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Book

Neva Serey C.


Realizado entre Quilpu茅 y Sausalito Primera edici贸n, terminado en Enero de 2012.


Agradezco a mi familia, a los “funcionarios no académicos y académicos”, y compañeros del IA. En particular a Naomi Serey y Matías Escobar, por su apoyo en todo momento. Y a Peter Kroeger especialmente, que gracias a unas cuantas crisis emocionales provocadas por sus cuestionamientos, ayudó en el desarrollo de mis trabajos.


Algunas consideraciones preliminares

Debo mencionar, a modo de explicación, que estudié con anterioridad la carrera de Kinesiología, en la que me apoyaré para varias de mis conlcusiones, refiriéndome a los conocimientos científicos adquiridos en ella. Es una historia que de tanto contarla, por un tiempo me tenía aburrida. Pero, ahora, la asumo y acepto, sobre todo porque tiene relación con mi trabajo actual. Cuando escucho a la gente hablar acerca de esa carrera, siempre la relacionan con los huesos; algunos creen incluso que los kinesiólogos entablillan cuando hay fracturas, dislocaciones, y cosas de ese tipo. Los huesos, en general, se estudian principalmente como una base anatómica para conocer el funcionamiento del cuerpo; porque la Kinesiología es la ciencia del movimiento, según su etimología y lo que ellos mismos entienden. Por esto es que me causa gracia que mi trabajo esté relacionado con los huesos, ya que a muchos kinesiólogos les causa desagrado que los encasillen así, básicamente, debido a que su campo de conocimiento es mucho más amplio. La idea de este book es realizarlo a través de una línea de tiempo que vaya progresando, de manera temática y no necesariamente cronológica, hasta llegar a mis últimos trabajos y proyecto final, que es el término de mis estudios universitarios de licenciada en Arte. Pido comprensión y disculpas de antemano; en general, aprendí a hablar del trabajo de los demás, de los verdaderos artistas, pero nunca del mío. Hubo partes que fueron realmente difíciles, sobre todo cuando ha pasado tanto tiempo y cuesta recordar los motivos por los que se trabajó en eso. Me gustaría poder haber terminado mi investigación con respecto a las vanitas barrocas, que ni siquiera se encuentra escrita. Espero poder realizarla en la segunda edición. Finalmente quiero dejar en claro que también me incomoda hablar tanto acerca de mí misma; creo que nunca había escrito tanto de mí.

Dichas estas palabras, aquí presento mis trabajos.

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Máscara

Imagen digital Colaboración de Naomi Serey C. Máscara sacada del molde de mi rostro en el año 2002 Archivo JPG, 27,81 cm de ancho, 43,77 cm de alto, 180 pixeles/pulgada 1971 pixeles de ancho, 3102 pixeles de alto Segundo semestre 2009

Partiré con este trabajo, ya que fue uno de los primeros con los que trabajé con Peter como profesor guía. Estas fotografías las realicé para después utilizarlas en una animación flash, hecho en el programa Macromedia Flash 8. En esa ocasión, intenté relatar una historia que se relacionara con una canción llamada My dream’s but a drop of fuel for a nightmare de una banda finlandesa de powermetal llamada Sonata Arctica. Esa canción me interesaba porque relataba una pesadilla, pero, como esta banda en esa canción en particular tiene parecidos con el rock progresivo (ya que este género de música proviene del mismo), a través de la melodía y de la letra se va conformando una sucesión de imágenes que hacen recordar esos sueños delirantes que uno tiene en estados nerviosos, o febriles. En general, este tipo de música tiene relación con los contrastes y dualidades de los que profundizaré en las explicaciones de trabajos posteriores; pero este comentario lo expongo en particular porque bandas de este estilo juegan con los cambios de ritmos y armonías que van progresando y conformando una unidad. (Pido compasión, no soy una experta en música y puede que mi juicio o interpretación estén errados) Por ello, mi traducción de este interés se basó en ciertas imágenes que nombraba la canción, o que me recordaba la misma. Pero como ese trabajo no me gusta, y ni siquiera puse sus fotogramas, no tiene ningún sentido que lo siga explicando. Continuaré entonces con estas fotografías. Éstas tenían que ver con el comienzo de una pesadilla, por ello utilicé el blanco en la vestimenta, el fondo y en las máscaras, ya que quise dar a entender este momento primero: eso sería por medio de un estado de cambio entre el sueño normal, y algunos detalles dentro del mismo que van tornándolo cada vez más agobiante, que en este caso sería el blanco, que “encandila“ y la mirada que muestra el personaje. La animación era este rostro blanco (no utilicé la máscara de la derecha), que se iba rotando hacia la derecha y la izquierda, con movimientos entrecortados.

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Al final estas imágenes se volvieron autónomas de la animación, porque las fotografías con la máscara de la derecha fueron las que más me gustaron. Lo que quise realizar con estas máscaras, era la eliminación de la expresión del rostro, a excepción de la de los ojos. Al mostrarse bien abiertos, produce una sensación inquietanta, ya que las personas no andan con los ojos abiertos de esa manera por las calles ni fijan la mirada de esa manera.

Es como el efecto que se produce en algunos cuadros, donde la mirada queda fija en nosotros, y aunque nos movamos nos sigue; pero, eso sucede por una utilización del color; acá la diferencia con ellos se da porque el borde de la máscara deja al descubierto un poco de piel del rostro alrededor de los ojos, junto con el aumento del tono blanco dentro de ellos, que producen que se resalten más; este efecto lo utilicé después de mucho tiempo, en mis trabajos finales.

Máscaras

Imágenes digitales Colaboración de Naomi Serey C., la máscara también es de su autoría Archivo JPG, 34,54 cm de ancho, 40,2 cm de alto (izquierda), 34.54 cm de ancho, 46,06 cm de alto (derecha)180 pixeles/pulgada 2448 pixeles de ancho, 2849 pixeles de alto (izquierda), 2448 pixeles de ancho, 3264 pixeles de alto (derecha) Segundo semestre 2009

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En esta ocasión quise trabajar la idea de representar el ahogo y el contraste con una cierta pasividad que acepta este ahogo. A pesar de que no es una imagen que no se haya visto antes (existen cabezas cubiertas con tela en la obra de Magritte, por dar un ejemplo), se buscaba más la idea de una dualidad. La escultura, que es el objetivo primero de este trabajo, no funcionaba por sí sola, sino, que tenía su contraparte, a pesar de que estaban construidas por separado y no existía nada más que las uniera que el material y la tela que se buscaba dar a entender. Durante el proceso de ésta, trabajé en las imágenes digitales. Creo que mi intención quedó mejor plas-

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mada en ellas que en las mismas esculturas. Ello sucede porque estas imágenes producen otro contenido más, que en la escultura por sí sola se da de manera muy sutil, quizás demasiada: las imágenes digitales además juegan con las texturas. El contraste entre la pared blanca con la tela es casi imperceptible a primera vista, pero, tiene ello también una significación, ya que busca la idea de demostrar esta coexistencia por medio de lo casi imperceptible de los límites de cada uno; es decir, es una manera de hablar de la dualidad entre orgánico e inorgánico, que trabajé más explícitamente en el trabajo posterior de los huesos. Que una cabeza provenga de una pared, y a la vez parezca “blanda“, debido al uso de la tela, como ya fue mencionado, da


Cabeza tela

Imagen digital Colaboraci贸n de Naomi Serey C. Archivo JPG, 34,54 cm de ancho, 25,91 cm de alto, 240 pixeles/cm 3264 pixeles de ancho, 2448 pixeles de alto Primer semestre 2010

Cabeza tela, separaci贸n del fondo

Imagen digital Colaboraci贸n de Naomi Serey C. Archivo JPG, 34,54 cm de ancho, 22,64 cm de alto, 240 pixeles/cm 3264 pixeles de ancho, 2139 pixeles de alto Primer semestre 2010

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Cabeza tela

Escultura Arcilla Base de 40 cm x 30 cm Primer semestre 2010

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cuenta de una especie de transmutación existente entre el tratar de escapar de la pared, volver blando lo concreto, orgánico lo inorgánico. Aunque a la vez, está su contraparte, que acepta lo que le sucede; esta segunda imagen además no trata de cambiar su entorno, de manera que hasta se nota una diferencia entre su materialidad y la pared, que se da a través de la sombra que proyecta (me refiero a las imágenes digitales). Este trabajo, como significación, tiene relación con la experiencia humana del ahogo y el sufrimiento (lo ya mencionado al comienzo). Como la escultura también funcionaba como una dupla, se podían considerar dos actitudes, o dos momentos distintos. El uso de la arcilla, es debido a que en el curso que estas esculturas se realizaron, serían cocidas en un horno. Pero no lo hice porque sabía que tenían burbujas de aire y estallarían, por lo que, mi elección fue el color, ya que también habían a disposición rojos y verdosos. Fue la tonalidad más parecida a la blanquesina porque quería que estas esculturas pudieran colgarse y ser parte de la pared o muro donde ubicaran, como si en realidad no estuvieran separadas de la misma. Obviamente, como esta arcilla no estaba cocida, eso nunca se pudo realizar. De hecho, ya no existen. La idea era que sucediera algo parecido a lo que se veía en las imágenes digitales al ser colgadas en una pared. Esta primera escultura que muestro, me agrada el

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do, pero considero que en la segunda, la expresión de grito que quería realizar, no quedó como pensaba que quedaría. Más que todo, esta segunda imagen la pongo porque era necesario debido a mi explicación con respecto a la dualidad que buscaba, porque parece en realidad una caricatura. Como detalle, me interesó la sombra que se produce debido a las sinuosidades que se encuentran en la parte izquierda, ya que hacen ver la profundidad que tenían éstas.

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Cabeza tela

Escultura Arcilla Base de 40 cm x 30 cm Primer semestre 2010

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En conjunto con las esculturas anteriores, cubiertas con tela, realicé ésta que representaba una cabeza chorreante. Me interesaba que fuera de color rojo porque esa era la manera más fácil de que recordara la sangre; no es que me interesara la sangre en sí, sino, la relación que se daba con la sangre en relación a la vida. Pero esta “vida”, me interesaba que no fuera a través de algo que realmente pareciera este fluído, sino, que la pinté con color rojo metalizado, y cubrí en algunas zonas con silicona caliente que chorreara, para que le diera otra textura y otro tipo de brillo. Es decir, nuevamente existía un contraste entre lo orgánico e inorgánico. Ello sucede porque lo orgánico vendría a estar en la relación que se hace con el color rojo, lo que chorrea y la sangre (además de que la arcilla con la que está hecha), en contraste con lo inorgánico, que vendría a ser la pintura metalizada y la misma silicona. El rostro es importante en cuanto tiene

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que ver con lo humano (aunque, en este trabajo, para ser más exactos, sería lo humanoide), ya que la ubicación de sus partes se relaciona con la manera en que nuestros ojos, nariz y boca se encuentran, a grandes rasgos. Es también una simplificación, entonces, de los rasgos humanos. El uso de “lo humano” para dar cuenta de estos contrastes, tiene que ver nuevamente con la búsqueda

no pero no lo es (el retorno de lo familiar que se vuelve extraño), y en la misma idea de fluidos que nos recuerda este rojo, y estos chorreados. La cabeza, me interesó porque según el tamaño que tenía presupuestado, por sí sola funcionaba bien. No me interesaba hacer un cuerpo completo, por ejemplo. En este trabajo, mi inclinación más importante del momento, era la búsqueda de lo siniestro, por ello es que la idea de la cabeza cortada me pareció adecuada.

Cabeza roja, visión frontal y superior Arcilla, spray rojo metálico, silicona 35 cm de alto Primer semestre 2010

de un campo de acción en el cuerpo humano. Es parte de la mayoría de los trabajos que se encuentran en este book, si no es de todos.

Como esta escultura tampoco la cocí, se ha ido arruinando con el tiempo, por lo que el desconocimiento de la técnica del material fue el problema principal.

Otra de las temáticas que también se pueden percibir, como sucede en los trabajos anteriores es lo siniestro. En este caso tendría relación con el desmembramiento (una cabeza sin cuerpo), que la cabeza tenga una forma que nos recuerda lo huma

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Con respecto a lo siniestro, me gustaría hacer algunas acotaciones. Del texto en que me baso para realizar estas aseveraciones, son los estudios realizados por S. Freud acerca del tema. En éstos se explican cuáles son las situaciones que producen el sentimiento de vivir lo siniestro; en cuanto categoría estética, se asemejaría entonces a otras categorías como lo grotesco, o lo sublime. Al igual que las otras, ésta puede producirse en los hechos cotidianos de la vida; en la categoría de lo sublime, se puede producir en las personas a través de eventos producidos por la naturaleza, o por medio de encontrarse con un lugar que le produzca la sensación de sentirse nimio frente al mundo (como puede ser la inmensidad del mar, o del cielo). En lo grotesco, se da a través de el cruce de dominios: con esto me refiero a los cruces entre seres y lugares distintos. Sería grotesco entonces, una escultura donde se hagan hombres con cabezas de animales, o también sería grotesco un comedor donde hubiera una taza de baño. Obviamente, estas categorías se llaman estéticas porque producen una sensación corporal, o sentimental en las personas; y ésta también es personal, dependiendo de nuestra cultura (puede que para algunos de nosotros los dioses hindúes sean grotescos, pero para ellos es parte de su vida. Lo mismo con lo sublime, puede que un terremoto para nosotros sea algo para lo que estemos relativamente preparados, y para alguien que jamás lo ha vivido, sea la experiencia más sublime de su vida) Lo siniestro tiene algunos parecidos con la categoría de lo grotesco. En la categoría siniestra, una de las maneras más rápidas para explicarla es decir que se produce cuando lo familiar se nos vuelve extraño. Ejemplos de ello, puede ser que nos encontremos con alguien que sea igual a una persona que ya conocíamos, pero que en realidad no tenga nada que ver (no sea ni siquiera pariente); por ello, dentro de este estudio, Freud habla del tema del doble, y del sentimiento siniestro que pueden provocarnos también los gemelos idénticos (en varias películas se juega con eso, como en las realizadas por David Lynch -Lost Highway-, o las gemelas que aparecen en la película The Shining de Stanley Kubrick) . También, sería siniestro que los muertos regresaran a la vida, o que los muñecos tuvieran “vida propia“ y se movieran y hablaran; por ello se parece a lo grotesco, ya que existe un cruce de dominios (los vivos con los muertos, lo inanimado con lo animado). Otras situaciones que pudieran resultar siniestras, serían cuando se cumplen cosas que estábamos pensando; ejemplo, desearle la muerte a alguien, y que ello suceda. Los trabajos que mostré hasta el momento, entonces, tendrían relación con lo grotesco y lo siniestro. Lo grotesco se daría en las Cabezas tela como imágenes digitales, ya que habría un cruce entre la materialidad de la pared y la de la carne y piel que nos compone. Lo siniestro, se daría en las Máscaras, y en la Cabeza roja. En las primeras porque el rostro cubierto se nos vuelve extraño, al no tener expresión, más que la que le

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confiere la máscara; en la segunda, se da por las razones que ya expliqué en la página anterior. Estas categorías estéticas se pueden encontrar en algunos de los trabajos que hay más adelante. Pero ahí dejo la tarea un poco a quien lea; como guía o pista eso sí, se produce también en los todos los videos en los que he participado, y en el trabajo de las Caras muertas. Sólo mencionaré que se encuentra lo siniestro en ellos, pero no explicado tan detalladamente. Produje este transición entre la explicación entre estos trabajos y los siguientes, porque a pesar de que la utilización de las cabezas en los dos trabajos siguientes -por lo menos como esqueleto-, la continúo, no permanece esta relación con lo siniestro, sino que se vuelve algo que tiene que ver con lo espacial y vivencial. Podría surgir la pregunta de por qué son cabezas y no otra parte del cuerpo; y a pesar de que en un comienzo no lo tenía tan claro, me di cuenta de que el rostro humano es lo que nos vuelve más particulares con respecto a los demás mamíferos. Creo que para muchos sería más fácil confundir por lo menos los huesos humanos con huesos de otros animales, que un cráneo o un rostro (me pasó muchas veces que mientras estaba trabajando con huesos que no eran el cráneo, la gente no tuviera idea que eran humanos). Así es que más que ser una metáfora de la relación con el pensamiento humano, como podría también confundirse, en realidad es algo mucho más fisico y tangible.

Con estas aclaraciones hechas, prosigo entonces con los siguientes trabajos.

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Aclaro que es una cabeza ósea, porque se conforma de un cráneo y su mandíbula; al pasar el tiempo después de muertos, estos huesos se separan por la degradación de sus ligamentos. Me parecía que si alguien se encontraba con esta cabeza, se preguntaría el por qué de ella en ese lugar. Lo primero que pensé, fue algo parecido a lo que ya mencioné, que todo desaparece, pero también que la muerte se puede encontrar en cualquier momento. Ahora lo pienso, y me parece que esta primera reflexión quizás es demasiado simple; me interesa más la reorganización de todos estos elementos orgánicos, que conforman esta cabeza, remite a nuestra propia muerte, pero más que como si fuera una advertencia, la relación hecha entre estos elementos orgánicos y los flujos de energía que ellos significan,

Este ejercicio lo llamo intervención porque utilicé los elementos del medio para reorganizarlos y resignificarlos. No creo que haya provocado un gran cambio en la vida de las personas que se encuentran habitando el espacio. Pero, mi intención tampoco era esa. Lo que buscaba era dar cuenta de que todo desaparece en algún punto; o sea, me refería a la idea de lo perecedero. Al realizar un recorrido en solitaria, los trozos de rama me recordaron a los huesos, por su tono blanquecino, y por ser, además, vestigios de un ser que alguna vez tuvo vida. El recorrido que tomé me llevó a un lugar que estaba entre las dunas y el bosque (o mejor dicho, la vegetación con pasto y árboles). Parecía que este pasillo había sido recorrido antes, ya que se conformaba un sendero entre ambos espacios. Entonces, cercano al paso de ese sendero, mi idea era hacer un bosquejo de esqueleto humano, con estas ramas. Lamentablemente, la cantidad de ramas no era la suficiente para hacer el esqueleto, por lo que opté por hacer una parte reconocible, la cabeza ósea.

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La muerte propia que se recuerda, está conformada por elementos que también tuvieron vida, y que la volverán a producir a través de su degradación y reorganización de las células que las componen. Relacionado entonces también con ello, está la fragilidad de los mismos elementos: ramas, carbones y conchas pueden ser fácilmente dispersos en distintas direcciones con los vientos que en el lugar se producían, así como la misma arena podía cubrirlos.


Cabeza 贸sea

Ejercicio escultura (Intervenci贸n dunas Ritoque, Ciudad Abierta) Madera seca, conchas, carb贸n 40 cm de largo Segundo semestre 2010

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se volviera más compleja, y que no nos pareciera de forma tan obvia un cráneo. Como maqueta, me interesó bastante el resultado. El color rojo esta vez lo elegí porque mi idea era que interactuara con el color grisáceo amarillento de la arena. La escala que tenía pensada, era aumentar esta maqueta unas 15 o 18 veces. Primero, en grupo, se realizó un ejercicio aproximadamente 4 veces mayor que la maqueta, con madera de pino de 1 cm x 1 cm (los registros de esa experiencia se perdieron). Ahí fue que me di cuenta que la madera era compleja de trabajar si es que no se hacía con calces, o junturas hechas con tornillos (por dar algunas soluciones).

Luego de habernos llevado a distintos lugares de la región, se nos pidió que hiciéramos un proyecto dentro de la misma línea que mi trabajo anterior (Esto no fue realizado con Peter). Este proyecto debía realizarse en alguno de los lugares ya vistos, o en alguno similar que propusiéramos. Quise, en este punto, salirme un poco del tema de los huesos como tal e intentar reinterpretarlos. El uso de las ramas anteriormente, me hizo pensar en llegar a una abstracción de la idea de un cráneo. Para ello, elegí como materialidad, la madera de pino por su accesibilidad en precio, y porque además conformaban líneas rectas. Con ellos, simplificaría las sinuosidades de un cráneo para convertirlas en ángulos. El cráneo, como objeto de estudio, posee forados que comunican la cavidad interior (donde se ubica parte de sistema nervioso, como cerebro, cerebelo, tálamo, nervios, etc.) con la exterior. De esa manera, quise que la abstracción

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Entonces, para llevar este proyecto a Punta de Choros, es que decidí cambiar de materialidad. Los tubos de PVC, con junturas de fierro por dentro, darían la forma que necesitaba para conformar los ángulos que la maqueta tenía. Para reforzar esto, utilicé masking tape por fuera de las junturas. Como no conocía el clima del lugar, no había tomado en cuenta el viento. No sé en específico las velocidades que éste alcanzó a tener, pero, para dar referencias, algunas carpas salieron volando, otras quedaron aplastadas por el mismo, se soltaban las estacas, etc. Por ello es que además le agregué el hilo de nylon para estabilizar la forma en un punto más o menos central.


Don CrĂĄneo rojo, maqueta

Palos de maqueta 0,2 cm x 0,2 cm, pintura en spray, silicona, cola frĂ­a, masking tape 11 cm de alto, 8 cm de largo Segundo semestre 2010

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Una crítica que tengo acerca de este trabajo, es que no lo pensé estudiando el lugar. Fue como si en realidad se pudiera poner en cualquier playa. La diferencia, quizás, la marcó el que hice interactuar la cabeza con un animal muerto que es particular de esa zona, además de ser una especie protegida y en peligro de extinción (un pingüino). También puede ser el tener que adecuarla a los vientos que allí se econtraban. Otro punto con el que no quedé satisfecha, es que no pude lograr que se asemejara lo suficiente a la maqueta, para las expectativas que tenía. Es complejo el uso del material de esa manera cuando no se tienen conocimientos básicos de física y matemática aplicadas a las estructuras.

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Sí rescato que a pesar de esta precariedad, la estructura se mantuvo en pie, y estuvo firme a pesar de que el viento de los últimos días de nuestra estadía fueron mucho más fuertes. También que la estructura, en su forma-deforme (respecto a lo que yo esperaba) daba la impresión de estar conteniendo algo, aunque lo contenido en realidad fuera el mismo espacio que la rodeaba. Así, se creaba una interacción entre un adentro y afuera, que se creaba con la sola disposición de los tubos, y se completaba con la mirada. Como dato técnico, las fotografías tienen distintas iluminaciones por el cambio de clima entre los días, ya que fue un trabajo realizado durante 1 semana. Podría hacer correción de ello, pero, me interesa que se vea ese proceso.


Don Cr谩neo rojo, escultura-intervenci贸n

Tubos de PVC, fierro, masking tape, pintura en spray, hilo de nylon 1,50 mt de alto, 2 mt x 1,30 de base Segundo semestre 2010, playa de Punta de Choros

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Estudios del cuerpo humano a través del ejercicio “peso-volumen“. Miembro superior. Dibujo, lápiz grafito 6B Segundo semestre 2009

Estudios del cuerpo humano a través del ejercicio “peso-volumen“. Hombro Dibujo, lápiz grafito 6B Segundo semestre 2009

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Estudios del cuerpo humano a través del ejercicio “peso-volumen“. Pierna. Dibujo, lápiz grafito 6B Segundo semestre 2009

Estudios del cuerpo humano a través del ejercicio “peso-volumen“. Pies y piernas. Dibujo, lápiz grafito 6B Segundo semestre 2009

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Estudios del cuerpo humano a través del ejercicio “peso-volumen“. Torso Dibujo, barra pitt Segundo semestre 2009

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Estudios del cuerpo humano a través del ejercicio “peso-volumen“. Muslo Dibujo, lápiz grafito 6B Segundo semestre 2009

Estudios del cuerpo humano a través del ejercicio “peso-volumen“. Tronco Dibujo, barra pitt Segundo semestre 2009

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Estudios del cuerpo humano a través del ejercicio “peso-volumen“. Cabeza Dibujo, lápiz grafito 6B Segundo semestre 2009

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Estudios del cuerpo humano a través del ejercicio “peso-volumen“. Muslo Dibujo, lápiz grafito 6B Segundo semestre 2009

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Antebrazo y mano, parte de proyecto “Posición anatómica“ Escultura Papel film, silicona caliente Tamaño 1:1 en relacion a mi cuerpo Período entre semestre 2011

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Pierna y pie, parte de proyecto “Posición anatómica“ Escultura Papel film, silicona caliente Tamaño 1:1 en relacion a mi cuerpo Período entre semestre 2011

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El trabajo que tendría por nombre Posición anatómica, tenía relación con la búsqueda de la transmisión del estudio del cuerpo a través de una reproducción 1:1. Escogí específicamente realizarla de mi propio cuerpo, porque quería dar a entender que mi visión del cuerpo humano es particular en tanto que puedo hablar de éste a través de mi propia materialidad como ser viviente. El cubrirme con silicona, tenía relación con trabajos anteriores como las Máscaras, o la Cabeza tela, pero esta vez también se relacionaba con dibujos hechos con anterioridad (que fueron en los que me basé para la elección del modo de utilizar la silicona), y con la misma idea de la contención de un “vacío“ que se produjo en Don Cráneo rojo. La posición anatómica, es la posición convencional que se muestra en los libros de anatomía para conocer las partes del cuerpo. Como este trabajo lo dejé estancado para proseguir con otros, no sé si funcionará la idea primera. Esta era poner un trozo de carne dentro del torso, que se fuera descomponiendo con el tiempo. Tampoco sé cuán insalubre sería realizar eso, ni si lo terminaré por hacer, pero, lo escribo porque era una de las primeras ideas que tuve de utilizar la carne dentro de mis trabajos. En este caso, el supuesto trozo de carne vendría a reemplazar los órganos internos, y se vería distorsionada por la silicona que la cubriría. La razón de ello, era nuevamente hacer una relación entre lo orgánico de la carne y de mi propia “aura“ como espacio interior vacío, con lo inorgánico del plástico y la silicona. También, ahora que lo pienso, tendría que ver con lo siniestro por ser esa copia de silicona una doble mía; aunque habría que ver hasta qué punto, ya que en las partes como el rostro, no sé si quedará tan definida su composición. Además, como estaba utilizando los huesos -que serían la parte más interna de nuestro cuerpo- quise representar ahora su órgano externo, la piel. taban sonas sado

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Da la coincidencia que mientras realizaba este trabajo, me comentaron que lo inteprecomo una crítica a la transparencia de las personas, el mismo comentario que otras perhicieron después con repecto a mi trabajo de los rostros. Ciertamente, no lo había pende esa manera. Pero me gusta saber que también tiene “múltiples interpretaciones“.


Homenaje a Micaela Cáceres viuda de Gamboa

Participantes: Camila Bolados, Mayra Olate, Danitza Anders, Neva Serey, con ayuda del profesor Dionisio Escobar. Fotografías por una amiga de Mayra, de 46,06 cm de alto, 34,54 cm de ancho, 180 pixeles por cm. 3264 pixeles de ancho, 2448 pixeles de alto 2008

Por encargo se nos había pedido que realizáramos un trabajo en la V región, y decidimos hacerlo en la ciudad de Valparaíso. Una de las problemáticas que encontramos en la ciudad, era la nula atención que se ponía en las esculturas del bandejón central de la Avenida Argentina. Se observaron todas las que estaban ubicadas en este bandejón, y quedamos con la interrogante de quién era Micaela Cáceres, y por qué tenía una escultura de su torso en ese lugar. La investigación realizada no fue tan fructífera debido a la poca cantidad de datos que existen de este personaje. Pero, de lo que se pudo recopilar, se encontró que esta mujer había trabajado ayudando a mujeres a que pudieran sustentarse por medio de su trabajo. Existió hasta hace poco una sociedad feminista que llevaba su nombre. Como grupo en aquella asignatura, dio la coincidencia que quedamos sólo mujeres. Entonces, decidimos hacer una especie de acto poético. Cabe decir que esta operación se ralizó el primer semestre de nuestro primer año en el Instituto de Arte. A modo de explicación, este acto estaba compuesto de etapas. Partíamos caminando en fila, en silencio, caminando por todo el bandejón central de la Avenida Argentina, en dirección hacia Colón. Cuando llegábamos a la escultura girábamos alrededor de ella, para luego, que cada una se ubicara en 4 puntos rodeando a la figura. La que quedaba en frente, leía algunos textos relacionados con el trabajo de las mujeres como obreras, luego rotaba; cada

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una tenía un temperamento distinto, una de nosotras la interpelaba, otra sufría, otra aceptaba. Al final, nos uníamos las 4 frente a ella, leyendo un texto en conjunto, que hacía relación al trabajo, y a que prosiguiera su descanso, dejándole los escritos alrededor de la estatua como una especie de regalo, donde salía un puño que provenía de la lucha feminista. Esta operación, como rito, no me parece tan interesante, ya que han existido varios actos poéticos que tienen cosas en común, Incluso, más o menos un año después, me enteré del acto realizado por Virgilio Rodriguez y Leonidas Emilfork en la tumba de un poeta en Francia, donde iban vestidos de negro, en procesión, llegaban a la tumba, recitaban algunos poemas y luego dejaban una rosa. O incluso, con los tan trillados ya “Funerales por la educación”, que se realizan cada año en las movilizaciones estudiantiles. Y no es porque lo que realizamos me parezca “poco original“, sino que el problema era el poco conocimiento respecto de estos actos, por haber estado en mi primer año de universidad. Quizás podría haber sido una idea parecida, pero con otro enfoque. De todos modos, este acto lo pongo como antecedente de los trabajos en video, por mostrar cierta preocupación en la vestimenta, la creación de relatos con la utilización del cuerpo y la iluminación. También, puede ser la relación entre el tema de lo femenino en lo social, que trabajé después como lo femenino en lo sexual.

El video que muestro después se relaciona con la presentación anterior, en que la vestimenta también es oscura, y el maquillaje utilizado lo acentúa. Obviamente, como representa una monja, la vestimenta iba a ser de esa tonalidad. Pero, el maquillaje, las tomas, el movimiento, y los sonidos utilizados en el video, producen una sensación de solemnidad siniestra, que la procesión también provocaba. En este video, se utilizaron sonidos particulares para cada escena;

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en las partes que salía esta monja se escuchaba un sonido de campanas., en las que salían los juguetes, eran gritos o risas de niños. Principalmente, este video se compuso de 2 ideas que se fusionaron; mi idea era que los juguetes se volvieran animados y que tuvieran en sus partes del cuerpo una trozos de cosas filosas, como cuchillos, púas y cosas por el estilo. Esta idea tenía que ver con lo que mencioné acerca de lo siniestro y los muñecos. Pero, en el trabajo en conjunto con Matías, hacía tiempo que él estaba pensando en sacar fotografías con una vestimenta de monja, que incluso había ya diseñado. Por ello es que unimos las dos ideas, que al final resultaron en algo distinto. Se transformó en una monja que en la relación con los muñecos parecía torturarlos. Al final , como significacion, se puede fácilmente pensar en que es un crítica al sistema de la Iglesia Católica; también se relaciona, de cierta manera, con la “moda“, por volver la vestimenta de las monjas en un vestido ceñido al cuerpo, y que resalta ciertas partes de la figura. Pero lo que a mí más me interesó, fue la relación hecha con las películas del expresionismo alemán (Metropolis, Nosferatu, Doctor Calligari, etc.), en cuanto al uso del maquillaje y el tratamiento de color en las imágenes; esta no fue hecha por nosotros, sino que por Peter. Y esta relación me interesó más porque así se relacionaba con lo terrible y lo siniestro, que son los temas centrales a los que apuntaba este video.


Colecta

Video, película Quicktime Autores, Matías Escobar, Neva Serey 1920 x 1080, Apple Intermediate Codec Actuación de Danitza Leiva Segundo semestre 2010

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Este fue el primer uso de los huesos en algún trabajo dentro de la Licenciatura. El video, trataba de mostrar la historia de una mujer que arrancaba de alguien, quien nunca se veía; este perseguidor se mostraba nada más que a través del rayo de luz que iba iluminando. El video tenía por nombre Escape, por ser una ironía; la mujer arrancaba, pero al final de todas maneras moría. Usamos témpera de colores para suplir el uso del rojo como sangre. Por ello es que el video se volvía amable y chistoso con respecto al tema de la muerte. Como idea original, queríamos reírnos de las películas de terror que siempre tienen el mismo entramado que ya se vuelve un cliché: un perseguidor, un asesino, o un ente que persigue a alguien o un grupo de personas por razones que por lo general son desconocidas, las que al final se revelan. Obviamente, casi siempre se salva alguien, pero los finales quedan “abiertos“ porque debe existir la posibilidad de que haya una segunda parte. En el caso de este video, el perseguidor nunca se conoce, la mujer muere, y la escena final es de los huesos rociados con pintura, por lo que es imposible la realización de una “segunda parte”. También se desprende el tema del poder, ya que la mujer se muestra indefensa ante un poder que la sobrepasa y que termina acabando con ella. Los huesos aún aquí eran sólo un instrumento que significaba la muerte. Pero, muestra el interés por la mezcla de los colores y estos huesos, además el juego de contrastes que se realiza entre estas dos materialidades. Es como lo que explico con respecto a la mezcla de la témpera y el extracto de nogal en los trabajos de más adelante.

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Escape

Video, pel铆cula AVI Autores: Noelia Araya, Matias Escobar, Neva Serey Uso de huesos humanos, t茅mpera Resoluci贸n 720 x 480 Actuaci贸n de Camila Bolados M. Segundo semestre 2009

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Radio

Pintura digital inconclusa Photoshop CS4, tableta digitalizadora Wacom 40 cm x 30 cm, 200 pixeles/cm 8000 pixeles de ancho, 6000 pixeles de alto 2010

Existe dentro de los estudios de los huesos un “contraste“, o más bien, la existencia de una polaridad dentro de lo orgánico e inorgánico. Esta se da en una forma bastante simple, que es en la utilización de los materiales: la témpera vendría a ser parte de lo inorgánico, lo sintético, mientras que el extracto de nogal y el huevo serían lo orgánico de este dibujo. Antes de proseguir, aclaro que dentro de la composición química de la témpera se encuentran también compuestos orgánicos, como la goma arábiga.

El interés en esto no es la simple obviedad de que nuestro mundo está compuesto por estos elementos, al igual que el grafito del lápiz de los demás dibujos, sino, que tienen relación con que esta dualidad se supera en sí misma, al Y este es el primer hueso dibujado de una serie de trabajos realizado con el poder unirse y formar una coexistencia estable. tiempo. La idea primera era realizar una serie de dibujos y pinturas digitales para crear una historia. Principalmente, esta experiencia sirvió para experimentar con Así, esta es una de las primela pintura digital, y darse cuenta que el programa no era el más adecuado para ras conclusiones en las que se basan las realizarla (Photoshop), además de impulsar gran parte de los trabajos que poseo. imágenes a continuación. Sin embargo, aún esta idea es demasiado simple. La idea de trabajar con huesos nace como un mero estudio, del que se Por ello es que se va complejizando a meda cuenta del conocimiento cabal en sus formas y diferencias de texturas, tama- dida que se van realizando otros trabajos. ños; a pesar de ser un trabajo más tardío que algunos de los que aqui se presentan, es el punto de partida para la mayoría de las reflexiones aquí expuestas. La palabra Huesarium (ver índice) la inventé con respecto a la palabra osa Luego, el uso del dibujo con lápiz grafito, y el extracto de nogal, tie- rio, que proviene de ossarium en latín y nen que ver (además del propio objeto de estudio) con un interés en lo or- significa “lugar donde están los huesos”. gánico, pero en general, sino aplicado casi particularmente a lo humano. Con ella me refiero a mis propios huesos.

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Una anécdota con respeto a los mismos, es que para hacer el tratamiento se debe limpiarlos, cocerlos, echarlos en agua oxigenada y luego barnizarlos. La primera parte, limpiarlos y cocerlos, la realizamos con mi madre durante una tarde en el patio de mi casa. Es uno de los olores más desagradables que he sentido en mi vida, porque también quedaba impregnado en la ropa. Pasados los años, ya estudiando Arte, me pareció que todo ese procedimiento hubiera sido muy buen material si es que lo hubiera filmado; hubiera sido casi una performance. Luego de cocerlos, los dejamos sobre el techo para que se secaran al sol.

Ulna

Extracto de nogal, témpera Hoja de 20 cm x 15 cm Primer semestre 2010

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Segunda vértebra

Extracto de nogal, témpera Hoja de 20 cm x 15 cm Primer semestre 2010

Sacro

Extracto de nogal, témpera Hoja de 20 cm x 15 cm Primer semestre 2010

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Talo

Extracto de nogal, témpera Hoja de 20 cm x 15 cm Primer semestre 2010

Patela, visión anterior

Extracto de nogal, témpera Hoja de 20 cm x 15 cm Primer semestre 2010

Fémur

Extracto de nogal, témpera Hoja de 20 cm x 15 cm Primer semestre 2010

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Mandíbula

Extracto de nogal, témpera Hoja de 20 cm x 15 cm Primer semestre 2010

Coxal, visión lateral

Extracto de nogal, témpera Hoja de 20 cm x 15 cm Primer semestre 2010

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Radio

Dibujo, lápiz grafito 6B Hoja de 20 cm x 15 cm Primer semestre 2010

Húmero

Dibujo, lápiz grafito 6B Hoja de 20 cm x 15 cm Primer semestre 2010

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Patela, visión lateral y posterior Dibujo, lápiz grafito 6B Hoja de 20 cm x 15 cm 2010

Costilla

Clavícula, visión anterior y posterior

Dibujo, lápiz grafito 6B Hoja de 20 cm x 15 cm Primer semestre 2010

Dibujo, lápiz grafito 6B Hoja de 20 cm x 15 cm Primer semestre 2010

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Crรกneo

Dibujo lรกpiz grafito 6B Hoja de 20 cm x 15 cm Primer semestre 2010

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Coxal

Dibujo, lรกpiz grafito 6B Hoja de 20 cm x 15 cm Primer semestre 2010

Escรกpula

Dibujo, lรกpiz grafito 6B Hoja de 20 cm x 15 cm Primer semestre 2010

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En esta etapa, el trabajo con los huesos partió casi por encargo. Tenía la idea de trabajar en contar una historia (como ya mencioné), pero para ello, debía poder ser capaz de crear imágenes acordes y precisas con respecto al mismo. Entonces, las que yo podía realizar porque las conocía bien, era la de los huesos. Para ello dibujé y pinté porque era una forma de buscar un punto de partida más sólido para la idea que tenía. Así, fue que al final este trabajo derivó en el estudio de huesos humanos. Para que no quede la idea tan vaga de que era un cuento cualquiera el que me interesaba, se trataba de un cuento popular de los países escandinavos, que trata de dos hermanas, que al final terminan muriendo porque existía entre ellas un problema de celos: a ambas les atraía el mismo joven. Esta historia la conocí primero por medio de la banda Clannad, la canción se llama Two Sisters. Luego, con la investigación de la misma historia, llegué al cuento de los Hermanos Grimm, llamado El hueso cantor. En él se cometía un crimen entre hermanos, también por el amor de alguien, y es en ese cuento donde aparece el hueso: esta es la anécdota de cómo empezó el trabajo con los huesos.

Otra cosa que me interesó fue la imagen de los huesos como personajes., porque se transformaban al manipularlos, recortarlos o girarlos de cierta manera, pero, quien los mirara debiera tener su propia interpretación, ya que no son explícitos. Es parecido al juego que se hace al mirar las nubes, donde cada uno descubre las imágenes que quiera ver en ellas. En este caso, entonces, la interacción con el espectador era lo que me interesaba también. La mezcla entre dibujos y pinturas hechas a mano con herramientas digitales es otro tema que creo importante. Más adelante profundizaré en ello. Aún así, no creo que llegue algún día a terminar esta idea de la manera en que lo había pensado en ese tiempo. Quizás rescate los puntos que me interesaron, pero en otro trabajo.

Finalmente llegué a hacer un boceto de trabajo en el que intenté contar una historia, conviertiendo a los huesos (o partes de ellos) en personajes. Pero, habían muchas dificultades que debía atender, la más importante de todas era la de la gráfica. Creo que si hubiera trabajado con grafía hecha a mano (aunque fuera de manera digital), hubiera funcionado mejor. Este boceto tenía como intención nada más que la presentación de los personajes, ya que luego se relataría a modo de una serie. En general este trabajo no me gustó en cuanto a cómo fue realizado. Las letras no me parecen adecuadas. Dos Hermanas, bocetos presentación Sí me gustó, el efecto que quedaba en algunos de los diImágenes digitales bujos que modifiqué, como los ejemplos de hermana me1,50 mt de alto, 2 mt x 1,30 de base nor, que fue un trabajo de filtros por medio de Photoshop. Primer semestre 2010

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Dos Hermanas, bocetos Imรกgenes digitales

1,50 mt de alto, 2 mt x 1,30 de base Primer semestre 2010

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El proceso de dibujo llevado a cabo en pequeños formatos (páginas de 15 cm x 20 cm), lleva a enfrentarse a una dificultad mayor: buscar reproducir los detalles del hueso pero en una escala distinta, donde el dibujo sea de un gran tamaño en relación a mi propio cuerpo y estatura.

mensiones en las imágenes). Además de la necesidad de que en el dibujo no participara sólo la mano con toda la extremidad superior, sino, todo el cuerpo. Tuve que desplazarme constantemente para poder realizarlo, y acomodarme a cada parte que iba dibujando.

Junto con ello se pone en juego el conocimiento real que se tenía de los mismos, a través de la escala ya mencionada y el poder lograr que las partes que componían los huesos fueran comprendidas en cuanto sus depresiones, forados e incisuras, por quienes observaran estos dibujos.

En Doña Ulna, me fijé en más estrías que poseía el hueso, las que no son vistas si es que no se lo está observando detalladamente. Esto produce que en este formato, quien vea el dibujo pueda darse cuenta (aunque nunca hubiera visto una ulna en su vida) de la existencia de estas rugosidades. Como los dibujos estaban ubicados en los pasillos de la casa que ocupamos como Instituto, la mayoría de quienes se encontraban ese día se toparon con ellos. Entonces, una de las cosas que además destaco de esta experiencia, es que a través del dibujo en un formato que no estaba acostumbrada a realizar, se pudo hacer partícipe a los demás de mis observaciones, que en formatos pequeños era más fácil pasar por alto.

Entonces ahora el trabajo inicial se vuelve más denso y complejo, ya que el tamaño del dibujo también se vuelve parte importante del proceso. Ya no es un mero estudio detallado de una pieza, que se dibuja casi en escala 1:1, sino, se presenta incluso de mayor altura que la mayoría de quienes lo vieron como espectadores (este trabajo se presentó en el Instituto de Arte, ver especificación de di-

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DoĂąa Ulna

Dibujo lĂĄpiz grafito 6B y 8B Papel de 1.80 mt de alto x 1 mt de ancho Primer semestre 2010

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En Don Húmero, quise hacer una relación entre el blanco del papel de “fondo“ con el interior del dibujo. Por ello, es que los brillos del cuerpo del hueso fueron los que tomaron relevancia, haciendo que el mismo resaltara más del papel, por medio de la sombra que daba cuenta de las curvaturas y volúmenes. Los detalles que en el otro hueso se observaron, en este dibujo se concentraron en las epífisis (las zonas de articulación, en este caso). Con esta explicación, lo que sale a relucir es que los dos dibujos poseen distintos tipos de observaciones, y en ambos, por sus dimensiones, se logra compartirlas con el espectador de una manera más eficaz. Con este trabajo, entonces, se da a conocer en más detalle qué es lo que me interesa de los huesos, como estructuras que poseen una conformación determinada que es particular en cada

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vertebrado, en este caso, en los humanos. Me interesan como vestigios, las formas que poseen que nada tienen que ver con las de los instrumentos tecnológicos que nos rodean. Por ello, es que más que la caricatura o representación, prefiero ocuparlos como modelos según su conformación real.


Don HĂşmero

Dibujo lĂĄpiz grafito 6B y 8B Papel de 2 mt de alto x 1 mt de ancho Primer semestre 2010

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Ulna

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Pigmentos sintĂŠticos en polvo, huevo, extracto de nogal Papel hilado de 140 gr de 27 x 37,5 cm Primer semestre 2011


Hueso animal

Pigmentos sintĂŠticos en polvo, huevo, extracto de nogal Papel hilado de 140 gr de 27 x 37,5 cm, pintura de 1/2 del papel Primer semestre 2011

VĂŠrtebra animal

Pigmentos sintĂŠticos en polvo, huevo, extracto de nogal Papel hilado de 140 gr de 27 x 37,5 cm, pintura de 1/4 del papel Primer semestre 2011

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Ulna, ejercicio

Pigmentos sintĂŠticos en polvo, huevo, extracto de nogal Cartulina, 1/4 de pliego Primer semestre 2011

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Costilla animal, ejercicio

Pigmentos sintĂŠticos en polvo, huevo, extracto de nogal Cartulina, 1/4 de pliego Primer semestre 2011

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Al llevar los huesos a la pintura, se explora otra dimensión, en la que partí haciendo fondos de un solo color, para ver cómo interactuaban de otra manera, a diferencia de los huesos hechos anteriormente que estaban sobre fondos blancos. Como el fondo de un sólo color era similar a que el fondo fuera blanco (o incluso, era más complejo que éste fuera de un solo color, ya que producía la sensación de estar sobre una superficie indefinida), es que decidí comenzar a pintarlos sobre telas. Mi idea primera fue hacerlo sobre telas de ropas cotidianas, hice una primera prueba sobre un calzón. Pero después, preferí hacerlo sobre otras, como un cubre-almohada, luego (a recomedación de Peter) sobre un overol, después una chaqueta y al final en una camisa. A pesar de ello, el tipo de encuadres que hice no dejaban saber a qué tela pertenecía el fragmento pintado. Esto sucedió porque mi interés era el retrato del hueso más que de toda la tela; si lo hubiera hecho así, los huesos hubieran tenido que ser de tamaño muy reducido. El sentido que buscaba con hacerlo sobre estas superficies, era relacionar los huesos con algo del cotidiano, para dar a entender que estos podían ser parte de nuestra vida. No es tan así como la idea de que uno haga adornos con huesos y los ubique en su casa, como sucedió durante el siglo XVIII en la imaginería barroca (cosa que de todos modos sucede, pero no con huesos humanos; por ejemplo se hacen collares con huesos de animales tallados). Me interesan particularmente los huesos humanos porque si trabajara sólo con los de animales, tendería, quien vea mi trabajo, a no relacionarlo consigo mismo. De hecho, el que haya pintado huesos de animales es sólo porque los de personas que poseo, con el barniz habían tomado un tinte amarillento y brillante; en cambio, los de animales al no ser tratados y haberse blanqueado con el sol, poseían otra manera de acercarme a ellos,

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Cuando trabajé los huesos con fondos de colores más saturados en relación a la vista, también me interesaba provocar un contraste entre ambos, “figura y fondo“. Ello era porque me parecía interesante que los colores que se ocupan cada cierto tiempo, tanto sea en la moda popular como en la publicidad, y que los asocian a la juventud, la alegría, sean acompañadas de huesos que llegarían a significar, para el común, la muerte, o el vestigio de algún ser que se movió y pudo hacer y pensar cosas similares a nosotros. Es, en este sentido, una postura parecida a la que se daba con las Vanitas del barroco holandés, donde se mostraban los lujos de la época, en conjunto con cráneos, bichos, burbujas, etc, que vendrían a significar que todos estos lujos son pasajeros. De todas maneras, las ropas no son los lujos de nuestros días, sino, como ya lo repetí, son representaciones de lo cotidiano (aunque, no de la mejor manera, quizás). En general, me gusta la idea de volver los huesos humanos en cotidianos, y es quizás más simple que las vanitas. Porque, a pesar de que los huesos recuerdan nuestra muerte, las pinturas que he hecho no están cargadas de simbolismos. Los huesos aún se mantienen, en este sentido, como objetos de estudio. No es porque el interés no exista, sino, más bien, porque hasta ese momento no sabía bien cómo abordarlo. Puedo decir que el objetivo de volver cotidianos los huesos, por lo menos lo conseguí con mi familia, los que ya han hasta tomado té alrededor de ellos.


Huesos animales, ejercicio

Pigmentos sint茅ticos en polvo, huevo podrido, extracto de nogal Cart贸n forrado, 1/4 de pliego Primer semestre 2011

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Radio y talo, ejercicio

Pigmentos sintĂŠticos en polvo, huevo, extracto de nogal Cartulina, 1/8 de pliego Primer semestre 2011

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Clavícula y hueso del pie

Pigmentos sintéticos en polvo, huevo, extracto de nogal Madera terciada, 1 mt x 0,5 mt Período entre semestres. 2011

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Cráneo y fémur

Pigmentos sintéticos en polvo, huevo, extracto de nogal Trupán, 40 cm x 40 cm Período entre semestres, 2011

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Huesos presos (miembro superior)

Imágenes digitales Archivo JPG, 50 cm de ancho, 105 cm de altura. 300 pixeles/pulgada 5906 pixeles de alto, 12402 de ancho Período entre semestres 2011

Luego de hacer estas composiciones como pinturas, me interesó retomar los huesos como personajes, relacionado en algún punto con los bocetos de las Dos Hermanas, pero con otro sentido. Para

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ello

quise

usar

la

idea

de

las

fotogra-

grafías de presos, que se utilizan para mantener un archivo, donde se especifican sus crímenes. La idea era dar cuenta de que estos huesos están suspendidos de su proceso natural, su descomposición no sigue en curso debido a todo un tratamiento que se les


Huesos presos (miembro inferior)

Imágenes digitales Archivo JPG, 65 cm de ancho, 125 cm de altura. 300 pixeles/pulgada 7677 pixeles de alto, 14764 de ancho Período entre semestres 2011

debe realizar para convertirlos en objetos de estudio. Así, quien trabaja con ellos se vuelve en su “captor“: entonces, su captora sería yo. Los huesos son parte de un sistema, donde todo funciona como un engranaje. Del mismo modo, el sistema social funciona así,

donde se nos inserta en el sistema actual, dándonos a cada uno de nosotros un rol dentro de la sociedad del que prácticamente no se puede intentar escapar.

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Transición

Video digital, película AVI Autores: Noelia Araya, Neva Serey Uso de témpera, masking tape, red de plástico (utilizada para las obras de construcción de edificios, reparación de calles, etc) Resolución 720 x 480 Participación de Noelia Araya Segundo semestre 2009

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Nest

Video, película Quicktime Autores, Matías Escobar, Neva Serey 1920 x 1080, Apple Intermediate Codec Actuación de Matías Escobar Primer semestre 2010

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Este trabajo partió por la sola idea de hacerle un regalo a un amigo que se había ido del país por un tiempo. Fue, como idea primera, una especie de broma; él me pidió que le hiciera un retrato, y yo le contesté q lo haría con huesos y carne. La idea me empezó a gustar cada vez más, así es que aproveché de comenzar a utilizar el programa Corel Painter para hacerlo de manera digital. Me gustó bastante el resultado de esta prueba, por lo que pensé, luego de enviarle el archivo, en hacer uno de mí. Pero, esta vez no sería una pintura total de mi rostro, como en este caso, sino que utilizaría una fotografía y la pintaría encima, con el mismo sistema. Luego entramos a clases, dejé esa pintura en reposo, y al final nunca la terminé. Pero, me gustó como quedó, por lo menos como ejercicio primero de pintura sobre fotografía, que es lo que después empecé a trabajar. Como ya expliqué, toda esta idea comenzó como algo divertido. Quizás por eso me agrada más que otros trabajos. Siempre quise trabajar con cosas que me parecieran graciosas, peropor lo general terminaban saliéndome serias. Creo que también, según lo que luego vi en las encuestas, para algunos sigue siendo así de serio. No me refiero tampoco que este trabajo sea pura entretención; me refiero a que quería que fuera algo gracioso para mí. Porque el tema que en el fondo estoy tratando de dar a entender, no es ni gracioso, ni serio, sino, es una realidad de la que me parece que se tiende a olvidar. Los colores saturados que utilicé, también tienen que ver con ello, ya que además de producir un contraste entre la imagen y su color, produce también un contraste entre “lo serio“ que es un sujeto descarnado con “lo alegre” que nos sugieren los colores. En general no me gusta atribuírle cualidades que tengan que ver con nuestros estados de ánimo a los colores, lo alegre lo menciono porque en la publicidad, por

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Mati

Imagen digital - pintura digital Retrato MatĂ­as Escobar U. Corel Painter 12, Photoshop CS5 Archivo JPG, 50 cm de alto, 30 cm de ancho., 300 pixeles/cm 3542 pixeles de alto, 5904 de ancho PerĂ­odo entre semestres 2011

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Yo

Imagen digital-pintura digital en proceso Autorretrato Corel Painter 12, Photoshop CS5 Archivo JPG, 46,06 cm de alto, 34,54 cm de ancho, 300 pixeles/pulgada 5440 pixeles de alto, 4080 pixeles de ancho PerĂ­odo entre semestres 2011

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lo menos, esos colores en general se utilizan como sinónimo de juventud, vivacidad, una vida feliz (como expliqué ya en el trabajo de las Dos Hermanas). En los rostros, los pinté primero con colores que tuvieran que ver con la descomposición, o por lo menos con la piel amoratada. Estos son el morado, el verde, el verde amarillento, el rojo, y también usé el blanco para crear el efecto de resaltar la mirada, los dientes y producir brillos en la piel. Es algo parecido a lo que el pintor Lucian Freud realizaba para pintar las pieles. Los videos Transición y Nest los muestro como antecedentes de estos trabajos; el primero porque era la representaión de la putrefacción. El segundo porque la idea era mostrar el momento previo al nacimiento. Peter me recomendó que de nuevo revisara los estudios anatómicos de Leonardo Da Vinci (anteriormente lo había hecho para el trabajo de los huesos por sí solos). Entonces, tomé el dibujo que había hecho de las costillas y el del cráneo, los modifiqué y deformé con Photoshop, y los puse en algunas de las imágenes siguientes. Cuando empecé ya con esa etapa, comencé a encontrar los temas que me interesaban y el por qué había realizado esas primeras imágenes; ahora, lo que quería hacer notar era que existe una conexión entre nuestra existencia como seres vivos, y de lo que nos alimentamos, como omnívoros que somos. Tengo claro que existe mucha gente que no consume carne, incluso yo misma he dejado de consumirla casi por completo. Pero, a lo que voy, es que a pesar de que tampoco consumamos esa carne, nos alimentamos de muertos de todos modos. Porque cuando morimos, nos convertimos en tierra orgánica (y si somos cremados, seremos carbono que es fundamental para que exista la vida; tomemos en cuenta que es el elemento que existe en mayor abundancia), en la que vivirán insectos, crecerán plantas tanto comestibles como no, se alimentarán los herbívoros, algunos de ellos serán carneados y se convertirán en nuestro alimento, o serán el alimento de otros depredadores, o serán también tierra orgánica que nutrirá las plantas que consumamos. Por ello, mi trabajo se relacionaba con las vanitas, ya que intenta hacer recordar que existe un mecanismo en que la vida y la muerte están siempre en relación; y también, se relacionaría con la vanidad que algunas personas vieron en mi trabajo, o también la alegría -que relaciono con lo efímero-. Una frase como “serás lo que comes” podría ayudar a entender a quien vea la imagen a qué era lo que yo me refería, quizás, que notara que el fondo en realidad es carne fresca; carne que tiene la misma composición que nuestros propios músculos. Pero también me interesa que siga manteniendo las distintas siginificaciones que les dieron las personas en las encuestas a las imágenes que les mostré. Hasta el momento, este grupo de imágenes llevan por nombre “Caras muertas”

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Jo

Imagen digital Retrato Jorge Vivar C. Corel Painter 12, Photoshop CS5 Archivo JPG, 44,05 cm de ancho, 56,93 cm de alto, 300 pixeles/pulgada 5185 pixeles de ancho, 6702 pixeles de alto Segundo semestre 2011

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Fanny

Imagen digital-pintura digital Retrato EstefanĂ­a Osses V. Corel Painter 12, Photoshop CS5 Archivo JPG, 45,03 cm de ancho, 61,81 cm de alto, 300 pixeles/pulgada 5319 pixeles de ancho, 7300 pixeles de alto Segundo semestre 2011

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Glo

Imagen digital - pintura digital Retrato Gloria Rojas A. Corel Painter 12, Photoshop CS5 Archivo JPG, 32,17 cm de ancho, 58,17 cm de alto, 300 ples/pulgada 3800 pixeles de ancho, 6871 pixeles de alto Segundo semestre 2011

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Arturo

Imagen digital - pintura digital Retrato Arturo Figueroa R. Corel Painter 12, Photoshop CS5 Archivo JPG, 50 cm de ancho, 82,79 cm de alto, 300 pixeles/pulgada 5906 pixeles de ancho, 9778 pixeles de alto Segundo semestre 2011

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Pablo

Imagen digital - pintura digital Retrato Pablo M. Stevenson Corel Painter 12, Photoshop CS5 Archivo JPG, 47,58 cm de ancho, 66,54 cm de alto, 300 pixeles/pulgada 5620 pixeles de ancho, 7859 pixeles de alto Segundo semestre 2011

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Nao

Imagen digital - pintura digital Retrato Naomi Serey C. Corel Painter 12, Photoshop CS5 Archivo JPG, 45,83 cm de ancho, 66,23 cm de alto, 300 pixeles/pulgada 5413 pixeles de ancho, 7822 pixeles de alto Segundo semestre 2011

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Hueso carne

Carne que venden como churrasco., trupรกn, esmalte al agua. Trupรกn, 35 cm x 40 cm Segundo semestre, Enero 2012

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Mati

Impresión en tinta, trupán, esmalte sintético 20 cm x 30 cm. Segundo semestre, Enero 2012

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Contorno húmero

Hilado 9, tinta 5 cm x 3 cm Primer semestre 2011

Mati

Impresión en tinta, trupán, esmalte sintético Filtro digital 20 cm x 30 cm. Segundo semestre, Enero 2012

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Los últimos tres trabajos, se realizaron para producir una relación con la carne que fuera distinta a la realizada anteriormente; lo que sucedía, era que existía la duda con respecto al por qué de ese tipo específico de carne, que era parecida a la que venden en los supermercados lista para ser consumida. Otro problema que se producía también, era la saturación del color de fondo, que en algunos casos producía que se perdiera la noción de que ésta era carne, y que algunas fotografias fueran demasiado sacadas en macro, que hacían parecer que se estuviera en un “mar de carne“. Para que dejara de parecerse a la carne de supermercados, realicé algunas ideas que tenía desde antes. La primera fue la de pintar la carne, pero, en el ejemplo que hice, además puse carne de churrasco, que es un tipo de carne molida y luego comprimida para que quede en láminas; la presentación primera de ésta, en realidad no es muy apetitosa: después de ser cocida, toma ese tono café característico de la carne. Pero yo la utilicé cruda, y luego la pinté encima con esmalte al agua. Además uní la idea de crear un hueso a través de su contorno, que había tratado de realizar con anterioridad, como puede verse en el dibujo en tinta que está acá a la derecha, además de las recomendaciones dadas por Peter. El ejemplo siguiente, mantuve la idea de quitar el hueso, y que se formara a través del contorno que producía el trupán, por el color que además este tiene. Hice 3 pruebas, una de ellas con un filtro digital, que en realidad salió al azar cuando manipulaba el programa, pero, me interesó porque era como una radiografía de los cortes que yo había hecho: parecía una cabeza ósea, como yo quería que sucediera. Y además, se relaciona con el dibujo en tinta que puse a su lado. Finalmente, otro modo de trabajar la carne la pensé como los genitales femeninos, que tienen apariencia de carne, como quizás también sucede en la piel de

dentro de la boca. Pero escogí en específico esta parte del cuerpo porque justo coincidió que una amiga que conocí en Kinesiología (Danitza Leiva) me habló acerca de una clase en la que les mostraron un video de los genitales femeninos al hacer abdominales, y que cuando se realizan, pocas personas saben que el no apretar los músculos de esa zona, les puede traer problemas futuros como prolapsos, incontinencia urinaria, la pérdida de la capacidad de tener orgasmos. Además, como nuestros proyectos estaban en el contexto de la Facultad de Educación en Sausalito, me pareció adecuado hablar de un tema que poca gente tiene conocimiento, porque también la anatomía genital femenina por lo general no se muestra con naturalidad (si no es casi un tabú, se muestra en contextos como fotografías o películas porno). Los abdominales, los relacioné con “la belleza“, en cuanto al canon establecido el día de hoy, donde los estómagos abultados o con adiposidad en las mujeres son poco aceptados. Si una mujer intenta por su propia cuenta ejericios para mantener su abdomen plano, es posible que se provoque un daño que no tenía idea que podía suceder. No he tenido la experiencia de conocer a algún entrenador físico de gimnasio, pero sí en los colegios se realiza educación física, los abdominales son ejercicios físicos comunes, y nunca escuché a algún profesor que nos explicara que podía sucedernos eso. Por ello es que hice mi reinterpretación de lo que ese video podría haber sido. Le puse filtros de colores para relacionarlo con la carne que había trabajado con anterioridad, y ello fue para también diferenciar un ejercicio del otro. Como no he terminado ese video, una de mis ideas era ponerle algunos escritos entre medio, para que se entendiera de qué se trataba el video; algo así como correcto e incorrecto, según estuviera el ejercicio bien o mal hecho. Mi propuesta, en este caso es más que la denuncia, ya que se buscaría enseñar algo que todas las mujeres debiésemos saber. En la imagen del video, a la izquierda está el ejericio mal realizado, y en la derecha bien.

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Después de un orgasmo

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Pigmentos sintéticos en polvo, huevo, extracto de nogal Sin terminar Trupán, 35 cm x 40 cm Segundo semestre, Enero 2012


La belleza abdominal en el piso p茅lvico

Video, pel铆cula Quicktime 1920 x 1080, Apple Pro Res HQ Participaci贸n an贸nima (if you know what I mean) Segundo semestre, Enero 2012

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Lo choro de estudiar Arte

FotografĂ­as digitales Archivo JPG, 12,18 cm de alto, 25 cm de ancho., 200 pixeles/pulgada 1439 pixeles de alto, 1969 pixeles de ancho Segundo semestre, Enero 2012

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Estos afiches se me ocurrieron después de la actividad final en Sausalito que se encuentra en el anexo. Una profesora de Kinesiología, que alguna vez me hizo clases, preguntó acerca de la carrera que ahora estudiaba, y al saber que era Arte, dijo -”¡Qué choro!”. Son como esos comentarios que dicen que estudiar eso es lindo, entretenido, y le restan importancia a lo que el estudiarlo significa. Como justo había estado trabajando con la piel genital, me pareció gracioso hacer la relación entre lo “choro-divertido-entretenido“ de estudiar Arte, y el “choro“ que se refiere a los genitales femeninos en jerga popular. Lo filtros los utilicé nuevamente en relación a los colores que me interesan por provocar contraste con lo que se está mostrando, al existir la relación de estos colores como utilizados en la publicidad, y la imagen que es algo que no se muestra con habitualidad, y menos en una publicidad. Además estas fotografías se relacionan bastante con la carne también, por lo menos como formas, brillo y color. Estos afiches están hechos para pegarlos en el Campus Sausalito, pero eso no significa que puedan ser pegados en otro lugar, ya que en otro contexto también se puede entender.

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Elemental ¿Por qué la gente no deja de ser atractiva y de pensar que es atractiva, y de querer ser atractiva, y comienza en cambio a ser más elemental? Puesto que el hombre está hecho de los elementos fuego, y lluvia, y aire y tierra viva y ninguno de éstos es atractivo sino elemental,

Proyecto final

está desequilibrado al lado de los ángeles Quisiera que los hombres recobraran su equilibrio entre los elementos y fueran un poco más ardientes, tan incapaces de mentir como el fuego. Quisiera que fueran fieles a su propio movimiento, como el agua, que pasa todas las etapas de vapor, y río y hielo sin perder su naturaleza Estoy enfermo de las gentes atractivas, de algún modo, son falsas D. H. Lawrence

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Como proyecto final, decidí trabajar imágenes para convertirse en gigantografías. Estas se trabajaron con mayor minuciosidad, debido a que en el tamaño que tienen, se notan todos los detalles. Lo que resultó después de la versión anterior, técnicamente, fue que la saturación que poseía la carne como filtro, fue reducida en opacidad. Así se nota más fácilmente lo que es. Además de ello, la carne fotografiada era una pieza congelada y guardada en bolsa en el refrigerador; eso significa, que esta carne mantenía la forma comprimida, lo que le confería una forma distinta a la del bistec listo para ser consumido; esta compresión se relacionaba con la carne de churrasco que utilicé en un ejercicio anterior. Ahora, de manera conceptual, hubo cosas que que resultaron de la experiencia pasada. La parte en la que trataba los huesos, ya dejé de dibujarlos y pintarlos con el programa, porque me di cuenta de que el haber trabajado anteriormente con los huesos de Da Vinci, y haberlos modificado, ya tenía una carga lo suficientemente potente. He visto que aún en los block de dibujo para estudiantes de colegio, salen imágenes con el cánon de la estructura corporal que Da Vinci realizó en el Renacimiento. Como la información que se da acerca de estos estudios es muy general, y podría decir que nula, uno tiende a pensar que existe en el mundo alguien que posee esas medidas perfectas, e incluso nos comparamos con las mismas. El problema de ello, es que hace pensar que para el dibujo del cuerpo humano uno debería seguir esas reglas, y hacer calzar la realidad poco menos que a la fuerza. En el Tratado de Pintura, Leonardo explica que lo que hace al sacar esas medidas, es un promedio. Y junto con ello debemos considerar que la realidad antropológica de esos años y esa zona donde fueron hechos sus estudios, ha cambiado con los años, y es distinta para cada lugar del mundo. Por ejemplo, el cráneo que usé de él, me parece que tiende demasiado a una forma rectangular. Lo que hice entonces, fue invertir esta relación en la que aún se enseña, por lo menos en los colegios, a seguir el número de oro, y a estudiar las proporciones humanas como si fueran la realidad. Esta inversión la realicé al deformar el cráneo para adecuarlo a los rostros que estaba utilizando, que son de personas que tienen distintos rasgos entre ellos (todos son mis amigos). Y, además de ello, agregué fotografías de mi colección de huesos, que también adecué al tamaño de estos rostros.

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Nao

Imagen digital - pintura digital Retrato Naomi Serey C. Corel Painter 12, Photoshop CS5 Archivo JPG, 180 cm de alto, 100 cm de ancho, 100 pixeles/pulgada 3937 pixeles de alto, 7087 pixeles de ancho Segundo semestre, Enero 2012

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Mati

Imagen digital - pintura digital Retrato MatĂ­as Escobar U. Corel Painter 12, Photoshop CS5 Archivo JPG, 180 cm de alto, 100 cm de ancho, 100 pixeles/pulgada 3937 pixeles de alto, 7087 pixeles de ancho Segundo semestre, Enero 2012

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Pablo

Imagen digital - pintura digital Retrato Pablo Stevenson Corel Painter 12, Photoshop CS5 Archivo JPG, 180 cm de alto, 100 cm de ancho, 100 pixeles/pulgada 3937 pixeles de alto, 7087 pixeles de ancho Segundo semestre, Enero 2012

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Anexo: Sausalitar La propuesta de Peter como Seminario, fue que nuestro campo de acción estuviera en Sausalito, en Viña del Mar. Particularmente, a mí me pareció una gran coincidencia y me causó gracia que ese fuera el lugar elegido, porque era un lugar que había odiado durante mucho tiempo; Kinesiología está en ese Campus, y mientras estuve ahí no tuve la mejor experiencia. Anteriormente había tenido actividades de observaciones de espacios, algunos con pequeñas intervenciones como puede notarse en algunos de mis trabajos. Pero, acercarse “en serio“ es otro cuento, sobre todo si es que uno no ha interactuado tanto con las demás personas en sus preocupaciones anteriores. Los primeros acercamientos fueron más bien tímidos, caminando alrededor de la laguna, observando las viviendas alrededor del Campus, hasta fui al cementerio que queda por ahí cerca, el de Santa Inés. Luego vino la proposición de poner los proyectos sobre la mesa, que se trataba de hacer una especie de stand para un día en particular, y presentar nuestros trabajos como proyectos para ver cómo funcionaba con las personas. Para ello, anterior a la fecha, realicé 50 encuestas con algunas de las imágenes que intentaba presentar como proyecto final. Estas encuestas, tenían como finalidad saber qué era lo que interpretaban de mi trabajo, y si era muy alejado de lo que yo pretendía mostrar. Como estamos a fin de semestre, algunas personas contestaban lo más rápido posible; otras eran más escépticas y preguntaban de qué se trataba, y otras se interesaban al saber que era una estudiante de Arte. Varias también creyeron que era un estudio psicológico. Luego de ello, fui anotando mis resultados diarios (terminé esta actividad en 4 días), e hice un gráfico. Una de las cosas que me interesaba, era cuando me dejaban comentarios escritos en la encuesta (dispuse un espacio para ello)

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vyo proponían otros conceptos para describir las imágenes. Luego de ello, pensé en la manera de hacer que las personas dieran su opinión, de manera más rápida. Ahí se me ocurrió llevar unas especies de voto, donde las personas debían marcar su preferencia de si el proyecto era o no de su interés. Mi idea era hacer esta actividad con las gigantografías impresas, pero, como hubo un cambio de fechas, no logré hacerlo así. Por eso, confeccioné un pequeño folleto, que se lo hacía leer a los votantes, los que luego votaban. Estos votos los fui pegando en un ventanal. La mayoría votó porque sí les interesaba, y aunque podría volverme paranoica pensando que votaron así por cortesía, me quedo con la sensación que me causaron algunas personas, que realmente estaban interesadas, me hacían más preguntas con respecto a la idea, me preguntaban la fecha de exposición, etc. El folleto resumía todas las temáticas que yo creía que tocaban mi trabajo, en conjunto con lo que las personas habían interpretado y que me interesaron como postura. A pesar de que la actividad funcionó bien, como siempre quedé con la sensación de que podría haber hecho más; en general, cuesta bastante que me conforme con las cosas que hago. Pero como trabajo en grupo, me pareció una buena experiencia.


Primer día encuestas 12.01.12

Segundo día encuestas 13.01.12

De un total de 50 encuestas a realizar, se hacen 15. En la tarde, entre las 18:30 y las 19:30. Se realizan 7 encuestas más, entre las 18:00 a las 19:30 hr. Hay poca gente, y la que está en Los conceptos agregados por las personas encuestadas son los siguientes:

grupos, estudia.

• Estudio anatómico del cuerpo humano (osteología) – Anatomía cuerpo humano • Transparencia (ser tal como eres)

Los conceptos agregados por las personas encuestadas son los siguientes:

• La realidad

• Muerte como momento universal • Un mismo fin par todos

Comentarios escritos:

• Interior v/s exterior

• Genera nervio, me inquieta

• Mirada clínica

• Ninguna alternativa representa lo que pienso o asocio, marqué la que más se aproxima (La

• Imageneología

muerte – lo descarnado). Este comentario es de un profesor, lamentablemente no me dijo qué

• Radiografía

pensaba.

Anexo: Al parecer una de las encuestadas no entendió el método que propuse en la encuesta, sus respuestas fueron las siguientes (en relación a Fanny):

• Lo inquietante – lo siniestro: Ojos • Lo grosero: Mentón • El miedo: Al lado de los ojos • Lo gracioso: Vértebras • Lo banal: Mentón • Ciclo de la vida: Cráneo • La muerte – lo descarnado: Dientes • Cirugías estéticas: Pómulos • Lo desagradable: Nariz • El contraste: Quijada • La felicidad: Frente

Anotaciones frente la experiencia: • Por lo menos 3 personas creyeron que estudiaba Psicología. • Los funcionarios no académicos (portería) tienen prohibido contestar encuestas. • Sólo me acerqué a personas que no estaban estudiando (época de exámenes) • Es una experiencia en la que uno se siente bastante vulnerable.

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Tercer día encuestas 14.01.12

Cuarto día de encuestas 16.01.12

Se realizan 17 encuestas más, entre las 10:00 hr y las 13:00 hr. Hay poca gente, algunos de un

Se realizan 11 encuestas más, entre las 19:00 hr y 20:00 hr. Hay bastante gente, pero toda ocu-

grupo que estudia para terminar a pedagogía para colegios técnicos, otros haciendo trabajos, y

pada estudiando.

otros rindiendo pruebas. Los conceptos agregados por las personas encuestadas son los siguientes: Los conceptos agregados por las personas encuestadas son los siguientes:

• Anatomía

• Alegre

• Corporeidad

• México (no en su connotación negativa)

• Materia

• El interior de la persona

• Lúgubre

Anotaciones frente la experiencia:

Comentarios escritos:

• Hubo más personas que creyeron que estudiaba Psicología

• Una persona que anota “Ciclo de la vida”, agrega “aparte no es una imagen que me parezca

• Una profesora que estaba muy apurada, relacionó con México el trabajo (Fanny), por su rela-

desagradable, sólo natural”

ción con la concepción de la muerte. • Hubo más personas que preguntaron el por qué de la encuesta, y se produjo un diálogo entre ellos y yo, y así me enteraba qué estaban haciendo ellos también. • Este día, cortaron el pasto, y limpiaron la Universidad en general

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El poema de D. H. Lawrence, lo puse porque habla de la humanidad en relación a su entorno; así como hablo de que existe una reciprocidad con el medio en el que vivimos, el autor lo describe a través de la naturaleza y los elementos; para este folleto sólo puse esa parte porque como sabía que las personas que lo leerían no tendrían el tiempo suficiente, quise ser lo más resumida posible. El poema, al hablar de que las personas deberían dejar de querer ser atractivas (en su versión completa, aunque en el extracto ello también se puede deducir), y que debieran volverse elementales, está tratando de una manera el tema de las vanitas, a las que ya me referí de manera general. Pero, además de ello, propone que como humanidad nos conectemos con aquello que nos rodea, y que está conformado por los mismos elementos que nuestra propia corporalidad. Me interesó además poner este poema porque, como ya expliqué, hubo varias personas (encuestadas o no) que interpretaron de mi trabajo que también hablaba de la relación entre lo que uno muestra, y lo que uno es; de esa misma manera, el escrito habla de este descalce que se produce en las personas por querer pertenecer a una tipología (la “atractiva“), que podría pensarse que realmente viene dada desde afuera y no es personal: porque, si lo fuera, pertenecería a lo elemental, por ser parte de nuestra naturaleza. En general este folleto creo que podría haber sido mejor hilado con respecto a las ideas que presentaba. Pero, gracias a éste fue que me di cuenta del por qué realmente estaba usando los dibujos de Da Vinci, y también que me interesaba que mi trabajo se viera afectado por las sugerencias de los demás, como fue que sucedió con las encuestas, y lo que escuché de las otras personas.

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Registro actividad “proyectos sobre la mesa“

Fotografías tomadas por Peter Kroeger Participantes: Noelia Araya, María José Arias, M. Paulina Godoy, Paula Lopez, Neva Serey, Francisca Tobar Segundo semestre, Enero 2012

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Registro actividad “proyectos sobre la mesa“ FotografĂ­as tomadas por Paula Lopez D Estos registros son de mi trabajo personal. Segundo semestre, Enero 2012

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Bibliografía

- Freud, Sigmund. Lo siniestro. Ensayo. 1919.

- Kayser, Woflgang. Lo grotesco. Su realización en la literatura y pintura. La balsa de la Medusa. España. 2010.

- Ariès, Philippe. Morir en Occidente desde la Edad Media hasta nuestros días. Adriana Hidalgo editora. Buenos Aires, Argentina. 2000.

- Benavente, Carlos Alberto. La rebelión contra el cuerpo. Acerca de la introducción del cadáver en las prácticas artísticas contemporáneas. Tesis de grado. Facultad de Artes, Departamento de Teoría e Historia, Universidad de Chile. 2005.

- Gonzáles García, Ángel. Leonardo da Vinci: tratado de pintura. Serie Fuentes de Arte 1 Akal. España. 1995.

- Lawrence, David Herbert. Poemas escogidos. Visor. Madrid, España. 1982.

- Praz, Mario. Vanitas. Sentidos del Barroco, Vértebra: Revista de Artes, Literatura y Crítica. Número 10. Santiago, 2005

- Almagià, Atilio. Maffet, Claudio. Principios anatomía funcional del sistema locomotor. Edición 2005, para la carrera de Kinesiología en la PUCV.

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Índice

Máscaras

Páginas 6 - 7

Cabeza tela Imágenes digitales Esculturas

Página 9 Páginas 10 - 13

Cabeza roja

Páginas 14 - 15

Cabeza ósea

Páginas 18 - 19

Don Cráneo rojo

Páginas 20 - 23

Estudios anatómicos “peso-volumen“

Páginas 24 - 29

Posición anatómica

Páginas 30 - 31

Homenaje a Micaela Cáceres viuda de Gamboa

Página 33

Colecta

Página 35

Página 37

Escape

Huesarium Radio (pintura digital) Huesos extracto de nogal Huesos grafito Dos Hermanas Doña Ulna

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Don Húmero

Página 38 Páginas 39 - 43 Páginas 44 - 47 Páginas 48 - 49 Página 50 - 51 Página 52 - 53


Huesos pintados Huesos presos

Páginas 54 - 63 Páginas 64 - 65

Transición

Página 66

Nest

Página 67

Caras muertas

Páginas 68 - 77

Ejercicios huesos y carne

Páginas 78 - 80

La belleza abdominal en el piso pélvico

Página 83

Lo choro de estudiar Arte

Páginas 84 - 85

Caras muertas, proyecto final (ó, Igual todos vamos a morir) Sausalitar

Páginas 88 - 93

Página 102

Bibliografía

Índice

Páginas 94 - 101

Páginas 104 - 105

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Book final