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HERETIC SAVIOUR - SUPPRESSION OF HUMANITY

mistweaver - swansong

PORK TRUE - The Indestructible I

DEATH METAL - MCD / DIGITAL - 2021

MELODIC DEATH - CD / DIGITAL - 2021

DEATH METAL - CD / DIGITAL - 2020

EXSANGUINATION ENTRAILS - Apocalyptic desires

VAGINAL ANOMALIES - VIOLENT DEVOTION TO KILL

EERIE - END OF AN ERA

BRUTAL DEATH - CD / DIGITAL - 2020

BRUTAL SLAM - CD / DIGITAL - 2020

BLACK METAL - CD / DIGITAL - 2020

NEMESIS - THE BEGINNING OF ... INFERNO - Basado en hechos reales DEATH METAL - DIGITAL - 2019

THRASH METAL - CD / DIGITAL - 2019

sad eyes - viv0

ENDLESS - MAD SICK MIND

DEATH METAL - CD / DIGITAL - 2018

DEATH METAL - CD / DIGITAL - 2018

SEMPER - KHÁOS

INFERNO - GENÉTICA HUMANA

PROGRESSIVE METAL / DJENT - CD / DIGITAL - 2018

THRASH METAL - CD / DIGITAL - 2017

the hole - the wrath ep

GATHERING DARKNESS - THE HEAT OF A...

DEATH / THRASH - CD / DIGITAL - 2017

DEATH METAL - CD / DIGITAL - 2017

BOLU2DEATH - SPIRAL METAL - CD / DIGITAL - 2018

ABSENTA - EEL POST BLACK - CD / DIGITAL - 2016

NECROMANCERECORDS.ES | info@necromancerecords.es APDO. DE CORREOS 66 - 38320 LA CUESTA - S/C DE TENERIFE - ESPAÑA BANDCAMP: necromancerecords.bandcamp.com - INSTAGRAM: Www.instagram.com/necromancelabel SOUNDCLOUD: soundcloud.com/necromancerecords - FACEBOOK: soundcloud.com/necromancerecords YOUTUBE: soundcloud.com/necromancerecords - tienda online: necromancerecords.bigcartel.com


#85 EDITORIAL DIRECCIÓN DE CONTACTO NECROMANCE MAGAZINE Apdo. de Correos 66 38320 La Cuesta - Tenerife - España digitalmag@necromance.eu

DIRECTOR David Déniz Plaza

EDITOR | REDACCIÓN | PUBLICIDAD David Déniz Plaza

MAQUETACIÓN | DISEÑO David Déniz Plaza

COLABORADORES EN ESTE NÚMERO Alicia Castaño, Antonio Pardo, Ataegina Moon, Carlos Bermejo, Cesar Luis Morales, Daniel Gallar, Jesús Muñoz Caballero, José Costales Lancharro, José Pozas Milla, Juan Angel Martos, Kike Molla Tormo, Luis Martínez, Robin RM.

PORTADA Balmog

CONTENIDO | ÍNDICE SECCIONES REGULARES 08 EDITORIAL 10 RECOPILACIÓN DIGITAL 30 REVIEWS (NOVEDADES)

ENTREVISTAS 15 LÉPOKA 16 LOS MALES DEL MUNDO 18 HEADON 19 KOLECTIVO SUICIDA 20 BOREAL 22 BALMOG 26 BLOOD OF US 28 NOVA ERA

BANDA PORTADA (BALMOG)

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Volumen 58

VOLUMEN 58

CONTENIDO 01. BALMOG (ESP) SENREIRA WAR ANTHEM RECORDS

Álbum: Eve (2021)

02. LÉPOKA (ESP) EL PICORSITO ON FIRE RECORDS

Álbum: El baile de los Caídos (2021)

03. LOS MALES DEL MUNDO (ARG) THE SILENT AGONY NORTHERN SILENCE PRODUCTIONS

Álbum: Descent Towards Death (2021)

04. HEADON (ESP) REVOLUCIÓN ON FIRE RECORDS

Álbum: Génesis (2021)

05. KOLECTIVO SUICIDA (ESP) VOLVER ON FIRE RECORDS

Álbum: Volver (2021)

06. BOREAL (COL) HOMO HOMINI LUPUS AUTOFINANCIADO - SELF FINANCED

Ep: Las Mariposas Agitan sus Alas (2021)

07. EMPIRE OF DISEASE (ESP) PANIC AND PAIN WORM HOLE DEATH

Álbum: With All My Hate (2021)

08. BLOOD OF US (ESP) THE FALL JM RECORDS

Single: Here Comes the Fall (2021)

09. NOVA ERA (ESP) RUN FOR YOUR LIFE ON FIRE RECORDS

Álbum: The Curse (2021)

NECROMANCEDIGITALMAGAZINE.BANDCAMP.COM


LÉPOKA

LÈPOKA ES UN SEXTETO VALENCIANO DE FOLK METAL QUE INICIA SU ANDADURA EN 2009 Y QUE BAJO EL AUSPICIO DE ON FIRE RECORDS LANZARON SU CUARTO LP “EL BAILE DE LOS CAÍDOS” HACE UNOS MESES. A TRAVÉS DE LAS SIGUIENTES PREGUNTAS VAMOS A TRATAR DE ACERCARNOS A SU MUNDO. En primer lugar, me gustaría felicitaros por vuestro último lanzamiento, “El Baile de los Caídos”. Muchas gracias por este espacio y nos alegramos mucho que el disco os guste tanto como a nosotros. Un honor. ¿Cómo ha sido recibido este álbum hasta ahora por los fans? Pues como no podía ser de otra manera, ya que tenemos los mejores seguidores del mundo, el disco fue recibido con muchísimo amor e ilusión. Estuvo en preventa durante varios meses y nuestros fans no dudaron adquirirlo para apoyar a la banda en esos momentos tan difíciles que hemos tenido que vivir. ¿Cómo surge LÈPOKA? Hace ya once años que la banda hizo sus primeros ensayos. Y desde ese momento y tras varios cambios de formación nos hemos convertido en la banda que somos hoy en día con cuatro discos en la calle. Muchos años de duro trabajo a las espaldas para ver los resultados que estamos viendo en los últimos años. Sólo podemos sentir alegría y orgullo del trabajo grupal bien hecho. ¿Cuáles son vuestras influencias musicales? Somos una banda con gustos que abarcan desde el metal más extremo con bandas de cabecera como Pantera, Lamb of God etc hasta bandas de ska como La Raíz o Ska-P. Siempre pasando por nuestras influencias más directas como Mägo, Korpiklaani, Eluveitie etc. ¿Cómo creéis que ha evolucionado vuestro sonido desde anteriores trabajos? Creemos que hemos terminado adquiriendo un sonido personal sin etiquetas. En este último disco te puedes encontrar riffs pesados de guitarra, pasajes

celtas con violines, flautas, acordeones y gaitas y también pasajes trompeteros que recuerdan a noches de primeros días de mayo en Villarrobledo. ¿Cómo es el proceso de creación de una canción vuestra? ¿Existe ya un tema establecido para cada canción o se establece primero la composición y luego la letra de las canciones? Siempre intentamos tener claro a nivel lírico de qué queremos hablar y sobre una temática empezamos a crear la música. Otras veces quizá suele ocurrir al revés. Con una música ya compuesta intentamos ver a qué temática nos suena y ya hacemos la letra en base a ello. Todo depende. Debido a que en LÈPOKA sois seis músicos, ¿cómo conseguisteis organizaros para componer este álbum y cómo fue el proceso de grabación en tiempos tan difíciles como en la pandemia actual? Dos puntualizaciones. En Lèpoka a día de hoy y desde hace ya un mes y unos días somos 7 músicos ya que se ha incorporado al violín el gran Dani Fuentes. Respecto a la grabación de «El baile de los caídos» se grabó en el verano de 2019 antes de nuestra gira mexicana y fue en condiciones 100% normales. Qué es tiempos aquellos (risas). Contáis con el apoyo de On Fire Records. ¿Qué nos podéis contar sobre esta colaboración? Pues que son una enorme agencia que crece a pasos agigantados. Siempre hemos ido creciendo poco a poco de la mano de Tomás y es un jodido placer trabajar con él e ir sumando hitos día a día incluso en tiempos de pandemia. ¿Cómo os planteáis la promoción del LP? ¿Intentaréis realizar conciertos, a pesar de la frialdad que representa tener al público sentado, o viendo

que se están cancelando la mayoría de ellos a pocos días de su celebración buscaréis otra forma de hacer llegar vuestro trabajo al público? Hemos optado por mezclar ambas. Después de cancelar en 2020 la mayoría de los principales festivales a nivel nacional donde Lèpoka estábamos confirmados, nos propusimos crear una página de Patreon. La gente puede apoyar económicamente a la banda desde cantidades muy pequeñas y a cambio obtienen recompensas exclusivas como estar en chats con los miembros de la banda y muchas otras cosas. Toda la info en patreon.com/lepoka ¿Cómo veis la escena nacional?, y ¿cómo os trata dicha escena? Me refiero a qué os habéis encontrado vosotros, cómo os tratan los medios, las discográficas, … Estar en la escena tienes que ganártelo. Y Lèpoka llevamos años luchando duro contra viento y marea para estar donde estamos y recibir el respeto que recibimos a día de hoy como banda. Todo se basa en trabajo, trabajo y más trabajo. Aunque mirar al futuro ahora mismo parece complicado… ¿qué planes tenéis? Estamos trabajando muy duro con Tomás de on fire para confirmar confirmar más y más fechas durante este 2021. Ojalá sea así y despertemos pronto de esta pesadilla. Y ya para terminar me gustaría felicitaros nuevamente y daros las gracias por atender a Necromance Magazine. ¿Hay algo que os gustaría decir a nuestros lectores? Gracias por apoyar la buena música y por dedicar unos minutos en leer esta entrevista. ¡Que os folken! Ataegina Moon NUM. 85 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 15


LOS MALES DEL MUNDO DESDE BUENOS AIRES, ARGENTINA, DESCUBRIMOS Y HABLAMOS CON LOS MALES DEL MUNDO, UN GRUPO QUE ME HA SORPRENDIDO GRATAMENTE Y QUE ACABAN DE SACAR SU PRIMER ÁLBUM, “DESCENT TOWARDS DEATH”, TRAS UN PRIMER EP EDITADO EN 2020, “L.M.D.M.”, ACRÓNIMO DE SU PROPIO NOMBRE. DESPLIEGAN UN BLACK METAL TAN CONTUNDENTE COMO ATMOSFÉRICO Y DESDE NECROMANCE MAGAZINE NOS PUSIMOS EN CONTACTO PARA AHONDAR UN POCO MÁS EN LA CONFECCIÓN DE SU TRABAJO.

Primero de todo daros las gracias por atender a esta entrevista y la enhorabuena por vuestro discazo. Para los que aún no os conozcan desde este lado del Atlántico ¿Quién se oculta tras LOS MALES DEL MUNDO?, además es un nombre tan actual con todo lo que está ocurriendo entre la pandemia mundial, blacklivesmatter, corrupción… ¿Cómo surgió la idea del nombre? Cristian: LMDM está compuesto por Dany Tee y Cristian Yans, contando con NikitaKamprad como músico invitado y productor. Con respecto al nombre de la banda podemos decir que surge como una decantación de los conceptos volcados en el proyecto. Durante mucho tiempo estuvimos enfocados principalmente en la música sin preocuparnos por el nombre de la banda, y si bien en su momento habíamos pensado varios nombres en inglés y luego en alemán, no nos terminaban de convencer. Nikita sugirió entonces que el nombre fuese en español y nos pareció interesante esa idea. Ya casi en la etapa de mezcla y luego de casi 4 años de trabajar los temas, un amigo que nos estaba ayudando con la traducción de las letras, mencionó que todos los temas parecerían describir “los males del mundo” y curiosamente uno de los textos que habíamos estado trabajando y que aportaron algunas ideas a las letras, era un libro de Schopenhauer titulado “Los dolores del mundo”. Esa coincidencia entre dicho comentario y el texto mencionado nos pareció 16 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 85

genial y creo en ese momento nos dimos cuenta que ese era el nombre que necesitábamos, el nombre que estábamos buscando y que sin querer surgió manifestándose ante nosotros. “DescentTowardsDeath”, es vuestro primer LP, que por lo que tengo entendido, lleváis involucrados en él casi dos años, es decir, mientras lanzasteis vuestro Ep de debut, ya estabais con el álbum ¿no? ¿Cómo habéis ido creando vuestro sonido, tan contundente como atmosférico y con una gran variedad de ritmos y giros, pero con una consistencia perfecta? Dany: En realidad, la composición comienza a finales del 2016 y los primeros dos temas que compusimos fueron aquellos temas que se lanzaron luego en el EP. Todo el proceso de composición está de alguna forma conectado, pero ese EP es un poco más directo y quizás está más enfocado a un BM melódico, mientras que los temas que compusimos para el “DescentTowardsDeath” tienen otro trabajo compositivo que fuimos encontrando a medida que con Cris trabajábamos en todo el concepto detrás del álbum. El proceso creativo fue de alguna forma algo cíclico, con muchas de idas y venidas, creábamos la melodía de los temas, los riffs, luego experimentábamos con diferentes patrones rítmicos y luego yo escribía las letras y realizaba algunas maquetas con la voz. Después de

todo ese proceso volvíamos al principio, a la música, para corregir algunas cosas, para empezar todo el proceso de nuevo, como un círculo, una y mil veces modificábamos la música y la letra hasta sentir que la pista había llegado al punto donde sentíamos que tenía que ir, habiendo probado todas las permutaciones posibles y sin dejar nada librado al azar. Quizás esa es la razón por la cual las letras están tan conectadas con la música ya que ambas se iban creando y modificando entre sí. Vuestro artwork o mejor dicho vuestros artworks, me encantan, ambos quedan enmarcados dentro de la nueva ola de black metal, que se separan un poco de las portadas tradicionales, lo cual agradezco, ¿Quién lo ha realizado? ¿Habladnos un poco de la temática del álbum y del significado de vuestro artwork? C: El Artwork estuvo a cargo de MattLombard quien es un talentosísimo artista de USA que ha trabajado con bandas como Cradle Of Filth, Mortiis, Combichrist, entre otras. Nos gustaba mucho su trabajo de manera que nos pusimos en contacto con él y le comentamos lo que teníamos en mente, le pasamos el disco y le encantó la propuesta, nos mostró material en el que había estado trabajando y que creía que iría a la perfección con el concepto detrás de la música, y así fue. Elegimos algunas imágenes que él nos pro-


porcionó que parecían estar en íntima conexión con nuestra idea, de a poco todo se fue ensamblando como un gran rompecabezas. Finalmente el Layout estuvo a cargo de Alejandro Morales de ImperfectDesign. Por ahora vuestro trabajo de estudio ha sido realizado por NikitaKamprad, quien además pone las líneas de bajo en vuestros trabajos hasta la fecha ¿Habladnos un poco de cómo ha sido este proceso de grabación y la conexión argentino-germana? ¿alguna anécdota que nos puedas contar, ya que siempre hay alguna? D: Con Nikita comenzamos una amistad allá por el 2009 cuando con Der WegEinerFreiheit sacaron su demo. Ahí nos contactamos por Myspace y empezamos a intercambiar mails que a lo largo de los años fueron generando una amistad y siempre mencionábamos la idea de trabajar juntos pero debido su agenda ajustada íbamos postergando esta idea, hasta que en 2016 cuando comenzamos a trabajar con Cris en LMDM todo parecía encajar y Nikita se sumó como bajista invitado y se hizo cargo de la producción del material. Desde el comienzo trabajamos ciertos lineamientos que marcaron la dirección sonora que tomaría el proyecto. Nikita no participó de la composición de la música (salvo sus líneas de bajo) pero sí estuvo a cargo del asesoramiento y producción para guiarnos en el sonido que queríamos lograr. Es un músico increíble, pero sobre todo, es un productor excepcional, entendió rápidamente para donde queríamos ir y nos ayudó a lograr el sonido que buscábamos. Es súper meticuloso, recuerdo que luego de casi un año y medio de escribir todas las baterías, editando y humanizando golpe por golpe cada una de las bases del disco, le mandamos los archivos ya convertidos a audio y a los pocos días nos indica de que escuchaba “algo raro” en el bombo, en el minuto tal y tal, al revisar con detenimiento la pista notamos que efectivamente por un error de edición, un golpe había quedado pisado por una fracción de segundos a otro golpe de bombo, algo que solo puede verse con un terrible zoom o solo puede ser oído por una persona obsesivamente enferma (estamos hablando de algo que sucede en una fracción de segundo en una base de un tema en pleno blast beat ). Ahí con Cris comenzamos a reír ya que sabíamos que habíamos encontrado a alguien más enfermo de los detalles que nosotros dos y eso, es algo difícil de encontrar. De manera que todo el trabajo se dio entre los 3 estando lejos, pero a la vez muy conectados con cada aspecto del álbum, cada cosa está ahí por una razón y contiene un sinfín de detalles que uno va descubriendo a medida que se adentra en cada tema. O al menos, esa es la idea. También me alegra mucho que trabajéis o difundáis vuestro trabajo por Europa, porque a veces estos trabajos son muy complicados de adquirir. ¿Cómo os decidisteis por Northern Silence Productions? Al principio, tuvimos algunas ofertas de sellos interesados, pero después de más de 3 años de trabajo, la pandemia trajo grandes cambios, y nos encontró con el disco terminado y sin un sello para editarlo. Teníamos el Ep, así que decidimos publicarlo mientras buscábamos un sello que quisiera lanzar el álbum. Desde hacía varios años, teníamos los ojos puestos en NSP por su buen catálogo y por los buenos comentarios de amigos que habían trabajado con ellos en el pasado, así que nos pusimos en contacto con ellos vía email. Recibimos una respuesta al día siguiente e inmedia-

tamente empezamos con los detalles de la firma del contrato. Si tuviera que elegir algunos temas para que me hablaras de ellos, me quedaría sin lugar a duda con “NothingBut A Lie”, “Eternal Circle Of VainEfforts” o “The Heavy Burden”, aunque el álbum al completo es un todo sin interrupciones, si no tengo entendido mal, es un trabajo conceptual.¿Qué historia guarda en su interior cada uno de estos temas? ¿Cuál ha sido el más difícil de componer? C: Así es, DTD es un disco conceptual y realmente no hay una canción que se destaque por ser la más difícil, ya que el compromiso estuvo desde el primer minuto hasta el último de su producción. Es un álbum muy especial para nosotros; creo que los dos estamos de acuerdo en que es el trabajo más desafiante que hemos realizado hasta el día de la fecha. Hemos puesto mucha energía en él y se ha convertido en algo muy personal, tanto desde lo técnico como desde lo emocional. Sentimos que al escucharlo, cada canción crea su propia tensión que se resuelve en la siguiente, conectando una con otra. Es necesario escucharlo de principio a fin, como una obra completa. El propósito de la banda, es intentar mover al oyente a sentir algo, a pensar, a dejarse llevar por la música, las letras, el concepto visual del disco, con todo lo relacionado a él. Que cada uno se identifique con su propia historia o con lo que el disco le genera, sacando así sus propias conclusiones. Creemos que la música y el arte en general deben mover al oyente a escapar de los límites racionales y dejarse llevar en un viaje introspectivo. Al ser un dúo, Cristian Yans (guitarra) y Dany Tee (voz, batería, letras) ¿vuestro proyecto lo lleváis al directo? ¿Y si es así, algo a la vista para este 2021 o 2022? C: Aunque LMDM fue pensado desde un principio como un proyecto de estudio, no descartamos la idea de llevarlo al vivo, pero para que esto se concrete, deben suceder muchas cosas. Ahora mismo estamos trabajando en la promoción de nuestro primer disco. Creo que para finales de este año o principios del próximo, si la pandemia lo permite, comenzaremos a trabajar en las canciones para nuestro segundo álbum. Tenemos otro proyecto de Black Metal en el que estamos trabajando que está desde su concepción pensado para ser ejecutado en vivo, probablemente para fin de año lo tengamos listo para presentar y ahí veremos cuando comenzamos con los shows. En estos momentos de incertidumbre y en plena

pandemia mundial, ¿Cómo se está viviendo la situación en vuestro país? ¿Qué planes de futuro estáis considerando tras paralizarse los eventos culturales?, ¿se están volviendo a retomar los directos poco a poco? C: En nuestro caso, hoy en día estamos tratando de volver a la rutina, pero apenas pudimos juntarnos para seguir trabajando en nuestros proyectos. Durante el día debemos ocuparnos de nuestros empleos (yo soy empleado en una Entidad Deportiva y Dany es Psicólogo Clínico). A eso se suma que ahora estamos cursando la segunda ola de contagios, por lo tanto, aparecen nuevas restricciones, tanto en el transporte, como en el horario nocturno. Realmente se nos dificulta juntarnos y trabajar de la forma en la que habíamos creado LMDM. Nuestro objetivo a corto plazo es poder conectar poco a poco con la música nuevamente, y estar 100% enfocados para incluso redoblar la apuesta, grabar nuestro segundo álbum con Los Males del Mundo y seguir trabajando en otros 3 proyectos en los que también estamos involucrados. De la escena black metal en Sudamérica, pero más concreto en Argentina, no tengo muchos datos, solo conozco a NOCTURNAL EVIL, aunque mucho más underground o EVODRAMA, banda de black metal sinfónico. ¿Cómo son los inicios del black metal en vuestro país? ¿y en la actualidad? con vosotros da un pequeño salto de calidad y no lo digo por quedar bien. D: En la región y específicamente en Argentina siempre hubo una escena extrema muy reducida, pero aún así desde la década de los 90s han existido bandas tanto de Death Metal, Thrash como también de Black Metal, aunque en acá el Black siempre ha sido el menos popular de todos los géneros extremos. Las primeras bandas han tenido un sonido bastante crudo ya que en ese momento el género se estaba gestando y obviamente las bandas nacionales también imprimían esa crudeza en las grabaciones. Incluso hoy en día siguen activas bandas de la vieja época como por ejemplo Templo Negro y Windfall y actualmente hay varias bandas relativamente nuevas, pero con miembros de las primeras bandas de los 90s como es el caso de Genuflexión, Hermon, Baxaxa, Horda Profana, por nombrar algunas. También han surgido nuevos proyectos como Demiurgo o bandas con un sonido más pulido orientadas a algo más moderno como Psicosfera que combina elementos disonantes en la vena de un BmAvant-garde, o Mortuorial Eclipse haciendo un BM sinfónico con algunos elementos del death metal. Siempre me gusta conocer algo más de otras culturas diferentes a las europeas, ¿Qué bandas de vuestro país o cercanas podríais recomendarnos para conocerlas y descubrirlas? ¿Algunas de otros géneros diferente al vuestro que escuchéis? Sin establecer un orden de ningún tipo podría mencionar a Genuflexión, Psicosfera, Plaguestorm, Avernal, Mortuorial Eclipse, Ancestrum, M28, Medium, Amoklauf, Mostro, Sur Oculto, por nombrar algunas. Un placer poder hablar con vosotros, desde Necromance Magazine, las últimas palabras son vuestras. El placer es nuestro, muchas gracias por la entrevista y la difusión. Un saludo enorme también para todos aquellos que nos apoyan compartiendo o adquiriendo nuestro material. Nuevamente gracias a todos. Juan Angel Martos NUM. 85 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 17


HEADON

HEADON ES UNA BANDA DE HEAVY METAL NACIDA EN MURCIA HACE MÁS DE 10 AÑOS QUE ESTÁ PRESENTANDO SU ÚLTIMO TRABAJO, “GÉNESIS”, LANZADO A PRINCIPIOS DE MARZO DE LA MANO DE ON FIRE RECORDS. NECROMANCE MAGAZINE CONTACTÓ CON LA BANDA PARA HABLAR SOBRE EL LP, LA PROMOCIÓN Y CÓMO LA PANDEMIA DE COVID-19 LES ESTÁ AFECTANDO.

hay temas como Asphyxia o Hasta el Final que sorprenderán al público, temas más densos y cargados de arreglos que la gente no pasará por alto.

Antes de nada, quería felicitaros por vuestro álbum “Génesis” del que tuve el placer de realizar una “review” hace unos días. Para iniciar esta entrevista me gustaría que nos hablarais sobre vuestros inicios en la música y sobre la trayectoria que habéis llevado. ¿Cómo surgió la banda? Antes de nada, muchísimas gracias. Para nosotros es un placer estar aquí. Headon surgió allá por el 2006… de la mano de Juan Salinas (ex bajista) y Andy Martínez como un proyecto de colegas de clase amantes de la música que, en sus ratos libres, quedaban para aporrear instrumentos e intentar hacer música.

En los últimos meses se están anunciando festivales y conciertos en salas para las próximas fechas y parece que poco a poco todo se va normalizando. ¿Cómo os ha afectado a vosotros la crisis del COVID-19? Ha sido muy duro. Publicar un álbum y no poder presentarlo en directo es complicado… pero bueno, estamos todos un poco en la misma situación. Debemos ser pacientes y prepararnos a conciencia para que, en cuanto nos dejen, salir a comernos los escenarios. Desde hace meses ya están habiendo shows, eso nos motiva. Ya se ve la luz al final del túnel.

Acerca de vuestras influencias musicales… ¿Qué grupos os han marcado más? ¿Cómo han ido evolucionando estas influencias a lo largo de los años? Al principio bebíamos mucho de bandas españolas como Avalanch, Saratoga, Warcry, Mago de Oz… etc. Estas bandas marcaron nuestra adolescencia y nuestra inquietud musical. Con los años fuimos abriendo más el abanico y nuestros gustos también fueron cambiando… llegaron los Alter Bridge, Shinedown, Sleep Token, Avenged Sevenfold etc. En «Génesis» quedan registradas todas estas pinceladas musicales que, hoy en día, han forjado un poco nuestro estilo. ¿Cómo funciona el proceso creativo en HEADON? ¿Estáis usando el mismo método ahora que en vuestros trabajos anteriores? Si, siempre solemos trabajar de la misma manera. Empezamos con un riff, lo desarrollamos y una vez tenemos clara la estructura de la canción le metemos caña a las melodías. Tenemos una manera un tanto peculiar a la hora de componer, y es que nunca terminamos más canciones de las que va a contener el disco. Es decir, si decidimos que el próximo álbum va a constar de 11 canciones, solo terminamos 11 canciones. Nos enfocamos al 100% en ellas y no perdemos ni un segundo en canciones que se quedan en el limbo y dudosas de entrar al final. Ideas siempre tenemos 18 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 85

muchas, pero una vez empezamos a desarrollar una canción vamos a muerte con ella. El tema “Revolución” cuenta con dos invitados: Rubén Kelsen de DÉBLER y Ángel Ortiz de DAERIA y en “Fuego” colabora Carmen Xina de ADAMANTIA. ¿Cómo surgieron estas colaboraciones? Revolución es un tema con un mensaje muy optimista y positivo. Necesitábamos acentuarlo, y que mejor manera de hacerlo que uniendo en una misma canción a Andy, a Rubén y a Ángel. Desde el primer momento teníamos claro que Ángel y Rubén tenían que formar para de esto. Todo fue posible gracias a nuestra compañía «On Fire Records» y a su director Tomás Quilez que fue quien lo gestionó todo. Eternamente agradecidos. Revolución ha convertido en un himno para la banda. En Fuego también teníamos claro que la voz femenina que iba a acompañar a Andy era la de Carmen Xina. Para esta canción necesitábamos una voz femenina con unos matices dulces y a la vez desgarradores y para eso Carmen es la mejor. Contactamos con ella, le pasamos la canción y el resto es historia. Fuego trata sobre la historia de amor entre Geralt de Rivia y Yennefer (The Witcher). Ahora que ya han pasado unos meses desde el lanzamiento de vuestro LP… ¿satisfechos con la respuesta que estáis recibiendo? Si, estamos muy emocionados con el feedback tanto de los fans como el de la prensa especializada. Muchos halagos y buenos comentarios. Nos mantiene muy motivados leer las reseñas y los comentarios de la gente en los vídeos. Sólo podemos dar las gracias y prometer seguir trabajando y dando nuestro 100%. En vuestra opinión, ¿cuáles son las canciones del nuevo disco que van a funcionar mejor en directo? Sombras, Estoy Aquí, Revolución, Sigo en Pie, Fuego, Inmortal o Sentencia son temas con muchísima energía y muy potentes, que en directo tronarán. Después

¿Cómo creéis que se verá la industria de la música una vez que termine esta pandemia? Afectada y muy mermada. Muchas salas han tenido que cerrar. Esto ha sido un mazazo muy duro para todos. Debido a esto también se ha agilizado todo lo que tiene que ver con compartir tu música a través de Internet. Plataformas como Spotify y YouTube son el futuro. Ya se vislumbraba antes, pero ahora ya es una realidad. ¿Qué próximos proyectos tenéis en mente? Seguiremos creando contenido y promocionando este Génesis con más videoclips, versiones en acústico de los temas e, incluso, un mini DVD que grabaremos en verano para que vea la luz este otoño. Todo esto mientras planificamos la gira, por supuesto! Y ya para terminar me gustaría daros las gracias por atender a Necromance Magazine durante esta entrevista. ¿Hay algo que os gustaría decir a nuestros lectores? Gracias a vosotrxs por invitarnos a pasar este buen rato con vuestros lectores y nada, agradecer a nuestros seguidores todo el apoyo que nos brindáis día tras día. Ya falta menos para que nos volvamos a ver las caras!. Saludos. Ataegina Moon


KOLECTIVO SUICIDA Para iniciar esta entrevista me gustaría que nos hablarais sobre vuestros inicios en la música y sobre la trayectoria que habéis llevado. ¿Cómo surgió la banda? Bueno, pues la historia se remonta a finales de 1996, cuando dos bandas amigas decidieron unir fuerzas. Llegamos a ser 8 en el escenario. La gente se fue desenganchado hasta que quedamos Manolo y yo. Pronto se unió Maxi y después fue llegando y marchándose gente hasta la formación actual. En esos casi 25 años hemos grabado 7 discos y tocado ininterrumpidamente por todos los lugares donde hemos tenido oportunidad. Acerca de vuestras influencias musicales… ¿Qué bandas os han marcado más? ¿Cómo han ido evolucionando estas influencias a lo largo de los años? En nuestros inicios éramos de S.A. y Sepultura principalmente, mezclado con las influencias individuales de cada uno. A lo largo de los años, las influencias evolucionaron a la par que nosotros mismos y nos podemos encontrar desde Triana, In Flames o Disturbed, hasta Blackyard Babies o Génesis. ¿Os encargáis del proceso de composición y grabación de los temas? ¿Contáis con la ayuda de alguien que os va guiando y asesorando u os fiais ciegamente de vuestro instinto? Claro, sino no seríamos una banda,jejeje.Nosotros hacemos lo que nos sale de dentro. De hecho, cada disco es un mundo musicalmente hablando . Componemos para poder disfrutar nosotros tocando después . Tenemos 5 asesores en el grupo, cada uno con su propio instrumento jejeje. ¿Cómo creéis que ha evolucionado vuestro sonido con el paso de los años? A evolucionado a la par que nosotros mismos. No somos los mismos que hace 20 años, ni siquiera que hace 5. Surgen nuevas sonoridades que quieres em-

FORMADA A FINALES DE 1996 A LAS PUERTAS DE LA MANCHA TOLEDANA, KOLECTIVO SUICIDA SIGUE EN ACTIVO CON CASI 25 AÑOS DE TRAYECTORIA. TRAS UN DESCANSO DE CASI 2 AÑOS RESURGEN DE LAS CENIZAS CON NUEVA FORMACIÓN Y NUEVO TRABAJO: “VOLVER”. ESTE ES EL NOMBRE QUE LA BANDA HA ELEGIDO PARA UN LP DE 10 TEMAS, CARGADO DE FUERZA Y GARRA, LLENO DE NUEVAS Y VIEJAS INFLUENCIAS QUE LES DEVUELVE A UN SONIDO QUE RECUERDA A SUS ORÍGENES. HOY, ESTÁN CON NOSOTROS PARA ESTA ENTREVISTA Y DÁNDONOS LA OPORTUNIDAD DE CONOCERLOS. plear en tus canciones, descubres nuevas estructuras, etc… y como no tenemos la presión de sonar de una determinada manera, lo aplicamos todo al grupo. La evolución personal y musical es la marca de Kolectivo Suicida. ¿Estáis satisfechos con el resultado obtenido en “Volver”? ¿Mejoraríais algo? Estamos muy contentos con el resultado. Para nosotros suena muy fresco y captura nuestra situación a la perfección. Nada más acabar un disco siempre piensas que podrías mejorar estos u lo otro, nunca acabas. Por eso, personalmente, no mejoraría nada, porque no hay nada que mejorar. Este es el mejor retrato de nosotros, actualmente. ¿Cuál es la temática de vuestras letras? Son letras muy introspestivas. Hablan de situaciones personales y batallas internas. Intentamos combatir a nuestro demonio interior con canciones e intentar ayudar a los demás a que combatan los suyos. ¿Cómo os ha afectado a vosotros la crisis del COVID-19? Realmente como banda no ha afectado mucho, ya que nuestra intención era grabar el disco en 2020. Sí a cambiado nuestra forma de trabajarlo ya que, en lugar de currarse los temas en el local, hemos hecho los cambios y variaciones en el estudio según grabábamos, por lo que suena más fresco para nosotros al no estar tan machacado. ¿Cuál ha sido vuestro mayor obstáculo como banda? ¿Y vuestro mayor logro? El mayor obstáculo siempre es uno mismo. A lo largo

de los años, las situaciones personales de los diferentes miembros de la banda han sido las piedras que nos hemos ido encontrando por el camino. Este no es un camino fácil, y te encuentras obstáculos permanentemente. El tiempo de dedicación influye. La falta de financiación también influye mucho, pero eso ya estamos acostumbrados a sortearlo jejeje. El mayor logro es mantener una banda unida casi 25 años , te parece poco? Jajaja. ¿Qué próximos proyectos tenéis en mente? Principalmente presentar el nuevo disco en directo. Empezaremos el 29 de mayo en la plaza de toros de Madridejos, Toledo,y ya a intentar tocar lo máximo posible. Tenemos temas para hacer otro disco ya ( o dos) jejejeje, pero eso tardará algo más. Seguiremos como hemos hecho estos 25 años, tocar,tocar y tocar….y disfrutar. Y ya para terminar me gustaría daros las gracias por atender a Necromance Magazine durante esta entrevista. ¿Hay algo que os gustaría decir a nuestros lectores? A vosotros, gracias por la oportunidad de aparecer por aquí, y a vuestros lectores decirles que le den una oportunidad a nuestra música. Hoy en día todo es de consumo rápido y puede que escuchen una canción y crean que todo es igual. Que indaguen, investiguen y escuchen. Que decidan ellos si les gusta o no. Y si les gusta, que prueben la experiencia de vernos en directo. Y que apoyen a todas las bandas nacionales ,que ya por el hecho de currárselo, se lo merecen. Ataegina Moon NUM. 85 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 19


BOREAL

BØREAL ES UNA BANDA COLOMBIANA QUE ACABA DE SACAR SU PRIMER EP “LAS MARIPOSAS AGITAN SUS ALAS”, EN OCTUBRE DE 2020. COMO UNA RARA FLOR, HAN BROTADO EN UN ERIAL MUSICAL, ENTRE TODOS LOS ESCOMBROS DE LA ESCENA MUSICAL DECADENTE. EN TIEMPOS DE LA BÚSQUEDA DE LA SIMPLICIDAD, ELLOS SE HAN PERMITIDO DAR UNA VUELTA DE TUERCA, UN GIRO DE 180º PARA IRSE JUSTO EN LA DIRECCIÓN CONTRARIA.

Buenos días, buenas tardes y buenas noches a las gentes de BØREAL. Pregunta obligada en los tiempos de pandemia que llevamos sufriendo desde hace más de un año ¿qué tal están todos y como les ha afectado la COVID? Hola Cesar, un gusto estar hablando contigo y con todo el equipo de Necromance en España y por supuesto a todos los lectores alrededor del mundo. Seguimos su trabajo y coleccionamos los números de la revista. Entrando en la pregunta, nos ha afectado de manera directa e indirecta. Directa porque algunos de los integrantes sufrieron del Covid, afortunadamente todos salieron bien librados e indirectamente porque esto nos obligó a cambiar los planes de todo. Por otro lado nos ayudó a enfocarnos en la composición de lo que será nuestro primer larga duración que estimamos saldrá en el primer trimestre del 2022. Contadnos un poco sobre la banda, ¿de dónde sale BØREAL? ¿Qué experiencia anterior teníais como músicos? ¿Cómo surge la banda y de dónde sale el nombre? Las canciones de Børeal las empieza a escribir Ricardo Linares (Guitarra) hace unos 7-8 años atrás, en el camino va conociendo a Jei Vera (Bajo), Ivan Baquero 20 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 85

(Guitarra) y Diego Vargas (Batería), el sonido de esa proto-banda era muy distinto a lo que hoy en día hace la banda. A finales del 2018 entra Camilo Rodríguez (Voz) y le da vida a las canciones, imprime un estilo definitivo y formalmente nace Børeal como proyecto. El nombre viene de la relación y, la fijación que tiene la banda y sus integrantes por la ciencia como único medio capaz de explicar los fenómenos naturales que nos rodean. Las auroras boreales son un fenómeno natural que nos apasionan pues son fortuitos, se dan únicamente en el hemisferio norte del planeta y también de forma simbólica representan ese “norte” que la banda siempre ha perseguido. En una sola palabra, ¿QUÉ es BØREAL? Energía. Después de la pregunta corta, el desarrollo, la respuesta larga de ¿QUÉ es BØREAL? Børeal es todo eso que queremos contar y divulgar, desde experiencias personales (como en la canción Anhedonia) hasta la explicación racional de fenómenos sociales (como en la canción Homo Homini Lupus). ¿Por qué Børeal es energía? Porque si bien tenemos elementos del rock progresivo, también hay

muchas partes de metal alternativo, una canción puede empezar como una balada y terminar en un clímax de incitación al pogo o mosh como se le conoce en otras partes. Sumaría también pasión pues si bien no somos músicos profesionales, lo que hace Børeal sale desde lo más profundo de las entrañas y la mente. Álbum mezclado y grabado en Colombia para luego pasar a la masterización en Canadá, de la mano de Dean Hadjichristou. ¿Cómo se llega a esa persona en la otra punta de América, a casi 5000 kilómetros? Por recomendación del productor del EP: Mateo Urbano quien previamente había trabajado con Dean, nos lo recomendó, vimos su hoja de vida y el hecho de que haya trabajado con bandas como Textures y Parkway Drive nos hizo inclinarnos por sus servicios. En últimas, Dean es un profesional muy experimentado que a pesar de su impresionante hoja de vida, es lo suficientemente humilde como para recibir feedback del trabajo realizado. Hablemos ahora de la música, ¿cómo se desarrolla un tema en BØREAL? ¿Primero las guitarras? ¿Un fraseo? ¿Un ensayo sobre el que se sacan una serie


la letra de “Origen” tiene sus bases en Cosmos de Carl Sagan; “Anhedonia” de acuerdo a la psicóloga L. Chapman es la baja capacidad de sentir placer; y “Børeal” se inspira en el desarrollo científico experimental del ser humano para entender tanto el origen del universo como las complejas interacciones de la sociedad. ¡Nos encanta escribir música y letras! de ideas y luego se van añadiendo capas y capas? ¿Alguien que viene con el tema ya compuesto en su totalidad? Las canciones de Børeal son muy “guitarreras”, es decir, la base de todo y la línea melódica la dan las guitarras. El compositor de la música de Børeal es Ricardo Linares (Guitarra), él siempre tiene nuevas ideas, tiene una máquina creativa en su cabeza. Cuando llega con una idea, llega con una idea completa, llega con una canción completamente escrita en GuitarPro para las dos guitarras. A partir de allí los demás instrumentos componen sus líneas. Respecto a las letras, él muchas veces llega con una base que finalmente Camilo Rodríguez (Voz) complementa, corrige o re-escribe según sea el caso, aunque hay canciones completamente escritas por Camilo que se escucharán en el larga duración que viene. Habladnos un poco sobre los cuatro temas que componen este “Las mariposas agitan sus alas”. De hecho, en el segundo, “Homo Homini lupus” se referencia a Thomas Hobbes, ¿A este nivel compositivo estamos hablando de la banda? ¿Son tan importantes la letra como la música? ¿Al revés? ¿O, dependiendo de la atmósfera del tema, una prima sobre la otra? Como lo mencionaste, es tan importante la música como la letra. Todo es un concepto que se corresponde y correlaciona como una obra artística completa. Para terminar de completar la observación que haces,

País de cumbias, de vallenato, de rumbas, de romances y de mil estilos más, ¿dónde queda el lugar para BØREAL? ¿Qué primeras reacciones habéis obtenido ante vuestra propuesta musical? Agregaría a tu comentario: País de metal tradicionalista como Death Metal y Thrash Metal. Habiendo dicho esto, existe una cultura tradicionalista muy arraigada en Latinoamérica, no sólo en Colombia. Nos vamos abriendo camino en Colombia y si que hay un público grande, de nuevas generaciones al que le hace mucho sentido nuestra música. Por otro lado apreciamos la multiculturalidad de nuestro país, por mencionar otros artistas, a la música de Børeal la influencian artistas como Julio Jaramillo, Laura Pausini y Diego Vargas (Batería) es un fanático de la salsa y sus figuras en percusiones. Planes y proyectos para el futuro. ¿Habrá un primer larga duración en breve? ¿Gira, aunque sea a nivel local? Esto es lo que planeamos: Acabamos de lanzar nuestro videoclip de la canción “Anhedonia” en el que contamos con la participación de la maestra en danza contemporánea: Laura Phoenix, súper invitados a buscarlo en YouTube. Se viene un nuevo trabajo audiovisual para la canción “Børeal”. Vamos a lanzar un Split con la banda estadounidense/colombiana: Triangle Space, esto está proyectado para ser en Junio. Nuestro primer larga duración saldrá en el primer tri-

mestre del 2022. Nosotros mismos autogestionamos nuestros eventos, entonces en la medida en que la pandemia lo vaya permitiendo, sí que vamos a girar por Colombia. Ahora bien, sabiendo que nos han recibido muy bien en Europa, sobretodo en Francia donde firmamos con M&O Music un contrato de promoción extensible al sello discográfico, nos encantaría en el futuro cercano girar por esta Europa “latina”: Portugal, España, Francia e Italia, ¡las reseñas que nos han hecho en esos países son increíbles! Como ves, tenemos planes ambiciosos y trabajamos siempre con el objetivo en mente. Y ante la situación actual que estáis viviendo en vuestro país, ¿qué nos podéis contar? ¿Fe en la humanidad? La humanidad será la humanidad siempre: El hombre es el lobo del hombre (Homo Homini Lupus), preferimos no tener fe y más bien trabajar, en últimas el mundo sigue adelante. Las dinámicas sociales son muy complejas, hay abusos y polarización, en últimas tenemos que sentarnos a ponernos de acuerdo porque de lo contrario vamos a terminar matándonos los unos con los otros. Por último, micrófono abierto para vosotros, para cualquier cosa… Muchas gracias y un saludo. ¡Gracias Cesar y equipo de Necromance!. Seguimos preparando nueva música, si les gusta nuestra música, compártanla montones, eso nos va a ayudar mucho. Si son coleccionistas de música, el EP lo encuentran en formato digipak de lujo con nosotros, somos muy novatos en temas de comercialización a Europa pero si hay un distribuidor allá afuera leyéndonos, nos encantaría negociar. ¡Gracias a todos y nos veremos pronto en vivo España y Europa! Cesar Luis Morales NUM. 85 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 21


BALMOG


MEA CULPA, LO RECONOZCO. HASTA HACE UNA SEMANA, NO SABÍA NI QUIENES ERAN BALMOG. LO COMENTABA ESTA MISMA TARDE CON UN COLEGA AL QUE LE HE RECOMENDADO LA BANDA: CUÁNDO PIENSAS QUE SABES ALGO DE MÚSICA, TE DAS DE BRUCES CON UN DISCO COMO “EVE”, PUBLICADO EN MAYO DE ESTE AÑO Y LOS DESCUBRES. PUES AQUÍ VIENEN LOS GALLEGOS, CARGADOS DE LICOR CAFÉ HASTA LAS OREJAS, IRREDUCTIBLES COMO LOS GALOS DE UDERZO Y GOSCINNY Y DESMANTELAN MI CÓMODA IGNORANCIA Y MI FRÁGIL SALUD MENTAL. DESDE 2003 REPARTIENDO CERA DE LA BUENA, PORQUE ME HA TOCADO ESTUDIAR LA DISCOGRAFÍA DEL GRUPO, PERO LO DE “EVE”… Bos días, boas tardes e boas noites, gentes de BALMOG. En estos tiempos que siguen corriendo desde hace más de un año, ¿todos bien con respecto al Bicho? Boa tarde César. Pues por suerte hasta ahora parece que todo ha ido relativamente bien aunque, como supongo que le sucederá a mucha gente que está leyendo esto, conocemos a gente a nuestro alrededor que lo ha pasado o incluso ha muerto, pero bueno, aquí estamos. Obviamente lo que sí que nos está es condicionando mucho toda la actividad del grupo. El año pasado las pasamos canutas para poder quedar y acabar de preparar el disco. Vivimos en localidades diferentes y aquí hasta hace nada hubo bastantes restricciones, y el año pasado desde marzo hasta junio, no pudimos quedar para ensayar. Fue un polo lío. Teníamos todo el disco compuesto antes del cierre, así que nos pilló de pleno. Hubo un momento de duda con el tema de seguir para adelante o dejarlo parado, pero finalmente decidimos tirar millas. Eso implicó un trabajo de la hostia entre junio y agosto, especialmente en el mes de julio en el que ensayábamos prácticamente a diario para dejarlo todo listo para el estudio. Al final salió adelante y oye, hasta nos sentimos orgullosos por todo el trabajo y esfuerzo extra que nos supuso. Ahora toca ser pacientes y ver cómo evoluciona la situación. La gente que me conoce ya sabe que soy un poco escéptico y negativo con todo esto, pero ojalá me equivoqué y todo mejore cuanto antes. Contadnos un poco de la banda, para los neófitos (entre, como he indicado arriba, me encontraba hasta hace poco): de los orígenes, de la historia, desde aquel brumoso inicio del presente siglo. ¿De dónde sale el nombre de la banda? ¿Cambios de componentes? El nombre es fruto en gran parte del momento en que se fundó la banda, significa algo así como violencia negra u odio oscuro. Hace poco lo hablaba con Simón de Aversio Humanitatis. El tema de poner nombres a las bandas es siempre difícil, ya que responde a momentos concretos y las bandas van cambiando. Seguramente si fundásemos de nuevo la banda buscaríamos otro nombre, pero no sé, al final los nombres van adquiriendo entidad e identidad. En el momento en que se fundó la banda las sensaciones que respirábamos eran muy “black metal” y el nombre responde a ello. Balmog significa mucho para toda la gente que ha estado o está involucrada con la banda y muchas veces los nombres trascienden el significado etimológico para llegar a algo más. Supongo que sucede un poco también con los nombres de la gente, no sé, yo cuando veo el nombre de Judas Priest o Sex Pistols no pienso en el significado sino en una imagen o un sonido, no sé si me estoy explicando bien, he,he, pero bueno, básicamente lo que quiero decir es que el nombre de Balmog va más allá de una idea y se convierte en algo vivo y cambiante que representa muchísimas cosas para nosotros, tanto buenas como malas. En cuanto a la formación hasta ahora se ha mantenido intacta en su esencia, es decir, yo (Balc) guitarras y

voces, Virus batería y Morg al bajo. Ahora se ha añadido J. Félez, más que conocido por Graveyard o Teitanblood. Lleva acompañándonos en los escenarios desde hace unos años y creíamos que era necesario, debido a su nivel de implicación y dedicación, que formase plenamente parte de grupo. En todo este tiempo el único cambio ha sido ese y la ayuda que nos prestaron al bajo Luis de la banda de black metal Narbeleth (debéis de escuchar su nuevo trabajo) y Fiar de Foscor (más que conocido también) debido a que Morg no podía acudir a varios conciertos por motivos laborales. En ambos casos esas personas tuvieron un compromiso y un nivel de profesionalidad que nunca olvidaremos. Con los dos existía una relación muy estrecha, pero compartir Balmog con ellos fue algo bastante especial. Así que bueno, en base hemos tenido la misma formación en casi 18 años, lo cual no está nada mal. Con una formación tan estable solo me vienen a la cabeza Kiss, ha,ha. También en cierta manera Rober, de los extintos Machetazo y ahora en Ruinas y Ovakner, es también parte del grupo, ya que siempre nos ha echado una mano con intros y pasajes por medio de su proyecto Varunian. En todos estos años hay mucha gente que se ha involucrado de un modo u otro con la banda y estaremos siempre eternamente agradecidos. Desde aquellas primeras demos y EP, ¿Qué se conserva de lo viejo y que hay de nuevo? ¿Consideráis la evolución constante como seña de identidad, la búsqueda del siguiente nivel? ¿Aburre tocar un “Tenebrous Apparitions”? Buff, es que ni tocamos ya temas del primer disco. A ver, no significa que no nos gusten ni mucho menos, creemos que nuestras demos están de puta madre y de hecho solemos aprovechar cualquier ocasión que se nos presenta para recuperarlas en forma de reedición, pero el grupo ha ido mutando, ha cambiado de piel poco a poco y eso hace que haya cierta necesidad de expresar lo que se siente en cada momento. Sinceramente, creo que si coges nuestra primera demo y la comparas con nuestro último trabajo se puede llegar a encontrar cierto nexo, pero realmente es complicado más allá de cierta manera de tocar, la voz o probablemente los defectos que podamos tener que nunca hemos corregido, ha,ha. Creo que la magia de Balmog es escuchar la evolución y el cambio progresivo que ha sufrido, si sigues nuestros trabajos uno a uno, verás que hay un hilo conductor claro. Incluso con Eve, se ve claramente un nexo con Pillars of Salt o incluso con Svmma Fide o Vacvvm, aunque algo más lejano. Creo que nuestro cambio es progresivo y comprensible, pero claro, eso hace que también esté sujeto a más crítica, pero es algo que debemos de aceptar. A día de hoy hay gente que sigue diciendo que nuestros mejores trabajos son las demos o este o el otro disco, y eso es algo que hay que aceptar. Eve es un disco arriesgado desde muchos puntos de vista y sabemos que habrá gente que no lo va a aceptar, es lo que hay, pero forma parte del juego. No vamos a ir en plan gilipollas diciendo que la gente no lo entiende y bla, bla

bla…simplemente lo les gustará y punto del mismo modo que habrá trabajos nuestros anteriores que otra gente no soportará. Tengo claro que el bagaje musical es fundamental para entender Eve, si no has escucha a Mayhem, Fields of Nephilim o Ved Buens Ende va a ser algo más difícil de profundizar en el disco, pero eso no implica que a la gente le tenga que gustar o disgustar, no vamos a ir ahora de teóricos y gurús del metal extremo entre otras cosas porque siempre nos ha repateado cuando alguien ha tenido esa actitud hacia nosotros. Se hablan maravillas del “Pillars of Salt” y, desde luego, tras escucharlo varias veces, hay que reconocerlo, es un monolito musical. ¿Supuso un cambio tan grande para vosotros, un punto de inflexión en la trayectoria de la banda? En parte sí. A ver, nosotros siempre hemos notado un “ascenso” constante y continuado con cada trabajo, por llamarlo de algún modo en lo que respecta al impacto externo. No voy a negar que esto no nos importe, sobre todo si eres una banda que busca poder seguir grabando y tocando en directo como hacemos nosotros. Pero lo que más nos marcó de ese trabajo fue quizás a nivel interno. Pillars of Salt fue en parte un experimento, ya que no sabíamos cómo iba a ser el resultado final. Es un tema único de 18 minutos que nunca llegamos a tocar entero. Lo preparamos para ser grabado por partes y después ser ensamblado, así que ya ves, no era algo de lo que estuviésemos al cien por cien seguros pese a la enorme confianza que tenemos en nuestras capacidades, ha,ha. Realmente podría habernos salido mal, haber perdido mogollón de pasta y quedarnos con cara de gilipollas, pero quedó genial, o mejor dicho, quedó realmente cojonudo, y eso nos empoderó, no hizo ganar confianza en nosotros mismos y darnos cuenta de que podíamos hacer cosas algo diferentes sin temor. De hecho más o menos en paralelo a la composición del Pillars empezamos con Eve y después de haber grabado y ver el resultado nos ayudó a continuar por la línea que teníamos en la cabeza. En ese sentido sí nos ha marcado Pillars of Salt, pero bueno, no diría que más que otros trabajos anteriores, simplemente quizás de una forma diferente. Es lo que te comentaba, nuestro crecimiento ha sido siempre constante desde la puta primera demo y eso nos ha permitido ir haciendo las cosas poco a poco. Hubiera sido la hostia haber fichado por este u otro sello o haber tocado aquí o allá…pero la situación del grupo es la que es y nos sentimos super orgullosos. Hemos tocado por toda España, media Europa y USA; hemos sacado un montón de trabajos con plena independencia creativa y eso para un grupo que empezó hace años en un pueblo como Soutomaior, pues que quieres que te diga, nos sentimos mínimamente realizados. Aspiramos por supuesto a más y los pasos que vienen en el futuro los tenemos también claros, pero es importante que lo que hemos hecho hasta ahora, haya estado bien hecho y así creemos que ha sido. Y ahora, entramos con el monstruo, “Eve”. El artNUM. 85 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 23


work de la portada inspirado en el cuento de Castelao, el rotundo nombre de la mujer que aceptó la manzana de la serpiente, Pessoa, Xose María Díaz Castro… Empezad a desgranar el disco. Eve no hace referencia a Eva, sino a la palabra eve inglesa que quiere decir algo así como vigilia o el momento de preparación previa a que suceda algo. El título va por ese camino, la idea de abrir al oyente al horror creado por el ser humano frente a la divinidad y la creación, a la confrontación que implica ese ejercicio de creación. El concepto gira pues alrededor de una idea religiosa, por lo que usamos por un lado referencias directas a la biblia, como en Birth o Feral que hace referencia al Génesis, pero entendido como creación de la tragedia y el odio humano. En el resto del disco lo que hemos usado son elementos que tienen que ver con nuestra cultura cercana en sustitución de otros símbolos judeo-cristianos, como por ejemplo el uso de tojo en lugar de la morera, o trasladar algún espacio bíblico a un ámbito cultural y geográfico más cercano, en concreto a Galicia. El grueso del disco profundiza sobre esa concepción de terror y de nuevo tergiversamos y usamos a nuestro antojo a autores como Díaz Castro. En su obra Nimbos nos traslada una visión de la humanidad como extensión de dios, algo a lo que le damos la vuelta planteando al ser humano como un rebelde frente a la creación, como el hijo que desprecia y humilla a su progenitor. De Pessoa y su filosofía del desasosiego nos quedamos con su perspectiva de vacío existencial, algo que queríamos trasladar como una esencia dentro del conjunto del disco, ese sentimiento de vacuidad y nihilismo ante el miedo que provoca el sufrimiento. Eve pretende ser un disco difícil, “jodido” una vez uno acaba de escucharlo. Queremos que la persona que escucha el disco sienta esa sensación de opresión y claustrofobia y el aspecto lírico intenta ahondar en ese fango hasta que te atrapa y te engulle. Las fotografías del disco están sacadas en el fondo este de la Ría de Vigo, una zona en donde cuando baja la marea quedan cientos de hectáreas de terreno fangoso al descubierto. Es una zona algo peligrosa, de hecho hace poco tuvieron que rescatar a alguien debido a que hay partes muy profundas de las que es difícil salir y hace muchos años incluso llegó a perder la vida una persona, por lo que es una zona realmente especial. El hecho de que además la marea esté en constante movimiento crea esa sensación de cierto temor, que está claro que no se percibe en la fotografía, pero que es parte de la sensación que queríamos sentir noso24 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 85

tros. Sentir que esa masa de agua se avecina sobre los pecadores como las aguas del Éxodo. “Pillars of salt” tiene un sonido a lo CELTIC FROST, sobre todo en su última etapa más oscura. Para este “Eve” leo que no os habéis puesto límites y se menciona desde DANZING a MAYHEM o los muy grandes PINK FLOYD o KING CRIMSON… ¿Habéis conseguido transmitir en cada surco lo que teníais en la cabeza? ¿Es el mejor disco y la mejor versión de BALMOG? No tenemos duda de ello, ha,ha, sino, no lo hubiéramos hecho. En muchas ocasiones lo hemos comentado ya, Balmog morirá el día en que no seamos capaces de hacer nada nuevo que nos satisfaga. En este caso la idea estaba clara, queríamos romper ciertos límites y eso siempre implica riesgos, pero los queríamos asumir, necesitábamos hacerlo, ya que era lo que nos demandaba Balmog. No queríamos hacer un disco igual al anterior y creíamos que dejar abiertas todas las puertas era absolutamente necesario. De todos modos había una obsesión constante por buscar un equilibrio entre lo anterior y la incorporación de todas esas influencias. Creemos, pero claro, esa es nuestra opinión, que lo hemos logrado. Eve suena a Balmog, cualquiera que nos haya seguido lo va a percibir, pero suena a algo más y eso era lo que buscábamos. Esas influencias para nosotros son más que claras, de alguna manera hemos intentado irnos a los inicios y a la esencia de muchos estilos para incorporarlos a Balmog y darles forma. Claro, en nuestras cabezas todo esto funciona a la perfección, pero de nuevo sabemos que es arriesgado, de nuevo asumimos que no tiene por qué ser comprensible…pero es lo que hay. Estamos en un punto en que la banda es tan importante para nosotros que no queremos dejar que pueda ser influenciada por ningún aspecto que no sea la propia creatividad de sus miembros. Nos da igual lo que opine la gente, nos da igual el dinero, nos da igual que pueda haber una mala crítica…nos la suda ampliamente y ahí es donde radica la magia de Balmog. Mira, desde hace un año (y probablemente en lo que queda de año) está saliendo una mierda que flipas. Hay bandas que creen que por no haber conciertos tienen que componer y sacar material y desde mi punto de vista es un enorme error. Sé que hay sellos que presionan a las bandas y que mucha gente se ve abrumada por toda esta situación, pero en mi opinión es un problema determinar la creatividad por un elemento externo de este tipo. Se puede criticar a Balmog por mil co-

sas, pero si hay algo que dejamos claro, es que somos auténticos y fieles a nuestros principios y creatividad, no necesitamos convencer ni contentar a nadie y eso es algo que como mínimo, aprecio de primeras de una banda. Hay grupos que me parecen una mierda, pero joder, si tienen actitud, ¡ay amigo! si tienen actitud hoy en día a mí ya me han ganado, ha,ha. Javi Félez ha contribuido en la producción y ahora es miembro de la banda, ¿Cómo es trabajar con alguien que está a los dos lados de la mesa de mezclas? ¿Da más libertad o más respeto? No creo que cambiase demasiado el proceso, la verdad. Llevamos muchos años trabajando juntos en estudio, así que nos conocemos muy bien. Quizás hubo un punto crítico que fue la masterización. Mira, este disco podría haber sonado radicalmente diferente. Cuando acabamos la grabación y tuvimos la mezcla final, el sonido del disco era cristalino y brillante, pero queríamos algo diferente. Antes de entrar en estudio teníamos muy claro que la intención era conseguir una producción oscura, densa y opaca. Sabíamos que esa textura la conseguiríamos con el master final, pero claro, Javi como artífice de la producción, tenía algo perfecto que sonaba genial y lo que queríamos era algo más sucio y claustrofóbico. Así que por un lado estaba el Javi productor con un trabajo estupendo y por otro el Javi miembro de Balmog que quería algo diferente, ha,ha. Finalmente decidimos continuar con la idea que teníamos y le pedimos a Jaime Arellano que metiese el disco en un puto ataúd cerrado y mohoso…te aseguro que con lo que teníamos en nuestras manos pocas bandas se atrevería a hacer lo que hicimos, pero unos debe de ser fiel al proyecto inicial y queríamos lo que finalmente conseguimos. Un disco con una producción densa, que sabemos


que no es accesible en una primera escucha, pero que transporta a las sensaciones que queríamos crear con Eve. Javi es un gran profesional y es un placer poder trabajar con él. Ahora además es miembro del grupo, así que también participa del proceso creativo sin las limitaciones que podían tener antes, ya que como buen profesional, sabía perfectamente hasta qué punto podía llegar a la hora de meter mano, pero ahora es todo mucho más abierto y colaborativo, así que solo le veo ventajas. Volviendo a “Eve”, ¿algún tema que queráis destacar sobre los demás? ¿Alguna dificultad a la hora de cuadrar un tema o uno especialmente difícil en cuanto a sus letras? No, todo fluyó con bastante normalidad. La primera canción que compusimos fue Birth of Feral, si no me equivoco, y pretendíamos que fuese un tema que de alguna manera marcase el carácter general del disco. Es curioso, pero siempre que acabamos un disco nos ponemos ya a componer material nuevo, nos ayuda un montón la perspectiva completa que tenemos cuando acabamos un disco para tener un nuevo punto de partida, y esto no es una excepción ahora, de hecho tenemos prácticamente medio disco compuesto. En todo caso, como te decía Eve se gestó en paralelo al Pillars, aunque dejamos los temas algo apartados durante un tiempo. El resto fue creciendo poco a poco. Siempre somos muy escrupulosos con el orden de los temas y de la transición que debe de haber entre unos y otros para generar una sensación general de disco. Ahí solemos tener mucho cuidado para equilibrar las canciones. Otra curiosidad es que siempre pensamos en formato vinilo, con la idea de que existe una cara A y una cara B, algo que nos parece esencial, así que a medida que componemos

tenemos en cuenta el tiempo total de cada cara y procuramos “cerrar” y “empezar” cada cara, por lo que siempre buscamos canciones que permitan crear esa sensación. Sobre las letras, normalmente se va esbozando una idea, pero no es hasta el final cuando está el disco compuesto por completo cuando se desarrollan plenamente. En todos nuestros discos siempre no ha dado un trabajo bastante importante y este no ha sido menos. Por un lado me gusta desarrollar toda esa parte lírica y conceptual, pero por otro lado suele ser bastante engorroso y da muchísimo trabajo, pero bueno, creo que merece la pena. Un grupo de black metal como Balmog intenta siempre expresar aspectos algo más profundos e intentamos que no sea algo anecdótico o complementario, sino algo con entidad y fuerza. ¿Y ahora qué? ¿Qué va a pasar? ¿Hay algo planteado para este año, algún bolo, alguna fecha? ¿Cómo veis la escena en el próximo par de años, hasta que se regularice un poco la situación y no haya tanta mierda en el ambiente y tanta lucha por lo de #culturasegura? No soy muy bueno haciendo previsiones, ha,ha. Antes te decía que soy un tanto pesimista, quizás porque siendo conocedor de lo que pasó en el pasado pues todo hace pensar que a esto le quedan un par de años más, pero bueno, es cierto que existe la medicina científica y supongo que eso cambia mucho la situación con respecto a tiempos pasados. Bueno, a ver que sucede. En nuestro caso estamos preparando alguna cosa, pero siempre bajo la perspectiva de que se puede ir a la mierda. En el caso de Balmog es una putada, ya que solemos hacer muchísimos conciertos al año, piensa que hemos llegado a hacer entre 30/40 y el año pasado se nos cayeron conciertos por toda España y Europa, pero es lo que hay. Personalmente ya estoy en un punto en el que no le voy a dar muchas vueltas, me parece ya excesivo algunas bandas que están constantemente llorando por no poder tocar…entiendo que pueda haber gente que proteste porque se le va el pan en ello, pero ¿una banda de death metal o black metal de nuestro nivel? No sé, sobre todo sabiendo que esto es totalmente ajeno a nuestras decisiones o capacidades, así que creo que es perder el tiempo el dar muchas vueltas al asunto o decir lo terrible que es la situación. Prepararemos cosas siempre sin comprometer a nadie económicamente, ya que no queremos que nadie palme pasta por nuestra culpa y si se puede hacer, estupendo. Mientras tanto seguiremos componiendo o ensayando porque nos gusta y porque

nos permite dar rienda suelta a nuestras ansias por expresarnos, pero no vamos a condicionar el futuro de Balmog por unos conciertos o determinar una futura edición porque hay que sacar algo sí o sí durante este tiempo. Por suerte en este caso, no vivimos de esto. Tenemos nuestros trabajos y el grupo se autogestiona, por lo que las necesidades de Balmog están marcadas por criterios puramente artísticos, bueno, esto suena un poco pedante, de artistas no tenemos nada, pero creo que se entiende. Un álbum fundamental en vuestra vida, ese que os cambió la visión para siempre… Algo que estéis escuchando ahora y que le recomendáis a todo el mundo… Y, por supuesto, un disco inconfesable (tipo “Pues tengo el primer álbum de Isabel Pantoja”). El álbum que creo que me marcó fue el Live after Death de Maiden. He tenido mucha suerte ,ya que en casa de mis padres siempre se ha escuchado música como Pink Floyd o Santana, pero cuando llegó a mis manos ese disco cuando tenía unos 9 o 10 años mi cabeza explotó, ha,ha. No era solo la música, era la estética de la violencia, la rebeldía y reactividad. El que estoy escuchando ahora con bastante frecuencia es el último de los suecos Leviathan y un disco inconfesable, no sé, te voy a decir el último disco de Leonard Cohen que lo estoy escuchando de nuevo bastante. A pesar de tener una visión profundamente cristiana y de estar un poco contaminado por sonidos de moda cuando vio la luz, me flipa bastante, pero bueno, creo que no es tan terrible. No hay nada raro que suela escuchar…No sé, me flipa la voz de Nino Bravo, pero creo que es bastante comprensible. Por último, micrófono abierto para vosotros para que digáis lo que queráis. Muchas gracias por vuestro tiempo. ¡Saude! Muchísimas gracias por el apoyo e interesarte por Balmog, ha sido un placer responder a tus preguntas y ha sido agradable dedicar un tiempo a ello. Creo que la gente sabe en donde encontramos, el disco nuevo está ya disponible en formato digital y en una cinta bastante chula (han volado, no quedan mucho más de 10) y saldrá en formato vinilo y cd el próximo viernes 28, así que estad atentos. Nada más, seguid siempre el rastro de sangre, tiene recompensa. Cesar Luis Morales NUM. 85 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 25


BLOOD OF US PRESENTAMOS A TRAVÉS DE ESTA ENTREVISTA A LOS VALENCIANOS BLOOD OF US. CREADORES DE «HERE COMES THE FALL», UN TRABAJO DONDE LA FUSIÓN DEL DOOM CON ELEMENTOS GÓTICOS Y UNA ATMÓSFERA MUY OSCURA QUEDA PALPABLE Y NOS TRAE A LA MENTE A SONIDOS QUE RECUERDAN A MY DYING BRIDE, PARADISE LOST… PERO QUIEN MEJOR QUE LA PROPIA BANDA PARA DARSE A CONOCER A NUESTROS LECTORES… Bueno, primero de todo espero que estéis todos bien y nada, agradeceros que nos hayáis cedido parte de vuestro tiempo para conocer mejor a BLOOD OF US y este interesantísimo debut que editasteis el año pasado. Gracias a ti y a Necromance por confiar en una banda nueva :). La primera pregunta es un poco obvia, pero creo que necesaria. Contadnos un poco cómo nace este proyecto y con qué objetivo. JM: Era un proyecto para sacar un solo disco. Empezamos un amigo y yo a finales del 2016 y estuvimos haciendo canciones durante el 2017 y el 2018. Al final el proyecto no cuajó. Paré un poco y después seguí yo solo. Nunca había compuesto canciones yo solo así que empecé primero a hacer teclados a las canciones que ya teníamos y terminé borrando y componiendo todo desde el principio. Si que se usaron dos canciones (fades to gray y as the story ends) que si que tenían ese feeling que yo quería para el disco. Cuando contacté con Francesco y Carlos ya estaba el disco compuesto. Ellos dos son unos excelentes compositores y le dieron ese toque esperado. Ya hace un tiempo que editasteis vuestro primer LP, “Here Comes The Fall”. ¿Qué tal veis el recibimiento que ha tenido hasta ahora? Ha sido bastante bueno el recibimiento. El vídeo tiene unas cuantas reproducciones y yo creo que ayudó a entender un poco mas el sentido de la música que hacemos. El streaming ha ido bastante bien. La venta en físico no tanto pero era de esperar. Casi nadie compra 26 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 85

discos y es normal que se haya vendido poco. Pero todavía quedan copias y tenemos la esperanza que se vendan en algún momento 🙂 Y en cuanto al proceso de composición, ¿Cómo funciona la banda en ese aspecto? ¿Quién se encarga de las letras y en qué suele inspirarse? JM: Para HERE COMES THE FALL, la mayoría de los temas son míos excepto dos compuestos anteriormente. Carlos y Fran entraron después y solo participaron en la grabación. Para el próximo disco si que habrán composiciones de todos y será mas diverso en todos los aspectos. Las letras son mías y van un poco sobre los pensamientos oscuros que a veces nos invaden y que no dejan dormir. Esas miradas que están perdidas en la inmensidad. Bueno, es mejor comprar el disco y leerlas que es mejor verlo en 1ra persona y así también puedes hacerte tu propia idea 🙂 . En Last Day cambié la temática hacia el cambio climático y la destrucción del planeta. Es una pelea entre el ser humano y el planeta Tierra que me costó solo 10 minutos escribir. Es un tema que me preocupa. Carlos: El disco ya estaba compuesto, cuando lo escuché no sentí la necesidad de cambiarle nada. Mi toque personal en el disco fueron las guitarras rítmicas, el resto de arreglos los grabé tal cual como los escuché en el demo. Francesco: Realmente JM ya tenía toda la maqueta del disco compuesta, mi trabajo fue terminar de regar lo ya sembrado. En las baterías me enfoqué en ser contundente tanto en los fills como en su sonido, en cambio los teclados, fue mas de acompañar y dar atmósfera al resto de los instrumentos.

Todo el trabajo de grabación, mezcla y máster ha ido a cargo del propio Antonelli, por lo que todo queda en casa. ¿Qué tal fue el proceso de grabación del álbum? ¿Teníais claro hacerlo autoproducido o barajasteis otras opciones? Hay que aprovechar las habilidades de los 3 para poder hacer un disco de la mejor manera posible. Cierto es que en la composición no pudieron participar porque ya estaba hecha cuando entraron pero si dieron su toque en la grabación. El proceso de grabación fue bastante sencillo. Cada uno tenia sus equipos y es verdad que fue bastante rápido, cada uno hizo sus partes y con la pandemia se aceleró todo un poco. Los temas estaban listos en febrero 2020 y empezamos la postproduccion en marzo/abril. Estábamos claros que la producción y mezcla iba a cargo de Antonelli. Pensamos en varios lugares para el master pero al final todo quedó en casa. Carlos: Es verdad, la pandemia hizo que este disco se hiciera más rápido. En mi caso tenía un par de proyectos mas que tenía pendientes que también se realizaron en tiempo record. El hecho de estar encerrado te lleva a hacer cosas útiles para mantener la salud mental. Francesco: Como dice Carlos, la pandemia fue un momento para dedicarle el 100% a componer, grabar y editar. Esperemos que todo vuelva a la normalidad para poder mostrar todo lo que está haciendo durante la cuarentena. En cuanto al sonido de la banda, veo que apostáis por una mezcla de Doom, Death y mucho ambiente gótico, muy en la onda de las grandes bandas surgidas a finales de los noventa. ¿Teníais claro, desde el primer momento, cuál iba a ser el sonido de BLOOD OF US o fue surgiendo de forma natural? La idea inicial fue hacer doom sin desechar ninguna idea de otros estilos y casi sin querer el death y el gótico se entrelazaron y se terminó el disco de esa mane-


ra. Hay algún toque progresivo por ahí también. Salió de forma natural, no se forzó ningún estilo y cuando entraron Carlos y Fran le agregaron sus toques personales. Yo creo que al gustarnos casi todos los estilos musicales, pudimos mezclar todo de manera natural. Entrando a comentar algunos de los temas del álbum, uno de los primeros que me llama la atención es “The Fall”, con esa pesadumbre tan Doom que nos acompaña durante todo el tema. Habladnos un poco de este tema, cómo surge y demás. Es el primer tema que hice completamente solo. Tenia el riff de la guitarra en la cabeza y al final me terminó gustando mas de lo que había pensado. Yo creo que es el tema mas doom del disco. Tenia clarísimo las letras y la temática. Casi todo el disco habla de pesadumbre y soledad pero en este tema quise abordarlo de otra manera. Es como cuando crees que no puedes caer mas pero obviamente siempre se puede estar tan abajo que no te puedes levantar. Sientes como vas cayendo y cayendo y todo es completamente negro. La iba a llamar “black is the light of the day” pero al final se quedó “THE FALL”. Que me refiero a la caída y no al otoño (aunque la portada del disco es un roble en pleno otoño). Es un poco un juego de palabras. Otra de las que más me han molado es “Fades To Gray”, un tema a priori sencillo, pero con mucha carga gótica. ¿Qué nos podéis contar de este en concreto? Es uno de los temas mas viejos, yo diría 2017. No empezó así, y creo que es uno de los temas a los que mas le di la vuelta. El estribillo cambió 3 veces al menos hasta que me gustó y la voz de Edelita le terminó de dar ese toque gótico. Antonelli le terminó de poner de agregar esa atmósfera que tiene que Carlos le agregó un

punteo al final que le da frescura que le faltaba. Las letras tratan de como una persona se encierra en si misma y ve como todo alrededor se oscurece y marchita. Pensar ahora mismo en presentarlo en directo es complicado por la situación en la que estamos, pero de todas formas, ¿Tenéis algo ya cerrado? ¿Se os ha pasado por la cabeza la idea de hacer un streaming o preferís esperar a que todo vuelva un poco a la normalidad? JM: Yo creo que habrá que esperar un poco. Ahora mismo estamos preparando el próximo disco y creo que nos mantendremos así en el 2021. Ya tenemos unos 8 temas casi listos para empezar el proceso de grabación. Para ir terminando, si queréis informar a nuestros seguidores de cómo hacerse con el álbum y vuestro merch… Toda la merch está disponible en nuestra web www. bloodofus.com, en Ebay y en Bandcamp. También te puedes poner en contacto con nosotros en info@ bloodofus.com Y nada, eso es todo por nuestra parte. Si queréis

añadir algo más aquí tenéis todo el espacio del mundo. Muchas gracias por la entrevista y a tod@s que escuchéis el disco porque hay un poco para todos los gustos. Nos vemos a principios del 2022 con el próximo disco que se titulará “LAVERA” Jose Pozas Milla


NOVA ERA TRAS SIETE AÑOS DE SU ANTERIOR TRABAJO, NOVA ERA, VUELVEN CON MÁS ENERGÍA QUE NUNCA CON “THE CURSE”, SU NUEVO ÁLBUM EDITADO POR ON FIRE RECORDS. OCHO NUEVOS CORTES DE AUTENTICO HEAVY/POWER METAL QUE HARÁ LAS DELICIAS DE LOS AMANTES DEL GENERO, DESDE NECROMANCE MAGAZINE QUISIMOS HABLAR CON ELLOS PARA CONOCER UN POCO MÁS DE SU REGRESO.

Primero de todo daros las gracias por atender a esta entrevista. Después de “Fight”, ha habido cambios en la vuelta de NOVA ERA, aunque mantenéis el esqueleto de la banda. ¿Cómo han sido estos últimos años para vosotros?, ¿comencemos presentando a los nuevos miembros de la banda y su nuevo punto de vista? Estos años desde que se edito Fight han sido digamos de llevar sendas distintas y profundizando cada uno en sus respectivas carreras, lo cual ha hecho que 28 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 85

hayamos vivido distintas experiencias que han enriquecido este nuevo disco. Los nuevos chicos en este trabajo son Robert Beade a las guitarras junto a Jose Rubio, Javi García al bajo, el cual se unió después de la grabación y Javier González a la batería. “The Curse”, es vuestro nuevo álbum, en el que apreciamos temas más directos y contundentes, pero a la vez podrían considerarse como “8 himnos” para el directo. Volvéis con muchas ganas y

fuerza. ¿Cómo ha evolucionado vuestro sonido?, ¿Cómo ha sido el proceso de composición y resurgir de nuevo durante la pandemia? Todo ha ido fluyendo de manera natural, tanto Jose como yo nos hemos dejado llevar en nuestros respectivos apartados. Desde un principio teníamos claro que queríamos un disco crudo y directo, con un sonido menos pomposo que Fight, y por ello The Curse suena como un puñetazo directo al a cara. Cada canción del disco tiene muchísimas capas por descubrir,


y eso hará que el oyente vaya descubriendo nuevas sensaciones a medida que los vaya escuchando varias veces. Personalmente estoy deseando de tocar algunos temas de este disco en directo y poder ver la reacción del publico. La pandemia lo único que ha hecho ha sido joder este lanzamiento, esta siendo muy duro llevar esta situación para la banda… Vuestro artwork es futurístico y guarda un toque apocalíptico, con un Sol que se acerca a la Tierra para destruirla ¿Qué hay tras el nombre de “The Curse”? ¿Y qué tiene que ver con vuestro artwork? Por cierto, ¿Quién lo ha realizado? Este trabajo gráfico ha sido realizado por Vives, el cual ha plasmado perfectamente el sentir del álbum. The Curse es la única maldición que realmente existe para el ser humano, el saber que nuestra vida tiene un final, y que pese a todo, la vida es muy corta para malgastarla en gilipolleces. No es un álbum conceptual como tal, pero cada canción es una etapa de nuestra vida, y en conjunto todas ellas nos relatan una vida llena de alegrías, penas, experimentación, lucha… Para la grabación, imagino que también ha sido toda una odisea, con los cierres perimetrales, restricciones horarias, medidas de seguridad… ¿Cómo ha sido este proceso de grabación? ¿alguna anécdota que nos puedas contar, ya que siempre hay alguna? Pues realmente la grabación ha sido relajada y segura. El primer single de hecho se pudo grabar de manera analógica ya que aun no había llegado esta pandemia, a partir de hay todos los temas se grabaron de modo digital y a través de envíos de sesiones de música y voces. La verdad es que en esta ocasión anécdotas como tal no han podido haber por que cada cual estaba en su casa, simplemente decir que hemos tenido muchísima libertad para poder transmitir nuestros puntos de vista en este álbum, que además como se puede apreciar, es el primero como banda tal cual. Si tuviera que quedarme con algún o algunos temas de vuestro álbum, sin duda elegiría el apoteósico inicio con “Born To Die”, “Break The Rules” y la épica “The Curse”, un cierre de gran altura. ¿Qué historia guarda en su interior cada uno de estos temas? ¿Cuál ha sido el más difícil de componer? El tema mas jodido quizás haya sido The Curse, ya que era el tema titulo del disco, y debía de ser un tema que aglutinara todo aquello que queríamos transmitir con el trabajo y además un tema que diera alguna pista de por donde irán los tiros en próximos trabajos. Born to die es el principio de todo, la génesis del ser humano, ese momento en el que quien sabe, quizás pensemos, ¿ pero que hago yo aquí?, estaba tranquilo en mi sueño eterno e interior… Break the rules es quizás el tema mas Power del disco, y es el clásico tema de Nova Era que siempre encuentras en el disco, nos gusta cabalgar de vez en cuando a ese ritmo. A veces hay que romper ciertas reglas establecidas para que el ser humano pueda avanzar hacia un futuro mas luminoso y menos negro como el que se presenta actualmente. Por cierto, el trabajo que realiza Fran Vázquez, en los diversos cambios de registro es brutal, desde “Slaves”, hasta la progresiva “Bite Of Freedom”, (un corte muy curioso y que se sale un poco de la tónica) ¿Cómo surgieron ambas, una con su varie-

dad vocal y la otra con su toque progresivo? Muchas gracias por el halago. Mi forma de componer melodías y coros es algo que creo que ya es muy personal y reconocible para el gran publico. Me sale de manera natural todo lo que grabo y canto, solo me dejo llevar por lo que la musica me transmite. No soy de esos cantantes que cuando graban les gusta tener todo milimetrado, yo soy de la vieja escuela, de esos que usan mas las vísceras y el corazón. Si te das cuenta, en la mayoría de los temas dejo fluir mucho mi personalidad Hard… Es lo que soy, para bien o para mal. Ahora que cada vez se van levantando muy lentamente las restricciones para los directos ¿tenéis más fechas listas para seguir la gira para este 2021, o esperareis a 2022? ¿Cuáles son vuestros planes de futuro, mientras tanto? De momento seguir con la promoción del disco e ir viendo como se perfila el final de esta pandemia, pues por parte de la banda no tenemos claro el salir a presentarlo con este tipo de restricciones. Somos músicos que necesitamos el contacto directo con la gente y poder dejarnos la piel en el escenario sintiendo sus voces y sus miradas cara a cara. Ojala a partir de Octubre podamos ir anunciando las fechas de la nueva gira. Imagino que como músicos aun apreciáis la música en formato físico, en una época en que lo digital y el streaming está de moda. ¿Cuáles son los últimos CD físicos que habéis comprado? ¿Y que opináis de la moda vintage del vinilo, que ha resurgido con fuerza? Lo físico esta muy por encima de lo digital, tanto a nivel emocional como a nivel de calidad. Siempre apos-

taremos por el CD, el Vinilo y demás formatos que conllevan el hacer un ritual tan emotivo como abrir el disco, poder leer y apreciar el art work y sobre todo disfrutarlo en toda su magnitud. Lo Digital es necesario a día de hoy, pero no significa que nos guste ni a Nova Era, ni creo que al resto de bandas del mundo del Rock. Lo ultimo que he comprado en físico ha sido Helloween en Picture Disc, Myrath en directo y Whitesnake the Blues álbum. Podríais decirnos 3 grupos nacionales/internacionales a descubrir o que queráis recomendarnos. Fácil, fuera de nuestros otros proyectos los cuales o vamos a meter por respeto, diríamos que en España podrían ser mas de 100 los que diríamos, pero sin duda recomiendo a grupos como Coffeinne, Stoned at Pompei o Jolly Joker. Extranjeros sin duda Myrath los cuales serán unos de los grandes en el futuro, Place Vendome sin dudas y Inglorius. Un placer poder hablar con vosotros, desde Necromance Magazine, las últimas palabras son vuestras. Queda poco para que Nova Era podamos mostrar en directo este nuevo trabajo, un trabajo que ya nos afianza como banda y que de seguro traerá nuevas sorpresas. Solo os invitamos a que escuchéis el disco, y si creéis que merece la pena, que nos apoyéis comprándolo en físico, de esa manera podremos seguir trabajando en un nuevo trabajo. Un abrazo a todos y cuidaos. Gracias a vosotros también por el apoyo y os esperamos en directo. Jose Pozas Milla NUM. 85 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 29


REVIEWS

ANAEL (DEU)

ANGRIFF (PRT)

MARE

SODOMY IN THE CONVENT

INTO ENDLESS CHAOS RECORDS, 2021

FIRECUM RECORDS, 2021

Más de una década ha habido que esperar para poder hacerse con un nuevo trabajo de los germanos ANAEL, exactamente desde aquél “From Arcane Fires” de 2008. “Mare” es su cuarto álbum completo, inspirado por el agua y con el que cierran un ciclo dedicado a los cuatro elementos.

Once años después de su anterior trabajo “Under the Decadence”, los portugueses ANGRIFF formados en 1997, sacaron al mercado el veinticinco de febrero su nuevo trabajo discográfico titulado “Sodomy in the Convent” a través del sello Firecum Records. Este trabajo consta de diez temas en algo más de treinta y cinco minutos de duración, los cuales podríamos catalogar en líneas generales como Thrash Metal de la vieja escuela pero su estilo está más cercano a la influencia alemana que a la Bay Area, enseguida me vienen a la mente bandas como HOLY MOSES o TANKARD para describirlos. Cuentan a su favor con unas composiciones excelentes, que unido el gran trabajo realizado en la grabación de este trabajo discográfico por parte de Bruno Silva en Hanuman Studio es para que el dúo formado por OJ Laranjo a las voces y José Rocha a cargo de todos los instrumentos, esté más que satisfecho del resultado final. “No Saviours no Gods”, tema que abre el cd tras la intro y cuyo solo de guitarra es obra del ex-WASP Chris Holmes , “Acolytes of Hardship”, canción que a pesar de no ser la más rápida del disco sí que posee mucha energía, “Sodomy in the Convent” con la que la banda da título a este disco, con una batería grabada en el álbum simplemente exquisita, o la pista “Farewell”, acertadísima para cerrar este trabajo, donde podemos observar la amalgama de riffs e influencias de la banda, son para mí los temas más destacados de este cd, sin desmerecer por supuesto el resto de cortes, ya que toda y cada uno de ellos rebosan calidad a raudales. Estamos por tanto ante un gran disco de Thrash Metal, con temas muy bien elaborados, técnicamente son sobresalientes, además de ser un soplo de aire fresco y un disco muy disfrutable, no es fácil hacer un disco de este género y no resultar aburrido o repetitivo y ellos lo consiguen tenerte prestándole la atención adecuada, por lo que sin ningún tipo de dudas merece la pena darle una oportunidad.

A este grupo siempre le ha acompañado la etiqueta de dark metal (o simplemente black metal a secas), por ser asiduo a los medios tiempos, voces rasgadas, con contadas ráfagas hiperaceleradas y esa temática oscura y ocultista, con comparaciones con SAMAEL, CELTIC FROST, ZEMIAL… Siete temas de duración generosa (si contamos la bonus track), cuya propuesta no es la enraizada en la música escandinava y las típicas directrices y sí, en su propia y personal visión variada, pesada y más empapada de metal clásico, rock, dark wave… “Odyssey”, canción que abre este “Mare”, disfruta de esa intensidad en su primera parte, pero en seguida deja ver esos planos etéreos, soñadores, a los que nos trasladan a través de melodías, cambios de ritmo, voces limpias y buen sonido en general. Quizá puedas asociar al género doom metal muchos de sus pasajes, lo cual tampoco sería desacertado ciertamente ya que se mezclan a partes iguales, junto con esos riffs malvados y afilados… aunque eso sí, resultando siempre todo muy homogéneo. En “Sophia”, podrás escuchar incluso un órgano hammond (los teclados están presentes en momentos puntuales, a lo largo de estos tres cuartos de hora aproximadamente) y guitarras pegadizas, salpicadas de toques góticos aquí y allá, mientras que “The Darkness Within”, es otro de los señalados, épico, potente… el corte más largo (casi 9 minutos). En esta ocasión, la banda ha incluido algún cambio en sus filas, quedando como cuarteto con Seraphackh (guitarra y voces), Primeumathon (batería), Christian “Iron Incubus” Wachter (guitarras) y P.W. (bajo). Grabado, mezclado y masterizado por Thomas Taube (LUNAR AURORA, GRÁB, SECRETS OF THE MOON…) en los FiveLakes Studio, cercanos a la ciudad de Múnich y portada, realizada por el artista Alexander Kavtea (EVIL WARRIORS, NOCTURNAL WITCH, CNTMPT…). Veterana formación (fundados allá por 1999) y nuevo disco publicado por el sello también alemán, Into Endless Chaos Records (ARCHAIC THORN, SLUTET, EVIL WARRIORS…), el cual no recomendaría a los degustadores de ese black metal veloz y agresivo, si no más bien, a los que disfruten con esas influencias del género, trasladadas a un ambiente más pausado, atmosférico e inquietante. ROBIN RM 7/10

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JUAN ANGEL MARTOS 8.5/10

EPITAPH RECORDS, 2021

CARLOS BERMEJO 8/10

ARCHITECTS (GBR) FOR THOSE THAT WISH TO EXIST

Desde Epitaph Records nos llega el noveno trabajo de ARCHITECTS bajo el nombre “For Those That Wish To Exit. Un álbum que los consolida, si no lo estaban ya, dentro de las bandas británicas más conocidas de metalcore melódico, dándole un toque más a la espacialidad, a través de toques sinfónicos y post metaleros, confirmando su potencia y creando melodías que te serán muy difíciles de olvidar. La apoteósica y cinemática introducción “Do You Dream Of Armageddon?”, da paso a “Black Lungs”, un tema clásico dentro del sonido de la banda pero con ese toque de teclados que le dan espacialidad al primero de los estribillos pegadizos y melódicos, donde Sam Carter (voz), demuestra su estado de forma, perfectamente acompañado por Josh Middleton (guitarra, voz). Un toque de modernidad aparece en “Giving Blood”, pegadiza y adictiva, destacando Dan Searle en la batería, las guitarras de Josh y Adam, a los que se unen el poderoso bajo de Alex Dean, dándole corporeidad al estribillo, un tema algo más comercial donde puedes visualizar su artwork, el interior de una iglesia ocupada por un astronauta, apreciando esos nuevos toques que remarcan en una de mis preferidas del trabajo “Discourse Is Dead”, donde las estrofas son contundentes y agresivas, pero guardan uno de los estribillos del álbum perfectamente arropado por los teclados que introduce Alex Dean. “Dead Butterflies”, te pondrá los pelos de puntos, en una canción que habré escuchado decenas y decenas de veces, donde las emociones afloran sobre la piel, en un nuevo giro musical elegante y con mucho señorío ingles, para llevarnos hacia “An Ordinary Extinction”, enfurecida en su estribillo y con unas guitarras en los puentes demoledoras, eso sí quizás más melódica de la cuenta en sus estrofas, donde prima la voz limpia. El álbum también cuenta con algunas colaboraciones e “Impermanence” es una de ellas donde Winston Mc Call de PARKWAY DRIVE aporta su calidad presencial, en un tema mastodóntico de metalcore donde el sonido rocoso y de brakdowns inciden en una segunda parte brutal. Otra de las colaboraciones que encontramos es la presencia de Mike Kerr de ROYAL BLOOD, una banda que está despuntando rápidamente en los últimos tiempos y que junto a ARCHITECTS, forman un tándem de modern metal. Pegadizo y fresco. Por último hemos de hablar de Simon Neil de BIFFY CLYRO en “Goliath”, donde los riffs de guitarras se transforman en una bacanal sonora, pero tambien juegan con la espacialidad y la dupla vocal funciona a las mil maravillas. “Flight Without Feathers”, pone un punto cósmico con un mediotiempo muy post metalero y atmosférico, apareciendo entre la segunda parte del trabajo uno de los singles y una de mis preferidas, “Animals”, donde los británicos despliegan todos los nuevos matices para los que han trabajado en este nuevo trabajo, un nuevo himno para sus directos y para la banda. El toque de agresividad en el trabajo aparece en temas como “Libertime”, donde sus estrofas recuerdan a trabajos anteriores, con un sonido denso y oscuro, solo edulcorándolo en su estribillo, aunque esta parte final, se aleja de los que nos tenían acostumbrados con temas como “Demi God” o “Dying is Asolutely Safe”, ganando enteros la parte melódicas y los teclados en detrimento de las guitarras, que algunas veces se echan de menos, aunque entre estas dos “Meteor”, introduce el contrapunto. ARCHITECTS, han girado por un nuevo camino, dotando de madurez a su sonido, en pos de la melodía y las voces limpias, aunque no pierden contundencia en las partes más cañeras.

BALMOG (ESP) EVE WAR ANTHEM RECORDS, 2021

Vamos al lío de las etimologías y de los latinajos. La raíz etimológica de “monstruo” parece ser la palabra latina “monstrare”. Al parecer viene a significar algo así como “exhibir como advertencia”. Se utilizaba en el contexto de las prácticas adivinatorias a las que eran tan aficionados los romanos. Básicamente, se entendía que el prodigio natural era un signo de “algo” y tenía que ser interpretado por el sabio adivino de turno. ¡Colorea y aprende con Teo! Y ahora vamos a la realidad de la crítica que nos ocupa. ¿El álbum? “Eve”. ¿La banda? BALMOG. ¿Es un monstruo? Sí, sí, y mil veces sí. Por fortuna, en los últimos tres años que llevo escribiendo para esta sacrosanta casa, he tenido a bien escuchar álbumes patrios como el de HEX, como el de TOTTENGOTT o los de OBSKKVLT o SHALLOW WATERS. Y sí, también hay que decirlo: unos llevan la fama y otros cardan la lana. Sí, están todas esas bandas internacionales y sus grandes nombres, pero lo que está ocurriendo aquí y los álbumes que están saliendo… ¡Unos auténticos monstruos! “Horror in circuito” abre, como buena intro, en agónico pulso, simple y devastadora. Un tema corto que ya arremete como declaración de intenciones y, sin más dilación, salta a “Birth of Feral”. Temazo donde se entremezclan todos los mejores momentos de todos los discos que me han enamorado del género en las últimas décadas. Sé que es mucho decir, pero es que vaya manera de empezar a repartir cera. Ambiente asfixiante y saturado, oscuridad a raudales, discordantes guitarras que aúllan, una base rítmica que, sin ir a toda pastilla, redondea una interpretación sublime respaldando al resto de la banda, con unas tímbalas que galopan en diferentes tempos hacia el infierno. Sin respiro, y siguiendo la misma progresión de acordes, la banda nos asalta con “Senreira”, más agónico si cabe que el anterior, como enraizado en el putrefacto cadáver de aquellos primeros y extremos discos de DARKTHRONE y MAYHEM, pero es que le dan una vuelta de tuerca que… Suena tan viejo y tan renovado que me mareo y me pregunto ¿dónde ha puesto el límite este grupo? Es tan Punk, es tan Black, es tan sucio, es tan desesperado, es tan… Lo dicho, ¿dónde ha puesto el límite BALMOG? Seguimos enlazando un tema con otro y atentos al siniestro y oscuro inicio de “Slander”. Ese riffing pausado y letal a lo SLAYER te electriza, aunque luego esas mismas guitarras se quedan saturadas y sostenidas con esa sonoridad tan cósmica de los KING CRIMSON y te agreden con un acelerón que te clava en el sitio… Pero, pero, pero… ¿Esto qué es? ¿Dónde ha puesto el límite BALMOG? “Agnus Dei” es una pista de transición inquietante hasta la náusea (¡Dios, cómo me gusta cuándo hay bandas capaces de encogerme el ombligo!). Y llega “Desacougo”. Agarra a tu chica o a tu chico y disponte a bailar una buena lambada… ¡Ni de coña! Porque esto comienza como un Black acelerado y con multitud de sincopas y contratiempos


en la caja que le dan ese pulso que avanza para ralentizarse progresivamente y enlazar con una atmósfera tensa y onírica. Si es que lo han conseguido: han metido todo lo que les ha dado la gana, todas sus influencias y sus gustos musicales y así les ha salido el álbum: redondo. “Zohar” es machacona, punkarra, aunque adornada de unos soberbios fraseos de guitarras (no te digo yo que no hayan escuchado algo de MELECHESH cuando empezaron a trazar las líneas maestras de este tema). “Carrion Heart”, siete minutos pa’ti, pa’tu puta cara. Orgiástico desenfreno musical, oscuridad a raudales, ecos que se te clavarán en tu cerebro como los putos ganchos de los cenobitas de “Hellraiser”, un tema para hacerse más grandes de lo que ya son. Incluso el cierre, “Lume”, con sus escasos tres minutos, es de una calidad evocadora que estremece. Así que “Eve” es un monstruo, una exhibición de algo que tiene que ser considerado como una advertencia. Y no, no hace falta ser un sabio adivino para interpretar lo que la banda ofrece: el futuro. CESAR LUIS MORALES 10/10

BLESSED BY PERVERSION (GRC) REMNANTS OF EXISTENCE IRON BLOOD AND DEATH CORPORATION, 2020

A veces nos olvidamos de que la base de nuestra música, esa que tantos momentos de felicidad nos brinda es, precisamente entretener. Yo mismo, al hacer estas reseñas y otras que hago desde hace muchos años para diferentes medios, me olvidó de este hecho y me pongo las orejas de crítico sesudo e intento sacar detalles demasiado pejigueros sobre los discos que estoy comentando. Pero de repente recibo algo como este segundo trabajo de estos griegos y tras oírlo un buen puñado de veces, me doy cuenta de que, efectivamente, esto es puro entretenimiento, pura diversión si lo tuyo es el Death Metal clásico, sin contemplaciones, con toda la energía que te apetece disfrutar y con unos músicos que se nota a la legua que se lo pasan de muerte tocando lo que tocan. Aquí hay un mucho de DEICIDE, un algo de MORBID ANGEL y CANNIBAL CORPSE y una pizca de VADER, pero sobre todo, hay unos músicos técnicos y extremadamente competentes y una producción pesada, impoluta y realmente potente. Me encantan las guitarras con una melodías dignas de las grandes bandas del estilo y unas bases rítmicas que apabullan.

BLOODKILL (IND) THRONE OF CONTROL AUTOEDITADO, 2021

El Thrash Metal es un lenguaje universal, de eso no nos cabe la más mínima duda. Los SLAYER, KREATOR, SEPULTURA y compañía han inundado de brutalidad todos los rincones del mundo, incluso aquellos, históricamente al menos, que nunca han sido especialmente fértiles para los sonidos extremos. Sin más dilación hoy nos trasladamos a la India para disfrutar del LP debut de BLOODKILL, formados en Mumbai hace solo cinco años y que el pasado enero se estrenaron con este notable “Throne Of Control”. Y nada, aquí lo que encontramos es un magnífico trabajo, la verdad. Media hora de afilado Thrash con dejes grooveros, aires de SLAYER, SEPULTURA y OVERKILL entre otros, con un gran trabajo en los riffs de guitarra y un sonido atronador, gran trabajo de su paisano Keshav Dhar en la producción. Tras la intro de rigor, la banda nos ataca con “Blindead Circus”, un afiladísimo corte de tres minutos que ya nos hace arquear una ceja en un gesto de “uepa, esto no la vi venir” y al que le sigue la joyita de la corona, para confirmar que BLOODKILL realmente tienen algo que decir en la saturada escena Thrash de hoy. “False Face” es un temarral del copón, vacilón, agresivo, con unos riffs curradísimos y un trabajo solista importante, además de un bajo aguerrido al inicio, muy a lo DD Verni y una voz que, sin ser la panacea, llena bien el conjunto. Un temazo, de verdad. “3B”, en la onda un poco del “South Of Heaven”, groovera, a medio tiempo, pero con las voces más agresivas que le hemos visto al sr. Anirudh Gollapudi, “Unite and Conquer”, machacona, con buenos cambios de ritmo y “Horrorscope”, que nada tiene que ver con la de los magnos OVERKILL más allá de la evidente influencia, nos llevan a “For I Am The Messiah”, un corte muy intenso que va enfureciéndose poco a poco, paso a paso, hasta convertirse en otra de las joyitas del álbum. Finalmente nos queda el tema título, “Throne Of Control”, para el que los indios nos dejan otro magnífico corte de Thrash Metal sin reinventar la rueda, pero haciéndola rodar que da gusto y en el que vuelve a destacar el solo de guitarra, sin duda el punto fuerte de BLOODKILL.

Y luego están las voces, guturales pero entendibles… una auténtica delicia para orejas podridas y deseos as de menear los sesos a altas velocidades. Otra buenísima banda griega con un muy recomendable álbum de buen Death Metal vieja escuela.

Estos hijos de la gran India me han dejado más que sorprendido. Sí, sus influencias salen rápido, a los guitarristas la de SLAYER, a la sección rítmica la de OVERKILL, pero dentro de todo tienen un rollete muy propio para ser un debut de un género tan hermético como es el Thrash Metal, con un trabajo compositivo muy a tener en cuenta y que, encima, sale ganando con las escuchas. Ideal para echarte unas cervezas por el gaznate mientras suena a todo trapo. Bravo, BLOODKILL.

ANTONIO PARDO 7/10

JOSÉ POZAS MILLA 8.5/10


BLOOD OF US (ESP)

BLURR THROWER (FRA)

HERE COMES THE FALL

LES VOUTIERS

JM RECORDS, 2021

LES ACTEURS DE L’OMBRE PRODUCTIONS, 2021

Desde tierras valencianas, territorio de algún tótem del Doom Metal como EVADNE, nos llega el oscurete debut de BLOOD OF US. Una formación orientada a la vertiente gótica del Doom Metal, creada en 2016 y que actualmente cuenta con F. Antonelli (Against Myself) encargado de programación de baterías, bajo y teclados además de ser el responsable de producción mezcla y masterización, el yerno que toda mamá querría, junto a C. Damiano (Myzis) a las guitarras y JM a las voces, sintetizadores y baterías. Así que, totalmente autoeditado y producido por ellos mismos, así, con dos narices, se presentan con “Here Comes The Fall”, su primer trabajo de estudio.

En las últimas décadas y más concretamente con la llegada del siglo XXI, el black metal está virando hacia los caminos de la experimentación, surgiendo de la esencia noruega y sueca, ramas muy interesantes por todo el continente europeo, aunque podríamos decir a nivel mundial. Bandas como los estadounidenses DEAFHEAVEN, los austriacos HARAKIRI FOR THE SKY, los finlandeses ORANSSI PAZUZU, los belgas OATHBREAKER o incluso desde tierras más exóticas como los japoneses SIGH o los argentinos LOS MALES DEL MUNDO.

Un debut interesante, con detalles muy a tener en cuenta y en el que vemos detalles cercanos a los grandes del género, MY DYING BRIDE, los PARADISE LOST de finales de los noventa o, tirando más cerca, cosillas de los mallorquines GOLGOTHA. Todo eso, dicho sea de paso, llevado al terreno personal, jugando bien con las voces, ritmos y paisajes oscuros ofreciendo cuarenta minutillos en los que se mezclan Gothic, Doom y Death Metal. La pesadumbre marca el inicio del álbum con “I Rise”, comandada por un riff sencillo pero de esos pesadotes y asustando con algún repentino cambio de ritmo. Le siguen “We All Turn To Dust”, comandada por la áspera voz de JM y un bajo rasposo, oxidado, y “The Fall”, un corte muy elegante, de los que mejor definen el sonido de BLOOD OF US en este debut, que nos deja ante una de mis favoritas, “Fades To Gray”, un tema sencillo, bastante gótico, que me retrotrae a los PARADISE LOST del “One Second”, con ese teclado bien encajado acompañando a la melodía. A partir de ahí, el álbum, tímidamente, juega y experimenta dentro del corsé del estilo pero dejando momentos muy interesantes como “In Her Eyes” o “The Last Day”, un tema de inicio delicado, piano suave y ambiente gótico, que parece que va a salir una neblina de los altavoces y que nos lleva al final, con “As The Story Ends”, nada que ver con el tema de BLIND GUARDIAN de título casi idéntico jeje. Se trata de un tema sencillo, un poco en la onda de “Fades To Gray”, tal vez aún más gótica con los típicos pero siempre efectivos coros que le suman un puntillo épico al cierre del álbum.

Pero esta vez, vamos a pararnos en Francia, uno de los países más prolíficos a nivel europeo en esta vertiente experimental, donde el post y el black se funden con otros matices para crear bandas como ALCEST (en sus inicios), CELESTE, TIM LURKER o los que hoy abordamos BLURR THROWER que editan su segundo álbum “Les Voûtes” con el sello Les Acteurs de l’Ombre Productions. Un proyecto sin nombre de interpretes y con un artwork que para nada te dice lo que te espera en su interior, ¿o sí?, cuatro temas de black metal atmosférico con tintes post pero con ese regusto underground que hará las delicias para amantes de las bandas mencionadas anteriormente. Cuatro temas, aunque podría ser uno solo, pues su sonido y estilos son muy parecidos entre ellas, conformando un bloque que gira entre melodias blackers, sobre todo en las voces emergidas desde la agonía más profunda, que entremezclan con ritmos melódicos y cercanos al post, creando unos paisajes tan bellos, pero a la vez tan dolorosos que el vaivén de emociones está servido. Para ello desde la inicial “Cachot”, nos lo dejan bien claro con una primera parte densa y agresiva que queda matizada por un respiro central, donde las notas se alargan, emergiendo el sonido del bajo y la percusión para llevarnos de nuevo a la debacle. “Germes Vermeils”, mantiene la misma esencia, aunque las guitarras quizás sean más abiertas y emocionales, otorgándole un toque más de espacialidad, aunque ese sonido sucio y underground inunda cada rincón de la composición.

Al final queda un debut bastante majo, con detalles a pulir pero unas intenciones claras de juguetear con los sonidos góticos y con el Doom Metal de allá por los noventa. Hay buenos momentos, otros más previsibles pero el cómputo global es satisfactorio. Estaremos atentos a ver cómo evolucionan estos BLOOD OF US.

“Fanes”, es un corte instrumental en su mayoría, emergiendo solo al final las voces para fundirse como una especie de antesala al cierre del álbum “Amnios”, que va creciendo lentamente, como una épica epopeya malévola, marcada por la percusión y unos riffs de guitarras que cada vez se hacen más poderosos, creando paisajes visuales en la mente del oyente, hasta explotar vocalmente y acelerar la percusión, pero manteniendo el ritmo de las guitarras, todo un acierto, que personalmente hubiera finiquitado con la parte ambiental; un temazo.

JOSÉ POZAS MILLA 6.5/10

JUAN ANGEL MARTOS 8/10


BONGZILLA (USA) WEEDSCONSIN HEAVY PSYCH SOUNDS, 2021

Este disco está cargado de juegos de palabras, tanto en el título, que es una mezcla de ‘weed’, una de las formas que tienen los yanquis de llamar a la marihuana, y del estado norteamericano de Wisconsin, como con el propio nombre de la banda: ‘bong’ (‘porro’) y el mítico monstruo de la cultura friki japonesa Godzilla. Y esto lo explico para el que no lo sepa o no conozca a la banda. Y como simple anécdota. Por supuesto, esta pequeña explicación también me sirve para hablar de la temática que lleva la banda desde su formación allá por 1995. Los porros, la marihuana y las pipas de ‘maría’ son su predilección, su constante y creo que su única fuente de inspiración. Y esto les sirve para crear uno de los más pesados y espesos estilos que existen. Y es que lo suyo es el Sludge ceporro, tocinaco, cafre y absolutamente graves (me refiero al sonido, por supuesto) que existen. Son padres del estilo junto con otro buen puñado de bandas americanas y de otras partes del mundo de esto rollo. Y claro, “Weedsconsin” no iba a ser menos… 6 temas, de los cuales “The Weedeater” dura apenas 35 segundos, yendo los demás desde los casi 16 de “Earth Bong, Smoked, Mags Bags” o los diez y medio de “Space Rock” a los 6 de “Free The Weed” o “Gummies”. Para el que no esté acostumbrado a la lentitud y pesadez de este tipo de bandas, este disco y cualquiera de los anteriores de la banda, pueden ser un auténtico coñazo, pero para el que le guste el Sludge, el Doom modernete (no del tipo TROUBLE o SAINT VITUS o incluso cosas como PARADISE LOST o MY DYING BREED, de eso no hay nada de nada aquí…) o incluso el Stoner, esto puede ser una obra de cabecera en los próximos meses. Y para el que se ponga hasta las trancas de petas, si se escucha este disco tras una buena sesión de hash, lo va a flipar y puede alucinar en colorines… y creo que esta expresión nunca ha tenido más sentido. Ritmos lentos, tranquilos, espesos como el chocolate a la taza (esta vez me refiero al de comer, no al de fumar). Y si te queda duda de que la banda es fan del fumeteo, te aconsejo que le eches un ojo a las fotos de promoción de los miembros de la banda, que puedes ver en distintas redes sociales; mira esos ojos rojizos, esas caras de felicidad… todo un poema. Personalmente, nunca he probado estas mierdas. No me hacen falta ya que tengo ésta música. Pero Musicalmente, sí sé apreciarlo. Y aunque a veces me parezca un pelín pesado, no me desagrada este estilo no este disco. Lo dicho, si fumas, no conduzcas… mejor escuchate esto. ANTONIO PARDO 7/10

BOREAL (COL) LAS MARIPOSAS AGITAN SUS ALAS AUTOEDITADO, 2020

Uno de los ejemplos más clarificadores de lo que implica la Teoría del Caos es el del efecto mariposa. Para que nos entendamos, la Teoría del Caos estudia el comportamiento de sistemas complejos no lineales muy sensibles a las variaciones en las condiciones iniciales, lo que impide que se puedan realizar predicciones a corto plazo. Para los neófitos y en las inmortales palabras de Edward Lorenz: ¿Puede el batir de las alas de una mariposa en Brasil dar lugar a un tornado en Texas? ¡Colorea y aprende con Teo! Pues así de fuertes empiezan su andadura los colombianos BØREAL, con un primer EP titulado “Las mariposas agitan sus alas”. ¿Qué puede salir de ahí? Pues para comenzar abren con “Origen”. Y ya es para flipar, una banda que se sitúa dentro de lo Prog con pinceladas de Metal alternativo. Un tema que no lleva un desarrollo lineal y estándar en plan verso, verso, estribillo y vuelta a empezar. Si bien es cierto que los guitarras Iván Baquero y Ricardo Linares dibujan una serie de intrincados dibujos y en ciertas ocasiones, si establecen una determinada línea melódica, el resto es todo una constante progresión de acordes, esa Teoría del Caos de la que hablaba al principio: es una continua variación de las condiciones iniciales, imposible predecir el siguiente cambio de tempo o el siguiente desarrollo instrumental. ¿Y la base rítmica? Pues otro delirio compositivo a cargo de Jei Vera al bajo y el monstruoso Diego Vargas a las tímbalas. ¡Vaya carta de presentación! Pero las cosas siguen con un motivo y una intención clara. El siguiente tema “Homo Homini lupus” no puede ser más crítico con la realidad de la condición humana. La locución latina fue popularizada por Thomas Hobbes y, de hecho, insertan una frase del filósofo en el tema: “En la naturaleza del hombre encontramos tres causas principales de querella: la competencia, la diferencia y la gloria”. Toda una cura de humildad contra el antropocentrismo, acompañada de un instrumentalización endiabladamente compleja y esa línea compositiva tan tendente al caos. Y entended bien el caos que proponen BØREAL, porque, como he dicho, las composiciones no son lineales sino que son un largo desarrollo evolutivo de un leitmotiv, explorando todas las posibilidades. Olvidaos de verso/verso/estribillo/puente/ solo y vuelta a empezar. Olvidaos de los compases 4/4… pero admirad el milimétrico caos organizado que montan los colombianos, admirad el aleteo de la mariposa y sentid el tornado que se monta. “Anhedonia” es otro complejo palabro griego que se refiere a la incapacidad para experimentar placer. Aparte de disfrutar de la propuesta musical, podemos aprender cosas nuevas. El tema comienza con una vertiente más alternativa, pero enseguida empieza a desplegar sus enormes alas progresivas y de las melancólicas guitarras pasamos a los complejos desarrollos sincopados, y de ahí, hacia arriba y hacia abajo hasta el placer musical extremo. “Børeal” cierra el EP con el tema más largo y aquí la banda destapa el tarro de las esen-

cias, desata su caos controlado y es, obviamente, el efecto mariposa: comienza como un leve aleteo y acaba convirtiéndose en un tornado; de hecho, Camilo Rodríguez acaba desgañitándose mientras canta “Sólo el poder, sólo el perdón / Sólo el cosmos, al que no valemos nada”. Los científicos, matemáticos, físicos, meteorólogos y demás se volvieron locos intentando determinar la evolución de los complejos sistemas no lineales y tuvieron que recurrir al tropo del efecto mariposa. BØREAL, como banda, han conseguido aprehender el caos y convertirlo en su propuesta musical. Por ahora sólo es un EP con cuatro temas, y da la sensación de que, en efecto, son la mariposa que se despereza y comienza a agitar sus alas. ¡Ya sabéis lo que viene después! CESAR LUIS MORALES 9/10

CELESTIAL SANCTUARY (GBR) SOUL DIMINISHED REDEFINING DARKNESS RECORDS, 2021

Ingleses y con enormes influencias de sus compatriotas BOLT THROWER. Hala, ya está hecha la reseña… Podría dejarlo ahí, pero voy a intentar alargarla un rato. Como músicos, hay que decir que se toman en serio lo que hacen. Es una banda de la que llevo oyendo hablar una temporada. Y es que parece que con las redes sociales, es mucho más fácil promocionarse, aunque de poco te sirva ya que al poco tiempo ya ni el Tato se acuerda de ti. Esas reminiscencias que he nombrado al principio de BOLT THROWER están más que presentes en los 9 temas que componen el disco debut de esta banda de Cambridge, Reino Unido, especialmente en la parte instrumental, ya que vocalmente es más agresivo y menos gutural, que si que lo es, pero no como las voces de Karl Willets de B. T. Otras influencias podrían ser INCANTATION, AUTOPSY o incluso BENEDICTION. En general, es un más que aceptable disco para pasar una buena tarde meneando la cabeza o decapitado a tu vecina del quinto (es broma… no me vayan a acusar de incitarte a cometer una salvajada). Lo que pasa es que, como ya he comentado en varias reseñas anteriores, la falta de originalidad se está convirtiendo en una tendencia prevalente en nuestra escena en lo últimos años. Ya queda a tu gusto si te apetece disfrutar de una banda como CELESTIAL SANCTUARY y su debut “Soul Diminished”. Queda en tu mano, amigo. ANTONIO PARDO 7/10

CLIMBING HUMANS (ESP)

COELUM AUTOEDITADO, 2021

Tocar el cielo. Ese es el objetivo. Tocar lo más excelso, llegar hasta ese indefinido punto, allá arriba, más allá y más lejos de lo que nadie haya llegado antes. El cielo, ese ente gaseoso e intangible que, desde tiempos inmemoriales, ha sido la morada de los dioses. Ahí es dónde queremos llegar. ¡Colorea y sueña con Teo! Porque se dice mucho, ¿no? Ha tocado el cielo; o cuando alguien está muy a gusto, se dice que está en el séptimo cielo. Y es que tiene esa capacidad evocadora. Como os podréis suponer, el origen de la palabra, por nuestra zona geográfica, viene del latín cælum. En determinados escritos medievales y del latín tardío lo podréis encontrar con la ortografía alternativa coelum (si lo encontráis, también os digo ¿qué coño estáis leyendo?). El asunto es que así, con la versión alternativa, se titula el primer EP de los valencianos CLIMBING HUMANS. “The way” abre con un potente sonido, con acordes potentes sobre una melódica línea de guitarra. Y el bombo… ¡que melodioso! Sí, ya sé que me vais a decir que un bombo no puede tener melodía, porque sólo puede marcar una nota, pero lleva una de esas líneas poderosas que se te clava en la cabeza a base de dobles golpes y silencios que emocionan. La banda arremete con una inusitada potencia avanzando como un Godzilla cuesta abajo. Será MetalCore, o Metal moderno, o MeloDeath, o como desees llamarlo, pero ésta primera pieza es brutal: potencia por todas partes, en todos los instrumentos y en la garganta de Omar Fernández, brillantez en las guitarras, más sólidos que los muros del Valhalla. Continúan con “Unbreakable”, con un crescendo musical que se desata en otro pelotazo de aúpa, con multiples cambios de tempo y de nuevo un endiablado e intrincado juego de las guitarras: Ramón Gil a las rítmicas y Nacho Arellano con la guitarra solista. ¡Bum, en tu puta cara! Pero espera que aquí viene lo bueno. Seguimos con “Faith”, nada que ver con el temazo de GEORGE MICHAEL, pero si me recuerda muchísimo a aquel “Keep on rotting in the free world” de los CARCASS: la manera en que está construido, la progresión de los acordes, la estructura rítmica, la melodía… Y, ¡qué cabrones! Empiezo a vislumbrar la intención del EP: el camino, el ser inquebrantable, la fe, para llegar a la caída, el cuarto tema, “The Fall”. Aquí, sin perder un ápice de potencia y destreza compositiva, aparecen coros y voces limpias, aunque la banda continúa como un Godzilla pasado de esteroides. Ni una fisura en el muro. Y para ganarse el cielo, hay que luchar, y mucho. Si no, que se lo digan a Constantine o al Ángel Caído, que lleva eones intentando retornar al que era su hogar. Pero, bueno, no desvariemos. El cielo, ese lugar idílico, nuestro destino. No ese lugar donde brincaremos de nube en nube, tocando un arpa y con nuestra inmaculada túnica hondeando detrás. No, el cielo, nuestro destino, lo que nos eleva de nuestra mundana y vil condición. Afortunadamente aquí hay potencial. Hay muchas ganas, hay garra, hay potencia y honestidad a raudales. Hay músicos que se pelan los huevos pegándole horas de ensayo en el local, que se ganan la experiencia y el respeto a base de sacar músculo en los directos. Sangre, sudor y lágrimas y eso, oh, niños y niñas, es de admirar y respetar. No, no van a salir en prime time; no, no te los van a recomendar en “La Voz” o en “Operación Triunfo” como la gran sensación. Ya sabemos distinguir lo que es un producto prefabricado y un músico. Y aquí, pelotas, música, sangre, sudor, lágrimas y honestidad… Hay a raudales. Por fortuna. NUM. 85 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 33


Pero, ¡qué cabrones estos CLIMBING HUMANS! Resulta que lo tienen todo pensado y armado. “Coelum” es el primer EP de un trabajo conceptual que está dividido en tres EP que van a sacar a lo largo de éste año. ¿Y me dejan con la miel en los labios, con cuatro temas en apenas veinte minutos? ¿Y tengo que esperar al próximo EP? ¿Y al siguiente? Pero si con éste, ya he tocado el cielo. Pues, ala, ahora me enfado y les bajo la nota. ¡Chincha rabiña!

Rodrigo Poblete os subirá peligrosamente las pulsaciones. ¿Cortes a destacar? Hombre, pues de entrada todos. Señoras y señores, por si no os está quedando claro, esto es una OBRA MAESTRA. La única pega que puedo poner es que no lo escuché en 2020. Si hubiese sido así, os aseguro que hubiesen entrado de cajón en mi top ten de aquel año. Hacedme caso, ¡compradlo ya! JESÚS MUÑOZ CABALLERO 10/10

CESAR LUIS MORALES 9.3/10

DEMONIAC (CHL) SO IT GOES EDGED CIRCLE PRODUCTIONS, 2020

«So It Goes» es el título del segundo Elepé de los Blackened Thrash / Black Thrash metaleros DEMONIAC. Apareció en el mercado en octubre de 2020 por medio de Dissonant Death Records con una tirada limitada de tan solo 100 copias. Como ya estaréis suponiendo, por la parte que nos toca solo podemos hacer una cosa: realizar su respectiva reseña y esperar que todos vosotros la disfrutéis. Antes de arrancar, hagamos un recuento de componentes, nombrándolos a todos y relatando cual es su función dentro del grupo ¿vale? Bien, su line up es: Vicente Pereira (bajo), Rodrigo Poblete (batería), Nicolas Young (guitarra), Javier Ortiz (guitarra y voz). Por Odín, la escucha del disco en cuestión me ha dejado tan entusiasmado, que ni tan siquiera sé por donde comenzar. De verdad, hacía años y años que no disfrutaba tanto con un redondo del estilo anteriormente mencionado. Cada tonada es tan única como feroz y sólida. Además, lo mejor de todo es que realmente en ciertos momentos llegan a sorprender gratamente. Culpa de ello, la tiene la inclusión de forma puntual a la par que magistral de instrumentos de viento, que le otorga, valga la expresión, un gran soplo de aire fresco a un tipo de Metal Extremo tristemente estancado en unos parámetros repletos de típicos tópicos. Por otro lado, el sentido de la melodía es simple y llanamente perfecto. No me explico como han podido recrear unos solos de carácter claramente… digamos clásicos y armoniosos, sin perder ni un ápice de furia, y sin que parezcan facilones. ¡Si es que hasta la portada es una maravilla! Las perpetuamente afiladas seis cuerdas suelen ir a la velocidad de la luz, sabiendo bajar las revoluciones cuando es necesario. La intensidad es inconmensurable e indescriptible en cada riff. Aún a riesgo de ser cargante y reiterativo, ojo a la lead guitar. ¡Menuda maravilla!. Los macabros registros vocales emanan una agresividad arrolladora. Aquí se va a lo que se va, sin moderneces innecesarias. El bajo, ay madre. Me pregunto si Vicente Pereira es consciente de la enorme labor que ha realizado con su respectivo instrumento. Presencia y buen hacer en estado puro en las 5 tonadas que componen el álbum. Ojalá el resto de bandas del mundo tratasen las cuatro cuerdas como lo ha hecho este hombre. Dinámica, y con una clara tendencia a los up tempos es la percusión. Tened cuidado si tenéis problemas de corazón, porque os aseguro que cada beat de 34 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 85

DETRITUS (GBR) MYTHS EMBRYO INDUSTRIES, 2021

¡Wow! Quién me iba a decir hace unos años que los británicos DETRITUS se iban a volver a juntar y grabar un disco nuevo. Teniendo en cuenta que ésta es una banda de metal cristiano -o «white metal»- hay que decir que sin duda los milagros existen. Que quede bien claro: el combo de Bristol no es un recién llegado al mundo del metal. Ni mucho menos. La banda se fundó a finales de los ochenta y nos brindaron dos discos que a día de hoy todo buen conocedor recordará: el magnífico «Perpetual Defiance» de 1990 y su más que digno sucesor «If but for One» en 1993… ¿Alquien se ha fijado en las fechas? Pues eso. Fueron los peores años para sacar discos de thrash pues este estilo se fue a pique a principios de la década de los noventa con el advenimiento del grunge… y si a ello le añadimos el hecho de que la banda era de temática cristiana, con lo cual queda claro que no va tener el nivel de popularidad de otros grupos aunque sean de nivel inferior, pues poco más hay que decir. El grupo desapareció de golpe y porrazo después de la salida de su segundo álbum y ya poco más se supo de ellos. Esos dos discos, sin embargo, quedaron como iconos dentro del mundo del thrash metal cristiano y las versiones antiguas de ambos quedaron como piezas de coleccionista que costaban un ojo de la cara en Ebay o Discogs. La verdad es que el debut «Perpetual Defiance» dio mucho que hablar durante muchos años (y con razón). Un discazo de thrash monumental y exquisito, bien tocado, con caña y buenas melodías que mucha gente denominó ‘la versión cristiana del «Master of Puppets»’… y la verdad es que puedo comprender por qué, aunque siempre pensé que había también toques muy a lo TESTAMENT, o incluso a lo XENTRIX (compatriotas suyos que también se reunieron hace poco y sacaron nuevo disco después de la tira de años). En fin, quiero decir que después de que desaparecieran de la faz de la tierra dieron mucho que hablar y sus discos fueron venerados y recordados por muchos en los círculos metaleros tanto cristianos como seculares. Ahora, después de tanto tiempo, los ingleses se ha reunido de nuevo en forma de quinteto para grabar su esperadísimo tercer larga duración «Myths». Hasta ahí todo genial. Un dato curioso: la banda está catalogada bajo la etiqueta de estilo «Thrash Progresivo» en muchos medios parece ser… pero tras escuchar el disco varias veces, tengo que decir con toda sinceridad que yo personalmente no detecto ni suficiente thrash ni suficiente «prog» para que se pueda utilizar tal etique-

ta, o por lo menos, aviso a los lectores de que si se hacen con este disco (que es un buen disco sin duda), que no se esperen progthrash del tipo TOXIC o MEKONG DELTA, o ya desde un plano actual ni mucho menos como lo que hacen los americanos VEKTOR. Pasemos a su nuevo disco «Myths». La producción es correcta sin llegar a ser espectacular. Quizás la batería suena un poco apagada pero nada alarmante. Las guitarras suenan potentes y crujientes y empastan muy bien con el bajo y la voz está muy bien colocada en la mezcla. Después de una breve pero efectiva introducción, «Bright Black» comienza con un riffing potento pero bastante lento, sobretodo siendo el primer tema de un disco supuestamente de thrash, por lo que en general no estaría fuera de lugar en otros géneros de metal más «groove» o «power metal» estilo americano. Las voces son unidimensionales, rasgadas y ásperas pero funcionan muy bien — sobretodo en el estribillo. Especialmente el estribillo es muy bueno y hasta pegadizo. Entra el siguiente tema «Tale Of Sadness» y de pronto baja el tempo considerablemente (y eso que el primer tema no era demasiado thráshico o rápido que digamos), y no tiene nada que ver con el thrash a decir verdad. Es más bien como una especie de balada gótica. No estoy diciendo que sea un mal tema, ojo. De hecho de alguna manera también tiene un carácter pegadizo. Lo más destacado para mis humildes oídos es el siguiente corte llamado «Call Me Human», que de nuevo viene con un estribillo bastante bueno. Este combinado inglés sabe cómo escribir estribillos no muy complicados y memorables a decir verdad. Pero de nuevo, si bien este tema me vuelve a enganchar e ilusionar, DETRITUS vuelve a pisar el pedal del freno con «Exoria». No me quejo de la calidad de los temas, que es bastante buena, sino de la elección de los temas en el tracklist. Falta dejar que el disco fluya un poco más. La canción todo sea dicho está muy bien con teclados omnipresentes que dan mucha atmósfera. «Bloodstained Glass» arranca con voces corales de tipo medieval, y luego cambia a una dirección que me recuerda ligeramente a RAMMSTEIN (de forma acertada todo sea dicho, ya que los alemanes no son ni mucho menos santos de mi devoción), y «Pharisee» es entonces de nuevo una canción más rockera y pegadiza, que de nuevo estilísticamente va en la onda «black album» de METALLICA. La melodía rockera con toques incluso bluseros del solo está muy bien. También «The Game» lleva esta onda heavy-rockera con medios tiempos estilo «black album». El tema final «Forever Soldier» tiene de nuevo ligeros toques thrash indudables e incluso progresivos aunque repito, el disco para mí no es «prog thrash» — al menos no como yo concibo este estilo. «Myths» es un álbum que, distando mucho de ser perfecto, a mí me ha gustado y me ha hecho reflexionar. Un disco de un grupo ya de cierta edad que entiendo que se ha vuelto a reunir después de tantos años para plasmar sus experiencias durante su período de ausencia de casi 30 años. Hubiera sido un poco extraño que hubieran seguido con el mismo estilo exactamente — pues las experiencias cambian a la gente y dan perspectiva tanto a nivel musical como humano. Tras escuchar el disco varias veces, sólo puedo suponer que han grabado exactamente el disco que querían grabar, sobretodo teniendo muy en cuenta que el nicho del metal o thrash cristiano nunca va a gozar de una gran popularidad — a veces, tristemente, por muy buena que sea la música en cuestión. «Myths» es un disco de metal ameno, variado, solemne, con toques ceremoniosos que vale la pena descubrir. Que sean bienvenidos de vuelta y esperemos que sigan haciendo la música que les dé la gana sin seguir modas insulsas. ¡Bien hecho!

DANIEL GALLAR 8.2/10

ENEMY AWAKE (SWE) FALLEN WORLD AUTOEDITADO, 2021

Las garras de los primeros IN FLAMES, DARK TRANQUILLITY y AT THE GATES siguen, imperturbables, marcadas a fuego en el Metal de nuestros días y más aún, lógicamente, en Suecia. Incluso en esta época siguen surgiendo proyectos interesantes que, de alguna forma, continúan el legado del “Jester Race” o el “Slaughter Of The Soul”, buscando darle su personalidad y, algunos, lográndolo. Hoy nos animamos a comentar el segundo LP de ENEMY AWAKE, banda formada en 2018 por el peruano afincado en Estocolomo Iván Castro (guitarras) y, actualmente, contando con la vocalista sueca Rebecca Holm. Ambos, acompañados de músicos de sesión, acaban de estrenar este “Fallen World”, suponiendo el debut de Rebecca en un LP. Y bueno, lo que nos encontramos es un disco de escucha sencilla, que se despacha en poco más de media hora y que nos retrotrae a la Suecia de mitades de los noventa aportándole, en algún momento del álbum, ciertas pinceladas de Thrash. Ocho temas sencillos, que cumplen su labor sin ser, tampoco, nada del otro jueves. Cuenta con algunos momentos destacables, por supuesto, me mola la pesadez de temas como “Hate”, con una guitarra gruesa, a medio tiempo y Rebecca mostrando un registro más oscuro, así como la aceleración a lo AMON AMARTH que nos ofrecen en la siguiente “Cryonation”, uno de los singles de adelanto. La producción suena bien, con esa guitarra bien afilada y de sonido tan ‘sueco’. Otros puntos que me parecen interesantes pueden ser el estribillo de “The Visitor”, seguido de un buen solo de Iván, o el riff de la final “No More”, sobreviviendo entre algunos otros cortes algo planos, y haciendo que la escucha del álbum acabe siendo amena, entretenida, pero sin mucho más que ofrecer. En general estamos ante un disco más. Que no es malo, en absoluto, pero que tampoco nos va a cambiar la vida ni a ofrecernos nada que no hayamos escuchado antes. Se pasa rápido, suena bien, pero a buena parte de los temas les falta un punto extra de gancho. Tal vez en un futuro, rodeándose de más músicos y afianzando el proyecto puedan ofrecernos algo un poco más molón. JOSÉ POZAS MILLA 5.5/10

EXIMPERITUS (BLR) SAHRARTU WILLOWTIP RECORDS, 2021


Eximperituserqethhzebibšiptugakkathšulwe liarzaxułum es el nombre completo de esta banda, que según sus miembros procede de la mezcla de ciertos términos de lenguas como el Latín, Egipcio antiguo, Akkadio y Sumerio en su tradición Caosatánica. Toda una declaración de por dónde gira el concepto de estos bielorrusos. Pero centrándonos en “Sahrartus”, su segundo larga duración, hay que reconocer que al igual que otras bandas adoptaron ambientaciones de antiguas culturas, EXIMPERITUS hacen lo mismo mezclando ciertas melodías, sonidos dentro de un Death Metal de corte Brutal, logrando composiciones realmente asombrosas, donde no falta una técnica depurada y velocidad a raudales, pero cuando la banda decelera, nos ofrece esas melodías siniestras y que nos traen a la mente imágenes de antiguas civilizaciones ya desaparecidas y que en esta ambientación suenan interesantísimos. No es original, porque otras bandas ya conocidas por todos y mucho más grandes han hecho esto anteriormente, pero hay que reconocer que ya que lo haces, hacerlo bien, y EXIMPERITUS lo hacen muy bien. Los temas suenan super potentes, los riffs además de tener una fuerza que destrozan cualquier muro de hormigón que se le ponga delante, tienen “melodía” haciendo que se queden en nuestra mente fácilmente. Temas como “Utpada” o mi favorito “Tahadu”, son verdaderos temazos y que seguro que los seguidores del Brutal Death técnico y atmosférico disfrutarán de inicio a fin. “Anhutu” comienza con potentes acordes para introducirnos en un vórtice hipnótico y que a base de medio tiempo nos prepara para riffs veloces y masacrantes, que son cortados por secciones etéreas que se vuelven en infernales aceleraciones, resumiendo, buenas ideas y bien ejecutadas. “Inqirad” es un majestuoso tema con diversas atmosferas, pero donde en su primera mitad la pesadez y potencia de los riffs mandan, como anécdota nos encontramos con el riff del tema inicial “Sahrartus”, en la mitad del tema uniendo ambas composiciones aunque resultara extraño la inclusión por partida doble de tal sección. “Sahrartus” no nos ofrece muchos temas, seis, pero que exceptuando el introductorio inicial, todos superan la barrera de los cinco minutos, incluyendo un monumental “Inqirad” que llega a los diez minutos, con lo que se queda un álbum de duración media que no llega a aburrir en ningún momento. Finalizando, he de reconocer que “Sahrartus” me ha gustado mucho, ofreciendo una buena ambientación, mucha brutalidad aunque bien encajada en el contexto del álbum y muy buen sonido, sin duda, si te gusta el Brutal Death Metal técnico y con ambientación a antiguas civilizaciones, no dudes en escuchar este álbum porque no defrauda. LUIS MARTÍNEZ 9/10

FESKARN (SWE) RAVENS WAY VEGVISIR DISTRIBUTION, 2021

Dentro de la mitología nórdica, una de mis favoritas, nos encontramos con dos animales que ayudaban al Padre de Todos, a Odín. Dos cuervos, llamados Hugin y Munin, partían al alba de los hombros del dios y re-

gresaban al atardecer. Se posaban sobre sus hombros y le susurraban al oído toda la información. Hugin es el pensamiento; Munin, la memoria. ¡Colorea y aprende con Teo! Así que no es de extrañar que nos encontremos con un disco como éste “Raven’s Way” de la banda FESKARN. Actuando como el Padre de Todos, el músico Niklas Larsson se ha cascado, él solito, este “camino de los cuervos”. El ágil piano con que abre, enseguida enlaza con el crascitar de las aves que dan título al álbum y al primer tema y, enseguida, se desatan todos los infiernos. Épicos infiernos, pero infiernos al fin y al cabo. Fiero metal vikingo, acompañado de ásperas vocalizaciones, orquestales teclados y a dar cera de la buena. Y “Broken Word” sigue por la misma senda: la endiablada línea de piano engancha con un rápido ataque pagano, con Larsson dejándose la garganta a base de berridos que harían temblar los mismos muros del Valhalla. Pero, oh, dicha divina, aparece por aquí un canto difónico. Ya nos hemos acostumbrado al sonido gracias a bandas como THE HU, pero oírlo por aquí, en un proyecto de Viking Metal es sorprendente y muy agradecido. “Sigur” nos presenta sonoridades de harpa de boca; sí, has leído bien, un harpa de boca, con una sonoridad que nos lleva a otros proyectos musicales como HEILUNG. Luego, se vuelven a desatar todos los infiernos en plan BATHORY, ¡pero es que Suecia es muy grande en cuanto a su propuesta musical! “Vägen Framåt” vuelve al simplista y telúrico estilo de los HEILUNG y vuelve a aparecer ese canto difónico. No es el growl del Black Metal, pero es aún más amedrentador que todas las huestes del Inner Circle cantando a la vez. Y sí, luego tiene estallidos sucios y viciosos, pero lo que prima es la parte acústica y etérea. “Parasite” se va por una vertiente más medievalista y ya sabemos lo que le mola a Niklas Larsson dar cera en sus temas, así que ya sabes que esto va a saltar de un momento a otro en andanadas metálicas. Pero que, a mitad del tema, todo se pare y empiece a silbar el leitmotiv de la canción ¿cómo te quedas? “Relics from the Past” nos ofrece, por el contrario, vocalizaciones en plan barítono, para dar paso a “Livets Tid”, épico y grueso a partes iguales, con instrumentos clásicos. “Golden Age” es un tema que acusa un poco la fatiga compositiva, al repetirse la misma fórmula que ya se ha visto en temas anteriores. Lo mismo le ocurre a “Strong from Nature”: rollo tribal, canto difónico, para dar paso a “Destroyed”, misma línea de leitmotiv repetitivos en plan BURZUM. Parece que se pierde un poco en bueno de Niklas Larsson, pero vuelve a recuperar pulso en la experimental y mistérica “Yggdrasil”, el fresno perenne de la mitología nórdica que mantenía unidos a los distintos mundos. Enlazamos con “The Frost of the fallen” el tema más extenso del álbum, épico, majestuoso, enlazando las múltiples influencias que ha ido desarrollando a lo largo del disco y cierra con una punkarra “Ein Bier”, aunque metiéndole los solemnes coros hacia el final, lo que le da un puntazo bastante interesante. Los dos cuervos han sobrevolado la tierra media, Midgard. Hugin y Munin se han posado sobre los hombros de Niklas Larsson y le han contado muchos secretos, y, aunque a veces el disco se resiente y pierde unos cuantos enteros tras varias escuchas, sí es cierto que hay buen material, ideas frescas y una ambición por mejorar. Dejemos que los cuervos hagan su trabajo y le cuenten más secretos a Niklas para un, a buen seguro, mejor álbum en el fututo. CESAR LUIS MORALES 8/10


llama para que continúe ardiendo eternamente. JOSÉ COSTALES LANCHARRO 9/10

FUNERAL FULLMOON (CHL) POETRY OF THE DEAD POISON INFERNA PROFUNDUS RECORDS, 2021

FUNERAL FULLMOON es la entidad demoniaca y musical creada por Magister Nihilifer Vendetta 218, que nace como tal en 2019. Aunque el responsable de este malicioso proyecto ya atesoraba suficiente experiencia por haber formado parte de otros grupos y proyectos. Este trabajo que tengo ahora mismo sonando de fondo es su segundo álbum completo, editado este año 2021 por Inferna Profundus Records en formato vinilo de 12 pulgadas. “Poetry of the Death Poison” consta de cuatro temas con una duración total de casi veintiocho minutos. Lo primero que debemos tener en cuenta al enfrentarnos a la música de FUNERAL FULLMOON , es que nace de la abominación, del odio y de las profundidades donde un día hace mucho tiempo, se creó este estilo. FUNERAL FULLMOON se sumerge de lleno en las ponzoñosas aguas donde un día bebieron bandas como: DARK THRONE, JUDAS ISCARIOT, GORGOROTH, WARLOGHE, MOONBLOOD… Black Metal minimalista, crudo, helado, cruel y absolutamente fiel a las raíces más negras y profundas del género. O como decíamos en los noventa , Unholy Black Metal. En la actualidad, el Black Metal no es un género que sea ajeno a las modas, y algo que me gusta y me transmite mucha satisfacción es que FUNERAL FULLMOON no necesita afiliarse a ninguna moda para hacer un trabajo digno y sumamente respetable. Es fácil caer en el error del consabido “No hacen nada nuevo”. Cierto, pero lo que hace es sincero, visceral y terriblemente valido. Tal es así, que prefiero mil veces este “Poetry of the Death Poison” antes que la discografía entera de otros grandes nombres del panorama. Es así de simple, porque aquí hay honestidad. No hay adornos, no hay moderneces, no hay grandes producciones. Este álbum de FUNERAL FULLMOON responde en mi opinión a aquello de menos es más. Y para mi cumple perfectamente con lo que espero y pido a un álbum de autentico y genuino Black Metal. A lo largo de toda la grabación podemos asistir a una mezcla infernal de partes lentas, medios tiempos y rápidas explosiones de sublime maldad, mientras que también se añaden las necesarias melodías oscuras en algunos de los riffs de guitarra para dotar de mayor entidad a los temas. En “Beyond the pain” encontramos un tema con una aproximación a los DARK THRONE del “Transilvanian Hnger” realmente acertada y bien elaborada. Por otra parte, el tema “Nokturnal Prayer” ha resucitado el espíritu de mis amados MOONBLOOD, y en sus riffs puedo reconocer el espectro de sus mejores composiciones. Para cerrar, “In the Night of Dark Ruins” es una pieza deliciosa donde lo solemne, lo tenebroso y lo atmosférico se dan la mano. El fantasma del Unholy Black Metal de los noventa toma forma corpórea aquí, no todo está perdido. Afortunadamente aun quedan algunos, que orgullosos, portan la negra

HEADON (ESP) GÉNESIS ON FIRE RECORDS, 2021

La banda HEADON se creó en Murcia hace más de diez años y en marzo Andy Martínez (voz), Jota Ortuño y Ube Madrid (guitarras), Sergio Ros (bajo) y Carly Pajarón (batería) presentaron su tercer trabajo, “Génesis”, lanzado a través de On Fire Records. El sonido de “Génesis” es un viaje agradable en el carril central del heavy metal aunque en ocasiones haya algún cambio de carril para girar hacia el metal moderno o hacia el heavy metal más clásico ofreciendo a los oyentes una experiencia agradable en general. La banda nos ofrece once pistas que llamarán tu atención y algo más; en sí no son muy largas, por lo que nunca hay la sensación de que un tema se prolongue demasiado. Además, las partes más cañeras y las más tranquilas casi fluyen entre sí. El tándem de apertura del álbum formado por “Estoy Aquí” y «Sombras» da paso a «Revolución», un tema que cuenta con las colaboraciones de Rubén Kelsen (DÉBLER) y Ángel Ortiz (DAERIA) y que cada vez que lo escucho me recuerda más a los LEO:037 originales y el que la voz de Andy tenga el mismo timbre que la de Leo Jiménez no le ayuda a marcar una diferencia. Por otra parte, no creo que este sea un elemento negativo teniendo en cuenta que se lo está comparando con el que, para mí, es el mejor cantante español, aunque él seguramente ya estará más que cansado de escuchar siempre la misma comparación. Afortunadamente va encontrando su propio estilo y eso lo hace crecer a él como cantante y al mismo tiempo, lleva a la HEADON a un nivel superior. Andy está en plena forma, dando todo en cada pista y asegurándose de no desperdiciar la oportunidad que se le brinda. Si bien temas como “Hasta El Final”, “Abre Tus Alas“ y “Tu Canción” son algo cursis y resultan entrañables en su grandilocuencia, no llegan a mínimos para hacer que descarrilen el álbum, sino que sirven como una pausa. Los estribillos cadenciosos se pegan directamente al oído sin sonar demasiado simples o incluso kitsch. En “Fuego” nos encontramos a Carmen Xina (ADAMANTIA) acompañando a Andy dando como resultado un excelente dueto; una vez más los sonidos más clásicos toman el control. El resto del álbum es sólido y vale mucho la pena. Tras “Inmortal”, “Sigo En Pie”, “Sentencia” llega el tema de cierre “Asphyxia”, mi favorito, y donde se produce el mayor giro hacia el metal moderno y que los sitúa en un nivel superior: si ese va a ser el camino que lleve su próximo trabajo… ¡habrán ganado una fan! «Génesis” es un álbum producido con audacia, tocado limpiamente y con una voz que destaca por su calidad; todo encaja. Así que estamos ante un álbum sólido de principio a fin, bien elaborado cuyo principal problema, sin embargo, es que, por muy bueno que sea, hay una sensación general de que las pistas son buenas pero no geniales, y


hay margen de mejora en todos los frentes. HEADON nos ha regalado un gran álbum que resulta ser extremadamente adecuado para el directo; es refrescante que la banda siga mejorando y no parezca preocuparse por nada. La variedad es muy importante, los temas son pegadizos y tienen varias sutilezas divertidas. ATAEGINA MOON 8.5/10

HELSINKI HORIZON (NOR) SIGNAL FLARES AUTOEDITADO, 2021

Hoy vamos a hablar de una maravilla de la naturaleza y son los copos de nieve. Vistos bajo el microscopio no hay dos iguales y son de una belleza fractal y efímera que duelen. Son fractales porque, en su unicidad, cada copo tiene una estructura geométrica que se repite a diferentes escalas. Y son efímeros porque, una vez que ese copo se deshaga, ya no volverá a existir nunca más. ¡Colorea y aprende con Teo! Así que, imaginaos cada vez que nieve, la posibilidad de ver cada uno de esas pequeñas obras maestras bajo la lente de un microscopio. Imaginaos también lo que puede ser vivir en países del hemisferio norte, más arriba de Trópico de Cáncer y cercanos al Círculo Polar Ártico. Imaginaos una región como la Noruega vikinga y enseguida se os vendrá a la cabeza las imágenes de nieves eternas, de fiordos, de renos y de trineos. Imaginaos ¿qué música sería la adecuada para tanta belleza? Pues la de HELSINKI HORIZON, que acaban de publicar el primero de dos EP’s que tienen en proyecto. El primero con el que nos deleitamos se llama “Signal Flares” (se prevé que un segundo titulado “Sirens” sea publicado en breve). ¿Y qué tenemos por aquí? Comienza el primer tema, “Current”, con su tonadilla de caja de música y todo se me revuelve por dentro, pero cuando aparece la feérica voz de Nicole Carino me rompen por completo y empiezo a llorar. Tanta delicadeza, tanta belleza contenida, una música tan minimalista y evocadora, que recrea tantos paisajes, como un copo de nieve. Y a continuación, la melancólica y con tintes más Post-Rock “The miner and the rime”, ni una sola intervención vocal, sólo la creación y la repetición de forma fractal de un leitmotiv, sólo emoción y atmosfera, sólo sentimiento y belleza… reitero, como un copo de nieve, único en su composición y en su arrebatada hermosura. Como ya he comentado en otras reviews al respecto del Post, su virtud no está en las notas que se tocan, si no en las que no se tocan, en los espacios vacíos, en los silencios, en la primorosa factura de lo que se boceta y no se dibuja. ¿Se me está notando mucho que soy un enamorado del género? Con temas como éste, sólo se ratifica mi teoría. Nueva delicatesen con piano y cello entremezclado por la iteración Post, y de nuevo –oh, dicha divina – la celestial voz de Nicole Carino en el tema que da título al EP. Y llegamos a un nuevo tema instrumental de corte más clásico, más Alternativo si queréis, con reminiscencias de aquellos SMASHING PUMPKINS, titulado “Mirth Creek”. Y entonces me doy cuenta de una cosa, de

que la banda tiene una intención, que sólo estamos contemplando un fragmento de una obra más grande. En un equilibrio perfecto, van seis temas en este EP, uno vocal alternando con uno instrumental. Simple y llanamente, me están dejando cada vez con más ganas de seguir explorando el universo sonoro de HELSINKI HORIZON (aún no se tiene fecha de lanzamiento para el “Sirens”, pero ya estoy deseando que salga). “Fragments” como quinto tema es pulsante, groovy, hipnótico con su enorme carga de sintetizadores y samples. Y cerrando, como mandan los cánones de la banda, nuevo tema instrumental titulado «Almlia», volvemos al mistérico sonido de las cajitas de música, un recitativo, un cello, nueva magia etérea y conmovedora… Noruega, país de fiordos, de vikingos, la cuna del Black Metal, de las nieves y de esos copos de nieve… No seáis cabrones y me hagáis elegir entre el BM y esta banda. La tierra, como se la describe muchas veces, del Sol de Medianoche, tiene ahora mismo algo realmente hermoso que ofrecer al mundo y se llama HELSINKI HORIZON: perfectos, delicados, fractales y –esperemos que noefímeros como los copos de nieve.

tras un inicio más alternativo, recordando a bandas más “universitarias” como BLINK 182, se transforman de nuevo en HURRICANE ON SATURN, entremezclando todos sus elementos mostrados a lo largo del álbum. “Everytime”, es una especie de balada, melódica, más emotiva, pero con unas estrofas muy marcadas y convincentes que nos llevan a mencionar el ultimo corte del álbum, “We Hate”, envuelto en una atmosfera con tintes oscuras, va creciendo lentamente con la electrónica y el estribillo, para poner punto y final a su debut. JUAN ANGEL MARTOS 6.5/10

ILLNESS (NOR) SCHIZOPHRENIC KINGDOM AUTOEDITADO, 2021

KILLING FIELDS AUTOEDITADO, 2021

Desde Italia, nos llega el debut de HURRICANE ON SATURN, “Killing Field”, en formato autoeditado, donde dan rienda suelta a su modern metal, donde mezclan, electrónica, rap, core y nu metal. Para seguidores de LINKIN PARK, EVANESCENCE, LIMP BIZKIT… Aunque la primera impresión con “Among the Shadows” no fue muy convincente, un tema que sonaba al nu metal noventero cargado de rap metal adolescente, el álbum va guardando otros elementos que si despertaron mi curiosidad como “Till We Die”, un muy buen tema de rap metal pero con un estribillo melódico, abierto y muy pegadizo, donde conjugan la electrónica con la dualidad vocal a cargo de Dakm y Maydx, con unas guitarras poderosas a cargo de Antares y la percusión incisiva de Marakk, que demuestran que a veces lo sencillo es más efectivo, destacando el juego conjugado con los elementos electrónicos. En esta línea también encontramos “Me Versus All”, aunque coge el camino del medio tiempo, más emocional o “Coma”, hecha para los directos y ser coreada, con otro estribillo pegadizo aunque más convencional. “The Weight Of The Sky”, es otro de los cortes destacados, dejando un poco de lado el rap y mostrándonos su parte más metalera, aunque siempre emerge ese germen bikzit, endureciéndose en “Killing Field”, el corte más incisivo y potente del álbum, donde las voces nos muestran otra parte de la banda, rasgándose y demostrando más agresividad, incluso toques guturales, elementos que deberían explotar más, pues les da un punto más de potencia, además lo envuelven de una electrónica más maquiavélica, transformando este corte en otro de los más interesantes del álbum. Con “TFW”, nos muestran otra vertiente, un tema camaleónico donde

EMPIRICISM DAWNBREED RECORDS, 2021

El cuarteto brasileño / alemán formado hace 11 años ya, nos ofrecen su quinta grabación en formato reducido a un EP de cuatro temas, donde nos demuestran su absoluta devoción al oscuro y fangoso Death Metal decadente y lleno de atmosferas oscuras y mórbidas. Además la banda ha sabido añadir un sonido que recuerda a las viejas Demos de principio de los años noventa, donde el sonido distaba de la perfección, pero que destilaba autenticidad y fiereza en cada nota.

CESAR LUIS MORALES 10/10

HURRICANE ON SATURN (ITA)

INCARCERATION (DEU / BRA)

Desde la cuna del Black Metal más puro nos llega el nuevo trabajo de ILLNESS. Un proyecto iniciado en 2001, con cinco LP’s a sus espaldas y un buen puñado de EP’s y splits, que hacen bastante honor a su nombre, pues nos presentan un Black Metal seriamente desquiciado y anárquico, de sonido guarro, blasfemias y una importante dosis de misantropía. En este caso, el trabajo completo de grabar este “Schizophrenic Kingdoms” ha corrido a cargo de Gulnar, multiinstrumentista polaco afincado en Noruega, que se ha encargado de todos los instrumentos y que se ha beneficiado de los Paranoic Abyss Studios para grabar, mezclar y masterizar el álbum. En este trabajo lo que encontramos, tras la intro “Entrance”, es un tema inédito como es “Insanity”, muy sucio y machacón, junto a dos re-grabaciones de su “Black Schizophrenic Metal” de 2012, como son el tema título y una dispersa “Kingdom Of Rats”, a la que la producción convierte en algo absolutamente desquiciado, y un cover de los noruegos THORNS, bastante fiel al original. Lo que nos llama la atención en las dos re-grabaciones, y que se entiende con la versión final, es la conversión de los temas a un sonido más Industrial, apoyado por los omnipresentes (y tal vez exagerados) teclados y esa machacona batería programada, dejando ver influencias de GODFLESH o SAMAEL entre su, como bien insisten en declarar, esquizofrénico Black Metal. Al final, tenemos algo menos de veinte minutos de Black Metal en su esencia más perturbada, aderezado con trazas de Industrial Metal que renuevan dos cortes clásicos de la banda, un tema nuevo bastante interesante y un cover que confirma un poco las influencias que envuelven este reino de la esquizofrenia. Por tanto, aporta poca novedad, pero sí que se hace disfrutable y puede ser un buen punto de inicio para quien no controle a ILLNESS. JOSE POZAS MILLA 6.5/10

“Empiricism” nos muestra un viaje al interior, que va adentrándose en terrenos oscuros, violentos en otros momentos, tétricos y que nos van dirigiendo hacia el terreno de la muerte y soledad. Desde los primeros acordes de “Chtonic Pulse” la banda deja claro su estilo y aunque por momentos incluso algun riff nos pueda llevar hacia un Blackened Death Metal, el estilo se asienta en el Old School Death Metal, donde tienen cabida tanto influencias de bandas yanquis como nórdicas. Si bien en los momentos más pesados o incluso en los veloces, la intensidad lo aplasta todo, hay que reconocer que la banda logra transmitir esa idea demoledora del Death Metal, que no escatima adentranse en otros géneros extremos como el Doom (y el ya citado Black). “Psychic Totality” continua la onda del primer tema y la banda combina diferentes ritmos y velocidades, que por momentos incluso podríamos decir algo Grind, pero dentro siempre del estilo que los caracteriza. Quizás en estos momentos tan violentos y veloces se eche en falta algo más de nitidez sonora, ya que es ahí donde se pierde un poco la grabación, pero esto queda en anécdota ya que la intención de la banda es sonar de esa forma. “Beneath The Chains of Existence” también continua con esa velocidad absolutamente arrolladora, y los riffs redoblados a toda pastilla, que son acompañados por una batería desenfrenada, y que solo descansa en breves instantes en mitad del tema. “Chasms of Metaflesh” comienza muy intenso y a medio tiempo, con un riff muy MORBID ANGEL, ANGEL CORPSE… medio tiempo redoblando en cuerda a mil por hora, para cortarlo con potentes acordes y la entrada de la voz desgarrada que nos presagia la llegada de la tormenta en forma de velocidad sin raudales. No es algo original, ni creo que la banda lo intente, pero hay que reconocer que si te gusta el Death Metal intenso y veloz, sin duda INCARCERATION son para ti. “Empiricism” es un corto pero muy intenso EP, que me ha dejado buen sabor de boca, no es original pero está hecho con actitud, conocimiento del estilo y estoy seguro que si lo tuyo es el Death Metal que se hacía a principios de los noventa, con esta banda pasarás un muy buen momento. LUIS MARTÍNEZ 8/10

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INNERSPHERE (CZE)

JOURS PALES (FRA)

OMFALOS

ECLOSION

SLOVAK METAL ARMY, 2021

LES ACTEURS DE L’OMBRE PRODUCTIONS, 2021

Formados en 2015 en Pilsen, ciudad al oeste de la República Checa, el combo death/ doom melódico INNERSPHERE acaba de lanzar su segundo larga duración titulado “Omfalos”, a modo de continuación de su debut de 2018 titulado “Amnesia”. Una placa que ya de entrada cuenta con un artwork bellísimo y de lo más sugerente. La palabra “Omfalos”, que deriva del griego ομφαλός (omphalos), significa «centro del mundo», y es que el combinado checo vuelve a abordar temas metafísicos de nuestra propia existencia con un halo de misterio y mucha metáfora, todo rubricado con un tono omnipresente y ominoso muy acorde con el estilo practicado. El joven cuarteto checo está compuesto por Míra Litomerický a la voz y guitarra, Lukáš Mai también a las guitarras, Marek Hubocký al bajo y Filip Wintr a la batería.

¿Qué fue primero, el huevo o la gallina? Ala, ahí os lo dejo para que lo penséis durante el fin de semana. ¡Colorea y aprende con Teo! Náh, no vamos a ser tan cabrones, pero… Allá por enero de 2020 (¿os acordáis? ¿Sin restricciones, sin mascarillas, sin bicho…?) hice una review del excelente debut de ASPHODÈLE, dónde militaban Spellbound a la voz y los teclados y Christian Larsson al bajo (ex SHINING). Escuela francesa, el omnipresente sello de Les Acteurs de l’Ombre, y el nombre del disco “Jours Pâles”. Pues ahora, un añito y poco después, los actores se mantienen y cambian las tornas. Ahora la banda es JOURS PÂLES y presentan un nuevo álbum titulado “Éclosion”. Con estos franceses nunca se sabe si fue antes el huevo o la gallina. ¿Era ASPHODÈLE un proyecto y JOURS PÂLES la banda? ¿Eran el título simplemente eso, un título que luego reconvirtieron en banda? ¿El año que viene tendremos otra mutación de los dos músicos que se llamará “Éclosion”? ¿Qué fue antes, el huevo o la gallina? Y por cierto, ¿sabe alguien cuantos son cuatrocientos dracmas? “Illunés” abre el disco con un medio tiempo, con unos riffs de inicio que nada tienen que ver con el Black Metal al uso. Y de hecho, el tema evoluciona por otros caminos muchísimo más eclécticos. Es indudable la escuela de la que vienen, pero parecen haberse decantado por desarrollar un estilo más personal aunando todo lo que les gusta y lo que les llena. Sí, por descontado, hay unos vocales ásperos, hay recitativos, un bajo ultra pesado y presente a cargo de Christian Larsson, una composición realmente emotiva que deambula entre un Thrash melódico, el Blackgaze y el Post Black. Como apertura del disco, te descoloca y para bien. “Aux confins du silence” te lo vuelve a poner difícil a la hora de catalogar la música que estás escuchando, quizá, para mí, el punto más bajo y el tema que menos me ha llenado y más me ha perdido del álbum. Pero “Ma dysthymie, sa vastitude” me vuelve a recuperar y vuelvo a engancharme a JOURS PÂLES , con su melancolía intro y toda su atmosfera. Aquí sí, aquí la banda vuelve a recuperar el pulso y la brillantez de la propuesta. Y el álbum sigue ganando enteros con “Le chant du cygne” y aquí, también, hacen acto de presencia una serie de arreglos de fondo que son embriagadores y los solos finales del tema son, precisamente eso, tan hermosos y emotivos como el canto de un cisne. Por fin la banda destapa el tarro de las esencias y factura “Éclamé”, con la melancólica voz femenina de Ondine, con sus teclados sutiles, con la agresividad y desesperación que corresponde, con un intrincando trabajo de guitarras… Por este camino, sí. Y una vez que parece que han encontrado su vía, la banda sigue con el homónimo “Éclosion”: otro complejo estudio de distintos estilos, y de nuevo, melancólico, desesperado, con unos brutales acelerones thrashicos, pero con melodías cinceladas de manera magistral por las guitarras. “Suivant l’astre” está suciamente acelerada, casi punk, pero conserva ese dinamismo garajero a pesar

La atmosférica y sombría intro “Presentiment” deja todos nuestros sentidos a punto para dar paso a “The Darkest Hour”, un imponente tema de melodeath progresivo con partes instrumentales densas y cautivadoras de principio a fin. “Above” cuenta con riffs guapísimos acompañados por la aplastante batería de Filip, dando lugar por tanto a un corte de death metal melódico atrevido, ameno y con múltiples capas que se van desplegando a lo largo del tema. Pasamos a “Fire” donde esos cañeros pero clásicos y majestuosos riffs de guitarra empastan de maravilla con los golpes de bajo de Marek, con un estilo que mama tanto del death metal como del black metal. El title track, “Omfalos”, nos aporta interesantes elementos de fondo y orquestaciones que añaden un toque épico al resultado general. Ya metidos en la segunda mitad del plástico nos topamos con “Wisdom” y aquí ya me doy cuenta de que nos hayamos ante un disco de alto nivel. Una siniestra intro con tintes de blackened doom evoluciona poco a poco hacia una enorme muralla sónica melancólica, mostrando riffs y ritmos a medio tiempo totalmente rompecuellos por la potencia y energía de los mismos y con una atmósfera lúgubre terminando de una manera más que climática. Otro tema dignísimo de mención es el que cierra la obra, “The Fall”, que comienza con unas melancólicas notas de piano que nos adentran en un denso tema de melodeath/blackened doom que fluye de forma majestuosa hasta el final. Otro punto a destacar es la producción, la cual es absolutamente aplastante. Puede que a algunos no les guste un sonido tan limpio y moderno, pero la dinámica y la claridad de la mezcla es absolutamente perfecta. En definitiva, «Omfalos» es un bombazo absoluto y seguramente acabará en mi top 10 de 2021. Si te gusta la música extrema pero cautivadora, con melodía, melancolía y atmósfera, no te duermas con este álbum y échale un oído o dos a INNERSPHERE. Muy recomendados. DANIEL GALLAR 8.5/10

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de que la construcción de riffs se encuadra dentro de los estilos más oscuros. ¡Interesante mezcolanza! “Des jours à rallonge” tiene un interludio de preponderancia de bajo a lo “Sleepless” de COF que me chifla, pero luego el tema evoluciona a una bestia con multitud de capas, todas bien oscuritas y bien melancólicas y la banda pare un tema bien equilibrado y compendiando todas sus influencias y estilos. Para cerrar “C2H6O” y ahí hay una sublimación de la banda. Completamente instrumental, lo minimalista y lo melancólico, lo Post y lo Black se dan la mano. ¡Vaya manera de cerrar el álbum! Un álbum, sin duda para escuchar; cada uno descubrirá las partes o los temas que más le gusten, porque por su propuesta ecléctica va a satisfacer muchos gustos. Y quizá ese sea su mayor fortaleza y debilidad, pues no me ha quedado un estilo claramente definido. Eso sí, lo que me ha gustado (las partes más Post-Black) me ha chiflado y, por mi parte, espero que JOURS PÂLES sigan por esa senda. Bien es cierto que dicha decisión corresponde a la banda y es indudable que ellos van a grabar lo que les venga en gana, será por ideas, influencias y músicos implicados. De eso, van sobrados. CESAR LUIS MORALES 7.9/10

KOLECTIVO SUICIDA (ESP) VOLVER ON FIRE RECORDS, 2021

6 años han tenido que pasar para que un nuevo LP de la banda toledana KOLECTIVO SUICIDA vea la luz de la mano de On Fire Records. Formada a finales de 1996, la banda sigue en activo con casi 25 años de trayectoria tras un descanso de casi 2 años y resurgiendo de las cenizas con nueva formación y nuevo trabajo: “Volver”. Así, actualmente KOLECTIVO SUICIDA son Manu a la voz, Raúl y Alberto Astillero a las guitarras, Dani Rodríguez al bajo y Maxi a la batería. Lo que tenemos delante son 10 temas de rock de aquí de toda la vida, rock nacional de siempre, rock urbano que abraza la incomodidad y el placer de sentirse fuera de sintonía con la sociedad. “Volver” arranca con una intro instrumental para continuar con 9 temas que tienen la esencia más hard rockera de los 80. Según pasan los minutos vamos descubriendo más matices y temas cocinados a fuego lento que te van envolviendo y que pueden resultar efectivos y agradables a la escucha. Algunos son melódicos, otros tienen mucha fuerza y otros son más introspectivos y calmados. Sin embargo, realmente no puedo señalar ninguno de ellos que se eleve por encima del resto y terminar el LP con la balada “Entre la Oscuridad” no ha sido la mejor elección. Hay veces que por muchos intentos que le des a un álbum no termina de encajar en tus esquemas musicales, y es quizás un poco lo que me pasa en esta ocasión. Sin duda el estilo me gusta, los referentes también, y el álbum quizás no es el mejor trabajo de rock urbano de los últimos tiempos, tampoco el peor, pero no le termino de coger el punto. Pero esa es mi opinión, así que escucha el álbum y toma tu propia decisión.

ATAEGINA MOON 7/10

KORPIKLAANI (FIN) JYLHÄ NUCLEAR BLAST RECORDS, 2021

Estos Finlandeses han sido una de las bandas mas queridas por el seguidor metálico en las últimas dos décadas. Su estilo de folk metal utilizando su lengua materna siempre ha contado con el favor del público, y todo a pesar de no tener una regularidad en calidad en sus discos muy notable pero si lo suficiente para ir ganando adeptos con el paso de los años, y yo creo que tanto el carisma como la voz de Jonne Järvela, junto a esa mezcla de elementos típicos del folk como acordeones y violines, mas una base musical bastante dura y cierta dosis de humor en sus letras y ritmos penetró no solo en el fan típico metalero, sino en el joven y nuevo seguidor que se unía a esta tribu metalera. Discos como Voice of the wilderness (2005), Tervasnkanto (2007), Korven Kuningas (2008) y sobretodo Karkelo con su himno «Vodka» (2009) puso a KORPIKLAANI a la cabeza de la hornada folk europea junto a ALESTORM, ELUVEITIE, ENSIFERUM, FINTROLL, TURISAS o IN EXTREMO. Bandas con grandes diferencias entre ellas y que daban una riqueza que en los 90 no existía con quizás solo a los británicos SKYCLAD como padres del movimiento y poco mas. Pocos cambios hay en este nuevo Jylhä respecto a sus dos anteriores trabajos Noita del 2015 y Kukija del 2018, porque mirando la evolución como banda desde sus inicios vemos que ese folk metal fresco y desenfadado de sus primeros discos ha ido virando hacia terrenos mas bucólicos y melancólicos. «Verikoira» es el disparo de salida de este Jylhä con un riff seco y duro seguida de la espera voz de Jonne y bien acompañado del acordeón de Sarmi Pettula y el violín de Toumas Rounakari, como hemos dicho antes de tintes melancólicos y melodías apesadumbaras.. «Niemi» tiene un aire más festivo, bastante rápida, tema que recuerda bastante a SKYCLAD, sobretodo por las melodías del violín. «Laväluhta» es una de las joyas del trabajo, tema que alterna momentos lentos de toques ska con otros rápidos y desenfadados, con cierto aire circense por el acompañamiento del acordeón y un gran solo por parte de Toumas con el violín. Vuelven los momentos mas densos y melancólicos con «Mylly», tema a medio tiempo bien interpretado por Jonne. Por el mismo camino sigue «Tuuleton», con un estribillo mas épico y sentido. «Sanaton maa» alegra ligeramente el trabajo con melodías tanto en la voz como en los ritmos mas comerciales y accesibles, incluso musicalmente me recuerda mucho a los NIGHTWISH de Annete Olson. Y es que este nuevo trabajo de KORPIKLAANI no deja de ser un resumen de los años que llevan en la escena, «Kiuru» mezcla esos elementos mas melancólicos que le dotan los sonidos del violín con esos acompañamientos en tono triste, igual que «Miero» y «Anolan aukeat». Sin embargo «Pohja», «Houlettomat» y «Pidot» nos devuelve a los Finlandeses mas festivos y paganos con esos ritmos tan alegres y estribillos rítmicos, la segunda me recuerda mucho a sus compatriotas ENSIFERUM y la tercera de


esta triada nombrada con toques western. Y terminamos con «Juuret» tema a medio tiempo con un cambio de ritmo en la parte final rápido y alegre. Quizás no suenen tan frescos como en sus inicios, pero esa mezcla tan poco melódica de Jonne a la voz con los pasajes en los acompañamientos del violín y el acordeón sigue funcionando y el contraste sigue siendo llamativo y curioso, y además viendo la cantidad de discos editados en todos estos años parece ser que continúan teniendo ese gancho para seguir escuchando sus discos, y este Jilhä supera con creces por lo menos sus a dos últimas obras para dejar satisfechos a los escuchantes habituales tanto de la banda como del amante de los sonidos mas folkies. KIKE MOLLA TORMO 7.5/10

LES CHANTS DE NIHIL (FRA) LE TYRAN ET L’ESTHETE LES ACTEURS DE L’OMBRE PRODUCTIONS, 2021

Nihil obstat es la expresión latina que significa “nada obstaculiza” o “nada se interpone en el camino”. Un sello muy agradecido que se grababa en los libros antiguamente. Básicamente es la aprobación oficial que te daba un censor de la Iglesia Católica a que tu libro fuese publicado, pues no atentaba contra la moral o la doctrina. ¡Colorea y aprende con Teo! Bien es cierto que los tiempos han cambiado y que la Iglesia… La Iglesia… con el nuevo Papa Francisco I… Bueno, que, antiguamente, la Iglesia era la que determinaba si algo era bueno para el alma, el espíritu y los cuerpos de los buenos hombres temerosos de Dios. Ya sabemos que los que más saben de los pecados de la carne y de las tentaciones del alma son los curas, de las acechanzas del Maligno y… ¡Venga, hasta luego! ¡Jajajajá! Una de las claves fundamentales del Black Metal fue precisamente esa: la lucha abierta contra la hipocresía de las religiones organizadas en general y del Cristianismo en particular. Así que metámonos en harina de la buena con los franceses LES CHANTS DE NIHIL. ¿El sello? El omnipresente, ubérrimo y magnifico Les Acteurs de l’Ombre. Doble garantía de por vida. ¿Y el álbum? “Le tyran et l’esthète”, recién salido del horno. “Ouverture” nos comienza adentrando en la ominosa atmosfera de la banda (que viene del sello Les Acteurs de l’Ombre; ya sabemos que esto no va a ser muy funky que digamos). Un inicio a lo SLAYER, ese crescendo amenazador y cuándo piensas que va a estallar la arrancada a toda velocidad, se detienen quedando tan sólo una cansada guitarra rasgando acordes. Ahora eso sí, cuando entra “Entropie des conquêtes éphémères” esto sí es el pandemonio sonoro. Baterías abrumadoramente rápidas, técnicas, blast beats a saco (y se oyen todos los juegos que hace con los platos el animal de Thomas). Las guitarras vuelan a velocidad incendiaria, tremolo picking por toneladas, pero complejas y enloquecidas melodías por doquier, como si Paganini hubiese dejado su violín y se hubiese pasado a las seis cuerdas. Coros majestuosos combinados con el growl y el shriek. ¿Pero qué mierda más maravillosa es ésta?

Como para confirmar que no estás ante una banda de BM al uso, LES CHANTS DE NIHIL te van a sorprender con el inicio de “Ma doctrine, ta vanité”. Y no solo con el comienzo, sino con la vigorosa y pulsante presencia del bajo de Öberkommander, los adornos de esos acordes discordantes. Una banda totalmente engrasada que va a muerte en cada tema. Parece mentira que se pueda ser tan intenso y tan… inefable, apabullando en cada detalle, en cada giro, en cada evolución. “L’adoration de la Terre” se arrastra más experimentalmente, pero manteniendo la identidad de LES CHANTS DE NIHIL con un tema que te va a encantar o te va a exasperar. Eso sí, la segunda parte orquestada es una delicatesen. Y sin bajar intensidad, siguen con “Danse des mort-nés”. ¿Pero qué les pasa a estos franceses? Desesperados, se lanzan a un largo tema con pinceladas de Prog (dentro de la dinámica del Black), cogiendo lo mejor de cada casa, de MAYHEM, de EMPEROR… ¡Y qué bien suena el BM en francés! Sólo por temas como este me pondría a estudiar la lengua de Molière. Inicio redoblante y militar para el tema título. Otros ocho minutos y qué tonalidades de guitarra, qué color, qué melodías, qué coros más majestuosos doblando las voces limpias. Y no bajan de intensidad; ni un paso atrás ni para coger carrerilla. Absolutamente devastador. “Ode aux résignés” entrelaza preciosistas melodías y un medio tiempo de una belleza realmente evocadora, y aunque entre en la furibunda andanada Black, es lo que tienen los músicos de este género: su asombrosa capacidad de dotar a las composiciones de ese delicado equilibrio entre lo decadente, caótico y ruidoso con lo excelso, bello y melodioso. “Lubie hystérie” abre desde el principio con mala leche e intenciones asesinas (¡y no se cansan los gabachos éstos!). Abruma la progresión de acordes tocados a toda pastilla, enrevesados y enlazados unos con otros sin descanso. Abruma el bajo, abruma la batería, abruma la música… pero enamora, también hay que decirlo. «Sabordage du songeur” es otra muestra del buen hacer de LES CHANTS DE NIHIL: tonos raros y discordantes, composiciones no lineales (que siempre es de agradecer), sonido poderoso y nítido, más Black que el Black cuando así se requiere acompañado de los coros grandilocuentes (que para cerrar el álbum, te lo dejan en todo lo alto). Nihil Obstat, nada obstaculiza, nada impide. El Black nació de eso, de la lucha contra la censura eclesiástica, de los Nihil Obstat, pero se extendió a todos los ámbitos, a lo social, a lo artístico, a lo moral… Y LES CHANTS DE NIHIL son la prueba fehaciente de que, tropecientos años después de la irrupción del género, aún hay un afán por ir más allá, por explorar los límites, por remozar un género estilísticamente difícil y elevarlo a la excelencia. La Iglesia, como es obvio, no les pondría el dichoso sello, pero desde estas páginas lo tienen porque son imparables. Nihil Obstat Summa Cum Laude. CESAR LUIS MORALES 9/10

MEANTIME (GBR) ABSENT, IN RECOVERY AUTOEDITADO, 2020

Lo que son las cosas, ¿eh? De cómo pasar


de tocar la baterías en unas desconocidas bandas de Punk a tocar en una de las más grandes bandas de los 90’s; de ahí a la nada, renacer de nuevo y convertirte en uno de los músicos más respetables de los últimos años. Ahí es nada. Y os hablo de Dave Grohl. De tocar en SCREAM pasó a ser el aporreador de NIRVANA. Tras el suicidio de Kurt Cobain, la sombra de la banda pesaba mucho (¿qué ha sido de Krist Novoselic a lo largo de estos años?) y aún así, el bueno de Grohl ha seguido una carrera estelar hacia arriba. ¡Colorea y adora a Grohl con Teo! Y lo que es innegable, te guste o no la banda de Cobain, es que generaron un impacto en la industria musical que la removió hasta los cimientos. Fuertemente anclados en el Punk y en otros movimientos oscuros que les precedieron, aquella furia sónica, actitud DIY y demás rollos, le dieron un saludable meneo a nuestras mentes. Y como la sombra de aquella su banda más notoria es alargada, aún hoy en día resuenan ecos de entonces. Cuando no se sabe muy bien dónde meter algo, todavía se utiliza la etiqueta de “Alternative”, bien sea Rock Alternativo o Metal Alternativo. Pues ahí se mueven los MEANTIME, y su álbum “Absent, in Recovery”. “Big Wave” abre el disco con un inicio simplista de ritmo sobre el Ride que te va anticipando a la gran entrada con la voz de Adam Stanley. Y sí, cuando llega, la batería entra potente, pero contenida con un golpeteo a lo Dave Grohl. “Take Flight” tiene un ritmo sincopado y urgente que empuja el tema hacia adelante, y es más agresiva, como los FOO FIGHTERS rockeando a gusto (de hecho, Stanley se despacha pero a base de bien). Siguen con “Glass flowers”, que si bien me tira en algunos momentos a los DEFTONES, esa referencia es meramente tangencial y sigue con la tónica de la banda. “Savage” reduce revoluciones y agresividad, y nos vamos a un sonido más oscuro, pero anclado poderosamente en los sonidos de aquella década, en una vertiente más atmosférica, aunque en su tramo final ganan intensidad y dramatismo. Y volvemos por la senda pesada y agresiva con “Perpetual Dance Move” dónde también se demuestra un gran estilo a la hora de componer buenos estribillos. “The Final Chapter” crea una tensa atmosfera a base de saturadas guitarras en segundo plano, adornadas con un impecable trabajo de bateria a base de charles abiertos y rimshots. Y sí, vuelvo a notar esa influencia de ese sonido; no sé, como una jam-session perdida entre FOO FIGHTERS y QOTSA, hecho que se vuelve a confirmar en su siguiente tema: “Tightrope”: vital, enérgico, potente… que enlaza con dos temas más: “Mirrors” y el desgañitado cierre con el homónimo “Absent, in Recovery”, bien intenso, pesado y acelerado, como para dejar el álbum bien arriba. Pues sí, empecé hablando de Grohl, pero es que al César lo que es del César… Adoro a ese hombre y me flipa toda su actividad musical. Lo mismo da NIRVANA, que FF que QOTSA, que sus colaboraciones con Trent Reznor, que… Y MEANTIME me recuerdan a aquellas primeras audiciones del Grohl post-Nirvana y creo que aquí hay potencial y futuro. Y es que el nombre de la banda se puede traducir así: mientras tanto, en el ínterin… Pues eso, mientras tanto, en el ínterin, tenemos “Absent, in Recovery”. CESAR LUIS MORALES 7.5/10

MINDWORK (CZE) CORTEX AUTOEDITADO, 2021

Desde la Republica Checa y en formato autoeditado, nos llega el nuevo EP de MINDWORK bajo el nombre “Cortex”, donde se adentran en la psicología humana para mostrarnos la despersonalización del individuo, la política corrupta y la toxicidad humana, a través de 3 canciones donde el death metal melódico con toques progresivos vuelven a traer a flote a esta banda tras 8 años de inactividad. “Despersonalized” abre el trabajo tras una pequeña introducción musical, “Beyond The Cortex”, dejándonos claro que el progresivo va a estar muy presente en su regreso, con unas intrincadas guitarras a cargo de Martin Schuster y Jiri Rambousek, una percusión repleta de técnica por Filip Kittnar y un bajo que acompaña a la perfección y no se esconde detrás de la música por Dominik Vozobule. El solo de este tema lo grabó Bobby Koelble, ex-DEATH, os podéis imaginar la calidad, mientras que las voces es otro hándicap, Martin pone unos tonos limpios muy pegadizos, casi hipnóticos, por el contrario su voz rasgada no es lo más destacado. “Last Lie Told”, guarda un tono más oscuro, para visualizar la política y sus propios intereses, a través de un corte con una estructura intrincada, pero sencilla, donde los momentos más agresivos se entremezclan con solos instrumentales, con partes melódicas y muchas variaciones; un temazo. “Grinding The Edges”, tiene unas estrofas más directas, que conjuga con un estribillo místico, dejándonos unas partes instrumentales muy elegantes y bellas. MINDWORK, regresan con fuerza, donde sus influencias recogen pinceladas de bandas como DEATH, CYNIC, OPETH…, a través de tres canciones con la que abrir bocas para su próximo álbum.

MISOTHEIST (NOR) FOR THE GLORY OF YOUR REDEEMER TERRATUR POSSESSIONS, 2021

Después de haber escuchado en 2018 el debut homónimo de la banda noruega MISOTHEIST, tuvimos que esperar hasta febrero de este año para encontrarnos con su segundo trabajo: “For The Glory Of Your Redeemer”. El hecho de que el álbum haya nacido bajo la protección del sello discográfico Terratur Possesions ya es un indicio de garantía y, sinceramente, se cumple con creces. Es un trabajo corto de tres temas y es interesante cómo MISOTHEIST se aleja del sonido tradicional nórdico (80´s, 90´s) al


que tantas bandas costumbran asumirse sin reparo. En su lugar, la banda aborda un espectro mucho más moderno y actual sin ocultar el sonido disonante y cavernoso. Esta triada de canciones impactan con gran variedad y estructuras apabullantes y potentes. La primera de ellas, “Rope and Hammer”, amasa un espectro furioso y embarrado que acaba convirtiéndose en deudor del bajo ya que este golpe incesantemente sin dejar que la escena decaiga. El grupo nórdico teje una atmósfera oscura y fantasmal en la que, al contrario que otras bandas de este mismo género, toma mucha más importante la sección melódica. Sí, es un sonido disonante y sucio, demoledor y grotesco. Pero también conforma un sonido más claro y pulcro y unas líneas melódicas sutiles y encantadoras que arraigan en los tres temas. El segundo tema se llama “Benefactor of Wound”. Los riffs de guitarra parecen acelerar y frenar al mismo tiempo creando un gran contraste, es la batería y el bajo los que son imparables y no permiten creer que la música vaya a decaer. Podríamos decir que es una síntesis entre decadencia y brutalidad. Las melodías y los golpes rítmicos, que son violentos, atmosféricos y terroríficos, nos van absorbiendo como un ente maléfico del que nosotros mismos no queremos desprenderos. El último tema, mucho más largo consistiendo en unos 16 minutos, se titula “Acts of the Flesh”. Comienza con unos pequeños punteos de bajo y unas estelas tétricas y tímbricas para ambientarnos en una escena propicia. Es ahí cuando MISOTHEIST se entrega sin vacilar y se lanza al vacío. Los guturales caen mucho más abajo y la sección instrumental permanecerá golpeando sin poder ni querer parar. Sobre el minuto 10, hay un contraste que nos remite a las escenas ambientales que nos han ido planteando en los otros dos temas para ir finalizando poco a poco y dejarnos con una sensación embarrada y angustiosa. Aunque corto, este trabajo ha sido una de las grandes aportaciones al Black Metal en lo que va de año. Quizás sea muy drástico decir esto, pero el sonido de este álbum parece conformar un ente distinto y diferenciado de lo que estamos acostumbrados a escuchar en el Black y con esto no me refiero a las diferencias estilísticas que podemos encontrar en cada banda individualmente, sino que parece erigir un camino distinto del que podría surgir un subestilo o una raíz nueva. ALICIA CASTAÑO 9.5/10

NEMATOMORPHOS (PRT) SURVIVE THE WASTELAND AUTOEDITADO, 2021

El pasado mes de diciembre salió al mercado a través de manera autoeditada el EP debut de los portugueses formados en 2018 NEMATOMORPHOS, el cual lleva por título “Survive the Wasteland”. Metiéndonos en harina con este álbum, nos encontramos con casi doce minutos de un Death Metal de auténtico old school aderezado a la perfección por un Thrash Metal underground, formando una mezcla exquisita para los amantes de estos géneros, a lo que

hay que unir el excelente sonido en la grabación, totalmente analógico el conseguido por Guilhermino Martins en los Blind and Lost Studios ( MUTILATOR, SERRABULHO, ENCEPHALON, GODARK,…), perfecto como la oscura portada realizada por F. Malojo, para lo que nos quieren ofrecer el cuarteto luso. En este trabajo destaco la carga instrumental que posee en líneas generales, así como sus composiciones, todas ellas de altísimo nivel consiguiendo que un estilo tan definido no se haga monótono en ningún momento, cada tema tiene algo especial que te hace mantener la atención durante todo su recorrido, una verdadera lástima que sólo sean tres cortes “Lost Cause?” que es el de apertura, y ya desde el inicio nos damos cuenta que estamos ante un disco de muchos quilates, como así se constata con “Tortured Mind” que es el que le sigue y para cerrar este trabajo “Survive the Wasteland” que da título al álbum, y que bajo mi opinión es el mejor corte de los tres, lo tiene todo, es comlejo y completo a partes iguales. En definitiva, lo único que me queda por decir es que el disco entero es sobresaliente y no tiene ni un solo segundo de desperdicio. Disco totalmente recomendable, seguro que no os decepcionará.

efectista y bien estructurado perfecto para los directos, que unido a “Break The Rules”, hará las delicias de sus seguidores. En este último, los teclados adquieren protagonismo, pero muy bien equilibrados con el resto de instrumentos, sin resaltar y formando un todo que le da la calidad al trabajo con un gran sonido. Y si de variedad hablamos, “Bite Of Freedom”, resurge como agua fresca en mitad de un desierto, un corte complejo, con tintes progresivos que entremezclado con las melodías que crean, se hace muy fácil de escuchar y le aporta frescura al álbum. “Face To Face”, es una canción de corte clásico, que bien podría escucharse en las emisoras de radio destinadas al metal, donde NOVA ERA presenta sus bazas, con un solo de guitarra a tener muy en cuenta y que nos lleva al cierre con la acelerada “The Curse”, donde la epicidad rezuma por los cuatro costados, recordándome a un sonido noventero, todo un temazo para cerrar el álbum.

PESTIS CULTUS SIGNAL REX, 2021

PESTIS CULTUS es la reencarnación de la abominación sonora anteriormente conocida como SNORRI. Nacidos y criados en la vertiente más cruda, salvaje, sucia y terrible del Black Metal, no olvidemos que son australianos y eso queridos amigos, siempre es sinónimo de agresión extrema. PILGRIMAGE SLUDGELORD RECORDS, 2021

ON FIRE RECORDS, 2021

Y al séptimo año tras “Fight”, renacieron con más fuerza que nunca, hablamos de NOVA ERA, que nos trae su esperado regreso de la mano de On Fire Records, “The Curse”, donde los amantes del heavy/power metal están de enhorabuena. Y es que bajo los mandos de esta nave se encuentra uno de los músicos más prolíficos del panorama nacional, José Rubio (WARCRY, DÜNEDAIN, JOSÉ ANDREA y URÓBOROS, DOGMA…), junto a él un vocalista de altura, Fran Vázquez y Francisco Gil a los teclados, aunque en ellos también ha colaborado David de TAKEN, para darle un aire más envolvente. Junto a estos músicos, tres nuevos miembros debutan en este álbum, Javier González a la batería, Javi García al bajo y Robert Beade a la guitarra. Ocho nuevos cortes contundentes, como si de ocho himnos de directo se tratasen es lo que nos guardan en este álbum del que ahora os vamos a hablar. El cabalgar de “Born To Die”, abre el álbum de forma directa y sin concesiones, con un corte de heavy metal elegante y con un puente épico y un estribillo pegadizo y clásico, donde aparte de la voz el bajo omnipresente dirige una base rítmica muy estética. “Slaves”, acelera un poco el ritmo, y Fran Vázquez le da una gran versatilidad a su voz entre estrofas y estribillo, marcando variedad y currándose su trabajo; muy buen tema que nos lleva hacia “First Love”, un medio tiempo con tintes de balada, que aporta la emotividad que todo disco de heavy metal tiene que tener. Unos teclados misteriosos abren “Run For Your Life”, donde los ritmos se agravan hasta iniciarse la estrofa donde el metal queda plasmado por bandera, con un estribillo hecho para gritarlo puño en alto, un corte

ROBIN RM 6.5/10

PESTIS CULTUS (AUS)

OLDE (CAN)

THE CURSE

Formados en el 2014, este es su tercer álbum, tras “Temple”, que apareció publicado en 2017. No son nada originales ciertamente, pero si te atraen los grupos mencionados, puede ser una buena adquisición y te servirá de preparación, para la avalancha de material que nos espera en la segunda mitad del año.

JUAN ANGEL MARTOS 8/10

CARLOS BERMEJO 9/10

NOVA ERA (ESP)

que se ha ocupado de la portada.

Bajo una aplastante nube de bruma gris y pesada, aparece el segundo disco completo de estos canadienses llamados OLDE y el cual lleva “Pilgrimage” por título. Publicado por el sello norteamericano Seeing Red Records (BLEETH, HOLY DEATH, FALSE GODS…) y por el inglés Sludgelord Records (BLINDFOLDED AND LED TO THE WOODS, FANGE, BLACK SHEEP WALL…), lo que ya sólo por el nombre, puede darte una idea de por qué terrenos se mueven musicalmente hablando. Ocho canciones de una pastosa, embarrada y sucia mezcla entre doom, sludge… durante las cuales, mentiría si no dijera que más de una vez me han venido a la mente aquellos viejos ENTOMBED, de su época intermedia, que al parecer, son una de sus influencias junto a HIGH ON FIRE o TROUBLE por citar unas pocas. Son sencillos, oscuros, directos y con temas cortos (una pequeña sorpresa en este tipo de formaciones) que se hacen dinámicos y poco aburridos. Destacaría cortes como “Medico Della Peste”, con un puñado de buenos riffs de guitarra, lentos y pegadizos, que te enganchará a la primera. “The Dead Hand”, igualmente te atrapará con sus melodías e incluso cuenta con un solo de saxofón (no es la única colaboración que hallaremos en el disco, pues también realiza su aparición por ejemplo Daniel Mongrain de VOIVOD), que no desentona en absoluto y aporta un extra o el final y denso “Wastelands”, que despide este trabajo que cuenta con un sonido realmente demoledor. El guitarrista de la banda Greg Dawson (PANZERFAUST, SOLACE OF THE VOID, SONS OF OTIS…) se ha encargado de la grabación, producción, mezcla y masterización en sus BWC Studios (un sello marca de la casa en OLDE). A él (y desde los inicios) acompañan Chris Hughes a las guitarras, Cory McCallum al bajo, Doug McLarty a las voces y Ryan Aubin a la batería. Su compatriota canadiense Alexandre Goulet (CARNIFEX, BENEATH THE MASSACRE, POSSESSOR…), es el artista

Parece ser que PESTIS CULTUS con este álbum debut homónimo (lo editado como SNORRI no cuenta aquí) ha querido editar un álbum donde se reafirman en su postura de ensalzar el viejo y primitivo espíritu del Black Metal como una vez fue , sin aditivos, ni adornos, ni añadidura alguna que reste un ápice de pureza. Este disco contiene única y exclusivamente nueve temas de Black Metal. Con toda su esencia, su maldad y su negatividad. Este debut de los australianos es todo furia salvaje y horror desenfrenado, y lo hacen de forma siempre cambiante. Dentro de lo estrictamente cerrado que pueda resultar este estilo, aquí podemos encontrar una variedad entre tema y tema que siempre es de agradecer. Por ejemplo el riff principal del tercer tema “Black Mass” me ha recordado muchísimo al “Warhead” de los clásicos VENOM. Pero luego en cambio, tenemos temas que pueden decirse que han sido compuestos bajo la siempre presente sombra de los Dark Throne más Unholy. Un viaje a través de una montaña rusa pútrida, terrorífica y mortífera. Pero me apresuro a decir que aunque estas influencias puedan evocar estos recuerdos en el oyente, este trabajo posee identidad suficiente para brillar por sí mismo. Ocurre que debido a su duración de apenas treinta minutos, a pesar de la crudeza y violencia contenida la escucha de este disco pasa casi sin darnos cuenta, detalle este que me hace volver a escucharlo una y otra vez para seguir intentando buscar detalles y matices. Quisiera poder cerrar esta reseña con un párrafo brillante o conclusivo, pero siento que no puedo. Ya que el bajo del sexto tema “H.H.L” me está reventando la cabeza. Me ha acabado gustando más de lo que en un primer momento pensaba. Así que un notable alto para estos australianos. JOSE COSTALES LANCHARRO 8/10

NUM. 85 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 41


mer tema. Un bulldozer de absolutamente increíble Death Metal con unas partes super rápidas mezcladas con medios tiempos e infarto.

PUSTILENCE (AUS) THE BIRTH OF THE BEGINNING BEFORE THE INCEPTION OF THE END PERSONAL RECORDS, 2021

Podredumbre y suciedad. Es como si un millón de ratas mugrientas y hambrientas se pusieran a devorarte los intestinos y los hígados. O así lo imagino yo. O es que estoy realmente enfermo. O es que mi cerebro ya no carburar con tanto ruido. Bueno, el caso es que este grupo Australiano formado por tres desquiciados, saben interpretar los deseos de decenas de miles de fans de los sonidos más cafres, que incluyen el Death Metal principalmente, el D-Beat o Crust, algo de Grind de lo más basto que te puedas imaginar e incluso algo de Punk (poco, pero presente…). Son 3 temas y un instrumental de desquiciado y maníaco Metal de muerte, no apto para cardíacos ni para glamurosos de pelos cardados. Y creo que tampoco para muchos de esos que se maquillan y le cantan a Lucifer. Y si, si lo que estás pensando es que estás hasta las narices de tanto Death Metal pesado y oscuro que, en general, suena casi todo igual, he de darte la razón. Esto ya va en gustos y en lo pesado que se te haga todo este movimiento musical. Personalmente, como es el rollo que siempre me ha gustado, desde hace más de 25 años pues tampoco me importa que sigan saliendo borricos de estos que no tienen ningún respeto por la música clásica o el Pop inglés de mediados de los ’60. Por el contrario, aunque saben tocar sus instrumentos a altas velocidades y que las cuerdas de sus guitarras y bajos parezcan chicle, se pasan el respeto por Bach o los Beatles por sus partes íntimas y sin miramientos. Una vergüenza, tú. Y por si no se te da bien el idioma de Shakespeare, el título de este disco es todo un trabalenguas que significa ‘el nacimiento del principio antes del comienzo del final’, si lo entiendes, me escribes a este vuestro portal favorito de música extrema, Necromance. Besos, abrazos y… ¡PUSTILENCE! ANTONIO PARDO 9/10

RAGEFUL (PRT) INEPTITUDE AUTOEDITADO, 2021

Impresionante. Esa es la palabra para definir este primer disco de los portugueses RAGEFUL, un extraordinario álbum de Death Metal técnico y brutal que te va a dejar con la boca abierta. Empieza con una intro de apenas unos segundos que llevan a “Inhuman Greed”, el pri42 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 85

No quiero hacer un repaso tema a tema para no aburriros, aunque he de destacar tres por su excelencia: “Slavery Ways”, “Clouds Of Fear” y el tema que cierra el disco, “Portugal The Torch”, un alegato a los incendios forestales ocurridos hace unos años en esas tierras y que se llevaron por delante la vida de 144 personas. Y es que leyendo las letras, RAGEFUL se alejan bastante de la temática típica del estilo, centrándose en temas más sociales, dándole un aire diferente al disco. Musicalmente, imagina una mezcla entre HATE ETERNAL, VADER y algo de ORIGIN, todo ello con un halo personal y con unos instrumentistas acojona tes. En serio, esas guitarras son simplemente brutales. Añádele a todo ello una producción increíble y tienes ante ti un muy buen disco de Death Metal brutal con una instrumentación casi quirúrgica. Una pasada. Otro punto a tener en cuenta es que está autoeditado, más motivos para hacerte con ello. Apoya la escena, déjate unos euros y píllate este jodido disco ya… ANTONIO PARDO 8/10

REAPER (SWE) THE ATONALITY OF FLESH IRON BONEHEAD RECORDS, 2021

Dentro del refrito del refrito del refrito del refrito del refrito del refrito… (podría seguir así horas) del mal llamado Black/Thrash, según mi modesta opinión, el disco debut de los suecos REAPER, “Unholy Nordic Noise” del 2019, me sorprendió muy gratamente cuando salió. Me pareció bastante dinámico y todo un esfuerzo por parte de los dos miembros que forman el grupo. Eso sí, las referencias a BATHORY estaban más que presentes en este debut. Pero, aquí tenemos su más reciente segundo álbum “The Atonality Of Flesh”, un disco que asemejándose al primero, me parece aburrido. ¿Por qué? Pues sinceramente no lo sé. La fórmula es casi igual, pero me da que algo de apatía y falta de ese dinamismo del primero pueden ser la causa. Si conoces lo que REAPER ofrecen, sabrás que les gusta la suciedad, las producciones garras, que los instrumentos suenen incluso mal. Pero quizás esto es exactamente lo que buscan. Y quizás también, ese es uno de los puntos fuertes de la banda. Y con títulos como “Dogs Of The Crumbled Firmament”, “Me, You And The Juices Of Death” o “Piss, Bile And Violence”, pues la temática está más que clara. En conjunto, esto es lo que esperabas, peor que su primer trabajo, algo más aburrido y algo bastante prescindible e innecesario. Una pena. ANTONIO PARDO 6/10

ROYAL HUNT (DNK) DYSTOPIA NORTHPOINT, 2021

Que André Andersen es uno de los teclistas mas reconocidos de las últimas décadas en el mundo del metal, es de sobras conocido. Sin embargo ninguna de sus bandas ha llegado a ser exitosa a nivel comercial, sólo con ROYAL HUNT ha estado cerca de tener durante la década de los 90 un éxito notable con su disco «Paradox». El resto de bandas creadas por este genio Danés de raíces Rusas como PRIME TIME, EVIL MASQUERADE, NARITA, CORNESTONE y algún proyecto mas o sus álbumes en solitario han quedado en un segundo plano para consumidores enfermos de este músico genial de estilo neoclásico. «Dystopia» es el quinto intento desde la vuelta a la banda del brutal vocalista D. C. Cooper, que ya estuvo en ROYAL HUNT en los 90 con su exitoso «Paradox», y el anterior «Moving target». La salida de la banda del cantante americano quizás fue una de las razones por las cuales no tuvieron más éxito en sus posteriores trabajos a pesar de contar con grandes cantantes como John West (Artension, Badlands, Lynnch Mob) o Mark Boals (Yngwie Malsmteen, Dokken). El único país que reconoció el valor de ROYAL HUNT como ha sucedido con otras formaciones ha sido Japón, lugar que siempre parece funcionar como una escena independiente del resto del mundo a nivel comercial. Lo curioso es que vuelven a unir fuerzas sobre el 2010 tras Cooper estar con THE SILENT FORCE para celebrar la gira del 15 aniversario de «Paradox», el feeling vuelve ha surgir y como he dicho anteriormente ahora sale este quinto trabajo de esta unión que no escatima en esfuerzo y calidad. Con posiblemente la formación mas estable que nunca han tenido compuesta por Andreas Passmark al bajo, Andreas «Habo» Johansson a la batería y Jonas Larsen a la guitarra, músicos que aportan el nivel de calidad necesario para igualar a los dos monstruos que encabezan el proyecto. Y es que este «Dystopia» vuelve a ser un gran intento por llegar al oyente del metal mas neoclásico, disco que como casi todos los anteriores juega entre el Heavy metal y el hard rock melódico, con un concepto basado en la novela de Ray Bradbury «Farenheit 451» , y que André Andersen ha intentado musicalmente adaptarlo de la mejor forma posible con la inclusión de varios cantantes para poder dar mas realidad a la historia. De esta manera Mark Boals (Yngwie Malsmteen, Ring of fire), Mats Leven (Candlemass, Adagio, Therion…), Henry Brockmann (Evil masquerade), Kenny Lübcke, y Alexandra Andersen apoyan con un gran trabajo vocal a DC Cooper en algunos de los temas de «Dystopia». Curiosamente Boals, Brockmann y Lübcke han formado parte tanto de ROYAL HUNT como de algún otro proyecto de André Andersen en todos estos años. Y lo que nos vamos a encontrar desde la intro inicial «Inception F451» es un Heavy metal muy en la onda AYREON o AVANTASIA última época, la mas hardrockera y menos power, con gran presencia de los teclados

que están en primer plano constantemente, como suele ser habitual en los discos de la banda. Aún así grandísimo trabajo en la guitarra de Larsen que acompaña y destaca en gran parte de los temas con esos duelos que tiene con André en plan YNGWIE MALSMTEEN o bandas como STARTOVARIUS y SYMPHONY X en por ejemplo «Burn», tema de los mas duros del disco, o «The art of dying» mas épico y melódico. Comparando con trabajos anteriores quizás este disco es mas rico en estilos con un medio tiempo bastante elegante y clásico con «I used to walk alone» o temas con una base mas moderna que es el caso de «Hound of damned», pero la mayoría del disco continúa la dinámica de las composiciones de ROYAL HUNT de siempre, «The eye of Oblivion», «Black butterflies» o los dos temas nombrados al inicio de la reseña son el ejemplo de ello, composiciones todas ellas de una gran calidad, con un muy buen trabajo de la base rítmica, que a pesar de estar ensombrecida por los teclados dota de suficiente contundencia todo el disco. Para finalizar «Snake eyes» da el broche de oro con un medio tiempo épico y bastante grandilocuente, sin olvidarnos de los tres instrumentales colocados estratégicamente al inicio como intro, a la mitad y al final como todo gran disco conceptual. Un gran trabajo este «Dystopia» que mantiene el nivel de los ROYAL HUNT que han tenido durante todos estos 30 años, que contentará a todos sus fans y que extraño será que acerque algún que otro nuevo seguidor. No olvidemos el plus de todas las colaboraciones que tiene este disco que demuestran no solo la calidad de ellos si no lo estratosférico de la voz de DC Cooper demostrando una cantidad de matices para adaptarse a cada momento de «Dystopia» espectacular, por eso fue uno de los candidatos a sustituir en JUDAS PRIEST al Metal God. Como parte muy positiva tenemos a un André Andersen que a pesar de ser su banda está contenido, y no se convierte en un Yngwie Malsmteen de la vida, no teniendo el protagonismo absoluto y dando su parte importante a cada músico. Si no los conoces pero AVANTASIA, AYREON o grupos de este estilo entre el progresivo y el hard rock melódico de PRETTY MAIDS, HAREM SCAREM, BONFIRE o TEN te gustan, dales una oportunidad, creo que después de todos estos años…se lo merecen. KIKE MOLLA TORMO 8.5/10

TENEBRO (ITA) LIBERACI DAL MALE XTREEM MUSIC, 2021

Originalmente, Dismal Fate Records lanzó al mercado el pasado 25 de diciembre de 2020 el nuevo E.P de los Death metaleros TENEBRO llamado «Liberaci dal male» en formato M.C. En la actualidad, Xtreem Music decidió volverlo a lanzar en C.D el 23 de febrero de 2021 añadiéndole cortes extras. Ahora, le toca a un servidor ofreceros su respectiva reseña. Como siempre, y antes de meternos en manteca, vamos a hacer un repaso del line up, ¿no os parece? La alineación del combo es: Il Becchino (todos los intrumentos y voces), Il Beccamorto (bajo y programación de


batería). La actual obra de los italianos, gustará a todos los metalheads ávidos del más pútrido, rotundo y enfermizo «Metal Muerto» que se pueda imaginar. Las seis tonadas que componen el susodicho asalto, desprenden un hedor insoportable a muerte, terror y sufrimiento. En líneas generales, éstas son nihilistas, y por que no decirlo, algo obsesivas en materia de «hachas», predominando la pesadez sobre la velocidad de forma más que clara. La producción solo hace aguas cuando los tambores electrónicos explotan en inhumanos blast beats. Sin embargo, y como ya os he apuntado, la aceleración no es algo de lo que precisamente se abuse, todo lo contrario. Las seis cuerdas, redundantes mas siempre fluidas conseguirán acabar con la poca cordura que aún sois capaces a duras penas de conservar. Los ataques de tremolo picking son prácticamente anecdóticos, al igual que las dobles armonías. Espero y deseo que el hecho de que no exista ni un triste solo no os impida darle la oportunidad que merecen. De ultratumba son los registros vocales. Es imposible hacerlo más profundo y cavernoso. Sobra decir que no existen tonterías en este apartado ¿verdad?. Los amantes de las bass line, se alegrarán al catar «Seppellendo i Morti», «Nell Terrore» y «All´interno del Cimitero». Como ya os relataba en el párrafo principal, y aún a riesgo de ser más pesado que una comida familiar con los suegros, los up tempos y los «golpes relámpago» aparecen lo justo y un poco menos. Amigos, hemos llegado al fin de la review. Espero que la hayáis disfrutado leyéndola tanto como yo escribiéndolo. Si buscáis «ruido» asfixiante a la par que malévolo, ya sabéis que tenéis que hacer.

“Effigy of the Rotten”, que arranca con unas guitarras lentas y pesadas para romper en unos ritmos feroces e inhumanos, supongo que el título nos retrotrae a unos SUFFOCATION, y “Hand Of Greed”, con uno de los riffs más brutales del álbum. Se nota que esta peña adora el Death Metal de la vieja escuela y, este álbum, resuena a homenaje a los grandes engendros que dieron forma al estilo en su momento más fértil. También da la impresión de que el alma de THE PLAGUE está en las guitarras, grandes protagonistas a lo largo del LP. A partir de ahí vamos viendo que el álbum sigue una línea muy similar, no repetitiva pero sí bajo unos esquemas similares, temas rápidos, crudos y de riffs gruesos, destacando, dentro de esta segunda mitad, la salvajísima “Within Death”, con Mike Ryan dejándose las cuerdas vocales, o la encargada de cerrar el álbum, “Festering in Sickness”. Típico caso de banda que no inventa la rueda, pero que es capaz de hacerla rodar de lujo. Death Metal sin paliativos, media hora de zapatilla brusca, de guitarras atronadoras, ritmos rápidos y agresividad cruda. A la que vayan encontrando un sonido más propio, estos THE PLAGUE se declaran como una banda a seguir muy de cerca porque este debut ya es un discazo. JOSE POZAS MILLA 8.5/10

JESÚS MUÑOZ CABALLERO 6.5/10

THE SPLIT (CZE) REMINISCENCES SLOVAK METAL ARMY, 2021

THE PLAGUE (AUS) WITHIN DEATH BITTER LOSS, 2021

La plaga se cierne sobre Australia, compañeros. Poderoso debut el que nos llega desde Oceanía con el primer LP de THE PLAGUE. Death Metal de toda la vida, con poderío, con empaque y con trazas de esos ENTOMBED o esos GRAVE que se encargaron de darle forma al estilo allá por los noventa. Riffs pesadotes, ritmos potentes y guturales sangrientos ¿Qué más quieres? Para irnos situando, THE PLAGUE es una banda formada hace cinco añitos en la poderosa Australia, tierra de mastodontes como DISENTOMB, que debutaron en 2017 con un EP titulado “Mass Genocide” y que ahora nos presentan su primer larga duración, este “Within Death”. Y lo dicho, encontramos poco más de media hora de Death Metal burrísimo, a lo cafre y sin andarse por las ramas, temas cortos y al pie, de los que solo dos superan los cuatro minutos. La producción, algo caótica, hace atronar las guitarras a lo bestia y le suma puntos a la propuesta de la banda, que en los tres primeros temas ya nos peina para atrás. “Mind Eraser”, “Torment The Living” y “Spawn of Monstrosity” nos atropellan sin detenerse a preguntar si estamos bien, si parpadeas te las pierdes. Les siguen dos de los cortes top del álbum,

Grandes momentos de la Iglesia Católica. El Cisma de Occidente producido entre los años 1378 y 1417, momento en el cual hubo hasta tres obispos disputándose la autoridad pontificia. En resumidas cuentas, un “quítate tú pa’ponerme yo, que yo creo más en Dios que tú”. ¡Colorea y aprende con Teo! Ahora bien, parece que nada tiene que ver la intro con una review de una banda checa. ¿O sí? Pues la verdad es que sí que tiene que ver. Su nombre, THE SPLIT, puede ser traducido como tal, como “el cisma”. Y la gran disputa es casi siempre la misma: ¿cuál es la mejor banda de Prog: DREAM THEATER o ___ (rellénese por el interesado)? Ahí caben un montón de bandas como PORCUPINE TREE, PAIN OF SALVATION y mil más. Sinceramente, a mí los americanos me dan bastante por el orto y hacen que huya despavorido de cualquiera de sus discos. Tengo que estar en vena, en un estado anímico adecuado, para meterme un “Metropolis” y eso que tengo el “Images and Words” original. Incluso entre los fans de la banda también hay cisma: ¿Quién es mejor: Portnoy o Mangini? Pero hete aquí que nos encontramos con una banda como la arriba mencionada que me ha congraciado con el género y de cisma, nada de nada. “Ancestral Signs” abre realmente potente, aunque cuando le meten esos efectos cósmicos, de ecos, el tema gana enteros. Lo que es la instrumentalización, es una barbaridad. La voz irrumpe de manera nítida, brillante, acompañada por la banda con la incursión de unos sinfónicos teclados. Y llegan a su punto álgido con una serie de intervenciones en plan Jordan Rudess, y los atmosféricos solos de guitarra. Y es que la banda suena a eso, a DREAM THEATER en versión


comprimida. Entendedme bien: no como émulos o hermanos pequeños que quieren y no llegan; no, todo lo contrario. Donde los americanos me aburren, los checos me enganchan. Y mientras los primeros son cinco músicos, aquí todo el barullo lo llevan con batuta maestra tres miembros de nombres impronunciables: Mira Mik Valouch al bajo, Zdeněk Čepa Čepička a la bateria y percusión y, por último, Mirek Řezníček a las guitarras y los samples. Músicos que vienen de bandas tributos a DREAM THEATER o PORCUPINE TREE y eso se nota. “Trapped” es otro largo tema de complejo desarrollo, pero como he dicho, dónde los DM me aburren porque me dejan la sensación de autofelación en plan “Mira que rápido, complejo y enrevesado toco”, los de THE SPLIT me dejan con la agradable sensación de que sí, que se puede tocar complejo y enrevesado, pero con sentimiento, emoción y un objetivo en el tema más que la mera demostración técnica e instrumental. “Annual Rings – chpt. I. Stardust” es, en contraposición a lo escuchado hasta ahora, un sencillo tema con una guitarra acústica, percusiones de fondo y poquito más: pergeñado, armado y desarrollado sobre seis cuerdas y una atmosfera. Continúan con “Annual Rings – chpt. II. The Echoes”, donde vuelve a aparecer la vocal femenina que ya rubricó una excelente intervención en un tema anterior; las guitarras acústicas, la inserción de unas líneas de flauta travesera… ¿qué más se puede pedir? “November days” empieza melancólicamente con un piano, como los grises días de noviembre del título. Pero las dobles armonías vocales le dan una pátina completamente distinta. Y como siempre, la instrumentalización de la banda es absolutamente brillante, orgánica y evolutiva, como dan buena muestra de ello en la segunda mitad de este tema. Sí, poniendo el oído en modo analista escucho los tempos de amalgama, la progresión de acordes, las cincuenta capas de los distintos instrumentos, sus luces, sus atmosferas… Pero, es que prefiero escucharlo con el oído más visceral y emocional, y cuando soy capaz de aunar las dos maneras de oír la música, esto es gloria divina. “Chain Reaction” sí lleva, en efecto, ese rollo más DREAM THEATER, con toda la banda al límite de sus posibilidades y encima con una producción cuidadísima que nos permite escuchar todo el barullo de los tres músicos. Barullo en el buen sentido de la palabra: una batería milimétrica y colorista, un bajo virtuoso, potente y sólido; una guitarra que se mete por todos los sitios y de todos los modos posibles: eléctrica, emotiva, simplista o enrevesada… Un power trio al que no le hacen falta más gente para desarrollar semejante sinfonía, unos RUSH versión checa. Incluso “Outro” me chifla. El tema más largo del álbum (¡dieciséis minutos, oiga!) se desarrolla por distintos derroteros: el contraste entre la fiera instrumentalización del principio con los arreglos de etéreos teclados, la coherente evolución y engrandecimiento del tema que nos va llevando a hasta un final que deja el álbum en lo más alto. Así que, por mi parte, que los americanos sigan por su senda y sacando álbumes harto complejos y para escuchar con oído analítico. Acabo de descubrir a THE SPLIT y me he vuelto a enganchar al género. ¿Cisma? ¿Por qué no vamos a discutir sobre quiénes son los reyes del género, si podemos disfrutar de ambos sin necesidad de luchas intestinas? THE SPLIT son buena prueba de ello: se puede reinar sin pedir permiso a los grandes, y ésta banda así lo hacen. CESAR LUIS MORALES 9/10

ULVEGR (UKR) ISBLOD ASHEN DOMINION, 2021

Sexto álbum completo de esta banda ucraniana llamada ULVEGR (por cierto, correctamente escrito y no, no me he confundido con los clásicos noruegos) y tercero seguido (si las cuentas no me fallan), que sacan con el sello Ashen Dominion (KHORS, KRODA, RAVENTALE…) procedentes de su propio país. No os puedo comentar gran cosa sobre las letras, pues están todas en su idioma natal (salvo que continúan relacionadas con el paganismo) pero sí que os puedo hablar sobre la música, que es black metal crudo, directo, melódico y 100% con el acelerador pisado a fondo. Agresivo y veloz, asesino y despiadado, «Isblod» contiene seis canciones que no llegan a la media hora de duración en su totalidad, con lo que creo, que os podéis hacer una pequeña idea de por donde van los tiros. Bajo un correcto y potente sonido, “Jotuntre” es el encargado de comenzar esta masacre sonora, con unas voces agudas y chillonas, seguidas de una batería, que es una auténtica ametralladora (apenas descansa para recargar munición y volver al combate) y unas guitarras con riffs que taladran tus tímpanos. El mismo “Isblod”, es el más extenso de todos los aquí contenidos (más de ocho minutos) y al menos en su primera parte, sí que están contenidos medios tiempos con unos ritmos más pegadizos e incluso una sección con guitarras limpias. Aunque en la última parte, vuelven a la velocidad y terminan el tema como viene siendo habitual, pero sí que muestra unos pequeños atisbos de variedad. Despide el álbum “Askevind”, un corte completamente instrumental y atmosférico, que me ha recordado algo del material antiguo de BURZUM, cuya comparación a rasgos generales, bien es cierto que me venía más a la cabeza con su anterior obra. En esta oportunidad, diría que es una mezcla entre la potencia e intensidad de unos MARDUK/GORGOROTH con sus compatriotas HATE FOREST/ASTROFAES. Grabado, mezclado y masterizado en los Vitermusic Studio (DRUDKH, SANATANA, BURSHTYN…) de su ciudad Kharkiv, durante el año pasado. ULVEGR está compuesta por Odalv que se encarga de la batería y de Helg, que se ocupa de voces, guitarras, bajo y teclados. Para esta ocasión, han contado con la colaboración a la guitarra solista de Astargh, antiguo componente y que igualmente toca en ELDERBLOOD, GREYABLAZE… Formados en 2009, “Vargkult” fue su último disco completo publicado allá por el 2018, ahora «Isblod» les devuelve a la escena más actual y se alza como su mejor trabajo hasta la fecha. Si quieres comprobarlo por ti mism@, quedas invitad@ a su escucha! ROBIN RM 7.5/10


WARSIDE (FRA) THE ENEMY INSIDE AUTOEDITADO, 2020

Disco debut de estos franceses, una joven y prometedora banda que edita este fantástico EP de cinco temas más intro de un extraordinariamente técnico y enrevesado Death Metal que quita el sentido, tú. Lo único que no me acaba de convencer es la producción, demasiado sintética para mi gusto. Quizás debieran haber intentado que todo sonará más natural. Pero vamos, no te dejes cegar por este pequeño detalle. En sí, lo cojonudos de la propuesta en cuanto a los músicos y la ejecución de las canciones, la precisión casi quirúrgica a la hora de tocar los temas y el resultado milimétrico de este EP pueden hacer las delicias de cualquier aficionado a la brutalidad. Esto me suena a veces a ORIGIN, otras a CEPHALIC CARNAGE, aunque quizás menos americano… pero es que escuchando algunas de las partes de alguno de los temas, me han aparecido trozos a lo STRAPPING YOUNG LAD o cualquier cosa hecha por Devin Townsend, eso sí, siempre dentro del rollo extremo y brutal. Un punto fuerte de este disco es la producción en la que se da mucha importancia a la limpieza y tibieza de los instrumentos. Ya sabemos que hoy en día es difícil innovar y no me canso de decirlo en las reseñas que hago, pero de vez en cuando mola escuchar algo como estos franceses ejecutando un magnífico Death Metal no apto para cardíacos.

tampoco me ha volado los sesos. Supongo que buena culpa de ello la tiene la tendencia a ir a medio gas de forma usual a lo largo del embiste. La capacidad de sorprender en cada tonada es escasa, mas no inexistente. De ahí a que se escapen de la quema. Cuando menos lo esperéis, aparecen instantes de técnica extra en las seis cuerdas y arranques de up tempos y «golpes relámpago» en la percusión, que consiguen levantar el interés por lo aquí expuesto. Asimismo, la producción, siendo completamente nítida y contemporánea, resulta que se sale de la media dentro del tipo de «ruido» extremo que practican, sobre todo en el sonido de la caja. Bien por ellos. Metiéndonos ya en las «hachas», preparaos para un buen aluvión de riffs contundentes y destensados. Como ya apuntaba en el párrafo anterior, os sobresaltarán de vez en cuando con inclusiones de enrevesamiento extra e instantes de Melo Death. De los tremolo picking no abusan en absoluto, todo lo contrario, y las dobles armonías, aparecen aquí y allá, pero no mandan. Sabéis a lo que me refiero ¿verdad?. El apartado vocal es tremendamente versátil. Tenemos de todo, Desde growls cavernosos, otros más entendibles, guturales agudos rasgados, e incluso voces susurrantes en el tema que da nombre al Elepé. El bajo, irrumpe en «The Inferno». Lamentablemente, no esperéis que brille en más tracks. La percusión es mastodóntica. A pesar de que no es su fuerte, no se olvidan por completo de la celeridad, cosa que agradezco sobremanera. Mis temas favoritos han sido la ya mencionada «The Inferno» y la colosal y a ratos sesuda «Suffering In Silence». En conclusión, no van a cambiar el rumbo de su escena. Sin ser ni mucho menos malos, podrían ser mejores, e incluso creo fervientemente que lo acabarán demostrando en un futuro próximo. Habrá que seguirles la pista muy de cerca.

ellos se llaman de igual manera que este trabajo (parte I y parte II), que como decía, transcurren a medio tiempo pero con algunas ráfagas rápidas, arrolladoras y despiadadas. El primero de ellos, es sombrío y tenebroso, gélido e inspirado en el sonido del presente siglo veintiuno, mientras que el siguiente en discordia, continúa la senda trazada a través de esas melodías apesadumbradas y canalizadas por un cantante torturado en cuerpo y alma. El último tema “Coming to an End”, es completamente instrumental, a base de teclado y algo de percusión, pero muy inspirado, desolador y épico al mismo tiempo; el cual recoge, todas las influencias de las que hemos señalado al comienzo de estas líneas y se aproxima al género ambient. Piensa en similitudes con grupos como SHINING, SAOR, ASH BORER… WOLVENCROWN es un quinteto compuesto por Nick Horton a las voces, Jack Wolven a las guitarras, Reece Atkin bajo, Matt Dawson batería y Will Cupitt teclados. EP mezclado y masterizado en los Stuck On a Name Studios de la ciudad de Nottingham por Ian Boult (MOLOCH, THE ATROCITY EXHIBIT, UNGRAVEN…), con portada de otro artista español (al loro que en este campo, estamos despuntando en el panorama y nadie parece darse cuenta) Joan Llopis Doménech, que ha realizado obras para LUSTRE, LÓSTREGOS, SOJOURNER… Volviendo al material que nos ocupa y resumiendo: black metal atmosférico a medio tiempo aunque sin obviar otras ramas del estilo y sin instrumentos extraños ni piradas de olla. Si buscas nuevos inventos o un acelerador pisado a fondo en cada surco de este plástico, no lo pienses demasiado y pasa de largo.

opinión uno de los mejores temas del álbum. “Darkness Concealing Chaos” también me ha gustado mucho por su melodía mezclada con el estilo clásico de la banda y donde creo que la banda puede lograr composiciones muy interesantes en el futuro, ya que en sus guitarras pesadas mezcladas con melodías y breves toques “Groove” hacen que el tema destaque también sobre el resto. “Leader of the Lost” es otro tema más enfocado al Death Metal, con algún riff más cercano al melodic Death Metal nórdico, donde la velocidad y el buen hacer está garantizado. Lo mismo podría escribir de “We Feast on Fear” aunque aquí quizás los cambios de ritmo estén más presentes, alguno incluso alcanzando velocidades vertiginosas. Buen álbum el que nos ofrecen estos finlandeses, con “Eve of Infliction” han avanzado en su estilo añadiendo una presencia más notable en las melodías, pero sin perder la fiereza ni contundencia que ha caracterizado a la banda en sus anteriores ediciones, estará bien ver si siguen explorando este oscuro camino que llena su música de mayor riqueza, por ahora han logrado un álbum que no defraudará si te gusta el Death Metal pesado, cambiante de ritmos y pegadizo. LUIS MARTÍNEZ 7.5/10

ROBIN RM 7/10

JESUS MUÑOZ CABALLERO 6.5/10

ANTONIO PARDO 7/10

WRATHRONE (FIN) EVE OF INFLICTION GREAT DANE RECORDS, 2021

WOLVENCROWN (GRB) A SHADOW OF WHAT ONCE WAS CLOBBER RECORDS, 2021

WHAT DRIVES THE WEAK (USA) LIGHTBRINGER MISANTHROPIK RECORDS, 2020

Jon Marshall (voz), Jordan Lemaster (guitarra), Jerrod Melvin (guitarra), Craig Johnson (batería) y Brandon Rowe (bajo), forman WHAT DRIVES THE WEAK. El pasado 13 de marzo de 2020 editaron su hasta la fecha último plástico «Lightbringer», y aquí está un servidor que muy gustosamente os trae su respectiva reseña. Ay señor… no sé ni como comenzar. Bueno sí, lo mejor será antes de nada informaros que el género que ejecutan el quinteto americano no es otro que Deathcore. Posiblemente, muchos de vosotros ya estaréis corriendo cual alma que lleva el diablo al leer esto, así que para los que queden, será mejor que lo hagan hasta el final. De entrada, y en honor a la verdad, a pesar de que no me ha disgustado el redondo,

A razón de obra cada dos años, esta formación inglesa regresa a la actualidad con un nuevo EP, que contiene tres canciones en casi veinte minutos de duración y que han lanzado, de la mano del sello Clobber Records (SHADOWFLAG, AND NOW THE OWLS ARE SMILING, DEVASTATOR…) del mismo país. “A Shadow of What Once Was”, está englobado en el metal negro lento y pesadote, cargado de retazos melancólicos que envuelven unos teclados presentes y una atmósfera hechizante, junto a unas voces agudas, desesperadas y atormentadas. No lo encasillaría en aquel DSBM (tan de moda hace unos años y que ha caído algo en el olvido en los últimos tiempos) y aunque no se encuentre en terrenos demasiado lejanos, tampoco en el llamado black metal sinfónico. Más bien, recoge unas pizcas de ambos estilos, realizando una fórmula la cual no llega a meterse de lleno en ninguno de los mismos. De los tres cortes aquí presentes, dos de

“Eve of Infliction” es el tercer larga duración de los Death Metaleros finlandeses WRATHRONE, en él he apreciado un ligero alejamiento del pesado y contundente Death Metal que nos ofrecieron en sus dos álbumes anteriores, añadiendo en este álbum una mayor presencia a riffs mucho más “Groovy” y pegadizos, lo que hace que la banda y estas nuevas composiciones se queden más en nuestra mente a las pocas escuchas y sea más sencilla su escucha al tener una presencia de la melodía principal más notable. Ya desde el inicial “As the Knife cuts Deep” nos golpea con un riff que nos puede traer a la mente la etapa del “Wolverine Blues” de los míticos ENTOMBED, pero muy bien combinado con el estilo de la banda, que sigue ahí, porque no penséis que han perdido contundencia o pesadez, solo que han añadido estas influencias para hacer el álbum / composicones más directas y pegadizas. Ya que en temas como “Infliction” el Death Metal pesado y contundente está presente en su gran mayoría, pero también las melodías clásicas del estilo finlandés de siempre, para variar a mitad de canción y añadir secciones mucho más melódicas pero que no cesan en ofrecer grandiosidad al tema, siendo en mí NUM. 85 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 45


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