Page 1

NEW AGE


NEW AGE El New Age es un género musical, creado por diferentes estilos cuyo objetivo es crear inspiración artística, relajación y optimismo. Suele ser utilizada por los que practican yoga, masaje, meditación y lectura como método para controlar el estrés o para crear una atmósfera pacífica en su casa o en otros entornos, y suele asociarse al ecologismo y a la espiritualidad New Age. Las armonías en la música New Age suelen ser generalmente modales, consonantes, o incluir un bajo en forma de drone. Las melodías suelen ser repetitivas, para crear una sensación hipnótica, y a veces se utilizan sonidos de la naturaleza como introducción a un tema o a una pieza. Son frecuentes las piezas de hasta treinta minutos. La música New Age puede ser tanto electrónica, normalmente basándose en pads de sintetizador sostenidos o largos trozos de secuenciador, como acústica, utilizando instrumentos como flautas, piano, guitarra acústica y una amplia gama de instrumentos acústicos no occidentales. En muchos casos se utiliza el sampleo digital de instumentos de alta calidad en lugar de instrumentos orgánicos. Los arreglos vocales solían ser extraños en la música New Age, pero a medida que fue evolucionando las vocales se hicieron más comunes, especialmente las que incluían cánticos de nativos americanos, sánscrito omúsica tibetana, o letras basadas en mitologías como la celta o del ámbito de las hadas. Algunos músicos New Age abrazan abiertamente las creencias New Age, mientras que otros grupos no consideran que su propia música pertenezca a esta forma de pensamiento, y ello aunque su música se haya catalogado como New Age por los sellos discográficos, las tiendas de discos o los programas de radio. La música New Age en sus orígenes estuvo fuertemente relacionada con el movimiento de creencias Nueva Era por lo que su contenido ha sido constantemente asociado con cuestiones místicas claramente presentes en el movimiento. Empezó a ser popular en la década de 1960 en la subcultura hippie. Actualmente se relaciona más con la relajación y mucha gente la escucha sin


importar sus creencias, a pesar de que las compañías discográficas a menudo diseñan sus carátulas con fuertes enfoques místicos. Los compositores a menudo utilizan instrumentos tradicionales (o versiones sintetizadas de ellos) con poca relación al contexto musical de su origen. Para muchos críticos y etnomusicólogos esto es lo peor de este género musical: su insípida homogenización de instrumentos y material musical apropiados de sus culturas originales. Algunos también opinan que la mitad de las canciones son demasiado melancólicas para usarlas sin equilibrio en una terapia, y que por eso habría que saber utilizarlas, utilizando el ejemplo del ying y el yang y el Feng Shui. Algo que caracteriza especialmente a este género, es que la mayoría de sus compositores crean sus discos utilizando lo que llamaremos "enlace New Age": cada canción va unida a la siguiente Definir ciertos grupos o álbumes como música New Age puede resultar controvertido entre sus aficionados debido a que los límites de este género musical no están bien definidos. También, debido a que algunos artistas expresan su filiación en creencias New Age, muchos otros declaran específicamente no formar parte de dicho movimiento y rechazan que se catalogue su trabajo como música New Age. Aquí teneis a los más claros exponentes de New Age.


ENIGMA

Enigma es un proyecto musical electrónico alemán creado por Michael Cretu en 1990, en colaboración con David Fairstein y Frank Peterson. Cretu, que tiene instalado sus estudios de grabación A.R.T. Studios en la isla de Ibiza desde principios de los años 90, es tanto el compositor como el productor del proyecto. Su ex-esposa Sandra había colaborado vocalmente en algunos temas de los discos de Enigma, mientras que Jens Gad participó como guitarrista en cuatro de los discos de Enigma. Siete álbumes de estudio han sido producidos bajo el nombre del proyecto hasta la fecha. El primero y más exitoso, MCMXC a.D., vendió en 1994 14 millones de copias a nivel mundial.1 Cretu había sido una de las primeras personas en hacerse construir un estudio de grabación digital privado en casa, e incluir samples vocales y elementos musicales no percusivos en sus grabaciones, como cantos gregorianos y la flauta shakuhachi. En el proyecto musical Enigma colaboraron varios músicos que con el tiempo lo irían dejando de hacer. Entre las ausencias más notables figuraron las de Frank Peterson, que había tenido una


innegable influencia en la participación en el proyecto, y que seguiría una carrera musical propia basada mayormente en los cantos gregorianos; y la de su entonces esposa y cantante Sandra, que había dejado su voz en los cinco primeros álbumes de Enigma antes de divorciarse de su marido en 2007. También, a lo largo del trayecto, se incorporaron diversos colaboradores para prestar sus voces o instrumentos musicales.


ENYA

El nombre de nacimiento de la cantante es Eithne Patricia Ní Bhraonáin (AFI: /ˈɛnʲə pəˈtrɪʃə nʲiː ˈvˠɾˠiːnˠ ːnʲ/), en gaélico irlandés, pero para facilitar su pronunciación suele usar una versión britanizada del mismo: Enya O'Brennan (por costumbre británica us el sufijo m sculino «O'», ‘hijo de’, en vez del femenino «Ni'», ‘hij de’), como fue present d en su última aparición en público, Enya Brennan, usando su apellido como sus hermanos sin el prefijo patronímico irlandés «O'». Enya no es, por tanto, un seudónimo, sino la adaptación a la fonética y la ortografía inglesa (britanización) del nombre femenino irlandés Eithne. Eithne Patricia Ní Bhraonáin (n. 17 de mayo de 1961 en Gweedore, Donegal), más conocida simplemente como Enya, es una cantante irlandesa de música new age.. Comenzó su carrera musical en 1980, cuando se unió por un breve periodo a Clannad, el grupo musical formado por varios de sus


familiares, antes de lanzar su carrera en solitario. Con su álbum Watermark, lanzado en 1988, alcanzó relevancia internacional, y Enya empezó a resultar conocida por su sonido único, caracterizado por el empleo de múltiples «capas de voz», sintetizadas a partir de la propia, melodías folk, fondos de sintetizador y reverberaciones etéreas. En cuanto a las letras, para las que suele contar con la letrista Roma Ryan, es conocida por haber cantado en diez idiomas diferentes a lo largo de su carrera, principalmente en gaélico irlandés y en inglés, pero también en latín, quenya, español o "loxian", una lengua construida por la misma Ryan.

Mantuvo su éxito en los años 1990 y 2000: su álbum A Day without Rain, de 2000, alcanzó la tremenda cifra de 16 millones de unidades vendidas;4 y ella fue nombrada la artista femenina de más ventas en 2001. Es la artista irlandesa en solitario de mayores ventas totales, así como, oficialmente, la segunda artista exportadora del país, tras la banda U2. Las ventas totales de sus álbumes han alcanzado en 2008 la suma de 85 millones de unidades. Su trabajo ha merecido, entre otros muchos premios y nominaciones, la nominación a un Oscar por su canción «May It Be» de la pelicula "El Señor de Los Anillos: El Retorno del Rey".


Irrepetibles discos como "shepperd Moons" o "Watermark". Canciones como "Orinoco Flow", "Caribbean Blue", "Storms In Africa", entre muchĂ­simas otras son una delicia para los sentidos.


HEVIA

José Ángel Hevia Velasco, conocido con el nombre artístico de Hevia (Villaviciosa, Asturias, el 11 octubre de 1967) es un gaitero español y académico de honor de la Academia de la Lengua Asturiana. Es también famoso por inventar junto a Alberto Arias y Miguel Dopico la «gaita electrónica multitímbrica» MIDI y sobre todo por sus álbumes, en los que fusiona la gaita con todo tipo de sonidos. Hevia comenzó a tocar la gaita a la edad de 7 años. Su afición nació cuando, con cuatro años, vio por primera vez a un gaitero tocando en la calle. En 1985 fundó su primera banda de gaitas en Villaviciosa. Fundó y dirigió cinco bandas de gaitas que formaban la "Bandona de Asturias": Banda de Gaitas "Villaviciosa", Banda de Gaitas "Mieres del Camin", Banda de Gaitas "Ribesella", Banda de Gaitas "Candas" y Banda de Gaitas "Rei Aurelio". En 1991 gana junto con su hermana María José el primer premio en la "Muestra Nacional de Música Folk para jóvenes intérpretes del


Instituto de la Juventud". El premio consistía en la grabación de un disco que se llamó "Hevia". Era de corte más tradicional, aunque con innovaciones importantes para el folk de la época. Ese mismo año gana junto con Santi Caleya, el primer premio de "Investigación Etnomusicológica, Eduardo Martínez Torner" del Conservatorio Superior de Música de Oviedo, por su trabajo "Método de Gaita Asturiana".

Forma parte del grupo de música folk "Boides", con el que graba el disco "Asturies, camín de Compostela". En 1992 gana el primer premio del Trofeo para solistas de gaita en el Memorial Remis Ovalle, de Oviedo. Ese mismo año gana el Trofeo Macallan para solistas de gaita del Festival Intercéltico de Lorient en Francia. En 1993 gana el primer puesto en el I Concurso y Muestra de Folklore Ciudad de Oviedo, en la modalidad de gaiteros solistas. Al igual que sus bandas de gaitas, que consiguen los primeros puestos en la modalidad de bandas. Ese mismo año gana con María José el "Concurso para dúos de Instrumentistas Tradicionales", en los "Rencontres Internationales de Luthiers et Maîtres Sonnerurs" de St. Chartier, Francia. Alcanza el éxito con su primer disco en solitario Tierra de nadie en 1998, del que vendió dos millones de copias. Con este trabajo, y gracias principalmente al tema Busindre Reel, consigue varias certificaciones de oro y platino en Europa. A ese álbum le seguirían Al otro lado - Al otru llau en 2000, con medio millón de copias vendidas, y Étnico ma non troppo en 2003.


Los conciertos se suceden ininterrumpidamente desde el año 1998, actuando desde entonces en múltiples festivales, tanto celtas, pop, jazz o religiosos como el Concierto de Navidad del Vaticano en 2001. En 2007 publica el álbum Obsession, con una tendencia más chillout que los anteriores pero sin perder las raíces celtas.


JEAN MICHEL JARRE

La ciudad de Lyon, en Francia, fue el primer paisaje que contempló Jean Michel Jarre el 24 de agosto de 1948. Hijo d Maurice, Reconocido compositor (El doctor Zhivago, Ghost). Corroborado como uno de los embajadores de la música electrónica de Europa, y uno de los maestros a nivel mundial, este compositor de música elaborada por ordenador alcanzó las más altas cimas de popularidad en la época de los 70´. Durante este periodo también consiguió ganarse el calor del público gracias a los descomunales conciertos cargados de luz y efectos especiales que construía. Comenzó sus estudios de piano a la temprana edad de 5 años. Abandonando la música clásica siendo aún un mozalbete, se embarcó en la nave del jazz y formó un grupo rock llamado Mystere IV, en 1968. Tras ser pupilo de Pierre Schaeffer, especialista de la música concreta, comienza sus primeros experimentos electroacústicos en 1971 con la edición del single "La Cage". Sumergiéndose cada vez más en el mundo experimental, a la vez realizaba estudios de orquestación e instrumentación, para fundirse en 1977 en su primer joy , “Oxygène”. El disco fue un gr n éxito


comercial colocándose en los primeros puestos de U.K. El siguiente disco, “Equinoxe”, edit do en 1978 siguió el mismo c mino que el anterior, y al año siguiente Jarre presenta el primero de una serie de megaconciertos a cielo abierto en la Plaza de la Concordia en París, se estimó que acudieron al evento más de un millón de espectadores, entrando de esta manera en el libro Guiness de los Records.

En 1981 el disco “Les Ch nts M gnétiques” ("M gnetics Fields") llevó a Jarre a realizar una gira por China acompañado de su espectáculo. Estos directos fueron reflejados en el disco “Concerts in Chin ”. El siguiente l nz miento de J rre se re liz rí en 1984 “Zoolook”, en fr c so en cu nto udienci s. Tr s un p rón de varios años el 5 de Abril de 1986 emerge de nuevo al panorama musical con un extravagante directo celebrado en Houston para conmemorar el aniversario de plata de la NASA; al evento asistieron más de un millón de personas y se retransmitió por televisión global. “Rendez-Vous” p reció poc s sem n s después, y como no, con otro directo espectacular en la ciudad natal de Jean, Lyon. Con el material recopilado en este concierto y con el realizado para la NASA s le l merc do en 1987 “Cities in Concert--Houston/Lyon”. En “Revolutions”, se comp ñ del legend rio guit rrist H nk B. Marvin, a lo que en 1988, un año después de “Revolutions”le comp ñ rí su tercer Lp en directo “J rre Live”, consiguiendo grandes ventas. 1990 seri el ño en el que verí l luz “En Attend nt Couste u” ("Waiting for Cousteau"), Jarre conseguiría con este directo el mayor aforo de la historia con dos millones y medio de personas en un directo que se realizó en Paris en el día de la Toma de la


Bastilla. La década vendría marcada por apariciones esporádicas h st 1997. Este ño vuelve l merc do con el disco “Oxygène 713”, renov ndo sus conceptos musicales y preparando su nueva era que continu rí en el 2000 con l public ción de “Met morphoses” en donde ya están asentadas las bases de su nueva música.


KITARO

Kitaro (喜多郎 Kit rō) (n ció como M s nori T k h shi (高橋正則 Takahashi Masanori) el 4 de febrero de 1953, en Toyohashi, Japón) es compositor y multi-instrumentista. Su nombre artístico le fue dado por sus amigos posteriormente, quienes lo sacaron de un personaje de una serie manga de la televisión japonesa llamado Kit rō, de GeGeGe no Kit rô. . Inspirado por la música del R&B de Otis Redding, aprendió por su cuenta a tocar la guitarra. A este respecto él señala que nunca tuvo una educación musical y que sólo aprendió a confiar en sus oídos y en sus sentimientos. Atribuye sus creaciones a una fuerza que está más allá de él. "Esta música no proviene de mi mente," señala. "Es del cielo, pasa a través de mi cuerpo y sale por mis dedos convirtiéndose en una composición. A veces me maravillo. Nunca practico. No leo ni escribo música, pero mis dedos se mueven. Me pregunto, '¿De quién es esta canción?' Escribo mis temas pero no son mis temas."


A principios de los 70, se dedicó totalmente al teclado. Se unió a la banda Far East Family Band (La Banda de la Familia del Lejano Oriente) y con ella recorrió el mundo. En Europa conoció al músico de sintetizadores alemán y ex miembro de Tangerine Dream Klaus Schulze. Schulze produjo dos álbumes para la banda y le dio a Kitaro consejos en relación al uso de los sintetizadores. En 1976, dejó la banda y viajó por Asia (China, Laos, Tailandia e India).

Al volver a Japón, comenzó su carrera de solista, en 1977. Los primeros dos álbumes Ten Kai y From the Full Moon Story se convirtieron en obras de culto para los admiradores del naciente movimiento de la Nueva Era. Dio su primer concierto sinfónico en el Small Hall de la Kosei Nenkin Kaikan en Shinjuku, Tokio. Durante este concierto Kitaro usó un sintetizador para recrear el sonido de 40 instrumentos diferentes, fue el primero en el mundo en hacerlo. Kitaro es una persona muy modesta. "La naturaleza me inspira. Yo sólo soy un mensajero", señaló. "Para mí, algunos temas son como las nubes, otros son como el agua ". Desde 1983, su respeto por la naturaleza lleva a Kitaro todos los años a dar las gracias a la Madre Naturaleza con un concierto especial en el monte Fuji o cerca de su residencia en Colorado. Un día de luna llena de agosto toca un tambor taiko desde el atardecer hasta el amanecer. Frecuentemente sus manos llegan a sangrar. Imposible citar algún disco o alguna canción de Kitaro, ya que todo en él es especial.


LOREENA MCKENNITT

Loreena McKennitt (nacida en Morden, Manitoba el 17 de febrero de 1957) es una cantante canadiense, e intérprete de piano y arpa con ascendencia escocesa e irlandesa. Actualmente reside en Ontario. Sus ocho discos de estudio y sus dos discos en directo la consagran como una intérprete en el universo de la música celta. Sus discos Elemental y To Drive the cold winter away marcaron un antes y un después en su carrera musical. Antes de estos discos Loreena trabajaba en la compañía teatral estable del Shakespearean festival donde tuvo tiempo de inspirarse en el poeta William Butler Yeats así como en la música de The Bothy Band y Alan Stivell. En su primer disco dio a conocer su voz con canciones como "Banks of Clouds" o "Stolen Child" mientras que en el segundo deja claro su deseo de mezclar la cultura celta con otras procedentes de otros lugares. Loreena no ha dejado de recorrer mundo cambiando su música a medida que encontraba nuevas culturas, en 1991 visitó


Venecia, Hungría, Ucrania, España y partes de Asia para poder realizar el disco The Visit (1994). Según ella, la música es un medio de comunicación entre las distintas culturas y para dejarlo todavía más claro grabó el disco The Mask and Mirror en el que España tiene un papel importante como por ejemplo la adaptación del poema que San Juan de la Cruz escribió tras su cautiverio en Toledo, La Noche Oscura del Alma (en inglés The Dark Night Of The Soul). Después de aquel disco Loreena ha grabado otros tres: The Book of Secrets (1997), Live in Paris and Toronto y An Ancient Muse, lanzado el 21 de noviembre de 2006. Presentado su nuevo disco de estudio An Ancient Muse, Loreena McKennitt y una estelar banda de músicos colaboradores actuaron en tres conciertos al aire libre en el monumento de fábula de la Alhambra de Granada, los días 13, 14 y 15 de septiembre de 2006. El 13 y 14 de septiembre, Loreena tomó el escenario en el patio del Palacio de Carlos V de la Alhambra. Estas dos actuaciones íntimas, con asientos para cuatrocientos asistentes han sido grabadas para el programa especial de televisión de la PBS Great Performances, dirigido por Jim Kellahin y que se espera se emitirá a principios de 2007. El 15 de septiembre, Loreena actuó en el Teatro del Generalife, un lugar de encuentro al aire libre con capacidad para 2.000 personas, en el recinto de la Alhambra, como parte de la serie "Noches de las Mil y Una Músicas" de Granada.

Cada una de las tres noches incluyó una actuación de Loreena de noventa minutos incluyendo lo más destacado de un catálogo que ha vendido más de trece millones de discos por todo el mundo, junto con un repertorio de canciones de su nuevo trabajo, An Ancient Muse, entonces a punto de salir a la venta.


Se ha editado una versión de An Ancient Muse exclusiva para España (contiene tres canciones grabadas en directo en la Alhambra) que salió a la venta el 29 de enero de 2007. Para complementar el cd "Ancient Muse" y su gira por todo el mundo, Loreena McKennitt ha publicado "A Moveable Musical Feast. A Tour Documentary" (2008) un dvd en el que se incluye entrevistas a Loreena, a los músicos y al equipo técnico, pruebas de sonido y audio, más de 25 minutos de música... Lo increíble de este trabajo es poder ver como trabaja su grupo, como conviven y sobre todo, ver el increíble esfuerzo que realizan para ofrecer un gran espectáculo inolvidable al público.

En noviembre de 2008 Loreena McKennitt publicó su último trabajo de estudio, "A midwinter Night's Dream". Este cd, es un disco que incluye "A Winter Garden" (el cd entero) y "A midwinter Night's Dream" (este último incluye 8 nuevas canciones). Loreena no ha tardado en pensar descatalogar "A winter Garden" (1995) ya que este ha sido incluido en este último proyecto.


El 20 de octubre de 2009, salió A Mediterranean Odissey, un nuevo disco compuesto por una parte en directo (From Istanbul to Athens) de la gira veraniega de 2008 por Egipto, Líbano, Hungría, Italia, Turquía y Grecia, y un recopilatorio de temas de sus últimos discos de estudio inspirados en la cultura de los países del mediterráneo (The Olive and The Cedar). En noviembre de 2010, Loreena publica "The wind that shakes the barley". En este disco McKennitt retoma sus principios más celtas, 'desde la perspectiva del tiempo y la experiencia', según la propia cantante. 9 nuevas canciones, incluyendo 2 instrumentales, componen el disco. Loreena planea compaginar la salida del disco con una nueva gira.


MIKE OLDFIELD

(Michael Gordon Oldfield; Reading, 1953) Multi-instrumentista británico de pop-rock, internacionalmente conocido por álbumes como Tubular Bells. A la temprana edad de diez años ya componía temas instrumentales con su guitarra. Al poco tiempo tocó en clubes locales de folk un par de piezas instrumentales de quince minutos cada una, hasta que a los trece años se mudó a Romford. En 1967 dejó la escuela y formó, con su hermana Sally, un dúo de guitarras llamado Sallyangie, con el que llegó a editar un álbum y un sing Al cabo de un año se deshizo el grupo, y Mike orientó su música hacia el rock, dejando el folk a un lado y organizando un grupo de corta existencia llamado Barefoot. Después se integró como bajista en la banda de Kevin Ayers, con quien grabó un par de elepés que le granjearon una buena reputación como músico en sus actuaciones con Kevin, allá por 1971.


Hasta mayo de 1973, mes de edición de Tubular Bells, Mike Oldfield trabajó en su ambicioso proyecto en los estudios propiedad de Richard Branson, dueño de un nuevo sello discográfico llamado Virgin. El álbum fue el comienzo de una época de bonanza para Branson, a quien los beneficios del álbum le ayudaron a levantar y consolidar el sello Virgin. El siguiente elepé, Hergest Ridge, fue lanzado en septiembre del 1974, e hizo que aumentara su fama con un tipo de música poco convencional por entonces.


En plena eclosión punk, Oldfield, impermeable a todo tipo de corrientes, editó Incantations en 1978, aunque al año siguiente presentó Guilty, un single más comercial, anticipo de un posible acercamiento de Oldfield hacia el rock contemporáneo. La primera gira mundial del músico británico se abrió en Madrid y Barcelona en 1979, y parte de esta gira aparecería en Exposed, su primer álbum en directo. En julio de 1981, Tubular Bells había vendido su copia número diez millones, cifra espectacular, y, un año más tarde, con su elepé Five Miles Out, dio un paso hacia el pop más comercial; este álbum, con sus correspondientes singles, fueron claros éxitos de ventas, lo que le hicieron decidirse a realizar un "mega-tour" por Europa y Norte América. Ya en 1984 compuso la música para la película The Killing Fields y editó Discovery, su primer álbum grabado fuera del territorio británico, para publicar después trabajos más eclécticos, sin olvidar el referente de sus primeros álbumes con Amarok, en 1990. Ese año, y después de cumplir sus obligaciones contractuales con Virgin (dieciocho años y catorce elepés), Mike buscó otro sello, en este caso WEA, para lanzar Tubular Bells II, un proyecto del que ya se venía hablando desde hace muchos años. En 1994 se editó Elements, un recopilatorio de Virgin que recorre la carrera de Oldfield.


Meses después Mike integró en su obra las nuevas tecnologías informáticas y su interés por la conservación de la naturaleza en un ambicioso proyecto multimedia que, sin embargo, no alcanzó las cifras de ventas de proyectos anteriores. En 1998 publicó su último trabajo, Tubular Bells III, reinterpretación de su obra más famosa con sonidos actuales. En 2002 presentó en España Tres lunas, el álbum número 22 de su discografía. Esto a intentado ser una minibiografía de este maestro del New Age. Solo voy a citar una de sus canciones, la más conocido pero no por ello más buena, "Moonlight Shadows".


SARAH BRIGHTMAN

Sarah Brightman (Hertfordshire, Reino Unido, 14 de agosto de 1960) es una soprano, actriz y bailarina que interpreta música del género denominado Classical Crossover. Ha cantado en inglés, españon, francés, catalán, latín, alemán, italiano, japonés, hindi, mandarín y ruso. Debutó teatralmente con 13 años en la producción I and Albert en el Piccadilly Theatre de Londres, en 1973. A los 16, se unió al grupo inglés P n’s People y se presentó en el programa de televisión Top Of The Pops. Poco después, la carrera de Brightman experimentó un crucial avance cuando la coreógrafa Arlene Phillips la reclutó como vocalista del grupo musical Hot Gossip, que meses más tarde entró en el Top 5 británico con el hit I lost my heart to a Starship Trooper.


Tras su boda con Andrew Lloyd Weber y participar en alguno de sus musicales como Song and Dance y Requiem Sarah Brightman alcanzó un enorme éxito en el papel de Christine Daaé en la adaptación que su marido hizo de El fantasma de la ópera para convertirlo en uno de los musicales más importantes de la historia. En 1988 grabó su primer álbum como solista con canciones folk arregladas por Benjamin Britten, antes de comenzar su colaboración con Frank Peterson, conocido por sus trabajos con Enigma. Y llegaron discos como Dive (1993); Fly (1995) que aumentó su popularidad con la canción A Question of Honour que combinaba elementos de la música electrónica, rock y clásica, y Timeless (1997), con su gran éxito Time To Say Goodbye (Con te partirò) que, cantado junto a Andrea Bocelli, vendió más de tres millones de ejemplares sólo en Alemania y cinco en todo el mundo. Después llegaron nuevos álbumes como Eden (1998), La luna (2000), Classics (2001), Encore (2002) y Harem (2003), que consolidaron su prestigio y su popularidad hasta llegar al nuevo Symphony. Alejada de etiquetas, que Sarah Brightman detesta, sus influencias musicales van desde David Bowie a Pink Floyd, incorporando elementos del pop rock y de la música clásica y contemporánea. Lo demuestra en Symphony (2008).


En 1988 grabó su primer álbum como solista con canciones folk arregladas por Benjamin Britten, antes de comenzar su colaboración con Frank Peterson, conocido por sus trabajos con Enigma. Y llegaron discos como Dive (1993); Fly (1995) que aumentó su popularidad con la canción A Question of Honour que combinaba elementos de la música electrónica, rock y clásica, y Timeless (1997), con su gran éxito Time To Say Goodbye (Con te partirò) que, cantado junto a Andrea Bocelli, vendió más de tres millones de ejemplares sólo en Alemania y cinco en todo el mundo. Después llegaron nuevos álbumes como Eden (1998), La luna (2000), Classics (2001), Encore (2002) y Harem (2003), que consolidaron su prestigio y su popularidad hasta llegar al nuevo Symphony. Alejada de etiquetas, que Sarah Brightman detesta, sus influencias musicales van desde David Bowie a Pink Floyd, incorporando elementos del pop rock y de la música clásica y contemporánea. Lo demuestra en Symphony (2008).


VANGELIS

Evángelos Odiseas Papathanassiou, más conocido como Vangelis (nacido en Volos, el 29 de marzo de 1943) es un famoso tecladista y compositor griego de música electrónica y rock sinfónico. Entre sus obras más conocidas destacan las partituras originales para las películas Carros de fuego (ganadora del Oscar a la mejor banda sonora en 1981), Blade Runner ((1982), y 1492: La conquista del paraíso (1992). Su música se caracteriza por el uso de sintetizadores y ocasionalmente instrumentos acústicos para crear atmósferas de sonido envolvente, en un tono generalmente grandioso y solemne. No es sencillo enmarcar su música dentro de un género en concreto, aunque es habitual que se le incluya entre las filas de las llamadas Nuevas Músicas, o de forma más amplia como músico clásico contemporáneo. En cualquier caso, la diversidad y complejidad de la obra contenida en su discografía hace difícil su catalogación como artista puramente New Age, ya que incluso es considerado uno de los pioneros de la vanguardia de la música electrónica acontecida a mediados de los años 70.


Aunque algunos de sus trabajos más conocidos pertenecen al mundo de la música de cine y televisión, Vangelis ha logrado reconocimiento tanto por sus bandas sonoras como por sus discos de estudio. Entre sus obras se encuentran, además, varias creaciones para obras de teatro: Elektra (1983), Medea (1992), Las troyanas (2001), The Tempest (2002). También ha compuesto para ballet: R. B. Sque (1983), Frankenstein: Modern Prometheus (1985), The Beauty and the Beast (1986). Desarrolla una carrera paralela como pintor, habiendo realizado varias exposiciones internacionales. Su aporte a diversos proyectos de interés cultural le han afianzado como una personalidad de considerable peso mediático, especialmente en Grecia. En su honor, la Unión Astronómica Internacional dio su nombre a un asteroide: (6354) Vangelis.


new age  

genero musical