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nº 4 mayo ´00

ex top model


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.008 .010 .014 .020 .024 .028 .032 .036 .040 .044 .056 .060 .064 .067 .072 .076 .082 .086 .092 .104 .106 .112 .114 .118 .122 .124 .126 .130 .132 .136 .145 .145 .148 .148 .151 .155 .158 .168 .173 .173 .177 .148 .184 .187 .188

News Portada: Diosas Caídas Claudia Schiffer Naomi Campbell Cindy Crawford Nadja Auermann Christy Turlington Elle Macpherson kate Moss Tyra Banks Jonathan Rhys Meyers Jessica Lange Anthony Hopkins cine: Titus cine: Scream_3 Sofia Coppola Kirsten Dunst josh hartnett cine: Las Vírgenes Suicidas música: LTJ Bukem música: Chilly Gonzales música: Saint Etienne Julia Roberts cine: Terin_Brockovich Bruce Willis Michelle Pfeiffer cine: Historia de lo Nuestro Ben Affleck cine: El Informador cine: Misión a Marte cine: Yo yo Misma cine: Elmo en el País de los Gruñones Ewan McGregor cine: Ojos que te Acechan críticas de discos Teatro: Cesc Gelabert Arte: Miradas Impúdicas _Larry Sultán música: Bailando, Bailando Tira: Juanjo Sáez Humor: Gonzalo del Castillo Moda: Natzeska Studio Internet: Vota Tarifa plana cine: Fiebre Amarlla Criticas Videojuegos: Crazy Taxi, Readt 2 Rumble, Final Fantasy VIII libros. críticas

Editor: José Manuel Bejarano_ Director: Isidre Estévez_ Editor gráfico y maquetación: Óscar ferrer_ Jefe de Redacción_ Rubén Romero._ Redacción: Jordi Muro_ Sílvia Micolau_ Colaboradores: Adrián de Alfonso_ Albert Duat_ Antonio Baños_ Boko_ Carles Riu_ Chabela Díaz _ Christian Barranco_ Cristian Campos_ Cristina Ros_ Desirée de Fez_ El Negociador_ Federico Navarro_ Ferran Llauradó_ Gonzalo del Castillo_ Guido Reyna_ Guillem Clua_ Half Nelson_ Íñigo M. Möller_ Iban del Campo_ Iván Caparrós_ José Sánchez_ Laura Folguera _ Laura Sales_ Luis Escudero_ Marc Prades_ Marc Piñol_ Matías Corea_ Marga Durá_ Noemí Zapata_ Oriol Rossell_ Óscar del Pozo_ Quim Pérez_ Ramón Vendrell_ Rubén Mayoral_ Rubén Romero_ Salvador Santó_ Sebastià Roig_ Valentín Roma_ Vicenç Batalla_ Xavi Ayén_ Fotografía: Ángela Bonadiés_ Anna Ripoll_ Biel Capllonch_ Cès DeVilallonga_ Corinne Day_ Daniel Riera_ Darius Dombek_ Jack Ristol_ José Manuel Bejarano_ Jack Ristol_ Julian Broad_ Julio Garcia_ Marc Goodwin_ Misha Kominek_ Nacho Juárez_ Onofre Bachiller_ Natalia_ Nico_ Simbolek_ Tristan Macherel_ Udo Hess_ Xevi Muntané_ Ilustración: Bernat Lliteras_ Berto Martínez_ J. Carrasco_ Jordi Ferrera_ Juanjo Sáez_ Informática: David Portillo_ agradecimientos: Rubén Bruque _Montserrat Fernández de Arroyabe _ Lali Almonacid_Mati Barbero_Isa Isla_Carmen Frutos_ Marc Salinas_ Misha Kominek_ Toni López_ Susana Baldó_ e-mail: magazineoff@gmail.com http://offmag.blogspot.com.es/ http://www.facebook.com/OFFmagazine www.issuu.com/ OFFmag https://twitter.com/offmagacine http://pinterest.com/offmagazine/ http://oscarferrer.tumblr.com/ https://vimeo.com/user9175933 http://www.youtube.com/user/OFFmagazineVIDEOS?feature=mhee

Elle M acpherson en la foto


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Vuelve el circo electrónico

Los peluqueros, tatuadores, y perforadores están que no dan abasto. Del 15 al 17 de junio tendrá lugar la 7ª edición del Festival Internacional de Músicas Avanzadas y Arte Multimedia, el Sónar, y todo el mundo quiere estar guapo para la ocasión. Durante estos siete años el Sónar se ha consagrado como una cita ineludible para la modernidad barcelonesa, que con la excusa de la música electrónica se reúne para departir y exhibirse sin recato. Aparte del desfile de dreadlocks, piercings, tatuajes y demás muestras de buen rollito los interesados por la parte musical, que a fin de cuentas es de lo que va todo esto, podrán disfrutar con las joviales Chicks on Speed, el mítico Marc Almond, los utópicos Gentle People, los tenebrosos Death in Vegas, los infalibles Richie Hawtin y Jeff Mills… Lo mejorcito de la escena electrónica se pasará por Barcelona durante esos días. Lo del arte multimedia viene sobre todo por los espacios Sonarmática (dedicado en esta ocasión a los artistas berlineses) y Sonarcinema (con una amplia selección de vídeos experimentales y musicales). Para los más culturetas hay programadas mesas redondas y conferencias sesudas. Con una actividad tan febril deberéis emplearos a fondo o compraros ingentes porciones de ubicuidad. Quedáis advertidos. Felipe Gómez

La feria de la viñeta

Sí bueno, ya lo sabemos, el mundo del cómic está aquejado de una grave enfermedad conocida como la “crisis del cómic”, pandemia que también afecta al teatro, al cine español, al diseño y a la publicidad. Pero, lo que son las cosas, a uno le da la impresión de que hay mucha plañidera contratada por agencias de trabajo temporal, porque de otro modo no se explica lo que sucede en Barcelona anualmente. Los aficionados al octavo arte acuden en masa y puntualmente a su cita con el Saló Internacional del Còmic. Razones no les faltan. Para este año tienen preparadas varias exposiciones, entre las que destaca la dedicada a ese icono de pijas que es Snoopy en su cincuenta aniversario (tristemente de actualidad por la reciente muerte de su creador Charles Schulz) y la que homenajea al cómic de superhéroes. El certamen también servirá para que los fans se encuentren con sus autores favoritos y para que las editoriales presenten sus últimas novedades. Viendo el éxito de pasadas ediciones, sospechamos que la patología por la que agoniza el cómic debe ser la misma que la de “El enfermo imaginario” de Molière. F. G. Del 4 al 7 de mayo en la Estació de França de Barcelona

Freestyle ‘00: música moderna y punto

La intelligentzia electrónica de Terrassa, que ha dado al mundo ejemplos de constancia y voluntad como el Exòtica Club, no ceja en su afán de tonificar el músculo de la vanguardia en el Vallès. Del 4 al 13 de mayo tendrá lugar el II Festival de Música Moderna Freestyle, que este año ofrece un programa multidisciplinar y mucho más ambicioso que en su primera edición. Se abre el fuego el día 4 con la muestra de arte digital Perifèrics en el Museu de la Ciència i de la Tècnica de Catalunya, pero será del 11 al 13 cuando se concentren las actividades musicales. En la Nova Jazz Cava de Terrassa comparecerán el jueves 11 la Álex Martin Ensemble, Raèo y Dj T.I.K.; el viernes 12, prometedora velada de hip hop con Ari, La Mala Rodríguez, El Payo Malo y El Hábil y Suave Griffi; el sábado 12 afrobeat de Tony Allen Quintet, que actuará acompañado de Dj L., seguido de Mastretta y Txarly Brown. Las sesiones de clubbing tendrán lugar el día 12 en la discoteca Star Winds –con Alaska, Reche, Vanguard y Mayte S– y el sábado 13 en Fórum –Krust (Bristol), Pacou (Berlín) y John Landis Fans (Zaragoza)–. En la Plaça Vella de Terrassa, el día 13 habrá una fiesta con feria skate y la entrega del segundo concurso de música electrónica Self/Exòtica Club. El bono para asistir a todos los conciertos sale por 5.900 pesetillas. Info: Tel. 93 786 11 12. Boris Rimbau

Bodega Bohemia, vertedero de amor

Lo de que el arte es subjetivo y depende del receptor y tal, pues es verdad, pero sinceramente: ¿alguien es capaz de emocionarse con una película de Ed Wood? En circunstancias extremas, el disfrute depende de otras cosas. Por ejemplo, no creo que nadie pueda emocionarse oyendo cantar a Carmen de Mairena; sin embargo, no es difícil emocionarse con la ENTREGA escénica de Carmen de Mairena. Lo mismo se podría decir de Gilda Love, o de Mario del Valle, o de cualquiera de los artistas que protagonizan “Yo soy así”, el excelente documental de la holandesa Sonia Herman Dolz sobre los últimos días de La Bodega Bohemia, emblemático café-teatro del Raval barcelonés. El documental pudo verse en exclusiva en una sesión de CineAmbigú, el ciclo alternativo organizado por el colectivo 100.000 retinas en la sala Apolo. ¿Una holandesa dirigiendo esto? Pues sí, y con producción enteramente holandesa, aunque está íntegramente hablada en castellano. Lo mejor es que más allá del documento antropológico sobre travestidos y cantantes de tercera, lo de Sonia es una apología del arte como refugio de la vida, que, no nos engañemos, es un asco. Por eso, “Yo soy así” no está lejos del “Ed Wood” de Tim Burton. ¡Qué alguien lo estrene, YA! Óscar del Pozo

El tiempo es oro… y acero

En su afán por dotar de personalidad y carisma a su nuevo reloj de pulsera para mujer, bautizado como Alter Ego, la exclusiva firma suiza Tag Heuer ha tenido la idea de contratar al cotizadísimo fotógrafo Peter Lindbergh para realizar los retratos de las cinco embajadoras que dan empaque a la imagen del reloj. Ellas son nada menos que tres campeonas deportivas internacionales (Marion Jones, Franziska van Almsick y Monica Seles ) y dos actrices de campanillas (Kristin Scott Thomas y Helena Bonham Carter). El resultado es una serie de fotografías en blanco y negro que manifiestan el gran talento de Lindbergh para captar la fuerza y la feminidad. Una apuesta sin duda costosa para lanzar un reloj deportivo exclusivamente diseñado para mujer, un concepto que rompe con lo habitual en el segmento, donde los modelos femeninos no suelen ser más que adaptaciones de los masculinos. El Alter Ego está disponible en versiones de acero pulido, acero satinado o acero pulido combinado con oro. Como todos los relojes Tag Heuer, la esfera va protegida con un cristal de zafiro convexo e incorpora agujas e índices luminosos, mantiene la estanqueidad hasta los 200 m, y el fondo va atornillado con seis tornillos. Jack Costa


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Diosas_ caĂ­das...


Claudia, Cindy, Naomí, Nadja, Elle, Kate, Christy, Tira… Mientras las top-models de los 90 siguen viviendo a costa de sus nombres, la nueva generación de modelos recibe el 2000 con un común denominador: el anonimato. Eran las top-models, lo más de lo más, el reclamo más efectivo. Un desfile no era lo mismo sin su presencia. Cada una de ellas representaba un determinado tipo de belleza.


Diosas_ caĂ­das...


Diosas_ ca铆das...

Claudia, una combinaci贸n perfecta


entre inocencia y sensualidad.


Diosas_ caĂ­das...


Diosas_ caĂ­das...


Diosas_ caĂ­das...


Naomí, un catálogo de curvas.


Diosas_ caĂ­das...


Diosas_ caĂ­das...


Cindy, el sue単o americano.


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Diosas_ caĂ­das...


Nadja, las piernas.


Diosas_ caĂ­das...


Diosas_ caĂ­das...

Christy, la belleza.


Diosas_ caĂ­das...


Diosas_ caĂ­das...

Elle, el cuerpo.


Diosas_ caĂ­das...


Diosas_ caĂ­das...

Kate, el anti-cuerpo.


Diosas_ caĂ­das...


Diosas_ caĂ­das...

Tyra, la felina


Diosas_ caĂ­das...


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las tops, desactivadas


Diosas_ caídas... texto. Cristina Ros

Durante un tiempo fueron las reinas, no sólo de las revistas de moda, sino de gran parte de las publicaciones. Sus cuerpos aparecían untados por todo tipo de productos cosméticos y sus excentricidades constituían el mejor anzuelo para la prensa del corazón. Incluso llegaron a inmiscuirse en nuestra alimentación. Mientras el resto de los mortales llenábamos nuestras barrigas con sus hamburguesas, ellas abastecían sus bolsillos con nuestros billetes. Poco a poco, fueron abandonando las pasarelas para centrarse en rentabilizar la popularidad que habían adquirido gracias a éstas. Y así, hoy en día, su imagen sigue presente a través de vídeos para estar en forma, anuncios de coches y películas que dejan mucho que desear.


El mundo de la moda pide caras nuevas, y éstas no han tardado en llegar. Sin embargo, el cambio no parece limitarse a un mero relevo de chicas, sino a una actitud global. Con la excepción de casos como los de Laetitia Casta o Esther Cañadas, cuya fama se extiende más allá de los círculos de la moda, las principales modelos del momento (Carmen Kass, Fernanda Tavares , Gisele, …) no son tan conocidas a nivel popular como en su día lo fueron sus antecesoras. Actualmente, el anonimato se revela como un valor en alza. Francina Díaz, propietaria de la agencia de modelos de Barcelona que lleva su nombre, lo confirma: «Las modelos ya no son estrellas. Prefieren ser conocidas por su trabajo que por cualquier otra cosa ajena a su profesión».


Diosas_ caĂ­das...


.La decadencia del fenómeno top-model Si se busca la palabra top-model en Internet, al lado de nombres como Cindy Crawford o Claudia Schiffer, aparecen otros como Cameron Díaz y Sandra Bullock. Da la impresión que el término top-model se asocia a tía-buena-famosa, independientemente de su profesión. «A menudo, los anuncios de relax de los periódicos utilizan esta palabra como cebo. El caso está en manos de abogados», añade Francina, miembro de una pintoresca asociación que lucha para que el concepto top-model se utilice con propiedad. La banalización que se ha hecho de este término desde que alguien lo inventó, apunta como una de las principales razones que explicarían el rechazo actual que los profesionales del sector sienten por el fenómeno top-model. Otro de los motivos por los cuales se ha llegado a esta situación nos lo explica Markus Schenkenberg, uno de los primeros top-models masculinos: «Es un tema que se ha explotado demasiado, hasta el punto de llegar a cansar». En este mismo sentido se expresa el fotógrafo Miquel Arnal, quien considera que «el fenómeno top-model ha sido exagerado. Lo que pasa ahora es que las cosas están volviendo a su sitio». La saturación parece haber afectado al propio Markus. Siguiendo el legado de las que fueron sus compañeras femeninas, el testosterónico modelo ha orientado su carrera hacia otras disciplinas: «Ahora estoy centrado en el cine. He intervenido con pequeños papeles en diversas producciones y estoy preparándome en una escuela de interpretación…También he empezado a cantar. Mi agente está manteniendo conversaciones con dos importantes compañías discográficas para lanzar mi primer disco». Avisaditos estáis. Dicen los sociólogos que las modelos están ocupando el lugar que anteriormente perteneció a las actrices. La idolatría ha llegado a tal punto que el sueño de la mayoría de las chicas –y de cada vez más chicos– es ser modelo. Por si fuera poco, los famoso también se han apuntado a ocupar las pasarelas. De ahí que parásitos como Carmen Janeiro, Rociíto y Lara Dibildos hayan desfilado en más de una ocasión. Pero no nos confundamos. Tal como dice Miquel Arnal, «las top-models son profesionales de nivel muy alto que se limitan a hacer el trabajo bien hecho. No se las pueda hacer responsables del funcionamiento de la industria de la moda».


.Diseñadores modelo Una de los anuncios que componen la última campaña de El Corte Inglés muestra las caras de aproximadamente una decena de diseñadores españoles. El eslogan centra su atención en la imagen de estos creadores de moda. No es un hecho aislado. La explosión de la modelo anónima ha coincidido con la revalorización del diseñador. La balanza entre el diseñador y la modelo parece estar más equilibrada que nunca, después de una época de total desproporción. «Sin duda, durante los últimos años, se ha prestado demasiada importancia a las modelos, pero lo mismo ha ocurrido con los futbolistas –afirma Ignacio Molina, director del departamento de comunicación y publicidad de la firma de ropa gallega Caramelo– Aún así, esta promoción también ha incidido en el reconocimiento del sector». Caramelo es una de las marcas que creó más expectación en la última edición de Moda Barcelona. La presentación de su colección tuvo lugar en el Gran Teatro del Liceo y contó con la pareja de moda (nunca mejor dicho): Esther Cañadas y Mark Vanderloo. Pero no es su condición de topmodels lo que, al parecer, llevó a los responsables de Caramelo a solicitar los servicios de este matrimonio. «Esther y Mark son dos profesionales del sector y como tales se les contrató», aclara Ignacio. La firma gallega conoce los peligros de trabajar con nombres tan conocidos: «La topmodel ya ha pasado a otro status, el de la fama, donde acostumbrados a verla representando muchas firmas, se pierde parte del concepto que intentas mostrar al público. La modelo debe representar la imagen que la firma quiere proyectar en cada temporada». Una opinión que coincide con la de Francina: «Antes, todos querían la misma, la que estaba de moda. Ahora, buscan una o dos para que den la imagen que quiere el diseñador». El boom top-model está en decadencia. Las modelos han cedido su protagonismo a la ropa. Esta circunstancia, aparentemente beneficiosa para el sector, tiene un claro perdedor: el/la modelo. Markus, sin embargo, se muestra optimista: «Los top-models no van a desaparecer por una razón muy simple: la pasión que muestra el público no se va a desvanecer, es una pasión que va a exigir nuevas estrellas». Es el pez que se muerde la cola. ¿Es el público quien solicita top-models o es la industria la que se encarga de ponerlos en el ojo del huracán? En cualquier caso, habrá que esperar un tiempo para determinar si el declive del fenómeno top-model es definitivo o, como suele ocurrir en este mundo, no es más que una moda.

Diosas_ caídas...


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Jonathan_ Rhys_Titus Meyers


Titus


Titus Jessica_

Lange


Titus


Titus Anthony_

Hopkins


Titus ■

neopeplum: el imperio contraataca

Otra_de_romanos

Si ha existido un género cinematográfico casposo y decadente por excelencia, ese ha sido el peplum (el cine “de romanos”, para entendernos). Galanes hipermusculados, actrices en decadencia, decorados de cartón piedra y un rigor histórico, digamos, relajado. “Titus” y “Gladiator”, megapeplums para el 2000, intentarán revitalizar el género.


texto .Cristian Campos fotos .Julian Broad

“Peplum” (toga, en latín) es el despectivo nombre con el que los ultraresabiados y amargadísimos críticos franceses de los años 50 bautizaron al cine de pretensiones más bien light ambientado en el mundo antiguo, o sea Grecia, Roma y el mundo de la Biblia. “Peplum” ha acabado siendo sin embargo sinónimo de “cine de romanos”, quizá porque las únicas películas que recuerda todo el mundo son “Ben-Hur” (William Wyler, 1959) y “Espartaco” –Stanley Kubrick (1960)–. Pensando un poco, y en plan culto, aparecen los nombres de Cecil B. DeMille –“Rey de Reyes”(1927); “El signo de la Cruz” (1932); “Sansón y Dalila” (1949); y “Los Diez Mandamientos”(1956), son sus películas más destacadas dentro del género–, Pasolini –casi siempre inaguantable, pero genial al parecer: “Medea”(1969), con la Callas; “El Evangelio según San Mateo” (1964), y “Edipo, el hijo de la Fortuna”(1967) – y Fellini –“Satyricon”(1969)–. Pero claro: ¿qué tiene que ver el peplum, ese subgénero marciano y vocacionalmente kitsch, con el cine de autor? A fin de cuentas, a Kubrick, Fellini y Pasolini sólo les dio por el cine de romanos cuando éste ya estaba en las últimas. Ironía lógica por otra parte: ¿qué mejor que descolgarse con reflexiones profundísimas sobre la decadencia del imperio romano en un momento en que el peplum agonizaba y nacía la ciencia ficción seria de “2001. Una odisea del espacio”? .Culpad a Italia La culpa de su muerte, como de muchas otras cosas en esta vida, es de los italianos. Empeñados en devolver al antiguo imperio algo de la gloria perdida, Mussolini y compañía crearon en los años 30 el Instituto Luce y los estudios Cinecittà, de donde saldrían algunas de las más descacharrantes películas de romanos que el mundo haya visto jamás. Descacharrantes sin pretenderlo, claro, por pedantes y por bobas. Y eso que fueron los italianos los primeros que, a principios de este siglo, adaptaron al cine los toga plays (dramas teatrales ambientados en la Roma antigua y basados en textos literarios que causaban furor a finales del siglo XIX). El despropósito iniciado por el fascio duró unos 30 años, justo lo que el público tardó en cansarse de las divas a lo Lyda Borelli y los productos pretendidamente profundos que no se comía nadie. En EE.UU., donde pasaban olímpicamente de espectáculos pedantes a la europea, aprovechan para quedarse con todo el pastel invirtiendo en entrañables proyectos colosales de presupuestos desbordantes. Durante los años 50 y principios de los 60 el cartón piedra cotiza al alza y actores como Charlton Heston, Kirk Douglas, Liz Taylor, Richard Burton, Anthony Quinn y… Carmen Sevilla pasean la toga por las pantallas de medio mundo. Pero el esplendor dura poco: el auge de los efectos especiales y el Mr. Universo Steve Reeves (posteriormente conocido como Sandokán) en “Hércules y la reina de Lidia” (1959) sellan el acta de defunción. A partir de ahí se suceden sin pausa parodias pretendidamente irreverentes y pseudo engendros de serie B protagonizados por masas de músculos hipervitaminadas. El público ya no traga con las poses teatrales afectadas, el ridículo vestuario y esa alarmante falta de realismo que se perdona en productos de los años 50 y 60, pero no en los de los 80 y los 90. .Peplum 2000: levántate y anda “Gladiator” (Ridley Scott), protagonizada por Russell Crowe, Joaquin Phoenix y Richard Harris, y “Titus” (Julie Taymor), basada en la obra de Shakespeare “La tempestad” y protagonizada por Anthony Hopkins y Jessica Lange, son los dos primeros intentos serios desde hace décadas de devolverle al peplum algo de la gloria perdida. Está por ver que los descreídos espectadores del año 2000 vayan a tragar con esta resurrección súbita: el peplum se asocia al CinemaScope y a miles de extras destripándose en improbables batallas de dudoso fundamento histórico, a reinas de Egipto con los rasgos de una nativa de Hampstead (que para el que no lo sepa está en Londres) y a la lucha de una pequeña secta judía contra el imperio romano (símbolo de Satanás, del imperialismo norteamericano, de la falta de fe o de todos ellos junto, según), algo de lo que carecen “Gladiator” y “Titus”. Y digo yo que puestos a revitalizar el género, ¿por qué no atreverse con “el” libro? Porque hasta la fecha, el respeto excesivo y pacato por la Biblia (por el Nuevo Testamento, más bien) sólo ha servido para producir peliculillas gazmoñas o directamente vergonzantes, muy del gusto de aquellos que prefieren el respeto ciego a las hipócritas instituciones eclesiásticas al espíritu de los Evangelios, con excepciones como, “Rey de Reyes” de DeMille,”La

Biblia” de John Huston o “El Evangelio según San Mateo” de Pasolini (que era comunista, pero no tonto). Que nadie se acuerde ahora de H. B. Warner, Jeffrey Hunter o Enrique Irazoqui confirma algo que todos los actores saben: que si al de Jesús se le llama killer role es por algo. Y es que es mucho más fácil caer en la desmitificación (Willem Dafoe en “La última tentación de Cristo”) o en la parodia (“La vida de Bryan”) que en el estudio riguroso de la figura histórica de Jesús, con la que no se han atrevido ni los directores emblemáticos del cine “metafísico”: Tarkowsky, Dreyer y Kieslowski. Y eso que los ingredientes de la historia son una golosina difícil de rechazar: la incorrección política que supone el considerar a los judíos como un pueblo deicida; la decadencia del imperio romano y sus evidentes simbolismos; las ideas del sacrificio, la fe y la culpa… Habrá que esperar a que Lars Von Trier reniegue de los principios del Dogma (el juego de palabras es involuntario) para que, de una vez por todas, podamos disfrutar en una pantalla de cine del peplum definitivo.


Alan Cumming como Saturninus, el enemigo de Anthony Hopkins en “Titus�

Titus


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Scream_3

Dir: Lasse Hallström Un poco más de lo mismo. Tras el paréntesis de “Música del corazón”, Wes Craven vuelve a las andadas con “Scream 3”, la última entrega de su trilogía de terror. Es cierto que el filme repite el esquema de los dos anteriores y, en este sentido, la capacidad de sorpresa es prácticamente nula. Pero, por el hecho de ser la última pieza de la saga, “Scream 3” destaca por algunas cosas: 1. Sus continuas referencias a las anteriores entregas. 2. Las bromas relacionadas con el final de una trilogía. 3. Dar otra vuelta de tuerca a la hora de inventarse al asesino. No obstante, pese a esto y al hecho de partir de una idea curiosa (los asesinatos tienen lugar en un plató donde se ruedan los hechos de la primera entrega), “Scream 3” se queda en una simple sucesión de previsibles crímenes. Como mínimo, los incondicionales del cine independiente disfrutarán con una divertida Parker Posey y algún que otro cameo. D. de F.


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Las_ vĂ­rgenes_ suicidas


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Las_ vĂ­rgenes_ suicidas


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Adolescencia profanada


Las_ vĂ­rgenes_ suicidas


Sofia, la hija de Francis Ford Coppola, hasta la fecha actriz, fotógrafa y diseñadora, se estrena en la dirección con “Las vírgenes suicidas”. Una agridulce revisión de los filmes de teenagers que sube el listón del cine independiente americano.


Las_ vĂ­rgenes_ suicidas


foto. Corinne Day

Asfixiadas, con las venas abiertas, atravesadas por los hierros de una verja, ahorcadas… Una a una. Así murieron, en menos de año y medio, las cinco hermanas Lisbon: adolescentes, vírgenes y suicidas. Éste es el punto de partida de “Las vírgenes suicidas”. En su primera película, Sofia Coppola –actriz (“El Padrino III”, “Peggy Sue se casó”), directora, guionista e… hijísima de Francis Ford– adapta el best-seller homónimo de Jeffrey Eugenides (la novela, aunque pueda prestarse a confusión por su estilo de reportaje, no se basa en un hecho real). A través de la reacción del vecindario de un elegante barrio de Detroit ante la llegada del matrimonio Lisbon y el suicidio de sus hijas, adolescentes de entre trece y diecisiete años, la directora ofrece una visión dramática de la sociedad americana. .Desconcierto de extrarradios No obstante, el objetivo de “Las vírgenes suicidas” no es poner en evidencia el falso conservadurismo de la familia americana arquetípica y tradicional. A diferencia de filmes como “Happiness” (Todd Solondz) o “American Beauty” (Sam Mendes), la película no pretende mostrar la podredumbre que esconden esos barrios acomodados; su intención es mucho menos ambiciosa. Sofia Coppola se limita a hurgar en el clima de opresión y de aburrimiento de los suburbios norteamericanos más elegantes de los 70, zonas que, según describe Eugenides en la novela, están habitados por gente que lleva «un estilo de vida Ralph Lauren». La directora, como ya hizo Ang Lee en “La tormenta de hielo”, aborda el desconcierto de los extrarradios de una ciudad industrial en plena decadencia. .Universo adolescente Para mostrar esta atmósfera terminal, Sofia Coppola analiza la respuesta de los chicos del barrio ante la llegada y la paulatina desaparición de las vírgenes, lo que le permite recrear todo un universo adolescente. “Las vírgenes suicidas” se convierte así en un recorrido en torno a aspectos como el deseo y la fascinación por el sexo contrario durante la adolescencia. La directora observa a los personajes en su entorno y da con sus fobias, manías y obsesiones. Y lo hace removiendo en la cotidia-

foto. Corinne Day


neidad y convirtiendo la cosa más simple en un gran acontecimiento. La realidad descarnada que rodea a estos adolescentes contrasta, por lo tanto, con la ingenuidad y la sencillez de sus reacciones. Y Sofia Coppola suaviza este desequilibrio abordando el día a día de los chicos con un sutil humor negro, valiéndose de una comicidad inofensiva. Acidez y dulzura alternan, por ejemplo, en los intentos de estos adolescentes por comunicarse con las vírgenes. .La experiencia de la muerte Estos adolescentes, que huyeron del aburrimiento especulando e inventando historias sobre las obstinadas lolitas, son los auténticos protagonistas. Es cierto que el filme apunta que lo que llevó a las chicas al suicidio fue el exceso de protección de sus padres (una beata fanática y un matemático sumiso), pero no se pretende analizar las causas por las que las cinco hermanas decidieron quitarse la vida. Lo realmente importante es el modo cómo el grupo de amigos hizo frente a las muertes. “Las vírgenes suicidas”, por lo tanto, no sólo no es una película de víctimas, sino que es un filme sobre supervivientes. En este sentido Sofia Coppola ahonda, con delicadeza y extremado respeto, en la visión de la muerte durante la adolescencia, en la experiencia del dolor y en la sensación de abandono que provoca una pérdida a esa edad. De hecho, son esos mismos chicos quienes, ya en la frontera de la mediana edad, rememoran con nostalgia cómo cambió sus vidas el suicidio de las vírgenes. Con la intención de desentrañar algún día aquel enigma, estos hombres todavía releen sus antiguos diarios íntimos y guardan fragmentos de los periódicos que se hicieron eco de los hechos. No han llegado a olvidar lo que pasó. Les puede el recuerdo.

texto. Desirée de Fez

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.ROMANTICISMO DE DISEÑO Aunque la historia sucede en los 70, “Las vírgenes suicidas” no es una película de época: ni la testarudez de esas lolitas ni la fascinación de sus vecinos son síntomas exclusivos de aquellos años. No obstante, el ambientar la historia en esta década ha permitido a Sofia Coppola envolver las situaciones en un atractivo halo de romanticismo. La película recupera, a un nivel estrictamente formal, el imaginario de los filmes clásicos de teenagers, con sus fiestas de instituto, sus ramilletes y sus coronas de reina, y eso a pesar de que el agridulce contenido del filme poco tiene que ver con el de ese género cinematográfico. Y lo hace con extremada dulzura, deleitándose en los detalles. Para recrear esta atmósfera sugerente y delicada, la directora ha apostado, entre otros aspectos, por el sofisticado vestuario de Nancy Steiner (responsable de la indumentaria de “Safe”, de Todd Haynes), que ha evitado los estereotipos estéticos vinculados a esa época, y por una oportuna banda sonora. La música del filme (compuesta por la partitura original de los franceses Air y por una selección de temas de cantautores de los 70, como James Taylor y Cat Stevens), también pretende familiarizar al espectador, sin caer en los tópicos, con la década en la que transcurre la historia. El resultado es un filme muy cuidado, a cuya belleza ha contribuido la selección del reparto. Respaldados por los veteranos James Woods y Kathleen Turner, el filme cuenta con una buena dosis de caras guapas. Entre ellas, la de Kirsten Dunst (“Entrevista con el vampiro”) en un papel de niña grande (algo así como la virgen sucia), y la de un muy atractivo Josh Hartnett, carne de películas de terror adolescente (“Halloween H20”, “The Faculty”). D. de F.

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foto. Corinne Day

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104 texto .Juan Carlos Durbano

LTJ_ Un género: drum’n’bass. Un sello: Good Looking. Un nombre: LTJ Bukem. Y ahora, por fin, un álbum en estudio: “Journey Inwards” (Good Looking-Masterdance, 2000). La combinación ganadora en la quiniela de la música de baile avanzada.

se gana una cátedra

Bukem

Grooverider le dio un baño de acero inoxidable, Fabio predicó su palabra a lo largo y ancho del globo y el colectivo Metalheadz, con Goldie como primera espada, se llevó el gato al agua, al menos en lo que a ventas atañe. Más tarde, 4 Hero lo vestirían de satén y Roni Size enfatizaría sus posibilidades melódicas. Sin embargo, LTJ Bukem fue, antes que muchos de ellos, el hombre que validó el drum’n’bass comercial y artísticamente a principios de los noventa. A su criterio se debe la fundación del sello Good Looking y su reverso oscuro, Looking Good. A su buen hacer con los Technics, series esenciales como “Logical Progression” o “Earth”. Y, más importante aún, a su vasta cultura musical y a su heterodoxo concepto de la fusión se debe el paso del jungle al drum���n’bass tal y como hoy lo conocemos. No en vano fue él quien acuñó el término que serviría de bisagra entre uno y otro: el artkore, o la conjugación armónica de jazz, funk, ambient y los frenéticos patrones rítmicos que un día, no hace tanto, hicieron temblar a los cimientos mismos de la música moderna desde los sound-systems de Notting Hill. Dice la leyenda que a Daniel Williamson le hizo tanta gracia la italianización de “the dj” –“el dijey”–, que eligió como sobrenombre artístico un rebuscado juego fonético a partir de siglas que sonaran igual: LTJ (“eltijey”). Lo de Bukem es un guiño que los teleadictos más veteranos sabrán comprender. ¿No lo captan? Una pista: “Hawai 5.0”. ¿Aún en blanco? Recuerden: «Book’em, Dano!!». Bastante menos anecdótico fue el despegue comercial de este treintañero londinense, adoptado a los pocos años de vida por una familia blanca. “Demon’s Theme” (1991), su primera obra relevante como músico –le precedían fatuos intentos como batería de jazz-rock durante la adolescencia y un maxi, “Logical Progression”, de house discretito–, colisionó frontalmente con los preceptos estéticos del jungle del momento: suave y ensoñador, “Demon’s Theme” se hacía propias las enseñanzas del ambient y las acomodaba sobre breaks rítmicos al ralentí; fue el punto de inflexión que le hacía falta a un género donde todo estaba sucediendo demasiado deprisa y corría el riesgo de diluirse en el hype de temporada. Con “Demon’s Theme” Bukem le confirió profundidad y trascendencia al jungle, forzó su evolución e hizo acuciante la necesidad de nuevas etiquetas para definir lo que él y su posse andaban tramando desde su cuartel en el underground londinense. Y no sólo (todo) esto, sino que “Demon’s Theme” significó, también, la primera referencia de la marca Good Looking, un sello aún en activo en cuyo catálogo puede apreciarse con claridad el camino andado desde el rudimentario “Original Nuttah” de Shy Fx & UK Apachi a los complejos ejercicios orquestales de 4 Hero en “Two Pages”. Ni más ni menos, la historia entera del drum’n’bass. .Progresión continua Desde entonces y hasta hoy, LTJ Bukem ha mantenido el pulso de Good Looking con una política de fichajes sencillamente exquisita: Makoto, Rantoul, J Laze, Moonchild, Seeba, Blame, Blu Mar Ten, Big Bud… Se ha quedado por el camino Looking Good, la filial orientada hacia los sonidos más agresivos –esencialmente hardstep y techstep–, e incluso el drum’n’bass parece ya formar parte del pasado de LTJ Bukem y sus muchos acólitos. Al menos, desde que en 1996 se publicara “Earth”, una recopilación más orientada al downtempo perezoso. Esta reinvención artística de LTJ Bukem, definitivamente convertido en uno de los Djs y músicos más versátiles e imprevisibles de la música negra electrónica, se ha visto recientemente sublimada con “Journey Inwards”, su primer álbum en estudio. Lujosamente presentado en formato doble CD, “Journey Inwards” resume la trayectoria de Bukem y al mismo tiempo la proyecta en múltiples (nuevas) direcciones: hip-hop abstracto, jazz-funk sintético, drum’n’bass cósmico… Este es un disco casi inabarcable, que merece varias escuchas atentas para lograr aprehender cuanto contiene. Una obra descomunal que justifica todos los años que sus seguidores nos hemos pasado suspirando por un álbum como Dios y 4 Hero mandan. Un nuevo paso en esa progresión lógica hacia el futuro.


SINGLE YA A LA VENTA

www.virgin-records.es


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106 texto .Carles Riu fotos .Simbolek

No, no se trata de un personaje del Jim Rose Circus, pero poco le falta para serlo. Para empezar, Chilly Gonzales es tan sólo un pseudónimo de batalla «para separar el personaje público del auténtico». Antes le llamaban cariñosamente Mr. Wolf (Mr. Lobo), Fuck Eye (Ojo Picha) o One-Eyed Jew (el judío tuerto). Lo único cierto acerca de su pasado es que es judío y nació en Canadá, pero ahora reside en el sector este de Berlín. Sobre el cambio alega: «Europa es más honesta que América. Berlín es todavía underground. Una excelente combinación». En Canadá  creó sus primeras formaciones musicales, en la división local de la multinacional Warner, sobre las cuales comenta: «Mis primeros proyectos Son y Wolfstein eran aún propios de un estudiante de música. Chilly G , en cambio, es un maestro musical, un teórico de conceptos, de bromas y de los medios de comunicación». Una mezcolanza tan estrambótica como su forma de vestir, que oscila entre el rapero dominguero y el típico macarra latino. En el primer supuesto, su indumentaria constará de un chándal comprado en la sección de ofertas del Pryca, unas bambas y una cadena siguiendo la ultracool estética puticlub –copyrighted by Juanjo Sáez–  y en el segundo, de un gorro esquimal, y un abrigo de piel para combatir las inclemencias invernales y/o para frenar el impacto de los huevos que arrojará el sector de público descontento tras sus actuaciones.  .Picarón, picarón Intentar ubicarle es una tarea vana e infructífera, pues además del peor  MC –según sus propias palabras–,  es productor, crooner, pianista, entertainer y compositor. De forma tajante y contundente indica que: «todas esas estúpidas definiciones son para niños»  El título del extended-play  “OP: Original Prankster” –prankster significa en inglés pícaro– que precedió a la edición de “Gonzales Uber Alles” está entresacado de uno de los más celebrados trabajos de Ice-T, ni más ni menos, que “OG: Original Gangster”. Sobre Ice-T opina que: «es un Supervillano excitante». ¿Un modelo a seguir? «No, no creo, pero al menos deja aflorar su personalidad y “Power” es mi disco favorito». Una de las pocas personas que salen bien paradas a lo largo de la entrevista, al igual que Françoise Hardy, para la cual ha compuesto unos temas. «Contacté con ella en París, pero la descripción de nuestro encuentro palidece en comparación con el sonido de su voz. Todas las rutas musicales nos conducen hasta ese sonido».   .Supervillanos versus héroes Gonzales, además, se aficionó a la lectura de los cómics a una temprana edad y se considera un Supervillano: «Los Supervillanos tienen más libertad que los héroes. Ahora leo cómics de vez en cuando, pero vivir en Berlín es una experiencia mucho más surrealista». Ni le preocupa ni lo más mínimo la falta de concreción estilística de su puesta de largo, “Gonzales Über Alles” (Kitty Yo / So Dens), sino más bien todo lo contrario. «Un artista bien formado tiene muchas caras y con optimismo crea obras bien acabadas». Más radical resulta a la hora de definir de dónde saca tanta inspiración: «El sonido de mi ronquido. El sueño es el estadio artístico superior. También, (me gusta) el heavy metal». Aunque en el álbum –un explosiva combinación de electro, pop, jazz, lounge, música de películas y hip-hop– no asome ni por pintura, afortunadamente. A diferencia de en su disco, en directo es del todo imprevisible. «Los discos y el directo son completamente distintos. El álbum está planificado. Los conciertos no responden a ningún plan u organigrama concretos… Creo cada espectáculo o actuación a medida. Una demostración en vivo de mis superpoderes musicales». La primera cita con el público español es en el FIB 2000. ¡No os lo perdáis! Y es que como Gonzales suele manifestar categóricamente: «My desire is my fire».


Chilly_ Gonzales Nuestro hombre en BerlĂ­n

â– 


.PEOR ES ROBAR Ahora que todos los jevis lucen pelo corto, americana y perilla medida al milímetro para ir a las entrevistas de la agencia de trabajo temporal (y a los conciertos de Slipknot, que lo he visto yo), a mastuerzos como Gonzales, Dj Hell y David Carretta les ha dado por el rollo macarra, la estética kitsch-porno-decadente y la fusión de electro y tecno chungo. Cierto, cierto: el tecno, como la droga, es muy malo y siempre ha incitado a las más bajas pasiones, pero es que ahora, además, ¡está bien visto ser un quillo! Y es que durante los últimos años los clubs europeos habían sido tomados al asalto por ex indies enterados, rubicundos arios de ducha diaria y neo-hippies trance-maníacos (que siguen oliendo igual de mal que en los 60, aunque ahora te los encuentras en el Sónar con un Red Bull en la mano y no porro en ristre, que sería lo propio). Gracias al sello Disko B, aceitosos y casposos germanos con cortes de pelo a lo Andre Agassi (ya sabéis: corto por arriba y chollas por detrás) y cadena de oro enterrada entre la matapelo del pecho nos han dejando discos como “Munich Machine” (Dj Hell), “Are You Really Satisfied Now?” (Dakar & Grinser) o “Le Catalogue Electronique” (David Carretta), algo bastante alejado del rollo post-rockero de sus compañeros de patria Kreidler, Tarwater o To Rococo Rot. Y gran parte del mérito lo tiene Dj Hell, que desde su subsello International Dj Gigolos ha creado el caldo de cultivo necesario para el nacimiento de la plana mayor del rancio tecno bautizado como “sonido Munich” (Patrick Pulsinger, Robert Görl, Chris Korda, Dj Naughty…). Por no hablar de Chicks On Speed, que van de “artistas” aunque son más planas que un folio, o del tecno-punk digital de Alec Empire y compañía. Así que se ha acabado el apoltronarse delante de la cabina del Dj para ver como este mete el CD en el lector con el arte habitual: si te acercas demasiado a Dj Hell, igual te roba el reloj. Y es que pinchar tecno es malo, pero peor es robar. Cristian Campos


Chilly_ Gonzales


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112 SOFT DANCE + POST ROCK = ¿POST DANCE? ■

Saint _Etienne

texto .Boko

Debemos dejar de asociar el nombre de Saint Etienne con un grupo de pop electrónico brillante y optimista. No más “Only love can break your heart”, no más “Like a motorway”. Como dice su cantante Sarah Cracknell “Sound of Water” es un álbum más... oceánico. A la luz de “Sound of Water”, se ve claramente que en Saint Etienne no se han limitado a explorar el lado pop de la electrónica sino que subyace siempre un perfil experimental que debe ser la clave que ha hecho de este grupo algo más que un simple grupo de canciones bonitas. Es apreciable la cantidad de fisuras (o irregularidades) que tienen sus álbumes, del primero al último, por las que se cuelan influencias siempre orientadas a la dance music y que quedan patentes en la variedad de ritmos utilizados: hip hop, house, dub, rock..., todos ellos tamizados bajo la óptica pop de un grupo además peculiar. Nacidos al amparo de la eclosión de la música house y del summer of love de finales de los ochenta, el nombre de Saint Etienne siempre ha sonado dulce en los oídos y en el paladar al pronunciarlo. Pero ahora parece que debemos alinearlos junto a grupos quizá menos ingenuos como Stereolab, High Llamas o Broadcast. Algo en lo que Pete Wiggs, compañero de Bob Stanley y Sarah, está de acuerdo. «Tenemos una misma visión del pop y son todas buenas bandas». .Mirándose el ombligo No. Saint Etienne ya no son la alegría de la pista como antaño. «No nos hemos vuelto serios. Más bien melancólicos, introspectivos. Es como nos sentíamos en ese momento. Grabamos muchas más canciones y todas sonaban así; ritmos más tranquilos, todo más onírico. Amigos míos me dicen que escuchan el disco cuando vuelven del club. Es un buen álbum para eso». Indicios de este giro no los encuentro en la efusiva y simpática Sarah ni tampoco en el espesísimo Pete (todo apunta a una noche de fiesta agitada por Madrid). Entonces ¿le echamos la culpa al trip hop?. No, Saint Etienne han perdido la joie de vivre a manos de To Rococo Rot, el grupo alemán de post-rock frío frío (más bien glacial) que ha tenido un peso importante en la composición y grabación de este disco (también ha colaborado Sean O’Hagan de los citados High Llamas). Ritmos sutiles y desarrollos más bien largos (el single “How we used to be” dura nada menos que nueve minutos) hacen que “Sound of Water” pierda la inmediatez y frescura de álbumes anteriores como “Foxbase Alpha” o “So Tough”. «Tiene un sonido más alemán. Es otro tipo de dance music, no es housy. Pero creo que es más asequible y más facil de asimilar. No es música instantánea a la manera de los pop-singles, sino que te vas adentrando sucesivamente». Totalmente cierto. Quizá hasta la sexta escucha no dejas de preguntarte a qué viene ese arrebato de racionalidad en un grupo tan apasionado como Saint Etienne. También reparas en el hecho de la cantidad de matices que se esconden tras el velo de homogeneidad de una primera escucha. .Ocasiones perdidas Según Sarah con To Rococo Rot tienen en común «el gusto por el mismo tipo de ritmo. Además son buenos en las melodías, sus canciones son también melancólicas. Desprenden el mismo tipo de emociones que nosotros queríamos transmitir». Pero en realidad da la impresión de que la relación ha sido tiránica por parte del grupo alemán, apenas dos o tres canciones reviven el espíritu Saint Etienne. “The Sound of Water” es un álbum cerebral teñido de una vaga nostalgia que se acentúa con la voz melosa y suave de Sarah. Y ante tanta languidez (que si fueramos malévolos llamaríamos clara y llanamente aburrimiento) uno se pregunta qué pasaría si a Saint Etienne le pusiéramos una voz masculina. El agudo Pete responde con precisión a la propuesta: «Bueno, no nos lo hemos planteado nunca. Es muy difícil encontrar a un buen cantante masculino. Pero estaría muy bien». Mejor hablamos de vuestra sesión en el Mond Club el febrero pasado, ¿qué te pareció?. «Ah, muy bien. Fue muy divertido porque la gente empezó a entrar a las dos de la mañana y antes estaba vacío, y entonces se llenó hasta la bandera y hubo un ambiente increíble». Lástima que no aprovechara la ocasión para conocer el pop que se hace en España. Me dice que no tiene ni puta idea de quién son Astrud o Family. Otra vez será. Saint Etienne actúan en directo el 5 de mayo en el Mond Club (Barcelona)


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Terin_Brockovich

Julia_ Roberts


Terin_Brockovich


Dir: Steven Soderbergh Steven Soderbergh (“Sexo, mentiras y cintas de vídeo”, “Un romance muy peligroso”) dirige “Erin Brockovich”, la historia de una mujer sin estudios que obligó a una gran compañía a pagar una indemnización millonaria. Basado en un hecho real, el punto fuerte del filme es su capacidad para exponer todo su contenido crítico a partir de las vivencias de la protagonista (Julia Roberts, en su mejor trabajo, da credibilidad a un personaje que podría perderse en su multitud de matices). De este modo, Soderbergh consigue que la dimensión social de la película llegue al espectador con ligereza y sin prestarse a confusión. En este sentido, también es de agradecer el modo cómo el director hace frente a los conceptos enfermedad y muerte, estrechamente ligados a la trama del filme. Quizá por el hecho de tratarse de una película de personajes (Soderbergh no cae en la tentación de dibujarlos con rápidas pinceladas y, por muy secundarios que éstos sean, los define minuciosamente), “Erin Brockovich” no resulta, pese a la gravedad de las situaciones que plantea, un filme sensiblero. Desirée de Fez

Terin_Brockovich


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Historia_de lo_nuestro

Bruce_ WiLLiss


Historia_de lo_nuestro

MicheLLe_ Pfeiffer


Dir: Rob Reiner Rob Reiner (“Cuando Harry encontró a Sally”) vuelve a demostrar que lo suyo es la dirección de actores. Así, para abordar la relación de un matrimonio en crisis, Reiner saca el mejor partido de los protagonistas: un comedido Bruce Willis y Michelle Pfeiffer, brillante en un papel que le permite abarcar una amplia gama de registros. Aunque el punto de partida del filme no es nada nuevo, el director ha intentado esquivar, a nivel formal y de contenido, los tópicos de las comedias románticas más recientes (esto explica, por ejemplo, la complicada estructura narrativa de la película, un predominio de las situaciones amargas y algún diálogo ingenioso); no obstante, Reiner no acaba de escapar de las convenciones de género. Por eso, aunque podría haber sido una buena película sencilla, las pinceladas dulzonas y las soluciones previsibles hacen de “Historia de lo nuestro” un simple filme agradable y un pelín lacrimógeno. Samuel Muro

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Dir: Ben Younger Ben Affleck se pone en plan émulo de Robert Redford y se dedica a hacer proposiciones indecentes a jóvenes incautos en el primer largometraje de Ben Younger. El repelente niño Ben se dedica a embaucar pipiolos para una empresa de inversores con la promesa del millón de dólares. Total, que el protagonista (Giovanni Risi, nada que ver con el gran Pepe) pica, pero sólo porque busca el amor paterno. ¿No os parece tierno? “El informador” debe ser algo así como “Médico de familia” pero para yuppies, una cinta en la que el celuloide supurará moralina por todos sus milímetros cuadrados y todos sufriremos una catarsis colectiva que nos hará purgar nuestros malos actos. Media hora más tarde volveremos a colarnos en el metro.


El_ Informador


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Misión_a_Marte Dir: Brian de Palma Brian de Palma, que posee el dudoso honor de tener la carrera más irregular del cine actual, se adentra en los terrenos de la ciencia ficción en esta superproducción de la factoría Disney. La película aborda un tema de “rabiosa actualidad”: un grupo de científicos acude al planeta rojo a ver que carajo ha pasado con una expedición anterior. Así que allí alunizan (o amartizan, o como se diga) Gary Sinise y Tim Robbins (a este seguro que lo atan en corto, no sea que se ponga a hacer campaña contra la globalización en el planeta rojo). Para la realización del filme parece ser que no han utilizado imágenes de la Mars Polar Lander. Por cierto, ya sé que no viene a cuento, pero si no lo digo reviento: mi película marciana favorita es “Capricornio Uno”.


Misi贸n_a_Marte


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Yo_yo_misma Dir: Pip Karmel ¿Qué hubiera pasado si...? Éste ha sido el punto de partida de muchas comedias románticas; sin ir más lejos, de las recientes “Dos vidas en un instante” (dirigida por Peter Howitt y protagonizada por Gwyneth Paltrow) y “Próxima parada, Wonderland” (Brad Anderson). No obstante, en la mayoría de los casos esta idea se reducía a una simple anécdota. En este sentido, la directora Pip Karme da un paso adelante y, para empezar, muestra a una mujer que ha de enfrentarse a dos versiones totalmente distintas de sí misma: la de la profesional independiente y la de la “perfecta” casada. Valiéndose de la brillante interpretación de Rachel Griffith (“La boda de Muriel”, “Hillary y Jackie”), la directora aborda esta dicotomía alternando el humor más ácido con sutiles pinceladas dramáticas.

ELMO EN EL PAÍS DE LOS GRUÑONES

Dir: Gary Halvorson

Sin que muchos de vosotros lo sepáis, Jim Henson ha tenido más influencia en vuestra educación que la libidinosa profesora de inglés y el odioso profesor de matemáticas. Él creó a esa pareja de homosexuales reprimidos que son Epi y Blas, a la narcisista Peggy y a toda una galería de personajes entrañables que se popularizaron gracias a Barrio Sésamo, una serie creada para integrar a la minoría negra, pero cuya desbordante imaginación la hizo llegar a los corazones de los preescolares de todo el mundo. Tras la muerte de Henson, su hermano ha decidido retomar los personajes para realizar esta película, en la que Elmo aparece en el país de los Gruñones, seres abyectos que viven en la más absoluta inmundicia. Todo para enseñar a los más jóvenes la importancia de la higiene (a ver si toma nota alguno ahora que llega el verano) y de la amistad. Ni Espinete ni Chema el panadero piensan perdérsela. Tú mism@.

Elmo_en_el_ país_d_los _ Gruñones


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148 ■

textos: Desirée de Fez / Rubén Romero

EWAN McGREGOR, un tipo sin escrúpulos

El único punto débil de Ewan McGregor para su definitivo encumbramiento a la categoría de estrella es su aburridísma vida personal. No se le conocen escándalos, es de buena familia (su tío aparecía en “Local Hero”, la película costumbrista inglesa a la que puso música Mark Knopfler) y es un papá y marido ejemplar. Y, sin embargo, los papeles que más fama le han deparado hasta la fecha han sido los de tipo sin escrúpulos. El mundo lo descubrió con “Tumba abierta”, su primera colaboración con Danny Boyle, en la que encarnaba a un periodista que mataba a sus amigos por dinero. La popularidad la consiguió con “Trainspotting”, en la que repetía rol: Renton era un toxicómano cabrón que estafaba a sus colegas de jeringuilla. Antes y después de “Trainspotting”, probó otros registros: con polainas y a lo loco en la decimonónica “Emma”; como amante tontito en el fiasco videoclipero “Una vida diferente”; en pelota picada y con el cuerpo cubierto por la caligrafía de su compañera oriental en la insufrible “The Pillow Book” (que alguien le esconda la botella de pacharán al abuelete Greenaway, por favor); por no hablar de su papel como Obi-Wan en “La amenaza fantasma”… “Ojos que te acechan”, la película que estrena este mes, recupera al McGregor falto de escrúpulos. En ella encarna a un agente secreto obsesionado con una asesina en serie (Ashley Judd) a la que llegará a ayudar en sus fechorías. Algo así como ese hito del cine freak que fue “C’est passé prez de chez vous”. El director es Stephan Elliot, el de “Priscilla, reina del desierto”. Queda por ver si McGregor es capaz de triunfar con un personaje al que apodan “el ojo”. A algunos guionistas ya les vale.

Ewan_ McGregor

Ojos_que te_acechan


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151 [1]

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[5] [4]

[2]

YONDERBOI [1]

FUNKSTÖRUNG [3]

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Shallow and Profound listening pearls-mole/intergroove

Appetite for Distruction

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stud!o K7/satélite k

Hasta ahora al hablar de música electrónica nadie se

sound system Usted también puede ser un crítico musical

refería a Hungría. Supongo que con la llegada de Yon-

Mike Fakesch y Chris De Luca pusieron en marcha el

derboi (Lázlo Fogarasi Jr.) las  cosas cambiarán, y espe-

proyecto Funkstörung en 1992 y hasta la fecha tenían

remos que para bien. A pesar de la temprana edad de

editados un sinfín de maxis de culto en varios sellos y

su autor (19 añitos),  la obra muestra una complejidad y

un álbum (casi exclusivamente) de remezclas, “Additio-

Sí señor: ser crítico musical es un chollo. Un chollo que te

madurez asombrantes. Bebiendo tanto de fuentes musi-

nal Productions” (97), donde otorgaban nueva vida a

cagas. Y lo mejor es que USTED también puede serlo. En su

cales foráneas  (el hip-hop americano y francés, el trip-

temas de Björk, Wu-Tang Clan, Faust o War. El título de

mano está la posibilidad de entrar a formar parte del exclusivo

hop, el cinema noir, el lounge y el downtempo) como de

su ansiado segundo disco, “Appetite for Distruction”,

club de los CM, esos tipos tan interesantes que puede recono-

otras más próximas, geográficamente hablando (el jazz

hace referencia, en tono socarrón, a los infumables

cer por su marcada tendencia a empinar el codo de gratis en

húngaro de los 60 y 70, y las bandas sonoras de los

Guns’n’Roses. No obstante, su música oscila más bien

todo evento musical que merezca su presencia. Lo único que

dibujos animados de los países del Este), Yonderboi

entre el ruido más harmonioso y el pop más crujiente, y

necesita es saber juntar unas cuantas letras –veintiocho nada

consigue crear un sonido cálido y envolvente, y tele-

nos remite sin dudar a Autechre, Boards of Canada o

más si escribe en español–, cierta imaginación semántica para

transportarnos hasta recónditos parajes. Mención aparte

Mouse on Mars. Quizás su aportación más notable al

inventarse adjetivos imposibles –p.e: “autechriano”, “hip-hopísti-

merece la espléndida versión instrumental que realiza

avant-techno sea la perfecta simbiosis en algunas pie-

co”, “andreasdorausiano”–y cierta flexibilidad horaria –la crítica

del clásico de The Doors: “Riders on the storm”. Carles

zas entre la voz humana –tremenda la de Greenwood– y

del concierto de hoy SIEMPRE es para ayer.

Riu

los ritmos entrecortados cercanos al hip-hop. C.R.

No se preocupe si su cultura musical es más bien escasa: Inter-

por Oriol Rossell

net y las revistas británicas –las americanas no, que son como GALLON DRUNK [2] Black Milk

line

muy rockeras– le indicarán el rasero adecuado a la hora de

■■■■

fm/caro-

Trembling blue stars [4] Broken by Whispers

■■■■

Shinkansen / elefant

valorar un disco y le aportarán los datos necesarios para quedar guapamente ente los lectores; por ejemplo, aquel flexi-disco compartido con su cuñada la bizca que un día sacó el batería

“Theme from Black Milk”, con sus siete minutos y pico de pura sugestión cinéfila a modo de apertura, deja claro

Bob Wratten no vive de su pasado pero sí junto a él. El

de Can y que, por supuesto, usted tiene o, como mínimo, ha

que “Black Milk”, por muy banda sonora que sea –de la

principal responsable de Trembling Blue Stars se muestra

oído.

película homónima dirigida por Nicholas Triandafyllidis,

partidario de la coherencia y de la máxima que asegura

No se preocupe si su poliglotismo es patético: lo que sucede

concretamente–, tiene poco de obra menor. El nuevo

respetar el pasado para circular en el presente. Un punto

durante una entrevista sólo lo saben el entrevistador y el entre-

disco de Gallon Drunk tras un silencio discográfico de

de vista clave para entender el interés de Wratten por

vistado, y hay un 95% de posibilidades de que este último

dos años, los que han transcurrido desde la edición de

recluir en sus trabajos a colaboradores de antiguos pro-

jamás lea el cuento resultante.

“In The Long Still Night”, es una joya que celebra la

yectos. Es el caso de la voz de Annemari Davies (ex

No se preocupe si tiene que marcharse antes de que finalice el

reciente incorporación al grupo del trompetista y saxofo-

Northern Picture Library) y del bajo de Michael Hiscock

nista Terry Edwards (Tindersticks) con profusión de arre-

(ex Field Mice), que repiten presencia en “Broken by

glos de viento y una mayor luminosidad en la música de

Whispers”. En su tercer álbum, Trembling Blue Stars

un grupo al que en el pasado se lo comparó demasiadas

declina su propuesta hacia atmósferas que, en general,

veces con The Birthday Party. Tras cuatro álbumes de

se intuyen menos envolventes –que no relajadas– y más

culto, todo apunta a que “Black Milk” será, finalmente, el

precisas. Siempre frágiles y emocionantes. “Broken By

pasaporte al mercado masivo para un grupo que merece

Whispers” es un fresco de bellas melodías donde tienen

el éxito como pocos. Obligado. Oriol Rossell

espacio las cadencias sonoras, las baladas acústicas y los apuntes aderezados con psicodélicas distorsiones. Once canciones que, orientadas hacia el pop delicado de los 80, evocan a unos Belle & Sebastian adultos y a unos New Order filmados en cámara lenta. Ruben Mayoral

concierto que tiene que criticar. Si mete la pata en su texto, lo único que puede suceder es que los lectores más listillos manden una carta de queja a la revista en la que colabora. Carta que, por supuesto, nunca se publicará. No se preocupe si en la revista en la que colabora no le pagan. Si es una publicación “moderna” o “de tendencias”, cobrará en especies: un disco por aquí, una copa por allá, alguna que otra loncha… No se preocupe si en la revista en la que colabora le pagan poco, tarde y mal. El oficio tiene pocas pegas, pero ésta es una de ellas. Por último, no se preocupe si es usted feo de solemnidad, tiene granos o le cantan los alerones cosa mala. Casi todos los críticos musicales han pasado por eso –de hecho, la mayoría

EMILIANA TORRINI [5]

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Love in the Time of Science

virgin

En primer lugar, no tiene nada que ver con Laura Pausini. Es más joven, más lista y está más buena. Es italiana e islandesa al 50%, lo cual no está nada mal, y se presenta con un punto de diva melodramática rebozado de un enternecedor halo naïf. Su disco de debut está a medio camino entre la sofisticación cool, las remiscencias triphoperas, los guiños a su paisana Björk y un chirriante ramalazo de pop facilón. Este álbum, producido por Roland Orzabal (¿os acordáis de los Tears For Fears) se antoja raramente fronterizo y demasiado irregular para salvarse de la quema. La chica tiene voz, apunta maneras, pero se queda a medias. Si persevera un poco y se curte un pelín (sólo tiene 21 años) podría llegar a resultar irresistiblemente seductora. Pero claro, debería alejarse cuanto antes del bueno de Roland Orzabal y afanarse en la saludable tarea de conocer gente, cuanta más mejor. Boris Rimbau

siguen en ello–, por lo que queda desestimado cualquier conato de mofa y befa entre colegas de profesión. Al menos a la cara, por supuesto.


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KEVIN YOST [6]

Straight Outa the Boon Dox

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distance/masterdance

“One Starry Night”, el primer álbum de Kevin Yost, fue uno de los acontecimientos más celebrados por la comunidad house internacional en el pasado año. “Straight Outa The Boon Dox”, lo nuevo de este nativo de la pequeña localidad para reafirmarlo como uno de las más serios competidores

EINSTÜRZENDE NEUBAUTEN Silence is Sexy

de Morillo, Tenaglia y compañía. Yost no inventa nada, ni

siquiera lo pretende. Sin embargo, su house cálido y pro-

A estas alturas de su carrera, exigirles un nuevo “Kollaps” sería tan absurdo como esperar otro “Con-

fundo, de acabado perfecto, se deja mecer a menudo por

fussion Is Sex” de Sonic Youth. La comparación no es gratuita: como los neoyorquinos, Einstürzende

percusiones latinas, se apuntala en el jazz e incluso abraza

Neubauten hacen música inconclusa, abierta, en perpetua evolución. Como Ranaldo & co., el grupo

el tecno en la tremenda “Things Unsaid”; todo, claro, hecho

que lidera Blixa Bargeld ha completado ya su fase deconstructivista –lo hizo con el definitivo “Haus Der

con el mejor gusto posible. Versátil y sofisticado, “Straight

Lüge”– para embarcarse en una aventura más ambiciosa si cabe: rearmar la música pop con los restos

Outa The Boon Dox” es un disco que la nocturnidad militan-

de su destrucción. En este orden de cosas, “Silence Is Sexy” es una obra única. Literalmente: lo mejor

te sabrá apreciar en su justa medida. O.R.

de este, el disco más sereno de Einstürzende Neubauten, es que no puede ser comparado con nada ni

de Waynesboro (Pennsylvania), sigue la línea de aquél

■ ■ ■ ■ ■

mute/caroline

con nadie. Su naturaleza es tan particular, tan arraigada en la trayectoria del propio grupo, que sólo FLOW [7]

puede ser comprendida desde los parámetros que los de Berlín han determinado a lo largo de su carre-

Sensazione la

ra. Pero “Silence Is Sexy” no es un trabajo críptico; al menos no tanto como lo fueron “Haus Der Lüge”

acuare-

o “Tabula Rasa”. Cabe advertir, sin embargo, que tampoco es un ejercicio de estilo apto para todos los públicos, como lo fue su precedente, “Ende Neu”. Es otra cosa. “Silence Is Sexy” son noventa y ocho

A veces escuchas un disco, te parece que ya lo has oído

minutos de música sin género, romántica hasta sangrar pero en concordancia con su tiempo, de formas

antes y resulta que es nuevo y se te queda cara de tonto.

flexibles y poso áspero; un tenso equilibrio entre ruido, silencio y poesía al que habrá que ir haciendo

Quizás porque entra fácil. Quizás porque suena a otras

un hueco en la lista de cosas memorables de este 2000. O.R.

cosas. Sensazione, el nuevo disco de los cordobeses Flow, es agradable, acompaña y se deja oír, pero no va más adentro. Canciones “low fat” sin acentos intensos que se evaporan en la habitación. “Popi fresqui” intrascendente, y no ya la letra, también la música, en el que sólo cabe verano, desamor, camisetas de rayas y playa con o sin toalla,

ECHOBOY [9]

como dicen ellos mismos en “Historias para chicas”. Pero

Volume 1

todo sin la frescura de ese estilo que llaman “nueva movida

MUTE/CAROLINE

■■■■

VV. AA. [10]

Rue Martel

■■■■

¡ya basta! / mineral

en castellano” que cuenta ya con ejemplos más que dignos

Tras escuchar “Volume 1” no puedo salir de mi asombro:

“Rue Martel” nace de la iniciativa común de los sellos galos:

y relevantes. Chabela Díaz

¿cómo pudo ocurrírseles a los simpáticos hermanos

“Mineral” y “¡Ya Basta!” para dar a conocer a sus respecti-

Gallagher intentar fichar como guitarra a Richard “Echoboy”

vos artistas. Gotan Project son la banda más sobresaliente

Warren? Para que luego digan que el alcohol no hace

del lote, con un par de aportaciones que quitan la respira-

estragos. Este disco de Echoboy es cualquier cosa menos

ción: “El capitalismo foráneo” y  la adaptación de “Vuelvo al

brit-pop y de hecho guitarras lo que se dice guitarras hay

sur” del maestro del tango argentino Astor Piazzola, ambas

¿El nuevo Marvin Gaye? Le han colgado la etiqueta cien-

más bien pocas. La mayor parte de las canciones podrían

con acordeón incluido. The Boys from Brasil hacen honor a

tos de veces, y a él no parece importarle. Cinco años ha

figurar en una nueva banda sonora de Metrópolis: sonidos

su nombre y muestran su habilidad con los timbales y otros

tardado D’Angelo en entregar la continuación de su nota-

sincopados y metálicos, evocadores de atmósferas mecáni-

instrumentos de percusión. “Hi-fi Trumpet” de Stereo Action

ble debut, “Brown sugar”, y lo ha hecho con un álbum

cas, que son lo más parecido a un homenaje al elogio de la

Unlimited,  remezclado con tino por partida doble, nos

mucho más ambicioso, una larguísima jam session de soul

máquina de los futuristas. A pesar de la dispersión (el disco

remonta al mágica sonido de la trompeta del difunto Pérez

clásico –que no conservador– sin coartada electrónica, lo

va de “Kit and Holly”, una maravilla tecno-pop pasada por

Prado. El cálido sonido jazzístico de PCS y la mediocre y

cual tiene su punto: está claro que D’Angelo renuncia a

New Order a “Walking”, acústica y francesita) las maneras

machacona contribución de Fruit of the Loop, con una mez-

actualizar el legado de Gaye con detalles cosméticos. El

mostradas por Warren nos hace augurarle un futuro más

cla exclusiva a cargo de La Funk Mob, completan este sor-

resultado es de difícil digestión, no tiene singles claros y

que prometedor. Los que dudaban ya lo saben: podemos

prendente álbum que demuestra, una vez más, el excelente

tampoco vocación pop. Pero tal vez resulta exagerado

confirmar que en las islas hay vida inteligente. Ariel Giardi-

momento creativo que vive la electrónica francesa. C.R.

considerarlo una “obra maestra conceptual”, como ha

no

D’angelo [8] Voodoo

■■■■

virgin

dicho la crítica. A D’Angelo le falta madurar un poco más para firmar su “What’s going on”, su “1999”. Ya llegarán, seguro que llegarán. Óscar del Pozo


teatro_OFFmag

155

foto .Udo Hess

texto .Guillem Clua

Cesc_Gelabert La compañía de danza Gelabert-Azzopardi presenta en el TNC “Useless (Information Meets Boy)”, un espectáculo coreográfico dedicado al cine mudo en clave de humor y reflexión posmoderna. ■

ENCUENTROS CON EL HOMBRE SINTÉTICO

«Eres la primera persona con la que hablo de esto». La frase, que aún no sé si suena a cómplice, a disculpa o a película de Hitchcock, sale de los labios de Cesc Gelabert, el hombre sintético, a pocos días de su world première en el TNC. «Los espectáculos llega un momento que cogen vida propia y esto es bonito –añade– Pero bueno, te puedo comentar algunas cosas con las que trabajo, aunque quizá después no sean las que acaben saliendo». Gelabert empieza a desgranar conceptos que perfilarán poco a poco el espíritu de “Useless” delante de un vasito de té afrutado y con poco tiempo. «En el fondo es una comedia, como un musical coreografiado basado en el cine en blanco y negro de los años 20. Esto se transcribe en la música del ragtime y el musette francés, alegres en general… pero también en su plasmación coreográfica, que intenta visualizar la música, como si vieses una pianola hecha movimiento». Cuando veo hablar a Cesc Gelabert, que lucha por encontrar una línea de lenguaje coherente, cuando trata de expresar en palabras lo que ha sido creado para ser bailado y no dicho, encuentro en él un punto entrañable, como un teletubbie sin antena, enfrascado en salir adelante de un cúmulo de ideas que han tenido la poca delicadeza de aparecer a la vez. Habla de la fascinación que le produce el cine mudo y «la idea del movimiento acelerado y la expresión exagerada frente al movimiento ralentizado y la expresión interiorizada». Salta de una idea a otra, deja frases a medio terminar, se pierde en el intento de sintetizar en pocos minutos meses de trabajo. La concepción coreográfica de “Useless” se une a un guión muy en la línea del boy meets girl del slapstick cinema de Buster Keaton y conforma un espectáculo muy alejado de, por ejemplo, “Zumzum.Ka”, «que buscaba una síntesis entre el contenido y la forma, lo abstracto y lo concreto, lo nato y lo innato». «El joven Giuliano duerme. Ronca y resopla. Pero en sus sueños habitan personajes que tratan de perturbar el mundo del feliz dormilón. Unos quieren venderle cigarrillos, otros convertirle en una pieza de puzzle, hay quien desea tatuarlo, seducirlo, despistarlo…» Las primeras líneas de la sinopsis del espectáculo, firmadas por el impagable Mario Torrecillas (es la primera vez que Gelabert trabaja con un guionista) presentan al antihéroe protagonista, un personaje que seduce al coreógrafo: «¿qué significa hoy ser heroico? Para mí es mantenerse auténtico, sincero, espontáneo. Y esta es la gran lucha de nuestro tiempo. Ante la precipitación rítmica de información inútil que nos rodea, necesitamos ser auténticos sin marchar al desierto, sin dar la espalda al mundo. Y lo único que permite esto es el distanciamiento, la honestidad y el humor». .Boy meets information Navegando navegando, encuentro la web de Gelazzo (abreviación simpática de Gelabert-Azzopardi, el nombre completo de la compañía que suena más a marca de helados italiana que a otra cosa). Con cuatro clicks advierto las buenas vibraciones que se establecen entre el creador y las nuevas tecnologías. La primera frase de presentación es: «Cesc Gelabert es un hombre contemporáneo, comprometido con su tiempo»; es decir, unos apelativos tópicos que también pudimos escuchar en la boda de la infanta Cristina, pero –presumo– esta vez escritos con conocimiento de causa. El pasado del hombre sintético está ligado a la carrera de arquitectura. No es el único que ha estudiado esta disciplina y ha acabado encima de un escenario haciendo pliés. Toni Mira, entre otros, hizo lo propio y afirmó en una ocasión que la arquitectura es, de hecho, el arte más cercano a la danza, por lo de la construcción de espacios y eso. Gelabert empezó sus primeros cursos de baile en el estudio de Anna Maleras en los setenta pero sólo en los 80, tras iniciar su colaboración con la británica Lydia Azzopardi llegaron los premios y las aclamadas giras internacionales. A pesar de eso, «mucha gente aún piensa que tengo quince años, que me tiro por el suelo, que tengo el pelo verde o que saco espuma por la boca». El tiempo pasa y el té se acaba. Última pregunta. ¿Gelazzo da más importancia a la técnica que a la emoción? «No, no, no. La danza es un mundo sintético, que equilibra corazón, cuerpo y mente. Los tres niveles tienen que estar unidos y eso es lo que me gusta de la danza, que te permite ser sintético sin enfatizar el mensaje, el texto, las palabras. Y yo soy así. Procuro unir emoción y movimiento. Procuro ser sintético».


Arte_OFFmag

158 Fotos de la serie

“Pictures From Home”. Larry Sultan, 1983–1991.

Miradas _ impúdicas

la paja y la viga del ojo ajeno ■


El voyeurismo ha sido considerado tradicionalmente como una perversión. La exposición ”Miradas impúdicas” busca una reinterpretación de este concepto a través de la obra de unos artistas que consideran la observación del prójimo como algo natural

Miradas _ impúdicas

Roma texto. Valentín

En los últimos años la mirada del arte contemporáneo sobre lo cotidiano ha experimentado un notable proceso de depuración. Atrás parecen quedar aquellas imágenes brutales asociadas al mundo de la pornografía o el enigmático fetichismo característico de principios de los noventa, ya que, progresivamente, una intimidad menos literal pero igualmente irónica y descarnada se ha convertido en uno de los principales temas artísticos. La exposición “Miradas impúdicas” recoge, de algún modo, esta línea sutil y siempre difusa, en la que se desvanece el límite entre lo privado y lo público. Si lo impúdico suele asociarse, tradicionalmente, a cierto sentido erótico, sexualizado, la muestra añade a la anterior consideración una nueva premisa, formalizada casi como una pregunta hacia el espectador: ¿qué es más impúdico, mostrar lo que pertenece al ámbito privado de cada individuo o mirar esa intimidad que sin ser nuestra nos equipara a otras personas? A través de un montaje sutil y de gran agilidad, la exposición enseña el mundo cotidiano de una galería de seres procedentes de los más diversos lugares del planeta. Nos muestra sus conversaciones, sus fantasías, su decrepitud, sus biografías, sus objetos familiares… Todo aquello que les hace particulares pero que, al mismo tiempo, les presenta como personas anodinas. Y es precisamente en esta banalidad suya, donde el observador se descubre, entonces, como un voyeur o, mejor dicho, descubrimos, todos, el voyeur que llevamos dentro. Según palabras de la comisaria de la exposición, Rosa Olivares «hay dos ejes centrales sobre los que gira la selección de obras, uno es el cuerpo y otro, el lugar». Efectivamente, dentro de este primer tema podrían destacarse las propuestas de Alicia Framis, en cuyo vídeo “Apart Together” (1999) aparece la propia artista observada en una acción sexual íntima, convertida en objeto de deseo tanto del espectador como de la cámara que registra esta acción; los trabajos de Donigan Cumming, que retratan la vejez física pero carente de dramatismo de la actriz, modelo y periodista Nettie Harris; las “Dirty Windows” (1994) de Merry Alpern, instantáneas registradas desde la ventana de un club masculino de Wall Street que remiten a un mundo sórdido, como de espionaje o voyeurismo profesional, o, finalmente, los retratos de Yurie Nagashima, donde la fotógrafa muestra un exhibicionismo que puede interpretarse como una clara crítica al pudor femenino y al hermetismo de la familia en la sociedad japonesa. .Mirada limpia Por el contrario, entre los artistas que han desarrollado el tema del lugar, de la casa, como núcleo de sus obras, conviene resaltar a Todd Hido, que presenta imágenes de interiores abandonados y edificios solitarios, los cuales remiten, sin mostrarla, a la presencia de la vida humana, o a Rochelle Costi, cuyos “Quartos” (1998) son escenografías deshabitadas, dispuestas con un esmero que violenta a quien las observa. Sin embargo, también aparecen en la exposición trabajos que sintetizan ambos temas, como las fotografías de Larry Sultan que ilustran este artículo, donde personajes y objetos forman parte de una misma intimidad irreal, ficticia; las imágenes de Adrienne Salinger, que reconstruyen una especie de biografía oral acompañada de instantáneas; el vídeo “Muchas veces mucho” (1993-1998) de Nuria Canal, en el que diversas mujeres se confiesan ante la impasible mirada de una cámara, o los retratos psicológicos y culturales de Zwelethu Mthethwa, donde puede observarse a los desubicados habitantes de los suburbios de Ciudad del Cabo. Se trata, por tanto, de mostrar todas las facetas de lo privado como si fuese público; de enseñar cómo en mitad de las autopistas de la información y de la manipulación mediática el arte ha descubierto –tal y como parece manifestar esta muestra– el valor de mirar la intimidad de unos seres sin la obligación de juzgarlos, sin acentuar su patetismo ni ensalzar sus virtudes. Simplemente mirar para descubrir, en los otros, todo lo que nos iguala y, al mismo tiempo, nos diferencia de ellos. “Miradas impúdicas” se puede visitar hasta el 25 de junio en el Centre Cultural de la Fundació “la Caixa” (Passeig de Sant Joan, 108, Barcelona).


Miradas _ impĂşdicas


Miradas _ impĂşdicas


mĂşsica_OFFmag

168 texto .Vicenç Batalla

â– 

Sonidos con nombre propio Todos salimos por la noche. Todos (mejor dicho, casi todos) bailamos. Sucede que en muchos casos lo hacemos al ritmo de canciones compuestas por artistas a los que desconocemos. Os presentamos a los autores de la banda sonora de vuestras noches insomnes.

Bailando, bailando


Los hits siempre van por delante de lo que la prensa publica. Si triunfan es porque han acabado siendo asumidos como propios por el personal que sale cada fin de semana a bailar. Parte de su éxito es precisamente su anonimato y la sensación de que el primer sitio donde se han escuchado ha sido en plena fiebre discotequera. Por este motivo, no encajan en los canales clásicos de promoción y el público debe recurrir a otras fuentes de información para averiguar de quién se trata. Normalmente, son Djs y productores que huelen como nadie el ambiente y se mueven en la cabina como peces en el agua. Rara vez firman con su nombre y cuando lo hacen continúan siendo difíciles de identificar porque prefieren refugiarse tras los platos antes que protagonizar directos más propios del rock. Los héroes de la música de clubs encuentran su mejor manera de darse a conocer a través de los himnos que cada temporada se multiplican de sesión en sesión. Con las secuelas del verano anterior y a las puertas de un nuevo ciclo todavía por descubrir, aquí están algunos de los que movilizan a la gente en cualquier parte del mundo.

Armand Van Helden El nuevo rey de la dance music. Este bostoniano, con antecedentes familiares franceses, holandeses, libaneses e indonesios, ha hecho de sus producciones un lenguaje universal que une house, tecno, soul, hip-hop y cualquier estilo que suene irremediablemente fresco. Así, tras su paso durante la primera mitad de los 90 por el laboratorio neoyorquino del sello Strictly Rhythm, Van Helden ha empezado a fabricar su propia música hasta alcanzar el año pasado un rotundo éxito con el “U Don’t Know Me”, cantado por un Duane Harden que hasta ese momento trabajaba como mensajero. Ahora, ya se les conoce de sobras a los dos y seguramente volverán a aparecer pronto en escena. Basement Jaxx El último grupo británico capaz de congeniar el circuito de baile con la cultura pop, que necesita de referentes menos abstractos. En este caso, imagen pública y singles redondos coinciden en Basement Jaxx para poner de acuerdo a periodistas y aficionados. El punto de máxima comunión se llama “Red Alert” y es una demostración de que el soul se puede seguir envolviendo en los sonidos más actuales. En directo, se añaden todos los ingredientes necesarios para convertir el tema en algo aún más popular y ligero, incluida la voz femenina. En maxi, existe una versión “Miracles Keep On Playin” que aprovecha un sampler de las Jackson Sisters. Paul Johnson ¿Cómo puede un señor sentado en una silla de ruedas puede lanzar temas tan irresistibles para los pies? Este genuino exponente de la escuela de Chicago no tiene ningún problema en encontrar ritmos emparentados directamente con toda la tradición negra. Paul Johnson ha limado, en parte, sus orígenes más abruptos y ha acabado llegando con el “Get Get Down” a una audiencia mayoritaria que, seguramente, no distingue su invalidez cuando se halla detrás de una cabina. En su primera visita a Barcelona, en el Fellini de la estación de Francia, su set quedo anulado porque una revisión médica le hizo perder el avión. Mr. Oizo De realizador de vídeo de los temas de Laurent Garnier a nombre en las listas de discos más vendidos en España gracias a que “Flat Beat” se utilizó como música en un anuncio de Levi’s Sta-Prest. La factoría parisina sigue generando proyectos e incursiones puntuales en el mercado tecno-house que colocan a Francia como una de las potencias del negocio del baile. No es extraño, por tanto, que el álbum de Eric Wizz lo haya terminado distribuyendo en España la discográfica Vale Music, propensa a recopilaciones de todo tipo, en vez de la distribuidora habitual de F Communications. Moloko En julio de 1998 les silbaron para que se marcharan en el desafortunado “Colors Of The Universe” de Montjuïc. Su visión heterodoxa de la música de baile no cuadraba con tanto raver suelto. Un verano más tarde, su constancia tuvo el justo premio con la presencia permanente del remix de “Sing It Back” en la mesa de mezclas de los Djs de Ibiza. La pareja Mark Brydon/Roisin Murphy se ha movido en sus tres álbumes en los márgenes del circuito comercial, con aportaciones ocasionales a las listas de éxito, pero el trabajo del productor de garage Boris D’Iugosch ha catapultado definitivamente su personal sensibilidad a la fama. System F Escoged entre “Out of the Blue”el “Gouryella” o el “Veracocha” de Carte Blanche. Todos estos temas van firmados por el mismo personaje, el holandés Ferry Corsten, que desde Rotterdam se ha convertido en el nuevo paladín del euro-trance, un género tan vilipendiado como pinchado en buena parte de las discotecas del continente. Heredero natural del dream-house (basta mencionar el archiconocido “Children” de Robert Miles), los Djs más afamados están sucumbiendo a los encantos de esta pléyade de productores centroeuropeos que hacen de la melodía y el centrifugado recurrente su mejor reclamo. Eiffel 65 Si se concede una mayor licencia en el repertorio de piezas tarareadas de la temporada también entraría el cupo italiano, atento siempre a rentabilizar las posibilidades comerciales. Apto para todas las edades y situaciones, “Blue (Da Ba Dee)” es el estribillo por excelencia del 99/2000. Y viene de la mano de tres chicos, Lobina/Randone/Gabuti, que hacen de la frivolidad y la voz robotizada una verdadera declaración de principios. El europop de Eiffel 65 no irá demasiado lejos, pero la letra de “Blue (Da Ba Dee)” tampoco lo pretende. Presence El proyecto de Charles Webster con su grupo Presence devuelve el interés de los hits al terreno de la sofisticación mediante un particular toque británico. El encuentro entre este productor de house, exiliado durante años a San Francisco, y la característica voz de Shara Nelson (Massive Attack) da como resultado un “Sense of Danger” luminoso y aterciopelado. A pesar del avance de la electrónica y recordando la efectividad del pop, los estudios caseros no han perdido la capacidad para comunicar emociones humanas. Salomé de Bahía-Bob Sinclar El instigador del “one, two, three, four, five, six, seven, eight… and back’, o sea el archibailado “Gym Tonic” –aunque el oportunismo de los ingleses Spacedust lo transformara en “Gym And Tonic”– vuelve a la carga en el 2000. El francés Bob Sinclar, capo de la compañía Yellow Productions, se ha aliado con la diva brasileña Salomé de Bahía para dar nueva vida al “Another Star” de Steve Wonder, traducido a “Outro Lugar” en versión house. Despues de vampirizar las órdenes de Jane Fonda en sus ejercicios de aerobic, ahora es una voz autorizada quien se presta al arte de copiar y manipular como llenapistas. “Deep South” (Layo & Buschwacka!) Es un fin de trayecto con mirada al futuro, a pesar de que su single “Deep South” se haya publicado el año pasado. Es una recomendación de algo que se ha producido fuera y que todavía no ha llegado aquí. El dúo londinense Layo & Buschwacka! se presenta en agosto en el Festival de Benicàssim, lo que representa una buena oportunidad para descubrir una de las propuestas mas originales de los últimos meses. Al menos, “Deep South”, de pulsaciones bailables, pero reminiscencias del Mississíppi, así lo acredita. No hace falta que pase por Ibiza para constituir uno de los momentos más refrescantes que pueden disfrutarse. Se aceptan apuestas.


Humor_OFFmag

173 ■

TODA LA VERDAD SOBRE MARILYN MANSON

Una labor de investigación del muy mendaz Gonzalo del Castillo

Nuestro colaborador más chungo, desgraciado e hijo de puta nos ha entregado esta piltrafa que prueba su reciente adoración por Satán y las tetas de Elle McPherson. Como se pasa el día sacrificando viudas pesadas en honor a Ozzy Osbourne y Belcebú, dejando aparte su adicción al coñac y las gominolas, no ha habido manera de que nos entregue otra cosa, y esta página hay que llenarla como sea. Reciba pues, desde aquí, nuestro desprecio, alimaña inmunda, infecto, así te fuerce un mamut.

Marilyn Manson, cuyo verdadero nombre es Mariano Gálvez, nació en el año 1970 en Villarreal de los Infantes (Castellón). Ya en sus tiempos de párvulos fue expulsado de la guardería “Hernán Cortés” por aterrorizar a sus compañeros maquillado con la ayuda de plastilinas y rotuladores Carioca que les proporcionaba la maestra (a la que, por cierto, enseñó el pene). Su afición al rock data de los seis años de edad, cuando compuso la pieza “No me gustan las viejas (pero a las viejas les gusto)”, interpretada con gran escándalo en una reunión de vecinos en la escalera. El controvertido chiquillo lució para la ocasión el uniforme de Guardia Civil de su padre, se untó la cara con pastelitos de “La pantera rosa” y enganchó en ambos salientes del tricornio un pescado y una faja, provocando síncopes entre los presentes y el óbito de su abuelo, que no soportó ver la inscripción de las palabras “dadme” y “drogas” en las nalgas de su nieto (pues enseñó el culo en los bises). Fruto de estas inquietudes, Mariano Gálvez fue vendido por su progenitor a unos turistas de Illinois de paso por Mérida por una cifra aún hoy en día no desvelada. Ya en EE.UU Mariano cambió de nombre casi tantas veces como de peinado, hasta que finalmente, aconsejado por un veterano del Vietnam, optó por el alias Marilyn Manson (Marilyn por Marilyn Chambers, actriz porno protagonista de la mítica “Tras la puerta verde”, y Manson por Charles Manson, ese simpático asesino en serie que tanta simpatía me merece). No aprobó la F.P. ni encontró trabajo alguno, consagrado como estaba a celebrar misas satánicas en los descampados y sacrificios humanos con los Airgamboys. Estaba marcado por su primera masturbación, que acaeció en un confesionario de Phoenix a los diez años de edad, incitado al parecer por un óleo al natural de William Cody, más conocido como Buffalo Bill. Pasó el tiempo y el angelito llegó a la edad adulta. Exento del servicio militar por razones obvias, Marilyn Manson grabó su primer larga duración bajo el título “Dejad que los niños se acerquen a mí (que verán)”, un éxito de crítica y público hasta que se descubrió que poniendo el disco al revés se oían en andaluz himnos hitlerianos y diversos cantos del urogallo en celo. Fue inmediatamente retirado del mercado y su autor ingresado en prisión, donde docenas de negros rabiosos le abrieron el culo ciento y una vez. Quizás resentido, Mariano Gálvez grabó su obra más aclamada, “Anticristo Madagascar”, una oda al Diablo, la locura, las deformidades, los insectos, y los repartidores de correo comercial. El videoclip “Cómo me ponen las viudas de los bingos”, en el que aparecían Rossy de Palma, Cher y Whitney Houston en francas actitudes lésbicas con un pingüino (hembra), fue censurado en todo el mundo y costó el reingreso en prisión de Marilyn, extraordinariamente recibido por sus numerosos compañeros de color. Tras esta experiencia grabó algunos discos, pero ya nunca más fue el mismo (andando). En la actualidad, el cantante ultima su próximo LP, “Live in Alcatraz: I can not sit anymore”, mientras sus empresas de exportación de azufre prosperan a un ritmo insospechado. Forma parte ya de la cultura popular yanqui, al extremo de que es fácil escuchar en los hogares de Chicago, Idaho o Massachussets frases como «acuéstate ya o vendrá Marilyn Manson» o «Papá, si me quedo destapado por la noche, ¿me comerá los brazos Marilyn Manson?» (por no mencionar el típico «papá, ¿quién está en el armario?», «es el hombre del saco, hijo», «uf, qué susto, creía que era Marilyn Manson»). Para terminar esta biografía escrita con un lapicero en el culo (no tengo brazos ni piernas, y merecido me lo tengo por follarme a la esposa del charcutero) señalaré que una de las intervenciones más sonadas de Marilyn Manson tuvo lugar en la Festa Major de Granollers, donde escupió al alcalde y se negó a ser teloneado por la colla sardanista Els Tarugs. Por si fuera poco, se negó a cantar en catalán sus éxitos y dio vivas al Real Madrid y al Español. Qué cabrón. (Su padre reniega de él, su madre está enferma de los dijustos y su novia no gana para pomadas. Desde su muro, Marilyn Manson se ríe misterioso. ¿Por qué? Aunque me hizo jurar el secreto, revelaré que ha amaestrado a sus ladillas para que le cosquilleen el perineo. Lo siento, maestro).

Tira_OFFmag

por Juanjo Sáez


moda_OFFmag

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La_bête Traje chaqueta de Divina para Roser Francesc. Pañuelo de seda de Recicla Recicla. Zapatos Free Lance para Lola Bou.


Vestido John Bartlett para Zona Eleven. Zapatos Miu Miu para Lola Bou.


Vestido de Glow Star, chaqueta Joseph Font para Roser Francesc y sandalias Versace para Zona Eleven.

La_bĂŞte


Fotografia: Nacho Juárez y Francesc Vilallonga (Natzeska Studio) / Estilismo: Isa Isla y Juan Carlos Gros / Peluquería y Maquillaje: Esther Zaragoza para Servimatge / Modelos: Ela Peron (La Agencia) y Andrea (Options by Francina)

Camisa de Loft Avignon y braguita de Glow Star. El disfraz de gorila es de Menkes.

Agradecimientos a Lluïsot por sus muñecos y atrezzo. Teléfonos de información: Café Princesa, 93 268 15 18 / Glow Star, 93 200 15 74 Lola Bou, 93 201 42 39 / Loft Avignon, 93 412 59 10 Menkes, 93 318 86 47 / Recicla Recicla, 93 443 18 15 Roser Francesc, 93 459 14 53 / Zona Eleven, 93 414 47 21 Re-Born, Flassaders 23 (Bcn)

La_bête


Internet_OFFmag

184 texto .Marc Prades

100.000 Retinas, el colectivo que organiza las deliciosas sesiones de cine inédito en V.O.S.E. en la Sala Apolo, ataca de nuevo con la segunda edición de la Muestra de Cine Asiático de Barcelona, una propuesta única en su especialidad en España y prácticamente en Europa. Y es que no nos cansaremos nunca de alabar las iniciativas que parten de las buenas ideas y no de las aburridas cabezas pensantes públicas.

“Beshkempir”, de Aktan Abdykalykov, es la primera película producida en Kirguizistán.

Fiebre_ amarilla

El país invitado vuelve a ser, como no, Japón. La fijación por este país ya empieza a ser patológica, aunque no por eso la enfermedad es despreciable. Al contrario, parece del todo justificable. Y a diferencia de la edición anterior el repaso abarca toda la década de los noventa, la más extraorinaria y expansiva de su extraordinario nuevo cine. El cine japonés de los 90 ya no es aquél que vivía casi monográficamente de la tradición milenaria nipona de un Kurosawa, un Mizoguchi o de un maestro como Ozu. El advenimiento de esa figura mediática nipona a lo Gran Wyoming llamado Takeshi Kitano (tan canalla como Harvey Keitel pero tan ingenioso como cualquiera de los guionistas de “Humor Amarillo”, programa del que es creador), fue un signo de alerta para los más modernos de la platea. Japón y cualquier rincón asiático cepillado por el rodillo occidental está de moda, tanto moral como estéticamente, y si no, repasen las editoriales de moda de las revistas más tontas del circo editorial de aquí. Quien no pique es que es tonto. La panorámica incluye “Scene at the Sea” (91) de Kitano, y “Many Happy Returns” (93) de Toshiro Teuma (ayudante de dirección de Kitano, autor a la vez de la novela en

Imagen de “Fallen Angels”, de Wong Kar-wai

la que se inspira el film) “800 Two Lap Runners” de Ryuichi Hiroki (un filme para adolescentes tipo “Al salir de clase” con canciones pop que encandilarán a una que yo me sé), “Gamera: The Guardian of the Universe” (95) de Shusuke Kaneko, nueva resurrección del clásico monstruo japonés compañero de fatigas de Godzilla o “Nowhere Man” (94) dirigida por el mítico actor Naoto Takenaka, conocido por sus turbadores experimentos en 8 mm. .Directores multipremiados La Sección Oficial no competitiva, con sede en la Sala Apolo, se inaugura con una obra del genial Wong Kar-Wai: “Fallen Angels” (95). El director de “Chunking Express” (94), el filme que Quentin Tarantino ayudó a distribuir por todo el mundo con rotundo éxito, autor de la también premiadísma “Happy Together” (97), mejor dirección en Cannes, representa lo más indie del cine producido en Hong Kong, auténtico motor junto con Japón y Singapur de la industria cinematográfica asiática (dejando a parte la India, un imperio de todo a cien con una producción igual o mayor que la de Hollywood). Las diez películas que incluye la Sección Oficial son una exquisita muestra de lo que sucede en las áreas más representativas de la región: China, India, Taiwán, Singapur, Kirguizistán y Corea. No hace falta decir que casi todos los directores que se presentan llevan a las espaldas los mejores y más prestigiosos premios festivaleros europeos . Del chino Zhang Yang (autor del filme recién estrenado “La ducha”, podremos ver su ópera prima “Spicy Love Soup” (97): centros comerciales, yuppies, adolescentes y bloques de edificios, nada

lo mejor del cine asiático, a tu alcance ■

que ver con la imagen del cine chino. Del japonés Yoichiro Takahashi veremos “Fishes in August” (99), la película que se llevó el Premio a la Mejor Dirección Novel del último Festival San Sebastián, filme de iniciación a la edad adulta protagonizado por un grupo de escolares deportistas lejos de sus queridos Oliver y Benji. Del chino Zhang Yuan: “Seventeen Years”, Premio al Mejor Director del último Venecia y del Festival de Gijón, extraordinario melodrama que puede recordar a la magnífica “La vida soñada de los ángeles”. Y del director nacido en Hong-Kong pero criado en Bélgica Yu Lik-Wai, veremos “Love will Tear us Apart” (99), un título más que alusivo a la célebre canción de Joy Division protagonizada por la estrella china Tony Leung. Para completar la muestra, el espacio Anime (situado en Abaixadors Deu), nos presentará una pequeña dosis del mejor cine de animación nipón con títulos como “Black Jack” de Osamu Tezuka o “Mi vecino Totori” de Hayao Miyazaki. Se incluyen sesiones sorpresa y para cerrar se proyectarán dos de las obras más representativas del cine asiático de los 90: “Keep Cool” de Zhang Yimou, y la extraordinaria obra cumbre de “Beat” Kitano, “Hana-Bi”. Una ocasión como ésta, mimada con el habitual cariño de 100.000 retinas, no merece ser desaprovechada por nadie que presuma de tener un poquitín de buen gusto. Haz el favor de no perdértelo.


No Sell Out.

¡ YA A LA VENTA !

GOOD LOOKING RECORDS GLRAA001

LOGICAL PROGRESSION LEVEL 1 GLRCD001

PROGRESSION SESSIONS VOLUME 4 GLRPS004

EARTH VOLUME 1 EARTHCD001

“It’s all a matter of opinion”

Masterdance es una división de MASTERTRAX S.L. C/Julián Camarillo, 26 Madrid 28037 Tel: 91 304 95 17 Fax: 91 304 98 25 www.mastertrax.com/dance

glo.uk.com


Richard Ashcroft (Líder de The Verve)

DI S C O A LA VEN T A

1 9

J U NIO

2 0 0 0

SINGLE YA A LA VENTA

“A Song For The Lovers”

www.virgin-records.es


Internet_OFFmag

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por Felipe Gómez

Yo soy joven. Yo soy más. Yo soy inquieto. Yo soy más. Yo soy internauta. Yo soy… Esto podría pasar por un ejercicio de egolatría, pero sólo es un remedo de la espectacular campaña con la que se ha dado a conocer eresMas, el nuevo portal de Retevisión que todos los internautas tenéis la obligación de visitar. Los anuncios son reveladores del público al que va dirigido el portal: gente joven, dinámica, con ganas de encontrar de una vez por todas una información pensada específicamente para la gente que más utiliza la red. Frente a la seriedad y el aburrimiento de otros portales, eresMas ofrece un diseño atractivo y el tratamiento de contenidos es el más divertido de los portales de habla hispana. En eresMas encontraréis irreverentes entrevistas exclusivas, suculentos cara a cara, concursos de imitadores y reportajes descacharrantes. Desde su página principal, www.eresmas.com, podréis acceder a todo el mundo de la cultura: enlaces con páginas de música con los pertinentes archivos de MP3; de cine en las que poder ver los trailers de las películas meses antes de su estreno; del corazón, con las animaladas de todo el circo de la “gente guapa”… A lo dicho anteriormente tenemos que sumarle la principal virtud de su predecesor Alehop: eresMas sigue siendo el acceso más rápido a Internet. (Lo he contado, en este artículo he escrito diez veces el adverbio más. Tal vez mi mente todavía está afectada por la sicalíptica visión de una mujer tras la mirilla de una puerta susurrando “Yo soy una fisgona” seguida de un onírico fondo azul y una voz en off que reza “eresMas, el lugar en el que vas a poder ser más”).

Videojuegos_OFFmag por J.M. Bejarano AM3/ Sega. Entorno: Dreamcast. Una forma como otra cualquiera de hacer el gamberro. No se trata de atropellar gatos o ancianitas como en “Carmaggedon 2”, ni de robar bancos como en “Grand Theft Auto”, el tono de “Crazy Taxi” es menos cafre y más cercano a la travesura. Bajo un ritmo frenético empobrecido por las nefastas posibilidades del mando de la Dreamcast (los señores de Sega ahí NO han estado a la altura de sus millonarias posibilidades) “Crazy Taxi” evoca la montaña de juegos que basan su diversión en montarte en coche y correr como un loco, de ahí el 50% de su nombre. La otra mitad resulta de la profesión del conductor, porque aquí la máquina no es la protagonista absoluta, cuatro taxistas se convierten en parte importante de la historia, acelerando de manera exagerada, saltando por encima de fuentes públicas, conduciendo contra dirección; todo vale para llegar a tiempo y recibir hasta la propina de un cliente muchas veces cómplice.

FINAL FANTASY VIII

Infogrames. Entorno: PlayStation y Dreamcast Partirle la cara a algún semejante es a veces inevitable. Cada vez surgen más motivos para pasar a la acción, abunda tanta tontería en este mundo que “Ready 2 Rumble” puede llegar a ser una obra de consulta. Dieciséis personajes donde poder encarnarse, cada uno tiene personalidad propia y se mueven que da gusto: Jimmy Blood es un fiera cubierta de tatuajes, Ángel Rivera un salvaje latino sediento de venganza, Salua Tua un luchador de sumo reciclado, Lulú Valentine una pija universitaria veloz y traicionera, Afro Thunder (en la foto) es un ex taxista aficionado a imitar a Tony Manero. Si alguno te cae mal lo eliges de contrincante y a ver qué pasa. Ganar por K.O. depende mas de cómo te defiendas con el engorroso mando de la Dream que de tu alma depravada. “Ready 2 Rumble” puede conseguir dos cosas: lucrar los bolsillos de una Sega rediviva y hacerte morder la lona unas cuantas veces.

CRAZY TAXI

Squaresoft. Entorno: Playstation y PC La sociedad continúa parapetandose en frágiles coartadas morales, y ahora culpa a un juego tan ingenuo como “Final Fantasy” de ser el origen de la escabechina que un adolescente murciano cometió contra su familia hace poco más de un mes. Aquel muchacho les cortó la cabeza con una katana. Después de comprobar cuan pésima es la conversión a PC de un juego que corre cien veces mejor en la Play, mas de uno ha debido tener un impulso “murciano”, después de esperar un año con el PC en standby para recibir ésto. Suponemos que Square ha tomado buena nota del macabro drama originado por uno de sus productos en la huerta mediterránea, los capítulos “Final Fantasy X” y “XI” traerán novedades a la saga, desde la incorporación (por fin!) de la visión en primera persona a la posibilidad de jugar en red. España, una vez más, demuestra ser capaz de influir decisivamente en la historia de la humanidad.

READY 2 RUMBLE


libros_OFFmag

188 QUE SALGA YA QUE EL PÚBLICO SE VA… Mason y Dixon, Thomas Pynchon. tusquets

Que somos esclavos de nuestras palabras y dueños de nuestros silencios es tan cierto como que para lograr que todo el mundo se muera por saber quién eres sólo hace falta esconderte del ojo público. Pero como de lo que se trata es de “Mason y Dixon”, el libro, y no de quién leches es este misterioso Thomas Pynchon, pues me centraré en lo que importa: el quinto libro de este (supuesto) ex alumno de Nabokov pesa 1’1 kilos, se extiende a lo largo de 958 páginas y no incluye la foto del autor. Empieza con las palabras «Los copos de nieve» y acaba con «Y tú también». En medio, personajes barrocos y heterogéneos, perros que hablan, conspiraciones, delirios paranoicos, misterios a resolver para los adictos a los juegos de rol y mucha parodia histórica. 1.000 páginas dan para mucho y no le íbamos a pedir menos a Pynchon: sólo faltaría que después del monumental cipostio montado a su alrededor fuera mal escritor. Cristian Campos

IDEAS MAL EXPRESADAS Mala Saña, Daniel Múgica.

plaza&janés

Aquí lo único que está escrito con mala saña es el propio libro: el estilo es excesivamente barroco y cuesta seguir el argumento. Y es una pena porque la idea es buena: una ciudad imaginaria gobernada por un dictador, dos bandas mafiosas enfrentadas y tres criminales con un triste pasado son los elementos que vertebran la última obra de Daniel Múgica. A todo esto se añaden algunos oasis de excelente prosa y buenas descripciones entre el desconcertante desierto narrativo, cortesía del autor, y una galería de personajes secundarios que podría haber dado mucho más de sí. Por otro lado, la crítica social en forma de mundo-marcado-por-el-pensamientoúnico-y-la-violencia-callejera es una poco original simbiosis entre “1984” de George Orwell y “La naranja mecánica de Anthony Burgess”. Pese a los reproches y su difícil inicio, lo increíble es que el autor de “Corazón negro” consigue captar el interés de los lectores supervivientes a sus enrevesadas explicaciones y a su nihilismo de mercadillo. Federico Navarro

LA GUERRA, ESA GRAN VIRTUD HUMANA La tumba de las luciérnagas. Las algas americanas Akiyuki Nosaka.

el acantilado

Hay en la escasa literatura japonesa de posguerra a la que tenemos acceso un denominador común: una luz malévola y letal de gran intensidad que hiere los ojos y oxida la memoria. Un grito silencioso, como lo ha llamado el Nobel Kenzaburo Oé, del tamaño de un hongo atómico, que actúa como un tutor oculto y exigente de todas las historias. Sobre él también giran las dos narraciones de Akiyuki Nosaka, en las que aborda con minuciosidad la historia reciente de la isla. “Las algas americanas” es una certera recreación de los contradictorios sentimientos de rencor, admiración y culpa del pueblo japonés con respecto a los americanos vencedores en la contienda bélica. “La tumba de las luciérnagas” alcanza el grado de obra memorable. Un relato de la fatalidad y el desamparo a los que se ven condenados dos huerfanitos en el Kobe cercado por el hambre pertinaz y las bombas de los B-29. El poético ocaso de dos seres angelicales, narrado con una contención poética y verismo agridulces que hielan el alma. Testimonio desgarrado de que el ser humano puede conducir el horror hasta eficaces cotas de profundidad y vergüenza. Quim Pérez

EDUCACIÓN SENTIMENTAL MODERNA Junto al pianista, David Leavitt. anagrama En la espinosa tarea de inventar tu propio lugar en el escenario de variedades que es la vida encontramos a Paul Porterfield, un chico de dieciocho años con un talento para el piano que le tiene guardadas algunas sorpresas. Así, un cóctel de celebridades, representantes de artistas, madres abandonadas por maridos infieles, grupos de ayuda para madres de hijos homosexuales y mucha música clásica son los ingredientes que combina David Leavitt con ligereza y dramatismo; que es una combinación estupenda para salir adelante y superar decepciones y demás avatares. Pero Paul sólo es el punto de partida de la novela, pues se trata de una historia coral, en la que priman los conflictos y los encuentros de las relaciones humanas que tan bien definió Woody Allen en “Annie Hall” con el chiste que cierra la película («Doctor, mi hermano está loco, cree que es una gallina» y el doctor responde: «¿y por qué no lo mete en un manicomio» Y el tipo dice «lo haría pero necesito los huevos»). Las relaciones son irracionales y locas y absurdas, pero las continuamos manteniendo porque la mayoría necesitamos los huevos. Chabela Díaz

LA LIBERTAD DE LOS EXTRAÑOS Para el alivio de insoportables impulsos, Nathan Englander.

lumen

Ser judío ha significado ser muchas cosas durante dos milenios, pero sin duda hay una que jamás ha sido su equivalente: ser libre. Los ghettos, los pogromos, el Holocausto… Pero démosle la vuelta. Como toda religión que se precie, los judíos han sido prisioneros también de sus ritos, de sus costumbres, de sus dogmas. Todas estas ataduras han dado lugar a “Para el alivio de insoportables impulsos”, un libro de nueve cuentos que exploran los límites de la libertad humana mezclando de manera brillante horror y humor. Una suerte de congreso de literatura yiddish protagonizado por escritores rusos judíos encarcelados por Stalin para ser fusilados, un grupo de prisioneros del gheto de Varsovia que suben al tren equivocado y acaban de saltimbanquis en un teatro nazi… Peripecias surrealistas que sirven para entrar en contacto con el otro, con el extraño, para comparar sus diferentes raseros y las inamovibles razones que llevan a cada uno a actuar de un modo que nunca se ha cuestionado y que, sobre todo, obligan a elegir, a veces por vez primera, pero siempre con la dignidad indispensable para ser libre. Christian Barranco



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