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A I N A EOM GAZINE

AT / DE: 9.00 € BE / GR / IT: 7.00 € ES / FR: 6.00 € LUX / NL: 7.00 € GB: £ 4.90 PORT. CONT.: 7.00 € CH: 12.20 CHF

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ALEXANDRE VAUTHIER LIGNE ROSET - ELIE SAAB HERMANOS CAMPANA JOHN GALLIANO - BARON HOUSE - Franck Sorbier LODHA EVOQ - ON AURA TOUT VU - HOLZER KOBLER JEAN PAUL GAULTIER LEMA - OSCAR CARVALLO Marrakech film festival ALEX MABILLE - OTEIZA


IBER ON MAIS

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MODERNO COMO LAS OLAS ANTIGUO COMO LA MAR SIEMPRE NUNCA DIFERENTE PERO NUNCA SIEMPRE IGUAL. EDUARDO CHILLIDA.


IBER ON MAIS

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EDI TO RIAL

LIVING WITH ART El arte es la medicina de la comunidad contra la peor enfermedad de la mente. [R. G. Collingwood]

Puede que no sepa que es lo que está intentando ver en estA REVISTA, pero si es capaz de seguir su intuición, puede que perciba un efecto que es una especie de reconocimiento. El arte que merece la pena, el arte que no corrompe y que ayuda a la comunidad, encerrará algún contenido cognitivo que critica, o procura dañar, al poder decisivo de los discursos culturales dominantes. A pequeña o a gran escala, la Historia sugiere que el abanico de posibilidades de significación de un cuadro ilusionista se define por dos extremos nocionales: por un lado una situación figurativa detallada y legible, y por otro la superficie totalmente blanca. Entre el cuadro que es enteramente detalle icónico y el cuadro que es enteramente atmósfera expresiva. La significación puede hallarse en algún tipo de transformación en la imagen en sí, que surge como una función relevante de la atención del espectador. 6|


EDITORIAL Art is the community’s medicine for the worst disease of the mind. [R. G. Collingwood] In this MAGAZINE you may not know what it is that you are trying to see, though if you are able to trust your intuition you may register an effect that is a kind of recognition. Art that is worth bothering with, art that is not corrupting and that is serviceable to the community will embody some cognitive content that is critical of or seeks to damage the determining power of dominant cultural discourses. Whether on a small or large scale, History suggests that the range of possibilities for significance in illusionist painting is defined by the notional extremes of a detailed and readable figurative scenario on the one hand and the all over blank surface on the other; between the painting that is all iconic detail and the painting that is all expressive atmosphere. A more appropriate definition is perhaps some transformation in the picture itself that occurs as a relevant function of the spectator’s attention.


Alexandre Vauthier

FASHI ON LAB

FASHION REPORT En 2013, Alexandre Vauthier ofreciรณ al mundo de la moda unas cuantas lecciones: una, la forma es un elemento volรกtil y caprichoso; dos, no hay un solo cetro en el reino de la costura; y tres, la belleza de la mujer estรก por encima de normas, mandos y formas.

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Decir que solo hay que repasar los modelos estrella de este año para darle la razón a Vauthier suena a proselitismo ramplón, pero no lo es, lo cierto es que el diseñador ha demostrado ser ese avispado proveedor de imágenes copadas por una mezcla de anarquía léxica y ambigüedad formal siempre al servicio de un tipo de feminidad brutal y belleza libre de cargas; un diseño al servicio de mujeres con un potencial o evidente, espíritu épico. No hay modelo que no lleve a un extremo, por sutil que sea, o quebrante un principio, por básico que sea. Vauthier no borda las telas, borda el cuerpo a través de la tela, y no pliega a la altura que su volumen espera, lo hace antes o después, ni recorta la silueta por las líneas de aproximación, lo hace antes o después también. Las transparencias son un soporte para ese halo glorioso e inalcanzable que ha firmado manifiestamente y el negro un respaldo para los cortes que, lejos del etéreo brillo, ubican formas y desdibujan siluetas a capricho.

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Alexandre Vauthier

FASHI ON LAB

FASHION REPORT In 2013, Alexandre Vauthier gave the fashion world a few lessons: 1-the shape is a volatile and capricious element, 2, there is not a scepter in the realm of couture, and 3, the beauty of a woman is by above standards, controls and shapes.

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To say that one need only review the star models this year to give reason to proselytize Vauthier sounds vulgar, but it is not, the fact is that the designer has proved that clever vendor images taken over by a mixture of anarchy and lexical design serving women with a potential or apparent, epic spirit always formal service of a brutal kind of femininity and beauty of free charges ambiguity. No model does not lead to an end, however subtle or breaks first, Vauthier not embroider fabrics, embroider body through the fabric, not folded up its volume expected, do so before or after, or silhouette cut by lines of approach does sooner or later too. Transparencies are a support for that glorious unattainable halo has clearly signed black and a backup for the cuts away from the ethereal glow, located blurred silhouettes and shapes at will.

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IBER ON MAIS

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LIGNE ROSET

DESI GN LAB

DESIGN REPORT Michel Roset, uno de los directores fundandores de este negocio familiar, sabe perfectamente bien que el diseño no sólo trata de formas perfectas si no también de confort y técnica. Estos dos aspectos, además de los colores y las formas, se tratan de maneras muy diversas.

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Para Michel Roset, el diseño tiene un signi­ficado muy especial: “Mi padre siempre ha dicho que el hombre creativo es el que descubre las diferencias” afirma Roset. Por eso nosotros debemos acudir a los diseña­ dores e incluso a los artistas. Ésto es lo que él y Michel Ducaroy hicieron hace 30 años, y juntos desarrollaron TOGO, una línea de construcción a base de espuma y formas curvas que resultó bastante revolucionaria en los años 70. “El éxito comercial del diseño de alta calidad al que ha contribuido esta empresa nos ha dado una gran independencia. Y ahora en pleno siglo 21 siglo, se renueva el interés por el diseño de los años 70. “No hay problema”, afirma Michel Roset. “Esa fue una época muy importante para nosotros, pero entonces no disponíamos del “know-how” técnico que tenemos ahora”. Precisión dinámica Ocho encuentros en París, ocho personas con un mensaje que dar, y para hacerlo de la forma más agradable y funcional (mobiliario, distribución, iluminación, adornos decorativos) qué ellos dan a un pedazo de madera o algún otro material completamente distinto. Son personas totalmente diferentes, pero tienen en común que han escogido París como ciudad para vivir porque les enriquece. Uno puede estar de acuerdo con Michel Roset y llamarlos “modestos y trabajadores”, pero los términos “refres­ cante, incisivo y genio” no estarían fuera de lugar. Ellos viven y trabajan en el barrio Le Marais, y también en florecidos suburbios del norte como Le Sentier, dónde la industria textil francesa se desarrolló entre pequeñas tiendas y patios, ahora convertidos en hogar de un gran número de gente de paso.

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El “Nuevo diseño francés ha contribuido muy eficazmente al desarrollo de París - una contribución que es muy reciente”. De la misma opinión es al diseñador Frédéric Ruyant, quien afirma que “ha nacido una nueva era”. Es un renaci­miento explosivo más que una veneración a la larga tradición. El escritor y artista Jean Cocteau definió el estilo como la capacidad de expresar las cosas complicadas de una manera simple. Ese sentimiento está presente en los metódicos diseños de Ligne Roset, mobiliario para personas con vidas complejas que requieren espacio para soñar. Nuestras vidas son ya bastante complicadas- Ligne Roset ayuda a simplificarlas mediante diseños que resulten bellos al mirarlos, den placer y aporten serenidad. 20 |


LIGNE ROSET

DESI GN LAB

DESIGN REPORT Michel Roset, one of the founder directors of this family business, knows perfectly well that design is not only about the perfect form but must also encompass comfort and technique. In the different markets, these two aspects, as well as colors and shapes are all encompassed in very diverse ways.

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For Michel Roset, design has a very special meaning. My father always said, “The creative man is the one who spots the differences”. For that we must go to designers and even artists.That is what he did 30 years ago, with Michel Ducaroy, and together they developed TOGO which with its all-foam construction and rounded shape, was quite revolutionary in the 70’s. “The commercial success that high quality design has contributed to this company has given us great independence.” And now at the begining of the 21th century, there is renewed interest in 70’s design. “Not a problem”, says Michel Roset. “That was a very important time for us, but we did not have the technical know-how that we have at this stage”. Eight encounters in Paris, eight people with a message to give, and to do so through the pleasant form and function (furniture, seating, lighting, decorative accessories) which they give to a piece of wood or some other completely different material. People who are totally unlike each other, but who have chosen to live in Paris because this town nourishes them. One can agree with Michel Roset and call them “modest and hard-working”, but the terms “impressively refreshing”, “incisive”, “genius” would not be out of place. They live and work in the Marais district, and also in the flourishing northern suburbs, such as Le Sentier, where the French textile industry used to thrive in numerous little shops and courtyards, which is now home to an increasingly transient population.

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“New French design has contributed very effectively to the development of Paris - a contribution that is very recent.” So says the designer Frederic Ruyant, “a new age has been born”. Not a long tradition to be revered, more of an explosive renaissance. The writer and artist Jean Cocteau defined style as “the capacity to express complicated things in a simple way, rather than the reverse”. That sentiment is ever present in the uncluttered designs of Ligne Roset, furniture for people who lead complex lives and require space to dream. “Our lives are complicated enough - Ligne Roset helps simplify them through designs which are beautiful to look at, give pleasure and afford a practical serenity.”

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Proyecto en venta en la mejor zona de Ibiza For sale in ther best part of Ibiza, Spain +info: ferrachi@ibermaison.com


ELIE SAAB

FASHI ON LAB

FASHION REPORT Mientras otros diseñadores apuestan por tematizar y conceptualizar las colecciones temporada por temporada, Elie Saab se mueve en los límites del clasicismo formal, ajustando elásticamente los principios del canon, con esa aportación subjetiva de tintes manieristas.

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En el terreno de los clásicos, no hay espacio para muchas discusiones, se roza la perfección o no se trabaja. Simple, no hay más. Elie Saab mantiene firme este perfil, no tiene rival en el conocimiento arquitectónico del diseño, y ecualiza con precisión matemática la belleza racional del clasicismo con subjetividad manierista: serenidad, equilibrio y proporción, pero nunca rigidez; como la figura serpentinata, un pequeño giro estilístico conlleva una gran evolución estética. Para la sesión s/s de 2013, el haute couture del maestro libanés es un ejemplo de la importancia de la serpentinata, sutiles innovaciones del orden que aportan libertad a la imagen clásica. Elie Saab introduce con decisión el volumen y la textura gruesa del mikado, y el color rubí en contraste con la sobriedad cromática y las estructuras vaporosas de colecciones pasadas, pero mantiene, e incluso espesa los bordados hasta crear coberturas totales. Derivaciones estilísticas que refuerzan la contemporaneidad del cánon, pero también su flexibilidad gracias a Elie Saab.


ELIE SAAB

FASHI ON LAB

FASHION REPORT While other designers love theming and conceptualize seasonal collections per season, Elie Saab moves within the limits of the formal classicism elastically adjusting the principles of canon, with the contribution of dyes Mannerist opinion.

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In the field of classics, there is room for many discussions, there is  perfection or not working. Simple, no more. Elie Saab stands firm here, is unrivaled in architectural design knowledge, with mathematical precision and equalizes the rational beauty of classicism with Mannerist subjectivity: serenity, balance and proportion, but never stiff, as serpentinata figure, a small stylistic twist comes great aesthetic evolution. For the session s/s 2013, the Lebanese haute couture master is an example of the importance of serpentinata, by subtle innovations that provide freedom to the classic image. Elie Saab introduces decisively volume and thick texture mikado, and ruby in contrast to the sober colors and vaporous structures of past collections, but maintained and even thick embroidery to create total coverage. Stylistic derivations that reinforce the contemporary canon, but also its flexibility by Elie Saab.

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CAMPANA BROTHERS

ONE TO ONE

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El fraternal dúo Brasileño, formado por un abogado y un arquitecto, sigue asombrando el mundo del diseño con sus excentricidades imbuidas de poesía y emoción. Corallo, su creación para Edra, es una delgadísima silla minuciosamente construida, con la paciencia amorosa de unas manos ingeniosas. Un enmarañado escultórico de finos hilos de acero barnizado que evocan las ondulantes formas del coral. Los Hermanos Campana siguen (des)dibujando las fronteras entre el diseño, el arte y la vida. ¿Cómo es la silla que crearon para Edra? ¿Cómo surgió la idea? a idea es dibujar con líneas en el espacio, hacer el asiento y el respaldo con líneas flotando en el espacio, es una investigación sobre la desmaterialización, la transparencia y la deconstrucción. Se trata en realidad de una maduración de una escultura que Humberto hizo hace años, en un taller de escultura en metal, en la Faap (Fundação Armando Álvares Penteado, en São Paulo). La pieza era una silla, sin embargo, era imposible sentarse en ella. Exposiciones en el MoMA y en el Design Museum. Sus piezas están en la frontera entre diseño y arte. Parecen esculturas o instalaciones. ¿Cómo ven la relación entre diseño y arte? Creamos puentes entre la emoción y la funcionalidad. También intentamos indicar nuevas formas de usar materiales banales del cotidiano, que generalmente pasan inadvertidos a los consumidores, y aplicarlos en nuestro diseño para hacerlos notables. Creemos que no hay diferencia en el ámbito creativo (arte y diseño), porque son el mismo mundo y ambos significan investigación y ser testigos de nuestro tiempo. Ustedes describen el espíritu del Brasil contemporáneo como un “entusiasmo por la vida”. ¿Qué significa eso y cómo se refleja en su trabajo? Vivir en Brasil significa que es necesario tener una rapidez de pensamiento, y un cambio de actitud muy constante, ya que es un país dónde todo cambia de la noche a la mañana. Desde que se nace, hay que lidiar constantemente con las crisis, y tener agilidad para salir de ellas. Eso no es negativo, porque si así fuera seriamos una nación depresiva, de gente deprimida. Al contrario, eso nos hace más fuertes. ¿Cómo ven el diseño del futuro, más democrático o más elitista? Siempre van a existir las dos cosas. Vemos como las nuevas tecnologías favorecen productos elitistas, que en el futuro serán democráticos, cómo sucedió con la Bauhaus. Los nombres de sus diseños son muy bonitos, extremadamente sencillos y al mismo tiempo muy evocativos. ¿Quien bautiza a sus piezas? Algunas las bautizamos nosotros, otras Massimo Morozzi, director artístico de Edra, con quien tenemos una relación de amistad más allá del trabajo.


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¿Qué importancia tienen la ironía y la poesía en su trabajo? Nuestro trabajo está muy ligado a la emoción, y la emoción nos lleva a esa poética de trabajo. Puede que eso sea una herencia indo-afro-latina. ¿Qué pieza les gustaría diseñar que todavía no hayan creado? Humberto: un jardín. Fernando: un avión. ¿Qué otros arquitectos, diseñadores o artistas son una referencia para ustedes? Lina Bo Bardi, Oscar Niemeyer, Hella Jonjerious, Flávio de Carvalho, Li Edelkoort, Renzo Piano, Denis Santachiara, Konstantin Grcic. Característicos de su trabajo son el assemblage y el reciclaje. ¿Cuál es el rol del diseñador como creador de objetos en un mundo cada vez más repleto de basura? El rol del diseñador es indicar nuevos caminos para todos esos problemas que encontramos, con la ayuda de las nuevas tecnologías. Cambiar el comportamiento de las personas a través de cosas bellas.

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¿Existe alguna conexión entre su trabajo y el Tropicalismo de finales de los años 60? Cuando empezamos a interesarnos por el arte, en nuestra adolescencia –desde nuestro primer disco, nuestro primer equipo de sonido, hasta nuestras primeras visitas a museos– el Tropicalismo tomaba forma. Hemos vivido todo ese clima y fuimos contaminados por todo ese “ruido”. ¿Qué elementos de la cultura brasileña incorporan con más fuerza a su trabajo? Somos testigos de nuestro tiempo y del ambiente en que vivimos, y esas son dos de nuestras grandes inspiraciones. São Paulo, dónde vivimos y trabajamos, es una ciudad caótica, pero también viva y vibrante, y esa mezcla siempre nos ha inspirado. En contraste con ese paisaje urbano, hemos crecido en el interior, rodeados de toda la naturaleza, lo que ha contribuido a nuestra creación. También nos fijamos en como algunas comunidades, pese a las dificultades económicas, demuestran creatividad en la forma como conducen sus vidas, creando objetos visualmente atractivos pero aún así con una función. También sentimos la influencia de artistas modernos brasileños y del mundo. ¿Creen en la función del diseño como agente social transformador? Creemos en el diseño como forma de expresión. En nuestro caso es nuestra expresión, es la forma de relacionarnos y plasmar nuestras ideas y pensamientos. Los materiales pobres, reciclados, son iluminados y hasta magnificados a través de vuestro trabajo. ¿Cómo es el proceso de creación, partís del material, de la estructura, o de ninguno de ellos? El material tiene un papel importante en nuestro trabajo, es él quien va a dictar la forma y la función del objeto. Cuando nos interesa algún material, lo traemos al estudio y hay un flirteo entre nuestro tacto y nuestra mirada y su consistencia molecular, que con el tiempo, nos dice en qué objeto le gustaría convertirse. Vuestros diseños combinan materiales naturales y sintéticos ¿es eso parte del mestizaje brasileño? Es parte de nuestra vivencia rural, donde hemos pasado toda nuestra adolescencia, y la actual, São Paulo y su modernidad, además de nuestra bella fusión de razas.


CAMPANA BROTHERS

ONE TO ONE

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The fraternal Brazilian duo, consisting of a lawyer and an architect, continues to astonish the design world with their eccentricities steeped in emotion and poetry. Corallo, their creation for Edra, is an extremely slim, meticulously-built chair, made with loving patience by four ingenious hands. A sculptural web made of glazed steel threads, which conjure up the undulating dance of coral. The Campana Brothers continue to redraw the boundaries between design, art and life. What is the chair that you have created for Edra like? Where did the idea come from? The idea of drawing lines in space, of making the seat and the back of the chair with lines floating in space is a study in dematerialising, transparency and undoing. It is in fact the fruition of a sculpture, which Humberto produced 14 years ago, in a sculpture workshop at the Faap (Fundação Armando Álvares Penteado, in São Paulo). The piece was a chair, though it was impossible to use it as such! Exhibitions at the MoMA and at the Design Museum. Your pieces straddle the boundaries between art and design. They look like sculptures, or installations. What is your view on the relationship between design and art? We create bridges between emotion and functionality. We also try to show new approaches in the use of everyday, banal materials, which are generally ignored by consumers. These new approaches are applied to our designs in order to make them visible. We believe there is no difference between the creative areas (art and design), since they belong to the same world and both mean carrying out research and being a witness to our times. You describe the spirit of contemporary Brazil as a “zest for life”. What do you mean by that and how does it manifest itself in your work? Living in Brazil means that it is necessary to have a quick mind and to be prepared for a continual change of attitude, since it is a country where everything changes from one day to the next. From the moment you are born you constantly have to face crises, and you have to have the agility to overcome them. This is not something negative, because if it were, we would be a depressive nation, full of depressed people. On the contrary, it makes us stronger. How do you see the future of design? More democratic or more elitist? Both concepts will always exist. We see how new technologies favour elitist products, which in the future will become democratic, as has happened with the Bauhaus.


The names of your designs are very pretty, extremely simple and at the same time very evocative. Who gives the names to your pieces? Some of them are given by us, other pieces are named by Massimo Morozzi, the art director at Edra, with whom we have a close friendship which goes much beyond a work relationship. What is the importance of irony and poetry in your work? Our work is closely bound to emotion, and emotion leads us to the poetics of work. Maybe this is an Indoafro-latin inheritance. What would you like to design that you still haven’t done? Humberto: a garden. Fernando: an aeroplane. Which other architects, designers or artists are a point of reference to you? Lina Bo Bardi, Oscar Niemeyer, Hella Jonjerious, Flávio de Carvalho, Li Edelkoort, Renzo Piano, Denis Santachiara, Konstantin Grcic. Some of the features of your work are assembly and recycling. What is the role of the designer as a creator of objects in a world increasingly filled with rubbish? The role of the designer is to show new approaches to all these problems, that we are facing, with the help of the new technologies; to change the attitudes and behaviour of people through beautiful things. Is there any connection between your work and the “Tropicalism” of the 1960’s in Brazil? When we started to take an interest in art, in our adolescent years – from our first record, our first piece of hi-fi equipment, to our first visits to museums – “Tropicalism” was taking shape. We grew up in that atmosphere and we were infected by the whole “noise of Tropicalism”. Which elements of Brazilian culture are most strongly incorporated into your work? We are witnesses of our time and the environment in which we live, and these are two of our main sources of inspiration. São Paulo, where we live and work, is a chaotic city, but it is also very lively and vibrant, and this mixture has always inspired us. In contrast to this urban landscape, we grew up in the country surrounded by the whole of nature, and this has influenced our creation. We also noticed how some communities, in spite of economic difficulties, have shown a lot of creativity in the way that they live, by creating visually attractive objects, which also have a function. We feel the influence of modern artists from Brazil and the rest of the world, too. Do you believe that the function of design acts as an influence on social transformation? We believe in design as a means of expression. In our case, it is our expression; it is our way of relating and an embodiment of our thoughts and ideas. 46 |


Poor, recycled materials are highlighted and even magnified in your work. How does the process of creation work? Do you start from the materials, the structure, or neither of the two? Materials play an important role in our work. Materials dictate the form and function of the object. When we’re interested in a material, we bring it to the studio and there is a flirtation between our touch and our look and its molecular make-up. With time, the material tells us what it would like to turn itself into. Your designs combine natural and synthetic materials. Is this part of the Brazilian mixture of cultures? It is part of our experience of the rural world, where we spent the whole of our adolescence, and our present experience, in São Paulo and its modernism, apart from our beautiful fusion of races. 48 |


FACETT armchair and sofa. Design: Ronan & Erwan Bouroullec. Catalog: www.ligne-roset.com

Live beautifully.

IBER ON MAIS

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JOHN GALLIANO

FASHI ON LAB

FASHION REPORT El running es el nuevo deporte rey, será por eso, que John Galliano incluye la estética runner en su colección Menswear F/W 2014, porque nadie como Galliano en el arte de sincronizar crónica y diseño. En la línea que sea, el injustamente depuesto creador, sigue haciendo moda anecdótica, incluyendo, las suyas propias, que por cierto, son ya historia.

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La propuesta de la marca, dirigida creativamente por el fiel Bill Gaytten, es la mezcla equitativa de actitud atlética y chic urbano, una doble postura que suena a misión colaborativa entre industrias colosales, el deporte y la moda, pero que no lo es, que es simplemente una de esas conexiones entre vida y diseño que Galliano ajusta, ya venga aludiendo al pasado, el futuro, o el presente, como este caso. De pies a cintura su hombre es fiel a la elasticidad y la comodidad que exige el deporte de fondo, con pantalones ajustados, casi leggings, con detalles de franjas flúor, y zapatillas acharoladas, que son el summun de la fusión sofistico-deportiva. De cintura para arriba, es otra cosa, la colección se explaya en libertad de recursos, completando el look prendas de todo tipo, superposición de capas, camisas y jerseys de corte ciclista bajo chaquetas ajustadas y coloridas, cortavientos extralargos y levitas rectas y oscuras, algunas en materiales tecnológicos brillantes y otros, en seda o algodón. Y completando esta mixtura estilística, entre espejismo y realidad, del perfecto atleta de asfalto, un complemento que podría interpretarse como anécdota, homenaje o redención de las miserias pasadas de Galliano: el Hasidic hat, el clásico sombrero judío de fieltro negro. Toda una historia.

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JOHN GALLIANO

FASHI ON LAB

FASHION REPORT The running is the new king of sports, is why, John Galliano includes aesthetics runner in his collection Menswear F / W 2014, as Galliano because nobody in the art of synchronized chronic and design. On the line is, the unjustly deposed creator, continues anecdotal fashion, including his own, which, incidentally, are history.

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The proposal of the brand, creatively directed by Bill Gaytten faithful, is the equal mixture of athletic attitude and urban chic, double stance sounds colossal collaborative mission between industries, sports and fashion, but it is not that is just one of those connections between life and design that fits Galliano, come on alluding to the past, future, or present, as this case. Foot to waist your man is faithful to the elasticity and comfort required by the sport background, with tight pants, almost leggings with stripes details fluorine and acharoladas slippers, which are the summum of sophistical sports merger. From the waist up, is another thing, the collection expands free resource, completing the look garments of all types, layering, shirts and jerseys cut rider under jackets tight and colorful, extra long windbreaks and Levites straight and dark, some in bright technological and other materials, silk or cotton. And completing this stylistic mixture between illusion and reality, the perfect athlete asphalt , a supplement that could be interpreted as an anecdote, tribute or redemption of past miseries of Galliano: the Hasidic hat, the classic Jewish black felt hat. A whole story.

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BARON HOUSE

ARC HI LAB

DESIGN REPORT De una construcción rural original se pueden extraer los elementos justos para transformar el escenario de la dura vida agrícola en un paraíso destinado a la vida contemplativa y el descanso. Arquitectura y vida se dan la mano, bajo el principio de lo mínimo, en un rincón del campo sueco: adaptación natural, nitidez visual y actitud modesta.

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Baron House, es una casa de verano situada en Skåne, una región fértil, rica en bosques y salpicada de granjas, que conforma la zona más meridional de Suecia. Como en tantas otras ocasiones, el boss de la ortodoxia minimalista, John Pawson (Halifax, 1.949), recibe en 2003 el encargo de adaptar una vivienda respetuosa con ese entorno tan espectacular como apacible. En origen, el edificio era un clásico farmhouse de forma cuadrangular, cuatro cuerpos distribuidos alrededor de un patio central, cada cual, destinado a un uso. El eje del proyecto de Pawson, consistía en casar la nueva función como hogar de recreo y descanso, con la estructura heredada, respetando al máximo los valores arquitectónicos de la misma. De cara al exterior, Baron House mantiene la esencia de lo que fue, ocupando el mismo volumen recortado simétricamente y acabado en una prominente cubierta a dos aguas que define al caserío autóctono, aligerado únicamente por el blanco unificador y el vidrio que sustituye una parte importante de los viejos muros, reemplazando la antigua necesidad de protección del exterior por un deseo de disfrute e integración del mismo. Hacia el interior, la vivienda conserva exactamente lo mínimo, los pilares y divisorias fundamentales, el esqueleto desnudo, lo que permite una distribución sencilla y diáfana, cargada de luz y pulida por la austeridad de los materiales finales. Una obra de belleza austera acorde a su espíritu y el lugar, un silbido de Pawson entre las suaves colinas de ese nórdico sur.

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BARON HOUSE

ARC HI LAB

DESIGN REPORT From an original rural construction can extract the righteous to transform the scenario of hard agricultural life in paradise destined to the contemplative life and leisure elements. Architecture and life go hand in hand, under the principle of the minimum, in a corner of the Swedish countryside: natural adaptation, visual sharpness and modest attitude

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Baron House is a holiday home situated in Sk책ne, a fertile region, rich in forests and dotted with farms, forming the southernmost part of Sweden. As on many other occasions, the boss of minimalist orthodoxy, John Pawson (Halifax, 1949 ), received in 2003 the custom tailor a housing respectful as spectacular as this peaceful environment. Originally, the building was a farmhouse classic boxy, four bodies arranged around a central courtyard, each intended for a use. The axis of the draft Pawson, was to marry the new function as a home for recreation and rest, with the inherited structure with maximum respect the architectural values of the same. Externally, Baron House maintains the essence of what was occupying the same volume symmetrically trimmed and finished in a prominent gable defining the native village, lightened only by the unifying white and glass that replaced a major part of the old walls, replacing the old need for protection from the outside by a desire to enjoy and integration thereof. Inland, the house retains exactly the least the fundamental pillars dividing the bare skeleton, allowing a simple, open layout, full of light and polished by the austerity of the final materials. A work of austere beauty according to its spirit and place a whistle Pawson in the rolling hills south of the Norse.

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FRANCK SORBIER

FASHI ON LAB

FASHION REPORT Imaginemos que sugiere el nombre “Voyages” como preámbulo a un desfile : viajes a lo largo y ancho del planeta, con la misión de absorber lo increíble de la indumentaria tradicional e inyectarla en una excéntrica muestra de haute-couture. Más o menos. Es el particular show de Frank Sorbier, porque el souvenir etnológico también es carne de costura.

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El planteamiento va acompañado de un enorme autómata a escala Gulliver bajo el que serpentean las modelos. En un sentido estricto, parecen muñecas que muestran el anacronismo imperante de ciertas culturas. El viaje se realiza en todas direcciones y durante el trayecto se descubren infinidad de regionalismos y exotismos capaces de argumentar una colección entera, siendo prudentes. Entre el elenco de imágenes prototípicas, algunos modelos están más caricaturizados que otros, pero incluso en su “ortodoxia”, conservan un alto grado de singularidad porque se descomponen y se reconstruyen las estructuras de los patrones originales, como los cuerpos bordados, los velos y los volantes, con un nuevo sentido, estableciéndose así raros paralelismos y parentescos improbables entre distintos países, desde tierras canarias, el este europeo o Tailandia. Junto a la fidelidad de estos diseños complejos, los recuerdos del viaje también son estampados tomados de los textiles clásicos, geometrías africanas al caso, o imitaciones de imágenes como grabados orientales, y otras artes aplicadas. A diferencia de Gulliver, la excentricidad plástica de Sorbier no tiene que ver con viajar en sí, ni revelar nuevos mundos, sino con interpretarlos, jugar y ensamblarlos en un collage de moda, memoria y descubrimiento.

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FRANCK SORBIER

FASHI ON LAB

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FASHION REPORT Imagine suggesting the name "Voyages" as a prelude to a parade: travel throughout the world, with the mission to absorb the incredible traditional clothing and inject it into an eccentric example of hautecouture more or less Is Frank Sorbier show particularly because the ethnological souvenir meat is also seam.


The approach is accompanied by a large-scale PLC Gulliver under that wind models. Strictly speaking, wrists appear showing the prevailing anachronism of certain cultures. The trip takes place in all directions and along the way discovered countless regionalisms and exotica able to argue an entire collection, being prudent. Among the cast of prototypical images, some models are more caricatured than others, but even in their "orthodoxy" retain a high degree of uniqueness as they decompose and structures of the original patterns, such as embroidered bodies, the veils are reconstructed and flyers, with a new sense, establishing parallels rare and unlikely relationships between countries, from canary lands, eastern Europe or Thailand. Along with the fidelity of these complex designs, travel souvenirs are also prints taken from the classic textiles, African geometries to the case, or imitations of oriental images as prints, and other applied arts. Unlike Gulliver, plastic eccentricity Sorbier has nothing to do with travel itself, or reveal new worlds, but to interpret them, play and assemble them into a collage of fashion, memory and discovery.

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IBER ON MAIS

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LODHA EVOQ

DESI GN LAB

DESIGN REPORT Sin lugar a dudas, la suma de dos mentes brillantes equivalen al doble de energía; la unión de fuerzas es imprescindible para crecer y transformarse en algo mucho más rico. Y en cuestión de unión de fuerzas, nada como Yoo, el proyecto conjunto de la leyenda viva del diseño Phipilp Starck y el promotor inmobiliario John Hitchcox.

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Creado en 1.999, Yoo está basado en un modelo mixto de negocio, que parte del trabajo en equipo para un crecimiento positivo al ritmo de un claro “faster, stronger, higher”; es el reto, tanto, que hoy Yoo cuenta con un extenso portfolio de productos, de lo que Hitchcox denomina “placemaking”. Placemaking? A priori, la idea podría parecer que no es nueva: promocionar viviendas únicas, con un interiorismo exclusivo en un entorno increíble; sin embargo, el entorno es un elemento más del diseño global de Yoo, cumpliendo así a rajatabla, los tres principios de integración, cuyo valor es especialmente notable en la competencia olímpica por desarrollar nuevas arquitecturas y adaptar nuevas formas de relación urbana tanto en ciudades consolidadas como en los principales destinos emergentes. Tanto Starck como Hitchcox, viene de vuelta en este mundo de colonizaciones del nuevo lujo, e invierten en un estilo que domina la cultura del intercambio permanente de influencias y la ambiguación estética, con una red de proyectos repartidos por los cinco continentes. Aqua Boracay en Boracay (Filipinas), Echo Brickell en Miami (USA), Lodhe Evoq en Mumbai (India),… para cada lugar, un proyecto concreto, desde el exclusivo complejo de apartamentos que flota sobre extensos jardines en Mumbai, a la villas africanas de xxx. La baza fuerte, la impronta de Phillip Stack unifica la imagen de las creaciones de Yoo, ofreciendo la combinación perfecta de lo más de aquí y lo más de allí. Espacios extrafuncionales, amplios exteriores, y estructuras limpias de interiores para el cómodo despliegue todo tipo de armas de seducción, desde el diseño ultrachic a las piezas vernáculas más exóticas y efectistas: golpes de color, contraposición de volúmenes, iluminación aúrea, barroquismos concisos y algo de colonialismo; todo siempre, sobre el lienzo más blanco, hacia el entorno más selecto y en un marco de integración orgánica. “Citius, altius, fortius”, rezaba el lema olímpico, es la carrera del diseño arquitectónico cuando la olimpiada es el desarrollo.

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LODHA EVOQ

DESI GN LAB

DESIGN REPORT Undoubtedly, the sum of two minds equal to twice the energy, joining forces is essential to grow into something much richer. And in a matter of joining forces, nothing like Yoo, set the project design living legend Phipilp Starck and developer John Hitchcox.

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Created in 1999, Yoo is based on a mixed business model, that part of teamwork for a positive growth rate of a clear "faster, stronger, higher", that is the challenge, therefore, that today Yoo has an extensive portfolio of products, which Hitchcox called "placemaking." Placemaking? A priori, it might seem that the idea is not new: promoting unique homes with a unique interior in an amazing setting, but the setting is a global design element Yoo, fulfilling to the letter, the three principles of integration whose value is especially notable in Olympic competition to develop new architectures and adapt new forms of urban relationship in both consolidated and emerging destinations major cities. Both Starck and Hitchcox, comes back in the colonization of the new world luxury, and invest in a style that dominates the culture of continuous exchange of influences and aesthetics ambiguaci贸n, with a network of projects on five continents. Aqua Boracay in Boracay (Philippines), Echo Brickell in Miami (USA), Lodhe Evoq in Mumbai (India), ... for each place, a specific project, from the exclusive apartment complex floating in large gardens in Mumbai, the villas African xxx. Strong asset, the imprint of Phillip Stack unifies image creations Yoo, offering the perfect combination of over here and over there. Extrafuncionales, large outdoor spaces, structures and clean interior for convenient deployment all weapons of seduction, from the ultra-chic design to the most exotic and gimmicky vernacular pieces: strokes of color, contrast volume, Aurea lighting, concise and somewhat baroquisms of colonialism, yet always on the white canvas, to the finest setting and within a framework of organic integration. "Citius, Altius, Fortius" read the Olympic motto, is the architectural design career when the Olympics is development.


ON AURA TOUT VU

FASHI ON LAB

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FASHION REPORT Esta es una de esas colecciones que deseas luego encontrar en alguna alfombra roja, sobre el cuerpo de una estrella rutilante y prometedora a la caza de nuevos horizontes; porque es dise単o de guerra, de impacto y fuerza.


Y si no fuera por la acción combinada de encajes, tules y rasos, la dureza y grosor de los cuerpos de pedrería incrustada parecerían glamurosas armaduras, extendidas a veces hasta las extremidades. Piezas talladas que se vuelven escultóricas a momentos y relieves dúctiles a otros, muestran un nivel de texturización extraordinario en el cómputo total del esquema. La sensación de rigidez contrasta con las curvas acentuadas y el contoneo de faldas y capas; al final la imagen acaba siendo muy equilibrada y ello en parte incluye, el sabio balance entre blanco y negro. Diseños fornidos de alta costura de cara el buen tiempo, los chicos de On Aura Tout Vu son expertos en sorprender y polarizar críticas, pero en este caso, no caben sino alabanzas por un conjunto de prendas de corte estructurado, detalles exquisitos, textiles bordados y mixturas, a prueba de todo tipo de elucubraciones y fantasías, algo que tanto admira el público parisino.

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ON AURA TOUT VU

FASHI ON LAB

FASHION REPORT This is one of those collections you want then find a red carpet, on the body of a brilliant and promising to hunt for new horizons star, because war is design, and impact strength.

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And if not for the combined action of lace, tulle and satin, the hardness and thickness of the bodies seem glamorous rhinestone encrusted armor, sometimes extended to the extremities. Carved sculptures that become moments and ductile other reliefs, pieces show an extraordinary level of texturing in the total count of the scheme. The stiff feeling contrasts with the sharp curves and swaying skirts and coats, in the end the image ends up being very balanced and this part includes the wise balance between black and white. Husky couture designs face good time, On Aura Tout guys are experts Vu surprise and polarize reviews, but in this case, there are just praise for a set of structured garments cutting, exquisite details, embroidered textiles and mixtures, to test all kinds of speculations and fantasies, which admires the Parisian public.

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HOLZER & KOBLER

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ARCHITECTURE BRIEFING El “Nebra Sky Disk” es uno de los hallazgos arqueológicos más hermosos encontrados recientemente en Europa. Un disco metálico repujado de 3.600 años de antigüedad que está considerada la representación más antigua de la bóveda celeste.

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La pieza, junto a otros objetos, fue encontrada en 1.999 por un grupo de arqueólogos aficionados en el monte Mittelberg, término municipal de Nebra (Unstrut), Alemania. En aquel mismo lugar el centro Arche Nebra, diseñado por los arquitectos alemanes Holzer Kobler, alberga, desde 2007, no solo este tesoro de la Edad del Cobre, sino además, un original centro de divulgación dentro un edificiomirador al servicio de la observación astronómica. Según los propios Holzer Kobler, la estética del edificio está inspirada en el disco de bronce con incrustaciones de oro representa el cielo, incluyendo la imagen una constelación, varias estrellas, una luna en cuarto creciente y el movimiento nocturno el sol, de oeste a este. Desde la distancia, en esta zona boscosa, se aprecia la posición de un cuerpo rectangular voladizo recubierto de aluminio anodizado dorado; dentro del diseño arquitectónico de dos plantas, este es el elemento central del Arche Nebra, con proporciones que llegan a los 60 metros de largo; el enorme rectángulo horizontal se arquea en parte sobre un atrio abierto simbólicamente al cielo y su interior está proyectado porporcionalmente acorde a las funciones de planetarium y exposición permanente; distribuido en dos salas más una de carácter temporal, el entorno museístico sirve a su vez de majestuoso mirador sobre el río Unstrut. En los interiores las referencias al tesoro arqueológico son igualmente constantes, como los acabados metalizados y la aplicación de tecnología en soluciones estructurales, acorde a una época histórica de enorme desarrollo tecnológico, gracias a la manipulación de los metales. Frente a este edificio, sobre el monte Mittelberg, se alza una torre quebrada que ubica el lugar y la dirección de aquella antigua visión que inspiró el disco de Nebra. Altura, linealidad, espacio diáfano y perspectiva, son las características claves de una arquitectura creada por Holzer y Kobler en honor al conocimiento astronómico y la belleza del cielo. Nacida de la observación para volver a ella, es tanto representación como interpretación. donde parece se produjo la observación y representación astronómica. Allí el centro de observación diseñado por los arquitectos Holzer Kobler hace de mirador y de nexo histórico con la Edad del Bronce.

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HOLZER KOBLER

ARC HI LAB

ARCHITECTURE BRIEFING The "Nebra Sky Disk" is one of the most beautiful archeological findings recently found in Europe. A metal disc embossed 3,600 years old is considered the oldest representation of the sky. 108 |


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The piece, along with other objects, was found in 1999 by a group of amateur archaeologists in Mittelberg Hill, town of Nebra (Unstrut ), Germany. At the same place the center Arche Nebra, designed by German architects Holzer Kobler houses since 2007, not only this treasure of the Copper Age, but also an original outreach center within a building serving lookout observation astronomical. According own Holzer Kobler, the aesthetics of the building is inspired by the bronze disc inlaid with gold represents the sky, including the image of a constellation, several stars, a moon crescent and night moving the sun, from west to east. From a distance, in this wooded area, the position of a rectangular cantilever coated aluminum body anodised seen, within the architectural design of two floors, this is the central element of Arche Nebra, with proportions that are 60 meters long, horizontal rectangle huge arches in part on an open atrium symbolically to heaven and its interior is designed according to proportionally on functions planetarium and permanent exhibition, with two dining rooms plus a temporary, the museum environment in turn serves majestic lookout over the River Unstrut. In the interior references to archaeological treasure are equally constant, as the metallic finishes and the application of technology in structural solutions, according to a historical period of great technological development, through the manipulation of metals. In front of this building on Mount Mittelberg, a broken tower located the place and direction of that old vision that inspired the Nebra disk rises. Height, linearity, airy space and perspective, are the key features of an architecture created by Holzer Kobler and after the astronomical knowledge and beauty of the sky. Born observation to return to it, is both representation and interpretation.


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JEAN PAUL GAULTIER

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FASHION REPORT Pasarelas oscuras, luz artificial, ambiente de antro selecto, y modelos que mรกs que desfilar, se transforman. Las presentaciones de Jean Paul Gaultier habitan en la noche, surgen de ella y a ella vuelven.

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Se puede invocar al espíritu de la primavera, la mariposa, para crear una temporada estival, pero ese delicado símbolo natural no es más que la metáfora de algo que va unido a la nocturnidad, la metamorfosis, la transformación. Mariposas azules y verdes que solo salen cuando se pone el sol, y cubren de escote a cadera, lo justo para convertirse en un vestido corpiño más allá del buslesque, a pesar de Ditta Von Thyssen. Showgirls con rizos y volantes de gasas, y mucha transparencia en tejidos de rejilla y bordados que se adaptan a blusas y a faldas, con toda la carga de dramatismo que ello implica. Cinturas marcadas como relojes de arena, y hombros acentuados potencian el carácter de la mujer pernoctadora y sibilina de la alta costura de Gaultier en 2014. Y como culminación a este despliegue de perlas de atrezzo dramático y espectacular, una novia encandila con bodysuit de aplicaciones, casco de plumas, piedra, y frondoso velo; desde su camerino en el music hall directamente al altar, sin metamorfosis.

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JEAN PAUL GAULTIER

FASHI ON LAB

FASHION REPORT Dark walkways, artificial light environment select Antrum, and more models to parade, are transformed. Presentations by Jean Paul Gaultier inhabit the night, arise from it and return To it.

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You can invoke the spirit of spring, the butterfly, to create a summer season, but this delicate natural symbol is just a metaphor for something that is attached to the nocturnal, metamorphosis, transformation. Blue and green butterflies that only come out when the sun goes down, and cover neckline to hips, just enough to be a dress bodice buslesque beyond, despite Ditta Von Thyssen. Showgirls with curls and frilly chiffon, and a lot of transparency in grid fabrics and embroidered blouses and skirts that fit with the whole load of drama that entails. Waistlines marked hourglasses, and shoulders accented enhance the character of the pernoctadora and cryptic Gaultier Couture woman in 2014. And the culmination of this dramatic display of beads and spectacular props, girlfriend dazzles with bodysuit, plumed helmet, stone, and leafy veil applications, from her dressing room in the music hall directly to the altar without metamorphosis.

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LEMA

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DESIGN REPORT La compañía Lema es el paradigma de la tradición del diseño italiano. Con una historia que supera los cuarenta años, el clan Meroni ha sabido conjugar innovación técnica, belleza y bienestar para mantener intacta a través del tiempo, la esencia de una vivienda: el lujo de habitar su interior.

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Desde los años setenta, este objetivo de la empresa familiar milanesa ha marcado los cambios, las incorporaciones y la imagen de la marca. El diseño industrial es la más poderosa herramienta al servicio de ese concepto claro de vivencia cotidiana, de disfrutar un espacio diario, compartido, adaptado y armónico, donde las prioridades de confortabilidad, calidad y belleza están entrelazadas e implementadas de base. De la perfecta unión nacen productos con un equilibrio soberbio cuyo mayor valor es otorgar al espacio interior la capacidad de fascinar y atrapar en un doble plano visual y práctico; la estética de las formas y acabados es de una perfección sencilla, acogedora y exenta de extravagancias; Sistemas programados al milímetro para el orden delegan espacio a una serie de mobiliario lineal, suave y orgánico disponible únicamente en materiales nobles, como el roble, la piel y el mármol; también para los tejidos y otros acabados se reservan una importante cualidad dentro del entorno, segmentar cromáticamente por zonas,

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diferenciando niveles de color según la función del espacio, porque como mecanismo, cada parte tiene su importancia y es medido. Este estilo impoluto tan reconocible de Lema es resultado de un proceso de innovación y depuración técnica, y experiencia al seleccionar los materiales empleados, así como del conocimiento y apreciación de las formas más sofisticadas a través de varias décadas de gloria en la historia diseño industrial internacional.

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LEMA

DESI GN LAB

DESIGN REPORT The Lema company is the epitome of Italian design tradition. With a history of over forty years, the clan Meroni has combined technical innovation, beauty and wellness to keep intact over time, the essence of a home: the luxury of living within.

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Since the seventies , the objective of the Milan family business has marked changes, additions and brand image. Industrial design is the most powerful tool for the clear concept of daily experience, to enjoy a daily space, shared, adapted and harmonious where the priorities of comfort, quality and beauty are intertwined and implemented base. Perfect union products are born with a superb balance whose greatest value is to give the interior the ability to fascinate and catch a double visual and practical level, aesthetic shapes and finishes is a simple, cozy and perfectly free from extravagance, programmed by the millimeter for space systems delegated to a series of straight, smooth and organic furniture available only in noble materials such as oak, leather and marble, as well for fabrics and other finishes an important quality in the reserve environment, chromatically segmented by area, differentiating levels of color as the feature space, because as a mechanism, each party has its importance and it is measured.

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This so recognizable pristine style motto is the result of a process of innovation and technical refinement, and experience in selecting the materials used as well as the knowledge and appreciation of the most sophisticated forms through decades of glory in the history of industrial design internationally.

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OSCAR CARVALLO

FASHI ON LAB

FASHION REPORT La moda del siglo XXI está elaborada en gran medida sobre la historia del arte moderno. Imágenes que se inspiran y experimentan con teorías artísticas contemporáneas. La utilización del color como entidad, como principio y fin, es uno de los capítulos esenciales de la vanguardia artística y Carlos Cruz-Díez, maestro en la materia.

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Arte y moda venezolanos se encuentran en París gracias a la colección alta costura S/S 2014 de Oscar Carvallo, que realiza una revisión del consagrado autor. Lo mejor de la creatividad latinoamericana, dos creadores caraqueños con residencia francesa por otra parte, en un intento por unificar la cuestión estética a través de la moda, la interpretación de Carvallo de su compatriota genio. “El color sucede”, rezaba el título de una retrospectiva de Cruz-Díez en España, en ella se hacía una revisión de los cuatro enfoques del color en el trabajo del artista; en el caso de Carvallo, la colección actúa también de compilación con patrones variables del comportamiento cromático adaptado a formas sencillas. Tejidos brillantes y rígidos que impactan lo mínimo sobre el protagonismo de las aplicaciones de fisiocromía, transcromía y cromointerferencia del autor optical tanto en cualidad de estampado o en la composición material de tiras plásticas como en cuellos de knitting, mezclados puntualmente con tocados de mantilla y cubre hombros ricamente bordados de aires folk, o cascos de clásico molde futurista; Oscar Carvallo apuesta por una imagen bella y experimental completada con la propuesta nupcial, un vestido con escamas metálicas sobre blanco radical, color que por la ausencia de pigmentos, es puro volúmen y luz.

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OSCAR CARVALLO

FASHI ON LAB

FASHION REPORT XXI century fashion is made largely on the history of modern art. Images inspired and experiment with contemporary artistic theories. The use of color as an entity, as a beginning and end, is one of the key chapters of the artistic vanguard and Carlos Cruz-Diez, master in the art.

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Venezuelan art and fashion meet in Paris thanks to the high couture collection S/S 2014 Oscar Carvallo, who reviews the acclaimed author. Best of Latin American creativity two French creators Caracas residence moreover, in an attempt to unify the aesthetic issue through fashion, the interpretation of their genius fellow Carvallo. "The color happens," read the title of a retrospective of Cruz-Diez in Spain, in her review of the four approaches of color on the artist's work was done, in the case of Carvallo, the collection also serves to build variables chromatic behavior patterns adapted to simple shapes. Glossy and stiff fabrics that impact the least on the role of FisiocromĂ­a applications, the optical cromointerferencia transcromĂ­a and author of both print quality or the material composition of plastic strips and knitting collars, headdresses promptly mixed blanket and covers richly embroidered shoulders aires folk, classical or futuristic helmets mold, Oscar Carvallo advocates a beautiful and experimental image completed wedding proposal, a dress with metallic flakes on radical white color by the absence of pigment is pure volume and light.

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MARRAKECH FILM FESTIVAL

EVE NT LAB

FESTIVAL REPORT Ya estamos más que acostumbrados al guión de los grandes festivales cinematográficos, a las quinielas sobre los premiados, los paseos sobre la alfombra roja y las anécdotas secundarias. El formato se repite, se calca el protocolo. Entre tanta homogeneidad, Marrakech Film Festival es una excepción, y vuelve a destacar en 2013 como lo que es, la gran fiesta del cine internacional.


La nutrida representación internacional junto a los criterios de selección y la inclusión en la plaza más popular de Marrakech como parte del escenario, disparan el encanto de un evento consolidado, que celebra su 13ª edición con el mayor número de estrellas por metro cuadrado en toda su historia, incluyendo en este cálculo, a Martin Scorserse como presidente del jurado. Quince films en competición y un ganador, Lee Sujin (South Korea) se hacía con el Gran Premio del Festival con la película “Han Gong-Ju”, una historia que trata sobre el cambio de rumbo en la vida de una adolescente, cargado de tintes dramáticos y saltos continuos entre pasado y presente, un estilo muy representativo del nuevo cine surcoreano. La norteamericana “Blue Rain” del director Jeremy Saulnier (USA) recibía por su parte, el Premio del Jurado, un libreto de venganza, elementos siniestros y bajo presupuesto que ha lanzado a su autor hacia lo alto del olimpo indie. El Premio al Mejor Director, se quedaba para la coproducción “Medeas” de Andrea Pallaoro (USA, Italy & Mexico); el maravilloso trabajo de la actriz Alicia Vikander en “Hotell”(Sweden) era reconocido con la Mejor Interpretación Femenina y entre lo más celebrado, está la doble mención de Didier Michon & Slimane Dazi por sus papeles respectivos y complicidad extraordinaria en “Fevers” de Hicham Ayouch (France & Morocco). El cortometraje “Bad” de Ayoub Lahnoud & Alaa Akaaboune (ESAV School Marrakech), Premio Cinécoles 2013, cierra la lista de galardonados. Fuera del ámbito de competición, quedan el homenaje al cine nórdico y los tributos a Juliette Binoche, Kore- Eda Hirokazu, Mohamed Khouyi, Fernando Solanas y Sharon Stone, cuya belleza y genialidad ponían punto final al festival con un emotivo speech. Nueve días de celebración, proyecciones, cine en todas sus formas, y como no, fiestas de ensueño como la organizada por Christian Dior a la que acudieron rostros eternos como los de las actrices Marion Cotillard, Patricia Clarkson, miembros del jurado, y Deepika Padukone.

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MARRAKECH FILM FESTIVAL

EVE NT LAB

FESTIVAL REPORT Now we are more accustomed to the script of the great film festivals, to the pools on the winners, walks on the red carpet and secondary anecdotes. The format is repeated, the protocol is traced. Among such homogeneity, Marrakech Film Festival is an exception, and returns to prominence in 2013 as it is, the great festival of international cinema.

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The large international contingent with the selection criteria and inclusion in the popular resort of Marrakech as part of the stage, shoot the charm of an established event, which celebrates its 13th edition with the highest number of stars per square meter in all its history, including in this calculation, Martin Scorserse as jury president. Fifteen films in competition and a winner, Lee Su- jin (South Korea) was done with the Grand Prize of the Festival with the film "Han Gong - Ju", a story that is about the turning point in the life of a teenager laden with dramatic overtones and continuous jumps between past and present, a representative style of the new Korean cinema. The US "Blue Rain" director Jeremy Saulnier (USA) received for his part, the Jury Prize, a libretto for revenge, sinister elements and under budget which has launched its author to the top of the indie pantheon. The Best Director Award, stayed for coproduction "Medea" by Andrea Pallaoro (USA, Italy & Mexico), the wonderful work of actress Alicia Vikander in "Hotell" (Sweden) was recognized with the Best Actress and between most celebrated is the double mention of Didier Michon & Slimane Dazi for their respective roles and extraordinary complicity in "Fevers" Hicham Ayouch (France & Morocco). The short film "Bad" Alaa Ayoub & Lahnoud Akaaboune (ESAV School - Marrakech), CinĂŠcoles 2013 Award, closes the list of winners.

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Outside of competition, there are a tribute to the Nordic film and tribute to Juliette Binoche, Hirokazu Kore- Eda, Mohamed Khouyi, Fernando Solanas and Sharon Stone, whose beauty and genius put an end to the festival with an emotional speech. Nine days of celebration, projections, cinema in all its forms, and of course, holiday dream as organized by Christian Dior eternal attended by actresses such as Marion Cotillard, Patricia Clarkson, jurors faces and Deepika Padukone.

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ALEX MABILLE

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FASHION REPORT Tiene una imagen muy independiente en el mundo arrogante del teatro couture. Alexis Mabille es el diseñador encantador, autor del vestido de milquinientos lazos, la amplia sonrisa y los desfiles hipnotizantes. Las mujeres que editan sus sueños en tonos pastel, sueñan con él, y con razón.

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Porque la seducción de Mabille es cuestión de lindezas y mimos que tocan lo más sensible de la naturaleza femenina, ese romanticismo eterno y poco auténtico, que es más utopía que otra cosa, pero que mantiene viva a la especie. La muestra de esta irrefutable verdad, otra colección impoluta, dulce e ilusionante de haute-couture para la sesión S/S 2014, presentada en el Hotel D'evreux , Place Vendôme, con escenografía de mariposas blancas flotando entre las ricas paredes neoclásicas. Vestidos largos y ceñidos como cilindros, sedosos, con algo de péplum o escote cruzado, alternan con el tremendo despliegue de cortes drape and wrap, de reminiscencias varias. El tono achampanado, metálico, resulta bastante unificador en la colección, así como los detalles y bordados en oro combinados con blanco. Diseño y entorno se mimetizan en un desfile de Mabille menos azucarado que otras veces, pero igual de compatible con el lado más femenino de los sueños: vestidos que igual inspiran para una boda, una entrega de premios o, con razón, protagonizar un cuento.

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ALEX MABILLE

FASHI ON LAB

FASHION REPORT It has a very independent image in the world of couture arrogant theater. Alexis Mabille is the lovely designer, author milquinientos dress ties, wide smile and mesmerizing parades. Women who publish their dreams in pastel colors, dream of it, and rightly so.

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Because the seduction of Mabille is about niceties and mimes playing the most sensitive of female nature, the eternal romanticism and inauthentic, which is more utopian than anything else, but that keeps the species. The sample of this irrefutable truth, another pristine, fresh and exciting haute-couture collection for S/S 2014 meeting, presented at the Hotel d'Evreux, Place Vend么me, with scenery of white butterflies hovering between rich neoclassical walls. Long dresses and tight as cylinders, silky, with some crossover neckline peplum or alternate with the tremendous display of drape and wrap cuts of several reminiscences. The achampa帽ado metallic tone is quite unifying the collection, as well as details and embroidery in gold combined with white. Design and environment are blending into a parade of Mabille less sugary than other times, but just support the more feminine side of dreams: just inspired dresses for a wedding, an awards show or rightly star in a story.

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TRIBĂ™

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JORGE OTEIZA

ART LAB

ART BRIEFING Cuando se encontraba, supuestamente, en el cenit de su carrera, el escultor Jorge Oteiza dio por concluido su ciclo de experimentación escultórica repentinamente. Fue en 1959, dos años después de haber triunfado en la IV Bienal de S. Paulo, donde le otorgaron el premio de escultura. Este gesto dice mucho de Oteiza. Más que rebeldía, indica coherencia. Es la actitud de una especie de outsider de la escultura que eligió la honestidad del silencio (creativo) cuando sintió que ya no le quedaba nada nuevo por decir, por lo menos escultóricamente.

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Tal vez debido a la genialidad y radicalismo (en el sentido más puro del término, el de acercamiento a la raíz) de Oteiza, es difícil catalogar su obra. En sus diferentes períodos, difícilmente se inscribe dentro de los límites de un movimiento o tendencia concretos. Los críticos de arte han señalado la influencia en la obra de Oteiza del arte arcaico o primitivo (que el escultor ha estudiado muy de cerca tanto en su País Vasco natal como en sus viajes), así como de la estética moderna (las composiciones geométricas del cubismo y del constructivismo, o el minimal art) pero las esculturas de Oteiza no son asimilables a ninguna de estas tendencias. En realidad, funcionan un poco como una síntesis original entre la indagación de las culturas primitivas y una visión del mundo contemporánea. En toda la obra de Oteiza late una profunda inquietud conceptual, que se manifiesta primero en su intención teórica y posteriormente en la producción escultórica. Sus esculturas son extremadamente rigurosas, tal vez porque en ellas se reflejan con precisión las investigaciones intelectuales del artista. El rigor, y la belleza, se hallan en la relación de las partes con el todo, de los espacios vacíos con los planos, de la dinámica interna , ágil y móvil, con la impresión general de estabilidad. La gran preocupación de Oteiza es entender la relación metafísica entre el hombre y el universo. Él quiere alcanzar (y permitir que el espectador alcance, sumergiéndose en sus cajas) el vacío metafísico, que equivale a la plenitud espiritual. El artista debe perseguir la identificación espiritual, la comunión con el cosmos. Trasladado a la creación plástica, significa crear una fusión formal entre el espacio interior (humano) y el exterior (cosmológico).

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Artistas como Gaugin, Cézanne, Mondrian y Malevitch marcaron las exploraciones teóricas de Oteiza. Y también su práctica como escultor. Naturalmente, Oteiza se posicionó de diferentes formas relativamente a estos artistas. En todos, procuraba hallar un particular entendimiento del espacio y del tiempo. Hasta que encontró la suya propia. Y entonces paró de esculpir y se dedicó a transmitir su experiencia. Al regresar de Sudamérica, a principios de los 50, Oteiza inicia su investigación en el terreno de las formas abstractas y geométricas. Una investigación cada vez más estilizada y esencial que culmina en sus experimentaciones en torno a la desocupación del espacio. El cuadrado o el cubo, la unidad modular fundamental, se convierte en el tema más insistente y consistente de la creación escultórica de Oteiza. Desde un punto de vista matemático y simbólico, el cuadrado representa un todo perfectamente equilibrado. Para Mondrian, el cuadrado representaba la síntesis perfecta entre la verticalidad (del orden del espíritu) y la horizontalidad (terrenal). Pero Oteiza desconfía del estricto orden ortogonal de los planos de Mondrian. Para él, la posición de Mondrian es ingenua, y el resultado es una aproximación demasiado estática. Por eso Oteiza se concentra en el espacio y lo pone en movimiento en sus piezas, creando dinámicas interrelaciones entre planos y volúmenes, espacios interiores y exteriores, y en este movimiento se acerca a la arquitectura.

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En 1958, en su proceso de desocupación del cubo, Oteiza llega finalmente a sus “cajas vacías” que presenta como “cajas metafísicas”. Las llama así sencillamente porque hacen preguntas, son filosóficas. A través de sus cortes diagonales que estiran el espacio como una fuerza centrífuga, estas cajas contienen espiritualidad e invitan a la reflexión. Los espacios creados en su interior ilimitado y sin fronteras son espacios vacíos, quietos, silenciosos, donde recogerse, acogerse. Espacios de retiro y protección, un lugar espiritual que el hombre puede ocupar mediante su sensibilidad. Pero estos espacio vacíos son también espacios de plenitud. No se trata de una vacuidad estéril y desierta sino de un vacío que afirma su presencia, que pesa a pesar de su liviandad. El espacio vacío es activo y grávido. Y Oteiza lo explica así: “Defino también el vacío como concepto que no puede ser identificado, como ocurre y sigue ocurriendo, con el espacio como lugar no ocupado. El vacío es algo que se obtiene (como sucede en Física, es algo que no existe), es una respuesta estética en la fase de desocupación espacial. El vacío viene a ser la presencia de una ausencia. El espacio vacío como aparcamiento espiritual”.

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JORGE OTEIZA

ART LAB

ART RBRIEFING When he had, supposedly, reached the pinnacle of his career as a sculptor, Jorge Oteiza suddenly decided to terminate his cycle of sculptural experimentation. This happened in 1959, two years after he had won the Sculpture Prize at the IV Bienal de S. Paulo. This gesture tells us a lot about Oteiza. More than rebelliousness, it denotes coherence. It is the attitude of an outsider to the world of sculpture who preferred the honesty of silence (creative silence) to endless repetition, when he understood that there was nothing left for him to say, at least through sculpture.

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It is difficult to place the work of Oteiza within the panorama of contemporary sculpture. Maybe this is due to the genius and radicalism of Oteiza (in the purest sense of the word; approaching the root). Only with difficulty can we set his sculpture within the limits of a specific movement or tendency of art. Although art critics have pointed out the influence of archaic and primitive art on Oteiza’s work (which the artist has closely studied in his native Basque Country and on his journeys), as well as the influence of modern aesthetics (the geometrical compositions of Cubism and Constructivism, Minimal Art), his sculptures do not completely belong to either of these tendencies. Indeed, his works tend to serve as an original synthesis between the investigation of primitive cultures and a contemporary view of the world. Throughout Oteiza’s work beats a deep conceptual disquiet that can be seen, firstly, in the sculptor’s theoretical intention, and secondly, in the sculptural production. His sculptures are extremely rigorous, perhaps because they reflect with precision (or give form to) the artist’s intellectual explorations. Rigour and beauty are thus found in the relationship between parts and whole, empty spaces and plans, the interior dynamics, agile and mobile, and the general impression of stability. The great concern of Oteiza is to understand the metaphysical relationship between man and the universe. He wants to reach (and allows the spectator to reach it too, by immersing himself in his boxes) the metaphysical void, a kind of spiritual plenitude. The artist must pursue spiritual identification, a communion with the cosmos. In expressive terms, this means creating a formal fusion between inner (human) and outer (cosmological) spaces.

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Artists such as Gaugin, Cézanne, Mondrian and Malevitch have marked the theoretical explorations of Oteiza. His work as a sculptor, too. Naturally, Oteiza placed himself in a different position with regard to each of these artists. In each of them he sought a particular way of understanding time and space, until he found his own way. At that moment he stopped sculpting and started to communicate his experience. Upon his return from South America, in the early 1950’s, Oteiza started out on his investigation into the realm of abstract and geometrical forms. This process progressively became more stylised and focused, which ended with the artist starting his experimenting with the de-occupation of space. The fundamental modular unity, the square or the cube, becomes the most insistent and consistent theme of the sculpture of Oteiza. From a mathematical, symbolic point of view, the square represents a perfectly balanced whole. For Mondrian, the square is a perfect synthesis of verticality (spiritual) and horizontality (earthily). But Oteiza does not trust the strict orthogonal order of Mondrian’s plans. To him, Mondrian’s position is too naive, probably the result of an excessively static approach to the subject. For this reason Oteiza focuses on space and puts it into movement in his pieces, by creating dynamic interrelations between plans and volumes, inner and outer spaces, which is the movement which brings him close to architecture. In 1958, during his process of the de-occupation of the

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cube, Oteiza finally reached the “empty boxes” which he presents as “metaphysical boxes”. He calls them metaphysical simply because they ask questions; they are philosophical. Through diagonal cuts which stretch space as a centrifugal force, these very boxes which contain spirituality seem to invite reflection. The spaces, unlimited and without boundary created inside the boxes, are empty spaces, still, quiet, spaces to gather oneself to retire. Spaces of protection and retirement, spiritual places which man can occupy through his sensitivity. But these empty spaces are also spaces of plenitude. They are neither made of sterile emptiness nor deserted, but rather they are a void space which affirms its presence, a void with weight in spite of its lightness. The empty space is active and full of emotions. Oteiza puts it this way “I also define void as a concept that cannot be identified, as has happened and still happens with space seen as a non occupied place. Void is something that is obtained (as in Physics, it is something which does not exist) it is an aesthetical response in the phase of spatial emptiness. Void turns out to be the presence of an absence. Void space is like a space to rest spiritually”.

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