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ÍNDICE 1. La cámara estenopeica y como se obtienen los fotogramas.

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2. Profundidad de campo, diferentes velocidades, fotografía macro, fotografía teleobjetivo, fotografía zoom, barrido.

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..............................................................16 bodegones. ....................................................21

3. Iluminación y ángulos. 4. Paisaje, contraluz y

5. El retrato fotográfico, figura en plano general, figura en plano medio y figura en plano americano.

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1. La cámara estonopeica y como se obtienen los fotogramas. La cámara estenopeica Una cámara estenopeica es una cámara fotográfica sin lente, que consiste en una caja a prueba de luz con un pequeño agujero donde entra luz. Para producir una imagen nítida es necesario que esta apertura sea muy pequeña, del orden de 0,5 mm. El obturador de la cámara normalmente consiste en un material que no permite el paso de luz con el que manualmente se tapa el agujero. El tiempo de exposición normalmente es mucho mayor al necesario con cámaras convencionales debido al tamaño de la apertura, pueden ir desde 5 segundos hasta más de una hora. En general, cuanto más pequeño sea el agujero la imagen tendrá una mejor resolución, ya que el círculo de confusión proyectado será más grande. Sin embargo, si es extremadamente pequeño se puede producir mucha difracción afectando a la nitidez de la imagen. Además, cuando el diámetro de la apertura se aproxima al grosor del material se produce un viñetado cerca de los bordes de la imagen porque menos luz logra llegar a estas áreas. Esto se debe a la sombra producida por la luz que entra a un ángulo diferente a 90 grados. Es recomendable que la apertura sea circular (reduce la refracción) y de un material lo más delgado posible.

La profundidad de campo es infinita, sin embargo, esto no significa que todo estará nítido sino que, dependiendo de la distancia entre la apertura y la película, todo estará en foco o fuera de foco en la misma proporción. Los antiguos griegos creían que nuestros ojos emitían rayos que nos permitían ver. Lo que permitió entender mucho mejor a la cámara estenopeica fue descubrir que la luz entraba al ojo en vez de salir de él.

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Fue Ibn al-Haytham (matemático, astrónomo y físico iraquí del siglo X) quien publicó esta idea en su Libro de óptica. También inventó la primera cámara estenopeica después de notar cómo salía la luz de un agujero en las persianas. Mejoró la cámara al notar que cuanto más pequeño era el agujero más nítida era la imagen. Realizó la primera cámara oscura. En el siglo V a. C., el filósofo Mo Jing menciona la teoría de una “imagen que se forma a través de un pequeño orificio”. Shen Kuo (1031-1095) experimentó con la cámara oscura. Fue el primero en proveer sus atributos geométricos y cuantitativos. Las imágenes estenopeicas permitían ver con seguridad los eclipses de sol, ya que permitían observarlos sin mirar directamente al sol. En el Renacimiento y los siglos siguientes la cámara oscura fué utilizada sobre todo para fines científicos en astronomía y, ayudados por las lentes, como ayudas para el dibujo por pintores y dibujantes amateurs. Leonardo Da Vinci (1452-1519) describe la formación de imágenes estenopeicas en su “Codex atlanticus”. La primera imagen de una cámara oscura estenopeica es aparéntemente un dibujo en “De Radio Astronomica et Geometrica”(1545), de Gemma Frisius, un astrónomo, utilizó un estenopo en una habitación oscura para estudiar el eclipse solar de 1544. El término cámara oscura fué acuñado por Johannes Kepler (1571-1630). En ese momento el término indicaba una habitación o una tienda con un orificio y una lente usados por los artistas para dibujar paisajes. La lente permitía obtener una imagen más brillante y enfocarla a cierta distancia. Este tipo de cámara es distinto del usado por Frisius, que no tenía lente. En la década de 1620, Kepler inventó una cámara oscura portatil. Estas cámaras, utilizadas como ayuda al dibujo, se encontraron pronto en diversas formas y tamaños.

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Las cámaras estenopeicas no utilizan sistemas ópticos basados en la refracción, es decir, el rayo de luz procedente del sujeto no es desviado de su trayectoria por ninguna lente, sino que sigue siempre una trayectoria recta desde el sujeto al plano de la película.

En una cámara estenopeica todo lo que entre dentro del campo de visión aparecerá enfocado en la película. Su profundidad de campo es infinita y su distancia mínima de enfoque cero, además, puesto que no se producen efectos de refracción, las lineas rectas serán rectas estén donde estén respecto al centro del fotograma y formen el ángulo que formen con el plano de la película, independientemente de la longitud focal de la cámara. Cada punto del sujeto refleja la luz que recibe en forma de un haz que se extiende en todas direcciones. Lo que hace una cámara estenopeica es seleccionar un único rayo de ese haz, de forma que todos los demás son rechazados y sólo uno llega a la superficie sensible, formando un punto de la imagen. La fotografía estenopeica supone, de algún modo, una vuelta a los orígenes de la fotografía. Para un aficionado a este tipo de fotografía, el proceso de toma comienza con la construcción de la cámara. Pero no es sólo un planteamiento”romántico” de vuelta a los orígenes y abandono de la tecnología lo que nos mueve a internarnos en este tipo de fotografía. Esta fotografía también salva algunas de las limitaciones de los sistemas ópticos, y , además, las fotografías tomadas por este método tienen una atmósfera que las hace distintas de las tomadas por cámaras habituales.

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Como se obtienen los fotogramas Se conoce como fotografía estenopeica a la técnica mediante la cual se obtienen fotografías y negativos sin prácticamente nada de equipo. Se realiza con una cámara estenopeica, una de las cámaras fotográficas más sencillas, dotada de película fotográfica y una lámina opaca on un agujero del grosor de una aguja. A este agujero se le llama estenopo y da nombre a la técnica. Es una de las primeras técnicas utilizadas en el ámbito de la fotografía. Sin embargo, aún es practicada esporádicamente tanto por fotógrafos profesionales como por aficionados a la fotografía y a la fotografía artística. La característica principal de las imágenes obtenidas mediante este método es la profundidad de campo infinita. Esto significa que en la fotografía resultante se ve claramente cualquier punto sin necesidad de ningún encuadre especial, como tendría que aplicarse al usar cualquier lente de equipo profesional. El proceso de obtención de imágenes perfectas es tecnificado con la introducción de fórmulas para distancias focales entre el estenopo y el diámetro del estenopo, convirtiéndola en un género único de carácter rústico e independiente dentro de la fotografía, aunque no muy conocido ni totalmente aceptado por la manera tan simple por la cual se obtienen las imágenes.

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2. Profundidad de campo, diferentes velocidades, fotograma marco, fotografía teleobjetivo, fotografía zoom, barrido. Profundidad de campo. Por profundidad de campo se entiende como la zona en la cual la imagen captada por el objetivo es nítida (es decir enfocada), de manera que en la fotografía que se realice, las personas y objetos que se encuentren dentro de esa zona aparecerán también nítidos. La profundidad de campo es el espacio por delante y por detrás del plano enfocado, comprendido entre el primer y el último punto apreciablemente nítido reproducidos en el mismo plano de enfoque. Ésta depende de cuatro factores: el tamaño del círculo de confusión, la distancia focal, el número f y la distancia de enfoque. La Profundidad de campo sólo existe en el contexto de una reproducción. La frase aceptablemente nítida se refiere a la zona que rodea el plano de la imagen que está en foco. Todos los puntos en una fotografía están fuera de foco en cierta medida solo un plano está perfectamente enfocado. Los límites de la profundidad de campo son precisamente donde la falta de nitidez se vuelve inaceptable para el observador. La profundidad de campo no es una zona en la que la fotografía está enfocada perfectamente sino la zona de la fotografía donde el foco es lo suficientemente cercano al plano nítido como para ser aceptable. La profundidad de campo no dicta tampoco cuán borrosos estarán los planos alejados del plano nítido, una confusión común. La profundidad de campo aumenta en relación inversa a la apertura, es decir, cuanto más cerrado se encuentra el diafragma o lo que es lo mismo, cuanto mayor sea el número f elegido. Por otra parte, cuanto más cerca se encuentre el motivo que se desea fotografiar, menor será la profundidad de campo, independientemente del diafragma seleccionado. Si se utilizan teleobjetivos también se reduce la profundidad de campo. Pero con objetivos angulares, la profundidad de campo aumenta.

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Diferentes velocidades: El concepto velocidad de obturación se usa para hacer referencia al tiempo de exposición de la fotografía, que es el periodo de tiempo durante el cual está abierto el obturador de una cámara fotográfica. Se expresa en segundos y fracciones de segundo. El salto de cada valor al siguiente se denomina un paso. Estos valores suelen oscilar entre los 30 segundos y 1/8000 de segundo en las mejores cámaras; para realizar exposiciones más largas suele existir la opción B (o modo Bulb) en la que el obturador se mantiene abierto durante el tiempo que mantengamos el dedo sobre el pulsador. Entre las distintas velocidades podemos distinguir entre: Velocidades rápidas: superiores a 1/60 segundos; el obturador permanece abierto muy poco tiempo dejando pasar menos luz hacia el elemento fotosensible. Con ellas se consigue congelar o reducir notablemente el movimiento. Velocidad lentas: inferiores a 1/60 s; el obturador permanece abierto más tiempo dejando pasar más luz. Con ellas se consiguen imágenes movidas, desplazadas, otorgando mayor sensación de desplazamiento. En estas velocidades es recomendable usar un trípode para evitar que se mueva la cámara por el pulso.

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ESCALA DE DISTINTAS VELOCIDADES Valor tiempo de equivaloración del disparador B 30” 15” 8” 4” 2” 1” 2 4 8 15 30 60 125 250 500 1000 2000 3000 4000

mantiendo pulsado el disparador 30 s 15 s 8s 4s 2s 1s 1/2 s 1/4 s 1/8 s 1/15 s 1/30 s 1/60 s 1/125 s 1/250 s 1/500 s 1/1000 s 1/2000 s 1/3000 s 1/4000 s


Fotograma macro. En general, se llama macrofotografía (aunque también se denomina fotomacrografía) al tipo de imagen fotográfica en donde el sujeto fotografiado es igual o más pequeño que el tamaño del la película o el sensor electrónico que captura la imagen. Son ideales para realizar fotografías de objetos muy pequeños, o cuando son necesarios detalles muy puntuales de objetos de mayor tamaño. Tienen un uso muy acentuado dentro de la investigación biológica, debido a que con ellos es posible la documentación y estudio de características de diversas especies, tanto animales como vegetales. Además de ello, también son valorados en la fotografía de artículos de reducido tamaño como joyas, monedas, estampillas, entre otros objetos.

Se denominan objetivos macro aquellos especialmente diseñados para enfocar correctamente a una distancia muy pequeña, para conseguir ampliaciones generalmente de 1:1 (o tamaño natural) sin requerir equipamiento adicional. Además de los objetivos específicamente diseñados para macrofotografía, se pueden utilizar accesorios diseñados para recortar la distancia mínima de enfoque de un objetivo normal aproximándose a la ampliación 1:1. Además de ello, pueden añadirse estos accesorios a un objetivo macro, como las lentes de aproximación, que son lentes simples de forma generalmente planoconvexa, con aspecto, diámetros y dimensiones similares a las de un filtro. Se enroscan en la parte frontal del objetivo, y permiten un aumento de la imagen proporcional a su diseño. Se etiquetan con un número + seguido de un número natural, el cual corresponde al número de aumentos del lente, medido en dioptrías. Están minuciosamente corregidos para trabajar a cortas distancias, lo que los hace por lo general costosos.

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Acoplamiento de dos objetivos con Anillos: Consiste en un anillo similar a un filtro sin elementos ópticos, con roscas en sus dos extremos, utilizado para acoplar dos objetivos, el primero conectado directamente a la cámara y el segundo en posición invertida (el elemento frontal hacia la cámara), y dirigido hacia el objeto. Esta configuración es similar al uso de un lente de aproximación, de forma que el segundo objetivo funciona como un filtro compuesto de buena calidad óptica. La combinación generalmente utilizada es un teleobjetivo en conexión con el cuerpo y un gran angular funcionando como objetivo de aproximación. Permiten una buena relación de ampliación en general, pero su capacidad de aumentar el tamaño de la imagen depende de la combinación utilizada, así como la calidad de la misma.

Supermacro: Para macrofotografía de grandes aumentos (entre 6-10x), se usan los llamados objetivos supermacro, que son objetivos de relativamente corta distancia focal y extraordinaria calidad óptica, de forma y tamaño similar a los de los microscopios. Carecen de anillo de enfoque y se utilizan siempre acoplados a fuelles o a tubos de extensión. Cuando se supera los 10 aumentos respecto al tamaño del sensor, se habla generalmente de micrografía.

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Fotografía teleobjetivo. Un teleobjetivo es una lente cuya distancia focal es significativamente mayor a la de un objetivo normal y por ello de menor ángulo de visión. Su aplicación es la de fotografiar objetos lejanos, es todo objetivo que, en su diseño óptico, contiene lentes divergentes Con ello se consigue que el ángulo bajo el que se ve la imagen, sea el mismo que el del objetivo cuyo nombre ostenta, pero con un tamaño, peso y precio menores. Es decir, un teleobjetivo de 500 mm. de longitud focal, medirá bastante menos de medio metro, pero producirá la misma imagen que obtendríamos con un objetivo de esa distancia focal. La primera cualidad de un teleobjetivo es la de acercar los objetos fotografiados. Esto permite al fotógrafo, por un lado, la posibilidad de fotografiar objetos a distancia (tremendamente útil, por ejemplo, para fotografiar fauna salvaje) mientras que, por otro lado, permite cerrar encuadre concentrándose en partes muy concretas de un motivo general, lo cual puede utilizarse como recurso estilístico para dirigir la atención del espectador hacia aspectos o texturas concretas de un objeto a las que normalmente el ser humano no presta atención (fotografía del detalle).A diferencia de los objetivos gran angulares, los teleobjetivos ofrecen una imagen libre de distorsiones. Cuanto mayor es la distancia focal, más se reduce la profundidad de campo, llegando a difuminar completamente el fondo en combinación con diafragmas muy abiertos, creando un efecto conocido como bokeh. Entre otras aplicaciones de este efecto destaca su idoneidad para el retrato ya que el enfoque selectivo obliga al espectador a fijarse en lo único nítido dentro de la foto, el motivo de la misma, el ser humano retratado. De una mayor distancia focal resulta también una imagen más plana, es decir, todos los objetos parecen estar a la misma distancia, perdiendo la sensación tridimensional. Cuanto menor es el ángulo de visión mayor es la repercusión del movimiento en la cámara en la fotografía siendo en ocasiones necesario el uso de un trípode. Como norma general para la fotografía sin trípode suele recomendarse una velocidad de obturación mínima igual a la distancia focal empleada, por ejemplo, para un teleobjetivo de 200 mm se recomienda una velocidad mínima de 1/200 segundos.

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Fotografía zoom. El zoom de una cámara digital se refiere al rango de acercamiento que un lente puede hacer para tomar una fotografía, asi como la capacidad de ese lente de tomar fotos con mucho ángulo de visión. Entre mayor sea el rango de zoom que un lente tiene, mayor versatilidad tenemos para tomar fotografías en diferentes situaciones. Muchas cámaras expresan el rango de un lente con la letra “x”, esta “x” es el resultado de la división entre la mayor distancia focal y la menor distancia focal de un lente, por ejemplo un lente de 10x puede tener un rango de 24 a 240mm o de 35 a 350mm. Existen 2 tipos de zoom, el óptico y el digital. El zoom óptico es el que se logra directamente con el lente y el zoom digital es un proceso que realiza nuestra cámara para recortar un recuadro de una foto con la finalidad de forzar de manera artificial el rango de un lente.

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Barrido. Barrido es el nombre dado a una de las técnicas fotográficas utilizadas para reflejar el movimiento en una imagen. Recibe el nombre de la sensación que produce y del movimiento realizado con la cámara. En los barridos el elemento en movimiento aparece nítido (o ligeramente borroso) y lo difuminado o movido son los elementos estáticos. Para conseguir un barrido no se debe utilizar una velocidad de obturación especialmente lenta, sino media (1/60 o 1/30). Hecho esto debemos elegir el elemento en movimiento y seguirlo con la cámara, de modo que invertiremos la realidad pero transmitiremos poderosamente el movimiento: El elemento en movimiento se ve nítido y detenido. Los elementos alrededor de él, fundamentalmente en el fondo y si son estáticos, aparecen movidos o difuminados. El barrido requiere cierta práctica con la cámara dado que en el momento de la exposición el visor no muestra la imagen -dado que éste se eleva-. Se recomienda adquirir una postura cómoda para el momento de realizar la fotografía y forzar la posición inicial (girando el cuerpo sin mover los pies) para “barrer” el objeto en movimiento. Cuando se haya alcanzado la posición buscada, se efectúa la exposición. Existen dos tipos de barrido: -El barrido móvil es aquel tipo de barrido en el que la mayor parte de la escena esta detallada, estática y enfocada, y el motivo principal es el que dará la sensación de movimiento, siendo representada por líneas “barridas”. Se llama móvil porque el objeto que da la sensación de movimiento irrumpe en un panorama calmado. -El barrido simple por su parte es aquel donde la técnica se construye de otra forma: Ahora el fotógrafo sigue el movimiento del objeto o sujeto, cuando esto suceda, por la calibración baja de la cámara el fondo será el que se mueva y se verá barrido y, por lo tanto, será el que contextualizará al objeto o sujeto principal. Al realizar un barrido simple es muy probable que el sujeto u objeto principal no saldrá perfectamente enfocado, pero no se preocupe, ya que en ocasiones, ese leve desenfoque aumentará la sensación de movimiento.

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3. Iluminación y Ángulos. Iluminación La iluminación en fotografía consiste en dirigir y rebotar luz hacia un objeto con la intención de que ésta pueda ser registrada por una película, un sensor electrónico CCD o CMOS. La luz resulta fundamental en la fotografía ya que sin ésta no es posible plasmar una fotografía. La luz posee una función plástica de expresión y modelado que confiere un significado y un carácter tal, que muchas veces ella sola determina la calidad de una fotografía. La luz tiene dirección y calidad, la dirección la determina donde está colocada la luz en referencia con el sujeto, por ejemplo si se encuentra en un ángulo de noventa grados del sujeto es una luz lateral, si se coloca frente al sujeto entonces se conoce como luz frontal, si se encuentra ubicada detrás del sujeto y hacia la cámara es una iluminación a contraluz. La dureza o suavidad de la luz, viene determinada por la relación entre el tamaño de la fuente de luz y el tamaño del sujeto a fotografiar. En un día soleado se producen sombras duras, al ser la superficie del sol, pequeña en comparación al sujeto. En cambio un día nublado, produce una iluminación más suave, ya que las nubes, aumentan el tamaño de la fuente de luz. Una iluminación básica consiste en el uso de cuatro luces: principal, relleno, de recorte y de acento. -Luz principal: es la fuente más potente, la de más intensidad y fija la colocación de las demás. -Luz de relleno:debe colocarse en la posición donde está la cámara y como su nombre indica rellena las sombras provocadas por la luz principal. -Luz de recorte: crea un halo detrás del elemento a fotografiar y ayuda a darle volumen separándolo del fondo. -Luz de cabello o de acento debe colocarse detrás y por encima del sujeto, dirigida al cabello.

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Luz natural y artificial La luz natural es aquella que proviene del mismo sol y es influida en su paso por la atmósfera terrestre, además dependiendo de la hora del día puede dar diferentes matices en intensidad, dirección, dureza y color, lo que significa que una luz apta para determinado trabajo pueda tener una corta duración debido a la rotación de la tierra. Una ventaja de la luz natural es que permite hacer tomas fotográficas en exteriores y puede ser complemento a la luz artificial. La luz artificial es aquella que proviene de lámparas, spots, flashes y otros objetos luminosos controlados por el fotógrafo, teniendo como ventaja el poder manipular la dirección, color e intensidad de éstas. La dirección de la luz y la altura es el ángulo de direccionamiento de las luces hacia el modelo y tiene una importancia decisiva en el aspecto general de la fotografía. Variando la posición de la fuente, pueden resaltarse los detalles principales y ocultarse los que no interesen. De esto también depende la sensación de volumen, la textura y la intensidad de los colores. Como ejemplo se puede citar que una luz dirigida de manera horizontal puede sugerir tranquilidad. Aunque las posiciones de la luz respecto al motivo y la cámara pueden ser infinitas, todas ellas pueden incluirse en mayor o menor medida en uno de los siguientes tres tipos:

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-Luz frontal: Produce aplanamiento de los objetos, aumenta la cantidad de detalles pero anula la textura. Los colores se reproducen con gran brillantez. Ésta constituye la manera más básica e infalible de orientarse a la hora de disparar. También es la mejor forma de captar un bonito cielo azul como fondo.

-Iluminación lateral: Destaca el volumen y la profundidad de los objetos tridimensionales y resalta la textura; aunque da menor información sobre los detalles que la luz frontal y además, aumenta el contraste de la imagen.

-Contraluz: Convierte los motivos en siluetas, lo cual puede resultar conveniente para simplificar un tema conocido y lograr su abstracción, además de obtener la supresión de los colores.

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Ángulos. En fotografía, el ángulo de visión es el factor que determina la parte de la escena que es captada en la película o en el sensor; generalmente hay mucha más escena visible para los humanos de lo que se ve reflejado en las fotos. Según el tipo de lente utilizada varía el tamaño de esa porción. El ángulo de visión de una cámara es una función del tamaño de la superficie que registra la imagen (película o sensor) y de la longitud focal y la distorsión de la lente. Pueden usarse diferentes dimensiones de la superficie que registra la imagen para definir el ángulo de visión: horizontalmente diagonalmente (el más común en la fotografía) verticalmente Para una lente rectilínea (sin distorsión, no es un ojo de pez) el ángulo de visión (α) puede ser calculado a partir de una dimensión y de la longitud focal efectiva (ƒ): Hay que observar que la longitud focal efectiva puede ser igual a la longitud focal definida en la lente (F), excepto en la fotografía macro, donde el factor de magnificación (m) debe ser tenido en cuenta: Las lentes son definidas a menudo por palabras que se refieren a su ángulo de visión: -Lentes ultra gran angular, también conocidas como ojos de pez, cubren hasta 180º -Lentes gran angular, cubren normalmente entre 100º y 60º -Lentes estándar, cubren entre 50º y 25º -Teleobjetivos, cubren entre 15º y 10º -Superteleobjetivos, normalmente abarcan entre 8º y menos de 1º

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Los objetivos zoom son casos especiales en los que la longitud focal y el ángulo de visión pueden ser modificados sin tener que quitar la lente de la cámara. Las lentes de mayor longitud focal magnifican al sujeto, comprimiendo la distancia y desenfocando el fondo a causa de su pequeña profundidad de campo. Los angulares tienden a magnificar la distancia entre los objetos gracias a que permiten una mayor profundidad de campo. El resultado de usar angulares cerca del sujeto es una aparente distorsión de la perspectiva; las líneas paralelas tienden a converger, y con un ojo de pez los bordes rectos parecerán doblarse. Como diferentes lentes requieren diferentes distancias con el sujeto para conservar el tamaño de éste, cambiar el ángulo de visión puede distorsionar la perspectiva, cambiando el tamaño relativo del sujeto y del fondo. El ángulo de visión dado por una lente es llamado a menudo, incorrectamente, como ángulo de cobertura, un término que describe las propiedades de la imagen proyectada por la lente sobre el plano focal. Esta confusión no es un problema con las cámaras de 35mm, como las réflex, en las que la relación entre la lente y el tamaño de la película es casi siempre la misma. Con una cámara de campo el fotógrafo tiene un control total sobre la relación lente-película, así como la relación lente-sujeto, y entonces es cuando los dos factores entran en juego, diferenciándose. Esta tabla muestra los ángulos de visión horizontal, vertical y diagonal, en grados, de una lente rectilínea en formato 35mm.

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4. Paisaje, Contraluz y Bodegones. Paisaje El paisaje ha sido uno de los motores de la evolución de la Historia de la fotografía. No podemos olvidar que la mirada fotográfica más antigua de la que tenemos conocimiento resulta ser un paisaje rural que Nicéphore Niepce nos legó en su Vista desde la ventana en Gras, 1826. Vista urbana o vista natural nuestros pioneros documentaron el desarrollo social de nuestras comunidades partiendo de aquellos paisajes muertos, donde nadie parecía habitar, daba cuenta de las limitaciones técnicas de la época. “En 1826, durante sus experimentos, Niépce tuvo la idea de poner una de sus placas de estaño en la parte posterior de la camera obscura y apuntarlas hacia el exterior de la ventana, dejándola ahí durante todo el día, captando la imagen brumosa de los edificios iluminados por el sol.” Primera fotografía creada por Nicéphore Niépce en1826 A estas propuestas fotográficas siguieron otras donde los polos del realismo y del idealismo, una y otra vez alternaron su influencia. Ello nos llevó hasta un paisaje tamizado a través de las experiencias formales de las vanguardias o de las demostraciones de dominio del medio de Ansel Adams. La visión moderna del espacio encuentra sus precedentes en la Historia de la fotografía, pero sobre todo en el cambio a la postmodernidad ofrecido por las aportaciones de William Eggleston, especialmente con su uso del color y su preocupación por trasladar la atención fotográfica a ese ningún lugar en particular del que tanto han bebido las diversas hornadas de los artistas europeos de la Nueva Topografía, durante los años 1980 y 1990.

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Tras los primeros avances científicos en el campo de la técnica fotográfica se desarrolla ampliamente este género fotográfico motivado por diferentes aspectos como sus valores memorísticos, por la curiosidad científica, por afanes puramente comerciales o por cuestiones relacionadas con la creatividad. Dada cuenta que los tiempos de exposición necesarios eran muy amplios los paisajes urbanos o rurales son fotografiados cuando no hay nada en movimiento a fin de evitar que salieran borrosos. A esto se debe esa impresión de espacios muertos que podemos observar en las primeras fotografías de paisaje. Meses después de que la fotografía se presentase públicamente un óptico llamado Lerebours envió a un equipo de fotógrafos por todo el mundo a fin de captar imágenes con destino a su comercialización posterior en la colección “Excursiones daguerrianas”. Otra iniciativa similar pero de carácter más científico fue la del Barón Jean Baptise Louis Gros quien, diplomático de profesión, se dedicó a tomar imágenes de los lugares donde estuvo destinado. Los fotógrafos aficionados sacan vistas de sus ciudades, jardines, bosques, etc., lo que permite la documentación de los diferentes paisajes del mundo. Íntimamente ligada a la fotografía de paisaje se desarrolla en esta época la fotografía de viajes.

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Contraluz En las fotografías a contraluz se capta una escena que tiene la fuente de luz al frente, con la intención de que deslumbre y la imagen aparezca totalmente oscura y sólo se puedan ver siluetas. Encontramos fotografías en las que la fuente de luz aparece cubierta por el objeto y otras que deslumbran directamente en la fotografía. El resultado será una fotografía con los colores anulados, con zonas muy claras y zonas muy oscuras. El sujeto está iluminado por detrás, y por tanto, el fondo queda sobreexpuesto, y el protagonista de la imagen totalmente subexpuesto, de forma que sólo se podrá ver su silueta. La medición de la luz la podemos realizar de dos formas: -En un punto de la zona mas iluminada de la escena. -Utilizando la compensación de exposición de la escena negativa. Deberemos tener en cuenta que a mayor velocidad de obturación empleada, mayor marcado de contraluz. Si deseamos que la silueta quede totalmente perfilada, debemos enfocar el sujeto, por el contrario, si queremos que la silueta quede difuminada, deberemos enfocar el fondo. En el caso de que la fuente de luz sea el sol, estas fotografías suelen realizarse al amanecer o al anochecer. Sencillamente la probabilidad de conseguir sujetos en la línea que va desde el objetivo al sol es mucho más probable que cuando el sol se encuentra alto en el cielo.

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Bodegones. El bodegón es uno de los temas fotográficos más exigentes de la fotografía profesional, pues requiere equipo y preparación técnica de alto nivel: sistemas sofisticados de iluminación, un amplio abanico de accesorios como fondos, por no hablar de los conocimientos necesarios para obtener el máximo rendimiento de tanto utillaje. Esto se debe principalmente a que en ellos el fotógrafo no se encuentra con nada hecho y debe construir por completo la totalidad de la imagen. En un paisaje, la iluminación o los elementos del mismo no dependen exclusivamente de nosotros, al igual que en el reportaje donde se trabaja con sujetos “fuera de control” bajo una iluminación dada. En un bodegón, sin embargo, todo lo pone la imaginación de su autor, resulta de su capacidad para producir y crear la escena: primero con la acertada elección de sus objetos, prestando especial atención a sus formas, volúmenes, tamaños, colores y texturas; segundo con un perfecto dominio de la iluminación que cree la atmósfera adecuada y proporcione un toque especial a lo fotografiado, resaltando con fuerza sus características. Tercero, con una composición y encuadre elegantes fruto de una colocación armónica de los elementos y de un fondo acorde con ellos. Los requerimientos, sin embargo, en estos bodegones minimalistas de creatividad y saber hacer son máximos: no vale cualquier tema, iluminación ni fondo o composición, algo común a toda fotografía, pero que en el bodegón resulta todavía más evidente. En otra clase de tomas el azar o la luz ambiente nos pueden echar una mano, en el bodegón los posibles fallos dejan al desnudo sin más nuestras carencias fotográficas. Lo que no es nada malo, muy al contrario, el bodegón es una escuela excelente para aprender y practicar la fotografía porque ayuda a resolver sus aspectos esenciales de forma y contenido. Cuantos más elementos diferentes haya en la escena, más dificultades se encontraran a la hora de obtener una fotografía armónica. Las diferencias de tamaño, proporción, color, forma y textura crean conflictos entre los objetos de un bodegón, que bien resueltos concluyen en una imagen con riqueza y

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“contrastes”, y mal empleados en una barroca y confusa. Por eso la primera regla es la simplicidad: un tema sencillo, un fondo neutro y una sola luz. La perfección de los objetos suele ser obligatoria en la fotografía profesional de bodegón pero no es absolutamente imprescindible en el caso de planteamientos menos comerciales, nuestro bodegón puede emplear cosas no tan perfectas siempre que éstas respeten la lógica y el sentido de la imagen. Una composición elegante se reconoce rápidamente porque guía la mirada del espectador por la imagen sin crear conflictos entre sus elementos. En ésta influye tanto la disposición de los objetos de la escena como el encuadre de la cámara y la clase de fondo empleado. Lo mejor es tratar de conseguir una composición atractiva, sólo pueden añadirse más elementos cuando se sabe organizar los objetos y si, además, con ello se mejora la composición. La imagen se va construyendo poco a poco, un buen truco es componer a través del visor, decidiendo previamente si conviene más un cuadro horizontal o vertical. Los fondos simples y lisos siempre funcionan y resaltan más a los objetos cuando son más oscuros o están menos iluminados y tienen colores más apagados que éstos. Para ello se prestan gasas, lonas, cartulinas, piedras, maderas...etc En resumen, un fondo adecuado es el que no se ve y al mismo tiempo aumenta el protagonismo de los objetos del bodegón.

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5. El retrato fotográfico, figura en plano general, figura en plano medio, figura en plano americano. El retrato fotográfico. El retrato fotográfico es un género donde se reúnen toda una serie de iniciativas artísticas que giran en torno a la idea de mostrar las cualidades físicas o morales de las personas que aparecen en las imágenes fotográficas. Dentro del campo del retrato fotográfico se desarrolla con fuerza, durante el siglo XIX y principios del siglo XX,un subgénero propio conocido como la fotografía de difuntos, en la que destaca la obra del fotógrafo español Fernando Navarro. Es posible desarrollar diferentes usos del retrato entre los que destacan: -Retrato de estudio, que imita los salones de las residencias, reales o imaginarias, de los clientes. -Retrato identificatorio: Las típica fotografías de carnet, fácilmente reconocibles. -Retrato como control social: Se utiliza para la identificación de gente en su oficio o trabajo. -Retrato costumbrista, Sirve para recrear estereotipos y representar la realidad de la época. -Retrato y sociedad: Imágenes de eventos y de entornos físicos y sociales, como cumpleaños...etc. -Democracia y retrato: Pasa de ser una herramienta para realizar retratos y tarjetas de visita, a ocupar un rol importante en la prensa escrita y la propaganda política.

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Figura en plano general. En retrato, éste es el plano en el que aparece todo el cuerpo. Por tanto, tendremos un plano entero si a quien o quienes estamos fotografiando aparecen completos, desde los pies a la cabeza, sin secciones, en nuestra foto. En el caso de la foto que hemos utilizado para el ejemplo, se aprecia cómo se ve el cuerpo de la modelo completo, sin ningún tipo de recorte. Este es el plano más lejano que podemos tomar. A partir de aquí, veremos como nos podemos acercar en nuestros retratos.

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Figura en plano medio. El plano medio cubre hasta la cintura, recogiendo la lĂ­nea de corte entre el ombligo hasta casi la entrepierna. En caso de estar sentado el protagonista, la tolerancia baja hasta aproximadamente la mitad del muslo. Este tipo de encuadre se suele utilizar para resaltar la belleza del cuerpo humano, por lo que es un tipo de plano muy utilizado en fotografĂ­a de moda. TambiĂŠn es adecuado para mostrar la realidad entre dos sujetos, como en el caso de las entrevistas.

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Figura en plano americano. Dicen que el nombre de plano americano viene de los tiempos en los que triunfaban las películas del género Western o, como las llamaba yo de pequeño, de indios y vaqueros. Eb estas películas era importante que las ármas que llevaban los protagonistas en las cartucheras, a la cintura un poco caídas, se vieran suficientemente bien, y esto es lo que marcaba la línea de corte. Algunos lo llaman también plano tres cuartos. El plano americano corta al protagonista aproximadamente a la altura de la rodilla o por el muslo. En función de si el protagonista está recostado o sentado, la tolerancia baja algo, llegando hasta un poco por debajo de las rodillas. Es ideal para encuadrar en la fotografía a varias personas interactuando.

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FIN



Trabajo de campo