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ArteArquitecturaComunicaciónDiseñoFotografíaGastronomíaJuegoMúsica No. 2, diciembre 2017 - febrero 2018 ¿Hay mercado para el arte?

¿Qué con las galerías?

¿Se administran adecuadamente?

Manuel Velázquez

Gasca y Velázquez

Castro  Estrada  Falhor  García  Gómez  Macías  Millo  Olmos  Salas Torralba


EDITORIAL inguno menos uno agradece la acogida y los buenos comentarios recibidos en torno a la aparición del No. 1 de esta revista/periódico o lo que sea. Asimismo, reconoce la inestimable disposición de sus colaboradores, solidarios todos con el proyecto. Galerías, cerámica, Klein, Rodríguez, los corales, Kant, Posada, algo sobre jazz y un poco más son nuestros temas en el No. 2, que se complementa con una edición de 25 ejemplares que incluyen la litografía original Posada tipográfico, firmada y numerada sobre papel Guarro, realizada en noviembre 2017 por EOV en el taller de Salvador Lorenzana.

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Elizabeth Olmos/Omar Gasca Ninguno menos uno Revista trimestral de diseño y tutifruti Año 1, No. 2, dic 2017/feb 2018 Dirección, diseño y maquetación: Elizabeth Olmos Vargas Edición y diseño: Omar Gasca Cuidado de la impresión: Porfirio Mendoza V. Colaboración y corrección de estilo: José Córdoba M. de P. y María Asa

¿Galerías? ¿Ir o no ir? Entrevista con Omar Gasca Elizabeth Olmos

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lo largo de los años se viene observando que el público de la Galería de Artes Plásticas de la UV se reduce a amigos, profesores y familiares del expositor. La sociedad en general no se ve involucrada, De esto hablamos.

¿A qué se debe la falta de público en la Galería AP?

DOS

No es un fenómeno que se limite a esa galería y tampoco es algo que se reduzca a la región o al país. Gracias a la actual naturaleza del arte, no siempre comprensible o amable a la “lectura”, pero también en virtud de que diversos medios y sistemas promueven otros valores, frívolos, banales e inocuos, las sociedades, el hombre y la mujer comunes, se alejan del arte. La galería no les dice nada o muy poco. ¿Qué se puede hacer al respecto? Las galerías son espacios complejos. En cierto modo se parecen al box: cualquiera se puede subir al ring pero no cualquiera puede permanecer exitosamente en él. Hay que entender que hacer exposiciones no es sólo colgar obras. Es necesario complementar las exposiciones con otras prácticas: un audiovisual, una entrevista con el autor o los autores, un documento de mano con algo más que una presentación escrita y, por supuesto, difusión en los medios, en las redes sociales, claro, además de una rueda de prensa y cosas así. Lo otro es educación pero, también, tratándose de una galería

El número anterior

Consejo editorial: Ixtacíhuatl Alpízar (Diseño/CDMX), Omar Gasca (Arte/Coatepec, Ver.), Roberto Macías (Música/Coatepec, Ver.), Alejandro Magallanes (Diseño/ CDMX), Andrés Mario Ramírez Cuevas, (Diseño/CDMX), Diego Salas (Literatura y Música/Xalapa, Ver.), Carlos Salvador Cárdenas (Diseño/La Paz, BCS), Adalberto Taffoya (Diseño/CDMX), Manuel Velázquez (Arte/Xalapa, Ver.). Colaboradores: Fernando Castro, Lizbeth Estrada, Falhor, Bibian Gómez, Roberto Macías, Millo Sketch Comics, Andrés Mario Ramírez Cuevas, Diego Salas, Manuel Velázquez. Ningunomenosuno es una revista de autor. Registros en trámite. Contenido, responsabilidad de quien lo firma.

universitaria, se tiene que pensar en la formación de públicos; en tener sesiones con invitados y presentarles obra, a modo de ir sensibilizando. Hay que invitar a gente de los colegios de arquitectos, de abogados, de médicos, pero también a los miembros de las cámaras de comercvio y similares y, claro, a la sociedad común. Lo otro son las políticas culturales que tanto a nivel general como a nivel universitario deben ser revisadas. Una galería debe trabajar sobre sus círculos de influencia; mantenerlos y crecerlos. ¿Es un problema, también, de recursos económicos por parte de la UV? El dinero cuenta, frecuentemente, pero problemas como éste tienen que ver más con la visión, con la filosofía, con cómo queremos formar ciudadanos y ciudadanía y qué tipo de sociedad queremos. El dinero cuenta, insisto, pero no siempre la inversión, los números, son directamente proporcionales a los resultados. Yo veo las cosas así: los espacios culturales requieren visión, experiencia, cultura, imaginación, ideas, audacia, mucha capacidad de trabajo y, sí, dinero. ¿Vincular a la universidad con el IVEC, con este instituto de cultura, ayudaría? Quizá. Toda idea de colaboración en principio es buena. Aunque hay que tener cuidado con la tramitología. De pronto es más fácil hacer las cosas por propia cuenta porque los enredos son frecuentes cuando participan varias instituciones. Sin embargo, sí, en principio la idea es buena. Pero, insisto, el mayor problema es de visión, de formación, de la cultura incorporada que tenga el sujeto o la institución que dirige o ►16


DE ROBERTO RODRÍGUEZ


Huésped /Manuel Velázquez

CUATRO

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on su exposición Huésped, en la Galería de Arte Contemporáneo del Instituto Veracruzano de la Cultura, Roberto Rodríguez vuelve su mirada a la casa natal, a los espacios internos, a las imágenes de intimidad, a la memoria y a la arquitectura. Sus imágenes se reconfiguran sin perder su sello; abandona la mirada al paisaje y al exterior para mirar hacia adentro. Rodríguez utiliza el doble significado de la palabra huésped, que representa al que aloja y al que es alojado. Su obra es la representación simbólica del vínculo que un individuo puede establecer con una morada, y por ende la capacidad para considerarla “su casa”, que no depende sólo de la ubicación o de la temporalidad sino de la relación que establece con ella quien la habita. La casa está dentro del espacio de la galería, que forma parte de la obra, ya que es en el espacio de la galería donde el artista desarrolla el concepto de huésped, de habitar; no sólo el espacio físico sino, también, los espacios de nuestra memoria. La galería se convierte así en un espacio habitable, escénico,

transitable. Es en el recorrido del espectador que la obra se hace presente. El público construye un recorrido por los tipos de espacios que el artista propone. Son espacios que habitamos y que nos habitan a través de la memoria. Las piezas que conforman la obra son elaboradas en su mayoría con materiales “pobres” reconfigurados por la mano del autor. El artista mantiene así su constante búsqueda por el tratamiento de las superficies mediante texturas, deterioros y pátinas. Esta indagación sobre el tiempo, del deterioro, de la memoria, es también acerca de lo propio y lo ajeno, del tiempo del artista y de su memoria. La casa que nos hace habitar Rodríguez no es la casa física sino la casa de la memoria, un lugar de intimidad. Es en las relaciones entre la materia y la memoria donde Rodríguez propone que toda casa real o imaginada es finalmente la imagen de una intimidad. Conoce tu casa, no más, y lo sabrás todo. De esta manera la casa y el universo se encuentran en la dualidad entre lo propio y lo ajeno, de la misma manera que Gastón Bachelard interpreta la casa como un contenedor universal, y viceversa


CINCO

Torralba, a propósito del aniversario de Posada José Córdoba Mayor de Parra

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e pedimos a Carlos Torralba un comentario sobre la importancia de José Guadalupe Posada. Nos respondió lo siguiente: “Llevo muchos años haciendo grabado y en principio nunca consideré a Posada como un icono para mi trabajo ni para el grabado mismo, pero siempre estaba ahí. Él siempre ha estado como el icono verdadero del grabador. Cuando te dedicas al grabado, como yo, poco a poco te vas alejando de la tradición y sin embargo reconoces a Posada como un ejemplo, como un emblema, porque Posada era grabador, cierto, pero era caricaturista, pintor, humorista, hacedor de portadas de libros, hacedor de revistas. Entonces, Posada realizaba muchas cosas que ahora mismo se están desarrollando en la gráfica. Hoy podemos hacer grabado tradicional y grabado expansivo; grabado utilitario, grabado ecológico... Entonces, Posada va a seguir siendo un ejemplo. “Por ahí alguien dice que Posada tenía más de treinta mil o cuarenta mil grabados. Era alguien que

Ya vas Jazz Diego Salas

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a historia puede darnos lecciones valiosas sobre el presente en todas las áreas, incluidas las políticas públicas relacionadas a la cultura. Cuando platico con mis alumnos sobre historia del jazz, y específicamente de la era del bebop (aquella emblemática época en la que salieron a la luz tipos con Charlie Parker, Thelonius Monk o Dizzy Gillespie), además de hablar sobre sus hallazgos estéticos y la tormentosa vida que los llevó a convertirse en una especie de mártires del jazz para las generaciones posteriores, me gusta detenerme en un punto poco comentado: el gran respaldo que le dio la generación Beat (también de esa misma época pero compuesta esencialmente por escritores) al movimiento. Un buen amigo suele decir que “en política nadie va solo”, tampoco en el arte. Las obras pueden gozar de una extraordinaria calidad artística, pero si no hay eco, es decir, si nadie las comenta, analiza, discute, compara o pondera, difícilmente podrá sobrevivir a los embates del tiempo y a la imparable producción de otros

Elizabeth Olmos: Posada tipográfico

sabía vivir de lo que hacía porque trabajaba en una imprenta. Fue alguien que cambio y generó discursos con el grabado. Era un nacionalista, pero sobre todo era un buen artista. Para mí sigue siendo importante que a Posada se le tenga como un buen ejemplo. No hay que arrinconar a Posada, él es mucho más que calaveras”

artistas afines. Aquella época puede ilustrarlo bien: el movimiento bopper no era sólo una vuelta de tuerca a los cánones estéticos posicionados desde la década anterior, también era una respuesta contracultural a la doble moral con la que Estados Unidos se presentaba ante el exterior como el mensajero de la libertad, pero al mismo tiempo, al interior, impedía que los afroamericanos se sentaran en el mismo lado del camión que los blancos. Se trataba de una revolución intelectual concretada desde la música. Sin embargo, aquella profunda complejidad tampoco era fácilmente digerida ni por gente del mismo gremio ni por el público en general. Ahí es donde el papel de los escritores beat fue fundamental, pues encontraron en el movimiento musical algo que ellos buscaban en la literatura; así que les resultó relativamente natural procesar ese otro discurso y retraducirlo en palabras para un público mucho más amplio que, de no haber entrado en contacto con aquellas ideas desde el lenguaje verbal, difícilmente habría procesado con oportunidad la magnitud de la propuesta musical. Habría que pensar en lo anterior al hablar de formación de públicos


Consejos fotográficos para mi hijo

Foto de Fabián Castro

Fernando Castro (desde Houston)

SEIS

M

i hijo Fabián nació en 1990, cuando la revolución digital estaba gestándose. Desde el momento en que nació tomé la decisión de nunca imponerle idea alguna sobre lo que debería ser en la vida. No obstante, Fabián creció rodeado de magníficas fotografías de Mario Cravo Neto, Luis González Palma, Fernando La Rosa, Martín Chambi, etc. Cuando le llegó el momento de enrumbarse profesionalmente escogió economía y ciencias políticas. Pasaron muchos años antes de que él me manifestara interés por la fotografía. Había trabajado en el mundo de la publicidad por unos años y aparte se había inventado una profesión como DJ. Se compró una Fuji X-A3 y me mandó fotos que había tomado. Esto es lo que le respondí: “Tienes buen sentido de la composición, y como puedo ver en la foto de los hombres jugando con la tabla en una calle de Brooklyn, buen tino para la fotografía de la calle. Mas en la fotografía hay un proverbio de Robert Capa que dice: «Si tus fotos no son lo suficientemente buenas, no te has acercado lo suficiente». Otro consejo que se me ocurre al ver tus fotos: enmarca tus fotos de tal manera que las líneas verticales de los edificios y los árboles queden realmente verticales. A lo mejor es manía mía pero me molesta mucho la distorsión de las verticales. En épocas analógicas compré lentes muy caros que corregían la perspectiva. En la época digital hago con Photoshop lo que hacía con esos lentes carísimos. Abre la imagen, haz Command+A, anda a Edit > Transform > Perspective >, juega con los cuadraditos al borde de la imagen: ya”

La Richard es una galería de arte contemporáneo con sede en Nueva York y París que representa artistas emergentes y de trayectoria de todo el mundo. La galería también participa en ferias de arte internacionales y publica una colección de monografías. En la neoyorquina, en el 121 de la calle Orchard, desde noviembre 9 se exhibe Computer Virus 1.0 and the Return of Lazarus de nuestro amigo Joseph Nechvatl, uno de los artistas investigadores más connotados internacionalmente. Búscalo en la red.

ARTISTAS CONTEMPORÁNEOS The Future Library es un proyecto de la artista Katie Paterson. En Noruega, un bosque está siendo plantado para que en 100 años haya el material suficiente para hacer cien libros de cien autores, que entregarán un manuscrito cada año para crear la biblioteca del futuro. Los libros serán encapsulados en una cámara hasta el 2114.

LIBROS Processing es un lenguaje de programación y entorno de desarrollo integrado de código abierto basado en Java, de relativa fácil utilización, que sirve para la producción de proyectos multimedia e interactivos de diseño digital. Cada vez más licenciaturas de diseño en el mundo lo integran a su plan de estudios.

DISEÑO EN EL PRESENTE


EVITA EL EXCESO

No lo vi en la red María Asa

CERVEZAS ¿Sabías que de acuerdo con la Competencia Profesional Cerveza México 2017, la mejor cerveza mexicana es la Heavy Metal, producida por Beer Factory & Food? Es una cerveza estilo Russian Imperial que tiene 10 grados de alcohol y notas intensas de café y de chocolate y un cierto sabor ahumado. La competencia se llevó a cabo los días 7 y 8 de noviembre y el jurado estuvo compuesto por 30 expertos cerveceros de seis países, incluido el nuestro. EGRESO ¿Sabías que la mitad de los egresados de las universidades públicas y privadas del país no dominan lo que aprendieron durante su carrera, esto de acuerdo con el Examen de Egreso de Licenciatura (EGEL), que aplica el Centro Nacional de Evaluación para la Educación Superior (Ceneval)? El dato es de 2015 pero no, no han cambiado las cosas. UN MUNDO RARO ¿Sabías que mientras hay quien puede pagar 450 millones de dólares por una obra de arte (2017, Christie’s: Salvator Mundi, de Leonardo da Vinci), 8 500 niños mueren diariamente por causa de desnutrición severa, según datos del Segundo Informe Mundial de Nutrición elaborado por las organizaciones Acción Contra el Hambre y Save the Children?

RAQUITISMO ¿Sabías que de acuerdo con estas mismas organizaciones, hay alrededor de 160 millones de niños con raquitismo? ¿INTELIGENCIA? ¿Sabías que de acuerdo con un estudio de la London School of Economics and Political Sciences las personas que duermen poco son más inteligentes que las que duermen mucho? Según otros estudios, la gente inteligente duerme poco, habla sola, tiene pocos amigos, hace poco ejercicio y le gusta ver películas malas. RECUERDO Y APRENDIZAJE ¿Sabías que según Ángela Prieto Gil, psicopedagoga especializada en orientación educativa de la Universidad Complutense de Madrid, un alumno promedio recuerda al día siguiente sólo el 5% de lo escuchado y el 10% de lo leído? VIVOS Y NO VIVOS ¿Sabías que Nuestro amigo Abel Zavala ganó el tercer lugar en la 8ª Bienal de Cerámica Utilitaria y que dio inicio la Fil de Guadalajara con la presencia de 700 escritores de 41 países y que sigue presentándose en la galería de la Facultad de Artes de la UV la exposición Librobjeto y que el viernes 1 de diciembre se presentó en la FIL el libro Ulises I, una misión de arte al espacio y que murió a los 96 años Jon Hendricks, el prodigioso cantante de jazz y letrista y que a los 64 años murió Malcom Young, cofundador de AC/DC?


Yves Klein, una retrospectiva de la creación Bibian Gómez (desde CDMX) "Es la monocromía con lo que más me embriago". Y.K.

OCHO

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ves Klein, nacido en 1928 y muerto en 1962, fue probablemente una de los más sublimes ejemplos de lo que un artista contemporáneo puede y debe (y quizá quiere) llegar a ser. En 1955, Klein retó al mundo del arte en el Salon des Réalités Nouvelles al presentar su primera pintura monocromática Expression de l'univers de la couleur mine orange. Este salto a lo impredecible marcó la pauta de los siguientes y últimos siete años de su vida, en los que este pionero –considerado por muchos como neodadaísta– produciría y reflexionaría sobre arte y viviría a través de él. IKB son las siglas que se refieren al International Klein Blue, una fórmula mezclada por el artista cuyo tono azul profundo envolvió lienzos, figuras de resina, esponjas, cuerpos humanos e incluso el suelo en un descabellado acto de innovación. A su vez, a lo largo de su vida, este creador exploró distintos ángulos del arte como la constante reinvención de la monocromía, el cuestionamiento de la materialidad artística y la sensibilidad y el desafío de las convenciones sociales sobre la obra de arte y el espacio de exhibición. Estas meditaciones son abordadas y exploradas con detalle en la retrospectiva del autor, presentada en el MUAC del 26 de agosto de 2017 al 14 de enero de 2018 en la CDMX. Es evidente que Yves Klein era un revolucionario y que sin lugar a dudas ondeaba entre las dimensiones del arte y las de la realidad. Esta exposición nos invita como artistas, teóricos o espectadores a buscar justamente eso, la reflexión sobre las capacidades del arte que conocemos; de todo lo real, lo irreal y de aquello que aún no descubrimos. Simultáneamente, la muestra nos inspira para que dentro de nuestros contextos, ya sean centros de creación como la ciudad de México o provincias exploradoras del arte como Xalapa, vayamos más allá, busquemos nuevas formas y posibilidades del arte, y aprendamos de Klein no sólo a romper las barreras de lo establecido sino también que, al final del día, no se trata realmente, no precisamente, de vivir del arte sino de vivir el arte

Sobre el sentido común Omar Gasca

El sentido común es el instinto de la verdad”, dice el escritor francés Max Jacobs, mientras Goethe sostiene que “La inteligencia y el sentido común se abren paso con pocos artificios”. ¿Es el menos común de los sentidos?, como decía Ramón Gómez de la Serna. En efecto, el sentido común es “…algo así como salud contagiosa”, como dice Alberto Moravia, y también es prudentemente cierto que “La ciencia es un magnífico mobiliario para el piso superior de un hombre, siempre y cuando su sentido común esté en la planta baja”, como sostuvo Oliver Wendell Holmes. Dice Henri Bergson que el sentido común es "la facultad para orientarse en la vida práctica”, aunque una noción más completa proviene de Yagosesky, quien define el sentido común como: "La capacidad natural de grupos y comunidades, para operar desde un código simbólico compartido, que les permite percibir la realidad, o asignarle un sentido a personas, objetos o situaciones, que resulta obvio para el común de los integrantes de esa comunidad". Fragmento de mi libro inédito Por dónde


No te compliques la vida. Sólo necesitas café, alcohol y hielo. Claro, con Chartreuse verde, licor 43, un buen anís, whisky o coñac la cosa puede ir mejor, aunque con un aguardiente de calidad basta para preparar un carajillo. La proporción es 75% café/25% alcohol o licor. Prepara el café y déjalo enfriar. Agrega el alcohol o el licor y ponle dos cubos de hielo. Mejor todavía, pon todo en una coctelera, agita y sirve frío pero sin el hielo. Si usas aguardiente, añade un poco de azúcar. ¿Muy frío? Entonces un vino caliente, el famoso Glühwein alemán o el Vin chaud aux épices francés (vino caliente con especias). Calienta una copa de vino, sírvela en un vaso, ponle un par de clavos de olor, algo de azúcar, una raja de canela, una rebanada de naranja y ya está.

EVITA EL EXCESO


Andrés Mario Ramírez Cuevas

Millo Sketch Comics


ONCE

En Xalapa, ¿hay mercado para el arte? Manuel Velázquez

Manuel Velázquez

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o, no hay mercado para el arte en Xalapa. Para que exista, hay que modificar paradigmas y generar políticas culturales que incentiven la inversión privada, la producción, el consumo y el coleccionismo. Hay que construir audiencias y consumidores. Hay que aumentar la visión. El camino para encontrar y desarrollar un mercado del arte local es largo y difícil pero no imposible. Hay que ampliar la perspectiva para propiciar un cambio en las maneras de producción, distribución y consumo. Sabido es que “si seguimos haciendo lo mismo no podemos esperar resultados diferentes”. Para que las cosas cambien, hay que hacerlas de otra manera. Hay que entender que el arte es también una zona de mercado, una arena donde se desenvuelve el artista en función de su ideología y sus valores. Pero, ¿por qué hay que vender? Hay que vender porque se tiene que recuperar lo invertido y dejar que la obra gane su propio terreno, que circule. El mercado del arte no es un espacio donde sólo se hable de dinero, también es un espacio democrático, en el que se pone a prueba el bien cultural, su pertinencia y actualidad. “El mercado es otro espacio para el arte, como el museo, la galería, la escuela, la calle o la sala de la casa; otro espacio donde el arte circula”, nos dice Gabriel Orozco. Muchas personas en Xalapa todavía hablan del mercado del arte como si fuera algo malo: tener éxito comercial es “prostituirse”. En lugar de reconocer las virtudes de aquéllos que logran el éxito, prefieren descalificarlos. Es como creer que el artista no necesita comer o debe morir de hambre. Que la mayoría de los eventos culturales locales sean gratuitos ha generado la idea de que la cultura no vale o que se deba pagar lo mínimo por cualquier bien o servicio. Hay que aceptar que lo que no cuesta no necesariamente se aprecia. Es importante que se entienda bien que la cultura vale. Acceder a ella es un derecho, pero mantenerla cuesta, y si no se cobra por ella es algo que nos perjudica a todos. Entonces ¿hay mercado para el arte en Xalapa? La respuesta es que hay un escenario posible si las

cosas cambian y se reformulan. Actualmente hay iniciativas importantes como Flavia, el Centro Cultural Palmas, la Galería Domínguez y Buis, y otras más. En el caso de Flavia se trata de un lugar para la exposición y comercialización del arte contemporáneo nacional e internacional, la venta de productos artísticos y de diseño. Flavia ofrece una alternativa nueva. Es un espacio arquitectónico notable para la recreación y convivencia, que fomenta la profesionalización de los diversos agentes culturales mediante cursos, talleres, seminarios, diplomados y conversatorios. Cuenta con un café de especialidad y venta de diseños contemporáneos con sello propio


Hay hombres y mujeres que ayudan un día y son buenos. Hay otros y otras que ayudan un año y son mejores. Hay quienes ayudan muchos años, y son muy buenos. Pero hay los que ayudan toda la vida, esos son los imprescindibles. Basado en Brecht, por supuesto, a propósito de los temblores y las ayudas.

Todo progreso, todo, de acuerdo con la historia, proviene de la inconformidad.

CAMBIOS

Los fotógrafos somos los ojos de los que no están ahí.

PEDRO VALTIERRA

HACER MÁS

El coral Cuerno de Alce en peligro de extinción Lizbeth Estrada Vargas

DOCE

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os corales son animales marinos que viven generalmente en colonias formadas por cientos o miles de individuos (pólipos) y habitualmente se hallan en aguas cálidas, claras y poco profundas. Los corales duros son los principales constructores de los arrecifes de coral. Sus pólipos viven y crecen sobre un esqueleto de carbonato que forma la estructura dura del coral. Los pólipos de cada colonia están conectados entre sí, compartiendo el alimento. Los corales blandos no son constructores de arrecifes de coral porque sus pólipos no forman esqueleto. Las colonias de éstos pueden tener forma de arbusto o pluma, generalmente flexibles. Los corales son carnívoros. Los pólipos tienen tentáculos que les permiten capturar y paralizar a sus presas (microorganismos) que viven en el agua. Su alimento también depende de unas microalgas (zooxantelas) que viven en el coral y les dan su color característico. Su reproducción puede ser asexual, mediante un fragmento que se rompe y forma una nueva colonia; o sexual, por la unión de dos células sexuales (masculina y femenina) que forman un nuevo pólipo hijo. El coral Cuerno de Alce (Acropora palmata) es coral duro. Tiene un tronco principal del que salen varias ramas aplanadas que le dan el aspecto de cornamenta de alce. Se localiza en el Golfo de México y en el Mar Caribe. En México se extiende por las costas e islas de los estados de Veracruz, Tabasco, Campeche, Yucatán y Quintana Roo. Se trata de una especie en peligro de extinción por una reducción de más del 80% de sus poblaciones en los úl-

Foto de la autora

timos 30 años. La Unión Internacional para la Conservación de la Naturaleza (UICN) señala que se encuentra en peligro crítico de extinción (CR). En México está protegido por la Norma Oficial Mexicana (NOM-059-SEMARNAT-2010), pero hay que hacer más. ¿Por qué? Por respeto elemental a la naturaleza y porque los arrecifes de coral protegen la costa en las temporadas de tormentas y huracanes; y porque ayudan a formar playas y lugares atractivos para el turismo; y porque en ellos viven muchas especies importantes para la pesca local; y porque algunas especies sólo viven en los arrecifes de coral. Gran número de especies comen, crían, crecen o se reproducen en los arrecifes, por lo que acogen una gran biodiversidad. ¿Qué les afecta? ¿Qué los amenaza? El cambio climático, los huracanes y tormentas, las malas prácticas pesqueras y los malos hábitos del turismo, todo lo cual se traduce en enfermedades, acidificación del océano, residuos y contaminación y depredación


Roberto Macías

“Esta noche está para boleros, canciones añejas que saben a tiempo/ esta noche sabe a melodía de bellos recuerdos y a vino bueno…”. Chucho Avellanet, Puerto Rico.

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on retazos tomados de diversos ritmos y géneros provenientes de Europa, África y el Caribe se fue construyendo el bolero en nuestro país durante el primer tercio del siglo pasado, en el contexto del proceso de migración del campo y el nacimiento de las grandes ciudades. No está clara la fecha, el lugar ni el autor del primer bolero; aunque es Tristezas, cuyo autor es el compositor cubano Pepe Sánchez, el que tiene ese reconocimiento: “Tristezas me dan tus quejas mujer/ profundo dolor que dudes de mí/no hay prueba de amor que deje entrever/cuánto sufro y padezco por ti…”. La mayoría de las piezas de este género está escrita en compás de 4/4; sin embargo, en las diferentes latitudes del continente americano y del caribe se aprecian algunas variantes con influencias de los ritmos característicos de cada región. Por tratarse de una pieza musical para ser escuchada en un ámbito íntimo, el contenido e intención de las letras son muy importantes. El gran tema es el amor: enamoramiento, rompimiento, divorcio, despecho, infidelidad. Amores imposibles por diversas causas: posición económica, color de la piel, estado civil, diferencia de edad, muerte, distancia. Las manifestaciones de júbilo, duelo o reclamo van desde dar gracias al cielo hasta pronunciar blasfemias como aquella del cubano José Antonio Méndez: “…Dios dice que la Gloria está en el Cielo/ y es de los mortales el consuelo al morir/ desmiento a Dios por que al tenerte yo en vida, no necesito ir al Cielo Tisú/alma mía, la Gloria eres tú”. Aunque después fue necesario cambiar la frase “desmiento a Dios”, la idea no deja de representar un reto al dogma religioso. A principios del siglo pasado, la zarzuela y la opereta se presentaban en los teatros de postín fuera del alcance de las clases populares. Los boleros, en cambio, nacieron y crecieron en las cantinas, prostíbulos y carpas populares trashumantes.

Lo “cursi”, lleno de palabras pretendidamente culteranas e imágenes bucólicas y místicas, es otro de los sellos característicos del bolero. El estilo literario de Lara fue determinante para los compositores que le sucedieron: “…Como un abanicar de pavos reales/en el jardín azul de tu extravío/con trémulas angustias musicales/se asoma en tus pupilas el hastío”. En la década de los 30 del siglo pasado floreció la “época dorada” del bolero. Los de Agustín Lara fueron protagonistas no sólo en la radio, también en el cine. Letras de boleros se convirtieron en cintas exitosas con “mujeres de la vida galante”, condenadas a rodar por el fango, expulsadas de la familia, engañadas y explotadas por la sociedad moralista de la época. “…Ya que la infamia de tu ruin destino/Marchitó tu admirable primavera/Haz menos escabroso tu camino/Vende caro tu amor, aventurera” (Lara). Después vinieron los tríos y gracias a la televisión el bolero se convirtió en el gran fenómeno musical de México. Desplazado en los 60 por los grupos de rock en español y las baladas Pop, a finales del siglo pasado los productores de discos y de programas de televisión lanzaron a jóvenes intérpretes con nuevas versiones de los grandes boleros. Así nació el fenómeno Luis Miguel, quien volvió a poner en los primeros lugares de ventas los temas clásicos del género. El bolero adquiere su verdadero significado cuando se canta en primera persona: al pie de una ventana de la manera clásica, o cuando se dedica a la persona amada a través de una emisora de radio; en la reunión bohemia y más recientemente en el Karaoke. El bolero ha tenido sin lugar a duda una enorme influencia en la educación sentimental de los mexicanos. Que tire la primera piedra el enamorado que no haya sucumbido ante la melosa cursilería de un bolero de Los Panchos y más recientemente de Armando Manzanero

TRECE

El bolero en la educación sentimental del mexicano


Dibujo: Martín Alberto

Sigue siendo un ícono, mucha gente lo recuerda, especialmente ahora que se cumplen 100 años de su natalicio (18 de noviembre de 1917). Dibujo de Falhor.


Marco García: sobre Kant LA REDACCIÓN

Solé, Joan (2015). Kant. El giro copernicano en la filosofía. España: Batiscafo. Ver texto a la izquierda.

E

ncontramos en el puesto de periódicos un libro sobre Kant. Inmediatamente recordamos a Marco García, agudo lector de él. Le preguntamos al vuelo acerca de quien dijo: “no se enseña filosofía, se aprende a filosofar”. Nos respondió: “Más que leer a Kant, es profundizar en Kant. Porque Kant está vigente, porque nos sirve para entender muchas cuestiones como la ética, la epistemología, la estética, el arte, la sociedad… ¿Por qué es vigente Kant, por ejemplo dentro de la ética? Porque nos aporta los elementos para lo que podríamos llamar la estética deontológica, el deber ser que aplica en Kant y que a partir del imperativo categórico nos permite interactuar en sociedad y estar atentos a cómo se desarrollan las propuestas de los otros. “Dentro del plano de la estética, es decir desde la estética kantiana, vemos que tenemos una serie de elementos en que se encuentra la analítica del juicio, que sería ver-desde-donde-podemos-partir hacia una estética que sea compartible y comparable con lo que están haciendo los otros; una estética que atienda no tanto problemas personales o asuntos personales sino asuntos sociales, asuntos que lleven una carga de pertinencia social y que involucren al espectador con un entorno, con un contexto social. “Y desde un punto de vista epistemológico hay que profundizar en Kant porque hay que recordar que con él tenemos lo que llamó la Crítica de la razón pura, la Revolución Copernicana; esa revolución copernicana de Kant que nos posibilita entender el fenómeno; eso que nosotros vamos a conocer, no como algo inherente al objeto sino a partir de lo que uno como sujeto cognoscente le agrega a ese objeto, lo que hace que ese objeto adquiera sentido. Es lo que ocurre con la obra de arte, que es tal con base en lo que uno le agrega a ella como espectador o como creador. “Muchos le han rehuido a Kant, por ejemplo uno de los contemporáneos de Pierce, William James, dijo “lo mejor que podemos hacer es rodear a Kant”. Pierce dijo: “No, lo mejor que podemos hacer es entrar en Kant, porque hay ahí muchos problemas que podemos dilucidar, encontrarles un sentido”

No, no es nuevo, pero para los interesados en las artes plásticas o visuales y sobre todo para los estudiantes de las mismas disciplinas este es un libro que ayuda a descubrir que muchas cosas que pretenden pasar por nuevas no lo son. Un buen recuento y además bien documentado y bien escrito. ¿No debería ser obligada su lectura para artistas, estudiantes y profesores de arte, galeristas, periodistas y funcionarios culturales? Buzo Flores, M. G. (2010). Mirada en torno a las artes plásticas en Xalapa. Siglo XX. Xalapa: Universidad Veracruzana. Es fácil hablar de lo que no sabes. Para facilitar el facilismo, nada mejor que un libro como éste. Permite la impostura, la justificación de la falta de esfuerzo y en el mejor de los casos confundir la familiaridad con el conocimiento. Hitchings, H. (2011). Saber de libros sin leer. Barcelona: Planeta.

Ñoñerías. Como en todo libro de autoayuda y similares los lugares comunes en éste son recurrentes pero, a pesar de todo, algo rescatable hay, además de una relativamente divertida, muy amable y sencilla edición a dos tintas, con textos y dibujos. Planeta. (2011). Basta de ñoñerías, aprende a ser cool. México:


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coordina. Es frecuente advertir que cuando hay visión el dinero no es mayor problema.

¿Debería mejorar la difusión de la galería de la Facultad de Artes? Por supuesto. Aunque estuviera bien, siempre hay que buscar mejorar. Pero lo primero es tener esa visión de la que hablo. Hay que tener ideas acerca de la comunicación, de qué se quiere poner en común y para qué; luego, buenos textos, buenos diseños y demás. Es muy común encontrarnos textos absolutamente mal escritos a modo de fichas de sala, dotados de una singular cursilería, esto es, de dosis de conceptos que aspiran a ser sublimes y que son poco menos que simplezas seudopoéticas. Ah, pero antes y lo más importante es: qué rayos se exhibe, qué calidad tiene, qué propone, cuál es su discurso, su pertinencia o el género de valor por el cual hay que exhibirlo.

DIECISÉIS

Pero sí falta difusión. Sí, claro. En principio hay que posicionar a la galería. ¿Cómo? Para una galería universitaria es muy fácil conseguir apariciones en la radio y en la televisión, incluso tener programas propios en ambos medios. Una landing page, también es necesaria. ¿Qué pasa si a pesar de una buena presencia y de una buena difusión el público no llega? Si fuera una galería privada, los dueños la cerrarían. El asunto tiene que ver con a quién le importa si llega público o no.

Si la población no consume ni demanda arte, por algo ha de ser. Es un asunto sistémico, estructural. En un país con tanta pobreza material, con tantísima pobreza alimentaria, con gente que gana sueldos miserables cuando los gana, no podemos esperar mucho apetito por el arte. La chuleta es lo primero. Ahora, es cierto que por decenas de años no se han creado públicos para las artes visuales en esta ciudad, es decir, públicos estables. Y las exposiciones, ¿se montan bien? Con los recursos con que se cuenta, en general bien, aunque eventualmente de una manera ciertamente improvisada y modesta; pero eventualmente, también, hemos visto montajes notables. Por último, con relación a la convocatoria para exposiciones colectivas, ¿qué piensas? Hay que hacer más, seguramente, pero creo que son los artistas, los estudiantes, los colectivos y los individuos quienes tienen que ser propositivos y audaces e insistentes e ir a buscarse el espacio y ser combativos, pero sobre todo autores con calidad. Hemos escuchado quejas de alguien a quien no se le presta el espacio y cuando ves su obra te explicas por qué. También hay que ser autocríticos y, por cierto, hace falta un buen consejo de dictaminación en la galería, con gente seria, capaz, informada, sensible, exigente y buena onda. Algo más: ¿faltan aportaciones económicas por parte del gobierno? Si el gobierno aporta, está bien, pero no depende de ello

Revista Ninguno menos uno no. 2  

Revista trimestral de arte, arquitectura, comunicación, diseño, fotografía, gastronomía, juego, música y más

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