музей; Республиканский художественный музей Карелии. Петрозаводск; Картинная галерея. Комсомольск-на-Амуре; Картинная галерея. Севастополь; Сочинский выставочный зал; Сумский художественный музей; Ставропольский музей изобразительных искусств; Ингушский музей изобразительных искусств. Кара-Булаг; Красноярская картинная галерея им. В.Сурикова; Центральный выставочный зал "Манеж". Санкт-Петербург; Театральный музей. Санкт-Петербург; Музей Анны Ахматовой. Санкт-Петербург; Музей политической истории. Санкт-Петербург; Краснодарский краевой художественный музей им. Ф.А. Коваленко; Областной художественный музей им. П. Верещагина. Николаев; Государственный музей интернационального искусства. КНР, Пекин.


Хроника выставочной деятельности

0

5


Хроника выставочной деятельности

1

5

Ноябрь 2010 «Акварельная мозаика», выставочный и образовательный проект Санкт-Петербургского общества акварелистов: Владимир Старов, Люся КовалеваКондурова, Андрей Корольчук, Сергей Темерев, Юрий Шевчик, Нина Дьякова, Валентина Анопова, Александр Сайков, Файзулла Аминов, Владимир Серебряков, Зинаида Ревчук, Эльмира Мустафина, Евгений Дубицкий, Асия Ганиева-Лаптева и др. В экспозицию проекта включен ретро-раздел – работы мастеров прошлых лет – А. Бенуа и Е. Лансере. Проект «Акварельная Мозаика» уже самим своим названием утверждает принцип многообразия направлений в современной акварели, акцентирует роль Санкт-Петербурга как одного из авторитетных международных центров искусства акварели XX – нач. XXI в. Нынешнее время летит со скоростью информационных потоков, и задумчивое движение кисти художника частенько не поспевает за шустрой «мышкой». Особенно медлительно и изящно движение акварельной кисти, которое необходимо сберечь и сохранить от потерь. Проект представит традиционные и авангардные стили, манеры и приемы, наработанные петербургскими акварелистами, особый Петербургский Акварельный текст. Свое мастерство акварелисты продемонстрируют и на мастер-классах. Общество акварелистов Санкт-Петербурга возрождает и поддерживает традиции основанного в 1887 Санкт-Петербургского Императорского общества акварелистов, первым председателем которого был Альберт Бенуа. Общество функционирует с 1997 года благодаря усилиям Заслуженного деятеля искусств РФ Абрама Раскина и петербургских художников Нины Дьяковой и Юрия Шевчика. На протяжении последних лет «Общество» осуществляет целый ряд экспозиционных проектов, таких как Международная биеннале акварели «Арт – Мост – Акварель», «Акватория Акварели», «Акварель Чистой Воды. Мир Детства» в музее Мир воды СанктПетербурга, «Вода и свет Петергофа» в музее Бенуа в ГМЗ «Петергоф», «Летний пленэр» в Выборгском замке, «Витебский вокзал» в Художественном музее Витебска, «Петербургская акварель» в Академии им. Штиглица и другие. В проекте «Акварельная мозаика» участвуют известные петербургские мастера акварели: Владимир Старов, Люся Ковалева-Кондурова, Андрей Корольчук, Сергей Темерев, Юрий Шевчик, Нина Дьякова, Валентина Анопова, Александр Сайков, Файзулла Аминов, Владимир Серебряков, Зинаида Ревчук. В экспозицию работы мастеров

проекта традиционно включен ретро-раздел – прошлых лет – А. Бенуа и Е. Лансере.


Хроника выставочной деятельности

2

5

Ноябрь 2010 Вернисаж памяти Вадима Рохлина (1937-1985) одного из наиболее самобытных представителей неофициального искусства СССР. Представлены не экспонировавшиеся ранее живописные работы художника 1960-х гг. Рисунки, письма, воспоминания современников. Встреча с подлинным, настоящим произведением, искусством всегда уникальна, и принимать ее нужно как дар. Персонажи Вадима Рохлина вылеплены, объемны, их характеры сложны, неоднозначны. Пространство их пребывания тесно, их бытие в нем не эфемерно, это сгущение энергий, кипящее и волновое, устремленное к центру и в центре, клубящееся движение героев и их тел, чувств, душ. Философичность его произведений вечна, как вечны темы и сюжеты в человеческой истории, которые его привлекали и затрагивали. Сила его художественного высказывания и в молчаливом, и говорливом, но композиционно выверенном неистовстве – всплеске – взрыве из человеческих тел, судеб, свершений, эмоций и в звеняще отпугивающей тиши, затишье, до лопнувшей струны, и после свершенных предсказаний, предчувствий, последнем предвздохе здесь и в долгом блуждании там, в зазеркалье ли, в ирреальности ли, в реальности ли, в конечном ито-ге – в другом пространстве, противоположном нашему или нет – неизвестно, главное – в просторном не присутствии, почти хрустально звучащем единым аккордом, долгим, единым взглядом, долгим, охватываемом, единым ожиданием, долгим, предчувствуемым... Чуткий зритель бывал погружен в единое дыхание пространства произведения этого художника. Погружен и потерян, напуган и восторжен, удивлен и, конечно же, восхищен. Мария Шейнина, член Международной Ассоциации искусствоведов Вадим Моисеевич Рохлин (1937- 1985) В 1960 году окончил архитектурный факультет Инженерно-строительного института. Получив специальность архитектора, работал в проектных конторах Мурманска, Мончегорска и Ленинграда. Ощущая потребность в художническом образовании, Вадим еще в студенческую пору более года посещал частные уроки педагога Т.В. Савинской, дочери художника-академиста В.Е. Савинского. В это время сформировалась его неповторимая манера штриха и растушевки, приемы компоновки массы в листе, осязаемая мощь изображения человеческого тела. В начале 60-х, в Мончегорский период, Вадим впервые обращается к станковой живописи и графике, создает фреску. Творческая зрелость Вадима Рохлина, наступившая в середине 1960-х


Хроника выставочной деятельности

3

5

годов, явственно проступает в живописной манере картин этого периода. Это был некий рубеж, на котором закончились учеба, поиски, неуверенность. Появился Мастер, который не ищет, но находит. В последующие двадцать лет своей жизни он создал те произведения искусства, которые теперь отождествляются с его именем. Произведения Вадима Рохлина экспонировались на пяти прижизненных выставках и на более чем десяти посмертных. Прижизненные выставки: 1958 г. Персональная выставка в аудитории архитектурного факультета ЛИСИ. 1964 г. Групповая выставка на квартире архитектора и художника А. Товбина в Ленинграде. 1966 г. Групповая выставка на квартире художника Г. Элинсона в Ленинграде. 1974 г. Групповая выставка в ДК им. Газа в Ленинграде. 1975 г. Групповая выставка в ДК «Невский» в Ленинграде. Посмертные выставки: 1986 г. Персональная выставка в Доме архитектора в Ленинграде. 1987 г. Групповая выставка в Доме молодежи в Ленинграде. 1988 г. Персональная выставка в Институте ядерной физики в городе Гатчина. 1989 г. Передвижная персональная выставка в Москве, Ленинграде и Гродно. 1990 г. Групповая выставка в ленинградском Манеже. 1992 г. Персональная выставка в Художественной галерее-музее города Сосновый Бор. 1996-98 гг. Две групповые выставки в Русском музее. 1997 г. Персональная выставка в Художественном музее государственного университета Ратгерс штата Нью-Джерси, США. 1997-98 гг. Групповые передвижные выставки в составе коллекции Нортона и Нэнси Додж в городах США и Европы, в т.ч. в Нью-Йорке, Лиссабоне, Будапеште, Таллинне, Амстердаме и Антверпене. В настоящее время большинство произведений Вадима Рохлина находится в Государственном Русском музее и в Коллекции независимого искусства из Советского Союза, подаренной Нортоном и Нэнси Додж Художественному


Хроника выставочной деятельности

4

5

музею имени Дж.В. Циммерли государственного университета Ратгерс штата Нью-Джерси, США.


Хроника выставочной деятельности

5

5

Декабрь 2010 Выставочный проект: «Книга: образ пространства или пространство образа». В экспозиции представлены оригинальные авторские переплеты, необычные проекты в области оформления книг, а также инсталляции на тему истории и развития книги как живого организма. Иллюстрации и макеты книг 1960-70 гг. Давида Плаксина, коллекция редких изданий И. и А. Львовских. • Творческая мастерская Дмитрия Лаврова: авторский переплет, книжные объекты • Книга докомпьютерной эпохи. Иллюстрации и макеты Давида Плаксина • Коллекция редких книг И. и А. Львовских Книга, как привычный объект материального мира, обладая характерными тремя измерениями (шириной, высотой и длиной) существует в четвертом, временном измерении. Это измерение двояко. С одной стороны - это время, необходимое для прочтения текста, время, в течение которого читатель существует внутри текста. С другой стороны - те временные рамки, которые описывает данный текст. Таким образом, можно говорить о некотором пространстве, заключенном между переплетными крышками, пространстве, в котором, волей автора и с одобрения читателя, формируется система образов. Кроме того, книга может независимый образ, зачастую обусловленный свойствами текста.

приобретать свой, совершенно не

В этом случае книга (текст), становится тем холстом, на который ложится рисунок. Привычный материал книжного переплета остается лишь данью традиции, усложняясь несвойственными формами и техниками. Промышленно выпущенный книжный блок приобретает свойства уникального издания, обрамленный авторским переплетом. Создавая образ пространства книги, художник не связывает себя рамками пересказанного содержания, формируя некий иероглиф ощущения. Автор не выносит на переплет название текста, предлагая зрителю угадывать, радуясь возможности ожидаемого совпадения. Вековые традиции оформления книжного переплета, построенные на априорной элитарности продукта, оказываются под сомнением благодаря развитию промышленной полиграфии. Лучшие образцы книжного продукта ориентируются на принципы массовых изданий, клишируя стиль дешевых таблоидов, в высоком техническом и типографском исполнении. В попытке преодоления этого конфликта


Хроника выставочной деятельности

6

5

пародируются издания XIX века, создаются квази-репринты, или, используя современные словоформы, «типа как раньше». Работы, представленные на выставке, формируют пограничную культуру книжного объекта. Не доводя книгу до категории «арт» и не преследуя цели слепо повторить лучшие достижения переплетного ремесла прошлого, работы мастерской пытаются «говорить» о современной книге языком современного искусства. В выставочном пространстве художники пытаются повторить тот путь, который проходит книга от идеи до образа. Как и всякий серьезный разговор, этот «путь» оформлен изрядной долей иронии и самоиронии, исходя из принципа, что о сложном надо говорить просто… Кроме того, в рамках проекта представлена любопытнейшая экспозиция выставка ретроспективы книжных обложек классика отечественной книжной графики Давида Плаксина, а также уникальная выставка необычных по оформлению и форме книг ХХ века из частной коллекции Александра и Ирины Львовских.


Хроника выставочной деятельности

7

5

Январь 2011 Новогодняя выставка петербургских художников: Антонова Инна, Белоусов Сергей, Красильникова Марина, Овсяников Антон, Столяров Юрий, Горнева Галина, Бекарян Дзовинар, Касаткина Надежда, Луминица Табурца, Дубицкий Евгений. Приглашаем всех желающих увидеть ретроспективную выставку петербургских живописцев и графиков успешно сотрудничающих со StArtГалереей в течение этого года!


Хроника выставочной деятельности Февраль 2011

8

5

«Натюрморт и прочее...», живопись, графика: Давид Плаксин.

Предмет жил, жив, будет жить. Предмет живее всех живых. Наглядное подтверждение тому — светящийся, запечатлении Д. Плаксина. Уже не говоря, что здесь предмет каждый камень знает... И действительно, у предмета, подпавшего под жесткое фиксирование этого художника есть гримасы, ужимки, ухмылки — физиономия, гнусный или вполне добропорядочный характер, в меру ироничный, в меру агрессивный, в меру пессимистичный, в меру жизнеутверждающий. В целом — предмет жив, а вовсе не «натюр морт». Интересно, что этот живой предмет в своем почти иллюзионистическом движении и содвижении с братом/соседом/со-предметом плоть от плоти родственник, штрих любимого критиками и историками искусств русского сезанизма (Кончаловский, Рождественский, Осмеркин), а также, косвенно, сезанизма вообще. И не только цвет - генетический материал, cамо настроение и форма, приобретающая свое значение для предметного взращивания - cезанистская. Форма выпячивается и самозахватывает смыслообразующие функции в произведениях этого художника. А черные/темные тени и черный/темный контур сезанистов в работах Плаксина теряют роль вспомоществования. Так как гипертрофигурируются, вытягиваются, многократно увеличиваются и сами становятся формообразующим квази-элементом, теряется функция линии, линия/контур расширяется, становясь формой. Форма перетекает в иллюзию вечного движения от формы к пластике, лепке предмета. Предмет же не желает фиксироваться на плоскости и становиться в сообществе с другими мертвой натурой. В иллюзиях визуальных происходят аберрации общественного сознания. Предмет иллюзионирует. Мерцает, вертится и ворчит. Предмет жив. В работах Д. Плаксина. Искусствовед, Мария Шейнина Давид Плаксин родился в 1936 в Ленинграде. В 1957 окончил Ленинградское Художественное училище имени В.А.Серова. С 1980 член Союза художников (СССР) России. В 1990 вступил в Творческий союз художников России (IFA). Участник выставки в ДК «Невский» в 1975 г., многочисленных городских и всероссийских выставок.


Хроника выставочной деятельности

9

5

С 15 апреля 2011 г. выставка живописи «Ужин с Chesnok'ом» Ветрогонский Андрей Ужин с (Ч)есноком как ужин с Человеком… Тени расплываются, расползаются, мерцают и не убегают – теснятся по краям освещенного пространства, почти за столом, но за спиной участников процесса. Предметы и тени нивелируются и таят в пространствах жемчужных сумерек белых ночей петербуржских. Атмосфера приятного таинства и неги, с центром – столом и центробежными силами – свет, пространство, выхваченное художником. Предмет и предмет, застигнутые и зафиксированные художником могут рассказать о художнике и его эготоварище или эго-товарищах многое , и этого будет вполне достаточно, чтобы начать и завершить роман о бытовании артиста в бренном мире с его поисками и находками, исканиями, похождениями, безобразиями и духовном прозрении, отречении от бренности мирской и мировой, о славе и о подвигах, о музах, о единственной и единственном друге, товарище. О предмете страстей, дум и помыслов, о проходящем, о времени, о прошедшем. Сосуды, хлеба, яблоки, луки, чесноки, картофелины, предметы круглые, вытянутые, простые, замысловатые… Выложенные на поверхности, выставленные на показ, обозрение и обсуждение, сиротливо открыты в прочтении, но скрыты в предпочтении, их магия в тайне прикосновений, в сером жемчужном, сером мышином, подпольно -эстетском богатстве оттенков серого и волшебного мига присутствия света и тени, цвета и формы, плоскости и объема, рельефа, пространства вне, вокруг и внутри. Создание художника, объявшего необъятное пространство встречи, с ее ритмом - да - нет, да – нет, нет - да, нет - да, тиктак, тик-так (или так - тик), и , конечно же, с сакраментальным – а ты знаешь?, и, наконец, - вот это да! Выставка работ Андрея Ветрогонского… Мария Шейнина, член Международной Ассоциации искусствоведов Ветрогонский Андрей начал свой творческий путь в конце 1970-х г.г. В 1981 году он закончил факультет графики Института живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина, мастерскую своего отца — народного художника РСФСР Владимира Ветрогонского. Вскоре молодой художник стал серьёзно заниматься живописью. Художник пробовал свои силы в разных графических и живописных техниках. Тематика его работ: петербургские дворы, натюрморты, северные деревенские пейзажи, портреты близких людей. «…Боюсь всяких определений, касающихся моих работ, от этого мало что меняется… — говорит о своём творчестве Андрей Ветрогонский. — Найдя для себя меру условности в поиске цвета и форм, через глубоко личные образы пытаешься передать определенные состояния природы


Хроника выставочной деятельности

0

6

и души. Чем меньше художник поддается моде и времени, тем больше вероятность приближения к задуманному…». С 1981 года он — член Союза художников, с 1976 года — участник более 120 выставок, в числе которых 10 персональных. Выставлял свои работы и в России и за рубежом. 2011 - персональная выставка "Фонарь.Троллейбус.Петербург" в Нижегородском государственном художественном музее 2010 - персональная выставка "Собаки на прогулке", "Чесноки" И Другие..." Городской Выставочный Центр. Великий Новгород 2010 - персональная выставка "В мастерской художника " в галерее "АРТ.объект". Санкт-Петербург 2009 - совместная выставка «Владимир и Андрей Ветрогонские». Научноисследовательский музей Российской Академии художеств 2009 - персональная выставка графики "Знакомые вороны", "Ёлки-палки" и другие. Южно-Сахалинский художественный музей 2008 - персональная выставка в Мурманском художественном музее.


Хроника выставочной деятельности

1

6

Апрель 2011 «StArt Space» — свободная выставка петербургских фотографов, посвященная 50-летию первого полета человека в космос. В рамках проекта — выставка Рипа Гриффита «Через тернии…» — американского фотографа, музыканта и общественного деятеля. «StArt Space» – свободная выставка петербургских фотографов, посвященная 50летию первого полета человека в космос. Это художественная акция, где наряду с профессионалами приглашаются к участию и любители. Выставочная концепция достаточно широка, чтоб вместить самые различные направления технического и творческого поиска авторов. Общая тема - "space", пространство, во всех смыслах его понимания - это и выставочное пространство, и космическое, и пространство внутреннего космоса в каждом из нас, и внешнее пространство города и мира, а также размышления на тему границ этих пространств и их пересечений. И "старт" - начало освоения, осмысления этих пространств, начало осознания мира и своего места в нем. Фрактальная фотография Представьте: в бесконечном пространстве находятся три треугольника. Положение треугольников, их размер, угол наклона, поворот и расстояния друг от друга вырабатывают определенное число. Каждый треугольник, каждую точку в этих треугольниках можно бесконечно перемещать, каждое движение в пространстве производит дополнительный совершенно различный набор цифр. Любое число и новая комбинация чисел создают линии в пространстве и определяют позицию, толщину, цвет, изгиб, поворот и отношение линий между собой в пространстве. Затем, представьте, что вы находитесь внутри или вне созданного объекта и монитор компьютера это видоискатель фотоаппарата, которым можно приближать и отдалять изображение, рассматривать его вокруг, сверху, снизу, и запечатлевать образы вашего путешествия. Через тернии... Возможности фотографии безграничны. Она вне законов и границ визуального. Фиксация возможностей простого визуального теперь перерастает в битву возможностей оптики, техники, химии и компьютерной коррекции в создании гипервизуального или супер-визуального текста как смыслового реагента. Свет, цвет, пространства и растянутые в процессе постижения вечности времени - вот секрет создания космоса, в который вышла современная фотография, а за ней и фотограф. Увлекаемый возможностями, он вываливается в пространство и колдует в борьбе за структуры запечатлеваемые им. Привносит механические, урбанистические, техногенные даже не черты, а воспоминания, образы-кварки, штрихи, что лишь царапают поверхность визуальной памяти человека, фотографа. Создает красоту. Эта красота кристаллическая, холодная, несмотря на яркость и активность энергий вмещенных в


Хроника выставочной деятельности

2

6

произведение Рипа Гриффита. Отстраненность и "внеэмоциональность", блеск и ритм, цвет и изысканность выстреливают композиции без верха, веса, без ориентиров. Структуры, парящие в совершенных пространствах, куда лететь и лететь человечеству в мыслях и мечтах через тернии земного притяжения и земного абсолюта реального визуального. Мария Шейнина, член Международной ассоциации искусствоведов Рип Гриффит, американец по происхождению, закончил Джульярдскую школу музыки (музыкальную консерваторию в Нью-Йорке), университет Корпус Кристи, университет Техаса и Нью-Йоркский университет, где получил докторскую степень в клинической психологии. Имея опыт работы и с музыкой, и с фотографиями, выступает с симфоническими оркестрами Корпус Кристи и Сан-Антонио как первый гобоист, и как дирижер симфонического оркестра города Атлантик. Рип также работал скульптором, а в настоящее время работает в технике фрактальной фотографии. Его работы были представлены на персональных выставках в США и Европе. Самые знаменательные из выставок прошли в Арлин Ландерс Галерее (Arleen Landers Gallery) в Филадельфии, Central Square и Rockford Galleries в Нью-Джерси, Глоуб (The Globe) в Праге, Чешской Республике и, совсем недавно, в галерее Друидс (Druids) в Нью-Йорке и Доме Национальностей в Петербурге. Рип преподавал музыку, скульптуру, дизайн и фотографию в Атлантик колледже (Atlantic College). До того как решил посвятить себя практике клинической психологии в Нью-Йорке, он работал художником-резидентом в Пенсильванском Государственном Университете (Penn State University). После практики врача он вышел на пенсию. Во время путешествия в Россию с балетной труппой в качестве фотографа, на него произвело впечатление бедственное положение бездомных детей. Помогая им, по нескольку месяцев проводя в CанктПетербурге, работал с ними в приюте, обеспечивал их жильем, едой, одеждой и обучал, помогая вырваться из порочного круга наркотиков, насилия и отчаяния. Образы этих детей составляют основную тему фоторабот Рипа Гриффита, наряду с выступлениями танцоров. Сейчас он живет в Санкт-Петербурге в России и близ Нью-Йорка в США. Рип Гриффит считает своими наставниками и вдохновителями таких мастеров, как Льюис Хайн( Lewis Hine) Уокер Эванс (Walker Evans), В. Юджин Смит (W. Eugene Smith). С Эллиотом Портером (Elliot Porter) и Евгением Фельдманом (Eugene Feldman) он учился искусству фото-литографии.


Хроника выставочной деятельности

3

6

Персональная выставка засл. худ. России, члена-корреспондента Академии Художеств Виктора Семеновича Вильнера. Куратор Юрий Иваненко На выставке представлено более 30 литографий из серий: «Дни моего детства», «Белые ночи», «Дни нашей жизни», «Поклонение»,«Фантастические натюрморты», импровизации по мотивам произведений А. С. Пушкина, Н. В. Гоголя, Ф. М. Достоевского,А. А. Блока. Виктор Семенович Вильнер разработал авторский вид станкового эстампа, оригинальный как по содержанию, так и по технологии создания (точнее называть его «смешанная техника», а не литография). В его искусстве в концентрированном и глубоко осмысленном виде представлена русская и петербургская культура XIX и XX столетий, судьба нашего народа и его личная судьба. Серии работ «Блокада», «Дни моего детства», «Дни нашей жизни» являются автобиографическими, очень точно передающими дух и жизнь Ленинграда и ленинградцев в предвоенные годы и трагические годы блокады, все дни которой он пережил вместе с матерью, все остальные члены их семьи умерли. В 18 лет добровольцем ушел на фронт. В. С. Вильнером создан особый мир образов, фантастическое пространство гениев русской культуры, посвятивших Петербургу свой талант и выдающиеся произведения. В последние годы произведения художника также остро актуальны, в них происходит в ассоциативной форме осмысление происходящих в современной России событий и явлений, художник обращается к библейским темам, отражающим судьбу всего человечества. Произведения В. С. Вильнера находятся в крупнейших музеях России, в Дрезденской галерее, Национальной галерее (Вашингтон), Метрополитен Музее (Нью-Йорк) и еще в более чем 60 музеях мира. Виктор Семенович Вильнер корреспондент Академии художеств.

заслуженный

художник

России,

член-

Родился в 1925 г. в Петербурге. В 1941 г. поступил в Ленинградское художественное училище, учебу в котором прервала блокада. Служил в армии, был на фронте. После демобилизации продолжил учебу и в 1950 году окончил живописное отделение училища. Последовали годы занятиями живописью, книжной графикой, преподаванием. С 1960-х г.г. Виктор Вильнер стал серьезно заниматься литографией. Работы Виктора Вильнера хранятся во многих музеях различных стран: ГРМ, Государственная Третьяковская галерея, Дрезденская галерея, Метрополитен Музей (Нью-Йорк), Национальная галерея (Вашингтон), в эстампных собраниях национальных библиотек и мн. Др. Виктор Вильнер переступил порог ленинградской экспериментальной литографской мастерской в 1967 г. и остался на тринадцать лет. В то время в мастерской складывались свои традиции связанные с развитием декоративности в цветном эстампе. Вильнер с самого начала работы использовал иной пластический язык в изготовлении литографии, рисовал кистью на камне или цинковой пластине. Постепенно художник стал использовать самый неожиданный материал (мрамор, пластик, металл), сочинял рецепты, позволяющие сохранить


Хроника выставочной деятельности

4

6

свежесть красочной поверхности. Эстампы, напечатанные новым способом, даже специалисты с трудом отличают от классической литографии.


Хроника выставочной деятельности

5

6

Май 2011 «Белые ночи Петербурга» Первый фестиваль изобразительного искусства: Анопова В. А., Бекарян Д. А., Боровик В. Л., Брехов Ю. Н., Бусарева М. Ю., Вильнер В. С., Герман Н. Д., Дашкевич Л. Н., Дубицкий Е. В., Елекоева Н. Р., Емельянов В. А., Иваненко Ю. М., Прошкин В. В., Татаренко В. А., Щербань Е., Шевченко М. С., Якуценя Д. В.,. Архипов А. А., Зайко В. В., Гринчель (Рассохина) И. Б., Ветрогонский А. В. Первая выставка проекта «Белые ночи Петербурга» представляет творчество современных художников реалистического, классического направления, членов Союза художников России и Санкт-Петербургского Союза художников. Идея этого проекта родилась в годовщину 300-летия Санкт-Петербурга, но на ее реализацию понадобились годы. Наш круг художников сформировался на таких проектах, как «Петербургская пастель», «Петербургская красавица», «Душа Петербурга». Необходимо было выбрать время и место проведения выставки. Время конечно же белые ночи, место – исторический центр города. Пора петербургских, ленинградских белых ночей воспета в стихах, песнях, картинах, фотографиях; стал традиционным городской фестиваль искусств «Белые ночи». Проект начался апрельской персональной выставкой члена-корреспондента Российской Академии художеств В.С. Вильнера, ветерана Великой Отечественной войны, заслуженного старейшины нашей группы художников. Уже с 1970-х годов он создавал свои уникальные литографии как в серии «Белые ночи», так и во многих других произведениях, посвященных Ленинграду и его судьбе. В этот же период В.А. Емельянов создал серию лирических, полных молодой романтики монотипий в серии «Белые ночи», две из них представлены в проекте. В.В. Прошкин в своих картинах, наполненных солнцем, выражает поэтическое, восторженное восприятие города, его садов, парков. Те же мотивы звучат и в натюрмортах. Известная, как мастер романтического пейзажа Петербурга Д.А. Бекарян, создала к выставке серию новых станковых произведений, где город звучит торжественно и монументально, а воздух ночи прозрачен и бесконечен. В.А. Анопова дает жанровые картины с фигурами в старинных костюмах, архитектурные памятники и парковую скульптуру. В.А. Татаренко, как монументалист, также строит жанровые сцены с людьми, архитектурными доминантами и любимыми им котами. В.Л. Боровик представил программные картины, пейзажи и обнаженную модель, а Е.П. Щербань - наполненные солнцем панорамы Невы с морскими лайнерами, катерами и яхтами. Е.В. Дубицкий подготовил большую серию пастелей, с тщательно проработанными памятниками архитектуры, тончайшими световыми переходами ночных панорам города.


Хроника выставочной деятельности

6

6

Д.В. Якуценя представляет пейзажи города и пригородов, замечательный портрет студентки, Н.Р. Елекоева дает серию наполненных динамикой штриха и цвета пастелей, городские пейзажи и натюрморты. Ю.Н. Брехов, много лет работающий над петербургской темой, представляет городские пейзажи, выполненные маслом, акварелью, пастелью, а также серию эстампов. Его работы отличаются точным построением архитектурных сооружений, скульптуры, ясным выделением форм. Л.Н. Дашкевич работает над пейзажем как старой части города, его пригородов, так и ищет эстетику в новых районах Санкт-Петербурга, что является довольно сложной задачей. М.Ю. Бусарева создает свои произведения, основываясь на обстоятельно сделанном этюде, она выполнила серию портретов современных петербургских поэтов. Н.Д. Герман использует импрессионистический метод создания городского лирического пейзажа, где много света и разноцветных мазков кисти, из которых строятся прозрачные формы. А.В. Ветрогонский широкими цветовыми массами создает монументальное пространство города, где здания, вода и небо слиты и находятся в непрерывном напряженном движении. Ю.М. Иваненко представляет одну из картин проекта 2002 года «Петербург с воды», пастель, посвященную петергофскому Самсону и фотографию знаменитого парусного корабля «Крузенштерн». Замечательно формируют пространство пяти этажей галереи произведения известных скульпторов А.А. Архипова и В.В. Зайко. Оба мастера представляют портреты А.С. Пушкина, А.А. Ахматовой, Н.С. Гумилева, декоративную скульптуру. Заслуживают внимание работы И.Б. Гринчель. Это авторская техника - принт и ручная графика по натуральной коже. Нашим проектом мы пишем новую страницу в культурную жизнь любимого города. Юрий Иваненко


Хроника выставочной деятельности

7

6

Май-сентябрь 2011 «Охота к перемене мест…», графика, деревянная скульптура: Хайкин Роман Борисович Камни и воды. Неприступность, неподвижность, текучесть и изменчивость. Легкость и игривость, твердость и весомость. Сила и сила. Сила в движении. Сила в неподвижности. Природа. Природа вещей, движений и устремлений. Противоположности. Неконфликтность диаметрального. Легкость и мерность прибоя, волны. Надежность и статичность камня, берега, земли, основы основ. Горы и долины. Солнце. Мягкость травы и непреклонность уходящих в высь гор. Мягкость и ритмичность, ощущение свободы и раздолья, безопасного благостного к человеку пространства, обжитого или дикого, но соразмерного человеку. Покой и доброжелательность, размеренность и плавность течения природного и человеческого времени, где все в едином законе и едином дыхании мира, природы как мира и человека - части мира. Успокоение и обретание. Обретание себя в этом пространстве и времени, обретение мира в себе. Работы Р. Б. Хайкина всегда выстроены композиционно. Объемами и массами. Цвет не только характеристика предмета - желтое, зеленое, синее. Цвет формирует объемы и массы, пространства, равновесность и разноразмерность. При всей поверхностной, казалось бы, простоте построений в его произведениях выстраиваются сложнейшие структуры цветосочетаний, цвето-противопоставлений (цветовзаимодействий, цвето-подтверждений, цвето-проникновений). Где оттенки тоже важны. Но более значимы конфликты цвето-противодействий, негасимые конфликтами же, соседствующими тут же в едином пространстве плоскости произведения. Синее-красное, желтое-серое, зеленое-лиловое. Эти цветовые вольные феерии возможны в пост-авангардном реализме советского времени, они присущи ленинградской школе живописи пост. 30-х годов, и вообще ленинградской пластической культуре 50-60-х. Когда пристальное внимание к науке о цвете мастеров первой трети ХХ в. – таких как П. Филонов, К. Малевич, М. Матюшин, уже переросло в тайное воспоминание-знание. А «расширенное смотрение», «аналитическое искусство», супремы были почти что оккультизмом, временным прибежищем группок и сборищ интересующихся искусством. Р. Б. Хайкин – художник для себя. И для себя художник. Его художественный дар, талант не стал профессией в привычном понимании. Но стал движущей силой в научной работе врача-психиатра уже в 1960-х — 1970-х гг., одним из первых в СССР, обратившегося к арт-терапии в своей практике, исследованиях и создавшего труд «Художественное творчество глазами врача» (СПб. 1992). Его запечатления событий и природных ритмов утро - день - вечер, добытые в путешествиях, где путешествие — следствие старинного российского беспокойства «охоты к перемене мест», поиска впечатлений и новизны в мире природы, где человек часть природы, а природа – часть человека и его художественного видения как пристрастия, как отдохновения и убежища. Искусствовед, член Ассоциации искусствоведов Шейнина Мария


Хроника выставочной деятельности

8

6

Роман Борисович Хайкин (1935-1989). Закончил Первый Медицинский институт имени академика И. П. Павлова в Ленинграде, на последних курсах занялся психиатрией. На 5 курсе академии начал посещать художественную студию в Доме медработника, преподавателем был В. И. Суворов. В конце 50х г. ХХ в. участвовал в выставке самодеятельных художников в Русском музее. Одна из картин участвовала на международной выставке в США. Работал в НИИ им. Бехтерева, автор множества научных статей и собственного метода, подвижник арт-терапии, «изотерапии». Яркий представитель ленинградского пластического реализма. Вышли в свет две его книги: Хайкин Р. Б. "Художественное творчество глазами врача". М.: Наука, 1992. Хайкин Р. Б. "Арт-терапия". СПб: Наука, 1992.


Хроника выставочной деятельности

9

6

Июнь 2011 «Предмет в пространствах», живопись, графика, фотография SANKI: Владимир Попов-Масягин, Андрей Геннадиев, Валентин Самарин. Пространство не статично, не прямолинейно, не однозначно. Не трехмерно, наверное. Точки соприкосновения пространства и человека, индивидуума, предмета, сделанного и вылепленного человеком, относительны. Как все в природе, мире, пространствах физики и метафизики, химии и алхимии, космосах (макро и микро) реальностях. Запечатлеть пространство задача сравнимая с попыткой схватить комету за хвост или время. Поэтому изображенная осязаемость ощущения пространственного движения, протекания, присутствия перерастет в драгоценный опыт, внутреннее исследование художником (В. Самариным, В. ПоповымМасягиным, А. Геннадиевым) индивидуальным и единственным. У каждого свое фиксированное ощущение пространственного моделирования. У Самарина - оно живое, вихревое, изысканно аналитичное, алхимически метафорично, маэстрово стремящееся, клубящееся, во временных построениях многошумное. Предметы и сущности подхвачены и выхвачены этими пространственно-световыми потоками; перемещены, затеряны в реальностях. И метатекстурованы. Растворены. У Попова-Масягина пространства-предметы тягуче совершенны, надменно не функциональны, поделены характеристиками личностными и таинственными смыслами, мерцаниями, текстурами /фактурами, четкими в границах преломлений и изменений, трансформаций и совмещений. Переход в иные реальности и смысловые континуумы. И это все соседствует с человеком, отстраненно, но присутствует. Не натюрмортно, но на сцене, театрально, но без пафоса в пространствах представления и запоминания, как тексты о текстах, миф о мифах; о хозяине, о силовых полях, о пространствах бытования человека инициированию их рождения и применения, без применения. У Геннадиева предмет тягуче переменчив, сливаясь с пространством вне своей функциональности, банален, почти агрессивен, если бы не стремился так к аморфности и к точке поглощения пространством предмета, предмета пространством. Предмет, изображенный, предмет - древний. Как только предмет изобразили, так он тут же захватил привилегии атрибута, получил статус семантической единицы. И характеристики – сакральный, тайный, таинственный, манящий и пр. пр. Предмет несет в себе культы, мифы, историю и истории, тексты и фактуры времен и хозяев, перерастая подчиненную свою роль, становится хозяином и главным носителем текстов как гипер-пространств, становится сам гипер- текстом и утверждает свой гипер-эго. В пространстве художественного запечатления, художественного внимания к предметному и категорийному миру и пространствам насыщенными человеческими ощущениями значимости времен, миров, предметов и пространств. Искусствовед, член Международной ассоциации искусствоведов Мария Шейнина


Хроника выставочной деятельности

0

7

Июль 2011 «Weekend в Париже». Живопись и графика: Оскар Рабин, Кажиро Акаги, Жан-Мишель Матье Мари, Анна Филимонова, Табурца Луминица, Касаткина Надежда, Ирина Касперская, Леднев Валерий Александрович Выставка «Weekend в Париже» - это партнерский проект «StArtАкадемии» и французской Ассоциациии «Культурный перекресток». В вернисаже участвуют приехавшие из Франции парижские художники: Рабин Оскар, Филимонова Анна, Акаги Кoжиро, МатьеМари Жан-Мишель и петербургские художники: Леднев Валерий, Касперская Ирина, Касаткина Надежда, Табурца Луминица. Выставка представляет собой культурное событие городского уровня и проходит в историческом центре Петербурга при поддержке Правительства Санкт-Петербурга, Комитета по культуре, Посольства Франции в России, Генерального Консульства Японии в Петербурге, Французского института в Санкт-Петербурге, Галереи Парижа (la Galerie de Paris), Международной Ассоциации Искусствоведов, петербургского отделения Ikebana International. Экспозиция, представляющая взгляды на столицу Французской республики самых разных по стилю, техникам и культурным традициям художников, знаменитых и не очень, принадлежащих к разным возрастным категориям, но в равной степени интересных зрителю. Большая часть представленных произведений в России выставляются впервые. На выставке можно увидеть литографии и акварели Кожиро Акаги (Kojiro Akagi) – самого парижского из японских художников, произведения которого входят в собрание Ватиканского музея, а также более 100 работ находятся в Музее Карнавале. Будет представлено около 20 гравюр в технике сухая игла Жана-Мишеля Матье-Мари (JeanMichel Matieux-Marie), патриарха французской графики, лауреата премии Каса Веласкес (Casa Velasquez), чьи работы составляют часть коллекции Исторической библиотеки Парижа. Безусловным энергетическим центром экспозиции являются графические листы Оскара Рабина (Oscar Rabine), живой легенды искусства ХХ века, основателя Лианозовской группы, участника печально известной «бульдозерной выставки», некогда высланного из СССР. Его работы представлены в крупнейших музеях и собраниях мира. Анна Филимонова, признанный мастер видов вечернего Парижа, а кроме того основатель la Galerie de Paris, также представит свою серию видов города в масляной живописи и акварели. Российскую сторону представляет, в первую очередь, народный художник России, обладателя ордена «За службу России» Валерий Леднев. Кроме его пейзажей, в экспозицию вошли декоративная живопись Надежды Касаткиной, экспрессивная игра цветом в масле Ирины Касперской и подернутые флером нереальности соборы на полотнах Луминицы Табурцы. Париж, «праздник, который всегда с тобой», индивидуален для каждого. Но хотелось бы верить, что на выставке зритель сможет ощутить ауру очарования этого вечного города, сопричастность искусству видеть и передавать магию увиденного другим. Французский уикенд (week-end)


Хроника выставочной деятельности

1

7

Любовь российская ко всему французскому безмерна, продолжительна, генетическая и ничем, возможно, не оправданна. Но исторически понятна. Мода на все французское осела в ХVIIIв. в российском обществе, пустила корни, вытеснила почти на 150 лет русский язык из салонов и светской жизни и четко определила, где манифик, где мове-тон... И несмотря ни на что, так и витает в воздухе петербуржском до сих пор. Модно слетать в Париж на уикенд, модно сжевать что-либо французское (кофе, круассан, киш-лоренн и пр.). Приятно послушать французский шансон, приобщиться к литературному изыску, посетить французский фильм, выставку. Устроить себе французский уикенд не выезжая из Петербурга... Тем более, что выставка произведений, представленная StArt-Академией – это и путешествие, и воспоминание, и сам побег во Францию. Легкая прогулка, солнца всплески, ветер, устремленность архитектурных форм, лунный отблеск, мелодичность и яркость, хорошее, вдохновенное настроение, подвижность воздуха, чистота цвета, свет... Все это есть, почти в каждой работе. Окунаясь в парижское утро хмурое или пронзительно солнечное (у Валерия Леднева, Анны Филимоновой, Кажиро Акаги), оказываемся в ветреный полдень уже в Провансе, в погоне за шляпкой, кепкой, платочком, листом (у Ирины Касперской, Луминицы Табурцы, Надежды Касаткиной), вечер проводим в приятной прохладе – прогулке по крышам и набережным. Наблюдаем ночь яркую и праздничную, бурлящую (Анна Филимонова, Валерий Леднев, Оскар Рабин, ЖанМишель Матье-Мари). Каждый уголок в запечатлении, может стать воспоминанием о Мане, Матиссе, Дега, Дебюффи, Коровине, Урбан-Захрадской, Дюма, Бодлере, Людовиках и Помпадур, Ватто и Фрагонаре, Капуцинах, и т. д. и т. п. Легкость и философичность, простота и аристократизм, лаванда и лаванда, роскошь и судьбы, кофе и разговор ни о чем, о мировом, о сложном и великом, об искусстве, о Франции, о российском, о самолете, о вечере, утре и дне во Франции. Иностранец в Париже... Настроение. Ощущение. Впечатление. Воспоминание. День, вечер, ночь и утро... Французский уикенд. Мария Шейнина, искусствовед, член Международной Ассоциации искусствоведов


Хроника выставочной деятельности

2

7

Сентябрь 2011 «Андрей Харшак купил домик в деревне». Живопись и графика: заслуженный художник России Андрей Александрович Харшак. Именно того домика, что мы приобрели прошлым летом в Псковской губернии, на работах, представленных в экспозиции, нет. Я его еще не рисовал, и буду ли рисовать — неизвестно. Только один унылый пейзаж с покосившимся забором и старой лиственницей находится напротив нашей калитки. Все остальные холсты созданы гораздо раньше. Собственно, цикл холстов, главным сюжетом которых стали фрагменты старых бревенчатых стен, деревенских домов и сараев, сложился в течение последних полутора десятилетий. Он является прямым продолжением живописной серии под названием «Лицом к стене», которую я начал в 1991 году. Ее жанр я определяю как пейзаж и натюрморт одновременно. Рассматривая их, зритель в упор вглядывается в кирпичную кладку полуразрушенных петербургских стен с потрескавшимися и обвалившимися слоями штукатурки. Такие объекты еще можно встретить, если рыскать по дворам и закоулкам некоторых районов нашего города, но с каждым годом их становится все меньше. Да, и дворы, в большинстве своем, обзавелись кодовыми замками на запертых воротах. Был чудный период, когда мы часто гостили у наших друзей Ларисы Бордовской и Юры Боброва в деревне Олохово, что, опять же, под Псковом. Именно там я обратил внимание на то, что замшелые бревна с трещинами и сучками не менее живописны, чем кирпичи со штукатуркой. В упор можно рассматривать корявый ствол дерева, узор ветвей и заросли лопухов. А стена — это не только создание рук человека, но и творение природы. Стена леса, стена высокой травы — все это колышется, мерцает, меняется в зависимости от освещения и погоды. Богатство оттенков завораживает, а мгновение, выхваченное из общего состояния и перенесенное на холст, гораздо более статично, чем в натуре. Я отдаю себе в этом отчет, но закрывать тему пока не собираюсь. И не рассматриваю данную экспозицию, как завершение работы в этом жанре. Эта выставка родилась по стечению обстоятельств, когда в мастерской единовременно оказалось нужное количество живописных произведений, объединенных одной идеей. Такое у меня случается впервые, и я очень признателен СтАрт Галерее за возможность показа этой маленькой коллекции.

Предыстория В Средней художественной школе, где я учился, переход с акварели на масляную живопись был обязателен с восьмого класса. Но мы с моим одноклассником и другом Сашей Аземшей избежали этой участи, сумев убедить (не без помощи моего папы) директора школы в том, что мы твердо решили поступать на Графический факультет, и масляные краски нам не понадобятся. Все шло по плану. На выбранный факультет поступили. В 1975 году окончили Институт им. И.Е.Репина, и каждый ушел в ту сферу графики, которая была ему ближе.


Хроника выставочной деятельности

3

7

Саша целиком посвятил себя книжной иллюстрации, а я чередовал жанры и техники, обращаясь то к станковой, то к книжной. Так продолжалось двадцать пять лет, и сейчас уже точно не помню в каком году - в 1990 или 1991 я впервые в жизни выдавил масляные краски на кусок стекла. Не на палитру, а именно на стекло. Почему - не знаю, так сложилось. и не потому, что я уже совсем не мыслил свою дальнейшую работу без живописи. Просто, увиденные мною фрагменты стен старых петербургских домов, просились, скорее, на холст, нежели на бумагу. Убежден, что графике необходима серийность, так как в одном листе не всегда удается выразить идею целиком. Поэтому, наверное, первым моим живописным произведением сразу стал триптих, причем немалого размера. Кажется, 110*85 см. каждая из его трех частей. Название пришло быстро - "Лицом к стене" (без восклицательного знака). И пошло, правда медленно. На каждую композицию уходило очень много времени. Иногда до полугода, а порой даже больше. Мне хотелось как можно точнее перенести на холст каждый скол штукатурки, каждую выщерблину, каждую трещину в кирпичной кладке. В свои объекты я вглядываюсь в упор, поэтому жанр определяю как пейзаж и натюрморт одновременно. А название первого триптиха стало общим для всего цикла, работа над которым продолжается и по сей день. Благо, наш город дает неисчерпаемое количество таких сюжетов. Но, справедливости ради, отмечу, что становится их все меньше. Но в какой-то момент я увидел, что стена это не только создание рук человека. Но и творение природы. Стеной стоит лес, высокая трава, горизонтально лежит на болоте стена мшистых кочек с брусничным узором. А бревенчатые стены старых деревенских домов и сараев не менее живописны, чем кирпичная кладка с отвалившимися слоями штукатурки. Так возник новый цикл, сохранивший прежнее название. Что из этого получилось, говорит данная экспозиция. А домик с яблоневым садом в Псковской области, в деревне Щир мы действительно приобрели. Работы художника находятся в Государственном Русском музее, Российской национальной библиотеке, Музее политической истории России, историко-художественном музее-заповеднике «Царское село», Государственном музее русской литературы, Государственном музее Ф. М. Достоевского, Государственном литературном музее (Москва), Красноярском художественном музее им. Сурикова, музее А. С. Грина (Феодосия) и др. музеях, галереях и частных коллекциях как в России, так и за рубежом. Художник известен как создатель иллюстраций к повести А. С. Грина «Алые паруса», балладе Р. Л. Стивенсона «Вересковый мед», романам А. Н. Толстого «Аэлита», М. С. Булгакова «Мастер и Маргарита» и др. Выставка – тематический цикл из 10 живописных работ, продолжающий серию под названием «Лицом к стене» – летопись петербургских дворов, которую А. Харшак ведет с 1991 г. Полуразрушенные стены со следами времени – трещинами, облупившейся штукатуркой обрели благодаря художнику новую жизнь, органично войдя в многоликий петербургский миф. В этот раз под взглядом художника оживают невзрачные покосившиеся, не избалованные вниманием современных живописцев, избушки. Каждая из 10 работ – это и пейзаж, и натюрморт, как определят свой жанр сам художник. Но это еще и портрет. Каждый домик индивидуален, обретает голос, вступает с нами в диалог, рассказывая истории, хранимые в бревенчатых стенах-ларцах десятилетиями, а возможно, веками. И все же эти старенькие, покосившиеся домики, с покрытыми сединой мха головами-крышами и испещренные морщинами-трещинами лицами-стенами – не пугающие своей безлюдностью и запустением призраки, тоскующие


Хроника выставочной деятельности

4

7

по прошлому. С душой добродушных мудрых стариков, уютные, согретые теплотой поколений людей, они будто передают это тепло зрителю, согревают, вызывают в памяти далекие воспоминания о безоблачном детстве, о заботливых бабушкиных руках, о прогретой солнцем древесине, пахнущей медом и скошенными травами, цветущие красками лета. Выставка «Андрей Харшак купил домик в деревне» – возможность не только насладиться мастерством художника, но и окунуться в мир, который дышит спокойствием, и все еще хранит в себе то самое – родное, непреходящее, исконно русское, такое простое, но такое поэтичное.

Андрей Харшак родился в

Ленинграде 17 июня 1950 года в семье художника. Окончил среднюю Художественную школу и в 1969 году поступил на графический факультет Института живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина, который окончил в 1975 году по мастерской книжной графики, под руководством профессора Г.Д. Епифанова. Впоследствии им созданы серии иллюстраций к повести А.С. Грина «Алые паруса», балладе Р.Л. Стивенсона «Вересковый мед», роману А.Н. Толстого «Аэлита», Ф.М.Достоевского "Преступление и наказание" и др. Наряду с книгой А. Харшак много работает в области станковой графики, в технике цветного офорта, литографии и гуаши. А. Харшак принимал участие в работе Всемирного фестиваля молодежи и студентов в Москве в 1985 году, где им создана серия портретов деятелей мировой культуры и других почетных гостей. Самой значимой работой художника является серия иллюстраций к роману М. Булгакова «Мастер и Маргарита». Эта работа экспонировалась на многочисленных выставках в России и во многих странах Западной Европы и США. Много времени А. Харшак уделил созданию декоративных и фигуративных композиций, выполняемых полиграфическими красками на бумаге. Эта техника, позволяющая в какой-то мере объединить искусство живописи и графики, расширяет границы формального поиска и позволяет художнику использовать свой богатый опыт работы на пленэре прошлых лет. С 1991 года А. Харшак начал заниматься масляной живописью. Изображенные им фрагменты архитектуры старых петербургских зданий осязаемо реальны. Автор определяет этот жанр как пейзаж и натюрморт одновременно.


Хроника выставочной деятельности

5

7

С 1996 года по 200В год А. Харшак возглавлял кафедру графики Северо-Западного института печати и являлся художественным руководителем Санкт-Петербургского центра книги и графики. В 2001 году А. Харшаку было присвоено почетное звание «Заслуженный художник Российской Федерации». 2007 год - выставка "10 лет Центру книги и графики" 2007 - презентация иллюстраций к роману Ф. Достоевского "Преступление и наказание" в Музее А. Державина и музее Русской словесности. 2008 - IV Биеннале графики, ЦВЗ Манеж; 2010 - Выставка "Viva Familia" в Невской Куртине Петропавловской Крепости, Музее истории Санкт-Петербурга; 2010 - Персональная выставка в г. Нант, Франция; 2011 - Выставка к 120-летию М. Булгакова Галерея "Стекло"; 2011 - выставка "День Достоевского" в Библиотеке Измайловская; 2011 - выставка Санкт-Петербургских художников на о-ве Дьё, Франция. Музеи и коллекции, в которых находятся работы Андрея Харшака: • Государственный Русский музей • Российская национальная библиотека • Музей политической истории России • Историко-художественный музей-заповедник «Царское Село» • Государственный музей русской литературы (Санкт-Петербург) • Государственный литературный музей (Москва) • Музей В.В. Маяковского (Москва) • Музей истории Санкт-Петербурга • Государственный музей Ф.М. Достоевского (Санкт-Петербург) • Объединение музеев Ленинградской области • Литературный музей (Одесса) • Красноярский художественный музей имени В.И. Сурикова • Новосибирская картинная галерея


Хроника выставочной деятельности • Музей А.С. Грина (Феодосия) • Национальная галерея (София, Болгария) • Галерея «Цезар» (Фритсла, Швеция) • Коллекция концерна Akso-Nobel (Швеция, Голландия) • Коллекция фирмы Aselborn (Германия) • Галерея «Консгхорнан» (Варберг, Швеция) • Коллекция Дома правительства провинции Антверпен (Бельгия)

6

7


Хроника выставочной деятельности

7

7

Октябрь 2011 «Десюдепорт от Плаксина Давида. Украшения Вашего Дома»: деревянная скульптура, живопись. Десюдепорт (франц. dessus de porte, букв. – над дверью) украшение, расположенное над дверью. Цель выставки – привлечь внимание зрителей к этому забытому виду декоративного искусства. Это особенно актуально сегодня, когда создается множество сугубо функционального жилья, лишенного духовного содержания. Выставка работ Д. Плаксина намечает более эмоциональный, более экспрессивный путь в мир разнообразных и неожиданных форм, подчеркивающих индивидуальность хозяев дома. Работы художника отличаются дерзкой новизной и ссылками на художественные памятники прошлого. Давид Плаксин родился в 1936 в Ленинграде. В 1957 окончил Ленинградское Художественное училище имени В.А.Серова. С 1980 член Союза художников (СССР) России. В 1990 вступил в Творческий союз художников России (IFA). Участник выставки в ДК «Невский» в 1975 г., многочисленных городских и всероссийских выставок, среди которых персональная выставка в Творческом союзе художников России "100 postcards друзьям и всем на свете" (2004), "Искусство про искусство" в Государственном Русском музее (2009), выставка "Photoshopом по классике" в Петрозаводске (2009) и Новгороде (2009), "СанктПетроЛенинБург" в Выставочном зале Санкт-Петербургского Творческого Союза художников ( IFA )(2010), "Экспликация регенерации. Photoshopом по классике" в StArtAcademy (2010) и др. Занимается дизайном книги, иллюстрацией, станковой графикой, живописью. С 1967 года и по сей день сотрудничает как дизайнер и иллюстратор с издательствами, в числе которых "Аврора", "Искусство", "Лениздат", "Детская литература", "Азбука", "Арт деко" и др. Лауреат и дипломант ряда всесоюзных, всероссийских и международных конкурсов «Искусство книги». Награжденные работы опубликованы как в отечественных, так и в зарубежных изданиях. «Я всегда ощущал себя графиком и мне хватало минимальных изобразительных средств для выражения своих немного сюрреалистических идей, чем бы я ни занимался: живописью, станковой графикой или дизайном книги. В последние годы к арсеналу графических средств добавилась цифровая техника. Радуюсь, что мне удалось дожить до рождения персонального компьютера, этого замечательного инструмента с неограниченными возможностями».


Хроника выставочной деятельности Октябрь 2011

8

7

«Бесконечные объекты времени».

Монотипия, книжная графика, скульптура: Красильникова Марина, Лавров Дмитрий, Пасухин Сергей. Художник и время – взаимосвязаны. Художник – визуализирует предстающий ему и представляемый им мир, время – течет сквозь него. Художник воплощает, материализует невидимое и неосязаемое, время изменяет материальное, оставаясь за его пределами, но материализуется в нашем видении событий. Художник играет со временем, время играет с художником. На стороне времени бесконечность, на стороне художника – возможность поймать время, заключив в границы объекта. Объекты времени не имеют концов и начал, они таковы потому лишь, что мы определяем их в этом качестве, наполняя предметы смыслом надпредметного. Осень – хорошее время для игр со временем. С приходом осени мир замедляется. Замедляется скорость перемен мест, событий, декораций бытия. Уютная масса листвы уходит, открывая землю небу. Течение времени становится очевидней течения жизни. Смена примет календаря утверждает нескончаемый его круговорот. Осень – пора, когда уместно подводить итоги и задумываться о понятиях большего, нежели обычно, масштаба. Сменяемость декораций говорит о неизбежности осознания пределов, холодный сквозняк непостижимого из-за грани реальности кружит листья и мусор в городских подворотнях. Хорошее время, чтоб заглянуть в тепло и свет галереи, отрешившись от мельтешения буден, побродить меж статичных картин. Выставка, предлагаемая вашему вниманию – не более чем отрывки фраз в диалогах художника и времени. Диалоги эти ведутся всю жизнь, то, что можно видеть в экспозиции – отдельные слова в длинной беседе. Три автора представляют свое видение материальных воплощений бесконечного – в образах, в тексте, в форме. Каждый взгляд индивидуален, каждая игра ведется по своим правилам. Но попытка рассказать об этом языком символов и ассоциаций, безусловно, представляет интерес – пока диалог видимого и невидимого не стал монологом, у зрителя есть возможность заглянуть в суть разговора и найти среди прочих слова – и образы – созвучные тем разговорам с вечностью, которые – также бесконечно – ведет он сам. Марина Красильникова говорит о себе: «родилась в Ленинграде, живет в Петербурге», и это характеризует как используемые автором тенденции художественного наследия, так и


Хроника выставочной деятельности

9

7

сдержанность, едва ли не монохромность ее графической манеры, и обобщающую отстраненность, философичность взгляда. Работает с большими листами графики в смешанной технике, с использованием монотипии. Много лет работала иллюстратором в петербургских СМИ. Художник и куратор выставочных проектов. Из последних выставок: - персональная выставка «Мифосфера», СПб, 2010; - Salon International de Paris, expositions France-Russie-Japon, Musee des Collectios Privees, France, 2010; - выставка международного проекта UKIYO-E, Токио, Япония, 2011; - международный фестиваль монотипии-2011 (Москва, Хельсинки, СПб) - выставка «Рука в искусстве» в Фонде М.Шемякина, 2011 Дмитрий Лавров – художник, литератор, мастер авторского переплета. Возглавляет созданную им более 10 лет назад собственную мастерскую авторского переплета и уникальной книги. Сергей Пасухин – скульптор, закончил Академию художеств, (мастерская М. Аникушина), член СХ РФ.участниквыставок в проектах современного синтетического (абстрактного) искусства, в том числе в музее Эрарта. Участник сезонных выставок СХ СПб 2000-2007; выставки анималистического искусства, СПб, «Манеж», 2004;международного фестиваля «Гениальный автор», СПб, Стрельна, 2010. персональная выставка, фестиваль «Бу!фест», Москва, 2009; зарубежных фестивалей актуального искусства. Обладатель Бронзовой медали конкурса исторической миниатюры в Германии (Дрезден, 2000).


Хроника выставочной деятельности Партнеры Правительство Санкт-Петербурга Комитет по Культуре Санкт-Петербурга Генеральное консульство Японии Посольство Франции в России Посольство Российской Федерации во Франции Ассоциация «Фестиваль Культурный Перекрёсток» "Festival Cultures Croisées" Галерея Парижа "la Galerie de Paris" Французский Институт Петербургский Союз Художников Санкт-Петербургское отделение № 263 Ikebana International Немецкий институт Невская палитра Сосновоборское отделение Ленинградского отделения Советского фонда культуры Санкт-Петербургское Общество акварелистов Информационные спонсоры Журнал Светский Петербург Радио Эрмитаж 90,1 FM Издательство ARTINDEX Журнал Собака. Ру Ассоциация искусствоведов АИС

0

8

All  

Тематическая выставка Петербургских художников. Выставка живописи, графики и декоративного творчества

Read more
Read more
Similar to
Popular now
Just for you