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Dirección: Rubén Vidal Dirección de arte y diseño gráfico: Ocimag Publicidad y márketing: Sandra Montosa Contenidos moda y redacción: Rosario Muñoz Contenidos música: Sandra Montosa Contenidos diseño y arte: Tactelgraphics Colaboradores: Half Nelson, Vidal Romero, Bruno Garca, Manu González, Agustín Velasco, Javier Burgueño, Nadia Leal, Luis Costa Portada y staff: fotografía Andoni Beristain, estilismo Judit Melis, modelo Kristina Malevych de Fifth Models. Posproducción foto portada Silvia Filgueiras. Posproducción foto staff: Andoni Beristain. Look foto de portada: camisa Element Keith Haring. Foto staff: Nike Air Vapormax Plus cortesía de Sivasdescalzo Edición: José Miguel Torrente Distribución: Ocimag Publicidad: publicidad@ocimagazine.es Información: info@ocimagazine.es Tel.: +34 962 971 002 Edita: Rubén Vidal. Depósito legal: V-4859-2008. ISSN 2603-6584 OCIMAG #76, edición de septiembre, octubre y noviembre de 2018. OCIMAG no se hace responsable de las opiniones de sus colaboradores. Queda terminantemente prohibida la reproducción total o parcial de cualquier contenido escrito o gráfico aparecido en esta publicación o en su versión online sin la autorización expresa y por escrito del director www.ocimag.com


Sumario MODA 4. Noticias moda. 6. Jeff Staple / entrevista. 8. Marc Strap / entrevista. 10. Nova by Herschel Supply Company. MÚSICA 20. Noticias música. 22. Territoire / entrevista. 24. Wooden Shjips / entrevista. 26. Mira 2018. 28. Fanzine Project. 30. RazzLive 2018. 32. Jon Hopkins / entrevista. 34. The Limiñanas / entrevista. 36. Spiritualized / entrevista. 38. Nuevos lanzamientos. DISEÑO 40. Noticias diseño y proyectos. 42. Playmodes / entrevista. 44. Naranjo-Etxeberria / entrevista. 46. bitbump. FOTOGRAFÍA 12. Oscar Matt / entrevista. ARTE 48. Noticias arte. 50. Raphaël Barontini / entrevista. 52. Mori Building Digital Art Museum. 54. Arte y expos.


NOTICIAS MODA

WRANGLER X VANS

LEVI’S SKATE X POETIC COLLECTIVE

Si eres fan de la nostalgia, el old school, el denim y el diseño atemporal, sin duda esta es la colección que estabas esperando. La emblemática marca americana de denim Wrangler ha colaborado con Vans para lanzar una colección exclusiva que aporta una nueva visión a las siluetas clásicas. Ambas marcas llevan décadas promoviendo un estilo y una personalidad sinónimos de autenticidad atemporal, y perfeccionando además su oferta gracias a su rico legado. Wrangler x Vans es una cápsula prémium envuelta en la emblemática herencia de ambas firmas. Sin duda, una colección de esas en las que cada prenda es, desde el momento mismo de su creación, una pieza única para coleccionar. wrangler.com

Cuando el largo, frío y oscuro invierno sueco llega a su fin comienza la temporada de skateboarding en la ciudad de Estocolmo. El sol brilla en un cielo despejado y azul, mientras Simon Källkvist, Johan Bergljung, Samuel Norgren, Nils Lilja, Peter Johansson, Klas Andersson y Tom Botwid patinan alrededor de la ciudad que flota sobre el agua en el edit de skate On Land, presentado por Levi's Skateboarding y la marca Poetic Collective. La nueva colección creada en colaboración por ambas marcas incluye como novedad el icónico 501 realizado con denim más resistente y la pana como tejido en pantalones y chaquetas. Durabilidad y resistencia excepcional para largas sesiones de skate. www.levi.com

SEEK 2019

ADIDAS ORIGINALS P.O.D SYSTEM

SEEK es la feria de moda contemporánea que tendrá lugar en Berlín del 15 al 17 de enero de 2019, en la que será su décima edición. Un punto de encuentro para compradores y marcas que trabajan los conceptos avanzados del sportswear, los nuevos clásicos, las colecciones de diseñadores de autor y el streetwear de gama alta. SEEK se presenta como una de las voces de la cultura street, un espacio singular en el que los visionarios del sector podrán conocerse y compartir valores, ambiciones y objetivos. El evento pone énfasis en la autonomía, el sentimiento antitendencia, la tradición y la procedencia. Uno de los epicentros de la cultura streetwear, referencia en Europa. www.seekexhibitions.com

‘Great alone, better together’ es el lema con el que adidas Originals ha lanzado la actualización de la silueta P.O.D System, combinando nostalgia y progresión para acompañar la libertad de movimientos que caracteriza a la P.O.D S3.1. El protagonista es el nuevo colorway en negro y blanco –además de gris y rosa lavanda–, junto a una novedosa parte superior reforzada con tejido de punto y la suela que combina la tecnología EVA, el conocido BOOST y el sistema Point of Deflection. Un tratamiento minimalista en un claro homenaje al estilo futurista de la zapatilla, que consigue conjugar con éxito el diseño referencial y la tecnología contemporánea. Una de las siluetas más destacadas de 2018. www.adidas.es

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NOTICIAS MODA

PUMA X ADER ERROR

ELEMENT KEITH HARING

Fundada en 2014 como colectivo de arte y diseño, ADER ERROR es una marca con sede en Seúl que en apenas cuatro años ha alcanzado el éxito internacional. Esta temporada PUMA colabora con la marca coreana para darle a sus clásicos modelos un toque futuro. Siguiendo su lema ‘But Near Missed Things’, con el que replantean y mezclan lo mundano para crear algo inesperado y hermoso, ADER ERROR aporta su estética innovadora y la fusiona con su afición por la nostalgia en los nuevos modelos RS-0, RS100 y en las míticas Puma Suede. Una colección única que combina elementos de diseño moderno y retro, y se inspira en historias de cambio y reinvención. Retrofuturo sin género. puma.com

Element Keith Haring es la nueva colección cápsula que la marca de skate ha lanzado en colaboración con Artestar, una agencia de licencias global. Element vuelve a situar el arte sobre ruedas con esta colección que une skate y arte urbano para rendir homenaje a Keith Haring y a su arte, que floreció en las calles del downtown de Nueva York durante los años 80. La colección está compuesta por tablas de skate, camisetas, sudaderas, impermeables, chaquetas, zapas y accesorios, una completa gama de productos sobre los que se ha aplicado la inconfundible obra del artista, en la paleta de color clásica de la marca: rojo, blanco y negro. Universo simbólico y gráfico inconfundibles en clave skate. elementbrand.com

NIKE SPORT PACK

REEF DISCOVERY

Nike Sportswear distorsiona los límites del deporte para dar paso a un nuevo lenguaje de expresión creativa. La colección Nike Sport Pack recoge la nostalgia noventera para construir una serie de piezas nacidas de la energía y la emoción del deporte. Gráficos, tejidos y formas hacen referencia tanto a detalles clásicos como al diseño contemporáneo, haciendo alusión a la propia historia de Nike. La colección se compone de camisetas, sudaderas, chaquetas deportivas, joggers, una bómber extralarge y una riñonera, piezas perfectas para utilizar en el día a día. Como detalle importante, el logo de NSW Futura se desdibuja, para representar la naturaleza revolucionaria de la colección Nike Sport Pack. www.nike.com

Rob Machado, uno de los mejores surfistas del mundo y gran activista, ha sido el encargado de diseñar lo último de Reef. Se trata de las nuevas Reef Discovery, unas zapatillas de paseo que combinan una silueta versátil al estilo casual y una tecnología que ofrece niveles atléticos de comodidad. Siguiendo la estética del beach lifestyle, las Discovery fusionan las últimas tendencias técnicas del calzado deportivo con la comodidad de un estilo ligero y transpirable diseñado con tecnología pensada para surfistas. La tecnología Cushion Bounce ofrece un soporte de arco anatómico, y la suela de tracción Swellular proporciona el máximo agarre tanto en los acantilados costeros como en el asfalto. www.reef.com

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J E F F S TA P L E STAPLE PIGEON ES PROBABLEMENTE UNA DE LAS PRIMERAS MARCAS DE STREETWEAR DE LA ESCENA, Y UN REFERENTE DE LA CULTURA STREET A NIVEL MUNDIAL. HABLAMOS CON JEFF STAPLE, FUNDADOR Y DISEÑADOR DE LA MARCA, QUE ENTRE VIAJES DE NEGOCIOS, REUNIONES Y FIRMAS DE ACUERDOS HA TENIDO LA AMABILIDAD DE SACAR TIEMPO PARA CONTARNOS SU VISIÓN DEL STREETWEAR, LA HISTORIA DETRÁS DEL LOGO DE LA PALOMA Y CÓMO VIVIÓ AQUEL MOMENTO HISTÓRICO DEL LANZAMIENTO DE LAS DUNK PIGEON EN NUEVA YORK, LANZAMIENTO QUE PROPICIÓ LOS PRIMEROS DISTURBIOS RELACIONADOS CON LA VENTA DE UN MODELO DE ZAPATILLAS EN LA HISTORIA DE LA CULTURA SNEAKER HACE TRECE AÑOS. HUBO DETENCIONES Y LA NOTICIA ACAPARÓ LAS PRIMERAS PÁGINAS DE LOS TABLOIDES: SE TRATABA DE LAS NIKE SB PIGEON DUNK LOW, UNA DE LAS COLABORACIONES ESTRELLA DE NIKE. Entrevista: Rosario Muñoz

Streetwear no es solo una etiqueta para clasificar un estilo: es una cultura completa que incluye música, arte, diseño, skateboard, moda, sneakers... ¿Durará por siempre? Creo que este estilo de vida definitivamente durará por siempre, porque la ropa y la cultura de la calle van a ser más grandes que todas las formas de arte que mencionaste. Es como si abarcara todas esas cosas. Creo que es bueno sobrevivir y superar a todas las demás culturas. Staple Pigeon es un referente internacional en la cultura de la calle, por la forma en que fue lanzado y por todos los logros alcanzados hasta ahora. ¿Cómo se gestiona una marca como esta? Staple lleva 21 años en la industria. Hay muchos actores clave involucrados en este negocio y creo que la manera de gestionarlo con éxito es que cada parte sea responsable de su propia división en particular. Ya se trate de diseño, fabricación o ventas y marketing, incluso hasta el departamento de envío y logística, todo está muy cuidadosamente orquestado y cuando todos hacen su trabajo, entonces tienes esta increíble empresa/marca. No es muy diferente a tener un equipo deportivo donde cada jugador debe tener su rol: si una persona no hace su trabajo, todo el equipo se derrumba. Así es como funcionará con éxito durante todos estos años. ¿Cuál es la historia detrás de Pigeon? Para mí The Pigeon es la mascota no oficial de la ciudad de Nueva York. Creo que es un pájaro que representa perfectamente el ajetreo y el espíritu implacable que tienen los neoyorquinos y todas las personas que viven en ciudades: experimentan el mismo ajetreo para sobrevivir. Además, siempre he querido un animal como logo para mi marca. Miro al caballo de polo y sé que es Ralph

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Lauren, como Lacoste con el cocodrilo. Siempre me han gustado las marcas que tienen animales unidos a ellas. The Pigeon es el símbolo que adoptamos en 2003, y ha sido nuestra mascota desde entonces. En 2005, apenas siete años después de entrar en el juego del streetwear, Nike llamó a tu puerta para una colaboración, y nació la icónica Nike SB Pigeon Dunk Low. Háblanos sobre ese momento memorable en la historia de la cultura de las sneakers, la venta de las Pigeon Dunk en la tienda de Orchard Street, y la revolución que supuso el hecho de que un gran grupo de adultos estuvieran esperando toda la noche, bajo el frío de Nueva York, para comprar un par de zapatillas. ¿Cuál fue tu reacción? ¿Alguna vez imaginaste que algo así podría pasar? Bueno, en realidad antes de eso, quizá tres o cuatro años después de que comenzáramos con la marca, ya estábamos trabajando con Nike en otros proyectos: hicimos otras zapatillas y muchos productos de diseño juntos. Entonces, cuando nos pidieron que hiciéramos otro Dunk, ya teníamos una buena relación con ellos. Recuerdo el momento en que nos propusieron diseñar unas zapatillas dedicadas a la ciudad de Nueva York. Fue el momento perfecto para lanzar nuestro icono de la paloma al mundo. Ahí es donde mucha gente usa el término ‘planetas alineados’, y es justo lo que fue: se alinearon los planetas, ¡porque ese proyecto podía cambiar el mundo de las sneakers y el mundo de la moda! ¡Fue una verdadera sorpresa para mí que la gente hiciera cola para comprar esta zapatilla! La misma mañana del lanzamiento, cuando vi a toda la gente allí, me quedé en shock. Y luego vino la policía y comenzó a convertirse en una situación muy peligrosa.


Cuando estás en el ojo de la tormenta, solo tratas de procesarla y sobrevivir. Pude reflexionar sobre ello y comprender que había sido una situación muy loca. Piensas que la gente se olvidará, que el hype terminará. Las Dunk Pigeon eran unas zapatillas de 80 dólares, 100 en una venta al por menor, pero un par de días más tarde ya eran 700, 800 y mil dólares. Yo siempre pensé que el hype acabaría por desaparecer, pero nunca lo hizo y el precio siguió subiendo en las reventas... ¡Hasta tal punto que ahora cuesta diez mil dólares! Lo que sucedió es de verdad como una bendición. Es increíble que haya perdurado, y se ha convertido en el clásico que conoces. ¿Qué es Reed’s Space? ¿Cuándo lo abriste? ¿Cuál fue tu motivación? Reed's Space fue mi concepto de venta minorista multibanda. Lo abrimos en diciembre de 2001 y la motivación allí fue realmente crear un espacio donde todos mis amigos que tenían marcas y proyectos creativos pudieran tener un hogar. Un lugar donde vender cosas, mostrar sus pasiones y también un espacio cultural donde compartir ideas. Exposiciones de arte, charlas, lanzamientos y todo lo demás. Era como una mitad tienda y una mitad un centro cultural comunitario. Describe al consumidor de Staple Pigeon. Creo que el consumidor básico de Staple es el chaval metido en la cultura de la calle y también un adulto. La marca tiene ahora 21 años: si te has criado en los años 80 y 90, ahora eres un adulto, casado y tienes hijos. Puedes identificarte perfectamente con la marca, y también pueden las nuevas generaciones que están entrando en el juego. Aún hoy, los chavales que están en Staple me dicen que ni siquiera habían nacido

cuando salieron las Dunk Pigeon. Así que estamos capturando a esa nueva audiencia también. ¡Staple Pigeon para todos, jóvenes y viejos! ¿Cómo gestionas colaborar con todas las marcas líderes en la escena sneaker sin perder la identidad de Staple Pigeon? Eso es justo lo que significa una colaboración, una unión de mentes 50/50. Una buena colaboración es donde ambas marcas ponen algo sobre la mesa, y nadie es eclipsado por la otra marca. Es importante ser capaz de no inclinar la balanza sobre uno mismo, a pesar de ser una de las marcas implicadas, aunque parezca que sería ventajoso. Creo que la razón por la que tenemos esta longevidad y la razón por la que hay tantas marcas que quieren trabajar con nosotros es porque saben que de manera innata he dominado el arte de la colaboración. ¿Qué significa la ciudad de Nueva York para ti y tu marca? La ciudad de Nueva York es el alma de Staple, más del 50% del éxito de todo lo que hago es gracias a Nueva York. Y es por eso por lo que que aunque viaje por todo el mundo y visite muchas ciudades, Nueva York sigue siendo el lugar para mí. ¿Qué hay en tu lista de reproducción ahora mismo? Últimamente he estado escuchando a un nuevo artista llamado Definitive Sound, o Def Sound. También escucho a Anderson PAAK, de Los Ángeles, a Leon Bridges y a un músico de jazz llamado Kamasi Washington. Me gusta el rollo soulful. En realidad no escucho para nada el hip hop trap que es tan popular hoy en día, y desde luego tampoco escucho el pop que suena en la radio. Solo necesito algo un poco más subliminal y surrealista. ¡Y, definitivamente, amo a Kendrick y a su trabajo! www.stapledesign.com

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M ARC

ST RAP

HAY PASIONES QUE COMIENZAN DESDE UNA EDAD TEMPRANA Y QUE MARCAN LAS ETAPAS DE UNA VIDA. ES EL CASO DE MARC SANZ, QUIEN CON APENAS DIEZ AÑOS QUERÍA SER “EL QUE VENDE NIKE A DEPORTES ARNAU”. ESA CURIOSIDAD INNATA POR LAS NOVEDADES EN MATERIA DE ZAPATILLAS Y LA CUALIDAD DE DETECTAR LAS JOYAS DEL MERCADO ALIMENTARON UNA PASIÓN QUE DIO PASO A STRAP, UNA DE LAS TIENDAS DE REFERENCIA EN LA ESCENA SNEAKER Y LA CULTURA STREET A NIVEL NACIONAL. CHARLAMOS CON ÉL Y, NOS DAMOS CUENTA, ES TODO CUESTIÓN DE PASIÓN Y AUTENTICIDAD. Entrevista: Rosario Muñoz

Hace diez años abriste la primera tienda Strap en Valencia. ¿Cuál era el escenario de la cultura street de la ciudad por aquel entonces? Estaban Número 1 y Blow B, y el nivel de conocimiento de la escena era escaso. Se empezaban a ver cositas por la calle, pero nada que ver con cualquier ciudad europea. En Barcelona ya hacía dos años que habían abierto 24 Kilates y Limiteditions. ¿Qué opinas de la escena en la actualidad? Pienso que está un poco saturada. La caída en picado del deporte con la entrada de los Decathlon y compañía ha provocado que las marcas tengan que mantener sus cifras y han abierto demasiado el abanico, hasta llegar a desvirtuar la movida. Nosotros solo podemos seguir mirando hacia delante y mantenernos en nuestra posición. Al final, tiendas como Strap, 24 Kilates o Nigra Mercato, entre otras, ofrecemos una experiencia de compra y una atención de calidad al cliente que difiere mucho de la que puedan recibir en una franquicia o en una gran superficie. A la gente le mola venir a la tienda y charlar un rato de zapas, acudir a eventos molones o de vez en cuando recibir un detallito... This is how we do it! Y a nivel nacional, tras la desaparición del Bread & Butter en España, ¿no echas de menos un evento específico que dé cabida a esta cultura? El tema del Bread & Butter fue un palo, sobre todo para Barcelona. Aprovechabas para ver a colegas, descubrir marcas nuevas, hacer pedido con las habituales y acudir a eventos que jamás se habían visto en España. A día de hoy hay un par de citas enfocadas a la venta e intercambio de sneakers, pero se echa de menos un espacio de esa magnitud

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porque las sinergias que se crearon en Bread & Butter siguen evolucionando prolíficamente. Cuando abriste Strap tenías 26 años. ¿Cuáles son hoy tus principios empresariales? En este país ser empresario es una auténtica basura. No es nada fácil sacar un negocio adelante hoy en día. Cuando arrancas un negocio con 26 años y vas en busca de algún tipo de ayuda económica para empezar y todo son portazos en la cara, te das cuenta de la realidad de los autónomos. Tiré hacia delante con un préstamo que, obviamente, avalaron mis padres y al poco tiempo se lo pude devolver. En cuanto a mis principios empresariales, para mí el más importante es mantenerte fiel a tu identidad. Un negocio que nace desde la pasión debe ser una prolongación tuya. Un reflejo de lo que eso significa para ti y lo que te ha llevado hasta ahí. Tu ADN siempre tiene que ser tu ADN. ¡No debes alterarlo nunca! En su momento fuisteis los únicos capaces de detectar un nicho de mercado en el sector femenino del streetwear lifestyle en Valencia. ¿Qué ha supuesto la creación de For The Ladies? ¡Gracias! La venta de sneakers para chicas no empezó a moverse hasta alrededor de 2010. El porcentaje de modelos en Strap era del 80% de hombre contra un 20% de mujer, como mucho. Aquello fue cambiando progresivamente y cuando decidí cerrar las dos primeras tiendas y abrir la actual, mi mujer, Laia, y yo nos sentamos a hablarlo y lo vimos claro. Llevamos cuatro años y a nivel local ya se ha consolidado como la tienda referente de sneakers y streetwear. La clientela sabe bien lo que quiere y está muy atenta a las novedades, algo impensable en Valencia

hace unos años. ¿Cómo escogéis las firmas que ofrecéis a vuestros clientes? Hace diez años o estabas suscrito a una revista extranjera, viajabas mucho e ibas a la Bread & Butter o era muy complicado descubrir marcas nuevas. Ahora hay comerciales de casi todas las marcas y distribuidoras que te acercan las marcas a tu almacén. Aun así, a mí me gusta viajar y visitar ferias, porque, mucho más allá de las marcas, viajando es donde ves lo que va a venir. Lo complicado es acertar si entrará en España y en Valencia, y cuándo lo hará. Háblanos de Strap como marca de ropa. ¿Cuál fue el detonante para lanzar aquella primera colección Vlc Flag? Nosotros llevábamos tiempo haciendo cositas esporádicas con buena aceptación, como la línea de básicos. Pero mi amigo Yoda insistió en que tenía que hacer una línea de ropa como dios manda, y creamos la primera colección con un buen amigo de la casa, Dj Impe. El resultado fue inmejorable y desde entonces no hemos parado de sacar colecciones con artistas locales como Ausias Pérez o Andy Paneque, que también son de la familia. La idea es preparar algo más serio y con una mayor continuidad. Nos gusta la vida con música. ¿Qué suena en Strap? En este team no podemos vivir sin música. Lo que más suena son las mixtapes de nuestros hermanos Flavio Rodríguez, Cookin Soul, Yoda y compañía. Pero también suena la última sesión de Los Suruba, la Boiler Room de Peggy Gou en Dkmantel, un Palmstraxx en toda regla o un Kerri Chandler b2b Jeremy Underground. En resumen, hip hop, R&B y electrónica. wearestrap.com. Entrevista completa en www.ocimag.com


NOVA BY HERSCHEL SUPPLY A PUNTO DE CELEBRAR SU DÉCIMO ANIVERSARIO, HERSCHEL SUPPLY CO. PUEDE PRESUMIR DE HABER CONSEGUIDO EL ÉXITO INTERNACIONAL MANTENIÉNDOSE FIEL A SUS VALORES A TRAVÉS DE UNA ECUACIÓN PERFECTA: INNOVACIÓN + NOSTALGIA X DISEÑO = PRODUCTO PRÉMIUM. LYNDON Y JAMIE CORMACK, LOS FUNDADORES DE LA MARCA CANADIENSE, VOLCARON SUS VALORES PERSONALES BASADOS EN LA FAMILIA, LA TRADICIÓN Y EL BUEN HACER PARA CREAR UN ICONO DEL MUNDO DE LOS ACCESORIOS QUE MANTIENE SU ESTATUS GRACIAS A LA CALIDAD DE SUS PRODUCTOS Y SUS DISEÑOS ATEMPORALES, COMBINANDO LA AÑORANZA POR EL PASADO CON UN ESTILO CONTEMPORÁNEO Y ELEGANTE. Texto: Rosario Muñoz

En el año 2009 los hermanos Cormack fundaron en Vancouver (Canadá) una pequeña empresa llamada Herschel, inspirados por la pequeña localidad del mismo nombre y hogar de tres generaciones Cormack. Casi una década después Lyndon y Jamie Cormack continúan al frente de la marca, que hoy disfruta de una expansión internacional y de un posicionamiento referencial en el mercado de los accesorios, gracias a su compromiso con la calidad, la innovación y el diseño. Marcas líderes en la cultura street como Stüssy y New Balance han colaborado con Herschel Supply, que ha logrado así afianzar su posicionamiento en el universo del streetwear y el lifestyle, brillando como una supernova. Libertad, comodidad, practicidad, diseño y estilo son las cinco puntas de la nueva estrella de Herschel Supply, la backpack Nova, creada para nosotras. Nova es el resultado de un proceso de diseño realizado con la mente puesta en las mujeres activas que buscamos un accesorio práctico y versátil que cumpla con su función y que además encaje con nuestro estilo de vida. Con una silueta perfecta de líneas puras y combinable con

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todo, y un interior pensado para diferentes necesidades, la Nova llega en tres tamaños superprácticos, que se ajustan a nuestro ritmo diario: la Mid-Volume incorpora a su diseño dos asas superiores, además de sus correas estrechas y ajustables para la espalda, dos bolsillos externos para la botella de agua, un compartimento interno para un portátil de 13”, y el detalle de las cremalleras vistas y de metal. La XS es algo más pequeña que su hermana Mid-Volume, con un bolsillo interno extra y una capacidad de 14 litros. La Mini es la Nova backpack más compacta, con una capacidad de 9 litros; es perfecta para llevar tus esenciales, ni más ni menos. Todas ellas se presentan en una amplia variedad de colores, estampados y texturas y llevan, por supuesto, el forro de tela a rayas característico de la casa canadiense. Herschel Supply ha trabajado con la modelo y directora creativa Ganna Bogdan para el lanzamiento de la campaña de esta nueva estrella. Bogdan debuta con esta campaña rodada con su Super 8, una aventura a lo road movie en la que redescubre sus rincones preferidos de Los Ángeles. herschel.com


PARA LOS AMANTES DE LA MONTAÑA.

NUEVO PROYECTO ARQUITECTÓNICO DISEÑADO

INICIOS EN LA FOTOGRAFÍA Y DE ABRIC, SU

ÉL DE LA CULTURA DE LA ESTÉTICA, DE SUS

NADIE LE GUSTA TRABAJAR”. CHARLAMOS CON

CONTRARIO SOLO SERÍA UN TRABAJO, “Y A

DISEÑO DE ESPACIOS, PORQUE DE LO

SKATEBOARDING, EL SURF Y EL SNOW HASTA EL

AQUELLO QUE LE GUSTA, DESDE EL

OSCAR MATT SE DEDICA A LA FOTOGRAFÍA DE

BELLEZA ALLÍ DONDE EL RESTO NO LA VEMOS,

SENSIBILIDAD ESPECIAL PARA DETECTAR

DEL DISEÑO Y LA FOTOGRAFÍA. CON UNA

UNA TRAYECTORIA PROFESIONAL EN EL MUNDO

VENÍAN DE SERIE Y QUE HAN SIDO LA BASE DE

CONJUNTO DE APTITUDES ARTÍSTICAS QUE LE

PARTE DEL ETHOS DE OSCAR MATT, CON UN

EL TALENTO ESTÉTICO Y CREATIVO FORMA

OSCAR MATT | 12 |

Entrevista: Rosario Muñoz. Foto: Oscar Matt

Diseño gráfico, diseño de escenografía, dirección de arte, diseño de packaging... El mundo de la creación y la estética forma parte de tu trayectoria profesional. ¿Cuándo empezaste a interesarte por la estética en tu entorno? Las connotaciones, ese es mi verdadero interés. Siempre he estado obsesionado con el significado de todo lo que nos rodea, las connotaciones de los materiales, de los colores, de las tipografías... la estética de lo que consumimos y lo que dejamos de consumir y el porqué. Y creo que todos deberíamos ser críticos con ello. Diría que casi todos somos capaces de identificar lo que es bonito y lo que no, pero ¿y la capacidad de ver esa belleza en un momento concreto y capturarlo dándole un valor estético aún más atractivo?, ¿es algo innato o, por el contrario, puede aprenderse? Para la mayoría, lo bonito es bonito por un tiempo concreto, aunque no sean conscientes. Todas las tendencias tienen un momento y un espacio muy concretos, y es difícil ver la belleza en una estética concreta fuera de ese momento y de ese espacio. Realmente hay belleza hasta en una bolsa de basura. En muy pocos está la capacidad de darle un valor estético, y esa capacidad es innata. He estudiado durante casi diez años arte y diseño, y puedo asegurarte que ese aprendizaje académico solo te sirve para dominar unas herramientas y ofrecerte unas bases teóricas que posteriormente utilizarás o no. Una vez dominas las herramientas y tienes los conocimientos teóricos

necesarios, lo que realmente se refleja en tu obra es tu actitud, lo que quieres expresar o lo que quieres que tu obra exprese. En una biografía tuya comentas que llegaste a la fotografía a través de un profesor de la escuela. ¡Qué importante es la influencia de los profesores, y qué determinante en muchos casos! ¿Qué edad tenías? Explícanos eso de disparar fotografías con una caja de galletas... Siempre he estado realmente interesado por la fotografía, pero nunca pensé que se convertiría en mi principal pasión. Mi primer profesor de fotografía estaba obsesionado con la luz. Su cometido siempre ha sido el mismo: concienciar a sus alumnos de la importancia de la luz en cada fotografía y que acabaran el curso disparando con una pinhole casera. A mis 18 años, mi cámara se convirtió en una pequeña caja de galletas durante un buen tiempo. Esa sencillez me atrapó. Parece una evolución natural, lo de unir pasiones nuevas y viejas para construir un estilo de vida que acabará por convertirse en una buena manera de ganarse la vida. Háblanos de tu pasión por el skateboard, por la fotografía y más tarde por la fotografía de surf y snowboard. Hacer fotos no te convierte en fotógrafo. Hace cincuenta años sí, hoy no. Es importante no establecer esa relación directa que actualmente infravalora la fotografía. Todos hacemos fotografías a diario y no por ello somos fotógrafos. Yo concibo la fotografía como una herramienta publicitaria o una forma de expresarme.


Sea como sea, la fotografía siempre acaba nutriéndose de los conocimientos sobre composición, luz, etc., del que las dispara, muchos de ellos compartidos con otras ramas de la comunicación visual como el diseño gráfico. Si conoces la técnica, pero estas vacío, tu obra será inferior. Empecé haciendo fotografía de skate, hasta que me ofrecieron cobrar por ello. La fotografía no era mi trabajo, ni pretendía que lo fuera, pero el dinero me venía bien. Cuando decides tomarte en serio tu pasión, debes andarte con cuidado para que no acabe siendo un trabajo como cualquier otro. A mí me ofrecieron mil trabajos gratis que pintaban bien, otros mal pagados... pero también trabajos residuales de los que se puede sacar mucho dinero y que por suerte no me interesaron. Para mí la fotografía alejada de lo que me gusta no tiene sentido. De ser así acabaría convirtiéndose en un trabajo, y nadie quiere trabajar. Por ese motivo, en mis fotografías puedes encontrar desde skatebording hasta diseño de espacios. ¿Cómo te lo montas para compaginar el tiempo de trabajo de estudio con el tiempo para viajar y sacar esas fotos increíbles? Si en algún momento he tenido un objetivo profesional, ese ha sido poder trabajar allí donde vaya. Tus fotos muestran una visión imponente de la naturaleza, incluso las fotos de acción en skate, surf o snowboarding captan el entorno como parte protagonista de la escena. Al disparar, ¿qué es lo que ves en primer lugar? ¡Gracias! La verdad es que no lo sé. Lo que tengo claro es que la acción dota de vida al paisaje, además de ofrecer al observador una idea de la escala e incluso justificar la composición. Los protagonistas de la mayoría de mis fotografías de skate, surf, snowboard y ski suele ser gente de mi entorno, así que, más que revivir sensaciones, me acuerdo de todo lo anecdótico del momento. Toda fotografía tiene un valor personal que solo pueden apreciar el fotógrafo y los personajes de la escena. En tu trabajo vemos claras

referencias al fotógrafo Hugh Holland. ¿Te inspira la década de los 70? Ojalá algún día mis fotografías desprendan la misma esencia que las de Hugh Holland. Para mí la década de los 70 es un referente en cuanto a provocación y autenticidad. Me parece una década muy potente a nivel de cambio. Muchos fotógrafos y artistas perdieron ciertos miedos que ponían fronteras a la creación artística. De hecho, muchos estamos huyendo hacia atrás en busca de la autenticidad y la esencia perdidas durante estos últimos años, en los que gran parte de los jóvenes se han desinteresado completamente por la cultura y el arte que existen fuera del mainstream. ¿Mar o montaña? Me parecen igual de mágicos. Entendemos que tienes un lugar importante en tu corazón para ambos y que, como enamorado de la naturaleza, te preocupas por la conservación del medio y el impacto del ser humano en él... Háblanos de tu nuevo proyecto. Abric ha sido una obsesión y es mi primera obra ‘arquitectónica’. Es el primer refugio libre de alta montaña con capacidades smart home, diseñado para trabajar en red. Es decir, parte de las posibilidades que ofrece son interesantes cuando hay más de un refugio en la misma ruta de montaña. Plegable, autosostenible y de impacto mínimo. Háblanos de los surfskates que has diseñado en colaboración con Wooddetail. Desde que nos pusimos a trabajar nos pareció muy importante que las tablas tuvieran una forma más propia de una tabla de surf que de un skateboard. Después de mil pruebas, nos acabaron convenciendo dos tamaños, dos formas y dos tipos de eje. Además, diseñé para ellos los griptapes que actualmente usa la marca, y los prints de algunos de los surfskates que sacaron hace seis meses. Completa la frase: “Un día perfecto es...”. ¡Todos pueden serlo! No creo en el día perfecto, ni en la casualidad perfecta, ni siquiera creo en el momento perfecto... ¡Demasiado cuadriculado y pretencioso! oscarmatt.com

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NOTICIAS MÚSICA

MONKEY WEEK SON ESTRELLA GALICIA

SUUNS EN SALA APOLO BARCELONA

Monkey Week SON Estrella Galicia celebra su décima edición del 19 al 24 de noviembre de 2018, y llenará Sevilla de un nivel envidiable en cuanto a propuestas sonoras. Un abundante cartel repleto de bandas venidas de diversos puntos del planeta y gran parte de los nuevos talentos incipientes de España, que pondrán banda sonora a tres días ininterrumpidos cargados de conciertos y actividades relacionadas con la industria musical. Una programación rica en estilos, repleta de encuentros y emociones musicales a flor de piel. Una celebración de la creatividad y un foro imprescindible de debate, análisis y negocio para aquellos que nos dedicamos a la música. Descubre su infinito cartel en www.monkeyweek.org

Suuns son oscuridad y postpunk de autor. Los canadienses empezaron en el art-rock más oscuro con Zero QC en 2010. Ocho años después, son aclamados por la crítica con su trabajo Felt (Secretly Canadian, 2018). Sus discos son auténticas andanadas de un rock atmosférico y cubista, en el que conviven psicodelia, minimalismo, noise-rock y techno. A pesar de que esa receta pueda sonar a experimento, el resultado es extrañamente magnético. Ahora, con más electrónica y una propuesta más sosegada y detallista que en anteriores entregas, llegan a Barcelona el próximo día 2 de noviembre de 2018 para presentar Felt, dentro de la programación del 75º aniversario de la barcelonesa Sala Apolo. www.sala-apolo.com

JOHN CARPENTER EN SITGES 2018

DGTL MADRID

Rebasada esa mágica cita que supuso el medio siglo de existencia, Sitges, el Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, afronta su 51ª edición del 4 al 14 de octubre. Más allá de una firme oferta cinematográfica, el festival se ha desmarcado con el anuncio del cierre excepcional de la edición 2018, con el concierto histórico del gran John Carpenter, que nos deleitará con las bandas sonoras de su impresionante elenco de películas. Entre ellas Christine, 2013: Rescate en LA, La niebla, La cosa y, por supuesto, La noche de Halloween, cuya cinta cumplirá su 40º aniversario desde que se estrenara en 1978. Se trata del único show de John Carpenter en toda España dentro de su gira europea. sitgesfilmfestival.com

Después del éxito rotundo de las ediciones celebradas en el mes de agosto en Barcelona, DGTL llega con su próxima y primera edición en Madrid. El festival aterriza en la capital el próximo 5 de diciembre de 2018, para instalarse en IFEMA (Feria de Madrid), en una edición de un día que presentará un cartel repleto de artistas de primera línea, talento local, así como su habitual halo industrial en materia de arte y sostenibilidad. The Black Madonna, Robert Hood, Len Faki, John Talabot o el b2b entre Âme y Mathew Jonson son algunos de los artistas ya confirmados. Como ya nos tiene acostumbrados DGTL en otras ciudades, el arte y la sostenibilidad impregnarán todo el festival y su recinto. dgtl.nl

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NOTICIAS MÚSICA

ÓLAFUR ARNALDS EN BARCELONA

FESTIVAL OF DISRUPTION 2018

Ólafur Arnalds visitará Barcelona dentro del Festival Mil.lenni el próximo 15 de marzo de 2019, después de asombrar al público del festival Sónar 2018. El sonido de Ólafur, nuevo y clásico a la vez, emotivo y delicado, lo ha consagrado como uno de los nombres imprescindibles de la escena actual. En el marco del Palau de la Música Catalana interpretará los temas de su último trabajo en solitario, re:member, junto con sus canciones más conocidas, acompañado de piano de cola, cuarteto de cuerdas, batería y bases electrónicas. Una oportunidad de oro para explorar las nuevas rutas sonoras que propone este genio de la música contemporánea (entradas en www.festival-millenni.com). olafurarnalds.com

Festival of Disruption es el festival de David Lynch, que llega con su cuarta edición los días 13 y 14 de octubre a The Theatre Ace Hotel de Los Ángeles. Aúna una selección de músicos, cineastas y artistas escogidos por el mismo Lynch para llevar a cabo actividades conjuntas que alimenten el alma y la creatividad. Están convocados personajes como Francis Ford Coppola o Grace Jones, entre otras eminencias, y la música es uno de los ejes principales, que combina bandas y artistas como el actor Jeff Goldblum –que liderará su banda de jazz, The Mildred Snitzer Orchestra–, el rapero Robert Fitzgerald Diggs, Mike Patton o DJ QBert, entre otros. El universo Lynch en la tierra hecho realidad. www.festivalofdisruption.com

HOUSTON PARTY, FIESTA 20 ANIVERSARIO

LAPSUS RECORDS: PERENNIAL SERIES

Fantastic Negrito y KOLARS, un cartel doble estadounidense de lujo, protagonizarán la fiesta del 20º aniversario de la promotora Houston Party, que tendrá lugar el 8 de noviembre de 2018 en La [2] de Apolo en Barcelona. Fantastic Negrito presentará las canciones de su segundo disco, Please Don't Be Dead, publicado en junio, así como las de su premiado LP de debut, The Last Days of Oakland, que le hizo ganar el Grammy al mejor álbum de blues contemporáneo de 2016. Junto a él, Kolars, dúo de Los Ángeles formado por Rob Kolar (voz y guitarra eléctrica) y Lauren Brown (batería), y la presencia de Dj’s aún por confirmar. Entradas disponibles en www.houstonpartymusic.com

Perennial Series es un nuevo espacio de Lapsus Records dedicado a obras y artistas que ya forman parte del universo clásico de la electrónica contemporánea. La atemporalidad será el eje central de la serie Perennial a través de piezas nunca antes planchadas en vinilo, reediciones de álbumes descatalogados o nuevos lanzamientos de artistas que ya son historia viva de la cultura electrónica. La primera referencia de esta nueva serie la protagoniza Kettel, un artista clave para comprender la IDM de los últimos veinte años. En 2008 editó su espectacular Myam James Part I en Sending Orbs. Diez años después, Lapsus lo edita por primera vez en vinilo, un doble LP remasterizado por Xavier Alarcón. Una joya. www.lapsus.cat

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T E R R I TO I R E LA APARICIÓN DE TERRITOIRE, HACE CUATRO AÑOS, FUE UNA AUTÉNTICA SORPRESA EN EL PANORAMA ESPAÑOL: UN PROYECTO QUE MANEJABA CONCEPTOS FILOSÓFICOS Y UN IMAGINARIO RADICAL, SIN RENUNCIAR A UN SONIDO AFILADO Y CONTUNDENTE. SU SEGUNDO DISCO, ALIX (DISCOS HUMO, 2018), AÑADE A LO ANTERIOR UNA DIMENSIÓN NARRATIVA Y UNA PREOCUPACIÓN SOCIAL: CUENTA LA HISTORIA DE UN ESCLAVO DESDE SU NACIMIENTO. UNA ASFIXIANTE PARÁBOLA SOBRE LA SITUACIÓN ACTUAL DE EUROPA, SOBRE LA QUE REFLEXIONA SU AUTOR, OLIVIER ARSON. Entrevista: Vidal Romero. Foto: Tasio

A diferencia de Mandorle, un disco construido a partir de imágenes sueltas y una sólida concepción del sonido, la semilla desde la que germina Alix es básicamente narrativa. ¿Ha influido el hecho de que en tus últimos años hayas trabajado para el cine y la televisión? No creo que exista una influencia directa. Es cierto que Mandorle era más complejo, pero también había una serie de imágenes y conceptos que lo guiaban. En Alix sucede lo mismo, con la diferencia de que quería un disco muy condensado, que hablara de un solo tema. Y, de hecho, cuando trabajas en bandas sonoras, a pesar de buscar una coherencia interna, muchas veces tienes que crear varios motivos para personajes o situaciones distintas. En Alix existe un arco, pero hay un solo tema. La historia que cuenta el disco, sobre un hombre que nace esclavo y se reconstruye a partir de esa situación de derrota, resulta tristemente actual. ¿Dónde encontraste la inspiración para desarrollar un personaje así? Al empezar el proyecto tenía claro que no quería hablar sobre mí, porque cada vez más a menudo me siento parte de una comunidad

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y me resulta muy difícil no fijarme en lo que sucede a mi alrededor. Y, efectivamente, veo esclavitud por todas partes, desde ciertas estrategias gubernamentales hasta el tráfico humano o la esclavitud pura y dura, que sigue presente a día de hoy. Óscar Mulero ha coproducido el disco. ¿Por qué recurriste a él? Fue muy natural. Las maquetas estaban acercándose a una especie de techno, y como yo no sé producir techno, quería colaborar con alguien que aportara esa perspectiva. Así que le pedí que programara los ritmos y se ofreció además a mezclar todos los temas. También cambió algún que otro arreglo. A pesar de las diferencias, Mandorle y Alix tienen en común la utilización del sonido como un arma arrojadiza: es la construcción y liberación de tensiones lo que permite ir avanzando al disco, antes que la definición de texturas o de melodías, que apenas existen, por cierto. ¿Cómo es el proceso de grabación y producción para llegar a un resultado así? Tiene mucho de caos, principalmente porque los procesos de composición, grabación e incluso mezcla se diluyen continuamente. Y supongo que también se trata de

una cuestión de gustos muy personal. Pero además intento buscar la simplicidad, así que primero se produce un proceso de acumulación y después otro de reducción. Así consigo que exista una atmósfera concreta, pero al final solo me quedo con los elementos más afilados, según la perspectiva que me interese. Por ejemplo, muchas de las maquetas sí que tenían melodías, pero las he ido quitando. Además de la vertiente sonora, Alix tiene una traslación visual: el vídeo de Exil, casi un cortometraje, fija a la perfección las coordenadas de la historia. ¿Cómo fue la producción del vídeo? ¿Habrá más piezas en un futuro? La producción corrió a cargo del colectivo de artistas BRBR, que entendieron perfectamente y a la primera la historia y todo lo que queríamos hacer con ella. La producción del vídeo fue una aventura humana preciosa: sin un duro, pero con un entusiasmo y una fe brutales. Existe el proyecto de una instalación en la que se conectarán los temas musicales con una serie de piezas audiovisuales, pero aún no sabemos si se podrá desarrollar. trrtr.com. Entrevista completa en www.ocimag.com


WOODEN SHJIPS A MEDIADOS DE LA DÉCADA PASADA, WOODEN SHJIPS FUNCIONABA COMO UN ESPEJO DEFORMANTE DE LA TRADICIÓN PSICODÉLICA DE LA CIUDAD DE SAN FRANCISCO: UN MAGMA ÁCIDO, OSCURO Y RUIDOSO, EN EL QUE LA REPETICIÓN DEVENÍA EN HIPNOSIS, PUNTEADO POR LA VOZ LEJANA Y MONOCORDE DE RIPLEY JOHNSON. CON EL PASO DEL TIEMPO, ESA ARIDEZ SE HA IDO SUAVIZANDO HASTA ALCANZAR EL TONO CÁLIDO Y OTOÑAL QUE GOBIERNA EN V (THRILL JOCKEY, 2018), SU QUINTO DISCO. DUSTY JERMER, BAJISTA DE LA BANDA, EXPLICA CÓMO HAN LLEGADO HASTA AQUÍ. Entrevista: Vidal Romero Foto: Sofia Ahsanuddin

Han pasado cinco años desde que se publicó vuestro álbum anterior, Back to Land. En ese tiempo dos miembros de la banda han dejado San Francisco y vuestro cantante, Ripley Johnson, se ha centrado en su proyecto paralelo, Moon Duo. Muchos pensábamos que habíais desaparecido como banda. Hay muchas cosas que hacer en la vida y muy poco tiempo para hacerlas. Además, todos tenemos trabajos y familias, lo que siempre nos ha llevado a entender Wooden Shjips como un proyecto a tiempo parcial. El año pasado, después de haber estado hablando durante algún tiempo acerca de grabar otro disco y hacer una gira, Ripley dijo que había llegado el momento. Teníamos tiempo, teníamos ganas de hacerlo, así que nos pusimos manos a la obra. Imagino que el hecho de que Ripley y vuestro batería, Omar Ahsanuddin, se hayan mudado a Portland habrá influido también en que este disco haya tardado tanto. La distancia es un problema, claro. Cuando todos vivíamos en San Francisco podíamos quedar en cualquier momento y hacer jams durante horas, pero ahora para vernos tenemos que planearlo con antelación. Nash y yo hemos viajado mucho a Portland

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para pasar allí fines de semana largos, una decisión que nos permite concentrarnos más cuando estamos todos juntos. ¿La mudanza de Omar y Ripley se debió a la presión inmobiliaria y al aumento del coste de la vida en San Francisco? ¿Cómo ha afectado esa realidad a la escena de la ciudad? Vivir en San Francisco se ha convertido en un auténtico problema para mucha gente. Yo mismo he tenido que mudarme a Richmond, al otro lado de la bahía, pero todavía bajo a San Francisco a tocar o a escuchar conciertos. La música underground tiene todavía espacio en la ciudad, y espero que siga así durante mucho tiempo. Cuéntame ahora cómo funciona Wooden Shjips. Aunque Ripley es el autor de las canciones, también parece existir un trabajo colectivo a la hora de hacer los discos, en el que la improvisación jugaría un papel importante. En el pasado, Ripley venía al local de ensayo con un riff y el andamio general de una canción. Improvisábamos alrededor de ese riff y, si algo interesante sucedía, seguíamos adelante con esa idea. En el caso de V, Ripley nos envió maquetas mucho más definidas que había grabado en la furgoneta durante las giras con Moon Duo. A partir de

esas bases improvisamos todos juntos, para afinarlas y sumar la personalidad de cada uno. Por último, durante la grabación en el estudio se añadieron más capas, arreglos de percusión, teclados y guitarras adicionales. V tiene también un aire veraniego, algo que me parece interesante cuando parte de la banda ha dejado la soleada California para mudarse al norte. ¿Hay algo de nostalgia en ese sonido? Escribimos el disco durante la primavera y el verano de 2017, con mucha lluvia, sol, incendios forestales y hasta un eclipse de proporciones épicas: para mí era como no haber dejado California. Además, Ripley y Omar bajan al sur a vernos con mucha frecuencia. Todos vuestros discos parecen estar pensados para ser prensados en un formato de vinilo. ¿Es algo premeditado o solo la magia de una buena secuenciación? Mientras estamos ensayando, improvisando o grabando, el tema de la secuenciación aparece a ratos. No es algo que nos afecte de una manera dramática a la hora de escribir las canciones, pero es una cuestión que siempre flota en el ambiente. Y, por supuesto, el disco de vinilo es siempre la meta. woodenshjips.com. Entrevista completa en www.ocimag.com


MIRA 2018

EL CADA VEZ MÁS ASENTADO FESTIVAL DE ARTES DIGITALES COPARÁ EN SU NUEVA EDICIÓN LAS FECHAS COMPRENDIDAS ENTRE EL 8 Y EL 10 DE NOVIEMBRE. COMO NO PUEDE SER DE OTRO MODO, EL PULSO QUE RETOMARÁN LA MÚSICA ELECTRÓNICA Y LAS ARTES VISUALES VOLVERÁ A REPRODUCIRSE EN ESA NAVE NODRIZA CON AIRE INDUSTRIAL POSADA EN PLENO BARRIO BARCELONÉS DE SANT ANDREU QUE ES LA FABRA I COATS - FÀBRICA DE CREACIÓ. EN ESTA SU OCTAVA EDICIÓN TENDREMOS LA OPORTUNIDAD DE VIVIR LA SIMBIOSIS EN DIRECTO DE ARTISTAS COMO TANGERINE DREAM, VENETIAN SNARES X DANIEL LANOIS, ATOM, JASON VOLTAIRE, NATALIA STUYK O RIVAL CONSOLES. Texto: Bruno Garca. Foto: Rival Consoles por Özge Cöne

MIRA Digital Arts Festival vuelve a ser una realidad este otoño. Su exigente programa comprende desde conferencias, instalaciones artísticas, una 3D Sound Room –con dos bandas en directo, Tapan y Wolf Müller & Niklas Wandt, o el Dj set con sonido inmersivo de Alessandro Adriani, entre otros shows–, proyecciones de videoarte en la cúpula 360⁄ MIRA Dome by adidas Originals a, por supuesto, vistosas actuaciones AV en directo. MIRA 2018 arrancará el segundo fin de semana de noviembre, concretamente el jueves 8, con una jornada dedicada a la divulgación y al debate. En este sentido, se contará con tres conferencias en las que, bajo el calificativo de THE SEARCH FOR (modern) PLEASURE, se debatirá sobre la noción del placer en la era digital. Este año llama la atención sobremanera la presencia en su escenario principal de una banda mítica como es Tangerine Dream, pioneros en el noble arte de colonizar nuestras mentes desde 1967 con estructuras sintéticas y aires electrónicos. Infinidad de discos suyos han hecho revivir una y otra vez diversas soluciones sonoras –kosmische, krautrock, ambient, space music– que nacieron para evolucionar y luego quedarse con todos nosotros. El último LP de la banda lleva por título Quantum Gate –basado en bosquejos de su tristemente fallecido fundador Edgar Froese–, el cual será interpretado en este MIRA junto al calado visual del británico Patrick Dunn, para estrenar en España su nuevo show Quantum of Electronic Evolution. Ocupa igualmente un espacio muy importante en la propuesta de este año ver juntos a dos

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mastodontes como Venetian Snares y Daniel Lanois (artista que ha trabajado para U2, Peter Gabriel o Brian Eno, con quien compuso a medias en 1984 el tema principal de la adaptación cinematográfica de Dune). Ambos prometen ofrecernos un espectáculo de emociones fuertes a la vez que nos presentan el álbum homónimo que se marcaron hace unos meses, un más que interesantísimo ‘nuevo capítulo’ de IDM nacido desde la admiración mutua que se ofrecen desde siempre. Junto a ellos, el videoartista con base de operaciones en Madrid Diego López Bueno, aka Tirador. Encumbrando también el cartel de este año, la consistencia y maestría del alemán ATOM™ presentando Deep State, y el cuarteto londinense evolucionista Seefeel (únicos en el ejercicio de acercar posturas entre rock y máquinas), el cual llevará a cabo una actuación exclusiva para conmemorar los 25 años del lanzamiento de Quique (1993), junto al trabajo visual de Dan Conway. Más nombres de artistas con los que se combinan conceptos que tener grabados a fuego para este MIRA 2018 son Yves Tumor/Ezra Miller, Aïsha Devi/Emile Barret, Carla del Forno, CouCou Chloe, DJ Stingray, Josey Rebelle (estos dos últimos a los platos) y, por supuesto, la siempre grata presencia nacional, representada por Alba G. Corral, El Sueño de Hyparco, Wará, Ralp, Christian Len, Cauto o Marta Verde. El broche del festival tendrá lugar el sábado 10 de madrugada con una after-party en la sala Razzmatazz en la que tendremos en cabina a Objekt, Tutu, Omega III y Djohnston, y el directo de Mr Tc. www.mirafestival.com


FANZINE PROJECT CON EL PROPÓSITO DE HONRAR LA ESCENA CULTURAL Y MUSICAL LIGADA A LOS SONIDOS ELECTRÓNICOS, SE FUNDÓ EN A CORUÑA HACE EXACTAMENTE UNA DÉCADA ESTE NOTABLE PROYECTO COMANDADO POR ROI GROBAS Y PABLO CUBEIRO, DUEÑOS TAMBIÉN DE CUDBE MUSIC, UNA DE LAS PROMOTORAS DE EVENTOS MÁS RESPETADAS DEL NORTE PENINSULAR. LOS DOS SE HAN MANTENIDO UNIDOS DESDE AQUEL ENTONCES CON EL ÍMPETU SIEMPRE INTACTO. SHOWCASES, EVENTOS AL AIRE LIBRE, INSTALACIONES, FESTIVAL Y SELLO DISCOGRÁFICO (FANZINE RECORDS). GALICIA EXISTE, Y ADEMÁS POSEE UN PAISAJE CULTURAL MUY RICO. Texto: Bruno Garca

Fanzine Project siempre ha sido un nido de retos y valores. Este ideal engendrado por dos amigos allá por 2008 ha estado en constante crecimiento –eso que incluso se tomaron un respiro para renovar células e ideas pasado 2012; y otra cosa: la verdad es que sus inquietudes para animar y poner en el mapa su propia escena comenzaron en 2006 con los sets llamados Frequencies– y se ha convertido finalmente en todo un referente tanto local como nacional, dentro de la siempre complicada formula de hacernos divertir a la vez que se nos nutre culturalmente. Buen termómetro, por otro lado, para medir desde las entrañas de nuestro propio país en qué punto se encuentra actualmente la industria que rodea dicha cultura de club. Evolución y frutos que son evidentes en ciudades del mundo como Berlín (donde incluso los gobernantes financian una cultura como es la del techno), Zúrich (tres cuartos de lo mismo), París, Nueva York, Fráncfort o, por supuesto, la hermana Barcelona. En Galicia no iba a ser menos, y A Coruña está subida a

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esa ola gracias al coraje y propuestas como las que se vierten desde Fanzine Project. Fomentándolos tenemos ese derecho universal que es vivir en primera persona un arte tan noble como la música y sus actores principales. Accesibilidad y calidad gracias a las que, si lo traducimos a nombres propios, nos toparemos con personajes tan auténticos como el mexicano Niño Árbol, el británico Pariah, Samuel Kerridge, Thomas P. Heckman o, por supuesto, los propios responsables de este proyecto: The Panic Room y Roi. Todos ellos en cabina y dentro de las sesiones que realizan bajo el título de Fanzine Club, ahora en el coruñés Le Club, digno heredero de aquel local situado en el barrio de Monte Alto. Allí es donde en la actualidad generan esa magia que les caracteriza, “una invocada con profesionalidad, estilo y dotación de recursos”, en palabras de ellos mismos. El compromiso como discográfica es ante todo como lanzadera de nuevos talentos. Nombramos algunos: Dijuma, Shurko Love, Blixaboy o JXTPS. Y también artistas mucho más asen-

tados como el indomable Basic Soul Unit o Santiago Salazar. Eso sí, tendiendo puentes en todo momento a la nobleza del techno y el underground, sombrío pero de enorme calidad. Con la cabeza muy alta de ser unos verdaderos francotiradores que, con tino y coherencia, no descansan en pro de seguir dándole impulso a propuestas sonoras que van desde el ya citado techno al ambient o electro puro. Así nació el sello (en 2013), y así morirá (si es que esto llegara a suceder). Destacar igualmente que desde Fanzine Project se ha pretendido trabajar siempre buscando las maneras de permeabilizar sectores tradicionalmente reacios a la música electrónica. Lo han hecho desde el minuto uno con un afán didáctico y divulgador. Por esta razón se ha podido disfrutar de sus eventos por espacios como el Museo de Belas Artes de A Coruña, y showcases por otras ciudades que abarcan desde Madrid, Granada, Oporto, Londres, Barcelona o Buenos Aires. Sin duda, creando afición y generando ilusión. www.fanzineproject.com


RAZZLIVE 2018 TODO A PUNTO PARA EL 18ºº ANIVERSARIO DE LA SALA RAZZMATAZZ. LAS FECHAS QUE DEBEREMOS TENER PRESENTES EN NUESTRO CALENDARIO SON LAS ENCAJADAS ENTRE LOS PRÓXIMOS 12 DE OCTUBRE Y 22 DE DICIEMBRE. EN EL EXIGENTE Y MÁS QUE ATRACTIVO LINE-UP DE ARTISTAS CONFIRMADOS NOS TOPAMOS CON CLAP YOUR HANDS SAY YEAH!, LOS ETERNOS OCTAVE ONE (LIVE), PETER MURPHY, ANA CURRA O EL DÚO SINTÉTICO COLD CAVE. EN DEFINITIVA, UNA OFERTA BAÑADA TANTO POR PROPUESTAS MUSICALES YA CONSAGRADAS COMO POR NUEVOS TALENTOS QUE ESTÁN AHORA DESPUNTANDO, ALGO QUE POR OTRO LADO VIENE SIENDO UNA PREMISA HABITUAL EN LA POLÍTICA Y PROGRAMACIÓN DEL CLUB. Texto: Bruno Garca

La fecha, por ejemplo, que recaerá en el combo originario de Filadelfia capitaneado por Alec Ounsworth, Clap Your Hands Say Yeah!, será la del 27 de octubre. Regresarán por Barcelona con un directo que promete ser refrescante a la vez que original y donde a buen seguro se repasará ese último trabajo discográfico (The Tourist) donde se rinde homenaje a los héroes musicales del capitán de dicho barco (John Cale, Tom Waits, etc.). Les irán sucediendo con paso firme –tanto en fechas como en ganas– las actuaciones de referentes del indie estadounidense como Cat Power (con banda), como ya sabremos el proyecto que mezcla punk, folk y blues tras el que mueve los hilos acertadamente y desde hace varios años la cantante y compositora Chan Marshall. También desde Norteamérica y dentro de su gira europea, con solo dos visitas por nuestra península, aterrizarán el 11/11 sobre el escenario del Razz el dúo Cold Cave, ideal

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para amantes de NIN, The Jesus and Mary Chain, gracias en gran medida a su particular sonido darkwave, synthpop y postpunk. Lo mismo sucede con Peter Murphy, quien prácticamente una semana después celebrará uno de sus dos únicos shows por España en la sala. No vendrá solo: lo hará junto a David J y nada menos que para celebrar el 40º aniversario de Bauhaus, la banda británica más grande del postpunk y gothic rock de todos los tiempos. Con dos fechas muy cercanas (22 y 25 de noviembre), para presentar nuevo disco y directos desde Melbourne, The Cat Empire. Y desde Australia también una de las voces más icónicas y con más personalidad de allí, la de Xavier Rudd. Dentro de esta nutrida programación también tendremos a Kodaline, Chuck Prophet & Charlie Sexton, Anna Calvi, Elvis Perkins, Fickle Friends, Roosvelt, Soft Kill, Teleman, We Are Scientists o Villagers. Y tampoco faltarán a la cita repre-

sentantes nacionales y artificios 100% destinados a la pista de baile. En lo primero cabría destacar la presencia de Dorian y Ana Curra. En lo segundo, como no, a los ‘chicos’ de Detroit Octave One, que volverán a planear sobre la sala 2 – The Loft. Con nave nodriza plagada de cacharros y sintetizadores, pocos han mantenido la forma como ellos. Otro héroe que bebe revitalizando tiempos pasados y que está en oído de todos, muy especialmente gracias a sus impresionantes remezclas, sesiones, y, por supuesto, por formar la pareja Tuf Citty Kids junto a Philipp Lauer, es Gerd Janson. Qué contaros de otro singular dúo que también se las trae, Pachanga Boys (formado por Superpitcher y Rebolledo), quienes volverán a infectarnos con su compromiso para hacernos zapatear felices. ¡Hippie dance, extravagancia y libertad en la pista para todos y todas! ¡Feliz 18º aniversario, Razzmatazz! www.salarazzmatazz.com


JON HOPKINS CUANDO PUBLICÓ SU CUARTO DISCO, JON HOPKINS LLEVABA MÁS DE QUINCE AÑOS DEDICADO A LA MÚSICA, PERO LA FORTUNA NUNCA HABÍA SIDO GENEROSA CON ÉL: TODAVÍA ERA MÁS CONOCIDO POR SER EL TIPO QUE AYUDABA A BRIAN ENO EN EL ESTUDIO O EL QUE AÑADÍA CRUJIDOS ELECTRÓNICOS A LAS TONADAS FOLK DE KING CREOSOTE. IMMUNITY, UN ARTEFACTO QUE BORRABA FRONTERAS ENTRE LA NEOCLÁSICA Y LA MÚSICA DE BAILE (UNA MÚSICA DE BAILE AFILADA Y REPLETA DE ARISTAS), QUE MEZCLABA PIANOS, RITMOS DIGITALES Y GRABACIONES DE CAMPO CON UNA SENSIBILIDAD DESCONOCIDA, CAMBIÓ ESA TENDENCIA Y LE PROPULSÓ HACIA TEATROS, FESTIVALES Y CONCIERTOS MULTITUDINARIOS. UNA FÓRMULA GANADORA, QUE HOPKINS SE HA NEGADO A REPETIR EN SU NUEVA CRIATURA: MÁS CERCANO A LA PISTA DE BAILE, MUCHO MÁS COLORISTA Y PSICODÉLICO, SINGULARITY (DOMINO, 2018) ES EL FRUTO DE CIENTOS DE CONCIERTOS Y SESIONES DE DJ, EL PRODUCTO DE UN MÚSICO EN EXPANSIÓN AL QUE TODAVÍA LE QUEDA MUCHO POR CRECER. Texto: Vidal Romero. Foto: Steve Gullick

Has dicho que Singularity había estado en tu cabeza desde hace más de quince años, pero que te faltaban herramientas para llevarlo a cabo. ¿Te referías a equipo o hablabas de algo más abstracto? Está claro que el acceso a un buen equipo facilita el trabajo, pero lo que de verdad me faltaba eran experiencia y habilidad. Con veintitrés años, cuando estaba empezando mi carrera, dedicaba mucho tiempo a pensar en las cosas que me gustaría hacer. Y se me ocurrió la idea de un disco, al que llamaría Singularity, que comenzaría con un simple tono para después expandirse en un montón de direcciones, y finalmente replegarse de nuevo sobre sí mismo. Intenté trabajar alrededor de aquella idea durante algún tiempo, pero pronto comprendí que se trataba de una tarea demasiado compleja, que superaba mis conocimientos, así que la dejé aparcada durante todo este tiempo. ¿Y por qué recuperarla justo ahora? En realidad, no fue una decisión consciente. Tenía entre las manos varios bocetos para canciones del disco y me fijé en que había piezas y fragmentos que podían relacionarse entre sí. Estaba trabajando con sonidos extraños que se transformaban en ritmos, y con ritmos que se convertían en melodías, y esa cualidad simbiótica me hizo recordar la idea que había tenido quince años atrás. A veces, lo único que necesitas es prender una chispa para que todo se ponga en marcha. También has insinua-

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do que tiene que ver con una experiencia psicodélica. Poco después de empezar a trabajar en el disco tuve un bloqueo muy serio. De repente me di cuenta de que me pasaba horas y horas viendo la televisión en vez de concentrarme en el trabajo de estudio, posiblemente porque no me había permitido suficiente tiempo de descanso y estaba exhausto. Para intentar solucionarlo decidí tomarme un respiro y dedicar un mes a una terapia de meditación trascendental. Ya había probado la meditación como una manera de relajarme, pero esta nueva terapia me enseñó a desbloquear capas que estaban muy dentro de mí, y que encerraban toda esa creatividad que estaba buscando. Así que quise ir un paso más allá y probar drogas psicodélicas, aunque en un entorno controlado y con alguien que me guiara. ¿De qué tipo de drogas estamos hablando? De drogas naturales, esas que el hombre ha tomado desde siempre. A principios del año pasado estuve en Ámsterdam para un fin de semana psicodélico, en el que tomé una gran dosis de ‘setas mágicas’. Por supuesto, todo realizado de manera legal y bajo la supervisión de monitores que estaban allí durante todo el proceso. El resultado fue fascinante, porque me hizo sentir cómo se desbloqueaba mi conciencia por completo, de una manera diferente a la que sientes con la meditación.


Uno de los aspectos que mejor demuestran esa vocación psicodélica de la que hablas es la dinámica del disco, que es espectacular, sobre todo en la versión de vinilo. Ese gusto por cuidar al milímetro la ecualización ¿es una consecuencia de haber estado pinchando mucho durante estos últimos años? Existe una relación clara, porque de hecho suelo utilizar las sesiones para probar canciones en las que estoy trabajando o incluso ritmos y partes concretas. Es una herramienta perfecta, porque al sacar ese material del estudio y situarlo en otro contexto puedes ver si algo falla o qué aspectos puedes mejorar. Everything connected, por ejemplo, es una canción que ha crecido de esa manera desde el principio. Su forma definitiva tiene mucho que ver con las reacciones que he visto cuando la pinchaba en clubes, pero también con la manera en la que se puede mezclar con otras pistas de techno, que en general son más minimalistas, con menos elementos de los que yo suelo utilizar. Creo que por eso funciona tan bien en la pista de baile. Ahora que lo comentas, varias de las canciones del disco tienen una estructura repleta de cortes y de drops. ¿Es el resultado de haber tocado mucho en directo? Cuando estoy trabajando en una canción no suelo pensar en cómo funcionará tal o cual parte cuando la toque en directo. Tiendo a abstraerme y concentrarme en otro tipo de cuestiones, que tienen más que ver con aspectos técnicos o de produc-

ción. Pero es cierto que el directo se ha convertido en una actividad habitual dentro de mi vida, así que es inevitable que haya recursos y estrategias que se filtren. De todas formas, no me gusta ser muy agresivo cuando toco en directo, ni siquiera en los momentos de mayor tensión. Siempre estoy muy pendiente de las reacciones, para rebajar la intensidad si noto que me estoy pasando. Muchos de los sonidos que utilizas en Singularity parecen tener una naturaleza acústica, aunque después estén muy procesados. ¿Es tan importante para ti el diseño de sonidos como la composición? En realidad se trata de uno de los aspectos que menos me gustan, porque conlleva mucho trabajo sucio. Por ejemplo, siempre intento grabar los sonidos que utilizo con muchísima calidad, ya sean acústicos o electrónicos. De ese modo, luego puedo modificarlos a base de añadir efectos o manejando editores para quedarme solo con algunas partes del espectro sonoro, incluso con las vibraciones o ruidos de ambiente que esos instrumentos producen. Así consigues sonidos inusuales, pero que al mismo tiempo resultan familiares, con un cierto recuerdo acústico. En muchas ocasiones las canciones surgen a partir de este tipo de descubrimientos o intentando trazar el camino para que un sonido se transforme en otro completamente distinto. El piano, en cambio, tiene mucha menos presencia en esta ocasión. El piano siempre ha sido mi instrumento principal a la hora de compo-

ner: es lo que me gusta tocar en casa cuando quiero relajarme. Pero la verdad es que hace ya bastante tiempo que ha dejado de ser el instrumento que utilizo en directo. O, al menos, su papel ha quedado relegado a un segundo plano. En Singularity hay varias partes de piano, pero es cierto que casi todas están camufladas o muy procesadas. Quizás para compensar eso decidí grabar un piano de cola en la última canción, Recovery, que de algún modo es un resumen del disco, el momento en el que todo vuelve a empezar de cero. Otra cosa que echo de menos es la utilización de grabaciones de campo. Tanto en Immunity como en el disco con King Creosote ocupaban un espacio central, pero aquí apenas existen. ¿Querías evitar que el disco quedara fijado a una referencia geográfica determinada? La auténtica razón es que no me gusta repetirme y, como bien dices, en los últimos dos discos ya había explotado mucho ese recurso. No es que hayan desaparecido del todo: en la primera canción puedes escuchar el sonido de un trueno que grabé desde mi estudio, y también hay por ahí el sonido de un búho y de unos árboles vibrando con el viento. Hay detalles, pero están escondidos en el fondo de la mezcla. Ten en cuenta, además, que esos discos tenían una vocación paisajista, más ambiental, mientras que Singularity está construido desde la perspectiva de un viaje. www.jonhopkins.co.uk. Entrevista completa en www.ocimag.com

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SI PUDIÉRAMOS METER EN UNA COCTELERA LA VERSIÓN MÁS POP DE THE VELVET UNDERGROUND, EL GAINSBOURG DE LA ÉPOCA MELODY NELSON, LAS BANDAS SONORAS DEL CINE ITALIANO DE LOS 70 Y EL GARAGE DE LOS 60, EL RESULTADO SERÍA BASTANTE PARECIDO A LO QUE HACE LIMIÑANAS, UN MATRIMONIO (MUSICAL Y SENTIMENTAL) CON BASE EN PERPIÑÁN. DESDE EL ESTUDIO QUE TIENEN MONTADO EN CASA, ESTA PAREJA MEZCLA TODOS ESOS INGREDIENTES, Y CON ELLOS DESTILAN CANCIONES DE ALMA PSICODÉLICA Y SONIDO MULTICOLOR, QUE IGUAL SE REFUGIAN EN UNA ATMÓSFERA ENSOÑADORA Y FELIZ QUE HOMENAJEAN ALGÚN TÍTULO DE SPAGUETTI WESTERN, SE PIERDEN EN PASAJES DE AIRE MEDITERRÁNEO O SE ACERCAN A UN POSTPUNK ANGULOSO. SU QUINTO ÁLBUM, THE SHADOW PEOPLE (BECAUSE MUSIC, 2018), APARECIÓ A PRINCIPIOS DE AÑO, PERO ELLOS YA ANDAN EMBARCADOS EN UN NUEVO PROYECTO JUNTO A LA ACTRIZ EMMANUELLE SEIGNER, QUE SE PRESENTARÁ EN LA PRÓXIMA EDICIÓN DE CONVENANZA. EL HOMBRE DE LA CASA, LIONEL LIMIÑANA, EXPLICA CÓMO ES VIVIR CON EL ESTUDIO AL LADO DE LA COCINA.

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Entrevista: Vidal Romero. Foto: A. Crane

Tenéis un estudio en casa, en el que habéis grabado la mayoría de vuestros discos. ¿Cómo es trabajar en un entorno como ese, en el que las fronteras entre vida familiar y creación artística se difuminan? Es muy interesante tener el estudio en casa porque no hay presión temporal, no hay que pensar en disponibilidades ni es necesario hacer planes, así que puedes trabajar con mucha intensidad. También presenta complicaciones, porque puede llegar a aislarte de la vida social, así que es necesario saber decir que el trabajo está acabado: como no pagas facturas de estudio, la tentación de pasar días buscando un sonido muy concreto de bajo o de batería es muy fuerte. Así que hemos aprendido a quedarnos con lo esencial, y eso nos ha permitido grabar los discos que queríamos hacer de la manera en que queríamos hacerlos. Pero tienes razón en cuanto al riesgo de que se mezclen las cosas: en algunas grabaciones se puede escuchar el ruido de la lavadora, a mi hijo llorando o el timbre de la puerta. Siempre he sentido curiosidad por vuestro nombre. ¿Es un homenaje a la marca de anís Limiñana? Limiñana es el apellido de mi familia. Mis padres eran pieds-noirs españoles, de la región de Orán, en Argelia. Se

mudaron a Francia a principios de los 60 y después a España. Y, efectivamente, en el lugar donde crecí siempre había una botella de anís Limiñana. Más tarde conocimos a la dueña de la fábrica en Francia y nos hicimos muy amigos. Cada vez que vamos a tocar a Marsella quedamos para comer o viene al concierto. Me encanta tomar una copa de este anís, acompañado de unos mejillones en escabeche, tal y como lo hacía mi abuelo cuando yo era niño. ¿Es de ahí de donde proviene el componente español en algunos de vuestros temas? Todas esas imágenes y referencias, sonidos y hasta títulos de canciones. España es muy importante para mí. Pasé todas las vacaciones de niño en Alicante, en el barrio chino, donde vivía mi abuelo Octave, y los recuerdos que tengo son inolvidables. Era una época de mi vida en la que mi familia estaba unida y todos estaban vivos… Me encanta el olor de España, su cocina, la gente, la manera de vivir. Me gustaría tocar mucho más por España. Incluso hemos pensado en muchas ocasiones en mudarnos a vivir allí, tal vez en Andalucía. Perpiñán está cerca de la frontera, así que solemos bajar con Pascal Comelade a Figueras, solo para comer algo rico y comprar algunos discos.


Vuestro primer disco, The Limiñanas (2010), funciona para mí como una carta de presentación. Una colección de canciones, escritas durante varios años, en las que se podían palpar todas las cosas que os inspiran: The Velvet Underground, Gainsbourg, las bandas de garage de los 60… Es exactamente eso. El disco es un poco inconexo porque lo grabamos a lo largo de todo un año, a cachitos. Además, tanto Marie como yo estábamos enfermos por culpa de un virus que habíamos contraído durante un viaje y que nos chupaba toda la energía. Es la razón de que el tempo sea tan lento. A partir de Crystal Anis (2012) nos entraron ganas de contar historias, y decidimos cambiar la manera de trabajar. Crystal Anis habla de la Argelia de mis padres, y Costa Blanca (2013) de mi infancia en la España de los años 70. Malamore (2016) trata sobre una historia de amor frustrada y Shadow People sobre nuestros años en el instituto. Es muy excitante estructurar un disco como si fuera una película; una que nunca podrás rodar por falta de dinero. A partir de Costa Blanca se produce un cambio definitivo en vuestro sonido. Por supuesto, el gusto por el garage sigue ahí, pero también aparecen atmósferas y sonidos mediterráneos: instrumentos étnicos, las canciones ye-ye y europop de los 60, Ennio Morricone y las bandas sonoras de serie B… ¿Existía una voluntad premeditada por abrir el paraguas o era una consecuencia de ser más hábiles en el estudio? Sin duda, habíamos realizado progresos en el estudio. Pero también estábamos viajando mucho, y solíamos comprar instrumentos allá donde fuéramos. Y, siguiendo los pasos de algunos de nuestros héroes, como Francois de Roubaix, Warren Ellis o Beck (en la época del segundo disco de Charlotte Gainsbourg), comenzamos a mezclar bouzoukis y bajos marroquíes con amplificadores Fender Deluxe a válvulas, pedales de fuzz soviéticos y pequeñas percusiones. El resultado era muy mediterráneo, pero de una manera inconsciente. Lo hicimos todo sin controlar del todo los instrumentos, utilizando solo una o dos cuerdas, lo que podíamos. En cuanto al cine, nos encanta, y especialmente el italiano, que es casi una obsesión. Vuestro último disco, Shadow People, tiene un sonido más cálido y brillante de lo que es habitual en vosotros. ¿Hay algún tipo de arco conceptual o

es solo que atravesáis un momento feliz? Como te comentaba, es un disco que trata sobre nuestra adolescencia, que es un periodo muy importante para todo el mundo. En el colegio conocimos a muchos amigos que todavía lo son. Fue también la época en la que empezamos a tocar, a ir a conciertos, a pasar el tiempo en librerías y tiendas de discos. Pero no creo que fuera el periodo más feliz de nuestras vidas: en muchos aspectos podía ser bastante oscuro. El periodo que prefiero es el actual, ahora mismo. Se trata del primer disco que grabáis en estudios profesionales: A Secret Location en Melbourne y Cobra Studios en Berlín. ¿Qué podían añadir tipos como Paul Maybury y Anton Newcombe a un sonido tan particular como el vuestro? En los dos casos nos conocimos por casualidad. Tocamos en Melbourne con la banda de Paul, The Pink Tiles, y fue una auténtica revelación. Me encantaron las voces de las chicas. Y me gustó aún más el estudio de Paul, un hangar a las afueras de la ciudad que es como un pequeño paraíso repleto de material antiguo: instrumentos, consolas, máquinas de cinta, todo lo que puedas soñar. En cuanto a Anton, trabajar con él era un viejo sueño por nuestra parte, pero jamás nos habríamos imaginado que sería él quien se ofreciera. Juntar todas las piezas fue un poco complicado, porque teníamos las pistas que habíamos grabado en casa, los coros y arreglos que nos mandaba Paul por Internet y las cosas que hicimos en Berlín. Pero el ingeniero de Anton, Andrea Wright, que ha trabajado con un montón de bandas inglesas, como Echo And The Bunnymen, consiguió que todas las piezas encajaran. Adoro a ese tipo. Este año tocaréis en Convenanza, el festival de Andrew Weatherall. Es un concierto particular, porque tocáis con Pascal Comelade y la actriz Emmanuelle Seigner. ¿Se trata de una colaboración puntual o existe algún nuevo proyecto en marcha? Tenemos un proyecto nuevo, con Emmanuelle y Anton Newcombe, que se llama l épée. Se trata de una mezcla de influencias francesas de los años 60 con guitarras tipo Stooges, efectos de wah wah y mucho fuzz. Hay un maxi grabado, que saldrá en A Recordings a finales de año, y un nuevo álbum para 2019. www.theliminanas.com. Entrevista completa en www.ocimag.com

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SPIRITUALIZED SEIS AÑOS DESPUÉS DE ENTREGAR UNO DE SUS DISCOS MÁS ROCK, Y TRAS LA INEVITABLE SUCESIÓN DE RUMORES ALREDEDOR DE SU ESTADO DE SALUD Y DE SU CAPACIDAD PARA SEGUIR TRABAJANDO, JASON PIERCE VUELVE A LA ACTUALIDAD. Y LO HACE A LO GRANDE, CON UN AND NOTHING HURT (BELLA UNION, 2018) QUE RECUPERA TODAS LAS FILIAS QUE EL MÚSICO INGLÉS HA CULTIVADO A LO LARGO DE SU CARRERA: MANTOS DE ROCK RUIDOSO Y CAÓTICO, PSICODELIA REPETITIVA, DRONES ATMOSFÉRICOS, NANAS MORTECINAS Y CANCIONES CONSTRUIDAS ALREDEDOR DE UNA SOLA NOTA. TODO ENCAPSULADO EN EL INTERIOR DE UN DISCO DE TONO CREPUSCULAR Y NOSTÁLGICO, QUE REFLEXIONA CON ACEPTACIÓN SOBRE EL PASO DEL TIEMPO Y LA SOLEDAD QUE LLEVA APAREJADO, Y QUE TAL VEZ SEA EL ÚLTIMO EN LA HISTORIA DE SPIRITUALIZED. O, AL MENOS, CON ESO AMENAZA PIERCE DESDE SU CASA EN EAST LONDON. Entrevista: Vidal Romero. Foto: Juliette Larthe

Para grabar And Nothing Hurt has montado un estudio en tu casa. ¿Qué te ha llevado a tomar esa decisión? Sobre todo, las limitaciones financieras. Comencé a grabar como había hecho siempre, pero pronto me di cuenta de que en esta ocasión no dispondría de suficiente dinero para llevar a cabo todo lo que tenía en mi cabeza. Como no quería utilizar estudios baratos ni dejar que las restricciones de tiempo me agobiaran, decidí comprar un ordenador portátil y algo de equipo básico y lo monté todo en la planta alta de mi casa. Supongo que esas carencias se habrán filtrado de alguna manera en las canciones. Al principio tenía una sensación de soledad muy grande. Siempre he grabado en lugares donde había ingenieros, productores y muchos músicos a mi alrededor, gente que me arropaba en cada momento. Así que subir las escaleras por las mañanas, con un café en la mano, y enfrentarme a algo tan frío como la pantalla de un ordenador me producía mucha desazón. Además, no atravesaba el mejor momento a nivel anímico, y no me sentía con fuerzas para terminar una empresa tan grande como es la grabación de un disco. O sea, que la experiencia llegó a resultar frustrante. Sobre todo cuando me encontraba en callejones sin salida, cuando no sabía cómo resolver determinadas cuestiones. En un estudio hay gente que se preocupa de que todo esté preparado para que te puedas poner a tocar en cuanto llegues, pero en casa tienes que aprender hasta las nociones más sencillas, y dedicar energías a trabajos que no tienen que ver directamente con el hecho de escribir canciones. Imagino que también habría buenos momentos o no estaríamos hablando ahora mismo. Por supuesto. Todo ese proceso hace que te relacio-

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nes de manera más íntima con el sonido, y aprendes mucho sobre ciertas cosas que siempre habías dado por sentadas. También me encontré con una libertad desconocida: podía probar cualquier idea que se me ocurriera, sin miedo a equivocarme y sin el peso del dinero sobre mi cabeza. Me pasaba semanas enteras tocando acordes con la guitarra hasta encontrar el sonido que había imaginado o ajustando niveles y efectos en la mezcla. Lo único que estaba perdiendo era mi propio tiempo. ¿Es por eso por lo que citas las producciones de pop de los 60, y, sobre todo, a Lee Scratch Perry como influencias a la hora de grabar And Nothing Hurt? Mi idea original era que cada canción debía tener un montón de instrumentos para que sonara mejor y más grande, aunque después he descubierto que esto no siempre funciona. Así que, si quería meter una sección de cuerdas, me dedicaba a buscar en mi colección de discos hasta encontrar alguna que sonara exactamente como la que tenía en la cabeza, y después iba recortando las partes que me interesaban y pegándolas en el ordenador. El disco está hecho de este modo, a base de retales pegados entre sí, que es la manera en la que trabajaba Lee Scratch Perry. En cualquier caso, And Nothing Hurt no es exactamente el trabajo de un ermitaño. En el disco colaboran dos decenas de músicos, varios de ellos habituales en tus bandas de directo. Nunca he tenido suficiente confianza en mi manera de tocar, así que necesito rodearme de gente que sea capaz de llevar a cabo todas las cosas que tengo en mi cabeza. Pero lo he mantenido en una escala pequeña, sin intentar grandes alardes, y eso me ha permitido llamar a músicos con los que quería trabajar hace tiempo.


Es el caso de Dave Richmond, el tipo que grabó Histoire de Melody Nelson con Serge Gainsbourg, que ha tocado el bajo en tres de las canciones. Vive a tres manzanas de mi casa, así que se pasaba a verme de vez en cuando, tomábamos un té y hablábamos de las canciones del disco. También has utilizado varios estudios de grabación, por lo que en determinados momentos tuviste que salir del encierro. Hay ciertas cosas que no podía hacer de ningún modo en casa: habría sido imposible grabar una batería, por ejemplo, y no solo porque ocupa un espacio del que no dispongo, sino porque no tengo conocimientos suficientes para hacerlo bien. También las voces y algunos arreglos de viento y de cuerda. Cuando tenía dinero alquilaba un estudio, grababa unas cuantas sesiones y me llevaba ese material a casa para seguir trabajando. Incluso monté algunos conciertos para poder financiar las sesiones. Imagino que te refieres a los que diste por el vigésimo aniversario de Ladies and Gentlemen, We Are Floating Into Space, que diste en 2016 y 2017. La idea inicial era esa, pero cuando dimos la primera tanda de conciertos me di cuenta de que había algo que se estaba perdiendo por estar encerrado en casa. Cuando tocas en directo, con toda la banda y la orquesta detrás de ti, recibes una cantidad brutal de energía que te obliga a interpretar las canciones de un modo determinado. Así que decidí grabar de nuevo partes enteras del disco para recuperar esa sensación. En algunas entrevistas de aquella época comentaste que el próximo disco de Spiritualized sería el último que grabaras. Ahora que And Nothing Hurt está por fin en la calle, ¿sigues pensando del mismo modo? No es que quiera dejar de tocar música, pero grabar un disco

es algo que cada vez me seduce menos. Necesitas partir siempre de cero, pero con la obligación de que el resultado sea diferente y mejor que en la última ocasión. Por otro lado, el álbum es un formato que ya no funciona: ha cambiado la manera en la que escuchamos música, así que pensar en seguir metido dentro de la rueda de grabar un álbum para después salir de gira es algo que me pone enfermo. Se puede trabajar con otros formatos, publicar canciones sueltas o tal vez un EP. Pero hacer discos y salir de gira es tu trabajo. Muchos de mis amigos creen que en cuanto salga de gira otra vez y me dé cuenta de cómo suenan esas canciones en directo, querré volver a intentarlo. Así que ¿quién sabe? Tal vez esté condenado a estar dentro de esa rueda para siempre. Pero también hay que tener en cuenta que, a medida que envejeces, tus discos se van haciendo peores. Es lo que sucede con el rock’n’roll, y yo no quiero ser tan arrogante como para pensar que estoy por encima de esa realidad. De hecho, muchas de las letras del disco hablan sobre el paso del tiempo y la necesidad de aceptarlo. Es inevitable. El paso del tiempo me afecta, y si quiero hacer un disco a mi edad tengo que asumir esa realidad; no puedo pretender que tengo todavía veinte años y que nada ha cambiado. Y tampoco puedo utilizar ese lenguaje tan propio del rock, toda esa arrogancia y estupidez que manejas cuando eres joven. La realidad es que mi pasado es confuso, está repleto de líneas perdidas, y ese tipo de cosas tienen que reflejarse en las canciones que hago, aunque a veces el tono pueda resultar triste. Aunque es cierto que no me arrepiento de nada, y que este disco es de algún modo optimista. www.spiritualized.com. Entrevista completa en www.ocimag.com

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NUEVOS LANZAMIENTOS

AUTECHRE NTS SESSION 1-4 4 (Warp)

NAS NASIR (Mass Appeal)

DONATO DOZZY FILO LOVES THE ACID (Tresor)

BAMBA PANA POAA (Nyege Nyege Tapes)

AUTARKIC TREBLE REBEL EP (Höga Nord)

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La producción de los mancunianos Rob Brown y Sean Booth en la segunda década del siglo XXI debería ser materia de estudio. Exai (2013) duraba dos horas, pero luego se complementó con una colección de temas con nueve horas más. En 2015 publicaron quince directos en digital completamente diferentes, y hace dos años sacaban los cinco EP de elseq. Ahora, Warp anuncia la edición en CD de las cuatro NTS Session que Autechre emitió en directo en la radio de Internet londinense NTS. Ocho horas, dos horas por sesión, treinta y seis cortes que recogen el ambient, el glitch más incómodo, los martillos hiphoperos y esa vanguardia abstracta de sus últimos discos. Autechre sigue explorando sus límites con cuatro discos sin concesiones para el no iniciado, pero que son un buen resumen del increíble camino musical y vanguardista iniciado por el dúo en el siglo XXI. (Manu González) Seguramente debes haber leído por ahí que Ye, el último disco del rapero norteamericano Kanye West, no ha recibido muy buenas críticas, pero no te creas que 2018 ha sido un año malo para el nuevo amigo de Donald Trump. Cada día estará más loco, pero musicalmente se ha sacado del sombrero el notable debut del dúo Kids See Ghosts, West y Kid Cudi, y las producciones del K.T.S.E de Teyana Taylor, el excelente DAYTONA de Pusha T y este Nasir de Nas. Seis años después de Life is Good, Nas vuelve con un trabajo corto y efectivo. Comenzar con los coros rusos de La caza del Octubre Rojo de Basil Poledouris es comenzar muy alto. Pero una excelente selección de samplers muy minimalistas convierten a Nasir en un clásico de principio a fin. La estrella del disco es The Dream, quien le da el toque más melancólico a Everything y Adam And Eve. (Manu González) Seamos francos: otro disco entero de acid house puro y duro hubiera aburrido hasta al más fanático en 2018. El emulador de bajo Roland TB-303 de Tadao Kikumoto parece haber sido explotado en todas sus vertientes, pero en manos de expertos como el Professor Donato Dozzy esta pequeña máquina de placer cósmico puede volver a emocionar como a finales de los 80. El cuarto disco en solitario de Donato Dozzy es mucho más que una carta de amor al ñigo-ñigo clásico de la 303. Es un disco intenso y bailable que recuerda mucho al revisionismo vanguardista de los Analord de AFX/Aphex Twin. Ocho temas donde la psicodelia ácida es envuelta en capas de sintetizadores amables, como la inicial Filo, o es desprovista de artificio y servida con toda su crudeza (Duetto o la minimalista Back). Si te gusta rápido y ácido, Filo Loves the Acid es puro limón en vena. (Manu González) Quienes creían que el footwork era el ritmo más rápido que se podía facturar en una pista de baile deberían hacer una visita al estudio Sisso, situado en el barrio de Mburahati a las afueras de Dar Es Salaam, la ciudad más grande de Tanzania. Allí llevan años practicando el singeli, un estilo de música que mezcla el happy hardcore y los ritmos africanos. Así de bestia, así de bailable. La mayoría los descubrimos con el recopilatorio Sounds of Sisso del sello de Uganda Nyege Nyege Tapes, una selección de temas a más de 200 bpm, como el ritmo de una sierra mecánica africana. Bamba Pana aplica su bisturí de ritmos imparables sin compasión y sin tomar prisioneros. Cuando quiere ser amable, llama al MC Makaveli para rebajar tensiones (tremendo Lingalinga), pero no hay nada amigable en estos nueve temas que se piensan con los pies. Triunfará en Sónar 2019: que nadie te lo cuente después. (Manu González) El año pasado el israelita Nadav Spiegel publicó uno de los discos más emotivos de la electrónica de baile mundial: I Love You, Go Away. Autarkic se convirtió en el tercer nombre importante de la escena de Tel Aviv, junto al propio Moscoman o el dúo Red Axes. Pocos meses después edita ocho temas nuevos: los cuatro de Heavy Dreamer, publicados en Life And Death, y los cuatro de este EP: Treble Rebel, que publica el sello de Noruega Höga Nord en octubre con un picture-vinyl que hará las delicias de los coleccionistas. El tema que da título al disco es como el reverso positivo de aquellos temas trance de Underworld de los 90, sin oscuridad, solo luz y felicidad, con un toque medio kosmische medio disco que le sienta muy bien. Spiegel también tira de samplers folk de Oriente Medio con esa psicodélica And the Tribe Debates, el otro gran tema del disco. (Manu González)


NUEVOS LANZAMIENTOS

“Solo dos semanas antes de cumplir 35 años, los médicos descubrieron un tumor durante un examen de rutina. El pronóstico fue positivo, pero la ansiedad que acompañó al diagnóstico fue increíblemente difícil de digerir. El 16 de octubre de 2016, después de cinco largos años de tomografías computarizadas, radiografías y muestras de sangre regulares, dejé el hospital por última vez”. No es fácil hacer un disco tan personal y que suene tan universal a la vez. The Fifty Eleven Project no viene firmado con su propio nombre, sino como Kasper Bjørke Quartet, para reconocer la labor de su asistente Claus Norreen, las cuerdas del compositor italiano Davide Rossi y el piano del danés Jakob Littauer. The Fifty Eleven Project suena al Vangelis de Blade Runner, al Max Richter de The Blue Notebooks, al Orphée de Jóhann Jóhannsson y al Felt de Nils Frahm, una nueva joya neoclásica electrónica. (Manu González)

KASPER BJØRKE QUARTET

El británico Felix Manuel lleva ocho años defendiendo a capa y espada la versión más introspectiva del urban británico mezclando downbeat, jazz electrónico, dubstep y techno. Portrait with Firewood es su trabajo más personal hasta la fecha, en el que ya no firma como DJ Rum, sino como Djrum, todo junto. Su segundo largo se inspira en el trabajo vanguardista y humano de la performancer Marina Abramovic en el intento de hacer un disco urban melancólico, bello y consciente de su fragilidad. Y la verdad es que lo consigue, sobre todo en esa mezcla de drum’n’bass jazzie escuela LTJ Bukem, pero también con samplers de voz como Burial o grabaciones de campo. Como William Bevan, Felix ha realizado un trabajo de edición titánico, sobre todo en las dos partes de Creature, junto a la violonchelista Zosia Jagodzinska. Uno de los temas más bellos de un disco que se disfruta en varias escuchas. (Manu González)

DJRUM

El alemán Christopher Liebing siempre ha gustado de reinventarse con cada década. Comenzó su carrera a principios de los 90 como Dj. Menos de diez años después, ya era un reputado Dj del booking de Cocoon y comenzaba a publicar sus primeros maxis de techno duro sin concesiones. Con el siglo XXI creó su propio sello y publicó Evolution (2003), un disco de techno industrial que dejaba sin aliento. Ahora, con 50 años recién cumplidos, Liebing publica en Mute su disco más pop y memorabilia, que responde, irónicamente, al título de Burn Slow, un disco que el propio autor reconoce que ha querido hacer toda su vida. Liebing se ha aliado con Ralf Hildenbeutel, de Eye Q, grabando su primer disco en un estudio grande. Del techno-pop a dub-techno, pasando por sonidos industriales primigenios y diversas colaboraciones, Burn Slow brilla en los veinte minutos sintéticos de Trilogy. Una joya. (Manu González)

CHRIS LIEBING

Como muchos de ustedes, no descubrí a la productora y Dj alemana Helena Hauff con su disco de debut de 2015, Discreet Desires, así que los dos primeros cortes de este Qualm me dejaron patidifuso. Barrow Boot Boys y Lifestyle Guru son dos cortes producidos con las tripas. Recuerdan mucho a los primeros trabajos de gente como Cristian Vogel o Surgeon, frescos, salvajes y sin complejos. Como aquellos orfebres del techno británico, Hauff no parece sentirse cómoda en un solo estilo, navegando entre el dub techno, el house más espartano, el acid house o la EBM sin complejos, temas fríos que crecen alrededor de bases mugrientas, duras y ruidosas. Hauff no es la primera en traer el ruidismo al techno alemán, pero sí es la primera en empaquetarlo todo perfectamente en un disco de doce temas que suena imprescindible. Pongan Hyper-Intelligent Genetically Enriched Cyborg a nivel once y disfruten. (Manu González)

HELENA HAUFF

El artista electrónico del Prat vuelve a su casa, Lapsus, para entregar su sexto disco, Lärm, el paso lógico al viaje industrial que comenzó en Hum (2013) y Transit (2015). Existen pocos artistas en este país capaces de exprimir su cacharrería tan a fondo como Pina. En Lärm no viene solo: cuenta con el siempre ruidista Oriol Rossell, miembro de Dead Normal, en los temas que abren y cierran el disco, This is it y You were warned, y compone un tema oscuro y férreo con Cora Novoa, Krach. Lärm no abandona completamente los ritmos IDM, pero este es su disco más vetusto, arisco y negro, una sucesión de temas industriales que recogen diversas influencias sin llegar a ser nunca evidente. Además, tiene alma de disco conceptual y los diversos temas están interconectados entre ellos. Sin lugar a dudas, Lärm y El demà de Balago son los dos discos nacionales de 2018. (Manu González)

THE FIFTY ELEVEN PROJECT (Kompakt)

PORTRAIT WITH FIREWOOD (R&S)

BURN SLOW (Mute)

QUALM (Ninja Tune)

PINA LÄRM (Lapsus)

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NOTICIAS DISEÑO Y PROYECTOS

METAZINE

STEVIE GEE PARA STELLA MCCARTNEY

Metazine es la revista que habla del arte de crear revistas, y brinda a los lectores una visión de este mundo a través de conversaciones con editores independientes. Las páginas de Metazine se presentan al lector maravillosamente risografiadas y diseñadas con mucho cuidado y esmero, un trabajo elogiado con el Premio STACK a la mejor revista estudiantil. El segundo número presenta una portada fluorescente ilustrada por Dan Whitehouse, que simboliza las muchas caras de la impresión independiente. Metazine recoge una rica amalgama de pasiones que rezuma amor por la imprenta, las publicaciones independientes y prueba los límites de lo que realmente significan ambas cosas. raw-print.com/metazine

El trabajo del ilustrador Stevie Gee para Stella McCartney ha sido uno de los ganadores de los World Illustration Awards y el más valorado en su categoría. Se trata del rediseño del packaging de Stella Kids, la línea para niños de la diseñadora británica. Stevie tuvo carta blanca para crear una serie de monstruos que dibujó en su estilo habitual: mucho pelo, colores brillantes y cosas tontas. El resultado es un packaging innovador, divertido e interactivo, un set de diferentes cajas para niños, niñas y bebés que ofrece infinitas combinaciones apilables de personajes locos para crear y jugar en casa. Un sinfín de posibilidades creativas para los visual merchandisers con un inconfundible estilo psicodélico. steviegee.com

PREMIO CREMA 2018

KOTA YAMAJI

El 18 de octubre tendrá lugar en el Casino Aliança Poblenou de Barcelona la segunda edición del premio CREMA al talento emergente del diseño gráfico. Organizados por el Festival BLANC, su objetivo es potenciar el talento joven reconociendo el trabajo de estudios y profesionales que llevan no más de cinco años de actividad. De entre todas las suscripciones recibidas, un jurado formado por figuras reconocidas del sector realizará una preselección de cinco finalistas que presentarán sus proyectos durante la gala del certamen. Un duelo de creatividad y talento que llevará a los participantes a conseguir el cinturón de acero, el galardón que se otorga en este certamen al trabajo crema de verdad. escrema.com

Kota Yamaji es un artista digital japonés que vive en Tokio, una de las ciudades más grandes y bulliciosas del planeta. Tal vez por esa razón el artista deshumaniza a sus personajes privándolos de facciones, incluso de cabeza, y las sustituye por cualquier otro objeto. El trabajo de Yamaji es una orgía de colores neón y formas apabullantes que consigue combinar de forma cautivadora, casi hipnótica, fruto de un esmerado juego de posibilidades que bullen sin cesar dentro de su cerebro. Licenciado en diseño gráfico, Kota Yamaji se inspira en la cultura pop japonesa, el surrealismo y las luces de neón, y su activa imaginación es una fuente inagotable de creación digital impactante y descarada. kotayamaji.com

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NOTICIAS DISEÑO Y PROYECTOS

ARTHUR HOFFNER

THE DESIGN BLACKLIST

Las fuentes de agua se han utilizado en todas las culturas como símbolo para referirse al origen de la vida. Para Arthur Hoffner, un joven diseñador francés apasionado por la forja y la carpintería metálica, las fuentes han supuesto lograr el Premio Público en el último Festival Internacional de Diseño de Producto Design Parade de Villa Noailles, en Hyères. Hoffner redefine los componentes y materiales comunes de las fuentes interiores para incorporarlos en el paisaje doméstico. Creadas a partir de vajillas y tuberías recicladas, fragmentos de cerámica, mármol y trozos de cuerda intrigan con su belleza inútil; un circuito tecnológico y la magia del eterno movimiento que atraen nuestra atención. www.arthurhoffner.fr

The Design Blacklist es la lista negra en la que a todos los diseñadores les gustaría estar. Se trata de una cuidada selección de los proyectos más interesantes y atractivos que pueden encontrarse en Internet. La red es una gran cajón de sastre con deliciosas e inspiradoras joyas de la cultura gráfica global, y The Design Blacklist es una plataforma online creada por la diseñadora valenciana Isabel Casilda Rincón de Arellano para detectar esos tesoros escondidos, promover el trabajo conceptual y experimental de alta calidad con el objetivo de poner en valor la figura del diseñador gráfico y apoyar “a aquellos diseñadores que defienden un lenguaje nuevo y nada convencional”. www.designblacklist.com

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SELGASCANO EN LA TRIENAL DE BRUJAS

DISEÑAS O TRABAJAS?

El Museo del Diseño de Barcelona presenta ¿Diseñas o trabajas? La nueva comunicación visual. 1980-2003. Comisariada por la historiadora del diseño Raquel Pelta, la nueva exposición permanente ofrece un recorrido por la historia del diseño gráfico en Cataluña y España en un periodo, las décadas de los 80 y 90, que fue un momento de gran vitalidad que se denominó el ‘boom del diseño’. La muestra explica cómo el diseño gráfico ha abordado las grandes transformaciones políticas y sociales a lo largo de más de dos décadas a través del trabajo de más de doscientos profesionales y una selección de unas seiscientas piezas que representan la historia del diseño grafico español. ajuntament.barcelona.cat

El estudio de arquitectos españoles SelgasCano levantó una isla artificial con estética tropical en uno de los canales de Brujas durante la segunda edición de la trienal de la ciudad belga. Bajo el lema ‘La ciudad líquida’, esta nueva cita de la Trienal de Brujas convirtió la ciudad en un espacio lúdico y dinámico mediante las obras que arquitectos y artistas distribuyeron por sus áreas públicas. El pabellón de SelgasCano flotaba sobre el canal apoyándose en una plataforma de madera que sustentaba un esqueleto de acero forrado de plástico de origen textil. El proyecto encarnaba uno de los objetivos de la trienal: generar encuentros y desafiar al público a ver obras de arte y a experimentarlas. www.selgascano.net

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PLAYMODES LUZ ESTROBOSCÓPICA, CÓDIGO, CIMÁTICA, HARDWARE, MAPPING... LA NUEVA DIMENSIÓN DEL ARTE Y EL DISEÑO ALCANZA HORIZONTES DE MUNDOS DESCONOCIDOS PARA LA MAYORÍA DE NOSOTROS. LAS NUEVAS TECNOLOGÍAS OFRECEN UN AMPLIO RANGO DE HERRAMIENTAS PARA QUE LOS CREADORES MÁS INSÓLITOS PUEDAN CONSTRUIR EXTRAORDINARIAS INSTALACIONES ARTÍSTICAS CAPACES DE “GENERAR ESTADOS ALTERADOS DE LA PERCEPCIÓN”. CREADORES INSÓLITOS COMO LOS INTEGRANTES DE PLAYMODES, UN ESTUDIO DE INVESTIGACIÓN AUDIOVISUAL QUE SE DESENVUELVE IGUAL DE BIEN ENTRE LOS ALGORITMOS DE SOFTWARE Y LAS PARTITURAS MUSICALES PARA DISEÑAR PROYECTOS ARTÍSTICOS UTILIZANDO LAS HERRAMIENTAS QUE LAS NUEVAS TECNOLOGÍAS PONEN A SU ALCANCE O LAS QUE ELLOS MISMOS SE FABRICAN. CHARLAMOS CON LOS GENIOS DE PLAYMODES PARA CONOCER UN POCO MÁS DE CERCA SU TRABAJO Y DESVELAR LOS MISTERIOS QUE SE ESCONDEN TRAS BAMBALINAS EN SUS INSTALACIONES. Entrevista: Rosario Muñoz

¿Cómo es una jornada de trabajo en Playmodes? Después de atender e-mails, skypes y demás, nuestra jornada ‘ideal’ comienza revisando los bocetos de la pizarra. En ella volcamos diseños preliminares de hardware, algoritmos de software y conceptos audiovisuales y, a partir de ahí, entre todos construimos los proyectos. Cada uno de nosotros tiene perfiles diferenciados, así que durante el mismo día tenemos a uno diseñando circuitos electrónicos soldador en mano, a otro programando un nuevo software para controlar láser en tiempo real y a otro trabajando en simulaciones 3D mientras suenan pitidos a todo trapo de algún nuevo engine de audio. Nuestro espacio es bastante pequeño y hay días que nos volvemos locos. ¿Quiénes forman Playmodes? Somos un equipo de cinco ingenieros, diseñadores, músicos y arquitectos. Colaboramos de forma esporádica con otros creativos, sobre todo ilustradores y gente del motion graphics, y también trabajamos con programadores informáticos de todas partes del mundo. Vuestros orígenes se remontan a finales de los 90 en los clubs de música electrónica con el surgimiento de la figura del VJ, quien proyectaba imágenes en tiempo real sobre el paisaje sonoro creado por el Dj. ¿Qué es lo que ha cambiado desde entonces? Desde entonces los formatos se han diversificado, la manera de trabajar el motion graphics ha cambiado mucho y la percepción ‘social’ del visualista ha evolucionado positivamente. Ha habido una tendencia muy fuerte a salir de los límites rectangulares de la pantalla de vídeo: el mapping, las escenografías píxel a píxel usando led o la toma de control de los sistemas de iluminación por gente con perfiles más cercanos al VJ que al técnico de iluminación. La escena VJ se ha emancipado del club y de la noche, y ha colonizado nuevos espacios cercanos al museo, lo que ha permitido el enriquecimiento del lenguaje y de los formatos. A día de hoy las posibilidades de creación artística a través de la luz, la música, las imágenes y las nuevas tecno-

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logías son infinitas. ¿Cómo planteáis los proyectos? Aunque cada proyecto es un mundo, casi siempre nuestro punto de partida es la generación de estados ‘alterados’ de la percepción. Nos interesa mucho generar experiencias inmersivas que sumerjan al espectador en un sueño o en una alucinación. En la mayoría de nuestros trabajos realizamos un uso extensivo de la luz estroboscópica, de las ilusiones de perspectiva o de la espacialización sonora con ese objetivo. Luego entran en juego las tecnologías con las que nos apetece experimentar. Dependiendo de la idea subyacente o del espacio elegimos un tipo de instrumental u otro: led, haces de luz, láser, proyectores, pantallas. A continuación generamos el diseño arquitectónico y determinamos la disposición exacta del instrumental de audio y vídeo y, a partir de ahí, empezamos a trabajar con los guiones, que en nuestro caso tienen mucho que ver con las partituras visuales, que nos sirven de base para generar los contenidos audiovisuales dentro de la abstracción y generar un discurso coherente. Trabajáis tanto en la esfera artística como en la comercial. ¿Qué tipo de proyectos son los que atañen a esta última? Preferimos los contextos de corte mas ‘cultural’, porque tenemos más libertad para desarrollar nuestro propio lenguaje, pero si el proyecto que nos plantean es interesante (o tenemos agujeros en los bolsillos) no hacemos ascos a trabajar para marcas. Hemos colaborado con compañías de todo tipo, sobre todo en el mundo de los eventos: Twitter, adidas, Barceló, Facebook... Las marcas están entendiendo que las propuestas singulares les ayudan a ‘diferenciarse’ y eso nos favorece como creadores, ya que podemos trabajar con nuestras propias ideas y lenguaje sin interferencias por parte de las agencias de publicidad. Cluster es una instalación que explora las relaciones entre el espacio, el tiempo y la percepción. ¿Cómo se traduce esto a un espacio físico? Cluster es una instalación formada por una matriz de 4x4 columnas ‘forradas’ con píxeles led.


El espacio cuenta con un sistema de sonido de ocho canales independientes, lo que crea un universo sonoro envolvente. Este espacio de arquitectura efímera se puede transitar libremente y observarse desde distintas perspectivas. En Cluster tejemos relaciones audiovisuales píxel a píxel y frame-a-frame con el objetivo de crear una experiencia poderosa mediante un lenguaje muy abstracto. Cada píxel que se ilumina genera un sonido que se espacializa en las coordenadas exactas de esta luz: si la columna del fondo a la derecha se ilumina, el sonido se generará en ese mismo lugar. Esto nos permite trabajar conceptos que exploran la percepción del tiempo y del espacio, a partir de secuencias de luz y sonido. Se trata de experiencias potentes que vale más la pena experimentar que leer, así que os invitamos a que vengáis si tenéis la oportunidad. ¿Cómo y cuándo surge la idea de crear Cluster? El primer prototipo de Cluster aparece a raíz de una propuesta del festival MIRA de Barcelona, que para su edición de 2016 nos propuso crear una instalación, carta blanca, en un espacio plagado de columnas en la fábrica de Fabra i Coats. Sumando las posibilidades de ese espacio y el desarrollo de software que teníamos en marcha en ese momento decidimos crear una instalación en la que poner en práctica los algoritmos de control de píxeles mediante ondas. La experiencia seminal del MIRA funcionó muy bien y decidimos replantear toda la pieza poniendo más atención en los detalles y buscando una narrativa más sólida. La oportunidad del Day For Night fue perfecta para reiniciar el proyecto desde cero, manteniendo la idea original del Cluster de columnas y el discurso audiovisual ligado mediante algoritmos de sonificación y visualización. Estrenasteis Cluster en 2017, en el festival Day For Night de Houston. ¿Cómo fue la acogida? ¡Nos lo pasamos pipa! La gente tomó el espacio como un chill out, cosa que no esperábamos para nada y que nos encantó. Estamos hablando de un discurso audiovisual bastante radi-

cal de luz estroboscópica, glitch y subgraves. Tuvimos muchos visitantes que venían a control a preguntar: “What the f**k is this?” y que se interesaban por el proceso, las ideas y herramientas en juego. El público americano no está tan acostumbrado a este tipo de instalaciones y quedaron fascinados por el nivel de inmersión y marcianada. Como anécdota curiosa, hubo muchos comentarios acerca de que Cluster era como estar en el mundo al revés de Stranger Things... los yanquis y su entrañable apego a la cultura pop. ¿Cuáles eran vuestras expectativas ante el estreno europeo de Cluster en casa, dentro del festival DGTL, y cuál ha sido la respuesta del público? Después del éxito de Cluster en el DFN, tanto en el propio festival como en las redes, teníamos curiosidad por saber la reacción del público en el DGTL BCN. La verdad es que la instalación funcionó muy bien durante todo el festival, hubo mucha gente en todo momento y la respuesta fue muy buena: como zona de baile, chillout o como experiencia sensorial, el público la disfrutó mucho. ¡Quedamos muy contentos! ¿Qué tecnología, dispositivo o tendencia audiovisual y digital os gustaría investigar en la actualidad? Le tenemos muchas ganas a la escultura cinética. Nos apetece mucho aplicar nuestro lenguaje a la materia en movimiento, y empezar a trabajar con cosas más ‘sólidas’, alejándonos un poco de la etereidad de la luz. ¿En qué proyectos estáis metidos ahora mismo? Llevamos una temporada muy ajetreada con nuevas creaciones. Dos de ellas nos hacen especial ilusión: VJYourself, una instalación inspirada en los espejos mágicos de los parques de atracciones, pero actualizada con las herramientas del siglo XXI; Espills, una escultura lumínica, basada en láser y espejos robóticos que narra la formación y erosión de un cristal, desde su estado inicial de ‘arena’. Ambas se presentarán a finales de septiembre en el parque de la Ciutadella de Barcelona durante las fiestas de La Mercè. ¡Estáis invitados! www.playmodes.com

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Naranjo-Etxeberria MIGUEL NARANJO Y DIEGO ETXEBERRIA SON LOS ARTÍFICES DE UNA METODOLOGÍA PROPIA DE TRABAJO QUE HAN CREADO BAJO EL SELLO N-E, SU ESTUDIO DE DISEÑO, AUNQUE ELLOS NO SE REFIEREN AL MISMO COMO TAL, SINO COMO UN COLECTIVO DE PERSONAS CON UNA MISMA CONCEPCIÓN DE LA CULTURA VISUAL CONTEMPORÁNEA. EL DAR CON LA ÚNICA SOLUCIÓN POSIBLE A UNA NECESIDAD, EL HUIR DE LO SUPERFLUO SIN TENER MIEDO A LA SIMPLICIDAD ES UNA DE LAS MÁXIMAS DEL EQUIPO A LA HORA DE AFRONTAR UN PROYECTO PARA CONSEGUIR QUE SU ÉXITO SEA ATEMPORAL. EL DISEÑO FORMA PARTE DE SU DÍA A DÍA Y LA REALIDAD DE SU ENTORNO ES LA FUENTE DE LA MAYORÍA DE LAS REFERENCIAS QUE CARGAN EN SU EXTENSO ARCHIVO INSPIRACIONAL. HABLAMOS CON ELLOS DEL NACIMIENTO DE NARANJO-ETXEBERRIA, DE CÓMO FUNCIONA Y DE SU PROYECTO EDITORIAL EXPERIMENTAL, COOKBOOK, QUE RECOGE Y ANALIZA LAS REFERENCIAS DE UN ARTISTA Y QUE VA POR SU CUARTA EDICIÓN. Entrevista: Rosario Muñoz

¿Qué es N-E? N–E es algo que está en constante cambio. No es un estudio de diseño al uso: es un colectivo de personas que trabajan en la cultura visual contemporánea a través de conceptos. Fundado en 2014 y con sede en Madrid, N-E es un equipo flexible que colabora con talentos profesionales seleccionados por la empatía y la admiración mutuas. El resultado es un enfoque multidisciplinar ajustable a todo tipo de proyectos de diferentes campos. Cada parte de N-E tiene una función diferente, pero todos persiguen un único objetivo común: resolver cada proyecto de la mejor y única manera posible. Os conocisteis trabajando en publicidad antes de fundar vuestro propio estudio de diseño. ¿En qué momento decidisteis escoger el camino del emprendimiento? Surgió como una necesidad más que como una decisión. Nos dimos cuenta de que teníamos las mismas inquietudes creativas y decidimos dar el paso. Una misma visión, compartir gustos y complementarnos como dupla creativa hizo las cosas más fáciles. Bondades y dificultades de ser empresario/diseñador. Lo mejor y lo peor es que los límites te los pones tú. Es un arma de doble filo que, cuando sabes utilizarla a tu favor, es muy potente. ¿Cómo gestionáis el compartir responsabilidades y las tomas de decisión entre dos? Mediante el respeto y la confianza. Cada uno sabe cuándo tiene que ceder en algo o cuándo el otro tiene razón. Nuestro trabajo es una conversación constante y eso hace que todo se hable y se discuta. ¿Cuál es el signo distintivo que imprimís en vuestro trabajo? Nuestra especialidad no es un soporte o un medio: es una forma de hacer. Una metodología que es, en sí misma, nuestra filosofía. En un equipo formado por diferentes creativos, ¿cuáles son los criterios para repartir tareas a la hora de trabajar en un nuevo proyecto? Siempre hay una fase inicial en la que participamos todo el equipo. Una vez que está definida la dirección del proyecto, se trabaja en equipos de dos hasta la fase final. En esta última fase, se vuelve a poner en común con todo el equipo. También sois docentes en el IED y participáis activamente en actividades de difusión cultural, como conferencias, lecturas, workshops... ¿Qué os atrae de la enseñanza y del acto de compartir experiencia y conocimientos? Actualmente no estamos dando clases ni workshops. Hemos decidido estar un tiempo sin hacerlo, para así centrarnos en nuestra actividad principal. Las únicas dos conferencias que tenemos este año previstas son el 27 de septiembre en Madrid (dentro de los ciclos de conferencias que organiza Play Restart), en

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Fedrigoni Club, y el 20 de octubre en el Blanc Festival. Cookbook es vuestro particular Frankenstein: un proyecto editorial construido sobre el mundo de las referencias visuales, un magazine que analiza en cada volumen las referencias de un artista. ¿Cómo surgió la idea de ponerlo en marcha? Cookbook es nuestro I+D. Es una publicación anual centrada en mostrar las referencias de un artista, ahondar en qué se ha basado esa persona para desarrollar su obra, buscar en el proceso y no en el resultado. Cookbook nos permite aprender a través de la experimentación. Cuando un proyecto es un autoencargo, te sirve para hacer cosas que no has podido hacer en proyectos de clientes, pero también el nivel de exigencia es más alto, ya que tú eres el cliente. Más aún porque controlas el proceso completo: conceptualización, edición de contenido, dirección creativa, dirección de arte, diseño, producción, comunicación y distribución. Entendemos Cookbook como un proyecto de investigación y experimentación. Nos obligamos a no hacer simplemente lo que nos gusta, sino a buscar algo nuevo. En definitiva: a tomar riesgos. Es necesario tomar riesgos para hacer algo nuevo, pese a que pierdas tiempo y dinero. Lo bueno es que todo este aprendizaje te sirve para aplicarlo en futuros encargos. Es una rueda que se retroalimenta. Actualmente el número 4 se divide en 13 fascículos que lanzamos mensualmente. Se ha convertido en una publicación mensual/anual. ¿Cuál es la importancia de las referencias visuales en el mundo de la comunicación gráfica? Nosotros encontramos inspiración en todo tipo de referencias, no solamente en las visuales. Nos generan un background mayor a la hora de desarrollar proyectos. Referencias en el mundo del arte, la moda, la gastronomía, la arquitectura, el diseño en todos sus ámbitos, la literatura o el cine. Una tendencia en comunicación gráfica que os horrorice vs. una que os encante. Las tendencias gustan cuando son tendencia y horrorizan en el momento en que dejan de serlo. Esa es su función. En un documental, Cristóbal Balenciaga decía: “El arte es aquello que es feo hoy y que será bello en un futuro. La moda es algo que es bello hoy y que será feo en un futuro”. ¿Qué suena en el playlist del estudio de Naranjo-Etxeberria en un día cualquiera? Anderson Paak, Frank Ocean, XX Tentation, PNL, Kanye West, Drake, Assap Rocky, The Blaze, Kendrik Lamar, The Velvet Underground & Nico, Led Zeppelin, New Order, T.Rex, David Bowie, Sonic Youth, Talking Heads, Run the Jewells, Primal Screen, Pink Floyd. naranjoetxeberria.com


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b i t b u m p

Modificando el presente e imaginando nuevos futuros a través de la investigación y la creatividad, los alumnos del Master in Interaction Design del IED Barcelona participaron en el congreso internacional de diseño, creación, tecnología e innovación SONAR + D con bitbump, un proyecto de blended reality que tiene el objetivo de repensar el soporte, consumo y distribución de música. Los asistentes al congreso respondieron positivamente a esta iniciativa que actualmente se encuentra en proceso de prototipado. Animados por la gran aceptación recibida en SONAR + D, los creadores de bitbump continúan con el desarrollo de este proyecto con vistas a su comercialización.

Texto: Rosario Muñoz. Foto: prototipo bitbump, por los alumnos del Master in Interaction Design del IED Barcelona

bitbump es un proyecto de blended reality –o realidad combinada– que tiene como objetivo considerar nuevas formas de consumir música, desde su soporte hasta su distribución, recurriendo a las nuevas tecnologías y al concepto DIY para ampliar la experiencia musical de los melómanos de hoy, abrumados por la gran oferta de servicios de música digital que encuentran en el mercado. Brach Herzel, Caterina Armenter, David Cabrito Nieto, Estefanía Farias, Ardwin Hernández, Laura Ochoa, Michel Chang y Yanfe Pedrosa son alumnos del Master in Interaction Design del IED Barcelona y responsables de este proyecto que aborda el desafío de crear una nueva realidad mixta en la que lo tangible y lo digital se difuminan para ofrecer un servicio que permite a los fanáticos de la música imprimir en 3D sus propios vinilos personalizados y experimentarla de una manera nueva y única. Este grupo de ocho alumnos inició su proceso de creación a partir de una lluvia de ideas, de la cual surgió el sujeto de investigación: la música, un lenguaje universal que ha sido el vínculo que los ha unido como

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equipo de trabajo desde que comenzaron el Master en el IED Barcelona. Según sus propias palabras, “la música es un sujeto de investigación dinámico y con mucha fuerza para poder expandir las posibilidades de un producto digital como bitbump”. Laura Ochoa, una de las alumnas creadoras del proyecto, comenta: “Para crear bitbump utilizamos la metodología del Design Thinking en el proceso de diseño, que se utiliza para generar ideas innovadoras y que centra su eficacia en entender y dar solución a las necesidades reales de los usuarios”. A través de este método se desarrollan las ideas en cinco etapas que pasan de la inspiración y la generación de ideas a su definición, desarrollo, prototipado y testeo, etapa final que ayuda a evolucionar la idea hasta convertirla en la solución que se estaba buscando. En la primera etapa del proceso creativo, para este grupo de alumnos la música, las plataformas digitales de música y los vinilos tenían que convivir en un solo entorno para poder generar nuevos vínculos y experiencias para sus usuarios. Tras un completo trabajo de inves-

tigación, estos alumnos concluyeron que los usuarios actuales buscan la personalización y las experiencias únicas a la hora de consumir música, y bitbump es la solución que han desarrollado para cubrir esta necesidad. El servicio permite a los apasionados de la música consumirla de una manera única participando en la creación de un producto 100% personalizado. Los usuarios pueden crear sus playlists personalizadas e imprimirlas en formato vinilo, a través de la tecnología blended reality de HP, que incluye en una misma experiencia integrada escáner 3D, dispositivos de realidad virtual e impresoras 3D. Así, los usuarios pueden crear un diseño visual exclusivo para cada portada y caja, fruto de la combinación de canciones escogidas en la lista de reproducción. bitbump también incluye unas gafas de realidad aumentada que ofrecen una experiencia visual totalmente personalizada para el usuario acorde con el diseño. El resultado es una experiencia única y a medida que permite vivir la música de una manera completamente nueva. iedbarcelona.es


NOTICIAS ARTE

UN MONSTRUO QUE DICE LA VERDAD

TODOS LOS TONOS DE LA RABIA

Espai 13 –la sala de la Fundació Joan Miró de Barcelona dedicada a las prácticas artísticas y de comisariado emergentes– presenta Un monstruo que dice la verdad, el nuevo ciclo de exposiciones comisariado por Pilar Cruz, cuyos artistas cuestionan y fuerzan los límites entre las disciplinas para reflexionar sobre las dinámicas de poder que afectan al conocimiento. Así, el arte se presenta como un monstruo poderoso, capaz de señalar la debilidad de dichos límites; un monstruo que dice la verdad o que por lo menos apunta con el dedo a quien la dice. Cinco exposiciones de Fito Conesa, Lara Fluxà, Vanesa Varela, Für Alle Fälle y Paco Chanivet presentadas en diferentes fechas (foto: obra de Lara Fluxà). www.fmirobcn.org

MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, presenta la exposición Todos los tonos de la rabia. Poéticas y políticas antirracistas, que reúne prácticas artísticas, poéticas y políticas que realizan una crítica radical a la dimensión histórica y contemporánea del racismo. La muestra, que toma su título del poema Shades of Anger, de la autora libanesa-palestina Rafeef Ziadah, asume la rabia como lugar de expresión que responde al maltrato producido por el consciente e inconsciente colonial en sus diferentes formas de exclusión, violencia y muerte. Una exposición colectiva que abarca disciplinas como la instalación, fotografía, vídeo, performance, dibujo, pintura y poesía. Hasta el 13 de enero de 2019. musac.es

PERES PROJECTS

FIAC 2018

Berlín alberga una oferta cultural abrumadora, y el arte contemporáneo es una de sus principales atracciones. Peres Projects es el espacio al que acudir para entender la escena artística contemporánea de la ciudad. La galería, fundada por Javier Peres en 2002 en San Francisco, California, trabaja desde su sede europea para promover artistas en el mercado internacional. Peres Projects colabora con coleccionistas, asesores de arte e instituciones y posee una lista de artistas que se mueven entre la pintura, el arte conceptual y la escultura, y que ya han sido incluidos en museos y en exposiciones de renombre internacional (foto: Rebecca Ackroyd, NAVE!, 2018. Peres Projects, Berlin. Foto por Matthias Kolb). peresprojects.com

La 45ª edición de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo FIAC tendrá lugar del 18 al 21 de octubre de 2018 en París con la participación de expositores de 25 países. Las prestigiosas salas del Grand Palais, el Petit Palais, los Jardines de las Tullerías, el Museo Eugène Delacroix y la Plaza Vendôme acogerán una selección de galerías de arte de la escena internacional. En el Sector Lafayette, un programa lanzado por FIAC y el Groupe Galeries Lafayette, se exhibirán las galerías más jóvenes. Un total de mil quinientos artistas expondrán su trabajo en esta cita que acerca al público los últimos desarrollos en el arte contemporáneo (foto: Tony Matelli, Bust, 2018. Galería Andréhn-Schiptjenko). www.fiac.com

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NOTICIAS ARTE

LA TÉRMICA CREADORES 2019

SWAB BARCELONA 2018

La Térmica presenta la convocatoria de su programa de residencias artísticas Creadores 2019, una iniciativa que permitirá a artistas emergentes, no solo de la provincia, sino de cualquier parte del mundo, concebir y desarrollar sus proyectos artísticos en Málaga y dar a conocer su obra. Se trata de un programa de apoyo a la creación contemporánea que busca impulsar el desarrollo profesional de artistas de cualquier disciplina que requieran tanto de espacios de trabajo como de apoyo técnico y formativo. Hasta el próximo 16 de noviembre de 2018 está abierto el plazo de presentación de proyectos. Una oportunidad de oro para artistas emergentes de cualquier ambito. www.latermicamalaga.com

La feria internacional de arte contemporáneo independiente SWAB Barcelona Art Fair celebrará su decimoprimera edición del 27 al 30 de septiembre en Montjüic, y mostrará el talento emergente del arte contemporáneo. Fundada en 2006 por Joaquín Díez-Cascón, la feria nació con la intención de acercar el arte a Barcelona, crear oportunidades para artistas, galerías y curadores y facilitar el acceso al mercado del arte. La cita cuenta con 60 galerías de todo el mundo: Adayya, de Palma de Mallorca; ADN, Ana Mas Projects y Ángels de Barcelona; Espacio Valverde, Galería Alegría, de Madrid; Galería Rafael Ortiz, de Sevilla, o Espai Tactel de Valencia, entre otros (foto: Christto & Andrew, Espai Tactel). swab.es

LUA CÃO

QUERER PARECER NOCHE

La Casa Encendida presenta el proyecto Lua Cão con obras de los artistas portugueses Alexandre Estrela, João Maria Gusmão y Pedro Paiva. La muestra, comisariada por Natxo Checa, es un ejercicio experimental basado en películas a través de una experiencia inmersiva compuesta de veinte piezas de imágenes en movimiento: vídeos, películas de 16 mm y films. Lua Cão se conforma como cine performativo con origen en una visión mecánica, que desafía la perspectiva habitual en pos de una experiencia inmersiva a modo de panoscopio, concentrando la atención del espectador de forma compartida a través de la objetualización de la imagen. Del 10 de octubre al 5 de enero de 2019. www.lacasaencendida.es

El Centro de Arte Dos de Mayo de Madrid presenta Querer parecer noche, una exposición colectiva que pone en relación la obra de 58 artistas, de las cuales 21 serán de nueva producción, con un peso mayoritario de la escena local. La muestra, comisariada por Beatriz Alonso y Carlos Fernandez–Pello, acoge diferentes formas de producción artística, creaciones que se debaten entre la nostalgia histórica de la que son herederas y el momento histriónico actual, con sus distintas sensibilidades y maneras de hacer, y donde la idea de lo local se construye a caballo entre quienes lo habitan y quienes están de paso. Del 10 de octubre de 2018 al 27 de enero de 2019 (foto: Yabba, de María Jérez, por Bernhard Müller). ca2m.org

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RAPHAËL BARONTINI RAPHAËL BARONTINI CRECIÓ EN SAINT-DENIS, EN LOS SUBURBIOS DEL NORTE DE PARÍS. DESPUÉS DE GRADUARSE EN BELLAS ARTES, ESTUDIÓ EN L’ÉCOLE NATIONALE SUPERIEURE DES BEAUX-ARTS DE PARÍS Y EN EL HUNTER COLLEGE OF ART DE NUEVA YORK. EN SU OBRA EXPLORA DIFERENTES SIMBOLOGÍAS HISTÓRICAS Y CULTURALES CON UN LENGUAJE MIXTO DONDE INSTALACIONES, PINTURAS Y TRABAJOS TEXTILES DESAFÍAN LO MONUMENTAL MIENTRAS CUESTIONAN LA IMAGINACIÓN: BARONTINI NO DUDA EN GENERAR NUEVAS MITOLOGÍAS HÍBRIDAS DE FORMAS Y GÉNEROS. DESDE LOS RETRATOS DE CORTE EUROPEO HASTA FIGURAS Y RITOS ANCESTRALES AFRICANOS Y CARIBEÑOS, TODOS TIENEN CABIDA EN SU UNIVERSO EN CONTINUO MESTIZAJE. HABLEMOS, PUES, DE LA ‘DESCOLONIZACIÓN CÓSMICA’, DE SUN RA Y DE MARIE ANTOINETTE. Entrevista: Ismael Chappaz

El lenguaje clásico y el contemporáneo se mezclan en tu trabajo, pero el pasado aparece de manera continua. Si hablásemos de grandes maestros de la pintura, ¿cuales serían tus referentes? Mis dos pintores clásicos favoritos son españoles. El primero es Francisco de Goya: encuentro su trabajo muy estético, de un poder de atracción brutal y un realismo sin concesiones. La oscuridad fantasmagórica que reina en sus obras me atrapa. El segundo es Diego Velázquez: sus representaciones de la realeza española no tienen con quién compararse. Los trajes están ejecutados con una increíble riqueza pictórica. Ellos se adelantaron a su tiempo con una mirada singular y una notable capacidad de invención. En tu trabajo observo una ida y vuelta dentro de la historia del arte. ¿Qué buscas exactamente? Utilizo la pintura como medio y esta está vinculada desde sus inicios a la historia del arte. Usar en mi obra una antigua estatua griega, un retrato del siglo XVIII o una máscara ceremonial dogón me permite cuestionar nuestra relación con el retrato, las formas de representación y su simbolismo. Ser parte de una continuidad histórica y cuestionar ciertas partes de nuestra historia contemporánea me permite anclar mi enfoque y ubicarme en un continuo histórico amplio y abierto. ¿Cómo calificarías entonces tu trabajo? Como pintura híbrida que se alimenta de las tradiciones populares. Me muevo entre diferentes mundos y diferentes épocas. Las nuevas tecnologías también tienen un papel clave en mi trabajo como pintor, y la combinación de técnicas (pintura, aerógrafo, serigrafía, estampados textiles...) me permite cuestionar todo este patrimonio visual en el campo contemporáneo. La fantasía forma parte de tu imaginario, no solo buscas verosimilitud. ¿Qué representa para ti esta unión? La pintura permite desplazarse a otros mundos, lugares imaginarios donde se mezclan imágenes inesperadas y se establecen nuevas historias. Esta fusión me permite abordar ciertos hechos históricos con iconografías reales que luego mezclo con mi propio imaginario. Al igual que Goya o James Ensor, lo fantástico permite, mediante formas desviadas e imaginativas, abordar cuestiones fundamentales sobre nuestro tiempo y la sociedad que nos rodea. Collage, serigrafía, pintura, técnicas digitales, spray... No te da miedo la técnica. El soporte y la instalación parecen ser vitales para ti. Explícanos tus técnicas de trabajo. Mi práctica pictórica es muy contemporánea: las diferentes técnicas y la contribución de la era digital están muy presentes. Me gusta ‘parasitar’ la imagen que proviene de un medio clásico como es la pintura y reinventarla. El collage es para mí una verdadera ‘declaración’ artística. Mi principal recurso a la hora de generar instalaciones está relacionado con mi voluntad de exceder

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los códigos clásicos de la pintura. La fabricación de pancartas, banderas y trabajos textiles permite al espectador integrar otros imaginarios y tradiciones populares como el carnaval, las celebraciones religiosas o los desfiles políticos. En los últimos años has trabajado con las galerías Alain Gutharc en París y The Pill en Estambul. Cuéntanos los diferentes proyectos que desarrollas con ambas. Con ellas tengo un verdadero intercambio artístico, y eso es lo que me gusta. Alain Gutharc me permitió mostrar diferentes aspectos de mi trabajo en París; y con Suela Cennet, en Estambul, pude realizar una exposición monumental en su increíble espacio. Mi objetivo es mostrar mi trabajo a una audiencia internacional cada vez más amplia. Creo que las preguntas que planteo en mi trabajo son globales y universales. Integración y diversidad son dos matices muy presentes en tu trabajo. ¿Qué responsabilidad crees que tienen el arte y los artistas frente a las cuestiones igualitarias, ya sean de género, racial o social, y cómo se debería profundizar en dichos temas? Vengo de una familia mestiza entre Europa, África y el Caribe. El mestizaje y la hibridación cultural siempre me han tocado de cerca y defiendo una visión ‘criollizada’ del mundo donde la diversidad es riqueza. Es un posicionamiento fuerte en un momento en que muchos países ven cómo sus partidos de extrema derecha ganan terreno. Creo que los artistas e intelectuales tenemos el deber de involucrarnos y defender una cierta visión del mundo, nuestros propios principios. En los países más expuestos a los pensamientos radicales que afectan a los derechos de igualdad suelen ser los artistas quienes lideran la lucha. ¿Qué puedes contarnos sobre tu reciente residencia en Los Ángeles? La residencia, dirigida por el coleccionista Danny First, fue un momento de libertad creativa en una ciudad que conozco bien. Hice una nueva serie de trabajos textiles que expuse en un duo-show titulado Hard Sun en The Cabin L.A. Un diálogo entre mi obra y la de la artista franco-danesa Eva Nielsen. ¿Cuáles son tus proyectos a corto plazo? El primero es la participación en dos exposiciones internacionales. Una que se inaugura a finales de septiembre en el Museo New Art Exchange de Nottingham, en Inglaterra, y que luego viajará a Bradford y a Londres. La segunda es la Bienal Internacional de Casablanca, en Marruecos. En Francia estoy trabajando en varias exposiciones colectivas junto a artistas internacionales y en una exposición individual que se realizará durante la FIAC en un centro de arte en la región de París. Y aprovecho para anunciar que a partir de esta nueva temporada me uniré con mucha ilusión a la galería Espai Tactel de Valencia, que me representará aquí, en España. www.raphaelbarontini.com


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MORI BUILDING DIGITAL ART MUSEUM

UN NUEVO CONCEPTO DE MUSEO BASADO EN EL PODER DE LA TECNOLOGÍA DIGITAL Y LA CREATIVIDAD SE HA INSTALADO EN ODAIBA, LA ISLA ARTIFICIAL CREADA EN LA BAHÍA DE TOKIO, PARA DERRIBAR LOS LÍMITES DENTRO DEL ARTE, LAS BARRERAS ENTRE EL ARTE Y LOS VISITANTES E INCLUSO LAS EXISTENTES ENTRE LAS PERSONAS, FUNDIENDO A LOS VISITANTES CON LAS OBRAS DIGITALES Y CONVIRTIÉNDOLOS EN PARTE DE ELLAS. EL MUSEO DE ARTE DIGITAL DE TOKIO POSEE UNAS INSTALACIONES EN CONSTANTE EVOLUCIÓN QUE REACCIONAN EN TIEMPO REAL MEDIANTE LAS CONEXIONES ENTRE LA ACTIVIDAD HUMANA, LOS OBJETOS DIGITALES Y EL ENTORNO CIRCUNDANTE. UNA EXPERIENCIA SENSORIAL QUE ACERCA A GRANDES Y PEQUEÑOS AL ARTE DIGITAL Y SU UNIVERSO INFINITO DE POSIBILIDADES. Texto: Rosario Muñoz

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El primer museo de arte digital e interactivo del mundo encendió sus luces el pasado mes de junio en el distrito de Odaiba, en la ciudad de Tokio. El Digital Art Museum es una iniciativa creada y gestionada por la empresa MORI Building y el colectivo de arte digital teamLab, compuesto por artistas, programadores, ingenieros, animadores de CG, matemáticos y arquitectos. El museo combina ciencia, arte, tecnología, diseño e imágenes reales con simulaciones generadas por 520 ordenadores y 470 proyectores de tecnología punta. En un espacio de diez mil metros cuadrados distribuidos en dos plantas, 50 pantallas interactivas se funden entre sí en cinco zonas diferentes para fomentar la eliminación de barreras: barreras entre una obra de arte y otra, el arte y sus visitantes, y una persona y otra. La exposición permanente se titula Borderless, e invita al espectador a vivir una experiencia inmersiva de luces, formas y colores. El viaje experiencial comienza en la primera zona, llamada Borderless World, un paisaje digital interactivo donde se anima a los visitantes a crear su propio camino. Las personas caminan a través de cascadas digitalizadas, tocan pájaros luminiscentes y se desplazan a través de bosques y campos generados por computadora; la segunda zona es el Bosque de Atletismo, una zona destinada a “entrenar las capacidades de reconocimiento

espacial del cerebro y hacer que la gente se mueva”, según teamLab. El espacio tiene visitantes trepando en postes destellantes, saltando en un trampolín a través de una simulación de galaxias y balanceándose en tablas colgantes sobre un espectáculo de luces de colores. Future Park es la zona diseñada para expandir la imaginación de los niños y enseñarles conceptos científicos. En este espacio pueden interactuar con el arte a través de varios juegos y actividades, como un acuario repleto de peces digitales diseñados por ellos mismos y un muro musical que reproduce sonidos al tocarlo. En la zona llamada Bosque de Lámparas los visitantes quedan sumergidos en un mar de lámparas de colores donde la luz se propaga de una lámpara a otra con un simple toque. Tea House es la zona que recoge la experiencia final, una actividad tranquila durante la cual los invitados beben té verde mientras la tecnología de realidad aumentada hace que las flores digitales florezcan dentro de sus copas. A través del acto comunitario de disfrutar del té, la exposición alienta a los visitantes a hablar entre ellos. Los cinco espacios diferentes del museo están en exhibición permanente, aunque la naturaleza del arte digitalizado de las instalaciones cambiará constantemente. borderless.teamlab.art


ARTE Y EXPOS

Juan-M Michel Basquiat

Bruce Nauman

Fondation Louis Vuitton, París. www.fondationlouisvuitton.fr

MoMA, Nueva York. www.moma.org

Del 3 de octubre de 2018 al 14 de enero de 2019

Del 21 de octubre de 2018 al 18 de febrero de 2019

JEAN-MICHEL BASQUIAT

BRUCE NAUMAN: DISAPPEARING ACTS

La Fundación Louis Vuitton de París presenta una restrospectiva de Basquiat, artista autodidacta que hizo del arte un lienzo para su particular denuncia social. La muestra acogerá obras de la corta carrera del artista, desde 1980 a 1988, centrándose en las 120 definitorias, incluyendo colaboraciones con Warhol y trabajos nunca antes vistos en Europa. Etiquetado como neoexpresionismo y primitivismo, el arte de Basquiat, radicalmente inconformista, se remite a la necesidad de representar la cultura afroamericana y su lucha social en un momento en el que la ausencia de artistas negros era lamentablemente evidente. Artista, músico, poeta, dibujante, escritor de grafiti, Jean-Michel Basquiat, de origen haitiano y portorriqueño, inició su primer contacto con el arte en las calles del Soho de Nueva York a finales de los años 70, donde firmaba piezas con el alias SAMO. Tras un periodo de tiempo coqueteando con las drogas y viviendo en la calle, Basquiat conoció al marchante y coleccionista Bruno Bischofberger, representante de Andy Warhol, quien lo acogió bajo su tutela para dar el salto de las calles a las galerías de arte. A partir de ese momento comenzó una carrera meteórica, que en apenas una década dejó más de mil pinturas e incluso más dibujos, hasta que una espiral de drogas, alcohol y periodos depresivos terminó con su vida el 18 de agosto de 1988.

El Museo de Arte Moderno y el MoMA PS1, una arteria del MoMA Manhattan, acogerán hasta el próximo mes de febrero de 2019 la primera retrospectiva integral en 25 años dedicada al trabajo del estadounidense Bruce Nauman. Titulada Bruce Nauman: Disappearing Acts, se trata de una muestra que recoge las ricas posesiones de ambas instituciones y más de 70 prestamistas, que abarcan toda la carrera de Nauman, una oportunidad de experimentar el dominio de Nauman en una amplia gama de medios, desde dibujo, grabado, fotografía y neón hasta entornos de rendimiento, vídeo, película, escultura y escala arquitectónica. Desde los años 70, Nauman ha trabajado en formatos de talla monumental, y por eso todo el sexto piso del museo se ha ocupado con obras de gran formato de todas las disciplinas y fases de la carrera del artista, y el espacio del MoMA PS1 alberga obras de formatos más reducidos. Para Bruce Nauman, pionero en el arte conceptual, el multimedia y el body art, la desaparición es un fenómeno real y una metáfora para lidiar con las ansiedades tanto del proceso creativo como de la navegación en el mundo cotidiano. Si tienes pensado viajar a Nueva York en los próximos cinco meses no dejes de visitar esta gran oportunidad para ver en directo estas famosas esculturas de neón y descubrir el discurso que en ellas se esconde.

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ARTE Y EXPOS

Jaume Plensa

Stanley Kubrick

MACBA. www.macba.cat

CCCB. www.cccb.org

Del 30 de noviembre de 2018 al 28 de abril de 2019

Del 24 de octubre de 2018 al 31 de marzo 2019

JAUME PLENSA

STANLEY KUBRICK

Jaume Plensa (Barcelona, 1955) es un artista de materiales, sensaciones e ideas. Sus referencias abarcan la literatura, la música, la religión y el pensamiento. Él se considera, ante todo, escultor, aunque su proceso creativo ha transitado por múltiples disciplinas. Sus obras apelan a la condición misma del ser: su esencia física y espiritual, la conciencia de sí mismo y de su pasado, sus códigos morales y dogmas y su relación con la naturaleza. Su objetivo no es construir objetos, sino desarrollar relaciones e incluirnos a todos en ellas. La exposición del MACBA contará con obras desde la década de los 80 hasta las más actuales, en un recorrido que muestra el diálogo que se produce entre las obras que representan la figura humana y las obras abstractas. Esta tensión es el hilo conductor que atraviesa el conjunto de su trabajo, un corpus que pone de relieve la fuerza de binomios como ligero/compacto, luz/oscuridad, silencio/sonido, espíritu/materia y vida/muerte. Un recorrido por el trabajo de uno de los escultores catalanes con mayor proyección internacional. Veintidós años después de su última exposición en un museo de Barcelona (Fundació Joan Miró, 1996), la obra de Plensa volverá a verse en un espacio de la ciudad. En paralelo, el Museo Reina Sofía de Madrid presentará un nuevo proyecto del artista en el Palacio de Cristal durante las mismas fechas.

En 2003 se permitió por primera vez el acceso al patrimonio personal de Stanley Kubrick. Los archivos de su trabajo contenían una gran cantidad de material de todas sus películas: documentos de investigación y producción, guiones, correspondencia, fotos fijas, utilería, vestuario, cámaras y objetivos. Esta exposición reúne una selección de estos objetos y proyecciones a gran pantalla. Se documenta toda la carrera del director, desde sus inicios con los cortos documentales hasta su última película, Eyes Wide Shut (1999). Asimismo, se presentan todos los filmes de Kubrick, incluidas obras maestras como 2001: una odisea del espacio (1968), La naranja mecánica (1971), Barry Lyndon (1975) y El resplandor (1980). Kubrick era conocido por su exigencia con sus colegas de trabajo y, especialmente, consigo mismo. Los documentos de investigación y producción atestiguan el enfoque meticuloso del director con respecto a la planificación y ejecución de sus trabajos, así como el nivel de detalle con el que supervisaba sus producciones. La conexión conseguida entre filmes, objetos originales y documentos permite que el visitante se adentre en la naturaleza polifacética del cineasta. Foto: A Clockwork Orange, directed by Stanley Kubrick (1970-1971; GB/United States). Alex DeLarge (Malcolm McDowell). Warner Bros. Entertainment Inc.

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OCIMAG #76  

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