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#86 EDITORIAL DIRECCIÓN DE CONTACTO NECROMANCE MAGAZINE Apdo. de Correos 66 38320 La Cuesta - Tenerife - España digitalmag@necromance.eu

DIRECTOR David Déniz Plaza

EDITOR | REDACCIÓN | PUBLICIDAD David Déniz Plaza

MAQUETACIÓN | DISEÑO David Déniz Plaza

COLABORADORES EN ESTE NÚMERO Alicia Castaño, Antonio Pardo, Ataegina Moon, Carlos Bermejo, Cesar Luis Morales, Daniel Gallar, Jesús Muñoz Caballero, José Pozas Milla, Juan Angel Martos, Luis Martínez, Robin RM, Scheitan

PORTADA Jax Diaries

CONTENIDO | ÍNDICE SECCIONES REGULARES 08 EDITORIAL 10 RECOPILACIÓN DIGITAL 30 REVIEWS (NOVEDADES)

ENTREVISTAS 14 CLIMBING HUMANS 16 DEMONIAC 18 DERIVA 22 HELEVEN 24 EMPIRE OF DISEASE 26 JAX DIARIES 26 IRONWILL

BANDA PORTADA (JAX DIARIES)

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Volumen 59

CONTENIDO 01. JAX DIARTIES (ITA) WHEN I TUEN I SEE THE FUTURE AUTOEDITADO - SELF FINANCED

Álbum: Riverside Motel (2021)

02. DERIVA (ESP) LAS BRUMAS DE AYER NOOIRAX PRODUCCIONES

Ep: Haiku II (2021)

03. HELEVEN (ESP) BROKEN ART GATES RECORDS

Álbum: Into The Oceans (2021)

04. EMPIRE OF DISEASE (ESP) PANIC AND PAIN WORM HOLE DEATH

Álbum: With All My Hate (2021)

05. IRONWILL (ITA) BREAKOUT AUTOEDITADO - SELF FINANCED

Álbum: Breakout (2021)

06. WHEN WAVES COLLIDE (ITA) THE FALLEN ANTIGONY RECORDS

Álbum: Chasm (2021)

07. OUTMAYR (ITA) FIGHT FIRE WITH FIRE AUTOEDITADO - SELF FINANCED

Single: Fight Fire With Fire (2021)

08. ABOSLUTE (ITA) SIX FEET UNDER INDELIRIUM RECORDS

Ep: Unwavering (2020)

NECROMANCEDIGITALMAGAZINE.BANDCAMP.COM


CLIMBING HUMANS

PRIMER EP Y YA SE PONEN LAS MIRAS BIEN ALTAS, “COELUM”, EL CIELO. ASÍ SE LAS GASTAN LOS CHICOS DE CLIMBING HUMANS, ¿QUÉ ES LO PRIMERO QUE VAMOS A HACER? – SE DIJERON: PUES UN EP ENLAZADO, AL QUE VAN A CONTINUAR OTROS DOS A LO LARGO DE ESTE AÑO. Y OYE, COMO QUIEN DICE, ACABAN DE LLEGAR; PERO, A TENOR DE LO ESCUCHADO, HAN VENIDO A APORREAR LAS PUERTAS DEL CIELO Y ES MUY PROBABLE QUE LAS ECHEN ABAJO. A LOS HECHOS, Y A SU MÚSICA, ME REMITO. Buenos días, buenas tardes y buenas noches, gentes de CLIMBING HUMANS. Parece que vamos saliendo y se va viendo la luz al final del túnel, pero ¿qué tal estáis todos y como os ha afectado el tema pandemia? ¿Todo bien? R: Muy buenas. Muchas gracias de antemano por esta entrevista. Ya se va viendo la luz, gracias a dios. Y sí, estamos bien, aunque toda esta situación nos ha afectado anímicamente como a casi todos. Al final , en los momentos más restrictivos, donde apenas podíamos vernos y compartir tiempo entre nosotros y con amigos, se hacía duro. Somos seres sociables y como tal anhelamos el contacto de nuestros seres queridos. Para los recién llegados, ¿Quiénes son CLIMBING HUMANS? De vuestros orígenes, de vuestras influencias, de dónde sale el nombre de la banda… R: Climbing Humans somos un grupo de amigos que decidieron dar un paso adelante y formalizar y profesionalizar una banda. Tenemos influencias de metal clásico como Metallica , Iron Maiden, Pantera, pero también de metal moderno como Inflames, Parkway Drive, Trivium… y una larga lista. No solo nos influencia bandas de metal, también otras como Muse, por ejemplo. El nombre de la banda fue a votación entre los miembros. Consideramos que era el mejor por la dualidad de “humanos escaladores” , referenciando 14 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 86

como el humano es el único ser capaz de trascender sus propios límites y desventajas, pero también se puede entender como “ escalando humanos”, significando los humanos que escalan humanos en esta sociedad para posicionarse en un sistema de dominancia. ¿Cómo ha sido este último año y medio en vuestra vida como músicos? ¿De tener cosas compuestas y estar en casa encerrados y con ganas de compartir un local de ensayo? ¿Llamadas interminables, transferencia de archivos, descargar, escuchar, volver a enviar y así todo el día, o ya ha sido en tiempos de menos restricciones? R: Pues ha sido un poco de todo. Hemos podido quedar y componer o trabajar de forma conjunta, pero también nos vimos en la necesidad de componer por un lado, grabar y enviar segmentos o canciones, llamadas de discord, reuniones en persona , reuniones por videollamadas… No os voy a preguntar por vuestro sonido, para unos será MetalCore, para otros MeloDeath… Música Disco no es, eso ya lo he comprobado yo, pero… ¿qué habéis buscado para llegar a ese sonido tan crujiente? ¿Influencias y libertad creativa, ante todo, antes que centraros en una tendencia

musical? R: Realmente lo que más solemos escuchar en términos generales, es metalcore. Es un estilo donde nos sentimos agusto. Sin embargo no pretendemos hacer este estilo, no pretendemos hacer ningún estilo en concreto. Trabajamos bases de metal enfocadas a emociones y dinámicas concretas. Sin importar mucho si es más un estilo u otro. Solo nos enfocamos en qué nos transmite lo que creamos y si está bien enfocado. Por el sonido , solo queremos que suene todo en su medida y de la forma más cercana al oído del público. Resulta que por lo que ando leyendo por ahí, este primer “Coelum” tiene una hilazón: el camino, el ser inquebrantable, la fe, la caída… Sé que, obviamente, la lírica es muy personal y lo que uno escriba puede ser interpretado de una manera muy distinta por otra persona que lea el mismo texto. ¿Qué nos podéis contar de, precisamente eso: de “The Way”, “Unbreakable”, “Faith” y “The Fall”? R: Son temas que están contando una historia lineal. Un personaje que vive y experimenta la realidad de determinada forma y qué sucede con esta visión o paradigma, llegando a “the fall”. En todos estemos temas surge de forma sutil la idea de la virtud como herramienta para alcanzar el cielo, pero como una mala


comprensión de estas pueden llevarte a otro lugar. De todas formas poco a poco iremos descubriendo esto de forma explicita mediante nuestras rrss. Y resulta que hay, al parecer, dos EP’s en camino. A lo mejor me equivoco, pero ¿puedo pensar que esos dos EP’s ya están compuestos, escritos y grabados? ¿O, por el contrario, teníais el concepto global y ahora estáis trabajando en ellos? R: Tenemos varias cosas hechas ya y concretadas, otras solo son un concepto que aún hay que dar forma. Ahora mismo podría decirte que un 50% de cada. En cualquiera de los dos casos, ¿por qué no haber esperado un poco y haber sacado un primer larga duración (más) matador, como el EP? R: Es complejo esto pero trataré de ser breve. Actualmente podemos observar que la tendencia es consumir de forma rápida un producto. Aunque a la larga este sea más extenso. Por ejemplo las series de TV. Ahora se consumen mucho más por que es una fórmula que te permite dejar de consumirlo antes ( a cada capítulo) Sabiendo que la tendencia es esta decidimos crear este triple Ep para que la gente no se viese abrumada con 12 15 o 16 temas; tienes 4 que apenas son unos 20 min. Y en un tiempo llegaran otros 4 o 5 canciones. La gente puede escucharlos enteros o por “fascículos”, además con cada temática de Ep. Aun así, me parece una maniobra arriesgada; arriesgada, pero original, osada e innovadora. Me recuerda a Charles Dickens: algunas de sus más grandes obras, como “Grandes esperanzas” u “Oliver Twist”, fueron publicadas por entregas y posteriormente, reimprimidas como libros. ¿Algún proyecto así en el futuro? R: Efectivamente, crear un producto fácil de consumir pero con un historia troncal en todo ello. Así puedes escuchar cada pieza de forma individual o escuchar toda la obra como un todo, y que no por ello puedas tener una buen experiencia. Veo también que habéis participado en la edición on-line del Vampire Fest. ¿Qué tal fue la experiencia? ¿Es el futuro de la música? R: La experiencia muy buena y sana, sobre todo en esos momentos más restrictivos para nosotros. Aprendimos mucho y estamos super agradecidos por esa oportunidad tan bonita. El futuro… personalmente no me gusta pensar en “el futuro”. La realidad es que es ,ahora, una gran herramienta que no se debe pasar por alto por nadie. Disco fundamental en vuestra existencia, aquel que os cambió la perspectiva, ese que no envejece. Por otra parte, disco con el que estáis enganchados ahora y que no podéis dejar de escuchar y, por último, un disco inconfesable. R: Hay muchos. Horizons de PwD, A Night At The Opera de Queen, Shogun de Trivium… Ahora unos estamos enganchados al I ,The Mask the In flames… y por disco inconfesable, exogenesis de Muse. Por último, daros las gracias por vuestro tiempo, bienvenidos a las puertas del cielo que deseo derribéis a golpe de música y micrófono abierto para vosotros. R: Muchisimas gracias a vosotros. Cesar Luis Morales


DEMONIAC

QUERIDOS LECTORES DE NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE, UNO DE LOS MEJORES TRABAJOS DEL PASADO 2020 FUE EL SEGUNDO ELEPÉ DE LOS CHILENOS DEMONIAC. NUESTRO COMPAÑERO JESÚS MUÑOZ, NO HACE MUCHO LE REALIZÓ RESEÑA AL SUSODICHO TRABAJO Y QUEDÓ TAN ASOMBRADO, QUE NO SE PENSÓ NI UN SEGUNDO EN PONERSE EN CONTACTO CON ELLOS PARA ACRIBILLARLOS A PREGUNTAS. Saludos. Antes de decir ni una sola palabra más, necesito daros las gracias no solo por prestaros a contestar esta entrevista, sino por haber creado semejante discazo. Ahora bien, con vuestro permiso, ¿qué os parece si comenzamos? Muchas gracias por tus palabras y gracias también por el espacio!. ¿Cómo y cuándo se formó la banda? Demoniac se formó el año 2011 en Limache (V región), pueblo donde vivíamos los 4 miembros de la banda. Al comienzo, yo (Vic.Ente – bajo) con Dir. cut (Batería) teníamos 16 – 17 años y queríamos hacer una banda, en esos tiempos el Thrash era el estilo que más nos gustaba y que aún estábamos descubriendo y explorando, asique este estilo era de forma natural lo que buscábamos ejecutar como banda. Dir. Cut tenía un primo de nuestra misma edad que tocaba guitarra, así fue como Young se integró a la banda, por otro lado, se integraría Heavier Mortiz (guitarra/voces) que venía de otros proyectos de metal que no llegarían a ningún puerto. Ya con los 4 integrantes y tras varios intentos de nombre fallidos finalmente nace Demoniac. Como te mencioné, en esos años el Thrash Metal era el estilo que más nos gustaba y era un mundo que estábamos descubriendo, al menos los más jóvenes de la banda, 16 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 86

pero todos éramos bastante inexpertos en muchos ámbitos, lo único que queríamos era tocar metal y pasarlo bien. Metiéndonos ya en vuestra nueva obra llamada «So It Goes», ¿qué nos podéis contar sobre las sesiones de grabación? Las sesiones de grabación de “So It Goes” comenzaron con la grabación de las baterías en un estudio aquí en Limache. Grabamos todas las baterías solamente en un día cosa que fue bastante agotador sobre todo considerando que había una canción de 20 minutos de duración. Luego de grabar las baterías y trabajarlas un poco, comenzamos a grabar las cuerdas de manera paralela tanto las guitarras como el bajo, esto comenzó aproximadamente un mes después de grabar las baterías y tomo un poco más de un mes en tener todas las canciones grabadas con sus respectivas cuerdas. Después procedimos con lo que eran las voces, ahí participamos varias personas para poder hacer los coros, incluso tuvimos algunos invitados para poder lograr el efecto de coros que buscábamos. Finalmente se grabaron los vientos juntos con los solos de guitarra. Creo que lo más difícil de grabar en este disco fue la batería, proceso que suele ser más engorroso que grabar guitarras o bajos, sin embargo no tuvimos ma-

yores contratiempos a la hora de grabar. ¿Cuál es vuestro método compositivo? El método compositivo que tenemos tiene varias capas y vueltas. En primer lugar es Heavier Mortiz quien es el compositor principal en Demoniac. Él llega con los temas armados y entre todos los pulimos o hacemos cualquier cambio que encontremos pertinentes, luego cada uno tiene libertad a la hora de trabajar las líneas de su propio instrumento y hacer los arreglos en las líneas de bajo, batería o guitarra. Generalmente las canciones sufren varios cambios desde su versión original hasta la definitiva que se graba, se experimenta con diferentes ideas, se prueban diferentes líneas de voces, etc. Es todo un proceso de ensayo y error más que nada hasta que sentimos que el tema ya está en un buen nivel. Es por esto que generalmente hacemos un proceso de preproducción del disco donde se hacen maquetas de las canciones para así poder escucharlas y procesarlas y saber donde hay que modificar ideas y que otras ideas debemos mantener. ¿Quién se encargó del artwork? El encargado del arte fue Bastián Velázquez, quien también ha trabajado con otras bandas como Ripper, Critical Defiance y Deathsvn, entre otras. Quedamos


Metal, Rock Progresivo, Punk, Heavy Metal y cualquier sonoridad que evoque violencia.

muy conformes con su trabajo! ¿Habéis quedado completamente satisfechos con el resultado final? Si, estamos satisfechos con el resultado final de So It Goes, creemos que esta producción es superior, al menos en temas técnicos, a su antecesor “Intemperance”. A nosotros nos gusta hacer muchas de las cosas por nuestra cuenta a la hora de trabajar un disco y eso requiere mucho aprendizaje, para cada disco que hemos grabado hemos aplicado todo el conocimiento que tenemos en el momento y cada vez se aprenden más cosas. Creemos que para So It Goes logramos plasmar bien todo nuestro conocimiento para lograr un buen resultado pero siempre hay cosas que se pueden hacer aún mejor o con mejores estándares, asique si bien estamos satisfechos con el resultado, sabemos que un próximo trabajo puede ser incluso mejor, la idea es nunca dar un paso atrás. ¿Cuáles son vuestras principales influencias musicales? Principalmente nuestra influencia es el Metal Underground y en gran parte nos influenciamos por bandas de la escena Chilena. También hay influencia por parte de las clásicas leyendas del Metal como Kreator, Sepultura, Sabbat, como también por bandas actuales como Antichrist por mencionar una. En líneas generales nos influenciamos por el Thrash Metal, Black

Tanto en «Extraviado» como en «So It Goes» habéis incluido instrumentos de viento. ¿De quién fue la idea de hacerlo y quien se encarga de tocarlos? Entre los años de “Intemperance” y “So It Goes” conocimos bandas más diferentes y escuchamos más de otros géneros como el Rock progresivo, esto coincidió con que Young adquirió un Clarinete y comenzó a llevarlo a los ensayos de la banda para ver si salía algo interesante. Así se dio Extraviado, se experimentó con eso, nos gustó la idea y decidimos mantenerlo, el resto fue básicamente pulir las ideas y hacerlas calzar con el sello de Demoniac. Era una movida arriesgada porque sabemos que hay gente muy tradicionalista en el metal y al escuchar un clarinete o una canción lenta podrían rápidamente clasificarlo como algo negativo, para nuestra sorpresa “Extraviado” es uno de los temas que a la gente más le ha gustado, siempre supimos que llamaría la atención y para nuestro bien, la respuesta generalmente ha sido positivo. Así mismo decidimos utilizar el clarinete en un segmento de la canción So It Goes, aunque aquí la intención era diferente ya que originalmente donde se escucha el clarinete iban unas líneas vocales, pero sentimos que podíamos crear una atmosfera más adecuada utilizando el clarinete. En lo que va de año, ¿qué trabajos discográficos os han llamado más la atención? Obsolete – Animate//Isolate Hallux Valgus – Reflections of Distant Dreams Phantasmagore – Insurrection or Submission Eso por ahora. Falta mucho por escuchar aún. ¿Qué canción de «So It Goes» representa mejor lo que es DEMONIAC en la actualidad? La canción homónima creo que es la que representa mejor a Demoniac. Es una canción larga donde cada

instrumento tiene su momento para brillar y que tiene momentos rápidos y violentos como también experimentales y más atmosféricos. Creo que la canción So It Goes es una buena carta de presentación de la banda ya que muestra cada aspecto que ofrecemos como banda. ¿Qué diferencias creéis que existen entre «Intemperance» de 2017 y «So It Goes»? Desde un aspecto técnico, So It Goes esta hecho de mejor manera, se grabó con mejores equipos, se le hizo un mucho mayor trabajo de pre producción y maqueteo de las canciones antes de entrar al proceso de producción en sí. La mezcla y máster que se les hizo fue mucho más profesional esta vez, todo eso se traduce en un mejor sonido. Desde el punto de vista creativo, creo que con Intemperance hicimos el disco Thrash metal que queríamos, mientras que con So It Goes nos dimos un poco más de libertades y corrimos más riesgos al incluir elementos pocos comunes como el clarinete o una canción de 20 minutos, sin embargo la columna vertebral es la misma para ambos discos: Thrash Metal violento! Para finalizar, ¿qué le diríais a los lectores de Necromance Digital Magazine que aún no os conocen para animarlos a que os den la oportunidad que merecéis? So It Goes ha sido considerado como uno de los mejores discos Thrash Metal de los últimos años, incluso llamado como “Obra maestra” por diferentes sitios. Ha sido catalogado como Thrash Metal, Black Thrash Metal, Technical Thrash Metal, Neo-Clasical Thrash Metal, Jazz Thrash Metal, etc. Dale una escuchada al disco y descubre como sonamos por ti mismo!

Jesús Muñoz Caballero NUM. 86 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 17


DERIVA

LOS DUENDES DE INTERNET EVITARON LA PUBLICACIÓN DE LA ENTREVISTA DEL CUARTETO DERIVA TRAS EL LANZAMIENTO DE “HAIKU I” EN LAS PÁGINAS DE NECROMANCE. PERO LO BUENO SE HACE ESPERAR, Y AHORA, TRAS LA PUBLICACIÓN RECIENTE DE “HAIKU II”, LOS CAMBIOS DE FORMACIÓN Y LA INMINENTE VUELTA A LOS ESCENARIOS LLEGA EL MOMENTO PARA QUE ESTE INCLASIFICABLE GRUPAZO TENGA SU MERECIDO ESPACIO EN NUESTRA REVISTA. POR ALGO SON UNO DE LOS MÁXIMOS EXPONENTES DEL METAL/ROCK INSTRUMENTAL DE NUESTRO PAÍS… Buenas Javier, ¿o Muñi? ¿o Muñón? Jeje, bienvenido a Necromance por fin. Buenas, encantado de estar aquí las veces que haga falta. Mejor Muñi. Javier lo tengo demasiado relacionado con cosas negativas, como que me echen la bronca o algo así y Muñón o Mun0n lo reservo para el internet. Que tiempos vivimos eh jajajaja. Actualízanos brevemente qué pasa en Deriva desde que ganáis el Villa de Bilbao y tenéis previsto el lanzamiento de “Haiku II” hasta que el mundo se fue a la mierda. Más bien diría, qué NO ha pasado. Desde el Villa de Bilbao, mil cosas. Empezamos a tocar fuera, Barcelona, Guadalajara, teníamos preparada la entrada a estudio de Haiku II, otro par de conciertos en Albacete, Logroño y la presentación de Haiku II en Moby Dick. Eso era todo lo que había pensado por lo menos hasta junio de 2020. Luego…efectivamente todo se fue a la mierda. Pero diría que hemos podido salvar todos los baches que hemos ido encontrando con la mejor actitud posible. :-). 18 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 86

”Haiku II” lleva ya unos tres meses en el mercado. ¿Exitazo no? ¿Cómo valoras la acogida? Desde mi punto de vista personal, estoy más que satisfecho. La respuesta de los medios y de la gente ha sido increíble. El feedback que he estado recibiendo es muy bueno y encima a todos los niveles, tanto a nivel musical, como a nivel artístico, etc. Aunque no me gusta la palabra que voy a elegir, hemos creado un «producto» que llama la atención y que llega a la audiencia de muchas maneras. En conclusión, estoy contentísimo. Aprovechasteis para ir lanzando los diferentes temas, dando su importancia a cada uno de ellos también a nivel audiovisual adaptándoos a esta nueva forma de consumo. ¿Cómo surgió la idea? ¿Ya teníais planeado con anterioridad publicar también ambos Haikus juntos? No recuerdo justamente el momento, pero es algo que llevábamos hablando mucho tiempo. Nuestras composiciones, como puedes imaginar, son costosas. Tanto en tiempo como en ideas y en arreglos. Tarda-

mos mucho en decidir qué es lo que más nos gusta y en perfeccionarlo, lo cual nos impide estar sacando un disco cada año. Y claro, en el mundo actual si estás un año sin sacar nada nuevo, has desaparecido, incluso tres meses es demasiado tiempo. Así que pensamos en este formato y nos gustó mucho la idea. Sacar esos tres primeros temas, formato digital, ver un poco la respuesta, movernos un poco y después volver a ponerle el broche a todo, creando el cierre a esa historia que habíamos creado en Haiku I. Y qué mejor manera de hacerlo que sacando 3 temas nuevos y todo en formato físico. Entrando en el concepto, como buen apasionado de lo sensorial, la técnica y la espiritualidad nipona, ¿consideras haber conseguido transmitir todo lo que teníais en mente con los Haikus?¿Donde y cómo surge la idea de tirar por una temática tan poética, compleja y elaborada? Rotundamente sí. Es algo que en un principio no tenía tan claro. No sabía si íbamos a poder condensar toda esa sensación de paz, de ese sentimiento bucólico que puede expresarse en un Haiku, pero creo que mediante los enlaces, las partes melódicas de nuestros temas.. gracias a todo eso, en algunas ocasiones sí que me veo transportado a otro lugar dentro de mi cabeza. Si hemos conseguido hacer eso en alguna otra mente, para mi ya hemos triunfado. La idea surgió por parte de Yago, le apasiona mucho esta cultura y la verdad que es un apasionado también de la poesía. Así


conseguimos condensar en estos versos, el mensaje que queríamos transmitir con nuestra música. Toundra, Jardín de la Croix o El Altar del Holocausto son otras de las bandas nacionales de ese metal instrumental del que tanto se habla. Antes de entrar en lo meramente sonoro, ¿crees que la ausencia de vocalista “os obliga” a elaborar más de lo normal el concepto o a aportar un valor añadido en lo audiovisual? Diría que obligar es una palabra muy fuerte. Más bien, da pie a ello. Hay muchas maneras de entender la música y bien es cierto que muchas personas ven en la música instrumental, algo vacío. O en lo progresivo, algo complejo, que se sale de la estructura verso estribillo verso estribillo. Pero no porque no estemos dentro de ese juego, estamos obligados a que nuestra parte visual sea mayor. Ahora que en la actualidad, la música sigue estando ahí, pero si viene acompañada de elementos visuales impactantes o bonitos, siempre va a ser mejor recibida. Me repito siempre hablando de esto, pero vivimos en un planeta actualmente sobreestimulado y si no te mega estimulan, no le vas a dar importancia a nada, por lo tanto cuanto más puedas cuidar tu ‘marca’, mejor. Desde luego que a mi, que una banda tenga un vocalista, no me da mejor o peor impresión. Entiendo que un vocalista es un instrumento más, y si va acorde con la música, me gustará y si no…pues no.

En cuanto a la sonoridad y las famosas etiquetas, lo que más me llama la atención de “Haiku”, además de la sutileza, es que veo que ha gustado desde a poperos hasta peña más extrema, detalle poco común en post* o instrumental. ¿Qué opinas sobre esto y a que crees que es debido? ¿Como autoetiquetas a Deriva? Opino que el reflejo de lo que me estás diciendo es el reflejo de lo que somos nosotros. Y me encanta jejeje. No voy a decir que soy un popero, porque no es cierto. Pero escucho, para mi desgracia de sobrecarga mental, música de muchos tipos (no voy a decir de todos porque el K-pop me supera). Y eso les pasa al resto de integrantes de DERIVA, y como consecuencia se ve reflejado en la música que hacemos y sencillamente es algo genial. Siempre que tengo que etiquetar a DERIVA, lo pongo en el saco del post-rock o el post-metal instrumental, para que se me pueda entender de alguna manera. Pero para mi sinceramente, compartimos muchas cosas con esos géneros, pero tenemos muchos ingredientes de emo (no emocore), flamenco, math…que no podría englobar dentro del post rock/ metal. El progresivo es otro de los géneros que os podría describir. ¿Qué opinas de esa fama de género que mira por encima del hombro y un tanto sectario? Entiendo perfectamente esta etiqueta también. Y si la entiendo es porque he vivido etapas de nuestras composiciones en las que nos ponemos en plan ‘progresivo’. Personalmente a mi no es un género que me guste en exceso, pero si le tengo respeto por el grado de complejidad y la gran habilidad que se necesita para poder tocar ese tipo de composiciones. Y hablando de sectarismo, cada género siempre tiene sus fanboys, seguro que hay mucha gente que solo le mola el progresivo, pero seguro que hay otro montón que se abre a muchas más cosas, y en la variedad está el gusto. 🙂

Personalmente vuestro debut me ganó desde el primer momento y “Delta Waves” forma parte de mi banda sonora. ¿Qué diferencias/mejoras dirías que hay con respecto a este en “Haiku”?¿Como valoras vuestra evolución entre los dos trabajos? Me alegra escuchar que eres parte de nuestro equipo desde el día uno. La verdad que las diferencias entre nuestro primer EP y ‘Haiku’ están centradas sobre todo en la madurez que alcanza la banda. Lo hemos hablado muchas veces, que DERIVA, nació como un proyecto sin ningún tipo de pretensión, sin ningún tipo de destino, ni expectativa ni meta. Eso se nota mucho en todo lo relacionado con nuestro primer EP, las composiciones muchas veces son un poco caos y en ciertas ocasiones pecan de simples o de extremadamente complicadas. Creo que en ‘Haiku’ hemos limado esos detalles y hemos creado mucho más orden dentro de nuestras locuras. Personalmente siempre que escucho alguno de nuestros temas viejos, añoro un poco algunos detalles más limpios o más pasajes largos de esos que te hacen viajar lejos y que ahora en Haiku hemos recortado un poco. Pero también cuando me encuentro con el sonido y el mensaje que me dan los temas de Haiku, se me ponen los pelos de punta. Volviendo al presente, tristemente Álvaro y Yago, la base rítmica de la banda hasta ahora, ya no forman parte del grupo. ¿Qué motivos desencadenan estas salidas tan importantes? Básicamente los motivos de ambos son los mismos. DERIVA ya no les llenaba de la misma manera que antes. Es algo natural, las personas cambian y evolucionan y nadie está libre de esto. Algo en lo que pones toda tu pasión un día, puede que después de mucho tiempo, pues ya no sea tan básico en tu vida y puedas vivir sin ello. Tanto para Minchy como para mi, han sido momentos duros, Yago y Alvaro son amigos antes que integrantes que DERIVA, y el simple hecho de no verNUM. 86 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 19


les semanalmente en los ensayos y nuestras bromas y tal, ya se nota y se echa en falta. Ahora bueno, tiramos más de whatsapp y de vernos cuando podemos. Desde luego que todo lo que hemos vivido juntos se nos quedará siempre en la cabeza y desde luego que nuestros mejores deseos en sus nuevos proyectos. Hablemos de las incorporaciones. ¿Cómo ha encajado Rory en la banda y que creeis que va a aportar? ¿Y vuestra incorporación más reciente?, Javi al bajo. ¿Fue duro el casting teniendo en cuenta vuestra complejidad técnica? Pues por partes. Rory vino como caído del cielo. Aparece en Madrid, recién llegado de Denver. Y con el objetivo de hacer toda su vida aquí, en medio de toda la pandemia. Y bueno, damos con él, hacemos la prueba y la verdad que fue un SUPER MATCH, como dirían en tinder. Es increíble lo simpático, abierto y lo bien que ha conectado con nosotros. Y esto es un punto importante dado que siempre hemos valorado, a parte de la calidad técnica y musical , el buen rollo que hemos tenido siempre dentro de la banda. Rory, tiene tantas cosas que aportar, sabe tocar muchos instrumentos de percusión, tiene conocimientos de composición y encima un sentido musical excelente. Gran fichaje sin duda. Y luego, el segundo milagro. Aparece Javi, un poco con la misma historia que Rory. Se instala en Madrid por trabajo y viene con muchas ganas de formar un proyecto musical. Nos encontramos y otro flechazo. Un tipo super majo, que ha estado tocando con los Montañeros de Kentucky, allí en Leon. Muchas tablas y encima que toca el bajo…que a mi me deja loco siempre que le escucho. En conclusión, no hemos podido tener más suerte. Este año no echamos la lotería porque no nos toca. Hablando de las pruebas de ambos…poco que decir, les pedimos tres temas y con los dos los tocamos del tirón a la primera. Nosotros boquiabiertos claro….increíbles. ¿Ya estáis trabajando en algo nuevo juntos? ¿O Minchi y tu ya teníais algo sobre lo que seguir trabajando? Ya habíamos creado algunos temas nuevos y en breve nos pondremos en ello muy seriamente para poder compartirlos con el mundo lo más pronto posible. Tenemos muchas ganas de ver que sale de este nuevo DERIVA. ¿Qué tal la relación con Minchi por cierto?. Veo cero egos, os lo podríais creer más jeje. Háblanos brevemente de vuestra formación musical, vuestra metodología y vuestro crecimiento juntos. Pues que decirte. Son muchísimos años ya juntos, tanto en lo personal, como en la música. Siempre hemos congeniado muy bien, se puede decir que jugamos en la misma liga mental, tanto para lo bueno como para lo malo. También hemos tenido nuestros roces y también nos hemos apoyado en los peores momentos. Y seguimos en la misma dinámica. Muchas ganas de seguir adelante. Hablando de egos, la verdad es algo que nunca me he planteado. Considero que es una persona que tiene un sentido musical extraordinario y tiene todo mi respeto como músico, dado que me parece un verdadero portento (madre mia, ni que fuese su abuela). Luego aunque en gustos musicales somos bastante dispares, siempre con algunas cosas en común, es cierto que cuando creamos música juntos, siempre me deja inspirarle. Yo siempre se lo digo, que muchas veces me siento su musa, jajaja. Le suelto un par de acordes, con una progresión que me gusta y luego él ya le aporta los detalles de calidad. Desde mi punto de vista, es una manera muy guay de hacer música y no me aburre para nada. Espero que cuando lea 20 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 86

esto, diga que está de acuerdo. En lo personal. Pues que decirte, le tengo un gran aprecio y no me quiero poner mas sentimental, por favor jajajaja Siguiendo con la actualidad, 16.06, vuelta a los escenarios después del apocalipsis… Mil emociones imagino. Háblanos del evento. Muchísimas claro. Volvemos a tocar después de 18 meses. el 50% de la banda es nueva. Tenemos temas que nunca hemos tocado en directo. Estoy escribiendo esto, cuando estamos casi sold-out. No tiene cosas negativas aun. Me emociona ver a gente escuchando nuestra música de nuevo, aun con todas las pegas que tiene ahora que es verlos…amarrados a las sillas y con mascarilla. Pero creo que lo van a disfrutar y te puedo asegurar que nosotros también. Además acompañaremos a Bloom que estos chavales le están dando muy duro ya desde el principio. ¿Cómo habéis planteado el concierto?¿Es una prueba o vais a tope como siempre? Los conciertos no son como antes y hay mucha gente que sigue desconfiando. Va a ser raro ver a la peña sentada… El ambiente aún es complicado para volver a los conciertos épicos de antes. Cierto es que no vamos a poder ver a la gente vibrar como siempre, y que hay parte de eso que nos vamos a tener que imaginar, pero nosotros vamos a estar a tope. Son muchas ganas contenidas y tocar en directo siempre descarga muchísima adrenalina. Realmente tenemos muchas muchas ganas. Es verdad que tampoco vamos a realizar la presentación del nuevo Haiku II, es algo que reservamos para un poco más adelante, pero pensamos que es una buena ocasión para volver a calentar motores y presentar a Javi y a Rory. Me consta que estáis recibiendo mucho cariño y apoyo de Nooirax, esa discográfica cuyo rooster asemejo a la filmografía de Lynch y que me tiene ganado con bandas como Bones of Minerva, Back to R´lyeh y vosotros. ¿Cómo nace la relación? ¿Podríais estar en mejor sitio? ¿Qué tal con Álex, el jefazo? Bueno, que puedo contar de Alejandro. Nuestra relación nació en 2017 en Cantabria. Nos invitaron a tocar en el Satanfest, que organizaban en Santander en Rock Beer the new. Era nuestro tercer concierto. Fuimos allí, porque nos invitó el organizador que nos había escuchado en bandcamp y le habíamos mola-

do. Nosotros no conocíamos a nadie. Y nos vemos en un festival con Bones of Minerva y Doble Capa. Nosotros dimos nuestro concierto y cuando bajamos del escenario (bien sudados, para variar), apareció Alex. Después de toda la noche hablando y compartir un bungalow del que nos tuvo que abrir la puerta a las 7 am, nos dijo que sacáramos el disco con él y de ahí hasta ahora. Ya se ha convertido en el quinto Deriva, siempre apoyándonos, echándonos un cable, guiándonos por donde debemos ir, aportando experiencia cuando estamos perdidos. La verdad que otra vez la suerte nos llamó a la puerta. Sinceramente no podríamos estar en mejor sitio. Hora de quitarse las máscaras (de Hannya en este caso jeje). ¿Qué banda mainstream escuchas en secreto y a cuál no soportas?. Jejeje no me cuesta quitarme la mascara la verdad. Banda mainstream…es que de que genero, porque te diría que he escuchado mucho mainstream. He escuchado C Tangana y me mola, de hecho más el de antes que el de ahora. He escuchado Rosalía y me mola, Dua Lipa, me mola, billie eilish tiene temas muy guays. No soporto a Rauw Alejandro por ejemplo, que está DEMASIADO de moda ahora mismo. Soñar es gratis. ¿Cómo sería un espectáculo de Deriva sin límites de presupuesto? Se me abren los ojos mucho. Tendríamos una pantalla enorme con visuales muy guapos, muchísimas luces que estarían programadas según los momentos y lo que pida la canción que estemos tocando. Humo por todos lados (a Minchy le flipa el humo). Y tampoco soy una persona ambiciosa, no pediría mas. Pero si puedo seguir pidiendo, también estaría bien algo rollo cuarteto de cuerda o algo de orquestación, en algunos momentos, les vendría bien a las canciones. Ya hemos probado con un violín y fue muy top. Un placer Muñi. Despídete como quieras de los lectores de Necromance. Pues un saludo para todos vosotros, seguid por aquí apoyando a las nuevas bandas y nunca cerréis puertas a la música. Y también a medios como Necromance que nos dan voz. Un saludo y cuidarse mucho. Muchas gracias, un abrazo y buena suerte. Scheitan


HELEVEN

HABÍA ESCUCHADO LOS PRIMEROS SINGLES DE ESTE “INTO THE OCEANS” Y ME HABÍAN MARAVILLADO. DE HECHO, LE MANDÉ UN MENSAJE A HIGINIO POR FACEBOOK FELICITÁNDOLO POR EL TRABAJO. PERO HABERME METIDO DE LLENO EN EL ANÁLISIS DEL ÁLBUM COMPLETO, HA SIDO TODA UNA EXPERIENCIA. HELEVEN PUBLICARON EN 2019 EL CONCEPTUAL “MEDUSA’S LOVE STORY” Y, ESTE AÑO, SU SEGUNDO DISCO. MISMA BANDA, PERO UN SONIDO MÁS EVOLUCIONADO, MÁS MADURO… SI AQUEL FUE UNO DE LOS ÁLBUMES DE 2019, ÉSTE LO ES PARA EL 2021 Y, POR LO QUE A MÍ RESPECTA, DE LA DÉCADA. Buenos días, buenas tardes y buenas noches, buenas gentes de HELEVEN. La primera pregunta obligada por los tiempos que corren: ¿todo bien con respecto al Bicho? ¿Algún afectado entre vosotros o en vuestro círculo? Álvaro: Afortunadamente, no nos ha afectado mucho. De nosotros el único que lo ha pasado fue Kike (y por suerte, de forma leve), y justo se lo diagnosticaron a la salida del disco, por lo que lo pasó peor por ese motivo. Por lo demás, la salud nos ha respetado bastante, tanto a nosotros como a nuestros seres más cercanos. Kike: Hay que decir que Matías ha sido el mayor perjudicado, ya que su trabajo es tocar en directo, y por desgracia, como todos sabemos, este mundo se ha parado casi por completo. Contadnos un poco que pasó después de la publicación del “Medusa”: aceptación, críticas, conciertos, planes… Higinio: Pues “Medusa’s Love Story” tuvo una muy buena acogida por parte de la prensa, medios y del público en general. Es cierto que para nosotros fue un “Hey! Mirad, somos un grupo nuevo de metal, y este es nuestro primer trabajo!”; básicamente, nuestra carta de presentación; Y aunque gustó mucho, la mayoría de reseñas terminaban con algo como “ habrá que ver si consiguen mantener el nivel…” Y en parte no les faltaba razón… Hoy en día aparecen nuevos grupos casi a diario, y por desgracia, desaparecen también… Así 22 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 86

que era, “vale, estáis guay, pero tenéis que demostrar más”. Mati: Con eso en mente nos embarcamos en la gira junto a Headon y recorrimos la península hasta que el covid nos dejó. Ahí nos descubrimos y forjamos realmente como banda, y nos revelamos como algo novedoso a gente que no nos conocía y que ahora nos apoya incondicionalmente.

Queríamos que realmente todas las canciones fueran independientes. Pero, poco a poco todo se fue centrando en temas de salud mental como la depresión, la ansiedad… y al final se estructuró de tal modo que podría relatar un viaje, desde que alguien se encuentra mal, nota esa asfixia, ese malestar, ese corazón acelerado… hasta la aceptación y superación de ese problema.

Y de repente, marzo 2020, se cierra todo y la vida, tal como la conocíamos hasta entonces, desaparece. ¿Es ese punto en el cual se empieza a gestar “Into the Oceans”? Kike: Exacto, todo se cierra. De hecho tuvimos que suspender un concierto ese mismo viernes, en el día que todo empezó a precipitarse… y después de eso, uno tras otro… Por suerte, pudimos defender “Medusa” en la mayoría de sitios que teníamos planeados de la gira. Fue en toda esa vorágine de viajes en furgo, autocaravana o apretados en coche, cuando empezó a gestarse este “Into The Oceans”. Hablábamos y nos imaginábamos cómo podría ser lo que queríamos transmitir con el segundo trabajo.

Mucho, mucho se ha hablado sobre el tema de la salud mental y, en efecto, como comentáis en vuestra propia página, la ansiedad, la depresión, son problemas que están ahí y que, de alguna manera, siguen siendo tabú. Mati: Es que la gente se niega a hablar de ello, tanto por una falsa sensación de vergüenza (el típico “que dirán”) como por negación de lo que ocurre. Y ese es el peor error que se puede cometer. No es algo que alguien busque deliberadamente. Ocurre. Se acepta y se combate (con toda la “artillería” que sea necesaria).

“Medusa” era un álbum conceptual sobre aquella historia de la Medusa que se enamora de una de sus víctimas. ¿Qué nos podéis contar sobre “Into the Oceans”? Álvaro: Pues en un principio no queríamos que fuese otro disco conceptual, al menos de la manera clásica.

Algo está cambiando gracias a gente como vosotros. Hace poco leí “Hambre” de Toni Mejías, MC de LOS CHIKOS DEL MAÍZ, donde aborda el tema de la anorexia masculina. ¿Cuán importante es que el músico, que puede ser un gran referente social, se involucre en dar visibilidad a determinados males de nuestro tiempo? Higinio: Los artistas en general, y músicos en particular, tenemos mucha más importancia que la mera


función de diversión social. Me niego a considerarnos y encasillarnos en un mero entretenimiento. No reniego de esa función, que es evidente que se tiene, pero todos tenemos en mente libros, discos o canciones, series, películas, obras de teatro que han supuesto un antes y un después para cada uno: bien sea por que esa obra te ha cambiado, bien sea porque estabas pasando por un bache y te ha ayudado a superarlo… Volviendo al “Into the Oceans”, ¿una historia más real y más dura que en “Medusa”? ¿De dónde ha salido la inspiración: experiencias personales, casos cercanos? Mati: Como he comentado antes Kike, todo empezó a gestarse durante los viajes de la gira… Que la verdad, supusieron casi una pequeña terapia de grupo, y nos dimos cuenta que la mayoría había tenido algún episodio de este tipo… Higinio: Si, yo llevaba unos años con trastornos de ansiedad… pero no les prestaba atención, y cada vez iban a más, y peores… el humor empezó a cambiarme, siempre estaba enfadado, alterado… de ahí, pasé a no poder dormir y a estar triste, desanimado sin ningún motivo aparente… Hubo un par de episodios que ya me alarmaron y tuve el valor de decirlo a mis seres más cercanos y buscar ayuda médica profesional. Tras un año de terapia y medicación, ya he vuelto a ser la persona que siempre he sido… Y ya llevo casi un añito y medio en el que mi vida ha vuelto a ser normal. ¡Así que se podría decir que es casi autobiográfico! La estructura del disco nos da bastantes pistas: hay un “Broken” (roto), hay un “Down” (caído, hacia abajo) y hacia el final, un “Rise again”, un álzate de nuevo. Explayaos, explayaos… Higinio: ¡Jajajaja, ya te has dado bastante cuenta de por dónde van los tiros! ¡No todo el mundo lo pilla, así que enhorabuena!. Pues el disco empieza con los episodios de ansiedad “Escape Room”, que van cada vez a más con “Into The Oceans”, de ahí pasamos a la fase de culpa con “Lesson Learned”. “The Wings I Need To Fly” desemboca en “Broken”, donde se toca fondo. Con “Mistakes” y “Down” quisimos plasmar la fase de aceptación de los errores que se han cometido y el derecho que tenemos a sentirnos y a estar mal, que parece que todo el mundo en las RRSS tiene una vida perfecta y demás… Cambiamos con “Promised Land” que nos lleva al “acto final” donde quieres salir de ahí, resurgir de nuevo, para finalizar con “The Hurricane” en el que por fín, vences a ese huracán, aunque sabes que puede volver… pero la próxima vez ya sabes cómo combatirlo y lo aguantas. Así que a pesar de ser mucho más duro, más crudo, el mensaje que quiere dejar es muy esperanzador. Kike: ¿No dirás que no se ha explayado bien eh? Jajajajaja ¿Y de dónde sale la fuerza para alzarse de nuevo? Higinio: Ostras… muy buena pregunta… En mi caso, saqué la fuerza pensando en el futuro. Siempre he querido ser un ejemplo para mis dos hijos (niña y niño), intento educarlos desde lo que hago, desde lo que soy, no desde lo que digo solamente… Entonces me di cuenta que así no podría seguir siendo el ejemplo, el modelo de persona en el que quiero que se fijen… Y por supuesto, además del apoyo y comprensión de la familia, el apoyo y ayuda de mis compañeros fue crucial. Ambos discos son grandes obras y existe una continuidad estilística, pero ¿es este “Oceans” un disco de renacimiento, de reinvención, de reafirmación? Álvaro: Muchísimas gracias, pero no creo que lo po-

damos considerar como renacimiento. Quizás pueda tener más dosis de reafirmación que de reinvención, pero desde luego, navega entre esas dos aguas. Para nosotros era muy importante hacer un trabajo que despejara dudas, que no hemos sido un grupo de un solo disco, y que ese primer “Medusa” no fue un golpe suerte… al contrario, fue la primera piedra, sólo presentó el inicio, y que ya empieza lo más divertido. Higinio: Nosotros pensamos que “Medusa” fue el primer disco de Heleven, pero este “Into The Oceans” es el primer disco Heleven. A lo largo de este último año, de otras entrevistas a otros músicos y otras bandas, ¿y ahora qué? ¿Seguir haciendo música es una locura, una terquedad o una forma de vida? Mati: Está claro que es un combo de las tres. Desde luego es una locura prácticamente desde todos los puntos de vista que lo mires: familiar, económico… e incluso, salud. Pero una vez entras, una vez que te pica ese gusanillo… no hay vuelta atrás… y por “terquedad” se convierte en una forma de vida que puede hacer que mueras con las botas puestas antes que rendirte. Álvaro: Lo más importante es que, a pesar de todas las dificultades, esto nos hace felices, y al fin y al cabo, no hay cosa más importante ¿no? Proyectos para 2021-2022, ¿nos veremos en algún concierto en vivo, o será ya todo por streaming? Kike: El streaming por ahora no lo contemplamos de nuevo, también porque el horizonte parece que se despeja, y poco a poco iremos confirmando algunas fechas a partir de este otoño si la cosa no cambia drásticamente. Así que, con suerte, podremos estar sobre los escenarios antes de lo que pensamos. Por último, daros las gracias de nuevo por “Into the

oceans”. Micrófono abierto para vosotros. Higinio: ¡Muchísimas gracias a ti! Siempre es un placer poder tener una conversación tan interesante contigo! Álvaro: Nos encantaría daros las gracias a ti y a todo Necromance (y a todos los medios en general) por el gran trabajo que hacéis dándonos voz a tantas bandas. Sois uno de los eslabones más importantes de la cadena. ¡Gracias! Mati: Y por supuesto no nos queremos despedir sin agradecer también a todo el público que ha acogido tan estupéndamente. La verdad es que nos ha sorprendido y no tenemos palabras para demostrarles nuestro agradecimiento. Esperamos volver pronto a los escenarios y agradecerles todo su apoyo desde ahí, que es la mejor manera que sabemos. Kike: Por último, me gustaría recordar lo importante que es para las bandas, hoy día, un pequeño gesto como es un click. Por desgracia, para el mundo no existes o eres irrelevante si no tienes una cantidad de seguidores en redes sociales… así que os animamos a que apoyéis a los grupos que os gustan de ese modo. Así que os dejo los sitios dónde nos podéis encontrar y apoyar desde ahí: www.heleven.es https://open.spotify.com/ artist/7LhqXxqENaCYbdQQhfJ6ND https://www.youtube.com/channel/UCgTalmexQq4ZOxc3h5vb-Sg https://www.facebook.com/Helevenband https://www.instagram.com/helevenband/ Cesar Luis Morales


EMPIRE OF DISEASE “WITH ALL MY HATE”, ES EL NOMBRE DEL NUEVO TRABAJO DE EMPIRE OF DISEASE, BANDA DE MELODIC DEATH METAL DESDE BILBAO, UN PRIMER LARGA DURACIÓN, EN EL QUE DEMUESTRAN QUE AÚN LES QUEDA MUCHO POR ENSEÑARNOS. DESDE NECROMANCE MAGAZINE NOS PUSIMOS EN CONTACTO CON ELLOS PARA CONOCER UN POCO MÁS Y VER LO QUE NOS DEPARA EL FUTURO MÁS CERCANO. Primero de todo daros las gracias por atender a esta entrevista, desde que nacisteis en 2015 y tras vuestro EP debut, “Silence Is Violence” ¿Quiénes forman EMPIRE OF DISEASE? ¿Cómo surgió la idea de formar la banda? E.O.D desde 2018 lo formamos Gorka Díez, Iban Hernando, Ander Baz, Pintxo Wayewta y Sergio Godoy. La idea de formar la banda surge de Sergio e Iban en 2015, que es cuando nace el proyecto bajo el nombre de Nightmare within. Pero tras varios cambios de músicos desde entonces no es hasta 2018 que se llega a una formación estable la actual, y ya se queda como Empire of Disease. “With All My Hate”, es vuestro álbum debut, si hablamos de larga duración, en el que dais un paso adelante en cuanto a sonido y calidad, ¿Cómo ha ido gestándose este álbum? ¿Fue durante la pandemia? ¿Cómo ha evolucionado vuestro sonido desde aquel EP, en el que contabais con otra formación? ¿Y sobre vuestras influencias? Bueno, llevábamos trabajando en este álbum desde poco antes de la pandemia, pero sí, durante la pandemia fue donde le dimos varias vueltas de tuerca a los temas y al no haber conciertos nos centramos al 100% en las canciones del disco y lo que conlleva sacarlo. Si comparamos este álbum con el EP, aunque sólo se lleven dos años de diferencia, se nota que hay un cambio a mejor en lo que a producción se refiere, ya que el EP lo grabamos y producimos todo nosotros. Evidentemente el hecho de haber grabado en un estu24 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 86

dio profesional se nota, pero la verdad es que las composiciones de este álbum son más elaboradas. Nos propusimos probar técnicas diferentes, dar un salto en relación al anterior trabajo, sabemos que no estamos creando nada nuevo, pero nuestra intención con este trabajo es defender nuestra identidad de banda y explotarla al máximo. La gente que nos conozca escuchará el disco y pensará: «¡Joder, suena más a Empire que nunca!» y quien nos escuche por primera vez sabrá que defendemos una propuesta y una identidad de banda muy personal, al menos esa es nuestra intención. Decir que la formación es la misma en los dos trabajos. En cuanto a las influencias, decir que son muy variadas entre nosotros, nos gusta el metal en todas sus variantes, no nos cerramos a ningún estilo en concreto, en este disco se pueden ver influencias desde el metalcore, thrash, death melódico o incluso black metal. En este trabajo encontramos temas de melodic death metal, aunque otros tienen toques más actuales e incluso en los momentos finales del álbum, dais un golpe sobre la mesa con dos auténticos temazos “Dead Or Alive” y “God Ends Here” con unos samples / orquestaciones que la elevan a otro nivel ¿Cómo surgió esta idea? ¿Cómo definiríais vuestro trabajo musical? Nuestro objetivo siempre ha sido hacer canciones con personalidad pero sin perder la fuerza y la rabia que desprende el metal extremo, haciendo una mez-

cla de varios géneros y así conseguir el sonido Empire. En este álbum hemos dado un paso más en nuestro sonido, queríamos explotarlo al máximo sin perder la esencia. En cuanto a la orquestación, si escucharas «God ends here» sin los samples notarías que le falta algo. En ese sentido, la orquestación no sólo complementa a la canción, si no que le añade una textura nueva muy guay que ahora parece inherente a este tema. Ni más ni menos, no queríamos añadir nada superfluo a todos los temas sólo porque sí. Creemos que los samples están donde están porque así lo piden las composiciones. Vuestro artwork guarda una estética modernista, la primera vez que la vi, me pareció de un grupo thrash (del que también empleáis pequeños guiños musicales) o metalcore ¿Habladnos un poco de la temática del álbum y del significado de vuestro artwork? Y, por cierto, ¿Quién lo ha realizado? Utilizar la figura del médico de la peste era casi obligatorio, es una figura que nos ha acompañado desde que decidimos el nombre y que hemos utilizado en varias ocasiones, no podía faltar en un trabajo tan personal. Tuvimos varias ideas a la hora de plasmarlo pero al final nos quedamos con que fuese una especie de monstruo alabado por su poder destructivo. Hablando del estilo, creemos que apoya esta intención narrativa, pero la razón principal por la que lo planteamos así fue por el impacto visual y el dinamismo que permite una ilustración. Los colores chillones, la potencia en el trazo, la versatilidad que tiene la ilustración vectorial, ese carácter modernista del que hablas… Son características que van en consonancia con las composiciones de este álbum. Ah! La ilustración la hizo nuestro bajista, pero durante el proceso todos le fuimos ayudando y aportando ideas.


Creado en Chromaticity Studios (Bilbao) donde habéis mezclado y masterizado con Pedro J. Monge y obteniendo un sonido brutal, en limpieza y definición ¿Habladnos un poco de cómo ha sido este proceso de grabación? ¿también lo habéis grabado allí? ¿alguna anécdota que nos puedas contar, ya que siempre hay alguna? Antes de entrar al estudio grabamos las demos, iba todo muy trillado. El proceso fue muy rápido, más de lo que esperábamos, como hemos dicho antes estaba todo muy trabajado. Todo el proceso se hizo en el estudio, grabamos las demos antes pero para tener unas guías que nos facilitasen el trabajo, tanto a nosotros como a la gente del estudio. Anécdotas jajajj hay algunas, ahora mismo que recordemos a la hora de grabar unos solos se jodió el puente de la guitarra o el primer día de grabación de la voz, pues la voz no terminaba de arrancar y hubieron unas horas perdidas ahí jajaja, y algunas más hay. Si tuviera que elegir algunos temas para que me hablaras de ellos, me quedaría sin lugar a dudas con “To Be Reborn Among Ruins”, “Dead Or Alive” y “God Ends Here” ¿Qué historia guarda en su interior cada uno de estos temas? ¿Cuál ha sido el más difícil de componer? Pues To be reborn among ruins, fue creado en un momento crítico de la vida y en la que necesitas descargar toda esa rabia y dolor que posees, que mejor manera que una canción cañera y con mala hostia. Dead or alive sale de cuando tocas fondo y parece que ya no sientes nada de lo que pasa a tu alrededor, como si no tuvieses sentimientos te haces preguntas sin hayar respuesta. Todos hemos pasado o nos hemos sentido así en algún momento en la vida y así surgió este tema. God ends here, es una crítica a todas las atrocidades

que se han hecho en el mundo durante siglos en nombre de un dios o una religión, creemos que la religión(sea cuál sea) son de los mayores cánceres para el mundo. Más difícil de componer igual God ends here, ya que ese tema era al principio una pequeña idea que no iba a ir a ningún lado, al final decidimos crearlo y liarnos con el tema de la orquestación y conseguir un tema diferente a los anteriores que habíamos hecho hasta entonces. Parece que poco a poco se va viendo la luz en esta pandemia y cada vez son más las bandas que pueden realizar directos, aunque eso sí con las medidas pertinentes ¿Qué planes de futuro tenéis a corto y largo plazo? Ahora mismo a largo y corto plazo el objetivo es el mismo, tocar y tocar. Nos gustaría cerrar el años con dos o tres conciertos, y ya estamos más metidos en el 2022 cerrando fechas y cuantas más mejor. Para abrir este mundo a nuevas bandas, ¿qué nuevas formaciones nos podríais recomendar escuchar? ¿Cuáles son vuestros últimos álbumes que habéis adquirido? Pues os recomendamos a Frakture, hacen un Thrash Death a la vieja escuela muy curioso o Aesthetic,

black death sinfónico muy cañero además hemos compartido tablas con las dos bandas y muy buena gente. Nuestras últimas adquisiciones han sido, Into zero de Rise to fall, la demo de Frakture, o el Straight to hell de Vhaldemar, son discos de hace un tiempo pero no disponíamos de ellos. También hace poco hubo una feria del disco aquí en Bilbao y pillamos algunos clásicos que nos faltaban en nuestra colección. Un placer poder hablar con vosotros, desde Necromance Magazine, las últimas palabras son vuestras. Lo primero agradecer a todo el equipo de Necromance por invitarnos a esta entrevista es todo un placer. Saludar a todos los lectores y os invitamos a visitar nuestras redes sociales y seguir nuestra actividad. Y esperamos volver a vernos pronto por los conciertos. Stay Metal. Juan Angel Martos

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JAX DIARIES

«RIVERSIDE MOTEL» DE LOS ITALIANOS JAX DIARIES SE NOS PRESENTA COMO UNA INTERESANTE PROPUESTA MUSICAL DONDE SE MEZCLAN ELEMENTOS DEL ROCK, LA MÚSICA ALTERNATIVA, EL METAL DE CORTE MODERNO… Y DE TODO ESTO NOS HABLAN EN ESTA ENTREVISTA… Hola Jax Diaries !!, ¿De dónde sóis y quiénes son los miembros de la banda? Hola chicos, gracias por invitarnos, somos Jax Diaries de Turín (Italia) y la banda está compuesta por Jax en la voz, Andrew Asso en la guitarra y Frankie Sad Eyes en el bajo. Vuestro álbum debut «Riverside Motel» fue lanzado el 14 de mayo de 2021, ¿cómo ha sido la reacción al álbum hasta ahora?, cuéntanos un poco más sobre el título del mismo y el contenido lírico detrás de este lanzamiento… Sí, lo dijiste bien. El álbum se lanzó recientemente en todas las plataformas digitales del mundo y debemos decir que estamos bastante contentos por la reacción de la gente. Teníamos muchas opiniones diferentes sobre el álbum, pero si hay algo que entendimos es que la gente recibió el mensaje alto y claro y están apreciando el hecho de que realmente no nos estamos metiendo en un estilo único y que el álbum en sí te ofrece muchos tipos diferentes de sonidos. La letra es clave en este proyecto , con cada canción contamos una historia, y cada historia tiene su propia narración, si tiene sentido. ¿Puedes darnos más detalles sobre este álbum debut? El álbum fue escrito bajo circunstancias extrañas, tenemos que decirlo. Veníamos de un accidente de bicicleta de Jax donde casi pierde la pierna izquierda. Nos mantuvimos fuertes, nos agarramos con fuerza y​​ encontramos la fuerza para escribir y componer nueva música entre el Hospital y el estudio de Andrew en Turín. Una vez que Jax regresó a casa del hospital, ya teníamos muchas cosas de las que hablar, conceptos, palabras y sentimientos que queríamos y necesitábamos expresar a través de nuestra música. Eso fue lo que paso. Este álbum es mágico y con “mágico” queremos decir que sucedieron cosas extrañas durante el proceso de grabación. Teníamos señales y cosas extrañas que nos sucedían a los tres a diario. Llámalo paranormal, llámalo como quieras, pero esas cosas sucedieron y tenemos las pruebas. El resultado es un álbum «honestamente brutal» como «Riverside Motel», el objetivo principal del álbum es mostrar a la gente el verdadero poder de la «visualización».

necesitamos hablar para entendernos. ¿En qué crees que sois diferentes de otras bandas? ¿Quién / qué influye en vuestra música? No creemos que lo hagamos, pero, de alguna manera, estamos seguros. En primer lugar, escribimos, producimos y registramos todo nosotros mismos; cada video que grabamos es el resultado de horas de visualización en las que nos encerramos en una habitación y hacemos una lluvia de ideas tan fuerte que al final de esta sesión salimos con un video que realmente tiene sentido y se ajusta a la canción de la mejor manera posible. Hemos tenido la suerte de trabajar con «Kane Churko» (Cory Marks, Five finger death punch, y muchos otros) para este en lo que respecta a la parte de masterización del álbum y tenemos que decir que nos ayudó mucho a encontrar el sonido que tenemos hoy. Tenemos un equipo de trabajo All-American, desde la gerencia, hasta el PR, hasta la agencia de reservas y estamos súper agradecidos con todas las personas que trabajan con / para nosotros. Este álbum encaja perfectamente entre «Orden y creatividad», y eso es lo único que sabemos con certeza. En realidad, no nos centramos demasiado en los «competidores», hacemos lo nuestro y tratamos de hacerlo de la mejor manera posible. Algunas bandas afirman que el marketing es tan importante para una banda como la música en sí. ¿Qué piensas sobre eso? El marketing es más importante que la música. ¿Cuántas bandas con canciones «promedio buenas» se volvieron GRANDES solo por el marketing y la promoción adecuados? Muchas y lo tomamos en cuenta y no lo descuidamos. Si crees en ti mismo, debes ser capaz de hacer todo lo que esté a tu alcance para darle a tu producto la máxima exposición. Y eso es lo que estamos tratando de hacer.

¿Cuánto tiempo duró todo el proceso de escritura y grabación del álbum? Nos llevó 9 meses. ¿Te recuerda algo más que lleva alrededor de 9 meses? Sufrimos, luchamos, sonreímos, reímos durante las grabaciones y no nos arrepentimos de nada de lo que hicimos durante todo el proceso. Este álbum es lo que somos y estamos muy orgullosos de él. Creamos un vínculo muy fuerte entre nosotros tres y el álbum es solo el resultado directo de él.

¿Cómo ha afectado la reciente pandemia a la banda? ¿Os ha impedido actuar en directo? os habéis centrado en escribir más … ¿Crees que alguna vez terminará y qué es lo que realmente extrañas antes de que se apoderara de la vida en general? El mundo cambió, eso es cierto, pero tenemos un enfoque muy extraño al respecto. Eso no necesariamente nos golpeó de mala manera. El mundo se detuvo, eso es cierto, pero un año después el «Rock ‘n roll» es Made in Italy desde que «Maneskin» ganó el festival de Eurovisión, y muchas otras cosas han cambiado y sentimos que era el momento adecuado para lanzar nuestro primer LP. Estamos bastante seguros de que todo volverá a la normalidad más temprano que tarde y podremos abrazar a nuestros fans nuevamente, pasar tiempo con ellos, tomar fotos y disfrutar de la música en vivo como lo hicimos una vez.

¿Quién escribe principalmente las canciones y de qué se tratan? Todos escribimos prácticamente la misma cantidad de música y somos un complemento perfecto entre nosotros. Conocemos nuestros talentos y nos conocemos tan profundamente que, a veces, ni siquiera

Hablando de eso, ¿cuáles son tus planes para la banda? Nos gusta mantenernos ocupados a nosotros mismos y a nuestros fans, por eso publicamos constantemente nuevos videos y, en general, material nuevo para todas las personas que nos siguen. Siempre es-

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tamos escribiendo cosas nuevas y ensayando, así que estaremos listos cuando llegue el momento. ¿Qué podemos esperar, excepto un nuevo álbum, más en 2021? Definitivamente lanzaremos más videos de “Riverside Motel” e intentaremos recorrer el mundo una vez que vuelva a abrir. ¿Cuál es tu consejo para otras bandas de metal jóvenes que comienzan? Cree en ti mismo y no pongas el nombre de tu banda en un tipo específico de música. Pensar fuera de un solo estilo. ¿Algo que te gustaría agregar para terminar la entrevista? Bueno, en primer lugar, gracias por invitarnos, realmente no damos estas cosas por sentado y estamos muy agradecidos por la oportunidad. Si quieres encontrarnos en las redes sociales tenemos: una cuenta de Instagram @jaxdiariesofficial, una cuenta de Youtube donde subimos todos esos videos cinematográficos “Jax Diaries oficial”, tenemos la página de Facebook Facebook.com/JaxDiaries y tenemos un sitio web adecuado www.jaxdiaries.com y, por último, pero no menos importante, puede encontrarnos en Spotify simplemente buscando «Jax Diaries». Un gran «Gracias» para todas las personas que leen esto, gracias por su tiempo, gracias por darnos una oportunidad. Nos vemos en el camino. David Déniz Plaza


IRONWILL

PRESENTAMOS A TRAVÉS DE ESTA ENTREVISTA A LOS ITALIANOS IRONWILL, QUE NOS HABLAN EN ESTA ENTREVISTA DE SU RECIENTE ÁLBUM «BREAKOUT», UN TRABAJO DONDE BRILLAN POR SU SONIDO PEGADIZO Y POTENTE, QUE MEZCLA ELEMENTOS DEL HEAVY METAL, EL METAL MODERNO… ¡¡¡Hola gente!!! Bienvenido a la revista Necromance, es un placer entrevistaros. ¿Como estáis? Hola David, hola lectores de Necromance. Estamos muy orgullosos de estar aquí en esta maravillosa revista de música y muchas gracias por todo. ¿A quién se le ocurrió la idea de unir fuerzas en Ironwill? Bueno, el proyecto nació en 2018 a partir de una iniciativa de Salvo «Ironwill» Dell’Arte. Para apoyar la parte musical del proyecto, Ironwill cuenta con la participación de músicos de alto calibre que comparten el espíritu del proyecto. La banda forma parte de un amplio caleidoscopio en el que intervienen todas las formas artísticas: música, fotografía, vídeo, cómics, ilustra28 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 86

ción y obras de arte. El objetivo de IRONWILL es reunir a los mejores artistas que sean capaces de expresar, a través de sus emociones, la importancia de los temas tratados en cada fase del proyecto. Vuestro proyecto es un ejemplo interesante de un concepto completo, con una versión extendida de lo que es música: con elementos visuales y artísticos. ¿Puedes explicarnos tu idea de la música, tu idea de ser músico y, por último, pero no menos importante, qué es Ironwill para ti? Bueno, creemos que la música rock y otras formas de arte son la mejor manera de comunicarse con las personas, especialmente los jóvenes y adolescentes, la luz del alma que todos necesitan en el camino de la

evolución de sus vidas. El arte es parte de la vida y es la mejor manera de ayudarnos a dar un verdadero significado a nuestro viaje en esta Tierra. Como músico, siento que tengo que transmitir a los posibles oyentes música y contenido que pueda ayudarlos a reflexionar sobre la evolución de la vida y deseo transmitir las herramientas que he experimentado para el crecimiento del alma. Ironwill es el instrumento de la libertad que me permite explorar cada rincón escondido de mi ser humano. No sé cuánta vida me queda y quiero honrarla hasta el final, navegando los mares de mis pensamientos; Ironwill es el barco que me permite navegar. Vuestro nuevo álbum «Breakout» fue lanzado hace unas semanas. ¿Qué puedes contarnos sobre la


historia que estás contando con esta nueva colección de canciones? Me gusta definir a Ironwill como una banda de rock psicológico; no solo musica. Después del primer álbum conceptual en 2019 dedicado a la batalla contra el bullying, sentí la necesidad de abordar los problemas de la evolución del alma, que siempre ocurre a través del dolor y los errores. Podemos pensar que el mismo personaje que dio a luz al primer álbum ahora está evolucionando y contando todos los diferentes pasos de este viaje. Básicamente, se trata de cuestiones que todo ser humano tiene que afrontar para avanzar hacia la comprensión de la vida. Cada canción está unida por un hilo sutil que es la visión positiva de la evolución final. Los nuevos videos reflejarán la atmósfera de las canciones individuales como películas; nuestro director, el Sr. Luzzo, es uno de los mejores para nuestro proyecto. ¿Cómo debemos imaginar ese proceso de escritura y grabación? El proceso de escritura fue un verdadero viaje de libertad sin expectativas ni presión por los logros; fue como un viaje onírico. A menudo, tanto la música como las palabras surgían después de largas meditaciones o durante el sueño, el problema era recordarlas … El proceso de grabación fue como el trabajo de un pintor; color tras color, la pintura se realizó. Cada pista creó la textura de sonido de la canción, dando tonos musicales que a veces eran inesperados. Experimentamos con nuevos sonidos; no solo el sonido del metal, sino también las guitarras clásicas y acústicas, los sonidos limpios y los graves potentes y gruesos. Nuevos arreglos y orquestación que contribuyen a la atmósfera del tema en la letra. ¿La epidemia de la Covid ha cambiado su estilo de escritura como banda? ¿Cómo escribes normal-

mente las cosas? La pandemia de Corona no cambia demasiado; todas las canciones son creadas por Salvo “Ironwill” como estructura básica, luego procedemos a grabar todas las guitarras con una batería en borrador. Después de cualquier cambio, los otros miembros de la banda graban sus partes y, finalmente, las voces. ¿Qué te inspira para tus discos? ¿De dónde sacas tu inspiración? Musicalmente, las influencias son muy variadas. En este nuevo trabajo, el funky y el blues también encuentran su lugar en la libertad de composición. En cuanto a las letras, la inspiración viene de la vida y de las experiencias psicológicas que nos ha brindado el destino.

tante si quieres ser independiente? Sí, tengo un equipo increíble trabajando; En primer lugar, los miembros de la banda son la base real del equipo. Luego la gente del estudio de grabación HeavyTonesRecords son parte sustancial del resultado, no solo por las habilidades profesionales sino también por la contribución al proyecto. Para el proyecto visual debo mencionar en un primer momento al director de nuestros videos, el Sr. Luzzo, quien es capaz de dar historias a nuestra música. ¿Cómo describirías la relación entre la banda y tu audiencia? Me gusta creer en una relación total en la que el oyente pueda encontrarse en los mensajes que queremos transmitir. Una relación igual de intercambio de sensaciones y vibraciones. Creo que escuchas muchas cosas nuevas, así que la pregunta obvia es: ¿Cuál fue el último lanzamiento nuevo que realmente llamó tu atención? Bueno, llevo dos días escuchando el último single de Machine Gun Kelly “Love Race” y el nuevo disco de Helloween.

Si tuvieras que compararlo con tu álbum anterior, ¿hay algún cambio significativo en tu dirección musical? ¿Cuál era tu objetivo en términos de sonido? En el primer álbum conceptual «The Jonathan’s Journey» el sonido era realmente heavy metal; el bajista era Tony Franklin «the Fretless Monster» y su sonido es inmediatamente reconocible. “Breakout” marca un importante punto de inflexión en el cambio de sonido tanto en el uso de instrumentos como en la colaboración de tres cantantes: Riell que es la voz principal femenina, Sherrie Anne Grieve como voz lírica y, finalmente, Jareth Skullet potente voz masculina. Tres voces asombrosas tan diferentes proporcionan una paleta de sonidos muy amplia. Si necesitamos focalizar un objetivo, esto es explorar los límites de cada uno de nosotros.

¿Como escuchas musica? ¿Usas algo como Spotify o prefieres soporte físico? Amo el apoyo físico; es una especie de posesión fetichista, pero suelo escuchar música de Spotify o YouTube. ¡Es más fácil!

El nuevo álbum es autoeditado. ¿Tiene un equipo trabajando o es el único en cada lado de Ironwill? ¿Crees que tener un buen equipo es un paso impor-

David Déniz Plaza

¿Algo que le gustaría agregar para terminar la entrevista? Quiero agradecerles y agradecer a todos aquellos que escuchan nuestra música e intentan profundizar en los mensajes que se transmiten y que encuentran inspiración en nuestras experiencias para poder evolucionar. Síganos en Facebook https://www.facebook. com/ironwilltheband – Instagram https://www.instagram.com/ironwilltheband y suscríbete a nuestro canal de YouTube https://www.youtube.com/channel/ UC_O225KgUBcJBppDvUJiXYg

NUM. 86 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 29


REVIEWS BUSHIDO CODE (USA) THE RONIN UPSTATE RECORDS, 2021

Los americanos formados en 2017 BUSHIDO CODE sacaron al mercado el dieciséis de abril de este año, a través del sello Upstate Records y tras dos EPs anteriores, su larga duración debut, bajo el título “The Ronin”.

ANIME TORMENT (CZE) VOID TERROR SLOVAK METAL ARMY, 2021

Lo que me pasa con todas estas bandas de Deathcore es que no acabo de pillarles el gusto, pero no quiero que esto me influya a la hora de hacer esta reseña. Y es que el hecho de haber visto el nacimiento de este nuestro estilo extremo allá por los años noventa y haberlo vivido tan de lleno y haberlo disfrutado tanto, me crea el ligero complejo de compararlo con estas nuevas bandas que mezclan el Death Metal con rollos más Groove e incluso ‘hardcoreros’. Pero lo dicho, momentáneamente me dejo esos complejos a un lado y me pongo de pleno con ANIME TORMENT y este su último trabajo de estudio en forma de un EP de 6 temas con una duración algo superior a los 20 minutos. En este caso, si no fuera por unas voces bastante Groovy, el resto del material es puro y duro Death Metal tremendamente técnico, enrevesado y absoluta y brillantemente ejecutado, con una producción limpia, quizás demasiado para mi gusto, y unos musicazos detrás de todo demostrando sus ganas de hacer las cosas bien. Para que te hagas una idea, esto va del palo de bandas tipo DESPISED ICON, pero mezclado con cosas como THE BLACK DAHLIA MURDER o JOB FOR A COWBOY. Y se nota especialmente en esas mencionadas voces más estridentes y emocionales. El tipo de producción tan limpia me ha recordado a DYING FETUS (musicalmente también hay retazos de ellos…) y todo el conjunto es un muy apreciable Deathcore, especialmente si te quitas los complejos de encima o si eres un seguidor del estilo. Le he puesto un 6 porque me parece que la escena está demasiado saturada de bandas demasiado similares y que incluso se copian entre ellas con bastante descaro. Por añadir algo más de información, provienen de la República Checa y son cinco buenos músicos. Entiendo que si siguen en esta línea y tienen algo de suerte, puede sonar la flauta y conseguir algo más de atención por parte de algún sello grande. Tiempo al tiempo. ANTONIO PARDO 6/10

La banda practica una mezcla de Thrash Metal y Crossover potente salvaje y veloz, con mucho, muchísimo Hardcore, muy bien ejecutado y con excelente sonido conseguido en la grabación del mismo. La portada en total consonancia con la temática de la banda ha sido realizada por su guitarrista Derrick Voricci, la cual muestra claramente lo que nos ofrecen en este trabajo discográfico. El álbum consta de nueve cortes en casi treinta minutos de duración. El disco abre con “The Ronin”, que se inicia con unas líneas de guitarras melódicas para desembocar en un huracán de Thrash Metal agresivo y directo a la yugular sin piedad en casi cuatro minutos de auténtico vértigo. La siguiente pista “Aftermath”, nos enseñan su vertiente más Hardcore, con un corte pesado y machacón de gran factura. En “Stech of Cowards Rot” y “Relic of War” ya se empieza a atisbar las primeras partes Crossover, y nos dejan claro que han grabado un disco para divertirse y sobre todo para divertirnos a los oyentes, un disco fresco y desenfadado pero no por ello cargado de calidad, gracias en gran medida a los ritmos de batería de Rocco Legato, el cual hace un enorme trabajo en todo el álbum. A mitad del álbum se encuentra la pista “Prelude to Battle”, un corte instrumental, lento y atmosférico que sirve para coger el aliento necesario para encarar la segunda parte de este trabajo discográfico, no puede tener mejor título este tema. “1600” comienza más machacona y pesada que lo que llevamos oído, y asi discurre hasta el final con aura épica propiciado en gran medida por los coros que posee este corte para dar paso a “Harvest” que te estalla en la cara el Thrash/Crossover que tan excelentemente practica el quinteto de Pensilvania y Carolina del Norte en la que destaca unos riff creados para no dejar prisioneros. El disco cierra con los cortes “Loyalty” y “Benevolence” volvemos a la locura rítmica por la que nos lleva el combo, pero con una carga de Hardcore más evidente que en el resto de cortes, buenos cortes estos dos, sobre todo el último de ellos, que sirve para poner un broche de oro a un excelente trabajo discográfico. En resumen, puedo decir que me he llevado una grata sorpresa con esta banda de la cual desconocía su existencia, que nos ofrecen un Thrash/Hardcore/Crossover de alto octanaje, a pesar de mostrar una música desenfadada y sin corsés los temas están excelentemente trabajados, los amantes de este tipo de Metal estamos de enhorabuena, no deberías dejarlos escapar. CARLOS BERMEJO 8.5/10

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CAMBION (USA) CONFLAGRATE THE CELESTIAL REFUGIUM LAVADOME PRODUCTIONS, 2021

Lo único que no me gusta de esta banda con miembros provenientes de de El Paso, Texas y de Alemania, es el enorme parecido con mis idolatrados ANGELCORPSE. Si, amigos… son un puñetero clon. Pero quizás sea eso exactamente lo que me encanta de ellos, ya que soy un auténtico fan de la banda de Pete Helmkamp y Gene Palubicki. Y por si no sabes qué hacían ANGELCORPSE o lo que tocan CAMBION, pues es un aceleradisimo y salvaje Death Metal con ciertos toques Black y unas guitarras de vértigo, con un gran uso de tremolos y un paseo por las cuerdas a alta velocidad. El trabajo de las seis cuerdas es brutal, no paran en los poco más de 38 minutos que dura este disco debut. Otro punto fuerte es la batería de Chason Westmoreland, otra atronadora y salvaje sección con unas aceleraciones dignas de mención. Y por último, las voces, cortesía de R. O., que también se encarga del bajo, oscurecido un poco por el enorme trabajo de las guitarras. Las voces son también parecidas a las de Helmkamp, agresivas y potentes con una buena dósis de guturalidad e intensidad. No puedo añadir mucho más. Que si te va el rollo ANGELCORPSE o quizás algo los brasileños REBAELLIUN, esto puede hacerte disfrutar bastante. Eso sí, y como digo a menudo, no hay nada nuevo bajo el sol. ¿Copia? Si está tan bien hecho y ejecutado como CAMBION, merece la pena. Nada más.

añadimos un poquito de AT THE GATES o incluso antiguos IN FLAMES, yo creo que vamos refinando mucho en cuanto a estilo. Lo único que no me ha convencido, y siento decirlo, es la producción, pero teniendo en cuenta las circunstancias, queda perdonado y aun así el disco se disfruta. El sonido de batería me parece un poco cutre, lo siento, con unos dobles bombos que suenan bastante salchicheros. Por otra parte, el disco se hace un poco largo al final… entiendo que la banda está hambrienta y hay ganas de “grabarlo todo”, pero hoy en día “menos es más” y si hubieran dejado caer un par de temas el disco hubiera sido más ameno y fácil de digerir. ¿Temas? Todos gozan de un buen nivel. “Silence Within” tiene buenos blastbeats y momentos ultrathráshicos, con buenos bajos (muy presentes en la producción, bravo) y guitarras armonizadas muy buenas con memorables melodías. Estos tíos saben tocar. No hay duda. “Pale Imitation” y “Waves” comienzan con un tono sombrío y amenazante para luego pasar de lleno al thrash. Es un patrón que usan a veces – el empezar de forma inquietante para que luego se van pasando al thrash a modo “in crescendo”. Benneth Smith tiene una voz que pega bien tanto para el thrash que practican como el melodeath sueco. No es una voz espectacular y variada, para que se me entienda, pero cumple su labor. Temas como “Disparity” tienen esos toques melodeath que mencionaba, con buenos estribillos y solos la verdad de altísima calidad. ¡Sorprendente! A nivel de ejecución la verdad absolutamente nada que objetar, estos tíos son unos músicos de tomo y lomo, y evidentemente sabían lo que querían hacer. El nivel alcanzado no se obtiene por suerte… aquí hay muchísimo trabajo. Pues poco más que decir la verdad. CATHARTIC DEMISE quedan muy recomendados y yo creo que si siguen así pueden dan mucho que hablar en el futuro. Talento y buenas ideas no les faltan… juventud y ganas parece que tampoco. Ahora queda refinar un poco, mejorar la producción para el próximo trabajo y hacer que sea un poquito más centrado y al grano para lograr cautivar al máximo número de gente posible. ¡Enhorabuena chicos! DANIEL GALLAR 7.5/10

ANTONIO PARDO 7/10

CRYPTS OF DESPAIR (LIT) ALL LIGHT SWALLOWED

CATHARTIC DEMISE (CAN) IN ABSENCE AUTOEDITADO, 2021

Jovencísima banda proveniente de Ontario, Canadá, que nos brinda un álbum de debut que la verdad es que me ha sorprendido sobremanera. CATHARTIC DEMISE, formados en 2017, apuestan por un thrash prog/ técnico con algún toque melodeath y toques de shredding la verdad sorprendentes para una banda tan joven. Previo a este larga duración titulado “In Abscence”, que sale de forma independiente, los canadienses sacaron con anterioridad un EP autotitulado que por lo visto obtuvo una muy buena recepción en el underground. Centrémonos… si juntamos los toques más progresivos de los grandes del thrash y le

TRANSCENDING OBSCURITY RECORDS, 2021

Desde Lituania llega este oscuro y poderoso cuarteto que en este 2021 nos ofrece la continuación de su álbum “The Stench of the Earth” (2017).La propuesta de la banda esta enraizada en el oscuro y más mórbido Death Metal, que nos podemos echar a la cara, añadiendo influencias de otros géneros extremos como el Black o el Doom, para aportar variedad, pero siempre con una visión bastante personal cosa que me ha sorprendido y agradado. “All Light Swallowed” nos ofrece nueve canciones donde la banda ha logrado un excelente sonido, denso y contundente, algo que casa perfectamente con el estilo de la banda y añade un plus a la propuesta de esta banda. En estas nueve canciones destaca la obsesión de la banda por ofrecernos unos


riffs atronadores, acompañados de voces variadas pero todas ellas verdaderamente monstruosas, desde tonalidades oscuras y guturales, a otras más desgarradas y viscerales, siendo el trabajo realizado destacable en el conjunto global. La sección rítmica es incansable e insaciable, con velocidades variadas según la atmosfera que el tema requiera, desde velocidades desequilibrantes a otras donde se juega más con los medios tiempos o partes más lentas. Pero aunque ya anteriormente cité el trabajo de las guitarras, me gustaría destacar especialmente la excelente labor que nos encontramos en “All Light Swallowed”, riffs veloces donde la variación y las oscuras melodías están presentes en cada momento, añadiendo alguna que otra disonancia, otras veces doblando melodías o añadiendo variaciones según el trabajo de ambas guitarras, sin duda, temas monstruosos como “Anguished Exhale”, el más variado “Condemned to Life”, o los asfixiantes “Disgust” y “Excruciating Weight”. Únicamente obtemos algo de descanso el en tema instrumental final “Bleak View”, donde la oscuridad, misterio y sonidos siniestros creados nos terminan por transportar a los páramos donde la muerte reina. Temas todos ellos llenos de una ambientación infernal y asfixiante, que sin duda los seguidores del Death Metal más oscuro sabrán saborear y paladear, ya que nos encontramos ante uno de los mejores álbumes surgidos del estilo en lo que va de año. Gran álbum el que nos ofrece este cuarteto, música oscura y visceral, sin compasión para la melodía ni el descanso, brutalidad en cada segundo de su escucha que termina por asfixiarnos en esta oda a la oscuridad y la muerte.

trabajo de guitarras se sale por todos lados y acaba por dejar un auténtico temazo. Seguimos avanzando con “Among The Blind”, que baja las revoluciones para ofrecernos un tema más groovero, con un buen riff principal, y que nos lleva a “Shot At Dawn”, de inicio triste, delicado y que va jugando con diferentes cambios de ritmo a lo largo de su minutaje. No es un disco fácil de digerir este, son once temas y no son pocos los que superan los cinco o seis minutos de duración, por lo que se va a cerca de una hora, algo arriesgado en los tiempos que corren pero oye, si tienes cosas que decir, no te las guardes para ti. Acercándonos al final del álbum nos quedan “All I Have To Do”, uno de las más potentes del álbum, seguida de “Pride”, un batiburrillo de estilos, que nos dejan ante el corte ambicioso por excelencia del álbum, “Summon The Black”, que se va a casi diez minutos de tema dándonos un poco de todo y haciéndose ciertamente disfrutable. Finalmente, el álbum cierra con “Excess”, un tema oscuro en el que creo que el registro desgarrado de Wilsberg alcanza su mejor nivel y que deja un buen sabor de boca final a los amantes del Metal extremo. Estamos ante un debut con momentos interesantes aunque algo sobrecargado de cambios estilísticos que hacen que se pierda un poco. De todas formas, el disco va mejorando a medida que pasan los temas y ofrece algunos detalles bastante destacables. Al menos estamos ante una propuesta fresca y, de alguna forma, diferente, aunque le queden detalles por pulir. JOSE POZAS MILLA 6.75/10

LUIS MARTÍNEZ 9.5/10

DISOUT (POL) MIEN

DAWN AHEAD (DEU)

AUTOEDITADO, 2021

FALLEN ANTHEMS

Los polacos DISOUT son una nueva banda del llamado metal moderno con una gran influencia de la pesadez del groove metal y de elementos puramente rockeros. Todo esto se une en la atmósfera única de los temas y las letras que hablan de los nuevos retos del hombre moderno. Esta temática lírica inquietante pero conmovedora, combinada con los ritmos pesados ​​e hipnóticos, crean un efecto francamente escalofriante. La banda formada por Darek Dolny (voz), Jakub «Djenty» Kwieciński (guitarra), Jan Nowak (bajo) y Artur «Artie» Woźniak (batería) presentaron su álbum debut «Mien» el 8 de febrero, un álbum enérgico y altamente escuchable que contiene el 100% de sus emociones. Un poco más melódico que el abridor “Blindness”, continúa “Lullaby”. Es la primera melodía realmente pegadiza del disco con el estribillo fantásticamente cantado. DISOUT demuestra minuto tras minuto lo casual y fácil que pueden sonar sus temas si la química dentro de una banda es la correcta. El algo más tranquilo “Dissonance”, con un estribillo igualmente pegadizo, permite que la guitarra y el bajo vuelvan a hacer un trabajo perfecto. «Mien» termina con “Try to Convince Society”, un tema más pausado pero lleno de sentimiento que demuestra una vez más las cualidades compositivas que tiene la banda. No quiero escribir una reseña pista por pista

ART GATES RECORDS, 2021

Diez años de carrera han tenido que pasar los alemanes DAWN AHEAD para, por fin, ver publicado su primer LP de estudio. Un trabajo ecléctico, que parte del Thrash y el Speed Metal para irse al Death, el Hardcore o el Heavy tradicional, y que nos deja un álbum variado y dinámico, pero que a veces se pierde entre el intento de tanta virguería estilística. Este “Fallen Anthems” destaca por un enorme trabajo de guitarras, muy versátiles tanto en riffs como en solos dejando algunos momentos memorables. Luego está el trabajo de Christian Wilsberg a las voces, jugando con varios registros a lo largo del álbum pero al que creo que la producción final le ha dejado en mal lugar, a veces da la impresión de que los instrumentos van por un lado y él por el otro. Entrando en el tema a tema, tras la típica intro de tormenta y pasaje semiacústico nos recibe “State Of Mind”, un tema bastante orientado al Thrash Metal, con un notable trabajo instrumental pero al que creo que le sobran las voces guturales que aparecen esporádicamente. Le siguen Suffer, un poco en la línea anterior, y el tema título, “Anthem Of The Fallen”, que juguetea con un rollete Punk/Rock en algunos momentos muy llamativos, que nos dejan con la joyita del álbum, “I Command”, donde creo que el


aquí, sino más bien mostrar que «Mien» es un álbum muy variado y emocionante que siempre ofrece algo nuevo por descubrir. A pesar de toda la variedad y las diferentes influencias, «Mien» se ha convertido en un trabajo muy homogéneo. El que las nueve pistas difícilmente podrían ser más variadas se debe especialmente a la gran voz del cantante Darek Dolny que tiene la habilidad de cantar de manera muy variable y, por lo tanto, es capaz de resaltar los diferentes temas y hacer particulares melodías pegadizas con su canto que zumban en tu cabeza. Pero no sólo la voz de Darek te pone la piel de gallina, también hay riffs de guitarra sobresalientes y tambores aplastantes que se te quedan en la cabeza. “Mien” es un álbum que hace que el sol de junio brille un poco más y deja claro que estos 4 chicos tienen mucho que ofrecer musicalmente. ATAEGINA MOON 8.5/10

DODSFERD (GRC) SKOTOS TRANSCENDING OBSCURITY RECORDS, 2021

Transcending Obscurity Records nos trae el nuevo Ep de una leyenda griega dentro del black metal, DODSFERD que regresan más fuerte que nunca con “Skotos”. El combo formado por Wrath (voz y guitarra, además de miembro fundador de la banda allá por 2001) y N.D. (batería, recientemente incorporado), nos presentan dos canciones viscerales y repletas de un black metal primigenio, pero adaptado a los tiempos modernos, con un gran sonido y unas melodías apocalípticas. Además de los dos nuevos temas de los que hablaremos a continuación, incluyen el álbum de 2018 “Diseased Remnants Of A Dying World”, con un nuevo empaque digipack de 12 paneles en forma de cruz invertida. El Ep, se queda corto, muy corto, apenas 9 minutos de nuevo material, eso sí el conjunto con el álbum queda redondo. Pero DODSFERD han creado un nuevo sonido que los engrandece aun más, dos temas potentes y crudos, cargados de agresividad, pero a la vez enmascara unas melodías atmosféricas entre su black de alta alcurnia, tanto “Skotadi” como “Cursed To Die At First Light”, están hechas para los amantes del black metal, abriendo espectros de públicos que rehúyen de sonidos más underground y dejando las expectativas muy altas para su nuevo álbum, que esperemos no tarde mucho.

Desde Bilbao y a través de Worm Hole Death, nos llega el nuevo álbum de EMPIRE OF DISEASE bajo el nombre de “With All My Hate”, donde dan rienda suelta a un melodic death metal que lleva forjándose desde 2015. Pero fue a partir de 2018, cuando la banda adquirió la estabilidad necesaria, lanzando su EP debut “Silence Is Violence”, para ahora y tras haber aprovechado la pandemia entrar a Chromaticity Studios en Bilbao para mezclar y masterizar este segundo trabajo a manos de Pedro J. Monge. Y desde el comienzo con “Strange Saviors”, se nota la calidad tanto sonora como musical que presentan estos chicos en su álbum debut, con unas guitarras muy técnicas y con toques progresivos creadas por Gorka Diez y Sergio Godoy, la percusión bestial por Iban Hernando, que machaca cada una de tus neuronas, sino escucha “To Be Reborn Among Ruins”, con un doble bombo aplastante y unos cambios de ritmo diabólicos, en uno de mis preferidos del álbum, donde el death melódico toma su esplendor e incluso Pintxo Wayewta, va dejando pinceladas de su voz, grave y rasgada, obteniendo a veces tintes thrashers que encajan a la perfección, cerrando el conjunto el bajo de Ander Baz, que también tiene mucha presencia en cada uno de los temas conformando un bloque sónico, “Panic And Pain”, te dará la respuesta. “Wasted Your Time”, nos muestra otra cara de EMPIRE OF DISEASE , con un tema más clásico de death, que a estas alturas se agradece y le aporta versatilidad al álbum, con un estribillo un poco más épico donde doblan las voces con tonalidades más limpias. “A Breathing Chaos” y “With All My Hate”, aceleran de nuevo el álbum, guardando el primer corte un gran solo e incluso un giro distinto en la forma de cantar, sobre una base musical muy adictiva, aunque en este caso la voz se queda un poco atrás, pero recupera su status en el segundo corte, veloz y directo a la yugular, además de algún tinte de modernidad en las transiciones y las estrofas galopantes. Antes de cerrar con este trabajo, “Dead Or Alive”, eleva la calidad del trabajo, con donde resalta sin duda el trabajo de las guitarras y esa oscuridad modernista con la que engalanan la estructura musical, en otro temazo del álbum, al igual que el cierre, “God Ends Here”, donde las orquestaciones introducidas le dan un toque más allá, demostrándonos que aun son capaces de mucho más. JUAN ANGEL MARTOS 8/10

JUAN ANGEL MARTOS 8/10

EXTERMINATED (PHL) THE GENESIS OF GENOCIDE COMATOSE MUSIC, 2021

EMPIRE OF DISEASE (ESP) WITH ALL MY HATE WORM HOLE DEATH, 2021

En un mundo lleno de dolor, podredumbre, cuerpos masacrados y con olores insanos surge “The Genesis of Genocide” el álbum debut del dúo filipino EXTERMINATED. Un álbum no apto para aquellos seguidores de la música con Groove, melodías y temas accesibles, esta banda nos ofrece nueve temas de un Brutal Death Metal actual, donde la velocidad en la ejecución y los blast beats son la constante junto con unas voces en su mayoría del tiempo de auténtica ultratumba y guturales profundas como una fosa oceánica.


Hay que destacar que para ser un dúo, este se comporta como una verdadera banda en estudio, ya que Ace Estandian es un multi instrumentista que se las ha arreglado para grabar todos los instrumentos con un excelente nivel técnico, donde destaca su trabajo en las guitarras, con asesinos riffs muteados a velocidad supersónica y una batería que no cesa en su empeño de destrozar nuestras cervicales con un constante repiqueteo en caja o sus aplastantes secciones de doble bombo. Myke Pardo de ha encargado de las vocales y también ha logrado un destacable trabajo, doblando por veces su voz gutural con otra más aguda y agresiva. El estilo de la banda es el actual Brutal Death con influencias de los grandes del género que proceden desde los USA, si nos vienen a la cabeza nombres como DISGORGE, DEEDS OF FLESH, CONDEMNED, PATHOLOGY… No iremos muy desencaminados en el sonido de la banda. También es de justicia destacar el sonido logrado por la banda en estudio, ya que todo suena en su lugar exacto y perfecto, siendo realmente aplastante. Mucha presencia a los asfixiantes riffs que están en constante cambio y a toda velocidad, junto con una batería que mantiene el sonido característico del estilo, sonando algo apagada pero que se escucha a la perfección. Destacar temas en esta clase de álbumes es complicado porque todos siguen una línea muy similar, y pocas opciones de cambio nos pueden ofrecer, ya que la banda está muy asentada en el estilo y esta no varía ni un ápice en su propuesta siendo muy similares en sí todos ellos. Éste quizás sea el punto negativo que le veo a esta clase de grabaciones, ya que una vez acabada realmente todos los temas suenan demasiado iguales como para poder destacar uno u otro. Buen álbum si disfrutas del Brutal Death Metal actual, una banda que no deja prisioneros, esto es una masacre desde el primer al último tema, así que si disfrutas de este estilo no dudes en escuchar esta “Génesis del Genocidio” porque no te defraudará.

de la voz principal gutural y rasgada de Phil Primmer y los tonos limpios de Colin Parks, también guitarra, crean una atmosfera y unos estribillos que van más allá de la épica, encajando a la perfección; esto unido a laestructura musical que recrean Dex Jezierski en la guitarra, Al Todd al bajo y Rob Garner en la percusión, enganchan con cada corte. “Halls Of Lemuria”, es más metalera, endureciendo su sonido con un sonido de guitarras en las estrofas muy moderno, engalanando el estribillo con ese viaje místico hacia la Atlantida, transformándolos en tonadas envolventes, incluso introduciendo corales como en “False Prophet” que juega con un death metal melódico en sus transiciones, destacando esa voz limpia de Colin, aunque el quinteto queda enmarcada con mucha presencia. “The Curse Of Man”, podría ser uno de sus temas estrellas, directo y contundente, con una percusión brutal y unos cambios de ritmo suaves y muy llamativos, aguardándonos uno de los estribillos del álbum que me recordó a los creados por Shagrath en DIMMU BORGIR o ARCTURUS. “When Tridents Fail”, tiene algunos pasajes de los más agresivos del trabajo, llevándonos hacia “Poseidon’s Bow” donde el death metal se erige como ganador, pero pasado por un filtro personal, al igual que en “Gardens Of Atlantis”, destacando su parte central muy envolvente y creativa, donde las sensaciones y las emociones elevan esta aventura hasta un final de altura con “The Lost Compass”, dos de mis cortes preferidos y que representan la esencia de GHOSTS OF ATLANTIS . JUAN ANGEL MARTOS 8/10

LUIS MARTÍNEZ 7.5/10

bados, todos están construidos sobre una base sólida como una roca, con riffs pesados e impactantes que sirven como una plataforma para la excelente interpretación vocal de Amón López; su voz, que va pasando de rugidos graves a limpios más suaves, resulta efectiva en ambos extremos del espectro y cuando se combina con las armonías sombrías, melancólicas y hermosamente desesperadas, suceden cosas muy buenas. No conocía esta banda (¡y no os podéis imaginar como me alegra haberla encontrado!), así que no he querido escuchar, (todavía), las versiones originales de los temas puesto que así puedo hablar realmente de lo que se escucha en “Remembering the Past – Writing the Future”. El EP son 33 minutos sólidos donde hay una gran calidad y consistencia de una pista a otra y donde tejen una melodía inquietante tras otra. La modernización de los últimos 4 temas para agregarles algo de frescura funciona muy bien con el único tema nuevo: “Don’t Waste Your Life”. Hay algo en este tema que hace que no pueda dejar de reproducirlo. “I Am Lost” me gustó desde el primer giro, y con las repeticiones llegué a apreciar realmente los matices ocultos dentro del material. “Lonely” mantiene esos tiempos tristes que dejan mucho espacio para la desesperación y el dolor y me gusta especialmente cómo crece en alcance y grandeza en la mitad posterior, terminando majestuosamente sin perder su filo asesino. También me encanta la producción: pone mucho peso en las guitarras al mismo tiempo que proporciona un sonido de batería contundente para apoyarlas. Hay una belleza tenue y un poder en la música de GOLGOTHA que realmente me resulta muy emotiva y es el tipo de melodía fatal que podría girar y volver a girar todo el día. Cuanto más escucho, más me enamoro de la música que han creado estos músicos experimentados. Se ha convertido en un compañero de escucha constante estos últimos días y cada vez descubro nuevas palabras, nuevos significados, nuevos matices musicales sutiles y, al hacerlo, lo llevo en mi corazón cada vez con más cariño. ATAEGINA MOON 9/10

GOLGOTHA (ESP) REMEMBERING THE PAST...WRITING THE FUTURE XTREEM MUSIC, 2021

GHOSTS OF ATLANTIS (GBR) 3.6.2.4. BLACK LION RECORDS, 2021

A través de Black Lion Records nos llega un debut más que interesante y ambicioso desde el Reino Unido, hablamos de GHOSTS OF ATLANTIS y su álbum “3.6.2.4”. Un viaje conceptual hasta las entrañas de la Atlántida y la mitología griega, a través de un Death/Black Metal sinfónico, con tintes a bandas como FLESHGOD APOCALYPSTE o DEVILMENT (de hecho Colin Parks, guitarra y voz limpia, pertenece a esta banda), con unos pasajes muy épicos y un sonido muy trabajado en Devilhead Studios y Stymphalian Productions, por Colin Parks y James Stephenson, respectivamente. Desde el inicio con “The Third Pilar”, se nota la calidad, y no es para menos pues sus miembros tienen un pasado y presente muy curtido, participando en bandas como DEVILMENT, FAILED HUMANITY, THE CONFLICT WITHIN y COLD LAZARUS. En cuanto al inicio, nos plantean ese metal sinfónico, con un poderoso matiz vocal, pues el combo

GOLGOTHA es una banda de death doom metal de Palma de Mallorca fundada en 1992 por Vicente Payá. Después de varios álbumes y EPs y tras algunos cambios de formación, la banda la componen Amón López (voz), Vicente Payá y Samuel Morales (guitarras), Tomeu Crespí (batería), Andrew Spinosa (bajo) y M. Angel Riutort (teclados). El 2 de marzo de 2021, se lanzó su nuevo EP “Remembering the Past – Writing the Future” a través de Xtreem Music y contiene un nuevo tema y la regrabación de 4 trabajos anteriores de la banda. Habiendo establecido un sonido con el que la banda se siente cómoda, los temas aprovechan sus puntos fuertes incorporando unas voces guturales sumamente graves y las guitarras pesadas del death metal haciendo que su sonido doom metal suene todavía más intenso y creando esa fantástica sensación de majestuosidad y pura épica que sólo se puede lograr manteniendo el ritmo un poco más lento y que constantemente eleva muchos de los temas de buenos a excelentes. Incluso cuando su enfoque roza lo simplista, adornan las pistas con armonías lacrimosas y adornadas para mantenerte ahogado en una rica y cremosa espuma de lamento. Independientemente de que estemos hablando del nuevo tema o de los temas regra-

HAVAMAL (SWE) THE SHADOW CHAPTER ART GATES RECORDS, 2021

Odín, el padre de todos, nos dejó una serie de enseñanzas recogidas en una de las partes de la Edda poética. Volvemos una vez más, oh, niños y niñas, a la mitología nórdica, una de mis favoritas. Los Dichos de Hár o el Discurso del Altísimo, son una serie de propuestas, dichos o consejos en forma de poemas para vivir con sabiduría, tanto en el plano más práctico o humano, como en el plano metafísico. ¡Colorea y aprende con Teo! Uno de los más famosos consejos se recoge en la estrofa 77: “Las riquezas mueren, los familiares mueren, uno también debe morir; Sé de una cosa que jamás muere, la reputación de cada hombre muerto.”. Así se planteaban las cosas los vikingos. Así que seguidme en este viaje por las enseñanzas del Padre de Todos, o como se conocen en el idioma nórdico, HAVAMAL. Bajo este nombre, los suecos nos ofrendan con su última

andanada, de título “The Shadow Chapter”, el capítulo de las sombras. Para ir abriendo boca, el álbum se inicia con una mistérica y etérea intro llamada “The North awakens”, el Norte despierta. ¡Y vaya cómo lo hace! Porque enseguida entramos en materia y en chicha de la buena con “Fenris”: un tema cargado de epicidad, sinfonismo y una banda que cabalga junto a las valkirias. Metálicos como debe de ser, la canción desgrana un fuerte componente de grandiosos teclados y solemnes coros. Ah, Fenris; Fenris, el lobo, uno de los hijos de Loki, el que se tragará el Sol y matará a Odín… ¡Ay, que se me saltan las lágrimas! Estos nórdicos y sus mitologías. A continuación, nos atacan con “Nidhoggr” y no queda si no apretar bien los dientes y tirar con fuerza de los remos del drakar. ¡Vamos, gandules! ¿Queréis vivir eternamente? Que el drakar vuele sobre las olas y viajemos hasta el fin del mundo y de ahí hacia Aesgard y hacia las estrellas. Cabalgan sobre un ampuloso colchón de teclados, pero las guitarras dibujan unas líneas melódicas que le dan empaque al resultado final. Y no temáis, oh, hijos de Ask y de Embla, los primeros hombres, pues llega “Kraken”. Toquecillos de Death Metal melódico, una banda eminentemente metálica, voces rasposas, pero con un perfecto balance entre los guitarrazos, los sinfónicos teclados y los solos de guitarras melodiosos y emotivos. Dónde la banda se pone realmente interesante es en “Empire of the Ashen Sun”, con reminiscencias de THERION, con una línea melódica que, en sus inicios, lleva una fuerte inspiración oriental, que luego estos suecos llevan a su terreno y convierten en un tema donde prima las vertiente metálica y todo el componente sinfónico pasa a un segundo plano, aunque cuando vuelve a recuperar el primer plano, es arrebatador. Y cómo lo casan, lo cruzan y lo amalgaman todo en un tema redondo. Y la cosa sigue aumentando y suben revoluciones en el inicio de “Nornir’s Call”, donde se asemejan aúna versión muchísimo más etérea y sinfónica de ARCH ENEMY, porque lo que es el largo desarrollo instrumental que se marcan en este tema lleva la palabra “épico” a niveles arquetípicos. Sin perder un ápice de fiereza entramos en “Jormundgandr” y se me vuelven a caer unos lagrimones como puños. Ay, Jormundgandr, otra de las hijas de Loki, la titánica serpiente que, con sus anillos, constreñía Midgard, nuestra tierra. La serpiente que, en el enfrentamiento final, en el Ragnarok, sería la responsable de la muerte de Thor… Ay, estos vikingos, cómo me tocan la fibra y como componen para que así sea. “Hel”, o Hela, la encargada del inframundo, nos asalta con otra magnifica y electrizante línea orquestal mientras la banda se despacha a gusto en la vertiente metálica de este invento llamado HAVAMAL. ¿Y cómo suena “The Curse of Grendel” para ir cerrando el disco? Pues suena a cuernos soplados con fuerza por los esforzados navegantes vikingos, a metal épico, a acompañamientos sinfónicos, a Ragnarok, a una imaginación ubérrima y a unos mitos que, a pesar de su truculencia y de asumir un destino aciago, brillan. Brillan por encima de toda la sangre, de todas las batallas, de toda la muerte, y brillan con la promesa de un nuevo inicio y de un futuro. Porque así lo describen las palabras del Padre de Todos: hay una cosa que jamás muere, la reputación de cada hombre muerto. Así está escrito en los Dichos de Hár, y así nos lo dejan para la posteridad los buenos de HAVAMAL, en ésta su segunda obra. Por fortuna, están vivos, bastante vivos a tenor de lo escuchado. Así que, oh, hijos de Ask y Embla, aprestad vuestros escudos y vuestras lanzas, aferrad bien los remos de este drakar y viajemos, viajemos hasta el fin de Midgard y de ahí a la eternidad. CESAR LUIS MORALES 8.5/10

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HELEVEN (ESP) INTO THE OCEANS ART GATES RECORDS, 2021

Volvemos, oh niños y niñas, al mar, a los océanos; al caldo primigenio de donde surgió toda vida. Allá por el Océano Pacífico, al este de China y al norte de Australia se encuentra el punto más profundo conocido por el ser humano: la Fosa de las Marianas, con sus once mil metros de profundidad. ¿Qué hay allí? ¿Qué no se ha revelado? ¿Kaiju como Godzilla esperando para destruir la humanidad? ¿La ignota ciudad de R’Lyeh dónde Cthulhu aguarda dormitando? ¡Colorea y aprende con Teo! Para que nos hagamos una idea de lo que es aquello, baste decir que nuestro punto más alto es el Everest con sus 8849 metros. Pues si lo colocásemos en dicha fosa, su cumbre todavía quedaría sumergida bajo unos dos kilómetros de agua. E imaginad la presión que debe existir allí. Por cada diez metros que descendemos en el líquido elemento, la presión sobre nuestros pulmones aumenta en un Bar. A esa profundidad, la presión que deberíamos soportar sería mil veces superior. Así que hablando de presión… Corría el año 2019 y los granadinos HELEVEN publicaban su primer larga duración, “Medusa’s Love Story”; sin duda alguna, uno de los álbumes del año. Pasó aquel ciclo, vino el 2020, la puta pandemia y todo cambió… ¿Y ahora qué? ¿Fue aquello un golpe de suerte? ¿Fueron una serie de circunstancias adecuadas y aleatorias, fuera del control de los músicos? Es lo que tiene el sofomoro, que prueba si aquello fue un fiasco o, realmente, hay banda y hay talento… Sin presión, ¿eh? Tal cual como estar en lo más profundo de la Fosa de las Marianas. Pues lo que han hecho los granadinos ha sido, precisamente eso, sumergirse: señoras y señores, niños y niñas, “Into the Oceans”. “Escape Room” abre con unos sintetizados sonidos que en apenas un par de segundos dejan paso al Leviatán. La banda abre con una confianza y un poderío inusitado. La misma fórmula que tan bien les funcionó en el anterior álbum, sigue vigente aquí, remozada y actualizada. Higinio sigue cantando con esa voz alta, nítida, pero más madura, más cálida y con más matices. Escribo esto y me recorren escalofríos por la espalda: esa desesperada manera de atacar los inicios de los versos, alargando las notas a lo Layne Staley. Pero la seguridad que derrochan en cada fraseo, en cada break, en cada progresión de acordes… ¡Esto apabulla! El tema homónimo brilla y deslumbra, pues si con el primero pensabas que la banda había subido el nivel, con éste pelotazo verás que se han ido a uno estratosférico, con un sonido a Metal actual. Ya lo mencioné en la anterior review: una vibración sólida como sólo la pueden pergeñar bandas como GOJIRA o, en este caso, los granadinos. Porque, le pese a quien le pese y a pesar de las críticas encontradas que ha tenido “Fortitude”, ¿hay alguna banda más en forma en el Metal del siglo XXI que GOJIRA? Pues HELEVEN. Y cuando las cosas hay que decirlas, se dicen y ya está. Adoro a los franceses desde aquel “From Mars to Sirius” y si bien los dos últimos lan34 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 86

zamientos se han apartado de aquel primer sonido, siguen siendo ellos mismos, aunque el “Fortitude” tiene altibajos y cuestiones experimentales que hacen que el concepto del álbum pierda cohesión. Pero aquí, el hilo continúa con “Lesson Learned”: instrumentalización impecable, estribillo brutal, guitarras que oscilan de lo pesado a lo etéreo, acunadas por el enorme pulso de un mar de fondo. Apagamos todas las distorsiones y todos los efectos, agarramos una acústica y disfrutamos de “The wings I need to fly” y, como ya he dicho, ves todo el paisaje sonoro, ves cómo todo está enlazado, ves como éste tema es un eslabón más de la cadena y que engancha perfectamente con “Broken”, más pesado que una visita de los testigos de Jehová un domingo por la mañana. No sé ni cuantas veces me he visto el video que tienen colgado en Youtube del playthrough de Matías Famá, pero es que es para verlo: el groove con que dirige el tema, como lleva las líneas de los bombos, la fluidez y el relajo con el que toca… “Mistakes” es otra demostración de la destreza compositiva de la banda, de cómo sonar cálido y potente a la vez… Ayayay, más escalofríos que me recorren la espalda. Lo mismo ocurre con “Down”: es de admirar y digno de reseña escuchar como fluye entre las partes más relajadas y atmosféricas hacia los riffs pesados y discordantes, y aun así, coherente en su concepto unitario y como parte integrante de este “Into the Oceans”. Viajemos ahora hacia la tierra prometida – “Promised Land”- y escucha el diálogo interno que tienen todos los instrumentos entre ellos… Joder, si es que el “Medusa” era un discazo, pero con éste se han salido de madre por todos los lados. “Rise Again” es el tenso interludio que desemboca en “The Hurricane”, el devastador, épico y brutal desenlace del álbum. Higinio vuelve a llevar sus cuerdas vocales al límite de la desesperación y la emotividad. ¿Y la banda, que hace? ¿Creéis que se van a quedar atrás? Pues claro que no; de nuevo, ahí están todos destapando el tarro de las esencias, abriendo la Caja de Pandora, desgarrando con sus propias manos las entrañas de la tierra para sacar todas las gemas posibles… ¡Lloro! Hasta abajo del todo se han sumergido HELEVEN. Hasta la parte más profunda de la Fosa de las Marianas, hasta ahí nos han llevado los granadinos. Ni los Kaiju que puedan acechar en la sima, ni la presión (tanto la del agua como la de sacar este segundo álbum) han presentado ninguna contrariedad. El puto problema del sofomoro no ha resultado ser tal. Y si siguen por esta senda, hasta el mismo Everest se les va a quedar pequeño para marcarse una cima.

HIRE nos trae su cuarto disco titulado “Armophous” el cual contiene catorce temas encabezados por “Prelude Brittle”. Se trata de un álbum de rock alternativo con algunos tintes pop punk. Desde el debut “Scripted”, a la banda se le ha considerado como uno de los grupos de la generación «Female Fronted Rock» y es que solo hay que escuchar las dos primeras pistas para comprender el potencial de Ariel Bloomer. Podemos escuchar la influencia de grupos como LINKIN PARK, FLYLEAF o SKILLET y la tendencia a los golpes electrónicos como ocurre en la canción “Brittle”, en “Curse or Cure” o en “Seeds” donde el inicio es un marco cercano al dubsteap que sinceramente no esperaba encontrarme. Guste o no este anexo, lo cierto es que no podemos negarles la ganas de jugar e innovar con distintos géneros, de mezclar y disfrutar con la música sin dejar que la crítica los encasille. Como contraste, en temas como “Enemies” vemos a una Ariel Bloomer mucho más brusca y desafiante haciendo que el grupo se decante por uno de los lados de la balanza: pop punk. En mi opinión, uno de los mejores temas del disco es “Last One Standing” que ensalza el lado más cañero de la banda gracias a la vibración de la voz y a la base electrónica juntos a otros dos temas: “Waste My Hate” y “Warrior”. Esta cuarta entrega termina con una canción tipo balada, “Only Be A Story”, que nos deja con una sensación muy buena y nos recuerda la versatilidad que Ariel ha tenido y es capaz de tener a lo largo del disco. Si soy sincera, me parece un disco muy repetitivo y me recuerda a los discos de rock pop adolescente pero también debo decir que después del primer álbum, “Scripted”, parece que la banda ha retomado un camino mucho más fuerte y seguro ya que los dos discos intermedios sí que flojeaban. Es, por supuesto, una opinión personal y quizás a aquellos que se encuentran dentro de este círculo ambientado en el pop punk les encante este álbum. ¡Dadle caña! ALICIA CASTAÑO 6/10

CESAR LUIS MORALES 10/10

INTONATE (CAN) SEVERED WITHIN WILLOWTIP RECORDS, 2021

ICON FOR HIRE (USA) AMORPHOUS KARTEL MUSIC GROUP, 2021

ICON FOR HIRE nació como proyecto musical en 2007 a manos de Ariel Bloomer (voz) y de Shawn Jump (guitarra, teclado). Desde entonces, la banda ha publicado tres álbums: “Scripted” (2011), el homónimo “Icon For Hire” (2013) y “You Can’t Kill Us” (2016). Después de casi cinco años ICON FOR

De siempre me ha encantado la escena canadiense de Death Metal. A diferencia de sus vecinos del sur, ósea Estados Unidos, que ha creado grandísimas bandas del estilo, pero en cantidades enormes (lo cual no es que sea malo, al contrario…), los canadienses han dado luz a unas cuantas agrupaciones del estilo, pero con una calidad increíble. Por supuesto, no podemos dejar de mencionar a GORGUTS, CRYPTOPSY, BEYOND CREATION, SUMMERTIME DAISIES, MARTYR, OBLIVEON y un pequeño gran etcétera. Aquí vamos a hablar de el grupo de Quebec INTONATE, compuestos por cinco músicazos increíbles. Y en concreto este es su segundo larga duración, cortesía de la siempre prolífica Willowtip Records, un disco de apenas 5 temas, con duraciones que van desde los 6 hasta los casi 10 minutos de duración,

lo cual te puede dar una ligera idea de por dónde van los tiros. Death Metal técnico hasta extremos insospechados, con unas guitarras absolutamente alucinantes y unas bases rítmicas insospechadamente apabullantes y un dinamismo de ensueño si eres fan del estilo canadiense. La comparación casi obvia aquí son GORGUTS, aunque a veces he llegado a escuchar ciertas influencias de cosas como MONSTROSITY o PESTILENCE o DISINCARNATE. Uno de los verdaderos puntos fuertes de este segundo trabajo de la banda es la técnica, partes estudiadas al milímetro y ejecutadas con una perfección de infarto. Todo en este disco rezuma perfección, aparte de la energía y la técnica, las letras y la producción acompañan al conjunto. No son la típica banda con letras gore o de muerte, de hecho parece ser que hablan de temas filosóficos y trascendentes. Quizás para conseguir los 10 puntos de la reseña, les ha faltado un puntito de originalidad, ciertamente no exigible viendo la calidad que poseen y sabiendo que a éstas alturas de la película la originalidad sea prácticamente imposible. Por lo demás, esto merece la pena y mucho. ANTONIO PARDO 8/10

JAX DIARIES (ITA) RIVERSIDE MOTEL AUTOEDITADO, 2021

Imaginaos por un momento la Ruta 66. Salir de Chicago y acabar en Los Ángeles, casi cuatro mil kilómetros después. Bajo vuestras manos, sentir en el volante el rugido del motor de un Ford Mustang Fastback GT del 65. Como se suele decir: ¡carretera y manta! Horas y horas tragando kilómetros y haciendo paradas por la noche en los moteles que salpican la ruta. ¡Colorea y aprende con Teo! Y no hay nada tan evocador como esas imágenes de las amplias extensiones abiertas del medio oeste americano, esos moteles en plan bungalow a pie de carretera y los pantagruélicos desayunos a base de tortitas bañadas en sirope, bacon y café. ¿Entráis en situación? ¿Y de hilo musical? Pues STEPPENWOLF, BLUE CHEER y, si queréis, un poquito de WILLIE NELSON. Pero, sobre todo, música motera, música de carretera. Así que si vuestro Mustag tiene un equipo más moderno, pinchad el “Riverside Motel” de los JAX DIARIES. ¿Si son de Oklahoma, o de Kansas? ¡Qué va, son italianos! Pero es que ya te engañan y te enganchan con los acordes bluseros de su entrada homónima. Amanece en Texas y aquí están los buenos muchachos de la bota de Europa rockeando como mandan los cánones. Para que la cosa no decaiga, “Breakfast at 3 p.m”, poderosamente adictiva y con adornos de piano en los estribillos, solos sleazy y actitud macarra por todos los costados. Un toquecillo moderno y actualizado en los arreglos, pero ahí está, actitud ante todo. “Nowhere” se inicia más suavemente con el comienzo de los teclados, pero enseguida recuperan el ronroneo del motor de ocho cilindros que los caracteriza. “When I turn to see the future” sigue por esa


misma vereda del tema anterior, más reflexivo pero igualmente potente a las guitarras y en el desgarro de la voz. A pesar del electrónico acompañamiento de “Disconnected”, no deja de ser un tema cargado de potentes guitarras. Me descoloca un poco la dirección que ha tomado el álbum, pero aun así, sigo escuchando con interés, pues las voces femeninas son realmente adictivas. “Empty pages” sigue con ese toque electrónico, y os digo: que el árbol no os impida ver el bosque, pues a pesar del aire alternativo, hay guitarrazos, hay una base rítmica potente y, como para resarcirse, llega un pelotazo del calibre de “Fury Roads (Boom Boom)”. Intenta escuchar esto sin que se te vayan los pies en los estribillos. ¿Y qué decir de “Sad Eyes (The November Man)”? Pues que no todo va a ser carretera, olor a gasolina y moteles, que los que recorren la Ruta 66 también tienen su corazoncito, tienen añoranza de un hogar, de un abrazo, de un lugar al que puedan llamar hogar. Y ya llegando al final de la carretera, vislumbramos “San Francisco” y sí, hay que pisar el acelerador y meterle caña al asunto, y este tema le da pero bien. Pero antes, tiempo para una vaquerada del tipo “Came down to say hi” (no se enraíza totalmente en el Country pero si tiene una vibración y una inspiración bastante acertada y cercana). Y volvemos a poner el turbo con “Caliber .22” más rocanrolera y más desgañitada, un trallazo que te deja seco. “Wildfire” sigue por la senda de los sonidos alternativos, aunque con unas muy potentes raíces enclavadas en el Rock más motero y más blusero. Y una vez que aparcamos nuestro Mustang, y nos recostamos contra su costado, escuchemos un “Miracle”. El viaje concluye, pero no la aventura. Interesante amalgama de sonidos. Unas veces más roqueros, otras más alternativos, pero siempre con una identidad propia los de JAX DIARIES. Lo que no sabe duda es que, si alguna vez hacemos ese mítico viaje a través de la Ruta 66, en este “Riverside Motel” tienes unos pelotazos imprescindibles que tienen que ir a tu Playlist. CESAR LUIS MORALES 8/10

MAGEFA (DEU) EXENTERATION AUTOEDITADO, 2021

Formados en el año 2015 en la ciudad alemana de Frankfurt el cuarteto alemán MAGEFA, nombre que proviene del hebreo y significa la transmisión de una enfermedad epidémica en una región. La banda nos ofrece su tercera grabación tras su Demo del 2016 y un previo EP del año 2019. En este «Exenteration» el cuarteto han registrado siete temas de un clásico Death Metal, no excesivamente veloz, predominando la contundencia de los riffs y los medios tiempos, sin sonar verdaderamente a ninguna banda en especial, pero que realmente suena agresiva y brutal. La banda también se las arregla para añadir algún riff algo más técnico y disonante, cosa que se agradece ya que les da un sonido más personal, como en el tema que da título a esta grabación «Exenteration». En otros temas la banda suena más estándar, con sonidos mas clásicos y añadiendo matices que ya han sido registra-

dos por cientos de bandas anteriormente, dobles voces, guitarras dobladas… sin ofrecer nada que sea realmente destacable en la composición o en sus riffs. «War Paradise» es un poco de aire fresco con su velocidad y los juegos de bombo de su batería, sonando muy brutal y agradeciéndose en el conjunto global de la grabación. Buen EP de esta banda alemana, que no ofrece nada nuevo eso sí, pero que si te gusta el Death Metal bien ejecutado, podrás encontrar siete temas que se escuchan fácilmente, aunque creo que la banda tiene potencial para ofrecer algo más interesante en el futuro, mientras tanto es una buena tarjeta de presentación. LUIS MARTÍNEZ 7/10

MARTYRIUM (MLT) LAMIA SATANICA ART GATES RECORDS, 2021

Desde Malta y a través de Art Gates Records nos llega el nuevo álbum de MARTYRIUM, “Lamia Satanica”. Estamos ante el quinto álbum de este quinteto maltés, donde profieren un melodic/symphonic black metal centrado en la mitología griega y en su personaje Lamia, una mujer convertida en monstruo que representa el amor, el odio, la traición y la venganza. Tras cinco años desde su último trabajo “Destiny Wore A Bondage Mask” de 2016, vuelven con más fuerza que nunca, además de emplear a fondo nuevas orquestaciones las cuales están más presentes que nunca, otorgándole a su música una dinámica muy en boga con bandas como DIMMU BORGIR o CARACH ANGREN. Desde el comienzo con “Sacred Book Of Baal”o “Starless Opacity”, llama la atención el trabajo vocal de la nueva vocalista Sandra Misanthrope, otorgándole una gran dinámica al aspecto vocal, además de agresividad y presencia tanto escénica como musical. Dos temas que nos sirven para sumergirnos en una historia de dioses y humanos, la cual acabará en tragedia. “End Of My Realm”, infunde esa teatralidad a la que nos tienen acostumbrados, con una parte inicial a base de orquestaciones, para envolvernos en un debacle sónica creada por ‘Umarth en los teclados y una percusión de gran precisión a manos de Vulcanos, estando todo esto dirigido por las guitarras de Count Mortem y Sherath (quien vuelve a la banda), y si añadimos el bajo de Sandmist y los coros de Pandemonia (anterior vocalista), MARTYRIUM, nos trae uno de sus trabajos más ambiciosos, dándonos fe de ello en temas como la monumental “Emanation Of Souls”, en la que matizan cada estrofa y cada paso que dan en la estructura musical, donde predomina un medio tiempo guiado por los teclados, fundiéndose con “Curse Of Salvation”, con su carácter operístico y envilecido. “Order Of The Fly”, es mastodóntica y épica, precediendo al interludio modernista “A Stain On Hera’s Throne”, jugando en ambas con unos teclados más actuales, pero sin dejar de lado ese aire barroco refinado, con el que sin llegar a volverse repetitivo, engalanan los pasajes instrumentales del álbum. “Venom Divine”, es toda una apisonadora black metalera, con un matiz actualizado a


los tiempos que corren, donde la velocidad de las estrofas nos guían hacia un estribillo melódico, abrazado por unas instrumentaciones de gran calidad, donde el broche de oro lo pone, “Betrothed To Damnation”, conformando un regreso por todo lo alto. JUAN ANGEL MARTOS 8/10

MOTHER OF ALL (DNK) AGE OF THE SOLIPSIST BLACK LION RECORDS, 2021

El Solipsismo es la creencia metafísica de que lo único de lo que uno puede estar seguro es de la existencia de su propia mente. La realidad que rodea al solipsista le es incomprensible y puede dudar de ella, ya que puede ser nada más que un reflejo de sus estados mentales. De lo único de que está seguro el solipsista es de su propia existencia. ¡Colorea y rállate con Teo! Y en los tiempos que corren, inmersos como estamos en esta Matrix espuria de RRSS, de apariencias y de banalidad, nos viene que ni pintado este álbum para ponerle banda sonora con el primer larga duración del proyecto MOTHER OF ALL, titulado precisamente “Age of the Solipsist”. Creado por el multinstrumentista Martin Haumann (batería de MYRKUR, entre otros) cuenta con unas cuantas sorpresas y artillería pesada para aburrir. “Autumn” abre con un rasgueo de guitarra acústica que inmediatamente explota en un muro de riffs a cargo de Frederik Jensen. El bueno de Martin Haumann se deja la garganta en cada verso, pero ya empezamos a ver cosas que van más allá de la mera y violenta explosión del Death Metal. Se van colando interludios donde vuelven a lo acústico y de ahí a lo metálico pero con la fluidez del mercurio; Martin, que también se encarga de las líneas de batería, se preocupa de llevar una sólida y mutante armazón del tema, pero es que encima va acompañado a las cuatro cuerdas por Dios: el muy grande, impagable e inefable Steve DiGiorgio. Y eso se nota en el resultado final de la banda. Y encima, a pesar del género, se preocupan de que todo suene y eso es de agradecer. Supongo que habría que ser gilipollas para contar con este monstruo de la música y no dejarle total libertad creativa y enterrarlo en la mezcla. ¡Y cómo crece cualquier cosa en la que está metido este animal! “We don’t agree” entra a barullo y me imagino lo que debió ser grabar este tema. Los metrónomos disparados por encima de los límites humanos, mientras los dedos de los músicos volaban por los mástiles de los instrumentos y todos clavados a la micra. Acabar el tema y sonreír, como diciendo ¡Sí, lo hicimos, joder! “Curators of our world”, quizá mi tema favorito de todo el disco, es ese tema cabrón de intrincados tempos, arreglos y secuencias de riffs imposibles, enlazando aquellas hijoputadas imposibles que se marcan bandas como DEATH, PESTILENCE, DECAPITATED o CYNIC. El tema título “Age of the Solipsist” reduce revoluciones, se vuelve más melódico pero indudablemente llevado hacia adelante por el brutal combo Haumann/ DiGiorgio, con una apabullante armonía a cargo de Frederik Jensen, lo que hace que el compendio global del tema suba y suba muchos enteros, quizá un poco abrupto e inaca-

bado en su final, pero de todos modos con un desarrollo bastante interesante. “At the edge of a dream” sigue a mid-tempo, aunque el omnipresente bajo de DiGiorgio funciona como una remachadora que no deja silencio sin cubrir. Bien es cierto que lo que ha hecho aquí el inefable es colaborar y no se trata de un álbum al servicio de Steve, sino uno de los mejores bajistas del género prestando su maestría a una banda perfectamente orientada en su trabajo. Buena prueba de ello es este tema o el siguiente, “Blood still owed” ¿Se escucha el bajo remachando? Sí, por supuesto, pero ahí están, con la misma potencia, las guitarras, la batería y la desgarrada voz. Y para cerrar disco, “Feel the pain”, seguimos en la misma dinámica de temas a medio tiempo, pero manteniendo la misma calidad musical, incluso aquí con una tendencia más “comercial” (dentro de los parámetros del Death, claro). Y sí, niños y niñas, como ya he indicado antes, estamos inmersos en ésta espuria Matrix, de “Likes” e “Influencers”, de banalidad reverenciada y de efímeros productos musicales. Por suerte, hay gente que también sabe que estamos en la era de los solipsistas y lo único de lo que podemos estar seguro es de nuestra mente existe… Bueno, eso y los excelentes discos de Death técnico, ¿o no? ¿O sí? ¿O lo que han hecho MOTHER OF ALL es un reflejo de uno de mis estados mentales? CESAR LUIS MORALES 8.3/10

NECRONOMICON (DEU) THE FINAL CHAPTER EL PUERTO RECORDS, 2021

Tres años después de su anterior larga duración “Unleashed Bastards” los míticos thrashers alemanes formados en 1984 NECRONOMICON nos presentan su décimo larga duración bajo el título “The Final Chapter” el cual ha sido editado por el sello El Puerto Records. El álbum que ha visto la luz el veintiséis de marzo, cuenta con una duración total cercana a los cuarenta y seis minutos repartidos en doce cortes. El cuarteto practica obviamente, un Thrash Metal de la vieja escuela teutona, como no podía ser de otra manera ya que son referencia inequívoca de ella, pero con un toque melódico el cual se ve aumentado con la incorporación a la guitarra solista de Glen Shannon. Para la producción del mismo han vuelto a contar con el prestigioso productor alemán Achim Köhler (ACCEPT, DEATH ANGEL, DEW-SCENTED, SODOM,…) con un resultado excelente. El trabajo comienza con “I Am the Violence”, en el que los germanos nos muestran desde el minuto uno por donde van a ir los tiros, y es que desde el inicio del mismo con unas melodías de guitarras sabemos que no nos van a decepcionar, que va a empezar a sonar algo grande, excelente tema para abrir el disco sin duda. “The Final Chapter” es el siguiente corte, y como el de apertura es otro tema de genuino Thrash Metal, como el resto del álbum, incluso en las partes de los coros que cuentan con una tonalidad más cercana al Power Metal suenan devastadores, lo que hace cuanto menos, despertar tu atención.


“Wall of Pain” es un corte que posee el auténtico sello “Made in Germany”, la agresividad propia del estilo entremezclada con las partes más machaconas existentes en la composición hacen de él uno de las pistas más destacables del disco. Con “Purgatory” el combo pretende darnos un respiro, es un medio tempo en prácticamente su totalidad, donde los registros vocales del señor Volker “Freddy” Fredrich es sin duda lo más destacable de la canción, que no hace otra cosa que evitar que el álbum se vuelva lineal. Por parecidos derroteros transcurren los siguientes cortes “Burning the Fury” y “Spelling Blood”. Tras estos temas, encontramos un bloque de composiciones en las que predominan el Heavy/Thrash, estas son: “Selling Nightmares”, “World on Fire” y “The Devil´s Tears”, volviendo a la visión que el combo tiene sobre su Thrash Metal de corte melódico con el corte “The Unnamed”. Para cerrar el álbum nos encontramos con el dúo de temas “Me Against You” y “The Stormreaper”, los mejores cortes del disco junto con el que abre el mismo, canciones directas, sin contemplaciones, uniendo, como en el resto del disco, los riffs endiablados con las partes más pesadas. CARLOS BERMEJO 8.5/10

NORTHLANCE (AUS) 5G UNFD, 2021

Los australianos, NORTHLANE, lanzaron a principios de este año un EP con remezclas electrónicas de algunos temas de su último álbum “Alien”, bajo el curioso nombre de “5G”, tan de moda en la actualidad. Ellos comentan que llevaban mucho tiempo dándole vueltas a esta idea y este 2021 lo han materializado, al igual que el reciente EP en formato acústico que acaban de editar, demostrándonos la inquietud de la banda. “Bloodline (HEALTH Remix)”, abre el EP, con una remezcla tan suave como agresiva que va subiendo de intensidad lentamente, donde los altibajos le dan su valor especial, llevándonos hacia “4D (Mashd N Kutcher Remix)”, con una base de dub step, que se transforma rápidamente en una remezcla muy adictiva, densa y oscura, donde la electrónica fluye entre estilos más underground, como le ocurre a “Vultures (Mr Bill Remix)”, aportando ese toque de frescura, aunque no acaba de explotar del todo.

PAIN RESISTANCE SUFFERING PETRICHOR, 2021

PANDEMMY (BRA) SUBVERSIVE NEED BIG BAD WOLF RECS / HEADBANGERZ RCS, 2021

Desde Brasil nos llega el nuevo larga duración de estos veteranos de la escena sudamericana, que ya cuentan con tres álbumes previos y unos cuantos EPs en su historia. Este «Subversive Need» nos ofrece un total de 9 cortes, donde el Death Metal clásico se mezcla con ciertas pinceladas del mas agresivo Thrash Metal creando un álbum bastante entretenido. La banda no se ha complicado en exceso el nivel de complejidad de las canciones siendo bastante directas y pegadizas, esto hace que temas como «Free Munia (a Panther in the Cage)» sean temas que en los pocos minutos que dura, nos quede en la cabeza. En «Webchaos» se atreven a añadir teclados para crear una atmosfera algo mas misteriosa, siendo uno de los temas mas variados del CD, aunque también debo reconocer que hay algún riff algo simple de mas y que ensombrece en cierto modo el tema. «Xenophobia» comienza con un muy buen riff, que se me ha asemejado a una buena época de los germanos KREATOR, aunque luego el tema se separe de esta linea, con riffs mas cortantes y pesados. «I Choose my Blood» tiene un sonido mas cercano al Melodic Death con riffs sencillos y mucha melodía, aunque la voz gutural y oscura nos lleve por otro camino, buen tema para directo sobre todo por su sencillez. «Terror Paranoia» vuelve a traer a mi mente a los germanos KREATOR, tema veloz y contundente, bien ejecutado y pegadizo, que seguro hará las delicias de los fanáticos del sonido mas cafre. «The Illusion of Suffering» comienza como un tema folk acústico con voces oscuras y siniestras, que acompañan a las guitarras limpias y melodías que sirven de entrada al tema final «Charlottesville» que finaliza de forma entretenida este álbum, con una buena cantidad de cambios de ritmo y velocidad que los oyentes agradecerán, siendo una muy buena forma de finalizar el álbum. Buen álbum de estos brasileños, no mata, porque no ofrece nada nuevo o que anteriormente no se haya escuchado, pero esta bien ejecutado y compuesto, con lo que nos encontramos con un buen puñado de canciones sencillas, con buenos solos, buenos riffs y buen sonido. No defrauda aunque tampoco esperéis algo que os haga saltar por la ventana ya que esta simplemente bien.

LUIS MARTÍNEZ 9/10

SAPROBIONTIC (DEU) MDD RECORDS, 2021

POUNDER (USA) BREAKING THE WORLD SHADOW KINGDOM RECORDS, 2021

PHLEBOTOMIZED (NDL)

JOSE POZAS MILLA 7/10

APOCALYPTIC RETRIBUTION

LUIS MARTÍNEZ 7/10

“Ohm (Northlane Remix)”, es más comercial con una base dub y centrándose en melodías pegadizas y espaciales, que nos llevan hacia “Sleepless (Phase One Remix”, uno bomba sonora para cerrar este EP donde el metalcore se camufla con ritmos futuristas otorgando un giro de 180º a su música. Apto para fans de la banda y electrónica o curiosos. JUAN ANGEL MARTOS 7/10

Tres años después de su ultima grabación, el CD «Deformation of Humanity», los veteranos maestros del Death Metal melódico PHLEBOTOMIZED están de vuelta ofreciendo un EP de siete composiciones que por momentos me ha encantado y en otros los he visto algo menos acertados. Abriendo esta grabación nos encontramos con el instrumental y «It Will Pass», tema realmente llamativo y que nos introduce de forma perfecta en lo que es el estilo de la banda. «Pain, Resistance, Suffering» continua la grabación con un directo y potente tema que no nos deja respirar, y manteniendo un buen balance entre la brutalidad y el «Groove», Tras este tema, llega «No Surrender» un tema algo mas enfocado en sonidos algo mas Heavy en sus riffs, y que a mi particularmente no me ha llamado en exceso la atención, pareciéndome un tema algo flojo en comparación con el resto de temas, porque tras este tema llega el monumental «Beheaded Identity» , un tema que creo podrían haber escrito hace casi treinta años cuando esta banda salió al underground mundial. Un tema con multitud de partes lentas, melancólicas, pero que con la brutal voz oscura de Ben de Graaff, y que por momentos es acompañada por pasajes limpios y tristes, consiguen un tema grandioso y sin duda a la altura de lo que esta banda significa en el underground mundial. Pero el EP todavía tiene una joya mas para ofrecernos, «You Have No Idea» es un autentico trallazo de puro Death Metal melódico y progresivo, donde desde la distorsionada introducción del himno americano, y sus contundentes riffs iniciales pasando por sus carreras diabólicamente técnicas de las guitarras y teclados hacen de este tema algo excesivamente corto y al cual se le pide una mayor duración. «Collusion Starts Here» es otro tema que vuelve a jugar con riffs mucho mas clásicos y cercanos al Metal tradicional, que solamente se ven alejados por la voz brutal de Ben, pero que sin duda hay que reconocer que la banda sabe hacer un tema diferente y mas cercano al metal tradicional. Cierra este EP el tema «GPS», donde la banda vuelve a su estilo mas habitual, coordinando los riffs clásicos del Death Metal con otros de vertiente mas progresiva y la brutal presencia atmosférica que proporcionan los teclados, algo que seguramente muchos oyentes que no los hayan escuchado les llamara la atención. Muy buen EP el que nos ofrecen estos maestros Holandeses, quizás me falta algo de duración en algunos temas y me sobren otros, pero que en conjunto conforman un EP de muchos Kilates y que seguro los seguidores del Death Metal melódico y atmosférico y con los oídos abiertos hacia otras vertientes sabrán apreciar y agradecerán.

GRUESOME, EXUMED o NAUSEA para traernos un Heavy Metal en la onda de los ochenta con mucho olorcete a la NWOBHM. Dan igual las evoluciones que viva el género, que al final esa furia de jovenzuelos rebeldes y cansados del mundo siempre se acaba abriendo paso en nuestro corazoncito de Metal. Así, este proyecto formado en 2017 por Alejandro Corredor al bajo, Tom Draper a las guitarras y Matt Harvey a las guitarras y voz, con la colaboración de Gus Riuos y Adam Houman repartiéndose las labores de batería como músicos de sesión, nos vienen con “Breaking The World”, su segundo LP. Se trata de un trabajo de puro y duro Heavy Metal ochentero, con mucho aroma a los Saxon, Angel Witch (donde estuvo también Tom Draper), Tank y movidas similares, mucho aire al underground de aquel momento. Guitarras afiladas, estribillos majetes, puños en alto, greñas descuidadas y J’Hayber, como si volviéramos 35 años atrás. A partir de ahí el disco no enamora especialmente, pero sí que funciona. El arranque con “Spoils Of War”, con un estribillo trilladísimo pero siempre efectivo o la homónima “Breaking The World” ya nos dejan claro que vamos a tener pocas sorpresas, que esto es Heavy Metal de toda la vida y punto. El ‘track by track’ quedaría muy repetitivo a partir de aquí, así que os diré que temas como “Hard Road To Home”, con ese aire macarra desde su inicio y con Matt Harvey en su mejor momento del disco, o la final “Deadly Eyes“, son algunos de los puntos álgidos de un disco que es de esos con los que apetece abrirte una cerveza bien fría y dejarte transportar a los años ochenta. Poca innovación, pero un par de narices, yo te lo compro. Es un disco con poca sorpresa, es Heavy Metal y punto. Si te gusta te lo comes, si no te gusta te comes una hostia. Así funcionan las cosas con POUNDER. Poco más de media hora de guitarras afiladas, topicazos y buenos momentos. A veces uno no puede pedir mucho más, aunque tal vez me falte algo de garra en la producción para darle más punch. Sea como sea, es un disco bastante majete.

Al final la cabra tira al monte, dicen. Así salen proyectos como POUNDER, una banda formada en Los Ángeles, California por tres miembros de bandas como CARCASS,

Que ya nadie va a aportar ideas super originales en este saturado mundo del Death Metal brutal, está más que claro pero oye, tampoco estaría mal que las bandas intentaran sonar con un sello propio. Pero bueno, tampoco quiero ser muy duro con ellos que lo que hacen lo hacen bastante bien. Te los voy a describir muy fácilmente: SUFFOCATION mezclado con PYREXIA y con ciertos toques a lo CANNIBAL CORPSE. Así de simple y sencillo. Si es que no puedo decir otra cosa. Quizás hablar de su origen, que son alemanes, que la banda la forman dos tipos: Christoph a las guitarras y voces y Sven imitando a George ‘Corpsegrinder’ Fischer, osea a las voces. Además cuentan con la ayuda de Michel van NUM. 86 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 37


Der Plicht a las alucinantementes baterías, y es que este personaje es conocido por sus trabajos con gente como GOD DETHRONED o PESTILENCE o PROSTITUTE DISFIGUREMENT… un portento a las baquetas, oigan. ¿Más cosas que contar? Pues que la técnica es apurada de cojones en todos los aspectos, ya sea producción, instrumentación, composición y ejecución. Eso sí, lo ya citado antes, falta de sonido propio. Buen disco, si te centras en disfrutar de una banda de Death Metal brutal sonando a finales de los 2000.

cional. Una vez que me desvinculé de mis expectativas, la experiencia auditiva comenzó a sentirse como el sueño altamente estructurado de una mente sin ataduras. ATAEGINA MOON 8.5/10

STAY TO SLEEP (ESP)

ANTONIO PARDO 6/10

BLOW A WISH ANEURISMA RECORDS, 2021

SOOTHSAYER (ILR) ECHOES OF THE EARTH TRANSCENDING OBSCURITY RECORDS, 2021

SEIDE (FRA) AUAKISTLA THROATS PRODUCTIONS, 2021

La banda de black metal SEIDE, formada en París (Francia) en 2007, nos presentó en enero su nuevo LP “Auakistla”. Su black metal es muy atmosférico con una efectiva fusión de influencias, cayendo incluso en un tono bastante experimental, y con un sonido bastante sucio. Si bien es cierto que una gran proporción de nuestra comunidad realmente cree que estas bandas deberían sonar sólo como una amalgama de BATHORY, MAYHEM, BURZUM y EMPEROR, en Francia el black metal lo hacen de manera diferente. En estos momentos no obtendrás el mismo tipo de innovación en ningún otro país. Por supuesto, al igual que en cualquier otra escena del mundo, no todas las bandas están haciendo lo mismo. Lo interesante de la música de SEIDE es que sorprende sin llegar nunca a cansar. Realmente es una música que no es para todos; sin embargo, si tienes la mente abierta te gustará experimentar una versión decididamente original de este género. No es necesario suministrar siempre el mismo artículo basado en las mismas fórmulas por el bien del consumo masivo, hay suficientes bandas que ya lo están haciendo. El álbum comienza con una energía increíblemente violenta. El estallido de furia inicial de “Les Repus d’Avant l’Apocalypse” te golpea con un riff de apertura asesino y una voz increíblemente agresiva. Mi tema preferido es “La Bête Humaine”; un riff inteligentemente siniestro y una voz áspera y gutural que suena casi como gritando desde la tumba. En “La Danse des Pendus” cada instrumento se mueve tanto de forma independiente como en concierto con los demás, hasta que la contundente voz entra, en francés, desafiando las normas internacionales del metal como siempre. Tengo que reconocer que el sonido del saxofón no acaba de convencerme, es un instrumento que rompe la atmósfera que tan sabiamente se había logrado. La mayor parte del álbum tiene un sonido increíblemente oscuro que lo abarca todo y se toma su tiempo para crecer. Musicalmente, el fluir de los temas es muy ilógico. Suena casi como un bucle continuo de instrumentación, a veces rudimentaria, hecha para confundir al oyente. En mi primera escucha debo admitir que me decepcionó, pero a medida que profundizaba en los temas con escuchas repetidas, comencé a comprender la verdadera intención: la imprevisibilidad. Esperaba que el álbum fuera más mordaz, más black metal en forma e impacto emo38 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 86

Desde las tierras mágicas e inhóspitas de Irlanda, editado a través de Trascending Obscurity Records, nos llega el nuevo trabajo de SOOTHSAYER, “Echoes Of The Earth”. Un debut monolítico y atmosférico donde el doom metal se funde con pasajes sludges, creando un sonido orgánico, denso y muy poderoso, grabado en la primavera de 2019 en Kitten Lane Sound, (Cork, Irlanda), pero que acaba viendo la luz hace escasos meses, ahora que la pandemia mundial parece remitir; si te gustan los sonidos de bandas como EREMIT, JUPITERIAN, INTER ARMA o PRIMITIVE MAN, este trabajo se encumbrará en tu colección. Una introducción druídica y mística nos da la bienvenida, “Fringe”, como una especie de ritual creado a partir de paisajes y sonoridades por Liam Hughes, tambien vocalista, nos sirve de antesala para “Outer Fringe”, donde las guitarras de Con Doyle y Marc O’Grady, se perpetuán antes de distorsionar y adentrarnos en un ocaso de dolor, incentivando esa gravedad el bajo de Pavol Rosa y la percusión de Sean Breen, además de jugar con los juegos vocales de Liam y Con, contando en este tema con la colaboración de Pavel y Sean en los cantos; un corte profundo y denso, con una parte central muy oscura y un final caótico. “War Of Doves” cuenta con la colaboración de Eugene Robinson de OXBOW, escribiendo las letras y poniendo su voz, creando un corte enrevesado y un tanto extraño en sonoridades, sobre todo en la primera parte, hasta que irrumpe el bajo para virar 180º la estructura musical, en un corte desquiciante. “Cities Of Smoke”, pone el contrapunto, melódico, oscuro y doom 100%, uno de mis preferidos del álbum, engalanando con satén la fina línea del ténebre vapor. “Six Of Nothing”, cuenta con la voz de Paul Catten (MEDULE NOCTE, MURDER ONE) y los coros de Ralf Garcia (REQUIEM, WOLF COUNSET), en otro tema tótem de este trabajo, donde SOOTHSAYER, nos muestra sus elementos musicales y su propuesta para este debut, en un corte doom/sludge, con un final coral de lujo.

Desde tierras almerienses donde el calor, la arena y el desierto se dejan sentir entre tabernas y preciosas calas, nos llega el nuevo trabajo de STAY TO SLEEP, “Blow A Wish”, editado por Aneurisma Records, donde funden toques espaciales de shoegaze con un rock alternativo con aires pop y pinceladas de stoner. Esos tintes desérticos se dejan sentir desde el inicio con “Semen Up” y las atmosferas creadas por las guitarras de Maria Makia y Christ O., uniendo la voz underground y noventera de Noe Grimes que le da ese toque vintage al quinteto, completado con Amara Baila al bajo y la percusión de A. Linares. Un corte pegadizo e hipnótico para abrir el álbum, llevándonos hacia “Insane”, donde juegan con las texturas y no sé porque me recordaron a bandas como THE JESUS AND MARY CHAIN o VIOLENT FEMMES, con una gran espacialidad y unas melodías que parecen sencillas, pero te atraparan en sus redes. “Lucky”, es más rocosa y con un poco más de compactación en el sonido hubiese sonado más homogénea, aunque destacan esos coros que apoyan al estribillo y las guitarras más poderosas. “Twilight”, tiene ese toque garage y rockero, pero no en sentido universitario, sino underground, recordándome las historias del desierto y los inicios de un genero musical que ha dado tanto de sí en su forma más dulcificada. Aún así guardan momentos oscuros que le dan misticismo a sus composiciones y “Donna”, es una de ellas o “Puppet”, donde se pueden sentir los elementos en su máximo apogeo, pero tienen algo sobrenatural, sobre todo este segundo corte, el cual es de mis preferidos del álbum. Antes de pasar de párrafo, hablemos de “The Fog”, cuya estructura recoge varias sensaciones, pero acabando por brillar con luz propia en un corte muy positivo y alegre.

El cierre lo pone “True North”, fría y tensa, repleta de cambios musicales, donde la dureza se transforma en melodías repletas de tensión, pero creando ambientaciones orgánicas que le dan un toque más al trabajo, si a eso sumamos los pasajes blackers, donde el norte tiene mucho que ver y un cierre cinemático, tal y como comenzó el álbum, crea un bucle continuo donde los amantes de estos sonidos disfrutarán.

“Headbreaker”, se erige como un tótem, un corte que condensa la esencia de STAY TO SLEEP, con unas estrofas muy marcadas y un estribillo sencillo, aunque tanto las melodías musicales como las vocales enganchan cada vez más con cada escucha. Llegamos al cierre del trabajo con “Underground”, una semi balada donde los sonidos limpios, el bajo omnipresente y la voz de Noe, te trasportan a noches estrelladas donde la suave brisa te acaricia el rostro y miras al horizonte con la mente en blanco. Primer larga duración y se mantienen en la línea de su anterior EP, “Ethereal”, aunque este es más directo y rockero, buscando nuevas texturas a su música que gana en espacialidad y atmosferas tan envolventes como desérticas, solo el sonido un poco apagado de los instrumentos, no deja explotar a la bestia…, pero tranquil@s que lo hará.

JUAN ANGEL MARTOS 8/10

JUAN ANGEL MARTOS 7.5/10

TERMINAL CARNAGE (DEU) THE SICKENING REBIRTH GREAT DANE RECORDS, 2021

Viendo la portada pareciera que esta banda alemana toca retro Thrash yanqui de lo más pestoso del que se da últimamente, pero no. Resulta que TERMINAL CARNAGE practican un competente, melódico y bastante bruto Death Metal con ciertos aires vieja escuela y una muy buena producción. Siguiendo con la portada, hay mazo de verdes fosforito y mocos por todos lados… pero vamos, esto es solo una anécdota. Vamos con el meollo. Esto posee una alucinantes melodías incrustadas en toda la brutalidad que estás deseando escuchar. Yo lo comparararía con GOD DETHRONED o las partes menos rápidas de VOMITORY. Las guitarras tienen una importancia sobresaliente y lo cierto es que para ser solos dos miembros, esto suena como si fueran 5. Pero bueno, ahora todo se consigue con un buen estudio de grabación y los avances tecnológicos en producción de música. Markus Zillig se encarga de las baterías, que van desde las partes melódicas antes mencionadas hasta otras realmente brutales y controladas. De todo lo demás se encarga Stefan Walters, un genio por lo que se vé. Y es que las partes rítmicas llegan a ser pegadizas sin perder un ápice de intensidad. No está mal este disco debut de estos germanos llamados TERMINAL CARNAGE. A ver si siguen y nos ofrecen otra joyita como esta en breve. Y podemos comentarla por aquí, por supuesto. ANTONIO PARDO 7/10

THE DEVIL WEARS PRADA (USA) ZII SOLID STATE RECORDS, 2021

Recuerdo que la primera vez que escuché a THE DEVIL WEARS PRADA fue en uno de esos escasos momentos de descanso en las tumbonas de la zona Pandemonium del Resurrection Fest de 2017. La banda natural de Dayton (Estados Unidos) estaba descargando sobre el Main Stage con tanta rabia que tuve que asumir que esa tarde no iba a tener ya ningún descanso entre concierto y concierto porque no estaba dispuesta a perderme esa actuación. Aunque el metalcore no es un estilo que escuche habitualmente tengo que reconocer que me gusta mucho su ritmo y la energía que transmite y si hay una banda que sepa


transmitir emociones y energía esa es THE DEVIL WEARS PRADA . Recientemente han publicado un nuevo EP, “ZII”, una secuela de su famosísimo EP “Zombie”, que supone un regreso a sus raíces. La banda sabe llegar al oyente a partir de las atractivas combinaciones de riffs de guitarra, tonos, tempos, gotas que siempre han usado en sus composiciones. “ZII” comienza con la prometedora «Nightfall», una declaración de apertura desafiante. Los golpes de batería y la explosión sonora que sigue captan instantáneamente tu atención resultando mucho más intenso y pesado que su trabajo anterior; recuperan esa gran energía que anima al instante. “Forlorn” es la fuerza que se entrelaza en una colisión; la energía que impulsa a una cosa a chocar contra otra. Es brutal donde debe serlo y es suave en lugares diseñados para recobrar el aliento. En “Termination” hay un tempo de tic-tac que hace evidente que algo está a punto de estallar ya sea con el tema o dentro de uno mismo. “Nora” ataca con toda su fuerza, con una música aplastante que puede ser un poco angustiosa pero la forma en que todo explota es muy satisfactoria. Probablemente sea la pista más dura y pesada del álbum. “Contagion” empieza con un un piano seguido de la voz melódica para volver a lo que esta banda hace tan bien: un desfile oscuro en los riffs de guitarra que delinean la melodía mientras Mike Hranica y Jeremy DePoyster llenan los huecos con sus voces poderosas. Me encanta la fluidez de esta pista. “ZII” suena con toda la energía y agresión del clásico THE DEVIL WEARS PRADA y atraerá a los fans de toda la vida. Es normal que las bandas experimenten con su sonido, pero en ocasiones como esta se agradece que hagan una pausa y se replanteen la dirección que estaba tomando su música. La madurez en los elementos se refleja en todas las composiciones, con ritmos fuertes de las guitarras, lo que permite que las voces de Mike y Jeremy permanezcan al frente de la mezcla y proporcionen un camino hacia arriba. ATAEGINA MOON 9/10

THE HARVEST TRAIL (AUS) INSTINCT AUTOEDITADO, 2021

THE HARVEST TRAIL llega desde Australia para presentarnos su álbum debut “Instinct”con un death metal melódico inspirado en el death metal escandinavo de la época de los 90 pero haciéndolo más rápido y más furioso que nunca. Brendon Capriotti (voz y guitarra), Ian Binet (guitarra) y Ashley Large (batería) utilizan como temática historias reales de crímenes australianos. “Instinct” nos trae, tras una breve intro, unos salvajes golpes de batería y unos vibrantes riffs de guitarra. La estructura de los temas es simple permitiendo que la obra respire y comparta todo lo que tiene para ofrecer. De principio a fin hay una presencia tremenda en la melodía que establece la atmósfera general que se sentirá durante todo el álbum. La batería golpea con una rabia tremenda, jugando con la ferocidad general del tema en tempo y tono. Incluso con todo el delicioso caos que tiene lugar instrumentalmente, las

voces se escuchan claras, aportando su propia brutalidad. Las pistas atraviesan constantemente fascinantes ondas de melodía, mezclando varios tonos claros y oscuros de sonido. Además, incluso cuando la batería y la voz mantienen un ritmo más alto, las guitarras ofrecen un elemento más inquietante y atmosférico a la música. Sin lugar a dudas, los temas están artísticamente bien escritos y llevan al oyente a una montaña rusa musical. Hoy en día, la mayoría de las bandas de metal tratan de incluir tantos elementos como sea posible y, en consecuencia, crean algo que exhibe competencia técnica y da la sensación de que la banda se está esforzando demasiado para impresionar a los oyentes. Sin embargo, el punto realmente interesante de THE HARVEST TRAIL en “Instinct” es que, si bien hay muchos tecnicismos, la fórmula es, en general, sencilla: mantienen su modelo melódico y hacen que cada tema sea único y genuino. Su profesionalismo es más relajado; contiene más madurez y control y esto es lo que hace que valga la pena escucharlos a pesar de que no sea un álbum impecable. ATAEGINA MOON 7.5/10

THE NOCTAMBULANT (USA) HELLRAZOR AUTOEDITADO, 2021

La banda norteamericana THE NOCTAMBULANT fue formada en 2013 por el guitarrista E. Helvete y el baterista D. Franseth. La formación de este trío la completa el bajista Lars G. A pesar de que en sus inicios su sonido era más cercano al black metal escandinavo original, después de 5 años de exploración decidieron crear un sonido oscuro más atmosférico y melódico adoptando una estética más acorde a sus raíces: los cálidos y opresivos pantanos de Florida en contraste con las montañas de Escandinavia. THE NOCTAMBULANT ha encontrado su nicho en el mundo gótico sureño en el que se criaron, manteniendo su característico sonido black metal impregnado de las tradiciones del blues, el rockabilly, el rock gótico y el country americano. En el mes de marzo estos “caminantes nocturnos” nos presentaron su EP “Hellrazor” en el que múltiples escuchas revelarán algunos ritmos vocales sorprendentemente pegadizos. Tras la tranquila intro que abre este trabajo y que crea una inquietante atmósfera al desvanecerse, “Hellrazor” es un arranque furioso. Este tema posee una enorme belleza en la melodía de la guitarra; bajaron la bestialidad en su justa medida para apreciarla. Un fantástico comienzo para continuar allanando su camino de oscuridad y horror. En “Blackened Swords of Satan” la melodía principal nuevamente resonará por mucho tiempo en tu cabeza y es otra muestra pura de brutalidad. La oscuridad sigue ahí, sólo que se proyecta bajo un tono diferente. En “GHBM” no hay respiro; suena un golpeteo bestial que sólo se ve domado por un genial solo de guitarra que baila alrededor de voces roncas, mientras que una neblina negra siniestra se espesa desde el suelo. Los riffs en “Troll Crusher” golpean y cabalgan al ritmo de las voces para un enfrentamiento efecti-


vo, voces que son completamente venenosas, por lo que su entrega es abrasadora. Es interesante la propuesta de black metal que hace THE NOCTAMBULANT dejando de abusar de los blast beats y dobles bombos, atreviéndose a recorrer ritmos y estructuras un tanto más lentas. “Hellrazor” en lugar de volverse más melódico a medida que avanza mantiene una distribución uniforme de los diferentes elementos. Estos músicos tienen una gran energía, oscuridad y pasión por el black metal y consiguen sacar su propio sonido sin venderse ni sonar débiles o sin inspiración.

lla en el cerebro mientras THE SOMBRE va creando lazos y melodías por encima de una manera muy elocuente. Como dijimos, se trata de una reedición. Lo que THE SOMBRE hace es buscar su sonido, uno que sabe que quiere pero al que le está costando llegar. En mi opinión, está yendo por buen camino y es cuestión de tiempo que acabe por encontrarlo en su totalidad. Estaremos atentos al próximo lanzamiento pero mientras tanto disfrutaremos de este “Into The Beckoning Wilderness”. ¡Dadle Caña! ALICIA CASTAÑO 8.5/10

ATAEGINA MOON 9/10

THE SOMBRE (NDL) INTO THE BECKONING WILDERNESS CHAOS RECORDS, 2021

THE SOMBRE, también conocido como Maurice de Jong, presentó al mundo una reedición de su álbum debut el 22 de marzo de este año bajo el nombre de “Into The Beckoning Wilderness”. Maurice de Jong es conocido por su producción ecléctica. Lo que nos trae bajo el proyecto THE SOMBRE es un pesado Doom Metal anclado en el sonido noventero y con alguna que otra influencia como MY DYING BRIDE. La apertura del álbum se hace a través de los violines de “Death In Black Cathedrals”. El sonido intenta crear una atmósfera distorsionada que crea reminiscencias del Death Metal pero con la pesadez y la oscuridad propias del Doom. Es una mezcla interesante porque en ella se ve claramente el camino que desea recorrer Maurice de Jong. Mi tema favorito de este álbum es sin duda “A Storm Of A Black Poetry”: su carácter devastador, los golpes incesantes que se hacen en conjunto, el escape que parecen otorgar los violines, … Me parece que el artwork de la portada viene al pelo porque, ¿Qué mejor figura para representar una pequeña luz en la oscuridad total que Lucifer? Y no cualquier Lucifer, sino aquél que acaba de caer en la tierra y poco a poco va perdiendo el único albor que queda en él. Continúa la homónima pista demoliendo todo a su paso. Tiene un carácter mucho más instrumental, apenas hay unos pasajes de gutural, y lo interesante es cómo se pasa del terror y la demolición al lirismo y de este a un machaque constante donde la voz sí que tiene más protagonismo y actúa como un martillo imparable. El bajo de “The Mother Sin And Ruin” es brutal. A mí personalmente me lleva al inicio del Doom (un poco a BLACK SABBATH) y al filtro Stoner. La voz interviene en eco apoyando los riffts melódicos y nostálgicos y la batería mantiene todo para dar pie a los guturales de Maurice. Después aparece “The Pallbearer´s Hymn” y produce un esquema similar al que íbamos viendo: doom contenido, rudeza y monstruosidad, lirismo, doom contenido. Se ayuda de unos sonidos ambiente que me recuerdan mucho a los que Vikernes emplea en su álbum ambiental “Hliðskjálf”. Y en último lugar, “Until The Withered Return From The Dark”. La base armónica se atorni-

TWITCH OF THE DEATH NERVE (GBR) BESET BY FALSE PROPHETS COMATOSE MUSIC, 2021

¿Brutal death desde UK? Si no has pensado en TWITCH OF THE DEATH NERVE probablemente se te ha venido a la cabeza alguna banda deathcoreta o slammer de esas que nacen hasta del asfalto, como hierbajos. De acuerdo en que en UK no hay una gran tradición brutal, pero si lo más granado del death metal. TWITCH OF THE DEATH NERVE no llega aún a ese primer nivel, pero el pasado 2020 se colocaron sin duda en el trampolín con «A Resting Place for the Wrathful», de lo mejorcito del bdm del año junto a los trabajos de GORATORY, DEFEATED SANITY o DEEDS OF FLESH. Formados en 2005 y estancados hasta 2014, donde presentaron el digno debut «A New Code of Morality», que todos escuchamos al contar con Lille Gruber a la batería, dejaban detalles de lo enfermo y violento que puede llegar a ser el brutal death de corte clásico en su propuesta. Recordaban a esos 90 de CRYPTOPSY en los riffs, intros y densidad MORTICIAN, transiciones DEVOURMENT y sobre todo el desquicio de DEEDS OF FLESH, pero faltaba originalidad y una producción a la altura. Como he comentado, superaron estas carencias con el asombroso «A Resting Place for the Wrathful», donde insistiendo en ese bdm clásico, hiperagresivo y denso, hicieron de cortes como «Ochlocratic Prostrarion» o «A Witness of Ruination», fusionando locuciones y manejo del tempo, una seña de identidad, sumado a ese multiregistro de Bradfield que mezcla el gurling/squeal/growl con los screams de una segunda voz demencial. Escuchad «This Sickening Frailty» o «Promulgation of Infected Innards». Ahora el trío londinense presenta el EP «Beset by False Prophets», de nuevo a través de Comatose Music. Contiene cuatro cortes, probablemente descartes de «A Resting…», que en caso de estar en lo cierto, opino que decidieron bien ya que hubieran deslucido el trabajo, haciéndolo repetitivo y cansino, uno de los grandes males del género. Los cuatro temas publicados ahora lucen más y dan continuidad y forma a su identidad además de mantenerles bien posicionados. Me hacen sentir haber interiorizado sus insanas intenciones, sobre todo en la espectacular «Facadism», que navega por lo más terrorífico del OSDM con blastbeat demoledor y a la altura de los mejores. O los nuevos ataques de ira anticlerical en «The Wages of Faith» o «At the Trial of Exhumed Pope» con riffs


a discreción, bajo poderoso y ricas fases de plomo/slam y hedor retro a lo DYING FETUS (amén). Pero sinceramente, lo mejor del EP ha sido comprobar lo fieles que suenan en directo, ya que el EP incluye 9 cortes grabados en vivo en el RCA lisboeta en Enero de 2020. Una demostración de poder, energía, indignación y violencia además de técnica y profesionalidad, demostrando que pasaban por su mejor momento antes de esta puta pandemia. El setlist se compone casi por completo por los temas de «A Resting…», que iban a publicar meses después, de ahí la frialdad del público sumado a que se trataba de un festival, y que ahora me dejan impresionado. Buena maniobra de Comatose y de TotDN con este «Beset by False Prophets». Justo ayer mirando el FB de DEVOURMENT, la banda lanzaba la pregunta «¿Con que banda/s os gustaría vernos girar?». Leí mucho CANNIBAL CORPSE, DEEDS OF FLESH, MORTICIAN, DYING FETUS, VISCERAL DISGORGE y alguien apuntaba sabiamente a WORMED. Pues yo daría una oportunidad a TWITCH OF THE DEATH NERVE , la misma banda que te diría si me preguntas quién hace buen brutal death en UK. SCHEITAN 8.5/10

WHEN WAVES COLLIDE (ITA) CHASM ANTIGONY RECORDS, 2021

Volvemos una vez más, oh, niños y niñas, al mar. Como cantaban los HEROES DEL SILENCIO hace más de tres décadas, el mar no cesa. Porque conocemos más de la Luna o de Marte de lo que sabemos del mar y de sus profundidades. El otro día, utilizaba los sími-

les de mar con HELEVEN; más de una vez y más de dos, he utilizado las referencias al gigante azul… Porque cuando uno se refiere al mar, a los océanos, todo, absolutamente todo, es distinto. El mar, la mar, como declamaba Alberti… Tan evocador, tan mesmérico, tan enorme… ¡Colorea y aprende con Teo! Pues hoy, una vez más, volvemos a las azules aguas del mar. ¿Recordáis a Bruce Lee enunciando los principios del agua? El agua puede ser blanda, fluida y, a la vez, golpear hasta romper las rocas, ¡Be water, my friend!. Pues a ello vamos: WHEN WAVES COLLIDE son un grupo de Post parisino y sí, efectivamente, golpean como el agua. “Chasm” es su primer EP (bueno, en realidad tienen varios trabajos lanzados, pero ninguno de la duración de este). Y ya sabemos lo que me gusta un buen lanzamiento de Post. No vamos a descubrir nada, pero es que el mar es infinito y con su eterno movimiento de vaivén, aquí estamos de nuevo comentando un trabajo de Post Rock instrumental. “The Fallen” ya me enamora con su reverberación simplista y sólida, la atmosfera y el ambiente frente a la complejidad o a otros lanzamientos más presuntuosos. Ecos de ISIS, de RUSSIAN CIRCLES, de los patrios TOUNDRA, EADH o SYBERIA. ¿Pero y qué más darán las influencias, si suenan cómo éste grupo o aquel? “Cataclysm” continúa con el viaje de escenas, de sentimientos convertidos en música, cuatro músicos centrados en lo complejo: contar una historia sin palabras, apelando directamente a lo que nos hace realmente especiales como género, los sentimientos. “Dark matter” es otra demostración del poderío de la banda, aunando una instrumentalización inspirada e inspiradora para atacar el tema más largo del EP, “Chimera”. Como el animal mitológico, cabeza de león, cuerpo de cabra y cola de serpiente, así es el tema. Del evocador e hipnótico inicio, la banda va enlazando fragmentos, las guitarras dibujan melodías, entra la batería, los brillantes platos y se lanzan al arrullo electrificado, a las capas, a la progresión de acordes y de atmósferas… éste no es el lugar dónde las olas chocan y arrancan pedazos de roca; éste es el lugar dónde las olas te mecen y hacen que desees dejarte llevar. “Omen” nos urge a continuar con la escucha y desgranan otro tema impecable que dejará más que satisfechos a los puristas del Post. Cerramos el EP con

“Standing”, con una melódica linea semejante a un adaggio que pone el vello de punta. El Post es lo que tiene: ya están escritas todas las reglas y todas las canciones son realmente conmovedoras y emotivas. WHEN WAVES COLLIDE están en esa senda y son como el mar: te mecen y te golpean. Para los amantes del género, representan una nueva zambullida en él, en apariencia, infinito universo del sonido Post Rock instrumental. Pero aquí hay para todos: para ti, para el que lo escucha de forma habitual o para el que lo hace de forma esporádica, para mí, para tu tía Puri, para tu sobrino… Es lo que tiene el mar, que es infinito y todos tenemos cabida en él. CESAR LUIS MORALES 8.7/10

WYTHERSAKE (USA) ANTIQUITY SCARLET RECORDS, 2021

“Antiquity” es el álbum debut de este conjunto norteamericano llamado WYTHERSAKE, que ha sido publicado gracias al sello italiano Scarlet Records (FROZEN CROWN, DEATHLESS LEGACY, THY KINGDOM WILL BURN…). Desde Washington D.C. y de creación en 2016, nos traen diez canciones en más de cincuenta minutos, de un sinfónico black/ death metal, en el que podrás apreciar algunas similitudes con bandas tipo DIMMU BORGIR, FLESHGOD APOCALYPSE, HYPOCRISY… Potente y limpio sonido el que han logrado en la producción del álbum, que arranca con “Prediluvian”, una especie de introducción, con unos teclados, voces tanto guturales como limpias y profundas, que tienen un

aire gótico, oscuro y marcan las pautas a seguir. Desemboca pues, en el tema título, de manera agresiva y veloz, aunque sólo nos confirma lo que acabamos de señalar. Los teclados tienen un papel predominante, así como las melodías de las guitarras y unos solos elegantes, más bien de tipo virtuoso junto a una batería, que es un auténtico vendaval, escucha cualquiera de los dos cortes siguientes (“The Advent” o “From a Serpent Spoken”) para confirmarlo. El resto del disco transcurre por los mismos derroteros, sin mucho más que añadir, es decir, si te cautivan te gustará, de lo contrario, perderás irremediablemente el tiempo y caerás en el aburrimiento total, condenando esta obra al ostracismo. “Through Ritual We Manifest”, es una canción de nueve minutos de duración con constantes cambios de ritmo, paradas y continuaciones, con esa atmósfera creada, envolvente y cautivadora. “Lamentations”, nos obsequia con un descanso ambiental e instrumental, para tomar aire y afrontar los últimos compases de este material, donde el final “My Profane Goddess”, brilla por sus pasajes melódicos. “Antiquity” ha sido grabado en los Sound Room Media, mientras que la formación de WYTHERSAKE, está compuesta por Gabriel Luis (voz y guitarras), Daniel Salamanca (batería), James Siegrist (también guitarras) y Cody Bowen (bajo). Portada desde Suecia a cargo de Alvaro Valverde (UNANIMATED). Nada más que añadir, letras gnósticas y apóstatas que se combinan con la música y redondean la propuesta de estos norteamericanos. Se dejan escuchar y puede que se ganen un hueco, entre tus descubrimientos del año en cuanto a nueva hornada se refiere. ROBIN RM 6/10


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