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Iniciación a la fotografía. Trabajo de investigación Alicia Ramírez Guillén. 1ºB GP


Garry Winogrand Garry Winogrand (Nueva York, 1928 - 1984), fotógrafo estadounidense. Practicante y pionero de la fotografía callejera ("street photography"). Garry realizó estudios de pintura en el City College de Nueva York estudiando después, en 1948, pintura y fotografía en la Columbia University de Nueva York. En 1951 asistió a las clases de fotoperiodismo impartidas por Alexey Brodovitch en la New School for Social Research de Nueva York. Posteriormente él mismo dictó clases de fotografía en la Universidad de Texas de Austin y en el Art Institute of Chicago, siendo de gran influencia para sus estudiantes. El trabajo de Garry Winogrand estaba influido por los de Walker Evans y Robert Frank, y por las publicaciones: American Photographs y "The Americans". Por supuesto, también Henri Cartier-Bresson fue de gran influencia, aunque sus estilos sean totalmente diferentes. Winogrand nunca buscaba una "foto bonita". La capacidad de anticiparse al suceso y la habilidad para tomar la fotografía con rapidez son las dos características más destacadas de los practicantes de la "street photography" y Cartier-Bresson está considerado en este sentido no sólo uno de los pioneros sino también el mejor en ambos aspectos, siendo su texto "El momento decisivo" uno de los más influyentes. Recorría las calles de Nueva York con su cámara Leica M4 y un objetivo gran angular preenfocado, tomando fotografías muy rápidamente. Con frecuencia su cámara estaba inclinada en el momento del encuadre lo que generaba unas fotografías con un horizonte no paralelo, lo que causaba la consiguiente extrañeza en el espectador.


Obras del autor


Arnulf Rainer Como artista contemporáneo, en la obra de Arnulf Rainer, siempre está en juego el uso de la mirada, no sólo como el acto de ver y apoderarse de lo que ha sido visto, sino como una mirada que tiene una opinión frente a la historia, el lugar de origen y el arte en si. Arnulf Rainer podría conocerse como uno de los pocos artistas que hasta el día de hoy siguen degustando el sabor de un prestigio mundial. Se podría decir de Rainer que fue un solitario, que su obra la realizó por medio de todo tipo de juegos autodidactas, que era un marginal sin deseos de formalizarse como “artista”, sino más bien, ir desde lo más bajo haciendo lo que quería hacer, no pensando en una obra como un posible fin, sino tan sólo pensando en el hacer como proceso y al mismo tiempo como fin, y este hacer sostenido en la curiosidad, la devoción por la curiosidad, la ansiedad, la imposibilidad por mantenerse quieto algún momento, que lo lleva a orientarse por Kokoschka o Schiele en vez de estar preocupado de que ocurría en el mundillo plástico de Paris en los inicios del siglo XX. Rainer encuentra una forma propia de representación, una MIRADA propia, donde además se ve envuelto en una Viena llena de una exagerada tendencia a la melancolía, donde todo ese sentimentalismo existente los tiene siempre en la cuerda floja entre la alegría de vivir y la añoranza de la muerte barroca, explorando con mucho más énfasis que en otros lugares, la psiques humana. Rainer experimenta entonces con todo aquello que tiene a la mano, chimpancés que pintan, LSD, coleccionar pinturas de enfermos mentales, recurrir a la fotografía de fotomatón o, mejor dicho a “la mala fotografía” como él mismo la clasifica, ya que depender de un fotógrafo profesional, que fuera a su casa, preparara una sesión, lo manipulara de tal forma en la posición, armara todo un artilugio de escena, para luego hacer click, le impedía a Rainer usar tan sólo de soporte la fotografía, convirtiendo así la imagen fotográfica en lo que importaría, cuando en realidad lo que a él le importaba era el gesto. Es así como esta mirada particular de traer o presentar la realidad como se ve, como una realidad a secas, hace posible que Rainer lleve a cabo su obra, una obra alejada de cursilerías y mucho más cercana a lo rotundo de esa misma realidad que sin más, lo instala en un lugar único, pues de alguna forma, no hay dos Rainer. Y ese gesto de su cara, esa contorsión de su rostro, el movimiento de manos, la forma de encorvar el cuerpo, eran gestos que iban seguidos por la mano del autor en el momento de ser trabajados encima, con carbón, pastel graso o pintura.


Obras del autor


Autor elegido: Helena Almeida Helena Almeida es una artista plástica portuguesa (nacida en Lisboa en 1934) que realiza sus obras a través de la fotografía, realizando un ejercicio crítico por el que desmantela la estructura lógica y la percepción de la pintura, en sus inicios, y ,luego, de la propia fotografía. Su trabajo artístico está basado en el empleo de la fotografía, en blanco y negro principalmente, teniendo como objeto de sus tomas a la propia autora en lo que podría considerarse como autorretratos, sin embargo ella niega que se trate de autorretratos en sentido estricto e incluso que sea fotógrafa. El motivo de esta afirmación se debe a que las fotografías que realiza las ha planificado previamente y ha hecho bocetos de ellas y además quién pulsa el disparador de la cámara fotográfica es su marido. Finalmente las fotografías sufren una manipulación posterior al pintarlas, al añadirles objetos tridimensionales o acompañarlas de grabaciones sonoras o de vídeo. Su trabajo artístico se inicia a finales de los años sesenta cuando comenzaban a desarrollarse los movimientos del Body art y la Performance. Como opinión personal, he elegido a esta fotógrafa porque me parece inquietante y divertida. En este caso no me haré las fotos a mí misma, sino que he escogido a dos modelos.


Obras de la autora


Proyecto fotogrรกfico


Trabajo de investigacion  
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