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A I N A EOM GAZINE MA

AT / DE: 9.00 € BE / GR / IT: 7.00 € ES / FR: 6.00 € LUX / NL: 7.00 € GB: £ 4.90 PORT. CONT.: 7.00 € CH: 12.20 CHF

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A.F. VANDERVORST CHANEL PIERO LISSONI JEFF KOONS JEAN MARIE MASSAUD LOUIS VUITTON REM KOOLHASS PRADA TRANSFORMER BAXTER CANNES 2011 TRIBÙ ARCHITECTURE FACTORY


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MODERNO COMO LAS OLAS ANTIGUO COMO LA MAR SIEMPRE NUNCA DIFERENTE PERO NUNCA SIEMPRE IGUAL. EDUARDO CHILLIDA.


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La inteligencia es diversa, dinámica y selectiva. Una vez superados los métodos de aprendizaje y los sistemas de trabajo de herencia industrial, basados en la especialización, la parcelación y la competitividad, el mundo se convierte en una tarea para inteligencias colectivas.

En la era de la creatividad, el despliegue de sinergias profesionales invita a la cada cual a moverse en su mejor elemento, participando de una dinámica colaborativa de enriquecimiento mutuo. La mutación es evidente e inevitable, construimos e interpretamos simultáneamente el mundo, y en esta actualización, la visión mutante se convierte en referencia, método y organización. Desde el replanteamiento de la relación más elemental entre material, forma y función del objeto hasta la casi total extinción de barreras entre lo público y lo privado en el proyecto arquitectónico; la voluntad colaborativa se traduce en una estética de la sostenibilidad, la adaptación, la capacidad de carga semántica, más allá de la obra concreta. En este contexto, el 50 aniversario del Salone Internazionale del Mobile di Milano, atestigua y celebra esta regeneración natural de principios. Diseño, arquitectura, tecnología, arte, las taxonomías se flexibilizan en virtud de la excelencia.

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EDITORIAL Intelligence is diverse, dynamic and selective. Once we have surpassed learning methods and working systems of industrial legacy, based on specialisation, sub-division and competitiveness, the world then becomes the work of collective intelligences.

In the age of creativity, the deployment of professional synergies invites each of us to move to their own beat, taking part in a collaborative dynamic of mutual enrichment. Mutations are evident and inevitable, we build and interpret the world simultaneously, and mutation acts as form of updating; the mutant vision becomes a reference point, method and organisation. From this modernisation of the most elementary relationship between materials, shapes and functions of an object towards the almost total extinction of barriers between public and private sector architectonic projects; collaborative volition is translated into a aesthetic of sustainability, adaptation, capacity of semantic burden, beyond the piece in question. Within this context, the 50th anniversary of the renowned Salone Internazionale del Mobile di Milano, bears witness to and celebrates this natural regeneration of principles. Design, architecture, technology, art, taxonomic categorisations become more flexible in virtue of their excellence.


T S R O DERV

VAN

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ON FASHI

T REPOR


FASHION REPORT La mitad del valor de un objeto que aspira a la máxima plasticidad, está en la recepción, la revisión y reactivación que le da quien lo mira, lo usa y adopta como propio. Esta relación de reciprocidad se activa y produce propuestas tan interesantes y curiosas como la colección A Friend, de la firma belga AF Vandevorst para la temporada 2011-2012, una línea nueva creada por este tándem de diseñadores aplicando un amistoso concepto feedback, que reflexiona y responde a las necesidades, propuestas y visión crítica planteadas por su círculo más cercano. La amistad, como engranaje social y respuesta emocional, conecta con una estética precisa y personal cuyos elementos paradójicamente transmiten el mismo respeto, flexibilidad, entendimiento, adaptabilidad y cierta mimetización que subyace en cualquier relación de afecto verdadero. La complicidad de pliegues, la libre correspondencia de formas, la justa apropiación de detalles y un alegato escenográfico al anonimato se suman a ese deseo natural de feminidad. Un gesto persuasivo que vincula ductilidad y funcionalidad, sin dejar la más mínima fisura. Confianza, compresión, ruptura y sensibilidad que transmite esta pareja cuyo criterio creativo común explora nuevas formas de difusión y la experiencia de incorporar un nuevo componente, aun más exigente y completo: frente a la autoridad del genio individual , AF Vandevorst abogan por la generosidad del talento colectivo.


FASHION REPORT Half the value of an objet d’art, which aspires to the maximum expression of its plasticity, lies in the reception, review and re-activation it gives to the appreciator, the user and the adopter. Through this reciprocal relationship fascinating and unusual creations such as the “A Friend� collection, brainchild of Belgian design company AF Vandervort, are activated and created. This new line designed by this pair of designers came about through friendship within the workplace which allowed then to reflect upon and respond to the needs, proposals and visionary criticism of their most inner circle. Friendship, that cog that grinds the wheel of society, connects here with an accurate and personal aesthetic whose elements paradoxically transmit the same levels of respect, flexibility, understanding, adaptability and a modicum of mimicking which underlies any truly affectionate relationship. Complicit folds, free-form reciprocity, the right amount of attention to detail and a scenographic proposition tending towards anonymity join forces with this natural desire for femininity. A persuasive gesture which binds the ductile with the functional, without leaving the slightest trace of a rift. Confidence, comprehension, division and sensibility which this artistic duet transmits, based on a common creative criteria which explores new methods of reaching their audience and the experience of incorporating a new component, an even more demanding and complete element against the authority of individual genius, AF Vandervorst advocates the generosity of collective talent.

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L E N A E CHTHE FROZDENN GAR

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FASHION REPORT Ambiente apocalíptico, existencialismo blanco y negro, el desfile de Chanel Ready-to-wear Fall-Winter 2011 rompe entre tinieblas el silencio del Grand Palais de París con el afilado y conmovedor sonido de cuerdas de “The frozen Garden”, obra del compositor Thomas Roussel. “…y habrá una oscuridad tan intensa que uno podrá sentirla”, con esta frase extraída de la novela de Stieg Larsson Millenium, e inspirada en los escritos del bíblico Exodo podría comenzar la descripción de una colección y una puesta en escena absolutamente dramática, sui generis, del maestro Karl Lagarfeld. La enorme caja blanca con logo negro de la marca se abre y comienza el desfile de seres imperturbables ante la oscura profundidad, la espesura del humo y la cobertura de cenizas. En apariencia o esencia, los diseños se adaptan a una atmósfera de destrucción en la línea de estéticas tan potentes como el neofolk, tradición post-industrial que mezcla elementos neoclásicos, matices punk, tintes góticos; se exprime al máximo las posibilidades del negro, aires de desazón posmoderna en clave de moda.


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Dramatismo pero también resurgimiento, desafío. Prendas que no pierden las señas más evidentes de la casa Chanel, como el tweed, pero impregnadas de esa esencia oscura que envuelve igualmente el duro invierno y la noche, marco perfecto de una nueva literatura nihilista; también para rotar identidades. Las proporciones de las chaquetas y abrigos se amplían, incluso ceden ante la hibridación de ponchos y capas como aportación más llamativa. El pantalón destrona a la falda en la versión más urbana de la colección femenina, en una polaridad fantástica entre el legging y el corte masculino oversized. El hombre se viste de resistencia militar post-apocalíptica en prendas de una sola pieza o simplemente en jeans, chaquetas tweed, o cuerpos de lana. Fábula nietzscheana, restos de una erupción volcánica, evolución neogótica,odisea postbélica, o nocturnidad y alevosía. Chanel presenta una colección para seres que sobreviven, con firmeza, a situaciones extremas. Al menos en apariencia.


FASHION REPORT With an apocalyptic, end-of-the-world feel to it, existentialistically dressed in black and white, the parade of Chanel’s Ready-to-wear Fall-Winter 2011 collection shatters the darkness of the Grand Palais in Paris, with Roussel’s “The Frozen Garden” providing the haunting yet poingant soundtrack. “…and there will be a darkness of such intensity that one will actually be able to feel it” with this quote culled from the novel Millennium by Stieg Larsson, and inspired by the biblical text of the Exodus, it wouldn’t be a bad place to start the description of a dramatic and equally so staging of a collection, as sui generis as ever, and from the immediately recognisable hand of the masterly, Karl Lagarfeld. The sizeable white box with the black brand name embossed upon it opens and the cavalcade of perturbed bodies passes by before the all-encompassing darkness, the denseness of the smoke, and the covering of ash. Be it through appearance or essence, the designs adapt to the atmosphere of destruction along the lines of such powerful aesthetics as neo-folk, post-industrial traditionalism intermingled with neo-classical elements, punk hues, gothic tinges…; extracting the maximum levels of possibility from the sole black colour, an air of post-modern insipidness translated into fashion.

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Dramatic whilst at the same time resurgent, challenge. Items that maintain the most symbolic beacons of the Channel trademark, items such as tweed, though here impregnated with the ubiquitous dark essence which envelopes both the icy winter and the night, a perfect framework for a new nihilistic literature, but also to demolish identities. Amplitude overtakes jackets and overcoats, even giving way to the hybridisation of ponchos and capes as the most eye-catching contribution. The trouser dethrones the skirt in the most urbane version of the female collection, with a polarity on a fantastic scale between the everyday legging and the most out-sized masculine cut. The male is dressed to military resistance with a fin de siecle feel to single-piece clothing embracing the simplicity of denim, tweed jackets and woollen vests. Nietzsche writing fables, the remains of volcanic eruptions, neo-gothic evolution, post-war odyssey, surreptitiously and premeditated . Chanel presents a collection for beings capable of survival and firmness in extreme situations. Or at least it seems that way.

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E N O 2 ONE O

PILEISR SONI

“A lo largo de todos estos años he plasmado a través de mi trabajo mi propia vida”

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ONE-2-ONE -

Cerca de treinta años de trayectoria profesional y muchos reconocimientos en todo este tiempo, ¿cuáles son las claves del éxito de su lenguaje creativo? Creo que simplemente he sido un afortunado, pero lo que es verdad es que a lo largo de todos estos años he plasmado a través de mi trabajo mi propia vida, mi pasión por el trabajo, una pasión con muchas cualidades y mucha coherencia, y eso es muy importante. ¿En qué momento siente que se encuentra de su carrera? A veces me apetecería escapar de mi trayectoria… Cuando pensé que iba a ser arquitecto y diseñador no pensé en llevar una vida libre, si no en trabajar y siempre seguir adelante. Ahora mismo me apetecer seguir haciendo lo que hago. ¿Cuando supo que quería ser diseñador? Desde niño tenía claro que quería ser arquitecto. Mi padre restauraba muebles y probablemente esta pasión viene de él. Él me enseño la historia de la arquitectura y visité con él muchas ciudades, museos, arquitectura en Europa… Pero lo hizo sin presión, sin empujarme. ¿Cómo se enfrenta a la hoja en blanco de un nuevo proyecto? Un proyecto siempre implica a mucha gente, no nace sólo en mí, si no que nace dentro de una conversación, y esa conversación pudo sucederse hace un año y, poco a poco, va tomando forma y misteriosamente surge ese proyecto. Aunque arquitecto de profesión, el diseño ocupa un lugar importantísimo en su carrera, ¿cómo es la relación entre diseñador y arquitecto en su trabajo diario? Yo soy milanés y el hecho de ser milanés implicaba que tenía que ser arquitecto, pero el hecho de ser arquitecto también implicaba que tenía que se capaz de diseñar, de hacer gráfica, urbanismo… Mi escuela era humanista, en este sentido crezco profesionalmente con esta característica de fusión de disciplinas. Defina un diseño 10 El que te arropa, el que sientes, el que vives.


¿Y un diseño 0? El que está hecho únicamente para confundir. Ha diseñado toda clase de piezas de mobiliario, ¿cuál de ellas le inspira más a la hora de diseñar? Es totalmente indiferente para mí. A mi me gusta diseñar todo, no pongo límites. Hay cosas que me van mejor, otras menos, pero en un grado que no tiene importancia. ¿En qué o quién se inspira? La ciencia, la poesía, la literatura, todo es importante. En realidad, mi inspiración es la vida. Soy un humanista. Ah, y un buen café italiano. Elija un material y un color que le definan Color: blanco. Material: cualquiera, bien utilizado. Mal usado, en cambio, no me vale ninguno. Como diseñador, le gustaría ser recordado como… Nada. No quiero dejar impronta, no me preocupa. Sí me gustaría, en cambio, ser recordado como una persona interesante, con buenas cualidades. Elementos básicos de un buen diseño… El único elemento importante es la historia. Yo cuando diseño un producto, independientemente de lo que se trate, ya sea una cocina, un mueble, una cafetera, lo importante es que en ese momento sea la mayor cosa posible para mí. Actualmente, para que un diseño se convierta en algo grande necesita un ingrediente importante que es la continuidad en el tiempo, pero eso no es algo que pueda decidir yo, lo decide el propio elemento en su entorno. ¿La simplicidad es el mejor camino? La simplicidad es la cara publica de la complejidad por eso me gusta pero como ser humano, soy muy complejo. Defina su diseño en dos o tres palabras. Nunca he creído en grandes cambios. No soy rompedor. Mi forma de diseñar es coherente y calvinista. Todas mis piezas forman una suerte de alfabeto, están conectadas. En treinta años siempre he sido fiel a una forma de diseñar. Mis diseños son sencillos y complicados a la vez. ¿Cuál es su casa ideal? Casi vacía. Más o menos tranquila y neutral. No… en realidad me gustaría poder cambiar de casa cada día de la semana. El lunes: un castillo; el martes: una casa de pescadores; el miércoles, un palacio barroco; el jueves, un clásico apartamento parisino del siglo XIX y, por fin, el viernes, en un pabellón de cristal como el de Mies van der Rohe en Barcelona.

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ONE-2-ONE -

Almost thirty years in the business and a long line of awards in this time... What are the keys of the success of your creative language? I believe that I have simply been lucky, but what is true is that throughtout all these years I have embodied the idea of my work to my own life, my passion for my work, a passion filled with equal measures of quality and coherence. That is what makes it importanT. At what point do you find your career in at the present time? At times I would love to move away from what I am known... When I thought that I was going to be an architect and a designer, I didn't consider that I would live a free life, rather just in working and getting on. Right now I just want to carry on with what I am working on. When did you know you wanted to be a designer? Since I was a child I knew I wanted to be an architect. My father was a furniture restorer and most like my passion came from him. He taught me about the history of architecture and we visited many cities and museums around Europe, taking in the architecture... Yet he never forced me, never put any pressure on me. How do you tackle the blank page of a new project? A project always involves many people, it is not borne just out of me, rather it is the fruit of a conservation, and this conversation may take place a year prior to the project, which, takes shape little by little until the project mysteriously appears.

“Over the years I have embodied the idea of my work to my own life� 22 |


Although you are an architect by trade, design holds a special place in your heart, what is the relationship like between designer and architect in their daily work? I am from Milan and this fact means that I had to be an architect, though the fact that I am an architect also implies that I had to be able to design, to draw, to plan... My school was the humanist, in this sense I have grown professionally with this characteristic of interdisciplinary fusion. What is your ideal design One that protects you, one that you feel, one that makes you feel alive. And the antithesis of design? Anything made purely to confuse. You have designed all types of furniture pieces, but which is the most inspiring for you in design terms? It is totally indifferent for me. I like everything I design, I do not place limits on myself. There are things I do better and things I do worse, but to a level which is unimportant. Who or what inspires you? Science, poetry, literature, everything is important. The truth is, life is my inspiration. I am a humanist, that, and good Italian coffee! Choose a material and a colour which defines you. Colour: White. Material: Any, used well. However, any used badly is no use to me.


As a designer, how would you most like to be remembered..‌ Not remembered, I do not care to leave my mark behind. It is of no concern for me. However, I would like to be remembered as an interesting person with good qualities. What, for you, are the basic elements of good design? The sole element of importance is history. When I design a product, irrespective of what we are dealing with, be it a kitchen or a piece of furniture or even a coffee-maker, what is important is that at that time it was the greatest thing I could produce. Currently, for a design to become something major, it needs an important ingredient such as continuity in time, yet that is not something that I can decide, the element itself makes this decision within its environmenT. Is simplicity the best route? Simplicity is the public face of complexity and for that reason I like it, though as a person, I am quite complex. Define your design philosophy in two or three words. I have never believed in major changes. I am not a breaker of traditions. My manner of designing is coherent and Calvinist. All my pieces form a kind of alphabet, they are interconnected. In thirty years I have always remained faithful to a single way of designing. My designs are simple and complicated at the same time. What would your ideal house be like? Empty. More or less quiet and neutral. No, hang on, the truth is that I would like to be able to change houses every day of the week. On Monday, a castle; on Tuesday, a fisherman's cottage; on Wednesday, a baroque palace; on Thursday, a classical 19th Century Parisian apartment, and finally, on Friday, a glass pavilion like Mies van der Rohe's in Barcelona.

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JEFF

S N O O K y of art

the sociolog

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ART REPORT La correspondencia entre discurso y objeto en el arte contemporáneo es algo más que un soniquete machacante, y así seguirá siendo mientras el arte sea accesible al gran público. Si una vez entendida esta máxima lo que ofrece Jeff Koons es el objeto como discurso, entonces es imprescindible una revisión histórica del kitsch como categoría estética en el contexto de la sociología del arte, porque cualquier otra interpretación fulminará al democrático espectadoR. Teorías artísticas aparte, nadie se enfrenta a una exposición de Jeff Koons (York ; Pennsylvania 1.955) sin juicio previo, todo hay que decirlo. Es lo tiene pertenecer al star system del arte y utilizar a tu antojo elementos de la iconografía más cotidiana, tanto si son objeto como si son discurso, que esa es otra. Pero hay que posicionarse. Tradicionalmente, existe una separación entre la alta cultura y la cultura popular que ha favorecido la construcción de una historia del arte a favor de los gustos e intereses de las élites sociales; una distinción que el arte contemporáneo ha intentado aniquilar de varias maneras, desde el propio ejercicio creativo a las formas de difusión. El caso de Jeff Koons es sin lugar a dudas el más activo en este sentido, porque trabaja sobre esa extinta distinción estética, cada vez más frágil y manipulada también en la vida real, en un momento de plena transversalidad y hegemonía mediática.


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Hace mucho que Koons obvió y explotó las cuestiones y distinciones del gusto, el Neo-kitsch inauguraba un nuevo orden de cosas, eliminando ciertos status privilegiados y fijando irremediablemente otros, pero siempre desde una posición de abrazo, de aceptación de las circunstancias. Por ello, la banalidad como esencia formal y discurso explícito, no es otra cosa que el diagnóstico artístico de una patología social, de una masa cultural cada vez más homogénea, cuyos inverosímiles objetos, de conocida toxicidad plástica, tienen la misma autoridad moral para colonizar el Gran Aposento del Rey, en el Palacio de Versalles o el espacio público de cualquier ciudad moderna, sin que al artista se le mueva un pelo. La estrategia que desenmascaró el carácter engañoso de lo kitsch, abolió las desigualdades implícitas de su producción, y le otorgó nuevas y más sutiles funciones, incluidas el humor, le ha servido a este miembro honorífico de la Royal Academy of Arts para superar todo vaticinio de fracaso, sumar popularidad y seguir siendo uno de los artistas vivos más cotizados.


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ART REPORT The correspondency between discourse and the object in the world of modern art is rather more accessible than an incessant droning, and will continue to be so while art is accessible to a wide audience. Once this maxim has been assimilated, what Jeff Koons has to offer is the object as a conversation-piece, and then an historical review of kitsch as an aesthetic category within the context of the sociology of art becomes essential, as any other interpretation will strike down the free-willed spectator. Keeping artistic theorem to one side, nobody undertakes a Jeff Koons exhibition (York, Pennsylvania, 1955) without prior judgements, everything must be discussed. That is a drawback of belonging to art’s elite and using daily items of modern iconography at your whim, whether it be as an object or discourse, which is, of course, another matter. Yet one must position oneself. Traditionally, there has been a separation between art as culture and art as a popular medium which has favoured the development of a history of art told from the viewpoint of the likes and dislikes of the social elite; a distinction which modern art has tried to abolish in various ways, from the carrying out of the creative process itself to the places in which it is displayed. Jeff Koons case is without doubt the most active example of this, as he works on that extinct aesthetic distinction, continually becoming more fragile and manipulated in real life, during a truly transversal and hegemonic epoch of media furore. Many years have passed since Koons first both eschewed and exploited the issues and distinctions of taste, Neo-Kitsch brought with it a new order in art, eliminating certain privileged statuses and irretrievably creating others, though always welcomed with open arms and acceptation with regards to circumstance. For this reason, banality as a formal essence and explicit discourse is nothing more than the artistic prognosis of a society in disarray, lumped together in a uniform mass, whose far-fetched possessions, knowingly toxic in their attempts at plasticity, have the same moral authority to colonise the King’s chambers, the Palace of Versailles or public spaces in any modern city without the artist so much as batting an eyelid. The strategy which unmasked the deceitful nature of kitsch, did away with the implicit inequalities of its productions, and granted it new more subtle functionalities, including humour, and thus aiding this honorary member of the Royal Academy of Arts to overcome the expectation of failure, grow in popularity and become one of the top earners still living today.


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RIE A M N JEA D

AU S S A M

DESIGN BRIEFING La apreciación, la admiración y el sumo respeto por la naturaleza pueden llevar a un creador a un rango de conceptualización y repliegue del mundo físico. Sin embargo, cuando ese lenguaje de reflexión y armonía sale del hermético mundo de las ideas y se materializa, entonces alcanza cotas máximas de belleza.

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Las posibilidades de alcanzar esta posición ideal de abstracción realista y funcional vienen dadas por una combinación de factores que están bien resumidos, y con legítima exclusividad, en la figura del arquitecto y diseñador Jean Marie Massaud (Toulousse, 1966). Podríamos señalar como punto de partida de su diseño efectivamente, esa capacidad de entender y valorar el funcionamiento de nuestro ecosistema, algo que define y sintetiza la lógica práctica y la pulida estética de sus creaciones junto a una inequívoca voluntad de equilibrar deseo y responsabilidad en la producción y consumo de las mismas. Massaud mantiene un compromiso activo, trabaja a partir del mundo, sus objetos nacen de una perspectiva humana constructiva y armónica. Síntesis, equilibrio entre concepto y objeto, pacto de mínima invasión, ecología, no intrusión, sentido…son las relaciones establecidas entre hombre, espacio, objeto y naturaleza. Aciertos conceptuales compartidos y celebrados por las más potentes firmas de diseño,

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como Capellini, Porro, Poltrona, Cassina, Poliform, MDF,… que producen piezas memorables como el clásico sillón en piel con mayúsculas “Archibald”, imagen más inmediata de confort y pulcritud formal, la orgánica y cautivadora silla lounge “Wallace”, la visualidad táctil de la porosa “Truffle”, la reducción estructural del modelo “INOut” o la nueva dualidad mobiliario-iluminación para Foscarini, los semiesféricos haces de luz “Solar”, aportación presentada recientemente en el Salone di Mobile de Milán 2011. Materializadas los deseos, la empatía con lo natural y replanteado hasta el límite de lo político el sentido reflexivo de la profesión creativa, las piezas de Jean Marie Massaud transmiten una emoción instantánea, positiva, un gesto inmediato de fe, la sensación de comprender algo extraordinariamente simple, conectar con lo esencial. Lo más parecido a experimentar la perfección como producto, y como relación.


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DESIGN BRIEFING The appreciation, admiration and utter respect that a creator of conceptualisation has for nature may lead to a creator to a higher level of conceptualisation and retraction from the physical world. However, when this language of reflection and harmony is released from the sealed world of ideas and is materialised, it is then when it attains its highest level of beauty. The chances of reaching this ideal position of realistic and abstraction are brought about by a combination of factors which are perfectly summarised, and with legitimate exclusivity, in the figure of the Toulouse born architect and designer, Jean Marie Massaud. We could highlight as a starting point on his own design path as being that ability to understand and value the functioning of our ecosystem, something which is defined and synthesised by the practical logic and polished aesthetic of his creations alongside an unequivocal willingness to balance desire and responsibility in the production and consumption of these pieces.   Massaud maintains an active commitment, he works from the world outwards, his objects are borne out of a humane, constructivist and harmonious perspective. Synthesis, balance between concept and object, a pact of minimum invasion, ecology, lack of intrusion, sense… these relationships are established between persons, space, object and nature.   


Conceptual wisdom shared and celebrated by the most potent names in the design world, such as, Capellini, Porro, Poltrona, Cassina, Poliform, MDF,… producers of memorable pieces such as the classical leather armchair “Archibald”, the pivotal image of comfort and formal pulchritude, the organic and captivating lounge sear “Wallace”, the visually tactility of the porous “Truffle”, the structural reductionism of “INOut” or the new dual-use items of furniture and lighting for Foscarini, the semi-spherical light-beams of “Sonar”, the latter being presented recently in the aforementioned Milan event.  Having materialised the desires, the empathy with nature and the new approach towards the limits of politicisation in the reflexive sense of creative profession, the pieces produced by Jean Marie Massaud offer instant and positive emotions, an immediate gesture of faith, the sensation of understanding something extraordinarily simple, of connecting with what is essential.  The closest you will get to experiencing perfection as a product, and as a relationship.

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LOUIS

Nup O T T I VUanother ace

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FASHION REPORT Cuando una marca tiene la responsabilidad de responder a la demanda de un mercado de deseos global, contemporáneo y perspicaz, es oportuno que tenga además de prestigio, un as en la manga capaz de satisfacer tan exigente ansiedad de fantasía. Eso, o a Marc Jacobs como director artístico.

Trayectoria y entelequia refuerzan la unión de Louis Vuitton y el imaginario del asombroso Jacobs. Su último derroche de ilusionismo justificado y bien efectivo, la colección OTOÑO-INVIERNO 2011-2012, una selección de modelos que utilizan la versátil picaresca del elemento pastiche en su más absoluto beneficio, la moda. Míticos complementos y prendas de erotismo anacrónico que se sofistican, y equilibran el pudoroso cierre de abotonaduras rotundas. El capricho libertino es el contrapunto a estructuras clásicas, voluptuosas e incluso rígidas. Siluetas almidonadas en tejidos como la piel, el vinilo, la lana doble, el nylon-seda, el crepe elevan el centro de gravedad del cuerpo a la cintura casi siempre definida por un original cinturón-bustier. Este fetichismo uniformado, de acento mordaz en los detalles, es el adjetivo final de una colección que recupera


la sexualidad explícita de “The porter night” (Liliana Cavani, 1.974). Sin víctimas ni verdugos, en ambos casos, solo existe una voluntad de simbolizar el culto a la posesión como satisfacción y posibilidad. La puesta en escena no puede ser más reveladora. Improbables institutrices, caprichosas “damas de hierro” y cashmire, lentejuelas, cuero… abandonan esposadas a su estética devota, un encantador hotel con el don de quien no necesita un destino como excusa para viajar. Y es que para Louis Vuitton no hay otra: viajar y crear son procesos abiertos, sin conclusión.

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FASHION REPORT When a brand has the duty of responding to the desires and demands of a global, contemporary and shrewd market, it is advisable to count on, as well as prestige, another ace up your sleeve capable of satisfying such a discerning palate for fantasy. That, or Marc Jacobs as your artistic director.

A brilliant career path and chimera reinforce the bond between Louis Vuitton and Jacobs’ astonishing imagination. His latest profligacy has created justifiable and effective expectation, his eagerly-awaited Autumn – Winter 2011 – 2012 Collection, a selection of models which utilise the versatile picaresque of pastiche elements in their most glamorous incarnation, fashion. Legendary accessories and garments tinged with anachronistic eroticism for extra sophistication and balance with the bashfulness of emphatic buttoning. Libertine whimsicalness forms the harmony between two classical structural, voluptuous and even rigid at times. Starched silhouettes of figures which cling to the skin; leather, vinyl, double-wool, silk-nylon, crepe which elevate the body’s centre of gravity to the waistline, almost always defined by an original bustier belt. This uniform-based fetishism, with a scathing attention to detail, is the final of a collection which is a throw-back to the sexual explicitness seen in “The Porter Night” (1974, Liliana Cavani). Taking no prisoners, remaining only the will to symbolise the worship of possession as satisfaction and possibility. The staging could not be more revealing. Improbable, capricious “iron-ladies”, cashmere, sequins, leather.... wanton abandon handcuffed to an aesthetic devotee, a charming hotel with the gift of whoever need not a destination as an excuse to travel, because for Louis Vuitton there is no other option: travel and creation are open, never-ending processes.


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PRAMDEAR R

O F S N A TR

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ARCHITECTURE BRIEFING La asimilaci贸n del concepto materialista de patrimonio convierte a determinados bienes en referentes fundacionales de una cultura, aunque quienes los crearon no sean los que disfruten, pero la transformaci贸n del urbanismo es una realidad mucho m谩s inmaterial y azarosa que la limitada planificaci贸n de infraestructuras.


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“La ciudad se va gastando, engastando en la historia, incluso eligiendo silenciosamente sus propios centros preferenciales de exposición” (H. Gancinni). No obstante la arquitectura, al igual que la historia, tiende a escribirse con letra capital, aunque todos sepamos que lo más interesante, lo que mueve el mundo, transcurre entre un hito y otro, y además, no deja grandes marcas. La arquitectura aspira a instalarse, a inmortalizar el momento, a referenciar, incluso partiendo de principios tan condicionales como la flexibilidad, la transversalidad y la simultaneidad; incluso como en pleno renacimiento nómada, la espontaneidad está proyectada arquitectónicamente. Cuando la Fondazione Prada encarga a Rem Koolhaas el diseño de un nuevo centro actividades culturales, en el que coexistan interactivamente bajo un mismo techo cuatro disciplinas (arte, arquitectura, cine y moda) con lenguajes distintos y características específicas de exhibición, probablemente no imaginaron que el espacio acabaría siendo una enorme estructura tetraédrica rotativa móvil, que desde 2009, ocupa una explanada junto al palacio de Gyeonghui, en plena zona histórica de Seúl. Koolhaas relativizaba así, de una estocada, cuatro ideas: la asociación indisoluble entre espacio-memoria, la separación de las disciplinas artísticas, la hegemonía cultural de Beijing, y la vulgar noción de techo. Transformer Prada es tan flexible y poliédrico como el perfil de la firma milanesa, que además de representar un hito en la industria de la moda, realiza multitud de actividades de responsabilidad social enfocadas a la interdisciplinariedad: investigación, experimentación y difusión artística, y en distintas ciudades del mundo. Para el matrimonio formado por Miuccia Prada y Patrizio Bertelli, esta dinámica interactiva es tan grata como necesaria, tan científica como social. Cada fachada del pabellón, es una envoltura traslúcida con perfil geométrico básico que alude a un programa de actividades determinado; en el interior, la estructura reticular de acero permite dividir y flexibilizar el espacio hasta límites insospechados. Móvil, interdisciplinar y rotativo, todos los elementos en un mismo espacio, en distintos lugares, con público diverso, y mecánica concreta. La obra de OMA/Rem Koolhaas supera la fiebre de los pavilions, gracias a una mentalidad que relativiza toda acción teórica y simbólica de la arquitectura; ni efímera ni infinita, ni espontánea ni icónica, Transformer es un innovador espacio móvil, destinado a resolver de un modo coherente los objetivos planteados en un mundo de estrategias interactivas, de acciones relacionales y reajustes constantes de significados.


ARCHITECTURE BRIEFING The assimilation of the materialistic concept of worth converts certain goods in a culture’s pivotal reference points, although their creators are not the ones who take enjoyment from then. However, the transformation of town-planning is a much more immaterial and random practice than the limited planning of infrastructures. “The city is being worn away, crumpled by history, even silently choosing its own preferential exhibition centres� wrote H. Gancini. Nonetheless, architecture, in the same way as history, is normally written in capital letters, although we are all aware that the most interesting part, what makes the world turn, occurs between on landmark project and another. Architecture aspires to establish itself, to immortalise the moment, to reference, even using such conditional principles as flexibility, its transversal and simultaneous nature; even in the middle of a nomadic revival, spontaneity is projected in an architectural sense.

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When the Prada Foundation requested that Rem Koolhass undertook design duties for their new cultural activities centre, in which four artistic disciplines co-exist under the same roof (art, architecture, cinema and fashion) speaking different languages and each with their own specific exhibition features, probably what was the last thing on their minds was that the space would turn into a four-fold, rotational, mobile piece which, from 2009 onwards, has occupied an esplanade next to the Gyeonghui palace, in the historical heart of Seoul. Thus, Koolhaas, with a thrust of his artistic sword, trivialises four ideas: the indissoluble association between space and memory, the separation of the artistic disciplines, the hegemonic culture of Peking and the vulgar notion of the ceiling. Transformer Prada is as flexible and multi-faceted as the profile of the Milan based company, which as well as representing a benchmark reference point in the fashion industry, also undertakes a myriad of socially responsible action focused on multi-disciplinary cooperation: research, experimentation and divulgation of artistic productions. For the marriage formed by Miuccia Prada and Patrizio Bertelli, this interactive dynamic is both as gratifying and necessary, of both scientific and social worth. 56 |


Rn E T X A 贸 B

evoluci creativa

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DESIGN REPORT Una frase resume de un modo muy locuaz la historia de la firma italiana Baxter: la piel es el punto de partida. La b煤squeda de excelencia en el tratamiento de este material rige el resto de grandes cualidades. Producci贸n artesanal en constante evoluci贸n creativa.


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El origen de la curtiduría se pierde en el tiempo, pero Baxter es una garantía de longevidad gracias a su capacidad de adaptación a los flujos variables del diseño. El organigrama creativo que acompaña la labor manufacturera obedece a estos principios de regeneración y puesta en valor de productos cuya inspiración es tan rica como la diversidad de contextos donde se ubican, espacios que subjetivan, lugares que exploran, estimulando y participando en trabajos colaborativos que reportan a la firma un grado de innovación extra, una saludable visión proactiva. Nombres como Paola Navone, Carlo Colombo o Giuseppe Manzoni participan de este perfecto y ambicioso engranaje profesional que comenzó siguiendo la exquisita tradición británica del trabajo en piel. Este material natural continúa siendo clave; la exploración de sus posibilidades estéticas y el uso de técnicas propias de la artesanía definen una filosofía de trabajo y una identidad que se ha ido contagiando con suma eficacia a otros objetos, soportes y materiales. El mobiliario de Baxter es una miscelánea de inspiraciones y referencias que completan aquel espíritu original de perfección clásica, un fondo documental que evidencia la extraordinaria capacidad interpretativa de diferentes estilos de vida y del concepto de objeto único.


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DESIGN REPORT If we needed a loquacious sound-bite to summarise the history of the Italian design house, then it would be: leather as a starting point. The search for excellence when handling this material governs the other qualities taken into account. Handmade products, undergoing constant creative evolvement.

The origins of tannery have been lost in time, yet Baxter is a guarantee for the longevity of the product thanks to their capacity to adapt to the variable flows of the design current. The creative set-up which accompanies the manufacturing arm obeys to this ideology of regeneration and valuation of products whose inspiration comes from a variety of sources as rich as the contexts in which they are located, the spaces they subjectively perceive, places they explore; stimulating and working in tandem to elevate the company to that extra level of innovation and a healthy modicum of visionary influence. Renowned names such as Paola Navone, Carlo Colombo or Giuseppe Manzoni form the cogs of this exquisitely perfected professional machine which began along the lines of the much revered British traditional of leatherwork. This natural material remains a key factor; the exploration of its aesthetic possibilities and the utilisation of its techniques based on traditional manufacturing, providing an identity which has infectiously taken hold of other objects, items and materials. Baxter furnishings are the product of a miscellaneous mish-mash of inspirations and reference points, the original strive for classical perfection, a documental piece which lays bare the extraordinary interpretational capacity of different lifestyles and the concept of the sole object.


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LIVINGWITHART

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L A V I T S FE NNES DE CA 2011

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FESTIVAL REPORT El Festival de Cannes exhibe un año más sus dotes de persuasión de público, crítica e industria cinematográfica: celebraciones accesibles, un marco eternamente encantador y una selección fílmica leal al cromático mundo de los sentimientos y acciones humanas. Cada película premiada en esta 64º edición de Cannes cuenta una historia sustanciosa, inmiscuyendo al espectador en vivencias individuales que cuestionan en clave ética, estética o poética, nuestros vínculos con el mundo, con los otros, con el paisaje, con el tiempo que contemplamos; un tiempo compartido, robado o fugaz. Observaciones, decisiones y emociones dirigen una serie de exploraciones a las entrañas del hombre en este convulso mundo de tensiones sociales, ambigüedades morales y esquizofrenias culturales. Cannes es una extraordinaria reunión de veteranos, triunfadores, luchadores, iniciados… expuestos, castigados y premiados. Un evento consustancial a la dramaturgia y espectacularidad propia del cine como último arte clásico. Entre las triunfadoras, los inconmesurables 138 minutos de “The tree of life” dirigida por Terence Malick, Palma de Oro 2011, es un relato sobre el devenir existencial siguiendo una memoria atravesada por imágenes poéticas, de melancolía, infancia y naturaleza. “Footnote”, de Joseph Cedar profundiza y enlaza una doble dificultad: la dedicación absoluta del investigador siempre rendido al reconocimiento, y la competitividad entre padres e hijos. En “Polisse”, Maiwenn Le Besco indaga la voraz rutina de una Brigada de Protección de Menores, cuyos miembros aprenden el difícil trabajo de conocer, amparar y desvincularse del drama ajeno, manteniendo el propio equilibrio personal. Entre las no premiadas, el ritmo lento y natural de “Hanezu No Tsuki”, de Naomi Kawase, conduce a las raíces de Japón. Puntos comunes de la geografía intelectual y sentimental del ser humano que se cruzan en las salas de proyecciones y teatros con mayor espíritu crítico del panorama cinematográfico internacional, Cannes.


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FESTIVAL REPORT Cannes Film Festival shows once again its powers of persuasion for cinemagoers, critics and other elements of the cinematographic industry: accessible celebrations, an enticing ambience and film selection faithful to the ideals of the sentiments and human actions.


Each of the films receiving an award in this 64th holding of the lauded Festival tells a hearty story, with the viewer intermingling between individual events which question the ethical, aesthetical or poetical rationales behind our links with the world, with other people, with landscapes, with the time we ponder upon; shared time, stolen or fleeting moments. Remarks, decisions, and emotions guide us into a series of explorations deep into the bowels of our persons in this convulsive world of social tensions, moral ambiguity and cultural schizophrenia. Cannes is an extraordinary reunion of cinema’s old guard, winners, fighters, the well-versed.... exposed, punished, rewarded. An event intrinsically linked to the dramatic arts and the pomp and circumstance which go hand in hand with cinema in its role as the last remaining classical art-form. Amongst the winners, the incommensurate 138 minutes of “The Tree of Life” directed by Terence Malick, and winner of the 2011 Palm d’Or, telling the story of an existential vicissitude following a memory riddled by poetic images of childhood, nature and melancholy. “Footnote” by Joseph Cedar enters deeper and laces together a double-edged problem: the absolute dedication of the researcher, continually downtrodden by acknowledgement and competitiveness between fathers and sons. in “Polisse”, Maiwenn Le Besco probes into the voracious routine of life in a Child Protection Centre, in which the components learn the difficult task of discovering, sheltering themselves from to finally remove themselves from the ongoing extraneous drama, whilst maintaining the same personal balance. Of those not amongst the gongs this time, “Hanezu No Tsuki” by Naomi Kawase, stands out for its slow and natural rhythm which transports us to the very heart of Japan’s roots. Common ground for the intellectual and sentimental geography of the human being is discovered in the screening rooms and cinema halls of the festival par excellence in terms of cinematographic criticism at an international level, Cannes. 72 |


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TRIBĂ™

bello naturalmente

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DESIGN REPORT Extender hacia el exterior la confortabilidad del interior desde la discreción y el respeto por lo que es naturalmente bello, asumiendo en este empeño, las posibilidades de cada diseño, de cada proyecto y de cada paisaje. Así se deduce la marca belga Tribú. Aunque el origen de su historia se remonta a los años 60, fundada como una empresa importadora y distribuidora de mobiliario de exterior por Henri De Cock, no es hasta los años 90 cuando su hijo asumiendo las riendas de este negocio familiar, da un giro estratégico a la firma con la incorporación del diseñador industrial Win Seger, planteando un novedoso concepto de diseño basado en la extensión de la arquitectura interior hacia la terraza y el jardín. Tribú, primera marca de muebles outdoor en tener presencia en el Salone Internazionale del Mobile de Milan, es posiblemente quien mejor define la importancia de aliar desarrollo tecnológico, innovación, simplicidad formal y respeto por el entorno. Una combinación precisa de materiales, formas y carácter que buscan perdurar en el tiempo, adaptarse y generar un confort tan natural como sofisticado, perfecto. El ideal sigue siendo el mismo, esa continuidad involucra cada diseño y permite una transformación inteligente, técnica, con la correspondencia de una imagen sutil, coherente; pureza para un relax evidentemente chic. Colecciones como Neutra, Essentiel o Arc utilizan la experta conjunción de geometría mínima y garantía máxima tecnológica en piezas que se incorporan como discretas y ligeras laminas de color neutro a entornos arquitectónicos, urbanos o naturales. Otras como Kos Teak o Pure, realizadas en madera, expresan un persuasivo deseo de naturalidad, y en cierto modo de rotundidad, como la propia esencia del material. En ambos caso, piel expuesta, paisaje, elementos de una atmósfera real. Tribu representa la quintaesencia del diseño que evoluciona comprometido con la funcionalidad, la innovación, la ética y la elegancia. Suma de factores reforzados por el pacto familiar, la experiencia pionera, la sensibilidad y el reconocimiento general.


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DESIGN REPORT Taking outwards interior conformability with an eye on discretion and respect for what is naturally beautiful, assuming with this level of dedication, the possibilities offered by each design, each project and each landscape. This, is how the Belgian company Tribu sees things. Although the origins of its history date back to the sixties, founded by Henry de Cock as an importing and distribution base for exterior furnishings, it was not until the nineties that when his son took the reigns of the family business to give it a strategic shift under the guidance of industrial designer Win Seiger, offering a new approach in design concept based on the extension of interior design outwards into the terrace and the garden. Tribú, the first company specialising in outdoor furnishings to have a presence at the International Furniture Fair in Milan, is possibly the brand which best defines the importance of alliances of technological development, innovation, formal simplicity and respect for the environment.  A precise combination of materials, shapes and character which seek to linger in time, to adapt and generate a level of comfort as natural as it is sophisticated, or even perfect. The ideals are the same, that continuity involves and allows for an intelligent transformation, technique with its corresponding subtle imagery, coherence; purity for an evidently chic manner of relaxing.  Collections such as the Neutra, Essentiel or Arc utilise the expert conjunction of minimalist geometry and ensures maximum technology in terms of its pieces which incorporate discrete and light sheets of neutral tones into architectonic environments. Others such as the Kos teak or Pure ranges, manufactured in wood, express a persuasive desire towards natures, creating a sensation of roundness, like the essence of the material itself. In both cases, exposed skin, landscape, elements of a true ambience.  Tribu represents the quintessence of evolutionary design committed to functionality, innovation, ethics and elegance. It is the sum of factors strengthened by a family pact, pioneering experience, sensitivity and general acknowledgement.


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A I N A EOM GAZINE MA

AT / DE: 9.00 € BE / GR / IT: 7.00 € ES / FR: 6.00 € LUX / NL: 7.00 € GB: £ 4.90 PORT. CONT.: 7.00 € CH: 12.20 CHF

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THE NEW NEOMANIA 2011 ARCHITECTURE FACTORY el espacio como una manifestación poética de arquitectura en la búsqueda de la belleza Y la pureza.


N O S I A M URE IBER T G C E T I ARCH BRIEFIN

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MADRID ARCHITECTURE BRIEFING El blanco como teoría, como tejido, como actitud. La abstracción geométrica y el vacío son los pilares del lenguaje formal de esta obra del arquitecto Massi Ferrachi. The White House, destaca luminosamente sobre un fecundo entorno arbolado de 2.600 m2 del exclusivo complejo residencial la Moraleja, al norte de Madrid.

The White House emerge en el espacio como una manifestación lírica de arquitectura. Un cuerpo cuadrangular porticado corona la sutil y característica elevación del terreno; rodeado por un camino de agua, se anuncia ya desde el primer contacto, el exterior, la prioridad de los elementos naturales sobre los arquitectónicos, envuelto en un espacio utópico de complacencia, quietud y modestia. El diseño de esta construcción parece resultado de un proceso de maduración en la búsqueda de la belleza, la pureza, lo esencial. La puerta de entrada, recorte del muro que se despliega con sigilo monacal, da paso a un espléndido interior cuyo concepto guía toda la arquitectura de su autor: el vacío y la sombra son materiales de construcción básicos y herramientas insustituibles de creación. Partiendo de la manipulación, en el sentido más artesanal de la palabra, de estos dos elementos abstractos, la casa es una composición que se va desprendiendo de capas superfluas hasta llegar a la mínima diferencia entre terreno y territorio, entre exterior e interior, entre una estancia y otra, entre un nivel y otro, a pesar de la rotundidad en la distribución. Nunca de pierde el punto de referencia al paisaje, no hay secretos entre los habitantes y la naturaleza, no tiene por qué haberlos, sería una contradicción, por ello, los muros de hormigón se esquematizan en función del vidrio, quedando como símbolo de cimentación pero nunca de supremacía, de dominio.


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La amplitud de los interiores es una correspondencia con la infinitud del espacio exterior, una unión permanente gracias a las proporciones y la división, relativizándose la importancia de las franjas intersticiales. En concreto, 1.700 metros cuadrados, repartidos en dos plantas, siete suites, spa, baño turco, zona de servicio,… en el centro de la planta inferior, la cocina se define como un punto estratégico de la distribución, un diseño de iLINE, filial de Ibermaison; lugar de experimentación, inspiración y reunión apacible, transmite un curioso sentido de intimidad y reflexión. El concepto de esta casa en mayúsculas de Massi Ferrachi, es el habitar como un acto creativo, de percepción y disfrute del espacio, de reflexión y admiración por  las cualidades inherentes a lo natural. Tras la belleza, sofisticación y sensibilidad extraordinaria del proyecto “The White House”, una idea, un punto de partida, un objetivo: “Living with art”… desde la pureza, con la belleza y hacia lo esencial.

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MADRID ARCHITECTURE BRIEFING White as theory, white as texture, white as attitude. The geometric abstraction and emptiness form the linguistic pillars of this work by the architect Massi Ferrachi. The White House luminously protrudes over an enormous tree-lined protrusion of 2,600m2 dominating the exclusive housing complex of la Moraleja, to the north of Madrid.

The White House emerges from the space like a poetic manifestation of architecture. A quadrangular arcade body crowns a subtle elevation of terrain, surrounded by a water-trail announcing boldly initial contact, from outside looking in, the priority of natural elements placed upon architectural ideals in this utopian space allows for contemplation, peacefulness and modesty. The design of this construction seems to be the result of a process of maturity in the search for absolute beauty, purity and the essential being. The main door, a cutting from the walls which drops stealthily downwards, gives way to a space in which two concepts are immediately noted and which guide the architect’s hand: the open space and shadows as basic construction materials and irreplaceable tools of creation. Beginning with their handling, in the most traditional sense of the word, from these two abstract elements, we find a house which is a composition which gives off superfluous layers until we reach the

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minimum difference between terrain and territory, between the interior and the exterior, between one distance and another, between one level or another, despite the polished nature of its layout. The landscape as a reference point is never lost, there are no secrets between the inhabitants and nature, and there needn’t be, it would be a contradiction, and thus, the concrete walls simplify the function of the glasswork, resting as a symbol of the foundations though never showing off its supremacy, of its domain. Wide-open interior spaces correspond to the idea of the infinite nature of the exterior space, in such a way that there is a permanent connection as a result of the proportions and spatial division, revitalising the importance of the edges between gaps. 1.700 metres2 divided into seven suites, spa, Turkish bath, service area, a spacious hall designed for holding events, in the centre of the basement floor, the kitchen takes on the role of the layout’s strategic centrepiece, a design performed by Ibermaison’s own kitchenware company, iLINE, a place for experimentation, inspiration, meeting of minds, which transmits a strange sense of intimacy and reflexion. The overwhelming concept of this house produced by Massi Ferrachi, is that of habitation as a creative act, of perception and enjoyment of the space around us, and admiration for the inherent qualities of nature. After the project’s extraordinary beauty, sophistication and sensitivity, “The White House” leaves us with an idea, a starting point and an aim: “Living with art” from purity with beauty, towards the essential.

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N O S I A M URE IBER T C E T I T H R C O R P A RE

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IBIZA ARCHITECTURE REPORT “Poetizar es propiamente dejar habitar […] Poetizar, como dejar habitar, es un construir”, con las palabras de M. Heidegger en la boca, el blanco pulido en la retina y la brisa callada en la piel, entramos en las casas de Can Rimbau (Ibiza) experimentando ya esa perfecta y sabia conjunción. Entre el cielo y el mar, con toda la inmensidad del paisaje, desde las rocas de una vieja y fenicia Bes, los cuatro proyectos residenciales firmados por el arquitecto Massi Ferrachi, se alzan como casas/cajas de luz envueltas, integradas en la propia mitología mediterránea de placeres sensoriales, de sensualidad, de libertad, de calma. Cualidades que inspiran el descubrimiento de un lugar, la fundación del hogar y la permanencia. La imperativa geometría de estructuras se activa con una combinación emocional del blanco, la liquidez espacial, y el cristal con la garantía de edificar hacia el entorno, respetando su imponente belleza, expresándolo como parte de ese extraordinario morar. Abierto, líquido, cristalino, íntimo pero expandido hasta al infinito, cada proyecto confiere a la racionalidad arquitectónica la poética natural de los elementos esenciales: agua, piedra, aire, sal,... caliza. El espacio es multidireccional, no existe voluntad de perspectiva única o narración, no hay recorridos, los límites son deliberadamente imprecisos, ahondan en la experiencia total, ambiental, en el libre establecimiento de sincronías, de conexiones. Por el día, cada casa se conecta sin obstáculos y a través de sendas terrazas con piscina hacia la diversidad de un entorno inmediato que se prolonga luego hacia el mar, resaltando la riqueza rural. Por la noche, la iluminación enciende las cúbicas estructuras, rompiendo la autenticidad simulada diurna; sobre la espesa oscuridad, se produce un diálogo de luces artificiales, urbanas. Adaptados a ese paraíso de bellas ambigüedades, natural y social, escarpado y horizontal, permanente y fugaz, la arquitectura se cimienta y se deja habitar. Construcción deliberada para una libre interpretación, función, uso; orden y enigma, una vez más, complicidad entre arquitectura y poesía. ibermaison . com Madrid 91 426 28 37 Marbella 95 277 06 75 Ibiza 97 131 71 64


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IBIZA ARCHITECTURE REPORT "To poeticise is truly allowing to inhabit [.] To poeticise like allowing to inhabit, is to build", with the words of Heidegger on our lips, the polished whites of the eyes and the quietened breeze on the skin, let us discover this properties in Can Rimbau (Ibiza), experiencing that perfectly wise concomitance. Between the sky and the sea, with all its immense landscape, from the rocks of ancient, Phoenician area of Bes, the four residential projects under the pen of the architect Massi Ferrachi, rise from the ground like houses or boxes of enveloped light, lined with the Mediterranean mythology of sensory pleasures, sensuality, freedom and tranquillity. Features which inspire the discovery of a place, the founding of a longlasting homestead. The imperative geometry of structures is activated through an emotional combination of the usage of white, spatial flow and glasswork which guarantees edification with the environment in mind, respecting its imposing beauty, expressing this as part of that extraordinary dwelling. Open, flowing, crystalline, intimate yet stretching towards infinity, each project combines architectonic rationale with the poetic nature of essential elements, water, stone, air, salt... limestone. The space is multi-directional, there is no willingness of a sole perspective or narration, there is no set route, the limits are deliberately inaccurate, making the whole experience more profound, more environmental, the free establishment of synchrony and connections. During the day, each house is connected without obstacles through a series of terraces leading to swimming pools and the diversity of an immediately accessible environment which continues as far as the sea, accentuating the rural worth of the area. At night-time, lighting brings the cubic structures, clashing with the simplistic authenticity of day-time; cloaked by a weighty darkness, a dialogue is formed by artificial, urbane lighting. Adapted to this paradise of exquisite ambiguity, both natural and social, precipitous, horizontal, never-ending and yet fleeting, architectural creed is strengthened and allows for habitation. Construction, deliberately created to inspire free interpretation, function, usage; order and enigma, once again, complicity between architecture and poetry. ibermaison . com Madrid 91 426 28 37 Marbella 95 277 06 75 Ibiza 97 131 71 64


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Neomania #20  

Vandervorst + Chanel + Piero Lissoni + Jeff Koons + Jean Marie Massaud + Louis Vuitton + Rem Koolhass + Prada Transformer + Baxter + Cannes...

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