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Agradecimientos. Agradezco a la facultad de diseño y comunicación grafica Escograf, por darnos el espacio para aprender y alentarnos siempre a alcanzar nuestras metas. Gracias especialmente al profesor Manuel Tintori Lara, primeramente por ser un ejemplo de persona. Gracias por brindarnos siempre su apoyo y sus conocimientos en la materia de sistemas editoriales y compartir su sabiduría con cada uno de nosotros como alumnos. Agradezco a mi padre, quien siempre merece ser mencionado en cada uno de los logros que yo alcance en la vida. Quiero agradecer a mis compañeros de clase por ser todos el tipo de persona que te alienta a seguir caminando hacia tus sueños pase lo que pase. Finalmente, gracias a los lectores de Neftis Editorial, personalmente espero que este libro sea de su agrado y utilidad, que logren encontrar como yo, todo un mundo ‘detrás de la mirada’ de cada fotógrafo expuesto en este libro.

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Introducción.

Este libro es un paso dentro de la vida de cada uno de los fotógrafos expuestos en el. Una invitación a ver el mundo de la extraordinaria manera en la que ellos lo llegan a percibir, a sentir cada historia que nos cuentan con sus imágenes. Cada fotógrafo con sus distintas expresiones, sentimientos, forma de vida, estilo propio y talento nos dejan ver todo lo que hay detrás de la mirada de cada uno. Los invito a descubrir un poco más sobre ellos, su vida y trabajo, sobre todo lo que nos dejan ver estos 19 grandes artistas ‘detrás de la mirada’.

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©Neftis editorial Diseño e investigación. Jennifer Irigoyen. Neftis Editorial . Sor Juana Ines De la cruz #3315 Primera edición| 4,000 ejemplares ©Neftis ediciones 2014 ISBN 4589761238126 Todos los derechos reservados. Queda prohibida la reproducción impresa y/o digital de este libro sin el permiso de los responsables y/o autores dek mismo.

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Contenido.

Contenido.

Biografía y obras: 06 Tino Soriano. 12 Cindy Sherman. 20 Sebastián Salgado. 28 Francesca Woodman. 34 Louise Dahl-Wolfe. 40 Tyler Shields. 46 Storm Thorgerson. 52 Pedro Meyer. 60 Joel Peter Witkin. 66 Berenice Abbott. 72 Jaques Henri Lartigue. 81 Steve Winter. 84 Scott Stulverg. 89 Toby Keller. 92 David Pullum. 96 Micheal Murphy. 100 GMB Akash. 104 Manuel Álvarez Bravo. 110 Mariana Yampolsky.

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Tino Soriano.

Nacido en Barcelona y premiado con numerosos galardones nacionales e internacionales como el Humanity Photo Award de la Unesco en cinco ocasiones y el Lente de Plata mexicano. Posee cuatro distinciones Fotopres, Fotógrafo Español del Año Fujifilm 1995, el galardón humanista "The Essence of Humanity" de Nueva Zelanda y el premio fotoperiodístico más prestigioso del mundo, el World Press Photo, concedido en 1998 en la categoría Arte. En el año 2011 recibe dos nuevos "Humanity Photo Awards" de la Unesco y la CFPA (China Folklore Photographic Association). Su trabajo personal sobre el mundo de la Medicina, emprendido en 1987, le supuso un reconocimiento especial de la Academia de Ciències Mèdiques de Catalunya y de la Organización Mundial de la Salud por su labor de divulgación de esta ciencia a través de sus reportajes fotográficos. Figura en el selecto grupo de docentes-expertos de la National Geographic Society por su amplia experiencia educativa. Desde 1978, año en que empezó a colaborar en la revista “Flash Foto” con diversos artículos técnicos, ha impartido clases y conferencias en el Centro Internacional de Fotografía, en EFTI de Madrid, en I.D.E.P. de Barcelona, en el Institut d’Estudis Fotogràfics de Barcelona, en la Universidad de Periodisme Pompeu i Fabra, en los Encuentros de Fotoperiodismo de la Fundación Santa María de Albarracín, en la Escuela de Fotografía de l’Universitat Politècnica de Terras-

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sa, en la Universidad Autónoma de Barcelona (Diplomatura de Post-grado en Fotoperiodismo), Universidad de Lleida, Universidad de Valencia, Universidad Internacional de Andalucía (UNIA), en el Centro Andaluz de Fotografía o en el Centro de Estudios Latino Americanos de la Universidad de Berkeley, en Estados Unidos. También es Director artístico del Festival FOTONATURE en la isla de La Palma desde sus inicios en 2010. Ha colaborado para numerosas revistas y suplementos en todo el mundo, como El País Semanal, el Magazine de La Vanguardia y en las revistas Geo, Altair, Viajar, Descubrir Catalunya y Jano. Su trabajo también puede verse en medios internacionales tan relevantes como National Geographic, Smithsonian Magazine, Time Magazine, Los Ángeles Times; las italianas Specchio y La Repubblica; las francesas Paris Match, L’Express y Geo; o las alemanas Merian y Der Spiegel. Su primera exposición individual “EL FUTUR EXISTEIX” tuvo lugar en abril de 1992 en el Palau Robert (Barcelona), exposición que continuaba itinerante por España veinte años después. Una selección de sus fotografías sobre este tema se proyectó en “VISA POUR L’IMAGE”, el Festival Internacional de Fotoperiodismo de Perpignan ese mismo año.

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Sus exposiciones individuales más relevantes han sido: "Costa Brava Mágica", "Barcelona", "Radiografía de un Hospital", "Banyoles", "Amazonia Peruana", "Haití" (Museo Nacional de Port-Au-Prince y Biennal de Fotografía Xavier Miserachs) "La Zafra" (Bélgica y Antillas) "Todo lo que te perdiste de La Mercè" y "La vitrina del fotògraf" (Barcelona), "En el Sur de Italia" (Festimage'08 de Calella), "La Investigación salva vidas: una batalla contra el cáncer" (Institut Català d'Oncologia), "Airea tus esperanzas" (itinerante por toda España) y "Sonrisas, lágrimas y una Vuelta al Mundo" (Blanes2010). Protagonista de tres documentales en televisión: "Andalucía, el despertar de los sentidos", "Kardelen, la nueva esperanza de Turquía" e "Historias del Mar: Protegiendo los Océanos"; todos para National Geographic Channel. Desde el año 2001 su obra y su biografía son parte del catálogo de la National Geographic Image Collection, con sede en Washington.

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Cindy Sherman Cindy Sherman (nacida el 19 de enero de 1954 en Nueva Jersey) nació con el nombre de Cynthia Morris Sherman, es una artista, fotógrafa y directora de cine estadounidense. Sherman es una de las representantes más importantes de la fotografía de posguerra en Nueva York, exhibió más de tres décadas de trabajo en el Museo de Arte Moderno. Artista, fotógrafa, directora de cine estadounidense Al girar la cámara hacia sí misma , Cindy Sherman ha sido una de las fotógrafas más respetados del siglo XX. A pesar de que la mayoría de sus fotografías son imágenes de ella , sin embargo , estas fotografías no son autoretratos. Sherman se utiliza a sí misma como un vehículo para una variedad de temas del mundo moderno: el papel de la mujer, el papel del artista y muchos más. A través de una serie de diferentes obras , Sherman ha planteado difíciles e importantes preguntas sobre el papel y la representación de las mujeres en la sociedad, los medios de comunicación y la naturaleza de la creación del arte . La vida de Sherman comenzó en Glen Ridge, un suburbio de la ciudad de Nueva York. Su familia se mudó poco después de nacer, Sherman creció como la más joven de cinco hermanos en la ciudad de Huntington, Long Island. A diferencia de otros artistas, Sherman no estaba particularmente involucrada en las artes cuando era joven, su padre se ganaba la vida como ingeniero y su madre trabajaba como maestra

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de lectura. Sherman dice que no sabia lo que era el mundo del arte hasta que fue a la universidad. A pesar de que sus padres carecen de interés artístico , apoyaron su decisión de entrar en la escuela de arte después de terminar la escuela secundaria. Cindy Sherman se empezó a interesar por las Artes Visuales en la Universidad de Buffalo. La carrera de Sherman en Buffalo comenzó muy diferente de como acabó. En su primer año , Sherman empezó a trabajar la pintura hasta que un día, se dio cuenta de que no era suficiente. Frustrada por las limitaciones de la pintura y la sensación de que había hecho todo lo que pudo, se dio por vencida. Sherman dijo que sentía que " ... no había nada más que decir [a través de la pintura ] Estaba meticulosamente copiando otro arte y entonces me di cuenta de que sólo podía usar la cámara y desarrollar mis ideas con ella", y esto es lo que hizo. Sherman reconoce que nunca podría haber tenido éxito como pintora. Al carecer de la conexión crítica que necesitan para continuar con la pintura, Sherman volvió a la fotografía, que fue lo que estudió durante el resto de su tiempo en Buffalo. Durante este tiempo, conoció a Robert Longo un artista que será muy importante en su vida. Junto con Longo y su compañero de estudios Charles Clough, Sherman formó Hallwalls, un espacio de artistas independientes donde ella y otros artistas exponían. Después de su graduación, en

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en 1976, decidió mudarse a Nueva York para embarcarse 1976, decidió mudarse a Nueva York para embarcarse de de lleno en su carrera artística, en un loft en Fulton Street en el bajo Manhattan. La fotogramas de Sherman Fuecolección entoncesde cuando comenzó a tomar implica, de de un sí modo bastante obvio, una redirección imagifotografías misma. Estas fotografías, autorretratos naria de la mujer en unaasociedad gobernada hombres. conceptuales, vendrían ser conocidas como por Complete Sorprendentemente y de un modoenmuy efectivo, mantiene Untitled Film Stills (1977-1980),1 los que escenifica situael decoro los fotogramas depara pequeñas dimensiones ciones conenvestuario y utilería dar a las fotografíaspor la los que es más conocida. Dada la enorme diferencia apariencia de un fotograma cinematográfico, usandoentre estésu trabajo y sus esfuerzos, resulta necesario ticaprimer y planos propios delúltimos Cine negro. En otra conocida serie separar ambas etapasSherman como mejor podamos. A pesar de la "Retratos históricos", personifica protagonistas astucia evidente con la que Sherman interpreta papel masculinos de pinturas clásicas de la historia delelarte de proOctagonista en sus primeras fotogramas,, entre éstos cidente, tales como "Baco colecciones enfermo" dedeCaravaggio2 contienen la inocencia la juventud; es joven y atractiva, otros. Si bien Sherman de aparece en las fotografías, ella no las así que laspropiamente fotografías que toma de sí misma agradan desde considera autorretratos: los Untitled Film Stills, el dede vista y almás mismo tiempo, talpunto vez uno suserótico trabajos conocidos dede la manera carrera de implícita, resultan edificantes.EnEnestas las propias imágenes de Sherman hasta el momento. fotografías, que empequeñas en blanco y negro al comienzo de la pezaron endimensiones 1977 , Sherman se pone a sí misma en el papel exhibición Museo clase de Arte se aprecia el alcance de actriz dedel películas B . moderno Sus fotografías muestran perdel mencionado equilibrio. sonajes construidos con con pelucas, sombreros , vestidos, La colección de fotogramas Sherman implica, de unconropa a diferencia de la suya.de Estas fotografias pueden modo bastante obvio,pero una son redirección imaginaria mufundirse con retratos algo muy diferente.de Enlacada jer sociedad gobernada porjuega hombres. Sorprendentunaen deuna estas fotografías, Sherman un roll, no una peremente y de unun modo muyauto efectivo, mantiene sona real, sino ficticion - fabricada. Ellaelesdecoro el amaen de los pequeñas dimensiones los que más casafotogramas arquetípicade, la prostituta , la mujer enpor peligro, la es mujer conocida. Pero ,lalamodestia un precio. La artista interentre lágrimas bailarina tiene , la actriz y el maleable , cama

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preta a su género de modo que llama la atención sobre el papel subordinado de la mujer. A partir de los años ochenta Sherman evoluciona como “fotografista”. La conciencia de la subordinación se convierte en impulso para una serie de fotografías cuyo contenido destila una rabia abrumadora, como si la imagen encantadora que adoptó en sus primeros trabajos quisiera vengarse de la acusación de que las mujeres interpretan su femineidad para agradar a los hombres Dada la enorme diferencia entre su primer trabajo y sus últimos esfuerzos, resulta necesario separar ambas etapas como mejor podamos. A pesar de la astucia evidente con la que Sherman interpreta el papel protagonista en sus primeras colecciones de fotogramas, éstos contienen la inocencia de la juventud; es joven y atractiva, así que las fotografías que toma de sí misma agradan desde el punto de vista erótico y al mismo tiempo, de manera implícita, resultan edificantes.

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Sebastião Salgado Sebastião Salgado es un fotógrafo brasileño nacido el 8 de febrero de 1944, en aymorés. Salgado pertenece a esos fotógrafos comprometidos con lo social, en la tradición de la fotografía sociodocumental. Trabajó en la administración de la OIC (Organización Internacional del Café) y en el año 1973 abandona su carrera para dedicarse a la fotografía, terreno al que llega relativamente tarde y de modo autodidacta. En su carrera como fotógrafo comenzó trabajado para la agencia Gamma con sede en París, pero en 1979 se une a la prestigiosa Magnum Photos en la que se mantuvo hasta 1994, año en que fundó su propia agencia de fotografía Amazonas Images en la ciudad de París para representar su obra. Destaca en su obra la documentación del trabajo de personas en países menos desarrollados o en situación de pobreza. En ese mismo año (1994) recibió el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, siendo nominado representante especial de UNICEF en el año 2001, anteriormente a estas fechas, en el año 1989 ya había recibido el Premio Internacional de la Fundación Hasselbland. En la introducción a "Éxodos" dice: "Más que nunca, siento que solo hay una raza humana. Más allá de las diferencias de color, de lenguaje, de cultura y posibilidades, los sentimientos y reacciones de cada individuo son idénticos."

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Durante los inicios del año 2000, periodistas del New York Times y la escritora Susan Sontag criticaron las fotografías de Salgado. El fotógrafo fue acusado de utilizar de manera cínica y comercial la miseria humana, de exponer de manera bella las situaciones dramáticas corriendo el riesgo de hacer perder su autenticidad. Trabaja en proyectos propios de larga duración, algunos de los cuales han sido publicados en libros como Otras Américas, Éxodo,…. Sus fotografías más conocidas podrían ser las realizadas en las minas de oro de Serra Pelada en Brasil. Suele fotografiar en blanco y negro con cámara Leica. En junio de 2007 ha tenido una gran exposición antológica sobre su trabajo en Madrid, dentro de PHotoEspaña, siendo entonces la ganadora del Premio del Público del Festival. Génesis (2013) Éxodos Terra, La mina de oro de Serra Pelada "Trabalhadores" La Mano del Hombre Otras Américas Sahel: l'Homme en Détresse, Prisma Presse and Centre National de la Photographie, pour Médecins sans frontières, France, 1986

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«En GENESIS, la cámara hizo posible que la naturaleza me Les Hmongs, Médecins sans frontières, Chêne/Hachette, hablase. Y tuve el privilegio de poder escucharla.» Sebastião París, 1982 Salgado «En GENESIS, la cámara hizo posible que la naturaleza me Un día como cualquier otro de Salgado tomó hablase. Y tuve el privilegio de 1970, poderSebastião escucharla.» Sebastião por primera vez una cámara entre sus manos. Tenía entonSalgado ces 26 años. Al mirar a través del visor tuvo una epifanía: de repente, la vida cobró sentido. partirSebastião de aquel día (y pese a Un día como cualquier otro deA1970, Salgado que tuvieron que pasar añoscámara de duroentre trabajo queTenía pudo tomó por primera vez una sushasta manos. ganarse vida como fotógrafo), la cámara ser laepiherentoncesla26 años. Al mirar a través del visorpasó tuvoa una ramienta través de cual interactuar el mundo. Salgafanía: de arepente, la la vida cobró sentido.con A partir de aquel do, quepese «siempre ha preferido paleta de claroscuros de las día (y a que tuvieron quelapasar años de duro trabajo imágenes blanco y negro», muy pocas fotografías hasta que en pudo ganarse la vidatomó como fotógrafo), la cámaraen color renunciar por completo pasó aantes ser ladeherramienta a través de laa este cual medio. interactuar con el mundo. Salgado, que «siempre ha preferido la paleta de El fotógrafode Sebastião Salgado, que creció en unatomó hacienda claroscuros las imágenes en blanco y negro», muy de Brasil, siente un amor respeto por naturalepocas fotografías enprofundo color antes deyrenunciar porlacompleto za; asimismo, a este medio. es un hombre profundamente comprometido con la devastadora situación socioeconómica en la que, a menudo, se ven afectados los seres los innuEl fotógrafo Sebastião Salgado, quehumanos. creció en Entre una hacienda merables Salgadoamor ha producido de Brasil, trabajos siente unque profundo y respetoduran por la naturaleza; asimismo, es un hombre profundamente comprometido con la devastadora situación socioeconómica en la que, a menudo, se ven afectados los seres humanos. Entre los innumerables trabajos que Salgado ha producido duran-

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te su prestigiosa trayectoria, destacan tres proyectos de gran envergadura: Trabajadores(1993), que documenta la evanescente forma de vida de los obreros de todo el mundo, Éxodos (2000), un tributo a la emigración masiva provocada por la hambruna, los desastres naturales, el deterioro medioambiental y la presión demográfica; y esta nueva obra, GENESIS, que es el resultado de una épica expedición de ocho años para redescubrir montañas, desiertos, océanos, animales y pueblos que han eludido la impronta de la sociedad moderna: la tierra y la vida de un planeta aún virgen. «Alrededor del 46 % de la Tierra permanece en el estado en el que se hallaba en la época del Génesis —nos recuerda Salgado—. Debemos conservar lo existente.» El proyecto GENESIS, junto con el Instituto Terra, fundado por Lélia y Sebastião Salgado, se propone mostrar la belleza de nuestro planeta, revertir el daño que se le ha causado y conservarlo para el futuro. En sus más de 30 viajes, realizados a pie, en avioneta, en buques, canoas e incluso a bordo de globos aerostáticos, con un calor y un frío extremos y en condiciones a menudo peligrosas, Salgado creó una colección de imágenes que nos muestran la naturaleza, los animales y los pueblos indígenas con una sobrecogedora belleza. Salgado, que domina la monocromía con tan extrema destreza que compite con

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compite conAnsel el virtuoso Adams, ofrece una nueva el virtuoso Adams,Ansel ofrece una nueva dimensión dedila mensión fotografía en blanco y negro; las variedades fotografíade enlablanco y negro; las variedades tonales de sus tonales sus obras, el contraste entre luz y oscuridad, reobras, elde contraste entre luz y oscuridad, recuerda las obras cuerda las obras de grandes maestros como Rembrandt y de grandes maestros como Rembrandt y Georges de La Tour. Georges de La Tour. ¿Qué descubrimos en GÉNESIS? Especies animales y volcanes de las Galápagos; los pingüinos, leones marinos, cormoranes y ballenas del Antártico y el Atlántico Sur; los caimanes yacaré y los jaguares de Brasil; los leones, leopardos y elefantes africanos; la tribu de los zo’e, aislada en lo más profundo de la selva amazónica; la neolítica etnia korowai de Papúa Occidental; los nómadas ganaderos dinka en Sudán; los trashumantes nenets y sus manadas de renos en el Círculo Polar Ártico; las comunidades selváticas de los mentawai en las islas al oeste de Sumatra; los icebergs del Antártico; los volcanes de África Central y de la península de Kamchatka; los desiertos saharianos; los ríos amazónicos Negro y Yuruá; las gargantas del Gran Cañón; los glaciares de Alaska… y mucho más. Habiendo dedicado tanto tiempo, energía y pasión en la creación de este trabajo, Salgado equipara GÉNESIS con lo que él describe como «mi carta de amor a la Tierra». A diferencia de la edición limitada, concebida como un porfolio de grande formato que limitada, avanza enconcebida zigzag porcomo el planeta, A diferencia la edición un por-la edición agrupa selección folio de comercial gran formato quegeográficamente avanza en zigzag una por el planeta,de la

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fotografías en cinco capítulos:Zona meridional del planeta, Santuarios, África, Zona septentrional del planeta, Amazonia y Pantanal. Pese a nutrirse de la misma fuente, uno y otro libro (ambos editados y diseñados por Lélia Wanick Salgado) difieren radicalmente en sus planteamientos. Aún así, ambos constituyen un homenaje al triunfal e inigualable proyecto GÉNESIS de Salgado. Sobre el fotógrafo: En 1973, Sebastião Salgado inició su carrera de fotógrafo profesional en París. Posteriormente, trabajó con las agencias fotográficas Sygma, Gamma y Magnum Photos. En 1994, junto con su esposa Lélia, creó Amazonas images, que se encarga de sus fotografías de forma exclusiva. Los proyectos fotográficos de Salgado han aparecido en numerosas exposiciones y libros, entre los que se cuentan Otras Américas (1986), Sahel, El fin del camino(1988), Trabajadores (1993), Terra (1997), Éxodos (2000), Retratos (2000) y Africa (2007). Como todo buen fotógrafo tiene un pacto con la lentitud. "Yo camino mucho, realizo parte de mis reportajes a pie porque en ese tiempo miro y siento la vida, la naturaleza. Lentamente. Si no se produce un cortocircuito. La esencia muchas veces está en las curvas, en las vueltas que das, no en la línea recta". Por eso compara a los fotógrafos con los cazadores. Ambos viven en la espera, inmersos en procesos auténticos. "Hay que experimentar el placer de esperar".

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Francesca Woodman Francesca Woodman nació en Denver, Colorado un 3 de Abril de 1958 muere el 19 de enero de 1981. Francesca Woodman nace en una familia de artistas. Su padre George Woodman, fotógrafo y pintor y su madre Betty Woodman una reconocida ceramista. Ambos gestionan un archivo de más de 800 imágenes de las cuales solo 120 han sido expuestas o publicadas. Francesca creo varios libros pero solo uno fue publicado: “ Si bien sus imágenes revelan una fascinación estética por la muerte y la decadencia, materializada en casas decrépitas, flores secas y paredes desconchadas, sus imágenes no sólo se mantienen ajenas a la desesperación que precede un suicidio, sino que rezuman vitalidad, energía, poder y ansia de experimentación. Casi nunca enseña el rostro y experimenta con su cuerpo desnudo. A veces se mira con los ojos de una mujer y otras con el deseo de un hombre, pero nunca soporta estar fuera del encuadre. Su obra consiste, mayoritariamente, en retratos de mujeres en blanco y negro, siendo ella misma la modelo en muchas ocasiones. El cuerpo es uno de los temas centrales de su fotografía; las figuras humanas aparecen borrosas, perdidas en la sombra, parecen formar parte de las salas invadidas por el deterioro. Femeninas, sensuales, intensas, a veces dramáticas, pero nunca desesperadas.

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Su interés por la fotografía surgió a una edad muy temprana, con solo 13 años, empezó con sus primeros trabajos, ya adoptando un estilo característico, casi siempre fotografiando en blanco y negro con formato cuadrado y dando prioridad a la iluminación para, a través de ella, conseguir centrar la atención sobre un sujeto principal (y normalmente único) en la escena. Entre los años 1975 y 1979 fue estudiante de la Rhode Island School of Design en Provedence, y fue aceptada en el Programa de Honores que le permitía vivir durante un año en las instalaciones de la escuela en Palazzo Cenci en Roma. Allí se identificó con el surrealismo y el futurismo, que desde entonces ganaron presencia en sus fotografías, así como la decadencia, representada en las paredes desnudas y los objetos antiguos que también comenzaron a poblar sus trabajos. Para Francesca Woodman el medio preferido para sus imágenes era el libro: sus fotos pasaban desapercibidas en galerías, sobre todo si tenían que competir con las imágenes de moda, aumentadas a tamaños descomunales. Diseñó libros para recoger sus fotografías, pero sólo se publicó uno de ellos: Algunas geometrías interiores desordenadas, en 1981. En 1979 se trasladaría a Nueva York donde quiso hacer la carrera de fotografía. Envió portafolios a algunos fotógrafos de moda, pero sus esfuerzos no se vieron recompensados.

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.Debido Debidoaasusufracaso fracasoyyaauna unarotura roturasentimental, sentimental,WoodWoodman entra en una depresión que culminaría con su suicidio en 1981. La joven Woodman nunca llegó a ganarse la vida como fotógrafa. Su universo estaba hecho de estudios y crecimiento, artístico o personal. Dentro de todo, lo fantástico de su obra es que Woodman no se resiste a ser interpretada o comprendida, sino que se sitúa en el momento poético, en la alegoría, en un juego sensual y firme en donde se descubre y es descubierta. Demuestra una profunda conciencia de sí misma y de su posibilidad y capacidad para representarse. Asume su cuerpo, su lugar y su significado y se resiste a asumir un rol tradicional o pasivo. A su corta edad, Woodman logra una obra sólida desde la que denuncia y en la que, a su vez, provoca en el otro una invitación para cuestionar su manera de ver y su propia conciencia.

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Louise Dahl-Wolfe Louise Dahl-Wolfe fue una fotógrafa estadounidense (nacida el 9 de noviembre de 1895 en San Francisco, California, y fallecida el 11 de diciembre de 1989 en Nueva Jersey) que en los años 30, 40 y 50 era uno de los fotógrafos más reputados, siendo una pionera en la fotografía de moda contemporánea y muy innovadora en sus técnicas Louise Emma Augusta Dahl era hija de padres noruegos acomodados, emigrados a los EEUU. A los 19 años comenzó sus estudios de arte (pintura, dibujo gráfico) en California en la Escuela de Bellas Artes (actualmente San Francisco Art Institute), durante seis años. En 1923 Louise estudió diseño, decoración y arquitectura en la Universidad de Columbia, Nueva York, y también comenzó a hacer fotografías. Se casó con el escultor Meyer Wolfe, al que conoció en Túnez, que construyó los decorados de un gran número de sus fotografías. Tras casarse cambió su apellido por DahlWolfe, en buena parte porque había otra artista con el mismo nombre. Fue conocida en primer lugar por su trabajo para Harper's Bazaar, comenzando en los años 1930, con la editora de moda Diana Vreeland. Tomaba sus fotos al aire libre, a la luz natural de lugares lejanos, de América del Sur y África, dando nacimiento a lo que se llamará la fotografía de moda medioambiental. Su trabajo con esta revista duró hasta

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1958, publicando más de 80 portadas y miles de fotografías en color y en blanco y negro. Tras dejar Harper's Bazaar, hasta su jubilación en 1960 trabajó como freelance para Vogue, Sports Illusrated y otras publicaciones. Ella prefería el retrato más que la fotografía de moda que la hizo célebre. Entre los retratos importantes que realizó pueden citarse los de Mae West, Cecil Beaton, Eudora Welty, W.H. Auden, Christopher Isherwood, Orson Welles, Carson McCullers, Edward Hopper, Colette oJoséphine Baker. Fue ella quien descubrió a una adolescente de nombre Lauren Bacall. Tuvo una gran influencia sobre fotógrafos como Irving Penn y Richard Avedon. Uno de sus asistentes fue Milton H. Greene. En 1999 se realizo el documental Louise DahlWolfe: Painting with Light sobre su vida y obra.

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Tyler Shields Shields nació en en Jacksonville , Florida , en 1982. Shields compitió profesionalmente como patinador en línea vert . Participó en los X Games de 1999 y 2000 y estuvo de gira con Tony Hawk en 2003. Escudos dirigió un video de skate inline titulado . GUERRA protagonizada por Chris Haffey . fotografía Shields comenzó su carrera fotográfica mediante la publicación de las imágenes en MySpace . Su trabajo a menudo implicó imágenes de violencia y sangre salpicada. Él recogió sangre de 20 celebridades para hacer una obra de arte llamada “su vida no es un cuento de hadas” que fue expuesta en Los Angeles y también fotografió a Lindsay Lohan como un vampiro para exposiciones. En 2012, Shields difundió una fotografía de su entonces novia Francesca Eastwood quemando y mordiendo un bolso con valor de $ 100.000 dólares ‘Hermès Birkin’ para una sesión de fotos. El público respondió mal debido a los $ 100.000 dólares que gasto en el bolso solo para ser destruido. El 12 de noviembre 2013 Shields lanzó su libro de fotografía ‘The Dirty Side of Glamour’ a través de Harper Collins y los libros de TI , que cuenta con Emma Roberts , Brittany Snow , y otros.

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Shields también fue criticado por una sesión de fotos con la estrella de Glee Heather Morris con un ojo golpeado como para hacer luz del trato abusivo de las mujeres. Shields más tarde se disculpó después de recibir amenazas de muerte al ser malinterpretado este trabajo.

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Storm Thorgerson Storm Thorgerson nació en 1944, en Potters Bar, Inglaterra. Se graduó de la carrera de Inglés y Filosofía de la Leicester University, en 1966, y de la Maestría de Artes del Royal College of Art London, en 1969. Thorgerson soñaba con ser cineasta, pero luego de la invitación de unos viejos amigos de la escuela —Syd Barrett, David Gilmour y Roger Waters— para diseñar la portada de su álbum Saucerful of Secrets (1968) de Pink Floyd, decidió dedicarse de lleno a las artes gráficas. Tiempo después fue invitado a diseñar la portada del disco Atom Heart Mother, el cual fue realizado por el colectivo Hipgnosis. Tiempo después, Hipgnosis realizó el diseño el arte del álbum Dark Side of the Moon, lo que les dio reconocimiento mundial. Thorgerson fue miembro fundador del grupo de diseño inglés Hipgnosis —activo de 1968 a 1983—, responsable del diseño de las portadas de álbumes famosos, principalmente de la banda Pink Floyd, como Dark Side of the Moon, Wish You Were Here y Atom Heart Mother. El arte de Thorgerson se caracteriza por el uso de elementos tanto de ilustración como de fotografía; Extraños, surrealistas y oníricos, además del uso limitado del retoque digital. El trabajo de Storm Thorgerson se puede encontrar en discos de Led Zeppelin, Houses of the Holy e In Through the

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Out Door, Black Sabbath- Technical Ecstasy y Never Say Die, Audioslave - Audioslave, The Cranberries -Bury the Hatchet, The Mars Volta -De-Loused in the Comatorium y Frances the Mute y Muse - Absolution y Black Holes and Revelations. Thorgerson murió el 1 de abril de 2013, en Londres, a causa de cáncer. Justo este año se cumplieron cuatro décadas del lanzamiento de Dark Side of the Moon, uno de los trabajos más importantes y característicos de este artista.

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Pedro Meyer. Es uno de los pioneros y más reconocidos representantes de la fotografía contemporánea. Fue el fundador y presidente del Consejo Mexicano de Fotografía (Consejo Mexicano de Fotografía) 1975 y organizador de los tres primeros latinos Coloquios Fotografía americana . Además de su trabajo artístico fotográfico, Pedro Meyer ha sido maestro en varias instituciones de prestigio, así como el curador, editor, fundador y director del reconocido sitio web de fotografía ZoneZero , que alberga la obra de más de mil fotógrafos de todo el mundo. En 2004 Pedro Meyer se impuso lo que parecía una meta imposible: celebrar la primera retrospectiva simultánea en todo el mundo. Este proyecto, titulado Herejías , compuesta por más de 60 exposiciones simultáneas en 17 países de todo el mundo, una base de datos que contiene el trabajo de toda su vida (450.000 imágenes y documentos) y un libro con el mismo título. Esta retrospectiva de todo el mundo se celebró en octubre de 2008. Cada exposición fue diferente de la otra, ya que los comisarios eligieron entre un grupo de 3.000 imágenes, el establecimiento de la noción de que sólo hay una voz curatorial que es la correcta. En 1991 publicó el primer CD-ROM en el mundo que tenía "pared a pared" imágenes y sonido, titulado "Fotografío para recordar" .Él es también el autor de los libros "Tiempos

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de América" (American Times), "Espejo de Espinas" (Espejo de Espinas), "Los Cohetes duraron TODO el día" (Los fuegos artificiales duró todo el día). Su libro "Verdades y ficciones: un viaje de la fotografía documental a la digital" editado por Aperture, también se hizo más tarde en un CD ROM por Voyager en 1995. "El Real y la verdad" , publicado por Peach Pitt Prensa salió en 2005 Su último libro "Herejías" salió en 2008 y fue publicado por la casa editorial Lunwerg. Gaviota Press, publicado en 2011, "A Kind de Touching Beauty" , fotografías de Latina por Pedro Meyer y el texto de Jean-Paul Sartre. Dos libros más están saliendo en el año 2014, tanto en la Ciudad de México. Pedro Meyer ha impartido más de cien conferencias sobre el tema de la fotografía y las nuevas tecnologías en importantes festivales, museos e instituciones académicas en México, Estados Unidos, Inglaterra, Alemania, Argentina, España, Ecuador y Suecia, entre otros. Ha sido artista invitado en la Universidad de Colorado en Boulder,Centro de Estudios Fotográficos en Vigo, España y The Western College de Arizona en Yuma, Arizona. Su trabajo ha sido presentado en más de 260 exposiciones en museos y galerías de todo el mundo y forma parte de colecciones permanentes muy importantes que incluyen: El Museo Nacional de Arte de China en Beijing, el Museo de Arte de Guangzhou , también en China, el Museo de Arte Arkon en Akron , Ohio, el Museo de

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el MuseoendeNueva Arte Arkon enCentro Akron Australiano , Ohio, el Museo de Queens York, el para PhotograQueens en Nueva York, el Australiano paraModerno Photographyin Sydney, el Museo deCentro San Francisco de Arte phyin Sydney, el Museo de Sande Francisco Moderno , el Museo Victoria and Albert Londres,deelArte Museo Nacio,nal el Museo and AlbertGeorges de Londres, el Museo Naciode ArteVictoria Moderno Centro Pompidou de París, el nal de Arte Moderno de Centro Georges Pompidou de París, el Centro Internacional Fotografía también en Nueva York, Centro de en Fotografía también enYork, Nueva York, GeorgeInternacional Eastman House Rochester , Nueva el MuGeorge House en Rochester Nueva York, Museo de laEastman Fotografía de California , en ,Riverside, TheelCenter seo de la Fotografía de California , enArizona, Riverside, ThedeCenter for Creative Photography en Tucson, Casa Las for Creative en Tucson, Arizona, Casa dedella Las Américas , LaPhotography Habana, Cuba, Centro Studie e Archivo Américas , La Habana, Cuba, Centro Studie, Italia, e Archivo della Comunicazione dell 'Universitá de Parma y la ComuComunicazione dell 'Universitá Parma , Italia, y la Cona di Anghiari, Palazzo Pretorio de , Italia entre otros. muna di Anghiari,con Palazzo Pretorio ,beca ItaliaGuggenheim entre otros.Fue Fue galardonado la prestigiosa en galardonado con la prestigiosa beca Guggenheim 1987, el Internazionale di Cultura Citta di Anghiarien en1987, 1985, el Internazionale di Anghiari 1985, en y en 1993 recibiódi el Cultura NationalCitta Endowment foren the Artsyen 1993 recibiócon el National for thede Arts en conjunconjunción JonathanEndowment Green y el Museo Fotografía de ción con Jonathan Green y el Museo de Fotografía de CaliCalifornia en Riverside. También ha recibido numerosos prefornia enBienales Riverside. haMexicana recibido numerosos mios en deTambién Fotografía y la primerapremios suben Bienales de Fotografía Mexicana y laotorgado primera subvención vención destinada a un proyecto Web, por laFundestinada a un proyecto Web, otorgado por laFundación dación Rockefeller . Rockefeller . Meyer creó La Fundación Pedro Meyer para En 2007 Pedro contribuir a la reflexión, la interpretación y la investigación en relación con la imagen fotográfica en el marco de las nuevas tecnologías. Actualmente es Presidente de la Fundación y un artista muy prolífico cuya obra personal está constantemente provocando preguntas filosóficas y la ex-

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ploración de los cambios tecnológicos. En 2014, construyó, la FOTO MUSEO 4 Caminos, una importante contribución al mundo de la fotografía, con la educación en el centro de las metas de TI.

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Joel-Peter Witkin Joel-Peter Witkin (nacido el 13 de septiembre de 1939 en Brooklyn, Nueva York) es un fotógrafo estadounidense. Nacido de padre judío y madre católica, sus padres se divorciaron cuando era joven debido a sus irreconcialiables diferencias religiosas. Tiene un hermano gemelo llamado Jerome Witkin, que es pintor. Trabajó como fotógrafo de guerra entre 1961 y 1964en la Guerra de Vietnam. En 1967 decidió trabajar como fotógrafo freelance y se convirtió en el fotógrafo oficial de City Walls Inc. Estudió después escultura en la Cooper School Of Fine Arts de Brooklyn donde consiguió un título en artes en 1974. Después de que la Universidad de Columbia le concediera una beca terminó sus estudios en la Universidad de Nuevo México en Albuquerque donde consiguió su Master en Bellas Artes. Según el propio Witkin su particular visión y sensibilidad provienen de un episodio que presenció siendo pequeño, un accidente automovilístico en el que una niña resultó decapitada. También cita las dificultades en su familia como una influencia. Su artista favorito y gran influencia es Giotto. Sus fotos suelen involucrar temas y cosas tales como muerte, sexo, cadáveres (o partes de ellos) y personas como enanos, transexuales, hermafroditas o gente con deformaciones físicas. Sus complejos tableauxs a menudo evocan pasajes bíblicos o pinturas famosas. Esta naturaleza trans-

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gresora de su arte ha consternado a la opinión pública en repetidas ocasiones y ha provocado que lo acusen de explotador y que haya sido marginado como artista en diversas ocasiones. Su acercamiento al proceso físico de la fotografía es altamente intuitivo que incluye manchar o rayar el negativo y una técnica de impresión con las manos en los químicos. Esta experimentación comenzó luego de ver un ambrotipo del siglo XIX de una mujer y su amante quien había sido arrancado. En 1994 Witkin explicó lo siguiente en Seattle Times: "Mi trabajo muestra que mi trayectoria es apropiada para una persona despreocupada y amorosa." Mientras que el Arte Pop de intelectuales devoró su trabajo, según una tendencia excelente, Lacan/Foucault estaba inspirado en terminar las críticas postmodernas, y Witkin en su búsqueda por lo divino no tocó para nada a la Coalición Cristiana. Cotizándose por objeto 20,000 dlls, la NEA le garantiza a Witkin haberlo recibido en 1992, además la NEA destaca negativamente en impreso de Witkin "El testículo" Estrecho con la posibilidad de una Cara Estrujada", en su protesta anti-NEA en Washington en 1993. Fans celebran las habilidades de Witkin de hacer bello lo feo, y de defender su trabajo como un estallido al desaire de la clase del hombre para confrontar y abarcar lo objetivo.

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Pero otros como Keith Seward colaborador del foro del Arte en 1993 afirma que Witkin: generalmente pretende verse como "amante de lo no querido, de lo dañado, del paria", y tal aceptación incondicional, por lo general caracteriza su trabajo: como lo fue San Francisco de Asís, al beber pus del leproso, con el objeto, de sobreponer su repulsión a ellos. Witkin no es un fisgoneador, un explorador, o un prestamista, pero si una persona que dice sí a cualquier cosa cuestionable, aún a lo terrible. ¿Porque en el banquete estrambótico de Witkin te agradaría decir si a la muerte, a los desmembrados o cualquier otra materia? Es una cierta clase de gusto hacia una forma extrema de culturismo múltiple, de respeto hacia lo que para Ud. es extraño, o más terrorífico. En 1995 Germano Celant conservador del Arte Contemporáneo en el Museo de Guggenheim de Nueva York y teniendo Witkin su retrospectiva, explica la importancia del fotógrafo como sigue: El primero pule lo deformado, pero lo fundamental y lo aterrorizante deber ser la luz. De la forma, Witkin trabaja con Arbus y con Robert Mapplethorpe, para asegurar que la noción de la crueldad ya no es hostil pero es transformado a un núcleo cognoscitivo, depurado de sus connotaciones obscuras y negativas. A pesar de las controversias y a pesar del hecho de que las fotografías de Witkin, llegaron al mundo del arte en el momento que cuando los trabajos de fotografía raramente se

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le permitió la responsabilidad del "gran parte". Los impresos de Witkin insinuaron sus trayectorias como colección permanentes en los museos más actualizados del mundo, siendo otros, la Biblioteca Nacional de París, el Mo Ma de San Francisco, el Museo Stedelijk en Ámsterdam, el Mo Ma de Nueva York, el Whitney.

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Berenice Abbott

Berenice Abbott nació un 17 de Julio de 1898 en Springfield, Ohio. Como otros grandes fotógrafos, no pensó nunca dedicarse a la fotografía. Su motivo de estudios fueron inicialmente la escultura y el dibujo, para lo que se desplazó a Berlín y Paris en 1920. Trabajó como asistente de laboratorio del fotógrafo surrealista Man Ray, que ejerció gran influencia sobre ella. En su primera etapa se dedicó al retrato de personalidades célebres, llegando a realizar exposiciones individuales en galerías de renombre en Paris, cuestión importante teniendo en cuenta su condición de mujer. De la mano de Man Ray conoció a Eugène Atget, ya comentado en nuestras páginas, que le transmitió sus formas de hacer en fotografía documental, ya que establecieron una estrecha colaboración hasta la muerte de Atget en 1927. Consiguió adquirir gran parte de su archivo, que custodió y empleó hasta cederlo en 1968 al Museo de Arte Moderno de Nueva York. Regresó a Nueva York en 1929 y casi reprodujo fielmente las formas de hacer de Atget en Paris en la ciudad de Nueva York, completando en 1939 el estupendo trabajo titulado "Changing New York", que ofrece todo un documento sistematizado de los cambios arquitectónicos que se fueron

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produciendo en esta ciudad, sobre un encargo de la Administración. Entre los años cuarenta y sesenta se dedicó intensamente a la publicación de libros y al estudio, desde la fotografía, de diferentes y variados fenómenos físicos. Impartió clases y se dedicó a la realización de sus trabajo denominados "Ciencia" y "Escenas Americanas". En uno de sus proyectos, que versaba sobre la documentación de la Carretera Nacional 1, que discurre desde Florida a Maine, descubrió está última ciudad y trasladó su residencia a ella, donde falleció el 9 de Diciembre de 1.991, hace poco más de una década.

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Jacques Henri Lartigue. (13 de junio de 1894 - 12 de septiembre de 1986) fue un fotógrafo y pintor francés.1 2 Nació en Courbevoie en el seno de una familia acomodada, que se trasladó a vivir a París en 1899. Su padre que era banquero tenía afición por la fotografía y cuando Lartigue tenía siete años le regaló una cámara fotográfica de placas de formato 13x18 cm. Con ella destacó por sus fotos espóntaneas de las carreras de automóviles, aviones y fotografías de las mujeres de clase media y acomodada de París paseando por el Bois de Boulogne. Creó imágenes novedosas mediante el empleo de encuadres poco usuales, de diversas velocidades de obturación y trabajando casi siempre en blanco y negro y sólo algunas veces empleando elcolor. En 1915 fue discípulo de Jean-Paul Laurens y Marcel Baschet en la Académie Julian por lo que comenzó a dedicarse a la pintura y abandonó en gran medida la fotografía. En 1922 expuso sus pinturas en los pasillos a la entrada de la galería Georges Petit de París. Posteriormente expuso en el Salón des Sports, el Salón de Otoño, el Salón d'Hiver, Salón de la Société Nationale des Beaux-Arts, la galería Bernheim Jeune y el Grand Palais. En particular, las pinturas de este período tienen como tema principal las flores y los coches, pero también retratos de personajes famosos como Kees Van Dongen, Sacha Guitry, Marlene Dietrich, Greta Garbo, Georges

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Carpentier, Joan Crawford, Maurice Chevalier, Abel Gance, Yvonne Printemps y en 1930 Renée Perle, quien se convirtió en una de sus modelos favoritas y su acompañante. En 1932 fue asistente de dirección y fotógrafo de la película de Alexis Granowsky, Les Aventures du Roi Pausole que era una adaptación al cine de una novela de Pierre Louÿs. En 1934 se casó con su segunda esposa, Marcella "Coco" Paolucci, pero el matrimonio duró sólo un par de años. En 1942 conoció a Florette Ormea que tenía veinte años y que en 1945 se convirtió en su tercera esposa. Hasta 1960 no obtuvo reconocimiento como fotógrafo,2 pero a partir de ese momento alcanzó gran prestigio exponiendo en 1963 en elMOMA después de que la revista Life publicase una serie de fotografías suyas en 1962. A partir de ese momento se publicaron numerosos libros y su obra se expuso por numerosas galerías y museos. Su obra plástica incluye pinturas, fotografías de prensa, de moda, de temas generales. También fue quien hizo la fotografía oficial en1974 a Valéry Giscard d'Estaing, Presidente de la República Francesa entre 1974 y 1981. En 1979 cedió sus fotografías al Estado incluyendo negativos, discos originales, diarios y cámaras, mientras que sus pinturas que consistían en más de trescientos cuadros los donó a su amigo el alcalde de L'Isle-Adam y su mujer. Esta donación dio lugar a la creación en la ciudad de Val-d'Oise

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del Centro de Exposiciones Jacques-Henri Lartigue. En el 2000 se creó la Fundación Lartigue que se unió a la Asociación de Amigos de Jacques Henri Lartigue creada en 1979 con lo que se dispone de una amplia documentación sobre su trabajo. En 2010 se realizó en España su primera exposición retropectiva titulada Un Mundo Flotante. Fotografías de Jacques Henri Lartigue (1894-1986) con unas 230 piezas representativas de las distintas etapas y temáticas que abordó a lo largo de su vida.3 La exposición comenzó en Barcelona y después se exhibió en Madrid. Entre los reconocimientos que ha recibido se encuentra dar su nombre a una calle en el V Distrito de París de París en 1995 y también a una estación de la línea 2 del tranvíaque es la más cercana a la Ile-de-France. La historia de Jacques-Henri Lartigue es bella, como sus fotos. Se podría decir que cada una de sus imágenes son un poco él, repletas de felicidad, de infancia, adolescencia y adultez. Toda su vida fotografió, desde los 6 hasta los 92 años, cuando murió. Podría ser, quizás, el fotógrafo que más tiempo estuvo en actividad. Pero a la vez es el más prolífico, su obra está compuesta de alrededor de doscientas mil piezas, entre negativos y copias impresas en blanco y negro. Lartigue fotografió mucho, pero tenía a la fotografía como una actividad secundaria. El en realidad quería ser pintor y

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así se sentía. Llegó a exponer cuadros en New York y París rodeándose del mundo artístico de la época. Supo experimentar con todo tipo de cámaras, desde la 13x18 de madera que le regalo su padre a los 6 años hasta las estereoscópicas que generaban imágenes en 3D, luego en los 60 comenzó a usarPentax, Canon y Olympus. Su grandísima colección de imágenes, casi mágicas, es un recorrido por la vida de su autor. Escenas de niños, sus propios amigos y su primo en la infancia, escenas de playa con ellos saltando en el aire, sus juegos, su hermano Zissou. Luego descubre las carreras de autos, capta el movimiento y la sinergia. Retrata a la sociedad de los años 20´, las damas de la clase alta de Bois de Boulogne. Tiene puntos de vista atractivos, encuadres que no se habían visto hasta ese momento. Trabajó también como director de fotografía en muchos filmes de directores como François Truffaut yFederico Fellini y fotografió artistas de la talla de Marlene Dietrich y Greta Garbo. Todos podríamos pensar que nuestro amigo Lartigue disfrutó de una próspera vida como fotógrafo, pero no. La fama y el reconocimiento le llegaron a los 69 años cuando el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA) decide hacer una retrospectiva de su trabajo y la revista LIFE le hace un extenso reportaje, ahí llega entonces su consagración.

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En el año 1979 dona todo su trabajo de una vida al estado francés, junto con las fotos sus cámaras, apuntes y cuadernos. También hizo lo mismo con sus cuadros. Todo el material conformó más tarde elCentro de Exposiciones JacquesHenri Lartigue en L'Isle Adam. Abajo les dejo una pequeña galería con imágenes de este genio. Vean las hermosas composiciones que logra, los personajes "volando", traten de meterse en la época y descubran escenas de principios de siglo de lo que se estaba convirtiendo en una nueva era.

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Steve Winter. El reportero gráfico Steve Winter trabaja para la revista estadounidense National Geographic desde 1991. Se ha dedicado a fotografiar fauna salvaje por todo el mundo, acompañado de un equipo de científicos. Persiguió durante seis semanas al leopardo de la nieve en India, a los osos gigantes de Kamchatka en Rusia, a los jaguares en la selva amazónica y fue acechado por un oso pardo en la fría Siberia. Steve Winter se crió en Fort Wayne, Indiana. Desde pequeño soñaba con ser un fotógrafo de la revista National Geographic. Su primera cámara fotográfica fue un obsequio de su padre, cuando tenía siete años. Se mudó a California para estudiar en la Academia de Arte de la Universidad de San Francisco, donde comenzó a trabajar como asistente del fotógrafo de la National Geographic Michael Nichols. Luego se mudó a Nueva York, donde trabajó como reportero fotográfico para la agencia Black Star y colaboró con diversas publicaciones, como GEO, Fortune, Time, Natural History y Newsweek. Fue enviado a Costa Rica a hacer un reportaje sobre el Instituto Nacional de Biodiversidad de aquel país. Fue entonces cuando conoció la selva y quedó fascinado por la tarea de los científicos. Estaba colaborando con la revista infantil Throught World, cuando en 1991 la National Geographic lo llama para hacer su primer foto-reportaje en Guatemala. Desde entonces ha

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recorrido el mundo, capturando imágenes de la fauna salvaje para la revista. Fue atacado por rinocerontes en India, perseguido por jaguares en Brasil y acosado por un oso pardo en Siberia. Quedó preso en las arenas movedizas de Brimania, fotografió volcanes en erupción y visitó las aldeas más remotas del globo.

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Scott Stulberg

Nació y creció en los Ángeles, California. Viaja a menudo a tierras lejanas en busca de la foto perfecta. Sus fotografías se encuentran en colecciones de todo el mundo, incluyendo en exhibición permanente en las Naciones Unidas. Escribe para la revista Shutterbug y es co-autor de The Digital Photographers New Guide to Photoshop Plug-ins. Scott enseña fotografía digital y Photoshop en la UCLA Extension, Julia Dean Photography Workshops, Art Wolfe Digital Photography Center y en otras escuelas de Los Ángeles. Sus fotografías se usan en todo el mundo: desde Microsoft, Newsweek, New York Times, calendarios, portadas de libros. “He recibido muchos regalos en mi vida, pero tal vez el mejor de todos fue la cámara que mi padre me regalo cuando cumplí 10 años” Unos años más tarde, un nuevo mundo se abrió para Scott, cuando sus padres construyeron un cuarto oscuro en el sótano de su casa a la edad de 13 años. “Bajo luces de seguridad, con olor a productos químicos y escuchando música, perdía la noción del tiempo viendo mis imágenes cobrar vida” Reconocido en todo el mundo como uno de los mejores artistas que se encuentran en la élite del mundo fotográfico, se dedica a viajar a kilómetros y kilómetros de distancia en busca de esa toma perfecta que te hace enamorarte pro-

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fundamente por su impresionante belleza. Es capaz de estar en el lugar correcto, a la hora adecuada para poder fotografiar ese preciso instante creyendo en el milagro de la lentitud que es necesario para tomarla. Puedes localizarlo en cualquier lugar del mundo buscando ese “algo” que le dé su gran oportunidad para crear una imagen digna de ser vista por millones de personas. Stulberg fotografía diferentes cosas y paisajes, sin embargo lo que más disfruta retratar es al hombre y sus diferentes etnias, en sus múltiples razas y facetas.

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Toby Keller. Toby Keller es un fotógrafo llegado de Santa Bárbara y que domina especialmente la técnica del luminograma. Lo más impresionante de sus fotos es el contraste que podemos apreciar entre las diferentes variaciones de luz y los demás elementos de la fotografía. Su obra es atractiva, impresionante y una fuente de inspiración para una nueva generación de fotógrafos que buscan extender los límites de la fotografía como disciplina. Keller se ha especializado en fotos nocturnas, de larga exposición. Son especialmente notorias sus fotografías marinas, debido a que consigue reproducir colores muy ricos y vibrantes. Toby es un artista increíblemente creativo. Últimamente ha estado trabajando con las técnicas de pintura de luz con LEDs, alambre de EL, y las luces negras para crear senderos de luz en la imagen. Las largas exposiciones y senderos de luz se combinan presentando al espectador una etérea sensación surrealista. Su técnica se basa en la fotografía con luces LED, lunar y artificial y con bajas velocidades. Sus fotografías combinan la iluminación ideal desde su perspectiva con el movimiento. Kelley no solo es fotógrafo, también trabaja diseñando páginas web y proyectos digitales.

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David Pullum. Tomar una buena foto, se sabe, es un arte. Elegir el momento, la luz y el ángulo justos es una capacidad que hay que desarrollar, y máxime si el fotógrafo en cuestión se dedica a un tipo de fotografía específica. Ese es el caso de David Pullum, especialista en fotografía de bodas y está considerado como uno de los mejores del mundo, ya que su capacidad para captar mucho más que la situación, sino también las emociones de cada instante, hacen que los sentimientos de la boda se reviva en cada imagen. David Pullum es uno de los mejores fotógrafos de bodas. Fue nominado al premio: los 10 mejores fotógrafos de bodas de Reino Unido. Sus fotos no se limitan a reflejar cómo se ven las cosas, sino que son capaces de captar sentimientos, emociones que gracias a él perdurarán más allá del recuerdo. Sus fotografías cuentan una historia más allá de lo visible, consiguen transmitir una explosión de magia y felicidad. Si lo que buscas es una versión diferente a los convencionalismos típicos de este tipo de fotos, este es tu fotógrafo.

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Michael Murphy. La macrofotografía o fotomacrografía logra mostrar en tamaño real o aumentado el mundo en miniatura. Esta semana abordaremos el trabajo de Mike Murphy, sin duda, uno de los fotógrafos top en cuanto al mundo de la fotografía. Para muchos es categorizado un artista digital pues combina la astucia del retrato con la exposición prolongada en el paisaje y el correcto empleo del mundo macro. Este fotógrafo norteamericano se especializa en la fotografía de alta velocidad en el agua y la macro fotografía. También es un artista digital experto en el HDR. Mucho de su trabajo es editado digitalmente, con Photomatix, programa en el cual se ha convertido en un maestro. Antes de dedicarse a la fotografía estuvo por 14 años en el ámbito de los bienes raíces. Un día decidió que quería dedicarse a algo más creativo. Entonces estudió de fotografía. Siete años más tarde, en 1997, abrió su primer estudio de fotografía y no ha parado de trabajar desde entonces. Mike Murphy nació en la ciudad de Miami y creció en un granja. Allí desarrolló su amor por los animales a quienes fotografía sin descanso; para él son sus fotografías favoritas. Murphy dedica gran parte de su tiempo a la beneficencia y a la ayuda social en su comunidad. Lo que lo lleva a recorrer el mundo al cual retrata día y noche.

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G M B Akash G M B Akash es un fotógrafo bengalí (nacido en 1977 en Narayangonj, vive en Dhaka) que es capaz de articular con la fotografía las experiencias de los sin voz. Su pasión por la fotografía comenzó en 1996. Asistió al seminario World Press Photo en Dhaka durante 3 años y se graduó con una licenciatura en Fotoperiodismo en la escuela Pathshala, al mismo tiempo que se graduaba en programación de ordenadores. Cree que el estudio formal de la fotografía es necesario para sobrevivir en la industria hoy en día, pero lo más importante es ser apasionado y dedicarse a ella en cuerpo y alma. Como periodista multimedia, ha viajado intensamente por más de 20 países y ha obtenido más de 70 premios internacionales y su trabajo ha sido mostrado en más de 80 publicaciones internacionales importantes, como National Geographic, Vogue, Time, New York Times, International Herald Tribune, Sunday Times, Newsweek, Geo, Stern, Der Spiegel, The Fader, Ein Brand, The Guardian, Marie Claire, Colores, The Economist, The New Internationalist, Kontinente, Amnistía Journal, Courier Internacional, PDN, Die Zeit, Days Japan, Hello y el Sunday Telegraph de Londres.

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Manuel Álvarez Bravo. Manuel Álvarez Bravo, Uno de los fundadores de la fotografía moderna, es considerado como el mayor representante de la fotografía latinoamericana del siglo XX. Su obra se extiende de finales de la década de 1920 a la de los noventas. Nace en el centro de la capital mexicana el 4 de febrero de 1902. Interrumpe sus estudios a los doce años al fallecer su padre y comienza a trabajar para ayudar en la economía familiar, en una fábrica textil y posteríormente en la Tesorería General de la Nación. Su abuelo, pintor, y su padre, maestro, eran aficionados a la fotografía. El descubrimiento temprano de las posibilidades de la cámara le hará explorar en autodidacta todos los procedimientos fotográficos, así como las técnicas de la gráfica. En un inicio aborda el pictorialismo, influido por sus estudios de pintura en la Academia de San Carlos. Explora luego las estéticas modernas, con el descubrimiento del cubismo y las posibilidades de la abstracción. En 1930 se inicia en la fotografía documental: Tina Modotti, al ser deportada de México, le deja su trabajo en la revista Mexican Folkways. Así trabaja para los pintores muralistas: Diego Rivera, José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros. Álvarez Bravo es una figura emblemática del periodo posterior a la Revolución mexicana conocido como renacimiento

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mexicano. Fue aquel un periodo cuya riqueza se debe a la feliz, aunque no siempre serena, coexistencia de un afán de modernización y de la búsqueda de una identidad con raíces propias en que la arqueología, la historia y la etnología desempeñaron un papel relevante, de modo paralelo a las artes. Álvarez Bravo encarna ambas tendencias en el terreno de las artes plásticas. De 1943 a 1959 trabaja en el cine realizando fotografías fijas, lo que lo lleva a producir algunos experimentos personales. En vida, presentó más de 150 exposiciones individuales y participó en más de 200 exposiciones colectivas. Según numerosos críticos, la obra de este “poeta de la lente” expresa la esencia de México, pero la mirada humanista que refleja su obra, las referencias estéticas, literarias y musicales que contiene, lo confieren también una dimensión universal. Falleció el 19 de octubre de 2002, a los cien años.

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Mariana Yampolsky De tanto andar por los caminos de México, Mariana se ha vuelto parte del paisaje. Si uno mira sus fotografías con frecuencia, descubre a su autora tras el lente. Mariana es el magüey, la teja, el muro, el vagón de tren abandonado, el osario, el ángel de piedra a punto de emprender el vuelo. Mariana Yampolsky no sólo tomó las fotografías, se volvió como ellas. Tenía las manos fuertes y curtidas del tejedor de palma, los ojos interrogantes de la niña descalza, el asombro del guajolote narciso que se detiene frente al espejo y se ve por primera vez. ¿Se gustaba Mariana a sí misma? Creo que nunca tuvo el tiempo de pensarlo. Los espejos no se hicieron para ella. Las horas del día se le iban en observar a los demás. Desde niña debe haberse dado cuenta que tenía un ojo privilegiado, por eso no sólo fue fotógrafa sino que se dedicó a hacer resaltar obras de arte de México y del mundo. Quería que todos vieran lo que ella veía. Nadie como ella para descubrir la belleza. Jubilosa, cuando hallaba un juguete popular, una taza de Talavera, un re-

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tablo en una iglesia, su reacción inmediata era compartir. "¿Viste?" Enseñar a ver es un don. John Berger lo dijo en su "Ways of Seeing" cuando nos reveló toda una nueva forma de analizar una obra de arte. Mariana nació en Estados Unidos pero le enfermaba que la consideraran gringa porque amó a México como sólo los conversos suelen amar a Dios. Nacionalizada mexicana, regresó poco y de mala gana a Estados Unidos y eso sólo cuando tenía que presentarse personalmente en alguna de sus múltiples exposiciones. Coincidimos en Nueva York y como yo le hablaba de la calidad de vida norteamericana y de las oportunidades de los migrantes me llevó al Bronx y a las calles de los "homeless". Los señalaba en la esquina: "Mira, para que se te baje tu admiración que me resulta casi infantil". Niña talentosa, muy pronto tocó el violín. Su padre, Oscar, era pintor. Su madre, Hedwig, que siempre fue una mujer curiosa, leía mucho. Su tío materno, Franz Boas, fue uno de los primeros intelectuales importantes en manifestarse contra el fascismo. La atmósfera de su casa era culta. Mariana fue una alumna sobresaliente.

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De niña leyó el "Shakespeare" de Charles Lamb y se aficionó a Shakespeare al grado de convertirse en una gran conocedora, no tanto como Jan Kott, el polaco, pero sí más que muchos que se creen ilustrados. Esto me lleva a pensar que la mirada de Mariana fue la de una mujer muy sabia, muy preparada. Era tan modesta que guardaba silencio ante la ignorancia ajena, su respeto por los demás iba más allá de cualquier limitación y su deseo era que nadie sospechara que sabía más que ellos. Su erudición, sus conocimientos, estaban allí, eran parte de su espíritu y aunque jamás los presumió, definieron su forma de mirar. Ese bagaje cultural construyó su criterio y sus fotos son notables porque detrás de ellas hay un mundo: el clásico griego desde luego y el que habría de adquirir en México: el prehispánico, el colonial. Descubrió a México a través de una conferencia sobre el Taller de Gráfica Popular en su Universidad de Chicago y decidió venir, cuatro meses después de la muerte de su padre. Su primer viaje en avión, en 1944, le tomó dos días porque en Texas las autoridades bajaron a los civiles para darles el

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asiento a los soldados. Mariana no hablaba una palabra de español y si primero se dio a entender a señas después lo hizo con el buril sobre linóleo y metal. Se convirtió en la primera mujer miembro del Taller de Gráfica Popular. Grabó a Emiliano Zapata y a Francisco Villa, a la niña pensativa junto al pozo y al campo de trigo que convirtió en un "Homenaje a Chopin". Grabar al lado de Leopoldo Méndez, Pablo O'Higgins, Alfredo Zalce, Alberto Beltrán le hizo conocer los valores del blanco y negro y sobre todo la paciencia. Mariana grabó muchas protestas antifascistas a lo largo de sus años en el Taller de Gráfica Popular. Ya desde entonces Mariana se había aficionado a recorrer la República. "Con Alberto Beltrán fui caminando hacia el sur hasta la Costa Chica en Oaxaca. Hicimos cuatro días a pie. Dormíamos donde se podía. En algunos pueblos había que pedir que nos permitieran entrar a pasar la noche y dormir en el piso. La gente muy cariñosa y dispuesta -tal vez por vernos jóvenes, yo con mi cámara- nos abría la puerta de su casa y nos daba de comer.

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La forma tan generosa de los campesinos de recibirnos influyó en mi actitud hacia los demás seres humanos". Sólo en 1959, Mariana pudo comprarse una Rolleiflex gracias a que se ganaba la vida enseñando literatura inglesa en la escuela Garside. Entonces empezó a documentar fiestas, ceremonias religiosas, mercados, plantíos de maíz, telares, textiles, cerámica, casas de paja, de adobe, de varas, de pencas de maguey, casas de tierra y lodo, la vida cotidiana de artesanos y labriegos, el arduo quehacer de los menos privilegiados. Tenía una enorme devoción por los magüeyes, los retrataba casi tanto como a los niños. Esa cámara la hizo partícipe de lo que podría considerarse su primer libro: "Lo efímero y lo eterno en el arte popular mexicano" que hizo con su maestro, Leopoldo Méndez. El Instituto Nacional Indigenista publicó su primer libro de autor: "La casa en la tierra", que es en cierta forma un preludio a su gran libro de 1982, "La casa que canta", que se ha convertido en piedra de toque para los arquitectos mexicanos que (no exagero) lo hojean con veneración. Cuando publicó "La casa que canta", Mariana estaba construyendo con Arjen (su marido), su propia casa en Tlalpan, y en cierta manera lo que vio en el campo influyó en la impronta, el sello personal que ahora se percibe en esta casa

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levantada con nobles materiales, madera, vigas, un jardín loco en el que los colibríes siempre tienen agua. Hoy su casa-museo forma parte de la Fundación Cultural Mariana Yampolsky en la que se guardan para el público sus sesenta mil negativos. Tanto la Universidad de Texas como la Library of Congress de Estados Unidos quisieron comprar la obra de Mariana. Varias veces vinieron los expertos a revisar su archivo, seducidos por esta obra totalmente fuera de serie. Mariana siempre se negó. "Soy mexicana y no quiero que salga de México". La casa consta de una vasta biblioteca, de un espacio para exposiciones, de un cuarto oscuro, del archivo de sus negativos y de una que otra recámara en la que puede hospedarse algún visitante. Por la ventana, pueden verse en días claros los volcanes. Esa casa es Mariana, una Mariana enredadera a la que siempre le salieron flores por la boca, una Mariana repleta de hojas, de brazos que se extienden en el aire como ramas. Sobre todo, la casa conserva el espíritu de una de las más notables fotógrafas del siglo XX, equiparable a Tina Modotti y a Dorotea Lange.

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Mariana Yampolsky, fallecida el 3 de mayo de 2002 a los 76 años, sigue abriéndose camino. Si uno tiene buen oído es fácil escuchar en el campo de México el abrir y cerrar del obturador de una cámara y sentirse menos solo porque finalmente resulta consolador pensar que allí está Mariana, con su carita redonda, su sombrero de paja, también redondo, y su pesada bolsa sobre la cadera, en el espacio que inventa nuestra nostalgia, su Hasselblad entre las manos lista para tomar su fotografía número 61.000.

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Glosario.

Demografía: Estudio estadístico sobre un grupo de población humana que analiza su volumen, crecimiento y características en un momento o ciclo. Desconchada: Parte en que una superficie pierde su revestimiento. Surrealismo: Povimiento artístico que intentaba reflejar el funcionamiento del subconsciente. Alegoría: Ficción en virtud de la cual una cosa representa o significa otra diferente. Onírico: De los sueños o relativo a ellos. Ambrotipo: Proceso fotográfico introducido en 1851-52 por Federick Scott Archer y Peter Fry. Estrambótico: Extravagante, extraño. Cognitivo: Relativo al conocimiento o a la inteligencia.

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BibliografĂ­a. http://www.tinosoriano.com/

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Detrás de la mirada.