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PORK TRUE - The Indestructible I

EXSANGUINATION ENTRAILS - Apocalyptic desires

VAGINAL ANOMALIES - VIOLENT DEVOTION TO KILL

DEATH METAL - CD / DIGITAL - 2020

BRUTAL DEATH - CD / DIGITAL - 2020

BRUTAL SLAM - CD / DIGITAL - 2020

EERIE - END OF AN ERA

NÉMESIS - THE BEGINNING OF THE END

inferno - basado en hechos reales

BLACK METAL - CD / DIGITAL - 2020

DEATH METAL - DIGITAL - 2019

THRASH METAL - CD / DIGITAL - 2019

sad eyes - viv0

ENDLESS - MAD SICK MIND

DEATH METAL - CD / DIGITAL - 2018

DEATH METAL - CD / DIGITAL - 2018

SEMPER - KHÁOS

INFERNO - GENÉTICA HUMANA

PROGRESSIVE METAL / DJENT - CD / DIGITAL - 2018

THRASH METAL - CD / DIGITAL - 2017

BOLU2DEATH - SPIRAL METAL - CD / DIGITAL - 2018

ABSENTA - EEL POST BLACK - CD / DIGITAL - 2016

the hole - the wrath ep

GATHERING DARKNESS - THE HEAT OF A...

DEATH / THRASH - CD / DIGITAL - 2017

DEATH METAL - CD / DIGITAL - 2017

BOLU2DEATH - dualitas

SAD EYES - AD DICTI 0N

METALCORE - CD / DIGITAL - 2016

DEATH METAL - CD / DIGITAL - 2015

NECROMANCERECORDS.ES | info@necromancerecords.es APDO. DE CORREOS 66 - 38320 LA CUESTA - S/C DE TENERIFE - ESPAÑA BANDCAMP: necromancerecords.bandcamp.com - INSTAGRAM: Www.instagram.com/necromancelabel SOUNDCLOUD: soundcloud.com/necromancerecords - FACEBOOK: soundcloud.com/necromancerecords YOUTUBE: soundcloud.com/necromancerecords - tienda online: necromancerecords.bigcartel.com


#81 EDITORIAL DIRECCIÓN DE CONTACTO NECROMANCE MAGAZINE Apdo. de Correos 66 38320 La Cuesta - Tenerife - España digitalmag@necromance.eu

DIRECTOR David Déniz Plaza

EDITOR | REDACCIÓN | PUBLICIDAD David Déniz Plaza

MAQUETACIÓN | DISEÑO David Déniz Plaza

COLABORADORES EN ESTE NÚMERO Alicia Castaño, Antonio Pardo, Ataegina Moon, Cesar Luis Morales, Jesús Muñoz Caballero, Jorge De La Cruz, José Antonio Costales, José Pozas Milla, Juan Angel Martos, Juan Granado, Kike Mollá Tormo, Luis Martínez, Maki Pérez Jáuregui, Mark Berserk, Robin RM, Scheitan, Sebastián Abdala

PORTADA Mind Driller

CONTENIDO | ÍNDICE SECCIONES REGULARES 08 Editorial 10 Recopilación Digital 50 Reviews (novedades)

ENTREVISTAS 12 La Inquisición 14 Folterkammer 16 Madrost 18 Hittman 21 Ocean Gates 22 Favna Abisal 25 Nether 27 Brand New Punch 28 Penny Melgarejo 32 Hilotz

BANDA PORTADA (MIND DRILLER)

34 Pyrrhic 36 Song of Anhubis 38 Greybeard 40 Mind Driller 42 Königreichssaal 44 Acid Mess 45 Encephalic 46 Versya 48 Shock Wave

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Volumen 54

CONTENIDO 01. DEIMLER (ESP)

09. SEGUNDO IMPACTO (ESP)

PROPHECY

SEGUNDO IMPACTO

ART GATES RECORDS

AUTOEDITADO - SELF FINANCED

Álbum: InBolution (2021)

Demo: Demo 2020 (2020)

02. FAVNA ABISAL (CHL)

10. SHOCK WAVE (ESP)

ARGONAUTAS

OVERDRIVEN

AUTOEDITADO - SELF FINANCED

BLACK NIGHT PRODUCTIONS

Álbum EP: Argonautas (2020)

Álbum EP: The Omega Communion (2020)

03. OCEAN GATES (ESP) SNAKE CIRCLE BOOMLAND RECORDS

Álbum: Ocean Gates (2020)

04. NETHER (BEL) TO THE SHORES ART GATES RECORDS

Álbum: Between Shades and Shadows (2020)

05. HILOTZ (ESP) SINISTER DUT MALDITO RECORDS

Álbum: Aske (2020)

06. PYRRHIC (NOR) DEFEANING THE LIGHT AUTOEDITADO - SELF FINANCED

Álbum EP: Vile Slumber (2020)

07. SONG OF ANHUBIS (ESP) MY OWN VICTIM ROCKSHOTS RECORDS

Álbum: Reversed Reflection (2020)

08. VERSYA (ESP) INK ON PAPER (VERSES LAND PART I) AUTOEDITADO - SELF FINANCED

Álbum EP: Ink On Paper (2020)

NECROMANCEDIGITALMAGAZINE.BANDCAMP.COM


LA INQUISICIÓN LA INQUISICIÓN es una banda de punk rock español que ha sabido revolucionar el estilo y hacer que gane en calidad gracias a su perfecta ejecución musical y su sorprendente sonido. Su temática es más amplia y su lírica está en un nivel superior al que nos tenían acostumbrados otras bandas de punk rock.

Hace unos días tuve la suerte de que llegara a mí vuestro último álbum, «Tenevrae», y la verdad es que me quedé muy sorprendida con este trabajo. Pero antes de entrar en profundidad a hablar sobre él, tengo que haceros esta pregunta: ¿Cómo es que siendo una banda punk no le habéis puesto «K» (LA INKISICIÓN) al nombre de la banda? Hola! La verdad es que nosotros aunque seamos más punks que el viento, no somos muy del rollo de las K’s digamos que la normatividad punk de ese tipo es una asignatura pendiente, nosotros venimos mas del punk de peña con ideologías de equipos de fútbol, no me malinterpretes, a mi me encanta el kalimotxo y he de reconocer que alguna raya de speed también me he metido con su correspondiente disloque y posesión infernal, por supuesto también amamos a los animales, como el cojo mantecas amaba a sus perros, pero, nah en serio no nos va mucho eso de las K’s.

en un grupo te dirá siempre lo mismo, que lo último que han grabado es lo mejor que tienen, pero en este caso, por lo menos en cuanto al sonido, es evidente que así es. Lo que pase ya a partir de aquí es una incógnita incluso para nosotros.

Ahora ya en serio… me gustaría daros la enhorabuena por el resultado porque se nota que hay mucho esfuerzo puesto en este álbum. El sonido de «Tenevrae» es muy diferente al de «LVX», se nota que habéis cuidado mucho este aspecto del álbum. ¿Es ese el sonido que buscabais o todavía estáis en fase de evolución? Es difícil saberlo, yo diría que es el sonido que estábamos buscando para este álbum, en ese aspecto estamos muy contentos, porque se nota una progresión, o por lo menos una diferencia notable, aun así cualquiera que toca

A mí me resulta imposible escoger un único tema como favorito porque todos me parecen increíbles. Supongo que a vosotros os ocurrirá lo mismo, pero… ¿hay algún tema del álbum que represente algo especial para vosotros o con el que os sintáis más identificados? Gracias! Supongo que cada uno tiene los suyos, por mi parte los más especiales son los que hablan implícitamente de gente que es muy importante para mi y que están de alguna manera muy presentes en esas canciones sin ser específicamente mencionados, claro. Esos temas

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¿Tuvisteis algún problema a la hora de la grabación del álbum por culpa del confinamiento o ya estaba grabado cuando empezó todo? El día que terminamos la grabación, con los últimos coros, fue cuando se fue todo a la mierda y al día siguiente nos encerraron seis meses, por suerte, Marc Boría (el técnico) vive al lado del estudio y a parte a nosotros no nos gusta estar presentes en las mezclas, así que él nos iba mandando todo e íbamos diciendo, aunque estuviéramos confinados, esa es la fórmula que utilizamos siempre, así que en ese aspecto, aunque la situación era del todo extraña, prácticamente no notamos diferencia.

serían Stella Maris y Septiembre, en mi caso. Ahora que la situación sanitaria está tan complicada habéis optado por la realización de un livestreaming para presentar «Tenevrae». La fuerza de vuestros temas consiguió traspasar la pantalla e hicisteis vibrar a la gente en sus casas. ¿Cómo fue la experiencia para vosotros? Vaya! Muchas gracias por verlo! La sensación para nosotros es bastante jodida, porque toda nuestra esencia se traduce en el contacto con la gente, nuestro royo es muy físico, queremos el sudor, el ruido y el caos y tocar en una sala vacía, haciendo así como una cosa virtual, nos descoloca mucho, no obstante, siendo conscientes de que esto es un sucedáneo, lo intentamos proyectar como cualquier otro concierto y que la gente lo disfrutase al máximo, pero la sensación al final del día en general creo que es de tristeza, por ver como todo se ha quedado en pausa. Habéis grabado un split junto con CRIM. ¿Qué nos podéis contar sobre este trabajo y sobre la relación con la banda? Fue una idea que tuvimos a raíz de los disturbios que hubo en la plaza de Urquinaona en particular y en Barcelona en general el pasado octubre, donde detuvieron a mucha gente, queríamos hacer algo por los chavales que habían detenido y contactamos con Alerta solidaria, una organización anti-represevia que se enfoca principal-


mente en los encausados de la izquierda independentista, todos los fondos iban para ellos. Nuestra relación con CRIM…. Pues te puedes imaginar, son prácticamente nuestros hermanos! Tocamos mucho juntos y nos conocemos todos desde antes que existieran CRIM o La Inquisición ¿Cómo os planteáis la promoción de «Tenevrae»? ¿Intentaréis realizar conciertos o viendo que se están cancelando la mayoría de ellos a pocos días de su celebración buscaréis otra forma de hacer llegar vuestro trabajo al público? Nosotros somos de ir día a día y cualquier cosa que podamos hacer, la vamos a hacer y las que no, pues lamentablemente no, tal como están las cosas en mi humilde opinión hay que seguir haciendo planes, aunque luego se tengan que posponer, hoy por hoy la situación es muy volátil, pero esto llegará un momento que cambie, eso si, en cuanto se pueda hacer todo, vamos a ser como bestias desbocadas… Lo juro! Lo normal es que a las bandas les cueste abrirse un hueco y empezar a rodar por Europa, sobre todo haciendo música en español. Vosotros en cambio lo lleváis haciendo desde que formasteis la banda. ¿Cuál es vuestro secreto? Nuestro secreto se llamaba “secret army” que era el grupo que teníamos antes de la inquisición y con el que nos pelamos el culo en una furgoneta recorriendo el continente varias veces, con todo esto fuimos creando una red, que ha ido dando sus frutos con el paso de los años, no solo con la Inquisición sino en otros proyectos que hemos hecho ya sea trayendo a grupos, organizado, conciertos, montando festivales o lo que sea… En definitiva, siempre hemos sido una parte activa de todo esto del punk, aunque no seamos los mensajeros más puros de la doctrina o los más militantes. Viendo el artwork de vuestros trabajos se podría pensar que sois una banda metalera. Cruces, cementerios y, en general, una estética más oscura a lo que suele ser habitual en los trabajos punk. ¿Os habéis propuesto revolucionar la idea del punk rock también a nivel estético y que se deje de asociar de una vez con las crestas? Creo humildemente que el punk es algo muy plural y que ha ido evolucionando con el paso de los años hacía muchísimos lados, nosotros sin ser la peña más purista o militante como decía antes, si que tenemos unos gustos concretos y una especie de mensaje que trasciende lo musical, que podrían resumirse en la negritud y el frio atroz, pero tampoco hemos inventado nada… Creo que el problema lo tiene quien siga asociando al punk sólo con las crestas, porque se está quedando en la superficie de algo en lo que se esconden cosas maravillosas y mundos llenos de rabia y belleza. Como en cualquier otra música, por otra parte… Al final todo se resume en que hay sólo dos tipos de música o dos tipos de grupos. Los que molan y los que no. ¿Cuál fue vuestro mayor obstáculo como banda? Creo que no hemos tenido muchos obstáculos por suerte, todos vivimos más o menos cerca y respecto a los curros y familias hacemos que las cosas fluyan y poder tocar al máximo y esas cosas… A veces sacrificando tiempo y horas de sueño, pero es que, nos encanta tocar, lo pasamos muy bien juntos y siempre hemos sido un grupo de colegas, joder ahora que no tocamos, que las cosas están como están, intentamos sacar tiempo para tomarnos algo y todo o poder hangear juntos! Y ya para terminar me gustaría felicitaros nuevamente y daros las gracias por atender a Necromance Magazine durante esta entrevista. ¿Hay algo que os gustaría decir a nuestros lectores? Muchísimas gracias por la entrevista! Cómo mola el nombre de la revista! Y un abrazo a todo el mundo! [ ATAEGINA MOON ]


FOLTERKAMMER

FOLTERKAMMER es un nuevo y emocionante proyecto compuesto por un nombre reconocido como Zachary Erzin de Imperial Triumphant y otros menos conocidos como la vocalista Andromeda Anarchia de Darkmatters, el bajista Darren Hanson y el baterista Brendan McGowan. Debemos olvidarnos de sus principales bandas, esto no es ni post ni futurista ni progresivo, Folterkammer se ubica en ese inexplorado lugar donde el black metal de segunda ola y la ópera se encuentran con el único objetivo de destruir los límites de tu imaginación. Señoras y señores, la función va a comenzar… En primer lugar, felicidades por este fascinante álbum. Presentad a Folterkammer por favor. ¿Quién ha sido el cerebro de esta bestia y cómo tomó forma? Zachary y Andromeda, habíais trabajado juntos en Imperial Triumphant antes ¿verdad? FOLTERKAMMER: ¡Muchas gracias! ¡Hemos disfrutado mucho con este álbum! ZACHARY: No diría que soy el cerebro detrás de esto, pero si el que ha conseguido que todo se una. Darren Hanson me mostró algunas pistas de black metal en las que estuvo trabajando a lo largo de los años y me sentí obligado a darles vida. Después de haber trabajado con Andromeda Anarchia en Imperial Triumphant me pareció la oportunidad perfecta para combinar estos dos estilos. ANDROMEDA: Sí, hice colaboraciones en dos álbumes de Imperial Triumphant, en “Vile Luxury” y en “Alphaville”. Zac y yo amamos el metal extremo, la ópera alemana, el jazz y la música clásica. Él estudió composición y yo comencé como soprano de formación clásica. Hablamos de un proyecto conjunto que consistía en fusionar estos dos mundos musicales tan intensos en una banda desde que nos conocimos hace unos años. Zac me habló de su amigo Darren, quien compuso melodías de black metal de inspiración barroca que podrían ser el escenario perfecto para convertir nuestras ideas en realidad. Me enviaron las pistas básicas de las melodías para que pudiera agregar letras e ideas para voces e inmediatamente me enamoré de las composiciones de Darren. Zac trabajó con Darren en los arreglos, agregó guitarras y Brendan agregó su batería brutal. Todos disfrutamos del resultado y así nació Folterkammer cuyo significado en alemán es cámara de tortura. Bajo vuestro punto de vista, ¿creéis que los seguidores de vuestras principales bandas disfrutarán con «Die Lederpredigt»? ANDROMEDA: Tenemos la suerte de tener seguidores con la mente abierta y que aman la música experimental, avant-garde, extrema y progresiva. Los amantes de la música clásica y la ópera probablemente también disfrutarán mucho de Folterkammer. ZACHARY: Yo creo que los seguidores de Imperial Triumphant disfrutarán de “Die Lederpredigt” porque es música con visión de futuro y no una versión diluida de Imperial Triumphant. Es fresco, único y diferente. El disco es para mí un sueño inalcanzable hecho realidad, esa fusión de ópera y black metal. Cuéntanos ¿qué habéis querido expresar con este álbum? ANDROMEDA: Nuestras canciones son una declaración contra la dependencia, contra los sistemas de obediencia y contra las malas intenciones de las fuerzas opresoras. Cuentan la historia de una diosa extremadamente malvada, viciosa e impía, que tortura, abusa y mata a sus súbditos. Creo que “Die Lederpredigt” es también una declaración musical, una combinación poco ortodoxa que une dos tradiciones musicales muy diferentes: la hermosa, sofisticada, el arte estilizado y elitista contra la provocación satánica, aterradora, muy expresiva y rebelde proveniente del underground. Ambos estilos son técnicamente muy difíciles de realizar. “Die Lederpredigt” 14 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 81

es un drama oscuro y audaz con la estética del raw black metal pero también con un toque teatral humorístico y voces técnicamente muy exigentes. Como he dicho, Folterkammer es un maravilloso escenario donde poder traspasar los límites de estos estilos y probar nuevas expresiones en la música. ¿Cómo se desarrolló la composición? DERRAN: El proceso de composición generalmente comienza con una melodía o un sentimiento para llevarlo a un órgano y a partir de ahí, Zac lo traduce a guitarra. Hay una cantidad enorme de ideas que se quedan por el camino y no acaban llegando al álbum. ANDROMEDA: Escribí mis líneas vocales en base a las composiciones de Darren pero también improvisé muchas partes en la sesión de grabación. Esto me facilitó adaptar mi canto a las repentinas ideas de Zac, quien estuvo presente durante la grabación vocal. “Die Nänie”, “Die Hymne” o “Das Magnificat” son piezas fabulosas, bizarras, violentas, antirreligiosas y bellísimas. ¿Con cuál os quedáis? Esa especial para vosotros. ANDROMEDA: Personalmente, me encanta interpretar “Die Hymne” y “Das Magnificat” porque son muy pegadizas, y “Das Zeugnis” porque es la más difícil de cantar. Pero tengo una conexión especial con cada canción. Las canciones son como hijos, creo que es imposible elegir una favorita. ¿Cómo está siendo la recepción de «Die Lederpredigt»? ¿Satisfechos en general con el resultado? ANDROMEDA: Es nuestro álbum debut y hasta cierto punto ha sido un primer experimento para ver si es posible combinar estos dos mundos. una especie de iniciación, el comienzo de un nuevo viaje. Las reacciones hasta ahora han sido asombrosas y maravillosas. Para ser sincera, ¡estoy enamorada de esta música y estoy impaciente por llevar el proyecto al directo! Percibo una comunión especial en la banda que se transmite al oyente. La misma comunión especial entre black metal y ópera. ¿Qué artista del black metal más nostálgico y de la ópera os inspiraron para este disco? DARREN: Hay muchos compositores y bandas que disfrutamos y escuchamos en nuestro tiempo libre pero cuando escribimos hay que encontrar donde encajar esas influencias y a veces no es posible. ANDROMEDA: Estoy totalmente de acuerdo con Darren. Es necesario despejar oídos y mente para encontrar nuestro propio camino. Me inspiré principalmente en la cantante alemana Nina Hagen, pionera en fusionar el canto clásico y teatral con la música punk/rock. Luego están estos estilos de canto experimentales y eclécticos de cantantes increíbles como Klaus Nomi, Diamanda Galas, Mike Patton, Nils Frykdahl y Travis Ryan, todos ellos me impresionan e inspiran mucho. Por nombrar algunos cantantes clásicos que adoro (me estoy enfocando en las mujeres), Juliane Banse, Maria Callas, Lisette Oropesa, Barbara Hannigan, Leontyne Price, Jessye Norman,

Pretty Yende, Laurence Malherbe … Es innegable que el apartado vocal destaca sobre el resto. ¿Todas las voces que se escuchan en el disco son tuyas Andromeda? Con tu origen suizo imagino que sin problema en cantar en alemán ¿verdad?. ANDROMEDA: Sí, yo hice todas las partes vocales. Crecí en la parte alemana de Suiza y hablo alemán-suizo y alemán (que no es lo mismo). En lo musical, hay trémolos clásicos que se funden con órganos y algunas combinaciones interesantes, pero sigamos con las voces, ¿cómo te has manejado en este tipo de cantatas clásicas, marchas fúnebres, poemas, narraciones… Cuéntanos de las letras. ANDROMEDA: Yo misma escribí todas las letras, pero también las combiné con citas (en tres de ellas) y las adapté a mis letras haciendo versiones modificadas. La famosa oración cristiana Vater Unser (Padre Nuestro) en “Das Gebet”, pasajes de la oración de The Magnificat en “Das Magnificat” y también una cita de un conocido epigrama del poeta alemán del barroco Friedrich von Logau en “Die Elegie”. Sabía exactamente sobre qué temas quería escribir y me dejé llevar por la música compuesta por nuestro bajista Darren. Para mí, lo principal era usar muchas palabras y frases oscuras y malignas y encajar su sonoridad cantándolas tanto en ópera como con growls y screams. ¿Es Folterkammer un proyecto de un solo álbum o pensáis darle continuidad? DARREN: Nos consideramos una banda y estamos totalmente comprometidos a seguir sacando más discos. No soy capaz de imaginarme a Folterkammer tocando en un teatro o auditorio repleto de blackers con sus libretos. ¿En serio lo estáis pensando? Puede ser grandioso. ANDROMEDA: Creo que la música de Folterkammer será mágica cuando se toque en vivo y estamos deseando que esto suceda sin importar en qué tipo de recinto toquemos. ¡Vamos a quedarnos todos sorprendidos con lo que vamos a montar! Menudo videarraco que habéis hecho para «Die Hymn». Háblanos de esta grabación y del uso del polémico pero glorioso recurso de las iglesias ardiendo. BRENDAN: Lo grabamos por Zoom ya que Andromeda estaba confinada en París y yo en NY, el resto de imágenes son de archivo. El video de “Die Hymne” representa la nostalgia del black metal envuelta en un collage de estética barroca y arquitectura gótica. Es una extensión del artwork que creó Alex Eckman-Lawn para el disco. Andromeda representa esa figura dualista y etérea que habla del pasado lejano, y las imágenes son recordatorios de la violencia grotesca de la religión y el estado, ofreciendo como única solución a ese matrimonio la destrucción vengativa por medio del fuego, que en las letras de Andrómeda representa el renacer de su personaje. Creo que la pregunta que más veces usé en las entre-


vistas del año pasado fue «¿Qué pensaste al ver arder Notre Dame?”. Hoy es el día. «¿Qué pensaste al ver arder Notre Dame? ANDROMEDA: Estuve en París mirando las viejas campanas en el suelo mientras restauraban Notre Dame una semana antes del incendio. Cuando aterricé en Nueva York, el taxista me dijo que Notre Dame estaba ardiendo. Fue un sentimiento extraño haber visto esa bestialidad de iglesia pocos días antes de que se quemara. No me gusta la religión en absoluto pero me encantan los órganos y la arquitectura capaz de crear espacios sonoros increíbles. En mi humilde opinión, esta es la única razón para dar sentido a la existencia de las iglesias, para conciertos de órgano jaja. El fuego es una fuerza muy hermosa, la más transformadora diría yo. Es tan conmovedor ver algo arder. Escribí sobre eso en “Die Hymne”, “Si nada funciona, haz un fuego y quémalo, quémalo, una y otra vez … Solo el resplandor del fuego crea vida de la muerte, levanta al fénix de sus cenizas, convierte las almas negras en oro. Solo con vida ardiente vale la pena morir, solo la vida por la que uno se quema hasta morir es digna». Así pues, el incendio de Notre Dame fue impresionante para mí, como una representación artística. Otro de los temas que tratáis son los útiles de tortura y España también tiene fama por eso. ¿Conoces el Garrote Vil? ¿Cuál es tu aparato de tortura favorito y por qué? ANDROMEDA: Lo he buscado en internet, ¡¡¡ese Garrote Vil parece extremadamente doloroso!!!. Creo que el instrumento de tortura más extremo es la mente humana, nuestros pensamientos y miedos. Para mí, un Folterkammer es la trampa agonizante en la que caemos cuando seguimos y obedecemos ciegamente a los demás, sus delirios y dogmas. ¿Qué recuerdas de tus visitas a España? ¿Qué opinas de mi país? ANDROMEDA: Nuestro logo fue diseñado por el increíble calígrafo español Sr. Kams. Me encanta Barcelona y he estado allí un par de veces. Hay muchos músicos talentosos en España (en música clásica, jazz, flamenco, metal…). La gente en España se vuelca con la música y el arte y transmiten siempre su reconocimiento. ¡Y, por supuesto, la comida y el vino son maravillosos! ¡Realmente deseo que podamos actuar en España con Folterkammer! El año se acerca a su fin, yo ya he publicado mi top anual, pero Folterkammer ahora mismo es el favorito para el próximo mejor disco de 2021. ¿Cuál es tu disco del año? ANDROMEDA: Es muy difícil elegir uno. Ha habido muchos lanzamientos geniales este año. Yo amo todo tipo de música, así que es aún más difícil elegir uno. Nombraría “Mass Cathexis” de Krallice, “Djinn” de UADA, “Planet Z” de Panzerballett y el disco debut de Titan to Tachyons llamado “Cactides”. Tuve el honor de haber colaborado en dos de mis discos favoritos de este año, “Alphaville” de Imperial Triumphant y “Axiom” de Kilter. Un sueño… ANDROMEDA: Sería épico ir de gira con Folterkammer. A los lectores de Necromance Magazine, ¿por qué deberían escuchar vuestra música? ANDROMEDA: En primer lugar por descubrir nueva música, y después, por escuchar como suena cuando la ópera y el black metal se combinan sin ser metal sinfónico. Muchas gracias, felicidades de nuevo y buena suerte. [ SCHEITAN ]

“Es nuestro álbum debut y hasta cierto punto ha sido un primer experimento para ver si es posible combinar estos dos mundos. una especie de iniciación, el comienzo de un nuevo viaje.” [ ANDROMEDA ]


MADROST

El cuarteto de California acaba de publicar su cuarto lanzamiento «Charring the Rotten Earth», sin duda su mejor trabajo hasta la fecha donde demuestran el buen momento de madurez que atraviesan. Hablamos con Necro Nick, guitarrista, y probablemente el responsable del descaro y embrutecimiento de los «nuevos» MADROST. Hola Nick, bienvenido a Necromance. ¿Cómo estáis viviendo el momento de incertidumbre actual? He estado trabajando desde que esto empezó y no he dejado que me frenase en absoluto. Fue fácil seguir el protocolo y pautas establecidas por las autoridades. En todo caso, esta situación me ha dado la oportunidad de alejarme del trabajo y concentrarme un poco más en la música. Hay que mantener la cabeza alta y pronto será un recuerdo lejano del que nos reiremos. Parece que la banda ha encontrado estabilidad y en «Charring the Rotting Earth» mantenéis la misma formación por primera vez. Sí, es sorprendente que ninguno de los integrantes originales ya no estén en la banda (salvo Tanner Popitt, ndr). Debo decir que nos llevamos bien con ellos y a día de hoy no tenemos problemas. Antes se tenía una relación más estrecha y se echaba mucho tiempo a la banda, pero ahora amo a la gente que la forma, son mejores músicos y con una actitud inmejorable. Hablemos de «Charring the Rotting Earth», publicado este año. ¿Cómo fue la grabación? ¿Cómo surgió poder rematar el disco con un gran nombre como Hannes Grossmann? En marzo del año pasado renové el estudio de mi casa en el que invertí una cantidad muy importante de dinero en un nuevo ordenador y todo tipo de aparatos. Terminamos votando sobre grabar en mi estudio o si contratar las horas necesarias con un ingeniero en un estudio profesional como otras veces. Fue un subidón y me divertí mucho haciéndolo en casa, nos llevó más tiempo debido a problemas de agenda y la dificultad de tener que estabilizar nuestras vidas por la situación. Afortunadamente, Hannes estaba lidiando con los mismos problemas de la pandemia y pudimos trabajar juntos, consiguiendo el me16 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 81

jor resultado que podíamos imaginar. ¡No habría sonado tan bien sin él! ¿Qué nos cuentas en cuanto a la composición de este disco? ¿Alguna diferencia en el método respecto a «The Essence of Time Matches No Flesh»? Fue el mismo proceso en ambos, primero la música y luego la letra. Una vez terminada toda la música nuestro vocalista se llevó las demos a casa y escribió sobre lo que mejor sabe escribir. Creo que hay letras geniales en este álbum. Como banda, no nos sentamos juntos a componer, la mayoría de las veces escribo solo en el estudio de mi casa y se lo muestro al resto para acabar resolviendo juntos y mejorar la canción. ¿Qué pasa en » Charring the Rotting Earth». ¿Cuál es el concepto y de dónde ha venido la inspiración? La inspiración es toda de nuestro vocalista. Él es quien elige los títulos de las canciones y escribe las letras. No participo mucho en esto ya que soy fan de otro tipo de letras que no encajan en el estilo de Madrost. A esta banda le gusta hablar sobre el espacio y la ciencia ficción pero a veces nos metemos en cosas más sangrientas de muerte y caos. Ojalá el próximo álbum vaya más encaminado a ese tipo de cosas. La banda pasa por un buen momento de madurez y en vuestro cuarto álbum completáis una transformación pasando de ser más thrash a ser más death. ¿Qué opinas? ¿Cómo describirías la evolución de vuestro sonido? El primer álbum era puro thrash y me encantó, por entonces no estaba en la banda. Ya el segundo álbum se volvió un poco más complejo, con cosas más variadas y sorprendentes. Me uní a la banda en el tercer disco, soy un músico con experiencia en death metal y grindcore,

y cuando me pidieron que me uniera pensé que podríamos hacer un tercer álbum realmente bueno. Hemos mantenido esa progresión con el cuatro. Solo trato de ser la mejor versión de mi mismo en base a mi música favorita. Sé lo que me gusta escuchar y siento que nos hemos vuelto más complejos todavía, más musicales y enérgicos. Queremos seguir agregando nuevos elementos y adaptándonos al paisaje que nuestro estilo de música puede ofrecer. Veo que en la prensa especializada no nos acabamos de poner de acuerdo acerca de vuestro estilo. Algunos dicen que progresivo, otros hablan de técnico. ¿Cómo os autodescribís? Yo oigo una fuerte influencia de Necrophagist en este álbum. Diría que somos una banda de metal progresivo que se alejó del thrash y se metió en el death metal técnico. Me encanta el sonido de Necrophagist y definitivamente lo hemos dejado aflorar en este nuevo disco. La gente también dice que somos una banda de thrash con orquestaciones a lo Dimmu Borgir, ¡esa descripción también suena muy bien!. De hecho, esa orquestación y teclado es lo más sorprendente del álbum, ¿por qué esta novedad? ¿mantendréis este tipo de orquestaciones o se trata de una colaboración puntual de Sam Meador?. No puedo dejar de preguntarte por “Pulverized”, un tema grindcore que ya descoloca del todo. Nunca antes habíamos usado este tipo de recursos pero siempre nos gustaron las bandas que usan los teclados para crear y añadir atmósferas sin comprometer la brutalidad. Durante el proceso de composición, estaba pasando por un momento muy black metal, estaba viendo muchas películas sobre black metal y de forma natural esa vibra se abrió camino en nuestra música. En realidad


se trata de algo específico para Sam y no sé si continuaremos por ese camino, pero se dice que la gente lo está disfrutando, así que no veo ninguna razón para no mantenerlo para el quinto álbum. Con “Pulverized” pasó algo divertido, como he dicho, mis orígenes vienen del grindcore y el death, es el terreno donde tengo más experiencia, pero la canción la escribieron entre el vocalista y el batería ¡sin mi!, ellos también aman ese tipo de sonidos. Me alegré mucho, necesitábamos una canción así, cortita y directa. La verdad es que he disfrutado mucho vuestro nuevo y maduro sonido, especialmente en «Dying Thoughts» con algo de old school y en la mejor para mí «Charring the Rotting Earth» más técnica y progresiva. ¿Tu con cuál te quedas y por qué? ¡Gracias! “Dying Thoughts” es una de las más explosivas, pero para mí la mejor canción es “Pulverized” por mi experiencia en el death y el grindcore. ¡Cada vez que la pongo me enciendo! Pienso que «Charring the Rotting Earth» es vuestro mejor trabajo. ¿Está teniendo buena acogida? ¡Gracias de nuevo! Creemos que es lo mejor que hemos hecho hasta la fecha, hemos subido el nivel y estamos recibiendo excelentes críticas, en su mayoría 10 de 10 o 5 de 5. La recepción supera nuestras previsiones y agradecemos mucho vuestro apoyo. Algo que no cambia es la participación de Tony Koehl, una vez más encargado del artwork. Tony es como el quinto miembro de la banda, siempre ha estado con nosotros apoyando y siendo un verdadero amigo. Todo el mundo sabe que su trabajo es increíble y cualquiera que cuente con un artista como él saldrá ganando. Sugiero a todo el mundo que vea su trabajo, no se sentirán decepcionados porque Tony es el mejor. Tengo que preguntar por vuestra previsión de tocar en vivo. ¿Qué opináis de los streamings? Pues tenemos novedades sobre eso, pero tendréis que estar atentos, estamos avanzando y cerrando algunas fechas! Estamos emocionadisimos de volver a pisar el escenario y si lo hacemos lo retransmitiremos. Me entusiasma la idea del streaming, mantiene a los metaleros ahí mientras las cosas vuelven a la normalidad. California protagonizó un momento histórico del thrash metal. ¿Cómo está la escena allí actualmente? El documental “Murder in the front row”, que salió hace poco, describe muy bien ese thrash de San Francisco primigenio, cuando todo era fresco y novedoso. La gente por aquí sigue con hambre de metal, los fans son fieles y los artistas siguen llenos de inspiración. No me puedo imaginar estar en ningún otro sitio que no sea aquí. ¡Todo sigue siendo fabuloso para los metaleros aquí y para nada hay que pensar que en California hay escasez! ¿Qué conoces de la escena metalera española? Siempre he visto que hay mucha afición y sé que sois maravillosos. Disfrutáis mucho en cada concierto, amáis a las bandas, su música, para mi es como estar en otro mundo cuando voy. Me encantan algunas de vuestras bandas y desearía saber más español. Como me comentabas, has aprovechado el tiempo dedicándote de lleno a la música. ¿Has trabajado también en tus otros proyectos Gutsaw y Sacrificial Slaughter? Sí, he estado trabajando en mis otros proyectos y todos ellos publicarán nuevos trabajos. ¿Qué mejor manera de pasar el tiempo que creando? Espero que se escuche todo el trabajo creado durante este cierre pronto. Como guitarrista, ¿Quién es tu referente o principal inspiración? Me gusta Rusty Cooley. Hora de quitarse la careta. ¿Qué artista mainstream odias por encima de todo y de cual disfrutas en secreto? Podría decir que disfruto en secreto de Nirvana. Sin duda, Taylor Swift es la respuesta de a quién odio por encima de todo jaja! El 2020 se acaba. ¿Cuál es tu disco del año? Ha habido muy buenos discos en 2020. Diría “Nucleus” de Deeds of Flesh. Descansa en paz Erik. ¿Cuántas canciones pronosticas que se llamaran “Pandemic», «Quarentine» o similar en 2021? Es para una apuesta con un amigo, por cada una de ellas chupito. No creo que sean muchas, apuesto por tres!! (En lo nuevo de Fortid, publicado el 11 de Diciembre ya tenemos la primera, ndr) La última, para los lectores de Necromance, ¿porque deberian escuchar vuestra música? Tocamos rápido, técnico y ese entorno de ciencia ficción. ¡¡¡Creo que es suficiente para emocionar a cualquier metalero!!! Felicidades por el disco y buena suerte. [ SCHEITAN ]


HITTMAN

Todos los años tenemos una tanda de regresos más o menos sonados, algunos de ellos con mucho bombo pero de vergüenza ajena al final, y otros sin apenas ruido pero que calan hondo en un puñado de nostálgicos. Los legendarios HITTMAN han protagonizado, para mí, el regreso del año, firmando con “Destroy All Humans” el disco de heavy/HR que más he disfrutado en 2020. Me he sentido muy afortunado de poder hablar con Jim Bacchi y Dirk Kennedy sobre su formidable regreso y de paso aclarar algunas dudas de su pasado. !Marchando una de nostalgia! Señores, sean bienvenidos a Necromance, un auténtico placer entrevistaros. ¿Cómo van las cosas por NY? JIM BACCHI: Hola, yo y Greg Bier vivimos en California, Dirk Kennedy, John Kristen y Mark Jenkins viven en NY. Sí, a más de 3000 millas de distancia jeje. Recuerdo cuando os conocí, tras el lanzamiento de «Vivas Machina» y posteriormente flipar con vuestro primer trabajo, que contenía «Metal Sport», temazo que incluí en mi recopilatorio casero de canciones que contenían la palabra «Metal». ¿Cómo recordáis esos primeros años, los años dorados del US Metal? ¿Qué significaba la palabra «Metal» por entonces y que significa ahora para vosotros? JIM BACCHI: No recuerdo mucho de los viejos tiempos, mira la letra de “Total Amnesia” jaja,- pero lo que el metal era para mí entonces no es lo que el metal es para muchos fans hoy. Por aquel entonces el metal era mi vida. Fui a toneladas de conciertos increíbles en Nueva York a principios de los 80, cuando la escena era nueva y vi a muchas bandas dar comienzo a sus carreras. Metallica, Twisted Sister, Raven, Manowar, Queensryche, cualquiera que fuera nuevo en ese momento, yo lo vi. Vi a Rainbow con Dio, Maiden con Paul Dianno, Ozzy con Randy Rhoads, fue muy emocionante. Para mí el metal sigue siendo esa música que amaba al principio, la NWOBHM y bandas antiguas como Priest, Rush, Sabbath, Rainbow, Deep Purple, UFO, Scorpions, etc… Todo lo demás es metal “Nuevo” o “Actual”. Muchas de ellas buenas, pero me encantan los clásicos. DIRK KENNEDY: Echando la vista atrás, creo que somos muy afortunados de ser parte del comienzo de un movimiento musical tan increíble, que podría haber perdido su rumbo a lo largo de los años, pero que ahora parece estar 18 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 81

de vuelta con mucha fuerza. Recuerdo la emoción de ir al Madison Square Garden a ver a Iron Maiden después de haberlos visto tocar en salas y ver su ascenso a grandes pabellones. Parecía que todos disfrutaban de esta nueva música, era como una religión pero en pabellones y en las listas de éxitos. Pero nuestro heavy metal y el de tantas otras bandas era más melódico, y a lo largo de los años se ha diluido en tantos subgéneros diferentes que ya es difícil llamarlo metal. El heavy metal clásico, NWOBHM y ahora la nueva ola del heavy metal tradicional son más o menos lo mismo. Se ha ido refrescando, pero la original sin duda fue aquella edad de oro. Ya que os he empezado hablando del himno «Metal Sport», veo que fue incluido en la serie de éxito «Stranger Things». ¿Qué impacto tuvo esto en la banda? ¿Os molesta que os puedan catalogar como “viejas glorias”? JIM : Bueno… Llevamos en esto desde 1985, así que nos guste o no, somos una banda «vieja». Cuando la canción entró en “Stranger Things”, no conocía la serie, pero todos mis amigos que recordaban a Hittman enloquecieron al escuchar «Metal Sport» en el capítulo. Lo curioso es que utilizaron la versión Demo de 1985. No tuvo ningún impacto en mí, aparte de que fue genial que sonase allí. DIRK: Creo que es maravilloso, somos un grupo que no somos tan jóvenes pero tampoco tan viejos, se nos ve bastante decentes todavía. Si aceptamos eso puede sonar como si nos autoavergonzaramos, y entonces sería hora de parar. Habiendo sacado nuestro álbum debut hace 30 años o más, ¿cómo podríamos llamarnos? Tenemos la suerte de que la gente se acuerde de nosotros, es un honor y me encanta ser parte de una banda de metal clásico.

Os separasteis en el 94, después de «Vivas Machina», un disco que no tuvo tanto éxito como vuestro debut. ¿Os consideráis víctimas del genocidio alternativo/ grunge como muchas otras bandas en esa decada? ¿Creéis que os pudo afectar más el auge del thrash? Contadnos cómo se desencadenó esta separación. JIM: Técnicamente nunca nos separamos…Creo que sí, fuimos víctimas de una escena musical que cambia rápidamente y, por lo tanto, considero que la vida útil de nuestro estilo de música expiró. Lamentablemente, el metal ya no era «guay». El auge del thrash tuvo mucho que ver con nuestro cambio de sonido, pero no estábamos interesados en convertirnos en una banda de thrash. Nos gusta la melodía y la armonía, así como la pesadez, así que decidimos tirar más hacia el lado del hard rock melódico añadiendo algunos elementos progresivos, el problema es que terminamos en algún lugar entre estos dos estilos. Entonces, después de hacer una pequeña gira por Alemania, Austria y Suiza, tocando para audiencias muy pequeñas, el coche se quedó sin gasolina por así decirlo. La nueva escena musical no tenía sitio para una banda como Hittman. Realmente no nos separamos, simplemente dejamos de ser Hittman, hay una diferencia. DIRK: La música, como todas las formas de arte, tiene sus modas y sus corrientes, y nosotros agarramos el final del ciclo majestuoso del metal clásico. Pienso que si hubiéramos comenzado dos o tres años antes, hubiéramos tenido más longevidad. Pero había un niño nuevo en la ciudad y ese niño tenía varios hermanos y hermanas, el grunge, el thrash, etc… Tuvimos que decidir si seguir el ejemplo o descolgarnos, ¿cuál era el movimiento correcto?. Nunca nos separamos oficialmente, no hubo ningún tipo de ira o mal rollo, simplemente nos paramos, no po-


díamos continuar en ese entorno. ¿Cómo han sido esos 23 años apartados de la música? ¿A qué los habéis dedicado? JIM: Bueno, justo después de que Hittman se parase me mudé a Los Ángeles y me dediqué a la música como un trabajo e hice carrera con ella. Produciendo, como ingeniero, escribiendo música para televisión y cine y muchas grabaciones. DIRK: Bueno, yo simplemente me integré como ciudadano. Trabajé en un bar durante 23 años. La gente llegó a conocerme sin tener ni idea de lo que hice anteriormente, y luego, cuando lo descubrían, casi nadie no lo creía. ¿Este chico tan educado era cantante de heavy metal? ¿Con discos? ¡imposible!. Todo el mundo tiene su pasado y no es que no estuviera orgulloso de él, no lo mencionaba porque no me gusta hablar de mí en general. Siempre huí de ese tipo de comentarios obstinados, descripciones ornamentadas e intimidades en las que a los más curiosos les gusta excavar, con lo cual, en esos 23 años publique un disco en solitario y viví tranquilo. La reunión o reencuentro se produce para el Keep it True de 2018. ¿Cómo se toma esa decisión? ¿Cómo recuerdas ese primer ensayo preparando vuestro regreso? JIM: ¡Los ensayos fueron dificiles! Tuvimos un fin de semana de ensayos unos meses antes, y después cuatro ensayos más justo antes de irnos a Alemania. Hicimos un concierto de calentamiento en Nueva York donde tocamos para muchos de nuestros viejos amigos y lo hicimos bien considerando el poco tiempo que tuvimos para prepararlo. DIRK: Bueno, simplemente tuvimos el valor de hacerlo. Al vivir tan lejos unos de otros sólo pudimos ensayar cuatro veces. En retrospectiva, lo que hubiera hecho en mi caso hubiera sido trabajar con un entrenador para conseguir resistencia y valor, incluso tal vez hablar con un psiquiatra, ja, ja. La música de Hittman es extremadamente difícil de tocar y casi imposible de cantar, cuando eres joven eres invencible, pero siendo mayor, tienes que esforzarte mucho más. Digamos que estaremos mucho más preparados la próxima vez, ahora sabemos lo que se necesita. Pero lo hicimos considerablemente bien. ¿Alguna vez pensasteis en regresar bajo otro nombre y enterrar definitivamente a Hittman? JIM: No. En 1994 grabamos una demo como DiVinci’s Machine, era una música un poco diferente a Hittman. Algo decente, pero de nuevo, por mucho que intentaramos ser «actuales», no fue nada en lo que las discográficas estuvieran interesadas. Ahora, somos considerados «clásicos», algunos nos han llamado «Legendarios», no soy yo quien dice eso, así pues, ahora es cuando vale la pena mantener el nombre Hittman, porque ahora la gente tiene curiosidad de saber cómo sonamos en 2020. Ese legado es algo de lo que estar orgulloso. DIRK: Sí, cambiamos el nombre de la banda por DiVinci’s Machine momentáneamente para ver si podíamos competir en ese nuevo mundo, pero era algo falso y nos detuvimos, aunque había buenas canciones. A lo largo de los años hemos descubierto que Hittman se ha convertido en una especie de banda underground legendaria, cosa que nos sorprende. Pero como dije antes, es un honor, viendo que en los shows que tocamos en Europa en el 93 hubo tan poca asistencia, pensamos que no teníamos mucho futuro, pero después en los festivales de 2018 y 2019 todo el mundo se sabía las letras de nuestras canciones. ¿Te imaginas?, fue un shock. Llegamos a 2020 con la publicación de «Destroy All Humans». Un disco fantástico con una carga emocional enorme. ¿Qué ha significado este lanzamiento para vosotros después de tanto tiempo? JIM: Bueno, para mí se trataba de darle a los fans el segundo álbum que desearían haber obtenido originalmente. “Vivas Machina” salió cinco años después del debut, y al ser tan diferente, la gente no lo acogió bien. Muchos nos han dicho que con el tiempo lo empezaron a apreciar, pero en ese momento decepcionó a los fans de la banda. Entonces, con este nuevo álbum hemos querido dejar las cosas claras a nuestros viejos fans, ofreciéndoles un disco de metal auténtico, con un sonido más cohesionado, que creo que es lo que hemos conseguido en «Destroy All Humans». DIRK: Ha sido la oportunidad para la banda de enderezar el rumbo y hacer por fin el segundo disco que hubiésemos debido hacer. “Vivas Machina” debería haber sido el tercer o cuarto álbum, así que en este álbum ofrecemos el estilo de heavy metal tradicional de los primeros Hittman. Estoy muy orgulloso del disco. Contadnos algunos detalles más del disco. Desde la

propuesta de No Remorse Recs hasta la sesión de grabación. ¿Satisfechos con el resultado? JIM: Estoy muy satisfecho con el resultado. No Remorse sabía que la audiencia todavía estaba interesada en Hittman en 2020, para eso siempre han sido una buena guía. Es bueno estar en un sello al que realmente le gusta la banda, no te creerías lo raro que era eso hace años. DIRK: Mucho después de aceptar hacer los festivales y decidir que era hora de componer nueva música, surgió la oportunidad con No Remorse. Firmamos con ellos la reedición del primer álbum y teníamos muchas ofertas para publicar el nuevo pero ninguna de ellas fue tan interesante y agradecida al legado de esta banda. Fue la que tenía más sentido. Reconozco que he derramado una lagrimilla al escucharlo. He recordado viejos tiempos, la vida en la carretera, ya sabeis de lo que estoy hablando. He escuchado «Total Amnesia» y «1000 Souls» en bucle durante días. Habladme de estas canciones. JIM: “Total Amnesia” surge de una conversación telefónica que tuve con Dirk. Hablábamos de nuestra futura actuación en Up The Hammers (2019). Le dije que estaba feliz de tocar finalmente con Armored Saint. Él dijo: “¿De qué cojones estás hablando? Tocamos con ellos en el Sundance». Le dije que cómo había podido olvidar aquello y me envió el setlist encontrado en setlist.com. Fue en 1988, por alguna razón hay muchas cosas de los días de Hittman que no recuerdo, así que, inmediatamente escribí una canción al respecto. Por eso la primera línea de la canción es “Marches with Saints, Warnings of Fate” ya que tocamos con Armored Saint y Fates Warning. De estos últimos tengo algún recuerdo pero de Armored Saint me olvidé por completo. DIRK: “1000 Souls” surgió de un correo electrónico que intercambié con un fan de Croacia. Me dijo que era un gran fan de la banda desde el principio, antes de reunirnos y grabar el nuevo disco. Despidió su correo electrónico con la frase «si considerais volver y tocar en directo, os aseguro que estaremos con vosotros 1000 almas» Como dije, me encantó el álbum, para mí el mejor álbum de heavy metal / HR del año. ¿Cuál es esa canción especial del álbum para vosotros y por qué? ¿Ha recibido suficiente reconocimiento? JIM: Las quiero a todas, así que es difícil decir cuál es más especial. Me alegro de que dos de nuestras canciones más antiguas estén finalmente en un álbum. Son «Out In the Cold» y «Code Of Honor», ambas grandes canciones que no se grabaron en su día. Reconocimiento, bueno, sería mejor tener más reconocimiento, pero estoy feliz de que tanta gente haya puesto nuestro álbum en sus tops de 2020, por lo tanto, estoy agradecido por la cálida recepción que ha tenido el álbum. DIRK: Sí, es imposible elegir uno. Todo el álbum cuenta en global, me encantan todas las canciones. Hemos recibido críticas increíbles, la prensa y los fans han respondido maravillosamente con nosotros, así que, ¿qué más podríamos pedir?. Álbum musicalmente muy variado, con una distribución clásica de canciones, con temas de heavy metal potente, otras más melódicas, suaves y hardrockeros

además de un puntito progresivo. Contadnos sobre el proceso de composición. JIM: Me senté en mi estudio a escribir e hice algunas pruebas de las canciones, se las envié a Dirk y metí su voz para luego trabajar en los arreglos. Al poder grabar todo yo mismo, excepto una buena voz, me gusta darle más forma antes de enviárselo a nadie. Esto para canciones que escribo por mi cuenta, hay otras en las que colaboran más miembros. DIRK: Todo lo empezamos Jimmy y yo. Escribimos por separado tal y como él ha contado. El proceso fue muy orgánico. Disco cargado de buenos mensajes, nostalgia, positividad e incluso luz. ¿Tenías intención de esto? ¿Quién se encargó de las letras? JIM: Yo escribí las letras de mis canciones y Dirk escribió de las suyas. Abarcan desde sentimientos personales, políticos, hasta piezas de ficción. No tenemos una temática central en el álbum. Solo queríamos hacer un álbum de metal. DIRK: Exactamente lo que dijo Jim. La idea era escribir un álbum de metal llamativo. Líricamente nos entendemos muy bien. Parece que ya no gustan este tipo de mensajes positivos en el metal. ¿Qué pensáis de esto? JIM: No todo es positivo, claro está, hablan más bien sobre luchar contra el mundo tal como es y luchar por las cosas positivas. Ya tuve mi ración de ese metal encabronado durante tres décadas. El metal que me gustaba luchaba contra el mal en lugar de tratar de ser malvado, Dio, es el ejemplo perfecto en «Stand Up and Shout», las letras de Rush con muchas historias geniales, con buenos mensajes allí. Perder a Neil Peart este año fue desgarrador. Cuando el thrash se convirtió en la gran fuerza del metal a finales de los 80, se trataba más el horror, la muerte, la violencia, etc… Cuatro décadas después no ha cambiado mucho y yo no me ubico allí. Ya casi no sorprende hablar de esas cosas y yo ya no soy un adolescente al que le guste la sangre y el horror, me interesan más las ideas, la observación, la introspección, la conversación, la narración de historias más que el valor del impacto. DIRK: Nunca me han gustado las letras violentas o desagradables, me gusta ver la belleza en las palabras. Los mensajes positivos son importantes ya que la música mueve a las personas y creo que tendemos más a eso. La historias de fatalidad y tristeza me aburren. Noto a la banda supercompacta , tanto en la base como en la comunión de guitarras con memorables duelos de solos. Me ha llamado especialmente la atención el gran registro vocal. ¿Algún secreto Dirk? Mantienes un estilo muy personal sin nada que envidiar a Tate, Dickinson o Dio, las grandes voces del metal. JIM: Que conteste Dirk. DIRK: Bueno, sabes que todos tenemos nuestras influencias y sabes que esos tres tipos son sin duda mis favoritos junto a Ian Gillan y Klaus. Al final todos nos convertimos en copias o caricaturas ¿no?. Verso ,estribillo, grito, verso, grito, estribillo, grito, estribillo y puente. Qué dice la canción, cómo me hace sentir y hacia dónde me NUM. 81 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 19


lleva hasta culminar en un momento emocional es lo que importa. Cuando meto esas notas altas en el momento óptimo es cuando son impactantes. Dirk, ¿en algún momento te molestó esa comparación con Tate? DIRK: No, me parecía un piropo. Es como decirle a una chica que se parece a Bridget Bardot o Sophia Loren, es halagador. Lo único que te hace sentir bien es saber que estás siendo tú mismo, si no crees que lo estés siendo es momento de buscar y encontrarte. ¿Cambiaríais algo del pasado? ¿Qué queda de esos «Backstreet Rebels»? JIM: La lista de lo que cambiaría sobre el pasado es demasiado grande para cubrirla aquí, jejeje. De los “Backstreet Rebels” no queda nada, ese tema trataba sobre mí y mis viejos amigos que estaban en el comienzo del heavy rock y metal underground, antes de que el metal se convirtiera en algo tan importante a mediados de los 80. Vimos a Metallica abrir para Venom en 1982, y les vimos tocar para 15 personas en la gira «Kill Em All». Así que “Backstreet Rebels” era una dedicatoria a esos fans que no estaban interesados en el rock convencional y se movían en el metal underground. Hay muchas bandas jóvenes que intentan emular el estilo de antaño. ¿Qué piensas de ellos? JIM: algunos de ellos son realmente buenos. Wytch Hazel o Night Demon son geniales. Vimos muchas bandas jóvenes geniales en los shows de Keep It true y Up The Hammers. Me gustan mucho Flying Colors, no tan jóvenes pero sí más recientes. Sons of Apollo y la mayoría de los proyectos de Mike Portnoy son increíbles aunque ahí ya hay más tipos cercanos a mi edad. DIRK: Yo no puedo dejar de escuchar a Wytch Hazel. Los amo, suenan frescos, emotivos, clásicos pero nuevos a la vez. ¿Tenéis planeado tocar en directo? ¿Algún recuerdo de gira? JIM: Nunca llegamos a hacer una gira como tal, a excepción de esa de 1993 por Alemania, que fue muy divertida. Nos gustaría tocar en festivales. Creo que tenemos que tocar ante esas audiencias más grandes que no nos conocen para que podamos crear una mayor afición por

la banda. No me opongo a hacer giras, pero creo que necesitamos más popularidad. Me encantaría tocar en España. DIRK: Bueno, tocaremos cuando y donde podamos cuando se levanten las restricciones. Nos encantaría tocar en España, mi hermana fue a la universidad allí y pasé mucho tiempo allí a principios de los 80, es hermosa y me encanta España. ¿Qué opináis de los hábitos de consumo musical actual? JIM: No soy muy partidario y creo que está matando el negocio de la música. Se está devaluando la música hasta el punto de que nadie quiere pagar por ella. Llámame old school, pero no hay nada mejor que poner un álbum completo de una banda y sumergirte en todo su arte. Ese negocio de playlists está bien, todo el tema del streaming, es ahora lo normal, pero a mi me la suda. DIRK: Así son las cosas ahora, quiero decir, soy culpable de consumir música en streaming como cualquier otro, pero solo uso Apple Music, por la que pago. Sé que son un poco mejores pagando a los artistas. En general, sigo pensando que es precioso tener en tus manos un cd y disfrutar de su artwork mientras escuchas la música. Una duda tonta, perdonadme. Soy bastante viciado de los videojuegos y veo demasiadas coincidencias entre vosotros y la saga Hitman. Además del nombre, habéis dedicado algunos temas a superagentes o asesinos, el punto de mira en el logo… ¿Qué relación tenéis? JIM: Hemos tenido ese punto de mira como parte de nuestra estética desde 1985. En todo caso nos estarán copiando. Dirk: Bueno, esas historias y películas fueron escritas por un tipo llamado Skip Woods y si no me equivoco es bastante aficionado al metal. Se habrá tomado algunas libertades de coger esto de allí y esto de allá… Por ir cerrando, ¿cual es vuestra postura frente al Covid?. Cada vez se conocen más datos y nacen nuevas opiniones, algunas conspiranoicas. JIM: ¿Conspiración? No. Es una enfermedad transmitida por el aire que es una hija de puta, impredecible, cambiante y peligrosa. Como la polio, la peste negra o la gripe española lo fue antes. Malas noticias que me cuesta creer que sea algo creado por el hombre.

DIRK: Bueno, una gilipollez no es. En los Estados Unidos tenemos una buena cantidad de teóricos de la conspiración, personas que necesitan un loquero. Crean confusión y dudas, son idiotas, que si La Tierra es plana, etc… ¿Quién tiene tiempo para esa mierda? Ahora somos cerca de nueve mil millones de personas en un planeta muy pequeño que absorbe todos los recursos y que estamos arruinando. Es solo cuestión de tiempo que nos autodestruyamos si no encontramos una mejor manera de tratarla y respetarla, mientras tanto habrá más plagas, más movimientos sísmicos y más tsunamis. Nunca antes había oído hablar de un pangolín y ahora me entero que en varios países se los comen. Los humanos son lo peor de este planeta y deberíamos usar mejor nuestra inteligencia. Fuera caretas, ¿Qué artista mainstream odiáis por encima de todo y de cuál disfrutáis en secreto? JIM: Cualquier cosa nueva y mainstream no me interesa. Me gustan muchos tipos diferentes de música, pero la basura que está en el top 40 de Billboard es insufrible, lo siento. Bueno, no lo siento. DIRK: No presto ninguna atención a los artistas cuya música se crea en un ordenador, con voces irreales y procesadas hasta conseguir el tono perfecto además de esas baterías cuadriculadas y artificiales. Lo bonito de la música es su naturaleza orgánica, y deberíamos usar la electrónica como apoyo. Ahora todo está infestado de gente sin talento dándoselas de superestrellas sin ningún mérito. Estaría lanzando preguntas sin parar, pero hay que despedir. Un mensaje para los lectores de Necromance. JIM: Cuidaros ante esta horrible situación del Covid, y… comprad una copia de «Destroy All Humans» jeje. DIRK: Gracias a todos y cada uno de vosotros, está siendo increíble estar de vuelta y os estamos muy agradecidos. Cuidaros y respetad las reglas para que recuperemos la humanidad entre todos. ¡Muchas gracias y buena suerte! [ SCHEITAN ]


OCEAN GATES

Desde el Norte de España, Galicia, nos llega el debut de homónimo de OCEAN GATES, donde un rock con tintes de occult y doom embadurna cada uno de sus cortes, cargados de misticismo y un sabor clásico setentero. Desde Necromance Magazine nos pusimos en contacto con ellos para conocerlos un poco mejor. Primero agradeceros que atendáis a esta entrevista y, en segundo lugar, vamos a conoceros un poco más ¿Cómo surgió la idea de crear OCEAN GATES? ¿y vuestro nombre, a que hace referencia? Hola Juán! En primer lugar, gracias a ti por la entrevista. La idea de crear Ocean Gates surge en Diciembre del 2017 a lo largo de una gira de Looking for an answer con Napalm Death por la península; durante la misma Moya (Batería y con el que también comparto banda en Inerth) me planteó seriamente la idea de hacer una banda de rock con Nuria (ex Deadmask) y venirse a ensayar a Galicia desde Madrid. Su entusiasmo me contagió y rápidamente contacté con Mito (Window Pane/Holywater) y Rubén (ex Ursus) para que se unieran a las guitarras y completar la formación de la banda. Viniendo Moya a ensayar desde Madrid, procurábamos tener un tema preparado para cada ensayo que fuese posible programar, y en cuanto tuvimos el material suficiente grabamos una demo nosotros mismos en el local y de ahí ya al estudio. El nombre apareció meses después de empezar a grabar el disco, con todas las canciones ya terminadas se nos ocurrió que «Ocean Gates» evocaba el ambiente que surge del sonido y las letras. Las pinturas surrealistas oceánicas de Beksinski y la orografía y particularidades de nuestra tierra fueron una gran inspiración.

realizado y que es lo que habéis querido mostrarnos con él? El artwork es un diseño de Alejandro Tedín (Heresie Graphics) quien también fue el encargado de editar el disco a través de su sello Boomland Records. Tras escuchar el disco completo nos envió diferentes ideas inspiradas en la música y letras, de las cuales elegimos una para la portada y otra para el diseño interior. A partir de ahí se fue fraguando el resto del diseño y para la contraportada elegimos una foto rollo Ramones que nos hizo Brais Gen en el exterior de nuestro local. La torre representa la idea de cambio radical y destrucción de la ilusión que aparece a lo largo de todo el disco. Esa vieja imagen de la actriz Theda Bara nos pareció simbólicamente poderosa y compatible con nuestro concepto.

“Ocean Gates”, es vuestro debut y tras haberlo revisado, presentáis una propuesta repleta de rock, occult y tintes doom ¿Cuáles han sido vuestras influencias para crear vuestro estilo? ¿Cómo veis este género en España, puesto que no hay tantas bandas que lo realicen, quitando algunas del Sur como GRAJO o HELA, pero son más metaleras y oscuras? Ferrolterra, el viejo Doom Rock, The Stooges, el Punk, las crisis económicas, la noche, el rock de los 70’s, la NWOBHM, el mar, Alice Cooper Group, Blue Öyster Cult, la psicodelia y el garage de los 60’s, los naufragios , Baudelaire, los gatos, las sombras, Celtic Frost, Roy Harper, la gente que vive al margen y muchos de los grupos que aparecen en la lista de agradecimientos del «Forest of Equillibrium» de Cathedral. No estoy muy al tanto de grupos haciendo algo similar a lo nuestro ahora mismo. Son muy buenos Electric Monolith de Barcelona que también tocan un estilo muy setentero, pero diferente al nuestro. Me gustan mucho Mohama Saz y Proscrito aún siendo muy diferentes a nosotros y entre si. Grajo me recuerdan a Acid King, lo poco que escuché me pareció que estaba muy bien y en cuanto a Hela lo siento, pero nunca los he escuchado, me hago cargo!

Si tuviera que destacar algunos temas para que me hablaseis de ellos serían, “Night Shift”, “On The Way Out”, “Beyond The Veil” y “The Curse”, ¿Cuál ha sido el más complejo de darle forma? ¿Sobre qué versan vuestras letras?”The Curse”, tiene un toque ACCEPT a lo “Princess Of The Dawn”, que ya os lo habrán dicho, casualidad u homenaje? Night Shift habla de la noche; de trabajar en horario nocturno y de la nocturnidad como forma de vida. Es un tema influenciado musicalmente por Blue Oyster Cult, el primer disco de Masters of reality y los primeros singles y discos de Iron Maiden (80-81). Beyond the veil es un viaje esotérico de transformación personal a través de la psicodelia de comic de los primeros Monster Magnet y sus múltiples referencias a las oscuras bandas de los 60’s y 70’s. The Curse es un tema sobre degeneración familiar que intenta homenajear a E.A. Poe y a la Alice Cooper Band conjurando “La caída de la casa de Usher” y el “Killer”. La referencia a Accept ha aparecido en diferentes reseñas del disco, y aunque algunos en la banda somos fans del “Restless & Wild”, el propósito inicial del tema era rendir un humilde tributo a temazos como “Black Juju” o “Halo of flies”. La parte en concreto que se parece a “Princess of the dawn” en realidad está inspirada en “Glass Onion” del “White Album” de The Beatles. Otros amigos me han dicho que se parece

Vuestro artwork, tiene un aliciente fantasmagórico, con un toque de cine clásico y un misterioso torreón que flota en un pequeño islote como un faro espectral ¿Quién lo ha

Ya que no me ha llegado información de vuestra grabación y trabajo de estudio, ¿Dónde lo habéis grabado? ¿Cómo ha sido el proceso de grabación?, ¿algunas anécdotas que podáis contarnos? La grabación se realizó en directo, tocando todos juntos en los Estudios Treboada de A Coruña con Paco Liaño a los controles. Tras añadir las guitarras solistas, las acústicas y las voces nos llevamos la mezcla a los Mpire Studios de Madrid, donde Javier Ustara mezcló y masterizó el disco de manera magistral.

a Orion de Metallica, bueno está bien, esos juegos y referencias son parte de la gracia del rock n roll. No sé si seréis de tradición antigua y seguís comprando cd o estáis sujetos a la era digital. ¿Cuáles son los últimos cd físicos que habéis comprado? Podríais decirnos 3 grupos nacionales/internacionales a descubrir o que queráis recomendarnos. Realmente el formato favorito de todos los miembros de la banda es el vinilo con diferencia. Aunque todos seguimos comprando también CD’s en mayor o menor medida y lo mismo con las plataformas digitales, todos las usamos al final. Los últimos 3 CD’s que me he comprado fueron Iron Butterfly “Heavy”, Muddy Waters “At Newport 1960” y The Cramps “Psychedelic Jungle”. Los últimos vinilos: Sir Lord Baltimore “S/T”, Steel Mill “Green eyed god” , Coil “Scatology” y “Horse Rotorvator”, Paul Chain/Wino split y sendas reediciones de Led Zeppelin “III” y “IV”. Internacionales: Orodruin, Saturnalia Temple, Octopus. Nacionales: Electric Monolith, Mohama Saz, Proscrito. Y, por último, en este momento tan complicado que estamos viviendo con todo el tema del coronavirus, ¿Cómo os ha afectado como banda? ¿Cómo creéis os afecta el sacar el álbum en este duro proceso para la cultura y la música, aunque estamos en las vísperas de mejoría global? A la banda el inicio de la pandemia le cogió con la grabación recién terminada, pensando en un nombre para el grupo y empezando a buscar sello. Justo cuando estábamos a punto de tirar la toalla y colgar el disco íntegro nosotros mismos en las redes contacté con Alex de Boomland Records, que por las aciagas fechas de inicio de pandemia iniciaba valientemente la andadura de su nuevo sello y tienda online. La conexión personal, musical y conceptual fue total y este pasado 5 de Octubre el disco debut de Ocean Gates pudo finalmente salir a la luz. El camino se hace andando. Nuestro mayor deseo ahora sería poder presentar el disco haciendo unos cuantos conciertos por la península y fuera de ella, pero debido a la situación se antoja harto imposible, ni siquiera podemos ensayar al vivir Moya en Madrid. Por lo tanto, la idea a corto plazo es empezar la composición de un segundo disco mientras tratamos de darle salida a nuestro disco debut en estos tiempos oscuros para la cultura. Muchas gracias por atendernos y os dejo las últimas palabras a vosotros, un placer haber podido hablar con vosotros desde Necromance Magazine. Muchas gracias a vosotros por la entrevista y por apoyar la música! Salud! [ JUAN ANGEL MARTOS ]

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FAVNA ABISAL Formados a finales de 2008 en Santiago de Chile, FAVNA ABISAL, son de esas bandas de las que no conocía nada, pero que ha bastado un EP como este “Argonautas” para haberme dado la vuelta a la cabeza y haberme convertido en fan irredento. Un álbum en 2012, “Rerum Imaginaria”, un single, un laaaaargo periodo de inactividad y ahora, en septiembre de este año, lanzan el EP “Argonautas”. Y digo laaaaargo, porque con una banda así, un día sin su música es una condena.

Buenos días, buenas tardes y buenas noches, gentes de FAVNA ABISAL. Antes de nada, pregunta obligada en este año tan cabrón, ¿todos bien, tanto vosotros como vuestro círculo cercano? ¿Sin novedades con el Bicho (COVID)? Hola Cesar, Daniel por acá (voces). Un gusto poder saludarte, afortunadamente todos bien y sin novedades frente a la pandemia. Obviamente nos ha afectado como banda en torno a las presentaciones en vivo y a la pro22 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 81

moción de nuestro EP, pero fuera de eso, sin dificultades gracias a Poseidón. Espero que para ti y los tuyos ande todo bien. Contadnos un poco, para los que no os conozcan, quienes sois y de dónde sale la banda, así como el origen del nombre (y sobre todo esa V). La banda se forma en Santiago de Chile, por allá en el 2008 , como una idea de realizar música libre, sin restric-

ciones, pero con la tarea que las canciones tuvieran fluidez entre sus elementos. Por nuestros gustos musicales, se generó un hibrido de rock progresivo setentero, black metal, trip hop, doom metal y romance old school en español (Raphael, Nino Bravo, etc). El nombre viene a partir de las visitas que hacíamos a un bar que estaba cerca de la sala de ensayo de ese entonces. El local tenía grandes ventanales que daban a la calle, por lo que siempre estábamos en exhibición, “como una pecera” conversamos


una vez. Esa idea nos quedó dando vueltas en torno al mar y entre cervezas y cervezas llegamos al tema de la fauna abisal. Estos seres monstruosos llenos de luces que viven en la oscuridad. Nos gustó el contraste, la luz en la oscuridad que encaja bien con nuestro sonido. En pro de no hacerlo tan obvio, reemplazamos la U por la V. Lleváis desde 2008. Cuatro años hasta la publicación del álbum, un single y luego un parón de unos cinco años. ¿Qué ha pasado? Empezamos a crecer y a tener responsabilidades, una mierda. Un par de integrantes se convirtieron en padres, otros comenzamos a trabajar y todo eso. Los tiempos para ensayar empezaron a escasear y la libertad que teníamos para componer se fue debilitando. Intentamos retomar esa esencia con integrantes nuevos pero no fue posible, y por eso decidimos dejar el proyecto en pausa. Afortunadamente hoy estamos con estabilidad y con las cosas más claras respecto a lo que queremos. Nos ponemos metas a corto plazo, y eso nos ha funcionado bien. ¿Cuáles diríais que son vuestras principales influen-

cias? Porque se pone la etiqueta de avant-garde cuando algo se sale fuera de lo común y en este caso, sí, sí hay cosas de ARCTURUS, pero muchas veces las etiquetas más que ayudar, confunden aún más. ¿Cómo os definiríais vosotros mismos? Sin duda Arcturus es una tremenda influencia, sobre todo en la época dorada cuando Garm estaba en las voces. Toda esa camada de bandas novedosas dentro del black metal nos llamaban la atención (Ulver, Ved buens ende, Code, Enslaved,etc) y paralelamente, estábamos muy conectados con bandas clásicas como King Crimson, Yes, Pink Floyd y Los Jaivas. Siempre tenemos dificultades para definir el sonido de Favna, una vez nos catalogaron como la banda sonora del señor de los anillos pero con la voz de Plácido Domingo, otros como post black metal, etc. Si bien Avant-garde metal es más práctico, cuando alguien nos pregunta ¿Y que estilo tocan? Por lo general es complicado para nosotros dar una respuesta. ¿Cómo funciona el proceso compositivo dentro de la banda? ¿Cómo se arma un tema cualquiera? ¿Unas líneas generales y luego se van añadiendo cosas? ¿Una

idea brillante, alguien que viene con todo el tema ya compuesto? ¿Primero la música y luego la letra? Hemos probado distintas formas de componer. Desde hacerlo todos juntos en la sala de ensayo hasta maquetear en un homestudio. En general las ideas vienen de la guitarra de Ivan o del sintetizador de Eliseo a la que se le agrega ritmo. Antes hacíamos temas con muchas partes, creo que hoy hemos simplificado ese proceso. Respecto a las letras, me es mucho más fácil conectarme con la emoción transmitida en el tema que escribir de la nada, por lo que siempre la lírica viene después de la música. Contadnos un poco, después de ese parón desde “Progresión Geométrica” (2015), volvéis con este “Argonautas”. ¿Qué nos podéis contar del EP? El EP consta de 3 temas que quedaron a medio armar con la primera formación de la banda. En un recital que fuimos Eliseo (sintetizadores y arte), Ivan (guitarras) y yo, conversamos que sería entretenido retomar. Comenzamos a armar las maquetas del EP en mi homestudio hasta que estuviera listo para ser llevado a la sala de ensayo. Se sumó Alejandro en guitarra, Marlene en bajo y Cristhian NUM. 81 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 23


en batería. Desde el primer ensayo todo fluyó de manera rápida, así que en 4 meses ya estábamos grabando con Andrés, nuestro ex batería, y luego mezclamos y masterizamos con Carlos Fuentes de Sonido Origen. La verdad todo salió rápido y sin mayores dificultades. Fue un proceso relajado, lo cual como banda valoramos harto. El EP yo lo veo como una especie de cortometraje, que narra la odisea de una embarcación que se ve enfrentada a momentos a la duda y a la incertidumbre, que pasa por episodios de desesperación, miedo y locura. ¿Algún tema en concreto del EP que queráis señalar o comentar? Mi favorito es Inmersión inexacta, siento que transmite tensión, intensidad y misterio, elementos que personalmente busco en el arte en general. ¿Hay una recurrencia de temas relacionados con el mar? ¿El nombre de la banda, este “Argonautas”, “El Juicio de Aronnax”, “Rey Abisal”? Totalmente, intento incluir términos o nombres vinculados a lo marino en el título de las canciones porque esa es nuestra fuente de inspiración. El mar representa para mi la forma en que se movilizan las emociones, es fiel reflejo de lo dinámico e impredecible que pueden ser las personas. Por otra parte, es un ambiente misterioso, que siempre puede sorprender. Favna Abisal es eso, un misterio impredecible. Después del “Argonautas” ¿qué planes tenéis en mente? ¿Habrá nuevo álbum para 2021? No sé si estará para el 2021 ya que todo depende que pase con la pandemia. En chile tenemos toque de queda a las 22 horas y los fines de semana está prohibido juntarse, las salas de ensayo no funcionan, etc. Estamos en un proceso de juntar ideas, con el objetivo de llevarlas al 24 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 81

ensayo y comenzar a ordenar, descartar, pulir, etc. Tenemos la intención de armar un álbum de 7 canciones, ya veremos que nos depara el destino. ¿Qué tal es la escena en Chile? ¿Dónde encajáis vosotros en dicha escena? ¿Y la perspectiva como músicos, hay apoyos por parte de organismos públicos, subvenciones, conciertos, etc…? Siento que estamos siempre a la deriva en nuestra escena. No somos metal puro, tampoco rock, y además cantamos en castellano. En general a los “bangers” chilenos no les gusta la música underground en su idioma. Creo que se debe a que en general la música metal en castellano tiene mala fonética, y eso genera rechazo. En nuestro país hay muchas, muuuuchas bandas y pocas opciones de difusión. Lo mismo para poder presentarse en vivo, salvo un local (El grandioso MIBAR), todo el resto cobra para que una banda pueda tocar, por lo que tener una banda en Chile, sacar discos y que te vaya bien, es una odisea. Afortunadamente la escena de acá ya lleva un par de años posicionándose en el extranjero, menos nosotros porque cantamos en castellano, y eso ha permitido que varias agrupaciones sean editadas por sellos europeos o de estados unidos, varias agrupaciones se han ido de gira,etc. ¿Alguna crítica más que hayáis recibido? ¿Cómo está reaccionando la gente ante el EP? Han sido positivas las críticas respecto al EP y eso siempre viene bien. Creo que hemos aparecido como en 5 webzines, considerando que enviamos casi 50 correos electrónicos, no es tan malo. Estamos súper claros que no somos una banda popular y que sea fácil de digerir, así que se agradece cuando alguien se toma el tiempo de escucharnos. La gente que se ha dedicado a escuchar el ep nos transmite la conexión con la aventura narrada y

sonorizada en el disco, eso es reconfortante. Una banda de referencia, un imprescindible en vuestra historia como músicos… Y puestos a decir, por las referencias a Verne, ¿algún libro que tengáis en especial consideración? En mi caso, las bandas de referencia para lo que se hace en Favna Abisal son Pink Floyd, Ulver, Radiohead, simplemente porque me gustan todos sus álbumes y porque me fascina la propuesta camaleónica y de constante cambio. Respecto a libros, “El Enano” de Pär Lagerkvist es como siempre imagino la música de Favna, algo totalmente inesperado y que te mantiene expectante. Muchas gracias por vuestro tiempo. Micrófono abierto para que saludéis, para mandar recuerdos, para animar a la compra de vuestra discografía… Primero agradecer el espacio y por sobretodo la reseña que hicieron de nuestro EP. Creo que es primera vez que alguien se conecta tanto con el trabajo de Favna, en lo sonoro, visual y lírico. Como banda nos emocionó mucho eso, asi que a nombre de tod@s les transmito nuestro agradecimiento. Dejo invitado a todos quienes lean ésta nota a darse el tiempo y el espacio de escuchar Favna Abisal. Probablemente a la primera o segunda oída no le agrademos, pero después nos quedaremos rondando en vuestras cabezas, como un barco naufragando en el océano. Nos pueden escuchar en spotify, ver nuestras hermosas apariencias en Instagram y Facebook. Si alguien desea el material en mp3 o wav con el arte, nos puede enviar un mail a favnaabisal@gmail.com y con gusto se lo haremos llegar de manera digital. [ CESAR LUIS MORALES ]


NETHER

Los veteranos músicos que componen NETHER dieron forma en “Between Shades and Shadows” uno de los mejores debuts del pasado año. Raw black metal con dosis melódica y old school justa para potenciar el atractivo en lo sonoro y expresar su visión del arraigo en lo visual. A pesar de la veteranía, este debut de la mano de los valencianos de Art Gates Records me generó algunas inquietudes como nueva banda que son, y que nos resolvió J, bajo y voz de NETHER. Bienvenidos a Necromance. ¡Gracias por la oportunidad de hacer esta entrevista! En primer lugar, ¿cómo estás viviendo el momento de incertidumbre actual? La incertidumbre actual no solo es problema para nosotros como banda, sino también para nosotros como individuos integrados en la sociedad, pero bueno, nos las arreglaremos. Se aprenderá la lección sobre cómo se debe y se puede combatir este tipo de pandemias. Como científico, estoy convencido de que sobreviviremos y una especie de vida normal regresará en pocos meses. Por favor, presenta Nether a nuestros lectores. En primer lugar, gracias por tus buenas palabras y gran reseña sobre nuestro álbum debut “Between Shades and Shadows”. Nether se creó en 2019, pero no somos una banda compuesta de novatos. P (guitarra) y yo tocamos en Signs of Darkness durante varios años y tras el parón de esta banda teníamos necesidad de volver a dar vida a ese black melódico con en que crecimos pero de una forma más cruda y agresiva. K (guitarra) tocó en Necrosis, una banda de black metal local y con B encontramos al batería que necesitábamos, también toca en High Inquisitor Woe, Escape y realiza sesiones para otras bandas. Los cuatro queríamos englobar ese enfoque musical mencionado junto a un concepto sólido dedicado a tratar al individuo que todos somos. Por eso decidimos trabajar con el árbol como pieza central. ¿Por qué Nether y por qué ese concepto? Un árbol como un individuo, tiene que mantenerse firme, tiene sus propias raíces y bebe de la tierra donde se encuentra. Para llegar a las raíces o al núcleo, debe buscar un portal de entrada. Este portal se visualiza en la parte inferior en la «h» del logo. El nombre de la banda, Nether, refleja nuestra la idea global, me refiero a la música, el concepto lírico y la portada del álbum en su conjunto. Sobre vuestro estilo, me sorprendió leer en la nota de prensa nombres como Mgla o Uada antes de escuchar el disco, y después de escucharlo pensar “Joder!

Esto es brutal, tiene mucho de old school en la onda ENTHRONED, DARK FUNERAL o BELPHEGOR añadiendo melodías. ¿Cómo autodescribirías vuestro estilo? Creo que la nota de prensa despista un poco. Por ejemplo, una banda como Uada es una buena referencia aunque nuestro sonido sea más brutal, agresivo y old school efectivamente. Los cuatro tenemos una base sólida del black metal de los 90 y nuestras composiciones están influenciadas por grandes nombres como Marduk, Dark Funeral o Dawn, pero también puedes encontrar algunos toques como dices del death de Belphegor o incluso algunos toques de black melódico griego a lo Rotting Christ. Así es como describimos nuestra música y así es como los fans y los críticos la han captado. Para nosotros es muy importante tocar la música con la que crecimos y con la que tenemos la mayor conexión. Háblanos de “Between Shades and Shadows”. ¿Cómo fue la grabación? ¿Qué importancia tiene para vosotros que alguien como Andy Classen remate la mezcla o masterización? Grabar un álbum es siempre un momento especial, es el momento en que la idea musical cobra vida. Todas las pistas, desde voces, guitarras, bajo y batería, fueron grabadas por P en el estudio de su casa, considero que hizo un gran trabajo. Finalizó el álbum con la ayuda de Andy Classen para encontrar ese toque brutal y agresivo que queríamos. Así que se puede decir que se juntaron dos tíos que saben cómo manejar bien los botones para crear el ambiente idóneo adaptando la música a todo el concepto. ¿Cómo surgió este interesante pero atípico concepto, para el estilo que tocáis? Desarróllalo para entenderlo un poco mejor por favor. El concepto fue creado por mí como letrista principal. Es un concepto que se basa en historias y vivencias personales. Me resulta más fácil escribir y construir un tema destilado de la vida cotidiana. Cada uno tiene sus propias raíces en la sociedad y, como tal, sus relaciones interpersonales. El árbol es el símbolo principal de esta

cotidianeidad cuyas raíces beben del suelo donde se encuentran plantado. Por eso el árbol está en la portada y por esta importancia, en el logo de la banda., ya te he comentado lo del portal de entrada debajo de la «h». La persona de la portada y la contraportada está deambulando, parece perdida en la naturaleza como símil de la sociedad. Todos somos personas que deambulan por la vida como si estuviéramos perdidos hasta que se presenta ese momento de volver a tus propias raíces personales, tu suelo. Para mí, personalmente, es uno de los conceptos más sólidos que he escrito. Las fotografías son del artista ucraniano Artem Gordienko y representan exactamente lo que queríamos del disco. Además, por primera vez trabajamos con fotos y no con dibujos como en nuestras bandas anteriores. ¿Crees que las temáticas clásicas del black están obsoletas? En absoluto. Las bandas de black crean su concepto lírico y musical desde la filosofía e ideas propias, conservándolo durante la mayor parte de su día a día. La temática clásica del black creó un fundamento y es la responsable de que el black metal represente hoy en día lo que es y sobre el que se construyeron muchas bandas. La primera mitad del álbum es más cruda y la segunda mitad más profunda y melódica. ¿Era vuestra intención para transmitir algo en particular? Pregunta interesante. No se hizo a propósito, seguro, pero es una interpretación correcta. La distribución de las canciones se creó mientras revisábamos sus mensajes y su fondo, y pensamos que esta distribución era la que más encajaba con nuestra idea. El álbum tenía que ser lo más fluido posible, llevar a los oyentes de la agresividad a partes más profundas y melódicas, sucede durante todo el álbum, no solo se siente esto en base a la distribución sino que cada canción tiene esta capacidad, a veces musicalmente y en otras líricamente. Cuéntanos sobre esa canción especial para ti y por qué. Para mí es «So All Adore Me». Es una canción intensa en NUM. 81 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 25


la que las partes vocales están al principio de la canción para potenciar la dualidad. Fue una idea de P y creo que funciona muy bien. Mientras grababa las voces de este tema, me contagié tanto de su intensidad que saqué todo lo que tenía, literalmente. Cuando escuches ”I will not return to the sun, so all adore me now!” entenderás lo que digo. Personalmente, es una de las canciones más intensas en las que he trabajado, y llevo en el black metal más de 25 años …

También aconsejo a todos que escuchen el álbum de la banda de pagan black metal Theudho. O el álbum debut de Serpent’s Oath, “Nihil”, lanzado a través de Dutch Soulseller Records. Un álbum donde colaboré al bajo, lo tienes que escuchar para rememorar el old school. Con todo esto ya tienes entretenimiento para un tiempo.

“La temática clásica del black creó un fundamento y es la responsable de que el black metal represente hoy en día lo que es y sobre el que se construyeron muchas bandas.”

Sin querer desmerecer al resto de la banda, que creo que sois un bloque muy sólido, por favor háblanos de B. ¿Es B de Bestia o B de Blaster (desintegrador)? Jaja. En serio, ¿de dónde ha salido este tío? B significa B, un batería de metal extremo con talento excepcional que proviene de una ciudad muy pequeña en lo que llamamos Hellgium. Estamos encantados de tenerlo en nuestras filas. Él le da a la banda una base muy sólida. También es capaz de ofrecer algunos patrones muy locos que se integran en las estructuras de las canciones a través de su interpretación técnica. Cada miembro de la banda tiene su lugar y eso nos convierte en un grupo de mentalidad fuerte. Aclaradas vuestras influencias musicales, cuéntanos sobre otras corrientes artísticas o filosóficas que os han influido. No soy muy artístico ni me inspiro en la filosofía, los libros ni la literatura de ninguna manera. Así que no puedo decirte más influencias además de las que ya he hablado. Me basta con mirar a mi alrededor … Creo que tenemos la misma edad, más o menos, y gusto por el underground y el old school. ¿Qué opinas de la nueva ola post-black? ¿Crees que el black metal está de moda? Eso es difícil de decir, la moda significa que a todo el mundo le gusta más o menos y en el black metal, no creo que esto pueda suceder nunca. Los que crecimos con el black metal, como nosotros, lo seguimos tomando como algo autentico. Es normal que aparezcan nuevas influencias también en el black metal y, para ser honesto, esto no es malo, ya que mantiene nuestra música favorita más fresca, si sabes interpretar a qué me refiero. Una banda como Harakiri For The Sky está trabajando en un material nuevo y guapo. La banda rusa Epitimia creó una obra maestra con su álbum “Allusion”. También los austriacos Ellende 26 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 81

[J] ofrecieron un excelente trabajo. Trabajar con los fundamentos del black metal y añadir algunos toques más personales, como banda, puede suponerte la etiqueta de post, avant-garde o experimental… ¿Qué me cuentas de vuestro fichaje por Art Gates Records? ¿Felices? ¡Sí lo estamos! Desde el principio el trato fue muy bueno, honesto, abierto y rápido, tal y como nos gusta. Son abiertos en su forma de trabajar y comunicarse, y eso nos da la confianza de haber encontrado compañeros de batalla. Su conocimiento de la escena es importante y gracias a esto estamos teniendo muchas reseñas y entrevistas. Eso es lo más importante, queremos poner a Nether en el mapa y con el trabajo de Art Gates Records lo estamos logrando poco a poco. Con suerte, podremos hacer una gira en el año 2021-2022 después de que la pandemia haya terminado. Ya recibimos algunas ofertas interesantes y esperamos que Art Gates Records impulse a Nether hasta el siguiente nivel. Belgica es sinónimo de crudeza y violencia para mí, con dos titanes, cada uno en lo suyo, como Aborted y Enthroned. ¿Cuál es tu opinión de la escena belga desde dentro? Aborted efectivamente es uno de los dos titanes, pero van por esa ruta técnica del death metal por la que rara vez camino. Por mi parte, estoy más interesado en la escena black metal, que en Bélgica es pequeña pero fuerte. Ya mencionaste a Enthroned, uno de los mejores de Bélgica, pero no olvidemos a Wiegedood y también a muchas otras bandas más pequeñas y menos conocidas que habría que mencionar. Por ejemplo, una banda como Gorath que irrumpió hace varios años, pero se separaron. F, uno de los miembros fundadores, está tocando en Wolven, Hemelbestormer, Entartung y Rituals of The Dead Hand. Huldrefolk, una banda que también se separó, debe ser mencionada. El batería Hammerman toca en Svartsyn (black metal sueco) en la actualidad. Saille o Thurisaz deberían ser escuchados y recomendaríamos sus últimos lanzamientos o Thronum Vrondor, que han fichado con el sello belga Immortal Frost Productions.

¿Qué sabes de la escena extrema española? Para ser sincero, no mucho, es vergonzoso lo sé. Debo decir que me gusta Cryfemal y su último lanzamiento “Eterna Oscuridad”, Noctem, también en Art Gates, publicaron un álbum impresionante titulado «The Black Consecration». Infertvm con su álbum «The Grimoires» ha pasado por mis altavoces al igual que «The Negationist» de Aeolian y «Els Sepulcres Blancs» de Foscor. Esto es lo que recuerdo así de primeras… ¿Qué quieres conseguir en el mundo de la música? Esa es una gran pregunta, con una respuesta muy breve. Queremos tocar la música que nos gusta y que llegue a la gente interesada en ella. Entramos en 2021. ¿Con que te quedas del 2020? Lanzo aquí algunos de los de mi lista personal de 2020 en metal extremo. Una banda de dark metal llamada Deathwhite hizo un álbum impresionante titulado «Grave Image», la mejor grabación 2020 para mí. Bandas como Gaerea con su «Limbo», Srd con «Ognja Prerok», Over The Voids con «Hadal», Havukruunu con “Uinuos Syömein Sota” son dignos de mención. Casi me olvido del álbum «Moment» de Dark Tranquillity y “Przeddzien” de Odium Humani Generis, “Fin de Regne” de Hyrgal y «The Impalement» de Impalement, 2021 pinta igual de bien con «For The Glory Of Your Redeemer» de Misotheist, «At Night We Prey» de Nightfall, Hån con “Breathing The Void” y Sinira con “The Everlorn”, creo que causarán impresión. Por último, para los seguidores de Necromance Magazine, ¿por qué deberían escuchar vuestra música? Nether es black metal agresivo, crudo pero melódico y con un toque de sentimiento de los 90. Así que todos los que estén interesados ​​en esto, por favor que escuchen nuestro álbum. Tómate tu tiempo para encontrar el núcleo, la esencia y entrar por el portal. ¡Manteneos fuertes y nos veremos en los escenarios muy pronto! [ SCHEITAN ]


BRAND NEW PUNCH Los italianos BRAND NEW PUNCH nos destrozaron el pasado año con su EP «Reburn», 6 temas de intenso Groove Metal que nos recuerdan a bandas como DEVILDRIVER, PANTERA, MACHINE HEAD y SEPULTURA y de este trabajo hablamos con Marco Stanzione.

Para empezar, resumidnos el bagaje de Brand New Punch ¿cómo se forma la banda? Antes que nada, gracias por el espacio, ¡muchas gracias! (en castellano, ndr). La banda arrancó en 2013, cuando yo, Gianni, Giovanni y Alfredo nos juntamos después de una serie de experiencias musicales pasadas, grabando algunos álbumes y tocando por Italia durante algunos años por separado. Después de pasar seis meses en el estudio escribiendo canciones, decidimos en abril de 2014 grabar nuestro primer disco “Invulnerable”, mezclado y grabado por Stefano “Saul” Morabito, en sus 16th Cellar studios en Roma. Luego hicimos muchos conciertos y presentaciones, participando en varios festivales underground y teniendo la oportunidad de compartir escenario con bandas legendarias como Necrodeath o Jinjer. En 2019, después de un parón por familia y trabajo (¡tenemos que pagar las facturas!), volvimos a escribir nuevas canciones y en 2020 las grabamos en Rude Studios. En julio de 2020 firmamos un contrato con el sello Cult of Parthenope y nuestro nuevo EP “ReBurn” se publica el 10 de octubre. ¡Y aquí estamos!

nuestras redes sociales es #insultolibero (#freeinsult), pero por ahora hemos tenido muchos comentarios positivos, ¡sin insultos! Jajaja. Crucemos los dedos para que siga así.

Desde que os escuché por primera vez he tenido la curiosidad de conocer el origen de vuestro nombre. Fue gracioso porque, como de costumbre, pasamos muchos días buscando un buen nombre para la banda. Esta es una de las peores cosas de Internet, me refiero, que siempre descubres que hay una banda en India o Sudáfrica con el mismo nombre que eliges!. Así que finalmente, después de dos meses, decidimos darnos un nombre que representara nuestra actitud y nuestra historia. «Brand New» porque era una experiencia nueva para todos, y «Punch» para la música, por supuesto.

¿En qué se diferencia de vuestro anterior trabajo, “Invulnerable”? Estamos orgullosos de “Invulnerable” ya que fue nuestro primer trabajo juntos, pero es un disco que nació en un momento equivocado, después de una dolorosa separación de nuestra banda anterior y lo terminamos con mucha prisa, así que hay 3 o 4 canciones de las que no estamos muy satisfechos. Lo primero que hicimos fue grabar una canción llamada “Fuck The Rush” en “ReBurn” jajaja! “ReBurn” nace sin prisas, tenemos nuestras familias, trabajo, y nos tomamos nuestro tiempo para que las cosas resulten más profesionales.

¿Cuáles son vuestras principales musicales y por que? Muchísimas bandas, tenemos la mente totalmente abierta con la música, pero básicamente compartimos nuestro gusto musical con algunos de los grandes de la escena metalera: Pantera, Sepultura, Slipknot y Machine Head. Somos realmente abiertos, por ejemplo, yo soy un gran fan de la escena gothic/punk de los 80 y 90. Alfredo y yo tocamos juntos en una banda de death metal hace 18 años (puta madre somos viejos!!!, en castellano, ndr). Gianni y Giovanni son más jóvenes que nosotros y por eso son más modernos, están más metidos en el metalcore, djent y música electrónica. Viví en España a principios del ’00 así que escucho muchas cosas en español: Rosendo, Reincidentes, Barón Rojo, Mago de Oz, Joaquín Sabina, mucho flamenco y también música celta gallega (me acuerdo como se habla!, en castellano, ndr), ¡Soy muy fan de Carlos Núñez! Publicasteis “ReBurn” en octubre, ¿cómo ha sido la acogida? Tenemos una actitud punk, nuestro hashtag mas usado en

A nivel personal, ¿con qué canción de “Reburn” te quedas y por qué? Creo que hay dos canciones que nos representan plenamente: «Love Like Quicksand», que es la canción más profunda y claustrofóbica que jamás hemos hecho. Lenta pero muy pesada, con una letra fuerte, es una especie de aliento para cuando sientes negatividad a tu alrededor, ¡así que levántate, resiste y lucha!. «L’estremista» es la única canción en italiano y está cargada de rabia, de rabia social. Básicamente es una canción contra todo tipo de racismo y discriminación, una canción política que no habla de política, es una canción sobre nosotros, la gente y nuestra rabia enfermiza contra los débiles, los últimos y los diferentes. “Scostumetal” es nuestro distintivo, la marca registrada de nuestro metal, ruda y llena de rabia. En italiano, «scostumato» es como “rude” en inglés o “deshonrado” en español!. Es un juego de palabras.

Sobre todo para los nuevos fans, ¿Qué les podéis ofrecer con vuestra música? Somos amigos antes que compañeros de banda y es algo que le queda claro a todos los que vienen a nuestros shows, somos una banda de directo y nos divertimos mientras tocamos. Musicalmente no podemos complacer a todo el mundo, por supuesto, pero nuestro material es honesto y representa plenamente lo que somos. ¿Cuál es el mensaje que BNP defiende sobre todo? Hay muchas historias en nuestras canciones pero básicamente nuestro mensaje es: «intenta descubrirte a ti mismo». La vida no siempre es sencilla, a veces es realmente dura y estresante. Tratar de ser honesto y sincero contigo mismo es un punto de partida necesario para vivir con dignidad y superar las dificultades. ¡Lucha, sé inteligente, sé listo y no dudes en pedir ayuda si la necesitas! Habéis firmado con Cult of Parthenope, ¿cómo surge la

oportunidad? Conocimos a Giulian durante el Cult Of Parthenope Black Metal Fest, tenemos mucho en común, somos del sur de Italia. Me quedé en shock cuando escuché por primera vez a su banda Scuorn, fue un soplo de aire fresco para la escena del black metal europeo. También somos amigos de otros miembros de la banda y de los chicos que tocan con South Of No North, otra banda de metal napolitana del roster de COP. Hablamos mucho sobre lo de trabajar juntos y finalmente decidimos firmar con el sello. Giulian también estaba feliz porque estaba impresionado por la evolución de nuestro sonido, y aquí estamos, ¡esperando que la pandemia termine tarde o temprano para poder tocar! ¿Cómo está la escena por el sur de Italia? ¡Podemos hablar de esto durante días! Creo que Italia ahora está pasando por un gran momento pero siempre falta algo, me refiero a la cooperación entre bandas sobre todo en las grandes ciudades. Vivimos entre Campania y Lazio y aquí hay una pequeña pero unida escena de metal, afortunadamente hay algunos clubs que dan a las bandas jóvenes la oportunidad de tocar y promocionarse. Nosotros realizamos un pequeño sueño de tocar con los legendarios Necrodeath hace un par de años, pero nuestro sueño es tocar en un gran festival en el extranjero … ¡tal vez algún día! Si pudieras hacer una gira junto a otras tres bandas, ¿cuáles serían y por qué? Un sueño imposible para mí: Type O Negative, Slayer y Black Sabbath. Porque son los mejores, simplemente los mejores. Nada que añadir, ¡sobran las palabras! ¿Cuáles son tus cinco discos favoritos y por qué? Por gustos y por la importancia en momentos de mi vida elegiré: Master Of Reality – Black Sabbath Bloody Kisses – Type O Negative Demanufacture – Fear Factory A Deeper Kind of Slumber – Tiamat Waiting For The Sun – The Doors Bandas como Metallica, Pantera, Slipknot o Machine Head son del gusto común de la banda. Alfredo, por ejemplo, es fan de Soundgarden, Nevermore y Zakk Wilde, pero como te dije antes, tenemos la mente abierta con la música. Para terminar, ¿algo que quieras añadir o decir a los lectores? Vamos a agredecer ustedes en vuostro idioma, muchissimas gracias por la oportunidad y esperamos de encontrarnos un día con muchas cervezas y hacer ruido con musica a todo volumen! [ DAVID DÉNIZ PLAZA ]

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PENNY MELGAREJO

Estrenamos sección, donde mostraremos a esos artistas ocultos, escondidos detrás, al fondo, en el background extremo. Ejemplo de perseverancia, PENNY MELGAREJO es un artista vallecano que lleva ya unos cuantos años trabajando la negrura como pocos, en las mazmorras del underground, donde locura, hedor y acero generan ese círculo vicioso como forma de vida. Lleva el death metal en las venas, por las que corre su tinta, tinta negra, como la misma muerte… Buenas Penny, bienvenido a Necromance, se que eres un tío muy ocupado, gracias por dedicarnos un rato. Háblanos de tus inicios, ¿Cómo y porque te aficionas a dibujar hasta llegar a convertirlo en la forma de ganarte la vida?¿Cuanto llevas ya en esto? Buenas! en primer lugar muchísimas gracias a vosotros por la entrevista. Sobre cuando empecé no me gustaría caer en el cliché que te sueltan los iluminados de la ilustración de «llevo dibujando desde los tres años» y cosas por el estilo. En mi caso empecé a dibujar porque en casa veía que a mis padres les gustaba el tema de la pintura y era lo único que realmente se me daba bien en clase junto con el inglés, así que supongo que lo potencié dibujando en todo lo que pillaba, trozos de papel, libros de clase, carpetas de colegas… cualquier cosa para esperar a que pasase la mañana en el colegio. Ya de más mayor hice diseño gráfico y fui a un curso de un año de comic / ilustración donde participé en Depende! mi primera toma de contacto con el mundo fanzinero y más tarde con Yakubi, otro fanzine de manga en este caso, de los pioneros en este país. Desde entonces he pasado por muchos estilos creativos, pero fue hace diez años cuando agarré un estilo algo más personal, en el momento en el que empecé a tatuar, y te diría que el estilo más característico que tengo ahora, es de hace unos cuatro años, que fue cuando pasé por una mala época. En ese momento por problemas de salud tuve muchos episodios de ansiedad, visitas al hospital, noches sin dormir, etc., una pesadilla de mierda. El caso es que cuando me empezaban a entrar los ataques me di cuenta que era terapéutico ponerme a dibujar y a entintar pero con un estilo radicalmente opuesto. como mis líneas de dibujo son bastante limpias, yo entintaba con plumilla en plan vieja escuela cargando y ensuciando todo el dibujo y de repente, gracias a esa ansiedad descubrí que había encontrado mi propio camino en la ilustración, así que podría decirse que sí, que en el mundillo de la ilustración con este estilo cuatro años y en el del tatuaje unos diez. Diría que por edad he llegado tarde profesionalmente a ambos mundillos, pero más vale tarde que nunca! Ilustrador y tatuador ¿Compaginas ambas como sustento? ¿Cómo te organizas? ¿Con cuál disfrutas más? Ambas me dan de comer. Es cierto que el tatuaje es mi fuente de ingresos principal, porque evidentemente, un tatuaje a nivel tiempo invertido en el trabajo / lo que vas

a cobrar, es muchísimo más lucrativo, pero la ilustración me da ese punto de desconexión y sobre todo, un extra a fin de mes y la oportunidad de trabajar en cosas distintas que también me gustan. A nivel de organización es complicado, porque si no estás haciendo una cosa, estás haciendo la otra y al final nunca tienes tiempo para nada personal, siempre andas metido en algún proyecto. Muchas veces tengo que obligarme a hacer un día de desconexión o lo que sea porque si no al final como todo, te puede llegar a quemar, así que hay que vivir en el filo un poco para poder cumplir con ambos trabajos y no bajar el listón. Sobre si disfruto más tatuajes o ilustración, pues sería como preguntarme si disfruto más con la fantasía o con el terror. Disfruto con ambos porque cada uno me ofrece una cosa completamente distinta. Ambas convergen en el blackwork del tatuaje, pero eso no siempre ocurre, porque en esta sociedad la gente aún sigue pidiendo tatuarse infinitos, frases de autoayuda y cosas de esas, pero vamos, que mientras me den de comer, no me quejo demasiado. Así que disfruto con ambas siempre que el trabajo merezca la pena y sea del rollo que yo hago. Perdona el descaro tío pero ¿Cómo de bien o de mal se gana uno la vida como ilustrador en España? ¡Uf! pues esa pregunta es de las que escuecen (no a mi, pero si a mucha gente, sobre todo a los que tienen que pagarte). Pues mal. La ilustración y el comic en este país siempre han estado bastante infravalorados. Se gana más como ilustrador pero evidentemente trabajando para el resto del mundo notas la diferencia a nivel económico. Yo trabajo con editoriales y grupos creativos del extranjero y te puedo asegurar que los precios que van a pagarte, como media suelen ser del doble de lo que se paga por un trabajo en España. De hecho, por poner un ejemplo, aquí en el mundo del rol llevan sin moverse apenas las tarifas de tamaños por ilustración casi desde el año 2002. Ahora se han empezado a subir un poco, pero por norma general en el sector del rol el precio que se paga en este país es mucho menor que el que cobrarías en el extranjero. Sin embargo en el mundo del metal, por portadas, logos etc, el tema va mejor. Yo creo que se nota cuando hay cuatro personas detrás que quieren un trabajo bien hecho o cuando hay una empresa / institución / editorial que solo ve lo que le vas a cobrar. Lo de siempre, cuanto más abajo más compenetración entre personas.

Long live underground! ¿Cuáles consideras tus marcas de agua en tus creaciones? Ese detalle que nunca falta y del que te sientes especialmente orgulloso e identificado y a la vez te diferencia del resto. A esta pregunta yo creo que te voy a responder con lo que me dicen a mi normalmente cuando ven mis trabajos. El nivel de entintado y de detalle por ilustración. Lo que hace característico mi trabajo con respecto al de otros estilos creo que es que intento seguir trabajando tradicionalmente y hacer que la tinta se convierta en el animal agresivo que ves encerrado tras las barras del lápiz. Me gusta ser extremadamente detallista, meter guiños a otras cosas y que te quedes un rato mirando el dibujo para ver entre los distintos entramados y que busques que cosas escondidas puede haber. Como detalle también te diría que siempre que puedo incluyo una gallina en mis dibujos. Las gallinas son animales malos, el enemigo final, y no es coña, si buscas en las portadas de mis fanzines seguro que encuentras alguna. Me siento especialmente orgulloso de seguir trabajando al estilo tradicional de toda la vida con sus pros y sus contras y creo que eso es lo que me coloca entre ese estilo que tenían en los años 70 / 80 y que ahora creo que hacemos tan pocas personas y sobre todo castigando el papel con unos niveles de tinta extremos. Soy un defensor a muerte del gran vacío que es la profesión de entintador, esa persona que hace que un dibujo brille como una supernova y en el que realmente nadie se fija, porque todo el mundo se queda con el dibujante. El entintador es una figura igual de importante que la del dibujante y la del colorista. La típica pregunta de nicho, cuya respuesta puede que entiendan solo unos pocos. ¿Cuál es esa herramienta, material, técnica o método imprescindible para desarrollar tu estilo? En mi caso, la técnica la estudio de todos los maestros que han pasado por la historia del comic de terror / fantasía / ciencia ficción e intento aplicarla a mis propias creaciones. Me gusta mucho utilizar modelos reales, como he hecho en algún juego de rol o incluso en la portada de algún disco y últimamente he encontrado el placer infinito de la técnica del fotomontaje y el encaje con mesa de luz, algo que descubrí que también hace el dibujante David Rubín pero con tableta digitalizadora. Creo que


cualquier herramienta que utilices es válida para llegar al final del viaje, siempre y cuando lo hagas propio y seas el dueño de lo que estás creando. Sobre materiales, sin duda los rotuladores calibrados. Pasé de la plumilla a esos rotuladores y los consumo como una señora del barrio de salamanca los rayos uva. De hecho en septiembre me volví loco para encontrarlos porque todos los padres de Madrid no se por que extraño motivo debieron pensar que comprar rotus calibrados para los crios que empezaban el colegio era la mejor opción y fue como buscar oro. Ni uno. ¿Quiénes han sido o siguen siendo tus referentes del arte ilustrado? Dime también alguno nacional. Sin duda alguna Wally Wood, Erol Otus, Brian Bolland o Frank Thorne por nombrar algunos. De los que están tiesos hace mucho, Dore y Durero. El grabado es algo que me apasiona y el grabado renacentista me parece algo sinceramente de otro mundo. Esa gente jugaba en otra liga. También me gusta mucho el trabajo de Zdzisław Beksiński y de H.R. Giger, evidentemente por lo perturbador de su obra y esa mezcla de material bio-orgánico que plasmaban en sus pinturas. Autores de ahora que me hayan influido también evidentemente Mark Riddick y en la creación de logos el maestro absoluto para mi es Christophe Szpajdel. Mis referentes nacionales son muchos, casi todos de la 1984 o de Creepy. Por nombrarte a algunos de los que más he aprendido, Auraleón, Josep María Beá o Altuna. Ya a tus espaldas una buena colección de logos y portadas. Háblanos de lo último que has terminado y si puedes en lo que estés trabajando actualmente. Ahora mismo estoy metido en unas cuantas guerras, pero lo último que he terminado en estos días ha sido el nuevo logo del grupo Storm (grupazo!), un dibujo para el cuarto número del fanzine de hardcore «Sin corte» de mi gran amigo Sete y una portada para un split de un par de bandas que va a sacar Labana Records. También está terminado y a punto de salir el juego de rol «España Caníbal» de Yo también soy un friki editorial, en el que he hecho la mitad de los dibujos y que va a arrasar!! Cosas en las que estoy trabajando actualmente: demasiadas creo yo jajaja. Bueno, en primer lugar voy poco a poco con mi nuevo fanzine que espero vea la luz en marzo o por ahi. Se va a llamar «Santificado sea tu nombre» y va a ser una recopilación de logotipos y dibujos de encargos de bandas que he ido haciendo durante este tiempo. También estoy haciendo unos cuantos dibujos para el fanzine de rol de Ivan Quiroga «La taberna del alegre Tom». Y actualmente estoy metido en un proyecto de rol muy cañero que está al caer que se llama «Go to Hell» del grupo creativo Walhalla. Es un juego que mezcla un poco el metal de finales de los 80, rituales, satanismo, lo que mola vaya, y aunque aún no puedo enseñar ningún dibujo aún, creo que está quedando candente. Metal, Rol, Finales de los 80. La combinación perfecta. Hay unas cuantas cosas más en el horno pero aún no me dejan hablar de ello. Se te vio recientemente en Dibumad, en pleno Ayuntamiento de Madrid. ¿Cómo fue esa sensación de salir de la mazmorra y mostrarte?¿Te sentiste desubicado?¿Que tal fue la reacción de los asistentes a un arte tan oscuro y violento? Debo decir que sí. Que al principio me sentí completamente desubicado porque lo que yo exponía y presentaba era como un agujero negro entre un montón de colorido, pero según pasaron los tres días me di cuenta que era necesario que hubiese algo de este tipo en una feria artística de este porte y tamaño. Hay que tener en cuenta que somos muchos los que consumimos arte expulsado directamente de la oscuridad y necesitamos que haya presencia de cosas que representen un poco la chunguez y lo feo de la sociedad. Había más gente por allí con


un estilo vinculado al que tengo yo, distintos aunque en esencia parecidos, pero la sensación fue buena. A nivel experiencia global desde luego que si tengo la oportunidad de nuevo repetiré. Las reacciones de la gente fueron de cine, había de todo. Desde los niños pequeños que se quedaban extasiados mirando lo expuesto, a gente que buscaba algo de Conan pero lo mío le parecía «demasiado oscuro» pasando por gente que ponía los ojos como platos y se largaban rápidamente. Recuerdo una pareja, que la novia miró, abrió los ojos y salió escopetada y cuando se dio la vuelta, su novio estaba parado en mi puesto preguntando que cuánto costaban los fanzines y llevándose dos. Al estar acostumbrado a exponer / presentar en terreno de gente que conoces, esto era un poco territorio comanche, pero un lujo haber estado allí, de verdad. ¿Cómo, cuándo o dónde considerarías tu meta profesional alcanzada? Lo tengo claro desde que empecé a dibujar este estilo. Mi gran tocada de techo sería poder ilustrar algo para Lamentations of the flame princess. Ese ha sido uno de mis objetivos desde el día uno y ojalá se llegue a cumplir. También sería increíble dibujar algo para Dungeon Crawl Classics. Aquí en España me gustaría mucho hacer algo para los grandes de Aventuras en la marca del este. En el mundo del metal, no creo que deba marcarme algo específico para llegar a alcanzar una meta profesional. Todos los grupos ofrecen algo y todo es rico según se mire, estén arriba o estén abajo. Mientras pueda seguir en la brecha yo estaré más que contento y agradecido a todos los que confían en mi trabajo. ¿Qué portada, de las que podamos conocer, te hubiese gustado crear? ¿Y logo? Has hecho diana con la pregunta, porque justo hace un par de semanas, hablando con Mel (mi novia) que es la que soporta todas las idas de olla artísticas que tengo y la persona más crítica con mi trabajo que conozco, le comenté que estaba pensando hacer con mucha calma, un nuevo fanzine con reinterpretaciones de portadas de bandas clásicas (y no tan clásicas) completamente a mi estilo. ¿Te imaginas la cabra y el logo de Bathory del 84 pero reinterpretado a mi rollo? pues eso es lo que estoy pensando en hacer ahora. Hay muchas portadas que ya son épicas y que me gustaría reinterpretar, que no sean iguales, pero parecidas desde mi punto de vista. Sería algo así como hacer un disco de versiones pero en ilustración, asique cualquiera de las que me hubiese gustado crear, probablemente estén ahí! Trabajas bastante del mundo del rol, ¿algo interesante de ese mundo que pueda interesar a un lector de Necromance? ¡Cualquier cosa! El rol y el metal han estado vinculados desde que existen ambos. Dungeons and Dragons fue 30 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 81

metido en el mismo saco del satanic panic en Estados Unidos cuando los retrógrados religiosos que campan por allí pensaron que jugar al rol era casi como invocar al mismo Lucifer y todo ese tipo de historias. Hay grupos que dedican toda su discografía o casi toda a temas de Rol. Gygax sin ir más lejos es el más claro ejemplo con un nombre que es directamente el de Gary Gygax, el creador del D&D, pero hay muchos más que beben de la temática como Visigoth, Sellsword y similares. De hecho podríamos contar bastantes bandas de black de los noventa que tienen nombres de criaturas o lugares de la tierra media, incluso haciendo otro estilo Cirith Ungol. A cualquier persona que esté leyendo Necromance estoy convencido que le gustará una partida de Dungeons and Dragons, de La llamada de Cthulhu o de Cyberpunk y de España Caníbal, por supuesto. Todo es probar, pero cuidado, que esto genera mucha adicción y Satán llama a la puerta según dicen! ¿Que es «Chosen soldier of the true cvlt»? Chosen soldier of the true cvlt es la marca de camisetas que inventé hace un par de años, con la que quería conseguir un poquito de dinero extra usando diseños exclusivos que volasen un poco entre el metal y el estilo que hago yo, pero al final por imposibilidad de tiempo, lo he dejado como mi segunda cuenta de instagram, con menos likes y menos seguidores pero con un contenido que es lo que realmente me motiva. Hay gente que se piensa que es mi nombre artístico o algo, pero en realidad fue la marca de la que a día de hoy he sacado tres camisetas y dos mascarillas para la nueva peste esta que estamos viviendo en estos días. Ahora ando preparando un par de camisetas nuevas, una para la presentación de «santificado sea tu nombre» y otra que va a ser del juego clásico Doom. Ando obsesionado desde hace unos meses (otra vez) con ese juego y lo único que veo para que se me pase el mono es hacer al menos una versión mía en camiseta. Que nadie diga que vuelven los 80 y los 90. ¡Es que nosotros somos los 80 y los 90 y nunca nos hemos ido! Hablemos de música ¿Qué genero o géneros y en que formato la sueles consumir? Cinta y vinilo básicamente. Si no queda otra y hay que apoyar al grupo y pillar un CD pues bueno, lo compraré, aunque en ese caso prefiero pillar algo de merch porque ya no tengo ni donde poner CDs aparte que no soy muy fan del formato. Que las bandas hayan empezado a sacar más cintas ahora a mi me motiva mucho, porque he vuelto a los 14 años en el que «el vinilo cuesta mucho pero tengo para la cinta» y a eso súmale el apoyar a las bandas todo lo que pueda. Normalmente lo que más consumo suele ir de la mano con lo que esté dibujando, pero por norma general Hardcore, Death Metal, Black y metal épico, que no power metal. Odio el power metal. También me gusta el rap de la vieja escuela rollo Public Enemy, Icet, Boogie Down Productions, el de ahora sinceramente no

me dice nada, y del trap y el reaggeton mejor ni hablar. ¿Cuáles son tus bandas favoritas? Dinos cual es para ti esa banda que todos tenemos latiendo y que pensamos «lo van a petar antes o después…» No tengo una banda favorita. Va por temporadas, porque lo que deja claro la discografía de las bandas es que igual te sacan un discazo y es la banda de tu vida y dos discos después se han calzado algo infumable que no le gusta a ni Dios. La banda que lo va a petar para mi lleva siendo desde el año pasado Frozen Soul. Esa gente es bestial y la prueba es que han firmado ahora con una de las grandes y probablemente vayan a petarlo más aún. Yo como persona rancia diré que me gustaba más lo primero y todo eso jajaja. Es broma. Hay mucho nivel ahora mismo entre los chavales y lo están petando, ahí tienes a Disagradablement, Bocc o Dentellada, que son cada vez mejores. ¡Ánimo muchachos, que no nos coman el terreno los poperos y los modernos! Y sobre bandas que me parezca que vayan a petar y tenga en bucle te diría que Three Knee Deep, Pain of Truth y lo nuevo de Mörk Gryning que me parece un bombazo brutal, aunque a estos no les hace falta petar nada ya porque son referente. Ese disco que compraste por su portada y resultó ser un truño, y viceversa. ¡Demasiados te diría yo! como ilustrador me entran por los ojos un montón de cosas que luego resultan darme en los morros para bien o para mal. «Thrall/Demonsweatlive» de Danzig lo pillé cuando estuve en Estados Unidos en el 93 porque la portada era de Bisley, que me mola mucho, y el disco me flipó. Por otro lado «Snappin` Necks de Stuck Mojo» lo pillé sin tener ni puta idea de quiénes eran, solo porque esa portada era de Dave Johnson y me pasó igual, me gustó bastante. Sin embargo, como buen fan del dibujante Todd Mcfarlane cuando salió el segundo disco de Korn, que lo ilustraba él, lo pillé y el disco no vale ni para posavasos. Un disco con portada fea, pero que luego me pareció muy bueno fue el de los japoneses Doggy Hoodz. Y le pese a quien le pese, con las portadas de Meat Loaf he picado, pero nunca me ha gustado su música excepto dos o tres canciones. También haces tus pinitos como vocalista, háblanos de esa faceta y aprovecha, promo gratis!! ¡Pues si! estoy en varias bandas con Yanko, un gran amigo mío de Knuckle Records que siempre me lía para cualquier proyecto, y actualmente estamos en Segundo Impacto, una banda de Beatdown Hardcore del que tenemos en bandcamp colgada una raw demo y en breve presentamos en CD un split con 6weapons y varias bandas más, y créeme, va a ser, un poco para ponértelo y destrozar a hostias medio salón o tirar los muebles por la ventana o liarla donde te pille que estés. También tengo un proyecto de Dark Dungeon Synth que se llama Death Pit Cvlt con un portadón de mi gran amiga Vomitive De-


composition, y es un poco banda sonora de juegos de rol oscuretes, con guitarras blackmetaleras de Yanko y hecho todo con un teclado, samples y loops. Imagino que echas mucho de menos los conciertos, como todos nosotros. ¿Vas habitualmente? ¿Cuál recuerdas especialmente? Pues ayer mismo lo estaba hablando. Se echa muchísimo de menos, ya no solo los bolos, también el ambiente de la peña de nuestro rollo, el viajar e ir escuchando a la banda que vas a ver etc., . Si el tema estaba un poco parado antes de la pandemia con tanta música comercial y tanta basura en cadena que vemos y oímos, ahora mismo todo está en la mierda. La cultura no comercial, la música y casi todo el tema artístico que no sean los grandes comebolsas de la industria ha sido violado, hundido y enterrado, pero tengo mucha fe en que como buenos zombies, vamos a volver a salir de nuestra tumbas! A bolos siempre voy cuando puedo y el tiempo me lo permite, y de festivales también, sobre todo a los del extranjero, pero vamos, si puedo voy, apoyo comprando algo al grupo… Recuerdo muchísimos la verdad, pero del que me voy a acordar toda la vida cada vez que me mire la cicatriz de la rodilla es del bolo de Kickback en Barracudas. Estaba yo en el moshpit dando cera (y recibiéndola) y de repente me petó el tendón rotuliano. Seis meses de baja hasta que pude empezar a moverme bien otra vez, no se lo deseo ni a mi peor enemigo! ¿Qué opinas de los live streamings actuales? Pues que son fríos. Son necesarios pero fríos. Durante el confinamiento estaba viendo un streaming de Screamer, tomando una birra en casa y la gente aplaudía por el chat de youtube. Los «one more song» los escribían… me pareció una sensación necesaria para que siga habiendo algo de escena pero me pareció algo extrañísimo y lo que te digo, frio, muy frio. Yo espero que esto no sea el futuro final porque sinceramente, la vibra y la energía que se siente en un bolo no tiene nada que ver con estar viendo la pantalla del ordenador sentado en una silla, con una birra en la mano, el perro ladrando y la madre viendo Sálvame. Es imperativo que volvamos a ser los de antes. ¿De religión mejor no hablamos no?¿Eres de la opinión que trabajo es trabajo? ¿Qué harías ante la propuesta de portada a una banda de metal cristiano?¿y de reaggeton? Soy los que opinan que las creencias mientras no pisen mi terreno para imponer, son tema personal de cada uno, incluso me parece muy bien que la gente tenga fe o llámalo como quieras, si eres cristiano, musulmán, budista, si crees en la ciencia por encima de todo o eres Pastafarista es un poco tu problema y tu opinión. No suelo meterme en debates políticos o religiosos porque no voy a cambiar absolutamente nada en la forma de pensar de la persona que vaya a tener enfrente así que me da un poco igual mientras se respete claro. No creo en instituciones religiosas de ningún tipo porque aunque suene a tópico, me parece una mafia muy bien montada, pero al final, cada uno que de la pasta a quien le parezca. Lo de trabajo es trabajo, en parte sí claro, pero también tienes que tener tu propia ética y si esa ética dictamina que no debes hacer un trabajo porque es opuesto a lo que tu opinas, pues no lo haces, o al menos yo. Sobre la portada de una banda de metal cristiano, ya lo he hecho, un grupo colombiano de Oi!/Punk han reeditado hace poco su primer disco y les hice la portada por encargo de su discográfica Amor y Rabia Records de Francia y todo correcto. Cuando me encargaron el dibujo precisamente a mí, con la cantidad de motivos blasfemos que meto en los dibujos, me pareció un poco sorprendente, pero el dibujo quedó muy bien siguiendo las directrices del cantante y el respeto por el trabajo de cada uno fue mutuo. Por el reaggeton ya te digo que no paso. Ni por todo el oro del mundo, y lo triste es que los chavales ahora han adoptado en ese tipo de música la estética oscura de dibujos y logos de nuestro mundillo. Es un poco lo que hicieron los bakalas en los años 90 con las marcas de skate. La historia se repite pero con una música aún peor que la de entonces. Se te ha visto hacer destrozos a Nicholas Cage y Sailor Moon en tu último fanzine. Confiesa a qué artista/banda mainstream respetas o disfrutas en secreto. Jajajaja. Nicholas Cage me parece un grande. Es un rockstar el cabrón. Es un tío que puede hacer un papelón brutal o hacer la mierda más grande del universo y yo creo que poca gente tiene esa doble cara. De hecho, el dibujo de Nicholas Cage en «Blasphemia» el nuevo fanzine, también lo vas a poder ver en la Niccagepedia, un fanzine íntegramente dedicado al bueno de Nicholas y que saca Torïo G, que por desgracia parece ser que será el nuevo y también el último número. Las confesiones no se me dan bien jajajaja. Venga va: Padre perdóname porque he pecado. Reconozco que en alguna ocasión suena en mis altavoces Tears for Fears y Depeche Mode! Bueno tío, se nos acaba el tiempo. Define tu arte en tres palabras y cierra la entrevista. Un placer tío y buena suerte. Purulento, oscuro y gutural. Muchísimas gracias a vosotros por la entrevista y espero que podamos volver a vernos todos las caras de nuevo en bolos, expos y demás. Salud! https://www.instagram.com/misterpenny/ https://www.instagram.com/chosensoldier/ https://segundoimpacto.bandcamp.com/album/demo-2020 https://deathpitcvlt.bandcamp.com/releases [ SCHEITAN ]


HILOTZ El trío guipuzcoano HILOTZ publicó en el mes de septiembre el que es su segundo LP, «Aske», a través de Maldito Records combinando en él thrash, death y black metal. Usando el euskera como transmisor de sus mensajes, la banda hizo un ejercicio de empatía, un intento por ponerse en la piel de quienes pretenden ser libres: migrantes, mujeres, animales, personas con adicciones,…

Antes de nada, enhorabuena por el álbum «Aske» y muchas gracias por atendernos en esta entrevista. Me gustaría, para comenzar, que nos contarais algo más sobre vosotros: cómo surge la banda, si tocáis en otros proyectos… Hilotz se funda en 2010 por cuatro compañeros de la ikastola a los que nos unía la pasión por el metal. Comenzamos versionando las canciones de nuestras bandas favoritas hasta que en 2012 publicamos nuestro EP debut, ‘Hil Ala Bizi’. Desde entonces, hemos tenido cinco cambios de formación, pasamos de ser un cuarteto a un trío y hemos publicado dos discos de larga duración, ‘Giza Ankerkeria’ y ‘Aske’. En cuanto a otros proyectos, actualmente el baterista Etxahun y yo tocamos también en Asgarth, una banda clásica de heavy metal en el País Vasco. ¿Cuáles son vuestras bandas de referencia? Nuestras referencias son muy amplias. Annihilator, Death, King Diamond, Behemoth, Vektor… podrían considerarse algunas de las grandes influencias en ‘Aske’, pero esos no son más que unos pocos nombres de una lista 32 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 81

muy larga. También nos gustan Beethoven, Michael Jackson, Paco de Lucía, Juan Luis Guerra, Snarky Puppy… no queremos encorsetarnos en un solo estilo, tratamos de componer sin límites y creemos que eso se acaba notando en nuestra música. ¿Cómo afecta el cambio de formación a la hora de componer? Desde que pasamos de cuarteto a trío, las actuaciones de directo han pasado a estar más presentes en nuestra mente a la hora de componer. Seguimos incluyendo multitud de guitarras en el estudio para que el disco cuente con todas las capas armónicas y la grandeza que nos gusta, a fin de cuentas, la grabación y el directo son dos cosas diferentes. Después, nos juntamos en el local y pensamos en los arreglos más adecuados para que la esencia de las canciones se sostenga en directo. Solo somos una guitarra y un bajo, pero con una mayor presencia melódica de este último el abanico de opciones se amplía mucho, tanto en el estudio como en directo. Durante estos últimos años hemos ido buscando la fórmula

para que guitarra y bajo sean uno y la banda suene como un bloque totalmente compenetrado. En medio de la situación sanitaria actual cualquier trabajo resulta mucho más complicado, ¿Cómo fue la grabación de «Aske»? La grabación fue realizada en primavera de 2019 y el disco se finalizó por completo en otoño, por lo que no nos ha afectado en ese sentido. Música, plazos y material promocional… teníamos todo preparado para cuando llegó la pandemia, por lo que el dilema ha girado más en torno a publicar el disco o no en un contexto tan excepcional. A comienzos del confinamiento cerramos el trato con Maldito Records y decidimos seguir adelante, ya que publicar era también una forma de liberarnos, de sacar a la luz ese material que tanto tiempo habíamos pasado preparando. Si hubiéramos guardado ‘Aske’ en un cajón y hubiéramos dejado su publicación a la merced de la evolución del virus, el disco podía haberse convertido en una losa pesada.


A mí me resulta imposible escoger un único tema como favorito y supongo que a vosotros os ocurrirá lo mismo, pero… ¿hay algún tema del álbum que represente algo especial para vosotros o con el que os sintáis más identificados? Te diría que va por temporadas. Últimamente disfruto mucho con “Sinisten Dut”, tanto a la hora de tocarlo como al escucharlo. Es una canción que tiene un poco de todo: elementos orquestales, breakdowns, riffs thrashers, partes fantasmagóricas de guitarras limpias, blast beats, un solo de bajo… además, originalmente, antes de que tuviera letra, se llamaba “bodom thingy”. Es el nombre que le puso nuestro guitarrista Pablo al riff principal de la canción, el riff desde el que partió toda la composición. Estos días he pasado horas y horas escuchando Children of Bodom y esa conexión se ha convertido aún más especial. ¿Cuál fue vuestro mayor obstáculo como banda? Para mí, la etapa más dura fue cuando el ex guitarrista Paulo Eizmendi abandonó la banda. Fue en otoño de 2015, cuando estábamos metidos de lleno en la grabación de nuestro primer LP, ‘Giza Ankerkeria’. Paulo tuvo problemas personales y no pudo participar en la grabación del disco. Esto hizo que Pablo Cabasés, nuestro actual guitarrista, entrara en la banda y tuviera que aprenderse las canciones a marchas forzadas, de cara al concierto de presentación que ofrecimos en diciembre de ese mismo año, junto a Angelus Apatrida. Sin embargo, de todo lo malo se saca algo bueno, y en este caso los cambios mencionados han derivado en una mayor fortaleza para la banda. Los tres miembros actuales llevamos juntos más de cinco años, Hilotz nunca ha contado con una formación tan estable y esto ha sido una de las claves para crear ‘Aske’ y llevar al grupo a un nuevo nivel. Dentro de la música metal siempre es más difícil conseguir llegar al público que en otros estilos musicales, y vuestras letras además son en euskera. ¿Qué acogida estáis teniendo fuera de Euskadi? ¿Notáis que os cuesta más hacer llegar vuestro mensaje por culpa de la barrera lingüística? ‘Aske’ ha tenido una gran acogida en los medios especializados del Estado español y también ha llegado a algunos

países de Europa, América y Asia. Las reacciones que hemos recibido de medios y seguidores han sido muy favorables y estamos deseando que el interés mediático se traduzca en conciertos por todo el mundo, una vez se abran las fronteras internacionales. En nuestra opinión, el idioma no debería ser un impedimento para dar a conocer a una banda por el mundo. Somos conscientes de que vivimos en la dictadura del inglés, muchas bandas optan por ese idioma pensando que, de ese modo, lograrán un mayor reconocimiento internacional, pero, en realidad, el euskara es lo único que tenemos para presentarnos al mundo de forma diferente. Es una lengua milenaria, la única preindoeuropea que todavía vive. Nacimos, crecimos y vivimos en ese idioma, y cantarlo no es más que una pulsión natural. Además, tenemos claro que el mundo no es monocolor. Mirad a Alien Weaponry, cantan en maorí y son una de las bandas nóveles de metal más destacadas en la actualidad. Afortunadamente, existe una infinidad de idiomas más allá de las dominantes y, gracias a ello, el mundo es más interesante. Parece que estuviéramos obligados a justificarnos constantemente, por el hecho de cantar en una lengua minorizada, cuando esto no hace más que enriquecer el abanico cultural. Personalmente, me encantaría que Angelus Apatrida cantara en castellano o que Kreator lo hiciera en alemán, pero cada uno es libre de hacer lo que quiera. Maldito Records ha publicado vuestro álbum. ¿Qué nos podéis contar sobre esta colaboración? Se trata de la primera vez que publicamos un disco con el apoyo de un sello discográfico, por lo que, sobre todo, está siendo un proceso de aprendizaje. Maldito lleva más de 20 años en esto y cuenta con mucha experiencia, han trabajado con grandes bandas y saben lo que hacen. Además, son uno de los pocos sellos españoles que publican discos de bandas que cantan en euskara. Desde marzo, hemos trabajado codo con codo con todo el equipo del sello para que nuestra música tenga el mayor alcance posible y, por ahora, notamos que la colaboración está dando sus frutos en el aspecto promocional. ‘Aske’ ha tenido un seguimiento mucho mayor a nivel estatal que nuestro anterior trabajo ‘Giza Ankerkeria’, nos alegramos de que cada vez más gente esté interesada en nuestra música y

esperamos que la colaboración con Maldito pueda seguir prosperando en el futuro. ¿Cómo os planteáis la promoción de «Aske»? ¿Intentaréis realizar conciertos o viendo que se están cancelando la mayoría de ellos a pocos días de su celebración buscaréis otra forma de hacer llegar vuestro trabajo al público? A falta de conciertos, hemos pasado los últimos meses haciendo una intensa promoción en prensa, radio y televisión. En diciembre pudimos actuar en directo durante 30 minutos en la 55. Edición de la Feria de Durango, el evento de referencia para la cultura vasca, pero una presentación de ‘Aske’ en mayúsculas todavía está pendiente. Actualmente, estamos trabajando para dar forma a un puñado de conciertos, eventos selectos pero muy cuidados, en los que trataremos de potenciar el apartado estético. Nuestro objetivo es que el público pueda disfrutar de un gran show musical y visual, un concierto que pueda ser disfrutado al máximo, a pesar de estar sentado en butacas y sin poder moshear y festejar como suele pasar en nuestros directos. Aunque mirar al futuro ahora mismo parece complicado… ¿qué planes tenéis? Nuestro plan es ensayar y mantener la maquinaria lo más engrasada posible, para estar completamente preparados para cuando llegue el momento de saltar al escenario. A su vez, seguiremos promocionando ‘Aske’ a través de las redes sociales, para que el interés hacia el disco no decaiga. Y ya para terminar me gustaría felicitaros nuevamente y daros las gracias por atender a Necromance Magazine. ¿Hay algo que os gustaría decir a nuestros lectores? Muchas gracias por vuestro tiempo e interés. Esperamos volver a juntarnos pronto y celebrar, disfrutar con la música tanto encima como debajo del escenario. [ ATAEGINA MOON ]

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PYRRHIC

He agotado todos los elogios del diccionario con «Vile Slumber», el EP debut de los noruegos PYRRHIC, y ya sólo me quedaba charlar con ellos para analizar las entrañas de semejante ejercicio de violencia multiestilística y quedarme con la conciencia tranquila para, que el día que lo rompan, poder decir que ya estabais avisados. La entrevista estaba prevista con el batería Øivind Vågane y el guitarrista Roger Gregersen, pero este último se encuentra en primera línea de fuego luchando contra la Covid. ¡Fuerza, ánimo y muchas gracias Roger!. Øivind nos atendió excelentemente para resolver muchas de mis dudas y curiosidades como cerebro de esta bestia llamada PYRRHIC con la que se me cae la baba. Hola Øivind, bienvenido a Necromance. ¿Cómo van las cosas por Kristiansand? Hola! Gracias! Las cosas van medio bien, teniendo en cuenta que no podemos tocar por la covid y todo eso, pero aquí estamos, componiendo y planeando el futuro. Presenta Pyrrhic a nuestros lectores que todavía no os conozcan. Pyrrhic es una banda de metal extremo de Kristiansand, Noruega, fundada en 2018 y compuesta por Emil Wynn a las voces, Sebastian Madsen y Roger Gregersen a las guitarras, Ole Bent Madsen al bajo y Øivind Vågane a la batería. El pasado año debutasteis con el EP “Vile Slumber”. Cuéntanos los detalles de la grabación. La grabación la hicimos nosotros mismos. Sebastian trabajó como ingeniero en el estudio de un centro juvenil y tuvieron la amabilidad de dejarnos usarlo para la grabación del EP. Todos tenemos algo de experiencia en el estudio con bandas anteriores y esta vez quisimos grabar todo sin procesar y lo más crudo posible, pero manteniendo una buena calidad de producción, es decir, repitiendo muchas veces hasta hacerlo perfecto en lugar de arreglarlo en el ordenador mas tarde. Estamos muy contentos con el resultado ya que suena dinámico y auténtico, ¡además de duro y pesado! “Vile Slumber” me ha parecido un impresionante y devastador debut que he descrito como el ejercicio más original, exclusivo, innovador y progresista (mas que progresivo) llegado de Noruega en 2020. ¿Qué opinas? ¿Cómo os autodescribís? ¡Muchas gracias por esas increíbles palabras! Podría ir dividiendo y subdividiendo Pyrrhic en diferentes géneros, pero creo que lo mejor sería definirnos como un patadón en los dientes! ¿Que habéis querido expresar en «Vile Slumber»? Sólo te puedo hablar de la expresión musical. Roger y yo escribimos todas las canciones del EP antes de hablar con nadie más sobre la banda. Nos conocemos desde hace mucho tiempo y queríamos hacer algo juntos desde hace mucho. Acordamos no planificar nada ni hacer un 34 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 81

anteproyecto, sin reglas a la hora de componer, simplemente tratamos de sentarnos juntos y escribir la mayor hostia sonora que se nos ocurriese. No importaba si sonaba a Suffocation o a Justin Bieber siempre que fuera buena. Afortunadamente, a ninguno de nosotros nos gusta Bieber, por lo que la música se inclinó más hacia Suffocation. ¿Qué temas tratáis líricamente? Dejaré que Emil conteste esta pregunta, te envío los mensajes de sus propias palabras: “Their Dilapidated Hands”: Los cadáveres vacíos encontrando su sitio al abrazar el infierno. “Deafening the Light”: La creación de un enorme y supurante ser que va oscureciendo todo y a todos con su presencia. “Rotting Lambs”: Una perspectiva de cómo los cristianos y los ateos en muchos casos tienen una visión similar de la otra vida. “God Devourer”: El devorador de dioses comiendo de camino al cielo. “Vile Slumber”: La podredumbre llena de vida e infecciones. El primer minuto del disco es especialmente increíble. ¿Buscabais ese impacto inicial? ¡Muchas gracias! Como te dije no calculamos nada durante la composición, pero si te refieres a si “Their Dilapidated Hands” abre el disco intencionadamente, la respuesta es sí. No tenemos a Emil delante para preguntarle. Cuéntanos sobre él, además de un portento vocal, dime ¿que tiene en la cabeza, que come…? jeje. Bueno… la mente de Emil es un misterio para toda la banda. Es una de las mejores personas que conozco, un hombre súper amable. Sin embargo, tiene una oscuridad interior que va dejando escapar poco a poco con su arte. Si lo dejase salir de golpe ninguno de nosotros volvería a ser la misma persona. No creo que coma nada… ¡y ni siquiera quiero pensar lo que se le pasa por la cabeza!. ¿Y en cuanto a las habilidades vocales? ¡Es un mago! ¡Pura magia negra!

También está Emil detrás del artwork de “Vile Slumber” ¿cierto?. En la portada aparece la ecografía de algún animal ¿no? ¡Sí, él se encargó! ¡El animal de la portada es un feto de murciélago! En realidad, es una copia dibujada de una foto que ganó un gran premio de fotografía sobre naturaleza. En cierto modo, engloba la esencia de la inocencia inicial, pero que cuando salga al mundo traerá maldad y destrucción. Este murciélago representa ese sueño vil del título del EP. La habilidad de Emil sería suficiente para que cualquier banda destacase solo por ello, pero en este caso el resto dais la talla a la hora de combinar técnicas y estilos. ¿De donde nacen esas ideas? Jejeje, ¡¡muchas gracias de nuevo!! Como he comentado antes, Roger y yo nos hemos encargado de las composiciones. Por lo general, algunas ideas nos salen a cada uno solos en casa. Luego nos reunimos los dos en una cabaña en las montañas de Gautefall, alejados de todo, donde combinamos nuestras ideas hasta que salte la chispa que encienda el fuego. No sé si debemos entrar a hablar de géneros y estilos, el disco tiene de todo. ¿Qué influencias musicales tenéis? Jejeje, bien, pues no hablemos de géneros y estilos. ¡Gracias de nuevo!.Escuchamos casi de todo aunque somos metaleros claro, pero hay algo más en el horizonte que esa única isla. Los Beatles serían mi mayor influencia, Led Zeppelin, Deep Purple, Motley Crue. Me ridiculizaría si nombrase algunos artistas del pop, ¡jaja! Creo que todos tenemos un gusto musical muy amplio, pero en general se reduce a Slayer, Maiden, Testament, Mayhem, Immortal, etc… ¿Qué nos cuentas de la colaboración de Øyvind Hægeland en “God Devourer”? ¿Cómo surge esta oportunidad? Sí, tuvimos la suerte de conseguir que participase como invitado el único Øyvind Hægeland de Spiral Architect con tan solo preguntar, jeje. Él es de Mandal, el mismo pueblo que el de nuestros hermanos Madsen (Sebastian y Ole Bent). No nos conocemos muy bien, pero él siempre


ha estado tocando música increíble con bandas maravillosas como Arcturus, Mayhem, Death (después de la muerte de Chuck) y muchas otras. Sentimos que teníamos que enviarle algunas demos y preguntarle si quería cantar un poco para nosotros. A él realmente le gustaron las canciones y se alegró de ser parte de ellas y estamos eternamente agradecidos por su excelente contribución. Pregunta impepinable. ¿Estáis trabajando en nuevo material?¿Que nos puedes adelantar? Sí, en ello estamos. Puedo decir que os volará la cabeza, jaja! Para hablar sobre la escena noruega podríamos dedicar una entrevista completa. Simplemente dame tu visión de esta desde dentro actualmente. En mi opinión, la escena extrema noruega está más fuerte que nunca. Hay muchas bandas nuevas y muy buenas emergiendo. Me gustaría mencionar a You Suffer, Son of a Shotgun, Blot y Mental Disaster como algunas de las increíbles nuevas bandas underground extremas de nuestra zona de Noruega. A todos nos gustan mucho las bandas noruegas de black metal como Darkthrone, Mayhem, Immortal y, por supuesto, Dimmu Borgir. ¡¡Esas bandas siguen haciendo álbumes devastadores y de mucha calidad después de tantos años!! ¿Cuál es ese cliché que te molesta especialmente como noruego? Por ejemplo, a mi me jode que se nos vea a todos los españoles como asesinos de toros. Por cierto, ¿qué conoces de la escena extrema española? Jejeje, en la comunidad metalera, los extranjeros tienden a saber más sobre Noruega que los propios noruegos debido a la historia del black metal… Sin embargo, fuera de la comunidad metalera, muchos piensan que Noruega es la capital de Suecia! Jajaja. Lamento decir que sé muy poco sobre la escena extrema española pero por otro lado, (te vas a reír) ¡¡Amo a Dark Moor!! Háblanos de tus inicios en la música. ¿Cómo y porque te atrajo la batería? ¿y a Roger la guitarra? Respecto a mí, mi padre es guitarrista y mi madre es batería. Toco ambos instrumentos, pero la batería principalmente. También toco algunas partes de guitarra en el EP, de hecho, desde entonces he tenido efecto bola de nieve. Roger también empezó con la guitarra desde una edad temprana. En el club juvenil donde creció había algunos empleados que eran guitarristas increíbles, Eirik Moen era uno, y Stein Roger Sordal de Green Carnation era otro, quien le enseñó a shredear correctamente. Y maldita sea, lo tomó desde allí y empezó a ascender… ¡¡Quiero decir, a descender hasta el nivel del puto demonio!! ¿Qué opinas de los directos en streaming como alternativa a los conciertos? Hay que aceptar lo que sea, es mucho mejor que nada…. Espero que esta situación de la covid pase pronto y que la mayor cantidad posible de personas salgan de ella con la salud intacta. ¡Así podremos ponernos en ruta para arrasar y destruir todos los rincones del mundo! ¿Qué quieres conseguir en el mundo de la música? Para mí esto trata de pasar un buen rato. Escribir música genial con gente genial y tocarla para personas geniales del mundo que compran entradas para nuestros conciertos. ¡Caretas fuera! ¿Con que artista mainstream disfrutas en secreto y a cual odias por encima de todo? Oh tío… No quiero nombrar a nadie en concreto, el género “mumble rap” me molesta bastante. ¿Qué pasó con Public Enemy, Cypress Hill o NWA? ¡Esta nueva generación de raperos apesta!. Disfruto de Ariana Grande, ¡¿estás feliz ya?! Cerramos. ¿Por qué deberían escuchar vuestra música los lectores de Necromance? Deberían probar a escucharla porque la vida recompensa la curiosidad. ¡Danos la oportunidad de golpearte musicalmente hasta dejar una charco de sangre en el suelo! Muchas gracias y buena suerte. ¡¡Muchas gracias!! [ SCHEITAN ]


SONG OF ANHUBIS

La banda vasca SONG OF ANHUBIS lanzaron su segundo álbum «Reversed Reflection» vía Rockshots Records en el 2020. El sonido de la banda ha evolucionado desde el metal gótico de su álbum debut al introducir nuevos elementos que los acercan más al metal sinfónico. La banda, fundada por la cantante Raquel Reych y el guitarrista Polvareda Johnson, se completa con Jon Goitia a la batería y el bajista Mario Martín que también se encarga de los sintetizadores. Antes de nada, enhorabuena por el álbum «Reversed Reflection» y muchas gracias por atendernos en esta entrevista. Me gustaría, para comenzar, que nos contarais algo más sobre vosotros. ¿Cómo surge la banda? ¡Hola! Gracias a vosotros por concedernos este espacio. La banda es creada sobre el 2012, cuando el guitarrista Polvareda me ofrece comenzar un proyecto de tintes góticos basado en las primeras bandas europeas que salieron a finales de los 90/principios de los 2000. Es un estilo que nos gusta bastante y que no podíamos recrear en nuestros grupos anteriores por lo que tras componer entre ambos un puñado de temas, decidimos completar la formación para poder tocar en directo con Jon a la batería, Juarmia al bajo y Esther a los teclados. Tras unos pocos bolos, decidimos grabar el primer álbum pero poco antes de entrar a grabar algunos miembros deciden dejar la banda debido a la paternidad y problemas personales por lo que la grabación se pospone durante mucho tiempo dejando parado el proyecto durante más de un año. Tras ese año y pico de parón, Jon, Polvareda y yo decidimos retomarlo y en 2016 grabamos el álbum que teníamos pensado cambiando el nombre de la banda por el actual. ¿Tenéis otros proyectos musicales o estáis centrados 100% en SONG OF ANHUBIS? Song Of Anhubis nos roba todo el tiempo libre del que 36 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 81

disponemos para la música. Además, aglutinamos mucha variedad estilística en nuestra música por lo que no echamos en falta estar en más bandas. ¿Qué bandas os sirven de inspiración para vuestra música? Decenas de ellas. Enumerarlas a todas sería muy largo. Depende mucho del tema que afrontemos o lo que nos apetezca componer, a lo que hay que sumar que cada miembro de la banda tiene sus filias musicales y se notan. Revenge as Redemption estaba muy enfocado al sonido decadente y ambiental de bandas europeas de gótico y canto lírico como los primeros Theatre of Tragedy, The Gathering, To/Die/For, Tiamat… etc. Para este segundo álbum hemos tirado más por los sonidos modernos y se pueden encontrar referencias a Deftones, Orgy, Soilwork, Breaking Benjamin, Devin Townsend o Evanescence por citar algunos e incluso un poco de la Dark Wave alemana. Si sirve de referencia, nos comparan con Amaranthe y Lacuna Coil. Y es curioso porque la primera es una banda que casi no hemos escuchado y no creemos que las coincidencias vayan más allá de mezclar electrónica con metal y rock. Con los Lacuna son más por el hecho de introducir elementos de un metal americano en nuestra música, cosa esta que Lacuna Coil lleva haciendo desde el Karmacode. Es curioso que las bandas con vocalista femenina se comparen entre si solo por el hecho de tener vocalista

femenina. Han pasado ya cuatro años desde que vio la luz «Revenge As Redemption». ¿Qué habéis estado haciendo todo este tiempo? Una vez finalizado el álbum nos pusimos a buscar músicos para poder presentarlo en directo. Esto nos llevó un tiempo hasta la entrada de Mario (Bajo/Teclados) a la banda. Una vez cerrada la formación, nos tomamos con calma la composición del álbum terminando cuatro temas en el estudio casero de Mario ya que por temas de presupuesto, el nivel de detalle en arreglos y producción que queríamos darle a este segundo álbum nos iba a ser imposible de realizar en un estudio profesional. Tampoco queríamos meter temas de relleno por lo que hasta que no tuvimos canciones que nos gustasen de verdad no decidimos grabar el álbum. ¿Cómo afectó el cambio de formación a la hora de componer el nuevo LP? Muchos de los temas del álbum estaban ya en fase de construcción antes de la entrada del nuevo miembro. Sin embargo, Mario ha aportado dos temas al disco y ha realizado arreglos de teclado en otros dos, además de encargarse de la producción de los cuatro primeros temas del álbum. Sin duda un gran aporte. El sonido de vuestro álbum debut es muy diferente al


agenda y tener que grabar tres temas más en otro estudio con la remasterización del álbum completo que eso conlleva, nos alargó la grabación más de lo previsto. La portada de «Reversed Reflection» resulta muy llamativa, parece que representa la relación entre la vida y la muerte, lo bueno y lo malo. ¿Qué nos podéis contar acerca de ella? La portada está realizada por Francisco Plazas que es el diseñador de nuestro anterior álbum. Como quedamos muy contentos con su trabajo anterior decidimos repetir con él y no nos arrepentimos en absoluto. Un trabajo genial. Creemos que en todo existe una dualidad. Esa dualidad conlleva un “reflejo reverso” que muchas veces es difícil de detectar. Una cara/aspecto amable que esconde algo oscuro detrás o incluso se puede pensar que a la inversa también puede suceder. Esto lo podemos encontrar en nuestro día a día, tanto en el trabajo, la vecindad, la religión, la política, etc. Se puede apreciar la serpiente acercándose al oído del esqueleto como si estuviera susurrándole mentiras, promesas, incitaciones al mal… Por otro lado, esa serpiente se convierte en el cordón umbilical de un niño aun gestándose que a su vez está sosteniendo el esqueleto, lo que simboliza la elección de quién quieres ser o el papel que quieres interpretar dentro de esa dualidad intrínseca que todos tenemos. Al fin y al cabo, las decisiones que tomamos a cada momento nos acaban definiendo. Por lo tanto, sí, yo creo que de alguna manera la vida que acabamos teniendo es un reflejo de lo que somos, con sus excepciones por supuesto, esto es una generalización enorme. La vela derretida en la calavera simboliza el paso de tiempo, las decisiones tomadas o la irreversibilidad, mientras que el cuervo es un ser que suele interpretarse como el animal que cruza la barrera de la vida y la muerte o incluso el mensajero de la muerte. En este caso, depende la cultura consultada su simbología va desde la encarnación del mal hasta un aspecto más amable como el que tiene en la mitología nórdica o celta, lo que es un símbolo que de por sí también representa en cierto modo la dualidad.

actual. ¿Las nuevas incorporaciones a la banda son las responsables de este cambio o simplemente era el sonido buscabais desde el principio? Tras finalizar esa grabación decidimos que ese camino ya estaba andado y repetir otro álbum tocando lo mismo no tenia sentido para nosotros. Mientras buscábamos nuevos miembros comenzamos a experimentar con la música electrónica componiendo algunos temas a partir de los sintetizadores y no desde la guitarra como solemos hacer habitualmente. El cambio estaba ya asumido desde el mismo día que terminamos el primer álbum. Trabajar con Mario nos ha facilitado las cosas ya que pensamos lo mismo en el aspecto de cómo deberían de ser los temas. Contáis con el apoyo de Rockshots Records. ¿Cómo surge esta colaboración? El anterior álbum no lo movimos lo suficiente, optamos en su momento por la autoedición sacando muy pocas copias en físico y prácticamente no hicimos promo del mismo. En este nuevo álbum la inversión ha sido mayor tanto en tiempo como en producción por lo que quisimos darle más visibilidad. Con esa idea en mente movimos la demo por diferentes sellos y entre los que contestaron afirmativamente, la oferta de Rockshots fue la que más nos convenció. Tienen un catálogo con grandes bandas y pensamos que encajamos bien con ellos debido a los géneros musicales con los que trabajan. ¿Cómo fue la grabación de «Reversed Reflection»? Un poco accidentada. A pesar de que llevamos mucho trabajo avanzado desde casa en materia de arreglos y líneas pregrabadas en cuatro de los temas, nos llevo casi un año tener el álbum en nuestras manos. Problemas de

¿Cómo veis la situación actual de la música? Obviando el tema del virus… Las nuevas generaciones no escuchan prácticamente rock y metal más allá de lo meramente mainstream. Es raro ver gente joven en los bolos y aunque ahora las bandas estén a un golpe de click de ser escuchadas por cualquiera, en cualquier parte del mundo, el consumo actual de música es inmediato y apenas se conceden unos pocos segundos para su escucha con lo cual si la banda no entra por el oído a la primera, es rápidamente desechada. Antes era más difícil tener visibilidad pero quien compraba la maqueta o el disco, lo exprimía hasta la última gota. ¿Cuantos álbumes hemos comprado que no nos convencieron en unas pocas escuchas y nos encantaron después? En cuanto a lo acontecido por el Covid, muchas bandas se están separando, se están cerrando salas, la gente que vive de la música lo está pasando realmente mal y lo peor es que no se ve una fecha concreta para el fin de esto. ¿Cómo lleva la banda, a nivel personal, la situación en la que estamos viviendo? No nos reunimos desde marzo ya que no hay bolos ni presentación del álbum. Tenemos completamente descartado el apartado de la música en directo y lamentarse no vale para nada así que estamos inmersos en la composición del tercer álbum. Supongo que a este paso presentaremos el segundo álbum cuando salga el tercero. Es lo que hay y poco podemos hacer. No podemos pagar un local de ensayo, desplazamientos e hipotecar nuestro tiempo libre para ensayar un repertorio que no puedes tocar en directo. Y sin saber cuando llegará una nueva restricción en la que no podamos reunirnos o salir del municipio y tengamos que parar de nuevo durante meses. ¿Qué planes de futuro tenéis? Terminar de componer el tercer álbum, que estilísticamente será diferente a los dos anteriores, y entrar a grabarlo para mediados de este año, si es posible, para que salga a principios del 2022. Dependemos de la evolución de la pandemia así no podemos hacer planes a corto/ medio plazo más allá de esto. Ahora que lo más normal es que los conciertos se vayan cancelando conforme se acercan las fechas… ¿habéis valorado el hacer algún concierto en streaming? Parece que se ha puesto de moda esta forma de tocar “en

vivo” y no es mala idea pero lo vemos más enfocado para grandes bandas con una base consistente de espectadores. En nuestro caso tenemos el problema de que llevamos muchos meses parados como para poder hacer algo a corto plazo. Además organizar un bolo de esas características lleva consigo una mínima infraestructura. Algunos de nosotros vivimos en zonas rurales con conexiones de red realmente pésimas y no todos tenemos el equipamiento necesario para hacerlo desde casa con un mínimo de calidad. Se puede hacer pero seguramente el esfuerzo y la inversión requerida no nos merecerá la pena. A mí me resulta imposible escoger un único tema como favorito y supongo que a vosotros os ocurrirá lo mismo, pero… ¿hay algún tema del álbum que represente algo especial para vosotros o con el que os sintáis más identificados? Cada miembro de la banda tiene sus temas favoritos más que nada porque son canciones que se tocan cientos de veces y aunque escuchándolas funcionen y nos sea difícil escoger entre ellas, siempre hay algunas que se disfrutan más al tocarlas, aunque a veces esas preferencias puedan variar dependiendo del estado de animo en el que nos encontremos. «Hypersomnia» es una canción para mí (Rei) de las más personales y que más me tocan la fibra. Para esta canción me inspiré en varios temas. Por un lado, en la futilidad del tiempo, las circunstancias continuamente cambiantes y en que hay veces que la superficialidad lo empaña todo y te puede hacer sentir sensación de vacío. Por otro lado, la letra del estribillo dice “siento el vértigo de caer en un círculo sin fin” pero no se dice con carácter negativo sino como forma de dejarse fluir o dejarse ser, porque mientras todo cambia a tu alrededor, las amistades vienen y van y las circunstancias o el paisaje cambia, tú eres el único que sigue ahí. ¿Cuál fue vuestro mayor obstáculo como banda? Buf, buena pregunta. Mantener una banda requiere un esfuerzo económico importante además es difícil encontrar la gente idónea para crearla y sobre todo tenerla estable. Así que si hablamos en pasado, los comienzos siempre son complicados. Si hablamos en presente, el tiempo que se requiere para ello es un hándicap difícil de evitar. El trabajo, la familia, los quehaceres diarios, tienen más prioridad que llevar una banda y por ello muchas veces nos quedamos sin hacer las cosas que nos gustaría en la música. También existe uno muy importante que es la globalización estilística de banda con frontwoman femenina. Con esto quiero decir que por regla general se tiende a aunar cualquier banda de metal con vocalista femenina como un único estilo y creo que eso es un grave error. A ello hay que sumar que vemos el entorno del metal como algo demasiado hermético y reticente al cambio. Sigue habiendo público y medios periodísticos que critican negativamente cualquier estilo que se salga del metal canónico y/o no contengan los parámetros de lo que ellos consideran como “metal”. Esto ya lo esperábamos en mayor o menor medida, viendo lo que pasó en su día con bandas como Theatre of Tragedy, Bring Me The Horizon, Nightwish con Anette Olzon… No seguir claramente un estilo concreto ya predeterminado nos crea también algunos inconvenientes puesto que rápidamente tildan a una banda de nuestras características como algo “sin personalidad” Y nos preguntamos… ¿La enésima banda de death metal melódico no es similar a At The Gates/ In Flames? ¿Las bandas que tocan Djent no es lo mismo que Meshuggah con alguna variación? ¿Grupos de power metal famosisimos similares a Helloween? ¿Y las miles de bandas iguales a Black Sabbath? ¿Eso es tener “personalidad”? Lo dudamos muchísimo. Existe un poco de hipocresía en todo ello. Son escollos importantes pero hemos hecho el álbum que queríamos y estamos contentos con ello. Al final la música y el arte en general se basa en gustos personales así que aceptamos todo lo que nos venga encima. Y ya para terminar me gustaría felicitaros nuevamente y daros las gracias por atender a Necromance Magazine. ¿Hay algo que os gustaría decir a nuestros lectores? De nuevo agradecerte esta oportunidad. Hoy por hoy el acceso a nueva música está más fácil que nunca así que invitaría a vuestros lectores a que se pasasen por nuestro Spotify o Youtube del sello y den una escucha al disco. Creo que si les gusta este estilo, no les va a defraudar. [ ATAEGINA MOON ]

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GREYBEARD La banda canadiense GREYBEARD publicó el pasado verano el fascinante álbum conceptual «Oracle», una aventura donde sonorizan a base de death melódico y progresivo esta magnífica historia de traición y venganza. No quería perder la oportunidad de hablar con ellos y presentarlos en las páginas de Necromance Magazine.

Buenas Ross, presenta Greybeard a nuestros lectores. ¿De dónde procedéis como músicos? Ross Andersen (guitarra y voz): Somos de Calgary, Alberta, Canadá y hace unos tres años y medio empezamos con el proyecto Casey y yo, pero un año y medio después nos convertimos en una banda cuando Guy y Amanda se incorporaron. En ese momento comenzamos a tocar por nuestra ciudad y algún festival regional, pero llegó el Covid y se paró todo. Venimos de orígenes musicales muy diversos, ya que todos hemos tocado en muchas otras bandas de muchos otros géneros. Esta es mi primera banda de metal pero he tocado en muchas bandas de hardcore y post-punk a lo largo de los años. ¡Crecí amando el metal, así que estoy feliz de finalmente tocar metal! 38 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 81

Después de tres EPs, vuestro debut de larga duración «Oracle» se publicó el pasado Julio. Contadnos detalles sobre las sesiones de grabación. ¿Satisfechos con el resultado? ¿Cómo ha sido recibido por público y crítica? Ross: Se retrasó un poco más de lo esperado la publicación de “Oracle” por el Covid, pero estamos muy contentos con los resultados, ¡quedó genial!, Casey realizó y produjo la grabación e hizo un trabajo increíble capturando un sonido muy preciso de nuestra banda. Queríamos que “Oracle” estuviera pulido, pero que mantuviera esa pizca de suciedad, que sonara un poco crudo y creo que lo logramos. El mayor reto para mí fue grabar todas las guitarras mediante un amplificador por software. Guy y yo usamos

Fortin Nameless, obteniendo tonalidades increíbles. No estoy seguro de qué software usó Amanda para el bajo, pero su tono también quedó brutal. Casey grabó la batería en un estudio local trabajando junto con el ingeniero Ian Dillon, para hacer que la batería sonara potente. De hecho, grabó dos álbumes en el transcurso de unos días, ya que su otra banda, Caveat, también estaba grabando un nuevo álbum. Todas las voces se grabaron en el apartamento de Casey, lo cual fue bastante divertido, ya que tanto Amanda como yo nos turnamos para gruñir/cantar en una esquina. Hasta donde yo sé, ¡sus vecinos nunca se quejaron! Hasta ahora, las críticas de Oracle han sido casi todas positivas. ¡Obtuvimos puntuaciones de 8 y 9 e incluso un 10 en una web en Brasil! Ha sido difícil lanzar un álbum


sin poder tocar en vivo, pero esperamos volver a tocar en algún momento de este año (cruzamos los dedos). Wastedwax Records ha lanzado “Oracle” en vinilo de color de edición limitada. Es lava anaranjado y ha quedado genial. Se puede pedir a través de nuestra página de Bandcamp https://greybeard-yyc.bandcamp.com/ Casey Rogers: Esta es la primera vez en mucho tiempo que grabo la batería en un estudio. Llevo desde 2005 configurando mi estación de grabación digital detrás de la batería o pidiendo a un compañero que se encargue de controlarla. Fue refrescante no tener que estar pendiente de esto ni pedir a nadie que estuviese ayudando a conseguir la mejor toma. Al gastar ese dinero en el estudio, me sentí obligado a aprovecharlo al máximo y me desafié a mí mismo a grabar dos álbumes de metal progresivo en el lapso de cuatro días. Si bien tuvo éxito, fue agotador y probablemente sea la última vez que lo intente. La tecnología de modelado de amplificadores ha llegado tan lejos que las únicas personas que pueden notar la diferencia son los propios músicos. Así que optamos por amplificadores de software de Neural DSP. Usamos Fortin Nameless Suite para guitarras rítmicas, Nolly de Archetype para solistas y Darkglass Ultra para el bajo, todo controlado a través de mi UAD Apollo Twin. Antes de ser una banda real, Ross y yo hicimos cada EP en un par de meses, desde el concepto hasta el lanzamiento. Además de la batería, también toqué el bajo y contribuí con los coros en los tres primeros lanzamientos. Esta vez tomó más tiempo por algunas razones. Primero, el objetivo es grabar el largo con toda la banda participando. En segundo lugar, fue un desafío encontrar el tiempo para compaginar este pasatiempo junto con mi trabajo diario, y la tercera y más obvia es la pandemia, que ralentizó aún más el proceso. En general, estoy satisfecho y orgulloso de cómo quedó. Amanda Bourdon: Aunque toco el bajo desde hace muchos años y en multitud de géneros, ha sido mi primera vez en el metal. ¡Fue un desafío y estoy muy satisfecha con el resultado! Disfruto mucho cantando y construyendo armonías. Ross me dio una guía general de las melodías y el resto fue saliendo practicando y hasta en la propia grabación. Estoy muy orgullosa de todos nosotros y de este disco. En “Oracle” se escucha mucha mezcla de subgéneros aprovechando la conceptualidad de este, aunque el death metal melódico/progresivo gana algo de terreno en relación a los EPs. ¿Qué opinas? ¿Cómo autodescribirías el sonido de Greybeard? Ross: Una de las razones de formar Greybeard fue que solo quería escribir canciones y no preocuparme por el género o las fórmulas. El hecho de que todos en la banda estén tan abiertos a explorar estilos y géneros es genial y hace que escribir canciones sea más una exploración que un intento de enmarcarlas en una determinada etiqueta. Describiría nuestro sonido como death metal progresivo, pero no encajamos exactamente en ningún subgénero del metal. Nos basamos en una amplia variedad de influencias y no tenemos miedo de explorar diferentes formas de abordar las canciones. ¿Por qué un disco conceptual? ¿Qué disco conceptual es tu favorito o te ha marcado especialmente? Ross: Nuestro último EP, «Session 3: Serpent King» fue conceptual, aunque solo tenía 4 canciones, por lo que no tenía el mismo arco narrativo que uno más largo. Nunca había escrito canciones para unirlas conceptualmente, pero disfruté mucho haciéndolo para «Serpent King» y decidí intentarlo en un larga duración. Juego Dungeons & Dragons y pensé que una historia de este tipo podía funcionar en “Oracle”, de hecho, líricamente me resulto más fácil al tener que escribir partes de la misma historia en cada canción. En cuanto a mi favorito, diría «Ghost Reveries» de Opeth. ¿Cómo surge la historia de «Oracle» a nivel lírico? ¿Qué querías expresar con esta historia? Ross: «Oracle» trata sobre traición y venganza. Es una historia bastante sencilla, a un oráculo se le otorgan poderes oscuros por un trato que incumple, el oráculo traiciona a su aldea y huye cuando los enemigos oscuros se acercan para destruir la aldea, una niña sobrevive y con su habilidad psíquica es capaz de rastrear al oráculo hasta donde se esconde, la niña encuentra al oráculo y este se suicida antes de que ella pueda capturarlo. El poder oscuro que poseía el oráculo elige ahora a la niña como nueva anfitriona. La inspiración es pura de Dungeons & Dragons, y no he tratado de expresar nada específico, solo quería

contar una historia que funcionase como una aventura de Dungeons & Dragons. No quería hacer yo el spoiler, jeje. Cuéntanos sobre esa canción o parte especial de la historia. Me ha parecido tener una conducción musical muy buena, bien asentada con ayuda de los efectos sonoros. Me quedo con la rica y progresiva «Heiress of the Night» y la belleza acústica «Vengeance». Ross: “Heiress of the Night” fue escrita mientras estábamos grabando. Quería que el álbum fuera un poco más largo, se me ocurrieron todos esos riffs en un par de semanas y pensé que deberíamos añadirlos al álbum como una especie de epílogo. Me alegro de haberlo hecho, ya que resultó ser una de las canciones más potentes del álbum. La pista oculta del final de “Heiress of the Night” se le ocurrió a Casey y creo que es una forma genial de terminar el álbum. Los efectos de sonido fueron algo nuevo para nosotros, pero creo que añadieron emociones y ayudaron a contar la historia. Planeo usarlos también para nuestro próximo álbum. Para vuestro siguiente trabajo, ¿habéis pensado en dar continuidad a esta historia o probareis con algo diferente? Ross: No planeo continuar con la historia de “Oracle” ya que siento que se cierra con “Heiress of the Night”. Pero… ¡ya tengo un álbum nuevo escrito y solo tenemos que empezar a aprendernos las canciones! Es otro álbum conceptual, pero es una historia distópica de un futuro cercano sobre el fin del mundo. Material positivo!! Jaja. La portada puede generar un poco de confusión y a bote pronto la asocié a ese sonido retro heavy de bandas como Gygax o Gypsyhawk al tener ese formato a lo módulo de Dungeons&Dragons. Cuéntanos de la portada. Ross: Thérèse Lanz, amiga de Casey y Amanda se encargó de la portada, ¡y la clavó!. Le envié las demos de “Oracle” para que las escuchara y algunas ideas de lo que pensé que podría funcionar, pero ella lo llevó al siguiente nivel. Ella es jugadora de Dungeons&Dragons, por lo tanto rápidamente capto lo que contaba la historia y supo darle vida con su arte. ¿Qué opinas de esas bandas que se siguen empeñando en sonar a heavy clásico hoy?¿Hay saturación de herederos de Manilla Road? Ross: En realidad, no me preocupa ese tema de los sonidos clásicos contra los nuevos. Creo que hay muchas bandas muy buenas que están haciendo cosas que suenan retro pero saben calibrar la mezcla para que parezcan frescas. También creo que hay mucha música del pasado que ha envejecido bien y se mantiene vigente. Ya no me preocupo por las categorías o los subgéneros, simplemente me gusta la música pesada, ya sea metal, hardcore, clásica, electrónica, ¡lo que sea! Recuerdo una cita de Henry Rollins en una de sus grabaciones donde dijo algo como: “Si la música es buena, es buena. ¡No me importa de qué tipo o género sea!». Totalmente de acuerdo. Respecto a ese debate que comentas del old school contra los nuevos sonidos, yo como hombre con canas en la barba prefiero los clásicos. ¿Qué opinas de estas nuevas tendencias del metal? Ross: Realmente no presto mucha atención a las tendencias o en cómo la gente percibe la música. El poder de la música es la forma en que puede hacerte pensar y sentir. Si te gusta algo y te hace sentir algo es que es buena. La música debe ser una experiencia personal. Hay mucha música por ahí, así que si encuentras algo que funcione para ti, aprovéchalo. Casey: Todo es cuestión de gusto personal. Desde mi perspectiva como ingeniero de sonido, los gloriosos días de pasar semanas en el estudio hasta clavar la versión perfecta en una cinta de dos pulgadas es algo inimaginable hoy en día, ya no hay dinero para eso. Sin embargo, existe la tecnología para emular todos esos sonidos digitalmente. He llegado a usar baterías por software para varios álbumes. Todo se reduce al artista. La tecnología existe para hacer que un disco suene tan old school o tan moderno como quieras. Personalmente me gusta todo, desde el metal progresivo angular moderno de Periphery hasta el revival del thrash metal crudo de los 80 del nuevo álbum de Mr. Bungle. Nunca antes hubo tantas herramientas en manos del artista como hoy.

Cada vez se ven cosas más inverosímiles en cuanto a merchandising. ¿Habéis pensado en aprovechar ese concepto rolero y sacar un dado como Gygax o un juego de mesa como Therion? Ross: Mi grupo de Dungeons&Dragons y yo comenzamos a crear un módulo de «Oracle», pero es mucho trabajo y no hemos podido prestarle la atención que merece. Ojalá podamos sacarlo en algún momento este año. En cuanto a conciertos, ¿teníais algo planeado?¿Pensáis tocar “Oracle” de principio a fin? Ross: Teníamos la presentación de “Oracle” prevista para diciembre y habíamos vuelto a ensayar pero las cosas volvieron a bloquearse aquí en Alberta, así que tuvimos que volver a parar todo. El plan era tocar «Oracle» de principio a fin, ¡la única vez que alguien escucharía «Solitude» en vivo!. Nos gustaría transmitir un directo, pero eso significa ensayar y no podemos hacerlo debido a las restricciones del Covid. ¡Esperamos que las cosas mejoren pronto y volver a tocar en vivo! La escena canadiense, una de las mejores en cuanto a metal extremo… ¿Cúal ha sido para ti el mejor disco de 2020, nacional e internacional? Ross: Canadiense, “Septentrion Revival” de Wormwitch e internacional “Spectres From the Old World” de Dark Fortress. Elige uno, ¿Cryptopsy o Beneath the Massacre?, ¿Gorguts o Rush?, ¿Anvil o Exciter?, ¿3IoB o Unleash the Archers? Ross: Cryptopsy, Rush, Anvil y Unleash the Archers ¿Qué conoces de España y de su escena metalera? Siendo sincero, no sé mucho sobre la escena metalera española, ¡pero imagino que hay toneladas de grandes bandas haciendo cosas realmente buenas! Me sorprende la cantidad de buenas bandas que hay… Internet ha permitido que muchas bandas súper talentosas muestren su increíble música y pasión y estoy seguro que España tiene una gran escena. En cuanto al Covid, cada vez se conocen más datos y nacen nuevas opiniones, algunas cospiranoicas. ¿Cuál es la tuya? Ross: No quiero que suene irónico, pero esta pandemia va a cambiar las cosas y con suerte, será para mejor. Tenemos que empezar a considerar cómo nosotros (los seres humanos) interactuamos con el resto de la vida en este planeta. No estamos por encima de la naturaleza. Somos parte de ella y debemos respetar las formas en que la naturaleza puede patearnos el culo. Si mostramos más respeto y amor a nuestro hogar, podemos disminuir las posibilidades de que esto vuelva a suceder (¡porque así será!). En cuanto a las teorías de conspiración sobre el origen del virus y cómo es un engaño, mi respuesta es simple: ponte mascarilla. Confía en la ciencia, piensa más allá de tus propios deseos y necesidades, y cómo tus decisiones afectarán a otras personas. Muestra algo de empatía. ¡Caretas fuera! ¿Qué artista mainstream odias por encima de todo y con cuál disfrutas en secreto? Ross: No soporto el mumble rap y disfruto de Foster The People y The Weekend. ¿Qué quieres conseguir en el mundo de la música? ¿Qué te dice el oráculo, jeje? Ross: No hay nada específico que quiera lograr… simplemente disfruto escribiendo canciones y haciendo música con mis amigos en Greybeard. Me encantaría empezar a tocar de nuevo y ojalá podamos ir pronto a Europa. ¡El oráculo dice que siga rockeando! Para los lectores de Necromance Magazine, ¿por qué deberían escuchar vuestra música? Ross: Greybeard tiene mucha pesadez, pero también ritmo y melodía. Usamos voces limpias y guitarras acústicas para navegar por los estados de ánimo y dinámicas dentro de la pesadez de nuestras canciones. Somos una banda de death metal progresivo con una buena dosis de influencia del metal clásico. Si vas a escuchar una canción, escucha “Heiress of the Night”, ya que encapsula todos los elementos de Greybeard. Gracias y buena suerte. [ SCHEITAN ]

NUM. 81 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 39


MIND DRILLER


MIND DRILLER lo han vuelto a hacer. Desde 2011 que llevan repartiendo cera, con tres álbumes a las espaldas, giras y demás… y después de un año tan cabrón como el 2020, se han sacado un “InBolution” sin perder un ápice de imaginación, potencia, concepto de banda, creatividad y sonido industrial a saco. ¡Buenos días, buenas tardes y buenas noches! Antes de nada, pregunta obligada con respecto al bicho ¿todos bien, tanto vosotros como en vuestro entorno? Estefanía: Afortunadamente todo bien, aunque lo he podido sentir muy cerca y no mola nada. Daniel: Por suerte bien, algún susto familiar pero al final falsa alarma, y algún conocido que si lo ha pasado. Pues aquí estamos de nuevo, casi dos añitos desde aquel “Involution”. ¿Qué ha pasado desde entonces? ¿Giras, conciertos…? Estefanía: Todo fue estupendamente hasta la pandemia jaja Por suerte pudimos hacer la gira nacional y la de Alemania con OOMPH! Ambas con un apoyo brutal del público, y algún festival grande como el Leyendas del Rock. La segunda parte nos vimos obligados a aplazarla, ya la retomaremos cuando se pueda. Daniel: Si exactamente, hasta marzo de 2020 todo iba estupendo después de haber estado con OOMPH! en Alemania, pero al volver nos encontramos con la sorpresa del virus… En teoría a partir de mayo se podrían reanudar los conciertos si todo va bien, estamos esperando algunas confirmaciones. Fecha confirmada para el Resu 2020 y de repente, sopapo, se cancela y todos pa’casa. ¿Cómo se lleva eso? Y ¿cómo han ido las negociaciones para poder volver a estar de nuevo allí en 2021? ¿Cómo se cuadran agendas? ¡Buff, una puta locura! Estefanía: Se lleva realmente mal. Recuerdo que cuando compartí en su día que estábamos en el festival dije textualmente “si no pasa nada nos vemos en el Resu 2020”, me salió el otro día en los recuerdos de facebook y me reí por no llorar jaja Es mi festival nacional favorito, es un sueño tocar ahí así que fue un palo gordo. Ahora para evitar más dolor y aunque estemos reconfirmados prefiero no volver a hacerme ilusiones por si a caso…

¿qué han sido? ¿Temas que no acabaron entrando en el anterior álbum o temas completamente nuevos? Javix: Prophecy es el único tema de los tres que es totalmente nuevo y que marca ya una pequeña pauta de lo que será el próximo trabajo de la banda. También tenemos tres remezclas de tres temas del “Involution”. ¿Qué pasa? ¿Qué eso de la programación, de los efectos, de los loops, de la mesa de mezclas llena de botoncitos os tienta más que a Trump un golpe de estado?. Porque la base está ahí, pero le habéis dado una vuelta de tuerca interesante. Javix: jaja, la verdad es que dos de ellas las hice yo y es gracioso re-mezclar tus propias canciones, pero me lo pase genial haciéndolo, les di un toque más electrónico, más rollo Hasswut (Mi otra banda). ¿Y lo de incluir las versiones instrumentales de los temas? Estefanía: Mind Driller es pura electrónica y en la mayoría de ocasiones instrumentos como las voces a lo mejor las eclipsan, por eso y en honor al gran trabajo instrumental que hace Javi nos pareció muy interesante incluirlas para poder apreciarlas en su totalidad. ¿Cómo se arma un tema? ¿Me lo monto yo todo en mi estudio casero? ¿Alguien me pasa una línea de bajo y desde ahí vamos añadiendo cosas? Javix: En nuestro caso y hasta día de hoy, yo me encargo de componer la parte musical del tema entero en casa en mi pequeño estudio, luego lo muestro al resto de componentes y si le damos el visto bueno todos, ya vamos metiendo arreglos de bajo, batería y de estructuras, después ya trabajamos melodías de voz y letras.

En este “InBolution”, ¿Qué nos encontramos nuevo de MIND DRILLER? Daniel: Prophecy, Overthrow y Denken. Estos dos últimos no pudieron entra en el álbum Involution de 2019 y nos gustaban tanto que teníamos que sacarlos de alguna manera. Además tres remixes, dos de ellos hechos por Javix y otro por la banda alemana Scherbentanz. Y por ultimo tres canciones instrumentales.

Es indudable que, realmente, estamos en un proceso de involución. ¿Dónde lo notáis más? Estefanía: Creo que es bastante obvio, donde más se nota es en la sociedad. Los humanos con nuestros actos somos el más nítido reflejo de la involución. Sólo diré capitolio… Daniel: Desde luego es en las personas, sobre todo esas que se hacen llamar “gente normal”, hay demasiada “ovejita” de rebaño sin usar mucho el cerebro y así va todo. Por otro lado, la política y la religión haciendo enemigos de unos bandos u otros…

Esos temas nuevos, “Prophecy” como nuevo single,

Después del 2020 que nos hemos pegado, ¿hay futuro

para la cultura, y, en particular vuestro caso, para la música en directo? Estefanía: Al principio costará porque la gente aún tendrá el miedo, o respeto, en el cuerpo y además habrá muchísima oferta no sólo nacional sino internacional, ahí es donde bandas nacionales lo pagarán caro ya que la gente priorizará el asistir antes a un bolo de Arch Enemy a un mini festival con bandas nacionales. Aún así, mente optimista y positiva. Creo que llevará su tiempo pero volveremos a donde estábamos, eso sí, ni mejor ni peor. Daniel: Desde luego va a ser bastante complicado volver al punto donde estábamos, pero pienso que con tiempo y paciencia se podrá volver, la gente deberá volver a tener confianza y habrá mucha cola para bandas que quieran tocar, por lo que seguramente encontrar fechas nuevas sea algo mas complicado. Una banda que nunca falta en vuestra lista de reproducción. Un músico al que admiráis y os resulta inspirador. Y, por último, una banda que hayáis descubierto en estos meses de atrás. Estefanía: PVRIS está en todas mis listas de reproducción desde hace unos años aunque por encima de cualquiera siempre encontraré inspiración y tendré mayor admiración por Amy Lee de Evanescence. Otra banda que descubrí hace unos años y ahora están empezando a tener la repercusión que se merecen, y sin duda recomiendo, son Spiritbox. Si no pasa nada ¡Los veremos en el Resu 2021! Daniel: Nunca falta en mi lista Unheilig (Los primeros discos sobretodo) al igual que podría añadir Tyske Ludder, Rammstein, OOMPH!, Ruoska, Turmion Kätilöt, Megaherz, Eisbrecher, Agonoize, Gothminister, Nachtmahr, Funker Vogt, Stahlmann, Crematory, Hasswut (Mi otra banda en la que Javix también está jajaja)… la lista puede ser muy extensa, y muy de la movida alemana jajaja. Y una banda que descubrí hace un par de años es Scherbentanz (los cuales participan en el EP InBolution en un remix) que tal y como empezaron su carrera con su debut, deberían ir subiendo rápidamente, son una gran banda. Micrófono abierto para vosotros. Saludad, mandad abrazos, lo que queráis… ¿Nos vemos en el Resu? Javix: Muchas gracias por vuestro tiempo y apoyo y gracias a la gente que se interese por nosotros y nos ceda también su tiempo. ¿En el resu? Ojalá, eso significará que las cosas están mucho mejor que a día de hoy. [ CESAR LUIS MORALES ]

NUM. 81 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 41


KÖNIGREICHSSAAL


Cult of Parthenope está fichando increíblemente, y una muestra más de ello es la irrupción de los polacos KÖNIGREICHSSAAL, que con su debut «Witnessing the Dearth» echan sal a la herida abierta provocada por el hermético black polaco en los últimos años. Un goteo letal a base de dosis doom y black con el que crean atmósferas abrumadoras en las que blasfemar con sutileza. Charlamos con De Atevs, guitarra y voz, quien nos describe como se ha fraguado este trabajo. Bienvenido a Necromance Magazine. ¿Cómo surgió la idea de Königreichssaal? ¡Hola a todos! Bueno, nuestra historia comienza hace unos 20 años. Nuestro batería Jakob es el hermano menor de un buen amigo mío. Anteriormente, hicimos algunos intentos de montar una banda, pero nunca funcionó, por lo general fallaba después de unos meses y pocos ensayos. Mientras tanto, nuestros caminos se dividieron por circunstancias cotidianas. Debido a la mala situación en Polonia, Jakob se vio obligado a dejar Polonia para buscar trabajo en el extranjero. En 2018 me dijo que regresaría a Polonia de forma permanente, por lo que podemos decir que es el miembro fundador de la banda. Retomé mi guitarra después de muchos años de descanso y a principios de 2019 nuestro bajista Artur se unió a nosotros y comenzamos a ensayar como un trío. Solo queríamos tocar para nosotros, pero tocar versiones era terriblemente aburrido, rápidamente abandonamos la idea y comenzamos a escribir nuestro propio material. Riff a riff, paso a paso, en cada ensayo fuimos progresando. Afortunadamente tenemos gustos similares, nos gustan las mismas bandas, las que nos inspiran y nos hacen recorrer este camino a la perdición. ¿Cuáles son vuestras principales influencias y dónde encontráis la inspiración a la hora de componer? La inspiración proviene, por supuesto, de la música. Principalmente del black metal, pero no siempre, depende del momento. En mi caso esto varía muy a menudo, es un reflejo de mi estado de ánimo, la estación del año e incluso el día y muchos otros factores. Si tengo que dar ejemplos que me abren el camino de la inspiración, diría que durante la última década fue la devoción a la oscuridad y a la atmósfera enfermiza y embrujada de Kriegsmaschine. Admiro la actitud que tienen junto con Mgla, desde la sombra hacen su trabajo lo mejor que pueden. Otro ejemplo, con importante impacto en mí, es seguro Deathspell Omega por su enfoque religioso y su complejidad musical que va desde la máxima tranquilidad oscura hasta un huracán de furiosos tornados. También aprecio mucho la fertilidad de Urfaust al igual que Furia, pero de estos me movió más la curiosidad de ver como incluían el folclore local en su música. La visión tribal y psicótica de Neurosis en sus discos más antiguos también. Y es difícil no mencionar a los viejos dioses como Burzum, Emperor, Sarcofago, Kat, Mayhem, Storm, Rotting Christ, Varathron y muchos otros, no solo del metal. Sin embargo, para mi, la mayor obra hecha por el hombre es el “Requiem” de Mozart. Básicamente, admiro la música cuando tiene esa sustancia elemental de genuinidad y autenticidad. Supongo que nuestro trabajo puede polarizar la percepción de la gente, pero esta es la única vía. Cuando compuse la música y trabajé en las letras, tuve que cambiar mi forma

de pensar. Conclusión: la inspiración es un puto paquete de ideas, pensamientos y conclusiones que no solo provienen de la música, sino también de las películas, la literatura y la observación. El álbum se publica a través de Cult of Parthenope Records. ¿Qué tal el trabajo con ellos? Debo decir que fue una coincidencia, pero un buen movimiento. Probablemente nadie más en este planeta, excepto yo, creía en este disco como lo hizo Gulian (el dueño del Culto de Parthenope). Incluso mis compañeros de banda comparten mi punto de vista. Cult Of Parthenope es un sello nuevo, pero el propietario tiene experiencia, muy buena orientación, gran conocimiento y está dispuesto a hacer grandes cosas. Solo mira lo profesional y elaborado que ha quedado el producto final en sus diferentes formatos. Hasta ahora estamos muy satisfechos con su trabajo y esperamos que sea aún mejor en el futuro para ambas partes. ¿De qué trata el disco? Nos enfrentamos a un momento de ceguera religiosa, necedad, la peligrosa lealtad de aquellos que creen firmemente que alguien vendrá a por ellos, lo que dudo mucho. Es una olla donde se mezcla la actitud de los hombres junto a la patraña del cristianismo. El álbum va en contra de toda la estupidez de base religiosa y sobre la caída del hombre, pero para ser honesto, prefiero escribir letras a escribir sobre ello. Así que la interpretación depende de cada uno de vosotros. ¿Cómo fue la grabación del álbum? Para nada como esperábamos que fuera. Según recuerdo, comenzamos a grabar la batería el primer fin de semana de febrero y nos quedamos con la versión final el último fin de semana de septiembre. Es, al menos para nosotros, un largo período de tiempo. La grabación de batería no fue buena, Jakob solo tuvo dos intentos para hacerla. La calidad del sonido a nivel de grabación dejó mucho que desear. Por suerte, tuvimos el placer de trabajar con Haldor Grunberg, quien hizo un gran trabajo posterior para nosotros. Finalmente, el sonido es estándar, pero mantiene ese poco de suciedad, sin pulir, áspero, exactamente como queríamos. Con una pierna en la oscuridad y la otra pateando la puerta a otro mundo. Creo que el sonido del disco refleja esta actitud. ¿Quién es el responsable de la composición y letras? Mi humilde persona es. Yo soy el que descifra la música, el que convierte los pensamientos en palabras. Es reconfortante cuando consigues obtener la visión, ideas y concepto acabado en tus manos. No es tan agradable cuando saco un riff cada tres horas de práctica y final-

mente no lo usamos. Es un papel de responsabilidad en la banda, pero desafortunadamente nadie puede hacerlo por mí y es una carga que tengo que asumir, sin embargo, la recompensa es más grande cuando tocamos esas pistas sintiéndonos perdidos y cargados de vibraciones oscuras, terminando exhaustos después de cada ensayo y recibiendo al menos esa pequeña dosis de felicidad en esta vida llena de mierda. ¿Cómo ha sido hasta ahora el feedback de los medios sobre el álbum? El feedback está siendo mayor de lo que imaginaba. Ya he leído palabras que nos sobrecogen totalmente ya que empezamos con la idea de entretenernos. Es difícil pensar que a alguien le pueda gustar esta música, no esperábamos nada de la escena. Nuestro planteamiento sigue siendo el de tocar en el garaje, beber alcohol y escupir a los tontos sin mirar a nadie. ¿Qué es lo que más te gusta del álbum? ¿Algo en particular? Con total confianza, el sonido que ha conseguido Haldor. Las pistas en bruto eran lo suficientemente buenas, se podían inflar o simplemente joder y esa responsabilidad ha recaído sobre sus hombros. El resultado final superó nuestras expectativas. Enfatizó exactamente los momentos que había que enfatizar y dio un gran impulso al conjunto. De las cosas que dependen de nosotros debo mencionar la diversidad, creo que cada corte es diferente, pero es consistente escuchado de principio a fin. En esta horrible temporada, ¿qué estáis haciendo para promocionar el álbum? Nada especial, excepto los movimientos promocionales estándar menos tocar en vivo, al menos por ahora. La razón es prosaica ya que no tenemos el line-up suficiente para hacerlo. Podría cambiar, pero no estamos preparados para hacerlo sin modificar nuestras obligaciones del día a día. Hasta el segundo álbum seguro que nos mantendremos así. Suficiente por ahora. Gracias por tu tiempo, ha sido un placer. Tus últimas palabras… Muy agradecido por tu tiempo, hospitalidad y buenas palabras. Aprecio cualquier tipo de actividad que no sea ver televisión y quejarse como un flojo. Para todos aquellos que tienen la mente abierta, los animo a escuchar “Witnessing the Dearth” y que sean testigos de cuanto escasea la música como esta. Mejor borracho, odiando y dudando de nuestra miserable humanidad. Amén. [ DAVID DÉNIZ PLAZA ]


ACID MESS Los asturianos ACID MESS regresan después de 5 años para presentarnos su nuevo álbum «Sangre de Otros Mundos», el más complejo hasta la fecha musicalmente hablando, publicado a través del sello Spinda Records. A su rock progresivo se unen la psicodelia, el flamenco andaluz, el punk rock, los ritmos latinos,… en una apuesta, sin lugar a dudas, arriesgada. En esta entrevista vamos a tratar de adentrarnos en el mundo de ACID MESS .

Ante todo me gustaría felicitaros por vuestro nuevo trabajo y podríamos empezar hablando sobre vuestros inicios en la música y sobre la trayectoria que habéis llevado. Contadnos cómo empezasteis en este mundillo… Actualmente somos una banda formada por buenos amigos que han encontrado en la música psicodélica un bien común, pero en sus inicios de los cuales solo Borja (bajista) está presente, la banda hacía un hardcore punk al estilo de los Bad Brains o Annihilation time. Con el tiempo y el cambio de sus integrantes, acid mess iba evolucionando hacia un rock más setentero con pequeñas pinceladas de psicodelia americana. Actualmente somos una formación muy variada en cuanto a gustos musicales se refiere y creemos que eso ayuda a crear un contenido algo más original y personal del que estamos acostumbrados a ofrecer. Viendo la evolución de la música desde vuestros orígenes como una banda punk resulta bastante obvio que las influencias musicales han ido variando a lo largo de los años. ¿Cuáles son vuestras bandas de referencia actuales? Que difícil!! Escuchamos mucha música y cada uno ramifica hacia un estilo muy distinto e incomparable pero podríamos decir que artistas como Tom misch, Yussef Dayes, Altin gün, king gizzard and the lizard wizard, Allah Las, Kraughbin, Don Caballero, Univers Zero, forman parte de nuestras influencias actuales. Han pasado ya cinco años desde que vio la luz «II». ¿Qué habéis estado haciendo todo este tiempo? Esperar, desanimarnos, deprimirnos y en última instancia coger de nuevo el valor y las ganas necesarias para volver a componer. Fue una época en la vimos una pequeña posibilidad de que la banda muriera; hacíamos pocos conciertos y siempre tirábamos del mismo repertorio, ya que la posibilidad de reunirnos de manera constante era casi inexistente. Creamos otras formaciones y grabamos un disco, pero no era lo mismo. Al final vimos la luz y creo que el resultado habla por si solo, te puede gustar lo que hacemos o no, pero por lo menos nosotros tenemos claro que juntos creamos música que por separado no seríamos capaces ni de imaginar. Contáis con el apoyo de Spinda Records. ¿Qué nos podéis contar sobre esta colaboración? Fue una sorpresa toparnos con Berto. Nos escribió a raíz de un video que publicamos en el confinamiento y quería saber si teníamos disco o estábamos planeando algo. No44 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 81

sotros le pasamos lo que teníamos grabado y la conexión fue inmediata. Él se enamoró de nuestro disco y nosotros nos enamoramos de él, por su manera de ser, trabajar y ver el arte. No hay semana que berto no se interese por aspectos de la banda que en un principio puedan parecer que no le atañen, es resolutivo y nos despeja el camino que es algo que siempre necesitamos. Somos una banda difícil de gestionar, a veces tenemos la pereza por bandera y en muchas ocasiones no valoramos del todo lo que hacemos. Berto está con nosotros con la promoción del disco pero siempre haciéndonos ver que tenemos más aspiraciones y posibilidades de crear un futuro mejor para la banda.

mente natural y no resulta para nada forzado. ¿Cómo surgió la idea de fundir tantos sonidos diferentes? Pues no surgió, fue el resultado de un trabajo grupal. Alguien traía el esqueleto de la canción y tan siquiera el riff principal mientras que el resto hacía la labor de arreglistas o enfocaban las transiciones con lo primero que sonaba en sus cabezas. Hay canciones que salieron de inmediato como “el reflejo de su piel” o “hijos del sol” y otras que llevaron un proceso de composición más costoso como por ejemplo “infierno gris”. Lo que teníamos claro es que el ritmo tenía que estar muy presente. Si dejas que la canción camine da igual que estilo de música quieras fusionar, todo encaja a su alrededor.

Para grabar «Sangre de Otros Mundos» habeis elegido Ovni Estudio. ¿Cómo resultó la experiencia de trabajar junto a Pablo Martínez? Pablo es un buen amigo y un seguidor de la banda, así que no tuvimos dudas en que iba a salir un buen resultado si decidíamos grabar en su nave. Empezamos por cuidar mucho los sonidos y nos obsesionamos con ciertos procesos que ciertamente ahora vemos que no eran tan importantes. Por suerte Pablo nos supo parar a tiempo y enfocamos el disco con más naturalidad. Fue una grabación distinta a las demás, puesto que en ésta ocasión decidimos grabar por pistas y con claqueta, algo que no ocurría en discos anteriores. Le dimos muchas vueltas a la mezcla y tras muchas escuchas creemos que fué un resultado muy positivo. Sin duda trabajar con Pablo facilitó tener un sonido más personal, ya que nos conoce bien y sabe por donde queremos tirar aunque no se lo sepamos explicar. Cabe decir que en muchas ocasiones nos quiso partir la cabeza, algo que demuestra lo mucho que nos queremos jajaja.

¿Cómo os planteáis la promoción del LP? ¿Intentaréis realizar conciertos, a pesar de frialdad que representa tener al público sentado, o viendo que se están cancelando la mayoría de ellos a pocos días de su celebración buscaréis otra forma de hacer llegar vuestro trabajo al público? Desde un principio tuvimos claro que debíamos empezar con la promoción pese a la situación actual. Es así que estamos ya agotando los discos y que pronto empezaremos los conciertos. Por el momento el 11 de febrero vamos a grabar para los conciertos de radio3 y aprovechando la situación tocaremos al día siguiente, 12 Febrero, en la sala Moby Dick de Madrid y en la Jimmy Jazz de Vitoria el sábado 13. Si que nos da un poco de bajón pensar que vamos a tener a nuestro público sentado en sillas sin poder moverse y con los rostros tapados, pero al menos tenemos la oportunidad de poder presentar el disco y no estar bajo la incertidumbre de cuándo se va a poder volver a la normalidad.

Habéis pasado de un álbum instrumental a uno en el que las letras resultan las más complejas de toda vuestra discografía. ¿Esa complejidad viene dada por rehacerlas una y otra vez estos años? La cuestión es que este disco se compuso en un año o poco más, se podría decir que el grueso de su contenido fue escrito en menos de un año. Había temas que ya veníamos tocando en directo y algún otro resonaba en nuestras cabezas, pero nada estaba cerrado por entonces. Las letras si, son un cúmulo de experiencias y sensaciones que vivimos durante esos largos años. Si por algo destaca este trabajo es por unir la psicodelia, el flamenco, el punk rock, los ritmos latinos,… en un mismo álbum de forma que el resultado es completa-

Aunque mirar al futuro ahora mismo parece complicado… ¿qué planes tenéis? Estamos con ganas de más, queremos grabar otro disco pronto. Por el momento nos estamos centrando en preparar bien los conciertos que nos vienen pero algún tema nuevo ya va sonando en los ensayos. Lo que tenemos claro es que la música no va a detenerse para nosotros. Y ya para terminar me gustaría felicitaros nuevamente y daros las gracias por atender a Necromance Magazine. ¿Hay algo que os gustaría decir a nuestros lectores? Solamente queremos decir una cosa, que consuman música de cercanía, que hay mucho nivel!! [ ATAEGINA MOON ]


ENCEPHALIC Desde Almería, el dúo formado por Oscar y Sergio, ENCEPHALIC, nos deja una dosis de brutal death en la parte final del año con un álbum basado en asesinos en serie y un gran despliegue técnico. Desde Necromance Magazine quisimos ponernos en contacto con ellos para profundizar un poco más en este segundo álbum.

Primero de todo daros las gracias por atender a esta entrevista y para los que aún no os conozcan ¿Quién se oculta tras ENCEPHALIC? ¿Habéis pensado alguna vez en incorporar un batería a la banda? Gracias a vosotros por dejarnos un hueco vuestro espacio. Pues Encephalic somos dos hermanos de Almería Sergio Company a la guitarra y yo (Óscar Company) bajo, batería programada y voces. La incorporación de un batería a la banda no sólo lo hemos pensado, sino que contactamos con varios y por falta de tiempo básicamente, al final no pudo ser, así que finalmente decidimos seguir nosotros sin batería.

christianize Art, me encanta, añade ese toque de sadismo y locura al álbum ¿Habladnos un poco del significado de vuestro artwork? ¿Qué intenta reflejar? Precisamente no es lo que aparenta, quien vea nuestras portadas pensará gore, sangre, muerte, mutilación,… pero lo que queremos reflejar es la demencia de los asesinos, hasta el punto que pueden llegar, son asesinos en serie, no un asesinato fortuito por una discusión, pelea, … asesinan por placer, les hacen sufrir, y disfrutan escuchando como piden clemencia, llegan a eyacular sobre sus víctimas, disfrutan con lo que hacen, son animales enfermos y retorcidos.

“Exalted Perversity”, es vuestro segundo trabajo, en el que dais un paso adelante en cuanto a sonido y continuáis con el estilo conceptual centrado en asesinos en serie ¿Cómo surgió esta idea? ¿Por qué no habéis introducido ningún personaje español como “El mendigo Asesino”, del que nos hablasteis en vuestro primer trabajo? Pues intentamos no hacer lo mismo de siempre y decidimos que la banda en si fuera conceptual y el tema fue los asesinos en serie, pero no por los asesinatos, gore, muerte,… si no por qué lleva hasta ese puto depravado y enfermo a una persona, no todos son dementes en apariencia, hay gente bien, pero en su interior hay un animal, que antes o después sale, las letras no hablan de los asesinatos en sí, son biográficas y hablan sobre sus vidas, sus enfermedades y evidentemente de los asesinatos que cometen, pero todo va orientado a la demencia, no al gore, a o macabro como decía antes. Hay muchos asesinos en serie y no nos fijamos en el país para escribir sobre ellos, en este álbum no ha habido ninguno español, quizás en el siguiente haya dos o tres …

Grabado, mezclado y masterizado por vosotros mismos, lo que da tiempo para trabajar profundamente los matices, y más en tiempos de pandemia ¿Habladnos un poco de cómo ha sido este proceso de grabación y composición en tiempos de Covid19? ¿alguna anécdota que nos puedas contar, ya que siempre hay alguna? El álbum estaba compuesto desde el 2019 y comenzamos la grabación a principios del 2020, no nos pilló la pandemia. El álbum se retrasó dos meses de su salida, y fue por volumen de trabajo, quizás debido a la pandemia que tenían trabajo retrasado, no nos quedó claro, simplemente nos daban largas, jejeje. Como anécdota, debido a que no contaban con nosotros para conciertos ni festis, decidimos dejar el local por una temporada, hasta que nos salieran conciertos y justo a la semana siguiente nos confinaron, la verdad es que nos ahorramos una pasta jajaja, las bandas tuvieron que pagar los locales aunque no pudieran hacer uso de ellos por el confinamiento.

Vuestro sonido es continuista con vuestro anterior álbum, creando una dupla de asesinos y cortes de brutal death muy interesantes ¿Cómo ha evolucionado vuestro sonido entre estos dos trabajos? ¿podemos encontrar algo diferente? Quizás este álbum tenga más riffs aplastantes y con más Groove que el anterior, pero tenemos claro lo que queremos y la línea a seguir y con “Brutality and Depravity” ya indicamos el camino, no habrá cambios bruscos, puede haber más riff de tal o cual manera, pero Encephalic seguirá siendo Encephalic, nuestro sello siempre estará ahí. El sonido siempre también tendrá nuestro sello ya que soy yo mismo quien nos graba, mezcla y masteriza y el sonido entre un trabajo y otro será más o menos el mismo, siempre intentando mejorarlo, pero ese toque estará presente. Vuestro artwork, de corte clásico, realizado por De-

Si tuviera que elegir algunos temas para que me hablaras de ellos, me quedaría sin lugar a duda con “The Killer Shaman”, “Milwaukee Butcher” y “The Toolbox Murders”, ¿Qué historia guarda en su interior cada uno de estos temas? ¿Tratáis los temas en concreto, los asesinatos, su forma de actuar…? ¿U os centráis más en el aspecto psicológico de los personajes? ¿Cuál ha sido el más difícil de componer? Sí que nos centramos más en el aspecto psicológico, como comentaba antes son más biográficas, para saber de donde vienen y por qué cometen esos asesinatos, no el acto en si, toda acción tiene una reacción y en este caso es liberar sus sentimientos más ocultos, disfrutan con lo que hacen, quizás por el subidón de adrenalina, una vez que empiezan no pueden parar!!!. Tema más difícil ninguno especialmente, sabemos lo que queremos y conocemos nuestras limitación y vamos a lo seguro y a lo que sabemos hacer bien, llevamos 25 años en esto y tenemos las cosas claras.

Por cierto, al ser un dúo, ¿vuestro proyecto lo lleváis al directo? Y si es así, ¿algo a la vista para este 2021? Sí, nuestro debut en directo fue presentado nuestro primer trabajo “Brutality And Depravity” en el Icon Of Brutality Fest II en el 2019 y ese mismo año íbamos a tocar en otro festi del que no me quiero acordar, que después de 8 meses esperando nos cambiaron las condiciones a días del festi y no fuimos, también nos ofrecieron ir de gira por Europa y en esa misma gira tocar en varios festis y a la hora de la verdad nos dejaron tirados, además de ignorarnos por completo en festis nacionales, lo cuál nos llevo a dejar el local por un tiempo y justo nos confinaron. Viendo lo visto, la poca seriedad que tienen los organizadores y que parece que sólo tocan en los festis las bandas colegas, hemos decidido, de momento, que sea una banda de estudio. Que se coman la pollas entre ellos y se traguen el lecherón si quieren, pero que no anden jodiendo a quien realmente siente esta mierda. Es música, sin más!!, y hay que disfrutarla y respetar a las bandas, todo lo demás sobra. En estos momentos de incertidumbre y en plena pandemia mundial, ¿Cómo se estáis viviendo la situación a nivel musical? ¿Qué planes de futuro estáis considerando tras paralizarse los eventos culturales? En mi caso tengo varios proyectos y cuando no compongo para una banda compongo para otra, así que parado nunca estoy, referente a los eventos lo dicho, hemos decidido que de momento sea una banda de estudio. Ya he leído en otras entrevistas que casi siempre, escucháis metal, ¿Qué bandas podríais recomendarnos para conocerlas y descubrirlas? ¿Algunas de otros géneros diferente al vuestro que escuchéis? Sí, el metal no puede faltar, un músico que no escuche música, la compre física y la disfrute, no se puede considerar músico, es un mercerario, pero sin cobrar, jajaja. Bandas que no sean extremadamente conocidas o que hemos descubierto hace poco y de otros géneros: Cantique Lépreux, Carach Angren, Cabestro, Medical Etymology, Pharmacist… Y nuestros otros proyectos que quizás os puedan interesar: Abandonment, Catastrophic Evolution, Deceit, Eerie, Inhuman Depravation, Unethical Human Experiments, With All My Hate. Un placer poder hablar con vosotros, desde Necromance Magazine, las últimas palabras son vuestras. De nuevo gracias por vuestro tiempo y a los lectores, apoyad y compradle a las bandas, pero sobre todo, disfrutad de la música. Stay Brutal!!! [ JUAN ANGEL MARTOS ]

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VERSYA

Desde Barcelona surge una nueva banda centrada en el death metal melódico, con voz femenina y un toque industrial en su música, VERSYA, dejandonos a finales de 2020 su álbum debut “Ink On Paper”. Desde Necromance Magazine nos pusimos en contacto con ellos para conocer un poco más acerca de su proyecto y su concepto musical. Primero agradeceros que atendáis a esta entrevista y, en segundo lugar, feliz año 2021, ya que el vuestro será el primer trabajo del que me encargue este nuevo año que esperemos que sea mejor que al pasado, por eso comenzaremos con una pregunta atípica, ¿Qué balance hacéis de 2020, en cuanto al aspecto musical? ¿Qué esperáis de este nuevo 2021, con vuestro álbum recién salido del horno? 2020 ha sido un año duro para todos, no solamente a nivel musical. Afortunadamente, a nivel de salud estamos todos bien y tocamos madera para seguir así. No poder presentar en directo nuestro primer álbum, INK ON PAPER, ha sido duro para nosotros, pero asumimos el reto 46 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 81

de lanzarlo de todos modos. Esperamos que la situación en este 2021 se vaya normalizando para poder volver a subirnos a los escenarios y poder presentar nuestro trabajo en salas por toda España. Lo que más hemos echado de menos justamente han sido los directos, poder compartir nuestra música con el público e interactuar con todos vosotros. Ahora sí, vamos a conoceros un poco más ¿Quiénes se ocultan detrás de tan curioso nombre? ¿Cómo surgió la idea de crear VERSYA y vuestro concepto poético/ literario? ¿Cómo lo transmitís a vuestras letras? Noelia (vocalista) y Jaime (guitarrista) empezaron a

trabajar en un nuevo proyecto en 2014, encontrándose ambos sin banda en esos momentos. Noelia recordó una idea que tenía guardada hace años, desde 2008 para ser exactos: Versya. Versya es una palabra inventada, con raíz en la palabra “verso”, pero que va mucho más allá; siendo el hogar donde vive la poesía, y así empezaron a tomar forma las letras y el proyecto como tal. Jaime y Noelia grabaron una demo con varios temas que fue publicada en Bandcamp, para empezar la búsqueda del resto de miembros del proyecto. El primero en unirse fue Enric, al bajo y segundas voces, para un tiempo después contar con la incorporación de Jerry a la batería. Después de un tiempo con Victor Vatalakis a la se-


gunda guitarra, en 2018, Versya decidimos seguir como un cuarteto, pasándole a dar más peso a los samplers, consiguiendo un punto más industrial y fresco a nuestros temas. Volviendo a las letras, buscamos que tengan un componente emocional potente, transmitiendo sentimientos y mensajes con el uso de figuras retóricas. Este trabajo corre de la mano de Noelia, quien lleva escribiendo desde los 6 años prosa y poesía, y de Enric, quien empezó ayudando a dar los últimos toques a las letras y cada vez va teniendo más peso en su composición, trabajando ambos pluma con pluma en las letras de nuestro segundo trabajo. En lo referente a temáticas, la fuentes son diversas… Tenemos temas basados en experiencias y vivencias propias (I Am Wrath, The Hunter & the Wolf… ), otros con crítica social o histórica (The Longest War… ) e incluso otros, usando el background de Enric como astrofísico, con fuerte peso técnico y científico (Chernoshima, Old Clock… ). Finalmente, los dos singles publicados como videoclip (Ink on Paper, Storyteller) son temas con una temática metapoética, hablando de la poesía a través de de los propios tema; por ese motivo los subtítulos “Verses land Pt 1” y 2. “Ink On Paper”, es vuestro debut, presentando una propuesta oscuro y potente donde el death metal melódico es vuestro santo y seña, pero lo aderezáis con toques industriales ¿Cuáles han sido vuestras influencias para crear vuestro estilo? ¿Imagino que ARCH ENEMY sobrevuela vuestras mentes, sobretodo en esta última etapa? Salvando las distancias con bandas como IN MUTE, SYNLAKROSS, BLOODHUNTER, MIND DRILLER, PRIMA NOCTE,… donde las frontwomen femeninas están por fin, reclamando su sitio dentro de la escena metalera ¿Cómo veis este género en España? Si os somos sinceros… si empezamos con influencias no terminamos, que cada uno tiene las suyas y muy diversas. Este es un tema que muchas veces hemos hablado entre nosotros y creemos que nos une más como banda a nivel musical, el tener backgrounds y gustos diferentes nos permite ser originales y crear nuestro propio sonido. Cada uno trabajamos las partes de nuestros instrumentos según nuestras sensaciones y nuestros gustos propios; teniendo en común, eso sí, ese gusto por un sonido oscuro y potente. Referente a la escena del metal en España, esperamos que pueda mejorar en los próximos años. Muchas salas ya se veían en problemas desde hace tiempo, con pocos recursos, material anticuado y el Covid no les ha ayudado en nada. Desde aquí animamos a todos los que podáis, siempre manteniendo las medidas de seguridad, a dar apoyo a vuestros garitos, vuestras salas y vuestros grupos locales durante estos tiempos difíciles. Vamos a volver a darlo todo y tenemos que demostrar que en España se hace tan buen metal y tenemos tan buena escena como en otros países de Europa. Finalmente, respeto al tema de las frontwomen femeninas, bueno… no creemos que se deba designar un género musical por el género de la persona que esté en frente del micrófono. En ninguna expresión cultural debería haber distinción según el género o identidad de la persona que lo represente, y menos aún en un estilo como el metal. Cualquier persona, independientemente de su identidad, tiene cabida en el metal, esperemos que siga siendo así cada vez más y no tengamos que designar bandas por el género de quienes tocan. Vuestro artwork, aparte del color morado, me ha llamado la atención aparte de por su simpleza, por su belleza, donde la tinta se libera y se expande por si misma ¿Quién lo ha realizado y que es lo que habéis querido mostrarnos con él, es decir, que simbología aguarda en su cara oculta?

El diseño visual del disco ha venido de la mano de nuestro batería Jerry, ya que es licenciado en Bellas Artes. El arte del álbum en sí mismo tiene diferentes interpretaciones… Por un lado, la mancha de tinta mostrando, revelando el logo es una metáfora de este primer disco, nuestra forma de mostrarnos y presentarnos por primera vez al público, además de ser una clara referencia al título del trabajo, Ink On Paper. Entrando en los colores, el lila es una tonalidad que nos gusta a todos como banda; siendo además un color fruto de la unión de 2 colores conceptualmente contrapuestos: el azul, asociado al frío y tristeza; con el rojo, asociado a calor y pasión. Conseguimos de este modo un equilibrio entre dos extremos, una especie de Yin-Yang. El fondo blanco busca dar un aire fresco al diseño, huyendo de los típicos fondos oscuros que caracterizan la imagen de las bandas de metal extremo. Nos aporta simplicidad, mayor contraste con los lilas de la tinta, y además llama la atención. Finalmente, añadimos tanto en el libreto como en la contraportada un logo para cada uno de los temas, dándole una forma visual a cada una de las historias que va contando este álbum. Habéis grabado, mezclado y masterizado en Plygrnd Studio con Marco Papiz, excepto “Intro”, grabada por Jaime Monteagudo ¿Cómo ha sido el proceso de grabación en estos tiempos de covid19?, ¿habéis notado esa sensación de que al ser un año malo para los directos y el sector en cuestión, no teníais prisa en grabar el álbum? ¿alguna anécdota que podáis contarnos? Bueno, en realidad terminamos 2019 con los temas ya grabados, quedando para el principio de 2020 sólo la parte de mix y masterización. Desafortunadamente, con el Covid tuvimos que retrasar el lanzamiento, al menos en formato físico. Fuimos subiendo temas cada semana en Spotify, iTunes, Amazon Music… durante la cuarentena, pero el CD físico quedó “on hold”. Decidimos esperar a ver si pasado verano la situación se normalizaba un poco… y aunque no fue así, decidimos editar el álbum completo digital y físicamente, dado que ya nos quemaban los temas en las manos. A falta de conciertos y promoción, empezamos a trabajar ya en nuestro segundo álbum (aún sin título), del cual tenemos ya compuestos y trabajados varios temas, a la espera de terminar de cuadrarlos cuando podamos volver a ensayar. Dadas las circunstancias de confinamientos perimetrales en la zona de Barcelona, horarios de curro, etc… Se nos hace casi imposible coincidir los 4 para poder tocar. A nivel curiosidad, algunos fans y amigos de la banda nos han pedido el álbum firmado, pero dada esta situación de confinamiento, hemos tenido que ir firmándolos cada uno a su tiempo, dado que nos era imposible coincidir los 4. Si tuviera que destacar algunos temas para que me hablasteis de ellos serían, “The Hunter & The Wolf”, “Old Clock”, o “Storyteller”, ¿Cuál ha sido el más complejo de darle forma? ¿Sobre qué versan vuestras letras? En “Ink on Paper” los temas han seguido dos vías compositivas diferentes, ya que 3 de ellos provienen de un proyecto anterior a Versya de Jerry y de Victor Vatalakis, quien fue segundo guitarra de Versya entre 2015 y 2018; mientras el resto de ideas originarias de los temas provienen Jaime. En líneas generales, podríamos decir que los temas van naciendo de ideas primigenias de riffs y letras por parte de Jaime y Noelia, respectivamente. Luego con el resto de la banda vamos trabajándolos, con Jerry añadiendo las líneas de batería, Enric las de bajo, y éste con Noelia terminando de pulir letras y arreglos vocales. El último paso a nivel de composición vino con el añadido de los efectos, sintetizadores, etc. donde contamos con la colaboración tanto de Florian Schartner como de Noel Córdoba de Status of the Dark. A nivel de complejidad, los temas que más costaron fueron, por un lado,

“Storyteller”, donde finalmente conseguimos el sonido y dirección que queríamos como tema importante para la banda; y “The Longest War”, cuyos riffs originales y ritmos fueron los que más fueron evolucionando a medida que la tocábamos juntos en el local. En lo referente a letras, cómo comentamos más arriba, versan sobre diferentes temas. En cuanto a los temas referidos, en “The Hunter & The Wolf”, el hilo conductor es el conflicto entre la creatividad, diversidad, individualidad… y las presiones que intentan limitarla, ya sean estas externas (tomando al cazador como persona abusiva) o internas (nuestras propias inseguridades). “Old Clock” tiene un punto más filosófico, versando sobre el sentido y significado del tiempo, aunque con un cierre técnico reduciéndolo a su concepto entrópico. Finalmente, “Storyteller” se trata de uno de los temas meta-poéticos del disco, haciendo referencias al resto de temas y, de forma sarcástica, haciendo consciente al lector-oyente que se encuentra frente a una obra literaria, dando cierre también al álbum. De “The Hunter & The Wolf, habéis grabado dos versiones contando con la colaboración de Mireia Cuesta ¿lo teníais en mente?, a mí personalmente me gusta mucho la segunda versión con un toque melódico muy interesante en la voz de Mireia, creando un contraste muy interesante ¿Cómo surgió esta colaboración? En realidad la versión primeriza de este tema fue la de la colaboración con Mireia, grabada y lanzada como lyric video allá por 2016. Noelia y Mireia compartieron anteriormente proyectos musicales en Damned Heaven y en Hâyddn, así que surgió de forma muy natural esa colaboración; al nivel que incluso en su día hubo una versión demo de “Pendulum” también con su colaboración. De todos modos, al ir avanzando la banda y ir definiendo su dirección, decidimos sacar adelante este tema de forma “oficial” con las voces de Noelia y Enric solamente, dejando la versión primeriza como Bonus Track. No sé si seréis de tradición antigua y seguís comprando cd o estáis sujetos a la era digital. ¿Cuáles son los últimos cd físicos que habéis comprado? Podríais decirnos 3 grupos nacionales/internacionales a descubrir o que queráis recomendarnos. Aunque por comodidad y facilidad de uso, todos usamos diferentes plataformas de streaming en nuestro día a día, todos somos de seguir comprando música en formato físico de aquellas bandas que más nos gustan. A nivel de últimos álbumes y bandas a descubrir, os dejamos las respuestas de cada uno de nosotros (menos del cuerda fina que aún no ha respondido). Últimos álbumes comprados (álbum – artista): Noelia: As Fear Falls In – Abisme Jaime: Aeternam – Nightmare Enric: Heart Like a Grave – Insomnium; Fight Like a Girl – Emilie Autumn Jerry: B-Sides & Rarities – Deftones; Original Album Series – The Sisters of Mercy Bandas a recomendar: Noelia: Genus Ordinis Dei (Death metal sinfónico); Obsidian Kingdom (progressive metal); Akiavel (Death Metal) Jaime: Septic Flesh (Death metal sinfónico); Nightmare (Power metal); Vola (rock progresivo) Enric: Eye of the Enemy (melodic death metal); Grendel (electrónica industrial); Philip Glass (minimalismo) Jerry: The Church (pop-rock gótico) Muchas gracias por atendernosy un placer haber podido hablar con vosotros desde Necromance Magazine. [ JUAN ANGEL MARTOS ]

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SHOCK WAVE El Thrash metal es el estilo que mas alegrías está dando dentro del metal en las últimas dos décadas, esto hace difícil poder destacar y quitar parte del pastel a la nueva sangre que encabeza el movimiento en España con ANGELUS APATRIDA, CRISIX, TRALLERY y un largo etc…por eso que Vicente Payá conocido por proyectos como GOLGOTHA y UNBOUNDED TERROR o JC Insekkart de IRONSWORD y INFERITUM pongan en marcha a su viejo grupo SHOCK WAVE es toda una sorpresa. Y creemos que es suficiente motivo para ponernos en contacto con estos veteranos músicos de la escena underground nacional.

Primero de todo gracias por atender a Necromance. Cerca de 30 años que la banda dejo de existir y precisamente ahora en estos momentos tan jodidos decidís volver a la vida. ¿Cuál fue el principal motivo de esa vuelta? Muchas gracias a vosotros por contactarnos. En todos estos años los miembros de ShockWave nos hemos ido viendo y no hemos perdido el contacto, aunque nuestros caminos estaban separados en música se entiende. Cada uno teníamos nuestras obligaciones y no podía ser. Pero nos encontramos después de la cuarentena y nos animamos a revivir la banda, y aquí estamos, y al tener tanto tiempo libre en estos días tan extraños pues nos animamos a retomar este antiguo proyecto. SHOCKWAVE nace en el año 87, en una época que el Thrash metal empezaba a ser el Rey dentro del metal y España comenzó a tener sus primeras bandas acercándose a ese sonido como MURO, FUCK OFF, NATAL PRIDE, LEGION… ¿Cómo fueron vuestros inicios y como era vivir desde las islas el nacimiento del movimiento Thrash en España? Pues que te voy a contar… éramos jóvenes y con ganas de hacer una banda con este ritmo tan nuevo como era el Thrash. Pero claro, el vivir en una isla y no haber la comunicación que hay ahora con internet y todas estas tecnologías que tan “fácil” hacen las cosas hoy día, pues se nos hizo muy cuesta arriba y al final terminó por hacernos mella y decidimos dejarlo. Durante los años que estuvo la banda en activo, que fue desde el 87 al 92 solo se grabó una demo que ha quedado como un incunable para la escena underground extrema. ¿Por qué durante cinco años tuvisteis tan poca actividad discográfica? Porque en aquellos tiempos las cosas eran muy difíciles, nosotros éramos muy jóvenes y no teníamos suficiente dinero como para entrar en un estudio de grabación. Temas teníamos, pero no teníamos medios ni ayudas para llevarlo a cabo. Y la verdad es que eso pesa mucho, y el vivir en la isla todavía mas. ¿Cuáles fueron los principales motivos para la separación de la banda en el 92?, justo cuando el thrash metal despegaba en España con bandas como S.A, MORDOR, CANKER, ASPID y muchas más bandas… La verdad es que después de la demo nos separamos porque cada uno tenia sus propias expectativas. Yo (Vicente) me metí de lleno en el Death Metal y creé Unbounded Terror y luego con Golgotha. La verdad es que dejé de lado el Thrash, pero lo seguí escuchando. Como te he dicho, no hubieron motivos de peso que te pueda contar que fueran motivo de separación de la banda… simplemente cada uno hizo su vida. Yo me metí en otro estilo de música con una banda la cual me llevó a dar giras y demás, y no tenía tiempo material para otros estilos. En la actual reunión de la banda habéis decidido por el formato trío incluyendo como vocalista a Floren

(exGoreinhaled). ¿Por qué esta formación sin incluir a un batería fijo, y cuál ha sido la opción a la hora de grabar las baterías? La verdad es que no hemos encontrado un batería que tenga tiempo para nosotros. Aquí en la isla los baterías están muy solicitados, de echo todos tienen 4 o 5 bandas cada uno, por eso decidimos tener una “drum machine” hasta poder encontrar a la persona adecuada. Aunque tenemos un batería de sesión que nos grabará las baterías del próximo LP. Habéis grabado el e.p «The omega communion» durante la pandemia. ¿Cómo ha sido el proceso por los distintos lugares donde ha sido grabado y saber si estáis orgullosos del resultado final? Bueno, la grabación se ha llevado a cabo en varios estudios que realmente son nuestras casas, JC grabó todas las guitarras, yo el bajo, y Floren grabo en su casa la voz, la mezcla y masterización ha sido hecha en casa del productor Eric Krygelmans y si estamos muy orgullosos de como ha salido el EP y de como lo ha aceptado la gente. Los temas que componen el trabajo son composiciones antiguas recuperadas, o son nuevas para la ocasión, y una vez estamos por que un e.p y no optar por el formato completo? Todo el material es nuevo. Completamente nuevas!! Y bueno antes de meternos en una grabación de LP que es mas trabajo, mas dinero, etc… queríamos probar como nos iba y que respuesta obteníamos de la gente. Y así también poder optar a una compañía discográfica que nos avale a la hora de sacar el LP. Tras la salida del disco, ¿Cómo ha sido la repercusión desde vuestro punto de vista a sabiendas de todas las circunstancias que rodean la edición de un trabajo de una banda underground, con miembros conocidos de la escena, pero con la pandemia y la crisis cultural actual? Pues estamos muy contentos y la gente ha respondido muy bien, de hecho vendemos el EP bastante bien, y también contarte que pudimos hacer uno de los últimos conciertos que se permitieron aquí en la isla, y la verdad es que llenamos la sala. Y eso que ya teníamos toque de queda y que gente que vive en pueblos no pudo venir. De todas formas lo malo de la pandemia es que te da tanto tiempo que la gente escucha tu disco y luego parece que ya desapareces, porque hay otro nuevo que escuchar. Creo que los músicos tienen, o tenemos, tanto tiempo para hacer música que entre todos estamos saturando la escena. La ilustración del e.p me parece bastante buena y creo que refleja bastante bien como tiene que ser para un disco de Thrash metal. ¿Cómo fue el desarrollo de búsqueda para conseguir esta ilustración? Pues la decisión fue bastante fácil. Hablé con Raymond, que es el que hizo la portada de Bis·nte, y la idea que le dimos era esa… una portada muy ochentera y con colores chillones. JC es muy fan de las cosas de los 50 o 60, como

robots, alienígenas… todas esas cosas le encantan… y él dio la idea, y como puedes ver Raymond la plasmó perfectamente. Supongo que os habréis encontrado una escena thrash en España muy potente y bastante diferente a la creación del grupo en los 80. ¿Cuál es vuestro punto de vista actual de la escena y si veis muchas diferencias con la de finales de los 80’s e inicios 90’s? Pues si la verdad es que nos hemos encontrado mucho potencial… bueno encontrado no seria lo correcto porque lo vamos siguiendo desde siempre como buenos fans de esta música. La diferencia es la facilidad de salir adelante, en aquellos tiempos que eran muy difíciles, y en estos que hay mas vias en las que tu música puede ser escuchada. Y bueno que decir de grupos como Angelus Apatrida, Crisix o Holycide que son brutales, y están a la altura de cualquiera o mucho mas que eso diría yo! Y encima nos ayudan a los demás a tener esperanza y ganas de seguir adelante. Cuando se creo la banda en el 87 me imagino las influencias principales que tendríais sabiendo que erais unos jovenzuelos, pero viendo que habéis vuelto casi 30 años después realizando un thrash metal de la vieja escuela, ¿Cómo han cambiado vuestras influencias a la hora de encarar la reencarnación de SHOCKWAVE o prácticamente seguís teniendo como referentes a la vieja guardia Thrash? A ver, nosotros tenemos la influencias de la vieja guardia como tu has dicho, y pretendemos hacer ese Thrash ya que es el mas nos gusta y con el que nos sentimos mas identificados (somos mayores….). Pero también nos gustan las nuevas bandas como Havok o Gamma Bomb. Y ya terminando la entrevista, ¿esto ha sido una vuelta puntual a un proyecto que teníais olvidado mucho tiempo o tenéis claro que SHOCKWAVE ha vuelto para quedarse? ShockWave ha venido para quedarse!!! De eso no cabe ninguna duda! De echo ahora mismo se esta grabando nuestro debut Álbum que estará acabado en marzo. Lo estamos grabando con Miquel Angel Riutort Mega en Psychosomatic estudios (Trallery, Unbounded Terror, Golgotha…) y constará de diez temas nuevos. Y luego ya veremos en que sello lo sacamos. Ya os iremos contando. Pues para mí ha sido un placer realizar esta entrevista y solo me queda deciros que nos pongáis el broche con vuestras últimas palabras a los lectores de Necromance. Decirte que estamos muy agradecidos de que hayas contado con nosotros y también que gracias a revistas como la tuya tenemos voz y repercusión mas allá de nuestro entorno. Y para vuestros lectores que no dejen de darle una escucha a nuestro Ep “The Omega Communion” que seguro que les encantará. Muchas gracias a todos y sobre todo a Necromance Magazine!!!! [ KIKE MOLLÁ TORMO ]

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REVIEWS

trabajo que gira en torno a la temática de cómo se puede evitar y actuar sobre la corrupción y las dobles intenciones.

La banda que nos ocupa, AFTER EARTH, se formaron hace apenas tres añitos en la idílica ciudad de Skövde, en Suecia. Y allí, o trabajas en la fábrica de Volvo o emigras a Estocolmo, o poquito más (no llega a 40000 habitantes). Pero también sale gente corajuda y con una claridad de ideas que es digna de elogio. Porque estos suecos se montaron la banda, con un cantante, un guitarra y un baterista. Poco tiempo después se les unió otro guitarra y el bajista. Definieron su sonido y cuando empezaron a actuar en directo… ¡pandemia y confinamiento! ¿Creéis que eso los detuvo? Después de la Tierra, ¿Qué? – como en la peli de Shyamalan… Después de la pandemia, ¿Qué? Pues con dos y un palo, los suecos han sacado su primer EP, “Before it Awakes”.

ACID MESS (ESP) SANGRE DE OTROS MUNDOS SPINDA RECORDS, 2020

El cuarteto formado por Miguel Ruiz (guitarras y voz), Borja Vázquez (bajo y voz), Antonio Tamargo (batería y coros) y Juan Villamil (sintetizadores, órgano y piano eléctrico) regresan después de 5 años para presentarnos su nuevo álbum «Sangre de otros mundos». Es su trabajo más complejo hasta la fecha, musicalmente hablando, grabado y mezclado en julio de 2019 en Ovni Estudio por Pablo Martínez (DESAKATO) y que contó con la masterización de Quique Sanchís en Green Desert Mastering. El lanzamiento corrió a cargo del sello Spinda Records. En «Sangre de otros mundos» los asturianos ACID MESS unen a su rock progresivo la psicodelia, el flamenco andaluz, el punk rock, los ritmos latinos,… en una apuesta, sin lugar a dudas, arriesgada. Podríamos pensar tras leer esto que nos vamos a encontrar con un conjunto estelar de ideas chocando y luchando entre sí por el espacio y el tiempo en el álbum, pero nada más lejos de la realidad: las denominadas músicas del mundo encuentran su lugar apropiado y fluyen de una manera muy natural y armoniosa sin abruptas transiciones. No quiere decir que el monstruo haya perdido su actitud desafiante, sólo se propone ser intimidante de una manera diferente. Las composiciones más sencillas se abandonan y en su lugar aparecen temas laberínticos y psicodélicos, extravagantes, con texturas impulsadas por teclados y guitarras para apaciguar a cualquier fanático de la banda. Hay toneladas de energía y una gran profundidad en los largos temas, ninguno es una pérdida de tiempo. El álbum comienza con uno de mis temas favoritos: «El reflejo de su piel». Un tema lento y atmosférico con toques nostálgicos en sus inicios que va evolucionando a lo largo de sus casi 9 minutos de duración hasta llegar a unas poderosas guitarras que nos llevarán hasta la Andalucía de ritmos flamencos. Es una formidable fusión musical y una perfecta introducción al viaje que harás escuchando este LP.

“Embers” es una pequeña intro de poco más de un minuto, acústica, elegante y con un halo de tensa calma, de oscuridad, que nos conduce a “Pyre”, el primer tema. Enseguida nos situamos en las coordenadas del país (Göteborg está a una hora en coche) y si bien el tema avanza a medio tiempo en su mayor parte, si tiene unos cuantos acelerones bien construidos (aquí la velocidad la da el doble bombo). Enseguida descubres el excelente trabajo de las dos hachas (Victor Lundblad y Rob Olsson) y te sitúas dentro de la dinámica del Melodic Death Metal. “Into Demise” nos trae recuerdos de IN FLAMES, AMON AMARTH o UNLEASHED y toda esa hornada de metal nórdico. Sin irse a devaneos hipertécnicos, se basan en un trabajo sólido por parte de la base rítmica (Anton Vehkaperä a la batería y Oscar Lindberg al bajo), sobre el que los dos guitarristas van dibujando sus líneas y mientras uno ofrece el sonido grueso y metalero, el otro dibuja las hermosas melodías. ¡Ni un pero! “The Storm” es eso, más de lo mismo, Death melódico con un Marcus Rydstedt dejándose la garganta y unos solos que van doblando sus líneas vocales. No me quejo, ojo, de que es eso, Death Metal melódico y que no hay más. Hemos venido a lo que hemos venido y, de hecho, este tema tiene unas armonías en las guitarras que se te van a meter en la cabeza y se van a quedar ahí por días. Cerramos con “Embrace the Nothing” y sí, es sueco; sí, es DM melódico; y sí, se me vienen todos esos nombres del párrafo anterior a la cabeza. Y, joder, tiene otro solazo de guitarra, de esos harmoniosos y emotivos, pasando del shredding y la velocidad desmedida. Y sí, con dos pelotas y con una fe inquebrantable en su trabajo, estos muchachos han decidido sacarlo adelante, con pandemia y todo. Por lo que a mí respecta, no sé si fue premonitorio lo del nombre de la banda, pero ahí están, como Jaden Smith recorriendo un planeta hostil donde las especies han evolucionado para matar a la humanidad. ¿Después de la pandemia, qué? Pues, oye, AFTER EARTH. CESAR LUIS MORALES 8/10

ATAEGINA MOON 9/10

AFTER THE FALL (USA) WELCOME TO THE NEW S.A. RFL RECORDS, 2020

AFTER EARTH (SWE) BEFORE IT AWAKES AUTOEDITADO, 2020

¿Os acordáis de la peli “After Earth”? ¿La de Will Smith y su hijo, Jaden? Dirigida por M. Night Shyamalan, el rollo post-apocalíptico, el aterrizaje forzoso en un planeta hostil que resulta ser nuestra propia Tierra pero miles de años después de nuestra partida… Bla, bla, bla. Para fans del Príncipe de Bel-Air o del director indio… ¡Colorea y aprende del séptimo arte con Teo! 50 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 81

AFTER THE FALL lleva haciendo hard rock desde 2003. Después de numerosos cambios en la formación, finalmente fue capaz de forjar un fuerte equipo de músicos. Canalizando los ecos de la escena del hard rock norteamericano de los 90 y añadiendo algunas pinceladas de metal moderno, AFTER THE FALL encontró su sonido, la dirección musical y la capacidad de llegar a una fórmula sólida para escribir canciones melódicas y pegadizas que mueven conciencias. Tras un primer EP en 2014 y su álbum debut, «My Confession», lanzaron el 6 de noviembre de 2020 su nuevo EP, titulado «Welcome To The New S.A.» (RFL Records), un

«Welcome To The New S.A.» son 22 minutos de rock incansable y duro cargado de una gran intensidad emocional, tanto en la música como en la letra. La voz rasgada de Doug Carnahan transmite fuerza en todo momento y tanto Carnahan como Zac Shepard ofrecen lo que seguramente es su mejor trabajo de guitarra, con momentos destacados en todas y cada una de las pistas. Respaldada por el bajo fuerte y pesado de Steve Craven, y la equilibrada batería de Matt Ferrante, la banda suena con todos los instrumentos en perfecta sinergia. Hay una sensación impresionante de libertad, fuerza y energía electrizante. Cada tema se compone de una melodía que engancha rápidamente y de un estribillo pegadizo. Suenan mucho más pulidos ahora pero al mismo tiempo logran mantener esa cruda resonancia tan importante para que suene a verdadero hard rock de los 90.

boración de la vocalista de BATTLE BEAST, Noora Louhimo, en el tema «Strong» y con el violonchelo de Perttu Kivilaakso (APOCALYPTICA) en la seductora balada «Crystalline». Angela Gossow (ex-ARCH ENEMY) presta sus guturales en el video de «Do or Die», aunque extrañamente no aparece dicha versión en el álbum, que sí incluye la protagonizada por Englund y Molin. En conjunto, «Manifest» es el álbum más experimental, dinámicamente diverso y aventurero de AMARANTHE hasta ahora. Al aumentar la intensidad, se han impulsado a sí mismos como músicos y le han dado a su música el empujón extra que necesitaban; sin embargo todo parece un poco formulado: lo he escuchado antes y simplemente no estoy impresionada. A pesar de la grandilocuencia y la teatralidad, hay ciertos temas que me hacen perder el interés casi por completo. ATAEGINA MOON 8/10

Aunque no hay mucha experimentación o un tema destacado no hace falta mencionar su innegable talento como músicos. En realidad el que todos los temas estén a un mismo nivel es más bueno de lo que pueda parecer en un principio, ya que tampoco hay pistas de relleno. «Welcome To The New S.A.» es su trabajo más pesado, más pegadizo, más duro,… ¡más de todo! Es realmente emocionante ver a una banda evolucionar así y que siga negándose a renunciar a la diversión del rock. ATAEGINA MOON 8.5/10

ARCANUM SANCTUM (RUS) AD ASTRA AUTOEDITADO, 2020

AMARANTHE (SWE / DNK) MANIFEST NUCLEAR BLAST RECORDS, 2020

La banda AMARANTHE regresa con «Manifest» lanzado bajo el sello Nuclear Blast. Elize Ryd (voz femenina), Henrik «GG6» Englund Wilhelmsson (voz gutural), Nils Molin (voz limpia masculina), Olof Mörck (guitarra y teclados), Morten Løwe Sørensen (batería) y Johan Andreassen (bajo) componen esta banda que sintetiza el pop, la música electrónica y el nü metal y que sólo podrían haber venido desde Suecia. «Manifest» continúa la línea de extravagancia clásica marcada en su álbum anterior pero mejor resuelta; los componentes musicales son los mismos que se mezclaron en esa ocasión, en esa misma proporción y por las mismas personas, aunque con una producción mejorada que hace que la banda suene enorme. El álbum está bien interpretado, bien escrito y ofrece temas alegres, bastante comerciales, fáciles de escuchar y de vender resultando ser su álbum más intenso y llamativo hasta la fecha. El problema de «Manifest» es que está repleto de pistas que suenan vagamente, o totalmente, familiares; sus estribillos recuerdan esos temas de pop que suenan constantemente en la radio, dando la sensación de haberlos escuchado antes. El reto ahora es mantener el equilibrio a medida que se alcanzan niveles crecientes de éxito internacional. La poderosa y melódica voz de Elize Ryd sigue teniendo una parte principal en la estructura de la mayoría de los temas. No se puede negar que encaja perfectamente con una confianza y un estilo que, simplemente, funcionan. El aspecto vocal de la banda mejora todavía más gracias a las aportaciones de Nils Molin que la complementa a la perfección y de Henrik Englund que sirve de contraste con su potente voz gutural. Entre los tres aportan una excelente narración multidimensional al álbum.

La banda de death metal melódico ARCANUM SANCTUM se crea en octubre de 2004 en Komsomolsk-on-Amur (Rusia). Su álbum debut “Fidus Achates”, lanzado en 2010 por More Hate Prod, fue sucedido por “Veritas Odium Parit” en 2012, lanzado en esta ocasión por Buil2Kill Records. El nuevo álbum de Vadim Nalivaiko (guitarra y voz), Kirill Kulinitchev (bajo), Roman Rysyev (guitarra) y Danil Galles (batería) lleva por título “Ad Astra” y vio la luz el 28 de agosto de 2020, 8 años después de su anterior trabajo. “Ad Astra” es un álbum dedicado a la ciencia ficción soviética en todos los aspectos: las letras están basadas en las obras de escritores de ciencia ficción y la música está influenciada por las bandas sonoras de películas de ciencia ficción. Tonalmente, sigue el camino melódico de sus anteriores trabajos utilizando numerosas capas de teclados y la apasionada y desgarradora voz de Vadim Nalivaiko . El impulso visceral de sus primeros trabajos todavía está presente pero casi siempre está templado con una sensación de triste melancolía. Lo más destacable de “Ad Astra”, y especialmente notable en sus pistas más potentes, es su fuerte columna vertebral temática. Los temas suelen ser de ritmo medio pero logran tener suficientes cambios para hacer que no se vuelvan aburridos. Es un álbum con una temática poderosa y donde los temas sólidos se suceden uno tras otro. El LP arranca con un preludio instrumental, “Wanderers in Space”, un sonido muy melódico recreando una atmósfera futurista para dar paso a “The Quest”, donde podremos escuchar al inicio los coros de Anna Khitrova. La mezcla de voz limpia y gutural en “Down to Earth” me resulta perfecta con esos sintetizadores tan melódicos de fondo; en última instancia crean una pista muy pegadiza. Los sintetizadores siguen siendo tan memorables como lo han sido desde “Fidus Achates”, están presentes en la cantidad justa y sin llegar a abrumar fundiéndose con el resto de la instrumentación. Hay algunas voces limpias dispersas que agregan algo a la mezcla que me hace desear que haya más, me encanta la voz de Vadim y el buen trabajo que hace.

Olof Mörck nos deleita con unos riffs que dan fuerza a la banda y con unos solos que harán las delicias del sector más metalero de los ya numerosos fans de la banda.

No hay una pista débil en el álbum, los momentos y riffs más pegadizos y memorables están repartidos a lo largo de sus 32 minutos de duración. “Ad Astra” está lleno de matices desbordantes de creatividad donde melancolía y vitalidad encuentran un equilibrio único.

En «Manifest» vamos a encontrarnos con la cola-

ATAEGINA MOON 9/10


se acerca esta vez al genial y loco Harry Conklyn (JAG PANZER, SATAN’S HOST), y ligeros toques progresivos en el tema en su desarrollo que recuerdan ligeramente a unos HEAVENS GATE o RAGE de principios de los 90’s.

BAKKEN (IRL) THIS MEANS WAR AUTOEDITADO, 2020

Todos sabemos que las islas británicas e Inglaterra principalmente en la década de los 70’s y principios de los 80’s fueron el centro neurálgico del rock duro, ya desde principios de los 70’s con el nacimiento de bandas como BLACK SABBATH, DEEP PURPLE, LED ZEPPELIN o URIAH HEEP alimentaron la mayoría de la escena rockera mundial, mas tarde con RAINBOW, JUDAS PRIEST, UFO o THIN LIZZY hicieron de puente para lo que mas tarde sería la NWOBHM, el revulsivo definitivo para el estilo de música que se definiría como Heavy metal para siempre con MAIDEN, SAXON, PRAYING MANTIS, RAVEN y un largo etc….y luego, las islas británicas fueron desapareciendo del mapa del mundo del heavy metal poco a poco. Sólo momentos puntuales con bandas como SKYCLAD, CATHEDRAL, THE ALMIGHTY, THUNDER, WOLFSBANE o DIRTY DEEDS. En los 90’s o DRAGONFORCE, POWER QUEST, BLAZE BAYLEY (Ex MAIDEN), ALESTORM o GLORYHAMMER en los 2000’s mantenían de forma intermitente e irregular la llama en las islas del heavy metal por poner solo algunos ejemplos, y no mucho más, siempre hablando de grupos nuevos y no vueltas de antiguas formaciones que vuelven a renacer como fueron HELL o CLOVEN HOOF. Y todo lo escrito anteriormente para situarnos ante el tercer trabajo titulado “This means war” en pleno 2020 de los Irlandeses BAKKEN (aunque esta reseña sale a principios del 2021) , tras un disco debut interesante como fue “Death of hero” en el 2012, y un e.p en el 2014 “Worldwide genocide” que nos dejó a medias. Seis años han tenido que pasar y varios cambios de formación para que vea la luz este “This means war” que supone un paso de gigante en la calidad del grupo, tanto a nivel compositivo como de banda. La incorporación de nuevos miembros como el guitarrista Shaun Nelson (exIRONHEART, exARGONATH, y un montón de bandas mas…), Thomas Alford al bajo (exSELENE, exDOOR XIII), y sobretodo la incorporación de un nuevo y desconocido vocalista llamado Frank Levy ha hecho que la banda logre un disco compacto, variado y rico que supera por mucho a los dos trabajos anteriores. Esta vez los dos miembros fundadores, el vocalista/ guitarra Simon Picket y el batería Niall McGrotty se liberan un poco del peso del grupo con los nuevos miembros y se marcan un disco de auténtico heavy metal como el que no se escucha en las islas británicas en mucho tiempo en cuanto a nuevas bandas. Las influencias están claras en este disco desde la inicial “This means war” con inició épico, que me recuerda al “Apocalyticon” de KREATOR en sus momentos iniciales pero con desarrollo powermetalero de bandas centroeuropeas como los Alemanes BRAINSTORM, GRAVE DIGGER, IRON SAVIOR o GAMMA RAY, o la escuela nórdica ligeramente mas melódica de unos NOSTRADAMEUS, CRIONYC TEMPLE o los momentos mas duros de unos NOCTURNAL RITES. Doble bombo a saco, sin abusar, guitarras potentes, rítmicas, con cierta melodía y la voz del titánico Frank Levy de estilo agudo/rasgado que le da un toque muy personal y aleja a la banda de la típica banda power melódica europea. “Cold blooded murder” desde su inicio es una maravilla, de cadencia mas pesada, con un trabajo de guitarras de reminiscencias mas thrasers, cambios de ritmo constantes, trabajo vocal brutal esta vez con apoyo notable del guitarra Simon Picket, desarrollo instrumental de la base rítmica y las guitarras espectaculares en la parte central, una con desarrollo más melódico y la segunda rabiosa y de estilo thrash y con un duelo de guitarras alternado brutal. “Star machine” se inicia en plan KING DIAMOND, pero puro espejismo por que rápidamente se mete en terrenos esta vez más cercano al power US de unos JAG PANZER, SANCTUARY, etc…corriente heavy poderosa americana, incluso la voz de Levy

“Evils walks this way” tiene un estilo power metal más rítmico, con un estribillo mas comercial, pero siguiendo os patrones que lleva el disco dando una sensación de calidad en cualquiera de los temas que van sonando mientras el disco transcurre, porque el siguiente “In requiem” es un medio tiempo a lo GRAVE DIGGER, con momentos lentos que se transforman en puentes y estribillos potentes bastante parecidos en estructura a los alemanes citados pero que creo los superan de largo en todos los aspectos, tema sobado en estructura pero que BAKKEN da en el clavo, cambio de ritmo en la tercera parte del tema de estilo clásico pero genial. Estos Irlandeses están finos, trabajazo de nuevo del grupo, lo suficientemente técnicos para disfrutar de los detalles de toda la banda. Y llegamos a uno de los puntos álgidos del disco, “Two edge blade” es un temazo rápido, cabalgada a la carga, doble bombo, guitarras afiladas y Levy tirando a tope de su registro, mucho apoyo vocal para darle cierto aire épico y de nuevo el desarrollo instrumental es una pasada, el bajo en primer plano en ciertas partes, y guitarras con sonidos power thrash onda NEVERMORE, ICED EARTH que te quitará el sombrero, un Levy de nuevo sublime y al loro McGrotty en los timbales, no digo más…escuchad este temón. “We fight” es de nuevo un clásico tema power con todos los elementos del estilo que definen el género y que en las manos de BAKKEN es oro, me recuerda a las bandas mas agresivas del estilo como PARAGON, HELLOWEEN, GAMMA RAY o POWERGOD (Alemanes todos), aquí si tenemos una composición de estructuras más acordes al power metal europeo, y finalizamos con “Storm angels” que parece una balada y que ya hemos escuchado anteriormente en el trabajo, pero como las anteriores rápidamente cambia a parámetros MAIDENIANOS en plan progresivo última época en composición, sobretodo en el estribillo, y de nuevo la sombra tanto en la voz como en el desarrollo instrumental de unos JAG PANZER mas técnicos de discos como el “Mechanized Warfare” e incluso unos VICIOUS ROMOURS o NEVERMORE, sin la pesadez y barroquismo de estos últimos. Para redondear la calidad de este trabajo contamos a pesar de ser un producto autofinanciado con una producción sobresaliente mezclado en Parlor Studios, Inglaterra por Neil Haynes además de una gran portada obra de Isaac Levi. Una de las grandes sorpresas de este año, sobretodo por la escena de donde proceden y que deberían ocupar un lugar mas digno dentro del heavy metal británico, y más teniendo en cuenta que es una banda que se acerca al heavy power mas centroeuropeo duro que sus compañeros de islas DRAGONFORCE o POWER QUEST de onda más melódica. Un lugar que BAKKEN deben ocupar con dignidad ante la falta de grupos que tienen en esa zona en cuanto a heavy metal y que parece mentira que una banda sin sello y prácticamente hecho todo con sus propios medios saque un trabajo que supera cualquier cosa editada en las islas en los últimos años. Ale!!! A disfrutar… KIKE MOLLÁ TORMO 9/10

BECOMING THE LION (USA) UNEARTHLY CREATURE AUTOEDITADO, 2020

El segundo EP de la banda estadounidense BECOMING THE LION, llega de manera autoeditada al mercado, y el cual, bajo el nombre de “Unearthly Creature” está formado por seis temas. Formados en 2009, el grupo está compuesto por Ross Blomgren y Dan Mazur en las guitarras y voces, Grant Chapman al bajo y Dennis Paterkiewicz en la batería. Comenzamos escuchando “A Fireside Tale for Those of Inquiry”, tema de seis minutos donde lo


primero que escuchamos son melodías lentas, destacando una voz limpia sobre instrumentación escasa muy lenta, que prepara el terreno para más adelante en el tema, introducir sonidos más agresivos, con guitarras que mantienen la estética, pero con ritmos más agresivos. En general, mantienen unas estructuras muy parecidas, introduciendo partes más cargadas y donde destacan las guitarras. En el ecuador del trabajo nos topamos con “The Cavern, the Beast and His Slumber” un tema que comienza con un ritmo muy lento, haciendo mucho hincapié en las guitarras, que tienen un buen sonido y donde a través de la voz, llevan el tema adelante con unas estructuras simples, pero con un sonido sólido, ligero y lineal, que da paso a “Rise and Fall, a Legend Is Born” donde introducen unos sonidos algo más potentes, con guitarras más electricas, para generar un contraste importante con el tema anterior. No topamos con unas estructuras mucho más agresivas, dando importancia a una batería y bajo que generan una base muy sólida, sobre la que cabalgan cambiantes ritmos, para generar un tema que se mueve entre sonidos livianos y potentes, para darnos una mezcla de sonidos variados e interesantes. “Silent Return” se encarga de cerrar este EP, y lo hace con unos ritmos constantes donde dan mucha importancia a las voces, que quedan en primer plano siempre, destacando la mezcla de ambos vocalistas, que crean una atmósfera muy buena. Nos topamos con una parte instrumental con altibajos, mezclando ritmos agresivos con partes más lentas, con una batería que genera una buena base, cargada de fuerza en casi todo su recorrido. Sin duda un tema que muestra una buena progresión y que cierra de buena manera el trabajo.

plemente están siendo arrastrados por nuestra naturaleza de líderes, así que simplemente dejas que todos se vayan y te quedas solo en tu propio camino incluso si tienes que morir solo por ello. Es demasiado alto el precio de vivir con miedo a abandonar el pasado. BEHIND THE HORROR no sólo se caracteriza por la variación y unos arreglos y destreza razonables, sino que también tienen mucho que decir lírica y vocalmente. Cuando te sientas a escucharlos no estás simplemente escuchando un disco de metal al uso: eres consciente de que vas a ser sorprendido en cada esquina, como esas películas en las que sabes que va a haber cambios de guión inesperados pero no puedes adivinar exactamente qué va a pasar ni en qué momento. ATAEGINA MOON 7/10

BÖNDBREAKR (USA) BÖNDBREAKR AUTOEDITADO, 2020

En este nuevo trabajo BECOMING THE LION superan a su anterior trabajo, mejorando en las composiciones de estos seis temas, con unas estructuras algo más maduras y mejorando ciertos aspectos. Cuentan con una producción algo mejor que anteriormente, pero por la que aún pueden trabajar más, para intentar dejarnos con un mejor sonido, aunque ya de por si no es malo. Sin duda es un pasito más en su carrera, cogiendo carrerilla para, esperamos, un pronto LP, que subsane los fallos y nos deje con un trabajo algo mejor rematado.

Desde Austin (TX) nos llega el segundo EP de BÖNDBREAKR con título homónimo. En poco más del cuarto de hora nos presentan seis nuevos cortes de Hardcore/Punk. Mezclado por Michael Day en AMP Studios y masterizado por Jerry Tubb en losTerra Nova Mastering. La portada es muy minimalista pero encaja a la perfección con la propuesta de la banda.

JORGE DE LA CRUZ 6/10

“Cop Rock” cuenta con la participación de Jake Roussel y sigue el mismo patrón. Temas cortos pero intensos con dosis de rabia y melodía a partes iguales en donde el Hardcore/Punk son el plato principal. “Angry Tooth” nos muestra un sonido un poco más oscuro con algunas pinceladas de DeathRock, sin dejar de lado sus raíces. Casi sin darnos cuenta salta el siguiente tema “Shaman” en una línea muy de la segunda ola del Punk primigenio del pasado siglo. En este tema también se aprecian pinceladas muy oscuras que me traen a la mente a unos primeros CHRISTIAN DEATH en su versión más Punk. “Kill Your Gods” regresa al frenético Punk con buenas dosis de Hardcore melódico, aunque tiene momentos muy densos y pesados. Para cerrar y a modo de Bonus tenemos “The Whole Fekkin…Ing” en donde se muestran mucho más experimentales y saliendo del patrón de temas cortos, pues estamos ante un tema que sobrepasa los nueve minutos de duración. En este tema encontramos muchas influencias dispares, pero sin perder su sello de identidad. Desde DEAD KENNEDYS a partes más rockeras tipo Sueco del estilo de GLUCIFER o HELLACOPTERS. En donde la sensación de que estas escuchando muchos temas unidos. Si te gusta el Hardcore melódico americano tipo ADOLESCENTS no puedes dejarlos de lado. Un gran descubrimiento. La única pega que se les puede poner es la corta duración, pero lo bueno si es breve, pues dos veces bueno.

BEHIND THE HORROR (USA) BURN UP THIS TRUTH AUTOEDITADO, 2020

BEHIND THE HORROR es una banda de metal formada por los hermanos Gabriel (voz, guitarra, bajo) y Lucas Alves (batería). Originarios de Brasil y establecidos en Nueva Jersey (EEUU) sentaron las bases de su carrera musical con su EP “… And The Horror Begins” en 2013. Ahora están de vuelta y nos presentan su álbum debut “Burn Up This Truth”. Este LP es el resultado de casi 10 años de dedicación, sangre, sudor y mucho trabajo; la cantidad de vivencias de esos años queda reflejada así en su sonido pero sin que se note rancio por el paso de los años. Los riffs son de una base clásica de heavy y thrash metal, quizá incluso más rockeros que metaleros. Aunque la influencia del thrash metal es innegable en su sonido se pueden apreciar toques progresivos y de death metal, pero que no tienen excesiva trascendencia; es lo suficientemente accesible para los fans del rock, pero también lo suficientemente extremo para los metaleros acérrimos.

Empezamos con “Into The Night” que a pesar de su brevedad nos trae muchos nombres a la mente como GERM, ADOLESCENTS…

MARK BERSERK 8/10

En 31 minutos de duración nos ofrecen siete temas frescos, intensos y diferentes en los que abundan la experimentación, los riffs memorables y los cambios drásticos de ritmo y melodías. El primer single publicado fue “Heroes die alone”, un tema que trata sobre asumir la responsabilidad de elegir y tomar las propias decisiones. A veces creemos que todos están con nosotros porque tienen la misma creencia, pero resulta que sim-

DARKENHÖLD (FRA) ARCANES ET SORTILEGES LES ACTEURS DE L’OMBRE PRODUCTIONS, 2020


Durante la Edad Media los castillos fueron el centro neurálgico de las poblaciones. El sistema feudal otorgaba a sus habitantes el rol de dueños y señores de todo el grupo de trabajadores vasallos que habitaban, trabajaban y morían fuera de los altos muros de los castillos. Una vez abandonada esa época oscura, se volvió a recuperar el interés por dichas construcciones gracias a los autores románticos que, siglos después, situaban muchas de sus obras en los derruidos restos medievales. ¡Colorea y aprende con Teo! No es de extrañar que esas piedras, revestidas con la pátina de los siglos, de las batallas, del abandono y de historias sin contar, atraiga la imaginación de los artistas. Y si encima te lo ofrece un sello como Les Acteurs de l’Ombre, pues imaginaos, ¡miel sobre hojuelas! Señores y señoras, niños y niñas, cruzad el puente levadizo, ajustaos el jubón, las calzas y adentraos en el “Arcanes & Sortilèges” de DARKENHÖLD. “Oriflamme” abre brutalmente Black, pero el de segunda generación, ya con esa musicalidad enorme y orquestal; sólo hay que escuchar las melodías de guitarra, grandilocuentes, emotivas y muy, muy musicales… ¿Y el acompañamiento de teclados? Simple y llanamente sublimes. Desde mi primera incursión en este vasto océano, he adorado todas las escuelas del BM; me gusta la vieja escuela (cuando está bien producida y grabada) por su extremismo, por su concepción, por su actitud anticomercial heredada del Punk y demás estilos nihilistas. Pero cuando llegó la segunda hornada, ¡ahí el BM se convirtió en el cisne que se vislumbraba en el patito feo de los primeros lanzamientos! La inclusión de elementos orquestales demostró que los músicos del género tenían una pericia y una sensibilidad fuera de lo común. Podían tocar el extremo y aun así dotarlo de una belleza raramente vista. “L’Ost de la Forteresse” lleva una cabalgante línea a lo CRADLE OF FILTH, con un soberbio trabajo de Aboth tras los timbales. Lleva una de esas líneas en las que puede tocar rápido, machacar blast-beats como un poseso, y aun así, sonar claro, siendo perfectamente audibles todas sus evoluciones a través de los tambores y los platos. El resto de la banda, como no podía ser de otra manera, crece a la altura de la interpretación. “Incantations” es otra demostración de que estos músicos saben lo que hacen, que son unos estudiosos de la materia y que conocen a la perfección el trabajo de escalas, de cuál es la evolución natural de los acordes y los van engarzando unos con otros haciendo que el tema suene orgánico y fluido. Si es que no hay nada mejor para este que os escribe que encontrarse con bandas como estas. ¿Esto era un modo dórico o frigio? ¿Son quintas disminuidas o van por terceras? ¿Por qué hay que definir el amor cuando lo mejor es sentirlo? Pues de eso, DARKENHÖLD van sobradísimos. “Mystique de la Vouivre” sigue en esa línea de BM melódico, armado como un delicado gigante, con sus interludios más acústicos y con veinte mil detalles… Si es que suenan grandes los pilles por dónde los pilles, como en “Héraldique”, con su etéreo arpegiado en plan bardo en mitad de toda la tormenta metálica. Y la segunda parte del tema es absolutamente imprescindible para que tu vida tenga sentido. Si esto es así, se dice y no pasa nada.

tra en los dominios de la muerte y la desolación, con una música muy influenciada por las bandas más longevas del estilo, y de las cuales han tomado sus influencias para traernos nueve temas devastadores y llenos de putrescencia y hedor a descomposición.

DARK ZODIAK (DEU) OPHIUCHUS AUTOEDITADO, 2021

DARK ZODIAK, la banda de death / thrash metal formada en 2011 en Eggingen (Alemania) está formada Simone Schwarz (voz), Dieter Schwarz (batería), Charly Gag y Benni Poeck (guitarras) y Steffi Bergmann (bajo). Su primer EP «Throwing Stones» fue lanzado en 2013, seguido de su primer LP «See You In Hell» en 2015. “Landscapes Of Our Soul“, lanzado en 2017, les llevó a compartir escenario en Alemania y por el resto de Europa con bandas como TANKARD, DEBAUCHERY, ELUVEITIE, STILLBIRTH, PRIPJAT,… Su próximo LP, “Ophiuchus”, verá la luz el próximo 30 de enero. Se trata de un trabajo autoeditado con un sonido brutal y una fusión perfecta de elementos thrash y death metal de la vieja escuela donde destacan los riffs pesados, el doble pedal y la impresionante voz gutural de Simone con gritos penetrantes, roncos y enojados. Cada pista rebosante de oscuridad gruñe y chilla como un espíritu exorcizado. La batería mantiene las piezas unidas con su interpretación clara y bien pensada. Escucharemos partes de guitarras rápidas, agresivas y poderosas, y otras más lentas que hacen destacar el tono oscuro de las composiciones. El tema homónimo “Ophiuchus” me obliga a volver a escucharlo una y otra vez: voces geniales, riffs geniales, melodías geniales. Me encantan el protagonismo dado al bajo y la parte melódica central, tranquila y relajante, que crea un interesante contraste con el resto del tema y nos da un respiro antes de adentrarnos de nuevo en la oscuridad. No se puede pedir nada más. Un extraño chillido se repite en diferentes momentos de este álbum y a mí me recuerda a una especie de silbido de una serpiente monstruosa. Teniendo en cuenta el nombre del LP no me parece muy desacertada la comparación. Para aquellos que no lo sepáis “Ophiuchus” es una constelación del zodiaco que no es universalmente reconocida a pesar de que aparece ya en historias antiguas de los babilonios. Se recogieron 12 constelaciones en el zodiaco dado que los babilonios ya tenían un calendario de 12 meses… y dejaron de lado uno, el Ofiuco, la constelación que se conoce como el portador de la serpiente, el serpentario o el cazador de serpientes. DARK ZODIAK es una fuerza viva, ardiente e impredecible; no se centra su música en la técnica o la velocidad de ejecución, sino en la pesadez y la brutalidad. “Ophiuchus” es un álbum de death metal técnicamente bueno, variado, que no resulta aburrido en ningún momento y aunque no se ha reinventado nada, puedes encontrar riffs memorables, buenos arreglos, mucha pasión y suficientes detalles para no pasar desapercibidos. ATAEGINA MOON 9/10

¿Y cómo crees que suena un tema que tiene un título tan evocativo como “Bestiaire Fantastique”? Pues los franceses superan tus expectativas con creces. Y que no te engañe la melosa composición inicial de “Le Sanctuaire Embrasé”, porque enseguida se acelera, se vuelve enrevesadamente épica como en los buenos tiempos de EMPEROR y explota de nuevo al fin con los mágicos dedos de Aldebarán (Guillaume Vrac, también hacha en ARTEFACT, ETHERYÄL o YSENGRIN). Y cerrando el álbum, una armónica, mistérica y pomposa “Dans Le cabinet de l’Archimage”. Les dicen Black Metal medieval. DARKENHÖLD son grandes porque sí, porque son musicazos, porque componen de fábula, porque tocan como los grandes; porque a estas alturas de siglo son capaces de enraizarse en lo más Black y darle la grandeza de los castillos mediales. Como siempre, la escuela francesa del BM dando lecciones. Et je n’ai plus rien à dire. CESAR LUIS MORALES 9/10

DISGUSTING PERVERSION (DEU) ETERNITY OF DEATH BLACK SUNSET, 2020

Desde Alemania nos llegan DISGUSTING PERVERSION, un quinteto formado en el año 2013 y que nos ofrecen su álbum debut titulado “Eternity of Death”, que como ya nos dice su título de aden-

Primero de todo hay que reconocer que la banda no trata de inventar nada nuevo, sino que basa su sonido en ofrecer buenos temas dentro de lo que se puede considerar el verdadero Death Metal de la vieja escuela, así que no esperéis temas verdaderamente enrevesados, con mil riffs ultra técnicos, ni tampoco unos cambios de voces continuos y diferentes, pero sí hay buenos temas, con de pesadez, energía, directos y muy bien ejecutados. Escuchar este “Eternity of Death” nos puede traer a la mente bandas como GRAVE, BOLT THROWER, ASPHYX y algún toque a unos antiguos DEATH (como en el tema título “Eternity of Death”). No es una banda que haya grabado un álbum veloz, aquí predominan los riffs muteados, contundentes, pesados y con variedad de cambios, pero no predominando la velocidad. “Impressions of Life” es una pequeña instrumental en medio de esta vorágine de Death Metal, un pequeño respiro bien compuesto y distinto. “Depression” se introduce en los dominios del Death Metal por derecho, siendo el tema más veloz, aunque hay una buena sección de solos en la mitad del tema que lo hacen destacar para los que buscan algo más cañero. “Encrypted Brutality of Life” se adentra en territorios algo más técnicos, tampoco algo enloquecido pero que si muestra un nivel algo más trabajado en este sentido, que dan paso a partes de las más veloces del álbum en partes centrales del tema, otro buen y entretenido tema para disfrutar. Buen álbum el que nos ofrecen estos alemanes, sin duda, la sensación es positiva y quedan ganas de saber a qué más pueden llegar de seguir explorando este estilo que tienen, porque veo potencial en la banda para ofrecer muy buenas grabaciones en el futuro, y ahí estaremos para disfrutarlas, por ahora, si queréis escuchar un buen álbum de Death Metal no dudéis en echarle una escucha a este “Eternity of Death”. LUIS MARTÍNEZ 7/10

punto y final a este EP, el cual nos da unos ritmos algo más lentos, con guitarras contundentes que suenan de fondo pero que al momento rompen con unos sonidos oscuros y graves, que componen el groso del tema. En poco menos de dos minutos que dura el mismo, nos alternan sonidos pesados y ligeros, para así terminar con un tema corto, pero cargado de matices, perfecto para echar el cierre a este EP. Este último EP de DISTANT nos presenta un grupo con un sonidos super compacto, muy agresivo y donde las mezclas y los cambios de ritmo, les hace tener un toque interesante en las composiciones, donde la voz y la instrumentación crean un conjunto super agresivo. compacto, muy agresivo y donde las mezclas y los cambios de ritmo, les hace tener un toque interesante en las composiciones, donde la voz y la instrumentación crean un conjunto super agresivo. Este trabajo, a pesar de ser corto, es muy contundente, y se disfruta a la perfección, dejándonos con ganas de más tralla, debido a una buena producción y composición del mismo debido a los cambios de ritmos para conseguir mucha variedad y cerrar el trabajo con composiciones y sonidos interesantes. JORGE DE LA CRUZ 7/10

DYSYLUMN (FRA) COSMOGONIE SIGNAL REX, 2020

Tercer álbum completo de DYSYLUMN, dúo proveniente de Francia que dedica sus esfuerzos a crear un Black Metal de tipo atmosférico/progresivo. Si estáis familiarizados con la propuesta de bandas tipo BLUT AUS NORD (sobre todo de sus últimos trabajos), LORN, ÆVANGELIST o NJIQAHDDA, solo por citar algunos ejemplos en cuanto a sonoridad y estructuras, esta banda es para vosotros.

DISTANT (NDL) DAWN OF CORRUPTION UNIQUE LEADER RECORDS, 2020

La banda de Rotterdam, Países Bajos, DISTANT, edita a través del sello discográfico Unique Leader Records, su nuevo EP de seis temas al que titulan “Dawn of Corruption”. Comenzamos escuchando “Hull of Crows” un tema rápido y contundente a que a modo de introducción, nos da los primeros ingredientes del EP, con unos sonidos super agresivos, donde la voz gutural corona unas estructuras lentas pero sólidas para dar paso al siguiente tema, “Dawn of Corruption” donde unos riffs potentes suenan al fondo para luego romper con sonidos muy agresivos, donde las guitarras plantean unas estructuras muy agresivas, con bastantes cambios, que crean tema con altibajos, pero que mantiene esa fuerza desde el primer minuto. Crean un combo super potente, mezclando guitarras muy oscuras, apoyadas por una mezcla de voces que nos adentra en una atmósfera cargada de oscuridad que saben mantener durante los cuatro minutos de tema. En cuarto lugar nos encontramos con “Oedipism”, que comienza con calma para al momento darnos unas guitarras y batería bastante contundentes, que se mezclan unas estructuras lentas con otras mucho más rápidas, consiguiendo un buen contraste en el tempo del tema, donde la voz, bastante cambiante, pone la guinda al pastel. Sin duda plantean unos cambios bastante acusados, introduciendo también un solo de guitarra, que complementa la potencia del resto del tema, donde solo escuchamos agresividad a mansalva, que poco después da paso a “The Void” tema, que pone

Algo que hay que tener muy en cuenta antes de sentarse a escuchar este álbum “Cosmogonie” es que no es un disco fácil o de inmediata asimilación. Principalmente debemos tener en cuenta que tenemos que disponer de hora y media para ponernos a diseccionar este trabajo. “Cosmogonie” posee muchos elementos a su favor, pero el principal que tiene en contra es su duración que se hace exageradamente larga. Creo excesivo componer y grabar un álbum de 12 cortes y más de ochenta minutos de duración. Pero si eres de los que apuestan fuerte y te tomas la música en serio, adelante. Esta monumental obra cuenta la historia de la creación del universo. Obviamente algo así requiere un álbum tan largo. Este trabajo se divide en tres partes: Pistas 1-4 (Aparición), 5-8 (Dispersión) y 9-12 (Extinción). Siendo mi favorito el ultimo “Extinción” por ser el que aporta los temas mas oscuros y pesarosos. Hay algo que me sobra y son los tediosos Intros e interludios de sonidos monótonos que lo único que aportan es un extra de duración al álbum, algo que en absoluto es necesario. Tomando los temas en sí, lo que obtenemos es un Black Metal repleto de sensaciones. No es un disco al que se le deba pedir brutalidad, agresión o sensaciones más banales. Este trabajo es algo indicado para momentos reflexivos de introspección. Momentos en los que buscas sentir, abalanzarte hacia el abismo y sentir en tu caída como tu cuerpo físico se desintegra convirtiéndote en esencia tan solo. La amplia gama de sensaciones que los riffs y melodías logran pueden conseguir que, en un ambiente adecuado, llegues a abstraerte de este plano terrenal experimentando un maremágnum de emociones. Un trabajo muy elaborado, sesudo, complejo… no apto para todo el mundo. Hay que tener paciencia y capacidad de absorber cada estimulo para apreciar esta obra como es debido. JOSE ANTONIO COSTALES LANCHARRO 7.5/10

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oscuridad total. Y aun así, hay vida; organismos extremófilos y, por decir, podríamos decir incluso que Kaijus (¡toma ya, referencia a Guillermo del Toro y su “Pacific Rim”!). Pero basta ya de digresiones, aunque vayan relacionadas. Entremos en harina con el último EP de los chilenos FAVNA ABISAL, titulado, con buen tino, “Argonautas”.

EXSANGUINATION ENTRAILS (ESP) APOCALYPTIC DESIRES

NECROMANCE RECORDS - BASE RECORD PROD. ABSTRACT EMOTIONS - HECATOMBE, 2020

Del bruterio me fio, eso fue lo primero que pensé al oír este disco de larga duración de 9 temas de pura tralla y pura brutalidad. Ellos son EXSANGUINATIONS ENTRAILS una banda recién formada en 2020 donde debutaron a finales de diciembre con su primer CD llamado “Apocalyptic Desires” y es que el propio nombre del disco lo indica, deseos apocalípticos son los que te entrar al escuchar sus temas. La banda está formada por músicos experimentados y poseen una gran trayectoria dentro de este mundo de putrefacción y oscuridad. Es un proyecto a distancia, cada miembro es de una parte de la península, aquí os describo un poco más de ellos. A las voces tenemos a Igor Sánchez, desde el país vasco trae unos guturales recién sacados del inframundo además de encargarse de las baterías programadas, ya sabéis que en estos últimos años es muy difícil encontrar un batería a la altura de este gran género y hay muchas bandas que no les queda más remedio que meter baterías programadas, aun así quedan estupendamente. Y hay que prestar especial atención para diferenciarla. Con la guitarra se encuentra Carlos José de Madrid, mete mucha trallita con sus 7 cuerdas, tremolos muy veloces y unas cejillas aplastantes. Cabe destacar que en su amplia experiencia en grupos os recomiendo STRAPPADO, están con comatose music, un sello muy reconocido dentro del brutal death, donde Carlos José esta vez se pone a los guturales. Y por último Gaspar del Valle desde valencia, bajista de la banda, presenta al igual que su compañero una larga trayectoria en bandas, entre ellas, VAGINAL KEBAB, PORK TRUE etc… El bajo no os dejara indiferentes, retumba que da gusto. En cuanto al trabajo que han sacado se nota un Brutal Death muy potente y agresivo, tienen temas como “Memories of Flagellated Mistakes” y “Torture is the Law” que para mí son de los mejores, donde se descarga una buena dosis de Brutal death. En general un Brutal Death sin límites, basto y guarro como a mí me gusta, ya podemos fardar de tener otra buena banda dentro de nuestras fronteras que no tiene nada que envidiar a las de fuera. Banda más que recomendada con aires a CARNAL DISFIGUREMENT o KRAANIUM.

Tres temas a cual mejor, encuadrados dentro que eso que han dado en llamar “avant-garde” porque “raro-de-cojones-más-allá-de-cualquier-etiquetaque-se-me-pueda-ocurrir-pero-que-me-encantaigual” era demasiado largo. Nada más iniciarse las primeras notas de “El Ente” la mente ya salta a otro nivel y me acuerdo de aquellas imágenes/música de los ARCTURUS en su mejor momento. Hay ataques Black-metaleros, vocales desgañitados, mistéricas y ondulantes líneas de bajo, cambios de ritmo, voces más operísticas, musicalidad e imaginación más allá de toda mesura humana. Pocas veces te vas a encontrar una conjunción tan perfecta de música, de visión, de concepto de banda, de art-work… todo, absolutamente todo ensamblado con la precisión de un reloj suizo en una maquinaria perfecta. Y FAVNA ABISAL es esa máquina perfecta: no sé si la máquina del tiempo de H.G. Wells o el batiscafo Archimède. Lo que es innegable es que estamos ante algo único, irrepetible y completamente alucinante. El segundo tema, “Inmersión inexacta” es… ¿Cómo definir lo inefable? Otro tema de una banda que no está hecha para las críticas musicales al uso. ¿Cómo definir el quinto sabor, el umami? Le doy vueltas al asunto mientras, por enésima vez, escucho el tema. Y sólo puedo hablar de emociones: del buen gusto, de su simplicidad y de su complejidad, de la búsqueda de resortes emocionales (y los tocan todos los muy…). ¿Y el viaje de la homónima “Argonautas”? En la misma línea que todo lo que has escuchado hasta ahora, con esa capacidad de dejarte sin palabras. Un periplo a bordo de la nave Argos tras el Vellocino de oro, con paradas en las tierras de los lestrigones; una breve escala para embarcarte de nuevo en el Nautilus y acompañar al capitán Nemo y de ahí a donde quieras… La Atlantida, Cíbola, Shambhala, Rapa Nui o el Reino de Preste Juan. Decir que su evocadora música tiene reminiscencias de los ARCTURUS es simplemente una referencia cartográfica para determinar un punto de partida. El resto es el viaje, el resto es la pura magia que sostiene al Cosmos. Tan desconocida como toda esa fauna que habita la Fosa de las Marianas. Si te quieres embarcar en ese periplo, FAVNA ABISAL son tu banda sonora, son tu capitán y tu embarcación. CESAR LUIS MORALES 10/10

MINÄ OLEN PIMEYS AUTOEDITADO, 2020

AUTOEDITADO, 2020

Es curioso descubrir que, en materia de investigación, el ser humano sabe más del planeta Marte que de lo que hay en la Fosa de las Marianas. ¡Colorea y aprende con Teo! Para que nos entendamos, dicha fosa es el área más profunda de los océanos de la Tierra, con un fondo situado a unos 11050 metros, casi dos kilómetros más que el Monte Everest. La situación que nos encontramos allí es de lo más halagüeña: 1000 bares de presión, temperatura sobre 1ºC y 54 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 81

A medida que la cautivadora introducción de «Till The Bitter End» cobra vida, está claro que ésta no es la pesada fatalidad que se escuchó anteriormente en «Noitarumpu». Sigue siendo terrorífica como el infierno, pero más ligera, más melódica y melancólica. «The Fisherman» es un claro ejemplo de la utilización de varios registros vocales en un mismo tema. Vesa Mattila parece estar en plena forma; sus gruñidos cavernosos se transforman fácilmente en gritos feroces que invocan un halo de locura. «The Fisherman» es un tributo a un amigo que se cayó al agua en la primavera en un viaje de pesca en el hielo y ya no consiguió salir. FINAL DAWN acepta así las fatalidades de la vida sin mostrar enfado o frustación. La gran variedad de estados de ánimo y atmósferas mantiene al oyente comprometido e interesado. Es un álbum tan impactante emocionalmente como técnicamente astuto, con suficientes riffs y pasajes destacados en trémolo para satisfacer a los fanáticos del black metal y del doom por igual. Vale la pena cada segundo de inversión que puedas darle. ATAEGINA MOON 8/10

FIVE FINGER DEATHPUNCH (USA) A DECADE OF DESTRUCTION VOL. 2

A Decade Of Destruction Vol 2 es el nuevo disco de los Americanos FIVE FINGER DEATH PUNCH. He de confesar que no soy un gran seguidor de esta banda, Ni siquiera sabía de su existencia y es la primera vez que los escucho y toparme con una especia de “rarezas, remezclas y grandes éxitos”, posiblemente no sea la mejor manera de que me entren estos señores.

FINAL DAWN (FIN)

ARGONAUTAS

La composición es, en gran parte de los temas, consistente y atractiva y las interpretaciones son hábiles y enérgicas. Los temas son variados musicalmente al igual que las voces: sonidos black metal fríos y terroríficos junto con unos death metal altamente melódicos. El trabajo de guitarra es desigual, tanto podemos encontrarnos con riffs sencillos y repetitivos en unas composiciones como riffs desgarradores bastante impresionantes en otras. Uno de los aspectos negativos es la batería; no está bien mezclada y el resultado es una notable pérdida de fuerza en la ejecución de los temas.

BETTER NOISE MUSIC, 2020

JUAN GRANADO 8.8/10

FAVNA ABISAL (CHL)

momento.

La ciudad de Oulu vió nacer a FINAL DAWN en el año 2000, un trío finlandés formado por Vesa Mattila (voz y guitarra), Topi Anttila (bajo y coros) y Ilkka Unnbom (batería). Tras un primer álbum publicado en 2004, «Under the Bleeding Sky», publicaron numerosas demos y EPs hasta que el 13 de noviembre de 2020 presentaron bajo el título de «Minä Olen Pimeys» su segundo álbum autoeditado. Los sombríos paisajes del alma, las desesperadas perspectivas de futuro así como las pérdidas personales son temas que se tratan en este álbum, pero no se contemplan desde el punto de vista de una mentalidad pesimista; no se admite la rendición ni el derrotismo. En «Minä Olen Pimeys» encontraremos una mezcla melódica y progresiva de black, doom y death metal de la vieja escuela. La combinación de estos estilos con sus diferentes velocidades y tonos en sus formas más básicas se realiza de tal manera que, simplemente, funciona. No se siente caótico, inconexo o remendado. El resultado es mucho más orgánico de lo que pueda parecer en un primer

Comenzamos con “Blue On Black”, sonido sureño que no está mal, aunque tampoco me dice nada nuevo pues suena a una mezcla de BLACK LABEL SOCIETY y DISTURBED. Saltamos a “The Tragic Truth” en donde me vienen a la cabeza STAIND con voces tipo PANTERA de vez en cuando. “Broken World” la anuncian como un tema inédito que sigue recordando a un mix de las citadas bandas anteriormente, aunque con más Groove. Pasamos a “I Refuse” y con el piano del principio ya me están entrando ganas de cambiar de tema, lo que vendrá después es una pastelada que sigue recordando a popurris de bandas de los 90. “The pride” comienza con un poco más de caña, pero enseguida regresa a la misma fórmula, en esta vez mezclan algo de hardcore con unos descafeinados MACHINE HEAD y DISTURBED. Siguen sonando los temas y no veo más que refritos de PANTERA y DISTURBED en versión popera. Como por ejemplo “Hard To see” o “When The Seasons Change” y así hasta que llega a un punto en que empiezan a sonar remezclas tipo Dupstep que me quitan las ganas de seguir escuchando este tostón. Era mucho más feliz cuando pensaba que FFDP era una marca de ropa de EMP. Si te gusta la música de fondo no están mal, pero no les veo mucho más. Total falta de originalidad en todo lo que escuche en este trabajo. Si estos son sus grandes éxitos, me temo que pasando de un disco de ellos. MARK BERSERK 5/10

FOLTERKAMMER (USA) DIE LEDERPREDIGT GILEAD MEDIA, 2020

Aunque no lo parezca, pocas veces me he sentido un bicho raro, siempre he sabido guardar las apariencias y así sentirme más o menos ubicado en casi cualquier entorno, encontrando la manera de llevar a mi terreno la situación por difícil que pareciera. Una de esas excepciones fue allá, en el verano del 2000, cuando mi jefe me convoca a embarcarme en una gira nacional con el brillante compositor MICHAEL NYMAN, quien presentaba su ópera contemporánea «Facing Goya». Por no alargar mucho la historia, tres meses de ensayos, muy buen ambiente entre técnicos, músicos y artistas. Las sopranos me preguntaban cómo sonaban las bandas esas de las que llevaba camisetas. Recuerdo hablarles de IMMORTAL, EMPEROR y SATYRICON mientras ocultaba los micrófonos en sus pelucas. Alguna llegó a decirme que había disfrutado alguno de esos discos. Yo por mi parte, había caído en las redes de un género inexplorado, y embaucado, iba a tope con el proyecto… Hasta que llegó el estreno y experimenté el entorno más hostil, falso, poser, sectario y vomitivo en el que había estado nunca. Ningún detalle se escapa al ritual de lo que rodea a la ópera, todo está calculado y asquerosamente milimetrado, similar al rigor de un equipo de gimnasia rítmica ruso. Salí por patas y pedí el traslado a la gira en playback de MILIKI, pero me llevé la ópera conmigo…¡Abuelo, para! Ha sido imposible no acordarme de esta historia cuando, ¡Oh Fortuna!, cayó el disco de FOLTERKAMMER en mis manos y le di la primera escucha sin saber que Zachary Erzin de IMPERIAL TRIUMPHANT (probablemente de saberlo hubiese pulsado skip) era el cerebro del proyecto. Un proyecto impactante más que curioso, complejo en la forma pero de base primitiva clasiquísima, donde en una madeja de conexiones, se unen la ópera y el black metal de la llamada segunda ola. Todo preparado en el foso, Zachary Erzin director y guitarra, Darren Hanson al bajo y Brendan McGowan (PAPACY) a la batería. En el escenario, garrucha, potro de interrogatorios y doncella de hierro completan el atrezzo coronado por una gigantesca cruz invertida. Mientras, la diva de origen suizo Andromeda Anarchia, con collar de púas, espera que se abra el telón. Sonido de órgano, señoras y señores, Damen und Herren, disfruten de “Die Lederpredigt”. Maravillosa dramaturgia musical con el black como canalizador de sentimientos en 2 actos, 7 cortes y 39 minutos con la única intención de hacer el mayor traje posible a la iglesia y sus repulsivos métodos a lo largo de la historia. Abre la fúnebre “Die Nänie” y con ella la impresionante interacción de Andromeda con ella misma, durante todo el disco, formando bellos y diabólicos duetos y tercetos con su juego de alturas y tonalidades. El ritmo no puede ser más simple, pero de efecto perfecto en su correcto segundo plano, es nostalgia pura, adornado de un trémolo infinito y depresivo, la apertura perfecta. Sigue “Die Hymne”, que es justo eso, un puto himno. Andromeda encarna a la blasfemia absoluta sin apenas blasfemar en una demostración de elegancia jugando con sus registros mientras la banda va cargando el tema de melodía cansina e inflamable. Imperdible el video orgásmico de este tema. En “Die Elegie” la banda se calma dejando a la diva sola en su aberración y se vuelve algo solemne al intervenir el coro. Y llega “Das Gebet”, todos en pie, oremos. Bizarrada preciosista en formato cantata donde Erzin y Andromeda brillan de la mano en los momentos donde no hay teatralización. Una teatralización que protagoniza el tema en esa conversación consigo misma ante la eterna duda de a quien rezar y porqué. “Das Magnificant” abre el segundo acto, oscura, pesada y riff con gancho, se enfoca más en ese formato Lied zarzuelero, más pagano y terrenal, dejando a un lado el alemán para recitar en latín y de esta manera diferenciar a los personajes. En


“Das Sinngedicht”, tras el inicio narrativo con bello clavicordio, la cosa se pone seria y asistimos al exorcismo de Andromeda, descomunal. Órgano en primer plano, base potente y buenos pick slides añaden dramatismo a este poema para clavicordio e ira. Cierra “Das Zeugnis”, maravilloso desde la orquestación inicial, pasando por la mejor aria de esta ópera, la buena dosis de golpeo, lamento, rabia y desesperación. Andromeda alcanza su cota más alta en este temarraco de increíble ambientación, que cuando parece que va a cerrar en tono celestial, aparecen esos BURZUM como colofón. Durante la horita de aplausos he mantenido esa lucha interior contra el Golum que todo buen metalero llevamos dentro ante semejantes descubrimientos. Recomiendo encarecidamente esta maravilla de álbum. “Die Lederpredigt” hubiera sido la ópera perfecta en la que trabajar y disfrutar a la vez, en la que FOLTERKAMMER, con respeto al género, se pasa por el forro el protocolo y crea un discazo como una catedral (en llamas).

cera para dar y tomar llamado “news feed inbreed” rápido y contundente aquí FUMIGATION sigue en su línea pero además incluye un solo perfectamente ejecutado. Pasamos al tercer tema “Signal the Swarm” donde los canadienses siguen mostrando todo su odio. Siguen con esos riff caracteristicos del slam acompañados del ride de batería. Y por último para acabar este EP “Non Essential Service” un tema que nos dejara con la miel en los labios aconteciendo lo que muchos esperamos que en un futuro no muy lejano saquen un álbum de larga duración con estas características tan rompedoras arriba nombradas. JUAN GRANADO 8.8/10

SCHEITAN 10/10

GAIA GUARDA (CAN) ANATOMY OF FEAR PENTAPUS RECORDS, 2020

FUMIGATION (CAN) R0 5.7 AUTOEDITADO, 2020

Breve pero intenso, así es el nuevo EP de los canadienses FUMIGATION, llamado “R0 5.7”. Nos preguntaremos que significan esos números y letras, el R0 hace referencia al número que siguen los científicos para ver la intensidad del coronavirus y el 5.7 la escala de gravedad del virus. Esta banda la componen 3 miembros: Al bajo Chris Humeniuk que está en la filas de la banda desde su origen el 2008, miembro también de una banda estadounidense de slamming brutal death que os recomiendo llamada SPILLING ENTRAILS con voces muy podridas y ritmos lentos y la mar de pesados. Además es el encargado de hacer las baterías programadas. En las guitarras Vitto Ortori, estuvo en la banda entre 2009 y 2011, más tarde volvió en el 2018 y hasta dia de hoy. Y en las voces Dan Rogers también guitarrista de otra banda de Canadá llamada DEFORMATORY que por supuesto os recomiendo también, esta banda está más enfocada al death metal técnico. Incorporándose a las voces en 2020 y aportándole unos guturales de mucha calidad. Este trabajo está más currado que los anteriores, en cuanto a producción y a temas a mi parecer. Es más agresivo y más pesado. Las voces han conseguido un nivel muy bueno con Dan Rogers, incluso en algunos momentos de los temas me recuerda un poco al gran Elliot Desgagnés de BENEATH THE MASSACRE. Las guitarras igualmente han dado un gran salto en cuanto a sonido y complejidad de los riff. Las baterías a pesar de ser programadas, pasan un poco desapercibidas, no son las típicas con blast beat eternos imposible para el ser humano. Están equilibradas como ya he comentado. Sabemos a día de hoy lo difícil que es encontrar un buen batería que este a la altura del género más extremo y complicado de la faz de la tierra. El BRUTAL DEATH y sus variantes. Ya sea por su rapidez, resistencia y complejidad. No es de esperar que un gran número de bandas hoy día no pueden incorporar baterías reales, y se decanten por baterías programadas que aun así hay bandas y entre ellas nuestros amigos canadienses FUMIGATION que le sacan un buen sonido e intentan hacerlas lo más real posible. Dicho esto nos metemos de lleno en el EP y se presenta con “Pandemicaholic”. Un tema muy movidito de principio a fin. Tienen ritmos muy rápidos con blast beat y guitarras con unos tremolos muy brillantes y como no unos riff slameros que tanto gustan en este género que invitan a hacer algo de headbanging. Las voces guturales de Dan ponen los pelos de punta descargando toda su potencia y rabia. El segundo tema no se queda atrás también tiene

Volvemos, una vez más, a tornar nuestros ojos hacia la antigua Grecia y su concepción del mundo. En este caso hablamos de la Madre Tierra, de los dioses ctónicos o telúricos, en contraposición a las deidades celestes. Tras el Caos, surgió Gea o Gaia, la del amplio pecho. De ella nacieron Urano y Cronos, y un montón de deidades más… Bueno, ya se sabe, los griegos y sus teogonías. ¡Colorea y aprende con Teo! Y si algo ha demostrado la Madre Tierra, a lo largo de todos estos milenios, teogonías aparte, es amabilidad y ubérrimos pechos con los que ha alimentado a todos sus vástagos; incluso a los más inútiles y despreciables, en este caso, nosotros. Después del alegato anti-humanidad (misántropo que es uno) centrémonos en su fertilidad y en su gentileza. Porque la artista que nos ocupa, GAIA GUARDA… Durante años, vocalista y arpista de la banda de Symphonic Metal URIEL, la canadiense acaba de sacar su primer álbum en solitario, “Anatomy of Fear”. Y, como la Madre Tierra, nos ofrece el contraste con su primer larga duración. Hay montañas y hay simas, hay agua y hay fuego, hay luz y oscuridad… Tal cual la Madre Tierra. El álbum abre con un tema homónimo. El grave y sinuoso sonido de cello nos introduce suavemente a la voz de GAIA GUARDA, que se desgarra sobre unas bases rítmicas pregrabadas y un piano. Y cuándo esperas la entrada metálica, el desarrollo sigue por esa línea minimalista. Porque aquí no te vas a encontrar nada “metal”. Sí, hay un montón de cosas metidas en la producción, pero ¿guitarras eléctricas? ¿Batería bombardera? ¿Bajo potentorro? ¡Nada de eso y ni falta que hace! Tan solo la angelical voz de la harpista, arropada por sus compañeras de URIEL: Jessica Ricard al cello y Ariane Paquette al violín; cerrando formación el batería y guitarrista Rocky Gray (ex de EVANESCENCE en su etapa más gorda, 2002-2007). Aunque parece ser que no hubo buenos rollos en la salida y demás… Habladurías y sensacionalismo aparte, por aquí sale el músico. Pero como he dicho, no esperéis un rollo hard-rock gótico, o metal sinfónico o demás zarandajas. Lo que aquí nos encontramos es, según se define en la propia página de la artista, NeoClassical Dark Wave. Y, cómo ya he dicho antes, la producción es tan ubérrima como la Madre Tierra de quién toma el nombre. El segundo tema, “Cravings”, es buena prueba de ello. El uso de loops, programación y demás artilugios de estudio está presente. De cómo se puede crear un tema sin necesidad de enchufar una guitarra y tener un tío aporreando las tímbalas. Es el sello de estos días. Cómo con una producción minimalista, teniendo las cosas claras, de cómo se quiere sonar, de dónde va cada cosa, se puede construir un tema y un álbum. Tiene, por fortuna, ese toque a producciones brutales. Solo hace falta escuchar con dos orejas, discos como “El mal querer” de ROSALIA o el “When We fall asleep, Where do We go?” de BILLIE EILISH. Tan simple y tan complejo como eso. Porque se trata de crear una línea vocal y meterla en un secuenciador y repetirla; añadir otra línea vocal que ofrezca el contrapunto y vol-


verla a repetir e ir construyendo una base rítmica a partir de eso; y así, capas y más capas. La aparente sencillez compositiva lleva detrás una visión compleja y estructurada de la música. “Carefully Haunted” es melancólicamente dirigida por un piano, casi sientes como el alma se desnuda. ¿Hay algo que a la vez sea etéreo y presente, salvo un violín? ¿Hay algo que sea grave pero a la vez que tenga tanto empaque como un cello? Se notan años tocando en bandas de metal y que GAIA GUARDA quería grabar algo que fuese realmente ella, alejada de toda la artillería, como demuestra también en “Heartbeat”. Pero donde los ángeles cantan y lloran es en temas como el siguiente “Answer me”, minimalista en apariencia, pero como ya he indicado arriba, con una soberbia producción: todo encajado, pequeños retazos de cielo, la belleza simétrica, orgánica y fractal de un copo de nieve… “Who we are” nos sumerge en un tema oscuro donde el cello le da todo el punto con esa reverberación tan telúrica y continua. “At the bottom” nos vuelve a meter en esos temas construidos a base de líneas vocales con un leve acompañamiento electrónico; brilla lo que tiene que brillar (la voz y las emociones), y el resto es accesorio para redondear la composición.

en una gran banda, pero la tendencia de intercalar todas estas influencias canción tras canción puede resultar algo monótonas. Me refiero a las baladas (Y falsas baladas) que emulan a la perfección ese Western Heavy de botas y serpientes, así como las espídicas introducciones que nos hacen pensar más en QUEENSRYCHE o JUDAS, lo cual es muy bueno, pero lentamente te va sometiendo en un túnel donde diferentes exposiciones terminan pareciendo iguales. Decir que la trayectoria del grupo merece más es una negligencia severa, comentar que es un estilo complicado, que juega a reverenciar aquellas viejas glorias que admiramos y veneramos todavía es más acertado, sobre todo la densidad que imprimen cuando quieren, o el coqueteo con el Mal, o la pura tralla… Eso sí, virtuosismo algo menos, lo cual hace que este trabajo quede algo opaco. Resalto el trabajo de producción y mezcla, que hace resaltar más las virtudes que detallo que las pocas carencias de esta banda. SEBASTIÁN ABDALA 6/10

“Nothing’s Hiding in the lake” es otra buena demostración de lo que es el concepto de la banda, con toda esa aparente simplicidad. Ya os lo he dicho, es un trabajo para escuchar con dos orejas, con la mente y el corazón abierto, y entonces descubres lo demoledor que es en su aparente fragilidad. Cierran con “Drowning in Fear” con el perfecto equilibrio y contraste entre la brutal y densa línea del cello, las sobrias líneas rítmicas y la angelical voz de GAIA GUARDA. ¡Buah, es que eso no es metal! ¡Psché, es que tiene sonidos pre-grabados y baterías electrónicas! ¡Es que…! Sí, ya me sé todos los argumentos de los tarugos musicales. Pero es que estamos en 2021, la gente y la música evoluciona. Si alguien como GAIA GUARDA quiere desnudar su alma y reflejarlo en estas nueve gemas que ha pulido y engarzado con una producción como ésta, en apariencia simplista, pero que es el sello de los tiempos que corren… ¡Pues bienvenida sea! Ya te lo decían los griegos, Gaia es muy, muy grande, ubérrima y primordial. CESAR LUIS MORALES 9.1/10

GARAGEDAYS (AUT) SOMETHING BLACK EL PUERTO RECORDS, 2020

Con más empuje y fuerza que técnica llega a nuestras manos el nuevo trabajo de GARAGE DAYS llamado “Something Black”. Un disco que se aferra a aquellos lejanos parajes donde el Metal hacía fuerza por adquirir imagen y sentido propio despegándose del Heavy. Con un gran trabajo de producción, un sonido elaborado y muy trabajado, nos enfrentamos a 10 canciones que lo tienen todo para acompañarte en un viaje largo de carreteras desérticas y te sientas como en casa. Las influencias están en todas partes, las intenciones de permanecer en el tope de una ola de adrenalina están ahí, no falla, no decepciona, pero tampoco termina de ofrecer algo remarcable. Las bases con guitarras rítmicas al frente se hacen tangentes apoyando al bajo y la batería que, esporádicamente se lucen con fraseos y toques muy interesantes, y le dan una potencia de maquinaria bien aceitada y feroz. Los soliloquios de guitarra se presentan como corresponde, luego del puente y antes del final, tirando de años de experiencia y buena composición. Pero la comparecencia global del disco se convierte en un catálogo de recomendaciones y raíces que son inevitables encontrar. Hilan muy fino, eso sí, porque aunque se declaren fanáticos de MOTORHEAD, METALLICA o ACCEPT, la verdad y, gratamente, los encuentro relacionados con cosas mucho más oscuras y elaboradas. Sería una falta de respeto no reconocer el trabajo bien hecho, ensayado y que los convierte

GRAVFRAKTAL (SWE) UNHALLOWED DEATH TRIUMPH IRON BONEHEAD PRODUCTIONS, 2020

GRAVFRAKTAL es una formación nueva, pero sus miembros son perros viejos de la escena Death/ Black Metal Sueca. En el curriculum de los músicos que forman este grupo pueden verse escritos nombres tan poderosos como: SACRAMENTUM, PAGAN RITES, DEATHWITCH, RUNEMAGICK, BESTIAL MOCKERY, THE FUNERAL ORCHESTRA, KILL, SALTAS, DIABOLICUM, KARNARIUM o CEREKLOTH. La veteranía y el saber hacer son factores obvios después de leer tamaña lista de bandas. “Unhallowed Death Triumph” es el titulo de el primer trabajo editado por este combo. Un EP que ha editado el sello Iron Bonehead Productions en formato vinilo de 12 pulgadas. Esta grabación recoge cuatro temas en casi dieciocho minutos. Y como no podía ser de otro modo, el contenido de estos temas es Puro y duro Death Metal, sin etiquetas, sin aditivos. Death Metal con su oscuridad y crudeza, Death Metal de aquel que emanaba sangre negra a comienzo de los noventa. Es imposible ignorar esas referencias que evocan a bandas como GROTESQUE o los primeros y mejores NECROPHOBIC. Tal es así que la portada posee un estilo muy similar al clásico EP “Incantation” de sus compatriotas GROTESQUE. Ignoro si esto ha sido premeditado y queriendo hacer un guiño u homenaje a la citada banda de Göteborg. Pero invito a cualquiera que tenga curiosidad a hacer la comparativa. En lo musical, su Death Metal a pesar de ser sueco, no rezuma un exceso de melodías. Este material es más oscuro, más dañino. Diría que han optado más por el estilo de bandas tipo POSSESSED o SADISTIC INTENT, pero añadiendo el ingrediente secreto sueco. Destacaría como curiosidad el último tema “Endless Grave Fractals” donde he apreciado momentos muy significativos que han traído a mi mente los últimos trabajos de los WATAIN. Un EP poderoso, potente y con un equilibrio excelente entre velocidad, melodía, violencia y oscuridad. Es realmente satisfactorio encontrar aún ediciones así. JOSÉ ANTONIO COSTALES LANCHARRO 8.5/10


GWYDION (PRT) GWYDION ART GATES RECORDS, 2020

Todo comenzó como un proyecto de amigos con las mismas pasiones: la música y la cultura celta. Así nació hace 25 años GWYDION, en la vecina Portugal, pariendo su primer álbum en 2007 “Ynys Mon”, para un cuarto de siglo después entregarnos su quinto álbum homónimo, en honor al dios GWYDION (mago de la mitología galesa), donde despliegan toda su experiencia cumulada para traernos un viking/folk metal cargado de epicidad, dramatismo, contundencia y sobre todo folk. Con un artwork espectacular, creado para la ocasión por Joe de Arca Design, donde el imaginario céltico crea una simbiosis perfecta entre la naturaleza y la batalla, dejándonos un escudo tribal y mitológico para adentrarnos en su música con su sello personal. “Stand Alone”, abre esta obra de una forma orquestal con un clímax creciente, irrumpiendo pero de forma muy melódicas las guitarras de Mighel Kaveirinha, acompañado por los teclados de Daniel Cesar en cada resquicio, llevándonos en volandas hata “The Bards”, donde despliegan su poderoso viking metal con pasajes death, incluso blackers gracias a los registros de Pedro Días y a la base creada por la percusión de Marta Brissos y el bajo de Bruno Ezz, en uno de los temas destacados del álbum. “The Chair Of The Sovereign”, es otro tema agresivo y muy contundente, teniendo una gran variedad vocal, lo que ameniza y dinamiza la estructura musical, donde los teclados y los coros encajan a la perfección y aparecen en el momento justo, como en “Hostile Alliance”, en el que se une el estribillo y el solo/melodía de guitarra que aporta una gran epicidad y transforman este tema en uno de mis preferidos. Con “Battle Of Alclud Ford”, nos adentran en otro mundo, influenciado por el epic power metal con la colaboración de Artur Almeida de ATTIC DEMONS, en las voces, creando otro temazo de gran envergadura, épico, festivo y muy metalero, al que le sigue un oscuro caminar con “Cad Goddeu”, con un halo místico creado por unas sinfonías de guitarras embaucadoras y la colaboración de Peteris Kvetkovskis de SKYFORGE, crean una obra mastodóntico donde el viking/death metal lo llevan por bandera. Y como es un álbum especial, no es de extrañar que en su tema homónimo “Gwydion”, colabore uno de sus miembros fundadores y exvocalista, Rubén Almeida, cerrando esta ronda con Isabel Cavaco de DOGMA que pone su voz en la juglaresca “Roda”, para cerrar el álbum. Pero antes, no quería despedirme sin mencionar la poderosa “Dead Song” o la epica “Steed Song”, donde la influencia de AMON AMARTH aparece entre sus notas, sobre todo en la voz gutural y densa que esta vez nos presentan, dodne la melodía recorre acero y batallas a través de bosques helados. Y como buenos guerreros, tras una dura batalla y una victoria, el vino y la fiesta se vierte sobre sus barbas heladas y sus pieles magulladas con “Ale Mead And Wine”, rememorando esos momentos con el medio tiempo engalanado de belleza “A Battle” o la druídica y oratoria de “Hammer Of The Gods”, donde puedes sentir el contacto con los dioses del Valhala en sus entrañas. Un gran álbum para este 25 aniversario de GWYDION. JUAN ANGEL MARTOS 8.5/10

HANGING FORTRESS (USA) DARKNESS DEVOURS REDEFINING DARKNESS RECORDS, 2020

En serio, vaya locura… directamente le doy un 10 sobre 10. Es que cualquiera que me conozca sabrá que este es el tipo de Death Metal que me vuelve loco, me encanta, me apasiona. Y es que lo tengo facilísimo para describirlo: esto es lo que deberían haber hecho muchos grupos yanquis y europeos antes de decidir suavizar su estilo hace un par de décadas. Suena a INCANTATION, a IMMOLATION, a ACROSTICHON, a los actuales DISMA y a FUNEBRARUM. Es Death Metal brutal, pero con cierto tono y bastante control, pero sobre todo es oscuro… ¡terriblemente oscuro! Es espeso, es agobiante, opresivo, agónico… El sonido de guitarras es tan opresivo y heavy, que te puede dejar tirado en la acera ahogándote en un charco de sangre. No es necesariamente rápido, tiene sus partes veloces, pero en general es a medio tiempo casi todo el tiempo. Con ritmos extrañamente pegadizos y que producen escarnio en tu cerebro y te dejan el cerebelo destrozado. Son de Toledo, pero no el de las espadas… de Toledo, Ohio. Son un quinteto y si siguen en esta línea, vas a oír hablar mucho de ellos en el futuro, seguro. Me encanta todo este nuevo manantial de Death Metal americano que recupera viejos sonidos casi olvidados… me refiero a cosas como SANGUISUGABOGG, TOMB MOLD, BLOOD INCANTATION, SEDIMENTUM, FETID, CHTHONIC DEITY y un larguísimo etcétera. Y, por supuesto, ahora HANGING FORTRESS pasan a la lista de mis preferidos. Simplemente impresionantes. ANTONIO PARDO 10/10

mérica es un hervidero de bandas potentes, como los SEPULTURA, A.N.I.M.A.L., PUYA y cien más que me dejo. “Rise” abre con fiereza, con la voz de Angélica Bastos reventándolo todo. Sí, están Angela Gossow, Otep Shamaya, Tatiana Shmaylyuk y ahora, llega ella, forzando las cuerdas vocales con una carga de odio, de rabia y de salvajismo inaudito. “Reborn” se inicia redoblando y a saco, para dejar paso a un medio tiempo entre el Thrash menos acelerado y el Groove más rítmico. Pero que rezuman mala leche, potencia, ideas y frescura, es un hecho. “Lost Days” es lo suficientemente abierta para apreciar el trabajo de Felipe Modesto a las cuatro cuerdas (cinco en este caso) y ofrece un potente estribillo a dos voces entre Angélica y el guitarrista Renan Ribeiro. “Spit Deception” sale disparada a continuación a tres mil revoluciones por minuto, como una taladradora que te funde el cerebro, y si no me equivoco, incluso hay golpeteos de slap por ahí. “Sentimientos artificiais” ataca como los buenos temas de R.D.P. (si seguimos en la misma tradición brasileña de bandas cañeras); sencillo y efectivo, directo a la yugular, con tiempos cortados, con acelerones, con parones y la banda funcionando al milímetro. “You are not the One” tiene un montón de saltos, de variaciones y de ambientes. Vale, no llegan al nivel de JINJER, pero aquí es otro rollo más directo, con una actitud callejera y ruda que tira de espaldas, y a los amigos de Rio de Janeiro les rebosa por cada poro. Continuamos con “Santificado seja o meu ódio” y aunque no sepas brasileño, creo que el título deja bastante claro lo que te vas a encontrar: una bofetada metálica en toda regla, con sus buenos momentos para hacer un buen headbanging o un pogo como mandan los cánones. Incluso insertan un momento de sonidos pregrabados para continuar destrozando tímpanos. “Mindbreaker” tiene un inicio realmente interesante, melodioso, y es un tema que no sabría dónde ubicar, pues tiene unas líneas de guitarra más roqueras que, la verdad sea dicha, le dan un puntanzo bastante adictivo. Y cerrando el álbum, “Break Down the prophecy”: ¡joder, que inicio de base rítmica! Y otro pelotazo. De hecho quizá sean los dos últimos temas los que más me gustan del álbum, porque se salen más de la línea compositiva de los anteriores. Por mi parte, que sigan por el camino trazado por los dos últimos temas. Hace mucho tiempo que no echaba la vista hacia el país del “jogo bonito”. Sí, te diré que SEPULTURA eran los más grandes. El “Chaos A.D.” y el “Roots” dibujaron mi mapa musical de la década de los 90’s. Luego me harté del culebrón Cavalera y de lo último de la banda no he escuchado mucho. Sí, si reconozco que Eloy Casagrande es un animal a la altura de Igor, o quizá incluso mejor. Pero… Los SEPs abrieron el camino, pero con bandas como HATEFULMURDER vamos a tener que volver a prestar atención a Brasil. Nombre contundente, vocalista brutal, banda compacta y sólida como un directo de Tyson. Si es que hasta el nombre del disco pega con todo esto: “Reborn”. Sí, el renacer de Brasil como referente de bandas.

ración haciendo la grabación fácil de digerir en su totalidad. El estilo de la banda no ha variado, ofreciendo un hibrido entre el Death Metal de corte nórdico, el crust / punk, ciertos riffs Black y otros que proceden del Doom, mezclando todo obtenemos lo que HEADS FOR THE DEAD nos ofrecen aquí. Si bien hay alguna cosa que me suena algo disonante o incluso fuera de afinación en el primer y directo tema “Into The Red”, hay que decir que el tema es bastante resultón y acierta como tema inicial metiendo al oyente en la vorágine de lo que nos espera. “At The Dead of Night” es un tema bastante siniestro, donde riffs lentos se mezclan con otros mucho más rítmicos y que aportan algo de frescura, aunque hay que decir que no es que sea algo original, ya que no lo es en absoluto. “Horror Injection” es un tema puramente Death Metal, aunque muy rítmico y con un buen trabajo en su composición, logrando unos muy buenos momentos en la intensidad y mezcla de las melodías que crean las rítmicas. “The Seance” comienza con un pasaje realmente pesado y opresivo, riffs lapidarios como bombas de napalm, que son acompañados por una brutal vocalización de Ralf, solo decir que en mitad del tema vuelve a sonarme algo “raro” un riff, llega a parecer que está sonando como desafinado. “Night Ripping Terror” es otro ataque de brutalidad, con velocidad y agresividad a raudales, perfecto para los que quieran volverse locos, con el tema más brutal de la grabación junto con el corto “The Revenant”. “The Midnight Resistance” es un tema mucho más rítmico de inicio, suena intenso e incluso tiene unos buenos cambios de ritmo manteniendo el nivel alto a niveles de composición. “Multi Morbid Maniac” nos ofrece mucha mayor contundencia, variando la velocidad de los temas anteriores por riffs machacones y opresivos. Destacar que casi acabando el álbum nos ofrecen una versión, muy bien realizada aunque sin modificar mucho del original, del “Transylvanian Hunger” de DARK THRONE, que está muy bien, aunque echo en falta algo más de personalización, pese al buen resultado. Buen álbum de HEADS FOR THE DEAD, que los asienta como una banda interesante, que encuentra su estilo en la mezcla de estilos, y donde ofrecen buenos e interesantes temas y que harán las delicias de todos los seguidores del Death Metal verdadero. LUIS MARTÍNEZ 8/10

CESAR LUIS MORALES 8.5/10

HEGEROTH (POL) PERFIDIA AUTOEDITADO, 2020

Desde Polonia llegan HEGEROTH y su más reciente trabajo “Perfidia”, tercer álbum de la banda, el cual hace su aparición poco más de un año después de la publicación de su anterior disco, “Degenerate”.

HATEFULMURDER (BRA) REBORN AUTOEDITADO, 2019

Años ha, Max Cavalera, el ínclito líder de SEPULTURA, en una entrevista decía que el lema de la bandera de Brasil (“Orden e Progresso” – orden y progreso) era una burda falacia, y que deberían de cambiarlo por uno más adecuado, algo como “caos y corrupción”. Razón no le faltaba, y el paso del tiempo no ha hecho si no darle la razón (¡Gracias, Jair Bolsonaro!). ¡Colorea y descubre el país carioca con Teo! Pero no, no vamos a hablar de los SEPs, ni de SOULFLY ni de todo el culebrón de los hermanos Cavalera. Y sí, sí vamos a hablar de Brasil y en concreto de sus bandas. Si te da por culo, como a mí, que un país sea conocido por su futbol o por sus garotas, estamos en la misma honda, así que te van a encantar HATEFULMURDER. Con más de una década a sus espaldas, nos presentan su último álbum, “Reborn”. De los primeros comienzos como banda de Death/ Thrash ha evolucionado su sonido hacia ese híbrido de metal agresivo de última generación. ¿Es Death? ¿Es Thrash? ¿Es Metal-core? ¿Es Groove? Sí, sí, y veinte veces sí. Es otra prueba de que Suda-

Ocho canciones y poco más de 35 minutos de un black metal agresivo y rápido, con melodía que disfrutan de un estupendo sonido y ciertamente, más acorde con la escuela escandinava que con la de su país natal.

Dos años después de su debut “Serpent´s Curse” nos llega el segundo larga duración de HEADS FOR THE DEAD, el proyecto Germano / Sueco / Holandés formado por Ralf Hauber (vocales), Johnny Pettersson (Guitarras / bajo) y Ed Warby (batería).

El material aquí contenido, es bastante directo sin desvíos ni desvaríos, directo a la yugular y que casará bien con el género en su versión contemporánea, no estamos ante un grupo retro o anclado en la época clásica. De igual manera, existe una variedad a pesar de contar con los instrumentos tradicionales junto a algún que otro teclado esporádico, que por cierto, gozaban de más presencia en sus anteriores entregas.

Si en la anterior reseña que realicé de su debut, destacaba la oscuridad y putrescencia que emanaba de la música de estos veteranos de la escena, para esta continuación la sensación es similar, aunque han añadido ciertos detalles interesantes que hacen que esta nueva grabación sea más de mi agrado que su debut. Primeramente comentar que “Into the Red” nos ofrece doce temas que aunque puedan parecer muchos, varían en su du-

“Hand by Hand”, es el encargado de arrancar la contienda, haciendo gala de buenos cambios de ritmo sumado a una recomendable mezcla de oscuridad y densidad, que no afloja en la totalidad de la obra. “The Wind Embraces Me”, por su parte, es ligeramente más atmosférica, con un aura inquietante y extraña al mismo tiempo y “Sacrificed”, es demoledora y obsesiva, con un papel enfermizo de su cantante (dicho en el “buen sentido” claro está);

HEADS FOR THE DEAD (DEU) INTO THE RED TRANSCENDING OBSCURITY RECORDS, 2020

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de las más veloces del álbum sin lugar a dudas y mi favorita. “An Angel Won’t Come”, es el corte que cierra este trabajo, con inspiradas guitarras y que transcurre a medio tiempo en su mayoría, otro entre los destacables. Las letras a rasgos generales, giran en torno al poder de la iglesia y el rechazo al mismo, que se ven reflejadas en la arte de este “Perfidia”.

sábado por la noche te llevaba al bar para ver una banda y soñar con ser Algo… cuando no importaba otra cosa que tener dinero para la próxima cerveza. En todo caso quienes se acerquen hoy a la banda a través de este disco, os recomiendo escuchen más con el Tercer Ojo, ese que solo ve el Únder y los buenos espíritus, que con la mirada crítica que cuenta “Meputogusta” tu cara de músico malo.

HEGEROTH es un trio está formado en 2010, que se haya compuesto por Edward a la voces, Bene que se encarga de guitarras y bajo (además de la mezcla y masterización en los HHSoundLab Studios), mientras que Bila lo hace de la batería. Eso sí, respecto a su faceta en directo, suelen emplear a dos guitarras de directo, que vienen de la otra banda en la que participan todos ellos y que lleva por nombre HEXHORN (en un estilo más death/ thrash metal). La portada ha sido realizada por el belga Jean-Philippe Sonnet/Threadbare Artwork (SAILLE, CARRION, FRACTURED INSANITY…). Resumiendo, uno de esos lanzamientos independientes lanzado en los últimos compases del año, que harías bien en no pasar por el alto y/o perderte, si lo tuyo es el black metal melódico, rápido y brutal de grupos como DARK FUNERAL, EMPEROR, NAGLFAR… ROBIN RM 7/10

SEBASTIÁN ABDALA 5/10

Aunque no hay un gran cambio musical entre «Aske» y su predecesor, la producción los hace sonar como si hubieran sido producidos por dos bandas completamente diferentes.

HERETICAL SECT (USA) RAPTUROUS FLESH CONSUMED REDEFINING DARKNESS RECORDS, 2020

HELLBORN MILITIA (USA) FROM ACOUSTIC BEGINNING AUTOEDITADO, 2020

A veces, simplemente, lo mejor es olvidar esa parte que te genera una presión innecesaria, a veces, lo mejor, es hacer lo que te gusta o, mejor todavía, mostrar aquello que siempre quisiste enseñar tal y como vino al mundo. A veces parece como que todo lo que importa son las RRSS, lo que digan un par de personas en sus intervenciones vía Instagram o Youtube… o Facebook, claro… Y, para peor, muchos sienten un fracaso cuando esas publicaciones no alcanzan un número aceptable de “likes”… Se olvida, uno, a veces, que el Metal existe antes de que fuera posible acceder a él desde un teléfono… Y que lo verdaderamente válido siempre ha sido el contenido… no la promoción del mismo. ¿Me enrollé? Bueno, todo esto me ha venido mientras tengo de fondo este E.P. de la banda HELLBORN MILITIA, donde en breves canciones grabadas en acústico nos lanzan un fabuloso disco llamado “From acoustic beginnig”, que tiene estas descripciones: Crudo, sincero y realista… Saturado de “reverbs”, macilento, oscuro. El sonido está muy emparentado con esas grabaciones desaforadas, hechas con mucha furia y una perversa intensión de lastimar al otro, no de entretenerlo. La parte acústica del principio (que parece grabada en algún antro de Texas) tiene su onda, porque transmite dolor, pena y aburrimiento de vivir, un fin de semana típico pegado a las pantanosas aguas del río Wishkash. Canciones bien estructuradas y mucha melancolía para los que somos cuarentones y extrañamos esa sinceridad de un grupo… Es confuso en el conteo global del disco, porque las canciones son buenas: Con esa fuerza que no compensa otras carencias, canciones como “Bound” o “In thy wil heal” son fiel muestra del momento en el cual fueran grabadas (¿2007?). Y digo esto porque queda claro que así han sido metidas en este lanzamiento. Me es inevitable recordar a veces ese acústico de ALICE IN CHAINS… confuso y pragmático. Luego pasamos a una parte eléctrica, que cierra este trabajo, con una potentísima “Dominate”, feroz, bruta… fundamental para cualquier sureño yanqui de hoy en día que sigue añorando a ANSELMO… Más con ese sonido de décadas atrás, saturado, digno de haber sido grabado con una “porta estudio” en una buena sala… Aunque me deja más sombras que luces. Tal vez la idea del grupo HELLBORN MILITIA haya estado más ligada a un regalo a sus seguidores que añoraban aquellos años de juventud, cuando un 58 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 81

HILOTZ formada a finales de 2009. Siguiendo la estela de su álbum debut, «Giza Ankerkeria», el trío formado por Etxahun Urkizu (batería), Mikel Yarza (voz y bajo) y Pablo Cabasés (guitarra) ha vuelto a combinar thrash, death y black metal. El LP ha sido grabado, mezclado y masterizado en los estudios Black Storm (Karrantza) bajo la supervisión de Ekaitz Garmendia (LEGEN BELTZA, EXTINCTION, SIJJIN) y publicado bajo el sello Maldito Records. Está compuesto por once canciones: once miradas, dudas y deseos, relatados desde el punto de vista de aquellos que quieren romper sus cadenas (migrantes, mujeres, animales, personas con adicción, con capacidades diferentes…). La banda ha hecho un intento por ponerse en la piel de quienes pretenden ser libres.

Desde Estados Unidos nos llegan los chicos de HERETICAL SECT con su nuevo álbum “Rapturous Flesh Consumed”. Con esta publicación, que vio la luz en diciembre del año pasado, ya suman dos trabajos contando con el EP que sacaron en 2019. Entre sus componentes encontramos a Crypt Hammer al bajo, Warg a la batería y como vocalista y Coffin Beast a la guitarra. Bajo el sello discográfico Gilead Media estrenan “Rapturous Flesh Consumed”, formado por seis temas de puro black metal de una media hora de duración aproximadamente. Antes de entrar en materia me gustaría mencionar el sencillo pero increíble artwork de Zac Scheinbaum en portada, muy al estilo de las ilustraciones del gran Harry Clarke. Empezamos con “Rising Light of Lunacy”, que comienza dándonos un puñetazo en la cara. El peso del tema se lo llevan unos riffs muy macabros que nos llevan de la mano a una espiral de caos. La línea de bajo es muy interesante y aporta una base bastante sólida sobre la que trabajan. La batería está cocinada a fuego lento y aporta una atmósfera solemne y ominosa. El gutural de Warg es profundo y se acompaña de un coro que hace que pone bastante alto el listón de “Rapturous Flesh Consumed”. Con “Baptismal Rot and Ash” tenemos el corte de más duración del álbum. Diez minutos de un black/doom muy espeso que hace que entremos en un trance del que no podemos escapar. HERETICAL SECT saben muy bien a qué han venido y qué es lo que nos quieren ofrecer. “The Depths of Weeping Infinity” nos llega para fluidificar el aura que se ha creado previamente. Una pista más ligera y rápida nos despeja la mente antes de llegar al envolvente “Degradation Temple”. Este tema vuelve a atraparnos en un ambiente ceremonial y pegajoso. Aunque lentos, los cambios de tempo de este corte son una auténtica pasada y, en mi opinión, es la pista más potente y absorbente de todo el disco. “Resurrection Sky” comienza con un tintineo de cadenas, abriéndonos el camino al final. Terminan con “Ritual Inversion”, con un toque denso de death. HERETICAL SECT nos han traído un disco muy correcto, coherente y con una producción increíble. Más que recomendado a los lectores de Necromance. MAKI PÉREZ JÁUREGUI 9/10

HILOTZ (ESP) ASKE MALDITO RECORDS, 2020

«Aske» es el segundo álbum de la banda vasca

HILOTZ no tiene miedo de mostrar amor por sus influencias; incluso algunos podrían decir que no tienen miedo de meter la mano en esa caja de clásicos del thrash y tomar lo que más les gusta. Aunque no es demasiado original y las progresiones resultan muy simples, este álbum demuestra que pueden jugar con los riffs y las voces y probar algo nuevo. Desafortunadamente, parte de la experimentación ralentiza el álbum y me cuesta mantener la atención. La línea vocal resulta monótona, suena igual en todos los temas y podremos entender la letra si nos defendemos en euskera, porque ese es el idioma elegido para transmitir sus inquietudes. Pueden no tener mucha originalidad, pero eso no hace que «Aske» sea ​​menos sólido. No puedo decir que «Aske» esté a la altura del éxito de su predecesor aunque es un buen resultado. HILOTZ demuestra a través de once temas que aún no se le han acabado las ideas, incluso aunque no sean del todo suyas. ATAEGINA MOON 7/10

HYRGAL (FRA) FIN DE RÉGNE LES ACTEURS DE L’OMBRE PRODUCTIONS, 2020

¡Bienvenidos al fin del mundo! ¡Bienvenidos al fin de un reino! Cada vez estoy más convencido de que el hombre, tal como debiera ser y como debiera existir, ha decidido abandonar la grandeza a la que estaba destinado para convertirse en la ponzoña que somos. ¡Colorea y aprende con Teo! Tal empeño se va viendo reflejado en el día a día. Echad un vistazo alrededor y ahí lo tenéis. Es así, y quizá mi visión misantrópica y nihilista hizo que amase el Black desde el primer momento en que lo escuché. Y, como para poner banda sonora a estos tiempos, el sello francés Les Acteurs de l’Ombre se ha convertido en mi referente a la hora de acompañar musicalmente mis pensamientos. Y, ¡oh, bendita Providencia! Tenemos un disco de HYRGAL que se llama “Fin de Règne”, el fin del reinado. “Colère Noire” abre como tiene que abrir, a saco: baqueteo atómico, riffs disonantes hasta la náusea, con una voz que escupe misantropía en cada frase… Aunque, como es paradigma en el Black Metal, hay una belleza decadente que subyace en la composición, como esos interludios en los que la tormenta sónica disminuye su intensidad para engarzar con el siguiente tema. “Malthusien” sigue en la misma trayectoria acelerada y abrasiva, y si bien su inicio es mastodóntico y brutal, con una intro a caballo entre el tremolo picking y los riffs solemnes. Con una velocidad exagerada, casi rallando el barullo sónico, entran, nuevamente, en ese momento en que despliegan toda su capacidad expresiva y emocionalmente devastada. Un nuevo argumento de por qué el Black Metal es la última expresión de una comunión entre la musicalidad extrema y la frágil e inspirada. Pero también es realmente extrema. Para el neófito, una pesadilla, un muro abrumador e hirviente. Así dejan constancia en el siguiente tema,

“Ennemi(E)S”. Si le pones este tema a cualquiera que se acerca a los géneros extremos, verás cómo huye despavorido; pero lo que es innegable es que tú te quedarás patidifuso observando como la banda arma el tema y como lo tocan poseídos en una carrera contra el metrónomo. Revientan, se rompen y a la mitad, todo es calma, sonidos etéreos; ¿qué ha pasado? ¿Es la misma banda? Ecos de algo más Post, pero manteniendo la identidad, el pasaje completamente integrado en la canción. Ya sabemos, la escuela francesa del Black Metal siempre tiene “algo más” que ofrecer, y el final de este tema, después de ese interludio, es buena prueba de ello. “Sépulcre” continua como una composición descarnada, casi desnuda, como una endecha agónica que te mete el ombligo pa’dentro. No hay ruptura y nueva cabalgada metalera, simplemente una guitarra que es casi un ruido blanco, unos platos y una voz visceral. Pero volvemos, después del acongoje, con “Glyphe de Sang”: volvemos al Black, pero con una muralla de riffs desquiciados, discordantes y enrevesados, pero como HYRGAL son la banda que son, vuelven a sorprender con un nuevo desarrollo que se mete en derroteros menos clásicos y más Post. Así da gusto, cuando una banda te rompe los esquemas, te sorprende con cada evolución y no se restringe estilísticamente. Buena prueba de ello, es el siguiente tema, “Hériter Mort-Né”, que si bien es otra andanada de abrasivo Black, cuenta con unos melódicos solos de guitarra ¡y que bien suena el Black cantando en francés! Y sin perder ritmo, atacan con el postrero hachazo, “Triste Sire” sacando músculo y vísceras hasta el último segundo. Así que ahí lo tenéis, echadle un vistazo al final de un reinado; de lo bueno y lo divino que pudiera albergar el ser humano y que pudiera haberlo llevado a ser algo realmente reseñable y conmovedor, nada queda; ídolos con pies de barro, ponzoña y miasma. HYRGAL lo saben y han compuesto la perfecta banda sonora. CESAR LUIS MORALES 8.5/10

JOURNEY INTO DARKNESS (USA) MULTITUDE OF EMPTINESS AUTOEDITADO, 2020

Bajo el nombre de JOURNEY INTO DARKNESS aparece el proyecto en solitario de Brett Clarin, ex guitarrista de SORROW al inicio de los noventa. Ahora nos trae su nuevo trabajo “Multitudes Of Emptiness”, uniendo fuerzas al vocalista Jei Doublerice (SENSORY AMUSIA, ABIOGENESIS, DESPITE EXILE), para crear un álbum donde entremezcla el black y el death metal, con toques sinfónicos y pasajes de dark synth. Nos presenta un álbum con dos vertientes, ocho canciones donde tres de ellas, se engloban con un toque dark a base de atmosferas y sintetizadores, bebiendo mucho de la influencia ochentera con unos sonidos cósmicos y muy robóticos, embriagados por lo instrumental, destacando “Intergalactic Space” y “Desolation”. Las otras cinco canciones despliegan una gran calidad dentro del género, abriendo con “To Be Human Is To Be Inhuman”, todo un despliegue de riffs enérgicos donde el death metal está muy presente, intercalándose entre estrofas extremas y blackmetaleras, con un gran trabajo por parte de Jei en las voces otorgándole una gran flexibilidad a la estructura, lo mismo que el mundo musical creado por Brett es brutal; un temazo. “Programmed To Die”, se introduce en el black metal sinfónico, con un halo de vileza muy agudo, creando unos ritmos machacones e incisivos, que contrasta con “The Insignificance Of”, mas majestuosa y adictiva, por lo menos para mí, con un crecimiento continuo y una forma distinta de crear las estrofas, la dualidad vocal ejerce de patrón a un ritmo altivo y continuado, que le otorga un toque señorial, pero malvado. “Sending Death”, sigue la estela sinfónica, pero contiene una parte central brutal, una marcha imperial del averno donde las guturales marcan y los


screams realzan, transformándose en una de mis preferidas del álbum junto a la enigmática “Multitudes Of Emptiness”, que pone el punto y final de una forma instrumental, uniendo los dos puntos de vista englobados por JOURNEY INTO DARKNESS , el synth y el black sinfonico pero con un toque doom. JUAN ANGL MARTOS 7.5/10

MEPHISTOPHELIAN (SVN) ANOTOS AUTOEDITADO, 2020

Desde la pequeña Eslovenia nos viene la gran banda de death metal MEPHISTOPHELIAN. Con 11 años de trayectoria, en 2014 sacaron su primera demo, pero no ha sido hasta este año que se han atrevido a lanzar su primer álbum, “Anotos”. Entre las filas de MEPHISTOPHELIAN se encuentran Dalibor Vladič al bajo, Renato Jurejevčič y Kristjan Bajuk con las guitarras, Deni Petraš como vocalista y la guinda del pastel: Romain Goulon a la batería, exintegrante de BENIGHTED y NECROPHAGIST. “Anotos” es el trabajo que nos presentan en septiembre de este año, publicado de forma independiente y de una duración de aproximadamente media hora repartida en diez cortes diferentes. Desde el primer segundo de “Abysmal Discorded Endeavour”, te das cuenta de que te encuentras ante algo MUY serio. El sonido que tiene MEPHISTOPHELIAN está muy pulido y no tiene nada que envidiarles a otras bandas de discográficas de renombre. La calidad a nivel compositivo demuestra los años de experiencia que llevan a sus espaldas. El gutural de Deni es potente y profundo y se entremezcla muy bien con los instrumentos. Los riffs de guitarra serpentean correteando entre armonías trabajadas al milímetro, con momentos potentes de breakdowns como en “A Void Reminiscence” o “The Purge”, mis dos temas favoritos del álbum. El torbellino de brutalidad en el que nos envuelven desde el primer momento aminora en pistas como “Flesh Canvas” o “Without Contingent for Prosperity” para volver a sufrir cambios vertiginosos de tempo. A lo largo del disco y, en especial, en “Shroudslice” podemos apreciar el gran trabajo de Romain a la batería con un doble bombo que fluye a una velocidad demencial. Sin duda, la veteranía de este músico sale a relucir continuamente y en muchos riffs y en muchas estructuras encontramos bastante influencia de sus anteriores bandas. “Anotos” es un trabajo impecable con una presencia incuestionable. Sin duda va a estar incluido en muchos top 10 de este año, incluido el mío. No me extraña que los sellos discográficos estén dándose de tortas actualmente por fichar a los chicos de MEPHISTOPHELIAN. Si tuviese que decir algo malo, sería quizás que se me ha hecho muy corto. Trabajo más que recomendado tanto para los amantes del género como para gente que se esté introduciendo en él. MAKI PÉREZ JÁUREGUI 10/10

MERCYLESS (FRA) SOVERREIGN EVIL XENOKORP, 2020

Las leyendas del Death Metal europeo MERCYLESS vuelven unos meses después de la edición de su exitoso “Mother of All Plagues” (CD

2020), con una pequeña grabación en formato EP pagando su tributo a cuatro de las más grandes bandas del Underground extremo, cuatro temas de cuatro legendarias bandas, no suena mal verdad? Vamos con ello. Comienza este EP con un apocalíptico “The Third of the Storms”, originalmente creado por los maestros HELLHAMMER y que si bien el sonido se nota esa actualización respecto a lo grabado hace treinta años por las huestes de Tom Warrior, aquí Max Otero y su banda se las han arreglado para lograr un sonido muy similar, que traen incluso a la mente cierto regusto punk y ese Metal añejo y primitivo, pero que MERCYLESS se las han llevado a su campo logrando una muy buena versión. Esto mismo, nos sucede con el cuarto tema de la grabación, “Go to Hell” originaria de MOTORHEAD, sí nos recuerda a la banda del desaparecido Lemmy con un cambio en la vocalización, sonando muy cercano al icono británico. Sin embargo, si nos adentramos en terrenos más extremos, tanto “In League with Satan”, originaria de VENOM, como “The Exorcist” de los californianos POSSESSED, la banda la hace más suya acercándola a su sonido, sonando ambos temas brutales, directos y perfectos en su ejecución, logrando un resultado asombroso. Hay que resaltar el sonido logrado en esta grabación, porque pese a ser una grabación más casera, realizada con métodos antiguos en el local de ensayo, el sonido destila una crudeza y autenticidad propia de la maldad de la música de los años ochenta, con lo que han logrado un sentimiento y auténtico espíritu en la grabación asombrosamente logrado y que los más fanáticos de este estilo agradeceremos sin dudar. Fantástico EP el que nos ofrecen MERCYLESS, sin duda, una obra para disfrutar y que solo tiene el fallo de ser muy corto y haciendo que nuestros oídos pidan más y más, solo por esto no les doy un 10. LUIS MARTÍNEZ 9.5/10

MIND DRILLER (ESP) INBOLUTION ART GATES RECORDS, 2021

Me da entre miedo y risa escribir estas primeras líneas. Porque, este primer párrafo y como ya es habitual, iba a hablar de un tema relacionado con la banda, con su disco o con cualquier otra cosa relativa a la misma y que serviría como elemento vertebrador de la review. Y hoy tocaba hablar de involución, del retroceso en la marcha o evolución de un proceso. Pero es que viendo las noticias y la panda de tarados que han tomado al asalto el Capitolio… ¡pues ahí lo tenéis! Involución en vivo y en directo, la realidad superando siempre a la ficción. ¡Colorea y aprende con Teo! Tarados aparte, nos encontramos con el “InBolution” (sí, está bien escrito, con B) de los MIND DRILLER. Pelotazo tras pelotazo, podríamos decir que es una continuación del álbum de 2019, “Involution” (sí, esta vez con uve). Porque el álbum presenta tres temas nuevos, tres remixes y tres versiones instrumentales. Para abrir boca, primer sopapo con el nombre de “Prophecy”: coros grandilocuentes dan paso a un ataque desatado en la tradición de STATIC-X, loops y sonidos pregrabados que le dan todo ese puntazo industrial. Peeeeero… y he aquí la grandeza de la banda cuentan con tres vocalistas que se reparten las tareas vocales: Estefanía Aledo, V y Daniel N.Q. Sí, por supuesto, cuentan con los vocales gruesos y ásperos de muchas bandas del género, pero también hay otra voz limpia y una femenina, y eso, ¡oh, niños y niñas! lleva a la música a otro nivel. “Overthrow” te arrastra en un medio tiempo repleto de detalles, de loops, de guiños a lo RAMMSTEIN, con ese marcado HiHat tocado a contras. La base rítmica es potente y sólida como un muro de hormigón, orgánica en contraposición a esas inhumanas baterías de los FEAR FACTORY. Se puede ser contundente, preciso y tener un groove bestial y, a pesar de toda la parafernalia electrónica, sonar fluido, cómodo y, como he dicho, orgánico.


“Denken” es otro pelotazo que si bien empieza como un tema de RAMMSTEIN, enseguida evoluciona a la siguiente dimensión, al desaparecer la voz gruesa y brillar la voz de Estefanía, acompañada de los coros limpios. Todo el mundo en esta banda tiene su momento y todos combinan en una alquimia perfecta. Entra V, sale, aparece ella, vuelve a salir, entra Daniel y así, uno tras otro articulan la máquina que crean instrumentalmente Javix, Pharaoh y Reimón. ¿Quieres más? ¡Ya, ya sé qué quieres más! Pues ahora la banda retoma tres temas de su anterior álbum, “Involución”: “Calling at the Stars”, “The Game” y “The Last Drop” ¿Y qué hacemos con ellos? Vamos a ver hasta dónde podemos llegar, vamos a darle una vuelta de tuerca. Vamos a meterle efectos, vamos a ver hasta dónde llega la guarida del conejo blanco, Neo.

por uno es complicado. “Mike Angelo”, pone el toque sutil a MOLLO RILLA, seductora y de blanco satén, como cuando FAITH NO MORE, introdujo “Evidence” en su álbum, ambas es un gozo escucharlas. Pero ya que nos acercamos al final “Rage The Day” tenía que levantar y crear su estilo propio en el álbum, acelerando los tempos, coros marcan la pauta y un rollo muy chulesco emerge de cada nota, otro de los temas que no paro de escuchar una y otra vez, el cual nos lleva al cierre intimista de “Let Go Pt.2”, donde el minimalismo se impone y se une a la voz de Marco y su guitarra acústica. Un álbum de 10, que si buscas algo diferente y original no te va a defraudar. JUAN ANGEL MARTOS 9/10

Y para cerrar, un nuevo bloque, donde la banda nos ofrece versiones instrumentales de “Prophecy”, “The Last Drop” y de “Rotten” (también de su anterior álbum). Y aquí, ya es lo que tu prefieras: baila, hazte un pogo, montante un Wall of Death… Pero asegúrate de ponerlo a toda pastilla, que las agujas del Molestómetro se fundan al llegar al 100. Y si tu vecino te llama la atención, recuérdale que tú lo has tenido que aguantar poniendo el “Resistiré” el año pasado. Así que, nuevo adelanto de MIND DRILLER y esto huele a nuevo disco en breve (“Involution” es de marzo de 2019). Y ¿qué queréis que os diga? Me quedé, como tantos otros, con la miel del RESU 2020 en los labios; pero han reconfirmado su participación en la edición 2021. Así que yo lo tengo claro: nos vemos en el Ritual Stage, el viernes 4 de Junio. ¡Estad atentos, porque pasaremos lista! CESAR LUIS MORALES 9.5/10

MOLLO RILLA (USA) VIVA EL CAMINO SEEING RED RECORDS, 2020

Describir la música que realiza el trío formado por Marco Ciofani (voz, guitarra), Joseph Botta (bajo) y Joey Shannon (batería y voz), bajo el nombre de MOLLO RILLA, es complicado, eso sí, con ella encontrarás diversión, pasajes rockeros e intrincados a lo SYSTEM OF A DOWN, incluso ensombrecidos por algún toque doom y oscuro, recuerdos a CLAWFINGER, pasajes narrados, country, actitud chulesca y punk, deslices latinos…, pero lo que está claro es que es diferente y eso fue lo que captó mi atención al escuchar este segundo álbum “Viva El Camino”, editado por Seeing Red Records. Nuestro viaje singular comienza con “The Raven”, un corte disfrutable de cabo a rabo, con un comienzo metalero y oscuro, pronto gira a un discurso ensoñador e hipnótico contado por un atípico tono que te atrapa aun más mientras se acelera, se metaliza, cogiendo luz en su solo y terminando con unos riffs pesados y poderosos. Pero es que “El Camino”, continúa este semblante, con un halo de oscuridad y cada instrumento perfectamente ensamblados, aceleran en sus estrofas enrevesadas y cambiantes, para crear otro temazo repleto de rock original e inspirador, que nos lleva a la macarra “Night Fang”, como si unos hooligans embriagados estuvieran acabando una juerga y apareciesen en mitad de Trainspoting. “Pendulum”, es densa y oscura, además de narrativa que se introducirá cíclicamente en tu mente, para amenizar la fiesta que nos presentan en “Lock ¬ Load”, con un country repleto de juegos de palabras y un ritmo acelerado, donde entra ese toque punk ingles. Y como estamos en un álbum de contrastes, “Bliss” marca su pauta, como si de una bossa nova se tratase, dulce, nostálgica y perfecta para un cabaret de medianoche donde un solitario bebedor observa desde la barra el mundo ante sus ojos, dormitado en sentimientos y seducidos por la tenue luz. “Let Go Pt. 1”, es otra de mis preferidas, como si de unos MUSE underground se tratase, creando su propio mundo progresivo y musical en una estructura musical gran calidad, uno de mis cortes preferidos del trabajo, aunque decidirme

NOXIS (USA) EX PANSE OF HELLISH BLACK MIRE PULVERISED RECORDS, 2020

Desde la aparición de bandas como FUNEBRARUM o un poco más tarde DISMA, algo ocurrió en la escena Death Metal más putrefacta y purulenta de los USA, ya que cada poco surge una nueva banda que sigue esa pestilente línea, así en los últimos años nos hemos encontrado con grandes bandas como SPECTRAL VOICE, MORTIFERUM, ROTTED, KURNUGIA entre otros nombres. NOXIS es una banda que procede de Cleveland, Ohio, y nos presentan estos cuatro temas bajo el título “Expanse of Hellish Black Mire” donde se presentan como una banda tremendamente monstruosa, con riffs pesados y aplastantes, una voz profunda y oscura que nos lleva directamente a las entrañas del inframundo, cambios de ritmo por doquier, donde los riffs van evolucionando poco a poco, y cambiando su intensidad y velocidad, pero lo que prima en esta grabación es el ambiente pesado y aplastante. Quizás el corto “Contorted Bowels Warm” tenga en su interior algún riff algo más clásico y que puede llegar a recordarnos una primigenia versión de los clásicos DEATH, pero todo envuelto en esa aura brutal y pesada que le han dado al sonido de este EP. “Guts Liquify” es el corte más brutal e intenso de esta grabación donde a golpe de contundencia y una batería velocísima nos aplasta directamente el cráneo. Hay que destacar que el grupo técnicamente no hace una demostración que nos impacte, pero todo suena y está tocado con la actitud “Old school” y profesionalidad de cualquier banda de renombre, no es un despliegue técnico como muchas bandas actuales, pero para este estilo los tres músicos rallan a muy buen nivel y hacen que la grabación suene compacta y verdaderamente brutal. Muy buen debut de estos NOXIS, sin duda, un EP corto pero que deja con ganas de mucho más, solo espero que en breve tengamos un larga duración porque este tipo de bandas ofrecen un Death Metal verdadero sin compromisos a ningún otro estilo, y solo a la brutalidad, intensidad y contundencia. LUIS MARTÍNEZ 9/10

OCTOBER FALLS (FIN) SYYS PURITY THROGHT FIRE, 2020

Los finlandeses OCTOBER FALLS despiden el


2020 con “Syys”, editado por Purity Through Fire, un álbum grabado durante el otoño pasado, compuesto y realizado por M. Lehto, donde nos transmite la magia del silencio a través de su guitarra acústica, en un trabajo completamente instrumental pero disfrutable al máximo en cada una de sus 8 canciones.

cierto es que, aunque podría parecerlo, el tema nos habla de la guerra y de cómo esta impacta en las almas humanas.

bandas similares, ¡olvídate porque esto no va de ese rollo! O no, si tienes los redaños suficientes y quieres ir un pasito más allá.

Me gusta mucho cómo utilizan los gorgojeos de la guitarra para simular el relinchar de un caballo, que es la alegoría de la guerra y la vemos representada en la propia portada del álbum.

8 cortes, sin nombre, solo numerados con su número correspondiente en romano…, suficiente para dejarte lleva por la belleza intimista se “Syys”, donde la melancolía, la soledad y la naturaleza se funden en una historia narrada para encontrar tu esencia en la naturaleza. Son constantes estas referencia a la madre tierra, a la noche donde búhos y lechuzas reclaman su sitio, donde la brisa, el aire tormentoso y el sonido de lejanos truenos avisan a nuestro narrador personal, que es hora de encender el fuego y dejarte atrapar por este trabajo donde OCTOBER FALLS desnuda su alma con un minimalismo espiritual de gran altura, solo las guitarras acústicas con delicados toques de cellos y sonidos de la naturaleza se bastan para crear un gena álbum. Disfrutadlo.

La segunda canción es “The U.S.S.A”. Se trata de un tema de siete minutos y de incesantes golpes contra el régimen estadounidense. Parecen haber intuido el asalto que vimos recientemente en el Capitolio, con esta ironía podrían haber elegido el tema para ponerlo en las noticias.

Para abrir boca comenzamos con un tema llamado “X 31′ 26’43 Ny 109′ 430W” y, oye, si eres capaz de encontrar a que punto exacto corresponden esas coordenadas en un espacio euclídeo, pues tienes premio. Pero vamos que ya vas sobre aviso y ya te empiezas a situar en el universo sonoro de PULSE. Ya entrados en harina, “We won’t come in Peace” es una declaración en toda regla: no, no venimos en son de paz y es machacona y reiterativamente industrial. Pero no en lo que ha devenido en los últimos años, guitarras en plan muro y con afinación supergrave, dos o tres arreglos por aquí y por allá a base de loops. No, aquí la preponderancia se la lleva toda la parte de la electrónica, los sintes y la programación. Recordemos que THE PRODIGY podían sonar más pesados que muchas bandas metaleras sin necesidad de meter una guitarra. Pues por ese grado de saturación sónica irían los tiros.

JUAN ANGEL MARTOS 8.5/10

PERDITION SECT (USA) END TIMES SEEING RED RECORDS, 2020

Hostias… va Kyle Severn de INCANTATION, VITAL REMAINS, SHED THE SKIN, ESCALATION ANGER, ACHERON y más y se junta con Aaron Dallison de KEELHAUL o ESCALATION ANGER, Matt Sorg de DECREPIT, RINGWORM o SHED THE SKIN y Mike Lare de RINGWORM y se ponen a hacer Crust Punk de alto octanaje, con toda la potencia y la caña que puedas desear… Y es que estos son los típicos proyectos que te muestran de verdad de qué pasta están hechos muchos músicos conocidos de la escena mundial.

PALLBEARER (USA) FORGOTTEN DAYS NUCLEAR BLAST RECORDS, 2020

El cuarteto de Little Rock, Arkansas, PALLBEARER, está de vuelta con un nuevo álbum editado por Nuclear Blast Records, “Forgotten Days”, donde extienden sus redes musicales y van un paso más allá en su estilo; eso sí, manteniendo su doom/ heavy metal con toques vintages. Para este trabajo han unido fuerzas con el productor Randall Dunn (SUNN O))), EARTH….) y el ingeniero Justin Morris, completando el circulo con un artwork de Michael Lierly, hermano del batería Mark Lierly. La mastodóntica “Forgotten Days”, inicia este trabajo, con unos riffs monolíticos a manos de Brett Campbell y Devin Holt (guitarras), donde el bajo de Joseph D Rowland crea una poderosa base junto a la percusión de Mark Lierly; además la voz de Campbell suena celestial, más trabajada que nunca, creando unos pasajes etéreos cuando se une a la de Rowland. Pero todo no queda aquí, porque los pasajes instrumentales están repletos de emociones, y este tema en concreto, en sus dos minutos finales es una maravilla, que da paso a uno de mis cortes preferidos de PALLBEARER, “Riverbed”, donde la banda consigue captar la esencia de su música y extrapolarla a otra dimensión, donde la energía flota y te sumerge en una hipnosis continua, tanto musical, como vocalmente; una delicia. Pero “Stasis”, no se queda atrás, y es que este nuevo trabajo une más que nunca lo que PALLBEARER intenta transmitir, que en este álbum trata sobre la familia, la unión, el peso de las elecciones personales, la reflexión… creando unos cortes repletos de energía y espacialidad, que entenderéis al escuchar este y cada uno de ellos, como la épica “Silver Wings” que nos lleva hacia un viaje interior de más de 12 minutos astrales, caminando entre sus densas estrofas cargadas de una belleza melancólica especial mientras juega con el doom y la espiritualidad para llevarnos a la rockero y grave “The Quicksand Of Existing”, cuyo estribillo no podrás quitártelo de la cabeza”. “Vengeance & Ruination”, oscurece el álbum, con unos pesados riffs que se unen a la luz destilada por las melodías vocales, que junto a “Rite Of Passage”, parecen unirse musicalmente en un combo perfecto para llevarnos al cierre del álbum, casi sin darnos cuenta con “Caledonia”, donde las revoluciones bajan para crear el ocaso perfecto. No sé, si será su mejor trabajo, pero personalmente está en mi top de la banda, PALLBEARER han vuelto a lo grande. JUAN ANGEL MARTOS 9/10

En sí, PERDITION SECT no aportan casi nada. Pura violencia, ritmos Crust de lo más normal y ante todo, mucha mala leche. Lo que de verdad mola aquí es la energía que desprenden, las ganas que le ponen y el fantástico resultado: diez temas de entretenimiento puro y duro si te gustan cosas en plan DISFEAR, EXTREME NOISE TERROR, DOOM, EXTINCTION OF MANKIND o, en determinados momentos y especialmente en las voces, PHOBIA. No son tan cafres como estos últimos, pero sí que tienen una brutal forma de tocar que te va a dejar sin aliento. De momento solo tienen grabado este disco, pero estoy seguro que en breve van a empezar a sacar splits y EP’s en diferentes sellos. Como gran seguidor de este estilo de música, he de decir que PERDITION SECT me han gustado bastante y que llevo varios días escuchando esto con frecuencia… Nada original. Puro Hardcore muy Crust y con toda la ‘delicadeza’ del Punk. Y si ves el currículo de los miembros, ya sabes que te van a dar calidad, eso es seguro. ANTONIO PARDO 8/10

“Warhorse” es, para mí, la canción principal del disco porque en ella reside toda esa “esencia” buscada: Groove, bases melódicas y política inyectada en lo bélico. Todo ellos unido a la influencia de Phil Anselmo en la parte vocal y una búsqueda del sonido noventero en los riffs y el bajo, aunque he de decir que se alejan de esa nostalgia musical y escuchamos un metal más “moderno” e integrado en esta década. En cuarta posición escuchamos “Broken”. Es el tema más oscuro y muestra la sensación que conlleva abandonar un hogar para empezar una nueva vida y un tema subyacente que es el de la lucha contra la opresión. Los riffs son crudos y metálicos, atornillándose como si fuesen la propia ansiedad que nos cuentan con las letras. En penúltimo lugar y reflejando la búsqueda de la libertad, tenemos “Unchained” con un sonido bastante nostálgico que recuerda a algunas bandas noventeras no solo de metal sino también de grunge. En esos ecos de guitarra me ha parecido ver una estela de ALICE IN CHAINS pero mucho más machacado y molido. Para cerrar el álbum, PRODIGIUM nos ambienta con un golpe nostálgico que se desenvuelve de manera incesante en la guitarra rítmica mientras la principal nos cuenta otra historia, la lucha contra tu enemigo. A partir de casi el segundo minuto, la cosa cambia en este tema llamado “The Tempest Will Rise” llevándonos al otro extremo y destrozando todo a su paso para hacer que agitemos nuestros cuellos con ellos. Finalmente y para redondear, el tema retoma los pasos iniciales con los que empezaban la canción y nos deja en una incógnita sin respuesta. No podríamos pedir más para un álbum debut que ha conseguido tejerse en el tiempo en el que nos encontramos. Quizás la única pega que veo, por supuesto como opinión personal, es el sonido plano. Le falta forma y juego, pero como decía antes se trata de un álbum debut y no podemos quitar el mérito de la edición, composición y grabación. Han proyectado con creces la idea que tenían y han sabido elaborarla, ahora solo queda continuar y darle caña. ALICIA CASTAÑO 6.5/10

“Supersonic Trance Sphere” se dispara en trance total a superar las velocidades de 120-150 bpm y su línea melódica se te incrusta en el hipotálamo. “New Elastic Freak” es, quizá, uno de mis temas favoritos del álbum, con ese inicio tan disco, aunque luego el tema es oscuro de cojones, pero la resolución del estribillo-verso es brutalmente adictiva. Más que a RAMMSTEIN, me voy a excelentes bandas como THE KOVENANT. Una actualización al siglo XXIII de THROBBING GRISTLE, de KRAFTWERK y todo ese rollo. Breve interludio con “Sounds and Signals” y saltamos a “Adjusting the Space”, nuevo ataque acelerado, electrónico, sampleado y yo que sé que más. Si con razón la banda se define como Dark Cyber Industrial Metal. Me están dando ganas de releerme a Philip K. Dick o a Neal Stephenson. Pero, espera, ¡detente! ¿Quieres saber cómo suenan dos galaxias cuando se besan? Apaga la luz, cierra los ojos y escucha “Encounter”. Y nueva subida de pulsaciones con “Star Light” e intensidad que no decrece con el siguiente tema, “Black Knight”, con parones, sincopas e hipnóticas melodías, grandilocuencia y música para los siglos venideros que ya estamos escuchando en este 2021. Y lo mismo podemos decir del tema siguiente, “Points of Nibiru”. Bajamos de revoluciones, pero con la misma fuerza e inteligencia creativa (Joder, si Nibiru hace referencia a un cuerpo celeste de la mitología babilónica, asociado al dios Marduk). En este nivel trabajan los PULSE. Nuevo e increíble interludio con “The Passage Entry” y nos adentramos en la alerta sísmica de “Major Tom”, más leña cyberpunk y ¡que la fiesta no pare, a bailar todos como derviches cibernéticos! De regalo y cerrando de verdad el disco, se cascan una remezcla de su tema “Alienangel” de su anterior álbum “Extinction Level Event”. Ya solo con el Zardonic Remix con el que te agreden basta para callar muchas bocas. ¿Mi recomendación? Que los escuches y que los sigas por sus redes sociales, Facebook, Twitter, Instagram… porque ya sabemos que el acceso y control de la información no se ha convertido en herramientas primarias de poder. ¡Ay, estos PULSE! CESAR LUIS MORALES 8.5/10

PRODIGIUM (USA) PRODIGIUM AUTOEDITADO, 2020

Una de las cosas positivas que nos permitió la cuarentena de 2020, fue pasar tiempo con nosotros mismos y con lo que más nos gusta hacer: ensayar con nuestro instrumento, pintar, leer, escribir, … A fin de cuentas, hacer cosas que siempre queremos hacer pero nuestro día a día no nos lo permite en la medida que quisiéramos. A los primos Lloyd Bourne y Robert Van Zandt, que llevaban desde 2010 escribiendo música juntos y componiendo demos, la cuarentena les dejó un espacio para editar, reescribir y grabar todas esas canciones y agruparlas en su álbum debut bajo el nombre de PRODIGIUM. El disco homónimo está hilado por una serie de seis pistas enmarcadas en el Groove Metal y es que los miembros procedentes de Jackson (Mississipi), adquieren su influencia de grupos como PANTERA, MACHINE HEAD y otras bandas de los 90s. La primera de todas, “Heathen”, inicia con unos tintes negativos ambientales que pronto desembocan en guturales rodeados de rudeza instrumental. ¿Podría describirnos la situación pandémica? Lo

PULSE (AUT) ADJUSTING THE SPACE NRT RECORDS, 2020

Atención a la cita del libro de Roni Sarig titulado “The Secret History of Rock: The Most Influential Bands You’ve Never Heard”, al respecto del nacimiento de la música industrial: fue la respuesta a «una era en la cual el acceso y control de la información se estaban convirtiendo en herramientas primarias de poder». ¡Colorea y aprende con Teo! Como con cada review, me gusta escuchar la banda e investigar los orígenes, las influencias, el porqué de cada cosa, y por ahí ha salido esa cita. ¡Escalofrío por la espalda, oiga! Hablamos que el origen del Industrial como género fue a mediados de los 70’s. Por fortuna, ahora toda esa época ya ha pasado. ¿Verdad que sí, Whatsapp, Facebook, Google y demás? El asunto es que me he pinchado el “Adjusting the Space” de los austriacos PULSE y todo lo demás ha venido rodado. Si eres un ávido devorador de los pelotazos de RAMMSTEIN y

SALEM’S CHILDE (USA) THE SIN THAT SAVES YOU PAVEMENT ENTERTAINMENT, 2020

Nunca es tarde si la dicha es buena, dicen. Eso pensaron los muchachos de SALEM’S CHILDE, una banda estadounidense formada hace 25 años, aunque con un parón de una década entre medias, en pleno auge de los sonidos Groove/Nu Metaleros. Su trayectoria inicial, entre el ’96 y el 2003 los llevó a acompañar a muchas de las bandas potentes de la época pero en cuanto a estudio solo llegaron a editar un EP y una demo sin llamar apenas la atención. Allá por el 2013 se rearmaron, editaron otro EP y volvieron a girar con bandas como SKILLET, actualmente en la cima del Rock/Metal alternativo NUM. 81 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 61


del país norteamericano. Finalmente, el pasado 9 de octubre de 2020 vio la luz “The Sin That Saves You”, el primer LP de esta formación, practicante de un Groove Metal con aires alternativos, Nu o Metalcore con aires a PANTERA, KORN, AS I LAY DYING o TRIVIUM. A destacar en su sonido, el magnífico trabajo de Aaron Crick y Rob Salem a las guitarras, generando varios riffs bastante interesantes, sabiendo crear atmósferas en los temas más melódicos y siendo claramente los líderes del sonido de SALEM’S CHILDE. A partir de ahí encontramos ritmos pesados, un sonido bastante potente y una voz versátil pero que no acaba de cuajar del todo, ni en las voces agresivas ni en las melódicas. Dentro de este trabajo encontramos doce temas, de los cuales cuatro son interludios/intros, bien enlazados con los temas que acompañan pero que acaban cortando el ritmo del conjunto, ya de por sí no excesivamente brillante. El disco arranca potente tras la intro “Parabellum” con “Warpath” y “The Dream Is Dead”, Groove cañero de toda la vida, nada que no esperemos, que nos dejan paso al tema título, “The Sin That Saves You”, que destaca como el mejor tema del disco situándose un escalón por encima del resto, solo ensombrecido por el ambicioso final “Invictus”, corte largo, épico y con mucho trabajo de composición que sirve para dejar buen sabor de boca al oyente. Algo que no se les puede negar es eso, el curro que hay en cuanto a la elaboración de los temas, en varios pasajes del álbum procuran salirse del manual básico del Groove para abrir otras vías y jugar con diferentes riffs y ritmos en los temas. Tampoco se cortan a la hora de crear medios tiempos como “Heart Of Darkness”, bastante correcta, o “The Veil”, algo menos destacable y se curran cortes como “In Scarlet”, muy bien enlazada con el interludio que la precede y que se deja ver como un tema de esos que van ganando intensidad a medida que avanza hasta convertirse en un magnífico tema. En general estamos ante un disco entretenido, correcto, con un trabajo muy interesante en las guitarras pero que tampoco va a pasar a la historia de su género. Nos deja algunos cortes bastante destacables, como “In Scarlet”, el tema título o la final “Invictus” que le suman algunos puntos a un trabajo que sirve para acabar de poner en el mapa a una formación creada hace ya un cuarto de siglo y que aún, por el motivo que sea, no había editado un LP, y para sentar las bases de un sonido que seguramente irán puliendo paso a paso en futuros trabajos. Esperemos que no tengan que pasar otros 25 años para un segundo LP.

recrear un estilo que está viviendo un nuevo resurgir, pero desde su propio punto de vista. Compuesto por cinco temas y rozando los veinte minutos de duración. Y dejando un buen sabor de boca y con ganas de más con temas como “Beyond Reality”. “Perpetual Perdition” o “Structure of Death”. Si eres fan de las bandas mencionadas este disco no te va a defraudar. MARK BERSERK 8/10

SEPTAGE (DNK) SEPTIC DECADENCE ME SACO UN OJO RECORDS, 2020

Me cagaría en todo lo sagrado, me mearía en todo lo establecido… ¡y qué coño! ¡me cago en tó…! Esto es otra de esas bestialidades a las que nos están acostumbrando músicos daneses y turcos cuando lea da por juntarse y componer y grabar puto Death Metal salvaje y brutal. Aquí hay miembros de DECAYING PURITY, de TAPHOS o HYPERDONTIA. Y si queréis saber qué hacen, os lo voy a poner tremendamente fácil: junta a CARCASS, IMPETIGO, REPULSION y EXHUMED. Eso es. Son 12 minutos en 4 canciones de pura brutalidad, con títulos como “Mouthful Of Untreated Sewage “, “Corrupted And Putrid”, “Jeffrey Dahmer” y “Septicious Septic”. Esto es una masacre, una auténtica ensalada de mala hostia y podredumbre. La portada es un verdadero tributo a CARCASS y toda la escena clásica de Death y Gore. Y cómo no, ha sido MeSacoUnOjo el responsable de editar esta Demo en vinilo, mientras que hay versiones en cassette y CD por diferentes sellos. ANTONIO PARDO 9/10

JOSÉ POZAS MILLA 6/10

GELUS APATRIDA o CRISIX, los griegos SUICIDAL ANGELS, los ingleses EVILE, o los norteamericanos WARBRINGER, y me dejo una cantidad inmensa por nombrar. Por tanto todos estos factores son una espada de doble filo para las bandas que quieran destacar dentro de este género, y que discos o grupos que hace unos años nos llamarían la atención, hoy en día pasan desapercibidos. SHOCK WAVE se funda en 1987 en las islas Baleares, concretamente en Palma de Mallorca justo cuando el thrash metal en España empieza a dar sus pasos sin estar definido del todo con grupos como FUCK OFF, LEGION, CROM o MURO, pero su vida es corta y solo editan una demo en el 91 antes de desparecer. Y casi 30 años después y tras sus miembros estar en formaciones míticas del underground español como GOLGOTHA, UNBOUNDED TERROR, HOLYCIDE, INFERITUM o VIRUS y aprovechan esta como dicen ellos Edad oscura que es la pandemia para tomar los mandos de SHOCK WAVE y debutar con este «The omega communion», un e.p donde encontramos a dos de los miembros originales; Vicente Payá al bajo y J.C Isekkton a la guitarra, donde se les ha unido al proyecto Floren a las voces (exGoreinhaled) y que ha sido grabado en diferentes estudios con la supervisión en las mezclas de Eric «Digital dictator» Krigelmans y la ayuda de Bernat Rives como batería de sesión. Este «The omega communion» tiene todos los elementos que podemos pedir a un buen disco de estilo thrash; temas rabiosos, rápidos, con guitarras cortantes y afiladas , buenos riffs y un bajo muy presente, junto a un cantante agresivo, clásico dentro del genero. Composiciones muy básicas, sencillas y con una producción que a pesar de su potencia queda un poco pobre actualmente, faltándole en algún momento una segunda guitarra o doblarlas en mas partes de la producción, aún así buen trabajo de Insekkton en la creación de riffs y solos en los temas. Respecto a la voz de Floren es suficientemente agresiva y rabiosa, escupe las palabras mas que canta aunque en algunos momentos como en «Rich but indigent» se queda un poco rezagado respecto a la instrumentación al ser una composición que tiene que seguir los riffs y punteos de la guitarra con su voz y eso algo a veces muy jodido. E.p corto de apenas 15 minutos donde destaco «Overdriven» con una cadencia mas rítmica, cierto aire heavy/thrash, un toque speed y con un Floren mas cómodo cantando este tema, y «Horns up» con un buen trabajo de Isekkton a las guitarras y un Vicente Payá muy sobrio, y que con el batería Bernat Rives hacen un buen tándem en la base rítmica y estan muy presentes en todo el trabajo aunque le falte un poco más de contundencia cosa que achaco mas a problema de producción. Y tanto el inicio del e.p con «Sleeping beauty deep coma » y el final «IV Reich compulsion» son dos buenos temas rápidos y directos que nos dejan un disco digno y que sufre por la época en la que estamos en un estilo donde incluso las bandas mas underground tienen una calidad sobresaliente. Eso sí antes de terminar destacar la portada representando una invasión extraterrestre que nos trae a la mente las películas de serie B y cómics de los inocentes años 50’s realizada por Raymond arts.

SHOCK WAVE (ESP) SCHIZOPHRENIA (BEL) VOICES REDEFINING DARKNESS RECORDS, 2020

Desde Bélgica nos llega “Voices” primer EP de la banda SCHIZOPHRENIA, no confundir con el resto de bandas que también hacen Thrash Metal y usan el mismo nombre. La portada fue obra de mi colega Roberto Toderico ( SODOM, PAGANIZER, BIZARRE, FLESHCRAWL…). Masterizado por Yarne Heylen (NERVOSA, FURIA) y la grabación y la mezcla también por otro miembro de los Belgas CARNATION, en este caso Bert Vervoort. El disco es totalmente autoeditado aunque en varias ediciones contarán con el apoyo de varios sellos como Redefining Darkness Records, Spiritual Beast, Dying Victims Productions. El EP sin duda tendrá diferentes ediciones muy atractivas en todos los formatos. Lo que nos vamos a encontrar es un primerizo Thrash Metal con raíces en el Death más temprano y con mucha influencia de bandas como los primeros SODOM, SEPULTURA, POSSESSED o incluso OBITUARY. En estos últimos sobre todo en las tareas vocales. Riffs rápidos con una impecable ejecución y bases rítmicas acordes con una agresividad endiablada. El tipo de sonido está muy enfocado al Old School que sin duda no dejará a nadie indiferente. Sin inventar nada nuevo saben 62 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 81

THE OMEGA COMMUNION BLACK NIGHT PRODUCTION, 2020

Los comienzos del S. XXI para los estilos más clásicos dentro del metal no pudieron ser mas alentadores, no solo las bandas mas grandes que pasaron sus peores momentos en los 90’s volvieron con fuerza, sino que una gran masa de bandas jóvenes empezaron a asomar la cabeza bajo las alas de esos monstruos renacidos. Por supuesto hablamos de estilos como es el heavy metal, el Hard rock o mas concretamente y es en el que vamos a entrar, el Thrash metal. Este género es por encima de los dos citados anteriormente el que con mas fuerza surgió en esos inicios de siglo y también el que mejor se ha mantenido. Solo ver el estado de forma de bandas que llevan 20 años sacando discos de un nivel mas que notable como KREATOR, DESTRUCTION, TESTAMENT, EXODUS o OVERKILL dan suficientes motivos para opinar así, curiosamente el Big four Americano queda lejos del resto de bandas de este estilo en cuanto a calidad de sus discos a pesar de su éxito. Pero lo mejor es la ingente cantidad de jóvenes bandas que han surgido a la sombra de este renacer no solo igualando a sus maestros sino superando los y poniendo el listón muy alto para cualquier banda que surja tras ellos, y aquí colocamos a compatriotas nuestros como los inmensos AN-

Un disco que pierde en gran parte su impacto por la época en la que estamos debido a su limitación de medios en su pobre producción, sencillez en sus composiciones y la calidad del estilo que tenemos en los últimos años, y que este mismo trabajo en otra época hubiese dado mas que hablar… KIKE MOLLÁ TORMO 6.5/10

SICULICIDIUM (ROU) AZ ALÁMERÜLES LÁRVÁI SUN AND MOON RECORDS, 2020

“Az Alámerülés Lárvái” es el tercer larga duración de SICULICIDIUM desde Transilvania y con miembros de WOLFSGREY en sus filas. Han pasado sie-

te largos años desde su anterior trabajo, aunque la banda ha seguido siendo constante con la edición regular de diversos EP. Este nuevo trabajo conceptual consta de siete cortes y una duración que roza los tres cuartos de hora. Mezclado y masterizado por NKF y con un arte de portada de JVU. Sun & Moon Records nos presenta esta nueva obra en diferentes formatos, tanto en CD, como vinilo o cassette. Sin florituras ni mierdas modernas nos traen de vuelta su impío y crudo Black Metal que aborda el mundo tártaro con letras en húngaro. Después de estos años la banda no sentía ninguna necesidad de cambiar su sonido ni corromperlo por las nuevas modas comerciales orientadas a las masas. Por lo tanto, aquí lo que vas a encontrar es un sonido altamente atmosférico y espiritual del verdadero Black Metal de la vieja escuela. Temas que te trasladan a los bosques de los Cárpatos en donde experimentan con su sonido llevándolo a pasajes muy atmosféricos sin perder su sello de identidad. El disco sin duda no deja indiferente al oyente, encontrando influencias muy dispares para una banda de Black Metal en donde a pesar de seguir una línea muy clásica no tienen miedo en abrir la mente sobre otro tipo de sonidos. Temas largos con riffs repetitivos casi hipnóticos en muchas ocasiones. Entre los temas más destacados tenemos “Leírhatatlan gonoszságok (Indescribable Evilness)”, “Alvilági szárnyalás (Tartarean Wing)” o “Lárvabőr (Larval Skin)”. Riffs opresivos que en muchos momentos se entremezclan con guitarras acústicas. Bases rítmicas acordes a las composiciones en donde predominan los medios tiempos y voces agónicas y afiladas. Todo esto plagado de una inquebrantable atmósfera llena de oscuridad. MARK BERSERK 7/10

SIX DEGREES (ITA) NO ONE IS INNOCENT ROCKSHOTS RECORDS, 2020

Desde tierras italianas nos ha llegado el debut de SIX DEGREES, una banda joven formada por el vocalista y guitarrista Luca Correnti junto a la cantante Valentina Aleo, bajo la teoría de los seis grados de separación, la idea que intenta probar que cualquiera en la Tierra puede estar conectado a cualquier otra persona del planeta a través de una cadena de conocidos que no tiene más de cinco intermediarios, de ahí el nombre de la formación. A partir de ahí, la banda presenta un Groove Metal con dejes de Nu y algún tinte oscurillo, con pequeños dejes de bandas como LAMB OF GOD, KORN o los LACUNA COIL más recientes como referencia para quien tenga curiosidad. Su estilo se basa en un conjunto de temas directos, sencillos y cañeros, en el que confluye el típico contraste de voz masculina rasgadota y voz femenina limpia para los estribillos, bastante logrados. No es que vayan a cambiar la historia del Metal precisamente, pero bueno, se trata de un debut que asienta las bases de un proyecto que puede llegar a resultar interesante. SIX DEGREES presentan un estilo bastante propio a pesar de la abundante presencia de clichés, lógicos en un primer trabajo, y entra bastante bien aunque le cuesta encontrar un punto en el que destacar definitivamente. El álbum abre con el single “Restart/Erase”, que les define muy bien, la verdad, un tema cañero, de riff duro y estribillo dulzón con un trabajo bastante interesante en la batería. Se destaca como uno de los mejores temas del disco, igual que el otro single, “Imperfect”, ambos sabiamente escogidos puesto que harán que los seguidores del género arqueen una ceja diciendo ‘oye, pues no está mal la movida’. Más allá de ahí tenemos “Malaka’s Multiple Choice Answer”, “May 10” o “Silent Glance” que siguen un poco esos mismos derroteros, guitarras duras, batería bien lograda, un bajo presente aportando grosor al conjunto y la combinación de voces, todo englobado en una producción muy nítida que le suma puntos. A destacar, más allá de los singles, tenemos cortes como “The Unexpectable”, que se


muestra muy agresiva en sus estrofas para bajar a un medio tiempo cuando entra la voz de Valentina, “Night Is Over”, en el que cambian los patrones de voz siendo Violeta la que comanda y que muestra las guitarras más gruesas y agresivas del disco, o “Stillness”, que me parece de las más curradas del álbum. En resumen. Nos encontramos con un trabajo entretenido, cuya producción ayuda a que entre muy bien al oído desde la primera escucha y que seguro que a los fans más habituales del género les hará tilín. A mi, personalmente, me ha gustado sin llegar a volverme loco, creo que el conjunto de temas es bueno pero se me acaba haciendo algo repetitivo. Me gusta el trabajo de guitarras y la voz de Luca le suma un toque de agresividad interesante, a su vez creo que a Violeta, que tiene buena voz, ojo, le falta un poco de garra para que el contraste entre ambos no sea tan pronunciado, puesto que hay veces que parece que hay dos bandas diferentes un función de quién canta. Dicho esto, y con sus detallitos a mejorar en el futuro, me parece un buen trabajo el de estos SIX DEGREES. JOSE POZAS MILLA 6/10

SIX FOOT SIX (SWE) END OF ALL SCARLET RECORDS, 2020

Tengo que reconocer que fui uno de esos seguidor del Heavy metal que a mitades de los 90 acogí con los brazos abiertos las nuevas bandas que comenzaban a nacer como champiñones siguiendo la estela de los grandes nombres que estaban pasando por sus peores momentos comerciales, IRON MAIDEN, JUDAS PRIEST, HELLOWEEN, RUNNING WILD o RAGE se les hacía cuesta arriba la nueva década, mientras las nuevas tendencias llámese Grunge, Nu metal, Industrial, groove metal, etc…se comían el pastel, y sin embargo lo clásico quedaba relegado a un segundo e incluso tercer plano. Por suerte nuevos países surgían con fuerza sacando a la luz bandas que con el tiempo iban a quedarse como referentes: RHAPSODY y LABIRYNTH en Italia, ANGRA en Brasil, NIGHTWISH en Finlandia, AVALANCH en España, KAMELOT en los USA o HAMMERFALL en Suecia. Por supuesto Alemania seguía siendo la principal potencia en cuanto a bandas con BLIND GUARDIAN en su mejor momento, GAMMA RAY con Kai Hansen al frente supliendo a HELLOWEEN y con sangre nueva entrando con fuerza; BRAINSTORM, EDGUY o METALLIUM son buenos ejemplos. Todas estas bandas no solo mantenían mucha de la esencia de los 80, a la vez añadían nuevas influencias de otros estilos como el progresivo o la música clásica, llegando algunos grupos a extremos barrocos y neoclásicos, una base rítmica más contundente, muchas veces con el doble bombo continuo y la mayoría de grupos melodías mas accesibles o comerciales. Todo este movimiento fue nombrado Power metal, un nombre que ya a principios de los 80 se utilizó para denominar bandas que estaban a medio camino entre el Thrash y el heavy clásico en los USA. Pero no todo fue bueno, la formula pronto se volvió repetitiva y los sellos sacaron todo el jugo posible hasta la última gota al estilo editando una cantidad de bandas mediocres infinita, clones de otras bandas sin personalidad alguna que no ayudaban a mantener la calidad para el seguidor y saturando un mercado que pronto iba a colapsar a mediados de los 2000’s. Todo esto produjo en mi cierto hastío o manía por el Power metal que me hizo primero; volverme muy exigente ante cualquier grupo que presentaba esta etiqueta, y segundo alejarme bastante en busca de otros estilos que me hicieran sentir la pureza y crudeza del metal en contra de tanta artificialidad y sobreproducción. Hoy en día, 20 años después pocas bandas me han vuelto a hacer sentir una emoción o alegría dentro del estilo como las de antaño, y la mayoría de las veces ha sido tirando mas hacia terrenos crudos y directos que melódicos, recargados y pomposos, pero no podemos negar que el Power metal

se mantiene vivo con POWERWOLF, SABATON, BEAST IN BLACK, DRAGONFORCE y un sin fin más herederas de ese movimiento de los 90 y que es uno de los puntos de unión con los seguidores nuevos que se acercan al heavy metal por primera vez, y todo ello sin inventar nada nuevo. Sólo alguna de ellas aportan cierta personalidad que les hace destacar por encima del resto. Y todo lo escrito anteriormente para dar a entender que soy persona muy dura cuando tengo que reseñar un trabajo de una banda que entra dentro de los parámetros de este estilo, y estos SIX FOOT SIX cumplen todos los requisitos para que mi nivel de exigencia aumente y me ponga el mono de trabajo mas viejo y usado. Estos suecos editan su segundo disco con algunas novedades respecto al debut editado en el 2018, una de ellas es la reducción del nombre que pasa de THE SIX FOOT SIX PROJECT al simple y mas directo SIX FOOT SIX, una forma de decir que son una banda y deja de ser el proyecto personal de Kristoffer Göbel, ex componente de los disueltos hace poco FALCONER en una pequeña etapa a inicios de siglo, banda que fue de las más originales de la hornada sueca power por tener influencias mas folk y teatrales que el resto de compañeros. La banda fue creada durante la grabación del disco mientras Göbel contó con la colaboración de Christoffer Borg (Ex ART NATION) a la guitarra y también a la producción, poco a poco se les unieron Markus Gustafsson (ROCK CIRCUS) al bajo y Henrik Hedman (VINDICTIV, ROCK CIRCUS) a la batería. Ahora están con el sello Italiano Scarlet Records que les ha dado una mayor visibilidad que la anterior Pride & joy music. Portada realizada por Stan W. Decker (DragonForce, Rage, Primal Fear), que denota una tonalidad muy oscura con toques Steampunk, mas acorde a otros estilos como el groove metal, el gótico e incluso el industrial y se aleja mucho de lo que nos ofrece la banda en el aspecto musical. Porque si algo nos presenta esta banda es Power metal en toda su esencia, con todo lo bueno y lo malo que ello conlleva, abriendo un amplio espectro de influencias que van desde el hard rock hasta el power metal más épico…pero vayamos por partes. Se abre el trabajo con «Welcome to my nightmare», un tema melódico, con cierto aire oscuro a lo HELLOWEEN etapa «The dark ride», ritmo marcial esencia SABATON y en sus estribillos recordando a los POWERWOLF. Curiosa mezcla que me hace temer lo peor, pensando en otro pastiche sin alma, otro clon de batalla aprovechando la formula facilona, de todas formas es un buen tema. Me llama mucho la atención el registro vocal de Göbel acercándose mucho a un Tobias Sammet (EDGUY, AVANTASIA) pero bastante mejor. Milagrosamente el segundo tema, «End of all» es un hit, entrada con coros muy comerciales, pegadizos con un sabor a Happy metal que esta vez me entra de maravilla, recordándome a los maravillosos AXXIS tanto en las estrofas como en los coros, estribillos muy rítmicos a lo FREEDOM CALL, cabalgada en la parte de los solos y armonías de guitarra para dejarnos un tema perfecto para el directo. Esto a finales de los 90 los encumbra a lo mas alto. «In god we trust» es de los temas mas duros con un inicio a base de coros tétricos, casi gregorianos, riffs machacones y desarrollo a base de cabalgada contenida, muy a la alemana y otro estribillo pegadizo, dobles armonías a lo MAIDEN que irán apareciendo a partir de este momento en mas partes del disco. Y aquí yo empiezo a rendirme ante este trabajo…nada nuevo pero joder!!! que bien lo hacen. Ahora llega la parte del disco que yo le llamo la guerra de los clones, porque vienen una serie de temas que parecen extraídos de discos de otros grupos, empezando por «In the eyes of the world» que continua la senda de lo escuchado anteriormente con un tufillo de EDGUY en todo el tema inconfundible, desde el ritmo, la forma de cantar de Göbel, el estribillo, todo calcado, pero eso si, de la época buena de discos como el «Vain glory opera» o «Mandrake». Continuamos en este tramo con «Blood will out» que es una copia en los riffs y ritmos del «At the end of the Rainbow» del disco «Legacy of kings» de HAMMERFALL, con la misma cadencia, a medio tiempo, bajo insistente, gran apoyo vocal y pura épica. Y se termina este tramo con «Last days of our lifes» que podría ser un tema de inicio de disco o single de la última etapa MAIDEN, rápida, rítmica, con esos punteos clásicos y desarrollo tan típico de los británicos. Lo curioso es que el nivel del disco se mantiene y en ningún momento supone un problema este tramo de temas. Y aunque el inicio del siguiente corte comienza lento también clásico MAIDEN, la inclusión de instrumentos de cuerda y alguna flauta, mas el cambio de ritmo con toques folk, sinfónicos y algo progresivos es suficiente para darle una pequeña vuelta de tuerca


al trabajo, y podríamos decir que es lo mas parecido a lo que hacía Göbel en FALCONER, un tema que refresca bastante para llegar a «Abbducted», y aquí viene otro gran nombre a la mente de nuevo, HELLOWEEN, esta vez con connotaciones en las melodías vocales mas felices y alegres de los alemanes, junto a un ritmo rápido y estrofas pegadizas. Y cuando mas o menos preveía por donde iba a ir todo lo que quedaba me sorprenden con un giro inesperado, porque aquí sí llega el tema oscuro, «I am your king» con una tonalidad entre industrial y gótica, voz ligeramente distorsionada y cadencia mas pesada, guitarras de tendencias groove/thrash, sin apenas melodía en las voces, un cambio de ritmo en la tercer parte poderoso y un tema en conjunto mas acorde a lo que refleja la portada del álbum. Como contraste «Edge of the world» es la balada del disco, hard rock bastante simple, básico y con tintes angelinos. Vuelven a la senda del power con «Oblivion» y finalizan en una onda hard & heavy de bandas como PINK CREAM 69, PRETTY MAIDS o GOTTHARD muy acertada, estribillo macarra espectacular y un Göbel en un estado de forma a la voz envidiable. Un disco sobresaliente y que por un par de detalles se queda rozando la perfección; primero el estilo del grupo, donde su mayor encanto es su mayor defecto y es que no deja de ser un grupo cliché y no poseen nada de originalidad, y segundo y que aunque parece que no tenga importancia el orden de los temas, le falta un inicio mas impactante y a la vez vuelcan toda la parte copy paste en la zona inicial dejando los temas diferentes y variados en la segunda parte, solo que estuvieran alternados durante todo el trabajo hubiese tenido un resultado mucho mas dinámico. Ahora sintiéndolo mucho querido lector me voy a quitar el mono de trabajo, dejo a un lado mis prejuicios, me relajo y me dispongo a disfrutar de nuevo del trabajo de estos suecos que al final me ha resultado una grata sorpresa a pesar de todo… KIKE MOLLÁ TORMO 9/10

como el que le han metido a “Funnybone”, un tema con una vibración muy poppy pero que esconde una serie de riffs y solos bastante más rocanroleros. La cosa se pone más… más… ¿cómo decirlo? ¿Cósmica? ¿Alternativa? ¿Indie? Bueno, más al rollo de SLOW BURNING CAR en el siguiente tema, “Memoirs of a gentleman ghost”. Es obvio que esta banda, con quince años de carrera a las espaldas, no pretende impresionar a nadie, así que se dedican a tocar lo que les sale de las gónadas. ¿Y qué decir de “The Quantum Mariner”? Tiene unos toques a lo RUSH, con esos cortes en los versos y esas intervenciones esporádicas de los teclados que te dejan clavado en el sitio. Es un tema activo, vital, adictivo e infeccioso. Apagamos la pedalera un momento y nos agarramos una acústica para “Seems so nice”, casi una nana. Lo bueno de un lanzamiento como este es que no aburre. Y de hecho crea expectación, porque no sabes que es lo siguiente que te vas a encontrar. Por eso seguimos con la vacilona “Garden in space”, un medio tiempo en apariencia simplista pero que esconde un montón de instrumentalización y detallitos, con su correspondiente flipada lisérgica en medio. ¿Sabes que existe un concepto intraducible del griego para describir el hecho de poner todo tu cariño, alma y corazón en lo que te apasiona? Pues eso es “Meraki”, que es el siguiente tema. ¿Qué te voy a contar yo entonces que no te cuenten los SLOW BURNING CAR? ¿Y mola la instrumental de cierre llamada “Transfer Terminal Twelve”? Vaya que sí, mantiene la tensión desde el inicio y, como el Bolero de Ravel, se mantiene en ese leitmotiv al que van añadiendo capas y capas, sonidos e instrumentos. Subsanado el error, recomiendo SLOW BURNING CAR para su escucha. No serán ni los más guapos, ni los más rápidos ni los más duros, pero… ¿para qué? No todo va a ser metal en nuestra lista de reproducción, y si quieres buen rollo, buen rock, o buen Alternative o Indie, pues ahí los tienes. De todos modos, que manía con las etiquetas, tú disfrútalos y ya está. CESAR LUIS MORALES 8/10

SLOW BURNING CAR (USA) PROJECTION AUTOEDITADO, 2020

Lo bueno que tiene este quehacer es que te vas encontrando con bandas a cada poco. Sí, están los clásicos, los asentados, los nuevos lanzamientos… Ves las similitudes, las influencias, la evolución… Y luego, como siempre, descubres bandas que llevan una pila de años y que es la primera vez que escuchas. Uno quiere y le gustaría conocer a todas las bandas del mundo mundial, pero es imposible. ¡Colorea y siéntete un inculto musical con Teo! Pues como siempre, nuevo aviso de “mi hefe”, nueva review, nueva banda… ¿Y quiénes son estos SLOW BURNING CAR? Pues unos amiguetes de LA que llevan desde hace más quince años tocando y cuentan con cuatro álbumes a las espaldas. Y ¡mierda!, hace una semana ni había oído hablar de ellos. Por fortuna, tenemos este “Projection” para subsanar mi falta. “Public Cynic” comienza con lo que parece una grabación en directo, pero enseguida entra una banda potente, con unos guitarrazos de aúpa y una base rítmica sólida como un muro. Pero ojo, no te pienses que van en plan metálico; no, ecos de SONIC YOUTH y toda aquella escena alternativa de los 90’s. El siguiente tema, “Ladish man”, es realmente infeccioso desde su inicio, con una potente instrumentalización, comandada por la voz de Krista Kay, pero es que cuando llegamos al estribillo se me mete en el cuerpo un rollo B-52’s, que qué se yo, que me viene, que me va, que me sube, que me baja… Y la cosa sigue, “Diamond in the rough” es un potente compendio de riffs de una banda orgánica. Hay cosas que se notan sin tener a los músicos delante y verles las caras. Aquí se respira honestidad musical, buen rollo y ganas de pasárselo bien componiendo temas. No serán ni los más guapos, ni los más rápidos ni los más duros, pero… ¿para qué? Si con un gancho

SONG OF ANHUBIS (ESP) REVERSED REFLECTION ROCKSHOTS RECORDS, 2020

La banda vasca SONG OF ANHUBIS lanzó su segundo álbum “Reversed Reflection” a través de Rockshots Records en el 2020. Fue grabado, mezclado y masterizado en los estudios TAOM de Bilbao con Jagoba Ormaetxea, encargándose a su vez de la producción junto a Mario Martín. La banda, fundada por la cantante Raquel Reych y el guitarrista Polvareda Johnson, se completa con Jon Goitia a la batería y el bajista Mario Martín que también se encarga de los sintetizadores. El sonido de la banda ha evolucionado desde el metal gótico de su álbum debut y en “Reversed Reflection” vamos a encontrarnos con un elemento que ahora lo inunda todo: los sintetizadores. La voz femenina es quien nos domina, quien nos sumerge en el mundo electrónico. La melancolía, las atmósferas sombrías, los sonidos metálicos alternativos han sido reemplazados por una atmósfera más pop; gran parte de su sonido de rock gótico se ha ido. El tono general tiene ese ambiente suave pero duro, que desconcierta por momentos. SONG OF ANHUBIS ofrece potencia a través de música sintetizada y electro-pop dejando prácticamente de lado los tintes sinfónicos. Se produce así un exceso de instrumentación, una falta de relieve del campo acústico y un todavía tímido tecnicismo instrumental. El enfoque principal de las composiciones es la voz de Raquel Reych, el enfoque secundario son los adornos de sintetizadores y las guitarras ocupan un territorio terciario. “Hypersomnia” es un tema cantado en español mientras los demás temas son cantados en inglés; tal vez hubiese sido mejor añadirlo al final a modo de “extra” porque se produce un corte en el sonido del álbum que por lo demás


es bastante homogéneo y se evitaría esa sensación de estar fuera de lugar. Durante la escucha de todo el álbum estuve esperando a que la música me cautivara, pero no provocó en mí la reacción que esperaba. Después de su primer álbum, “Revenge As Redemption”, parecía que la banda se encaminaría hacia un metal más sinfónico. SONG OF ANHUBIS ha logrado presentar un trabajo que da una idea de las cualidades compositivas del grupo, mostrando diversas influencias que llevan a un uso fuerte y, en mi opinión, excesivo de condimentos y retoques electrónicos. En mi opinión, el gran paso aún no se ha dado, y consiste en encontrar un rasgo distintivo, que defina claramente el rumbo que quieren tomar. Todos los ingredientes están ahí, solo falta el salto extra. ATAEGINA MOON 6/10

SPECTRALE (FRA) ARCANE LES ACTEURS DE L’OMBRE PRODUCTIONS, 2020

Les Acteurs de lÓmbre Productions nos trae el nuevo trabajo de SPECTRALE, “Arcanes”, todo un viaje contemplativo a través de una música instrumental y emotiva, donde el ambient se entremezcla con paisajes sensoriales para crear una música contemplativa repleta de emociones. El cuarteto formado por Jeff Grimal en la guitarra clásica, Léo Isnard en la guitarra clásica también aparte de batería y percusiones, Raphaël Verguin al cello y los efectos y Xavier Godart en la guitarra acústica, efectos y sintetizadores, nos presentan diez cortes instrumentales que tras una “Overture”, da rienda suelta a nuestro imaginario con “Le Soleil”, una belleza en si misma donde los pasajes acústicos de guitarra forman la base y el cello y ambientaciones desarrollan la magia de un amanecer a través de montañas inspiradas en cuentos de hadas, aunque a veces también incorporan elementos y estructuras con un toque oscuro, inquietante y fantasmagórico como en “L’Impératrice” o “Le Pendu”. Bella e intimista es “Le Jugement” o “La Papesse”, donde la sonoridad va un toque más allá y explora caminos más orquestales siendo estas dos canciones de mis preferidas del trabajo. Pero también entre sus cortes se encuentra la siniestra y desquiciada “Le Bateleur”, donde Laure Le Prunenec de IGORRR y RÏCÏNN, pone su espectacular voz para crear un corte extraño y misterioso, que le aporta versatilidad al conjunto. SPECTRALE conjuga la musicalidad con unas armonías acústicas progresivas y una magia muy especial en un gran trabajo para terminar el año. JUAN ANGEL MARTOS 8/10

SPEEDKILLER (BRA) MIDNIGHT VAMPIRE EDGEC CIRCLE PRODUCTIONS, 2020

Con el título de “Midnight Vampire” se presenta el cuarteto brasileño SPEEDKILLER y su primera referencia en forma de EP, que nos traen en diferentes versiones, el sello portugués Hellprod Records (DECAYED, FLAGELADÖR, TYRANNO…) y el noruego Edged Circle Productions (ASAGRAUM, DEMONIAC, TAAKE…).

Practicantes de un black/thrash, directo y sin florituras, pueden recordarte a la primera etapa de formación germanas como SODOM o KREATOR, a BATHORY desde Suecia… con un toque típico de la escena de su país (véanse SARCÓFAGO, MYSTIFIER, HOLOCAUSTO…). La agresividad y velocidad también son puntos a tener en cuenta, los cuales se convierten en un torbellino sonoro lleno de crudeza, gracias a una producción mejorable (no obstante, no olvidemos que este es su lanzamiento debut, lo que la hace más que aceptable), aunque ya sabéis que en este tipo de bandas, puede ser un punto a su favor y los degustadores del género suelen agradecerlo (servidor entre ellos). Todo combo que se precie y para crear una recomendable atmósfera, hace bien en empezar con una pertinente intro, estos maniacos cariocas (vale bien, su batería es portugués, lo tengo en cuenta) no son menos e incluso la han acompañado con un título (“Arrival in Transylvania”). Después se da paso a la masacre y comienzan a caer el resto de las canciones incisivas y cortantes, como el filo de una navaja: “Nightspell”, “Suicide/Hell”, el propio “Midnight Vampire”, “Circles of Blood”… Seis más en total, que nos llevan a más de 27 minutos y con unas letras empapadas en maldad y crueldad que hacen referencia a la muerte, perversión, peleas… y por supuesto vampiros (¿o qué esperabas?). En cuanto a la formación de SPEEDKILLER constituidos en 2018, está compuesta por Spellcaster (guitarrista/vocalista), Evilspirit (bajista), Summoned (guitarrista) y Hellkrätus (baterista). Remi Nygard, guitarra/voz de los noruegos INCULTER, ha realizado las labores de producción mientras que Jean Nightbreaker (ESPECTRO, MURDEATH, APHOTIC SPECTRE…), se ha hecho cargo de la portada. Limitado a 200 copias en CD y 100 en cassette (300 en vinilo), este es uno de esos grupos que sin inventar nada nuevo, sabe capturar esa esencia de la época clásica sin caer en una burda copia o plagio. Debido al título de este trabajo y primera referencia, podrías pensar en que son una panda de chavales por madurar que comienzan su andadura, no tienen las ideas claras y/o no saben lo que hacen, pero no es el caso este y cometerás un grave error si los pasas por alto. ROBIN RM 7.5/10

Así lo vemos en la instrumentada “Primum Mobile”, con escalas de teclas que son sorprendentes y dignas de la escena que recrean.. Tal vez un aspecto que se añore un poco de sus odas anteriores la encontremos en una carencia de oscuridad, de desesperación. Si bien cada canción tiene un atmósfera particular ligada por completo a sensaciones de búsqueda continua, de interrogaciones y confusas prerrogativas, tanta Luz, agota un poco. Pero en el épico cierre con “Stars” se compensa, como dije antes, con interpretaciones líricas de guitarra y coros que nos dejan donde Beatriz ya ES más hermosa todavía. De todas maneras, resalto el máximo nivel de exigencia de cada uno de los integrantes, acompañados de manera sobria por un vocalista que narra como un fantasma corpóreo esta Joya de la Literatura Universal que algún día, cuando debamos dejar vestigios de nuestro paso por la Tierra, será inefable testigo de lo que hemos hecho siempre: buscar, aunque no siempre hallar. Tengo la suerte de haber seguido desde el principio esta trilogía de STARBYNARY, y tal y como me ha pasado con La Divina Comedia, he disfrutado más por tramos, haciendo propia esa búsqueda ilimitada que propone Dante, y dejando un final que, personalmente, me desconcierta. Lo mismo me ha ocurrido con “Paradiso”: de pronto terminó algo, y yo no supe qué hacer. Bueno, presioné play de nuevo. SEBASTIÁN ABDALA 8.5/10

OZIUM RECORDS, 2020

Pocas cosas de los países nórdicos falla a nivel musical y TEMPLE, es otro acierto de este recién pasado 2020, con “Funeral Planet”, editado por Ozium Records. Un discazo creado por miembros de SILVER DEVIL y SURFING HELL, que despliega una mezcla de doom metal clásico con toques de rock moderno y una oscura psicodelia, de la que os vamos a hablar a continuación. Los ritmos farragosos y distorsionados de las guitarras de Otto Molin y Jimmy Hedlund, da paso a una hipnosis generalizada con la intrusión de ese tono vocal de Otto, sobre una base poderosa y adictiva creada por el bajo de Erik Bergqvist y la percusión de Marcus Ström, esto se llama “Sea Of Grief” y viene para quedarse por muchos meses en nuestras cabezas, sobretodo con un estribillo mágico que recoge esa esencia vintage rockera, ya que “Magma” es más densa y nos muestra su toque más doom, donde la estructura musical se convierte en un loop en que te adentraras sin darte cuenta, una espiral cíclica que te envuelve corte tras corte, así pasan “Whipped”, donde las estrofas vocales ponen ese punto de distinción con sus anteriores, cargadas de energía; “Changes”, con unos efectos devastadores y un bajo omnipresente, donde la distorsión pone la oscuridad y la voz otorga ese delicado brillo a la estructura. “Drain”, nos devuelve al abismo, con gritos que surgen de lo más banal y oscuro, en un corte poderoso y matizado, siendo de mis preferidos del álbum. “Ashes”, continua con su toque cósmico y doom, alargando las notas vocales hasta la saciedad con una nueva base cíclica y monolítica que nos llevará en volandas al cierre con “Funeral Planet”, que recoge la esencia de la banda en otro temazo de TEMPLE. De lo mejorcito del año pasado, lástima que lo haya conocido tarde si no hubiera tenido hueco en mi top anual. JUAN ANGEL MARTOS 8/10

SYMBTOMY (CZE) DEMO 1 IMMORTAL SOULS PRODUCTIONS, 2020

En Metal Archives aparecen como un grupo formado por músicos ingleses y checos… pero lo cierto es que sólo veo miembros de la República Checa. Y en concreto, en esta banda milita David ‘Dejvy’ Krédl a las guitarras, proveniente de los brutal Death DESPISE. Pero no te equivoques, esto no es brutal Death. De hecho, esto tiende hacia un bastante burro, pero ciertamente melódico Death Metal con influencia del norte de Europa. A mi me suenan a cosas como DEMONICAL, WOMBBATH o INTERMENT.

STARBYNARY (ITA) DIVINA COMMEDIA: PARADISO ART GATES RECORDS, 2020

No sé si decir que estamos ante el cierre de una Era o de un trabajo conceptual, lo que sí sé es que STARBYNARY llega al “Paradiso”, asumiendo una trilogía tan compleja como maravillosa. Dentro de lo que solemos encontrar dentro del mágico mundo del Power Metal, estos músicos se ponen un traje de erudición, tanto literaria como sonora. La apertura, como es evidente, comienza con ese recorrido por las nueve esferas del Cielo donde Dante arriba guiado por Beatriz, lo que la banda ha dado en resumir en canciones potentes, con estructura teatral y, como bien sabemos, consta de: “Luna, Mercurio, Venus, Sol, Marte, Júpiter, Saturno, las Estrellas fijas, y el Primer móvil.” Las intermitencias entre velocidad y técnica, entre desesperación y razonamiento, son palpables en cada una de las interpretaciones que hacen resaltar: bases, coros líricos y una guitarra que parece contenerse, dejar espacio al resto, para que todo luzca. Párrafo aparte para los amantes de las cuerdas bajas que parecen tener un baile con los teclados y las rítmicas para contener la estructura Progresiva de alta complejidad como, por ejemplo en “Júpiter”, ese sitio donde están los buenos gobernantes que han sabido hacer propia la Justicia… Las orquestaciones precisas, que te imbuyen en tanta literatura, se hacen casi imperceptibles, con momentos de piano tan intensos, como exasperantes de a ratos por sintetizadores. Pero esa parte Power es necesaria.

Guitarras muy pesadas, pero muy curradas, bases rítmicas potentes y cañeras y una voz gutural pero entendible. Esto es sólo una demo, pero la verdad es que el sonido es realmente impresionante y muy potente. Son solamente 15 minutos de música, pero lo cierto es que el contenido merece la pena. Eso sí, te tienes que comprar un reproductor de cassettes, ya que solo existe en ese formato, aunque tampoco es difícil encontrarlo en redes sociales. Y es que ya sabes que viejos formatos como el vinilo o el cassette están más de moda que nunca. Interesante banda de buen Death Metal del tipo escandinavo, con una contundencia digna de tener en cuenta. ANTONIO PARDO 8/10

TEMPLE (SWE) FUNERAL PLANET

THE SOMBRE (NDL) SHAPELESS MISERY BRUCIA RECORDS, 2020

Desde Holanda, nos llega el nuevo trabajo de THE SOMBRE, bajo el nombre de “Shapeless Misery”, editado por Brucia Records. Tras este proyecto se esconde el multinstrumentista Maurice de Jong, quien se ha encargado de todo en este trabajo personal, donde da rienda suelta a su mundo doom y death metalero, pero enmarcado por unas melodías repletas de melancolía con reminiscencias a bandas como PARADISE LOST, los primeros ANATHEMA…., y que a demás se transforma en una persona inquieta en cuanto al aspecto musical se refiere, inmerso en otros proyectos como CAPUT MORTUUM, CLOAK OF ALTERING, DODENBEZWEERDER (voz y guitarra), DRUK YUL, GOLDEN ASHES, HAGETISSE…, donde se encarga de todos los elementos también. En este trabajo, nos presenta un mundo repleto de oscuridad, con unos ritmos lentos y pesados, tótem del doom, como en la inicial “As Terrible Silence From Above”, donde alterna melodías vocales limpias en un inicio que se extiende hacia la luz, con pasajes muy atmosféricos y melódicos, pero que se ven interrumpidos por ese death metal oscuro que le aporta pesadez y una fiereza contenida a través de unos riff apocalípticos y una densa voz gutural. Voz que mantiene en la densa “My Betrayal As A Knife”, con unos toques ambientales creados por teclados que le dan otro cariz a la canción y nos lleva hacia “Shapeless Misery”, introduciendo pasajes cinemáticos en off, entre los entresijos de un doom clásico y espeso, pero cargado de melodías y tristeza. “Tears And Dismay”, a pesar de su inicio mas atmosférico, a base de teclados y un bajo que completa cualquier rincón vacio, coge fuerzas y nos deja uno de esos riffs para enmarcar, en un temazo. “The Golden Shroud”, capta a la perfección lo que denominados doom, con una parte instrumental NUM. 81 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 65


tan bella como triste, apareciendo toques vocales a mediados del mismo, enumbrandose como otras de mis preferidas del álbum, antes de llegar al cierre con “An Untameable Desire”, quizás sea la más densa y pesada del álbum, apareciendo la magia con ese toque de violín que la encumbra en el género, echando quizás solo en falta algún toque más con voz limpia, pero por lo demás es un muy buen disco de doom metal.

que pierdan enteros. Ah por cierto, ¿de verdad era necesario incluir toques de teclado?, yo creo que no.

JUAN ANGEL MARTOS 8/10

THRASHWALL (PRT) THRASHWALL FIRECUM RECORDS, 2020

THOSE WHO BRING THE TORTURE (SWE) DARK CHAPTERS IRON BLOOD AND DEATH CORPORATION, 2020

Formados por el prolífico Rogga Johansson (PAGANIZER, EDGE OF SANITY, MEGASCAVENGER, PUTREVORE…)en 2007, y acompañado por Jon Rudin (batería) y Kjetil Lynghaug (guitarra solista) nos ofrecen su séptimo álbum en una ya larga trayectoria y que con “Dark Chapters” siguen con su fórmula de Death Metal pesado, rítmico y con unas buenas dosis de oscuras melodías, que hacen que sus temas sean muy interesantes para el oyente, ya que en pocas escuchas ya puedes conocerlos fácilmente. Nueve son los temas que nos ofrecen en esta nueva grabación, y que desde el corte inicial, homónimo del álbum, ya nos dice por dónde va a ir la grabación, temas pesados, rítmicos, con variedad de cambios de ritmo y ciertas melodías oscuras que hacen el álbum algo muy accesible. “Dammed the Universe” juega incluso con ciertos momentos del Melodic Death Metal, en su riffs lo que hacen que en sea bastante pegadizo y un tema verdaderamente logrado, aunque también he de reconocer que un poquito de variedad habría hecho del tema algo magnifico, siendo su estructura bastante estándar en el género. “Carved into Pieces” es un tema mucho más pesado, con riffs muteados y dando prioridad a la contundencia, realzada por el buen hacer de la batería y ese doble bombo devastador. Con “Into the Fleshfields” la banda se mete de lleno de nuevo en el Death Metal más veloz (para el estilo de la banda lógicamente), pero sin perder el sentido ni los riffs más rítmicos. “Born to Cleasen”, nos mete de lleno en un tema bastante melódico y rítmico, pero esta vez sin utilizar la velocidad, sino que transita entre medios tiempos, y que aporta variedad a la grabación. “From the Vortex they Came” vuelve al Death Metal que tanto caracteriza a las bandas del señor Johansson, velocidad, riffs contundentes, voces guturales mezcladas con otras más agresivas y siempre acompañados por un pesado y denso sonido. “The Malevolent World” juega con el Death Metal brutal y veloz con riffs sacados del Melodic Death Metal sueco, creando una mezcla realmente interesante, éste para mí es el mejor tema del álbum, destacar una sección intermedia más lenta y misteriosa, este tema resume perfectamente esta grabación y lo que ofrece. Muy buena grabación de nuevo de las huestes de Rogga Johansson, el cual como siempre nos asegura temas con sentido, rítmicos, brutales y bien compuestos, una delicia para todos los que disfrutan del Death Metal nórdico con personalidad y sobre todo calidad. LUIS MARTÍNEZ 8/10

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Desde Portugal nos llega el primer trabajo de THRASHWALL de título homónimo. Editado por Firecum Records y producido por la banda en Demigod Recordings. El arte de la portada ha sido obra de Marcelo Dod. El Redondo está formado por siete temas y una intro en la que apenas llegan a los veintiocho minutos de duración. Lo que nos vamos a encontrar es un Thrash Metal con influencias muy marcadas de SLAYER, ANTHRAX, KREATOR, MUNICIPAL WASTE… Desde el primer segundo en “War Outside the Wall” te das cuenta de la línea a seguir por los portugueses. Veloces riffs adornados con solos que hacen de edulcorante en las composiciones. Veloces bases rítmicas y voces en una línea de las citadas bandas. De primeras logran lo que se proponen que es sonar como las bandas que crearon el género. Lo cual para amantes del estilo puede ser un aliciente. En mi caso siempre intento buscar sonidos con más personalidad. El tipo de producción es muy en la línea de EXHORDER sobre todo en cuanto a distorsiones se refiere, recordando mucho a ese sonido que después sirvió como carta de presentación a PANTERA. “World Domination” es uno de los temas que más destaco del CD, sonido 100% SLAYER. Es la única pega que le veo al disco. Que todos los temas te dejan un ligero déjà vu de que ya lo escuchaste antes. La ejecución y composición es muy buena, pero te deja ese pequeño regusto a refritos y collage de otras bandas. Que puede ser un arma de doble filo en muchas ocasiones. Aun así, estamos ante un gran trabajo que cumple su propósito pues su sonido es totalmente Old School, enviándonos directamente a mediados de los años ochenta y siendo fieles al estilo con temas muy buenos. Si no me creéis poneros “Insanity Alert”. MARK BERSERK 7.5/10

Como acabáis de leer, y aún a riesgo de ser excesivamente redundante, las seis cuerdas, sesudas y originales hasta decir basta os volarán los sesos. Preparaos para un sentido de la melodía diferente. No faltan las dobles armonías y los leves pero presentes instantes de tremolo picking. El tratamiento de los registros vocales es de todo menos previsible. Degustaréis sobre todo clean vocals que se unen anecdóticamente con unas pinceladas muy leves de growls. La percusión es demencial a más no poder. He tenido la sensación de que suelen ir más a medio gas que a toda velocidad. No obstante, puedo prometer y prometo que los «golpes relámpago» no faltan ni mucho menos. Destacaría «Tfuj, Jirko!», » Zrozen k božským cílům» y » Pak jí ruce svážu» como lo mejor del Long Play. Si estáis hartos de siempre lo mismo, no estaría mal que le echaseis un oído a este redondo. JESÚS MUÑOZ CABALLERO 6.5/10

TORMENT (FRA) OCCULT GREAT DANE RECORDS, 2020

Me ha sorprendido el disco debut de los franceses TORMENT, que aparte de la falta de originalidad para escoger el nombre de la banda y el título de sus discos, son bastante buenos. Achaquemos esa falta de originalidad al incontable número de grupos que pululan nuestra escena y a que ya es difícil elegir nombres interesantes en la maraña de bandas por todo el mundo. Pero centrémonos en “Occult”, un disco repleto de muy buen Death Metal bastante brutal, variado e intenso. Y lo que más me ha gustado es el impresionante trabajo de Thomas Frain a las guitarras, con un uso increíble de los tremolos, los punteos y más, mucho más. El sonido es pesado e intenso a más no poder. Pero esto no sería posible sin la ayuda de Simon Guerard al bajo y de Emile Corvini a la batería. Apabullante. Y dejo para el final a Felix Poncelin a la voz, un portento de potencia que es capaz de intercalar voces guturales con algunas partes más agresivas y todo ello con un registro auténticamente impresionante.

INK ON PAPER AUTOEDITADO, 2020

Desde la ciudad condal, Barcelona, nos llega el debut de VERSYA, “Ink On Paper”, en formato autoeditado, desplegando un death metal melódico con tintes industriales, dándole sentido a su propio mundo, “versya”, el mundo donde viven los versos, los sentimientos y emociones, los sueños, los temores…, una tierra de contrastes donde el ying y el yang está en constante evolución, todo ello creado por Noelia. Fj en la voz, Jaime Monteagudo en la guitarra, Enric Juan en el bajo y voz y Jerry Cestelos en la batería. “The Hunter & The Wolf” abre el álbum, desplegando un potente death metal melódico, muy pegadizo donde los teclados y samples electrónicos le aportan ese toque industrial que los separa de bandas como ARCH ENEMY, aunque la poderosa voz de Noelia no tiene nada que envidiarle, apoyada por los coros de Juan, maquillando el estribillo llegándonos hacia un solo de guitarra enérgico y de corte metalero, hacen que este corte sea perfecto para abrir y conocer lo que nos depara este trabajo de VERSYA, continuando con la aplastante “I Am Wrath”, con unas estrofas más pesadas y contundentes, así como la percusión que despliega Jerry, solo interrumpida en potencial por los pasajes cinemáticos, por lo demás es un temazo en toda regla. El siguiente combo “Fear The Fear” y “Pendulum”, aparece como ciclones, sobre todo el primer corte donde dejan su toque industrial para ciertas variaciones instrumentales, antes de acelerar e introducir orquestaciones en el segundo corte, que tras varias escuchas la parte death metalera de VERSYA, queda demostrado como su fuerte, creando pasajes melódicos muy atrayentes y unas estrofas repletas de fuerza, como en el mediotiempo “Ink On Paper”, donde demuestran el arraigo y la contundencia que su música presenta y el camino a recorrer en un futuro, certificándola en “Chernoshima”, uno de mis cortes aplastantes y muy ARCH ENEMY, pero con su sello personal impregnado en esas guitarras metaleras. “Old Clock” con STATUS OF THE DARK, se transforma en un buque insignia, un corte para disfrutarlo una y otra vez, tanto musical como vocalmente, donde los puentes son técnicos, creando asincronías melódicas que encajan a la perfección, unos teclados mimetizados que aportan una gran ambientalidad y un desarrollo electrizante, temazo, al igual que el cierre con “Storyteller” o su predecesora “The Longest War”. Como bonus nos presentan el tema inicial de nuevo, “The Hunter & The Wolf”, pero esta vez contando con la voz melódica de Mireia Cuesta, elvando el status de la canción en sí misma, en lo que es un debut muy prometedor, el cual nos deja muy buenas sensaciones para verlos en directo y ver lo que nos deparan en futuros trabajos. JUAN ANGEL MARTOS 8/10

Las similitudes con MONSTROSITY o MALEVOLENT CREATION son más que palpables, y es que la brutalidad que emanan es altamente recomendable.

!T.O.O.T.H.¡ (CZE) FREE SPEECH LAVADOME PRODUCTIONS, 2020

Los Prog Death Grindcoretas !T.O.O.H.! lanzaron el pasado 17 de noviembre de 2020 su sexto álbum de estudio llamado «Free Speech» gracias a Lavadome Productions.

Esto es Death Metal de gran calidad, pesado y burro, más tirando a cosas de la vieja escuela que a cosas modernas. Me recuerdan a mediados de los 90 y es que si TORMENT hubieran surgido en aquellos años, a nadie le habría sorprendido la calidad que poseen. Está banda demuestra que el Death Metal está más vivo que nunca… y este disco debut te lo certifica con etiqueta de ‘alta calidad’. ANTONIO PARDO 7/10

Al conjunto le dan vida los siguientes integrantes: Schizoid (batería y voces), Humanoid (voz, bajo, guitarra, programación). Uff, el dúo checo es cuanto menos difícil de reseñar. Su propuesta lo mismo abraza fuertemente la genialidad que se aparta de ella, para acabar resultando estridente y desenfadada. Desde luego, una cosa está clara, no creo que nadie que escuche el disco que hoy os comento se quede impasible. La estructura de las tonadas es perpetuamente intrincada, fresca y desquiciante, consiguiendo de esta forma romper todos los esquemas musicales que tengáis en vuestras cabezas. Obviamente, a priori esto que os comento es positivo, aunque a más de uno le resultará insoportable. Por otro lado, lo que desde luego si es un clarísimo punto en contra es la producción. El sonido carece de garra y eso hace

VOID MOON (SWE) THE AUTUMN THRONE SUN AND MOON RECORDS, 2020

Doom metal clásico y épico, es lo que nos traen los suecos VOID MOON con este “The Autumn Throne”, su tercer disco completo, que llega de la mano del sello rumano Sun & Moon Records (ABYSMAL GRIEF, DOM DRACUL, LUCIFER’S FALL…), con el que repiten lanzamiento de larga duración y tras el EP “Ars Moriendi”, lanzado en 2018. CANDLEMASS, GRAND MAGUS, SOLITUDE AETURNUS… pueden ser y son de hecho, las referencias que lanza su nota de prensa como bandas a las que comparar y lo cierto es que no van desencaminadas.

VERSYA (ESP)

El álbum contiene una buena producción (ya conocemos como se las gastan los grupos suecos) y unos cortes que si bien, no se desmarcan del género mencionado, son variados pasando del


tradicional lento y pesado a cabalgadas heroicas y grandiosas, de los cuales son amantes. De hecho, diría que estos últimos son los que más me humildemente me han seducido, empezando por “The Raven Will Not Return” (ojo también a los solos de buena factura que no abundan a lo largo de este trabajo, pero son estupendos), siguiendo con el tema título, que se extiende hasta los nueve minutos y esos coros, que me han traído a la mente a Quorthon y sus Bathory más paganos; continuando con “Afternoon Towing” (al que precede el breve instrumental “Distant Shores”) y finalizando con “To Outlive Myself (No Turning Black)”.

death metal en sus dos vertientes, siendo la primera más densa y oscura, con pasajes black, para pasar a un toque más progresivo y goticista con el segundo corte y acercarnos al final con la dupla “Lurking Hope”, siendo uno de los cortes más agresivos del álbum y “Two Tears Alone”, otro de mis temas preferidos, que condensa la esencia de WEIGHT OF EMPTINESS en todas sus modalidades estilísticas. Un gran álbum y un grupo a tener muy en cuenta, aunque quizás de una escucha completa se haga un poco largo sus 12 canciones, pero es un señor álbum. JUAN ANGEL MARTOS 8/10

El dúo formado por Peter Svensson (guitarras y bajo) y Marcus Rosenqvist (voz y batería), son los únicos componentes en estudio de VOID MOON (constituidos allá por el 2009) en esta ocasión, en la que la guitarrista habitual de la banda, Erika Wallberg no ha participado. Eso sí, durante esta obra han contado con la colaboración de personajes como Luis B. Galvez de Tristitia, Sean Vukovic guitarrista de Forsaken o Martin Jepsen Andersen (Anchorite, Blindstone, ex Reece). Poco más que añadir, doom clásico con tintes épicos publicado a finales del ya, pasado año 2020 y que si en un primer momento, pasó desapercibido para ti, ahora tienes la oportunidad de prestarle la atención que merece. ROBIN RM 8/10

No.4 - ENERO 2021 - DISTRIBUCIÓN GRATUITA

Las letras de este “The Autumn Throne”, no están muy lejos de las actividades del británico Aleister Crowley y sus rituales paganos, filosofía y muerte, fuente inagotable e influyente en el mundo del metal, que sirven de inspiración en estas nueve canciones y sus casi tres cuartos de hora de duración.

Liberando demonios Padrax Desaster Percutor Sucurbenoth Orgia Nuclear

Reseñas Bios y más

BRUTAL ZINE (ECU) NÚMERO 4 AUTOEDITADO, 2021

Como ya se ha comentado en otras ocasiones, esta puta pandemia está cambiando nuestros hábitos y rutinas, haciéndonos invertir el tiempo que gastaríamos en conciertos, presentaciones, ruedas de prensa y otro tipo de eventos, en leer, escribir y escuchar más música que nunca. De esta pandemia me quedo con mi reencuentro con Necromance, 20 años después de descubrirla, y haberme hecho enfocar un confinamiento como vía de expresión sobre mi visión de la música extrema y dejarme aportar mi granito de arena a este referente nacional.

WEIGHT OF EMPTINESS (CHL) CONQUERING THE DEEP CYCLE AUSTRALIS RECORDS, 2019

Tras el nombre de WEIGHT OF EMPTINESS, encontramos una banda chilena formada en 2012 que ahora nos traen su tercer álbum, “Conquering The Deep Cycle”, editado a finales de 2019 por Australis Records y desarrollado a lo largo de 2020, sin poder presentarlo como es debido, aunque participaron en algunos festivales online. Como nunca es tarde, vamos a retomar este trabajo y contaros un poco sobre el mismo, porque álbum merece mucho la pena. Musicalmente desarrollan un death metal progresivo, pero entremezclando diversos géneros como el doom, tintes de black metal y algunos toques modernos, creando un metal de vanguardia o lo que denominamos avantgarde metal, aunque esto de las etiquetas ya se sabe, lo que si podemos decir es que “Invisible Mind Workers” abre el álbum tras la orquestal “Conquering”, con un death metal progresivo de alto standing, que incorpora unas estrofas muy contundentes y técnicas con pasajes cargados de épica, donde la voz gutural de Alejandro Ruiz, se codea con voces limpias y coros, mientras las guitarras de Juan Acevedo y Alejandro Bravo crean su propio mundo de riffs metaleros al 100%, entremezclándolos con pasajes oníricos y muy melódicos que le dan ese toque oscuro y doom; brutal inicio. Y si el inicio es brutal “Chucao”, no se queda atrás, siendo una de mis preferidas del trabajo, y donde demuestran su ser en toda regla, alternando el death, el black y una parte central preciosista y cargada de misticismo, al que apoya el bajo de Mario Urra y los embaucadores riffs de guitarras, con una percusión a manos de Mauricio Basso y los tonos limpios vocales que le dan un toque a MOONSPELL. “The Flame”, es otro temazo, cargado de potencia y de esa dupla tanto rítmica como vocal que le dan un toque especial a su música, siendo un tema más directo y death que la progresiva “Lapse Of Insanity”, Con “Lamentos”, nos dejan retazos de su idioma, cantada en castellano, y con un aire goticista. Con “Eleven Ravens” y “Drainers”, regresan a su

Me ha parecido curioso, y emocionante, que a casi 9000 km, en la mitad del mundo, estos tipos de Ecuador retomen la publicación de BRUTAL ZINE, que 22 años después de su nacimiento, 20 después de su último número (#2) y producto de un confinamiento inhumano, lancen los números #3 y #4 casi simultáneamente en formato digital y gratuito. Ambos números son prácticamente similares en formato y estructura, pero el #3, publicado el 18 de diciembre lo he asimilado con un enfoque a modo de prueba, o el anuncio de un regreso, mejor dicho. El #4 parece el primer número del “nuevo” BRUTAL ZINE, donde se anuncia un ENERO 2021 muy alentador que presagia continuidad e información periódica sobre el under extremo ecuatoriano. Algunos nostálgicos que seguimos consumiendo papel, más por coleccionismo que por la información que contiene, también apreciamos las ediciones digitales, y más si respetan el formato clásico de pasar páginas. Una estupenda manera de estar informado de la escena extrema ecuatoriana sin temor a perderte navegando de web en web. El contenido del #4 es de extremos desde mi punto de vista. Una sección simple y extremadamente humilde de entrevistas internacionales (MIDNIGHT y los míticos DESASTER), con el punto a favor de incluirse tanto en inglés como español, pero una riquísima y extensa sección de entrevistas a bandas nacionales. Pasan por este número los imperdibles SUCURBENOTH, los speedmetaleros y radicados en Madrid PERCUTOR además de PADRAX. Todas las entrevistas contienen buen material fotográfico e ilustraciones de portadas. Hablando de fotografías, el Zine cuenta con un apartado en el que recuerdan los últimos conciertos desarrollados en el país a base de instantáneas, en este número MGLA y VARATHRON. De nuevo una de extremos, modestisima sección de reseñas, pero a cambio, jugosa sección de bios con la que cierran el número con un total de 36 páginas y que por primera vez incluye enlace a su primer sampler, compuesto por bandas que allí aparecen y con el que ambientar musicalmente la lectura. Fácil, sencillo y muy meritorio trabajo de estos ecuatorianos, que amenazan con seguir y crecer anunciando corresponsalías en España y México. Enorme esfuerzo, gracias y buena suerte. ¡PORQUE EL METAL SIEMPRE SERÁ BRUTAL!


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