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FUCK OFF _nยบ 13_abril_2001 OFFmag

my toys by Biel Grimalt


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José Manuel Bejarano_

Director_ Isidre Estévez_

Editor Gráfico y Maquetación_ Óscar Ferrer_

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no se identifica necesariamente con las opiniones de sus colaboradores.

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Sideral, con camisa de D&G. Foto de Leila MĂŠndez.

g e a e s s s .

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Sumario_ Diesel - 012 Portada: Biel Grimalt - 020 Sideral - 036 Kings Of Convenience - 046 An Der Beat - 058

Anna Paquin -154

William H. Macy -150

Bent - 062

Julia Stiles - 149

Zero 7 - 070 Etienne de Crécy - 078 Songstore - 084 Glory B - 088 Moda: Regina Carnicer - 092 Manoukian - 104 Orbital - 108 Brendan Gleeson - 116 Cine francés - 120 Darren Aronofsky - 126  Discos - 130 Cine: Katie Holmes -134 Cine: El Espinazo del Diablo -140 Cine: Blow -144

Alec Baldwin - 151

Sarah Jessica Parker - 148

Cine: State and Main -148 Cine: Descubiendo a Forrester -154 Cine: Los Rios de Color Purpura -158 Cine:Beau Travail -165 La tira por Juanjo Saez -168 Videojuegos: La abeja maya -172 Videojuegos: The Legend of Dragon -176

Videojuegos: Blade, The Edge of DARKNES -180 Libros - 184


_OFFmag Jean Reno - 159

Vincent Cassel - 158

Philip Seymour Hoffman -150

Michael Pitt - 155

Orbital - 108

Penelope Cruz - 145 Katie Holmes - 134

Johnny Depp - 144

Eduardo Noriega - 140

Clark Gregg -150

Sean Connery - 155


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texto .Cristina Ros

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Moda_OFFmag

- 013 El peligro de la ironía es que no todo el mundo la entiende, pero eso no es obstáculo para el equipo de comunicación de Diesel, quienes siguen untando cada una de sus campañas con una lámina de ingenioso sentido del humor.

Puestos a reírse, Wilbert Das (director creativo y jefe de diseño) y Maurizio Marchiori (director internacional de publicidad y comunicación) se ríen hasta de sí mismos. Un ejercicio nada estudiado que les ayuda a crear campañas de publicidad como la de esta temporada. Para quien no lo haya visto todavía, el último catálogo de Diesel plasma todo el glamour africano frente a la mediocridad europea. Las imágenes de modelos de raza negra –réplicas de cualquier revista de moda– se intercalan con anuncios en los que se pide ayuda para Europa al más puro estilo UNICEF. Una provocación que ellos no identifican como tal. «Nuestra intención es ir mucho más allá de la provocación. Nosotros trabajamos con el concepto de estimulación, que es infinitamente más interesante», puntualiza Maurizio. ¿Y qué es lo que diferencia la provocación de la estimulación? Según ellos, lo mismo que diferencia las campañas de Benetton de las de Diesel. «Respetamos la comunicación de Benetton como respetamos cualquier tipo de comunicación, pero desde nuestro punto de vista, lo que hace Benetton es demasiado fácil: toman una cosa, la enseñan y tú reaccionas, y lo más gracioso es que en la tienda no encuentras nada que esté a la altura de esa provocación», comenta Maurizio. «Es una buena publicidad política y social, pero no es honesta», añade Wilbert.

La búsqueda del factor sorpresa parece ser el motor que mueve sus cerebros. No en vano pueden atribuirse primicias como la de presentar una colección a partir de un concepto y no mediante la clásica sesión fotográfica. También se les puede considerar precursores en la defensa de la globalización bien entendida. «No nos interesa la globalización que impone McDonald’s, es decir, comed lo que comemos nosotros, sino aquella que integra aspectos de diferentes culturas para mostrarlas de nuevo al mundo mezcladas», explica Wilbert. Pero también ellos se dejaron seducir por los yanquis en un principio. Wilbert se defiende: «Cuando comenzábamos, pusimos nuestros ojos en América porque era de allí de donde procedía el casual wear. Pero si te fijas, es una influencia que ha salpicado a todo el mundo de la comunicación, quizás demasiado». El sentido del humor con el que impregnan su trabajo contrasta con la seriedad con la que son tomadas cada una de sus campañas por el sector publicitario, el cual les ha distinguido con importantes premios en distintas ediciones del Festival de Cannes, entre otros. Su filosofía es muy clara: «Nuestros mensajes son irónicos porque es el lenguaje de toda la compañía. Si un miembro de nuestra compañía comete un error, mejor que nadie se entere, porque sino se le hace broma continuamente sobre ese desliz. Es una actitud que mantenemos y que nos gusta transmitir», dice Maurizio, y añade: «Creo que al consumidor le gusta que esta marca sea lo suficientemente fuerte como para reírse de sí misma.» ¿Y creéis que todos vuestros clientes son capaces de captar el sentido de vuestras ironías? «Puede que no, pero nos da igual. Nos interesa cada una de las interpretaciones que se hacen de nuestros mensajes. Puede que, en el fondo, de todas esas visiones se pueda llegar a una misma conclusión», concluye Maurizio. Estos comunicadores, además, en su afán por ir un paso más adelante que el resto, han diseñado un hotel. El hotel en cuestión se encuentra en Miami, y no es lo que podría llamarse un hotel al uso. Más bien todo lo contrario. Cada una de las estancias está diseñada tomando como referencia una película. Un nuevo intento por su parte de alejarnos de la cruda rutina del día a día que la mayoría aliviamos con una chocolatina.


.HUYENDO DE LA TRISTEZA Renzo Rosso, máximo capo de la empresa italiana, lo tiene muy claro «Hacemos lo que nos gusta, lo que nos hace reír y pasárnoslo bien». Tal vez por eso, uno de los pilares fundamentales de la estética Diesel sea el sexo, ya sea de la forma más clásica como en el erotismo senil de la serie “Sucio antiguo Denim”, en la que dos ancianos se deshacen a arrumacos, o el sexo iconoclasta de su serie “Momentos históricos”, en la que esculturales Diesel Girls aparecen en el regazo de los firmantes de la paz de Yalta. Al margen de la libido, la capacidad del humor para vehicular mensajes también ha tenido su lugar, aunque como era de esperar, no siempre todo el mundo ha sido capaz de captar la ironía. En la serie “Make My Day” se instaba a los padres a enseñar a sus hijos cómo usar correctamente las armas de fuego, en la censurada por políticamente incorrecta “Cómo fumar 145 cigarros al día” al tabaquismo extremo, y en “Baby Generals”, se veía a los grandes jerifaltes del mundo en un jardín de infancia. Por supuesto, ninguna de sus propuestas nos habría impactado de una manera tan rotunda de no ser por el excelente plantel de fotógrafos de los que han materializado estas ideas: Ellen von Unwerth. Erwin Olaf, Calle Stoltz… Fotógrafos estetas, que regalan a nuestras retinas imágenes de una teatralidad excesiva y colorista, en la que no hay espacio posible para el pesimismo. R. Romero


http://www.youtube.com/user/DieselPlanet


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My toys

021 by Biel Grimalt


Player_

Iren Mirror 25 a単os Actriz Barcelona Espa単a

- 022 Portada_OFFmag


1º toy_

Jhonas Stratokandourf 25 años Anillador palma de mallorca España


2º toy_

Alex Serrano 28 años Organizador Comercial Alicante España


3º toy_

Edu Moral 26 años Futbolista y Camarero Palma de Mallorca España


4º toy_

Jordi Buades 24 años Modelo Barcelona España


5º toy_

Jose Luis Camacho Loyen 33 años Empresario hostelero Palma de Mallorca España


6º toy_

Chema Crespí 29 años Agente comercial y Musico Palma de Mallorca España


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Sideral

texto .Héctor Castells fotografía .Leila Méndez

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Sideral, con camisa de D&G. Foto de Leila Méndez.


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Sideral, con camisa de D&G. Foto de Leila MĂŠndez.


Venerado como el rey de los platos de Barcelona, Aleix Vergés es, sin ningún género de dudas, el dj con la carrera más dilatada y accidentada del país. Quizá por ello se mueve como pez en el agua en los más diversos estilos, como puede comprobarse en “Sciencie Fiction Sessions”, doble compacto dedicado al techno y al pop. En una entrevista con su amigo y, sin embargo, periodista, Héctor Castells, habla sobre su turbulento pasado y su prometedor presente.

Sideral, con camisa de D&G. Foto de Leila Méndez.


http://youtu.be/EG0f-kbfULU

Sideral, con camisa de D&G. Foto de Leila MĂŠndez.


Ni tu puta madre. Ni la suya. Ni la leyenda de un yonqui, ni la de un genio. Ni una cosa, ni la otra. Síntoma de novedad, presunción de cambio, premonición de plástico. Sideral se anticipa. Otra vez. Una selección privilegiada, ubicua y perentoria de techno y de pop electrónico; un disco doble, claro. Jódele. O que te joda. Pero no te lo pierdas. O piérdete. «Aquello fue una locura, algo que sucede sin que puedas perder el tiempo en buscarle el sentido. Recuerdo los primeros tiempos del Nitsa y flipo. Entonces un Mike Paradinas (aka Muziq) o un Richard D. James (aka Aphex Twin), rompían la pista, eran los hits. Es impensable que hoy cortes como aquellos, tan escurridizos y de tanta calidad, se pinchen a las 4 y media de la madrugada… Y esa fue la magia del principio. Es algo que siempre he dicho: yo crecí a la vez que el público, descubría las canciones a la vez que la gente que estaba en la pista». En 1993 Aleix Vergés era 8 años más joven, no tenía pseudónimo y escribía canciones pop. Apenas tenía vida en las suelas y, sin embargo, despuntaba. Por entonces MurmurTown/La Gloria, una productora modestísima que financiaba a probables talentos, le ofreció que se pusiera tras los platos del Nitsa, el primero, el de la plaza Joaquim Llongueras, en Barcelona. Por aquel entonces la escena electrónica de la ciudad era una madriguera despoblada, casi subterránea, afilada por los clarividentes estiletes de Producciones Animadas, los Jumo… Aleix acababa de ganar el concurso de maquetas Rock de Lux con Peanut Pie, una efímera y pionera banda de pop electrónico. Los Jumo (Sergi Caballero, Enric Les Palau y Ricard Robles, ahora capos del Sónar) la reclutaron para producir su único plástico, “Peanut Pie”. El pop bullía, hacía burbujitas, y Aleix se dedicaba a la obsesiva tarea de revolver cubetas y comprar discos. El Nitsa creció en la punta de sus dedos. Del pop pasó al trance, del trance al techno; de compartir platos con Rotten a hacerlo con Carl Craig; de 50 personas a 600 y de la Plaza Llongueras a la Sala Apolo. El Sónar iba a por la segunda. De pronto, la electrónica planetaria había menstruado. Allí pasó algo. ¿Qué ha cambiado entre el Aleix que se encerró en el estudio para grabar con Peanut Pie y el que lo ha hecho ahora? Antes estaba despistado, menos centrado y un poco a la expectativa. Trabajaba con un grupo, mezclábamos pop con electrónica y teníamos unos productores supervisando. Todo era demasiado nuevo, y no tenía control sobre lo que estaba haciendo. En cambio, ahora, soy 100% consciente de lo que estoy haciendo: lo hago yo y lo hago tal y como quiero. Aquí nada se me escapa de las manos, ha sido un trabajo hecho a conciencia y con pleno control sobre su factura. He intentado definir un estilo. La etiqueta que siempre se me ha colgado de ecléctico me va bien, de hecho sigo mezclando house, techno, un poco de garage…Sin embargo estoy intentando ubicarme en un estilo en que puedan entrar todos. Pero que no sean tan caóticos. ¿Fuiste un precursor? Fui precursor en el sentido de popularizar una escena muy underground, que ya existía. No creo que la violara ni la volviera mainstream, pero sí la mostré a un público indie, que era mucho más amplio. Pero algo tendrías, al menos para ser catalizador… Es esa casualidad de estar en el momento adecuado en el sitio adecuado. El típico misterio… y yo estaba allí y aproveché el momento. No fue algo que yo buscara deliberadamente. Yo no sabía hacia adónde iba. Y te convertiste en personaje. Sí. Distingue a la persona del personaje. El personaje es susceptible de la rumorología, de los comentarios de la gente, de la atribución sistemática de cosas… Y a ti te molaba. A mí el hecho de ser conocido me despistó bastante. No estaba preparado. No tiene nada que ver con que me molara o no ser conocido: básicamente me despistó. Nitsa. Fuiste residente, disidente… ¿Qué te dice ahora esa palabra? Nada. No sé, no me gusta la tendencia a revolverse en el pasado. Ahora… No sé. No me dice nada. Yo ya no tengo nada que ver con eso. Estuvo muy bien mientras duró. Te fuiste y ¿caíste en el desprestigio? Sí. Tuve problemillas extra musicales. Me quedé bastante desubicado, bastante descentrado. Después recuperar el prestigio y las credenciales fue costoso. Estuve un año y medio muy perdido. Pero me lo he currado.

De las drogas ¿qué has aprendido? De las drogas. Uy, qué peligroso… forman parte de una época de la vida. A veces las épocas se alargan, el sentido se distorsiona… y pierden su gracia. Yo ya no se la encuentro… ¿De qué te arrepientes? Podría haber hecho cosas distintas, pero de todo lo que he hecho he aprendido. ¿Has hecho más daño del que te han hecho a ti? He hecho bastante daño. ¿Eres culpable? Sí. Soy culpable de una forma bastante inhumana. ¿Amoral? Sí. Sí. Completamente. Pese a que a veces te sale una vena moral que te sorprende, de vez en cuando. ¿Visceral? Sí. Claro. Y muy primario. Hombre, son cosas que con el tiempo voy puliendo. Pero sí. ¿Psicoanálisis? Sí, claro. ¿Y la violencia? El rollo es saber canalizar la violencia. Puede ser una fuente de fortaleza brutal. Ya, pero alguna cara has partido. Sí. Como público y como dj. Sí. Sí. De eso sí que me arrepiento y me avergüenzo. Pero hay locales en Barcelona, que no mencionaré, que realmente te lo ponen difícil. Y seguratas… Y seguratas… No sé, tengo una cierta atracción para la gente violenta, como un imán. ¿Destructor, destructivo? Involuntariamente. Hoy en día la violencia me interesa como fuerza creativa, no para hacer daño a los demás. He hecho sesiones estando violentísimo. ¿Por qué? Inseguridades. Todavía tengo miedo escénico. Según qué locales todavía me dan pavor. Hay que adoptar una actitud protectora con uno mismo. Pero es una postura, al fin y al cabo. O sea, que no existen las malas personas; existen las personas débiles. Hombre pues no estoy tan metido en el tema, pero sí. Si lo analizas, el que tiene un problema es el que se pone violento. Claro, ése. Y Barcelona. Aquella que rajaste en el 93… Estancada. “Science Fiction Sessions” está editado por Satélite K.

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Y sin embargo, la prensa especializada no parece haberse enterado de tu presunto resurgir. ¿No te reconocen? No me han hecho ni puto caso. Sinceramente. En la prensa siguen existiendo manías, chanchullos, envidias… si de una puta vez la prensa no sé da cuenta de que este es un buen disco, de que es exportable, de que es un producto más que digno y de que hay un curro detrás… es que, definitivamente, algo está podrido. Hay mucho mamoneo. Pero bueno, tengo tres o cuatro bolos por semana y las discotecas están llenas. Las cosas se hacen pasito a pasito o a piñón… Hombre. De las dos maneras. En el disco, existe un componente de orden, de concepción y de estructura muy trabajada, y, luego una parte en la que me tiro de la moto. No quería que fuera un CD previsible, frígido. Hay una parte más a piñón, dispersa. Como tú. Por supuestísimo. Soy yo. Sí.

La estética por encima de la ética. ¿? No me interesa entrar en este debate. Hay un debate y a mí me aburre.


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Kings Of Convenience

texto .RubĂŠn Romero

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http://youtu.be/WOxE7IRizjI


Por más que nos intenten convencer de lo contrario, los procesos de éxito y agotamiento de las fórmulas musicales responden menos a contextos artísticos como a leyes naturales como, por ejemplo, la ley del péndulo. Sólo así puede explicarse la aparición en Noruega de un dúo de folk en el gélido reino del metal.


Por supuesto, en un mundo tan mercantilista como el del pop, el impulso inicial que cambia la dirección del péndulo tiene que ver con un fenómeno comercial que impulsa a sellos y distribuidoras a intentar repetir éxitos de la competencia. En el caso que nos ocupa, David Gray, un tío que se ha hecho de oro con el dudoso mérito de que en su disco se pueden escuchar el petardeo del tubo de escape de un camión pasando por su casa, y que ha abierto las puertas a todo una generación de nuevos cantautores. De todos ellos, los que han llevado al límite el rollo minimal son Kings of Convenience, que prometen arrebatar los corazones de los que consideran que Belle & Sebastian ya tienen demasiada percusión. Aunque Eldern, el lupas y cerebrín del grupo no lo vea tan claro. «Confío en que sea verdad que hay un resurgir de la música de cantautor, pero no sé qué grado de conexión tenemos. Conozco personalmente a Badly Drawn Boy y Alfie, y he estado de gira con I Am Kloot, pero… no nos llamamos cada día para decirnos “ey tío, ¿qué plan tenemos este fin de semana para combatir a Limp Bizkit?» Lo cierto es que para su estreno, Kings of Convenience se lo han montado a las mil maravillas, procurándose la ayuda de Ken Nelson, el hombre del momento tras sus trabajos con Coldplay y Badly Drawn Boy. «No tiene mucho ego. No va por ahí diciendo “yo he creado a Coldplay”. Deja mucha libertad al artista y no interfiere casi nada. Su gran influencia fue el convencernos de que teníamos que grabarlo todo al mismo tiempo y no pista a pista, para conservar la frescura de la grabación». Contrariamente a lo que se pudiera pensar en un trabajo en el que sólo se oyen las doce cuerdas de sus dos guitarras, y unos acordes de cello, la grabación fue extenuante. «Grabamos en Liverpool durante tres meses. Nosotros no somos buenos cantantes así que si tenemos que cantar muchas veces al día… Si añades muchos arreglos siempre puedes esconder los defectos, pero si las canciones son tan simples desde el punto de vista musical como las nuestras necesitas actuar en el estudio. No puedes comportarte como un panadero o un albañil y limitarte a hacer tu trabajo. Hay magia o no la hay. Y nadie sabe cómo se produce».

.Apócrifos príncipes de la modestia Puede que sean los reyes de la conveniencia, pero desde luego no lo son de la humildad. Eldern no se corta un cascabel a la hora de

criticar a su, según él, íntimo amigo, Badly Drawn Boy. «En la cara B de ‘Toxic Girl’ hemos hecho una versión del ‘Once Around The Block’ de BDB con sólo una guitarra y nuestras voces y creo que nuestra versión es mejor que la suya. No es que la original sea mala, pero es que la calidad debe buscarse en la letra y la melodía y en nuestra versión se percibe mejor». Tampoco le duelen prendas a la hora de despotricar del fácil sambenito de Simon & Garfunkel de los glaciares. «No somos los nuevos Simon & Garfunkel. Creo que sería mejor decir que ellos eran los viejos Kings Of Convenience. Quizás sonemos como ellos en algunas canciones como en ‘The Sounds Of Silence’, pero no nos parecemos en nada a los que escribieran ‘Mrs. Robinson’, ‘Cecilia’ o ‘Bridge Over Troubled Water’. Nos sentimos más cercanos a Nick Drake». Hombre, ahora que lo dices, desde luego Drake es más meláncolico y tristón que los americanos. «No, no, lo decimos por su concepción global de los discos. Nuestra música no tiene nada de triste, al contrario, es muy optimista. Habla de vivir en Noruega, en un clima lluvioso y pasarte todo el día soñando con el verano». Bueno, pues quizás puedas hacer tus sueños realidad y pasarte por alguno de los festivales veraniegos que se celebran por estos lares. «Ni loco. No quiero ir a España en verano, porque hará demasiado calor para mi gusto». Pues nada Eldern, que Dios te conserve la melanina. “Quiet Is The New Loud” está editado por Source / Virgin.


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An Der Beat texto .Carles Riu foto .Misha Kominek

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http://youtu.be/O-7dEcj8WeI


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En 1997, David Nicolau se convirtió en la gran esperanza del house hispano con “Recicla-ho”, editado bajo el pseudónimo de An Der Beat, pronúnciese En David. Ahora este chico delgaducho, alto y de tez tan blanca como el actual Michael Jackson rescata su alias más laureado y vuelve a los feudos del techno-house con reminiscencias de la música disco, el funk y el hip-hop con “Dame chocolate”. El título, aunque pudiera llevar a engaño, no hace referencia alguna a los ritmos latinos, sino al color de la piel de su compañera (cuya foto a la tierna edad de cuatro años ocupa la portada) y de su retoño. «Cuando estábamos esperando a mi niña, mi mujer decía: “será de chocolate… será morena como yo”. Buscábamos un nombre para el álbum y dijimos: “Dame chocolate”.» Siobhain, su esposa, es también la encargada de cantar la pieza que cierra el disco: ‘Good Night My Love’, que escapa de la tónica general de éste. «Es más canción, más rhythm’n’blues, con un bajo potente. Luego hay otros temas que son para la pista de baile, pero no para la techno, entre los 100 y los 120 bpm, los típicos que suenan a An Der Beat, con trompetas y ritmo house ralentizado; finalmente, los más cañeros, van a 130 bpm. Hay un poco de todo, para toda clase de djs.» “Dame chocolate” posee para bien o para mal un sonido nada rompedor con el de su predecesor, algo que David admite. «Suena a An Der Beat. A mí es el sonido que me gusta». Un sonido que es precisamente ahora cuando más adeptos tiene y triunfa en todas partes. Basta escuchar a Superfunk, Nick Holder o Bob Sinclar para percatarse de ello.

.Vidas paralelas Si bien “Dame chocolate” aparece cuatro años después de “Recicla-ho”, David no ha

estado cruzado de brazos durante esta larga temporada. «Estaba haciendo otras cosas. Estaba haciendo el de Dj Dab, que es más para escuchar en casa, un rollo down tempo, cogiendo cualquier cosa con el sampler, desde bajos de rock hasta fragmentos de música jazz, e intentar hacer algo con ello. Y luego hice uno que se llamaba Jackson Michael, que aún tiene que salir, que era techno duro, pero con samplers de Pantera y Ántrax, rollo a lo bestia, muy punkie, con todo de distorsión digital, que da un sonido muy crujiente». De todas formas, ya está ultimando el segundo de Dj Dab, que seguramente saldrá en junio y que define en los siguientes términos. «Hay un tema de blues, uno de jazz, uno de bossa nova, etc. Cada uno con una cantante diferente. Hay colaboraciones de Mariona de Fang o de Lucrecia, que realiza una versión de ‘My Bloody Valentine’. Me quedan cuatro o cinco temas por grabar. El próximo será el ‘Think’ de James Brown –se pone a tararear la canción– You’d better think… Un rollo más soul. Cuando acabé el de An Der Beat, empecé con éste. Es que el tiempo realmente pasa muy rápido». Ni que lo jures, de hecho la edición original de “Dame chocolate”, estaba prevista, en principio, para después del verano. La enfermedad de uno de los capos de Chain Reaction, encargados del proceso de masterización, y diversos problemas con el diseño retrasaron la finalización de “Dame chocolate” hasta noviembre o diciembre del 2000, y han impedido que el disco esté disponible en las tiendas hasta ahora.

.“The Return” ‘The Return’, con sampler del ‘Get Down On It’ de Kool & The Gang, es la tarjeta de

presentación de “Dame chocolate”, con un efectivo clip promocional de bajo coste. «Hay un vídeo que es una peli de los años 60, que grabó mi abuelo, en Super 8, y en el cual sale mi padre corriendo y empujando a la gente. Y va a quedar guapo, porque tiene un toque a lo Beastie Boys, que hacen que sus vídeos parezcan viejos. Pero éste es viejo de verdad». El tiempo vuela y, sin darnos cuenta, la entrevista acaba y este dj padrazo corre a rescatar a su hija de color chocolate de las garras del canguro. Abandono el lugar canturreando el contagioso estribillo de “The Return”, con esas voces que evocan a las grandes divas del soul. En fin, es como disfrutar de la gloria divina por unos breves instantes. “Dame chocolate” está editado por Minifunk / So Dens.

“Dame chocolate” supone el regreso de An Der Beat tres años después de “Recicla-ho”. Un trabajo continuista en el que tiene cabida casi todo, desde el petardeo disco, al electro espasmódico, pasando por el house vacilón o el hip-hop convulsivo. Para gustos, An Der Beat.


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Bent

062 texto .Carles Riu foto .Misha Kominek


http://youtu.be/10RZsjvX-f0

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Por fin se edita en España, “Programmed To Love”, avalado por la crítica internacional como una de las sorpresas del pasado año y muy bien respaldado por un curioso pleito con Nana Mouskouri, el dúo británico está programado para triunfar.


Despierta, terrícola. Arriba, en el espacio exterior flotando en el infinito éter del cosmos, en breve habrá una legión de Major Toms y Hals colonizando nuevas fronteras. Y si por un momento crees que estás leyendo “Muy Interesante” en vez de “OFFmag” es porque no te has parado a pensar que además de moscas del vino, pañales para adultos y pastillas vitaminadas, las piruetas de Pedro Duque y colegas también precisarán de banda sonora. Desde el Ground Control, Simon Mills y Neil “Nail” Tollyday, dos tipos con ascendentes marcianos, ya se han puesto manos a la obra.

Increíble lo vuestro, del house más bailable al sonido más cool y relajante del momento… Bueno, hemos hecho house durante cinco años. Y hemos acabado por hartarnos de hacer música (básicamente porque no ganábamos un duro). Así que empezamos a hacer otra cosa. Y entonces llegó Bent… Sí, Bent, donde Simon, pone su colección de discos de segunda mano y yo, que soy Nail, pongo el Prozac. ¡Ah sí! Algo he leído de que la iluminación para “Programmed To Love” os llegó tras convertir el salón de vuestro apartamento en un fumadero de antidepresivos. Prozac, tío, Prozac. Una pasada. Te pasas tres días andando por la calle absolutamente feliz sin ninguna razón en especial. Parece barato y de lo más apañado, como vuestra música… Sí, bueno, ya te hemos dicho que le debemos la vida a las tiendas de segunda mano. Aunque alguna vez os den disgustos como el de la Mouskouri… Bueno, para serte sincero ni la conocemos ni queremos hablar del tema. Teníamos un par de discos suyos comprados en rastros. Los utilizamos para la parte vocal de algunos temas. ¿Que no le gusta? Pues cojonudo.


Vuestra abuela debe llevar muy mal eso de que os metáis con una leyenda eurovisiva… A mi abuela le encanta. Permíteme dudarlo. Bueno, ese es tu problema, te lo digo en serio, a mi abuela le encanta todo lo que hago. Ya, seguro que también le encanta tu pelo azul. Mira, pues ahora que lo dices no. Pero a mi novia no le importa Eso también lo dudo. Bueno, en realidad la conocí antes de teñírmelo, pero no me ha dejado todavía, así que… Oye, que a seguir con ese sentido del humor. ¿Cómo? ¿No nos vas preguntar si nos gusta que se nos compare con Lemon Jelly? Uy, se me olvidaba. ¿Os gusta que se os compare con Lemon Jelly? Síííííííííííííííííííí. “Programmed To Love” está editado por Sport / Chrysalis.

Bent_


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Zero 7

texto .Albert Duat

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http://youtu.be/i_YIoYA3dnk

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Los dos ingenieros de sonido responsables del “O.K Computer” de Radiohead se desmarcan con el disco más ‘cool’ de la primavera, mezcla de soul y Lalo Schiffrin. O, como dijo el profesor Cummings, del Presbiterian Institute de Pensilvania: «¿Zero 7? Zero 7 son Dios en calzones»


¿Hijos pródigos? ¿Alumnos aventajados?... los indicios y pistas que se pueden rastrear con una primera escucha, nos conducen inequívocamente a la Côte d’Azur. A una paradisíaca cala, donde no barcos embarrancados, sino yates de 500 millones albergan guateques nocturnos donde se pinchan

a 45 r.p.m. maxis de Brigitte Bardot. Donde el lujo es tan omnipresente como la insatisfacción en las almas que lo ostentan. Donde sólo los Maseratti y los Lamborghini beben algo que no sea Dry Martini. Donde la beautiful people se pasa el día haciendo Air-obique o yendo de safari a la luna (¿lo pillan?, siento ser tan malo en los chistes).

.Espejo ojepse. Bueno, bueno, quizás no es para tanto. Para empezar son ingleses, y aunque la Galia les quede

cerca, no podemos clasificarlos precisamente como unos Astérix y Obélix del down tempo, aunque por el parecido… ¡upps! yo no he dicho nada. La cuestión es que la música que facturan estos simpáticos mozos es tan parecida a la de Air, que a todo el mundo les ha dado por compararlos de buenas a primeras. ¿Será por ese abuso del Rodhes?, al que dicho sea de paso le tengo un aprecio especial, o… ¿por esas guitarras acústicas que parecen rascadas con una púa de plastilina? Lo que pasa es que este dúo (mira por donde también son dos, hecho que se convierte en otra feliz coincidencia), ha tenido la mala pata de llegar al respetable más tarde de lo que lo hicieran los del ‘Sexy Boy’, lo que les convierte en vástagos de los antes citados. Pero digan lo que digan, pueden gustar incluso más que los genuinos Air. «Si mucha gente nos lo ha dicho ya, pero yo no creo que nos parezcamos tanto. Hay un tema que reconozco que quizás tiene reminiscencias de Air, pero los otros temas son francamente distintos. Para nosotros es un halago»

.Teenage sounds Y el hecho de conoceros desde pequeños también debe notarse al menos en la manera de

trabajar. «Nos conocemos desde los quince o dieciséis. Y sí, es como en un matrimonio supongo. Al haber pasado tanto tiempo juntos, nos conocemos demasiado. Algunas veces resulta bueno y otras malo». Le pido que me hable de sus remezclas, porque en este terreno son un valor en alza. Se van añadiendo a su currículum nombres como Neil Finn, Snaker Pimps, Doris Days, Lenny Kravitz... Habéis coqueteado incluso con Terry Callier. Esta última es una de mis favoritas, junto con la de Climbing Up The Walls. «Sí, también es la mía, pero es que a Terry Callier no hace falta remezclarlo para que suene bien, la pieza original es suficientemente buena. De la de Radiohead también estamos muy satisfechos. La que menos me gusta es la de Lenny Kravitz.» Aunque supongo que pagaría bien… Lo que me agrada de vuestras remezclas es que normalmente construís un tema totalmente nuevo a partir de la pista de voz. «Si, lo eliminamos todo y vamos construyéndolo de nuevo a su alrededor». ¿Cuán cerca estáis de los artistas que requieren vuestros servicios? «Normalmente no conocemos personalmente a la gente que remezclamos. En el caso de Lenny por ejemplo, no lo vimos nunca, pero nos invito a una fiesta para conocernos. Pero tampoco pudimos acudir». ¿Y es verdad que componéis en base a imágenes cinematográficas? «No. Me gustan las bandas sonoras, pero no creamos los temas a partir de imágenes. Aunque me encantaría que alguien pudiera poner imágenes a nuestra música». Ahora que lo dice... si se hacen discos a partir de películas, ¿porque no hay más películas basadas en discos? Ya sabéis, si queréis algo tan chic como Air, Lemonjelly o Mellow, no creo que Zero 7 os defrauden. “Simple Things” está editado por Ultimate Dilemma / Pias.


Zero_


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http://youtu.be/QLYbV47ZrR0

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Etienne de CrĂŠcy

texto .Cristian Campos


Quizá lo de la “escena house parisina” sea un mito inventado por la prensa de tendencias londinense, pero Daft Punk, Mirwais, Alex Gopher y compañía siguen fabricando dance-hits a ritmo industrial. El trotón ‘Am I Wrong’, de Etienne de Crécy, es el último hit de la lista.

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Por mucho que les duela a los aspirantes al trono, la prensa británica sigue marcando el ritmo en las pistas de baile europeas. Si The Face, Jockey Slut o Muzik estornudan ante el “Bow Down To The Exit Sign” de David Holmes, nosotros nos resfriamos a gusto y guardamos acomplejados la cara de asombro que se nos había quedado con el “Rest” de Isolée. Así que, acostumbrados al periódico timo del tocomocho made in UK, sorprende constatar que el revuelo montado hace apenas tres años a raíz de la publicación de “Super Discount”, el famoso recopilatorio house urdido por el productor parisino Etienne de Crécy, estaba más que justificado. Ahora, y gracias en buena parte al éxito de ‘Am I Wrong’, el primer single extraído de su último disco, ”Tempovision”, Etienne de Crécy se ha ganado una merecida fama como el músico-productor estrella del “french touch”. Y eso que el-hombreque-produjo-el-primer-single-de-Air ha pasado del techno sin matices de “Pansoul”, el disco que grabó en el 96 bajo el alias Motorbass, y el chill-house a piñón de “Super Discount” al soulero “Tempovision”.

“Tempovision” es bastante diferente a tus anteriores trabajos; mucho más relajado, para entendernos… Cuando grabé “Pansoul” París estaba inundada de techno, todo era techno, así que eso se reflejó en el disco. Con “Super Discount”, sin embargo, intenté grabar un disco de house que pudiera ser escuchado en casa y en un chill-out. Con “Tempovision” pensé «OK, no pienses en la pista de baile, no pienses en el chillout; dedícate únicamente a grabar canciones». Defíneme “Tempovision”… No es mi trabajo definir mi música, pero yo la llamaría electronic-soul music… Y si los periodistas dicen que hago house, pues por mí vale. De hecho, yo vengo de la tradición house, así que lo que hago no es más que ponerle sensibilidad soul al house: hago soul en un estado mental típicamente house. Con ‘Am I Wrong’ pareces haber dado con la fórmula del dance-hit… Bueno, eso es porque ‘Am I Wrong’ es el primer single, pero no conozco la fórmula del dance-hit perfecto. ¡Ojalá la conociera! Eso lo sabrán Daft Punk. Supongo que se consigue un hit mezclando muchos efectos raros y reventando los graves del bajo y la batería… ¿Sigues en contacto con Air y Alex Gopher tras “Super Discount”? Bueno, somos amigos. De hecho, fuimos juntos a la escuela, así que se puede decir que somos amigos… que trabajan juntos a veces. Compartimos, ¿cómo decirlo?, una cierta “exigencia artística”. Te lo preguntaba para que me aclararas si la famosa “escena house francesa” existe realmente o es sólo una leyenda. ¡Por supuesto que existe una “escena francesa”! Hay gente que dice que eso es un término inventado por algunas revistas británicas, pero la escena es real. ¿Y en qué consiste exactamente? No puedo definir su sonido, pero sé reconocerlo si lo escucho por la radio. Y si todos hablan ahora de nosotros es porque supongo que en París hacemos buena música. Y algunos dicen que en París sólo se hace house, pero no es cierto: están Air, Phoenix, Daft Punk… ¿Con qué estrella del pop te gustaría trabajar? ¡Con Stevie Wonder! ¡Es mi héroe, mi máxima inspiración! ¿Stevie Wonder? Es un genio, sin duda. Me gustaría que cantara en alguna de mis canciones, aunque mi sueño sería trabajar con él produciendo un disco. ¿Sabes que Stevie Wonder puede tocar prácticamente todos los instrumentos? Pero no creo que yo le aportara nada a él. Explícame algo espectacular que me confirme que los djs sois las estrellas del rock de hoy en día. Bueno, llevo una vida bastante normal. No soy una pop-star, así que pensaré en ¡aaalgo divertiiido! No sé, supongo que… ¡Ah, sí! En Italia, mientras pinchaba en una fiesta, un tío me robó la chaqueta donde llevaba el pasaporte, el dinero, las tarjetas de crédito… ¡Todo! Yo estaba pensando más bien en sexo, drogas y house… No, no, si lo divertido del asunto es que el tío no demostró ningún respeto por alguien que llevaba toda la noche pinchando para que él se divirtiera. ¡Ningún respeto! ¿Te parece eso poco espectacular? “Tempovision” está editado por V2 / Everlasting.


Etienne de CrĂŠcy_


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Songstore

texto .Juan Sardá

Sácale brillo a tus Gazelle, ponte tu chaqueta Adidas con capucha y desempolva tus discos de Sonic Youth. Pensabas que habías madurado, pero tienes que reconocerlo, te equivocaste. Por tus venas sigue corriendo sangre adolescente, sed de guitarras, delirios de groupies desatadas y sueños de carretera. Si los viejos rockeros nunca mueren, los ‘indies’ tampoco tenían porque dejarse sepultar tan fácilmente.

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No dudes que en pocas ciudades del mundo encontrarás tanta afición a la prensa musical como en Barcelona, un lugar donde el descomunal nivel de tinta impresa pocas veces se ve correspondido con la calidad e intensidad de los decibelios emitidos por los artistas de todo pelaje que (des)habitan la ciudad. Un placer, por tanto, encontrarse con Christian A. Korn este viernes por la tarde cerca de la Rambla. Hablemos de Songstore, un proyecto personal que después de dar todos los tumbos posibles, finalmente ve la luz en The Rest is Silence, el sello que se han montado los chicos de Mishima para que comencemos a hacerles caso de una puta vez.

.La mandolina del Capitán A. Korn «Me siento como un verdadero freaky, completamente a contracorriente», me espeta Christian al poco

de encontrarnos. Cuerpo y alma de Songstore, acaba de publicar “The Day People Became Mutant Because of Mobile Phones”, larguísimo título que esconde un álbum que degustarán con especial placer e intensidad las almas más sensibles del lugar. Mucha guitarra, arreglos preciosistas, sonidos orgánicos y atmósferas envolventes son los principales ingredientes de los que se vale un disco hecho con el corazón en la mano y la mirada fija en los popes de la independencia transoceánica. «Estoy estancado –reconoce sin pudor Christian–, a mí me gusta el rock americano de principios de los noventa. La verdad es que no sé muy bien el porqué de un disco como éste en este momento, mis influencias son Yo la Tengo, American Club o Pavement, ni siquiera tengo mucha idea de lo que sale ahora y no suelo pisar los clubs». Sin embargo, el sonido es mucho más poppy de lo que pareces estar diciendo. «Es curioso, pero con los años me he vuelto mucho más folky, antes me flipaba con las guitarras distorsionadas y ahora estoy hecho un flan». En realidad, “The Day People…” es el resultado de una larga evolución personal y musical en la que ha habido tiempo para casi todo. «Algunas canciones tienen hasta cuatro años –explica Christian–, es curioso porque hay mucha gente que me dice que algunos temas se parecen a Belle and Sebastian y son precisamente los que escribí antes de haber escuchado el “If You’re Feeling Sinister”, aunque reconozco que es un disco que me impactó bastante». Así que después de pasar por la distorsión, el country y el rock, Christian acaba definiéndose como un artista básicamente pop. «Yo pertenezco a la cultura del single, cada corte un mundo diferente.» Si al final, todos acabamos en los mismo.

Música_OFFmag .El corazón es un cazador solitario «Otra diferencia fundamental entre mi trabajo y lo que se hace ahora son las letras – comenta Korn con el

poco de chulería que venía echando de menos desde hace un buen rato–. A mí me gusta decir algo en las canciones y no repetir la misma frase eternamente como ocurre con la mayoría de temas que he estado escuchando últimamente». Irónicas, ligadas a la cotidianeidad y con un aire retro adolescente, poseen la rara facultad de hablarnos un poco de lo de siempre y que nos lo sigamos creyendo. Y lo cierto es que solo, lo que se dice solo, no está aunque a él se lo parezca (pregunta doble, ¿por qué los músicos no leen revistas de música? ¿Por qué siempre contestan que sólo escuchan a Miles Davis? Fin de la pregunta). Últimamente son bastantes los que vienen reclamando especial atención a los asuntos que verdaderamente nos quitan el sueño por las noches y el aliento por las mañanas, y en Songstore es fácil adivinar encontrar el preciosismo de Montgolfier Brothers, la densidad de Piano Magic o el lirismo de Coldplay a este lado del Atlántico o el post country de Lambchop al otro. En el fondo, sentimentalismo lírico y descarnado que se resuelve en el individualismo del palpitar cotidiano. Después de haber grabado el álbum él solito y el éxito más que aceptable de Mishima, las expectativas de Korn se centran en consolidar su banda, completada por Bruno Oliveres al bajo y Marc Barrachina a la guitarra, y continuar componiendo. «De momento ya he conseguido que no sólo me conozcan mis amigos», comenta entusiasmado. No me jodáis que este chico no es auténtico. “The Day People…” está editado por The Rest is Silence / Satélite K.

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Para esa extirpe de ‘ravers’ imberbes que se mueven sin mas impulso que el de la mandíbula y el bombo reverberante, la aparición de “Sunday Island” les servirá para… nada. ¿Para el resto? Vean, vean, y conceptualicen.

Glory B

texto .Jaime Casas

http://youtu.be/boXLhY0HT_8

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Entre Berlín y Viena, radio de acción de Martin “Tin” Retschitzegger y Michael “Duke” Peter, anda el juego. Entre estas dos urbes centroeuropeas se diseminan las fiestas con el volumen de decibelios mas altos del planeta, la

afición –como diría Julio Ruíz– más predispuesta, y, para colmo, la mejor música electrónica de los últimos años. Esto, que algunos parece que hayan nacido sabiéndolo, no significa que los dos mocetones austríacos sean unos fiesteros impenitentes, más bien son unos pedagogos de la experimentación bailable. Lo que trae a colación es el contexto, en el cual Glory B se mueven como pez en el agua gracias a haber sabido crear una tierra de nadie donde hacen las veces de amos y señores. “Sunday Island”, recopilación definitiva de los maxis que han publicado en los últimos años, es el punto de inflexión entre aquello que se llama experimentación y aquello otro que se llama diversión.

.El efecto del concepto Hi-Lo, nombre de guerra que aglutina todos los proyectos del dúo, con el detroniano Ratio y el espasmódico The

Memory Foundation al frente, han publicado en sellos como M-Plant de Robert Hood («no fue una experiencia del todo satisfactoria», asegura con cautela Martin), y en Seventh City de Dan Bell. Sin embargo, y dejando de lado Grow! y Central, es Minifunk de Omar Morera su segunda casa, «preferimos trabajar con amigos, y a Omar lo consideramos uno de ellos. Lo conocimos hace 2 años en el Moog, y desde entonces nos ha tratado muy bien, además creo que Minifunk es un gran sello». Si tan bien están que no se vayan, vamos digo yo, ¿por qué habéis decidido acabar con Glory B como proyecto? «No está acabado, es cierto que no tenemos intención de seguir publicando como Glory B, pero nunca se sabe, quizás en un futuro nos lo replanteamos. Queremos centrarnos en otros proyectos, aunque todavía publicaremos un para de maxis, con remezclas a cargo de Funk D’ Void». La vida sigue, pues.

Música_OFFmag

“Sunday Island” contiene cortes con los estilos de la música de baile que más influencia están teniendo últimamente: dub, funk, deep-techno etc., como un punto de inflexión entre décadas. ¿Cómo crees que va a ser la música de baile en los próximos años? «Principalmente mucho más minimal: creo que a partir de ahora la bases minimales se están endureciendo y muchos productores las van a empezar a utilizar más. El dub se ha implantado definitivamente, y cada vez tiene más aplicaciones. Por otra parte creo que el funk, también va a mejorar». No es por nada, pero en la contraportada del CD aparece esta frase: «There’s a deep tech-funk cake inside», ¡qué mejor que marcar tu mismo el devenir ¿verdad?! Siempre se ha dicho de vosotros, se dicen bastantes cosas por cierto, que vuestra música tiene un componente experimental que lo diferencia del resto de la música de baile. ¿Componéis música para experimentar? «Creo que eminentemente hacemos dance music, es decir, música que sirve para bailar, pero es verdad que siempre intentamos experimentar, pero no para que se baile más o mejor, sino para experimentar con el sonido». Para seguir toda vuestra discografía hay que ser un experto o tener mucho interés. He contado hasta 9 proyectos distintos, con diferentes nombres y estilos. ¿A qué se debe tantos nombres? (el experto en esta cuestión parece que es Duke, y el tío entusiasmado coge el teléfono para responder) «Es mucho más divertido, disfrutamos más así, teniendo muchas identidades. Es el concepto, Hi-Lo es el nombre genérico, y todos los demás completan este concepto, nos sirve para tener más libertad, y de esta forma podemos pasar del minimal al hard techno, es una forma menos “traumática” de cambiar». Siguiendo con lo de la explosión del nu-dub, el minimalismo, y bueno, en cierta forma un espectro sonoro mucho mas deep (Luomo, Swayzak). ¿Os adelantasteis a todo esto? «Quizás en algún aspecto, pero fueron Basic Chanel quienes renovaron estos parámetros. Nadie antes que ellos utilizo el reggae y el dub para hacer techno». Es cierto, no te lo niego, pero creo que se ha avanzado respecto a esos años, ¿No estáis cansados de que siempre se haga referencia a Basic Chanel, Maurizio etc? «No creo que nadie nos compare, además creo que nosotros nos movemos en mas estilos. Ni creo que le hayamos copiado, ni por supuesto al revés». Que no llegue la sangre al río, que aquí nadie ha dicho que copiaseis a nadie. Glory B quedara como el proyecto más cercano a nosotros, y como una pequeña parte de ese CONCEPTO. Mejor tener una parte que nada, cómpratelo!!!

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“Sunday Island” está editado por Minifunk / So Dens.


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La Amante de Ă?caro texto .Jaime Casas

top y corbata con broche_XXX.

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Fotografía: Regina Carnicer Estilismo: Marta Ortega Maquillaje y peluquería: Salónica para Servimatge con productos MAC

Modelo: Amaia (Group)


vestido_The Point.


vestido_The Point. Anillos de plástico_Miquel García. Zapatos_Pura López.


falda_Replay. Camiseta_The Point. Zapatos _Pura L贸pez y medias_Calzedonia.


Top de pelo_Amaya Arzuaga. Short_Andrew McKenzie. Sandalias_ Roberto Botticelli. Panties_Dim. Pulsera con eslabones_E-Play y anillo reciclado_Rosanna Blanch.


La Amante de Ă?caro_


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Adiós al pop de guitarras resabidas. Si estás cansado ya de aporrear instrumentos con tus amiguitos las tardes del domingo o con tu grupo de pop ya no sabéis a quién imitar, Manoukian te sugiere otra salida. Que lo sepas.

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Manoukian texto .Boko

aparte de que es más fácil.» Como tantos otros cachorros de la era bilidades, De este fenómeno se extraen dos conceptos clave que resumen una manede hacer muy diferente a la tradicional: autonomía (tú eres el único y digital que han cambiado el Tente y raúltimo responsable de lo que haces) y cojones (lo que nadie te toca cuando solo). Ambos términos se implican, manteniendo una relación de los Playmobil por la Play Station y el trabajas inherencia. Wap de conexión ultra-rápida, yo mismo estoy confeccionando este .‘Prince Alone In The Studio’, Smog «Tardé un mes en grabarlo en mi casa, en mi cuarto concretamente, con artículo desde mi flamante nuevo iMac una pequeña instalación. Un mes de estrés y de estar todo el día pensando, casi como una obsesión. Muchas canciones tenían al menos un año. rojo pasión (lo siento, tenía que decir- Después del recopilatorio de Cosmos en el que participé, surgió la idea de grabar un disco. Más o menos me dijeron ¡venga, a grabarlo! y ahí está.» lo). A pesar de que mi conexión a internet da pena y los mail no llegan ni Nada como el hogar para dejarte mecer por ese dulce aislamiento que no con amenazas, la fascinación por la tecnología está a veces más ligada a la encuentras ni en el metro, ni en la discoteca, ni en El Corte Inglés. Pero no más y me daba cuenta de que con la electrónica tienes muchas más posi-

lívido de lo que pensábamos. No es el momento ni el sitio adecuado para explicar los sueños húmedos que he tenido con las curvas de mi ordenador (¡que alguien me quite este portentoso ratón de las manos!), pero tampoco es gratuita esta pequeña introducción. Viene al caso porque a Manoukian parece haberle pasado algo parecido con las máquinas. «Antes de Manoukian estaba en un grupo de guitarras, de esos de raca-raca, que se llamaba Donut. Más o menos coincidió el sacar un EP con Astro en el 96 y empezar a aburrir ese tipo de música. Empecé a interesarme por la música electrónica y los secuenciadores y todo ese rollo. Cada vez me fui metiendo

deja de ser paradójico que a Manoukian lo conociéramos precisamente en directo, en la final del concurso de maquetas del Dance de Lux ‘99, que por cierto ganó y a cuyo premio renunció. No, no rompió su contrato con RCA por un arrebato de romanticismo, sino que Yon Vadour, su nombre real, pensó que se sentiría más como en casa en un sello como Cosmos, que de eso saben un rato (¿por qué todos sus discos suenan igual?). Yon no se cansa de intentar explicarme, a pesar de mi reticencia a mantener lo contrario, que su disco no ha nacido con una intención ni con una idea preconcebida. Ha sido todo muy espontáneo, fíjate tú. «El disco resume bastante


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lo que me gusta y las influencias que tengo. Es una mezcla de todo un poco; house, dub, disco… No creo que sea un disco de baile pero tiene cosas para bailar. Es, no sé, como lo diría, tiene un tono más… no sé, no tan de baile. Es relajado o tranquilo pero no es intencionado, me sale así supongo. Debe ser por mi pasado pop por lo que me preocupo por las melodías.»

.‘I’m The Operator With My Pocket Calculator’, Kraftwerk Quizá las proclamas de los de Düsseldorf acerca de un mundo robótico e idealizado suenen bastante ingenuas, pero

tienen un alcance real que no por sencillo es menos válido. Manoukian se ofrece como vivo ejemplo a esta idea. «Trabajar con máquinas, en directo o en el estudio, tiene algo muy bueno: yo soy muy maniático con eso de que el batería vaya a destiempo ¡Ja, ja, ja! Tiene sus pros y sus contras. Trabajas solo pero al menos no salgo de mala leche de los ensayos porque no haya habido cohesión con el grupo. A veces me pasaba eso con mi grupo de pop.» Las conexiones con Kraftwerk tampoco son gratuitas; ahí está ‘Chimpa’ que parece una oda típica de los alemanes pero sazonada al pil pil. Y, bueno, podríamos ir más allá y decir que también algunos títulos de canciones de Manoukian reflejan crudamente una realidad social de nuestro tiempo: ‘Todo el mundo es freak’ y ’Todo el mundo es dj’ ¡Cielos, qué clarividencia! ¿Esto fue producto de una fumada o algo así? «No, los canutos me sientan mal, ¡Ja, ja, ja! Es que tengo la tensión muy baja. No, en serio, es que al ser música instrumental, al no haber letras como en las canciones pop, pues puedes poner el título que quieras. Me gusta ponerles esos títulos un poco irónico.» Entonces, lo de que “La vida es como una canción de título corto” no quiere decir que tengamos que apedrear a Stereolab por farsantes. «El título del álbum se me ocurrió un día y tampoco no le he dado muchas vueltas, me pareció acertado y ya está. Hay gente que me ha preguntado si soy fan de Pet Shop Boys por ello, pero la verdad es que no. En el CD aparece mi e-mail así que si alguien tiene alguna interpretación personal que me la mande tranquilamente y que me lo explique ¡Ja, ja! No me propuse hacer el gran título que reúna el pensamiento del siglo veinte, simplemente me gustaba como sonaba.» Eso me tranquiliza la conciencia: lo que decimos ni es verdadero, ni cierto y muchas veces ni siquiera lo creemos. “La vida es una canción de título corto” está editado por Cosmos / Satélite K


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Orbital

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texto .Boko


http://youtu.be/N5d1yVIY9ko

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El dúo formado por los hermanos Hartnoll, Orbital, estrena su

sexto álbum el próximo 30 de abril. Tras dos


d铆as de intensas persecu-

ciones telef贸nicas y no menos intensas discusiones con la telefonista,

conseguimos atrapar al otro lado del hilo a Phil, que descansaba en un hotel

de Londres.


Doce y media del mediodía y nos encontramos a Phil al otro lado del teléfono. Al decirle que llamamos de Barcelona se muestra feliz. La Ciudad Condal le trae gratos recuerdos: en ella pasó la mayor parte de su viaje de novios. Aunque quizás su alegría no obedece a razones geográficas. Cuando preguntamos a Phil sobre que quería destacar de su último trabajo no lo duda un segundo: «¡Lo más importante es que lo puedas compartir con tus amigos cuando te vayas de fiesta!» Oído cocina.

Escuchando vuestro último disco, “The Altogether” se ve una continuidad con la búsqueda de nuevos sonidos de “The Middle Of Nowhere”, en contraposición con la etapa más conservadora de “Inside”. “Inside” refleja un momento en el que pasamos una mala etapa en la que perdimos muchos amigos, de ahí que el disco sea tan triste. “The Middle Of Nowhere” es un trabajo para escuchar con tus auriculares, sentado en tu sofá… En cambio, este último, es un disco para bailar y estar pasándolo bien con los colegas; eso de que últimamente hayamos estado pinchando y divirtiéndonos hace que influya, de ahí el giro más alegre. El disco destaca por sus numerosísimas colaboraciones. Para abrir boca, escuchamos ‘Tension’ con The Cramps, un tema claramente desmarcado del disco… La colaboración de The Cramps nos permite alcanzar un nivel de energía cojonudo para practicar pogos. “The Altogether” es una especie de parque de atracciones, donde puedes encontrarte con un subidón de adrenalina, como ‘Tension’, descansar un poco en ‘Funny Break’ y volver a subir a la montaña rusa con ‘Tootled’. En realidad, sólo cuando te entrevistan analizas tus propias composiciones y te respondes a ti mismo sobre por qué las hiciste. Además de The Cramps, el disco cuenta con samplers Tool y de Ian Dury y la colaboración vocal de David Gray ¿quizá la herida rockera nunca cerrada? De todo un poco, cuando Tool estaban de gira americana, nosotros éramos sus teloneros; nos gustan mucho y al volver a Europa los escuchábamos a diario, así que decidimos samplear un track suyo. Con respecto a Ian Dury, hemos sido grandes admiradores suyos desde siempre; compusimos un tema sampleando una de sus canciones y esa misma tarde nos enteramos de que había muerto, por lo que pienso que era justo ofrecerle este modesto tributo. La participación de David Gray… Bueno, es muy gracioso: somos cuñados y continuamente nos estamos viendo aunque tan sólo sea para tomar un café, de ahí que nosotros aparezcamos en su último disco. Él no podía hacernos ese feo. Cameos ilustres aparte, el primer sencillo, ‘Funny Break (One Is Enough)’ destaca por el descubrimiento de una maravillosa vocalista femenina llamada Naomi Bedford… (Risas) A Naomi, la conocimos en una fiesta en la que ella cantaba completamente borracha, pero nos dijimos: «Esta tía canta de puta madre, tiene que colaborar con nosotros» El disco también aparecerá en formato DVD 5.1 Surroundsound. Explícanos un poco este nuevo sistema y qué podremos encontrar en él. Este nuevo sistema de audio se compone básicamente de 3 altavoces frontales, 2 posteriores y un subgrave en el suelo; creo que es la forma más natural de poder oír la música y todo tipo de sonidos, creo que para los músicos es muy bueno el tener más campo a la hora de construir un tema. ¿Qué os parece vuestro paso por los escenarios españoles? Guardamos muy buenos recuerdos de nuestras actuaciones en España; alucinamos cuando la gente bailaba sin parar todos nuestros temas. Nos encantaría repetir en el Sònar, un festival único en Europa en cuanto a música electrónica y multimedia en el que puedes ver qué se cuece a nivel musical en otros países que a lo mejor no llegaríamos a escuchar nunca en nuestra ciudad. “The Altogether” está editado por Warner España.


Orbital_


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Brendan Gleeson texto .Toni Garcia


Trabajó con Mel Gibson en “Braveheart” http://youtu.be/vbnGDeq40hI, maravilló a John Boorman en “The General” http://youtu.be/IpIKOgT11wE y se sacó un dinerillo con “Mission Impossible 2” http://youtu.be/vIpqpRuGrq4. Este mes lo veremos en “Las flores de Harrison” http://youtu.be/ihtZlh0qkd4 , y en breve aparecerá en el próximo filme de Scorsese “Gangs of New York” http://youtu.be/wcty-Vw77R8 y en la esperadísima “A.I.” http://youtu.be/ECGnWoQgz6Q de Spielberg. Brendan Gleeson, actor de raza, irlandés y cachondo. ¿Quién da más? “Las flores de Harrison” es una película bélica atípica, que se aleja tanto de la espectacularidad de “Salvar al soldado Ryan” http://youtu.be/BM4P7FpEoLc como de la poética de “La delgada línea roja” http://youtu.be/fPOwrOTAEHQ… Creo que la primera media hora de “Salvar al soldado Ryan” es durísima. Pocos grandes pueden hacer eso, y Spielberg es uno de ellos, pero en “Las flores de Harrison” la violencia es más arbitraria, más cercana, más palpable, no hay una acción lineal en la que puedas afirmar «ahora morirá éste, ahora aquél», además tienes los disparos ante tus narices, las explosiones no parecen fuegos artificiales, los escenarios son aterradores… Eres uno de los pocos afortunados que pueden trabajar tanto en Hollywood como en Europa sin que tu carrera se resienta. ¿Te consideras un tipo afortunado? Sí, por supuesto, me siento muy afortunado, cambio el chip cada cierto tiempo y me gusta esta dinámica. Intento aportar pequeñas cosas a las grandes producciones y grandes cosas en las pequeñas. A veces, incluso lo consigo (risas). ¿Cómo escoges tus trabajos? La idea es hacer trabajos brillantes para todo el mundo pero muchas veces llegas a todo el mundo sin hacer trabajos brillantes (risas). Básicamente, intento no hacer papeles malos. Por ejemplo hago tres trabajos importantes en los que necesito estar concentrado como “The General” y después hago películas en las que puedo airearme como “Mission Impossible 2”. Si hago una película de la que este orgulloso al año me doy por satisfecho. ¿Te parece que “The General” es tu mejor trabajo hasta la fecha? Sí, la verdad es que estoy muy orgulloso de ella, es una película muy especial, trabajar con John Boorman fue una maravilla, y tengo un recuerdo muy bonito de ese filme. Fue una gran experiencia tanto artística como humana. ¿Cómo ha sido tu segunda experiencia con Boorman, con el que has rodado “El sastre de Panamá” http://youtu.be/Z2O3Mew2T2Y ? Bueno, John Boorman, es una persona que siento muy cercana a mí, y lo hace todo tan fácil que es un placer rodar con él. Desde el punto de vista profesional, además, es increíble verle trabajar. Háblanos de tus nuevos trabajos con Scorsese y Spielberg Con Scorsese estoy rodando “Gangs of New York” que cuenta la historia de las mafias de esa ciudad entre1842 y1863. Es la historia del tribalismo, la rivalidad existente entre los diferentes grupos de emigrantes que llegaban hasta allí en barcos. Mi papel es el de un hombre solitario en un mundo de bandas, en el que es difícil llevar una vida normal. Y sobre Spielberg (risas), bueno, no puedo decirte mucho sobre “A.I.”, sólo que era un proyecto de Kubrick y que llevan 20 años intentando hacerla. Y bueno, ya sabes, tratándose de Spielberg es mejor no preguntar nada (risas). Tú has trabajado con Di Caprio y Tom Cruise, ¿Cómo es trabajar con ellos?¿Molestan mucho? (Risas), tengo que decirte que la gente con verdadero talento nunca da problemas, son los que no tienen talento los que se ven obligados a hacerse famosos de otra manera (risas). No sé lo que se dice por ahí, pero son gente muy profesional. Ya sabes…

http://youtu.be/6muTvtnnOAg

Cambiando de tema, cuéntanos como te sentías en “Braveheart”, con aquella barba gigantesca, las falditas a cuadros y el hacha de cuarenta kilos mientras rodabas en medio de la montaña... (Risas) Lo siento por mi caballo, él no tenía la culpa (risas)… y además (risas) el hacha… era de goma (risas). Fue cojonudo, y por cierto, hay algunas páginas en internet donde se me ve corriendo con el hacha, rollo slow motion y allí podrás ver que es de goma por cómo se dobla con el viento (risas)… Supongo que cuando la estabas rodando te diste cuenta que esa película te iba a abrir las puertas del cielo. Sí, recuerdo que cuando yo llegaba al plató, a 20 km de mi casa en Irlanda, y veía 1.500 soldados a las 7 de la mañana todos perfectamente formados, me daba cuenta de que “Braveheart” me iba a cambiar la vida. En la redacción tenemos un pequeño club de fans de “Lake Placid” (Mandíbulas) http://youtu.be/1608jthc2VM , donde tenías una increíble química con Oliver Platt… (Risas) ¡¡No me jodas!! Tenía un guión divertidisimo, ¿verdad?, y se ha convertido en una pequeña obra de culto, creo que la gente no entendió su particular sentido del humor, que no tiene nada que ver con los cocodrilos. Además, mereció la pena trabajar con Bridget Fonda, es maravillosa.

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texto .Carlos G. Vela

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“Les pactes de loups” http://youtu.be/89dJ39SiWCM , la película gala más esperada del año.


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- 121 Luc Besson, ejemplo de que el dinero no da la felicidad: la inteligencia que empleó para forrarse con “El quinto elemento” http:// youtu.be/aB-AUTGqUCU no le sirvió para retener a su vera a Milla Jovovich.

Si esperan oír hablar de Renoir, Truffaut o Rohmer podemos recomendarles algún cine-forum donde babear a gusto, porque aquí llega un nuevo cine francés, ‘à l’américaine’, dispuesto a invadir nuestras carteleras a base de acción, sexo, humor y (mucho) dinero.


Son jóvenes, admiran a Scorsese y alimentaron su adolescencia mamando “Taxi Driver” http://youtu.be/sLpMx8_TYOo y “La naranja mecánica” http://youtu.be/C7JfO2Xs284 . Los realizadores Mathieu Kassovitz, Jan Kounen y Christophe Gans forman un bien avenido grupo de colegas que reconocen en Luc Besson a un verdadero “padrino”. Él fue el primero en recorrer un

camino que une Francia con Hollywood y que ha generado el Disneyland Paris del cine que ahora nos ocupa. Besson empezó de tapadillo trayéndose a una Rosanna Arquette, entonces en alza, para rodar “El gran azul”, y acabó montando una rentable agencia de viajes pagados para stars como Bruce Willis y Gary Oldman (protagonistas del pastiche de ciencia-ficción “El quinto elemento”) o Dustin Hoffman y John Malkovich, que participaron en “Juana de Arco”, una superproducción a mayor gloria de la top model Milla Jovovich, ex novia suya para más señas. El caso es que su progresiva e imparable americanización le reportó pingües beneficios y “El quinto elemento” (oficialmente un filme francés hablado en inglés) no sólo fue número uno en el box-office de su país, sino que se coló como la quinta película más vista del 97… ¡en el mundo entero! Ese mismo año, la tercera en el hit parade francés era “La verdad si yo miento”, una comedia de Thomas Gilou, otro espabilado, que ya ha rodado una segunda parte de la película, condimentándola con acción y risas, y en la que todo el equipo se trasladó a Estados Unidos para un sólo día de rodaje (¡uno sólo!) en pleno Hollywood Boulevard. No es de extrañar que el grito de guerra de sus protagonistas sea ese «Champions du monde!» que nos ha servido de titular y que los emparenta significativamente con el «King of the world!» de DiCaprio/Cameron. Pero al César lo que es del César y hay que reconocer que las dos partes de “La verdad si yo miento” no han hecho más que clonar el éxito de “Taxi” (aquí “Taxi Express” para no confundir con la de Saura) y su inevitable secuela “Taxi 2”, la gran vencedora del 2000, que acabó su carrera en salas francesas superando a “El sexto sentido”, “Gladiator” y “American Beauty”. ¿Adivinan quién producía? Monsieur Luc Besson! Y es que el francés del pelo oxigenado ha descubierto en la producción una nueva vía para forrarse, así que ha creado una empresa llamada Europa (¿será una ironía?) con la que financiará nada menos que el próximo film protagonizado por Mel Gibson. Cineasta o empresario de éxito, lo que está claro es que Besson sabe amasar dinero. Quizá su discípulo más aventajado sea Mathieu Kassovitz, que actuó gustosamente tanto en “El quinto elemento” como en “Juana de Arco”, y resulta ser el autor de “El odio (La Haine)”, el primer éxito no sólo de público sino también de crítica del llamado “joven cine francés”. Tras el batacazo que supuso “Assassin(s)” vuelve a la carga con “Los ríos de color púrpura”, sangriento thriller protagonizado por Vincent Cassel y Jean Reno, dos actores fetiche del nuevo cine francés. Cassel era también el protagonista de la polémica “Dobermann” de Jan Kounen, un filme con muchos tiros, mucho techno y poco cerebro, donde compartía pantalla con su esposa, la bellísima Monica Bellucci. El matrimonio vuelve a aparecer en “Le pacte des loups”, el último taquillazo francés, donde Christophe Gans, director de “Crying Freeman”, recupera al cachas Mark Dacascos en un film que aúna la Francia del siglo XVIII con la acción estilo manga y que también promete arrasar aquí, con ayuda de los chicos de marketing. Pero hemos desviado la atención de Jean Reno, una pieza básica del tête-à-tête franchute-yankee. No sólo rodó en América “León, el profesional”, del ubicuo Besson, acompañado de una Natalie Portman pre púber y pre “Star Wars”, sino que ha participado en blockbusters 100% U.S.A. como “Godzilla” y “Misión Imposible”. Eso sin contar su colaboración en el éxito de “Los visitantes”, la película (si merece ese nombre) que en 1993 devolvió al cine francés la hegemonía de taquilla, acariciando la brutal cifra de 14 millones de espectadores. Reno coprotagonizaba dicho film (y, ¡cómo no!, su correspondiente segunda parte) junto a uno de los cómicos más taquilleros (y más zafios) de toda Francia, Christian Clavier, el Astérix del cine. Un personaje que, por cierto, también tendrá su secuela, siguiendo el esquema de las sagas superheroicas americanas, y con la Bellucci como Cleopatra (¡prepárate, Liz Taylor!). Y no crean que nos referimos a “Vercingetórix”. Ese film, protagonizado por Christopher Lambert (estrábico caído en desgracia, que en sus inicios también trabajó a las órdenes de Besson), va de serio y pertenece a la vertiente, digamos, histórica (como “La reina Margot”, o el reciente fracaso “La pasión del rey”), que comparte presupuestos desmedidos con los filmes mencionados, pero excede el objeto de este humilde reportaje. Sí debemos mencionar, por contra, a Jean Jacques-Annaud, uno de los realizadores franceses más taquilleros y mejor relacionados al otro lado del charco (suya es “Siete años en el Tibet” protagonizada por Brad Pitt, o “El nombre de la rosa” con Sean Connery y Christian Slater). Su último film, la recreación del cerco de Stalingrado “Enemigo a las puertas”, cuenta con Jude Law, Joseph Fiennes y Ed Harris y ostenta el dudoso honor de ser la producción europea más cara de la historia. Si recuperará los 15.000 millones de pesetas que ha costado, está aún por ver. Lo que sí podemos asegurar es que todos los anteriormente mentados comparten una serie de rasgos identificativos que si bien no aumentan la calidad del cine francés, sí generan copiosos ingresos. Y eso, señores, se llama industria. Y se logra trabajando géneros que venden, como la acción y la comedia; abandonando complejos localistas; abriendo las puertas a profesionales de campos como la publicidad, el cómic y la animación y frecuentando circuitos de financiación distintos a los oficiales, como las cadenas de televisión especializadas. Por supuesto, ayudan unas gotas de ese chovinismo del que andan sobrados los franceses, por mucho que aparenten maneras americanas. En el fondo, no dejan de ser ellos mismos, vestidos para negociar en una sociedad globalizada.

.LAS COMPARACIONES SON ODIOSAS En España también gozamos de superventas autóctonos como Segura, Almodóvar, Trueba, Bajo Ulloa, Amenábar o De la Iglesia (en estricto orden por taquillaje en el último lustro) y los americanos empiezan a remakear nuestros films (“Abre los ojos” con Tom Cruise y “Muertos de risa” con Leguizamo), igual que hacen con los franceses. Pero si comparamos, veremos que mientras “La verdad si yo miento” logró 500.000 espectadores en su primera semana, “La comunidad” tardó tres semanas en superar esa cifra. Si encima tenemos en cuenta que “Le pacte des loups” rozó los dos millones de espectadores en su primera semana, ya es para deprimirse. Y es que la cuota de mercado del cine francés superaba el 32% en 1999, cuando el español no llegaba al 15%. Pero si sirve de consuelo, ellos tienen casi 20 millones de habitantes más (y son más cinéfilos).


Mathieu Kassovitz: sólo su ego está menos infundado que su prestigio. Total, porque Jodie Foster dijera que “El odio” http://youtu.be/yk77VrkxL88 era la mejor película de la historia…

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http://youtu.be/YnO1ULz3BHs

Después de ver “Réquiem por un sueño” http://youtu.be/lgo3Hb5vWLE uno se plantea seriamente volver a tomar drogas, y no será por la moralina (que simplemente no existe), sino por el contundente retrato del yonqui cotidiano (televisión, pastillas adelgazantes y trapis) que el director de “Pi” http://youtu.be/jo18VIoR2xU nos regala en su nuevo trabajo.

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Aronofsky texto .Toni Garcia foto .Xavito (ojo x ojo)


Detrás de su lacónica presentación, estilo Forrest Gump http://youtu.be/uPIEn0M8su0 , «Hola, me llamo Darren», se esconde un tío analítico, que hace más preguntas de las que recibe y al que no le gusta marear la perdiz. Estoy seguro de que te habrán preguntado un millón de veces por el montaje de “Réquiem por un sueño” y “Pi”, donde demuestras un gran dominio del mismo, a mí me interesa más saber cómo afrontas la posproducción, especialmente en la vertiente de los efectos digitales. ¿Crees que son el futuro, así, en mayúsculas? Por supuesto, esta película nunca hubiera podido ser realizada, tal como yo quería, con los viejos sistemas de posproducción, y ahora yo no estaría aquí hablando contigo. El digital está llegando y pronto el universo entero va a verse reducido a una combinación de unos y ceros. En tus películas trabajas mucho el clima, a nivel fotográfico, de sonido e incluso en el diseño de producción. Bueno, creo que lo que haces en realidad es limitar. Tienes un set con mil posibilidades a todos los niveles y empiezas a descartar hasta que encuentras el correcto. La palabra clave es limitar. Limitar el universo fílmico hasta ajustarlo a tus pretensiones. Después de su primer trabajo te compararon con David Lynch, ahora en “Réquiem por un sueño” el referente es David Fincher… ¿La pregunta es por qué mi nombre no es David? Bueno, la pregunta sería si te gustan las comparaciones, pero esa de David también me gusta… (Risas) Me gustan los dos, creo que son grandes directores y me encanta su trabajo, pero lo que me llena de esperanza es que algún joven director sea comparado conmigo en el futuro. Creo que el nexo de unión entre “Pi” y “Réquiem por un sueño” es tu obsesión por introducirte en la psique del personaje… Es cierto, me fascina desde que hace años vi “La escalera de Jacob”: estaba con un amigo, director de cine, y aquello fue como un flash, allí se utilizaba la cámara para explorar la mente de los personajes, y se hacía de una manera brillante. Esa es una de las mayores diferencias entre el teatro y el cine, la posibilidad que tienes de utilizar la cámara para variar el punto de vista y por tanto la historia. Cuando leí el libro que inspiró “Réquiem por un sueño”, lo que más me gustó fue el hecho de poder jugar con cuatro historias subjetivas, cuatro puntos de vista diferentes en un solo filme. ¿Crees que estarías donde estás si hubieras rodado “Pi”, tu primera película, con un montón de pasta? Me refiero a que quizás no te hubieses roto tanto la cabeza para hilar una historia tan densa y complicada. Eres un tío muy listo (risas), bueno, si hubiera tenido un montón de pasta “Pi” seguiría existiendo pero sería muy diferente. El hecho de hacer una película con 600 mil dólares te obliga a hacer juegos de manos. La gente siempre me dice lo que hubiera podido hacer con esa habitación donde estaba la supercomputadora de “Pi” si hubiéramos manejado más dinero, pero la hicimos con viejos PCs y la cosa tenía su encanto. ¿Has notado el cambio de “Pi” a “Réquiem por un sueño”en el terreno de los actores? ¿A qué te refieres? A que en “Pi” trabajaste con actores amateurs o pocos conocidos y en tu último filme están Jared Leto, Jennifer Conelly o Ellen Burstyn. Sí, es verdad, pero a veces cuando menos profesionales son más preparados están, porque su motivación es mucho más fuerte. Eso no quita que Ellen Burstyn sea una actriz maravillosa… pero no voy a entrar en el juego de las comparaciones. Sam Raimi está rodando “Spiderman”, Bryan Singer prepara la segunda parte de “X-Men”, Guillermo del Toro rueda “Blade 2”. ¿Hollywood busca un enfoque nuevo porque el viejo ya no funciona? Hollywood es la industria y constantemente están buscando nuevas ideas, nuevas visiones, por eso tantos cineastas independientes están trabajando en Hollywood.

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¿Estás asustado por la responsabilidad de hacer el próximo Batman con guión del gran Frank Miller? Estoy emocionado, pero lo llevo con calma… antes voy a hacer un par de películas de ciencia ficción. ¿Eres consciente de que “Batman, Year One” lo van a mirar con lupa? Nooooo.

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http://youtu.be/w6WusABnL3c

PAOLO CONTE ■ ■ ■ ■ ■ Razmataz dro En el mundo de la música, las prejubilaciones están a la orden del día. Muchos no superan la treintena, y en el feliz caso de que lo consigan, se ven relegados a recopilatorios, homenajes y música para karaokes. Por eso resulta especialmente interesante este “Razmataz” del, sin duda, mejor compositor italiano del siglo pasado, Paolo Conte. A sus 64 primaveras su genio, aquel que empezara alquilando por unas pocas liras para Celentano y demás divas de San Remo (ahora va Eminem, hay qué ver cómo esta el país) permanece intacto. Es más, su nuevo álbum, debería hacer poner rojos de envidia a los crooners de medio pelo y zafios imitadores de Tom Waits. La comparación no es gratuita, ni se basa sólo en esa rasposa voz de colador chino de uno y de otro: sabido es que a ambos les apasiona la música negra, el cabaret y el jazz. Cierto es que la idea originaria del álbum (un musical cuya acción transcurre en los años 20) limita la experimentación con la que nos obsequiara en el clásico “Parole d’amore scritta a machina” el compositor de Asti, pero dicha elección le permite enfrentarse a otra de sus grandes pasiones: el nacimiento de los ismos pictóricos y en especial, del surrealismo, con su escritura (musical) automática, con su creación de un lenguaje imposible que remueve nuestros subconscientes… Lo dicho, este tío está hecho un chaval. Rubén Romero

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http://youtu.be/BHkOHR4nJOY [4]

http://youtu.be/3ikHHIWhzas

http://youtu.be/p-neqv-WHB8

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http://youtu.be/c5-EzbqOU8s

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alpha [1] ■■■■■ The Impossible Thrill melankolic / virgin records ¡Señores lectores! estamos ante uno de los mejores discos de la temporada. Andy Jerks y Corin Dingley, más conocidos como Alpha, regresan con “The impossible Thrill”, su segunda obra maestra desde que nos sorprendieran en el 97 con su álbum de debut “Come From Heaven”. Once nuevas composiciones son las que nos encontramos y en donde volvemos a saborear la colaboración en el aspecto vocal de Martin Barnard, Wendy Stubbs y Helen White. El disco se abre con ‘Still’, una pieza que interpreta Wendy y que nos va atrapando poco a poco haciéndonos partícipes de su gran belleza musical, mientras Helen hace lo suyo y comparte protagonismo con Daddy G (Massive Attack) en ‘Whishes’, pero, en esta mi undécima escucha del disco, la joya la he encontrado en ‘Wise’. Sencillamente es Alpha. Sergio Silva matmos [2] ■■■■ A Change To Cut Is A Change To Cure matador / everlasting

Matmos son, con Jega, la facción más experimental y electrónica del sello indie con mas tradición del planeta, Matador. El segundo trabajo de esta banda de San Francisco es uno de los mejores discos en lo que llevamos de año, y esto aunque tópico, es cierto. Con una iconografía referente al bisturí, el disco esta dedicado a sus propio padres que ejercían de doctores (es de suponer que de cirujanos), el sonido escabroso y cortante se me antoja ideal para la sala de curas del médico del Joker. Entre los bucles de Mouse On Mars, las frecuencias rebuscadas de Pauline Oliveros, y la marcha del gamberro de moda Kid 606, Matmos son lo más cercano a la electrónica europea que ha salido de los USA en los últimos tiempos. Desasosegante, cortante, macabro, genial y, por momentos, bailable, para escuchar tranquilamente sentado, o nervioso y de pie. Entre un síncope de corazón y un espasmo de pulmón, el corte es la solución. Jaime Casas naïve / auvidis Álbum de debut de estos estadounidenses que ya habían publicado canciones sueltas en recopilatorios de música de pasarela en su anterior encarnación como Oversoul 7. Su formación multicultural evidencia que lo suyo es el mestizaje, pero un mestizaje de diseño que se apunta a las nuevas tecnologías (bonita página web), a la moda (que buen gusto el suyo) y a cualquier otro concepto que esté en boca de los gurús de nuestra era. Se nota que estos yankees han prestado atención a las lecciones del trip-hop, el acid-jazz y el breakbeat impartidos desde las islas británicas, pero el caso es que sacan nota. La voz sensual de Geri Soriano destila historias de desamor con elegancia supina, mientras los tres programadores/músicos que la tutorean conjugan estudiado nihilisimo cool con optimismo poppy. ¿Nuevo? No. ¿Bueno? Sí. Carlos G. Vela VV.AA. [4] Defcom2

■■■■ ministry / metropol

No tiembles, no te asustes. No se trata de una crítica sobre la reedición de “El día de la bestia”, sino un doble compacto de las fiestas Defected que apadrina Ministry Of Sound. Adivina, adivinanza. ¿Qué se puede esperar de un álbum apadrinado por Ministry Of Sound? A buen seguro poco descanso para tus pies y mucha transpiración. Lo cierto es que Seamus Haji y Somkin’ Jo, los djs responsables de este doble de sesiones de Defected se lo montan a las mil maravillas para ofrecernos una descarga de house del de toda la vida, ese danzarín y cantarín que hace aflorar los juanetes los fines de semana. Entre los artistas invitados, Bob Sinclar, Loleatta Holloway, Jocelyn Brown… Así cualquiera, ¿no? Coque Palencia lowgold [4] Just Backward Of Square

■■■ nude / pias

Era de esperar que con el NME babeando por Granddady y los de su cuerda, no tardarían en aparecer su reverso británico en las islas. La cuestión es que Lowgold, el grupo que con tanto ahínco se están ocupando de promocionar nos ha vendido menos chicha que limoná, y “Just Backward Of Square” carece de la honestidad de la que hace la gente del otro lado del charco (símil barato ¿acaso llegó a triunfar como matador “el niño del sol naciente”?). Lo peor del caso, es que los han querido vender en paquete de doble lazo, y a su neo-english-country se añade el ya nauseabundo rollo del emo-britpop. Ya sabéis: escriben canciones tristes, son muy sanotes y educados y no se meten nada (vuelve Sid, vuelve). En fin, tan inocente como la tarta de arándanos de la grandma, lo que nos hace pensar, que quizá haya que ser británico, por todo el rollo de los Rolling y eso, para entender porque a alguien le puede gustar unos tan sólo correctos, imitadores de la música yanqui. C.P.


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http://www.youtube.com/watch?v=C0lYOQYTKVo&feature=share&list=PLo7ZIxuf58UOEbFeFz9sg9WHogUVIVmRM

http://youtu.be/bDYibOjyQrk

http://www.youtube.com/watch?v=1ImCocfO6DQ&feature=share&list=PLKgD6AdbE4YhiqVSX7559edtpbrDzFUpY&index=1

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turin brakes [7] The Optimist LP

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■■■■ source / virgin

A los 15 años Ollie Knights y Gale Paridjan fueron expulsados del coro de una Iglesia londinense y eso marcó su vida. Fue entonces cuando descubrieron el sabor de la cerveza mientras sus amigos jugaban al fútbol o se pasaban el día durmiendo. De esas noches de embriaguez surgió Turin Brakes. “The Optimist Lp” es el inicio del final de un largo y duro trayecto de estos jóvenes británicos que por fin han comprobado como las buenas canciones tarde o temprano acaban en los oídos del público. Seguro que en aquella parroquia se sorprenderían de lo bien que les ha ido a estos chicos que, sin embargo, no se pasaron al punk para descargar sus iras contra la sociedad sino que decidieron llorarla desde la belleza de las guitarras reverberadas, los arreglos de cuerda y el ambiente cool que les rodea. Felipe Palou MOGWAI [7] Rock Action

■■■■ southpawn / pias

“Young Team” no es el mejor disco de los noventa, pero a quien esto suscribe le produjo en su momento un impacto que se vería corregido y aumentado en los directos de esta banda escocesa con la que tan fácil es desmandarse con los adjetivos superlativos. Superada la pequeña decepción que supuso “Come On Die Young” (donde abundaban demasiado en las propias virtudes/limitaciones del tan traído y llevado post rock), “Rock Action” nos los devuelve en plenitud de facultades. El sonido de Mogwai finalmente ha logrado dar con el exacto equilibrio entre el lirismo (las emociones) y la contundencia (la pasión y la rabia) que andaban buscando, el logro final y definitivo que los catapulta a la división de los grandes donde siempre quisimos verlos. Desasosegantes, líricos e inmensos, los ocho temas de este álbum nos conducen directamente al corazón de las tinieblas de nuestra época convulsa y adormecida: así suena esta tragedia en la que siempre queda una puerta abierta hacia la salvación y la esperanza. Así suena tu cabeza cuando crees que duermes y en realidad estás soñando. Dave Fridman pone la épica y ellos la inteligencia. El resto corre de tu parte. Juan Sardá the orb [8] Cydonia

universal / so dens

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Reverdecido y laureado, Alex Paterson parece que haya llegado a aquel lugar donde pretendía cuando, junto a Jimmy Cauty, abrió las otras puertas de los ambientes electrónicos, y, a eso, llamarlo The Orb. “Cydonia” es el álbum que hace seis, y este es el número de discos que vaticinó Dr. Paterson que publicaría. Sea el final, o sea un nuevo principio, cada una de los cortes de este disco retiene porciones de las mejores momentos de esta banda. El pulso entre la búsqueda de líneas de fuga en la imaginación, y la sensación de nunca alcanzarlas, y que a pesar de todo quieras más. Vuelve a trenzar, entre dub y drum’n’bass, el mejor ambient, que solventa el ostracismo a base de originalidad, y el sonido lisérgico que los definió desde un principio. El sonido de chill-out del nuevo milenio todavía tiene que aprender mucho de aquellos que, hace mas de un lustro, se inventaron esa palabra, que es muy útil para todo aquellos que busquen cápsulas de descompresión. Jaime Casas pole [9]

por Oriol Rossell

[9]

■■■ kiss fm / pias

Stefan Betke, que ostenta la dirección artística del sello de moda entre los popes de la electrónica europea, Scape, sigue en sus quince de racionalizar y desintoxicar lo que un día se llamo Dub. Pole traza una línea que sigue la dirección contraria a la que tomo Maurizio en su momento, y que ahora la reivindica hasta el más inimaginable. Betke llega a techno por el dub, o al minimalismo por vaya usted a saber. El caso es que la tercera entrega de esta letanía de colores básicos (el rojo y el azul fueron las anteriores y esta vez es el amarillo) descarga el arsenal de sutilezas que no dejan indiferente a cualquiera con un mínimo de sensibilidad. “3” es más repetitivo que los anteriores, y a la vez más ameno, ¿cómo se consigue llevar a buen puerto semejante paradoja? Buscando la melodía en los ritmos monótonos, y estirando la textura hasta que se aferre al dinamismo lento y sincopado. De Lee Perry al minimalismo de Steve Reich o Charlemagne Palestine, del postrock a el techno. Pole lo tiene todo a favor. Jaime Casas

Desde que el 28 de junio de 1993 la policía neoyorquina encontró su cadáver en un callejón –sobredosis de heroína–, la leyenda que ya en vida rodeó a Kevin Martin Allin, más conocido como GG Allin, no ha dejado de crecer. «Mi mente es un revólver, mi cuerpo las balas y el público mi objetivo», escribía Allin en su manifiesto “Rock’n’Roll Terrorist”. Una máxima que aplicó a rajatabla a lo largo de quince años de altercados, agresiones y arrestos; más que una carrera artística, una guerra abierta contra todo y contra todos. Secundado por cualquiera de las bandas que le cubrieron las espaldas en disco y en directo –AIDS Brigade, Texas Nazis, The Murder Junkies, Scumfucs, Drug Whores, Street Sluts y un largo, inacabable etcétera–, GG Allin escenificó noche tras noche su visceral, descarnada venganza ante un mundo capaz de generar detritos humanos como él para luego repudiarlos. En sus shows, la según sus propias palabras “Más Alta Autoridad del Rock’n’Roll” se autolesionaba repetidamente; increpaba y golpeaba a los espectadores; defecaba para a continuación engullir sus propias heces; e incluso hay noticias de intentos de violación in situ. Un espectáculo terminal cuya notoriedad nunca superó las barreras del underground por dos razones: una, obvia, porque el mainstream nunca daría cabida a algo similar. Otra, porque aquéllo nunca fue del todo un espectáculo. Quienes le conocieron –y le sufrieron– no se cansan de afirmar que GG era for real. No había truco. No había apología de una estética violenta. GG Allin ERA la violencia. El odio indiscriminado. Un proyectil de carne y vísceras que se alimentaba de la repulsión que generaba. «Tu asco es mi energía», solía repetir. Pero con lo que no contó GG Allin, cuyo objetivo último fue abortado por una interferencia caballar –había prometido suicidarse en directo, a la manera de Darby Crash–, es que esa rabia que supo producir se convirtió, muerto el perro, en uno de los negocios más fructíferos del punk moderno. Camisetas, postales, vídeos, discos, libros, webs, fanzines… GG Allin, al que nadie pudo amansar en vida, ha acabado domado por un sistema iconográfico donde todo, absolutamente todo –y eso lo incluye tanto a él como a Charles Manson o Adolf Hitler–, es susceptible de convertirse en mercancía vendible. Hoy, el recuerdo de GG Allin es el reverso más oscuro y salvaje, más “auténtico”, de ese “mal” que Marilyn Manson vende a granel en la MTV. Y ahí radica lo más terrible del asunto: que encima seamos tan ingenuos que nos creamos que cuando compramos un disco como “Brutality & Blodshed for All” estamos haciendo algo “incorrecto”, fuera del orden establecido. Que nos sintamos bien por tragar con la maniobra más perversa de cuantas nos comemos a diario sin chistar.


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Katie Holmes

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Lo único realmente bueno de esa lastimosa serie llamada “Dawson crece” http://youtu.be/ntxG68WJzuA era esta morenita tremenda, que llevaba por el camino de la amargura al gilipollas del protagonista, lo cual no hacía más que acrecentar el cariño que sentíamos por ella. Su fascinante recreación de lolita con pedigrí y aficiones literarias en “The Wonder Boys” fue de las que hacen época, pero lo de este año será aún mejor. De momento ya circulan por internet algunas fotos en que Katie muestra sus encantos, pero los veremos mejor en “The Gift” de Sam Raimi, donde se marca un desnudo de cintura para arriba en su papel de Jessica King, dos sobradas razones dirán algunos, para que en la película caiga en las zarpas de un secuestrador. No será esa su única interpretación este año, porque acto seguido vendrán “Phone Booth” (una especie de remake inconfeso de “La cabina”) y “Abandon”, otro proyecto de terror. Bueno, y aparte de eso, de salir en la última peli de los teleñecos y en “La tormenta de hielo” y de haber secuestrado a la señorita Tingle en la nefasta obra del mismo título, ¿qué más se puede decir? Pues que tiene 22 añitos (ya podéis cerrar la boca), sale con Chris Klein (el de “American Pie”) y que en su sencillez radica su encanto, porque, queridos amigos, ¿es verdad o no que esta chica no es la típica tía buena por la que giraríais la cabeza? Pues eso. T. G.

la chica de dawson… crece


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http://youtu.be/4dY2PwOxelY


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Dir: Guillermo del Toro

Están de moda las historias de fantasmas con niño de por medio. Y el mexicano Del Toro abandona momentáneamente la aventura americana (aquel “Mimic” en el que las cucarachas perseguían a la Sorvino y la sanguinolenta segunda parte de “Blade”) para rodar con el niño de “Secretos del corazón” un proyecto más personal en la España de nuestros abuelos. También cuenta con Eduardo Noriega (ese que se tira cubitos de hielo en el torso para oler bien), la estupenda Marisa Paredes y el imponente Federico Luppi, que ya protagonizaba “Cronos”, la interesante ópera prima del director. La cosa promete y habrá que verla si queremos hacer maliciosas comparaciones con el “Darkness” de Balagueró y “Los otros” de Amenábar.

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Eduardo Noriega


DEL DIABLO http://youtu.be/gnH7OC06xYA

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Johnny Depp

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Blow texto: Carlos G. Vela


Dir: Ted Demme

Otra que está que se sale es la jamona “Pinilopi Crus”, quién dispuesta a hacer las Américas, y después de hacerle carantoñas a Matt Damon y sus caballitos bellos, se mete de todo (hablo de drogas, claro) en este película que glosa la vida de un famoso camello (sigo hablando de drogas) y que se estrena al rebufo de la exitosa “Traffic”. Por cierto, que la Cruz le ha conseguido un papelito de narco a su colega Jordi Mollà para que no tenga envidia de Bardem y Banderas, pero el protagonista es el mismísimo Johnny Depp (que del tema sabe un rato) y a todos los dirige Ted Demme, quién, además de hermano de Jonathan, es el autor de la deliciosa “Beautiful Girls”. Probablemente, de lo mejor de la temporada. http://youtu.be/q8lGHQn_n9Y

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Penelope Cruz Cine_OFFmag


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Sarah Jessica Parker

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Julia Stiles

Esta película es la manera que tiene David Mamet de pedir disculpas a todos los que hemos sufrido su nefasto guión para “Hannibal” http://youtu.be/eHSYth2wSEk .

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Clark Gregg

Philip Seymour Hoffman

William H. Macy


Pues bien, disculpas aceptadas, porque estamos delante de una obra menor pero aun así digna del mejor Mamet. Un certero retrato del mundillo del cine, con toda su artillería pesada. Todos están realmente bien pero hace mucho tiempo que Sarah Jessica Parker y Willian H. Macy no tenían material tan bueno con el que trabajar, y eso se nota (y cómo) en todo el metraje. El autor se regala con infinidad de matices y situaciones dignas de una comedia de altos vuelos, con mención especial para Philip Seymour Hoffman, el actor más brillante que ha dado el cine americano en los últimos años, en un papel de guionista puteado que ya querrían para si muchos pesos pesados hollywoodienses. Por si alguien dudaba (a estas alturas) de que David Mamet es un magnífico director de actores, pues nada, que se acerque al cine y le eche un vistazo a esta peliculilla, que le da mil patadas al noventa por ciento de la cartelera, y sin despeinarse. T.G. http://youtu.be/f4XKh2E9Ybw

Alec Baldwin

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Dir: Gus Van Sant

DespuĂŠs de haber sido uno de los popes del cine independiente, Gus Van Sant ha dejado de lado aquellos tiempos aĂąorados por muchos y se ha adocenado, se ha vendido al vil metal.

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Descubriendo a Forrester http://youtu.be/OjO0QVuZcE8

Anna Paquin


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En primer lugar dedicó su tiempo a aquel funcional invento del binomio Affleck-Damon titulado “El indomable Will Hunting”, después copió plano a plano la excelsa “Psicosis” del MAESTRO Hitchcock en un remake deleznable y ahora vuelve dejarse de experimentos y a apostar sobre seguro. De nuevo un joven superdotado –ahora cambia las matemáticas por la literatura– procedente de las clases bajas que debe sacar el talento que tiene ayudado por un maestro. O sea, repetir la fórmula, sólo que en esta ocasión se trata de un traje cortado a medida del sensacional Sean Connery –sin duda lo mejor del filme– dando vida a un trasunto de Salinger, el autor de “El guardian entre el centeno”. Él es la razón de ser de la película: sin él esto no pasaría de ser un telefilme de tercera donde si en vez de firmar Van Sant, firmara Richard B.Colla o Norman Jewison, pocos cambios habría. Una auténtica pena. Blai Morell

Rob Brown

Sean Connery Michael Pitt


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Vincent Cassel

Los Ríos de Color Púrpura 158 -

El “enfant terrible” del cine francés se nos ha apaciguado. Tras sendos puñetazos al estómago como “El odio” http://youtu.be/cnxMKWezMOM y “Asesino(s)” http://youtu.be/JfJZ-8PiFP4 , Mathieu Kassovitz se da (y nos da, gracias al Cielo) un respiro y nos regala un thriller de absoluta vocación comercial.

Dir: Mathieu Kassovitz


Y utilizo el verbo regalar quizá condicionado por la visión del film, enmarcada en pleno festival de Donostia, cuna de sesudos analistas que sólo parecen entusiasmarse con deprimentes historias situadas en la Europa del Este o relatos de pretendida modernidad oriental. Cómo se agradece, en tal contexto, disfrutar de una película como esta, con tan claras directrices. ¿Objetivo? Competir con idénticas armas contra el todopoderoso thriller americano. ¿Referentes? Los que han marcado al género en la última década: “El silencio de los corderos” y, sobre todo, “Seven”. ¿Virtudes? Su falta de pretensiones, el endemoniado pulso narrativo que imprime Kassovitz a la trama y, por supuesto, la química de sus protagonistas. El hierático Jean Reno y el entusiasta Vincent Cassel componen la perfecta pareja poli experimentado de vuelta de todo versus impetuoso agente con propensión a meterse en mil y un líos. ¿Resultado? Dos horas de puro entretenimiento. Y eso es mucho. Àlex Montoya. Sr. Montoya, sabe que lo aprecio en cantidades industriales pero con esta película se ha dejado llevar por la imagen sin sentido y la digestión agradecida. “Los ríos de color púrpura” demuestra que la basura cinematográfica no tiene fronteras y que el cine francés, ese adalid del intelectualismo y el “cinéma d’auteur”, ha perdido los papeles en su carrera competitiva con el cine americano. A los franceses les encanta presumir de que tienen un cine muy grande pero lo triste es que se pongan a competir con el Gran Hermano en términos de mediocridad y tontería. La película bebe, o plagia directamente, elementos de grandes thrillers americanos, ellos sí saben hacerlos, como los que usted ha nombrado, pero sin la menor atmósfera, sentido del ritmo o estilo visual. Kassovitz, que prometía mucho con su ópera prima, se dedica a mover la cámara como un poseso a partir de un guión de tres al cuarto que tiene un final francamente ridículo. El resultado es una cinta aburrida, acelerada, de diálogos sonrojantes e interpretaciones neutras. Realmente mala, Sr. Montoya. Juan Pablo Beas http://youtu.be/nRCg5KuYtTU

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Jean Reno


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El otro día, en las sesiones de cine Ambigú en Apolo, vi una película de legionarios musculosos, sudorosos y sin camiseta que curiosamente no era: a) Una mariconada. b) Dramática. c) Psicológica. d) Documental. e) Nada de nada.

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Beau Travail http://youtu.be/u65lNJP5yik


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Dir: Claire Denis Era “Beau travail”, de Claire Denis, una cineasta francesa que fue ayudante de dirección de Wim Wenders en “Cielo sobre Berlín” y de Jim Jarmusch en “Down By Law”, y que ya lleva diez años dirigiendo películas, entre ellas un documental sobre Jacques Rivette y un drama con música de Tindersticks, “Nénette et Boni”. No he tenido ocasión de ver ninguna de sus obras anteriores, pero ésta es, ciertamente, curiosísima. Basada en “Billy Budd” de Melville, “Beau travail” está ambientada en un cuartel de la Legión Extranjera francesa situado en algún lugar indeterminado de África, y se centra en la relación entre un suboficial y un joven soldado (Denis Levant y Grégoire Colin). La evidente tensión entre ambos, que a ratos parece de naturaleza homoerótica, tiene su raíz en la rivalidad. Pero resulta ambigua y desconcertante, como en general toda la película. Y es que, en vez de decantarse por el drama descarnado o la introspección psicológica, Danes escoge otro camino. Como narradora, pasa al lado del conflicto, no lo encara directamente. Su estilo es realista, naturalista, pero rechaza la dramaturgia convencional. Prefiere recrearse en el entrenamiento de los soldados, en su rutina diaria, con una fascinación por los rituales masculinos que haría palidecer de envidia al mismísimo Calvin Klein. De hecho, si algún día le diera por diseñar ropa militar, Klein debería llamar a Danes para filmar los spots. Y aún así, a pesar de la generosa exhibición de carne joven y deseable, a pesar de que no tener el detalle de escoger un solo legionario feo, su cámara tampoco es exactamente morbosa: al contrario que, por ejemplo, Derek Jarman en “Sebastiane”, ella no inserta planos detalle. Por eso, aunque esté fatal caer en estos estereotipos, podríamos decir que “Beau travail” es una mirada femenina sobre un universo masculino. Aunque para algunos será una marcianada, sin más. Pero los que estén hartos de que les cuenten las cosas siempre igual, deberían verla. Si a algún distribuidor se le ocurre estrenarla… Óscar del Pozo

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La Tira

Juanjo Sรกez

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por Juanjo “el niño salvaje”


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La Abeja Maya por J.M. Bejarano

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Acclaim. Plataforma: Game Boy Color. www.nintendo.es/clubnint/menjuego.htm

Ya está aquí la primavera y si no que se lo digan a los bichitos del bosque. Una a la que no hay que explicarle muchos detalles atmosféricos es a Maya, aquella abeja que tantas tardes nos acompañó cuando sólo había dos cadenas de televisión y el pan con nocilla sabía a gloria bendita. Aunque Nintendo prepara el desembarco de la Game Boy Advanced (un juguetito que superará ampliamente a la Game Boy Color sin aumentar excesivamente tamaño y precio) siguen apareciendo joyas para la GB original como esta aventura donde Willy es secuestrado por unos malvados avispones. La abeja Maya en compañía de Flip, Puck, Tekla y una oportuna capacidad para lanzar bolas de polen paralizante nos hará pasar buenos ratos, dale que te pego, en un país multicolor. Hombre, no es para tirar cohetes; pero nadie le va a negar el encanto y la diversión a esta vieja amiga que dado el tamaño del hardware, podrá acompañarte al fin del mundo a partir de ahora.

http://youtu.be/ci6JEFRegXY


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by Praeclaris

http://youtu.be/VmUhFfqtsYQ

Sony. Plataforma: PS One. www.es.scee.com

Coincidiendo con el noveno capítulo de la saga “Final Fantasy”, aparece este otro juego de rol, circunstancia en la que tal vez encuentre “The Legend of Dragoon” cierto freno a un más que previsible éxito masivo. Es lo que ocurre con los azares del mercado y los caprichos del público, porque esta aventura tiene poco que envidiar a la que tanto dinero aporta a las arcas de Square. “The Legend…” aparenta ser una superproducción, Sony ha invertido pasta gansa en darle empaque visual a una historia algo aburrida al principio (vamos por el tercero de los cuatro CDs del juego y el primero se lo podían haber ahorrado) y según parece han trabajado más de 100 desarrolladores para conseguir que “The Legend of Dragoon” comparta pole position con la novena “Final Fantasy”; no va a ser fácil porque carece de la libertad de movimientos que aporta el mítico juego de Square, su sistema de luchas es algo más complicado y las magias tardan demasiado en salir.

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The Legend of Dragon por J.M. Bejarano


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Blade, The Edge of Darknes por J.M. Bejarano


Friendware. Plataforma: PC. www.friendware.com Que un videojuego tarde cuatro años en salir no es normal ni aconsejable para los desarrolladores del propio juego. En una industria como la del ocio electrónico las cosas cambian tanto en cuestión de meses que lo que hoy es novedoso y rompedor, en poco tiempo se ve cubierto de telarañas.

Por eso tiene mérito que “Blade…” haya dejado boquiabiertos a cuantos hemos podido hincarle el diente, porque cuatro años después los chicos de Rebel Act muestran una tecnología superior a todo lo antes visto: realismo en los escenarios, con sus luces de antorchas, hogueras y ventanales; sombras que proyectan cuerpos y objetos; interacción con el entorno; buena banda sonora… no falta absolutamente nada para concederle la etiqueta de obra maestra. Vaya pedazo de motor gráfico, señores. Y para alegría de los que gusten de hacer patria está íntegramente creado y desarrollado en España. Lamentablemente, la trama es tan plana como el mismísimo Castellón. http://youtu.be/CK_V1yjplE8

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libros_OFFmag LAS COSAS DEL CHINGAR Animal tropical, Pedro J. Gutiérrez destino

A estas alturas, y tras tres trabajos publicados en España, ya podemos afirmar sin más eufemismos ni divagaciones que lo de Gutiérrez es joder. Joder físicamente y en todas las posturas, y joder literariamente, forma sin duda menos placentera pero igualmente gratificante. En esta nueva narración sobre sus aventuras sexuales, el autor repite fórmula: llevar el estilo directo hasta sus últimas consecuencias, y utilizar el material vivido con una honestidad obscena (por la que el propio Gutiérrez pide, a su zumbona e irónica manera, excusas). De este modo se nos redescubre el ser primario y básico que todos llevábamos dentro, ese instinto de supervivencia que aflora en situaciones extremas como las que se viven en su isla de Cuba. Así, entre polvo y polvo, quedan los lodos de una manera de entender la literatura como ejercicio vital y removedor de vísceras, dejando en evidencia a toda esa pléyade de pisaverdes y diletantes que suelen ocupar los escaparates de nuestras librerías. Para leer y echar un cigarrito después. Coque Palencia

UNA HISTORIA DE EX Discothèque, Félix Romeo.

anagrama Ex boxeadores, ex escritoras de novelas románticas, ex combatientes de la Guerra de Ifni… Gente que fue y que ahora no son más que supervivientes. Estos son los protagonistas de “Discothèque”, un libro en el que lo que menos importa es la trama, porque es el tiempo el que se lleva la palma mediante un sinfín de recuerdos llenos de melancolía y de lo que pudo haber sido y no fue. La excusa para mostrar toda esta sordidez de raigambre ibérica, con decorados en forma de garitos de carretera y mostosos sex shops, es la pérdida de una partida de cartas en la que un padre se juega la vida de su hijo. Quizás el único defecto de la segunda novela del director del programa televisivo “La Mandrágora” sea el exceso de personajes secundarios, lo que no afecta a la calidad de su prosa pero sí a la paciencia del lector. Federico Navarro

I’m your fan. Una noche con Sabrina Love, Pedro Mairal

anagrama Daniel Montero tiene 17 años y vive en Curuguazú. Cada noche mira el show de la porno star Sabrina Love, que emite la televisión por cable, de la que disfruta tras manipular la instalación vecinal y comprarle al gordo Carboni un aparato con conversor, que robó a la hora de la siesta al cura de su localidad «sin que lo viera ni Dios». Un día gana con el nº 2756 el sorteo para pasar una noche con Sabrina en el Hotel Keops de Buenos Aires. Nervioso, pero dispuesto a perder la virginidad “con mujer”, y a gozar en privado y gratis de los encantos por los que más de un mortal pagaría, recorre quinientos kilómetros en balsa, camión, auto y colectivo, y, tras diversas experiencias con quienes se cruzan en su camino en este viaje iniciático, en que conoce el miedo y el riesgo, y siente por primera vez la necesidad de enfrentarse a ellos, consigue llegar a la capital, debutar, y perder definitivamente la inocencia. Estela Secas EL TEXTO DEL CUERPO O EL CUERPO DEL texto Poesía completa, Alejandra Pizarnik. lumen

Según Borges, la poesía es la experiencia estética, que no requiere ser definida. «{…} Hay una hora de la tarde en que la llanura está por decir algo; nunca lo dice o tal vez lo dice infinitamente y no lo entendemos, o lo entendemos pero es intraducible como una música… {…}». Y así nos la hace sentir Alejandra Pizarnik (Buenos Aires, 1936-72), con una intensidad casi siempre demoledora. En su obra poética, publicada ahora por primera vez en España con una cuidada edición a cargo de Ana Becciu, la fisicidad de la palabra y la palabra del cuerpo ilustran una hipóstasis que se intuye pero no se nombra. Allí, la belleza y el horror se funden y desgarran, revelándose como un cuerpo poético que duele y conmueve. Es casi imposible permanecer indiferentes a ese tono tanático-erótico. Y la extraña perturbación se magnifica al saber que se suicidó, y que ni siquiera el afecto de Julio Cortázar, Octavio Paz y Olga Orozco pudo disuadirla. Próximamente, tras este tremendo y afilado regalo, prosa y diarios completos. Gustavo Crespo

EL AMOR ES MUCHO LÍO De qué va eso del amor, Yolanda Gª Serrano-Verónica Fernández destino

Una guionista de cine odia a su ex-novio actor que es un capullo integral. Ella viaja a Cuba para olvidar, no lo logra y acaba escribiéndole pero quién responde haciéndose pasar por el cretino es uno de los nuevos inquilinos de la casa en la que él vivía. A partir de aquí todo se enreda hasta extremos que la OMS seguro que desaconseja. Algunos ejemplos: una madre viuda que descubre su madurez lésbica, un hermano atracador de bancos, un padre suicida, idas y vueltas a la isla, amores, desamores y cambios de carácter. Total, una alocada novela escrita a cuatro manos sobre la mucha prisa que se da el amor para confundirlo y liarlo todo, todito, y lo maravillosa que es La Habana, el resto de la isla y el pueblo cubano. Esta acelerada colección de cartas, notas y conversaciones telefónicas (¡ni un solo e-mail!) ha obtenido el Premio Destino-Guión 2001 a la novela más cinematográfica y puede pasar perfectamente por una película de Manuel Gómez Pereira, de no ser porque este director nos tiene muy bien acostumbrados a argumentos menos tronados y con más sustancia. Quim Pérez


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