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RUMBAS


RUMBA La rumba catalana es un género musical que desarrolla la comunidad gitana catalana en la ciudad de Barcelona desde mediados de los años 50, tomando ritmos que derivan de la rumba flamenca con influencias de música cubana y rock & roll. Nació en las comunidades de gitanos catalanes del barrio de Gracia, calle de la Cera del Raval y Hostafrancs. La comunidad gitana de estos barrios tiene un asentamiento histórico y es catalanoparlante en su integridad, como las que se asientan enVic, Tárrega, Lérida y la Camarga francesa, usando la lengua catalana en sus relaciones, además del castellano y el caló, también en sus manifestaciones musicales. El género se fundamenta en una fusión de cantes catalanoandaluces de aire liviano con las claves básicas de la música afrocubana. Los tres artistas que dan relieve y marcan el género desde sus inicios en Barcelona son: Antonio González "El Pescaílla", Peret, y Josep Maria Valentí "El Chacho", seguidos posteriormente con gran popularidad por el dúo Los Amaya. En los años 70, Gato Pérez redescubre la rumba catalana, abriendo una nueva época en el género y pasando a formar parte de su historia con sus creaciones musicales. Ya en los años 80 y en los años 90, los Gipsy Kings y Los Manolos vuelven a dar nuevos bríos a la rumba catalana. La rumba flamenca es un palo flamenco que es movedizo y que tiene un toque flamenco aun en las interpretaciones que no son propias de ese campo. Los instrumentos principales para tocar la rumba flamenca son las palmas, el cajón, la guitarra flamenca y las castañuelas. Se suelen emplear voces tanto masculinas como femeninas, aunque se dan también las ejecuciones instrumentales. Se originó a partir de una danza cubana. En España se hizo conocida en teatros


y espectáculos de variedades, de donde la adoptarían los intérpretes flamencos. Aquí os damos a conocer a algunos rumberos de siempre.


GATO PEREZ

Xavier Patricio Pérez Álvarez (Buenos Aires, 11 de abril de 1951 Caldes de Montbui, Barcelona, 18 de octubre de 1990), conocido artísticamente como Gato Pérez fue un músico de origen argentino establecido en Cataluña, que destacó especialmente en el género musical de la rumba catalana. Llegó a Barcelona en 1966 con su madre para unirse al padre que había hecho el viaje antes. Acabado el bachillerato se estableció un tiempo en Londres, con el objetivo de entrar a trabajar en alguna discográfica pero no tuvo suerte y volvió en Barcelona. En 1977 empieza a experimentar con la rumba catalana y posteriormente publica sus dos primeros álbumes (Carabruta y Romesco), a los que que seguirá el más comercial Atalaya. En 1981 Gato Pérez padece un infarto, empieza a tener graves problemas de salud y la fatiga producida por sus problemas cardíacos lo obliga a dejar el alcohol. Sus siguientes álbumes los saca, según sus propias palabras 'bajo los efectos del agua mineral'.


Gato Pérez ha sido reconocido como el renovador de la rumba catalana, precisamente en unos momentos en que pasaba por sus horas más bajas, debido a la pujanza de la muy dinámica movida madrileña. Destacan especialmente la calidad de sus letras y la fusión que logra entre la rumba y otras músicas populares contemporáneas, como el rock, o incluso el bolero. Sus problemas de salud no lo abandonarán hasta su muerte, víctima de un infarto de miocardio, el año 1990. Posteriormente, su figura ha sido objeto de numerosos homenajes por parte de la profesión musical. Ventura Pons, que ya contó con Gato Pérez para la banda sonora de su película La rubia del bar, ha dirigido un documental acerca de su vida, titulado El gran Gato.


GIPSY KINGS

Los Gipsy Kings (Reyes gitanos en español) son una formación musical francesa de rumba catalana, una mezcla entre flamenco, pop y varias tradiciones de canción ligera. Las dos familias de sus integrantes huyeron de Cataluña durante la Guerra Civil Española, como muchas otras, para instalarse en Francia. Sus primeros sencillos fueron "Djobi Djoba" y "Bamboleo", muy populares en Francia a pesar de las críticas de los puristas del flamenco. Su álbum Gipsy Kings tuvo éxito en varios países de Europa, especialmente en Francia e Inglaterra. En 1989, Gipsy Kings obtuvo reconocimiento en Estados Unidos y aguantó cuarenta semanas en las listas de éxitos, cosa que muy pocos álbumes en español habían hecho. Otros álbumes son Estrellas, Mosaique, Love & Liberte y Este mundo. Su adaptación de la canción "Hotel California" fue parte de la banda sonora original de la película El gran Lebowski, así como su adaptación de la versión española de "You've Got A Friend in Me" para la banda sonora original de la película Toy Story 3 (2010). Los miembros de Gipsy Kings pertenecen a dos familias emparentadas: los Reyes y los Baliardo, estos últimos


emparentados con el artista flamenco Manitas de Plata. Sus nombres son: Nicolás Reyes - vocalista principal, Pablo Reyes coros, guitarra, Canut Reyes - coros, guitarra, Patchai Reyes coros, guitarra, Andre Reyes - guitarra, Diego Baliardo - guitarra, Paco Baliardo - guitarra, Tonino Baliardo - guitarra principal, Chico Bouchikhi también fue miembro de Gipsy Kings, pero lo dejó tras el álbum Este mundo.


JOSE EL FRANCES

José Rodríguez Vázquez, conocido como José el Francés nació en Montpellier en 1971, en una familia gitana de emigrantes. En su casa habitaba el flamenco y José el Francés tenía diez años cuando su padre puso en el tocadiscos la voz de Camarón cantando Rosa María. A esa edad, algunas cosas se quedan dentro. Años más tarde, José el Francés aprovechó uno de sus viajes y se quedó a vivir en España, en Madrid, en el barrio de San Blas, en el poblado de Los Focos. Y se convirtió en José el Francés. José el Francés comenzó a componer, a moverse, a buscarse la vida. Su ilusión era conocer a Camarón y le compuso unos tanguillos: Una rosa pa tu pelo. El de La Isla los cantó en el álbum Potro de rabia y miel, el último disco que grabó antes de su muerte en 1992. Ese mismo año, José el Francés entró en el estudio para grabar su primer disco. Era el célebre Las calles de San Blas..


José el Francés tuvo que esperar hasta 1999 para tocar el éxito con el disco Alma, por el que recibió el Premio Amigo a Mejor Álbum de Flamenco, “pero yo no pienso en ventas, sólo necesito sentirme a gusto”, dice José.

En 2002 José el Francés publicó el álbum Jugando al amor, dos años más tarde llego Agua de esperanza. He querido dejar a la gente con ganas”, dice. “En los últimos meses me he entregado a tope y ahora soy el más feliz del mundo. He hecho lo que he querido y espero disfrutarlo ante el público que es lo más importante, porque actuar es mi vida”. Con la canción Me sobra la fe como presentación y primer single del álbum, las diez canciones de Agua de esperanza son la confirmación de ese estilo del que José el Francés es pionero y modelo. Una mezcla de estructura musical pop y un eco de jondura flamenca que sólo puede darse en España. Agua de esperanza es la maduración de una música única, genuina y enraizada. La que siempre sintió José el Francés. Antes del enorme éxito de fans y ventas de su primer disco (Las calles de San Blas. 1993), José El Francés ya había compuesto canciones para artistas como El Potito, Pepe de Lucía e, incluso, para Camarón (Una rosa pa’ tu pelo).


KETAMA

Ketama fue un grupo musical español de rumba y flamenco-fusión, formado originalmente a principios de la década de los 80 por José Soto "Sorderita" (1961), Ray Heredia (1963-1991) y Juan José Carmona Amaya "El Camborio" (1960). Posteriormente, los dos primeros abandonaron el grupo, completándose éste con la entrada de Antonio Carmona Amaya (1965) y José Miguel Carmona Niño (1971), hermano y primo respectivamente de Juan. A principios de los años 1980 en España la escena musical estaba dominada por la llamada Movida madrileña. En el contexto de un país que salía de una dictadura de casi cuatro décadas, la eliminación de la censura y las nuevas posibilidades al alcance dieron lugar a una multitud de nuevas formas de expresión y al inicio de la carrera musical de autores con nuevas inquietudes. El flamenco no era la excepción; ya en 1979 Camarón de la Isla había publicado “La leyenda del tiempo”, disco que según la crítica había iniciado la apertura de este género a todo tipo de nuevos ritmos e influencias.


En el tablao madrileño Los Canasteros trabajaban dos guitarristas, el granadino Juan Carmona El Camborio, hijo de Juan Habichuela, y el jerezano José Soto Sorderita, ambos provenientes de familias gitanas y flamencas antiguas. Para revisar sus amplias y respectivas herencias musicales, y con la compañía del madrileño Ray Heredia, hijo del bailaor Josele, como vocalista, formaron Ketama (tomando el nombre de un valle de Marruecos). Pronto se convirtieron en el grupo insignia de la discográfica Nuevos Medios, con una propuesta poco ortodoxa con los cánones establecidos.

Su primer trabajo, de nombre Ketama, aunque grabado durante 1983, fue editado dos años después, colocándoles en el grupo de los denominados “Flamencos”, introduciéndose por primera vez en las músicas de raíz iberoamericana. Pero las disensiones internas hacen mella en el grupo, y en vísperas de la publicación de su segundo trabajo, Ray Heredia lo deja para iniciar una carrera en solitario con un disco publicado en 1991, Quien no corre vuela, y que se vio truncada tras su muerte ese mismo año. En Ketama fue sustituido por Antonio Carmona como vocalista.

En 1988 apareció Songhai, una fusión flamenca con la kora africana del músico Toumani Diabaté, que se había gestado en 1985 cuando el grupo tocó en Londres. Con este trabajo obtuvieron cierto reconocimiento internacional, apareciendo críticas en The Times y The Internacional Herald Tribune, y siendo elegido el disco por la


revista New Musical Express como el mejor disco extranjero del año. Su siguiente trabajo, Y es ke me han kambiao los tiempos (1990), se grabó durante la gira europea del grupo, y en él Ketama llega a la fusión definitiva de salsa y rumba. Sólo uno de los temas del disco está firmado por el grupo: la rumba Kalikeño, rebautizada posteriormente como No estamos lokos. Los restantes están firmados por por los diferentes miembros del grupo, uno a uno o en parejas. Fue el primer disco autoproducido, y su éxito les llevó a actuar como teloneros de Prince en su gira por España. En 1992 apareció Pa’ gente con alma, disco homenaje a Ray Heredia, ya desaparecido. La lista de colaboraciones incluye a Michel Camilo, y a José el Francés. Este trabajo reveló las profundas diferencias existentes por aquel entonces entre los Carmona y Sorderita, que ni siquiera estuvo en la presentación del disco. En 1993 Ketama, ya sin Sorderita, retornó a sus raíces flamencas con El arte de lo invisible; en 1994 volverían las influencias africanas con Songhai 2

El mayor éxito les llegó con De akí a Ketama (1995), grabado en directo en los Estudios Cinearte de Madrid, con una selección de su repertorio y la participación, entre otros, de Antonio Canales, Antonio Vega, Juañares, Las Chamorro y Antonio Flores, quien fallecería poco después. Ketama dejaron entonces de ser artistas de culto y se consolidaron como los máximos representantes del flamenco-fusión, cercano en ocasiones al pop. Más de un millón de copias vendidas, Premio Ondas al Mejor Álbum (1995), Premio Ondas al Mejor Grupo Español (1996) y Premio de la Música en la categoría de Mejor Canción del año 96 por No estamos lokos.


Posteriormente encadenaron tres años consecutivos con tres discos: en 1997 salía Konfusión, con la colaboración de Jorge Drexler y Khaled, que sigue profundizando en la fusión del flamenco con todas las músicas del mundo. En 1998 se editó el recopilatorio Sabor Ketama, con diecisiete temas de la etapa entre 1990 y 1997 y las colaboraciones de, entre otros, Antonio Vega, Antonio Flores y Ana Belén o, en clave flamenca, las de Aurora o Pepe Habichuela. En 2000 apareció Toma Ketama! que, aún sonando más flamenco que Konfusión seguía recibiendo influencias del pop, el blues o la música latina.

Tres años después, Ketama retomaría su carrera con Dame la mano, disco en el que se incluyen influencias provenientes del hip hop y del house, de nuevo colaboraría Drexler. El disco incluía un DVD con una fiesta flamenca protagonizada por los Habichuela en pleno, con invitados como Rosario Flores, Niña Pastori o Sorderita. El último disco del grupo sería 20 pa’ Ketama. Coincidiendo con su vigésimo aniversario, el grupo se disolvió. El disco suponía un resumen de su discografía.


KIKO VENENO

José María López Sanfeliu (Figueras, Girona, 3 de abril de 1952), más conocido como Kiko Veneno, es un músico español. Hijo de militar y payesa, nació en Figueras, creció en Cádiz y reside desde hace muchos años en Sevilla. Estudió Filosofía y Letras y viajó por Europa y Estados Unidos, donde asistió a conciertos de artistas que le han infludo como Frank Zappa y Bob Dylan, pero, curiosamente, también allí descubrió (o redescubrió) el flamenco. En 1975, en un encuentro que cambiaría su vida, conoció a los hermanos Rafael Amador y Raimundo Amador, con los que forma el grupo Veneno. En 1977 publicaron un álbum homónimo producido por Ricardo Pachón. Aunque no tuvo gran repercusión en su momento, es considerado en la actualidad un disco fundamental de la música española. En 1979 colaboró en el disco La leyenda del tiempo de Camarón de la Isla. La aportación de los jóvenes Veneno en el resultado final de este disco fue vital. Eran momentos de cambio. Paco de Lucía recorría el mundo en solitario y Camarón fichó a Tomatito, jovencísimo, y hasta ese momento, desconocido. Ricardo empieza


a darle vueltas al asunto, y Kiko le dice: "¿Porqué no cogemos estrofas de Lorca, aunque sean de diferentes poemas y le damos a su poesía la música flamenca que está pidiendo a gritos?". Y así se empezó a trabajar. Kiko es reconocido sobre todo por ser el autor de "Volando voy", aunque también participó en otros temas del disco: "Mi niña se fue a la mar" (letra: F.G. Lorca / música: R. Pachón y Kiko Veneno), "Viejo Mundo" (letra: Omar Kayan / música: Kiko Veneno) y "Homenaje a Federico" (letra: F.G. Lorca / música: R. Pachón y Kiko Veneno).

En 1982 publicó su primer elepé en solitario, Seré mecánico por ti, producido por José Luis de Carlos, tras el que seguirían otros, sin obtener gran repercusión comercial. Durante los 80 hizo canciones para Martirio, a la que también le produjo su primer disco, y realizó varias colaboraciones con el programa de televisión La bola de cristal como compositor y cantante. Sin embargo, no conseguía vivir profesionalmente de la música y compaginaba sus labores artísticas con un puesto de programador cultural en la Diputación de Sevilla. En 1992 pasó a formar parte de la plantilla de BMG-Ariola y comenzó una nueva etapa en su carrera, quizá la de mayor éxito comercial, con la publicación de los álbumes Échate un cantecito (1992) y Está muy bien eso del cariño (1995), ambos producidos por Joe Dworniak. El primero de ellos, con el apoyo decisivo de Santiago Auserón, sacó a Kiko del malditismo gracias a canciones como "Echo de menos", "Lobo López", "Joselito" o "En un Mercedes blanco", que se convirtieron en éxitos y le permitieron dedicarse en exclusiva a la música. Para presentar este disco realizó la gira "Kiko Veneno y Juan Perro vienen dando el cante", donde también


participaron, entre otros, Raimundo Amador y Luis Auserón. En cuanto al disco Está muy bien eso del cariño de 1995, destaca el diseño de la cubierta, realizado por Javier Mariscal y la presencia de la guitarra flamenca del gran Raimundo Amador, que, junto con la producción de Dworniak, confiere al disco un sonido totalmente único. Temas a destacar son: "Viento de poniente", "Memphis blues", "Casa cuartel" o "Lince Ramón". En 1999 visitó Argentina para dar una serie de tres conciertos en La Trastienda, con un singular éxito de crítica y de público. Pese a eso, la compañía para la que trabajaba no satisfacacía al artista, que pedía inútilmente que su música se editase también en otros países de Hispanoamérica y Europa. Tras otros tres discos de larga duración, Kiko precipitó el final de su contrato con Ariola y decidió que a partir de ese momento todos sus discos serían editados y comercializados por él mismo, tanto por medio de la distribución tradicional, como aprovechando las oportunidades que ofrece internet, a través de su sello Elemúsica.

En septiembre del 2005 publicó El hombre invisible, después de casi dos años de proceso. En este álbum destacan las participaciones de Jackson Browne en "Hoy no", canción homenaje a Lennon y al pacifismo; Jorge Drexler en "Inspiración", plegaria en busca de belleza, y la guitarra de Raimundo Amador en "Satisfacción". A finales de 2007 Kiko comenzó un pequeño periplo internacional de conciertos. Fue primero a México, donde a veces coincidió con los Delinqüentes. Allí tocó en Guadalajara, León y México DF.


Después viajó a California, donde su amigo Jackson Browne le brindó la oportunidad de compartir escenario con él. Tocaron juntos en Santa Barbara, en el Lobero Theatre y en el Temple Bar. Su maestría empezaba a conocerse más allá de las fronteras españolas. En septiembre de 2010 aparece su último disco hasta la fecha: Dice la gente. Se grabó durante el año anterior en "Estudios Pocos" de Sevilla, siendo producido por el propio Kiko, con la ayuda de su técnico de sonido Jacobo Fernández y Pablo Sánchez como auxiliar. De nuevo se recurrió a Joe Dworniak, esta vez para la mezcla. En este disco es muy importante la aportación de la banda habitual de Kiko que se implicó en la creación hasta sentir suyo el disco: Juan Ramón Caramés al bajo; Jimmy González en la batería; Raúl Rodríguez a la guitarra; Javi Valero con la guitarra eléctrica; Ana Gallardo y Anabel con las voces y teclados, y Ráfaga con sus percusiones.


LOS CHICHOS

Los Chichos es un grupo español de rumba flamenca formado por los hermanos Julio y Emilio González Gabarre y el hijo del último, Emilio González García, alias Junior. Su prolífica carrera comenzó a principios de los 70 y siguen en activo. Son los máximos exponentes de la Rumba española y uno de los grupos musicales españoles contemporáneos más importantes. Con unos veinte millones de álbumes vendidos hasta hoy , es decir, una media de un millón por disco, es uno de los mayores superventas en la historia musical española. Emilio González Gabarre aprendió a manejarse ante el público en Salamanca, donde un familiar suyo lo introdujo en las actuaciones en fiestas de los señoritos. Él acompañaba sus cantes con la guitarra. Con ellos empezó a cantar y a ganar tanto dinero que su padre dudó si su hijo delinquía. Regresó a Madrid y su hermano Julio decidió acompañarlo. Además, a Eduardo Guervós le gustaron y les propuso representarlos. Desde entonces y comenzando en Galicia, recorría España sin carnet de conducir para conseguirles contratos.


Entonces surgió la necesidad de nominar el grupo. A Emilio le llamaban El Chicho y al juntarse ambos hermanos la gente empezó a llamarlos los Chichos. Su fama crecía a medida que cantaban cada noche por los clubes de moda.

Su primera gala profesional la hicieron en Vigo, en la sala Nuevo Electra, a la sazón muy prestigiosa. Galicia es una buena plaza para los cantantes, porque el flamenco les resultaba fácil de encontrar fuera de España a la gran cantidad de emigrantes que la habitan. Eduardo cerró el trato para la actuación, la sala les obligó a incorporar otro miembro. Eduardo les reiteró la importancia de la actuación y la gran publicidad que se le haría por toda la ciudad. Ambos estaban entusiasmados pero no sabían si debían incoporpar a alguien como percusionista o especializado en los bongos. "Mira Jero, te damos dos mil pelas si te vienes a tocar con nosotros los bongos a Vigo", le ofreció Julio. Juan Antonio Jímenez Muñoz (Jero) procedía de un barrio de Valladolid, pero muerto su padre con tan sólo 5 años emigró a Madrid. En el viaje a Vigo, en un desvencijado tren, Jero le dijo a sus amigos que él componía temas, por si querían escucharlos. En el mismo tren cogió la guitarra y les cantó “Libre libre quiero ser...” La actuación en Vigo fue un éxito rotundo, ahí empezaron más y más actuaciones. Jero se asentó en el grupo, y de hecho llegó a ser el alma de Los Chichos para muchos “chicheros” por sus maravillosas composiciones y su excelente y característica voz, todo un portento.


Aparecieron en 1973 en relación con una interpretación muy particular de la rumba flamenca, siendo pioneros en la música fusión. Descubiertos por el padre de Paco de Lucía, su éxito es tal que inmediatamente se ponen en manos del reputado maestro Torregrosa, que se convierte en el hacedor de su peculiar sonido: rumba-rock contundente grabada mediante el exclusivo sistema Dolby-B y con cierto regusto a la música que aparece en las películas de cine kinki y blaxploitation de la época (una potente línea de bajo-percusión y soberbios arreglos orquestales, con la sección de viento pegando cañonazos), como haciendo presagiar las turbulentas historias que estaban a punto de narrar: un repertorio que puede calificarse como un cancionero de los barrios obreros del extrarradio, esos recién construidos que albergaban a las clases sociales más humildes y por donde la droga y la delincuencia empezaban a hacer estragos. Pero también había canciones de extraordinaria sensibilidad, expresadas de forma directa por sus insustituibles voces. El autor de todas ellas era Juan Antonio Jiménez, "Jeros", un gitano convertido en una de las mejores y más prolíficas figuras que ha dado la canción española. Los ochenta los encumbraron como uno de los fenómenos musicales de la década. El álbum Bailarás con alegría se convirtió rápidamente en uno de los más famosos de su trayectoria. Entonces la Philips les blindó el contrato, mientras los tres seguían editando y componiendo a ritmo de un long-play por año. El estilo musical del grupo es el flamenco en su variante de rumba y el fandango, fusionado con el pop. Además, su producción abarca en casos concretos, otros estilos. En realidad son herederos de la rumba catalana, como todos los de su género, esa importada de Cuba y subida de revoluciones, pero sustentados en una base flamenca y/o folcklórica y sazonada con los sonidos del momento: pop y rock (recordemos a Dolores Vargas "La Terremoto", por ejemplo) y, de forma novedosa, soul y funky. La evolución musical puede dividirse en: la primera etapa, de 1973 hasta 1977, con "Ni Más, Ni Menos" hasta "Son Ilusiones", siendo este disco un trabajo de transición y uno de los más logrados en la trayectoria musical del trío. La segunda etapa, desde 1978 hasta 1983, con "Mala Ruina Tengas" hasta "Déjame Solo", una etapa de extraordinaria creatividad y madurez, alcanzando una de sus cumbres en "Amor De Compra Y Venta", en 1980. La tercera etapa, desde 1984 hasta 1985, abarcando sus discos "Adelante" y "Yo, El


Vaquilla", siendo la etapa de mayor éxito y cúspide artística del grupo. La cuarta, de 1986 hasta 1990, donde se percibe una decadencia cada vez mayor, son menos prolíficos que en las etapas anteriores, y alcanzan su punto más bajo con el disco "Ojos Negros" y la salida de Jeros en 1990. Y la última etapa, la actual, que va de 1990 hasta hoy, y quizá la más dura.

Los Chichos son más que un grupo, son una marca. Y con el nuevo siglo, su nombre resplandece otra vez.


LOS CHUNGUITOS

Los Chunguitos son un grupo rumbero español. Está compuesto por Enrique, Juan y José Salazar, de la misma familia gitana extremeña a la que pertenecen los artistas Porrina de Badajoz, Azúcar Moreno y Alazán. El nombre del grupo procede de la frase con que su familia los increpaba de niños por su afición a apedrear trenes: "¡Qué chunguitos que sois!" Vivían en el barrio de Vallecas, Madrid, cuando comenzaron a actuar por los mesones de la Plaza Mayor. En 1976 saltaron a la fama con la canción "Dame veneno" de su primer disco, producido por los antiguos componentes del Dúo Dinámico y del que se vendieron unos cincuenta mil ejemplares. Se consolidaron con la participación en las bandas sonoras de las película Deprisa, deprisa, de Carlos Saura; Perros callejeros, de José Antonio de la Loma; y Días Contados, de Imanol Uribe.


En 1982 perdieron al fundador, vocalista y compositor Enrique Salazar, a causa de una hepatitis. Tras un tiempo de retiro, fue sustituido por su primo Manuel. Su canciones mezclan rumba gitana y canción melódica española y hablan sobre la marginación y pobreza de los barrios habitados por el lumpemproletariado urbano que habitaban. En ese sentido, la temática es similar a la de Los Chichos. En el año 2006 siguen trabajando como el dúo Hermanos Salazar, tras abandonar Manuel la formación.


NIÑA PASTORI

La isla de San Fernando (Cádiz), donde resistieron los liberales el acoso de las tropas Napoleónicas, vio nacer a María Rosa García García a las seis de la mañana del día 15 de enero de 1978. Ese mismo día, María ya empezó a ser conocida. Debido a que sus padres, Pastora y José, habían tenido hasta entonces cuatro hijos varones, la llegada de la “Niña” fue motivo de fiesta en el barrio del Boquete, donde residía la familia: “¡Pastora, ha tenido una niña!”, gritaban los vecinos. Arropada en su cunita flamenca, por la venas de la cantaora cañaílla corría mezcla de culturas, ya que su madre es gitana y su padre payo, y mucho arte. A pesar de lograr ser la única profesional de la casa, su madre también hacía sus cositas, su abuela bailaba muy bien y su bisabuela, “Inés la del Pelao” era una buena saetera bastante conocida en San Fernando. Con tan solo cuatro años solía acompañar siempre a su madre, que cantaba desde jovencita y que era conocida como “Pastori de la Isla”, en las actuaciones que daba por San Fernando. Lo que le permitió, junto al haber nacido en una tierra con tanto arte, escuchar a grandes monstruos flamencos en festivales, en la “Venta de Vargas” y en otros muchos sitios. Por tanto, desde muy pequeñita se rodeó de los mejores músicos y fue testigo de importantes momentos del flamenco. Además su madre se encargaba de que en


su casa siempre sonara algo de Camarón, Juanito Villar, Pansequito, Manolo Caracol, Rancanpino, Antonio Mairena…. Pastora le enseñó el arte flamenco y se convirtió así en la referencia fundamental para que la “Niña” se hiciera cantaora y a ella le debe, además, su nombre artístico ya que cuando salía al escenario la gente decía “va a cantar la niña de la Pastori”. Aunque hay que nacer siendo artista y teniendo unas cualidades, el codearse con grandiosos músicos de este arte le hizo crecer y María tuvo la suerte de caer bien a muchos de ellos y de que le aportaran grandes cosas. Con apenas doce años el ilustre y malogrado José Monge Cruz “Camarón de la Isla” la presentó en el Teatro Andalucía de Cádiz. Tan fascinado había quedado con el talento de su paisana que en mitad de un concierto le pidió que saliera con él. Camarón es el hombre que más admira María como artista. El “Genio”, como ella lo llama, es su ídolo, su Dios de la música. La muchacha era una bomba cuya fama se expandía ya mucho más allá de su tierra y enseguida, con 17 años, se le presentó la oportunidad de grabar un disco, aunque no estrictamente flamenco. Gracias a la insistencia de su madre, María se decidió a ir a Madrid, para cantar un par de canciones en “La Parrala”. Allí conocería a los que serían sus descubridores, uno de los cuales no era otro que el mismísimo Alejandro Sanz. Éste quedó encantado con la cantaora y decidió desplazarse a San Fernando y, después de volver a escucharla, lanzarla al gran público con “Entre Dos Puertos” (BMG1997) convirtiéndose en una de las promesas del panorama musical español.


Después llegarían “Eres Luz” (BMG-1998), “Cañaílla” (BMG-2000), “María” (BMG-2002) y “No Hay Quinto Malo” (BMG-2004). Fue en su segundo trabajo cuando empezó su relación profesional con Julio Jiménez Borja, alias “Chaboli” (que significa hijo predilecto en romaní). Relación que después también sería sentimental y que tiene su cumbre el 21 de diciembre de 2002 cuando en la Iglesia Mayor de San Fernando, ante el Cristo Nazareno por el que tanta devoción siente María y arropados por más de 5.000 isleños, contrajeron matrimonio. Con su modo de cantar, mezclando el flamenco con otras músicas, ha demostrado que se puede ser contemporánea sin dejar de ser flamenca. Que si esto por aquí, que si lo otro por allá, pero el flamenco por encima de todo... porque su cante no engaña, porque ni lo niega ni lo puede negar. Y es que el flamenco es su vida. En 2006 publica su sexto disco, Joyas prestadas, versionando canciones de otros artistas. Para algunos, en el 2009 María saca al mercado su mejor disco, Esperando Verte. Ese mismo año saca Caprichos de Mujer, que como su nombre indica, viene a ser un capricho suyo con antiguas canciones própias y otras versiones. Su último trabajo apareció en el 2011, La Orilla de mi Pelo. Mujer que sabe lo que quiere, que se arremanga y mete las manos en la masa.

Pero a pesar del éxito cosechado, María sigue tan profesional y sencilla como el primer día.


Y sencilla puesto que a pesar de ser una gran estrella sigue siendo una niña cariñosa, humilde, muy risueña y de trato fácil. Una muchacha a la que le gusta mucho la tranquilidad, darse un paseo por la playa, estar con su familia, salir de tapitas con las amigas, una buena cena, ir de tiendas o ir al cine. Una chica de lo más normal… que se desvive por sus cinco sobrinos, que es con quien más le gusta pasar el tiempo cuando está en la Isla.


PERET

Pere Pubill Calaf (Mataró, Barcelona, 26 de marzo de 1935), más conocido como Peret, es un cantante, guitarrista y compositor español de etnia gitana. Su padre se ganaba la vida como vendedor ambulante de telas y Peret de pequeño le acompañaba en sus desplazamientos comerciales por Cataluña y Baleares, por lo que fue poco a la escuela. Parece ser que aprendió a leer de forma autodidacta fijándose en los carteles publicitarios.


Aficionado desde niño a la guitarra y al cante gitano, a los doce años formó un dúo con una prima suya. Se llamaban Los Hermanos Montenegro. Debutaron en el teatro Tívoli de Barcelona, en un festival infantil.

En 1947, de manera casual, grabó un disco que pasó desapercibido por el mercado, así que sobrevivía como vendedor ambulante. Incluso viajó a Argentina, pero no para cantar, sino para negociar con sábanas. Ocasionalmente actuaba en locales de la costa catalana. Poco a poco, su nombre se fue conociendo en Barcelona. Así, grabó un par de discos que sonaron bastante en las emisoras de la zona. Al poco se casó con Fuensanta, Santa, una gitana de la familia a la que años más tarde dedicaría una de sus más populares canciones: "Mi Santa". A mediados de los 60 dio el salto a Madrid, cuando fue contratado por El Duende, un tablao flamenco perteneciente a Pastora Imperio y Gitanillo de Triana, y ahí se inició su escalada. Algunas de sus interpretaciones, como "El muerto vivo" del colombiano Guillermo González Arenas, empezaron a tener mucho éxito entre gentes de diversa extracción social. Y en este momento ocurrió un fenómeno muy significativo que Manuel Román describió así en su libro Memoria de la copla: "En las discotecas de moda, donde se programa música anglosajona y de los conjuntos españoles de la época, como Los Bravos y otros del género pop, hay de pronto un cambio brusco, pasada la medianoche, que el pinchadiscos de turno aprovecha para que suenen las rumbas de Peret". En 1967 grabó "Una lágrima", versión rumbera de un vals del maestro Monreal, que tuvo un éxito fulgurante, convirtiéndose en una de las canciones del verano de 1968. En esta época la música de Peret —potente y vertiginosa, con influencias del mambo y del rock and roll— sonaba constantemente en emisoras de radio, máquinas de discos, tabernas, casinos, discotecas, guateques, fiestas mayores...


En los años posteriores, todas las orquestas incorporan a su repertorio temas como "El gitano Antón", "Don Toribio Carambola", "Saboreando", "¡Lo mato!", "Si fulano fuese mengano", "Chaví", "Canta y sé feliz" (con la que participó en el Festival de la Canción de Eurovisión 1974), "Qué cosas tiene el amor", "A mí las mujeres ni fu ni fa", "Castigadora", "Tracatrá"...Muchos de sus grandes éxitos son derivados de un estilo del son cubano denominado guaracha que influyó en gran medida en la rumba catalana. El bombazo internacional lo dio con "Borriquito" en 1971, con letra y música del propio cantante, que coincidió con el boom del turismo en España, lo que contribuyó a que la canción se popularizara en todo el mundo y en especial Holanda (7 semanas Nº1),y Alemania (dos semanas Nº1). En 1982, de forma imprevista, Pere Pubill abandonó radicalmente su actividad artística e ingresa en la sección barcelonesa de la Iglesia Evangélica de Filadelfia. Durante nueve años ejerció labores religiosas con dedicación exclusiva. Posteriormente, sin dejar su creencia religiosa, cesó en la actividad pastoral y montó una productora discográfica. Desde entonces, reaparece en los escenarios de forma esporádica.

En 1992 participó en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Barcelona, junto a Los Manolos, Los Amaya y otros exponentes de la rumba catalana. En ella interpretando la canción "Gitana hechicera", dedicada a la ciudad de Barcelona con motivo de los Juegos Olímpicos y que fue uno de los éxitos de ese verano.


En 1998 fue galardonado con la Cruz de Sant Jordi. En 2000 graba un nuevo disco Peret: Rey de la rumba, al lado de solistas y grupos de pop como Jarabe de Palo, Carlos Jean, Fermín Muguruza y David Byrne (de Talking Heads). En 2006 participa en el disco homenaje a Joan Manuel Serrat, de título Per al meu amic Serrat (Discmedi, 2006), en el que interpreta el tema a ritmo de rumba "Me´n vaig a peu". En 2007 presenta un nuevo disco con canciones inéditas, de título Que levante el dedo y prepara el libro La Biblia de la Rumba de próxima edición. También en 2007, Joan Manuel Serrat y Joaquín Sabina homenajean a Peret incorporando al repertorio de su gira conjunta Dos pájaros de un tiro el tema El muerto vivo. En el primer concierto de Barcelona en el Palau Sant Jordi, Peret acompaña en el escenario a los dos cantautores. Peret participa en el disco colectivo de La Marató de TV3 en su edición de 2007 con una versión en catalán del tema Live is life (Vine amb mi) del grupo austriaco Opus. El día 3 de mayo de 2011 la ciudad de Mataró, la que le vio nacer, le otorgó el título de hijo predilecto de la ciudad en reconocimiento de su trayectoria profesional y como creador de la Rumba Catalana. Es la primera ocasión en que el ayuntamiento de esta localidad mediterránea otorga este reconocimiento.


RAIMUNDO AMADOR

Raimundo Amador Fernández, nacido el 26 de mayo de 1959 en Sevilla, es un guitarrista y compositor de flamenco español. Su estilo de música va enfocado a fusionar el flamenco con otros estilos, como la rumba, el rock o el blues. Raimundo Amador Fernández, de origen gitano, nació en Sevilla pasando gran parte de su vida en el barrio de las tres mil viviendas, en dicha ciudad. Le enseñó a tocar la guitarra su padre. Con tan solo 12 años, Raimundo recorría las calles de Sevilla tocando la guitarra a cambio de un bocadillo o de unas pocas monedas para coger el taxi que le llevaría de vuelta a casa. En el tablao de "Los Gitanillos" conoció a Camarón de la Isla y a Paco de Lucía, con quienes años después colaboraría en la grabación La Leyenda del Tiempo. A mediados de los setenta, conocería a Kiko Veneno, pero no sería hasta 1977 cuando, junto a su hermano Rafael, los tres formaron el grupo "Veneno". Veneno influyó en los nuevos rumbos de la


siguiente generación de músicos andaluces y en su corta trayectoria anticiparon tendencias de las que otros pudieron sacar mucho más provecho comercial. En 1981, Raimundo se alía de nuevo con su hermano Rafael y juntos empiezan a darle vida a la fusión Flamenco-Blues. El nuevo grupo se llamará "Pata Negra".

Pata Negra es una famosa banda de flamenco en la historia de la música española. Formada en el barrio Las Tres Mil Viviendas de la ciudad de Sevilla. Fundada por los hermanos Raimundo Amador (cantante y guitarrista) y Rafael Amador (guitarrista y cantaor) tras la separación de la banda Veneno (la cual estaba formada por los dos hermanos ya mencionados y el músico Kiko Veneno). Su estilo deriva de ritmos basados en flamenco y blues, que ellos bautizaron como "blueslería", marcando tendencias entre otras bandas modernas de flamenco. Pata Negra posee seis álbumes grabados entre 1981 y 1995. Tras el cuarto los hermanos se separaron y Rafael Amador quedó como único componente, con el que colaboraban otros músicos. Hay también publicados un directo, grabado en 1994, y otro disco que recoge lo mejor del grupo ("Best of Pata Negra", 1998). Sin duda, lo mejor de su producción es lo firmado por ambos y, especialmente, el cuarto álbum y último que hicieron juntos, "Blues de la Frontera" (1987). Está considerado como uno de los mejores discos editados en España en los ochenta. En él inventan un nuevo estilo que llamaron "blueslería",


máxima muestra de la integración que consiguieron entre el blues y el flamenco.

Abandona Pata Negra por desavenencias con su hermano, grabando su último concierto en disco en el 1989, Raimundo Amador impulsa un nuevo grupo de blues flamenco, junto al antiguo guitarrista del grupo Guadalquivir, Luis Cobos, "El Manglis". Con éste grupo, llamado Arrajatabla, editan un único disco, Sevilla Blues (Fonomusic, 1992). Tras la disolución de la banda, decide iniciar su carrera en solitario en 1995, lanzando su primer disco: «Gerundina», en el que contó con la colaboración de Andrés Calamaro o B.B. King entre otros. En 1997 aparece su segundo disco: «En la esquina de las Vegas». En este trabajo Raimundo se centró en la guitarra eléctrica. Este mismo año Amador colabora con la cantante islandesa Björk tocando la guitarra española en su tema "So Broken". En octubre de 1998 graba en directo "Noches de Flamenco y Blues", contando con colaboradores como, Remedios Amaya, Kiko Veneno, Charo Manzano, B.B. King y Juan Perro. Raimundo Amador acompañó a B.B King en su gira por España en 2004.


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