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BABEL XXI: DIVERGENCIAS EN EL LENGUAJE ARTÍSTICO CONTEMPORÁNEO EXPOSICIÓN COLECTIVA

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DOSSIER DEL PROYECTO EXPOSITIVO: “BABEL XXI - DIVERGENCIAS EN EL LENGUAJE ARTÍSTICO CONTEMPORÁNEO”


INDICE Página 1

Título de la Exposición

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Desarrollo conceptual del proyecto - Hipótesis

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Introducción

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Breve Ensayo que sustenta el proyecto

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Estudio de Campo. (Muestra de 15 artistas, En el catálogo cada artista expondrá la cosmovisión que sustenta su arte.)

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Alberto Bañuelos dice:

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Ana Mazoy dice:

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Assiah Alcázar dice:

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Cristobal Gabarrón dice:

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Dick Roberts dice:

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Dellia Piccirilli dice:

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Enrrique Faber dice:

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Fátima Calero Riestra dice:

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Habá Lilith dice:

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Juan Pablo Rodríguez dice:

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Lone Seberg dice:

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Monika Grygier dice:

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Pereda de Castro dice:

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Puchi Incera dice:

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Salvador Manzano dice:

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Listado de Artistas invitados y confirmados.


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Evento Cultural

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Timing del evento

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Presupuesto

ANEXO BABEL XXI DOSSIER 2

CURRICULUM VITAE DE LOS ARTISTAS Y FOTOGRAFรAS DE SU OBRA.

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TITULO DE LA EXPOSICIÓN: “BABEL XXI: divergencias en el lenguaje artístico contemporáneo" Imaginemos que la Historia del Arte es un rascacielos en construcción con 140 pisos ya construidos, y que cada piso corresponde a un siglo de la Historia del Arte. Imaginemos que en la base arquitectónica se encuentran los comienzos, allá por el 12.000 a.C. y que en los áticos actuales se encuentra nuestra Era. Si nuestro edificio en construcción tiene 140 pisos ya construidos (y el correspondiente al siglo XXI, el capicúa 141 en construcción), los primeros 139 pisos corresponden al Arte Canónico. El 140 corresponde a la Primera Ruptura y el piso capicúa corresponde a la Segunda Ruptura.

Durante el Arte Canónico todos los artistas de una época hablaban, por así decirlo, el mismo idioma. Tras la Segunda Ruptura, cada artista, como ocurría en Babel, habla su propia lengua. La salvación a la maldición de Iahvé que impide la ascensión a los cielos está en la magia del arte, la lengua de la humanidad y sin intérpretes. De que trata el Arte Canónico, la Primera y la Segunda Ruptura lo veremos más adelante durante el desarrollo del ensayo que sustenta el proyecto. INTRODUCCIÓN Este proyecto consiste en una exposición colectiva cuyo "leit motive" es "las divergencias en el lenguaje artístico contemporáneo" donde se demuestra que durante el contexto histórico contemporáneo, cada artista habla su propio idioma. Bajo un obvio criterio de calidad plástica, la obra expuesta pertenecerá tanto a artistas que gozan de reconocido prestigio (Ciria, Martín Chirino, Griffó, Cristóbal Gabarrón, etc.) como a artistas emergentes (Habá Lilith, Luis Suárez, Assiah Alcázar, etc.). Excluyendo al cine, la exposición colectiva constará con las más populares formas de expresión visual, mostrando distintos estilos de pintura, dibujo, escultura, video-arte, fotografía, instalación, etc. En este proyecto expositivo se plantea plasmar la hipótesis de que en el

*Arriba a la izquierda en representación de la Era Conónica una Pintura Neoclásica: “O xuramento dos Horacios” de J.L. David *Arriba en el centro en representación de la Primera Ruptura una Pintura del s.XIX: “Cronos devorando a sus hijos” de Francisco de Goya *Arriba a la derecha en representación de la Segunda Ruptura una Pintura Abstracta s.XX: “Boots” de Mondrian

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contexto histórico actual, el arte, como en los periodos históricos que nos preceden, es reflejo del sistema de valores de la sociedad que lo enmarca. Hoy en día, estos valores son primordialmente y "groso modo": Individualismo: El artista representa el mundo tal y como lo entiende. La cosmogonía del artista hace que éste interprete y represente el mundo desde un punto de vista totalmente subjetivo. Ese es su legado a la Historia del Arte, a diferencia de anteriores periodos artísticos en los que los preceptos escolásticos unificaban una manera de interpretar, entender y representar la realidad... eco del contexto histórico que las enmarcaba: civilizaciones imperialistas que profesaban una hegemonía en el entendimiento. Globalización: Este fenómeno ha facilitado la transgresión de las fronteras creativas y la "ruptura" de la unidad de espacio en la que se encuentra el artista, permitiéndole impregnarse con facilidad de otras culturas y técnicas, así como abordar estilos de antaño, o procedentes de lugares lejanos sin necesidad de desplazarse de su estudio.

BREVE ENSAYO QUE SUSTENTA EL PROYECTO: Durante la Historia del Arte, los sucesivos periodos se han caracterizado por una unidad estilística y estética dentro de las tendencias artísticas (catalogadas como tales por la unidad existente en su temática, técnica y desarrollo conceptual de la obra). Éstas tendencias artísticas que respondían al impulso creativo de expresar un sentir común, asentaron preceptos escolásticos que en cierto modo, coartaban la libertad creativa del artista. Si bien es cierto que cada periodo rompía con lo establecido durante el periodo anterior, renovando los conceptos, técnicas y estilos, jamás lograron deshacerse de la estructura que imperaba en la raíz misma del concepto artístico: el canon.

*Arriba a la izquierda en representación de la Era Conónica una Pintura Neoclásica: “O xuramento dos Horacios” de J.L. David *Arriba en el centro en representación de la Primera Ruptura una Pintura del s.XIX: “Cronos devorando a sus hijos” de Francisco de Goya *Arriba a la derecha en representación de la Segunda Ruptura una Pintura Abstracta s.XX: “Boots” de Mondrian

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Para facilitar la comprensión de la visión histórica que sustenta este proyecto, vamos a centrarnos en la Historia del Arte Occidental y a dividirla en tres fases fundamentales: Era del Arte Canónico, Primera Ruptura y Segunda Ruptura. Las denominamos Rupturas porque desmantelan la estructura que ha fundamentado al arte como tal durante milenios, desmantelan la imposición de un canon escolástico.

Definimos Era del Arte Canónico a esa longeva fase de la Historia del Arte cuya estructura, fundamentada en la aplicación de canones o preceptos escolásticos al medio de expresión, ha sido invariable desde el comienzo de la Historia del Arte. (12.000 a.C aprox.). Esta fase comienza con la escuela franco-cantábrica, y dura hasta prácticamente la Primera Ruptura, que data del s.XIX de nuestra Era Histórica. Definimos Primera Ruptura a la fase dónde se originó la primera división escolástica, la primera ruptura con la imposición de un canon único que definiese la manera que debía tener el artista a la hora de interpretar, entender y representar la realidad. Esta etapa comienza durante el s.XIX precursada por el español Francisco de Goya. Durante su época negra, asentó unos nuevos principios de los que han bebido todos los artistas a partir de entonces. Estos se distinguen de todo lo precedente, en que ya no se trata solo de representar lo que se ve, si no de representar e interpretar lo que se ve, impregnándolo con una óptica muy subjetiva. En ese s.XIX ya nacen y comienzan a convivir diversas escuelas artísticas claramente diferenciadas entre si, como son el Realismo, el Romanticismo o el Impresionismo. Esta ruptura llega a su punto álgido durante la primera mitad del s.XX cuando prolifera la afloración de escuelas con la aparición de los ismos. (Fauvismo, Cubismo, Expresionismo, Futurismo, Surrealismo, Dadaísmo, etc.) Expresión mediante conceptos visuales. Es durante estas décadas cuando, influidos por los descubrimientos de la ciencia y la psicología, los artistas de comienzos del s.XX crean nuevos movimientos artísticos, cuyo nexo entre el propio movimiento es el canon que desarrollan en sus teorías y manifiestos. Textos donde expresan clara y

*Arriba a la izquierda en representación de la Era Conónica una Pintura Neoclásica: “O xuramento dos Horacios” de J.L. David *Arriba en el centro en representación de la Primera Ruptura una Pintura del s.XIX: “Cronos devorando a sus hijos” de Francisco de Goya *Arriba a la derecha en representación de la Segunda Ruptura una Pintura Abstracta s.XX: “Boots” de Mondrian

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abiertamente sus técnicas, pulsiones creativas, etc. siempre acordes al movimiento o escuela con la que se identifican. La Segunda Ruptura comienza con la superación absoluta del canon. Nace el concepto "El arte por el arte" y éste deja de ser una representación de la naturaleza para convertirse en una unidad independiente, autónoma, con entidad propia. Por primera vez en la historia de la humanidad el ser humano se desliga de la intención de reproducir conceptos figurativos, eliminando el dibujo para potenciar la fuerza expresiva de las formas sin formas, y de los colores, todo ello sin relación aparente alguna con la realidad visual. Esta importante transgresión, que rompe con todas las reglas establecidas en el arte visual durante milenios, es llevada a cabo por el pintor ruso Kandinsky en 1930-40 con la primera acuarela abstracta. En la pintura abstracta una mancha de color, aplicada intencionadamente y con una carga emocional por el artista posee significado propio, "En la pintura, una mancha redonda puede ser más significativa que una figura humana" Kandinsky. Este axioma supone el punto de partida hacia la libertad de expresión que van a manejar las vanguardias de la segunda mitad del siglo XX, dejando abierto el camino hacia el individualismo artístico con que se inicia el siglo XXI. El filósofo Ortega y Gasset hizo patente en la comprensión del “Yo Universal” una de las cinco funciones vitales, la de relacionarse con el entorno. Comprensión que queda recogida en su cita "Yo soy yo, y mis circunstancias." El artista, íntimamente relacionado con el entorno que le rodea, se impregna del contexto histórico donde se desarrolla su creatividad. Esta evolución en el entendimiento de la cosmogonía actual nos ha transportado hacia un importante cambio en nuestra civilización: La transición desde una cosmovisión colectiva a una cosmovisión individual, esta es la causa primordial por la que cada artista crea su propio lenguaje estético.

*Arriba una Pintura Impresionista Primera Ruptura: “” de Claude Monet *En el centro una Pintura Surrealista. Primera Ruptura: “” de Salvador Dalí *Abajo una Pintura Cubista. Primera Ruptura: “Woman-guitar” de Braque

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Esto, unido a la Globalización del entorno... Pérdida de las fronteras creativas... artista libertad... Esta exposición: "Babel - Divergencias del Lenguaje Artístico Contemporáneo." recoge una muestra significativa de la expresión del contexto histórico actual.

*De derecha a izquierda la evolución de la escultura en la pérdida del cánon: El “David” de Miguel Ángel (s.XV). Una Escultura de Auguste Rodin (s.XX). “Sirene” de Jean Arp (1942). “La Gorgona” de Pereda de Castro (2009)

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ESTUDIO DE CAMPO DECLARACIÓN DE PRINCIPIOS DE LOS ARTISTAS. Para respaldar esta hipótesis he instado a los 28 artistas invitados a que escribiesen un texto a modo de “declaración de principios creativos”. Un texto en el que explicasen cuales son las raíces, los motivos, las pulsiones creativas que les mueven a expresarse artísticamente, y así conocer de primera mano los orígenes de su arte. Tras este estudio de campo, queda más que reafirmada la hipótesis que da forma a este proyecto, y que no es otra, que la de la subjetividad que el artista contemporáneo tiene, como individuo, a la hora de interpretar y expresar la realidad. O dicho en otras palabras "las divergencias en el lenguaje artístico contemporáneo" En este dosier se recogen las cartas de 14 de los 28 artistas invitados. La elección de la muestra a sido aleatoria y en ella aparecen la declaración de principios creativos tanto de artistas reconocidos como de artistas emergentes Estos Artistas, por orden alfabético, son: Alberto Bañuelos Ana Mazoy Assiah Alcázar Cristobal Gabarrón Dick Roberts Dellia Piccirilli Enrrique Faber Fátima Calero Riestra Habá Lilith Juan Pablo Rodríguez Lone Seberg Monika Grygier Pereda de Castro Puchi Incera Salvador Manzano

(Escultor) (Artísta Plástica) (Fotógrafo) (Escultor) (Pintor) (Pintora) (Fotógrafo) (Arte Póbera) (Pintora) (Fotógrafo) (Pintora) (Pintura) (Escultor) (Pintor) (Escultor)

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ALBERTO BAÑUELOS DICE: BREVE EXPLICACIÓN SOBRE MI OBRA: Mi labor escultórica que comenzó en 1982, hace mas de 25 años, en un fructífero trabajo en soledad, me ha llevado a la realización de mas de seiscientas esculturas en piedra. Éstas, la investigación de diferentes materiales, y mi pasión de lector infatigable, a su vez, me han conducido a la incursión en varios tipos de lenguajes escultóricos que, aunque en una primera y somera lectura parecen diferentes o dan la falsa impresión de que estoy en cambio continuo, hay debajo de todos ellos una sutil pero decisiva y enérgica línea que todo lo hilvana. Una urdimbre en la que se estructura o trama todo el discurso escultórico : LA SEMIÓTICA, el signo de las cosas ; el resultado de expresar las ideas y sentimientos en formas lo mas simples, sencillas y limpias posibles ; es como si fueran distintos niveles de visión de la misma "realidad", pero siempre tratándola de expresar de la manera mas elemental, escueta, pura o desnuda que alcanzo. Dentro de esa semiótica, de esos signos, se acomodan esos grafismos que comenzaron en el año 2001 y que terminaron por convertirse en una "auténtica" escultura-escritura. Signos que nos recuerdan los lenguajes primigenios: el demótico egipcio, las runas escandinavas ; obras que nos susurran tiempos y culturas lejanas, como viejos signos gravados en piedras en una especie de escultura-escrita y que nos remiten a su vez a restos arqueológicos, a paleografías tenaces que son meras espectadoras del quehacer del hombre. Para su realización he utilizado tanto granito como basalto y sobre todo alabastro. Encajaría así mismo, en esa urdimbre, mi última forma de proceder que sería "LA DECONSTRUCCIÓN" en la que he trabajado especialmente desde el año 2003 y que se desarrolló releyendo al desaparecido Jacques Derrida y abundando en su hacer y rehacer, en su deconstruir el pensamiento... Con esa "Deconstrucción" trato de expresar una renovada forma de ver el mundo ; de volcar una fresca y nueva mirada, de rehacer una y otra vez la vida... de desmantelarla para buscar otras formas de expresión, con el fin de que siendo siempre la misma, surja siempre nueva. Para la realización

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de esta forma de expresión, utilizo piedras o cantos rodados de diferentes tamaños y conseguidos de muy diferente sitios o lugares, pero siendo siempre pórfidos o materiales magmáticos y por ello de gran dureza. Los fracturo, parto o desmiembro, trabajo y manipulo, quiebro o hago pedazos con el fin de unir todas o algunas de sus par tes, pero siempre de una manera diferente al original, dando lugar a mutaciones o transformaciones, a resultados que me sorprenden siempre al ver que aquella primitiva unidad pueda mudar, tomar otro giro y emerger de ella algo tan especial y distinto. Algo que habiendo sido una forma cerrada, aparentemente completa en sí misma o terminada, quede abierta de repente y me muestra o me entrega unas posibilidades de transformación,de cambio, de duda ... infinitas.

ANA MAZOY DICE: Mis raíces, posiblemente, son la fuente de mi modo de expresión. Mi inquietud por expresarme con materiales me llevó a experimentar e investigar con distintos materiales y técnicas. La primera exposición individual fue catalogada como expresionista por unos y, primitivista por otros. Mi concepto fue evolucionando y con él la obra. La obra, tiene una carga lírica indiscutible y un fuerte contenido autobiográfico. Las palabras, elegidas intencionadamente, son utilizadas en el proceso creativo de la obra unas veces para reforzar contenidos, otras a modo de asociaciones autobiográficas; también para remitir a obras anteriores. Interesan como componente textural, compositivo,…. En definitiva, las letras, son un elemento clave, funcionando como arte combinatorio pleno de significaciones poéticas. Del título debemos diferenciar el título de la pieza (escultura, pintura, grabado, fotografía…) y, el título de la obra (conjunto de piezas). Por regla general las palabras utilizadas para dar nombre, están basadas en juegos conceptuales. La elección de materiales no es aleatoria. Forma, Color, Textura, Peso… Sus derivaciones simbólicas, posibles significaciones, las potenciales resignificaciones…

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El corazón helado (derecha) que es la primera imagen rescatada de laprimera helada notable durante las fechas prenavideñas de 2009, paso al 2010. Se trata de una hoja de “parra virgen” sor-prendida inesperadamente en su último baño otoñal en palangana de Nijar, su yacusi, situado en la terraza de mi casa. Le he incorporado una leyenda como límite de la mandala.

ASSIAH ALCÁZAR DICE: Me decanté por el retratismo fotográfico debido al hecho de mi gusto por la interacción con las demás personas y poder crear tu propio espacio, siempre fui muy inquieto y soñador y es en el retrato donde puedo plasmar las ideas que se me pasan por la mente, influenciado por el dadaísmo y surrealismo así como de toda la cultura de los 90 de mi infancia, tanto de la lo mejor como de la peor basura, soy de la generación del videoclip, esto ha influido mucho en mi forma de hacer las cosas. Nunca he pretendido hacer críticas o dar un mensaje en concreto, tan solo me limito a idear y crear lo que me pasa por la mente y todo lo que rodea mi vida es el factor primigenio de mis fotografías. CRISTOBAL GABARRÓN DICE: Cristóbal Gabarrón y la Alhambra “Mi padre de pequeño me habló de la Alhambra haciéndome imaginar que era un sitio de cuento oriental” Con estas palabras Gabarrón nos narra sus primeras impresiones de uno de los monumentos -conjunto histórico-artístico- más importantes de la arquitectura árabe en el mundo. Cristóbal todavía niño, descubre como sus cuentos de infancia se ubican en la Alhambra, su magia, el mundo oriental y las culturas se convierten por medio de las palabras de su padre en leyendas que él imaginaba y dibuja en su mente.

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Años más tarde y por medio de una excursión escolar de juventud tiene el creador ocasión de comparar la silueta imaginada con la realidad de un monumento: “Me pareció superior a lo que me había imaginado porque no había añadido otros sentidos que por siempre fueron unidos a mi recuerdo: La visión desde arriba de Granada, sus jardines, el olor mezclado de sus flores, el arrayán, el viento, los claroscuros de la Torre de Comares, las sombras, el ruido del agua y !tantas sensaciones nuevas!”. La inquietud de esa juventud recién estrenada le hará regresar en diversas ocasiones e investigar sobre el tema, todo ello incrementando sin duda su admiración por el entorno y las sensaciones que en él propiciaba su visión. Hoy en día sus rincones favoritos son como el nos indica: “Muchos. En el Palacio, la torre de Comares. En el exterior el paseo de cipreses del Generalife”. Todos ellos y muchos otros recorridos bajo su aroma favorito, el peculiar olor del riego al anochecer en los jardines de la Alhambra. Sus vivencias y anécdotas son como es de suponer variadas y ricas en matices, pero sin duda una nos llama poderosamente nuestra atención, por ser especialmente significativa de su personalidad: “...recuerdo una en el año 65, en el que (confundido por un guía) una señora muy mayor me pidió la mostrara el recinto y sin yo decir que era otro visitante más se lo mostré y acompañaba el recorrido de historias que había leído”. Hoy, medio siglo después, presentamos aquí dieciséis esculturas monumentales que el propio autor nos clarifica el germen de esta obra: “Las 16 Torres son mi homenaje particular al hecho de la existencia de la Alhambra, ilusión de un pueblo por su pervivencia y lo uno a los 15 años de la creación de la FCG, otra ilusión de unos cuantos, por su continuidad”. DICK ROBERTS DICE: Una representación bidimensional de un espacio tridimensional está, de por sí, ya extirpada de la realidad de su espacio por una dimensión. En un mundo complejo y confuso complicado por imágenes, ya sean de carteles o de paisajes, encuentro que la realidad de un arte relativo a mi tiempo se encuentra solamente en las acciones tomadas para producir dicho arte. De

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ésta manera, el significado de una pintura se determina por la calidad de su creación. . . . la calidad de su desarrollo y no en su representación de espacios u objetos. En el arte de la pintura, mi única realidad reside en el acto de pintar, la experiencia directa que me lleva a poner pintura al lienzo. La experiencia del espectador es secundaria. Cuando un músico toca la última nota, la música termina. La realidad ha sido el acto de tocar el instrumento para producir la música. Considero que éste concepto, en que la realidad reside en el acto, es cierto para todas las actividades en que los seres humanos intentan producir o crear. En mis pinturas la realidad es el pintar. . . el resultado es meramente un artefacto, un expediente que denota el proceso. Por necesidad, mi realidad es subjetiva, pero el proceso de pintar es una realidad universal. Creo un mundo propio que se forma, se filtra y se templa con mi historia, mis experiencias, mis destrezas, mis preferencias, mis gustos y mis disgustos. Los resultados de éste proceso son mis pinturas. Mi primer acto de realidad es cuando mi pincel toca el lienzo. Es la realidad del momento. Es la realidad del acto. Es el génesis de mi mundo. Statement:

Dick Roberts - Enero 2010

A two dimensional representation of a three dimensional space is, at least, once removed from the reality of that space. In a complex and confusing world heavily laden with strong images (everything from advertising to landscape painting) I find the reality of art relevant to my times only in the actions taken to produce the art. The significance of a painting is determined by the quality of its creation… of its growth, by the quality of its creation… of its growth, and not in the representation of physical objects. In painting the only reality for me is the act of painting… the direct experience of applying paint to canvas. The experience of the viewer is secondary. When a musician stops playing, the song is over. The reality is the playing of the song. So it is true, I believe, in all endeavors in which humans attempt to make things. In my painting it is the doing… the resulting painting is merely an artifact, a record of the process. Necessarily, mine is a subjective reality. But the process of painting is a universal reality. I create the world for myself that is shaped, filtered, molded, and tempered by my history, experiences, skills, preferences, loves and dislikes. The results of this process are my paintings. The first real act (reality) is when I apply brush to canvas. It is real in time. It is real in action. It is the Genesis of my world. Dick Roberts - January 2010

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DELIA PICCIRILLI - “La Pintura en lo excesivo” Los procesos de pensamiento son la base del desarrollo creativo, el instrumento sobre el que se canaliza este es arbitrario y responde no tanto a una habilidad desarrollada como por una necesidad expresiva y solo en este ámbito puedo reconocer divergencias. El conflicto contemporáneo sobre la expresión plástica y sus vehículos de comunicación se me antojan incoherentes. Pintura, escultura, videoarte, fotografía, Land art... solo sirven como vehículos con los cuales los creadores transmitimos (o tal vez ni nos interesa esa transmisión) nuestros procesos mentales, fobias y filias con intención mas o menos clara o más o menos racional es el tronco sobre el que se arma este proceso siempre personal y muchas veces inexplicable, la denuncia, la autocomplacencia, la reflexión sobre lo pequeño o lo grande, incluso la hoy tan denostada búsqueda de la belleza son procesos personales en un ejercicio de libertad. Solo se reconoce al artista en la conciencia de esa búsqueda, de lo contrario como hoy bien apreciamos todo es defectible de ser arte. En un momento en el que ya no existen fronteras entre las disciplinas artísticas, se encuentran la pintura con la danza, el teatro con la performance, el cine con el videoarte, la arquitectura con la escultura, e incluso todas ellas con la publicidad... ahora mas que nunca la creación es un camino de libertad, y pocas veces podemos sentir mayor libertad y pánico (por que no decirlo) que ante el lienzo en blanco, la elección por la pintura es deliberada y la catarsis esta garantizada. La Pintura como lucha, como encuentro con nuestros fantasmas en un tuor de force en el que en un cara a cara medimos nuestras fuerzas. Lo sensorial, lo poético, lo salvaje, lo perverso... El gesto opera y recorre el lienzo como un caudal siendo la composición el resultado de un plan, el color es el concepto, las fluctuaciones cromáticas, los drippings, las evanescencias, los fogonazos de luz, todos ellos tal vez me sirvan para plasmar... ¿ mis experiencias? ¿mis incertidumbres?

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ENRRIQUE FABER DICE: Con esta obra se pretende mostrar un testimonio personal del mundo sumergido e invitar a compartir el compromiso de celebrar la propia existencia de esta vida marina, mostrando parte de su biodiversidad, con todo su esplendor, enorme riqueza y exuberante belleza. La motivación creada por compartir instantes del fondo marino y la inquietud de mostrar comportamientos y vivencias de sus habitantes, hacen la necesidad de crear una obra muy variada y singular. En definitiva, se pretende proporcionar una visión artística de un mundo complejo, que pasa inadvertido para muchos, exponiendo algunos diseños de la naturaleza sumergida y así permitir contemplar la magnificencia del siempre cambiante entorno sumergido. Apoyado en la fotografía submarina como herramienta de fuerza, se pretende abrir una ventana que nos adentre en el mundo submarino y nos brinde la oportunidad de compartir ese fascinante mundo, donde el tiempo es irrelevante y en donde el ritmo de la vida lo marca el equilibrio de cada ecosistema existente bajo la superficie del mar

FÁTIMA CALERO RIESTRA DICE: MELANCHOLIA ENTiUM

La melancolía de los seres

Mi obra se vincula con el pensamiento de Aristóteles, en cuanto a su concepción de que el universo está escindido en dos regiones. Según el orden primordial arriba-abajo, cielo-tierra, nos encontramos primero con la región de la eternidad, la cual sitúa Aristóteles en el mundo supralunar, es decir, en una dimensión de lo eterno y de lo inmutable. Existe luego una segunda región –donde se enmarca la argumentación en torno a mi obra– en la que ya sean los seres naturales –término que abarca a los organismos vivos y a los cuerpos inertes–, o los seres artificiales, se ubican de manera heterogénea y sujeta al devenir, esto es, a la generación, la corrupción y consecuentemente a una serie de principios que conforman el ámbito de lo temporal.

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Aristóteles prosigue con esta diversificación, en tanto que profundiza en los aspectos y peculiaridades que él cree inherentes a dichos seres. Además de la presencia del hombre como imagen de un microcosmos, realiza una relevante distinción (vivientes y artefactos mecánicos), según nos explica Santiago Fernández Burillo, en la que: “el ser artefacto no es natural, sino que responde a un diseño. El ser del artefacto es, en sí mismo, un medio, porque existe para aquello para lo que el hombre lo ha concebido y construido”1, frente al fin del viviente que es vivir. Por esta razón, “…las operaciones vitales son medios y fines; algo así como un fin que se posee al obrar. De ahí que podamos concluir que el obrar vital, en conjunto –como organismo–, es un fin para sí mismo”2. Si tomamos la aclaración de Burillo, nos encontramos, por tanto, con que el ser artificial no puede existir sin el hombre, respecto al natural que existe por naturaleza. Esta idea llevada al ingenio estético de manos de la figura del artista pasaría a constituir no ya la problemática, sino el mero hecho de la creación artística. Hecho que la presente obra pretende reflejar, dando prioridad en todas sus partes a esa contingencia y temporalidad a la que se ven arrastrados los seres del mundosublunar, ya sean vivientes o no vivientes, animales o meras “manufacturas”: como materia y forma que son, o en cuanto constituidos por las cuatro sustancias –agua, fuego, tierra y aire– que un día Empédocles, un hombre más joven que Platón, pensó que componen toda la realidad que conocemos. Cuatro elementos que confluirían, asimismo, en la famosa teoría humoral hipocrática, y que más tarde retomaría sabiamente Aristóteles. En una de sus obras magistrales, el llamado Problema XXX,I, se plantea la siguiente cuestión: ¿por qué todos los hombres de excelencia eran melancólicos e incluso se encontraban bajo el influjo de la bilis negra?

1 Fernández Burillo, S.: Naturaleza y cultura. La actividad humana, I. Lo natural y lo artificial. Fuente de información: Archivo Internet. ARVONET: http://www.arvo.net/pdf/Curso2.htm. 2 Ibid.

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El problema de la melancolía es excesivamente amplio, ya que, además de representar uno de los aspectos propios de la creación artística durante mucho tiempo, no dejó de sufrir múltiples variaciones a lo largo de la historia. Por lo que la serie de esculturas que muestro acotan dicho término siguiendo un mismo hilo conductor: la melancolía que despierta el inevitable hecho de ser y dejar de ser. En todo momento pretendo presentar los distintos universos simbólicos en donde los seres y los objetos encontrados, se caracterizan como identidades melancólicas que, de forma paralela a la nuestra, conviven con nosotros en vida y memoria, terminando por irradiar esa sensación de contingencia y de finitud: el volver a la tierra.

referirse a las causas de las cosas:

Creo que es una obra de Marguerite Yourcenar: Le temps, – decía su título francés, riguroso y eufónico–, ce grand sculpteur3. Sí, el tiempo es escultor, además de ser una de las causas que particularmente me obsesionan a la hora de elegir mis materiales para la escultura. Aristóteles se sirve en la mayoría de los casos del ejemplo del escultor –y no como mero hecho casual– para

“Una misma cosa tiene varias causas y no por accidente. Así, en el caso de una estatua, tanto el arte del escultor como el bronce son causas de ella, y causas de la estatua en tanto que estatua y no con respecto a otra cosa; pero no lo son del mismo modo: uno es causa como materia, otro como aquello de donde proviene el movimiento”4.

Lo que viene a decir es que el acto de creación –escultórica en este caso – reúne las causas material, eficiente y formal: el bronce es la causa material, así como el escultor es causa eficiente, y quien da a la materia su forma como escultura. Es decir, todo tiene su porqué y del mismo modo lo hallamos en la naturaleza. “Y si el arte de construir barcos estuviese en la madera, haría lo mismo por naturaleza. Por consiguiente, si en el arte hay un ‘para algo’, también lo hay en la naturaleza”5 En general, Aristóteles piensa que el arte en algunos casos completa lo que la naturaleza no puede llevar a término, y en otros sencillamente la imita. Mi obra no pretende copiar los comportamientos de la naturaleza –que ya concibe por sí sola sus propias obras como milagros naturales–, aunque sí tomar sus obsequios –piedra, tierra, madera, ramas etc., – y verse así inspirada por ella, por la propia materia que nos ofrece a los artistas, para crear lo que el filósofo griego llamaría artificios. Pero mi propuesta no trata única y exclusivamente de tomar particulares materiales naturales para representar mis artificios, en cuanto que no nacen naturalmente sino es con la intervención del hombre; 3 Yourcenar, M.: Le temps, ce grand sculpteur, París, Gallimard, 1991. 4 Aristóteles plantea cuatro causas fundamentales para entender el mundo: material, formal, eficiente y final. En este caso, al hablar de la escultura, puntualiza de alguna manera la causa intrínseca, referida principalmente a la materia de la que está hecha, aunque a veces insiste, asimismo, en el papel fundamental de la forma, esto es: la idea que el artista lleva a la materia. También se refiere a la causa eficiente o motriz, el escultor, que es quien interviene la materia para dar lugar a una escultura. Véase Física, II, 2, 5-10. 5 Todo tiene su razón o causa de ser y de operar en el mundo. Tanto en la naturaleza como en el arte. Véase Física, II, 2, 25-30.

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mi intención va más allá: toma los artificios –los objetos encontrados– para representar a su vez nuevos artificios. Creo que bajo tal concreción se puede entender ahora más claramente la razón de ser de mi propuesta artística y la visión filosófica de la cual me sirvo. La obra que pretendo desarrollar se ubica en el mundo de lo terrenal, pero bajo dos pilares que sustentan la concepción aristotélica de la materia y los seres. Un primer apartado sitúa al objeto encontrado como materia inanimada; el segundo parte de la materia natural dotada de vida y finaliza en la misma materia viva, pero concretada en la mirada tan melancólica como existencialista de un animal singular, un perro. Los dos ámbitos recogidos en mi obra conviven dentro de la filosofía aristotélica no como apartados separados e inconexos, sino como divisiones obligadas dentro de un mismo mundo: el mundo sublunar. Todos ellos reunidos mediante la mirada melancólica que pretenden ofrecer estas obras escultóricas; melancolía encarnada, como particular condición de todos los seres en cuanto materia sujeta a la generación, al cambio y, en último término, a la muerte.

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HABÁ LILITH DICE: Me licencié con la Universidad de La Laguna en la Facultad de Bellas Artes en el año 2004 y mi lenguaje siempre ha girado en torno a la feminidad y lo relativo a la belleza. Me llamaron Eva Lilith y marcaron mis padres mi vida con un nombre lleno de misticismo. Eva, como la segunda mujer de la Biblia y Lilith como la primera. Ambas habitaron el paraíso y gozaron de los poderes de entender a la naturaleza. La subversiva y la sumisa se hacen aliadas para desobedecer a Dios y al hombre. Este es mi nombre. ¿Qué puedo decir sobre mi obra? Lo primero es que es básicamente figurativa, en concreto pinto cuerpos femeninos de engrosado volumen, mujeres felices o misteriosas quienes sobretodo muestran una gran complicidad entre ellas. Danzan o charlan en fondos mágicos llenos de flores y colores, animales, agua, telas estampadas, pájaros tropicales… Se podría interpretar del motivo de mi obra que tiene un aire de protesta contra el canon femenino de extrema delgadez de la actualidad, se podría interpretar que tiene un trasfondo feminista por plasmar escenas en las que las mujeres parecen formar una hermandad de la que trasluce una vida en común, se podría interpretar una reivindicación de la feminidad, se podría interpretar de ellas una reminiscencia al Edén o podría simplemente interpretarse la expresión de un mundo mágico y misterioso; todas estas posibilidades serían verdaderas en su justa medida, pero sobretodo en mis pinturas pretendo contar una verdad ciertamente curiosa, base sobre la que me dispongo a crear imágenes: El esplendor y la gloria, la riqueza y la armonía posibilitados lejos de los iconos que, en nuestra sociedad, representarían esto. En mi obra, el esplendor se encuentra en la naturaleza y no en las posesiones, tanto es así que los colores del fondo visten de gala a mujeres estando ellas desnudas. ¿Cuál es el efecto de una obra pictórica? El efecto es la presencia constante en una habitación o sala. Representar la felicidad y la armonía mediante la pintura y el dibujo es una consecuencia de mi afán docente y me sirvo de los cuadros para asegurar la presencia de una imagen cargada de optimismo, felicidad y fuerza en las vidas de quienes han decidido poseer alguna de mis obras.

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Mi estilo nace de un recuerdo de la infancia. Solía tumbarme boca arriba en el suelo para contemplar cuadros de la colección familiar con detenimiento. Echaba en falta pinturas que contaran algo más allá, que completaran el cuadro llenándolo de magia y fantasía. Echaba en falta escenas, flores increíbles y momentos memorables acorde con mi imaginación. Influenciada por el modernismo, por el art-nouveau, por Klimt, decido por primera vez en el año 2004 utilizar todos mis conocimientos pictóricos, tanto de paleta como de técnicas de aplicación para combinarlos entre sí creando las imágenes que siempre quise ver. Es de hecho, en mi opinión, el trabajo de cocina pictórico el que me permite esta libertad, porque el arte plástico requiere de cierta seriedad y madurez y el tema no apoya este requisito. Es por eso que mis cuadros demandan laboriosidad, variedad técnica y riqueza en las posibilidades de tratamiento. A menudo me resulta imposible considerarlos concluidos sin este requisito, porque resultan ingenuos y pobres artísticamente hablando, cosa que no me había sucedido cuando desarrollaba mi etapa impresionista-abstracta. Pinto este tipo de obra, ya no sólo por el sano placer de observarlas, sino por la sensación de que deben existir. Aunque practico por necesidad la pintura de trazo desbocado, el expresionismo y la abstracción, la performance, el vídeo-creación y las instalaciones, se ha cimentado en mi vida una responsabilidad creativa que va más allá de la mera expresión personal. La de crear esta obra.

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JUAN PABLO DICE:

(A petición suya, este texto fue redactado por la artista Haba Lilith)

Juan Pablo es un fotógrafo tinerfeño de 31 años que crea su propia empresa de fotografía en el año 2008. A lo largo de su vida ha ido desarrollando un trabajo personal verdaderamente interesante por sus iluminaciones de color sobre oscuros nocturnos. Como ocurría en la antigua escuela, Juan Pablo, después de finalizar sus estudios en el área, aprende la verdadera complejidad de la fotografía trabajando duramente para profesionales del área. Su disciplina y pasión por la fotografía le hacen, no sólo un amante de su trabajo, además es un íntegro defensor de la calidad y la pureza de este medio. Es por esto que su lenguaje se convierte en algo novedoso y formidable al mismo tiempo. Este joven fotógrafo, gran conocedor de la técnica, crea imágenes que bien parecen haber sido creadas en programas de retoque digital, pero no es así. Cada una de sus fotografías está hecha íntegramente in situ, sobre el mismo negativo, jugando con el obturador el diafragma, la magia de la noche, el espacio temporal y el uso de instrumentos, flases y luces. Sus fotografías son figurativas. Cada uno de los habitantes de estas parece permanecer en una melodía temporal diferente al resto de las figuras y al fondo y es que Juan Pablo se sirve de diferentes tiempos para crear un único momento de modo que el tiempo juega un papel importante en su idioma. Entremezclar instantes dota a la obra de Juan Pablo de un ambiente intrigante y es una magia sólo conseguible mediante fotografía pura, algo impensable con programas de retoque digital. La personalidad de la obra de Juan Pablo no se basa únicamente en esto. Además de su método sorprende su temática, porque, lejos de los clásicos desnudos, lejos de los claroscuros del blanco y negro, Juan Pablo es colorista, fotógrafo de las noches, es urbano, es radicalmente actual, es defensor del lenguaje de calle. La mezcla entre la poesía que habla de los distintos tiempos combinados, la representación de la actualidad de entorno suburbano de una pequeña ciudad provincial y la calidad técnica, hacen de su fotografía una digna manifestación de una escena confusa pero real, la que intercala estilo hardcore y paisaje rural, el callejeo urbanita y la vida del campo.

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Y es que el arte de provincia juega un papel diferente al fanatismo que contienen los extremos de las grandes ciudades y de las escenas rurales. El papel de este tipo de expresión es el de representación de una realidad equilibrada y mucho más común de lo que parece, y es que la vida de Juan Pablo tiene una trayectoria que claramente ha marcado la temática de su fotografía. Vivir en un entorno donde la violencia y la dureza de la ciudad y la cordialidad rural se entremezclan le hace crear unas imágenes muy ricas en matices que equilibran los extremos. Representa su cultura, partícipe del progreso sin renunciar a su idiosincrasia, y aporta el magnetismo de mezcla, la magia de las combinaciones y el misticismo del tiempo. En sus fotografías conviven variados protagonistas de su propio escenario, de su propio momento de gloria, de un pequeño instante, a veces son él mismo y su autorretrato en el continuo cambio. Un cambio del que la naturaleza no es tan partícipe, ya que sus fondos, al contrario que sus figuras, parecen estar estancados en el tiempo. El interés que despierta en mí la obra de Juan Pablo no es tanto en lo referido a sus técnicas de ejecución o a lo sorprendente de estas, tampoco es sucede por descubrir una forma de poesía callejera en la, mi interés viene al contemplar escenas llenas de la magia que nace en una escena normal sólo por escoger pedazos de un minuto y condensarlos en una milésima de segundo.

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LONE SEBERG DICE: INTRODUCTION AS SELFPORTRAIT The vision, that projects my experiences, acquired in the world of ever changing forms and colors, continues with the research for some kind of perhaps a thousand times repeated form of fragment. The research could be endless in the endless exhibit catalogues, through endless pages of endless art books and the search goes on for the desired form. We are all in search of this mysterious form that is inbeded in our soul. Perhaps my evolution and creation of personal and other art forms, will help bring to light some traces that will evoke in the observer, as a witness of my publication, the presence of such an image or open a passage to the endless mosaic of forms and colors, which are a critical part of ones self. Experimenting new art forms, I think, that is my goal and attempt to project visual information on diverse media. It, as a single art project, must be a manifest of my expression, not necessarily only as an artist. The ideas for all my projects, are born out of necessity for new ways of communicating and interaction in the field of visual expressions. Ultimately I am in search of new territories of visualizing the art in progress and research based on the feedback to different rumors and styles. These are all key ingredients of my art.

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MONIKA GRYGIER DICE: La mayoría de mis obras surgen directamente de los encuentros con un universo sintético de cemento y asfalto. Polígonos industriales – núcleos tecnológicos de grandes aglomeraciones aparentemente estériles en inspiración artística, líneas de acero lejanas a las musas de antaño. Mi obra refleja la influencia del desarrollo en la vida de las ciudades. Retrata espacios urbanos aunque de forma abstracta, un instante preciso de la vida activa encerrado en el marco de la tecnología e industrialización. Casi desprovista de color, con diferentes matices de grises, tono de vida entre bloques de cemento, carreteras, maquinaria… los que forman parte de un escenario característico denuestro tiempo. PEREDA DE CASTRO DICE: Es la necesidad de la propia libertad creativa lo que empuja a librarse de los cánones anecdóticos para dejarse llevar por sentimientos adquiridos por el subconsciente y que surgen sin permiso. En ese momento es en el que se coincide con el mundo interno, cuando el volcán interior de la formas, los ritmos y la música de los materiales revientan y se convierten en acción plástica. Esto provoca un dialogo desde lo indefinido de un sentimiento-estado de inspiración abstracta, que emana de un estado de protesta creado en el subconsciente a lo largo de la existencia, y permitiendo que lo que te rodea por arriba y por abajo te inspire. Como una esponja, se absorbe la energía de la tierra... no se crea de igual modo en el norte que en el sur, en Europa que en África, lo que la tierra sufre, lo que sus

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habitantes creen, lo que emana de la energía colectiva de la sociedad en la que desarrollas tu momento (su luz y su oscuridad), inundan y yo me dejas inundar sin cortapisas para que en mi mente fluyan las formas de manera obligatoria como Expresion Abstracta de una amalgama de sentimientos que por emanar del cosmos, del cosmos de todos, convierten a esta expresión, en expresión universal, con un dialogo y un lenguaje igualmente cosmopolita. PUCHI INCERA DICE: El arte contemporáneo no es ajeno en absoluto a los movimientos y convulsiones sociales, políticos, económicos y culturales. Por ello no es extraño que aspectos como la muerte, la fusión entre culturas, el mestizaje, la guerra y sus secuelas, el feminismo, la homosexualidad, la contaminación, ciertas enfermedades como el SIDA o el cáncer, la tecnología o la emigración sean recurrentes en muchos artistas contemporáneos. Pero estos conviven con los referentes al estilo de la vida occidental, al lujo, al discurso político y, por tanto, nos encontramos que el artista del final de siglo no está siempre doblegado por el mercado sino que hace ejercicio de activista, de compromiso con los problemas y realidades de nuestro mundo. Entre muchos artistas está muy extendida la preocupación por reflexionar sobre la obra de arte y sobre la historia del arte. Estas referencias son una constante que no es nueva sino que ha sido una preocupación que se inicia en el dadaísmo y que ha sido frecuente en otros momentos del siglo pasado y presente pero que ahora adquiere una notable importancia. De igual manera los problemas entre realidad y virtualidad, entre verdad y representación, están presentes en muchos artistas contemporáneos.

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Otra característica muy extendida en el arte internacional actual, la refexión por el cuerpo y los límites de lo físico se convierten en motivo de introspección, de exploración del artista en su propia realidad. Se aprecia una mayor intención de profundizar en lo que le es privado, en sus misterios. REFLEXIONES SOBRE LA PINTURA Y EL ARTE ANTONIN ARTAUD:” No hay nadie que haya jamás escrito, o pintado, esculpido, modelado, construido, inventado, a no ser para salir del infierno”. Dibujos hechos, violentando, asesinando la superfície del papel con el fin de poder llegar a percibir lo que hay detrás; acceder a lo oculto, a lo innombrable, a las oscuridades más pesadas de cada ser y hasta ese momento insospechadas. Las obras, residuos de uno mismo. Allí donde otros proponen obras, yo no pretendo mostrar más que mi espíritu: gestualidad ligada directamente a la conciencia y el delirio, al grito y el silencio, a la ausencia y el exceso. Deseo de escuchar los silencios del inconsciente. Buscar en la noche de la humanidad. El ser humano se construye un mundo estable. Todo aquello que no se ajuste a estos modelos tendemos a ignorarlo, marginarlo, esconderlo para que no turbe estos supuestos. En el campo físico, la mutilación orgánica (especialmente la del ojo) desempeña un papel fundamental. El ojo es el órgano que más veces se ha multiplicado. Espiar y ser espiado, ver aquello que está prohibido mirar o aquello que es preferible no ver. La boca se transforma, es pura voracidad, ya no es el organo de intercambio y comunicación, sino que se impone como agresividad pura, deseo de dominar y destruir al otro. Evidencia la animalidad del hombre y nos convierte, a todos, en el SATURNO de Goya. En el campo Psíquico, la pérdida de la razón y/o la confusión de la identidad, al desplazarnos más allá de la consciencia y cuestionar nuestra integridad y seguridad, se evidencian como algunos de los temores más terribles que se le presentan a las personas. Lo monstruoso surge en el interior de la mente del ser humano donde se confunde la razón y la sinrazón, dando lugar a la escisión de la personalidad, la trasgresión de las normas sociales y a una angustia irrefrenable por cumplir nuestras más íntimas pulsiones agresivas y/o sexuales

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Es la pugna entre el acatamiento al orden imperante (el superyó) y la tendencia a la transgresión (el ello). De esa pugna contínua entre los deseos inconscientes y la represión impuesta (por el entorno social) y asumida como algo natural se origina el ser monstruoso que, a la vez, fascina y repugna, atrae y horroriza. Con ellas nos asomamos a los abismos de la miserable condición del hombre, descubrimos que la conducta denominada inhumana es, profunda e irremediablemente, HUMANA. La angustia del hombre frente a un mundo determinado, las cuatro representaciones míticas fundamentales de lo monstruoso: a) Las relaciones de la vida con la muerte, el temor ante el pasaje que nos lleva de una a otra, el perenne deseo del ser humano por alcanzar la inmortalidad. b) El pavor que suscita la mutilación, básicamente la de los órganos especialmente valiosos como son los ojos y el pene, el miedo a la castración. c) La duplicidad del ser humano, la aparición del doble, la pérdida de identidad y la despersonalización donde se diluye el control racional y emergen los instintos destructivos d) La promiscuidad entre lo orgánico y lo inorgánico, entre lo humano y lo inhumano, la diferencia entre lo inanimado y lo animado. Todo lo que no nos atrevemos a hacer en la vida cotidiana lo realizamos, mediante una proyección simbólica, en el mundo de la ficción (tanto la literatura, como el cine o las artes plásticas). Los fantasmas que nos angustian, y que escapan al control de la mente y el orden, quedan liberados a través de las imágenes, produciendose una catarsis purificadora, e inofensiva, de nuestros instintos. Las artes adquieren así un elemento de EXORCISMO de las pulsiones (agresivas y sexuales) más intensas del ser humano. Lo abyecto es LO RECHAZADO, lo expulsado. Lo abyecto es perverso pues no abandona ni asume una prohibición, una regla o una ley; pero las altera, corrompe. Así lo abyecto hace referencia a imágenes de desorden y trasgresión, de mezcolanza y de hibridez; las imágenes que escapan al orden impuesto, a los límites establecidos. Lo abyecto afecta al orden simbólico, nos enfrenta a la fagrilidad del ser humano, a su frontera con la animalidad. Los bordes mediante los cuales se contruye el individuo son atacados.

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La abyección es el otro lado de los códigos religiosos, morales, ideológicos, sobre los cuales reposa el sueño de los indivíduos y la tranquilidad de las sociedades. La referencia relativa al límite o al margen de un orden y a aquello que amenaza a ese orden o demuestra su fragilidad es una constante en las reflexiones sobre lo abyecto de Mary Douglas, Julia Kristeva o Georges Bataille. El estado de degradación física y psíquica, esa amenaza de las leyes y esa transgresión de las categorías, son aspectos destacables de las obras de Lynch, Cronenberg, Burroughs y Bacon, primando lo abyecto como una encarnación oscura del caos. Lo inconsciente, lo imaginario, lo animal y todos los vértigos de la muerte, sombra de la vida.

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SALVADOR MANZANO DICE: Mi obra escultórica se ubica en la Abstracción Geométrica Mexicana, en su más reciente etapa y a la cual he autodeniminado: AGE, MX. es decir, Abstracción Geometrica Escultórica Mexicana. El proceso para definirme como escultor abstracto geométrico se deriva de los conceptos del Gran Maestro W. Kandinsky específicamente en su metodología del dibujo Analítico. Por otro lado, la obra creativa de las grandes civilizaciones Mesoamericanas que son obras Maestras universales del arte escultórico y arquitectónico, son de trascendental influencia en mi identidad visual. La técnica que utilizo es la construcción metálica (acero al carbón e inoxidable en placa y lámina) electrosoldada, pintada con esmalte o laca acrílica así como también oxidado en su totalidad. Lo que caracteriza en definitiva a mis esculturas es el movimiento virtual generado por el tratamiento espacial en la composición, el movimiento real también esta presente en algunas obras El arte público y la escala monumental son mis grandes aspiraciones y metas a las cuales he de llegar en un corto tiempo en un futuro cercano. Lo que me impulsa a crear mis obras es la libertad de expresión visual que a traves de los años ha generado una poética que no tiene final y cada día surgen nuevos bocetos en dibujo que es el origen de todo acto creativo en las artes visuales, la experimentación es también pieza clave en el arte y sin esta deja de tener sentido todo arte que prescinda de esto.

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ARTISTAS INVITADOS Y CONFIRMADOS: Dada la extensión de los curriculum vitae de los artistas, Tanto estos como la representación gráfica de su obra, están recogidos en un Dossier aparte. y entregado al unisono que el presente proyecto. Los Artistas son los siguientes: 1. 2. 3. 4. 5. 6. 7. 8. 9. 10. 11. 12. 13. 14. 15. 16. 17. 18. 19. 20. 21. 22. 23. 24. 25. 26. 27.

Alberto Bañuelos - Escultura (Madrid) Alfonso Crujera - Pintura - Escultura (Gran Canaria) Ana Mazoy - Tabla Pintura (Madrid) Assiah Alcázar - Fotografía (La Palma - Granada) Ciria - Pintura (New York - Madrid) Cristobal Gabarrón - Escultura (Castilla y León) Delia Piccirilli - Pintura y Objetos (Madrid - España) Dick Roberts - Pintura (Washington) Domingo Sarrey - Video-Arte (Cantabria - Madrid) Enrique Faber - Fotografía Submarina (Gran Canaria) Fátima Calero Riestra - Arte Póbera (Mádrid) Gloria Viña - Pintura (La Palma) Griffó - Werner Goelen - Cómic (Bélgica - La Palma) Habá Lilith - Pintura (Madrid) José Abad - Escultura (Tenerife) Juan Pablo Rodríguez - Fotografía (Tenerife) Klemen Brun - Pintura-Video-Instalación (Eslovenia) Lone Seeberg - Pintura (Dinamarca) Luis Suárez - Cómic (Tenerife) Manolo Messía - Escultura (Cantabria) Monika Grygier - Pintura (Gerona) Pereda de Castro - Escultura (La Palma) Puchy Incera - Pintura (Cantábria) Rafael Monagas - Pintura (Gran Canaria) Rowena True - Clip-Video-Arte (Londres - UK) Salvador Manzano - Escultura (Morelia - México) Posiblemente Leando Mbomio Nsue - Escultura (Malabo - Nueva Guinea)

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Comisarios: Manuel Ángel Pereda y Raúl Díaz Benítez - NetZea Studios Textos del Catálogo: Ensayo del Proyecto - Manuel Ángel Pereda - NetZea Studios Estudio de Campo: Alberto Bañuelos, Ana Mazoy, Assiah Alcázar, Cristobal Gabarrón, Dick Roberts, Dellia Piccirilli, Enrrique Faber, Fátima Calero Riestra, Habá Lilith, Juan Pablo Rodríguez, Lone Seberg, Monika Grygier, Pereda de Castro, Puchi Incera, Salvador Manzano. Para Contratación de la exposición y Solicitud de información a cerca del plan comercial de la misma, diríjase a info@netzea.com Este es un proyecto desarrollado por:


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