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STAFF 58 Dirección: Rubén Vidal. Diseño gráfico y arte: Grafikproject. Moda: Anna Arroyo, Agustín Velasco, Rosario Muñoz. Música: Fernando Fuentes, Catalina Isis, Sara Morales. Contenidos de diseño y arte: Tactelgraphics. Arquitectura: Ester Giménez. Web: Domihost. Corrección: José Miguel Torrente. Distribución: Walk & Paste. Street y eventos: Fátima Sancho, Antonio Orlandi, Nerea Coll, Chus Moreno. Marketing: Paula Ortega: paula@ocimagazine.es, Beatriz Acosta: bea@ocimagazine.es, Javier Morán: javier@ocimagazine.es Colaboradores: Jacobo Sánchez, Etna Gascó, David Bizarro, Jordi Iranzo, Alex Doucet, Mar Pulido,Cynthia de León, Tamara Arranz, Uno Models. Edita: Rubén Vidal. Depósito legal: V-4859-2008. - OCIMAG #58 / edición bimestral de octubre y noviembre de 2013. OCIMAG no se hace responsable de las opiniones o comentarios de nuestros colaboradores. Queda terminantemente prohibida la reproducción total o parcial de cualquier contenido escrito o gráfico aparecido en esta publicación o en su versión online sin la autorización expresa y por escrito del director. Publicidad: publicidad@ocimagazine.es.. Información: info@ocimagazine.es. Tel.: 962 971 002

Foto staff: Fotografía: Alex Doucet, estilismo: Mar Pulido, modelo: Guillermo Coppini Uno Models, total look Diesel

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#58 Fotografía: Alex Doucet - www.alexdoucet.net Estilismo: Mar Pulido Hair & Make Up: Cynthia de León Modelo: Guillermo Coppini - Uno Models Chaqueta Diesel

BÁSICS 4. Cajón desastre. 68. Lo más de lo más. MODA 6. News moda. 8. Carhartt Wip. 10. María Escoté. 54. Dead Living Things. Editorial por Alex Doucet. 62. Back Together. Editorial por Alex Doucet. BOARDRIDERS 12. News boardriders. 14. Vans Snowboard. 16. Roberto Carlos Menacha aka Pepino. MÚSICA 18. News música. 20. 981Heritage Son Estrella Galicia. 22. Trentemøller. 24. Crystal Fighters. 26. Ikonika. 28. De analógico a digital. DISEÑO 30. News diseño y proyectos. 32. Jennifer Mehigan. 34. Joan Morell. 36. Sputnik Estudio. 38. Louvre-Lens. 40. Mondo Geométrico. ARTE 44. Frieze Londres. 46. Arte y expos.

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cajón desastre - por Rubén Vidal

PURA VIDA INQUIETO Y CURIOSO DESDE SU INFANCIA, RUBÉN VIDAL (VALENCIA, 1980) SE INICIÓ EN EL DISEÑO GRÁFICO DE UNA FORMA BASTANTE AUTODIDACTA. A LOS 20 AÑOS EMPEZÓ A TRABAJAR EN UNA REVISTA COMO MAQUETADOR, ESTUVO EN UN ESTUDIO DE DISEÑO Y EN ALGUNA IMPRENTA HASTA QUE, INTERESADO POR EL MUNDO DE LA MODA Y EL DISEÑO, DECIDIÓ MONTAR SU PROPIA REVISTA, DONDE CON GRAN ESFUERZO HA IDO CRECIENDO COMO DIRECTOR Y EDITOR TRABAJANDO CON GRANDES PROFESIONALES DEL SECTOR: FOTÓGRAFOS, PERIODISTAS DE MODA O MÚSICA, DISEÑADORES Y ARTISTAS SE HAN IDO SUMANDO A LAS FILAS DE OCIMAG COMO COLABORADORES Y MIEMBROS DEL MAGAZINE, EL MISMO QUE SOSTIENES ENTRE LAS MANOS.

El mundo de las tendencias es un mundo infinito. Estamos rodeados de nuevas propuestas que surgen a diario, tanto en cosas que nos pueden interesar como en cosas que no nos atraen en absoluto; en cualquiera de los casos siempre hay novedades, siempre hay nuevas ideas que descubrir en cualquier disciplina existente de nuestro planeta. Música, arte, moda, diseño, teatro, cine, arquitectura, graffiti, skateboarding, decoración... Existen un sinfín de disciplinas apasionantes, y siempre habrá en cualquiera de ellas novedades que despertarán un especial interés en ti. Eso es lo que hacemos en OCIMAG, buscar esa novedad que creemos te va a interesar para servírtela en bandeja. Indagar en algo que te apasiona y dedicarte a buscar novedades y cosas interesantes a diario es algo brutal e insaciable. Esa búsqueda diaria es parte de mi trabajo: buscar lo último, contenidos y temas que despierten el interés de los seguidores de nuestro medio. A raíz de mi labor en OCIMAG, mi cabeza está sobresaturada de información, pero cada vez descubro algo diferente que me hace comenzar de nuevo y no parar de indagar e interesarme por ello. Muchos datos almacenados a base de buscar contenidos, horas y horas absorbiendo o descartando información y, como es normal, hay días en que me saturo, pero por norma general siempre quiero más, nunca encuentro el punto y final. OCIMAG lo formamos un grupo de personas apasionadas de las tendencias, ansiosos de información novedosa, moderna e interesante. Lo nuevo y lo creativo es para nosotros como carnaza para las bestias. Cada colaborador es un apasionado en lo suyo, y doy fe de que cuando escriben sobre un tema en concreto saben bien de lo que hablan. Recientemente introdujimos en nuestra web una nueva temática enmarcada en una nueva sección a la que hemos titulado Boardriders: skate, surf o snowboard vistos desde el punto de vista de personas metidas de lleno en el mundo de las tablas. Personas que incluso viven de ello plasman es esta nueva sección online, y que estrenamos en papel en esta edición, su visión y pasión por este modo de vida. Los redactores de Boardriders Oci 4

intentan expresar de la mejor manera posible lo que encuentran interesante, lo más innovador o la entrevista a esa persona que consideran que tiene mucho que contar, y siempre dirigido a personas que tienen los mismos intereses e inquietudes por este modo de vida. Para este nuevo año que pronto comenzará, y con él una nueva etapa para todos, desde OCIMAG ampliamos nuestro abanico de contenidos a un estilo de vida impresionante que si no lo conoces puede que te cautive. Te invitamos a que descubras un pequeño espacio en nuestro medio con el que intentaremos reflejar en la medida de lo posible la cultura de las tablas y todo lo que hay a su alrededor. Hablaremos de la moda en este sector, de sitios interesantes, de material duro; entrevistaremos a gente local y a profesionales, hablaremos de marcas independientes o te traeremos las últimas novedades de las firmas más conocidas, y todo ello, como comentaba anteriormente, contado y expresado por personas que lo viven desde dentro, ya que es su forma de vida. Contenidos, opiniones y sensaciones para intentar transmitir la esencia del mundo del freestyle. Personalmente, a mí, estar encima de una tabla, sea por asfalto, nieve o agua, me produce sensaciones indescriptibles, ansias de libertad y ganas de superación personal. Plasmar esos sentimientos en papel o en web es una tarea imposible, pero intentaremos expresar en pequeñas dosis este estilo de vida que tan solo se puede definir en dos palabras: pura vida. En definitiva, desde OCIMAG vamos a seguir informando de las cosas que nos parecen interesantes, lo que hierve en las calles, en una pasarela, en un skate park o en una galería de arte. Esto es OCIMAG, y esta es nuestra filosofía: informar y disfrutar de las cosas interesantes que se cuecen a nuestro alrededor. Te proponemos que disfrutes de tu vida haciendo lo que te apetezca en cada momento, que te intereses y que disfrutes por aquellas cosas que de verdad te apasionan y que te producen buenas sensaciones. Esas sensaciones se trasformarán en ilusión y ganas por seguir avanzando.


news moda

LACOSTE L!VE F/W14 La colección otoño-invierno 2013/14 de Lacoste L!VE fusiona diferentes referencias para reinventarlas. Entre el preppy chic y el cool urbano, la colección juega con casual basics con un toque de irreverencia. A través de colores sutiles y de gráficos ingeniosos, jeans, chinos, jerséis, prendas de punto y parkas abandonan el enfoque clásico para convertirse en piezas versátiles con mucha actitud, las claves para un look contemporáneo. En la colección de chica encontramos prints de snakeskin y New Wave, piezas de punto oversize, rayas marineras y boyfriend shirts desgastadas. En la de chico estampados Kilim de Egipto y tonos del desierto, que van desde el azul al ocre, prints vintage, y tonalidades que rinden tributo a espíritus aventureros como el de René Lacoste, dando vida a jeans, chinos, camisas o parkas. www.lacoste.com/live

LEVI’S ICONS REINTERPRETED Icons Reinterpreted F/W 2013/14 es una selección de piezas inspiradas en la estética western y filtradas a través de una visión japonesa. Mezclas sorprendentes como la cazadora Trucker, el 501 o la camisa Western con colores, estampados y prints contemporáneos que dan como resultado una explosión de estilo. Estos nuevos clásicos han sido reimaginados para un futuro atemporal, prendas que mejoran con los años. Una colección que aúna progreso y legado, creando así el uniforme de nuestros días. Levi’s se lanza hacia los límites de la frontera moderna creando una selección de inesperadas interpretaciones de las siluetas más icónicas de la marca, para ofrecer a los pioneros de nuestros días una visión más moderna de sus clásicos más conocidos. www.levi.com

EASTPAK ARTIST STUDIO 2013 Eastpak presenta a Javier Mariscal, Juan Gatti, Moisés Nieto y Gala González en la tercera edición del Eastpak Artist Studio 2013. En este proyecto jóvenes talentos y reconocidos artistas imprimen su creatividad en la mochila más clásica y de culto: la Eastpak Padded Pakr. Este proyecto no es solo una expresión de la creatividad de los artistas, sino también de su compromiso. Todos los beneficios procedentes de la venta de estas piezas se entregarán a la organización Designers Against AIDS (DAA). Todas las creaciones se pueden ver online. Las mochilas empezarán a venderse a partir del día 2 de diciembre, jornada siguiente al Día Internacional de la Lucha contra el Sida. artiststudio.eastpak.com

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#DIESELTRIBUTE En el diseño de su primera colección cápsula en Diesel, Nicola Formichetti rinde homenaje al ADN de la marca a través de elementos provenientes de su archivo histórico de 35 años. Una colección firmemente editada, compuesta por prendas montadas completamente a mano con una construcción pieza por pieza en Italia. Y una campaña revolucionaria para dar vida a la historia con un lenguaje de comunicación sin precedentes. Nicola restablece el lenguaje visual de Diesel con prendas customizadas, detalladas y únicas, que desarrolla en dos gamas a través de los temas de denim y de cuero. Esta colección cápsula digna de coleccionista estará disponible en España solo en las tiendas Diesel de Fuencarral, 19 (Madrid) y Paseo de Gracia, 19 (Barcelona), y en exclusiva en El Corte Inglés de Preciados (Madrid) y Plaza Cataluña (Barcelona). Reexamina el pasado, reimagina el futuro. www.diesel.com

G-STAR RAW X AFROJACK CONVERSE CRAFTSMANSHIP Rock Craftsmanship es una de las nuevas líneas de Converse para este otoño-invierno 2013/14 con una estética que homenajea al rock'n roll. La colección viene con una perfecta combinación de broches, cierres, detalles en cuero y una explosión de colores inspirada en la personalidad única. Accesorios de primera calidad, efectos desgastados y envejecidos que dan paso a sus diseños arriesgados e irreverentes con colores vivos y detalles sobredimensionados que dejan patente la rebeldía del rock'n roll. Converse Rock Craftsmanship toma el escenario esta temporada. www.converse.es

G-Star Raw ha lanzado una colección con el DJ y productor Afrojack. Esta colección de edición limitada se basa en el modelo de jean A-Crotch en cuero que G-Star confeccionó a medida para las actuaciones que el aclamado artista realizó durante este año. La “A” de Afrojack actúa como elemento clave de la colección cápsula combinando el estilo personal del artista con el modelo A-Crotch, resultando una edición limitada de seis piezas: pantalones, camisetas y gorro. El exclusivo A-Crotch es una versión de cuero que hace referencia al prototipo de la colaboración con el artista. Modernidad y detalles técnicos de edición limitada. www.g-star.com Oci 7


CARHARTT WIP Línea X Texto: Rosario Muñoz

Como mujer me molesta bastante que las marcas que me gustan, y que generalmente suelen ser en su origen mens wear, se empeñen en crear líneas para nosotras con una evidente disociación del diseño destinado a las prendas masculinas. Quisiera saber por qué prints, tejidos y patrones que nos sientan bien tal y como están sufren una tremenda y nada acertada transformación cuando se conciben para las líneas femeninas. Por suerte, Carhartt WIP ha sabido detectar esa frustración común a todas las entusiastas del street wear y nos presenta la Línea X, ropa para mujer basada en la colección de hombre. ¿La diferencia? En la talla, por supuesto, porque queremos los mismos cortes, formas y tamaños de prenda, pero ¡para nosotras! En su momento, la marca dijo adiós a su colección femenina tal y como la conocíamos, para dar ahora la bienvenida a un nuevo concepto de ropa de mujer, presentando los básicos de siempre y que nos chiflan, trabajando con nuevos tejidos para la línea femenina y utilizando una paleta de color más específica para las chaquetas. En conclusión, la nueva Línea X de Carhartt WIP ha llegado a nosotras con la teoría bien sabida y la práctica bien ejecutada. Porque no somos unas niñas ñoñas y sabemos lo que queremos. Queremos el estilo preppy street de la marca adaptado a nuestros cuerpos de mujer. ¡Gracias! www.carhartt-wip.com Oci 8


MARÍA ESCOTÉ

VANGUARDIA QUE ROMPE FRONTERAS DECIR QUE MARÍA ESCOTÉ ES UNO DE LOS MAYORES TALENTOS SURGIDOS EN EL PANORAMA DEL DISEÑO DE MODA ESPAÑOL ES CAER EN EL TÓPICO. ES OBVIO QUE ESTA BARCELONESA, QUE MOSTRÓ SU PRIMERA COLECCIÓN EN EL MODAFAD DE 2007, HA ROTO MUCHOS ESQUEMAS Y SE HA CONFIGURADO EN LA CREADORA CON LAS SEÑAS DE IDENTIDAD MÁS PERSONALES DE LAS PASARELAS NACIONALES. FUE EN SEPTIEMBRE DE 2007, EN EGO Y CON SU SEGUNDA COLECCIÓN, CUANDO RECIBIÓ EL ESPALDARAZO DE LA CRÍTICA QUE LA POSICIONÓ A LA CABEZA DE LA NUEVA VANGUARDIA ESPAÑOLA. SE NOTA ESE TOQUE QUE DA HABER ESTADO EN LONDRES, DONDE PASÓ POR LA SAINT MARTINS PARA UN CURSO DE FASHION DRAWING. BASTANTE PARA MARCAR LA DIFERENCIA. PERO EN SU ROPA TAMBIÉN SE DETECTA ESA VOCACIÓN DE HACER PRENDAS PARA SER LLEVADAS, PARA QUE PISEN EL ASFALTO, PARA GENTE REAL. Entrevista: Agustín Velasco / Foto: Ferrán Casanova

¿Cómo nace una colección de María Escoté? ¿Por dónde empiezas? ¿Buscas los materiales después de tener la idea o la idea surge de los materiales? Las colecciones nacen de un concepto. Alrededor de una idea, de una corriente artística que me fascine y despierte mi curiosidad. Partiendo de ese punto, algunos diseños buscan el material más adecuado y algunos materiales inspiran sus propias prendas. No hay reglas de ningún tipo a la hora de crear una nueva colección. ¿Cuál es la parte más dura de sacar una colección ade lante? La parte más dura es la falta de tiempo. Apenas acaba de desfilar una colección ya te tienes que poner a trabajar en la siguiente, y siempre te falta tiempo y se trabaja contra reloj. ¿Y la más gratificante? La parte más gratificante es el poder venderla, ver a la gente llevando y disfrutando tus diseños. Cuando ves las interpretaciones que los estilistas hacen de tu ropa, ¿qué sientes? Me parece genial que cada uno interprete y reinvente a los diseñadores como mejor le parezca. En algunas ocasiones me gusta más que en otras, pero lo importante es que la persona que los lleve se sienta a gusto y cómoda con lo que lleva y con cómo lo lleva. ¿En España cuesta trabajo desprenderse de la etiqueta de diseñador emergente? Las etiquetas son más importantes para el que las pone que para el que las recibe. Yo estoy concentrada en el trabajo y en que la empresa tire para delante. Tus prendas se pueden encontrar en emblemáticas tiendas de Florencia, Shanghái o Hong Kong. ¿Para vender hay que hablar otro idioma que no sea el castellano? Evidentemente, sobre todo si quieres llegar a mercados internacionales. ¿Qué retos creativos te planteas para evolucionar? Cuando se habla de creatividad uno no se plantea retos. Simplemente se deja llevar. ¿Qué ha Oci 10

supuesto para ti la experiencia de Who's on the next? Me parece genial que desde los medios de moda se apoye a los creadores con iniciativas como esta. Llegar a ser finalista es constatar que todo tu trabajo tiene un sentido y se valora. Esto adquiere aún mayor relevancia tratándose de Vogue España. ¿Crees que la industria, hablo de grandes almacenes, firmas inter nacionales de fast fashion..., debería implicarse más con el made in spain y los creadores nacionales? Creo que la industria de la moda está cambiando y de manera muy rápida. Hay grandes marcas que deciden apoyar a los jóvenes creadores y otras que simplemente se ocupan en fusilar sus diseños y perjudicarlos. Lo importante es saber adaptarse al cambio con nuevas estrategias de producción y venta. ¿Cómo ves esa idea de la 'Marca España' que quieren poner en valor desde la política? Esa idea no es nueva: la Marca España ha estado siempre ahí. Cada vez que sales fuera te das cuenta de lo fuerte que es nuestra identidad y de lo mucho que gusta en el extranjero. Ahora lo que nos falta es proyección y que se den a conocer los nuevos talentos que tenemos en casa. ¿Cuál es tu posición frente al debate entre los que piensan que la moda necesita el soporte de la administración y los que piensan que la moda es una industria que debería ser autosostenible? ¿Ayudas sí o ayudas no? Cualquier acción que aporte beneficios reales y nos ayude a salir de esta crisis debe de ponerse en marcha de manera fulminante. La moda siempre tiene esa sombra de superficialidad y ya es hora de que la gente se dé cuenta de que es una industria que mueve muchísimo dinero. En la moda, como en cualquier otro sector que dé puestos de trabajo y alimente familias, hay que contar con el apoyo de las instituciones.


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news boardriders

CASA MACCARONI BURTON EUROPEAN OPEN 2014 La excitación llega a lo más alto con la aproximación del invierno y los preparativos del Burton European Open (BEO) 2014 en Laax (Suiza). Los días de celebración de este evento de gran magnitud serán del 13 al 19 de enero de 2014. El BEO 2014 será el último gran evento europeo antes de los Juegos Olímpicos de Invierno y también la última oportunidad para muchos riders de clasificarse para Sochi 2014. Presentado por Mini y acogido por la estación de Laax por décimo año consecutivo, el BEO es el evento europeo de snowboard más prestigioso y acoge cada año a más de 300 riders del mundo entero. En modo open, riders amateur y profesionales se enfrentan en lo más alto del pico Crap Sogn Gion para alcanzar las finales del BEO tras una semana de snowboarding al más alto nivel. Planeadas para el sábado 18 y el domingo 19, las finales de slopestyle y de halfpipe verán como 6 mujeres y 10 hombres compiten por el título del Burton European Open, los 125.000 dólares de premio y un pase para soñar con la gloria olímpica. www.burton.com/BEO

Casa Maccaroni es un proyecto nacido en Lajares, una localidad situada en el corazón de la isla de Fuerteventura. Un lugar donde compartir experiencias con personas de todo el mundo unidas por la misma pasión: el surf, el skate y el arte. Un lugar donde skaters y surfers disfrutan día tras día de un pequeño paraíso y de la esencia de la isla. Casa Maccaroni se podría definir en dos palabras: pura vida. Disfrutar de su rampa de skate o de echarse unas risas con los amigos después de un gran día de surf podrían ser dos de las infinitas razones por las que este sitio es tan especial. Si visitas Fuerteventura, no lo dudes y descubre Casa Maccaroni. www.casamaccaroni.com

SNOWBOARD EN FAMILIA Familia Freestyle Camps es sinónimo de aprendizaje, progresión y convivencia con dosis de buen rollo en un ambiente cercano y familiar. Este grupo de riders organizan camps y escapadas a lo largo del año en las que aprender o avanzar en tu snowboard o esquí, conocer lugares fantásticos y vivir buenas experiencias es el denominador común. A lo largo del año organizan camps adaptados y escapadas muy asequibles y recomendables para cualquier rider que se precie. Además, en verano se trasladan al glaciar de Les Deux Alpes, en Francia, para seguir incluso en verano disfrutando de la nieve. Ya sabes, si quieres surfear montañas en familia no dudes en contactar con ellos. Infórmate de todo en su web. Happy ridding! (Rider: Marta Corbi. Foto: Mario Velasco) www.familiafreestyle.com Oci 12


LEVI’S SKATEBOARDING FW13 Levi’s presenta su primera colección global de Levi’s Skateboarding esta temporada otoño-invierno 2013/14. Una selección de prendas básicas y atemporales diseñadas y construidas para cubrir las necesidades actuales del skate. Desarrolladas y probadas por y para skaters, cada pieza tiene un diseño con una finalidad específica y ha sido confeccionada en una construcción premium. Los detalles en la construcción de las prendas, pensados para mejorar su rendimiento con el monopatín, se caracterizan por incorporar cordura en el tejido denim para una mayor resistencia frente a abrasiones o la lycra para un mayor stretch. Todo esto sin olvidar las puntadas extra en las costuras que minimizan las roturas, los refuerzos adicionales, los bolsillos traseros con doble capa o los compartimentos interiores. La colección incluye jeans, pantalones non-denim, camisas, sudaderas y cazadoras. Con Levi’s Skateboarding estás listo para patinar. www.levi.com/skateboarding

VOLCOM FOOTWEAR TAKE IT EASY BY QUIKSILVER Quiksilver nos presenta Take It Easy, 25 minutos de snowboard puro y duro donde podemos ver a diversos talentos como Travis Rice, Will Lavigne, Danimals, Jake Olson-Elm, Ian Hanrt, Bryan Fox, Johnny Brady, Ulrik Baderstcher, Kim Rune Hansen o Teo Konttinen marcándose espectaculares trucos. La película se ha rodado en diferentes spots por todo el mundo, desde las calles de Helsinki (Finlandia) hasta Whistler (Canadá). Polvo, backcountry o street son algunas de las disciplinas que podemos encontrar en este vídeo del team de Quiksilver, que, como no podría ser de otra forma, es de un alto nivel. Esta película queda entre unas de las mejores para esta temporada. Dale al play y disfruta de la fiesta que se montan este grupo de riders. www.quiksilver.es

El lanzamiento de la línea de calzado Volcom marca un antes y un después en la historia de la marca. Con su primera colección de calzado, Volcom funde el mejor diseño con la más alta calidad. Una gran variedad de colores, estilos y tejidos atienden a todos los gustos en esta colección que trae desde zapatillas urbanas que siguen la línea excéntrica y rebelde Volcom, hasta botas al más puro estilo años veinte, perfectas para looks otoñales know-how. Arte, acción y rebeldía que querrás llevar en tus pies. www.volcomeurope.com

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VANS

20 años de snowboard Texto: Rosario Muñoz

El 2014 es un año de celebraciones para Vans. Por eso este otoño-invierno 2013 festeja su vigésimo aniversario actualizando sus primeros modelos de botas con nuevas y mejores características. La línea de snow de la marca es un claro reflejo de su raíces en los deportes de tabla y su posición como líder en calzado especializado para deportes de acción. El Vans team al completo ha dejado huella en el diseño de la colección, que ha pasado el testing en cada uno de ellos: Jamie Lynn, Andreas Wiig, Hana Beaman, Eric Willet, Wolle Nyvelt, Markus Keller, Mark Landvik, Darrell Mathes, Zac Marben, Oci 14

Iouri “I-Pod” Podladtchikov, Cheryl Maas, Arthur Longo y Phil Jacques. De este compromiso surge la tecnología fit&flex, con la que Vans Snow sigue ofreciendo productos de alta calidad que optimizan la experiencia en la montaña y además mantienen la esencia y el look skater de la marca. Como novedad inminente, anunciamos la próxima llegada de la colección cápsula Mountain Edition, una línea de ropa técnica inspirada en el street wear, para reforzar la conexión entre la ciudad y la montaña. Off The Wall todo el rato. ¡Feliz vigésimo aniversario! snow.vans.com


PEPINO

Snowboard furtivo MIENTRAS ESPERAMOS QUE DÉ COMIENZO EN LA PENÍNSULA LA TEMPORADA DE NIEVE 2014, EN OCIMAG ESTRENAMOS NUEVA SECCIÓN DEDICADA AL MUNDO DE LAS TABLAS, Y QUÉ MEJOR MANERA DE INAUGURARLA QUE ENTREVISTANDO A UNA DE LOS GRANDES. BAJAMOS HASTA EL SUR DE ESPAÑA, A LA CIUDAD DE LAS TAPAS POR EXCELENCIA, GRANADA, PARA PASAR UN BUEN RATO Y HABLAR DE SNOWBOARD CON UN RIDER QUE FORMA PARTE DEL TEAM DE DC. OS PRESENTAMOS A ROBERTO CARLOS MENACHO, AKA PEPINO. Entrevista: Ángel Zorraquino / Foto: Andoni Epelde / Truco: Sw Front Blunt

Hola, Pepino, nos alegra mucho tenerte por aquí y que pases un rato en Boardriders OCIMAG. Hola, me llamo Roberto Carlos Menacho, aka Pepino, tengo 29 años y llevo siete en el snowboard. Trabajo en el club de snowboard Lifexperience y ripo cuando la vida me trata bien, y cuando me trata aún mejor estoy viajando por el mundo con mi gente buscando spots en los que disfrutar. Soy local del Zaidín, Granada, y ando por Sierra Nevada. Mis sponsors son DC, Alone Collective, Level, Sabre, Afterbang Shop, Sixa y Soho Bar. ¿Cómo empezaste en esto del snowboard? ¿Además practicas más deportes de riesgo? Todo empezó por culpa de mis amigos Billy y Ricardo Castro. Ellos son los culpables de esta dependencia de la nieve y de una tabla. Mi historia es la del típico niño de familia humilde que desde su ventana ve la nieve y sueña con subir a las montañas a hacer algo más que ir de excursión con el colegio y deslizarse con plásticos. Antes patinaba, no se me daba nada mal y me hacia muy feliz, pero el deporte de acción que más practico aparte del snowboard es Survival Fitness. Sierra Nevada es una estación especial y más si eres de Granada. Hemos visto realizar allí muchos shootings al atardecer. ¿Cómo se vive desde dentro una sesión de ese tipo? La verdad es que son muy buenos ratos, llenos de cachondeo. Ese sunset que da buen rollo sureño, que solo tiene el sur de la península, se te mete en el cuerpo y genera el toque darkside que tanto les gusta a filmers y fotógrafos. Más que en sesiones de park en estaciones, donde más intensamente lo vivo es en las calles. Lo exprimimos al máximo, y cuando acaba el día empezamos a buscar un sitio donde enchufar focos o arrancar un generador para que no decaiga la cosa, unos litros, algo de comida y siempre surge esa frase mítica: “Ahora es cuando más a gusto estamos”, aunque estemos a menos diez grados, jajajaja. Esta temporada pasada hemos visto vídeos de tu crew JKD, todos con mucho nivel y un “engorile” brutal, ¿De que trata el espíritu JKD? JKD es la teoría de la contraevolución. No es solo una crew. Somos un grupo de amigos, una productora de vídeos, una filosofía y una manera de vivir, de hacer y comportarse ante cualquier situación. Somos un grupo no fundamentalista, nada es literal ni nada se cumple a rajatabla. Plancha tu truco, bébete dos birras, haz lo que te apetezca siempre con tus colegas, eso que sientes, eso es JKD, jajajaja. Aunque siempre decimos una frase: ”JKD somos todos”. Te gustan los rails urbanos y se nota que cuan do los deslizas eres feliz. ¿Te ayuda este aspecto para darle? ¿En qué tipo Oci 16

de spot explotas tu nivel al máximo? El estilo de vida que llevo me ayuda a disfrutar. Eso hace que sea feliz al darle y también me ayuda a evolucionar. Todos deberían recordar cuando empezaron: el mero hecho de tenerse en pie sobre la tabla les hacía felices. Ahora son lo que son gracias a esos momentos. Cuando evolucionas, si recuerdas de dónde vienes, sabes adónde vas. La verdad es que me gusta todo, rails, wallrides, gaps... el spot que prepare y me deje cancelarlo a gusto, ese es mi spot favorito, aunque tengo debilidad por los spots que no he currado y cuando llego está todo hecho, jajajajaja (¡eh Mati, Loren!). Desde hace algunos años estás por marcas de gran prestigio dentro del snowboard. ¿Qué supuso para ti entrar en estas marcas? ¿Cambió mucho tu vida? Para mí entrar en las marcas supuso un alivio. No supuso un cambio en mi vida, simplemente cambió el hecho de no tener que comprar material, apoyo en viajes, competiciones, etc. Cuando alguien me da su confianza soy totalmente fiel e intento llevarlo con la máxima profesionalidad y orgullo posibles. A los que han confiado en mí: ¡gracias de todo corazón! Háblanos del nuevo proyecto de DC recientemente puesto en marcha, Pain in Spain. Pain in Spain en un vídeo llevado a cabo por José del Corral, de JKD y por Raúl Corpás, de DC, en el cual se puede ver a riders del team DC y de JKD en un proyecto que a fin de cuentas es for us by us, de gente que lo siente y lo lleva dentro para gente con esa misma actitud (también para vosotros hatters, ya sabéis quiénes sois, jajaja). La idea es exprimir el proyecto con el fin de captar y dejar al que lo ve con ganas de más. Cada semana se presenta una nueva entrega con profiles de diferentes riders para finalmente lanzar el full film. Ahora con Pain in Spain se presenta al equipo completo, y ¡vaya equipazo! Solo con el tráiler ya queda claro que el vídeo será increíble. ¿Cómo fue el rodaje? Realmente hemos grabado cada uno en un sitio: unos fueron a Finlandia y otros de polvo por Europa, pero generalmente lo grabamos en casa. Nosotros grabamos casi siempre que vamos a cualquier sitio. Nadie conocía el proyecto que Raúl Corpás y José del Corral se traían entre manos, y cuando lo conocimos ya estaban casi todos los trucos guardados en el disco duro. Fue una sorpresa y a todos nos gusto mucho la idea. Espero que cuando lo veáis entero se os quede la misma cara que a mí, por que yo me quedé delante de la tele como la niña de Poltergeist, jajaja. En nuestro clan, o planchas a la primera o no ripas con nosotros, jajajaja. Nos dimos talegazos, y además bastantes.


En la grabación me he reído mucho poniendo motes... Terminaron todos con su aka clásica, por que si algo nos gusta de verdad junto a la nieve es el cachondeo... desde el Nariz, Gusiluz, Rasputín, Tamarindo... jajaja, y así noche a noche. Profundicemos más tu profile. Una vez más dejas el nivel bien alto. ¿Te costó mucho sacar los trucos? ¿Contento con el resultado final? Mi profile lo hago en conjunto con Lorenzo Ruiz, aka Bigorat, y la verdad, ¿qué te voy a decir yo, si es mía? Jajajaja. La grabación fue mortal: ratos de furtiveo y cachondeo con mucho trabajo. Grabar en calle te deja hecho polvo, ya que son muchas horas de preparación, pero se hace con mucho gusto. El no planchar es un problema para el que tienes que ser duro, que el spot no te mine la moral y tener confianza americana, algo que yo llevo en mi ADN, pero que se me agota rápido, de ahí tantos talegazos y todo el sacrificio que conlleva hacer algo así. Tuve mala suerte: a mes y medio de acabar la temporada, me reventé la rodilla y me faltaron muchos trucos por grabar. Eso hizo que mi parte no quedase como yo hubiese querido, pero por otro lado estoy muy contento por que el trabajo de José y Raúl editando el vídeo, y la calidad que aporta Loren hacen que salga un bloque compacto, algo de lo que sin duda estoy orgulloso. Este verano has estado en el glaciar de Les Deux Alpes (Francia), un lugar estupendo para pasar el verano a la altura de los mejores. ¿Cómo fue? Estuvo muy bien, y eso que fui a trabajar, pero llevar a mis mininegros -así llamo a los niños de la escuela en la que trabajo- a enseñarles está de lujo: me paso el tiempo engorilando gremlins. Tenía que ir tranquilo después de la lesión, aunque esto no me impidió ser feliz y disfrutar, compartir sesiones con gente conocida y gente que conocí. ¿Podremos verte en más vídeos? ¿Qué esperas de la temporada 2013/14? Espero que las cosas sigan su curso y el que yo planee, jajajaja. Tengo varios sitios preparados para ir en invierno, pero no te los cuento por que me trae gafe. De lo que estoy seguro es de que no será la última vez que sepáis de mí. Espero mucho engorile, barro, buenos momentos, trucos nuevos y que las lesiones me respeten tanto como yo las respeto a ellas. Un placer pasar un rato contigo. Esperamos que todo siga funcionando igual de bien, ¡y que nunca se te quite esa sonrisa! El placer ha sido mío. Agradezco a mis padres por hacer de mí lo que soy, a mi tomatito Eli López, mi compañera y la niña de mis ojos, a toda la familia: Menacho Carranza, José del Corral, Raúl Corpás, a mis hommies de JKD y DC, Alonecolective Bangers, Afterbang Dito y Ferni, Rafa Espadafor, David López; a la familia Castro, a los hermanos Cabrera, Southstar, Soho Bar, Javi el primo y Role Trafic, Bungalow 10, Álvaro Rubio y Goodroll, Toni Soldevila, aka Gusiluz, y Mr. Epelde por su arte, Lifexperience -mis negros-, y a mi gran amigo Nasser Harrimach. Y a ti, Ángel Zorraquino, por darme la oportunidad de que me conozcáis desde OCIMAG. Saludos a todos los que hayan disfrutado de la entrevista y a todas las personas que algún día supieron ver algo en mí que ni siquiera yo veo. Pain in OCIMAG! Pain Worldwide! Oci 17


news música

DJ SIDERAL, EL LIBRO Aleix Vergés, más conocido por los clubbers como DJ Sideral -fallecido en 2006- tendrá su biografía en el mercado a partir del día 20 de noviembre de 2013. Los responsables de dicha publicación, con Héctor Castells a la cabeza, nos informan de que se están ultimando los detalles de la obra literaria que se publicará en la editorial independiente Contra. Castells, amigo de Aleix Vergés, ha escrito una biografía que es una novela generacional eléctrica e intensa, fluye a la velocidad de las mezclas de Sideral. El libro es una crónica vibrante de una vida efímera e imparable, vista, escuchada y sentida en boca de muchas de las personas que le conocieron en vida. ¡Cuánto te echamos de menos, maestro! www.editorialcontra.com

THE WARRIORS Y BIMBA The Warriors, los responsables tras los platos de revitalizar la música electrónica nacional, vuelven a la carga con Love is a Must. Tras el éxito de su anterior single, Sugar Tits, Santi y Clara vuelven a contar de nuevo con la inestimable colaboración de la divina Bimba Bosé. Sin duda ya son toda una institución de la noche a nivel nacional, que se ha paseado por buena parte de la geografía llevando su selecta mezcla de dubstep, electro y rock a las mejores cabinas del país. The Warriors siguen así ganando batalla tras batalla por donde pasan gracias a sus dos principales armas: un sonido siempre a la vanguardia de la electrónica y una actitud Punk que revoluciona las pistas de baile sin dejar a nadie indiferente. ¡Seguidlos, y bailaréis hasta caer rendidos! www.thewarriors.es

981HERITAGE SON ESTRELLA GALICIA Después de dos exitosos conciertos de arranque -con el sold out de Deptford Goth y el Akelarre musical de los inconmensurables Za!- llega el esperado mes de noviembre al 981Heritage SON Estrella Galicia con nada menos que el demoledor Art-Punk de los daneses Iceage, el memorable doble cartel de Austra + Baths y quizá la fecha más esperada por todos, la presentación de Youth Lagoon por primera vez en Madrid. Además, en diciembre serán Daughn Gibson y Mount Kimbie + Grobas los que actúen en Madrid de la mano de 981Heritage. Hardcore, post-punk, space-rock, psicodelia, indie-pop… ¿Quién da más? www.981heritage.com

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DECIMOTERCER CUMPLEAÑOS DEL RAZZ El decimotercer aniversario de la barcelonesa sala Razzmatazz ya ha dado el pistoletazo de salida, y como viene siendo costumbre a lo largo de todos sus cumpleaños, se está celebrando por todo lo alto. Con una duración nada habitual -que se prolongará durante casi tres meses-, decenas de nombres de primer nivel y de diferentes estilos y géneros musicales se darán cita en el club de la calle Almogàvers de Poble Nou. Aeroplane, Austra, Digitalism, Half Moon Run, Deap Vally, Swim Deep, Youth Lagoon, Jeff Mills, Ángel Molina, Editors, Busy P, Anoraak, Biffy Clyro, Crookers, Jacques Greene, Ken Ishii, Nicole Moudaber, NX1, Fritz Kalkbrenner, Skream, These New Puritans, Cyberpunkers, Mykki Blanco, Tom Trago, Deetron, Fritz Kalkbrenner, Everything Everything, Suede o Foals son algunos de sus principales invitados. ¿Te lo vas a perder? www.salarazzmatazz.com

EL MEJOR MIX DE TALABOT Si la procedencia de un músico es algo que acostumbra a percibirse en su música, el hecho cobra todavía más importancia en el caso de John Talabot con su nuevo mix para la respetada serie DJ-Kicks de !K7 Records. El resultado es por tanto un mix con raíces en la ciudad natal de Talabot, los clubs a los que fue cuando crecía, la música que escuchaba y el sonido que ha acabado amasando con sus propias producciones y que le ha llevado a conquistar el mundo. Además contiene dos temas nuevos, inéditos: Without You, y una colaboración con Axel Boman llamada Sideral. Un DJ-Kicks, en definitiva, para conocer a fondo al artista electrónico del momento alrededor de todo el planeta. www.soundcloud.com/john-talabot

SOS 4.8 2014 APUNTA MANERAS El grupo francés Phoenix, el genio de la electrónica The Bloody Beetroots (LIVE), el trío británico Is Tropical y los españoles Miss Cafeína son los primeros confirmados para la próxima edición de SOS 4.8 que se celebrará durante los próximos días 2 y 3 de mayo de 2014. Los internacionales Phoenix, Bloody Beetroots (LIVE) e Is Tropical estarán presentando nuevo disco, mientras que Miss Cafeína harán lo propio con su segundo álbum De polvo y flores que los ha confirmado como una de las mejores bandas del panorama pop nacional. Recordamos que las entradas para SOS 4.8 ya se pueden comprar en su web. ¡Nos vemos en el SOS del año que viene, abriendo la temporada festivalera! www.sos48.com

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981HERITAGE SON ESTRELLA GALICIA Electrónica de interior y psicodelia galopante Texto: David Bizarro / Foto: The Eyedropper / Deptford Goth. Teatro del Arte, Madrid. 03/10/13 / One Of These Days & Thrtclab + ZA!. Sala Sol, Madrid. 18/10/13

Poco antes de comenzar el concierto de Deptford Goth en el Teatro del Arte de Madrid, Daniel Woolhouse me preguntaba si los españoles somos tan proclives como los británicos a la introspección atmosférica. Para alguien que se describió a sí mismo en una entrevista como “un habitante del otoño perpetuo” resulta tentador justificar su arte en el efecto que la meteorología ejerce sobre el estado de ánimo. Su primer disco, Life After Defo, pronosticaba borrascas sentimentales con canciones como Feel Real, No Man y Objects Objects. Quienes habíamos tenido ocasión de verle en la pasada edición del Día de la Música pudimos constatar el verdadero alcance de un repertorio a medio camino entre Bon Iver y Jamie XX, en un marco más afín para la propuesta del británico. Es decir, un recinto acogedor con buena acústica y aforo limitado, en el que los arreglos de la cellista Rose Dagul (Rhosyn) consiguieron calarnos hasta los huesos. Al terminar el concierto, un Woolhouse todavía abrumado por el sold out y el eco de los aplausos posaba con timidez junto a un grupo de admiradores que le abordaron con sus dispositivos móviles a la salida del teatro. Un triunfo austero y emocionante. Dos semanas más tarde, Spazzfrika Ehd se dirigía al público de la sala Sol a través del vocoder con el que suele imitar a Eugenio: “Tenemos uno de los nombres más cortos del mundo y tocamos después del grupo que tiene uno Oci 20

de los más largos de la historia”. La alusión del batería de ZA! al meritorio desparrame psicodélico de One Of These Days & Thee Heavy Random Tone Colour Lab fue coreada con júbilo desde la platea. La carta de presentación de los coruñeses, A Peaceful Nacht In Hell (In Four Movements), saldó la deuda contraída con Pink Floyd y King Crimson sin que sus pasajes instrumentales llegasen a verse empañados por una serie de pequeñas catástrofes y averías previas. Pero el punto álgido de la noche arrancó con el dúo catalán abriéndose paso entre el público desde la calle, interpretando percusiones imposibles contra las escaleras, la barra, el suelo o el mobiliario y un Papa Dupau pletórico, bramando cacofonías, dibujando arabescos a la trompeta y rociando al personal con desodorante. Fue entonces cuando se desató sobre el escenario una orgía de hedonismo casi antropológico: tribalismo de raíces africanas, latineo salvaje, jazz espacial, dub narcótico, hardcore expansivo y ramalazos de improvisación ruidista que culminaron en un medley inconcebible entre Jimi Hendrix, Beck y Soundgarden. Lo que se dice un recital de vanguardia, pero con sentido del humor y desde las entrañas. Una experiencia difícil de asimilar si no es en vivo y en directo, donde su música adquiere nuevas y excitantes dimensiones, desbaratando expectativas de cualquier tipo. En una palabra: ¡Wanananai!


TRENTEMØLLER

Creando caminos ANDERS TRENTEMØLLER HA LANZADO SU TERCER DISCO DE ESTUDIO UN PAR DE SEMANAS ANTES DE SU CUMPLEAÑOS Y POCOS REGALOS PUEDE HABER MEJOR QUE ESE. TRENTEMØLLER REQUIERE POCA PRESENTACIÓN. SIEMPRE HA SIDO UN ARTISTA ELECTRÓNICO QUE HA ROTO FRONTERAS… EL QUE SACABA DISCOS QUE GUSTABAN A LOS LOCOS DE LA PISTA Y A LOS SIBARITAS DE LAS MELODÍAS, EL QUE APACIGUABA LAS BESTIAS ELECTRÓNICAS Y EMBELESABA AL PÚBLICO MÁS INDIE. CUMPLE 39 AÑOS. Y CON LOST SE REENCUENTRA CON SUS ORÍGENES: UN DISCO QUE DESCUBRE AL DANÉS MÁS ROCKERO Y RODEADO DE INVITADOS DE EXCEPCIÓN (LOW Y THE DRUMS, ENTRE OTROS). PIÉRDETE EN LA MÚSICA, PORQUE TRENTEMØLLER TE PRESENTA UN NUEVO CAMINO.

Entrevista: Catalina Isis / Foto: Casper Sejersen

¿Considerarías Lost como vuestro disco más cinematográfico? No, realmente no. Yo creo que Into the Great Wide Yonder era más cinematográfico. En este disco he intentado escribir melodías relevantes, he puesto la atención en las líneas vocales en vez de en los paisajes sonoros, creo. Trabajas con vocalistas invitados, el listado de este disco es impresionante. ¿Cómo es el trabajo con ellos? Para mí es importante que no sea un disco de artistas invitados. Cuando empecé a escribir temas para este disco y salieron algunos de los temas, inmediatamente supe qué vocalistas serían los ideales, de modo que escribí los temas con los vocalistas ya en mente, aunque ellos no lo supieran. Me puse bastante nervioso cuando, al haber acabado los temas, tocaba ponerse en contacto con los vocalistas y cruzar los dedos para que quisieran participar. Por suerte, todos accedieron; si no, no habrían estado estos temas en el disco. Cada canción pedía un vocalista específico. Por ejemplo, conocí a The Drums cuando tocaron en Copenhague. Me pidieron que remezclara su tema Days y, como soy fan de su música, me pareció natural pedirle a Jonny que cantara en uno de mis temas. Cuando escribí la música para Never Stop Running, Jonny me presentó unas letras increíbles. Creo que es fantástico escucharle cantar algo con un toque más electrónico, porque estamos acostumbrados a oírle con The Drums y su sonido indie surf. Lost es algo más oscuro que tus discos anteriores, pero parece que no puedas evitar ser delicado en tus sonidos. Incluso los temas más directos (Still on Fire, Trails, Deceive) no son crudos. ¿Dirías que tus temas son frági les? Sí, de algún modo. Es gracioso, porque ¡hay otra gente que dice que este disco es menos oscuro que los anteriores! Creo que tiene los dos mundos. Mi música refleja mi vida y viceversa. Para mí la música es la mejor forma de expresar cómo me siento, aunque haya gente que diga que es oscura y triste, yo no la veo así. Creo que tiene un tono melancólico, espeOci 22

cialmente en Lost, pero también tiene luz y esperanza. Me encanta trabajar los contrastes. Oscuridad y luz, analógico y digital. ¿Cuál es tu receta para construir la canción perfecta? ¿Cuál crees que se acerca más a tu ideal? Mi tema favorito del nuevo disco es The Dream, con Low, porque creo que realmente nos salió bien, mejor de lo que nunca me hubiera imaginado. Otro de mis temas favoritos es Miss You, del primer disco. Es una melodía de la que estoy muy orgulloso porque realmente da cuerpo a los sentimientos que tenía en ese momento de mi vida, y lo hace sin percusión y sin voces, simplemente con una melodía. ¿Qué significa Low para tí? ¡Mucho! Soy un enorme fan de su música y ha sido una de mis inspiraciones en los últimos quince años. Para mí ha sido algo fantástico tenerlos de nuevo en mi disco. Cuando empecé a trabajar sobre la progresión de los acordes del tema, ya tenía la preciosa voz de Mimi Parkers en mente, así que ha sido un gran placer y un gran honor que le gustara mi música y que haya hecho una melodía y letras tan mágicas para mi música. ¿Eres secretamente un shoegazer? Siempre he escuchado bandas que definen como shoegazers: Jesus and Mary Chain, My Bloody Valentine, Slowdive…, y adoro la belleza de la distorsión de la guitarra porque he enterrado ahí dentro también grandes melodías. No era obvio, y eso me gusta. Pero ahora estoy escuchando cosas como Moon Duo, The Warlocks y Soft Moon. Hace poco tenía el disco de Gnod and White Hills en replay. Habéis sido teloneros de la última gira de Depeche Mode. ¿Cómo ha sido la experiencia? Ha sido una locura tocar en estadios enormes con una banda que han sido mis héroes durante mi adolescencia. Y el hecho de que fueran unos tíos guays, muy normales y simpáticos, ha hecho que fuera incluso mejor. Poder pasar tiempo con Martin Gore en el backstage y que me diga que es fan de mi música, y hablar de algunos temas de mis discos que le gustan… ¡Ha sido un gran momento!


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CRYSTAL FIGHTERS

Indie asceta HAN RESCATADO LOS RITUALES PAGANOS DEL SIGLO XVII PARA TRAERLOS AL PRESENTE Y CONVOCARNOS A LA EVASIÓN EN FORMA DE FIESTA SALVAJE. ESTA RECIBE EL NOMBRE DE CAVE RAVE, SEGUNDO ÁLBUM DE LA BANDA LONDINENSE DE RAÍCES NAVARRAS, PUBLICADO POR PIAS EN MAYO DE ESTE AÑO. Y COMO GUÍAS ESPIRITUALES DE RITOS ANCESTRALES, QUE SUENAN A SYNTHPOP Y FOLK ELECTRÓNICO, CONVIERTEN TODA MATERIA EN MÚSICA Y TODA ENERGÍA EN ACTITUD. AUNQUE YA FUIMOS TESTIGOS DE ELLO CON SU DISCO DE DEBUT, STAR OF LOVE, AHORA HAN VUELTO PARA INVITARNOS A LA PSICODÉLICA RAVE DE SU CAVERNA. LA DESIDIA MUERE CUANDO CRYSTAL FIGHTERS COMIENZAN A SONAR. Entrevista: Sara Morales / Foto: Pepe Brix

Cave Rave, vuestro segundo disco, está siendo el protagonista del año para vosotros. ¿Estáis satisfechos con el resultado? Cave Rave ha sido un viaje increíble para nosotros, desde la grabación hasta la gira que hemos estado haciendo. Satisfechos, pero también preparados para más. ¿Cómo está res pondiendo el público ante él, en comparación con vuestro álbum de debut, Star of Love? La respuesta ha sido increíble hasta ahora, gracias. Este álbum es tal vez un poco más fácil de digerir que Star of Love, así que parece que hay más personas por el mundo que están escuchándolo. Tal vez solo sea que hemos estado de gira desde hace años, y por eso el público es más consciente de la banda... ¡quién sabe! Sin embargo, con Cave Rave habéis experimentado más… Encontramos folk, rock, toques electrónicos y hasta alguna balada como Bridge of Bones… ¿Qué os ha inspirado para la crea ción del disco? Cave Rave es una evolución natural para nosotros en cuanto a la música, al igual que las letras y la estructura de las canciones. Hemos estado en una búsqueda de la verdad toda nuestra vida, y encontramos inspiración en las culturas indígenas de todo el mundo para este álbum, por lo que no tuvimos más remedio que añadir algunos sonidos de África, América del Sur y América del Norte también. Justin Meldal-Johnsen (Beck, Air, M83) productor de este segundo álbum, ¿os ha contagiado algo de optimismo? Cave Rave es más luminoso. Jajaja... sí, nos unimos duro con JMJ y aprendimos mucho de su experiencia como músico. Cave Rave definitivamente tiene un sonido más brillante, y la combinación de la grabación del álbum en Los Ángeles, junto con la finura de JMJ, sin duda tienen algo que ver con el brillo. El artwork del disco, realizado por Paul Laffoley, también es parti -

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cular, parece una tabla de ouija… ¿Qué queréis transmitir con él? Contar con la pintura de Paul Laffoley para la cubierta del álbum es para nosotros un verdadero honor. Trata de las visiones en los sueños lúcidos de las tecnologías del futuro, que no entendemos todavía, y entonces se despierta y los pinta. Nuestra carátula es en realidad un modelo de cómo crear un espacio utópico, y animamos a todo el mundo a la investigación de los nombres a que se hace referencia en la propia cubierta. La promoción de Cave Rave os ha traído hasta su origen, España, con una gira por diferentes ciudades. ¿Cómo os sentís tocando ante el público español? Ser capaz de llegar a España para tocar es un honor y un privilegio. Para reproducir las txalapartas, los españoles reaccionan de una manera tan positiva… Es muy significativo para nosotros... y ¡el p��blico español está loco! Nos encanta España, y estamos muy contentos de estar de vuelta. Además, vuestra relación con España es especial. Vuestros orígenes como banda tienen lugar en el norte de nuestro país… Contadnos un poco cómo surgió Crystal Fighters. Sí, todo empezó con una de las cantantes originales de la banda, Laure, cuando nos dio el libro que su abuelo vasco estaba escribiendo en su lecho de muerte. De inmediato comenzó a investigar la cultura vasca, y nos enamoramos. Los instrumentos de la tradición y melodías hablaron con nosotros; y los hemos estado utilizando, en combinación con la música de baile moderno, desde entonces. Para vuestro sonido utilizáis instrumentos de tradición folclórica vasca. ¿Cómo los habéis introducido en vuestra música? Realmente no tenemos una fórmula de la forma en que utilizamos estos instrumentos tradicionales, pero la experimentación siempre ha sido importante para nosotros.


Utilizamos las txalapartas en casi todas las canciones. De hecho, uno de vuestros temas más aclamados, Champion Sound está sacado de la Sagar Dantza… ¿Qué tienen esta música costumbrista y su cultura que tanto os cautivan? Esa melodía tan rara de la Sagar Dantza ya destacó para nosotros cuando la escuchamos por primera vez. Y eso nos inspiró para escribir una melodía similar. La música vasca tradicional suena como la mitología vasca, y realmente así es. Una de las características de vuestra música es la utilización, casi a partes iguales, de guitarras acústicas y eléctricas. ¿Cuál es imprescindible para vosotros? Gracias. La parte más esencial de nuestro sonido es mantenerse fiel a lo que amamos. No creemos en las reglas o límites y nuestro sonido siempre será un producto de esa forma de pensar. ¿Qué queda de los chicos de I Love London, tema por el que el mundo entero

comenzó a mirar hacia vosotros? Estamos aquí. Siempre será así. Esa canción definitivamente nos elevó a los oídos del pueblo, pero nosotros seguimos siendo los mismos. Precisamente este tema fue remezclado por multi tud de grupos y DJ’s. ¿Cómo os tomasteis este hecho? De todas las versio nes, ¿con cuáles os quedáis? Nos encanta tener nuestras canciones remezcladas, oír cómo otros las interpretan. Es divertido para nosotros. Hay muchas otras increíbles para elegir. Nos encanta el remix de At Home de Kelley Polar, y el de E. Russell. Vosotros fuisteis unos de los precursores en la invención de un nuevo estilo musical denominado Folktrónica. ¿Os sentís cómodos con esta etiqueta? Realmente no creo en el etiquetado de la música, ya que separa a los músicos en vez de unirlos, pero creo que tiene sentido. ¿Qué grupo os gusta más de España? Delorean y Belako. Oci 25


IKONIKA

Bailando atrás sin ira SARA ABDEL-HAMID, LÉASE IKONIKA, REGRESA A LA PALESTRA SONORA INTERNACIONAL CON UN SONIDO FRESCO, UN TANTO ALEJADO DEL DUBSTEP PRIMIGENIO, QUE SE SUMERGE EN EL HOUSE Y EL TECNO, Y BEBE DEL ELECTRO-FUNK DE AYER, HOY Y SIEMPRE. LEJOS DE LO RETRO, NOS ARRASTRA A UNA NUEVA DIMENSIÓN DIGITAL. HABLAMOS SOBRE EL POP, DE REESCRIBIR LA HISTORIA Y DE UN FUTURO OPTIMISTA CON UNA DE LAS PRODUCTORAS MÁS VANGUARDISTAS DEL MUNDO. Entrevista: Fernando Fuentes

Aló, Ikonika. Tu nuevo disco, Aerotropolis (Hyperdub, 2013), me parece algo genuinamente innovador… Todo el álbum es esta especie de fantasía en la que viajo en una máquina del tiempo. Sin demasiada ensoñación, es tan solo una especie de exploración para mí, como productora, y ¡estoy muy contenta de haber llegado allí! Y hay mucho house… El house freestyle realmente me funciona, porque las melodías siempre han estado allí, los vocales eran fenomenales y la percusión es fuerte y rígida en ciertos momentos, y en otros muy compleja. ¡Realmente siento predilección por esos sintetizadores metálicos y campanas gruesas! Ahora trabajas con máquinas analógicas en lugar de con tantos ordenadores. ¿Te ha permitido invertir más de ti misma en la música, manteniendo las pequeñas imperfecciones, en lugar de tenerlo todo prístino pero sin alma? He tratado de tener una relación realmente física con la música, en lugar de estar tan solo delante de una pantalla haciendo clics. Realmente marca la diferencia, como que hasta puedes oír la diferencia al girar una ruleta y escuchar algo que hace tus sonidos más humanos. Todos estamos usando máquinas y electrónica, pero debemos dar cabida a los errores y no permitir que todo esté perfecto siempre… Sabes, si quieres escuchar esa calidez y conexión con la música, debe ser así. ¿Admites tener un corazón pop? No hay absolutamente nada malo en la música pop, si se hace con las intenciones adecuadas. Es algo que tengo muy cerca de mi corazón porque fue el primer tipo de música que escuché, así que siempre está esa rara nostalgia. Para mí hay dos cosas diferentes: está la música que es popular, y luego está la música pop. ¿Y tus referentes pop más confesables? El pop más antiguo es el que me gusta. Me encantan Oci 26

las producciones de Jellybean, los antiguos trabajos de Janet Jackson y Madonna, y creo que la mayoría de la gente estará de acuerdo en que son gustos aceptables. ¿Has sido capaz de plasmar exactamente lo que tenías en tu cabeza? Siento que estoy haciendo lo correcto para transmitir mis sentimientos a las producciones. Creo que esa es la meta final para la mayoría de los productores. Algunas veces no funciona, y puede ser muy frustrante, pero cuando funciona es una experiencia única, y en todas esas canciones del disco es como: “¡Joder, genial, no me creo que esté saliendo!”. Tu soni do y visión de futuro parecen altamente optimistas. ¿Realmente ves tan feliz lo que se nos viene encima? Hasta si intento ponerme triste siempre tengo ese sentimiento de euforia que aflora en canciones como Completion. Y tras este Aerotropolis, ¿qué vendrá? ¿Tienes ya material nuevo? ¿Por dónde tira? Las últimas tres o cuatro canciones que he hecho después del álbum suenan un poco… espaciales, y quiero realmente explorar este aspecto tanto como sea posible, al punto en el que el sistema se viene abajo, e intentar captar el momento de caída y los escombros. Realmente estoy metida en ello ahora. Y también me encantan las distorsiones y me encantan las canciones devastadoras, así que también estoy explorando eso un poco más. Para terminar, Ikonika, ¿planes de futuro sonoros e inminentes? Lo que quiero es desmantelarlo todo y ver cuán lejos puedo llegar. Tenemos un montón de agujeros que han quedado sin tapar de anteriores discos, así que quizá lance uno o dos EP’s. También estoy trabajando con otro vocalista. Es bastante parecido a lo que sería R&B del espacio, y está funcionando genial.


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de analógico a digital

ALUNAGEORGE / BODY MUSIC (INTERSCOPE) El pop parece tener un futuro lejos de Lady Gaga y Katy Perry, y eso, camaradas, nos llena de esperanza y satisfacción. AlunaGeorge son la gran esperanza europea, soulera y blanca de este nuevo pop vocal, amable y encantador, pero sin caer en dulzuras insoportables. Los temas que produce George Reid y sobre los que canta Aluna Francis son un compendio ideal de aciertos sonoros sin discusión: no descubren nada pero maridan como la uva y el queso… y saben a besos. El resultado final es que este Body Music es un

gran disco compuesto con temas fantásticos, pero ya bailados y conocidos, como es el caso de Just A Touch, You Know You Like It, Attracting Flies o Bag Idea que, ¡oh, vaya!, se parecen demasiado entre ellos: las mismas cajas de ritmos, idénticos sintes, una voz para soñar y… poco más. Y el asunto se complica un tanto cuando se alejan de esta fórmula mágica y se atreven con temas como Lost & Found, en el que rozan la tontuna, lo superfluo, lo gratuito. Alguna pega había que ponerle a un disco tan chulo. (Fernando Fuentes)

ARCADE FIRE / REFLEKTOR (MERGE RECORDS) No se puede rajar mucho o los fans acérrimos de la banda canadiense me lincharán, pero, en serio, vosotros también habéis notado que Reflektor es más aburrido que sus predecesores. ¿Será el factor James Murphy retrodisco que siempre acaba sonando igual? ¿O esa extraña necesidad de añadir los toques de música haitiana que acaban arruinando incluso un potencial temazo como Here Comes the Night Time? No me entendáis mal; Reflektor sigue siendo mejor que la mayoría de discos pero ¿dónde está el tema

épico de sacar los mecheros? ¿Y la canción que parte corazones con sus verdades? ¿Y el hitazo para corear a voz en grito en la pista? El single Reflektor y casi toda la segunda parte están bien, pero les falta garra. Por lo menos una cosa sí que os aseguro: Reflektor es un disco para salir a correr: con su tempo prácticamente uniforme y largos temas sin cambios, puedes seguir un ritmo continuo y apagar el cerebro… con pequeños subidones tribales, naturally. (Catalina Isis)

FUCK BUTTONS / SLOW FOCUS (ATP RECORDINGS) Los Suicide of Western Culture ingleses -oh, qué gustazo de empezar así una reseña- parecen querer progresar dentro de su bendita locura sonora, en la que la cacharrería analógica se les sigue saliendo por las orejas, y en este Slow Focus demuestran que lo suyo poco tiene de amistoso y de feliz. Los siete temas que sustancian este nuevo álbum beben del heavy metal más agresivo, de la misma fuente donde se refresca el diablo cada tarde al terminar su jornada laboral en el averno y del postrock de unos Mogwai

que cada vez se parecen más a Fuck Buttons… o más bien será al contrario. Nos apabullan y asustan tracks como Brainfreeze, Prince’s Prize y Hidden XS, pero es el superhitazo The Red Wing el que nos hace de nuevo entregarnos, en cuerpo y alma, al sonido apocalíptico, maldito y bastardo de estos dos tipos -Andrew Hung y Benjamin John Power- que lo pasan pipa haciendo música que da miedo… de buena. Que gozada de acojone, vaya. (Fernando Fuentes)

MIKE MIND / AETHER (TURBO RECORDINGS) Mike Mind es un perfecto ejemplo de tipo que lleva toda la vida escuchando, consumiendo y jugueteando con la música y por fin da el paso de producir. Reconocido DJ underground de la escena de Montreal, Mike Durcak lleva años trabajando en el sello de Tiga, Turbo Recordings, donde hizo su primera incursión en 2009 como artista. Tras años de silencio, este otoño vuelve con un disco bajo el brazo. Lo primero que es obvio de Aether es que Mike se lo pasa bien haciendo música. Lo segundo es que, aunque lo suyo es el Oci 28

tecno, no se casa con nadie. Aether es una colección de ocho temas en la que se experimenta con todas las vertientes del tecno de una forma sistemática y elegante. Toques atmosféricos, breves melodías minimals, loops y fugaces distorsiones que se pasean por el disco como la gama de colores de un pintor. Con Aether puedes concentrarte y disfrutar o elegir ponerlo de fondo una noche de abstracción. El arte puede ser muy simple. (Catalina Isis)


BALLET SCHOOL / BOYS AGAIN EP (BELLA UNION) Este grupo lleva apenas un año en escena y, salvo que pase algo grave, os puedo decir que tiene todas las cartas para ser uno de los grandes nuevos hits de la escena alternativa. Parecen sacados de un anuncio de Benetton: la guapísima y sexy cantante Rosie Blair viene acompañada de sus variopintos músicos, cada uno de un lugar del mundo, con sede en Berlín. Han sido recomendados por la mismísima Grimes y reseñados como banda del día en The Guardian. Con apenas algunos temas entre manos, acaban de lanzar

su primer EP para compilarlos en un formato reseñable a través del sello de Flaming Lips, Beach House y Fleet Foxes, Bella Union. Su sonido es mayormente pop, con toques trágicos y bonitas melodías. La voz de Rosie, que a veces parece Liz Frazier, a veces una Madonna de los ochenta, canta sobre bases electrónicas de gran fondo ochentero. Ballet School presentan energía y toques pegadizos en temas cortos, buenos para el directo y fácilmente remezclables para pista. ¡Avisados quedáis! (Catalina Isis)

NACHO SOTOMAYOR / LA ROCA VOL. 9 (ABSOLUT AMBIENT) “Mi música sale del corazón, depende más de mi ánimo que del paisaje”, dice Nacho Sotomayor. Pues siendo así, maestro, en su interior brilla una luz sonora tan fascinante que destella a propios y extraños. En este noveno volumen de La Roca, esa serie mítica que se identifica de forma automática con la carrera del jienense Sotomayor, se aprecia un regusto por espacios electrónicos más crepusculares, menos soleados. Aun conservando el mismo léxico musical, la misma forma de hacer las cosas e idénticas intenciones de cara al

oyente, este disco tiene las entretelas sintéticas -sobre todo lo que afecta a las armonías- mucho más a la vista que anteriores entregas. Además en este La Roca vol. 9 hay una invitada de excepción: la guitarra de Josete Ordóñez. Su aportación es maravillosa, marida perfectamente con el chill-ambient baleárico de Sotomayor y eleva temas como Landscape whit a Guitar hasta bellas alturas solo frecuentadas por genios del asunto. Nacho, claro que tu música va más allá… pero ¿es que alguien lo duda? (Fernando Fuentes)

THE RANGE / NONFICTION (DONKY PITCH) Nunca he sido muy de rap ni de hip hop, así que con pocas cosas podré comparar este álbum de debut de The Range para los entendidos. De hecho, si a mí me gusta es, muy probablemente, porque tiene poco del sonido convencional del hip hop. The Range es el nombre bajo el que trabaja el norteamericano James Hinton, último fichaje del sello de Brighton Donky Pitch, reconocido por su colección de artistas leftfield, synth and bass. Nonfiction es un disco compacto pero líquido, inteligentemente ordenado y variado.

Obviamente, sus estructuras se elevan sobre bases rotas, sintetizadores y contratiempos, pero Nonfiction casi se podría definir como IDM chillout o atmosférico, ya que solo se aproxima al hip hop con claridad en sus tres temas mayormente vocales (Jamie, FM Myth y Metal Swing). Este no es un disco para escuchar en una pista de baile, sino para disfrutar en casa, dejándose mecer extrañamente por sus melodías: cortes trepidantes que aparentan una apacible y bella tranquilidad. La delicadeza del detalle. (Catalina Isis)

TRENTEMØLLER / LOST (IN MY ROOMS) La verdad es que este Lost es un disco tan bello e inesperado, como altamente desconcertante. Ahora resulta que Anders Trentemøller se pone a hacer pop oscuro, cercano al mopper y hartamente influenciado por la darkwave -y hasta el psycobilly- y va y lo borda, vaya tela. Este disco es un monólogo crepuscular, casi una oración, una colección de temas que realmente son solo dos: uno, el 80 % del álbum, en el que se muestra oscuro, íntimo y lírico; y otro, el 20 %, en el que da rienda suelta a su descacharre esquizoide más

cercano a Suicide o The Soft Moon que a su examigos del minimaleo caniquero de mitad de la década del 2000. Aquí hay duelo tras la media sonrisa y canciones como The Dream, Deceive o Candy Tongue son pura delicia pop, aunque duelan con solo oírlas. Mientras otros temas como Trail, Still on Fire o Constantinople son trallazos directos al hipotálamo. Los timadores y los mediocres prosperan en todas las épocas; los artistas geniales consiguen sobrevivir o, al menos, fracasar de un modo memorable. (Fernando Fuentes) Oci 29


news diseño y proyectos

Javier Palacios La obra del artista Javier Palacios capta la esencia de lo visual, subrayando la naturaleza perceptiva de nuestra relación con el mundo, los otros, los objetos y las imágenes que lo componen. Su trabajo ha sido premiado en casi una veintena de certámenes entre los que podemos mencionar sus tres medallas de honor consecutivas en el Certamen BMW de Pintura, primer premio en el Certamen de Minicuadros, primer premio en el Certamen Salvador Soria o el primer premio Gredos de Pintura. Gracias a becas como la GrandTour DKV o la World Event Young Artists ha producido obra en Inglaterra y Polonia. En la actualidad vive y trabaja en Valencia, y acaba de ficharlo la galería Espai Tactel. www.javierpalacios.es

Arte madrileño Madrid puede enorgullecerse de tener proyectos artísticos del nivel de La Twin Gallery o La New Gallery. Estos dos espacios ofrecen hoy por hoy algunas de las programaciones más radicales y contemporáneas de la capital de España. La Twin con artistas tan transgresores y contemporáneos como Yani Alonso Yani -cuya obra pudo verse expuesta en la primera edición de la feria de arte contemporáneo Summa Art Fair de Madrid- o Rosalía Banet; y La New con artistas de la talla de la fotógrafa Cristina de Middel -su proyecto The Afronauts pudo verse recientemente en el museo de fotografía Foam de Amsterdam, la feria Arte Santander o reseñada en el mismísimo The New York Times. Lo dicho, dos galerías increíbles, con un potencial altísimo y jóvenes a rabiar. Espacios de arte madrileños interesantes a seguir muy de cerca. www.twinstudio.es y www.lanewgallery.com

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Ricardo Fumanal La principal actividad profesional de Ricardo Fumanal es la de ilustrador. Basa su trabajo en una amplia gama de técnicas y lenguajes. Su visión artística actual se está expandiendo desde el campo del dibujo manual (rotulador, lápiz y tinta sobre papel) a las imágenes móviles. Tras algunas colaboraciones con diversos estudios y directores creativos, empezó a trabajar como ilustrador en diferentes medios y soportes como Hercules, Dazed&Confused, Wallpaper, Vogue Hommes Japan, The Daily Telegraph, L’Officiel Italia, V, Madame Figaro, British GQ Style, Harper’s Bazaar Australia o Leer. Actualmente pueden verse algunos de sus trabajos en la muestra Pansy & Lowbrow en la galería Espai Tactel de Valencia, hasta el 4 de enero de 2014. ricardofumanal.com


Toormix Toormix es un estudio creativo nacido en Barcelona en el año 2000. Están especializados en diseño gráfico integral, así como en identidad corporativa. Su forma de enfrentarse a sus proyectos es siempre desde una visión estratégica y conceptual en busca de conceptos visuales innovadores. Además, poseen un taller-espacio alternativo orientado en paralelo a la investigación, el pensamiento y a sus propios proyectos. Han trabajado con clientes como Desigual, Camper, MTV España, Spain USA Foundation, H10 Hotels, Spanish Ministry of Culture, Barcelona City Council, Pull & Bear y el chef José Andrés, entre otros. Se consideran un equipo con diferentes perfiles, autocríticos e inconformista, y desde OCIMAG podemos dar fe de que así es. Probablemente son uno de los estudios más interesantes de toda Cataluña. www.toormix.com

Wrap Magazine Fundada por los diseñadores Chris Harrison y Polly Glass en septiembre de 2010 con el objetivo de dar a conocer la obra de los ilustradores más contemporáneos, Wrap se publica tres veces al año y está presente en más de 150 tiendas en todo el mundo, incluyendo la Tate Modern de Londres, Do You Read Me? en Berlín, Papercut en Estocolmo y MoMA PS1 en Nueva York. Además, Wrap vende directamente online, y tiene una creciente lista de suscriptores anuales. Los (aquí arriba mencionados) Chris y Polly no están solos: en Wrap participa gente como el editor Harry Glassy la escritora Sarah Housley. Pero los protagonistas reales son los ilustradores talentosos que contribuyen, al igual que otros escritores y fotógrafos independientes, a que Wrap sea posible. Por si fuera poco es una revista que contribuye al respeto del medio ambiente y se hace en papel reciclado y con tintas vegetales. Un lujo. www.wrapmagazine.com

Abierto Valencia 2013 Más de dos mil personas asistieron a las galerías participantes en la primera edición del evento Abierto Valencia, en el que una veintena de espacios han abierto la temporada artística presentando más de 500 obras de autores nacionales e internacionales. La actividad, organizada por la Asociación de Galerías de Arte Contemporáneo de la Comunidad Valenciana (LaVAC), se convirtió en una celebración para el arte y la cultura con un amplio programa de exposiciones, conferencias, recorridos, conciertos y la entrega en un evento final de los primeros premios Abierto Valencia. Los ganadores: Espai Tactel y Joan Morey con su exposición Espolones, como mejor galería y mejor exposición, y el premio Gandía Blasco de adquisición recayó sobre la obra de Mathieu Mercier, en la galería Luis Adelantado, y en Manuel Blázquez, en la galería Paz y Comedias. El año que viene más y mejor. www.lavac.es

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Jennifer Mehigan Diseño Pretty Ugly Texto: Tactelgraphics

Jennifer Mehigan es una artista irlandesa que vive y trabaja en Singapur desde hace mas de veinte años, donde forma parte de la próspera escena artística que se ha creado en esta ciudad. Sin embargo, a ella le gusta que la consideren diseñadora antes que artista puesto que le resulta más simple explicar su trabajo -que no justificarlo-dentro de los parámetros del diseño antes que los del arte. Su obra entra dentro de la corriente estética Pretty Ugly que lleva inundándonos los últimos años con diseñadores como Roberto Piqueras o artistas todoterreno como Carlos Sáez, con el que Jennifer Mehigan colaboró en el proyecto Cloaque.org, una especie de cadáver exquisito online bien conocido por todos y donde colaboran artistas de todo el planeta y que parece no solo tratarse de una tendencia o una mera corriente estética. Jennifer Mehigan está mayormente inspirada por la distinción entre lo natural y lo Oci 32

artificial (dualidad hombre-máquina, vamos), ya sea en el color, las formas, la ciencia y la tecnología frente a la mitología o lo desconocido. Como la propia diseñadora comenta, “he estado leyendo acerca de los intentos de crear versiones artificiales de la luminosidad natural-nácar, ópalos, bioluminiscencia… Trato de imitar a la naturaleza, aunque no podemos hacer una copia idéntica”. Perteneciente a la llamada generación Tumblr, reconoce el poder de esa red y del arte digital, sobre todo las obras más vanguardistas hechas con teléfonos móviles y tabletas gráficas. Su trabajo puede verse en su web: www.jennifermehigan.com y su colaboración con el artista Carlos Sáez para www.cloaque.org, es de lo más divertido.


JOAN MOREY Performance conceptual JOAN MOREY EMPLEA EL PERFORMANCE COMO HERRAMIENTA DE COMUNICACIÓN, CONJUGANDO PRECEPTOS TEÓRICOS QUE VAN DESDE LAS TEORÍAS DE HEGEL O LOS TEXTOS DE DERRIDA HASTA LA CONCEPCIÓN CONTEMPORÁNEA DEL BDSM. PARTIENDO DE ESTE PUNTO PRESENTA PIEZAS, MUCHAS DE ELLAS INTERPRETADAS POR ACTORES, CONCEBIDAS BAJO UNA LIBRE INTERPRETACIÓN POR PARTE DEL ESPECTADOR CON EL CUAL ENTABLAN UN DIÁLOGO DIRECTO. JUNTO A ELLO, EN SU PRODUCCIÓN SE DISTINGUEN LAS OBRAS DE IMAGEN FIJA O EN MOVIMIENTO ASÍ COMO LAS INSTALACIONES CON RECURSOS AUDIOVISUALES. SU ÚLTIMA EXPOSICIÓN ESPOLONES [ÉPERONS/SPURS/ESPERONS], EN LA GALAERIA ESPAI TACTEL DE VALENCIA, OBTUVO EL PREMIO AL MEJOR MONTAJE DE SALA EN EL EVENTO DE APERTURA DE TEMPORADA ABIERTO VALENCIA 2013 Entrevista: Tactelgraphics / Foto: Joan Morey

En tu trabajo aúnas numerosas referencias intelectuales o conceptuales y recursos puramente estéticos. ¿Desde qué perspectiva debería analizarse tu obra? Considero el trabajo de un artista como una extensión de su forma de pensar y entender el mundo. Si en mis obras aparecen referencias a la filosofía, el cine, el teatro u otros artistas, no es casual, ya que esos autores son las herramientas con las que construyo mi visión particular del presente. La conceptualización suele llegar después, cuando todo se entrelaza de forma natural. Sucede exactamente lo mismo con los componentes estéticos o formales, aunque eso no significa que la lectura de una obra esté sujeta al conocimiento detallado de los procesos y referencias que aparecen en ella. El espectador ha de sentirse libre y debe poder observar o analizar la obra de un artista según sus exigencias. Me gusta entender mis proyectos como una especie de laberinto, con acceso por diversos flancos y que puede recorrerse en varios sentidos. Eso es suficiente. Encontrar una salida no debe ser la prioridad. ¿Hasta qué punto tu trabajo es autobiográfico u onírico? Como comentaba antes, mi personalidad se forja en función de los elementos que la rodean. Los referentes, el contexto, las relaciones humanas, etc., son factores biográficos. Al mostrarlos en un proyecto estos aparecen reordenados confeccionando un espacio que aúna lo real con la ficción, que más que onírica la situaría en el espacio de la representación. ¿Qué es si no el teatro (cercano tal vez al performance), más que una representación de secuencias de la realidad pasadas por el filtro o la mirada del director? La performance es una de las manifestaciones contemporáneas más rezagadas en cuanto a su institucionalización. ¿En qué punto crees que se encuentra en el contexto artístico español? No sé si es lícito que yo haga ese tipo de reflexión, ya que los trabajos realizados mediante performance pueden ser muy diversos y suelen ocupar lugares muy alejados dentro de las prácticas artísticas contemporáneas. Pero si a alguien tenemos que agradecer la normalización del performance como disciplina es a Marina Abramovic, que ha conseguido popularizar el término incluso en circuitos que nunca se habían interesado por el arte. Ese capítulo de la historia ahora Oci 34

está en boca de todos, de forma que resulta mucho más fácil aproximarse a un performance en estos momentos. En tu labor como docente, ¿qué carencias detectas en la formación estandarizada de los artistas emergentes? Uf, gran dilema el que expones. Lamentablemente, la formación artística en España deja mucho que desear. Probablemente el estado crónico de carreras como la de Bellas Artes solo se pueda solucionar con dinamita. Sabe mal decirlo así, porque en mi etapa de estudiante tuve la suerte de contar con docentes fantásticos, a los que todavía respeto y admiro. Pero la principal carencia es la misma: no te preparan para poder dedicarte al arte profesionalmente. En el arte subyacen economía, marketing, producción, tecnología, pensamiento, etc., y esas son grandes lagunas todavía hoy. Es triste que el sistema de educación artística continúe anclado en el pasado y que los jóvenes artistas emergentes deban romperse los cuernos para profesionalizarse de forma autodidacta o invertir grandes sumas de dinero en másteres y posgrados de universidades extranjeras. Tu última exposición en Espai Tactel, Espolones, finalizada el pasado mes de octubre, sigue el dis curso sonoro de una performance anterior. ¿En qué momento un resto documental se convierte en obra? El epicentro de Espolones como exposición es el registro sonoro de uno de los performances del proyecto Gritos & susurros, conversaciones con los radicales (2009). Oímos a una actriz que interpreta de forma dramática fragmentos de un texto del pensador y filósofo Jacques Derrida. Pero ¿qué sucede cuando no podemos ver a la intérprete? ¿Y al deslocalizar un ensayo de su contexto? ¿Qué pasa cuando un autor cita a otro autor que ahora es citado de nuevo? Mis intereses actuales se encuentran en esas amalgamas, capas y pliegues, y eso me llevó a reutilizar fragmentos de obras anteriores para reflexionar sobre mi discurso artístico. Me gusta comparar estos procesos con la paleta de un pintor, que dispone de sus colores habituales e incorpora nuevos tonos o los mezcla, pero que mantiene su estilo. Antes me empeñaba en realizar siempre obra nueva. Ahora ya no siento la misma euforia por reinventarme, innovar y sorprender. Quizá tenga que ver con la madurez o los errores del pasado.


¿Qué papel juegan las nuevas tecnologías y las redes sociales en la creación de un nuevo tejido cultural? Creo que hoy el tejido cultural de nuestro país es aquello que los políticos se empeñan en destruir diariamente. El trabajo de muchos profesionales de la cultura durante décadas fue intentar crear un entramado sobre el que organizarla y dotarla de funciones y sentido. En estos momentos triunfa la precariedad del sector, se aniquila a los profesionales y se maltrata lo cultural. Todo eso sucede desde la permisividad absoluta de los afectados, que se amparan de nuevo en aquella idea romántica del artista y su ego, y que inevitablemente o es noble o bohemio. Pero aquí no pasa nada, siempre nos quedará esa imagen proyectada en las redes sociales, brillante y festiva, y lo digo desde un tono muy cínico, a la espera de que la revolución se nos dé hecha, mientras observamos a esas señoras pavonearse con sus rojizas permanentes ochenteras o tomándose “a relaxing cup of café con leche in Plaza Mayor”. Cuando parece que no se puede hundir más la reputación del país, lo consiguen por todo lo alto.

Hace unos años creaste la antimarca STP (Soy Tu Puta). ¿Cuál es tu relación actual con la moda? Creé la marca ficticia STP por la necesidad de cobijar toda mi obra bajo un mismo concepto y para poder colaborar con diversos creativos de forma orgánica. Eso me dio la oportunidad de acercarme a la moda y así pude ampliar mi experiencia, trabajar en equipo y valorar las habilidades de los demás profesionales. Pero la vorágine creativa en ese sector, y que antes me resultaba muy atractiva, dejó de serlo. Y acontecimientos como el suicidio de Alexander McQueen a los cuarenta años desmoronaron ese gran castillo de naipes, que ahora observo de lejos, con desconfianza y respeto. ¿En qué posición se encuentra el diseño respecto al arte, y viceversa, en la creación contemporánea? Esta pregunta me la han hecho muchas veces y me costaba encontrar una respuesta clara. Ahora me resulta más fácil. En pocas palabras podría decir que el arte se concibe para perdurar y el diseño está sujeto al consumo inmediato. Tal vez el factor tiempo es el único que puede tomar las riendas en este asunto. Oci 35


Sputnik Estudio Diseño joven y funcional SPUTNIK ES UN ESTUDIO DE DISEÑO MULTIDISCIPLINAR AFINCADO EN VALENCIA, FORMADO POR MAJO FERNÁNDEZ, MARÍA DE LA O REYNA, MARÍA SALAR Y BORJA SEPULCRE. SU VARIADO TRABAJO ES INNOVADOR, SENCILLO Y CON UN TOQUE ESCANDINAVO. DISEÑO CONTEMPÓRANEO QUE LLEGA DESDE UNA CIUDAD EN LA QUE NO PARAN DE EMERGER DISEÑADORES CON GANAS DE CREAR Y DE COMERSE EL MUNDO. Texto: Jordi Iranzo / www.morewithlessdesign.com

Desde que los chicos de Sputnik exhibieron sus productos en el Salón Nude 2012 de la Feria Hábitat Valencia solo han hecho que recibir buenas noticias, y no por culpa del azar. Este año ganaron el premio del concurso Cevisama Lab en la categoría Diseño de Baño por su proyecto Magicdrops: unas baldosas que cambian de color con el contacto del agua, al llevar adherida una tinta hidrocromática que se vuelve transparente y deja ver el color que se encuentra debajo. También fueron seleccionados por Homeless y expusieron su diseño en el Salone Internazionale del Mobile 2013, y el pasado mes de junio de 2013 ganaron el concurso de la empresa valenciana Sonia, con un mueble práctico para el baño. Actualmente autoeditan el producto icónico del estudio, Sputnik Stool and Table, ya que además de llevar el nombre del estudio querían que conservara su esencia tal y como es, y seguir trabajando con productores y artesanos locales. El taburete y la mesa combinan una estructura fina de acero lacado con una superficie de corcho en la parte superior. Otro de los productos claves de Sputnik es la vajilla modular K Collection, una serie de objetos para la cocina que combinan a la perfección la madera y el vidrio, con un diseño muy sencillo y elegante. La combinación de estos materiales y las formas simples de la vajilla otorgan al diseño un aire escandinavo y un toque japonés muy sugerente. Además, otro de sus productos, el sistema de iluminación Santorini, será producido y comercializado en los próximos meses. Este set de iluminación está formado por una estructura cilíndrica y cuatro piezas intercambiables que permiten al usuario dirigir y controlar la luz a su gusto creando diferentes combinaciones lumínicas. En Valencia se está reimpulsando cada vez más el diseño y nacen con más frecuencia estudios y jóvenes diseñadores con ganas de crear, innovar, progresar y, en definitiva, mejorar la vida de las personas. Deseamos que los chicos de Sputnik sigan creciendo y creando. Un estudio joven, a seguir de cerca. estudiosputnik.com Oci 36


LOUVRE-LENS

ARTE SOBRE LA MINA DE CARBÓN EN EQUILIBRIO CON LA MEMORIA MINERA DEL LUGAR, SURGE EL NUEVO LOUVRE EN LENS, UNA EXTENSIÓN DEL PARISINO QUE ALBERGARÁ PARTE DE LOS FONDOS DEL MUSEO. LOS ARQUITECTOS DE SANAA MATERIALIZAN UNA DESLOCALIZACIÓN CON UNA INTERVENCIÓN LIMPIA Y ELEGANTE SOBRE LA MINA DE CARBÓN. Texto: Ester Giménez / Fotos: Marcos Zotes

El Museo del Louvre se une a la estrategia cada vez más repetida entre las grandes colecciones de arte histórico: crear una subsede con identidad propia alejada de la original. El nuevo Louvre-Lens alberga de forma rotatoria obras de los fondos de París. En esta ocasión el lugar escogido ha sido Lens en la zona de Pas-de-Calais, en el norte de Francia. Esta zona ha sufrido en las últimas décadas un fuerte declive de su actividad minera e industria pesada. El sector ha marcado fuertemente el territorio que contiene su huella. El proyecto de Sanaa, ganador del concurso para la nueva delegación, subraya precisamente la importancia de esa memoria minera para la intervención. El arte ahora se exhibe sobre una mina de carbón, terreno baldío desde su abandono en los años sesenta.El proyecto de los arquitectos de Sanaa, en colaboración con el estudio de Imrey Culbert, de Nueva York, el paisajista Catherine Mosbach y el museólogo Studio Adrien Gardère, trata con sus dimensiones y materialidad de fundirse en esa parcela situada sobre las antiguas minas de carbón. El acceso se produce tras recorrer un largo camino, llegando al gran espacio abierto convertido en parque, en el centro del cual se sitúa el museo. La estrategia es muy clara y contundente: el museo se desarrolla en una serie de volúmenes de única altura común y solución de fachada homogénea. El museo se fragmenta en diferentes volúmenes, cuatro rectángulos y un cuadrado, estrechos y algo alabeados. Esta decisión se traduce en unos alzados que componen una franja uniforme sobre el terreno. La división en recintos con cierta autonomía permite adaptarse al terreno preexistente y resuelve el programa de la subsede. Los 28.000 metros cuadrados del proyecto se dividen en salas de exposiciones, auditorio, librería, restaurante, etc. Existen también dos plantas subterráneas

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que albergan funciones educativas, logísticas y de almacenamiento. Cada volumen, ligeramente pegado a otro, contiene una función y posee pocas subdivisiones, una decisión característica de los proyectos de Sanaa. La recepción, ubicada en un volumen transparente abierto, se convierte en un espacio público y orienta al visitante. Desde ese punto, el visitante puede acceder a los volúmenes que contienen los espacios expositivos. La piel de fachada continua se materializa en vidrio y aluminio. Estos cerramientos crean reflejos distorsionados que cambian según la luz que incide en ellos y la posición del espectador. El control de la luz interior es una premisa transcendental para el diseño de un espacio expositivo. En este caso se sitúan mecanismos de oscurecimiento en la cubierta y una membrana interior fotosensible. De esta manera se asegura el control de la luz en el interior. El parque diseñado junto al museo forma parte del proyecto que tiene como prioridad integrar el entorno donde el Louvre-Lens está ubicado. El parque orienta al visitante y le guía hacia el museo a través de múltiples caminos que lo atraviesan. El museo se extiende en el exterior con el parque. Este también alberga actividades de la programación museística: proyecciones, conciertos, etc. Su diseño conecta directamente con la memoria minera del lugar y subraya su identidad. Los diseñadores utilizan los vestigios de esas minas para conservar su memoria. Desde el parque se aprecian las perspectivas del alejado entorno urbano y el horizonte, mientras se refleja sobre la piel del museo en todas sus dimensiones. Como otras veces han demostrado los arquitectos Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa, la memoria del lugar es imprescindible para entender el proyecto. El nuevo Louvre-Lens, demuestra que la esencia del museo puede reinventarse, una vez más.


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MONDO GEOMÉTRICO Texto y selección: Rosario Muñoz y Rubén Vidal

PARECE QUE LA TENDENCIA GEOMÉTRICA ES YA UN MOVIMIENTO ESTÉTICO IMPARABLE. DESDE HACE ALGUNAS TEMPORADAS HEMOS VISTO PRENDAS SALPICADAS DE DISEÑOS GEOMÉTRICOS EN TODAS SUS VERTIENTES, DESDE LOS MÁS MINIMALISTAS Y SENCILLOS A LOS MÁS COMPLEJOS, PERO SIEMPRE COMPUESTOS DE FORMAS SIMPLES QUE COMBINADAS NOS ABREN LAS PUERTAS A UN MUNDO HIPNÓTICO LLENO DE POSIBILIDADES. DESDE ESTAMPACIONES EN TEXTIL, SERIGRAFÍAS LOCALIZADAS Y FULL PRINTS, PASANDO POR PRENDAS DE CORTES ESTUDIADOS Y PATRONES ARQUITECTÓNICOS, HASTA OBJETOS DE LA VIDA COTIDIANA Y OTROS NO TAN COTIDIANOS, LA GEOMETRÍA SIGUE DANDO MUESTRAS DE UNA CREATIVIDAD INFINITA EN TODAS LAS ÁREAS DEL DISEÑO. JUEGOS DE SIMETRÍAS DE ARISTAS, CUADRADOS, ROMBOS, RECTÁNGULOS, TRAPECIOS, LÍNEAS VERTICALES, HORIZONTALES Y CÍRCULOS SE CONJUGAN, SUPERPONEN Y AÍSLAN EN UNA IDIOSINCRASIA MAGNÉTICA QUE NOS ATRAE A TODOS POR IGUAL. NO IMPORTA SI LO TUYO ES EL MODERNEO, EL VANGUARDISMO O EL MÁS PURO ESTILO CLÁSICO: LAS GEOMETRÍAS Y SIMETRÍAS HAN ENTRADO EN LA ESCENA DEL DISEÑO, INDUSTRIAL, GRÁFICO, INTERIORES, MODA Y TEXTIL, PARA SACARNOS DE LA MONOTONÍA Y DARNOS UNA INYECCIÓN DE ENERGÍA ESTÉTICA. DEFINITIVAMENTE, NOS GUSTA LA GEOMETRÍA.

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01. Ana Locking. Primavera-Verano 2014. www.analocking.com. Mercedes Benz Fashion Week Madrid 2013. / 02. Blossoming Gap 4. Paul Tahon. Exposici贸n en 2003 en asociaci贸n con Andrea Branzi. Rendel y Spitz Gallery, Alemania. www.bouroullec.com / 03. The Chemical Brothers. Orange Wedge. 1999. Serie: Meshes Of The Afternoon. Por Tactelgraphis. www.tactelgraphics.com

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01. Bouroullec Facett Chair. Facett Chair and Bridge 2006 Chair Collection. www.bouroullec.com / 02. Camper Twins Together with Bernhard Willhein. Edición limitada Twins. www. camper.com/ 03. Courtyard, tape on ground, Hamptons, Nueva York. Foto: Lovis Ostenric. Por Aakash Nihalani. www.aakashnihalani.com / 04. Etch Light Brass. Diseño de Tom Dixon. www.tomdixon.net / 05. Shelf X. Diseño de Noato Fukasawa para B&B Italia. www.bebitalia.it / 06. Plato’s collection. Diseño de Amilia Hrustic. www.amilia.ba

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01. Le Court de Tennis 1. Somewhere Over Summer. Por Tactelgraphics. www.tactelgraphics.com / 02. Ori Table Light. Por Producks Design Studio. www.pro-ducks.com / 03. Steel Fox Head. Dise単o de Bongo Design. www.bongo-design.com / 04. House in Las Arenas. Por Artadi Arquitectos. www.javierartadi.com / 05. Dodecahedronic Chair. Dise単o de Hiroaki Suzuki.

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FRIEZE LONDRES Arte contemporáneo con mayúsculas Texto y fotos: Tactelgraphics / Crónica: Frieze Londres. Del 17 al 20/10/13

Frieze Londres se ha mantenido en su décima edición como una de las ferias de arte más importantes en el contexto contemporáneo, apostando por el trabajo de artistas vivos y convirtiéndose en una cita imprescindible para coleccionistas, artistas, críticos y aficionados en general. En esta última edición se ha contado con la participación de más de ciento cincuenta galerías internacionales, además de conferencias y debates de los principales profesionales y teóricos del campo. Helga de Alvear, Juana de Aizpuru y Maisterra-Valbuena (en la categoría Focus) han sido las tres únicas galerías españolas participantes este año, junto a un stand del MUSAC (Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León). De entre los artistas participantes se han podido ver algunas fotografías de Ryan McGinley o Cindy Sherman, esculturas de Jeff Koons o el japonés Murakami, pasando por el hiperrealismo escultórico de Ron Mueck o la sobresaliente obra gráfica de Lucie Stahl. De forma paralela, se pudo disfrutar de Frieze Masters (el apartado para consagrados de Frieze Londres) que, sorteando la crisis, ha Oci 46

mostrado la obra de maestros como Degas o Picasso dirigiéndose hacia los coleccionistas más pudientes. Como representación española dentro de Frieze Masters pudo verse el stand de Espai Visor. Aprovechando estas fechas y los citados eventos artísticos, casas de subastas como Christie’s sacaron a la venta obras de artistas como Tracey Amin o los hermanos Chapman para ayudar a la conocida galería Saatchi a mantener su política de acceso gratuito a todas sus exhibiciones y sus programas educativos. Saatchi, siempre atentos a las últimas tendencias del arte contemporáneo, tenía paralelamente a Frieze una muestra titulada Paper que exploraba las posibilidades de la utilización del papel en el arte contemporáneo. De hecho, los collages de Odires Mlászho estaban también presentes en Frieze. Un lujo al alcance de muchos, teniendo en cuenta que el acceso a Saatchi es gratuito. En definitiva, Frieze Londres y los eventos y actividades que se celebraron a su alrededor fueron, en conjunto, un verdadero paraíso artístico para cualquier profesional, artista, crítico o amante del arte.


arte y expos

INGEMISCO, TAMQUAM REUS... Crajes

CIUDADANO PARANORMAL Gabriel Acevedo Velarde

Ingemisco, tamquam reus, culpa rubet vultus meus; supplicanti parce, Deus es el nombre de la nueva exposición de Crajes. Creando un clima extraño lleno de imágenes bellas y perturbadoras, se abre una brecha en el análisis de la naturaleza humana y en cómo se ha ido moldeando al son de cánones preestablecidos por individuos que se encuentran por encima de ellos. Tomando como punto de partida Justine y Juliette del marqués de Sade, Crajes crea una serie de óleos y tintas donde la sexualidad, las parafilias, la perversidad y el placer se entremezclan hasta la confusión llegando al cuestionamiento de la naturaleza humana como ser bondadoso y piadoso en sí mismo. Siguiendo la habitual dualidad en su trabajo, podemos dotar esta nueva exposición de una madurez ya iniciada en anteriores muestras. La fuerza en el detalle, la ejecución y la técnica se envuelven de un halo de sensualidad, delicadeza y perversidad que se sostienen sin resultar inconexas. En N2 Galería, y por primera vez en Barcelona, se muestran sus trabajos al óleo acompañados de sus habituales trabajos a tinta. Como comenta Crajes después de un largo tiempo de encierro trabajando: “Ha resultado la exposición más difícil de ejecutar de las que hemos realizado. Hemos pasado por muchos estados de ánimo durante la producción y hay mucho de nosotras en las piezas”.

Gabriel Acevedo Velarde (Lima, Perú, 1976) presenta en el Museo Reina Sofía un proyecto realizado exprofeso para el programa Fisuras, un programa del museo dirigido a tomar el pulso a las tendencias más actuales. Ciudadano paranormal se sirve del relato televisado de experiencias paranormales en edificios oficiales de Perú como recurso audiovisual para analizar y crear narrativas sobre el espacio intermedio entre institución y subjetividad individual. En el plano político, el nuevo trabajo de Acevedo Velarde busca generar debate sobre el rol del estado y la cultura en el contexto del capitalismo contemporáneo, centrándose en la situación particular de su país de origen, Perú. A través de dos salas complementarias (Espacio Uno y Sala de Protocolo), el artista reflexiona en torno a la presencia fantasmal del estado y de un mercado autoritario. El espectador es invitado a elegir su lugar entre diversos asientos utilizados a lo largo de la historia del Museo Reina Sofía (sillas de oficina), exhumados por Acevedo Velarde de los almacenes para esta sala de proyección. Ciudadano paranormal es tanto el título de la exposición como el de la pieza principal, un vídeo de 60 minutos de duración que simula el formato de un programa de televisión basado en entrevistas a testigos de supuestos fenómenos paranormales en edificios oficiales de Perú.

N2 Galeria, Barcelona - Hasta el 17 de diciembre de 2013. www.n2galeria.com

Museo Reina Sofía, Madrid - Hasta el 6 de enero de 2014.

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www.museoreinasofia.es


ARTE, DOS PUNTOS Colectiva

PANSY & LOWBROW Colectiva

El Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA) y la Obra Social la Caixa presentan la primera exposición organizada conjuntamente y mostrada de forma simultánea en ambas sedes. La exposición muestra las cualidades de una de las colecciones de arte contemporáneo más importantes del sur de Europa, que reúne en su conjunto más de seis mil obras. La unión de estas colecciones ha permitido crear un nuevo relato que interroga nuestro pasado reciente y nos sitúa en mejores condiciones para entender la contemporaneidad. Arte, dos puntos es una selección de las colecciones de ambas instituciones que explora el concepto de modernidad y su relación con la vanguardia. La exposición enlaza los espacios del MACBA, donde distintos episodios de la era moderna en Barcelona son interpelados desde la creación contemporánea, con los de CaixaForum, donde se ponen de relieve las inquietudes de la generación de la posmodernidad. La muestra reúne reúne 400 obras de 125 artistas como Ignasi Aballí, Joseph Beuys, John Bock, Joan Brossa, Eduardo Chillida, Christo, Tony Cragg, Pep Duran, Öyvind Fahlström, Lucio Fontana, Richard Hamilton, Joan Hernández Pijuán, Jenny Holzer, Paul Klee, Jannis Kounellis, Muntadas, Juan Muñoz o Jeff Wall, entre otros.

Con el actual boom de la ilustración, es habitual encontrar exposiciones que se acerquen a esta disciplina. Sin embargo, pocas veces se nos da la oportunidad de reflexionar acerca de su formato y sus referentes. Pansy & Lowbrow presenta una serie de obras que se defienden por sí mismas sin necesidad de un texto que las acompañe. Obras distintas entre sí, pero con características comunes de nuestra época: la puesta en valor de la cultura de lo popular, la descontextualización y reinterpretación de los iconos que esa cultura genera y que están pensadas para ser reproducidas en serie y distribuidas en masa. Dividida en dos categorías, el concepto pansy hace referencia al grupo de pop punk Pansy Division, cuyas canciones tratan temas relacionados con la homosexualidad masculina y que a su vez toma su nombre de la flor del pensamiento para designar en argot y sin connotaciones peyorativas, algo así como “marica”. Bajo este concepto se encuadran las obras de Ricardo Fumanal, Mario González y Sito Mújica. Por otro lado, el término lowbrow traducido como “algo de mal gusto”, recoge influencias de los iconos de la cultura popular revisándolos con humor sarcástico, violento y pornográfico. En este grupo, las obras de Agustín Esteso, José Punzón y David Sánchez reflejan su filiación con el diseño gráfico y el cómic a la hora de ilustrar.

MACBA, Barcelona - Hasta el 6 de enero de 2014. CaixaForum, Barcelona - Hasta el 29 de diciembre de 2013.

www.macba.cat y www.fundaciolacaixa.es

Espai Tactel, Valencia - Del 8 de noviembre de 2013 al 4 de enero de 2014.

www.espaitactel.com

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arte y expos

SEEING IS NOT BELIEVING Ting-Ting Cheng

WONDERS Artefacto

Seeing is Not Believing (Ver no es creer) es la primera exposición individual de Ting-Ting Cheng en Valencia. Nacida en Taiwán pero residente en Londres, Cheng (1985) es una artista que ha realizado residencias artísticas en diferentes países, lo que le otorga lo necesario para plasmar en sus obras la temática de la lengua entre diferentes sociedades. Con formación en el mundo de la fotografía, Cheng ha sabido captar y transmitir el lenguaje como símbolo de identidad, examinando la comunicación entre las diferentes culturas, mostrando en sus obras connotaciones ocultas y a la vez evidentes a nuestra razón. Jugando con la sátira transforma el contexto de lo representado. Ver no es creer nos hace reflexionar sobre el juego de percepción al que vamos a asistir mediante fotografías de paisajes o de plantas, dándonos a entender que lo que veremos no siempre será lo que se creía. La exposición incluye cuatro proyectos fotográficos: Doppelgängers (We are Those Who Represent Us / (Qué son quiénes nos representan); KUNST (This is What We Do / (Esto es lo que hacemos); Mountains [de las series Robert Story (Lonely Planet Taiwan)] y I Judge a Book by its Cover (Juzgo un libro por su cubierta). Proyectos que pretenden examinar nuestra percepción, recepción y distorsión de la realidad. Lo que vemos ya no es lo que debemos creer.

Con Wonders, los artistas argentinos Franco Donati (Rosario, 1979) y Santi Carbonari (Rosario, 1983), conocidos como Artefacto, despliegan un carnaval de variedades asombrosas, un freak show contemporáneo lleno de extravagancias biológicas, individuos con capacidades o características físicas inusuales, grotescas o sorprendentes, presentados como artistas circenses en espectáculos atléticos y performances de habilidades singulares. A la manera de las ferias ambulantes de la época victoriana que iban de ciudad en ciudad mostrando rarezas del mundo, por el vodevil Wonders desfila la personalísima y poderosa imaginería de sus creadores. Donati y Carbonari se presentan como dos alquimistas del siglo XXI, perfectos maestros de ceremonias de este circo contemporáneo que bebe de los ricos universos de David Lynch y Tim Burton y de la descarnada fotografía de Joel-Peter Witkin o Andrés Serrano. Su visión de la belleza está imbuida del barroco, el kitsch, el arte lowbrow, los cómics de Marvel y la sensibilidad camp. La naturaleza y el hombre son su clara inspiración, pero con una visión exagerada y virtuosa que roza la artificialidad y el surrealismo. Para crear su universo visual hacen uso de un apropiacionismo pop, al estilo de Jeff Koons, recurriendo a imágenes ya existentes que comunican el horror vacui que les caracteriza.

Luis Adelantado, Valencia - Del 29 de noviembre al 16 de enero de 2014. www.luisadelantado.com

La Fresh, Madrid - Del 12 de diciembre de 2013 al 17 de enero de 2014. www.lafreshgallery.com

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THIS WAS HERE Susan Collis

ICONS & IONS María Viñas

This was here hace referencia a los residuos abandonados tras la realización de otros trabajos de Susan Collis. La muestra recoge trabajos realizados con una minuciosidad de orfebre: motas de polvo, grietas y marcas en las paredes cuidadosamente representadas hacen referencia al paso del tiempo y la fragilidad de los propósitos, accidentes abandonados en el camino de búsqueda del ideal. Interpretando el Cuadrado negro, de Kazimir Malévich, la obra And Tomorrow muestra esta profunda preocupación del artista. Icono del suprematismo, el paso del tiempo ha desarrollado sobre la pintura original y su transcendental carencia de forma un craquelado que revela una pintura previa que Malévich tapó intencionalmente. Collis realiza en sus instalaciones un interesante trabajo casi de camuflaje, un juego ilusorio de confusión que convierte sus proyectos en un renovado trompe-l’oeil formal y conceptual. Para la ejecución de sus obras, la artista se vale de una variedad de técnicas y estrategias de investigación que cuestionan aspectos como la percepción, el valor y el trabajo. Collis ejecuta un ejercicio arqueológico a la inversa, un falso proceso de envejecimiento que juega con nuestra capacidad de discernir entre lo que creemos ver y lo que realmente estamos viendo. Objetos cotidianos que presentan las huellas del paso del tiempo

La serie Icons & Ions reflexiona sobre las investigaciones acerca del inconsciente colectivo de referentes como Carl Gustav Jung. De esta manera la exposición reflexiona sobre la iconografía ancestral en relación con inquietudes actuales. En esta serie, entre otras investigaciones sobre iconos como la cruz y el yantra, conviene destacar la investigación formal sobre los mandalas (representaciones geométricas complejas de niveles y supuestas energías del cosmos concebido como réplica microcósmica del macrocosmos) y su relación con el toroide (campo magnético que permite la retroalimentación energética continua). Si tomamos un toroide visto desde arriba y lo comparamos con el mandala o algunos yantras, la similitud formal no deja de ser asombrosa. ¿Casualidad o causalidad? La técnica desarrollada por María Viñas, a la que denomina “solidificación de la pintura por superposición de veladuras”, y utilizada para representar estas investigaciones, aporta al lienzo la suficiente consistencia como para que resulte una alternativa a materiales como la madera o el metal pero que, a su vez, resulte lo suficientemente dúctil como para poder moldearla y no perder esa sensación de ligereza que aporta la tela en contraposición a los otros materiales citados. El resultado: sensaciones más sutiles y menos rotundas.

Espacio Mínimo, Madrid - Hasta el 25 de enero de 2014.

Twin Gallery, Madrid - Del 12 de diciembre de 2013 al 3 de enero de 2014. www.twinstudio.es

www.espaciominimo.es

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arte y expos

TRABAJO/WORK Chris Killip

METEORISMO Ángel Masip

Esta exposición repasa la obra de Chris Killip (Douglas, Isla de Man, 1946), figura fundamental de la fotografía de posguerra y cuyo trabajo, centrado en el retrato de las clases obreras en pleno proceso de desindustrialización, se ha mostrado en muy pocas ocasiones en España. La retrospectiva ha sido organizada por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en colaboración con el Museum Folkwang, Fotografische Sammlung, de Essen (Alemania), donde fue expuesta en la primavera de 2012, e incluye más de un centenar de fotografías en blanco y negro que recogen escenas de la vida cotidiana británica entre 1968 y 2004. A lo largo de estas décadas, Killip se sumergió en las zonas rurales de su isla de origen y del norte de Inglaterra centrándose en retratar con proximidad la vida real de la gente y sus relaciones, tanto sociales como con su entorno. En su obra documenta la topografía de esas áreas y narra el duro proceso de confrontación de sus habitantes con las durísimas consecuencias de una política económica que ignoraba los intereses de la clase obrera británica. La confusión, el caos, el dolor, ligados a esas circunstancias, son narrados por Killip desde el punto de vista de la experiencia cotidiana, interiorizada por los ciudadanos, y no desde el punto de vista del historiador objetivo, ajeno a los hechos.

Los espacios que habitamos, los entornos que nos rodean, los acontecimientos televisados, el concepto de paisaje, la propia naturaleza... Todo ello entraña un remanente mental que pone en tela de juicio el desenlace natural de las cosas. La duda sobre la certeza de lo fortuito amenaza continuamente nuestra existencia. Diariamente asistimos a un bucle cotidiano que se cierne sobre nosotros con su eterna y trágica pesada carga. A pesar de la convergencia de las acciones, de los procedimientos para reconducir actitudes, parece que no asistimos a ningún cambio sustancial, que todo sigue su propio curso repitiéndose una y otra vez bajo los designios de su propia melancolía a través de ese túnel que nos brinda la historia. Bajo este mismo paradigma carece de sentido cualquier voluntad de pretender modificar el desenlace histórico. El propio acontecer natural de las cosas se impone frente a un estéril afán de reorientación. Meteorismo juega con la propia semántica del término y la confusión que este pueda generar, tal y como generalmente sucede con la experiencia artística y su análisis conceptual. Hoy más que nunca, y más allá de lo que a priori nos pueda parecer, la reivindicación de la experiencia espiritual se impone frente a la objetividad, para poder afrontar los nuevos conflictos y retos que la sociedad contemporánea plantea.

Museo Reina Sofía, Madrid - Hasta el 24 de febrero de 2014.

La New, Madrid - Del 18 de diciembre de 2013 al 15 de febrero de 2014.

www.museoreinasofia.es

www.lanewgallery.com

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LO REAL MARAVILLOSO Colectiva

EL ESCENARIO EXPLOTA Frederick Kiesler

Lo real maravilloso es una exposición colectiva de artistas de la Colección MUSAC organizada en colaboración con el Museum of Contemporary Art Tokyo (MOT). La muestra se enmarca dentro de las actividades que se realizan con motivo del Año Dual España-Japón, que se celebra entre 2013 y 2014. Con el fin de impulsar el entendimiento entre Japón y España y abrir nuevos horizontes en las relaciones bilaterales de cara al futuro, el año dual se inauguró el pasado 11 de junio de 2013 en Madrid y finalizará en Tokio en julio de 2014. La exposición reflexiona sobre cuestiones vigentes del mundo contemporáneo a través de obras de Pilar Albarracín, Sergio Belinchón, Vicente Blanco, Raimond Chaves, Gilda Mantilla, Leopoldo Ferrán y Agustina Otero, Anthony Goicolea, Diango Hernández, Kaoru Katayama, Cristina Lucas, Enrique Marty, Julia Montilla y Juande Jarillo, Marina Núñez, Tatiana Parcero, Miguel Ángel Rojas, Hiraki Sawa o Javier Téllez, que reúnen elementos de realismo y fantasía como herramientas para desarrollar discursos políticos y sociales específicos que son intrínsecos a la sociedad contemporánea. Un reflejo de la realidad que plantea preguntas como: ¿cuál es el poder transformativo de la fantasía y la ficción? ¿Qué constituyen realmente la imaginación y la realidad? ¿Qué parte de la realidad es fantástica?

El escenario explota es una exposición que muestra la obra escénica del polifacético artista Frederick J. Kiesler, considerado como uno de los artistas visionarios del siglo XX. Su variada obra abarca desde la arquitectura a la escultura pasando por el diseño, la pintura y el teatro. En esta última se centra esta exposición desarrollada en coproducción con el Museo Austríaco de Teatro y la Casa Museo Villa Stuck de Múnich, comisariada por Bárbara Lesák. La obra de Frederick Kiesler (Czernowitz, 1890 - Nueva York, 1965) se enmarca en la actualidad en el territorio de la vanguardia. Han pasado casi cincuenta años de su muerte y sigue suscitando interés. Kiesler fue un artista de artistas, un precursor y un innovador. Su enorme y creativa intuición lo han convertido en un referente indiscutible de la futura arquitectura. Persona de una vasta y diversificada cultura y dotada de un gran talento, avanzó conceptos y materializaciones que permiten desentrañar las claves de lo absolutamente contemporáneo. Los conceptos de superposición, simultaneidad, entrelazamiento o indeterminación se encuentran inherentes en toda su obra. Kiesler fue arquitecto, escenógrafo y artista. En 1920 trabajó con Adolf Loos en Viena y estuvo en contacto con los artistas de De Stijl mientras comenzaba a experimentar con innovadores diseños escenográficos.

MUSAC, León - Hasta el 5 de enero de 2014. www.musac.es

La Casa Encendida, Madrid - Hasta el 12 de enero de 2014.

www.lacasaencendida.es

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Fotografía: Alex Doucet - www.alexdoucet.net Estilismo: Mar Pulido Hair & Make Up: Cynthia de León Asistente de fotografía: Tamara Arranz Modelo: Guillermo Coppini - Uno Models - www.unobcn.com

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camisa blanca TOMMY HILFIGER / camisa cuadros KARL BY KARL LAGERFELD / pantalones ANTONY MORATO


gafas QUICKSILVER / bomber DOCKERS / pantalones y sudadera ADIDAS ORIGINALS X JEREMY SCOTT


chaqueta G-STAR / pantalones ANTONY MORATO


chaqueta y pantalones ANTONY MORATO / zapatillas ADIDAS ORIGINALS X JEREMY SCOTT


abrigo DIESEL


leggins y zapatillas ADIDAS ORIGINALS X JEREMY SCOTT / camiseta DIESEL


poncho ANTONY MORATO / calzoncillos JOCKEY / zapatillas ADIDAS ORIGINALS X JEREMY SCOTT


Fotografía: Alex Doucet - www.alexdoucet.net Estilismo: Mar Pulido Hair & Make Up: Cynthia de León Asistente de fotografía fotografía: Tamara Arranz Modelo: Ugne Brazionyte - Uno Models - www.unobcn.com

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gorra KARL BY KARL LAGERFELD / capa y camisas SPRINGFIELD / pantal贸n DIESEL


chaqueta MARÍA ESCOTÉ / chaqueta BERSHKA / pantalones TRAKABARRAKA / mochila EASTPAK / gorro REEBOK / zapatillas KAWASAKI


top, pantalones y gorra DIESEL / abrigo 55DSL / camisa NICE THINGS / zapatillas REEBOK


abrigo G-STAR / camisa BERSHKA / top DIESEL / pantalones ALMARAVI / zapatillas REEBOK


abrigo DIESEL / camiseta SPRINGFIELD / camisa y pantalones LEVI’S / falda BERSHKA / zapatillas CONVERSE


lo más de lo más

Boardriders OCIMAG Estamos de estreno en el site de OCIMAG. Hemos lanzado nueva sección online ya en marcha hace unas semanas y la marca Imagine Skateboards lo celebró con nosotros regalando tablas de skate a algunos de los seguidores de nuestra web. Boardriders es nuestra nueva sección tanto en web como en papel dedicada por completo al mundo de las tablas: skate, longboard, snowboard y surf. En la sección Boardriders vas a encontrar propuestas de marcas técnicas tanto de street como de material duro, eventos relacionado con este mundo, curiosidades, colaboraciones, entrevistas a riders en todas las disciplinas boarders tanto de gente local como profesionales, los mejores edits, sitios interesantes, marcas independientes y todo lo que se nos ponga a tiro merecedor de ser contenido Boardriders. Si te apasiona la Pura Vida, sea cual sea tu disciplina visita Boardriders porque estamos seguros de que encontrarás contenidos que serán como hechos expresamente para ti, además de concursos o sorteos puntuales que no dejarán de sorprender. Una sección hecha por riders para riders, gente apasionada por un estilo de vida en el que sentir la libertad es parte del día a día. www.ocimag.com

Mauricio Vergara Este joven artista argentino ha enfocado su carrera desde el punto de vista del reconocimiento por parte de instituciones o colectivos, logrando, por la cantidad de obra que tiene posicionada en este tipo de instituciones, ser uno de los artistas argentinos cuya obra es conocida y reconocida. Su obra nos habla de lo que pudo ser y no fue, influenciado por la poesía rioplatense. Sus ausencias, valiéndose por sí mismas a modo de retratos familiares, nos presentan y preguntan ¿quiénes somos?, una provocación al espectador para que este desarrolle sus propias ausencias. Si contemplamos la obra de Vergara pensamos en costumbrismo argentino, en historias campestres, en cómo un urbanita anda demasiado lejos de esas realidades para que le afecten. Puedes darte cuenta de que toda esa ropa flotante es una metáfora de la vida, de las muchas preguntas que flotan a tu alrededor y que se convierten en sentimientos de insatisfacción. Tal vez eso lo piense uno de cada tres lectores, tal vez otros vean fantasmas al óleo salidos de la película Isidius. Lo que está claro es la técnica brillante que justifica el éxito de este prometedor artista argentino. Abran paso a los jóvenes.

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Vans Shop Madrid Vans Shop Madrid es la flagship store de la marca californiana en Madrid. Situada en pleno centro de la capital, la tienda ofrece las últimas propuestas en zapas de la marca: colaboraciones especiales, ediciones limitadas y colecciones de temporada, tanto en las líneas clásicas de skate como en las líneas de street wear, en tallas de adulto y para los más peques. Pero no solo entre sneakers anda el juego. Hablamos también de las novedades más frescas en ropa y complementos y una zona específica para los riders, donde se pueden encontrar todo tipo de accesorios y complementos para tablas, cascos Protec y tablas Santa Cruz de skate o longboard, así como bicis fixed de la marca Create. Dos plantas con una decoración que refleja fielmente el espíritu Vans, que cubre todas las paredes y que no deja indiferente a cualquier amante de la cultura street que se precie. Un espacio decorado en madera y con infinidad de guiños al mundo del skate y a la iconografía de la marca, situado en la calle de la Montera, 43, en Madrid y del que puedes ver el vídeo resumen de inauguración del local en el canal OCIMAGTV de YouTube. www.facebook.com/Vans.Shop.Madrid

Diesel Erotica Campaign La nueva y sensual campaña de accesorios de Diesel SS 2014, fotografiada por Inez y Vinoodh, se lanzó a principios del mes de noviembre de 2013 en el espacio Tabloid de Tokio con una fiesta de presentación en la que el fundador de Diesel, Renzo Rosso, y el director artístico de la marca, Nicola Formichetti, fueron los anfitriones de una explosiva fiesta en la que se representaron espectáculos en diferentes habitaciones, todos vinculados con el tema erótico. Las dos estrellas de la campaña son la intrépida rapera Brooke Candy y la provocativa modelo Tessa Kuragi. El shibari, brutal pero elegante, es un estilo japonés de bondage, una expresión y símbolo de poder que ha sido la inspiración de la colección de accesorios para la temporada primavera-verano 2014 de la firma italiana. El director artístico de Diesel, Nicola Formichetti, comenta: "El erotismo es uno de los atributos más emblemáticos de Diesel. Hay algo industrial en Diesel que también es muy erótico, así que tiene sentido impulsar este erotismo agresivamente. Es cuero, así que es táctil, es sensual y fuerte. Es físico y también representa una actitud". www.diesel.com

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lo más de lo más

Strap Valencia Strap es el nombre que debes memorizar si presumes de conocer lo último en street wear. Su filosofía es acercar al público la mejor oferta de ropa street del momento, marcando nuevas tendencias y liderando iniciativas que contribuyen al desarrollo de una escena que en Valencia está mejor que nunca. Como consumidores del universo zapas y el estilo que lo representa, nos dan el gusto de acceder a una oferta de sneakers muy potente. Dos puntos de referencia en la ciudad de Valencia con personalidad propia: Strap #6, en Gascó Oliag, 6, toca la parte más macarra del street wear, la mayor oferta de sneakers de la ciudad con piezas agresivas y siluetas vinculadas al retro running, además de lo más exclusivo en textil con marcas como New Era, Vans, Huf, Diamond, Krew, Supra, Reell, Nike, Adidas Originals o Le Coq Sportif. Por su parte, Strap #21, situado en Ramón Llull, 21, es para un público más sofisticado dentro del street wear: chinos, camisas o polos de marcas como Fred Perry, Adidas Originals, Obey, Vans, Nike Sb, Quiet Life, Clae, Le Coq Sportif o Lacoste L!ve, entre otras. Strap te vestirá de pies a cabeza y te mantendrá siempre on. www.strapnews.com

Skate Home El estilo skater está de moda. Lo que era un pasatiempo para outsiders es desde hace unos años lo más de lo más, pero sin necesidad de poseer las habilidades necesarias para ser un skater de verdad. Ahora esa aura de originalidad y rebeldía llega al resto de los mortales con un movimiento que se sale de los spots y los skate parks para colarse en nuestros armarios, en nuestras casas, en nuestra imaginería… El skate no solo es un deporte de calle, sino también un estilo de vida, una pasión. Las jóvenes generaciones que antes se tiraban horas patinando, destrozando tablas y bambas, son hoy adultos, pero con el mismo espíritu inconformista. Un claro e ingenioso ejemplo de ello es Skate Home, la firma del skater Manuel Lloréns y la decoradora María Tamarit. Esta empresa valenciana diseña y fabrica mobiliario para el hogar uniendo el diseño y el skateboard. El resultado son piezas muy personales y cercanas. Sin duda, una sabia manera de combinar predilecciones. De momento, la única forma de comprar estas piezas, que llevan nombres de trucos de skateboard, es por Internet. Diseño y skate a solo un clic. www.skate-home.com

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Casa//Arte La segunda edición de CASA//ARTE arranca en Madrid del 12 al 15 de diciembre de 2013 con el mismo espíritu innovador pero en un nuevo emplazamiento y con muchas más expectativas. CASA//ARTE traslada su segunda convocatoria a un escenario inmejorable, la Galería de Cristal del Palacio de Cibeles, sede del CENTROCENTRO Cibeles y uno de los espacios culturales más emblemáticos de la capital de España. Galería Blanca Soto, Addaya, Galería Siboney, Blanca Berlín Galería, Espai Tactel, Ethall o Invaliden son solo algunas de las galerías de arte que participan en la feria con una amplia selección de obras de artistas consagrados y emergentes. Entre las creaciones del elenco de artistas nacionales destacan las obras de uno de los maestros de la imagen contemporánea en España, la evolución abstracta del sevillano Luis Gordillo, el arte figurativo de Guillermo Pérez Villalta, la fantasía colorista de Carlos Forns Bada, la fotografía poética de Luis Baylón, la expresión naturalista de Cristina Almodóvar, el particular lenguaje de la joven Vicky Uslé, la fuerza visual de Santiago Ydáñez o la manifestación utópica de PSJM. De visita obligada. www.casaarte.es

Suicidal Tendencies x Obey Pocos grupos musicales logran consolidarse y convertirse en leyendas. Suicidal Tendencies es sin duda uno de ellos. Creadores del skatepunk a principios de los años ochenta y unidos a la historia del skate desde sus inicios, celebran el trigésimo aniversario del lanzamiento de su primer disco homónimo. En homenaje a su gran influencia en el mundo del skate y celebrando este trigésimo aniversario, la agrupación de Venice colabora con Obey para lanzar este otoño-invierno 2013 una nueva colección basada en los gráficos realizados por Ric Clayton, quien era el encargado de diseñar los posters y flyers de Suicidal Tendencies en los ochenta, y también en el arte del mítico skater Lance Mountain, quien realizó dibujos para esta banda. La colaboración entre la mítica banda y Obey consta de camisetas, sudaderas, chaquetas, bandanas, tablas de skate y gorras. Shepard Fairey (cabeza pensante de Obey) ha recuperado los gráficos originales de las primeras camisetas de Suicidal Tendencies. Una colección que refleja la fusión de la banda icónica y la marca francesa, con detalles que serán la delicia de los amantes cultura callejera y del skate. www.obeyclothing.com

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SUSCRIPTION KNOW-HOW Volcom sigue su imparable evolución basándose en sus sólidos orígenes, en los deportes de acción. La marca ha ido creciendo y construyendo un estilo de vida que solo tiene razón de ser cuando se comparte con todos aquellos que sienten la misma pasión por la vida, la música, los deportes de acción y la cultura urbana. Esta es la fuente de inspiración para la línea Core, en la que Volcom plasma su excentricidad, rebeldía, buen gusto y know-how. En nuestra edición #58 los primeros en suscribirse se llevarán como regalo de bienvenida una camiseta de la línea Core de Volcom. Prendas que rebosan arte, acción y rebeldía. Consulta condiciones y suscríbete online: www.ocimag.com

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OCIMAG #58