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REDACCIÓN Y STAFF: DIRECTOR: David Déniz Plaza

NÚMERO 67

EDITOR, REDACCIÓN Y PUBLICIDAD: David Déniz Plaza MAQUETACIÓN Y DISEÑO: David Déniz Plaza REDACTORES | CRONISTAS: Carlos Bermejo César Luis Morales Daniel Gallar Jesús Muñoz Caballero Jesús Sánchez García Jorge De La Cruz Juan Angel Martos Luis Martínez Mark Berserk Robin RM Rudy Pertu Santi Gzlez Sebastián Abdala Tania Kymmenen FOTÓGRAFOS: EN PORTADA: [IN MUTE]

REDES SOCIALES: Necromancedigitalmag NecromanceMag necromancedigitalmag necromancedigitalmagazine necromancemagazine necromancedigitalmagazine

DIRECCIÓN POSTAL: Necromance Digital Magazine Apdo. de Correos 66 38320 La Cuesta Tenerife - España EMAIL: Información general

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advert@necromance.eu PRÓXIMO NÚMERO: 31.DICIEMBRE.2019


CONTENIDO SECCIONES REGULARES 04 05 08 36

EDITORIAL CONTENIDO RECOPILACIÓN DIGITAL CRÍTICAS (NOVEDADES)

ENTREVISTAS 12 13 14 16 18 19 20 21 22 24 28 29 30

EXTREMA BLAZE THE TRAIL STORMLORD BLINDPOINT STRAY FROM THE PATH [IN MUTE] NORMA JEAN FIRE FROM THE GODS TOTENGOTT HEX JOHN MALKOVITCH! ARSON TIDES ALERTA

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NECROMANCE DIGITAL SAMPLER VOLUMEN 40

1. EXTREMA (ITA)

FOR THE LOVED AND THE LOST

Extraído de / Taken from “Headbanging Forever” (CD 2019) Rockshots Records

2. BLINDPOINT (ESP)

THROUGH THE ASHES OF LIFE

Extraído de / Taken from “Through the Ashes of Life” (CD 2019) Autoeditado | Self Financed

3. BLAZE THE TRAIL (ESP) I AM YOU - YOU ARE ME

Extraído de / Taken from “Not A Game” (CD 2019) Autoeditado | Self Financed

4. [IN MUTE] (ESP)

UNHALLOWED DIVINATION

Extraído de / Taken from “Chaos Breeder” (CD 2019) Art Gates Records

5. JX ARKETT (ITA) MOUNTAINS

Extraído de / Taken from “About Existence” (CD 2019) Antigony Records

6. WALL OF PALEMHOR (ITA) WORMS INSIDE

Extraído de / Taken from “D.r.a.m.a.c.o.r.e.“(CD 2020) Autoeditado | Self Financed

7. JOHN MALKOVITCH! (ITA) XX KÜBLER ROSS

Extraído de / Taken from “Hyenaah” (CD 2019) Antigony Records

8. THE BIG JAZZ DUO (ITA) SACRIFICE TO CINDER

Extraído de / Taken from “Scion - Soothsayer” (CD EP 2019) Autoeditado | Self Financed

9. BAGIRA (RUS) SHADOW

Extraído de / Taken from “From Russia with Groove” (CD EP 2019) Autoeditado | Self Financed

10. TOTENGOTT (ESP)

CEREMONY II, THE WAY OF SIN Extraído de / Taken from “The Abyss” (CD 2019) Xtreem Music

11. HEX (ESP)

ALL THOSE LIES THAT DWELLS... Extraído de / Taken from “God has no Name” (CD 2019) Transcending Obscurity records

12. ARSON TIDES (ESP) HELPLESS

Extraído de / Taken from “Child of the tide” (CD EP 2019) Autoeditado | Self Financed

13. ALERTA (ESP) RESPONSABLES

Escúchalo y descárgalo en

Extraído de / Taken from “Tú decides el final” (CD 2019) BLood Fire Death

necromancedigitalmagazine.bandcamp.com

DISEÑO DE PORTADA REALIZADO POR: THE CORE INSIDE


EXTREMA

La legendaria banda italiana EXTREMA golpea de nuevo con su reciente trabajo «Headbanging Forever», trabajo del que nos habló Tommy Massara, su guitarrista, en esta entrevista que os mostramos a continuación. Para empezar esta entrevista, ¿puedes presentar la formación actual de la banda? Claro, Extrema hoy en día son: yo, Tommy Massara, el único miembro de la formación original de la banda, Gabri Giovanna en el bajo con nosotros desde 2009, Francesco «Frullo» La Rosa en la batería con nosotros desde 2014 y el nuevo miembro Tiziano «Titian» Spigno que se unió a nosotros en 2017. Si te pido que nos hables del sonido de la banda, ¿cómo lo harías? En nuestra biografía se ha escrito que somos una banda de Thrash / Groove Metal, eso no es 100% correcto, hemos comenzado como una banda de Thrash Metal y, durante nuestra larga carrera, siempre hemos tratado de actualizar nuestro sonido a algo más actual. Con este último álbum, decidimos tocar lo que más nos gustaba sin perder mucho tiempo pensando en lo que dirían los críticos al respecto. Así que puedo decir que somos una banda en una búsqueda constante. Y así, Thrash y más allá podría ser una mejor caracterización de nuestro sonido. Felicidades por «Headbanging Forever», ¡qué álbum! ¿Estáis felices con el mismo? Definitivamente, el nuevo álbum es impresionante, recuerda algo más clásico pero adaptado a la actualidad. Cuando escuchaste el álbum por primera vez, ¿estabas completamente satisfecho o crees que todavía faltaba algo? Siempre falta algo, incluso si hemos tratado de ser lo más precisos posible. Sin embargo, es un álbum desgarrador que me satisface al 99%. ¿Cuándo comenzasteis a trabajar en los temas y la música para «headbanging Forever»? Comencé a escribir estas canciones justo después de nuestra gira europea de 2013 con Death Angel, pero después de un tiempo nuestro viejo baterista Paolo Crimi decidió abandonar la banda por razones personales, por lo que cuando Fran12 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 67

cesco se unió a la banda, concentramos nuestros esfuerzos en trabajar entre nosotros para conseguir una buena conexión musical, grabamos un EP con canciones antiguas nunca lanzadas antes y fue en 2016 cuando comenzamos a trabajar en las nuevas canciones como banda. ¿Cómo funciona la composición de tema en Extrema? Por lo general, traigo la mayor parte de la música casi hecha y grabada en algunas demos, que comparto con los demás y, en ese momento, si creemos que puede funcionar, comenzamos a hacer crecer las canciones. ¿Cuál es el concepto principal del álbum en términos de letras? No hay un concepto principal, algunas de las letras hablan sobre la voluntad de seguir un camino positivo, otras están más orientadas al cine pero con un subrayado en la vida real. En tu opinión personal, ¿cuál es tu canción favorita en este álbum y por qué? Todos ellos, te diré por qué, cada canción en el álbum es un ladrillo y todos ellos forman el muro de sonido que es «Headbanging Forever». ¿Cómo ves la reacción de los fans y los medios al álbum desde que salió? Muy, muy bien, fueron años y álbumes que los fans y los medios no reaccionaron tan bien, por supuesto, no digo que el mundo se detuviera a escuchar y se enamorara de Extrema, pero tuvimos algunos comentarios realmente buenos. Este es un nuevo comienzo. ¿Qué quieres que el oyente se quede de «Headbanging forever»? Energía y la voluntad de disfrutar de buena música de una fuente diferente. ¿Cuánto ha cambiado la banda desde sus primeros

días y su primer álbum «Tensión at the seams» en 1993? Bueno, lo que puedo decir es que si los miembros de la banda han cambiado desde el principio, el primer lanzamiento real fue un mini álbum «We fuckin ‘Care» en 1987, no quiero perder esa energía que solo las personas motivadas tienen. Podríamos haber cambiado en términos de edad, pero no en términos de voluntad para hacer la mejor música posible. ¿Te sientes cómodo trabajando con un sello como Rockshots records? Definitivamente sí, quieren mucho a la banda y están tratando de ayudar y trabajar al máximo de sus posibilidades. Algunas bandas afirman que el marketing es tan importante para una banda como la música misma. ¿Qué piensas sobre eso? Definitivamente sí, dale a una banda el dinero para promocionar un buen álbum en su mejor momento, y seguro que alcanzarán buenos números. ¿Cuál es tu consejo para otras bandas jóvenes de metal? Háganlo por la música y la diversión, si el éxito llegará, será perfecto, si no, su corazón al menos tendrá algo que llevarse hasta el final de los días. ¿Algo que te gustaría agregar para terminar la entrevista? Por supuesto, esperamos tener la oportunidad de recorrer el mundo una vez más y conocer a todos los nuevos fans que podamos tener todos los días. Gracias. [DAVID DÉNIZ PLAZA]


BLAZE THE TRAIL

El primer LP de los vallisoletanos BLAZE THE TRAIL llega bajo el título “Not a Game”. Con motivo de ello hemos querido ponernos en contacto con el grupo para saber un poco más de ellos y sobre este nuevo trabajo que ya anda en el mercado. Lo primero de todo, daros las gracias por atendernos y contestar nuestras preguntas. ¿Qué significa el nombre de la banda? (DIEGO) En el verano de 2016, que fue cuando empezábamos este proyecto, estaba de viaje por California cuando surgió la conversación con compañeros de allí sobre qué nombre se podría dar al grupo. Una noche en Silver Lake, estábamos hablando sobre el descubrimiento de estas zonas durante la época colonial y de aquellos exploradores enviados a sitios todavía desconocidos para poder dibujar los mapas, llamados Trail-Blazers, que se adentraban a lo desconocido al grito de »BLAZE THE TRAIL», que vendría a ser como » ABRE EL CAMINO» y eso es precisamente lo que persigue este proyecto, abrir nuestro propio camino en la escena, descubriendo experiencias, sitios, bandas y gente todavía desconocidas para nosotros. ¿Por quién está formada BLAZE THE TRAIL? BLAZE THE TRAIL somos Diego a la voz y bajo, Miguel y Jose guitarras y coros y Daniel a la batería. ¿Por qué el título de «Not a Game”? ¿Qué significado tiene? Los 8 temas de ‘Not A Game’ tratan sobre la lucha que tenemos actualmente con la problemática climática y la corrupción política, que es algo bastante crítico ahora mismo, no es un juego, de ahí el nombre ‘Not A Game’. ¿Quién se ha encargado de realizar el artwork? Nuestro amigo Alex Bocos, guitarrista de Free City, fue el encargado en su día de hacer el diseño del merch y de nuestro primer EP ‘Off The Ground’ y, dado que quedamos supersatisfechos con el resultado, quisimos contar con él nuevamente para este primer disco. Acudimos a él a través de su firma Sick-Wu Design, por la que ya han pasado otras bandas como Desakato, Sinaia, etc… ¿Como fue el proceso de composición y grabación del trabajo? La composición fue bastante fluida, aprovechando cada momento entre los conciertos de nuestra gira »Off The Ground» en el local. Teníamos bastante claro como queríamos que fuera este trabajo y el sonido que queríamos. La verdad es que no hubo ningún tipo de presión en el sentido de tener el disco listo para una fecha determinada, hasta que hicimos reserva para pasar a grabar por The Metal Factory. En ese momento necesitábamos darle una nueva vuelta a los temas ya grabados en casa antes de entrar al estudio por lo que contamos para ello con nuestro amigo Eneko Celestino (Hey Bastian!,

Dawn Of The Maya, Marvin) con el que estuvimos trabajando entre Pamplona y Valladolid constantemente hasta la fecha de entrada al estudio. ¿Dónde y quién se ha encargado de grabar, mezclar y masterizarlo? Grabamos en Febrero de 2019 en The Metal Factory en Madrid, con Alex Cappa y Pablo Rousselon, que también hicieron la mezcla y la masterización. Son dos pedazos de artistas y fue un enorme placer trabajar con ellos. Estamos muy contentos con el resultado. Una vez acabados y escuchados los temas, ¿Cuál es vuestro tema favorito? ¿Cambiaríais algo de alguno de ellos? (DIEGO) Personalmente Saviours. Fue el primer tema compuesto para este disco y el que más se ha desarrollado y modificado desde el primer momento durante el proceso de preproducción y la verdad es que tal y como ha quedado es perfecto. Gracias Eneko. (DANI) Para mí, quizá sea Empty Words, con la colaboración de Igor (Dawn Of The Maya). Es un tema bastante completo y tiene el mejor estribillo. (JOSE) I Am You/You Are Me, sin duda. El riff de guitarra es brutal. (MIGUEL) I Am You es el tema más completo en mi opinión. El estribillo, las melodías y como está hecho me trasmiten mucha energía y al público que lo escucha en directo creo que también se la transmitimos. Así mismo, los riffs y el break son bruuuuutales. Recientemente habéis estrenado el video sobre el tema “Empty Words”, ¿Qué tal fue la grabación del mismo? (DANI) Lo grabamos íntegramente en mi pueblo adoptivo (San Miguel del Pino), que nos ayudaron en todo lo que les pedimos. El video lo hicieron Alba Méndez y Eneko Celestino, que además tuvieron que soportarnos todo el tiempo que duró la grabación. Muy profesionales. Fue un trabajo enorme, pero Alba y Eneko se adaptaban a todas nuestras ideas y sabían darle la forma a todo lo que salía de nuestras cabezas. Y, la verdad, nos lo pasamos en grande con Igor y corriendo por el bosque hasta casi la madrugada… Fue un enorme placer trabajar con todos ellos, incluidos los extras que nos echaron una mano. (DIEGO) Fue una carrera de locos. Tuvimos que optimizar las horas del día al máximo para poder montar todo el set y grabar en un solo día. Pero a pesar de todo, lo pasamos súper genial, tanto con Igor, como con los extras que nos acompa-

ñaron, y con nuestros amigos Alba y Eneko, que no perdieron detalle durante el rodaje. Y bueno, el resultado habla por sí solo. ¿Qué podéis contarnos sobre la colaboración de ese mismo tema? Colaborar con Igor ha sido todo un honor. Nos conocemos desde hace muchos años y siempre ha sido un referente para nosotros, como vocalista y como líder de una banda. ¿Qué tal están siendo las reacciones del público a vuestro primer trabajo? ¿Y en directo? La verdad es que estamos muy contentos. Nos llegan buenas críticas, tanto del público como de compañeros de otras bandas. Y aunque es difícil que los medios se fijen en ti, con la cantidad de bandas y el alto nivel que hay ahora mismo en nuestra escena, cada vez vamos recibiendo más respuestas y vamos viendo más interés hacia nosotros. Y en directo es donde nos estamos llevando más alegrías. La gente responde muy bien y lo estamos disfrutando muchísimo. ¿Nos adelantáis alguna fecha de algún directo que tengáis para este año? El próximo 22 de noviembre estaremos celebrando el tercer aniversario del Omerta, en la sala Menphis de Xixón, junto a Trallery, Tyrant y TRT. ¿Cómo veis el panorama del metal a nivel nacional? A nivel de bandas es increíble. Cada vez hay más nivel y más profesionalidad. En esta gira hemos tocado con bandas increíbles, como Blood Brothers, No Regret, Kids Of Rage, Inyourface,… El problema es el público en las salas. Los festivales se llenan y las salas se vacían. Parece que la fiesta va ganando a la música. ¿Podéis recomendarnos alguna banda nacional que os haya podido influir? ¿E internacional? Las bandas nacionales que nos han influido fueron las que conocíamos cuando comenzamos con este proyecto: Dawn Of The Maya, Agaist The Waves,… sobretodo en la manera de hacer las cosas. Conocerles y charlar con ellos nos ha enseñado mucho. A nivel internacional supongo que son muchas y cada uno de nosotros unas diferentes. No tiene sentido nombrar a alguna en concreto. Por último, quiero volver a daros las gracias por contestar a las preguntas, y dejaros las últimas palabras para que contéis a los lectores de Necromance Digital Magazine lo que os apetezca. Llenad los festivales. Llenad las salas de conciertos de vuestra ciudad. Comprad merch. Apoyad a las bandas. La escena musical depende del público. ¡Nos vemos en los escenarios! [JORGE DE LA CRUZ]

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STORMLORD

Activos desde el año 1991, los italianos STORMLORD han visto editado recientemente su sexto trabajo de estudio «Far», donde la banda sigue demostrando su potencial dentro de la escena Symphonic Black y para hablarnos más a fondo de este trabajo os dejamos con todo lo que nos contó su bajista Francesco Bucci. Muchas gracias por vuestro tiempo para contestar esta entrevista para Necromance Digital Magazine, ¿cómo va todo? Hola y gracias por tu apoyo. ¡Todo va bien, a la gente parece gustarle mucho nuestro nuevo álbum «Far» y nuestras Legions of the Storm se están fortaleciendo!. ¿Cómo fue creada una banda como Stormlord? ¿Podrías presentarnos la formación actual? ¿Queda algún miembro de la formación original (1991) aquí? El equipo de Stormlord no ha cambiado desde el álbum «Hesperia» y es: Cristiano Borchi en voz, el único miembro fundador que queda de 1991, Yo, Francesco Bucci, bajo y letra y David Folchitto a la batería, ambos involucrados en Stormlord desde 1998, antes del álbum debut «Supreme Art Of War». Gianpaolo Caprino, guitarras, voz limpia y sintetizador, uno de los principales compositores y parte del ejército de Stormlord desde 2002. Los «chicos nuevos», Andrea Angelini en guitarras y Riccardo Studer en teclados, ya aparecen en «Hesperia». ¿Cuáles son algunas de las bandas que han influido en el sonido de Stormlord? Los nombres son siempre los mismos: Metallica, Iron Maiden, Venom, Slayer, Bathory, algunos Darkthrone, Immortal y Summoning. Los Tytans de metal de nuestra juventud. ¿Cómo se materializó el título del álbum «Far»? ¿Cuál fue la influencia principal que impulsó el título y el tema del mismo? Nuestras letras son himnos a las culturas del mar Mediterráneo, y no solo estoy hablando de la antigua Roma, sino también de países como Egipto, Túnez, España, etc. Con la única excepción de nuestro álbum conceptual de 2013 «Hesperia», nuestras letras siempre son diferentes entre sí y hablan de diferentes temas, pero hay dos o tres líneas principales. El primero es la voluntad de celebrar nuestra tierra; estamos profundamente enamorados de los romaníes, de su historia, su mitología y su tradición. Como te puedes imagi14 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 67

nar, vivir en una ciudad tan increíble te da mucha inspiración. Por supuesto, no hay nada político en eso, solo encontramos nuestra cultura tan interesante como las culturas alemana o escandinava tan a menudo celebradas en la iconografía del metal, y por eso queremos cantar al respecto. Otra línea guía es mi amor por viajar y descubrir nuevas culturas, lo que me lleva a creer que la razón principal por la que el Hombre existe es la voluntad de descubrir lo desconocido, ir más allá de cualquier límite y, de ese modo, empujar a la humanidad un paso más allá. Al igual que Ulises, queremos ir LEJOS. A diferencia de los temas más comunes en la escena del metal, hay un fuerte mensaje de tolerancia en nuestras letras: temes lo desconocido no porque sea un enemigo, sino porque aún no lo sabes. La última línea guía es sobre mi filosofía personal y algunos temas más profundos, como mis puntos de vista sobre el desarrollo físico, moral y ético de la evolución del hombre, a veces filtrados a través del arte que me inspira (como Samuel T. Coleridge, William Blake, Walt Whitmann, HP Lovecraft, RE Howard, pero también referencias pop como el cineasta italiano Mario Bava). ¿Cuánto tiempo trabajásteis en «Far», cómo fue todo el proceso y cómo se distribuyó la carga de trabajo? Ha pasado mucho tiempo desde «Hesperia», pero no somos ese tipo de banda que lanza un álbum cada dos años. Esta verdad es tristemente conocida por todos los fanáticos de Stormlord y puedes culpar a nuestra manía de control por esto. Por un lado, no nos sentimos obligados a seguir los tiempos del negocio de la música, ya que este no es nuestro trabajo, sino nuestra pasión más fuerte. Por otro lado, el estilo de música que tocamos no es muy fácil de escribir, y queremos que cada nuevo álbum suene único y no sea un imitador de lo que hicimos en el pasado. Hablando de cosas personales, entre «Hesperia» y el nuevo álbum «Far» muchas cosas nos han sucedido: matrimonios, hijos, cambio de trabajo, cambio de hogar y cambio de vidas. Es nuestra elección no tocar si-

guiendo las reglas del negocio de la música, sino lanzar y grabar el álbum solo cuando creemos que podría agregar algo importante a nuestros álbumes anteriores. Por supuesto, lleva mucho tiempo. Hablando de la música, la principal diferencia con el pasado fue la forma en que manejamos el proceso de composición: en aquellos días, todo el proceso se desarrolló principalmente en la sala de ensayo. Algunas ideas se escribieron en casa, pero la mayor parte de la canción se terminó por completo, en nuestra sala de ensayo apestosa y caliente como el infierno. Durante los últimos tres álbumes, hemos estado trabajando mucho con el ordenador y, especialmente para el nuevo álbum; Pasamos mucho tiempo en nuestro estudio de grabación de teclados (Riccardo Studer), haciendo muchas demos y probando nuevas soluciones antes de ir a la sala de ensayo. Puede sonar como una forma «fría» de componer, pero funciona y ahorra tiempo; Lo más importante es que nos permite explorar muchas soluciones nuevas, tal vez algunas complejas, que no se pueden lograr sobre la marcha, simplemente tocando al ritmo. El álbum suena monumental, así que, naturalmente, te pregunto sobre las personas responsables del mismo. ¿Cómo fue el tiempo en el estudio, quiénes fueron las personas con las que trabajásteis y cómo contactásteis con ellos? La grabación y la mezcla estuvieron a cargo de nuestro leal ingeniero de sonido Giuseppe Orlando (Outersound Studios), porque ha trabajado con nosotros desde 2000 (comenzando con el EP «The Curse Of Medusa», y nuestro tecladista, Riccardo Studer (Time Collapse Recording) Studios), mientras que la masterización dependía de la aclamada productora Simone Mularoni (Domination Studios). ¿Puedes contarnos más sobre la impresionante portada del álbum hecha para «Far»? ¿Cómo tomásteis la decisión al elegir la portada del álbum, cuéntanos sobre el proceso? Me alegro de que te guste, nos encanta. Como nuestra música es tan rimbombante y, de cierta manera, recuerda una banda sonora, nos preocupamos mucho por el aspecto visual de nuestros álbumes. Por supuesto, tiene mucho que ver con nuestras letras, y esta vez tratamos de simbolizar, en la portada del nuevo álbum, la sensación de peligro que siente el aventurero cuando va más allá de los límites existentes y se enfrenta a lo desconocido. Podría decir que, de cierta mane-


ra, las portadas de nuestros últimos tres álbumes tienen un concepto similar. Tenemos una colaboración con el ilustrador húngaro Gyula Havancsák, reconocido mundialmente por sus trabajos con actos como Blind Guardian, Destruction, Annihilator, Stratovarius, etc. La primera vez que nos pusimos en contacto con él fue para la portada de «Mare Nostrum» (2008), y después de que lo hizo, nos impresionó su capacidad para transformar la música de Stormlord en bellas imágenes, como nadie lo hizo antes. Por eso hemos trabajado con él también en los últimos dos álbumes; su sensibilidad es muy cercana a la nuestra y esperamos trabajar con él en el futuro también. Por lo general, le damos una entrada o un punto de partida (esta vez, fue una especie de collage hecho con Photoshop, pero el resultado final casi no tiene nada que ver con eso), luego lo dejamos crear con absoluta libertad. Nos mantiene informados enviando algunos bocetos y borradores de vez en cuando, para que podamos decirle si nos gusta, si puede continuar o si hay algo que deseamos cambiar. ¿Qué aspecto de «Far» te gustó más? Es un álbum «directo a la cara» en todos los sentidos, sin rellenos. Como si fuera en los años 80. No nos importa qué canción será el single elegido para el promotor, tratamos de hacer lo mejor con todo el material del álbum. «Hesperia» era una obra muy compleja, diría que era nuestro álbum «progresivo», e incluso las letras eran difíciles de escribir, ya que era un concepto sobre los «Aeneis», escrito por el poeta latino Virgilio. Nuestro deseo para el nuevo álbum era crear algo que pudiera sonar «en tu cara», recuperando el espíritu de nuestros álbumes anteriores como «Mare Nostrum» o «The Gorgon Cult», pero con un nuevo giro. La mayoría de las canciones presentadas en «Far» son bastante cortas, al menos para nuestro estándar, y directo al grano: ¡una tormenta de Extreme Epic Metal! ¿Cómo te sientes con la respuesta tanto de la prensa como de los fans, es algo que esperabas? Hasta ahora, las reacciones han sido absolutamente sobresalientes, tanto de la prensa como de los fans. Seré sincero, estábamos un poco preocupados de que la gente nos olvidara, debido al largo paréntesis que sucedió entre «Hesperia» y este álbum. Sabemos que, hoy en día, hay un montón de bandas que salen todos los días y es fácil perder audiencia si tienes poca presencia en las redes sociales y si no lanzas música y videos nuevos con frecuencia. A juzgar por la reacción, nuestros fanáticos todavía están muy interesados ​​en Stormlord, y esto me alegra porque significa que, durante todos estos años, pudimos producir algo que podría resistir el paso del tiempo. Por supuesto, estaba aún más feliz de ver que una generación completamente nueva descubrió a la banda con este nuevo álbum, tal vez escuchando canciones como el videoclip «Mediterranea» o el primer sencillo «Leviathan», y luego están descubriendo también nuestros lanzamientos pasados. . ¿Cuál es vuestro set-list típico en shows en vivo? ¿Cuántas canciones tocáis y cuáles debéis tocar? Cambia un poco de vez en cuando. En este momento, esta es nuestra lista de favoritos que, por supuesto, se acorta cuando se trata de tocar en un festival o tal vez tengamos menos tiempo para nuestro directo: 1) Leviathan 2) Dance of Hecate 3) Legacy of the Snake 4) Far 5) I Am Legend 6) Motherland 7) Mediterranea 8) And The Wind Shall Scream My Name 9) Crimson 10) Mare Nostrum 11) Neon Karma 12) Invictus y, si la multitud está lo suficientemente caliente, «Under The Boards» como un bis. Álbum tras álbum («Far» es nuestro sexto álbum de larga duración hasta el momento), estamos experimentando problemas crecientes al incluir todos los «clásicos» junto con las nuevas canciones, que queremos tocar tanto como sea posible, en un solo concierto. De todos modos, si tengo que señalar algunas canciones que debemos tocar cada vez, diría «Mare Nostrum» y «Dance Of Hecate». ¿Cuáles son los planes para el futuro más cercano y el lejano en este momento? Tocar en vivo tanto como sea posible y levantar el infierno. ¿Disfrutas otros tipos de música fuera del metal? Por supuesto, desde ritmos electrónicos hasta bandas sonoras de películas, desde baladas populares hasta grindcore, desde blues de raíces hasta black metal crudo, lo escuchamos todo. Nunca se trata de géneros porque cree que solo hay dos tipos de música: mala o buena. ¿Algo que te gustaría agregar en el cierre de la entrevista? Gracias por tu tiempo y por tu apoyo. Por favor, manténganse en contacto con la banda y manténganse actualizados con las últimas noticias que nos siguen en: www.facebook.com/stormlordband www.instagram.com/stormlord.official www.twitter.com/stormlordband www.stormlord.net [DAVID DÉNIZ PLAZA]


BLINDPOINT

De la semidesconocida Lleida nos ha llegado calentito “Through the Ashes of Life”, el debut del quinteto BLINDPOINT que cuenta en su formación con viejos conocidos de la escena metal de allí. Un disco sólido, fresco, cañero y con buenas influencias que ha acabado sorprendiendo muy gratamente a un servidor. Así que sin más dilación me puse en contacto con su baterista Pep Muñoz para que nos contara acerca de esta formación catalana, la grabación del disco y mil cosas más. ¡Muy buenas Pep! Gracias por darnos tu valioso tiempo para hacer esta entrevista. El 13 de julio publicásteis vuestro primer álbum. ¿Que ha significado para vosotros la publicación de Through the Ashes of Life? Pep: TTAOL es la culminación de un trabajo en equipo y que obedece a la pretensión de dar nuestro punto de vista a la situación general que nos ha tocado vivir. Todo son frentes por resolver, de males que hemos creado como especie, y que intentamos ocultar tras cortinas de humo de supuesto bienestar y progreso. Pensar lo contrario es el autoengaño, y éste como solución a la subsistencia. El resultado: caminar errantes por nuestras propias cenizas. Ha sido un proceso muy largo pues a lo largo de nuestra existencia como grupo han pasado diversos músicos y todos han intervenido creativamente. Hasta incluso en el momento de grabación decidimos incluir una segunda voz en uno de los temas en él y teclados y samplers en varios de ellos compuestos por Óscar González. Como BLINDPOINT es nuestro primer larga duración después de la primera presentación que fue Demo[ns] con dos canciones: Ariadne’s Thread y Embers of Soul. Cada uno de nosotros ya hemos participado en diferentes publicaciones con nuestras bandas anteriores y algunos de los componentes han publicado hasta tres álbumes. ¿Entonces quienes sois BLINDPOINT? ¿Cuál es la formación actual? Pep: Como banda somos jóvenes, tiene 5 años de vida. Como músicos hemos rodado un poco más (risas). Nació como un grupo de amigos que hemos llenado una cesta de gustos, influencias, inquietudes y emociones. Están concentradas en esta banda y manifiestas en el disco. Ya ves que todo parece muy personal, pero nada más lejos de la realidad. Creemos que en el universo musical el mundo es así. Somos de Llei16 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 67

da, con una escena quizás poco conocida. Pero sorprendentemente viva, aunque no tanto como nos gustaría a todos; estamos en un enclave donde hay mucha actividad musical tanto de bandas de mucha calidad como de seguidores. Cada vez más bandas de lejos pasan por aquí y hay un esfuerzo importante de gente que luchan por mantener viva la escena rockera y metalera, organizando pequeños y no tan pequeños festivales, concursos y eventos en las pocas salas disponibles que hay. Hoy día el de más renombre es el Kalikenyo Rock que cada año se crece más. Ojito con lo que traen. Años atrás se organizaron cuatro ediciones del Senglar Rock, un festival por donde pasaron bandas como SEPULTURA, PATTI SMITH o OCEAN COLOR SCENE, BAD RELIGION, SARATOGA, PARASDISE LOST… Incluso en fiestas mayores llegaron a pasar NAPALM DEATH, ANGELUS APATRIDA, DESTRUCTION, RATOS DE PORAO, en fin… sin palabras. ¿El nombre de BLINDPOINT tiene alguna relación sobre lo relatado en el álbum? Pep: El fenómeno del autoengaño es una de las acepciones de nuestro nombre BLINDPOINT – (El punto ciego). Es la necesidad personal de aparcar en una despensa de nuestra mente las experiencias o situaciones negativas como respuesta para seguir para adelante. Eso supone una aceptación de las circunstancias del entorno. Contrariamente, el concepto también responde a la necesidad de observar detenidamente para encontrar el punto débil, aparentemente oculto, pero que existe, e interpretarlo como una oportunidad que se nos brinda para aportar una mejora o un cambio. Está existente en el estudio de fenómenos sociales y sus cambios, en los procesos de producción para mejorar; en la propia oftalmología un ojo complementa al otro para una visión total. Es decir, existe un punto ciego en todo. Escenarios ocultos que hacen entender que nuestra realidad es una creación particular, no la realidad

en sí misma. ¿Entonces en los temas se encuentran diversidad de contenidos o son un todo conceptual? Pep: Cada tema es una historia, las historias son una parte de un universo conceptual, el nombre de blindpoint. “Last Breath”, es una canción que entra fuerte. Porque es precisamente la descripción del último esfuerzo a un reto, a una lucha vital. Antes de un fin físico siempre existe ese último suspiro. “We don’t care”, aclama que pese a los esfuerzos que se hacen para contener, evitar y anular corrientes e inquietudes colectivas, los sentimientos y las emociones resisten, perduran, renacen y perviven. Son escenarios lamentablemente muy generalizados en el mundo pese a no conocer más allá de lo que vemos en nuestro ombligo o nuestro entorno. “Rain Of Ashes”, es una descripción post-catastrófica y describe las sensaciones que nos produce; se refiere a que ésta se nos puede presentar como una ilusión o una percepción agradable pero que oculta los verdaderos escenarios de caos. “Time-space Paradigm” nos eleva al cuestionamiento de nuestra papel y función aquí y ahora. Nos debemos a prestar atención a cada momento y a las consecuencias de nuestros actos. Cada decisión forma parte de una aritmética que puede ser prevista pero no descrita. “Thrive”, describe el día a día. Simplemente te levantas con la ilusión de sentirte constructivo, proactivo y de querer sumar, pero siempre aparece en escena un acontecimiento que te lo fastidia todo. Es la propia lucha interna, nuestra naturaleza a seguir nadando siempPep: Y se resume en rutina. “The Ancient Track”: es un fragmento de poema de H.P. Lovecraft. Representa un poco los recuerdos de algunos de nuestros caminos y de lo que vemos al final de nuestro recorrido. El sombrío y oscuro recorrido que supone el lamentar acciones y decisiones o vivencias que soportamos que nos vienen dadas. Bien, esto es una interpretación propia. Como buena poesía cada persona recrea en su mente lo que lee y percibe. “Difret”: este es el tema que viene acompañado de la voz de Andrea Menal. “Difret” significa valiente o también violada, en el idioma Amhárico, una de las casi 100 lenguas que se hablan en Etiopía. Está inspirada en la película del mismo título y realizada allí, donde se relata una de las tradiciones más duras sobre el trato hacia la mujer, basándose en un hecho real. Puede parecer que nos quede muy lejos, pero no es más que un reflejo de lo que todavía sucede en gran parte del mundo y sus tradiciones, en las nuestras también. Por tanto, es una


canción de reclamo a buscar el perfecto equilibrio de respeto y convivencia entre personas, emociones y forma de entender y vivir, por encima de géneros y definiciones clasificatorias. ¿Y musicalmente que podéis decir de los temas? Pep: Bajo ningún concepto vamos a pretender convencer que son algo nuevo que no se escuche ya. Eso sí, hay un cesto lleno de influencias diversas pues tenemos una gran variedad de gustos. Eso se refleja claramente en el disco, y creemos que la gente también lo va a percibir. Hemos hecho lo posible para que musicalmente dé un resultado óptimo con aportes diferentes. En definitiva, indica que todos tenemos algo que decir en los temas. Claro está que el inicio creativo suele recaer habitualmente en uno o dos de los músicos, pero nos gusta hablarnos y escucharnos. Por otro lado, nos gustan los retos creativos, que haya cierta complejidad técnica pues te hace crecer y ni todo lo más rápido es lo más ni lo más melódico es lo más pegadizo. Son opciones y gustos, nuevamente de diversas influencias. Hay cortes muy actuales de metalcore, riffs de guitarra que te trasladan a épocas melódicamente más clásicas, estribillos pegadizos, o riffs en temas que suenan más pesados rollo thrash de la Bay Area. (Jajajaja qué tiempos aquellos). Sin ir más lejos, Javi, el cantante, también combina su labor con proyectos paralelos como NOISEDROME con trabajos publicados o V.O.A.D (VICTIMS OF A DOWN – tributo a SYSTEM OF A DOWN) que nos gustan mucho. ¿Dónde habéis grabado vuestro trabajo? Pep: El álbum lo grabamos y mezclamos en noviembre y diciembre de 2018 en Nomad Studios de Lleida, a manos de Xavier Esterri “Terry”. Es el estudio de referencia ahora en materia de metal en general por nuestra zona. Posteriormente, lo llevamos a masterizar a Hansen Studios de Dinamarca, con Jacob Hansen. Lo descubrí siguiendo a RISE TO FALL (sí sí, estos vascos me encantan). Estuvimos mirando un montón de opciones, luego vimos la trayectoria de Jacob, las bandas con las que ha trabajado y sus condiciones de trabajo y decidimos que sería la persona y lugar ideal. El álbum ha sido autoeditado íntegramente por nosotros y mediante plataforma crowfunding. Eso sí, es una currada del quince pero que vale la pena sufrir y gozar. Fue un éxito rotundo, la gente se volcó mucho con nosotros, conocimos montón de seguidores nuevos y que sorprendentemente nos apoyó. La fiesta que montamos al final fue memorable. Muy familiar también por-

nos curramos con Ismael Boldú, una joven promesa que con poco saca un universo y donde disfrutamos como nunca habríamos imaginado; un video lyric de The Ancient Track con poema de HP Lovecraft y ambientado en el relato de sus versos y un guitar playthrough de Time Space Paradigme con Jota y Berto. Además del cd físico en digipack ya estamos publicando en las plataformas digitales. Y a nivel de directo empezaremos con la presentación del disco, dando inicio el 2 de noviembre en Lleida en nuestra ciudad natal. Con ello volvemos a los directos que ya hacíamos antes del disco. Fueron experiencias muy enriquecedoras, de conocer a gente con la talla y talante como la de Teksuo y varios eventos con bandas amigas de Lleida, otras venidas de Barcelona y alrededores. que además de seguidores estuvieron nuestros mecenas, en un formato muy próximo, sudor con sudor, a pie de suelo sin escenario, en contacto directo con la gente jajajaja. ¿Y a quién habéis depositado la confianza en todo el diseño? Pep: El diseño ha sido realizado íntegramente por Javi, el cantante. Controla bastante todo este asunto, quiso asumirlo y lo que nos proponía respondía a nuestras ideas. Aportamos nuestros pareceres y ahí el resultado. En global es un trabajo que gira en torno a una misma idea. No buscamos hacer un producto, porqué siempre hay mucho de íntimo en estos proyectos, pero está claro que se come por los ojos también y es ideal que la percepción de la gente sea que se sienta atraída a primer vista. Bien, podíamos contratar el diseño pero el camino nos condujo a hacer el trabajo nosotros. ¿Y para la promo del disco que estáis haciendo? ¿Tenéis planeado grabar algún vídeo musical o lyric vídeo para daros a conocer a través de Youtube, etc.? Pep: Bien, todos sabemos que la escena es muy complicada en general. Hay mucha gente buena, grupos cañón. No buscamos movernos a codos, trabajamos para tener nuestra parcela, compartir escena y tocar con otros grupos y disfrutar y enriquecernos de ello. Ahora se trata de difundir al máximo, atraer como todo el mundo. Súmale que salir, alquiler de salas, etc… requiere de unos sacrificios importantes pues a veces la respuesta de público no es la deseada pero esa es una batalla constante. Hay que ganárselo. En cuanto a vídeos estamos ahí dando cera y ya tenemos uno de cada con 3 canciones del disco: Como video clip oficial el reciente Last Breath que

A nivel de estado español está claro que la escena catalana goza de muy buena salud. Sin embargo, a todos nos viene a la mente Barcelona claro está. Vosotros sois de Lleida, ¿qué me podrías contar de vuestra escena local? ¿Qué bandas nos recomendarías escuchar? Pep: Sobre las bandas creemos que Lleida destaca por su diversidad rockera y metálica. Así pues NOISEDROME que han vuelto a las andadas después de dejar su huella con su nu metal característico, CAULDRON con su Black Metal old school (fundada y liderada desde Lleida con mucha proyección estatal), la legendaria ACERO NEGRO ya disuelta pero con algunos de sus músicos en activo, el thrash portentoso de PLOWSHARE , los internacionales ANTALGIA técnicamente increíbles, el punk rock directo de MARGEN ZERO,… también IN VERSUS, MISTER JONES, COR FOST, SIROLL, MMHC, PURÍN, NIU DE CORBS, STEINBOCK, EGO, CALLEJÓN CANALLA, HERMANOS LOBO, BRAINWASHED, FOX SYSTEM, HOLLOW CRY, ARLO… y más que seguro me dejo sin querer. ¡Whoa! Yo creo que ya basta por hoy Pep. Muchas gracias por tu tiempo… si quieres añadir algo más, ¡ahora es el momento! Enhorabuena por el disco y os deseo lo mejor. Mil gracias Daniel y Necromance por dedicarnos vuestro tiempo y brindarnos esta fabulosa experiencia con vosotros. [DANIEL GALLAR]

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STRAY FROM THE PATH

Más de 18 años a sus espaldas lo dicen todo sobre estos americanos que siempre nos han hecho disfrutar y saltar con grandes trabajos de hardcore; hablamos de los chicos de STRAY FROM THE PATH que acaban de ver editado su nuevo álbum «Internal Atomics», del que nos habla Drew en esta entrevista. Es casi el 18 aniversario de Stray From The Path, ¿cuál ha sido en tu opinión, el mayor éxito y fracaso de la banda en estos años? ¡Hola compañero! Honestamente, no soy una persona a la que le guste pensar en cosas negativas en general … Especialmente para Stray From The Path. Creo que uno de nuestros principales objetivos ha sido difundir la voz sobre el lado negativo de nuestra sociedad, y ahora creo que esto está hecho y es una especie de gran éxito para nosotros, absolutamente. Somos afortunados, tenemos la oportunidad de visitar cada parte del mundo, conocer nuevas personas todos los días … Creo que para un artista es algo increíble.

pasado. Con todos nosotros viviendo en diferentes partes del mundo, es importante aprovechar el tiempo que pasamos juntos. Cuando hacemos discos, nunca tenemos en mente un tema o algo así. Sabemos sobre lo que queremos escribir, pero nunca nos propusimos hacer un cierto tipo de disco, simplemente lo trabajamos al 100%. Nuestro objetivo siempre es hacer el mejor disco posible. Ahora que han pasado desde su lanzamiento 2 meses, no podría estar más emocionado y es que siempre es estresante y hay mucha anticipación antes de un lanzamiento. Estoy más que feliz con el producto final. Las canciones son increíbles, la portada es genial y estoy muy orgulloso de esto y de mi banda.

¿Qué bandas han tenido la mayor influencia en Stray From the Path y os han inspirado? En términos de letras y enfoque, creo que Rage Against The Machine y Refused. Converge y Glassjaw en la composición de canciones.

¿Cuál ha sido la reacción de la gente en este último álbum? ¿Y qué me dices sobre la reacción de los medios? La reacción de nuestros fans es increíble, sinceramente estoy sorprendido de su amor por nosotros … La mayor parte de los shows están agotados, y la energía de la multitud está totalmente sin control … Amo a nuestros fans, son parte de nosotros; lo mismo sobre los medios, con excelentes críticas de todas partes del mundo. ¡Estoy feliz de ser parte de este proyecto!

¿Como es el proceso de composición en la banda? ¿Quién escribe la mayor parte de la música? Todos trabajamos juntos como una banda para toda la composición junto al productor Will Putney. Tom viene con riffs de guitarra y vibramos con eso y Craig también ha sido una gran contribución al comenzar una canción con una parte de batería. Creo que es una de las mejores cosas que hacemos. En cuanto a la inspiración, escribimos sobre lo que está sucediendo a nuestro alrededor y sobre las cosas que nos molestan jaja. Usamos lo que sucede en nuestro entorno como inspiración. Cuéntame un poco sobre el nuevo disco «Internal Atomics». ¿Estáis contentos con el producto final? Estoy orgulloso de este álbum. ¡Amo cada canción! La «Internal Atomics» es el uso de energía para crear energía desde adentro. Personalmente, creo que es el mejor álbum de Stray hasta la fecha. Comenzamos a trabajar en este disco el año 18 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 67

¿De qué se enorgullecen más en este álbum? Me encanta la energía de este álbum, me encanta su poder … «Internal Atomics» es nuestro punto de vista sobre la música hardcore, con actitud … Es real. ¿Qué tema de «Internal Atomics» es tu canción favorita para escuchar? Algunas de mis canciones favoritas en el disco son «Beneath the surface» y «Fortune teller». Esas dos canciones se tocarán en vivo. En conjunto, decidimos qué canciones se lanzarían como singles; Creo que «Kickback»es una gran representación del álbum. Tiene todos los momentos que deseas de una can-

ción de Stray. Es pesado, es poderoso, es maravilloso, abofetea. ¿Cómo los están tratando en UNFD? Oh, estamos orgullosos de ser parte de esta familia … Cuando nuestro manager me dijo que teníamos la oportunidad de firmar con ellos, ¡pasé solo un segundo para decir SÍ! UNFD es actualmente uno de los sellos más interesantes dentro de la escena alternativa, con artistas fantásticos como Northlane, In Hearts Wake, Frank Iero … ¡Es increíble! ¿Alguno de sus miembros comparte responsabilidades con otras bandas o todos están más o menos enfocados en esta banda? Cada miembro está 100% dentro del proyecto, sinceramente no tenemos tiempo para gastar en otros proyectos … A veces alguien colabora ​​con otras bandas, pero nada serio. ¿Crees que este tipo de música es la mejor manera de expresar emociones o es solo una máscara para mejores ventas de álbumes? Personalmente no soy adicto al dinero ni a la venta de álbumes. Me encanta el lado romántico de la música, especialmente la música hardcore. En nuestro caso, el hardcore es lo único que nos ayuda a difundir nuestros mensajes / sentimientos al mundo. Creo que cada artista tiene el deber difundir un mensaje. Lo ves de atletas respetables, actores, escritores y más, y eso es lo que queríamos hacer. Aprendí de algunos de los mejores artistas sobre esa responsabilidad y nos la tomamos en serio. Somos extremadamente afortunados de estar donde estamos, y no vamos a joder eso. ¿Tienes alguna banda favorita que escuches ahora? Counterparts, los hemos seguido durante nuestra carrera. Brendan es un gran vocalista y ya era hora de finalmente tenerlo en un tema con nosotros. Gracias por la entrevista. ¿Tienes algún comentario final? ¡De nada chicos! Y gracias por esta oportunidad! Y sí, quiero agradecerles a nuestros fans españoles, ¡los amamos y esperamos verlos en 2020! [DAVID DÉNIZ PLAZA]


[IN MUTE]

Más de 18 años a sus espaldas lo dicen todo sobre estos americanos que siempre nos han hecho disfrutar y saltar con grandes trabajos de hardcore; hablamos de los chicos de STRAY FROM THE PATH que acaban de ver editado su nuevo álbum «Internal Atomics», del que nos habla Drew en esta entrevista. Un saludo a la gente de IN MUTE, besos para ellos, abrazos para ellas (sí, está bien dicho así – ¡ja, ja!). Otras entrevistas las iniciamos con una breve presentación, que nos cuenten los inicios de la banda, etc… pero en vuestro caso, vamos a hacer excepción, porque como ya he dicho, poca presentación hace falta ya. Así que entremos directos en materia y en este “Chaos Breeder”. Supongo que satisfechos con el resultado. Un saludo colegas de Necromance!!!! . Sí, encantados con el resultado final la verdad. Llevábamos tiempo queriendo hacer un cambio de sonido y con la incorporación tanto de Mike a las voces melódicas como de Vanja se ha podido materializar. Esperemos que disfrutéis esta nueva dirección musical tanto como nosotros. Un año complicado este último, supongo, después del anuncio a finales de 2018 de la salida de Steffi. Sin querer ahondar en temas de los que no queráis hablar, pero, tantos años juntos, tantas giras, tantos kilómetros y tantos momentos… ¿Cómo se afronta la marcha de una compañera/amiga/vocalista? Sin duda siempre es difícil una separación, y más después de tantas experiencias vividas. Lo importante en cualquier caso es que sea de mutuo acuerdo. Al final un grupo comporta mucho esfuerzo y tiempo, y si alguien tiene proyectos personales u otras cosas en mente lo mejor es acabar priorizando. Siempre quedará todo lo vivido y aprendido como personas y como músicos. Con un par de gónadas (cojones u ovarios) os mantenéis firmes y se decide que, como decía FREDDIE MERCURY, “the show must go on” (el espectáculo debe continuar) e IN MUTE tiene que seguir adelante, ¿cómo se produce la conexión serbio-maltesa con Vanja? Pues la primera vez que conocimos a Vanja fue en un festival en Bélgica, el Female Fronted Metal Fest, y tras un tiempo volvimos a coincidir con ella en otro festival en Malta. Su voz siempre nos pareció brutal, y tras quedarnos sin cantante y saber que estaba viviendo por Valencia, no dudamos en proponerle si quería formar parte de In mute. Fue también una suerte que no estuviera en ningún grupo y le apeteciera ser una más!!

¿Los temas de “Chaos Breeder” ya estaban escritos antes de la llegada de Vanja o ha tenido oportunidad de colaborar directamente en la composición? Antes de su llegada teníamos algunas ideas, y pensábamos en ese cambio de concepto musical con la incorporación de voces melódicas, aunque las canciones empezaron a materializarse después de su llegada al grupo. Además ha compuesto la mayoría de las letras y líneas de voz, por lo que sin duda a formado parte muy activa en la composición de nuevo álbum. Ahora que todo vuelve a asentarse, ¿Qué diferencias encontráis entre los IN MUTE hace un año y medio o dos y los actuales? Bastantes diferencias la verdad, aunque la mayoría producto del cambio de formación. En ese momento estábamos dando los últimos bolos de nuestro anterior álbum “Gea”, mientras que ahora es cuando vamos a actuar presentando el nuevo disco. Además ese cambio de sonido hace que reajustemos el repertorio de los conciertos, y pensamos que ahora serán mucho más dinámicos y brutales!! Y bueno a nivel personal también ahora estamos mucho más motivados que por entonces. Estábamos un poco estancados y con bastantes dudas sobre cómo enfocar la promoción, el sonido, y demás aspectos el grupo, y ahora la dirección que queremos seguir está bastante más clara. Venimos con las pilas más cargadas que nunca!! Contadnos un poco del álbum. ¿Cómo ha ido la cosa a nivel compositivo, letrístico, etc? A nivel compositivo, la mitad de las canciones la compuso Mike y la otra mitad Tobal, aportando el resto de la banda alguna idea en cuanto a estructura o a nivel de riffs, que componía también las líneas de su propio instrumento. Davish también colaboró con un solo en Beyond Death, y nos ayudó con algunas estructuras para que sonaran más “redondos” los temas. En el tema de las voces, sobre todo ha sido Vanja la que ha aportado más ideas. Ha hecho casi todas las letras y sus líneas de voz, y Mike y Pedro también compusieron letras y líneas vocales. El resultado es un trabajo bastante más ecléctico que los anteriores álbumes que tenemos. Cuaderno de bitácora de la grabación del álbum. Algo que queráis compartir, recuerdos, experiencias, temas favoritos, anécdotas varias, búsqueda de nuevas sonoridades, etc…

Pues ninguna anécdota en concreto, lo que sí que fue la grabación en la que más cómodos hemos estado, y eso que lo hemos compuesto y grabado en muy poco tiempo. Somos colegas tanto de Quique, de Fireworks Studios, con quien grabamos las voces, y de Davish que nos produjo y grabó todas las cuerdas, por lo que las situaciones cómicas y el buen rollo en general siempre estaban presentes. Un placer sin duda, teniendo en cuenta que las grabaciones suelen ser momentos de más tensión!! Siempre he querido preguntarle a alguien esto, a alguien que ha estado allí, pero no desde la parte del público, sino desde el escenario, ¿Cómo es tocar en el W.O.A.? ¿Qué se siente? ¿Es tocar el cielo? Es una experiencia única! Había una cantidad de gente impresionante, nunca hemos tocado delante de tanta, y la energía que se notaba era enorme. Veníamos de hacer muchos conciertos, todo iba muy rodado, aunque la emoción que se siente al estar delante de tanta gente es una mezcla extraña de euforia y acojone! El hecho de que fuera la Metal Battle no restó para que nos dejásemos llevar por ese ambiente, aunque sabíamos que algunos nos miraban con monóculo, y la verdad es que lo disfrutamos muchísimo. Nos encantó tanto la experiencia que todos nos tatuamos el logo del festi!!!. Además siempre hemos querido ir como público, es un parque de atracciones para heavys! Y el hecho de encima ir a tocar fue brutal. Planes para el 2020 ¿nueva gira? ¿Fechas? ¿Algún festival grande en el que queráis tocar? (¿Qué hay más grande que el Wacken?) Sí, no vamos a parar de tocar durante el 2020. Están saliendo bastantes fechas que iremos anunciando y la intención es llegar a tocar también en festis que todavía no hayamos pisado. Al fin y al cabo al margen de que el Wacken es lo que es, cada festi tiene su propia identidad y ambiente y se disfrutan muchísimo, además de todos los grupos que acabas conociendo. Micrófono abierto para que saludéis a papa, a mama, al primo, a la prima, a la abuela… a los fans, a la gente de Necromance. Minutos para promocionar vuestro trabajo y convencer a incrédulos o a ascetas que han vivido los últimos años en una cueva y que no os conocen. Saludos y nos vemos en los festivales. Muchísimas gracias a toda la peña de Necromance por vuestro tiempo e interés, y esperamos que todo el mundo se anime a compartir gritos y música con nosotros. La catarsis colectiva está garantizada. Un abrazo enorme y nos vemos pronto!!! [CESAR LUIS MORALES]

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NORMA JEAN

Los americanos NORMA JEAN vuelven a la carga con «All Hail», su séptimo trabajo donde siguen dejando claro su predilección por los sonidos potentes y bien hechos, aprovechamos la ocasión para que Cory nos contara más cosas sobre el mismo en esta entrevista. Bienvenido a las páginas de Necromance y gracias por tu tiempo con nuestros lectores … ¿podría presentar la formación actual a los lectores? Esencialmente, son las mismas personas. Toda nuestra vibra siempre ha sido solo amigos tocando música juntos en una habitación, eso nunca ha cambiado, e incluso desde los primeros días, como tocar música y pensar: «Ahora solo queremos tocar conciertos y ver a dónde va». Pero con el tiempo, alguien quiere hacer otra cosa y pensamos que es más importante apoyar a nuestro amigo, pasar por esa fase y continuar con lo que queremos hacer. Y aquí estamos ahora. Creo que pensarlo más como un colectivo de músicos individuales que quieren hacer música juntos, amigos y todavía colaboramos con muchas de las mismas personas. Ahora mismo, en este disco, tenemos a Matt Márquez tocando la batería con nosotros. Estuvo con nosotros después de Meridional. Hacia el final de Meridional y Wrongdoers. Jeff estuvo en el nuevo álbum y con nosotros desde 2011 también. Únicamente a finales del 2011 hubo algunos cambios en la formación, pero poca cosa. ¿Te sorprende el gran éxito de vuestro último álbum «All Hail»? Sí y no al mismo tiempo … Creo que cada lanzamiento es un paso importante para Norma Jean, una especie de nueva dimensión en términos de sonido y visual … «All Hail» es el resultado de la maduración de los músicos, ahora somos adultos, con una idea diferente sobre la música y la vida … Personalmente cambié mis gustos en términos de música, creo que es algo natural. Hablamos de un álbum bastante bueno … la mayoría de las críticas que he leído son muy positivas hasta el momento … No paso mucho tiempo leyendo reseñas, porque es la idea personal de una persona … Y probablemente sea la primera vez que escucha algo de nuestra banda … Pero siempre estoy interesado en tener un diálogo genuino con el periodista y los fans sobre lo que piensan de nuestra banda … Sobre lo que dices, sí, creo que es el primer álbum de Norma Jean con la mayor parte de las críticas / comentarios super positivos … Estoy orgulloso de esto ! ¿Cuál es opinión personal sobre este álbum? Creo que es una de mis cosas favoritas para escuchar. Es algo en lo que hemos trabajado durante años dentro del colectivo de personas involucradas. Definitivamente siempre tratamos de pensar en al menos un elemento nuevo para agregar y encontrar nuevas direcciones sin perder lo que hemos aprendido. Creo que la forma en que escribimos es una especie de modelo de «mezcla agria». Tomamos un poco de lo de antes y agregamos algo más y luego, muchas cosas orgánicas 20 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 67

terminan llegando a él. Al final, siempre he sentido que las canciones se escriben por sí mismas. Si alguna vez llegamos a un punto en el que sentimos que algo se está forzando, nos detendremos, rastrearemos un recordatorio rápido y seguiremos adelante. ¿Cuéntame algo sobre el concepto lírico para este álbum? Todos nuestros álbumes tienen algunos conceptos fundamentales. Pero con este álbum, creo que lo manejamos un poco más en casa al tratar de contar una historia de principio a fin. Me gusta visualizar las historias conceptuales; Me ayuda a escribir cosas. Puedo visualizar cómo se vería esto si tuviera que imaginarlo. Quería que pareciera que pasas lentamente por el espejo a otro mundo y a medida que el disco avanza y comienza en la parte superior y lentamente entras en la segunda mitad del disco es casi un registro diferente: la vibra y el trabajo emocional que hicimos allí. El disco comienza con una especie de realidad ficticia y, al final, termina con algo muy real. La canción, «Anna» fue dedicada a una amiga nuestra, una fan. Un fan de Norma Jean se hizo amigo nuestro y falleció el año pasado. Justo el primer día tras empezar a escribir este disco y esa fue la primera canción que escribimos. Las historias de los fans inspiran las historias de este álbum así que pensé que era una excelente manera de terminarlo. ¿Cómo describirías vuestro estilo? Honestamente, no sé quiénes somos exactamente. No soy el artista clásico al que le gusta hacer siempre lo mismo y creo que realmente suena como el próximo capítulo sobre hacia dónde nos dirigimos. Es un paso seguro, pero aún tiene elementos familiares. Definitivamente no queremos hacer el mismo álbum dos veces, pero siempre quedarán elementos fundamentales y por esta razón, describir nuestro sonido es difícil, especialmente para mí. ¿Alguna vez has pensado en tocar un estilo diferente? No, porque cada álbum de Norma Jean es diferente en términos de estilo … ¿Qué tal fueron las ventas de «Polar Similar», vuestro álbum anterior? Sinceramente, no tengo una idea, ¡ajá! Pero si quieres una idea sobre la diferencia entre «Polar Similar» y «All Hail» aquí tienes … Siempre tratamos de agregar algo nuevo. Nos sentamos y decimos: «Está bien. ¿Qué podemos hacer que aún no hayamos hecho? ¿Cómo podemos salir de un lugar cómodo en el que estuvimos con Polar Similar, que realmente amamos? ”Sentimos que era algo así. «Oh. Esto es lo que hemos estado tratando de hacer para los últimos dos álbumes «. Entonces, ese trabajo fue un éxito para nosotros, sintiendo que hicimos

algo que queríamos hacer. Pero ahora, después de eso, fue como: «Bueno, ¿qué hacemos ahora?» Trabajar con Will Putney fue definitivamente una gran parte de eso. Una de las principales razones por las que fuimos con él es por su volumen e incluso en las partes melódicas, no pasa a un segundo plano; el fuerte epicentro y creo que esa es una de las cosas más importantes que hicimos en el álbum y tener el tiempo entre partes potentes y las más silenciosas. ¿Estáis satisfechos con lo Solid State Records han hecho hasta ahora? Oh si. Solid State es una gran familia, con personas y artistas increíbles. Creo que es el hogar perfecto para nosotros. ¿Qué gira ha sido la mejor hasta ahora y por qué? Es difícil darte una respuesta, porque cada concierto y gira es lo mejor para mí … La energía de la multitud es diferente cada día, y me encanta ser artista. ¿Qué país tiene los fans del metal más locos? ¡Sudamerica! ¡Están totalmente locos! ¿Cuál es tu canción favorita para tocar en vivo? Creo que todas las canciones de Norma Jean son perfectas para tocar en vivo … Pero en general depende … Cuando estamos de teloneros, esperamos tocar frente a muchas caras nuevas y creo que todavía veremos algunas personas allí que tal vez sepan quién es Norma Jean pero que no nos hayan visto en vivo antes o no nos han escuchado en mucho tiempo o en absoluto. Nos centraremos más en cosas nuevas tipo nuevo álbum o similar. Wrongdoers, Meridional. Dentro de los últimos tres, pero también tocaremos algunas cosas de la vieja escuela para cualquier persona que venga y nos apoye, será un poco de todo. Pero me centro en cosas nuevas y en lo que la banda es ahora y si somos cabezas de cartel el próximo año, lo cual haremos, tiraremos dardos en un tablero de dardos con todas nuestras canciones en él y así es como elegiremos nuestra lista de canciones. ¿Cuáles son los planes de gira para el próximo año? Actualmente estamos trabajando en Europa y Estados Unidos, ¡esperamos tener algunos detalles muy pronto! ¿Cuál es tu opinión sobre la gran cantidad de nuevas bandas de metalcore que han aparecido en los últimos años? ¿Escuchas a alguno de ellos? Creo que es normal, es algo positivo que los nuevos artistas comiencen a tocar metalcore o una alternativa en general … No estoy demasiado interesado en tener una idea sobre cada banda, pero en general creo que el nuevo álbum de Don Broco y Bring Me The Horizon son simplemente perfectos. OK, ya has respondido todas mis preguntas y hemos llegado al final de la entrevista, cualquier cosa que agregar … Gracias por la entrevista, espero verte pronto en España! [DAVID DÉNIZ PLAZA]


FIRE FROM THE GODS

«American Sun», es lo más reciente de los americanos FIRE FROM THE GODS, editado a través de Better Noise Music y del que nos habla más a fondo su batería Richie. ¡Bienvenido a las páginas de Necromance! Para comenzar, me gustaría felicitarlos por sacar un álbum tan bueno como «American Sun». ¿Cómo se sienten con todas las críticas positivas hacia este lanzamiento? Oh gracias amigo! Estoy orgulloso de nuestro nuevo álbum, en primer lugar porque creo que es la versión real de Fire From The Gods a día de hoy, una banda con una idea clara sobre el estilo y la dirección musical.

amado. La necesidad de un futuro mejor y la necesidad de la unidad. Todas estas cosas que componen esta realidad loca en la que vivimos es lo que inspiró a American Sun. En el estudio escribimos estas canciones y les ponemos tanta emoción como sea posible para que toque un acorde emocional con el oyente. Pero en vivo, podemos dar más pasión. En realidad, somos una banda en vivo diferente en lugar de cómo sonamos grabados. Interpretamos nuestra música con una intensa energía y pasión.

Para aquellos que no les conocen. Haznos un breve resumen de cómo se creó FIRE FROM THE GODS. La banda comenzó en 2010, en Austin, Texas, con 2 Eps, el álbum debut «Narrative» y el nuevo álbum «American Sun». FFTG ha tenido muchos miembros y probado muchas cosas diferentes sonoramente. Nos juntamos y creamos la formación más estable que la banda haya visto. Elegimos quiénes queríamos ser y qué tipo de música queríamos crear.

¿Cómo se creó el título del álbum? ¿Cuál fue la influencia principal que impulsó el título y el tema? Es la realización de un futuro nuevo y más brillante, un futuro donde la paz, la armonía y la unidad no se compran con sangre y muerte. No se trata solo de un grupo de personas que se benefician del sueño americano, es un futuro en el que todos podemos vivir en paz. Las cosas que nos separan no deberían dividirnos y deberíamos encontrar la unidad a través de nuestras diferencias.

Si pudieras describir tu música en no más de 5 palabras, ¿cuáles serían? En solo 3 palabras: «confiamos en nosotros». ¿Están influenciados por otras bandas musical o líricamente? Crecí en Alemania escuchando mucho Blues, Reggae y Motown, que se ha quedado conmigo durante toda mi vida. Una vez que descubrí el punk rock y Rage Against The Machine, rápidamente me obsesioné con la música Rock (alrededor de los 8 años). A partir de ahí toqué en toneladas de bandas (Gospel to Hardcore Metal). Creo que puedes escuchar todo tipo de estilos en nuestra música porque realmente amamos todos los géneros por lo que son. Creo que es natural que la música se fusione y evolucione, por eso nunca tratamos de permanecer en un género específico. ¿Quién escribe la música y las letras de FIRE FROM THE GODS y de qué hablan estas letras? Trabajamos juntos en la música y la letra del álbum … La(s) mayor(es) influencia(s) son nuestras experiencias en la vida. Los altibajos, la felicidad y el dolor, el deseo de amar y ser

¿Se encontraron contratiempos durante las sesiones de grabación de «American Sun»? Nada especial, solo una pequeña dosis de ansiedad ¡ jaja! Tuvimos un éxito tan inesperado con «Excuse me» que sentí que necesitábamos continuar mejorando, aunque durante la grabación de «American Sun», renuncié a la idea de vencer a «Excuse me» y me concentré en escribir mejor música. Me encanta el sonido que habéis sacado con el nuevo disco, quién se encargó de la producción y ¿tuviste un sonido específico que buscasteis o fue producto de la experimentación? Hemos trabajado con Erik Ron y Howie Weinberg. Erik entendía muy bien cómo hacer hip hop y rock y no quería hacer un disco de hip-hop / rock que la gente pensara que era una copia de Rage Against The Machine, quería algo único y Erik lo entendió y ayudó a cumplir nuestra visión correctamente y, personalmente, creo que es un genio y realmente me entendió como artista. Entendió lo que la banda estaba tratando de hacer, sabía el mensaje que estábamos tratando de transmitir y nos ayudó a cumplir nuestra visión sonoramente.

¿Cómo es «American Sun» en comparación con vuestros álbumes anteriores? Para mí, la mayor diferencia entre «American Sun» y «Narrative» es el estado de ánimo; «Narrative» fue un disco muy oscuro y agresivo, tuvimos poco tiempo para crear ese álbum (solo 2 semanas de escritura) y teníamos una mentalidad diferente si la comparamos con la actual. «Narrative» es literalmente una narración de la vida de AJ y con «American Sun» tuvimos mucho más tiempo para hacer canciones exactamente como queríamos que fueran. Musicalmente me sentí más inspirado por el Hip Hop moderno y bandas como 311, Incubus, Red hot Chili Peppers… ¿Qué parte de «American Sun» te gustó más? Para nosotros, «American Sun» significa que hay esperanza en el futuro de la humanidad. América, el crisol de la tierra, incluso en sus días más oscuros estará cubierto por el Sol, la fuerza de la naturaleza que sigue creando energía y luz. ¿Qué es lo siguiente para FIRE FROM THE GODS en lo que respecta a los planes de gira? Antes que nada, ¡Queremos hacer una gira por Europa lo antes posible y esperamos que España sea un país en el que podamos actuar!. Actualmente no tenemos ningún tour planeado, pero eso podría cambiar muy pronto, ¡así que esté atento a nuestras páginas de redes sociales!. Como alemán / sueco en los EE. UU., estoy ansioso por volver a casa y tocar en mis países. ¿Qué hay en tu reproductor de música en este momento? ¿Qué bandas escuchas en tu tiempo libre? Mi lista de reproducción actual incluye artistas como Travis Scott, 311, Drake, Red Hot Chili Peppers, Dayseeker, Polaris, Emmure, Whitechapel y Huncho Jack. Bueno, me gustaría agradecerle mucho por tu tiempo para esta entrevista. ¡Ha sido un honor hablar contigo! ¿Alguna última palabra? Para todos los que lean esto, ¡apreciamos vuestro apoyo y estamos ansiosos por conocerlos en un show! ¡Escucha AMERICAN SUN y difunde el amor! Bendecidos!. [DAVID DÉNIZ PLAZA]

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TOTENGOTT

TOTENGOTT es una banda de experimentados músicos que publicaron su segundo álbum, “The Abyss” en abril de 2019 vía Xtreem Music. El primer trallazo fue en 2017 con “Doppelgänger” y, si bien era el mismo estilo, con este segundo se han coronado con un álbum mucho más complejo y más grande que el primero: más oscuro, más denso, más… Un pelotazo de música lóbrega, densa y cruda pero que, inevitablemente, te atrae a una serie de escuchas en modo bucle.

manera de ver la música y de tocar. Jose Mora es un batería que toca muy fuerte y sabe que para sonar como él quiere tiene que ser así la mayor parte del tiempo. Simplemente le da a las canciones lo que piden. Todos lo hacemos. No pretendemos meter nada “a calzador”. Nuestra música es en el fondo bastante simple y eso hace que al forzar nuestros equipos en nivel de graves no acabe siendo un ruido sin sentido. Lo menciono en la review, y, de hecho, mientras escribo estas preguntas me he puesto el “Monotheist” de CELTIC FROST (lo siento, os he sido infiel), pero es que ese sonido crujiente, traqueteante me ha recordado a los suizos. De hecho, en ese álbum, hay un tema también llamado “Totengott” y mi sentido arácnido está vibrando. ¿Podemos hablar de influencia? Contadnos un poco de eso, de vuestras influencias, de esas bandas que os inspiraron o inspiran. Cuando nos juntamos los tres en el local en los inicios de la banda lo hicimos para tocar canciones de Celtic Frost. Dimos incluso algunos conciertos solamente con repertorio basado en Celtic Frost. El nombre de Totengott fue una especie de tributo a ellos, aunque nosotros le damos nuestro propio significado. Otra gran influencia, sobre todo a la hora de componer y dar una estructura o significado a nuestras composiciones fueron las primeras obras de Pink Floyd como “Echoes” o “Atom Heart Mother”. Otras grandes influencias han sido Voïvod y Bathory. Esto ha sido así de manera inicial, pero creemos que nuestra música evoluciona y va más allá de sonar como “tal o cual”, simplemente intentamos que nuestra música sea oscura, de ser una especie de banda sonora de la oscuridad e incluso, el surrealismo. En el fondo somos una banda muy experimental pero sin hacer cosas complicadas o excesivamente técnicas. Podríamos hacer un material mucho más técnico pero creemos que Totengott se basa en la sencillez e ir directamente al grano en las melodías. Luego podemos estructurar los temas como nos dé la gana. De ahí que tengamos piezas bastante más largas de los estándares digamos, normales. Sí nos gusta mucho experimentar en sonidos oscuros y no nos cortamos de probar prácticamente nada. Aún nos vemos como una banda artísticamente nueva o joven y siempre pensamos en seguir componiendo y probando cosas oscuras.

Divine (death metal directo a la cabeza)… Jose Mora también ha estado en bandas de todo tipo: actualmente aparte de en Totengott, toca con Mad Rovers, una banda entre hard rock, rock 70s y rock progresivo, así como los teclados en Humo, una banda instrumental en plan progresivo / rock espacial / postalgo. En el pasado estuvo en bandas de rock alternativo (Lycosa Tarantula), metal (Electric Funeral), power pop (Enfadados)… Somos oyentes muy eclécticos y a nivel interpretativo intentamos serlo también, ya que todo eso enriquece nuestras capacidades como músicos y nos da experiencia y visión de qué necesitan las canciones y qué tipo de recursos debemos utilizar para cada parte. De todos los estilos hay algo que aprender, y tal vez esa Por lo que he estado leyendo, TOTENGOTT está for- filosofía de hacer música oscura y extrema, pero sin ponernos mado por músicos provenientes de otras bandas e in- barreras estilísticas, es la que hace del sonido de Totengott algo cluso de otras escenas que no tienen que ver con los especial y difícil de encasilla en un género específico. sonidos oscuros. Un poquito de la historia de cada uno y de que estilos veníais y el porqué de ese giro hacia la Una pregunta que me ronda la cabeza y que necesita intensidad de TOTENGOTT. respuesta. ¿Cómo se consigue ese sonido tan denso? Pues Chou Saavedra, cantante y guitarra viene de bandas muy Porque me supongo que no es una cosa como “Pongo diversas entre sí, desde el metalcore de Mercyless a los sonidos el ampli al 10 y un pedal de flanger y ya está”. Y tammás alternativos y góticos de su anterior banda Minds On Ho- bién quiero destacar que, si bien es denso, no es sucio liday. Aparte de eso, a colaborado en proyectos de estudio de o inaudible, es… “ese sonido TOTENGOTT”. rock progresivo y tiene sus propios proyectos en solitario como En parte, nuestro sonido viene de nuestra primera etapa en la son Disembowelment Process que es puramente electrónico e que tocábamos canciones de Celtic Frost. Tratamos inicialmente industrial y Instruments Of Random que es puramente thrash imitar su sonido. Con el tiempo fuimos evolucionándolo hasta metal de corte experimental. Nacho Bernaldo lleva también conseguir algo propio. Realmente es muy sencillo, no usamos mil años en la escena asturiana, aparte de compaginar Toten- un equipamiento ni extravagante ni complicado, los años de exgott con Void, otra banda que lleva un buen puñado de años periencia que tenemos a nuestras espaldas nos han enseñado a dándole al doom tradicional, ha estado anteriormente en ban- sacar provecho y versatilidad de nuestros equipos. Nacho soladas como Víbora, thrash metal cuando el thrash metal no era mente usa un pedal (overdrive), su sonido viene prácticamente algo “trendy”, Canibalismo Salvaje (Punk metalizado con letras de haber escogido un instrumento acorde a sus gustos y sacarle que hoy escandalizarían a todo tipo de asociaciones), Carnage partido para conseguir lo que él quería. También está nuestra TOTENGOTT si no me falla el alemán, significa “Dios muerto”. Una idea, por otra parte, bastante de NietzsAnte todo, felicitaros por haber sacado a una bestia como “The Abyss”. Contadnos un poco las impresiones una vez que se dijo “El disco ya está acabado.” En retrospectiva, pensamos que “The Abyss” ha sido un gran paso adelante para nosotros a nivel artístico, un gran desafío ya que lo hemos grabado y mezclado nosotros mismos. No ha sido fácil hacerlo y hemos trabajado mucho en ello. Nos sentimos muy orgullosos del resultado final y hemos aprendido muchas cosas de él. Estamos muy agradecidos por la recepción tan positiva que ha tenido desde el primer día y sigue teniendo aún, es algo que nos ha sorprendido gratamente.

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che por lo que entiendo que vuestra intención a la hora de poneros nombre iba por esos derroteros en vez de algo más, llamémoslo así, “satánico”. Vuestro primer disco se llama “Doppelgänger”. ¿Qué nos podéis contar sobre vuestro nombre y sobre la recurrencia en el uso del alemán en vuestra banda? “Totengott” significa “el Dios de los muertos”. Es un término alemán que se refiere a muchos “personajes” o deidades de muchas culturas antiguas muy distintas, como la egipcia, griega e, incluso la japonesa. El “Totengott” del antiguo Egipto es Osiris, el de los griegos Hades, etc. Según la cultura puede ser un “personaje” bueno o malo, masculino o femenino, pero siempre con un papel central, pues si hay algo que todo ser humano sabe y ha sabido desde la antigüedad es que después de la vida va la muerte. Nos pareció un concepto interesante para la banda. Sobre que nuestro primer disco tenga una palabra alemana como título al igual que el nombre de la banda ha sido algo sin intención. Tal vez la cultura germana esté más metida en estos temas y hayan sido de uso más general usar sus propios términos como concepto. Es algo que vemos continuamente en otros idiomas, mayoritariamente el inglés. Cuando usamos palabras del inglés muchas veces es porque son conceptos heredados, no solamente se trata de usar una palabra así sin más. Con respecto al disco, y habiendo hablado de Nietzsche, se me viene a la cabeza su frase sobre el abismo: Si miras fijamente al abismo, el abismo te devuelve la mirada. ¿Van por ahí los tiros o qué más nos podéis contar sobre “The Abyss”? Un concepto que está detrás del disco es el de las dualidades opuestas, el bien, el mal, el amor, el odio … El abismo es el lugar en el que pasas de un lado al otro. Eso es básicamente el concepto que hay detrás el álbum. Sin embargo, intentamos hacer letras un tanto crípticas y no excesivamente explícitas, de cara a que cada diversas interpretaciones y puntos de vista de las mismas puedan surgir entre los oyentes. La última canción de este abismo es “Doppelganger II: The Abyss”, ¿qué relación hay entre el primer álbum y este segundo por vía de ese tema? Cuando comenzamos a preparar ese tema, lo llamamos inicialmente “Doppelgänger II” porque lo veíamos a nivel compositivo como una especie de segunda parte. No teníamos letra hecha pero sabíamos que iba a ser un tema largo, al igual que la primera parte, y nos pareció interesante dejarle el título así. Posteriormente pensamos en la posibilidad de hacer en directo ambas partes como una sola suite bajo el nombre de “Der Heldengedicht”, pero realmente, aunque es cierto que vemos una cierta conexión entre “Doppelgänger” y “The Abyss”, ha sido una cuestión casual más que una cuestión totalmente consciente. ¿Alguna canción especial, alguna de esas de la que os hayáis quedado especialmente orgullosos? Sé que es muy difícil elegir, pero bien de este álbum o del anterior, ¿cuál es vuestra favorita? “Doppelgänger II: The Abyss” es en estos momentos el tema que representa a la perfección lo que somos Totengott. Es pesada, es desgarrada, es ambiciosa, es visceral, tiene esa ingravidez sobrecogedora con las guitarras tan bajas, pero tiene también ese componente ambiental que tanto nos gusta, unas melodías muy definidas pese a ser bastante rebuscadas y un carácter tremendamente épico con todas las orquestaciones, voces femeninas, percusiones… No es un tema sencillo de interpretar al ser una suite de más de 20 minutos, tener los “backing tracks” orquestales nos obliga a estar bastante concretados al tener que tocarla sin salirnos de la claqueta en ningún momento, pero actualmente la hacemos en todos y cada uno de nuestros conciertos ya que es un final perfecto para nuestras actuaciones. Deja indiferente a muy poca gente que la ve en directo, por lo que nos va a costar sacarla del repertorio pese a su longitud. Tenéis micrófono abierto para contarnos lo que queráis, invitadnos a vuestra gira, saludos a amigos, parientes, etc, agradecimientos, ¡lo que queráis! Antes de nada, daros las gracias por vuestro interés en la banda y vuestras palabras, siempre es un placer. Solamente decir que ya estamos cerrando bastantes cosas de cara al año que viene, estad atentos a nuestras redes sociales, ya que aunque hemos tenido un otoño muy liado entre conciertos, la gira europea y otras cuestiones, la maquinaria no para en 2020. Os mantendremos informados. UGH!!! [CESAR LUIS MORALES]


HEX

Publicado en julio de este año, a través de Trascending Obscurity Records, podemos decir, sin temor a equivocarnos que “God has no name” de los bilbaínos HEX está llamado a ser uno de los discos que va a poner en el candelero mundial a la escena extrema patria. Ya hemos oído y entrevistado a gentes como BLOODY BROTHERHOOD, OBSKKVLT, NEMESIS o TOTENGOTT. Toca el turno de hablar con estas bestias pardas. Buenas, gentes de HEX. Un saludo desde NECROMANCE, y una pregunta directa sobre este trabajo ¿Es en serio, es real? Me refiero al hecho de que lo llevo pinchado la última semana y no deja de asombrar todo: la grabación, la producción, el sonido, la composición… [Adolfo WB] Buenas César, me alegra que te resulte tan impactante, a decir verdad no ha sido un camino fácil poder sacarlo pero recibir críticas como la tuya nos hace más fácil pensar en el futuro. Volvamos a los inicios, a aquel primer proyecto como banda de estudio, colgando Adolfo el bajo y agarrando la guitarra para empezar a tocar como HEX y como tributo al Death europeo. Contadnos un poco de aquel principio, de cómo se han ido incorporando el resto de los miembros y conformando la banda. [Adolfo WB] Colocarme a las seis cuerdas fue algo que decidió el destino. Pese a que realizo las composiciones con la guitarra, mi idea era seguir con mi rol como bajista pero estaba un poco 24 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 67

cansado de buscar a gente para que se uniera al proyecto. Por aquel entonces ya estaba Jon a la guitarra, Jonathan como cantante y Asier a la batería y muy poca gente se interesaba por HEX así que decidí buscar guitarrista y bajista a la vez, el que viniera, sería lo que decidiría mi puesto en la banda. Apareció Endika al bajo así que me cambié a la guitarra. A partir de ese momento, se puede decir que nos consolidamos como grupo, todo lo ocurrido anteriormente (época del ‘Deadly Sin’) fue parte de ese proyecto de estudio sin ninguna pretensión. Hemos dicho que lo que se buscaba era un homenaje al Death Metal europeo de los 90’s (BOLT THROWER, GOREFEST o los antiguos PARADISE LOST). ¿Hay mucha diferencia o rivalidad con el americano? Porque recordemos que, al que se le considera el padre de todo esto es a Chuck Schuldiner. [Jonathan] Particularmente, no se busca un homenaje deliberado a la escuela europea del Death metal de los noventa. Simplemente, ha surgido así. Pienso que la escuela británica y holandesa son las que mayor peso tienen en el sonido de HEX,

pero no todo se limita a decir ‘venga chicos, vamos a sonar así o de tal manera’. Hay que buscar que la música fluya y encuentre su propio camino. El Death metal americano, a excepción de algún riff o ramalazo que te pudiera recordar a Obituary, por su cadencia a medio tiempo, creo que no tiene ningún peso o incidencia en nuestro sonido. A fin de cuentas, todo se limita a lo que la propia palabra DEATH METAL conlleva. Como también he dicho en la review, aquí ya no hay alumnos, ni siquiera aventajados, aquí hay maestros. “God has no name” se muestra como una bestia que, si bien bebe de las fuentes anteriores, va un paso más allá aunando las escuelas del Death y del Doom. Ya teníais un álbum anterior sobre los siete pecados capitales. Hablemos del “God has no name” ¿Cómo se inicia un álbum así? Contadnos sobre los primeros ensayos, las primeras ideas, cómo han ido evolucionando hasta el resultado final, etc… [Jonathan] El único aspecto que teníamos claro desde el principio, y que queremos que sea algo así como un trademark en HEX, es que todos nuestros álbumes van a contener 7 temas. Simbolismo y numerología. Simplemente lo dejo ahí. Buscábamos un disco que tuviera el equilibrio necesario entre la pesadez, la oscuridad y la fiereza. Por ello, te puedes encontrar una faceta más pantanosa y cercana al Death/Doom de los noventa como ‘Worshipping Falsehood’ o “Thy Kingdom Gone”, pasando a trallazos más Death metal como “Where Gods Shall Not Reign”. Esto solo es comienzo…


¿Dónde se hizo la grabación y la producción del álbum? Porque suena a trueno de los dioses, limpio, potente… Hay grabaciones que, de tan crudas y electrificadas, suenan sucias, como sobresaturadas. Aquí, por el contrario, es todo de un nítido flipante. Mérito de los músicos, sin duda, pero, también de la parte que está detrás de la mesa. [Adolfo WB] Por supuesto, el mérito es de S. Robles (Egur.rec) y Tristán (Auryn Studios). Iniciamos el proceso con S. Robles, su forma de hacer las cosas es muy analógica y en este sentido era la mejor opción para conseguir ese sonido orgánico que andábamos buscando. A decir verdad, fue una parte del proceso que a todos nos motivó mucho y él es un tipo muy agradable. Ya teníamos todo grabado así que era hora de llevarlo a Auryn Studios donde Tristan se haría cargo del resto. Él se encargó de darle esa nitidez de la que hablas, entendió que no debía sonar plastificado, que guardara la esencia de lo realizado en el proceso de grabación pero sin llegar a sonar a 4 pistas por así decirlo, quedamos encantados con el resultado y con el trato. Centrémonos ahora en “God has no name” a nivel musical. ¿Por qué ese nombre? ¿Qué temática siguen las canciones? ¿Alguna, en especial, con connotaciones personales? ¿Alguna favorita a la hora de tocarla? [Adolfo WB] Cada uno lo interpreta como quiere, para nosotros todos los significados que se le puedan dar a este título nos parecen perfectos, dios únicamente es una palabra. El concepto como banda es arrojar oscuridad sobre cualquier tipo de luz divina o religión o como lo quieras llamar, el disco habla de todo esto, el engaño mediante la fe, la creencia en lo divino y todo ese lastre que lleva la humanidad arrastrando desde los primeros tiempos. Paro aquí porque esto da para un largo debate. Personalmente como especial ‘Where Gods Shall Not Reign’ por la participación de Haydeé, compartimos tablas en Waldheim y fue agradable contar con su gran voz, aunque ‘All Those Lies That Dwells’ al ser la que da el pistoletazo de salida en los directos motiva mucho también. Puedo hablar por experiencia propia, porque las reviews de las bandas que he indicado arriba las he hecho yo, al igual que muchas más para NECROMANCE, pero ahora os pregunto a vosotros, como parte implicada, ¿QUÉ CO**NES está pasando con la escena metálica nacional? No hago nada más que escuchar álbumes que son excelentes. [Jonathan] La calidad siempre ha estado ahí. Latente. También te diré, que hay que escarbar un montón para poder rescatar algún tesoro. Separar el grano de la paja que dicen. A título personal, destacaría los últimos trabajos de Eternal Storm, Proclamation, Graveyard, Numen, Onirophagus o Foscor por citar unos pocos. ¿Qué escucha una banda que acaba de grabar “God has no name”? Una banda que no puede faltar en vuestro reproductor, un álbum que consideráis que lo cambió todo, o por lo menos, a la parte que os toca a vosotros como músicos. [Adolfo WB] Ciertamente hay joyas que no pueden faltar, a parte de los que has mencionado anteriormente, Godflesh, Sulphur Aeon, Bell Witch, Pallbearer, Slow entre unos cuantos más también forman parte de una larga lista de bandas que escuchamos, personalmente como destacable diría que el ‘False’ de Gorefest es algo que siempre llevo encima, es un disco que por lo menos a mí me marcó muchísimo. ¿Planes de gira, calendario de conciertos? ¿Podremos ver a HEX atronando por los escenarios? [Adolfo WB] A corto plazo tenemos el día viernes 13 de diciembre en Barna junto a Onirophagus y Tort donde los tres grupos presentamos disco en una prometedora noche y el sábado 14 de diciembre en Gasteiz con Conflict Noise, serán los dos últimos conciertos que de la banda este año y dónde debutará nuestro nuevo batería Rober (Denial). De cara al 2020 estamos barajando posibilidades de hacer algo a nivel nacional, tanteando el terreno, buscando sitios dónde el grupo pueda ofrecer un bolo al 100% de calidad como mínimo pero encontrarlos está complicado, muchas opciones cerradas de antemano. Micrófono abierto para saludos a tíos, primos, abuelos y abuelas… Recomendaciones y consejos, próximas noticias sobre HEX, primicias… Últimas palabras para vosotros. [Jonathan] Muchas gracias por vuestro tiempo y por difundir la palabra de HEX. Seguidnos por redes sociales y poneros en contacto con nosotros por si queréis adquirir algo de merch. ¡HÁGASE LA OSCURIDAD! [CESAR LUIS MORALES]


JOHN MALKOVITCH!

No uno específico. Solo una fuerte imagen estética hecha de nuestro sonido; los oyentes pueden vincular nuestra música a lo que quieran.

Muchas gracias por vuestro tiempo para esta entrevista en Necromance Digital Magazine, ¿cómo os va todo? Hola chicos, gracias por contar con nosotros. Estamos realmente entusiasmados con las respuestas que «HYENAEH» está teniendo hasta ahora y no podemos esperar más para presentarlo en vivo. ¿Cómo nació esta banda? ¿De quién fue la idea de montar una formación de talento tan estelar? Wow, muchas gracias por las amables palabras. Al principio éramo 3 de 5 miembros en JOHN MALKOVITCH! tocando en una banda alternativa. Leonardo llegó más tarde como una guitarra adicional y fue entonces cuando comenzamos a escribir nuestras primeras canciones; luego conocimos a Mattia y fue realmente quien nos ayudó en cuanto a producción en nuestro primer disco «The Irresistible New Cult of Selenium» y posteriormente se involucró muchísimo en la composición de HYENAEH.

¿Qué partes de «Hyenaeh» te gustan más? Cómo salió todo. Estamos realmente satisfechos en particular con la producción, sintiendo que no hay discos que suenen así, transmitiendo un toque personal a lo que hicimos.

Os presentamos a través de esta entrevista a los italianos JOHN MALKOVITCH!, una banda que con su trabajo «Hyenaeh» se coloca como un gran exponente de la escena italiana dentro de un género como el Post Rock.

¿Y qué nos puede decir sobre ese nombre, una idea de …? Se produjo al azar después de que vimos juntos «Burn After Reading» con John Malkovich en el papel principal. Solo queríamos un nombre que se destacara de los demás. ¿Quizás haya un plan para que un vocalista complete la formación de JOHN MALKOVITCH o prefieren quedarse como una banda instrumental? En realidad, Mattia ya cantó una parte vocal en «xxKübler Ross», el sencillo del disco y estamos muy satisfechos con el resultado. ¿Entonces por qué no? El siguiente material podría involucrar más partes vocales en momentos inesperados. 28 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 67

¿Cómo fue la experiencia de trabajar en el disco? ¿Hubo desacuerdos importantes con respecto a la producción y dirección artística de «Hyenaeh» o todo fue según lo previsto? En realidad no, el proceso transcurrió de una manera realmente natural. Creemos que acabamos de enfocar y desarrollar las cualidades más fuertes del disco anterior. ¿Cómo surgió el título del álbum? ¿Cuál fue la influencia principal que os llevó a elegir ese título? Durante el proceso, nos vino a la mente que el disco sonaba como un grupo enojado de hienas salvajes, la atmósfera recuerda a ambientes salvajes, por lo que pensamos que este título realmente se ajusta al disco. ¿Hay algún mensaje específico que quieras transmitir en todo el álbum?

¿Cómo ves la escena metal en la actualidad? ¿estás contento con ella o tienes dudas lo que se ha convertido? Hay un artículo en algún lugar con un título interesante: «El rock está muerto, pero al mismo tiempo nunca ha estado más vivo». Es cierto, la música rock está fuera de las listas, pero la escena underground está viva y muy bien, con muchas bandas interesantes como nunca antes ha habido en cada subgénero, por lo que desde un punto de vista artístico, la escena no puede quejarse.

¿En qué otros proyectos están involucrados los miembros de JOHN MALKOVITCH!? ¿puedes compartir algunos detalles? Leonardo y Mattia también tocan en 124C41 + (Onetoforeseeforoneoneother), una banda a la que realmente seguimos. Echa un vistazo a sus trabajos, no te arrepentirás. ¿Algo que te gustaría añadir para terminar? Simplemente que escuchen el disco y dígan qué piensan al respecto, nos alegraremos mucho. Realmente esperamos poder tocar cerca de tu área. Gracias de nuevo por la entrevista y mucho amor de parte de todos los muchachos de JOHN MALKOVITCH! [DAVID DÉNIZ PLAZA]


ARSON TIDES

Desde Vigo, llegan ARSON TIDES, con su primer EP “Child of the Tide”. Este EP está formado por cinco potentes temas, que han editado de manera propia y lanzado al mercado en marzo de este mismo año. Hablamos con ellos para saber un poco más de la banda y del trabajo. En primer lugar, gracias por atendernos y contestar nuestras preguntas. ¿Qué significa el nombre de la banda? ¡Gracias a vosotros por dedicarnos vuestro tiempo, y darnos visibilidad ¡. El nombre de la banda surgió al querer unir 2 elementos que nos identificar por nuestra situación geográfica. Queríamos integrar dos temáticas: el mar y los incendios, pero como ya hay mil bandas con nombres similares, tuvimos que buscar “términos más rebuscados”. Fue por ello que elegimos «Arson» como referencia a los incendios, un término jurídico empleado para referirse al delito de incendio provocado. ¿Quiénes formáis ARSON TIDES? Jose (bajo), Jorge (guitara), Adrián (guitarra), Almeida (batería) y Orlando (gritando), cinco gallegos de la ría de Vigo con ganas de escapar de los leds de Abelgrado. Sois una banda de reciente formación ¿Cuándo y cómo surgió la idea de montar la banda? Jorge, Jose y Adrián ya habían acometido varios intentos de hacerlo, pero ninguno acababa de despegar, hará cosa de 2 años y algo encontramos a Orlando y aunque pasaron 3 baterías por la banda, ya teníamos establecidos objetivos y un calendario. A finales de 2017 apareció Almeida y cerramos la formación. ¿Por qué el título de «Child of The Tide”? ¿Qué significado tiene? En nuestro primer EP tenemos temas muy personales y en general volcamos vivencias y experiencias de 5 chavales que han crecido pegados a la ría de Vigo, nosotros somos los niños de la marea, el EP va de nosotros de nuestras vivencias, experiencias, frustraciones y miedos. ¿Quién se ha encargado de realizar el artwork? Anita Alonso, una tatuadora increíble de Vigo. ¿Dónde y quien se ha encargado de grabar, mezclar y masterizar el trabajo? Para la grabación tuvimos la enorme suerte de que Byktor (Nazca, His Anxiety, etc…) nos grabara en su casa, no teníamos capacidad de costearnos un estudio. La mezcla corrió a carga de Tiago Mesquita (Nox Messor Sound Studios) al que le estaremos eternamente agradecidos. ¿Como fue el proceso de composición y grabación del trabajo?

Fue un caos, en principio queríamos sacar una demo de 4 temas con los que dimos nuestros primeros conciertos y que arrastraban Adrián, Jose y Jorge de otros intentos de formaron grupo que habían tenido, mientras las grababamos seguimos componiendo y ensayando, y ahí hubo un punto de inflexión, primero con Shore Light y después con la llegada de Future is Gone. Todavía no habíamos acabado las grabaciones y mezcla de la demo, y nos dimos cuenta de que lo “nuevo” era mucho mejor que los temas antiguos. Además, considerábamos que la composición y estilo se alejaban demasiado de los nuevos temas en los que estábamos trabajando. La composición de Helpless por parte de Adrián y la letra que compuso Orlando hablando sobre la pérdida de un amigo suyo debido a un suicidio, fueron el último clavo del ataúd de esa demo. Las grabaciones se sucedieron durante mes y algo en los ratos que pudimos ir sacando y gracias a la ayuda que nos prestó Byktor en todo momento. En varios temas las voces se grabaron con una única toma, y tan sólo en 1 nos dio tiempo a “doblar” o añadir algún recurso vocal más (se grabaron en una sola tarde). ¿Por qué decidisteis grabar un EP? Al no tener material grabado que pudiésemos compartir nos vimos con muchas puertas cerradas (festivales, concursos, conciertos fuera de Galicia…), dependíamos plenamente del “amiguismo” y de los colegas (a los que estamos eternamente agradecidos), eso y las diferencias tan grande de estilo y técnica de cada uno de los temas nos empujó a sacar algo en que pudiésemos demostrar que no tenemos 2 temas iguales. El Ep era el formato perfecto para hacer nuestra incursión en este medio. Una vez acabados y escuchados los temas, ¿Cuál es vuestro tema favorito? ¿Cambiaríais algo de alguno de ellos? En general a todos nos gustaría regrabar nuestras partes e incluso hacer algunos arreglillos compositivos. Adrián: Me quedo con Helpless. Jose: Mi tema favorito es Shore Light. Jorge: Me quedo con Bull Murderer sin duda. Almeida: Me quedaría con Helpless. Orlando: Yo no me puedo quedar sólo con una me quedaría con dos: Bull Murderer (la gente se viene muy arriba en los directos) y Helpless, esta última porque cuento la pérdida de un amigo en ella.

¿Qué tal están siendo las reacciones del público a vuestro primer trabajo? ¿Y en directo? La reacción en general es bastante buena, muchísimo mejor de lo que nos esperábamos. Nos gustaría que llegara a más gente, pero ya sabéis como va esto, calma, que somos nuevos y vivimos en “Mordor de arriba”. En directo el público nos suele decir que les gustamos más que en el ep, sonamos mucho más contundentes, tenemos un directo bastante enérgico y hemos mejorado nuestro equipo y sonido desde la grabación del Child of the Tide. ¿Nos adelantáis alguna fecha de algún directo que tengáis para este año?? Para el primer trimestre de este año estamos intentando salir fuera de la comunidad, no hay nada aún cerrado así que poco os podemos decir. Y con lo que resta de 2019 un par de fechas en Galicia y la visita a O Porto el 13 de diciembre. ¿Cómo fue la grabación de vuestro primer videoclip “Helpless”? ¿Tenéis pensado algún otro en breve? Fue una experiencia muy grata, le agradecemos a Trece Amarillo el currazo que se pegaron. Todo dependerá de cuando acabemos de componer el próximo trabajo (en el que ya estamos inmersos), pero puede que “algo” llegue, aunque no sea un videoclip como tal. ¿Podéis recomendarnos alguna banda nacional que os haya podido influir? ¿E internacional? A nivel nacional haber compartido cartel con Teksuo y Brothers Till We Die nos animó a cuidar mucho más nuestro directo y a adentrarnos en otro tipo de composiciones y sonido. ¿Cómo veis el panorama del metal a nivel nacional? Creemos que hay una calidad acojonante en todos los géneros underground, y que aun así la “escena” no existe o no se vuelca con una banda hasta que esta conquista algún festival grande. Vemos una “escena” moribunda y que sólo se mueve a festis y conciertos con bandas de determinada envergadura. Por último, quiero volver a daros las gracias por contestar a las preguntas, y dejaros las últimas palabras para que contéis a los lectores de Necromance Digital Magazine lo que os apetezca. Os animamos a darle una oída a nuestro EP que “malo será” que algún tema no os guste, ya que tocamos muchos palos. Y por último animaros a ir cada vez que os sea posible a esos concis de bandas “nuevas” aunque no las conozcáis, seguro que descubrís grupazos que de otro modo nunca conoceríais. Un millón de gracias por el tiempo y espacio que nos habréis brindado gentiña de Necromance, ¡unha aperta! [JORGE DE LA CRUZ]

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ALERTA

De manos de Blood Fire Death, llega el quinto disco de la banda vasca ALERTA que nos deleita con “Tú Decides el Final”. Con motivo del estreno de este trabajo hemos querido ponernos en contacto con ellos para que nos cuenten un poco más sobre el disco y sobre ellos mismos. En primer lugar, daros las gracias por atendernos y contestar nuestras preguntas. ¿Qué significa el nombre de la banda, porque ALERTA? El verdadero nombre con el que se fundó la banda fue ALERTA ROJA. La razón fue que como nos encontrábamos en una etapa de nuestra vida un poco revolucionaria, queríamos un nombre que llamase la atención (ALERTA), pero que a su vez nos identificara a nivel ideológico. Por aquel entonces simpatizábamos mucho con el comunismo, de ahí la conexión con la palabra ROJA. Con el paso del tiempo, y coincidiendo con nuestra primera maqueta decidimos dejarlo en ALERTA ya que por la zona nos conocían más como “los Alerta”. Además, con la madurez, creímos más conveniente desligar nuestro nombre a ideologías políticas, independientemente de que las sintiéramos así o no. ¿Por quién está formada ALERTA? Actualmente somos cinco amigos con los que además de aguantarnos, que no es poco, compartimos nuestra pasión por la música. A lo largo de estos 22 años hemos sido una banda muy estable, con muy pocos cambios. Desde hace ya 3 años aproximadamente, cuando se produjo el último cambio, formamos el grupo Jabi (voz), Txitxi (bajista), Sesi y Beny (guitarras) y Kantero (batería). Aprovecho para destacar y agradece el enorme favor que nos ha hecho Oier Cacho (The eleven Plage) a la batería, cubriendo durante varios meses la ausencia temporal por motivos personales de nuestro batería Kantero, quién retomará la banda al 100% a partir del próximo mes aproximadamente. ¿Por qué el título de «Tú Decides el Final”? ¿Qué significado tiene? Normalmente nos gusta titular nuestros álbumes aprovechando el título de alguno de los temas que lo componen. Además, nos gusta poner un título que lleve mensaje, que pueda impactar en cierto modo, independientemente de que sea o 30 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 67

no la canción que consideremos como single en el álbum en cuestión. En este caso nos decantamos por “Tú decides el final” porque teniendo en cuenta los mensajes de denuncia social que lleva este disco, creemos que todavía estamos a tiempo de cambiar este mundo, de hacer algo por mejorarlo. Creemos que la solución no está en los “mandamases” que nos ningunean diariamente, estamos convencidos de que la solución parte de cada uno de nosotros. De ahí que gritemos con todas nuestras fuerzas que cada uno decida cuál es el final. ¿Como fue el proceso de composición y grabación del trabajo? Cuando ALERTA compone, parte de una serie de ideas que se van presentando al grupo, sobretodo llegadas por parte de los guitarras. Exponen la idea genérica y si gusta, se empieza a trabajar en ella construyendo el tema instrumentalmente. Cuando la estructura está prácticamente terminada, entra la voz, definiendo primero la melodía de lo que va a ser la letra y lanzando “nananeos” y/o frases sueltas para ver cómo va quedando junto a lo instrumental. Tras completar la melodía por completo, se pasa a escribir la letra de la canción para grabarla ya correctamente en una segunda fase. Hasta aquí, todo el proceso se lleva a cabo en nuestro propio local. Cuando tenemos ya todos los temas grabados correctamente, se envían a realizar la edición y mastering a los verdaderos profesionales en la materia. ¿Dónde y quién se ha encargado de grabar, mezclar y masterizar? Como ya he adelantado, la grabación se ha producido y realizado íntegramente en nuestro local, mientras que la mezcla y mastering la ha llevado a cabo en este caso JFT Producciones, con los que por cierto, hemos quedado muy muy satisfechos y recomendamos sin ninguna duda. ¿Quién se ha encargado de realizar el artwork?

Por suerte estamos rodeados de grandísimos profesionales que nos han ayudado y ayudan desinteresadamente en el largo proceso de creación y publicación de un nuevo álbum. Esta vez hemos tenido el honor y la suerte de disfrutar del enorme talento y gusto por la materia de Bittor Cámara (B3_Custom), quién nos ha diseñado todo el Art Work y merchan de la banda. Creemos que el resultado ha sido exquisito y no podemos estar más agradecidos. Por suerte, todavía nos quedan nuevos diseños en la recamara que iremos publicando poco a poco en nuestro futuro merchan. Una vez acabados y escuchados los temas, ¿Cuál es vuestro tema favorito? ¿Cambiaríais algo de alguno de ellos? Pues la verdad es que estamos muy contentos con el trabajo que hemos publicado, y por tanto, es difícil decantarnos por una única canción. Eso sí, podemos decir que hay temas que aparentemente parecen más flojos en el disco, pero que luego aportan muchísima fuerza en directo y suman más que otros, a priori, más redondos. Todos vuestros temas tienen unas letras bastante reivindicativas, ¿por qué elegisteis escribir sobre esos temas? La sociedad y el mundo de locos en el que vivimos es una gran inspiración para nosotros. El bombardeo de injusticias, de excesos, de violación de derechos humanos, de corrupción, de violencias de todo tipo, de contradicciones, etc., al que estamos sometidos diariamente, no nos deja indiferentes y nos lleva a querer plasmar nuestra visión de todo esto en nuestras letras. De ahí que nos hayamos podido evitar escribir sobre todo esto. ¿Por qué decidisteis componer el último tema del trabajo en Euskera? “Ene Lagun Galduak” no es un tema original de ALERTA. Es una canción que llevamos versioneando durante nuestros 22 años de historia. Ese tema lo tocaba una mítica banda de nuestra tierra, Martxoak 31, que nos marcó a nosotros y a gran parte de nuestra generación. La cuestión es que desde nuestros orígenes empezamos a tocarla en los conciertos, incluso cantándola a dúo que el que fuera el cantante de esa mítica banda, Iban Gorriti. Como hemos dicho, llevamos toda la vida tocándola a nuestro rollo y ha evolucionado paralelemente al grupo. Has-


ta de 4 formas diferentes la hemos tocado. Tras tantos años con nosotros, nos apetecía plasmarla en un disco a modo de homenaje a una banda que guardamos en el corazón. Además, también nos sirve para agradecer a su cantante ya que durante todos estos años nos ha apoyado incondicionalmente siendo nuestra voz en los medios, y nuestro padre y consejero musical. Actualmente, no ha cesado su apoyo, manteniéndose de forma activa en ALERTA ya que ha colaborado grabando voces en el tema en cuestión, escribiéndonos la letra del tercer tema del álbum “Do It Yourself”, y encargándose de las fotos promocionales de la banda.

de motivación actual esté llegando a cotas nunca alcanzadas. Lo verdaderamente potente en cuanto a conciertos llegará con el comienzo del año, así que estamos con unas ganas increíbles por seguir presentando nuestro nuevo álbum allí donde nos dejen.

Vuestro sonido bebe de diferentes fuentes, ¿podéis contarnos cuales son vuestros referentes a la hora de componer y encontrar vuestro sonido? Creemos que somos un grupo que nos caracterizamos por haber compuesto siempre el estilo de música que en cada momento nos gustaba con más intensidad por lo que a medida que iban variando nuestras influencias y gustos musicales, iba variando nuestro estilo. Por eso, podríamos enunciar muchas bandas que han sido y son referentes para nosotros como Hatebreed, Machine Head, Madball, Killswitch Engage, In Flames, Walls of Jericho, Stick to your guns, A Say Lay Daying, Parkway Drive, While She Sleeps, Sick Of It All, Comeback Kids, Habeas Corpus, Hamlet, KOP, entre otras. Como veis, tocamos bastantes palos, pero lo primordial es que nos dejamos llevar por lo que nos va saliendo en cada momento de manera natural, sin importarnos si el producto final irá dirigido a grandes masas o a un público excesivamente reducido.

¿Cómo veis el panorama del rock-metal a nivel nacional? Para nosotros el panorama actual podríamos definirlo como bipolar. Por un lado está el bajón de público en el que se encuentra la escena. Creemos que la asistencia ha decrecido con respeto a los años en que empezamos en esto de la música, y aunque todavía hay bandas, eventos o lugares puntuales (sin contabilizar los grandes festivales, claro) que consiguen arrastras un número interesante de gente, la realidad, creemos, no es muy buena. Pero por otro lado, si nos centramos en las bandas, y no en su público, el panorama es esperanzador y muy rico en cuanto a número de bandas y sobretodo en cuanto a calidad. Por suerte, a pesar de la baja asistencia de público, semananalmente existe una grandísima oferta de conciertos y con ellos, una gran cantidad de bandas que aunque no sean conocidas, tienen una calidad enorme y ofrecen unos shows dignos de las mejores bandas de antaño. Está claro que la evolución tecnológica ha ayudado a que sea mucho más accesible que antes hacerse con un buen equipo y formarse de forma autodidacta, dando como resultado músicos de grandísima calidad y bandas muy muy interesantes. En definitiva, la escena actual aunque no mueva masas, está muy pero que muy viva.

¿Qué tal están siendo las reacciones del público a este trabajo? ¿Y en directo? Pues la verdad es que gracias al respaldo de Blood Fire Death lo primero que estamos viendo es que nuestro álbum está llegando más lejos de lo que nunca hubiéramos pensado. Por nombrar algunos ejemplos, hemos flipado al recibir reviews del disco de muchos puntos de Europa. Alemania, Italia, Portugal, Reino Unido, Holanda e incluso desde Ukrania, algo impensable para nosotros, y menos a estas alturas de la vida. Por otro lado, lo verdaderamente gratificante es que de momento los feedback que van llegando son muy buenos y diversos. Para nosotros cada crítica o mención que recibimos nos la tomamos como un pequeño premio al duro trabajo realizado durante más de dos décadas. Todo esto sumado a que en los conciertos que hemos dado hasta el momento hemos disfrutado mucho, ya que nos estamos encontrando muchas caras desconocidas entre el `público, hace que nuestro nivel

Recientemente habéis estrenado el video sobre el tema “Responsables”, ¿Que tal fue la grabación del mismo? ¿Tenéis pensado alguno más en breve? La experiencia vivida con el rodaje de nuestro videoclip “Responsables” fue brutal. Por suerte, se encargó de todo el proceso nuestro gran amigo Eneko Baseta (Sharing Records / Stronger Together), en quién confiamos plenamente desde el primer momento y quién nos regaló un idea y un guión 100% acorde al mensaje, rematándolo a posteriori con un montaje con el que no podemos estar más satisfechos. Teniendo en cuenta que era nuestro primer videoclip donde salíamos tocando y donde interactuábamos muy directamente con la cámara, para nosotros era una experiencia nueva que como era lógico, nos generaba cierta inseguridad y nerviosismo. Una de las tantas cualidades destacables que tiene Eneko es la capacidad para trasmitir tranquilidad, seguridad y confianza, lo cual provocó que lo que en principio era ansiedad, se

convirtiera en diversión y en una experiencia supergratificante. Repetiríamos con los ojos cerrados. En cuanto a si tenemos pensado algún otro videoclip, a corto plazo no tenemos nada concretdo, pero si estamos trabajando en varias ideas que esperemos podamos desarrollar y hacer realidad a lo largo del año 2020. ¿Nos adelantáis alguna fecha de algún directo que tengáis para este año? Aunque ya hemos presentado nuestro nuevo álbum en diferentes puntos de Euskal Herria, en este momento estamos trabajando de la mano de Blood Fire Death para concretar lo que será nuestra gira a partir del mes de enero. Comenzaremos el año dando algunos bolos en nuestro entorno más cercano, ya que por ahora no hemos tenido la oportunidad de presentarnos ante nuestro público más local, pero sobretodo a día de hoy estamos apostando por intentar hacer llegar nuestra música más allá de la geografía vasca. Para ello tiraremos de GPS y furgoneta y nos desplazaremos a las ciudades más significativas de nuestra escena a nivel estatal. Por ahora, no podemos desvelar ninguna fecha, pero esperamos poder hacerlo a muy corto plazo. Y ya para acabar, volver a daros las gracias por contestar a las preguntas, solo me queda dejaros las últimas palabras para que contéis a los lectores de Necromance Digital Magazine lo que os apetezca. Simplemente agradecerles el tiempo dedicado a conocernos un poquito, y decirles que si se han molestado en leer toda esta “extensa” entrevista, nos encantaría que lo rematasen dándole aunque sea una escucha a nuestro nuevo álbum. A partir de ahí, “Tú decides el final” y lo que haces con nuestro disco… jejeje. Mil gracias a ti Jorge, a Necromance Digital Magazine y a sus lectores por ayudarnos a seguir creyendo y por contribuir a dar a conocer nuestro nuevo álbum, del que esperamos disfrutar mucho durante los próximos meses. Nos vemos en un bolo!!!! [JORGE DE LA CRUZ]


ZONA DE CRITICAS

ALCOTOPIA (LIT) IT HITS THE SPOT

NARCOLEPTICA PRODUCTIONS «It Hits the Stop» es el álbum debut de la banda lituana de thrash/speed metal ALCOTOPIA y que viene de la mando del sello ruso Narcoleptica Productions (FALLEN REIGN, SACHEM, WHEN HEARTS WITHER…). Este disco podría ser un claro ejemplo de que no basta con tocar rápido y ser ágil con tu instrumento, para hacer este estilo en concreto. Las letras son un tanto inocentes, las composiciones más largas de lo debido (si fueran ligeramente más cortas, ganarían muchos enteros) y que terminan por perderse en la nada… sí claro, tienen cosas buenas, un puñado de riffs agresivos y solos más que decentes, pero eso queridos amigos no es suficiente. El sonido que han conseguido es bastante correcto (personalmente el sonido de la caja no me acaba de convencer, aunque ya se sabe que sobre gustos…), las guitarras son afiladas y la base rítmica es potente e intensa. Su vocalista tiene un estilo áspero y rasgado, aunque no se corta con falsetes, algún gutural, etc. es bastante variado la verdad sea dicha. Las canciones que han conseguido llegarme más, podrían ser «Faceless Man», con guitarras incisivas, buenos riffs y unos guiños folk. También «Asylum of the Damned», donde el corte empieza bien y acaba por extraviarse un poco, hecho que soluciona el solo final y que termina por ser lo mejor del mismo. «Insanity for Sale», tienen un rollo vacilón y posee su aquel mientras que «F.Y.E.S.», es de lejos mi favorito del conjunto, breve, directo, sin florituras ni pérdidas de tiempo, realmente asesino. En «Mountain King», utilizan el clásico fragmento del «In the Hall of the Mountain King» del compositor noruego EDVARD GRIEG, hecho que ya hemos escuchado en más de una ocasión…mmm, ahora me viene a la mente aquel «Prelude to Madness» de los SAVATAGE, en su álbum de título similar al de esta pieza… Cierra «More Beer», cuyo contenido lírico, te hará pensar en los alemanes TANKARD… pero tan sólo eso, mejor oír y creer. La formación de ALCOTOPIA está compuesta por Laurynas Karka a las voces, Juozapas Bockus a las guitarras, Dmitrijus Matvejevas a la batería y Tomas Ivanovas al bajo y los seguidores de grupos como ANNIHILATOR, RAZOR, MEGADETH… podrían estar interesados en su propuesta. En cualquier caso, buenas ideas pero me temo que la ejecución de las mismas deja un tanto que desear. Quizá con más esfuerzo y si liman algunos aspectos, pueden llegar con fuerza en el circuito de la escena europea.

lleva como nombre “Tú Decides el Final”. Formados en 1997 en Durangaldea, Bizkaia, el grupo está compuesto por Jabi a la voz, Sesi y Beny a las guitarras, Txitxi al bajo y Kantero en la batería. “Injusticia” comienza con unas guitarras muy acusadas, para poco después darnos una voz muy potentes unida a riffs muy rápidos, tanto de guitarras como una batería frenética. Poco después componen unos ritmos más enérgicos y constantes que van entremezclando con partes más agresivas, donde la base rítmica de batería y bajo genera una potencia abrumadora que cogen como ingrediente principal. Poco después nos topamos con “Responsables” donde la voz principal acompañada de coros, fluye sobre una base de guitarras agudas y golpes de batería que al momento se tornan en ritmos frenéticos, donde la velocidad se convierte en estandarte de estas primeras composiciones. Alternan con otras partes algo más melódicas, donde la voz toma mucho protagonismo, llevando sobre sus hombros la melodía principal apoyada de guitarras más constantes pero igualmente potentes, como escuchamos en “Tu Decides el Final”, tema que da nombre al trabajo y que desde un primer momento nos deja con unos riffs bastante potentes que dan paso a una voz muy agresiva. En general tenemos un tema con mucha potencia, tanto a nivel instrumental como a nivel vocal, donde nos encontramos multitud de combinaciones, incluyendo, además de la voces principales, unos potentes coros que les hace ganar espacialidad a las voces. Cierran el trabajo con un tema muy especial, escrito en Euskera y con la colaboración de Iban Gorriti, esto es “Ene Lagun Galduak”. Comienzan con guitarras a tope y una batería súper rápida que nos deja unos ritmos bastante potentes y acusados, que se mantienen durante casi todo el tema. Con unas voces muy potentes, completan unas composiciones cargadas de velocidad y fuerza, donde las guitarras toman mucho protagonismo con riffs muy potentes y rápidos. Sin duda, un tema genial para despedir un disco completo y potentes. Este quinto disco de ALERTA es su disco más potente hasta la fecha, donde se nota la gran madurez tanto de sonido como de composiciones que han ido obteniendo durante estos 22 años de carrera. Estamos ante un disco super potente, cargado de ritmos rápidos y con unas voces que acusan aún más esa potencia y que sin duda les hace tener un trabajo muy completo. Los amantes de los sonidos potentes y gustosos del hardcore con toques metal, sabrán apreciar cada segundo de este disco. Muy recomendado. JORGE DE LA CRUZ | 8.5

ROBIN RM | 6

ALPHA WOLF (AUS) FAULT

SHARPTONE RECORDS

ALERTA (ESP)

TÚ DECIDES EL FINAL BLOOD FIRE DEATH La banda vasca ALERTA lanza al mercado su primer trabajo, amparado bajo el sello Blood Fire Death. Formado por siete temas, el disco 36 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 67

Australia se está convirtiendo en una “fábrica de importación” de bandas de unos años para acá, y más si de género Core nos referimos. Porque insatisfechos de haber bendecido al mundo con titanes del Metalcore como PARKWAY DRIVE o NORTHLANE, e innumerables otros, cada vez van saliendo más y más bandas de gran nivel y calidad técnica. Podría decirse que la banda más reciente que explotó en el país es POLARIS , y con su nuevo lanzamiento, “Fault” , ALPHA WOLF parece estar listo para caminar en pasos similares. Tras su anterior EP “mono”, que causó grandes sensaciones en el panorama mundial, y tras unos cambios de banda, ALPHA WOLF nos vuelve a traer un metalcore lleno de tecnicismos, brutalidad y un desasosiego profundo que nos hace desear gritar con ellos. Ahora,

con el apoyo de SharpTone Records esperan encontrar un éxito exponencial y poder llegar a más personas del todo el mundo. Musicalmente hablando podría decantarme a soltar perlas de cada uno de los temas, pero soy de la opinión, que por mucho que diga, poca justicia puedo hacer, y teniendo el disco en plataformas digitales, creo que la forma más directa es que lo busquéis y hagáis autocrítica. Dicho esto, no puedo irme sin hacer mi trabajo aunque sea un poco, que para eso estamos aquí, así que os hablare de la que para mi es la mejor canción del disco. Y sin duda es Sub-Zero, ya que muestra más diversidad, y es mucho más profunda que otros temas que pueden contener partes más planas y predecibles o unidimensionales. Para mi es el claro ejemplo de lo que puede llegar a ser ALPHA WOLF . En general “Fault” es un trabajo que cubre un terreno similar a lo ya realizado por la banda hasta ahora, pero como es obvio, es el paso lógico para asentar unas bases de lo que será su sonido al mundo y demostrar que lo conseguido con “mono” no fue un acto de casualidad. ALPHA WOLF ha caminado en la dirección correcta aquí, y este puede ser el verdadero comienzo de un viaje brillante. Los miembros más nuevos, el vocalista Lochie Keogh y el baterista Mitchell Fogarty, aportan mucho a la banda, inyectando mucho más impulso y energía en su sonido colérico y mejorando la composición. ALPHA WOLF ha caminado en la dirección correcta aquí, y este puede ser el verdadero comienzo de un viaje brillante. RUDY PERTU | 8

ANCESTRAL LORE (FRA) BEHIND THE NIGHT HORIZON AUTOEDITADO En el más famoso de los álbumes de THE BEATLES, el “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” se encuentra una canción que, si bien fue firmada por el combo habitual de composición Lennon-McCartney, alcanzó gran popularidad un año después por la versión de otro músico. El tema en cuestión “With a Little help from my Friends” y todo el mundo parece conocerla más por la versión que hizo JOE COCKER en el festival de Woodstock. ¡Colorea y aprende con Teo! Y en eso se me ha quedado el lanzamiento de Christophe Florian, bajo el nombre de ANCESTRAL LORE y titulado “Behind the night horizon”. La pregunta o el ofrecimiento se me viene a la cabeza de forma constante a lo largo de todo el álbum: ¿Por qué no ha contado con una pequeña ayuda de sus amigos? A lo largo de su media hora, he visto atisbos, ideas, cosas que molan, pero todo en plan boceto, fogonazos de creatividad que no me han acabado de cuajar en un álbum redondo. Abre con la consabida intro de “Enter the bastion”, etérea, teclados y tal. Bien, ahora entramos con “Behind the night horizon” con esa línea de sintetizadores muy minimalista y repetitiva en plan BURZUM. Pero la voz, si bien áspera como mandan los cánones del género, se me queda plana y repetitiva. De hecho lo que más varía y modula a lo largo del tema son los arreglos del teclado, porque una vez que la guitarra comienza con su melodía a partir de la segunda mitad del tema, su leitmotiv llega a desesperar. ¿Por qué no ha contado con una pequeña ayuda de sus amigos? “The monster slayer” sigue con esos tempos y adornos muy ARCTURUS (pero sin llegar a esa brillantez de los noruegos), para luego pasar a una estructura desordenada como por ejemplo en el solo de guitarra, que sí, que no, que voy, que me acelero, que me vengo, que… ¿Qué? Otra sección de teclados, cambio abrupto hacia una parte acústica al final que


descoloca… ¿Qué pasa, Christophe, no tienes amigos, no podías haber acudido a ellos para que te ayudasen a plasmar tus ideas? “On the wave to eternity” tiene un buen comienzo y promete, la estructura parece más coherente y la guitarra está bien metida y no desentona, hasta el segundo solo en el que parece perder el compás de nuevo para volver a recuperarlo en la parte final. “Walking in the mist” tiene buenas melodías y buenos momentos, para luego saltar a la acelerada “Sphere from the blackwing” que parece una versión de BATHORY, y que te descoloca bastante pues no tiene nada que ver con la dinámica del resto de la obra. Cierra con la acústica y tranquila “The bard tells you a secret” de aires medievales y… Sí, vale, el bardo te cuenta un secreto, pero también se podría haber traído un par de amigos, porque como decían THE BEATLES: “What would you think if I sang out of tune? Would you stand up and walk out on me?” (¿Qué pensaríais si cantase desafinado? ¿Os levantaríais y os marcharíais?) No obstante, siempre, siempre lo he dicho, me parece plausible el hecho de que haya gente y músicos que tengan las gónadas necesarias para meterse a escribir, grabar y publicar música. Por eso mismo, porque aquí ya hemos analizado otros discos one-man-band con excelentes resultados (NEMUS, LASCAR, ETHEREAL DARKNESS), pero, en este caso, Christophe, o ANCESTRAL LORE ¿por qué no has seguido el consejo de THE BEATLES?

nos y apreciar unos violines y leves coros (“El camino de la hiperbórea”) da un respiro, y parece que será una balada insulsa… pero no, es un puente de algo más de un minuto para entrar en el último tramo con más arreglos de alto nivel e interpretación. “Conjuro infernal” y “Mirando al mar”, si le cambiamos la orquestación y las voces (claro) podrían ser excelentes representantes de un “Pagan Metal” como odas y luces épicas. Esto nos habla de lo bien interpretado que está el papel en conjunto. Terminamos con un cover (única canción en inglés) “The last breath”. Alguien escribió por ahí que la banda lo hizo para abrir el mercado anglo-sajón… Pues, la verdad, si así es, está trabajada de una manera impecable, donde meten coros angelicales y, la voz, ahora sí, explota con un agudo que nos hace olvidar las etiquetas y decir, sí, esto es Heavy Rock. Punto y aparte. ARENIA ha sacado un disco que saca provecho de cada músico, de cada melodía. La voz está en un punto que, si bien no es virtuosa, se nota que está currada y se va creciendo a medida que pasa el disco. La banda también, va de menor a mayor y, en este caso, hace que al terminar el disco, le des play de nuevo para disfrutar de un disco nada presuntuoso, muy bien producido y con muchos matices para un día variado de sensaciones. SEBASTIÁN ABDALA | 7.5

CESAR LUIS MORALES | 7

AS CITIES BURN (USA) SCREAM THROUGH THE WALLS RUDE RECORDS

ARENIA (ESP)

LA VOLUNTAD DE LAS ESTRELLAS ROCK CD RECORDS Más Power Metal Español, y más buenas noticias. Esta vez la banda ARENIA nos trae una obra que sigue la línea conceptual mitológica de sus discos anteriores, pero con un salto de calidad importante. “La voluntad de las estrellas” es otro claro exponente de un estilo que requiere mucho trabajo y claridad a la hora volcar en un estudio cada canción y que transmitan lo que han sido en las partituras. ARENIA lo consigue con un buen puñado de canciones que rozan el excelente. Una suave “Obertura” hace que nos sorprenda la poderosa entrada de “Alcanzar el sol”. Power, progresivo, estructura que no descansa y ya se perfila muy cañero. La voz tiene fuerza y buen manejo de sus condiciones. Los teclados dando juego como coros y recurso para que los cambios no sean abruptos, al contrario, dan juego y fuerza. Hay un trabajo de post-producción que realza valores y no los maquilla. “Retando a la eternidad” es más de esa Hidromiel de estar dándolo todo. Cada historia se puede aplicar perfectamente a un capítulo de esta historia que nos viene contando la banda desde que arrancaron allá en 2009. Pasamos a la canción “El último aliento”, más avanzamos y más bruta se pone la cosa. Creo que esta pieza puede ser la “joya de la corona”. La banda se esfuerza al máximo, no saturan en ningún momento, y la batería muestra arte, versatilidad, rapidez y parece multiplicarse por momentos. “La piel del enemigo” cambia a un tercio más “militar”, por decirlo de alguna manera, de arenga y salir a la caza del enemigo. Buena intro que, de nuevo, de la nada, cambia por completo para estremecer con lo que ya es temática del disco: sonar muy duro, sin artilugios, sin guturales, y buen pulso de cada instrumento. Muchos arreglos que hacen semejanza con un rock sinfónico que envuelve y se va mezclando en cada composición. El álbum está dividido en tres partes, lo cual nos hace viajar con la banda en un proceso creativo que no es para dejar de lado, al contrario, suma al disco y mucho, poder sentar-

Dentro de oleada de post hardcore de principios de siglo, encontramos a los norteamericanos afincados en Louisiana, AS CITIES BURN, que tras su separación en 2009 tras editar su tercer trabajo “Hell or High Water”, regresan con un nuevo elenco y un nuevo trabajo bajo el brazo editado por Rude Records, “Scream Through The Walls” con los hermanos Bonnette a la carga fusionando sus voces para crear un álbum fresco y actual, como en los viejos tiempos cuando coincidieron con un debut de lujo “Son, I Loved You At Your Darkest”, intentando seguir su línea aunque sin llegar a superarlo. “Live Convinced”, es una introducción perfecta a su estilo, post hardcore perfecto con dualidad de voces y un ritmo que nos mantienen a la espera, mientras las guitarras van creando su telaraña manteniéndonos a través de “Broadway” adentrándonos en un tema más maduro y pegadizo, con una atmosfera abierta a la imaginación, en la que priman la voz melódica pero los detalles desgarrados de fondo casan a la perfección al igual que en “2020 AD”, con un ritmo muy enérgico que se te quedará grabado, siendo uno de los cortes destacados y de mis preferidos del álbum con un bajo a manos de Joseph Keech omnipresente. “Hollowed Out” va despegando lentamente, pero los hermanos Bonnette nos demuestran estar en plena forma y crear un tándem muy especial, para con “Maybe” poner la nota sentimental del álbum, con un medio tiempo emotivo y pausado antes de la vitalista “Chains”, con unos ritmos que te harán saltar y una percusión técnica y endiablada con transiciones de timbales y unos beats adictivos, listos para bailar. Este feeling positivo y enérgico lo mantienen en “Bright White Light” con unas estrofas reflexivas, un tándem de temas muy top que nos lleva a la parte final abierta por la futurista “Blid Spots” a modo de preparación para “Venture”, que no acaba de explotar a pesar de su crescendo marcado se vuelve monótona y a diferencia de la anterior dupla que me encanta, esta le falta algo, aunque el final tiene muy buena pinta, te deja a medias. “Die Contrary”, quizás uno temas más completos del álbum y de AS CITIES BURNS, donde


la palabra post hardcore toma su nombre, y demuestran su calidad con una estructura musical sencilla, compleja y emocional, así se termina un álbum, bienvenidos de vuelta. JUAN ANGEL MARTOS | 7

BARS OF GOLD (USA) SHELTERS

RUDE RECORDS Desde Estados Unidos y a través de Rude Records nos llega el nuevo trabajo de BARS OF GOLD, “Shelters” con un toque muy TALKING HEADS, TOM WAITS…, donde un rock enérgico con cierto toque ochentero y donde entremezclan elementos de jazz, punk y post rock conforman una amalgama estilística variopinta y curiosa. Desde su inicio, tenemos claro que Marc Paffi tiene mucha personalidad con su curiosa forma de cantar, que de primeras te puede parecer rara, pero que tras varias vueltas al álbum, parece atraparte en su mundo particular con “Worthless Chorus”, enérgica y directa con unos pasajes atmosféricos que relajan la energía desatada a lo largo del tema, y es que este grupo desde el primer tema te deja con las ganas de verles en directo por lo carismático que ha de ser su vocalista; por cierto temazo para abrir el álbum. Mientras que con “Atlantic City” nos traslada a la costa oeste, con un toque punkarra a lo Jello Biafra, en un corte que va creciendo lentamente con una constante percusión sobre la que se construye la canción, con “$20” nos llevan a la pista de baile, un tema divertido, con un feeling muy especial y que sin darte cuenta te ha atrapado con su toque funk y una melodía sorprendente. “Sometimes”, bebe del krautrock, con unas guitarras minimalistas en las estrofas, pero con un estribillo abierto, atmosférico y cósmico, que nos lleva a otro desfase rockero muy directo y con unos ritmos muy técnicos y cambiantes que en directo tiene que ser un espectáculo. Y sin dejar el ritmo, el grito de “Madonna”, nombre del tema, irrumpe repleto de vitalidad y tensión, con un tempo vibrante y contundente al máximo, es como si una posesión se apoderara de tu cuerpo en cualquier bar de carretera americano, alguien hecha una moneda a la máquina de discos y el éxtasis está servido. En la parte final del álbum y continuando con nuestro viaje, “Montana”, pone ese toque americano en un cote influenciado por el folk, para girar por completo en “Plywood To Pine”, que me recordó a James Brown, por la rapidez, los giros desenfrenados y compulsivos, para llevarnos hacia el cierre del álbum con “G”, que refleja el sentimiento de ser padre y lo trasladan a la perfección al estilo de BARS OF GOLD, en un buen trabajo que tienes que escuchar varias veces para cogerle el rollo vibrante que posee, una banda que en directo a buen seguro eliminaría todas las dudas.

ART GATES RECORDS Si digo que parece que el Metal suena de una manera por regiones geográficas, siendo tendencia cierto sonido que ya nos deja adivinar, al escucharlos, de qué país es originaria la banda, puede que no me entiendas, pero así me ocurre con discos como “Welcome to infinty”; primer L.P. de la banda austríaca BEYOND INFINITY. Su sonido es una combinación de distintas ramas que se basan en la velocidad del Black Metal, en break´s con influencias Power, Death y etcétera. ¿Modern Metal? Bueno, llamémosle así, lo cual no implica que sea una mala idea, o aburrido. Al contrario, suenan muy bien, entretenidos, con un concepto que quiere acercarse a algo metafísico y no teme en ser arriesgado al elaborar melodías variadas por los reiterados cambios de estilo y solos de guitarra de muy alto nivel. La intro del disco se hace algo larga… Por eso pienso en esas bandas que en escena se apoyan en un juego visual y de alto rendimiento. Abre el tema “Lost in paradise”, una potente canción que juega con unas voces oscuras, y unas melodías que te llevan a un Black Metal, pero luego abre el juego y se acerca a un sonido más “2000”. La banda antepuso la experiencia a la grabación, se empeñó en salir a la carretera con un E.P. bajo el brazo, y ha tocado en cuanto Band Contest y Festival ha sido posible. ¿Tiene que ver eso en este trabajo? Mucho. Se nota una experiencia, una claridad en las ideas a la hora de combinar efectismo para sonar más poderosos e impactantes. Para aprender cómo llegar a quienes los escuchan. Hay un coqueteo con el rock Progresivo que se difumina en ese sonido Industrial que RAMMSTEIN ha hecho marca registrada. Las canciones “When our world collides”, “Beyond the shadow” y “Embrace the fire”, sobre todo, son una muestra de las influencias de ese sonido limpio. Demasiado a veces. Cambia el tercio por completo y nos encontramos con canciones que juegan un poco más con el Power Metal en los sonidos, no tanto en las voces, y la extensión de las canciones a veces sobran un poco. La guitarra es muy buena, sí, pero los solos se hacen un poco repetidos. Llegamos al tramo final donde cambia el sonido, lo ensucian un poco para sonar con cierta reminiscencia Stonner… y mejora un poco lo anterior. “Renascence” es una de las mejores canciones del disco. Una breve pieza instrumental que deja de lado los artificios, los efectos, y sacan un bajo más potente, un buen par de riff´s y una suciedad que recuerda a ese Metal orginario de “Iron Butterfly”. ¿Por qué está aquí esta canción? No lo adivino, pero queda muy bien. Lo mejor al final. De nuevo esa desesperada batería que se multiplica por todos lados, una voz bruta, sin filtros, con odio y menos efectismos. Una canción que parece no encajar con el resto del disco, si bien sigue esa caótica combinación de ritmos (esto no es negativo), tiene algo más Black, más Death, menos efectista, menos hecho para gustar. Cruda, brutal, de esas que rompen todo. Un buen trabajo debut, madurado a lo largo de 7 años, muy pensado, demasiado, con muy buena producción y calidad en sonido, lo que hace resaltar las virtudes de cada uno de los músicos. Un recurso bien aprendido, bien utilizado. SEBAS ABDALA | 7

JUAN ANGEL MARTOS | 6.75

BLAZE THE TRAIL (ESP) NOT A GAME AUTOEDITADO

BEYOND INFINITY (AUT) WELCOME TO INFINITY

El grupo vallisoletano BLAZE THE TRAIL lanzan al mercado su primer LP, formado ocho potentes temas. “Not a Game” es el título que le han puesto a este primer larga duración y el cual ha sido editado por ellos mismos.


Formados en 2006 en Valladolid, el grupo está compuesto por Diego al bajo y a la voz, Jose y Jorge en las guitarras y Daniel en la batería. Comenzamos escuchando “The Common Nightmare” donde guitarras muy leves nos van introduciendo hacia una voz muy leve, que se entremezcla con la melodía, creando una atmósfera muy tranquila, que se rompe llegando casi al final del tema para fundirse de golpe con “I Am You – You Are Me” donde nos topamos con unos acordes muy pesados y pasamos a escuchar unas líneas vocales mucho más agresivas, donde los guturales hacen acto de presencia. La mezcla agresiva de instrumentación nos hace derrochar adrenalina por todos lados, dejándonos con una mezcla de fuerza y furia a raudales en cada nota. “Skin and Bones” suena inmediatamente después, donde nada más comenzar nos deleitan con una velocidad abrumadora, con riffs de guitarras muy rápidos, entremezclando partes muy agresivas, con otras donde la instrumentación pasa a segundo plano, quedando la voz por encima de todo. Los altibajos que crean en las composiciones le dan un toque de dinamismo y contrastes en las diferentes melodías que vamos escuchando, pasando de ritmos muy agresivos a otros algo más lentos con una transición muy bien ejecutada. En “Empty Words” cuentan con la colaboración de Igor de DAWN OF THE MAYA en las voces, consiguiendo unas líneas vocales super agresivas y bastante contundentes. Ambas fluyen sobre unas melodías rápidas, donde nos encontramos con una batería con muy buena pegada y una línea de bajo bastante sólida, que consigue crear mucha más fuerza en el sonido final del tema. Me gusta bastante la mezcla de voces que consiguen Igor y Diego en las partes donde se entremezclan, generando muy buena sinergia. Cerrando un disco bastante agresivo y contundente nos dejan con “The Key of This World” que nos abre con sonidos muy leves, quedando solo voy y guitarra acústica, a las que al momento suman una batería y bajo muy leves y lentos. Poco después rompen esa tranquilidad para introducir composiciones más enérgicas que se combinan con la primera parte, para cerrar con transición tranquila hacia el silencio, en un tema corto pero intenso para terminar de escuchar este primer trabajo. Este primer trabajo de larga duración de BLAZE THE TRAIL es un buen golpe sobre la mesa donde sus armas para son un sonido bastante contundente y sólido junto con unas composiciones bastante enérgicas que se juntan a la perfección para dejarnos con ocho temas cargados de fuerza y buenos sonidos. Se echa en falta algo más de duración, porque conforme acabas pides más, se hace algo corto en general. También, a pesar de su gran sonido, a veces se echa en falta algo más de pegada, un poco más de golpes agresivos en ciertos momentos, pero no es nada grave porque lo solucionan generando mucha fuerza en el resto de momentos. Sin duda un trabajo bastante pesado, con buenas composiciones y una gran producción, demostrando el gran nivel de los grupos de metal que tenemos aquí. JORGE DE LA CRUZ | 7.50

BLINDPOINT (ESP)

THROUGH THE ASHES OF LIFE AUTOEDITADO ¡Epa! Más que agradable sorpresa. BLINDPOINT son un grupo proveniente de la desconocidísima (a nivel metal claro está) Lleida formado hace cinco años y que con este «Through the Ashes of Life» nos presentan su primer trabajo. Al parecer el quinteto catalán está formado por viejos conocidos de la escena de aquella ciudad y esta placa es el fruto

de cincos años de duro trabajo. Y digo «duro» porque este es un trabajo de ésos en los que uno se percata al momento de la ilusión, pasión y trabajo que hay detrás de este debut autoeditado grabado en los Nomad Studios. Vamos por partes… ¿estilo? Bueno pues lo sorprendente es que, lejos de tocar heavy clásico o thrash de toda la vida como uno podría suponer (sus componentes no son unos chiquillos que acaban de comenzar) apuestan por un metal de corte más «moderno» que para mí tiene tanto de groove metal como de metalcore. Y sabiendo que sus componentes distan mucho de ser adolescentes granulentos influenciados por modas, esto es algo que me gusta porque lo que hacen lo hacen por que les da la gana, con convicción, con gusto, orgullo y honor. Será su primer trabajo como BLINDPOINT pero se nota y mucho que sus componentes ya tienen tablas y saben componer buenos temas. Aquí hay mucho trabajo y dedicación. Estilísticamente a mí me han recordado a los siempre enormes SHADOWS FALL en su época más acertada de «Threads of Life» o «The Art of Balance», con riffs potentes, crujientes y pegadizos con melodías acertadas y la mar de pegadizas de la mano de Jota y Berto y solos muy conseguidos y tocados con gusto (y delicadeza cuando hace falta). A la batería me ha sorprendido muy mucho el saber hacer de Pep, que se nos revela como un excelente percusionista a nivel estatal muy a tener en cuenta. De entrada nos demuestra que no hace falta cuarenta redobles y dobles bombo a punta pala y a la velocidad del sonido para tocar buen metal. Simplemente da alas a los temas dejándolos respirar y con un sentido del groove la verdad exquisito en el que a veces «menos es más». Al bajo Txema el cual, a pesar de hacer un trabajo notable, por cuestiones de producción a veces no logra destacar lo que me a mí me hubiera gustado. Hay destellos y partes en las que está ahí dando guerra pero en general me hubiera gustado quizás un poco más de protagonismo y más prominencia en la mezcla final. Por otra parte, en las producciones de groove/ metalcore esto es bastante habitual. A mí me ha quedado claro que es un bajista bastante solvente de todas formas, todo sea dicho. Ya por último a la voz tenemos a Javi que saca sobresaliente en las partes más rasgadas y guturales… mientras que las partes melódicas están correctas aunque a veces suenan un poco forzadas y adolecen un poco de soltura por momentos. Nada que me impida el goce y disfrute del disco pero queda claro que Javi se desenvuelve mejor en las partes agresivas que en las más melódicas. El resultado final de la voz es satisfactorio de todas formas. La producción es bastante buena y muy acorde con lo que requiere este subestilo de metal. Las guitarras están muy bien trabajadas con un tono muy agradable y con buena pegada. Cuando hay intercambio de solos es una delicia. El bajo como he dicho ojalá hubiera tenido un poco más de prominencia pero se escucha y «siente» casi en todo momento. A nivel de batería me ha gustado mucho el sonido de timbales y platos. Yo hubiera apostado por un sonido de caja un poco más seco, con más pegada y un pelín más alto en la mezcla pero aquí ya me estoy poniendo en plan repelente. Suena bastante bien. La voz de Javi suena auténtica y no «superproducida», como ocurre a veces en bandas de corte moderno, lo cual se agradece. Como he dicho las partes melódicas distan de ser perfectas pero nada catastrófico y quizás la autenticidad compensa esos pequeños defectos que hasta añaden encanto a fin de cuentas. Otra cosa que me ha gustado de esta placa es que se han esmerado con todo lujo de detalles en cuanto a artwork, maquetación, etc. y a nivel Facebook se nota que son una banda que se debe a sus fans y cuidan de ellos. No es de extrañar pues al ser una escena supuestamente pequeña la de allí al final serán como una piña en la que hay mucho apoyo a nivel underground. A nivel temática también debo de decir que estoy gratamente sorprendido y es que nos hallamos ante un artwork futurista soberbio y una temática letrística más que madura cortesía del baterista Pep y el vocalista Javi. Se nota muy buen saber hacer a este respecto con una imagen y concepto bien definidos a nivel de grupo. Repito, se trata de viejos conocidos de la escena catalana y por tanto hay nivel y tablas. Los temas que más me han gustado han sido «Thrive», que tiene buenos riffs a lo IN FLAMES

pero luego se adentra por derroteros más clásicos y calmados que dan mucho juego y variedad, «We Don’t Care», que va por la misma onda, «Difret» que sirve como colofón con voces femeninas exquisitas para luego pasar a partes muy cañeras y la mastodóntica «Timespace Paradigm» (que ya sólo por ese nombre Voivod-iano me entró de primeras) con partes que me han recordado tanto a AS I LAY DYING como a WAR OF AGES. En general el nivel es alto y no hay para nada temas de relleno. Hay incluso algunos toques de teclado aquí y allá que dan mucho juego. Son 7 temas y 39 minutos que se disfrutan bien. En definitiva, los leridenses de BLINDPOINT nos dejan un debut de notable alto que me hace esbozar una sonrisa. Rebosa pasión y autenticidad y aunque hay un par de cosas por pulir ese sentimiento tan genuino que han logrado captar suple cualquier aspereza. La música que tocan es metal de calidad, independientemente del estilo, con fuerza y tocado con gusto y elegancia. Es para estar orgullosos y aunque no lleguen al estrellato a estas alturas (bastante probable) yo estaría más que satisfecho de haber dejado toda la carne en el asador. Los seguidores de SHADOWS FALL, AS I LAY DYING, IN FLAMES o KILLSWITCH ENGAGE están de enhorabuena y a nivel español éste es un grupo al que todos deberíamos mostrar nuestro apoyo y cariño. MOLTES FELICITATS I SEGUIU AIXÍ!! DANIEL GALLAR | 8.20

BURIAL REMAINS (NDL / DEU) TRINITY OF DECEPTION

TRANSCENDING OBSCURITY RECORDS “Trinity of Death” es el debut de este cuarteto con miembros de origen holandés y alemán, siendo este último y casualmente también cantante de los clásicos FLESHCRAWL. La verdad que aquí nos encontramos con una banda que tributa el viejo sonido nórdico en su visión del Death Metal, con un sonido pesado y denso, sucio a más no poder, pestilente y que hará que bandas de principios de los noventa como ENTOMBED, DISMEMBER, GRAVE,… O si pensamos en bandas más actuales como ENTRAILS, INTERMENT, REVEL IN FLESH, o los anteriormente nombrados FLESHCRAWL, puedan venir a nuestra mente. El álbum cuenta con siete temas de auténtica masacre sonora, donde los cambios de ritmo están asegurados cada pocos segundos, aunque hay que reconocer que a veces se recrean en partes pesadas, lentas y purulentas que aportan una mayor brutalidad a los cambios, sin irse a partes excesivamente veloces, pero siempre con ese punch que genera este estilo. Mucho riff redoblado en cuerdas, riffs más densos y pesados y voces monstruosas mezcladas con otras más rasgadas, no es que aporten nada nuevo sino siendo otra banda que si disfrutas de este estilo, recomiendo su escucha, porque lo que hacen está bien hecho, aunque todo hay que decirlo que una vez superado en momento de impacto inicial, las composiciones no llegan a ofrecer la majestuosidad que ofrecían las canciones de los maestros anteriormente citados. Está bien pero no matan, temas como “Burn with Me”, “Days of Dread” (para mí el mejor del álbum) o “March of Deception” son buenos ejemplos de esto, un buen Death Metal de la vieja escuela sueca, con ese sonido del Boss HM-2, pero que se queda en eso, bien hecho y nada más. Como anécdota destacar la versión del viejo tema “Tormentor” de los alemanes KREATOR, que destaca por esa nueva visión que le da el sonido de la banda. Para finalizar, decir que es un álbum corto que se escucha sin dificultad, dejando sensación de que falta algo más, por un lado bueno porque no se hace pesado, pero falta ese tema

que te haga decir “vaya temazo”, es como un querer y no poder, ofreciendo sus temas pero nada destacable. Espero que para su siguiente grabación puedan trabajar un poco más las composiciones y ofrecer algo más atractivo, por ahora me quedo un tanto ansioso de algo más. LUIS MARTÍNEZ | 7

CALAMITY (PRI) KAIROS

AUTOEDITADO Los puertorriqueños CALAMITY lanzaron al mercado de manera autoeditada su segundo trabajo discográfico en formato larga duración, tras su EP debut “Let Em´Burn!” de 2014 y el LP “Inminent Disaster” de 2015, ahora nos muestran este trallazo titulado “Kairos”. Este trabajo discográfico consta de nueve cortes repartidos en unos cuarenta y siete minutos en el que se observa un Thrash Metal de alto octanaje, con unas composiciones cuidadas al mínimo detalle, en el que no sólo se centra en ese género sino que se adentran en influencias como el Hardcore o Power Metal e incluso algún guiño Progresivo. Como curiosidad este combo nació como banda de versiones de METALLICA hasta que decidieron seguir su propio rumbo, este hecho se hace presente en este disco, la influencia de los de la Bay Area es más que evidente, temas como “The Truth”, “Kairos”, “The Change” o la balada “El Vacío” son entre otros, fieles exponentes de ello. También apuestan por las letras en español en algunos cortes como es el caso de “Guerreros” que para mí junto al tema que abre el disco “Killer Vibes” es el mejor corte del disco, una pista llena de rabia contenida que se traduce en unos tintes de Hardcore que hacen imposible mantenerte impasible mientras la oyes. En definitiva, CALAMITY ha superado con creces su anterior disco en todos los aspectos, desde la composición hasta el propio sonido de grabación, mostrándonos un Thrash Metal en el que se conjugan a la perfección las raíces de la vieja escuela californiana con la nueva ola de las bandas del Siglo XXI. Si eres amante de este estilo no te los puedes perder, seguro que no te decepcionarán. CARLOS BERMEJO | 8

CALYX (ESP)

VIENTOS ARCAÍCOS IRON BONEHEAD PRODUCTIONS El Black Metal español está más vivo que nunca, tiene exponentes que comprenden perfectamente de qué va el tema, cómo hacerlo sonar bien, clásico, actualizado. Y si alguien tiene dudas que escuche a la banda CALYX y su trabajo “Vientos Arcaicos”. Las influencias están por doquier, y lo que amenazaban en sus primeras grabaciones (¡unos cassettes que están agotados!) lo han mejorado y producido de tal manera que han sellado con un toque muy personal que merecen toda nuestra atención ante una ejecución pagana, muy NUM. 67 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 39


oscura y, sobre todo, poderosa. Abre una introducción que nos pone en tema, un fondo medieval con cierta reminiscencia de laúd que se cierne sobre la descarnada impiedad de “La venganza de las brujas”. Ya de entrada esta oda de 7 minutos se hace fuerte lentamente sobre un concepto de velocidad y potencia bien contenida. El sonido del disco es bueno, cada instrumento se aprecia con claridad, y la voz, las voces, muy bien trabajadas en cada tramo del disco. “Asedio Infernal” continúa en la misma línea, tanto a nivel compositivo como de estilo; está esa velocidad y esos ritmos que componen un buen tándem para comenzar. Pasamos a “La sima”, y ya el deleite es completo: la voz se preocupa por demostrar que nos hemos hundido muy profundo. Es que tenemos por una parte unas letras tan explícitas, tan terribles, acompañadas de manera perfecta por la banda en cada cambio de ritmo, en cada ambiente que se va creando y poniendo muy épico. “Bajo el firmamento oscuro” es, tal vez, la canción más Black del disco, aquí asistimos a un ritual de brujería máxima. Con una guitarra que hace sonar todo el mástil, recreando una ejecución que roza ese virtuosismo pagano que merece ser quemado en la hoguera. “Vientos arcaicos” nos mete en un tramo final que se recrea en el mismo concepto artístico, parece que estamos en una planicie árida, a merced del viento, sintiendo los ojos del enemigo próximos a atacar. Consejo: apaga las luces de tu casa, pon velas negras en los rincones y dale al máximo al volumen de tu equipo. Ya en el minuto final, lo medieval se pone de nuevo a montar un Balrog hasta dejarlo extenuado y manso. Ya con “Bosque Muerto” tenemos lo necesario para quedarnos exhaustos, pero con “Loarre” cerramos un pentáculo perfecto para quedar saciados de medioevo y esa aura épica que está reflejada en una grabación bien producida y mezclada. Que suena limpia y, de un modo particular, añeja. La voz hiere, y la banda, repito, acompaña en este viaje de estramonio y sangre de carnero; tal es así que este disco debe ser todo un orgullo para los seguidores del Black Metal más exigente. Es un primer L.P. que nos deja con un excelente sabor de boca y a la espera de más noticias de CALYX . SEBAS ABDALA | 8.5

mentos más calmados y acústicos podías oír el viento soplando entre las altas copas de los abetos nevados? Pues hay una escuela americana que, al igual que sus pares nórdicos, han mamado los sentimientos de abandono en la naturaleza, se han dejado atrapar por esa melancolía de perderse en el bosque… Nombres como AGALLOCH, PANOPTICON o APPALACHIAN WINTER te van a venir a la cabeza al escuchar las primeras notas de “Lost Eternally”, el segundo álbum de CHALICE OF SUFFERING. Al vocalista McGovern se le une un elenco de músicos experimentados: los dos guitarristas, Will Maravelas y Nikoley Velev, acumulan a sus espaldas una asombrosa cantidad de bandas, proyectos y colaboraciones. Lo mismo sostienen las notas más delicadas que descargan unos riffs más Doom que toda la discografía de MY DYING BRIDE. Abrimos el disco con un largo tema titulado “In the mist of once was” que ya muestra la senda que vamos a seguir por los bosques del Minnesota: esa escuela americana de Funeral Doom, con instrumentos acústicos, con riffs pesados, con susurros, con growls… incluso con la colaboración de Kevin Murphy a la gaita. “Emancipation of pain” sigue con la pauta marcada, otros diez minutos de tempos lentos, acompañamiento de teclados, Aaron Lanik contenido a la bateria, acompañado por el seco golpeteo de bajo de Neal Pruett, y aparece una melodía fantasmagórica que te encoje el alma. Por el contrario, en “Forever Winter” ahondamos en una intro más cósmica aunque, a la hora de entrar en materia, es otra bestia de diez minutos que camina a paso de Wendigo (una de las leyendas de los pueblos amerindios, ¡así que ya tenéis deberes que hacer!): tiene algún harapo de Black Metal más sinfónico, aquí se descuelga un Dark Ambient, allá pasamos del minimalismo a lo más eléctrico. “Lost Eternally”, “The Hurt” con su embriagadora melodía o el brillante cambio hacia el final de “Miss me, but let me go”, con sus dobles bombos y sus arreglos corales son algunas de las maravillas que tiene este “Lost Eternally”. Cortes que son enormes pedazos de granito congelado que se han desprendido de los altos riscos del Mississippi. Poco hay que rascar aquí. Si te gusta el estilo descrito, si te va el Funeral Doom al estilo americano, con reminiscencias de grandes nombres como PANOPTICON o SKEPTICISM y tienes la suficiente presencia de ánimo para perderte durante una hora en los tétricos, angustiosos y helados sonidos de CHALICE OF SUFFERING, “Lost Eternally” es tu disco y tu gran clásico. Si no, te arriesgas a una hipotermia sónica. ¡Avisado quedas! CESAR LUIS MORALES | 9.5

CHALICE OF SUFFERING (USA) LOST ETERNALLY

TRANSCENDING OBSCURITY RECORDS Minnesota, ahí la tienes, ¿la localizas en un mapa? Entre los EE.UU y Canadá, por la parte de la derecha, en la zona de los Grandes Lagos. Su nombre viene de la lengua dakota hablada por la nación sioux (los habitantes de aquella zona) que utilizaban la palabra Mnisota – agua teñida de cielo- para referirse al río que por allí cruzaba. ¡Colorea y aprende con Teo! Y algo debe tener aquella zona y demás grandes extensiones del continente americano que enhechiza el espíritu de quién las contempla. Siente algo en su interior, una comunión con la vastedad de la impresionante naturaleza, como un síndrome de Stendhal pero ante la imagen de las enormes extensiones de bosques boreales cubiertos de niebla, en total quietud justo a la hora de romper el alba. Después de la bucólica intro, entremos en materia con CHALICE OF SUFFERING. Porque la banda del vocalista John McGovern son de aquella zona y es indudable que su entorno les ha influido en la composición de su sonido. ¿Recordáis la primera vez que escuchasteis Black Metal noruego? ¿Lo despiadada y gélida que era la música? ¿La sensación de escarcha en el pecho? ¿Cómo en los mo40 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 67

que, señalemos también, que fue en Norwich, ciudad natal de la banda dónde se firmó el primer libelo de sangre (calumnias en las que se afirmaba que los judíos realizaban crímenes empleando sangre humana durante sus rituales religiosos). Una historia que, si investigáis un poco, veréis que no tiene un buen final. Como he dicho antes, el Clero siempre dando por culo y creando lugares idóneos para vivir y dar rienda suelta a la creatividad musical. CONSECRATION, que han elegido ese nombre frente a la profanación o al sacrilegio, emplean sus fuerzas en desarrollar un Doom Metal en la instrumentalización aderezada con la guturalidad más Death de las vocalizaciones de Daniel Bollans. No me extraña, que en dicho entorno, la banda se decante por esos sonidos. CONSECRATION se sitúa en unas coordenadas que parecen indicar que en el Reino Unido existe un determinado cordón de música realmente oscura: BLACK SABBATH son de Birmingham; MY DYING BRIDE, de Staffordshire; PARADISE LOST, de Halifax; y ahora, CONSECRATION, de Norwich. Así que ya estáis situados, geográfica y musicalmente. “In Darkened Slumber” abre de un modo perfecto, da gusto escuchar como todavía hay gente que puede crear una atmosfera con una guitarra y un bajo, una lúgubre campana y poco más. “A sentinel for the fragile” sigue, en su inicio, con la misma dinámica de la canción previa, un sonido etéreo de guitarra que es arrullado por el lóbrego bajo de Shane Amies, para entrar a lo que nos interesa a los dos minutos y medio: dejamos atrás las guitarras acústicas y entramos ya de lleno en el Doom, con las influencias ya indicadas anteriormente. La batería de Jorge Figueiredo mantiene su ritmo lento y espaciado, sin grandes alardes técnicos ni aspavientos. Por el contrario, “In somnus egor morrior (In my sleep I Die)” conjuga a la perfección los riffs más sabbathicos y ese sonido fangoso del Doom con unos arpegios acústicos que le dan un empaque al tema realmente especial y equilibrado. Largos desarrollos (todos los temas sobre los doce minutos) que no aburren, sino que van evolucionando y al escucharlos en su totalidad, te das cuenta de que eso es lo que piden y necesitan los temas (lo que es un acierto a nivel compositivo). “An elegy for the Departed” aúna tendencias del cinturón del Doom del que hablábamos, melodías a lo PARADISE LOST, vocalizaciones guturales como en los primeros tiempos de los de Halifax, y, como su propio nombre indica, una elegía que va cayendo hacia tonos más íntimos y recogidos. Por el contrario, el último tema, “To Welcome the Grey” tiene un desarrollo de melodías muy a lo BLACK SABBATH, mientras que la voz de Bollans sigue arrastrándose amenazadora, hasta que el tema empieza a palpitar y a crecer, como el moribundo corazón de las tinieblas, y vuelve a ser Doom puro y duro, el de atmosferas asfixiantes, el de exasperante lentitud… CONSECRATION se unen a la escuela del Death/Doom y aportan su losa al estilo (porque aquí no se aportan granitos de arena, sino losas de granito para cubrir tumbas). Escrito bajo los cánones del género, no se aparta ni un ápice de ellos, y tampoco ni lo necesitamos ni se lo pedimos. Así que si es ese el estilo que buscas, este “Fragilium” te ofrece todo un compendio de lo que te gusta.

MAL FEAR…, que ahora se embarca en su segundo álbum en solitario “Aftermath” tras diez años de su “Shredcore” (2010), y tras encontrar hueco en su apretada agenda musical. Editado por Rockshots Records, se rodea de un elenco de primer nivel en el aspecto vocal, del que hablaremos más adelante, para crear un álbum junto a Bill Manthos (bajo, teclados y co-productor) y el propio Constantine (guitarras, producción, arreglos), donde se da rienda suelta a un modern heavy metal de mucha calidad. Y aunque Constantine es un guitarrista de notable experiencia, técnica y calidad, ha creado un álbum muy completo, exhibiéndose en sus momentos o en su tema instrumental “Bushido” que da la bienvenida al oyente de una forma amena y melódica, donde la energía se aprecia en cada rincón en un tema muy pegadizo, pero sin abusar de temas individuales y centrándose más en un grupo tan versátil como compacto. De hecho en “HellFire Club” tenemos a Bjorn “Speed” Strid de SOILWORK, para endurecer el estilo y los riffs con sus voces rasgadas y guturales, demostrando la calidad vocal en un estribillo cargado de potencia y un solo de guitarra corto pero intenso. Ralf Scheepers de PRIMAL FEAR, pone su voz para “Pres son Regardless”, en la que se mantiene la potencia y el tono grave de guitarras que contrasta con la voz más metalera de Ralf y al que acompaña los teclados en el estribillo en un gran tema de heavy metal con toques modernos. El próximo invitado Apollo Papathanasio de SPIRITUAL BEGGARS y ex FIREWIND colabora por partida doble en “Another Day” y “Deliver Us”, mientras que la primera es un medio tiempo típico del metal de corte alemán, el segundo corte es mucho más épico donde las orquestaciones cobran protagonismo y se acelera la percusión en los puentes, un tema de symphonic power metal con un estribillo de lujo. Si dejar esta parte más metalera del álbum, aparece “Holding on ‘til the End” con Chris Clancy de WEARING SCARS en las voces, con un toque distinto y más alternativo, es mi tema preferido de este combo más clásico, con unas guitarras muy poderosas con un estilo vocal más actual. Ya en la parte final aparece “Elegy”, donde Bill Manthos pone su voz además de colaborar con Constantine en la creación del trabajo, en un corte que me ha sorprendido muy gratamente, donde el tratamiento vocal con esos contrastes y efectos en el desarrollo de las estrofas, el puente donde los teclados se unen y el estribillo pegadizo y enérgico, crean uno de los cortes más destacados del trabajo, aunque algún detalle o arreglo de aspecto futurista lo hubiera desechado, pero aun así uno de mis preferidos que nos lleva al final del álbum donde encontramos un bonus track brutal, “War and Pain” cambiando por completo el estilo y la tónica del trabajo con un trallazo bestial en el que Schmier de DESTRUCTION le otorga su poderosa voz a un tema thrasher de 10. JUAN ANGEL MARTOS | 7

CESAR LUIS MORALES | 8

CONSECRATION (GBR) FRAGILIUM

SOLITUDE PRODUCTIONS Se conoce la Consagración como al hecho de que un sacerdote destina al culto de Dios una cosa común o profana por medio de oraciones, ceremonias y bendiciones. Tal acto sirve para inspirar en los hombres el respeto y temor supersticioso hacia todo aquello que sirve al culto de Dios. ¡Colorea y aprende con Teo! Como siempre, el Clero dando por culo. Esto ya no se mira, esto ya no se toca, porque está consagrado a mi amigo imaginario (ya sabéis, el que murió y resucitó – que en mi pueblo, eso es un zombie). Para que nos entendamos, es el acto contrario a la profanación o al sacrilegio. Pues ese es el nombre que han elegido los alegres muchachotes de Norwich, Inglaterra, Consagración (CONSECRATION). Como siempre que hago una review, estudio a la banda, a su entorno, sus influencias, etc… Así

CURSED EARTH (AUS) THE DEATHBED SESSIONS UNFD

CONSTANTINE (GRC) AFTERMATH

ROCKSHOTS RECORDS Bajo el nombre de CONSTANTINE, se encuentra uno de los guitarristas griegos más conocidos por sus trabajos en bandas como NIGHTFALL, DESCENDING, NIGHTRAGE, PRI-

Bajo el sello UNFD CURSED EARTH lanzan al mercado su cuarto álbum de estudio. Al conjunto de los siete temas escogidos lo han llamado “The Deathbed Sessions”. Formados en 2013 en Perth, Australia, el grupo estaba compuesto por cinco miembros, ya que tras la marcha de su vocalista Jazmine Luders, han contado con la colaboración en las voces de Larissa Stupar de VENOM PRISON, Matt Honeycutt de KUBLAI KHAN, Joel Birch de THE AMITY AFFLICTION, Booka Nile & Sean Harmanis de MAKE THEM SUFFER, Nick Adams


de JUSTICE FOR THE DAMNED, Mark Poida de AVERSIONS CROWN y Jack McDonald de CAST DOWN. Comenzamos escuchando “Fear” donde nos adentramos en una atmósfera oscura, para al momento darnos unos riffs bastante oscuros y lentos pero que al momento se tornan mucho más rápidos. Manteniendo esa oscuridad, nos encontramos con una voz super pesada y agresiva, que aviva aún más la fuerza y la furia de las melodías super crudas. Las melodías mezclan momentos muy agresivos con partes mucho más rápidas, donde la velocidad es estandarte, pero sobre todo, dominan la potencia de los riffs que ofrecen las guitarras, como en “Deathbed” que lo primero que encontramos es eso, unas guitarras muy pesadas, dominadas por sonidos graves. Poco después nos dejan con unas melodías mucho más relajadas, pero que siguen manteniendo ese tono oscuro. Conjugan unas voces algo más limpias con otras agresivas y potentes, para hacer una simbiosis en los estribillos de una forma magistral. Todo esto se acentúa con unos riffs lentos pero agresivos, consiguiendo un tema largo pero variado y cargado de una fuerza increíble hacia el final del mismo. Corto pero intenso es “Tyranny Forever” donde la fórmula mágica es la velocidad que formulan desde el segundo uno, con unas guitarras super rápidas, con unas voces super potentes que aumentan más aún la agresividad de las composiciones. Mantienen una furia inmensa durante todo el tema, con una batería que genera una pegada abismal. Uno de los temas más crudos y potentes que da paso a los temas finales donde “Burn” es el último y se encarga de cerrar el trabajo. Aquí nos encontramos con poco más de dos minutos de pura fuerza bruta que se escucha desde el principio. Las voces guturales super potentes, los riffs agresivos y rápidos, el bajo y la batería super pesadas… todo en el tema es muy agresivo y rápido, dejándonos sin apenas descanso un solo segundo. Es un temazo brutal para cerrar un trabajo muy potente. Un broche de oro excepcional. Este nuevo trabajo de CURSED EARTH es un disco super potente, con siete temas cargados de potentes composiciones, sonidos super crudos y rapidez y agresividad por un tubo. La variación de cantantes en cada tema, les hace tener una buena variedad, pero siguiendo una continuidad de que marca la agresividad de cada uno de ellos adaptando la melodía a los timbres de cada uno de una manera excepcional. Si los sonidos potentes, las voces guturales y la furia en las melodías es lo tuyo, tienes que escuchar este disco si o si, porque estoy casi seguro de que lo disfrutarás desde el principio al final.

Sound de Nueva York (MEGADETH, METALLICA, KREATOR, IRON MAIDEN,…) logrando un óptimo sonido y totalmente acorde con el estilo tan característico de la banda. La portada ha corrido a cargo del artista Brent Elliot White (MEGADETH, SOZIEDAD ALKOHOLIKA, AMON AMARTH,..), con el excelente resultado que podéis observar. El trabajo comienza con “Humanicide”, en el que los de Pasadena nos muestran desde el minuto uno por donde van a ir los tiros, y es que desde el inicio ya vemos que no nos van a decepcionar, que va a empezar a sonar algo grande, excelente tema para abrir el disco sin duda, como ocurre con la siguiente pista “Divine Defector” que discurre por la misma senda que la primera. A continuación llega “Aggresor” que es sin duda uno de los cortes más destacables del álbum, un tema lento en general pero con unos riffs de otra galaxia y como no, cargado de feeling y fuerza. En “I Came for Blood” nos entregan una canción de Thrash de corte menos elaborado, directo a la yugular con una base rítmica que recuerdan mucho a MOTÖRHEAD. Acto seguido llega “Immortal Behated”, un corte en el que bajan la velocidad para ofrecernos un medio tempo con ciertos tintes de oscuridad. Después de este parón volvemos a la velocidad con “Alive and Screaming” que junto al tercer track es el más directo, poco más de tres minutos de auténtico disfrute para tus oídos. “The Pack” es la siguiente pista, una una canción que podemos considerar como medio tempo, con unos riffs tan buenos como pesados con una labor a las cuatro cuerdas excelente, como en la totalidad del trabajo discográfico. Otro claro ejemplo de la labor del señor Sisson es la que viene a continuación, “Ghost of Me” que además de la excelente línea de bajo que posee, es el tema que más me ha gustado del disco, aun sin ser el más complejo, es sin duda al que más feeling le encuentro. “Reveletion Song” y “Of Rats and Men” son dos cortes que poseen el auténtico sello Bay Arena, aunque la velocidad no sea muy alta la saben entremezclar con las partes más machaconas existentes en las composiciones lo que hacen de ellos dos pistas a tener en cuenta del disco. Para cerrar el álbum nos encontramos con “The Day I Walked Away”, un corte que si bien no es de los más veloces si está cargado de buenos riffs y de los mejores estribillos del álbum, convirtiéndolo en un excelente broche final para este no menos excelente disco. DEATH ANGEL no suele defraudar y este “Humanicide” no iba a ser la excepción. CARLOS BERMEJO | 9

JORGE DE LA CRUZ | 8

DEATH ANGEL (USA) HUMANICIDE

NUCLEAR BLAST RECORDS “Humanicide” es el noveno larga duración de los míticos thrashers californianos formados en 1982 DEATH ANGEL que, como ya ocurriera con todos sus trabajos discográficos del siglo XXI, ha sido editado por el sello Nuclear Blast Records. El álbum que ha visto la luz el treinta y uno de mayo cuenta con una duración total de algo más de cuarenta y ocho minutos repartidos en once cortes, el quinteto practica obviamente, un Thrash Metal de la vieja escuela californiana, como no podía ser de otra manera ya que son referencia inequívoca de ella. El álbum ha sido grabado como ya ocurriera con su tres anteriores discos por Jason Suecof en los estudios AudioHammer de Florida (DEICIDE, DEVILDRIVER, CHIMAIRA, THE BLACK DAHLIA MURDER,…), para la masterización han contado con Ted Jensen en los Sterling

DEPRAVED MURDER (IDN) MANIFESTATION COMATOSE MUSIC Hablar de Indonesia en lo que a brutal Death se refiere es hablar de un país que trata a este estilo con verdadera pasión. Todos sabemos cuál es el resultado cuando se trabaja así, con pasión. El resultado son trabajos que salen de dentro, incluso aunque lo que hagas sea verdaderamente extremo. Aun así, la competencia es dura, muy dura, y no siempre hacer las cosas con pasión hacen que el resto de la escena se fije en ti. En este caso sí que ha sido así, puesto que Comatose ha sido la encargada de editarles este su segundo trabajo. Pero ojo… la competencia puede dejarles en el olvido, aun cuando los riffs son buenos, las intenciones inmejorables y la música extrema y poderosa. Podremos disfrutar, en los nueve temas de “Manifestation” de muchos elementos Slam con abundantes cambios de tiempo que suben el nivel de escucha del trabajo y lo hacen


más apetecible. Para ellos abundan los riffs muy machacones, rápidos y con un doble bombo en la batería que te hipnotiza. Una batería que está demasiado producida, pero que no le quita enteros al producto final, puesto que técnicamente es perfecta. Como no puede ser de otra manera, viniendo de indonesia, cuadran a la perfección cada instrumento, todo en su sitio, sin espacio para la improvisación ni para el descanso, haciendo de esto un muro extremo, rompe cuellos sin parar y palm mutes que te golpean hasta aplastarte. Y entre esta muralla de sonido nos encontramos con la voz de Azam realizando un trabajo de excepción. Serio, extremo, con guturales de ultratumba aunque no demasiado profundos hace temblar los cimientos del muro de sonido que nos presenta los instrumentos de cuerda. Un trabajo muy serio, sobrio y que a pesar de parecer monótono aporta crudeza. SANTI GZLEZ | 8.5

DETHEROUS (CAN) HACKED TO DEATH

REDEFINING DARKNESS RECORDS Como bien indican en su Web de Bandcamp, DETHEROUS una banda Alberta, Canadá, compuesta por 4 Death Thrash Maniacos. La formación se creó atrás en 2014, sacando algun Ep pero no ha sido hasta este 2019 que nos presentan primer larga duración como su álbum debut, “Hacked to Death”. Con 8 canciones intensas compuestas por el caos del metal de la vieja escuela con gran velocidad y un sonido agresivo. Entrando en materia el disco abre con “Smouldering Ashes”, tema rápido ochentero con gran velocidad, lleno de cambios de registros en las voces aceleradas, combinándolas con guturales. Esto es la tónica general en las ocho descargas de este álbum. En los temas “Practitioners of Pain” y “Ridden” al más al estilo KREATOR de sus inicios, con riffs de guitarra muy interesante que dan paso a la descarga vocal rapidísima te hará mover la cabeza sin poder parar. En “Monstrosity” bajan la velocidad un puntito pero lo ganan con ese sonido rasgado que te abre paso al blast beat típico del género. “Monstrosity” junto con “Brain Death” que hacen un punteo solista algo raro, pero que lo compensa con las partes rítmicas, son los dos tema que más me han gustado. En general una banda que ha recreado ese Thrash Metal de los 80, que tanto ha triunfado y que tantas alegrías dio. El sonido algo mejorable en su producción, pero en general bueno trabajo. JESÚS SÁNCHEZ | 6.0

tes de hacer el siguiente movimiento, pues cruzarlo a la cabeza de un ejército suponía una ilegalidad y lo convertía en enemigo de la República Romana. No obstante, allá por el 49 a.C. el general ordenó a sus tropas cruzar dicho río, a la par que pronunciaba la frase “Alea jacta est” (la suerte está echada). ¡Colorea y aprende con Teo! Desde entonces, la expresión se utiliza para definir aquella decisión de lanzarse a una empresa de arriesgadas consecuencias. “Rvbicon” también es uno de los trabajos más reseñables de los belgas ANCIENT RITES, donde militaba Domingo Smets en uno de los mejores momentos de la banda. Debió ser por entonces cuando el bueno de Domingo decidió cruzar su propio Rubicón y emprender camino hacia otros derroteros. Desde 2015 forma parte también de la banda que nos ocupa, ELUSION. Después de armar la banda, sacaron un primer EP llamado “Desert of Enticement” y ahora, en junio de este año, presentan el primer larga duración, “Singularity”. Domingo está arropado por una cohorte de músicos altamente cualificados pues encuadran su estilo dentro de lo que podríamos definir como Metal Sinfónico, gracias a las innumerables capas de arreglos, instrumentalización y las vocalizaciones de Evy Verbruggen. “Choices and Chances” abre el álbum y ya, desde la primera nota, te da una idea de lo que te vas a encontrar. Ecos sinfónicos que te harán pensar en bandas como EPICA o NIGHTWISH, aunque aquí hay más contrastes debido a unas voces ásperas que ofrecen el contrapunto a los altos registros de Evy. “The Tales that tres tell”, por el contrario, tiene una intro casi a cappella dulce y angelical, para entrar de nuevo en la línea creada por ELUSION: guitarrazos potentes aunque melódicos, técnicamente impecables, capas de teclados y arreglos de vientos, vocales tanto limpios como ásperos… “The Strive” (que cuenta al final del álbum con un remix) ofrece otro tema increíblemente melódico, con fragmentos más acelerados gracias al buen hacer de Frederik Van Mieghem a la batería, con una producción potente pero nítida y un épico bridge vocal que nos lleva hacia el final del tema. “Lovelorn” es otro tema melodioso donde todos demuestran su calidad como músicos (completan la banda Kristof Degreef al bajo y Stijn a la otra guitarra), con estribillos a dobles voces realmente logrados, un toma y daca entre Domingo y Evy que le da un equilibrio y una dinámica muy acertada. Continúan, a la mitad del álbum, con “In Eternity”, una powerballad como mandan los cánones del género con dramáticos arreglos orquestales. Con el siguiente tema, “Reconciliation of Opposites”, la banda se decanta por una serie de arreglos arábigos que dan muestra de lo versátil y ecléctico de su propuesta. “My war within” y “Crystal doubts” son los dos siguientes temas que nos llevan hacia el final del álbum con el sonido ELUSION: orquestal, sinfónico, metálico… Cierran con “Anamnesis”, un opus sinfónico de ocho minutos que resume lo que son, lo que han logrado y lo que es el sonido y estilo de estos belgas en su primer disco. Domingo Smets cruzó, como ya decíamos, su propio Rubicón y lo hizo para parir un proyecto como ELUSION, metal épico y sinfónico, con una producción y un sonido potente y nítido a la vez. Un álbum que da gusto escuchar y que es una recomendación para todo fan del Symphonic Metal, o para cualquier fan del Metal o para cualquier persona que tenga un mínimo de criterio musical y quiera disfrutar de buena música. CESAR LUIS MORALES | 8.5

ELUSION (BEL) SINGULARITY

ART GATES RECORDS Cruzar el Rubicón es una expresión que viene de los tiempos de Julio César. En aquella época, el arcilloso río era la frontera natural entre las Galias y la República romana. En aquellos tiempos, Julio César se lo pensó bastante an-

EXHORDER (USA)

MOURN THE SOUTHERN SKIES


NUCLEAR BLAST RECORDS Tras más de una separación en su historia, el pasado año 2017 los miembros originales Vinnie LaBella y Kyle Thomas, decidieron ir otra vez adelante con EXHORDER, una banda que a principio de los años noventa nos regaló dos álbumes llenos de Thrash (más el primero que el segundo) y riffs machacones donde daban una autentica bofetada a una agonizante escena, que veía como el Death Metal le adelantaba sin compasión. Pese a esto, “Slaughter In the Vatican” (1990) cogió a todo el mundo por sorpresa y fue una de las últimas grandes ediciones del Thrash Metal. Dos años después la banda edita “The Law”, un álbum más maduro, quizás menos veloz, pero mucho más agresivo en su propuesta, con una base que se acercaba al Metal más tradicional americano, pero que le daban una vuelta de tuerca hacia lo que luego terminó llamándose el “Groove”, ya que estas canciones, lo tenían y enganchaban al oyente de principio a fin, en un género que luego bandas como PANTERA adoptarían, perfeccionarían y llevarían a un mayor público. Y la pregunta ahora es ¿Qué nos ofrecen EXHORDER veintisiete años después de “The Law”? Pues voy a ser sincero y no deja de ser una revisión de lo que hacían hace tantos años, y he de confesar, que están en una forma excelente, porque este “Mourn The Southern Skies” nos ofrece una mezcla de ambos álbumes, con una perspectiva quizás más moderna, pero manteniendo esa garra que desprendían en “The Law”, aunque sin olvidar en ningún momento el Thrash Metal, como en el bombazo inicial “My Time”, “Beware the Wolf” o “Rumination” son trallazos llenos de baterías veloces, pero con un excelente trabajo de las guitarras que no ceden en ningún momento de ofrecer buenos riffs. El Metal más clásico también está presente en “Hallowed Sun”, “Yesterday´s Bones” o “All She Wrote” con buenos riffs, pero sobre todo estribillos muy clásicos que harán que una vez aprendidos se canten a mala hostia. Realmente lo que han demostrado EXHORDER con este “Mourn the Southern Skies” es que si sabes hacer buenos temas de Metal, da igual mezclar diferentes influencias o el tiempo que lleves sin grabar algo nuevo. Si lo que haces es bueno y tiene la calidad de estos temas, cualquier fanático del Metal o el Thrash clásico va a sentirse a gusto escuchando una y otra vez este álbum.

atracción principal es la voz, que nos deja con composiciones cambiantes, que van desde compases muy tranquilos, pasando por estribillos limpios y pegadizos y con algunos gritos algo potentes. Un tema cargado de contrastes y potencia. En el ecuador del trabajo suena “Victory”, donde nos abren unas voces muy lentas, que al momento se suman a unas composiciones más agresivas donde las guitarras y batería llevan la iniciativa, brindándonos unos potentes riffs que coronan voces limpias. Consiguen transmitir muy buena energía desde el primer momento, con estribillos limpios y muy pegadizos. Introducen unas partes vocales bastante rápidas, donde el ritmo rapeado las domina, consiguiendo mucho protagonismo. “Out of time” es una de esas canciones algo más tranquilas que el resto, pero que aún así, no se despega en exceso del conjunto. Consiguen mantener una buena energía, a pesar de contar con unos sonidos más leves, pero donde destaca en sobremedida un bajo bastante potente, que despunta en los estribillos, donde descargan algo más de potencia. Cierran con unas composiciones algo más potentes, dejando el final del tema en lo alto. El trabajo se encarga de cerrarlo “Break The Cycle” donde los sonidos tranquilos dominan las primeras melodías, donde asoma un poco la voz limpia, que nos deja con unas composiciones repletas de calma. Se mantienen así durante la primera mitad del tema, donde poco a poco vas subiendo el ritmo, donde consiguen acabar con algo más potentes y cerrar el tema casi por todo lo alto. Este nuevo trabajo de FIRE FROM THE GODS está conformado por composiciones muy pegadizas, donde la mezcla de voces limpias con potentes riffs, crean unos estribillos muy pegadizos en cada uno de los trece temas. Han apostado por unas composiciones más limpias, ganando en contraste pero perdiendo en potencia conforme al trabajo anterior. Sin duda un buen trabajo, con buenas composiciones y muy buena producción, pero a mi parecer, un escalón por debajo del anterior, sobre todo en potencia general. A pesar de ello, es un trabajo bastante completo, con el que disfrutar de cada uno de los temas de muy buena manera.

tonalidades de voces superpuestas. Y si antes hablamos de un clásico, “Mandatory Suicide” de SLAYER no se queda atrás, algo más rápida que su predecesora, pero envilecida con unos toques rasgados y un ritmo machacón continuo, acelerando el solo de guitarra para acercarse al original y llevarnos hacia una adaptación que me encanta, “Too Old Too Cold” de DARKTHRONE, donde los toques sludge se unen a un ritmo stoner, transformando este clásico de black en otro corte distinto y muy rítmico, con una parada central que oscurece la canción y le otorga personalidad; una gran cover. Tras el éxtasis, “How the Gods Kill” de DANZING nos lleva a otro clímax distinto, donde la voz la pone Eva Rose de CHRCH, otorgándole un aire misterioso y fantasmagórico, donde las estrofas primeras suavizan lo que está por venir en una segunda parte magnifica, transformando la sensualidad en dolor y rabia, otra adaptación perfecta. Para la parte final dejan dos covers quizás algo más desconocidas, “Reaper” de HELLHAMMER y “And Only Hunger Remains” de PUNGENT STENCH, mientras que la primera es pesada y muy densa, donde resalto la voz agresiva de las estrofas y gutural en el estribillo de Kenny; el segundo corte domina también su parte más doom, destacando el bajo, omnipresente a lo largo de los casi siete minutos, con unos toques muy SABBATH en la atmosfera que recrean. El cierre lo pone “The Failure”, un tema propio que editaron en un Split junto a DOPETHRONE en 2016, haciéndola más oscura e infernal, otorgándole un grado más de pesadez, donde los guturales se transforman en seña de identidad cambiando hacia tonalidades desgarradas, menos agudas que en la original. FISTER, nos deja un buen sabor de boca, aunque no sea un álbum propio, con estas adaptaciones de temas que han influenciado en su carrera musical, que guardan la esencia original, pero quedan muy bien planteados en su estilo personal. JUAN ANGEL MARTOS | 7

JORGE DE LA CRUZ | 7.5

LUIS MARTÍNEZ | 9

FLESHGOD APOCALYPSE (ITA) VELENO

NUCLEAR BLAST RECORDS

FISTER (USA)

DECADE OF DEPRESSION LISTENABLE RECORDS

FIRE FROM THE GODS (USA) AMERICAN SUN

BETTER NOISE MUSIC Los estadounidenses FIRE FROM THE GODS lanzan al mercado su tercer álbum de estudio, esta vez bajo el sello discográfico Better Noise Music. “American Sun” es el nombre del trabajo, el cual está compuesto por trece temas. Formados en Austin, Texas, el grupo está compuesto por AJ Channer en las voces, Jameson Teat y Drew Walker a las guitarras, Bonner Baker al bajo y Richard Wicander a la batería. Con voces y pequeños toques de guitarras comenzamos escuchando, “Truth To the Weak (Not Built To Collapse)” donde los ritmos de voces rapeados dominan los sonidos desde el primer momento, para poco después dejarnos con ritmos algo más potentes, encabezados por la voz limpia, que consigue transmitir buena energía positiva. Poco después añaden algo más de potencia que acaban rompiendo y cerrando el tema sonidos tranquilos. “Trust” nos deleita con unas composiciones con múltiples contrastes, donde desde el primer momento nos dejan con una gran mezcla de guitarras lentas con potentes, donde la

Desde Listenable Records nos llega el nuevo trabajo de los americanos afincados en Saint Louis, FISTER bajo el nombre de “Decade of Depression”, donde a través de su farragoso y oscuro estilo doom/sludge nos presentan 7 covers y un tema regrabado para la ocasión de los que hablaremos a continuación. Y la verdad es que las canciones elegidas son adaptadas a su estilo con una gran calidad, comenzando con “City of the Living Dead” de FABRIO FRIZZIE, que cualquier amante al cine de terror de los años 80 lo conocerá sin duda, además de ser colaborador indispensable para el cine de Lucio Fulci. En ella se nos introduce en un ambiente sosegado, instrumental y oscuro que te mantiene en vilo terminando con esas campanadas que se pierden en el horizonte y dan paso a un clásico de altura, “For Whom the Bell Tolls” de METALLICA, en la que el trío americano ofrece una base de bajo rasgada muy potente por Kenny Snarzyk, una melodía lenta donde el doom devora el thrash metal, pero sin perder la esencia por parte de Marcus Newstead y cerrando el círculo la percusión de Kirk Gatterer, así como las voces de ultratumba transforman el tema inicial pero encajándolo muy bien en su estilo, con un estribillo muy demoniaco jugando con varias

Se define la dicotomía como la división de un concepto o de una materia teórica en dos aspectos, especialmente cuando son opuestos o están muy diferenciados entre sí. ¡Colorea y aprende con Teo! Y desde que descubrí a los FLESHGOD APOCALYPSE me pasa un poco eso pero a tres bandas: ¿atiendo al Death Metal, a la parte sinfónica o a las dos a la vez? Los italianos son una banda difícil de escuchar debido a la densidad de la propuesta, debido a que la parte sinfónica está tan integrada en la metálica que es indivisible y te la tienes que gozar así, como con su nueva obra, “Veleno”. “Fury” abre la marcha con ese ritmo machacón marcado por cortesía de David Folchitto (STORMLORD) que se muestra implacablemente preciso, y ya percibimos el sello de FLESHGOD APOCALYPSE: la producción es brutal, todo suena, y ahí está la dualidad y mi preocupación. Cuando digo que todo suena es que “todo”: la batería, las guitarras, los arreglos orquestales, las entradas y salidas de teclados clásicos, los coros barrocos, el cuarteto de cuerda… Se puede apabullar por ser Death Metal, al igual que si le añadimos la vertiente más Technical, pero es que los italianos le añaden además la tercera variable que es el Symphonic y son demasiadas cosas entrando a la vez por dos orejas. Del mismo modo, ahí está la preocupación, porque ya sabemos cómo funcionan estas cosas en directo; a no ser que esté muy bien ecualizado en mesa de mezclas, las guitarras y la batería se van a comer el resto de instrumentos, y en una banda como

ésta, perder la parte operística y sinfónica es perder gran parte de su identidad. No obstante, el primer aluvión está pasado y siguen desgranando un embriagador “Carnivorous Lamb” y los dos Francesco, Ferrini al piano y a las orquestaciones y Paoli a la guitarra y la voz, realizan un trabajo de gran altura. El estribillo está especialmente logrado por el contraste entre los growls y la límpida voz del bajista Paolo Rossi, trabajando como ICS Vortex en DIMMU BORGIR, que empieza en registros altos y no hace nada más que seguir subiendo. “Sugar” es otra sublime pieza de Death Metal Técnico aderezado con unas endiabladas líneas de piano recordando por qué PAGANINI es una de las grandes influencias y otro estribillo de aupa: “Push! Push! Push! Push! / So let me see you push / The hunter has become the prey / The master’s turned into a slave”. Llegamos así a la primera instrumental del álbum, “The Praying Mantis’ Strategy”, que, con sus tensos coros femeninos, nos llevan a “Monnalisa”, donde rebajamos el muro sónico y tenemos un tema menos saturado que respira, con una intención muy RAMMSTEIN en las vocalizaciones pero con un resultado final más épico y sinfónico, con un emotivo fragmento de piano que demuestra que no todo es correr y tocar 10000 notas por minuto. Pero no te confíes, toma bofetada con “Worship and Forget” y rematamos con una muy CRADLE OF FILTH, “Absinthe”, grandilocuente, excesiva, con unas tareas vocales compartidas de nuevo entre los Francesco (por cierto, ¿qué les pasa a todas estas bandas con el Hada Verde, con la Fée Verte?). Si te flipa el comienzo de “Pissing on the Score”, lo entiendo, pero si también te flipa el resto del desarrollo y como toda la banda danza alrededor del piano de Ferrini es porque es el orden correcto de las cosas y no se puede argumentar nada en contrario. Después de tanto trallazo y después de aquel “Monnalisa”, deja que los FLESHGOD APOCALYPSE te pongan la banda sonora a tu paseo nocturno por el cementerio: “The Day We’ll be Gone” es hermosa, decadente, romántica, con la embriagadora voz de Veronica Bordachinni. “Embrace the Oblivion” suena terrible en su acepción más positiva, melodiosa, densa como melaza, equilibrada entre el Death y lo Sinfónico y lanzando un alegato hacia Κυβέλη, la Madre Tierra, la Cibeles griega en su parte final, con esa melancólica melodía de cierre que enlaza con el breve interludio de “Veleno” que cierra un disco, por otra parte, redondo. He escuchado este álbum en su edición DeLuxe, que incluye una versión del “Reise, Reise” de RAMMSTEIN y todo el “Veleno” grabado al completo en versión instrumental, y me lo he puesto del derecho y del revés, por delante y por detrás y ¡oh, niños y niñas, me voy ahora mismo a comprarme una levita! Incluso la variación con respecto a álbumes anteriores en el concept art de la portada, con ese diseño tan del estilo de El Bosco, me ha gustado. Habrá gente que sea más de la etapa de “Oracles”, otros del “Labyrinth” e incluso de la etapa del “King”, pero FLESHGOD APOCALYPSE siguen, en su fuero interno, siendo los mismos: Technical Symphonic Death Metal. “Veleno” es otro paso de gigante en una banda difícil de escuchar por lo denso de su música, pero eso no significa que se hayan reblandecido o hayan probado cosas raras (si una cosa funciona, ¿para qué cambiarla?). CESAR LUIS MORALES | 10

FRIJGARD (SWI) CHAPTER ZERO

ART GATES RECORDS La banda Suiza FRIJGARD es uno de los exponentes más claros de la nueva tendencia, NUM. 67 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 43


la evolución, de las bandas de Black Metal con varios años en sus espaldas. Ya no son muchachos haciendo música… Son músicos con inquietudes y ganas de crecer. El trabajo “Chapter Zero” es una declaración, una runa, donde la banda escribe un profundo cambio. Y eso muy bueno. Abre el trabajo “Blazing Ark” una poderosa canción que, lentamente, nos introduce en universos de dolor medieval y extraña y continua melancolía. Paganos a más no poder, la estética gris brumosa del arte de tapa se plasma como concepto artístico en todo el extenso álbum. Las guitarras son parte fundamental, armoniosas y con una exacta velocidad en cada compás. Lentamente la voz nos va hundiendo en un ambiente sigiloso, como si estuviéramos alrededor de una hoguera, escuchando las extraordinarias hazañas de nuestros antepasados a la defensa de los invasores (Menos mal que los VOX no entienden esta música, se pondrían más burros todavía). El Black Metal se huele en cada tramo del disco, pero, de nuevo hablando de tiempos de cambio, FRIJGARD pega un salto compositivo, y se ahonda más todavía en experimentar con ritmos que los acercan al Melódico, un toque de progresivo y, de nuevo, un cierto virtuosismo pagano que está siempre presente. Canciones como “Blurry Horizon” y “Falling Stars” toman elementos clásicos y los fusionan para estar entretenidos y pendientes de lo épico del disco. El disco entero, repito, está cargado de una poesía bien declamada, un cantante que transmite la oscuridad y la melancolía del inevitable destino del guerrero. Puede que el sonido no sea el más limpio para estas canciones, puede que este salto y esta apuesta creativa. Se refleja una excelente producción en “Crimson Skies” y “Haven” con todos los elementos bien conjugados a la hora de surfear entre estilos bien Blackened y bien sostenidos en canciones que superan los 5´. Antes del cierre tenemos una pieza muy diferente, tanto que ni siquiera parece de este disco, “Red Lines Crossed”. 8 minutos de locura compositiva de estilo no solo melódicos, hay velocidad y buenos cambios de ritmo, haciendo que sean dos ó tres canciones en una. Los puentes se repiten para dar paso a otra escena, incluso algo electrónico que termina con la voz más podrida que hayamos oído hasta el momento, denunciando a los traidores que deberán ser enterrados vivos para pagar sus deudas. Impresionantes momentos de teclados y coros heróicos con algunos riff´s no tan ajustados, pero la calidad para cambiar de velocidad, aunque vuelva a un mismo sitio, se merece un par de oídas. Final con “Aftermath” y “Tilia”, suena al guerrero volviendo a casa, garganta rota y pena en el alma. La victoria es nuestra, pero la mujer ya no. Han antepuesto, parece, más tiempo en la grabación del álbum, en los detalles de una obra que merece ser un tributo a los que ya no están, y a la hora de la mezcla, tal vez, haya perdido algo de pureza. De todas formas es un disco muy bien ejecutado, interesante por la propuesta y el riesgo que sugiere explorar otros rincones, y fusionarlos de un modo en el que para los estrictos amantes del Black Metal les cueste digerirlo. Pero la intensidad y el compromiso puesto en cada interpretación es una puerta nueva a estas bandas que han evolucionado tanto como músicos que las etiquetas les quedan extremadamente pequeñas. Cuando llegue el fin de año y comiencen las encuestas de mejores canciones del 2019 y etcétera, en mi lista, seguramente estará “Tilia”, y en mi “Top 5” “Chapter Zero” de FRIJGARD… os dejo, me voy bajo unos árboles a ver el atardecer y esperar a que la muerte llegue por mí escuchando versos paganos… SEBAS ABDALA | 8

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GOREGANG (USA) NEON GRAVES

TRANSCENDING OBSCURITY RECORDS GOREGANG es un dúo de Spring Hill, Florida, el cual nos ofrece su debut a través del sello Transcending Obscurity Records. Una banda que en su visión músical nos ofrece un Death Metal pesado, de ambiente oscuro y de la vieja escuela, con guitarras muy densas y donde su música no gira totalmente en la velocidad, sino que meten mucho Groove en su oferta, lo que junto a los coros algo más cerca de bandas de HC o Crust, hacen de su música algo diferente a lo que podríamos pensar de inicio. Una impresionante portada del artista español Juanjo Castellano ya nos da la bienvenida desde el inicio y si podemos pensar en una banda de Death viejuno, escuchar su música nos ofrece algo diferente, dando un soplo algo más fresco que se agradece. Porque la banda suena muy bien, guitarras pesadas y afiladas, con riffs como losas funerarias, que van mezclando partes veloces con otras más lentas y pesadas, un bajo denso y una batería que es incansable en su aporte de diferentes ritmos y velocidades. Esto todo mezclado con ritmos a veces algo más marchosos y crust / punk, a lo que añadiendo una duración muy corta de los temas, muchos no llegan a los 3 minutos, hacen de este álbum una experiencia bastante amena para escuchar y los temas tan directos, que con el añadido de los coros, seguro que gustará a mucha gente, aunque los más puristas del género vean esto extraño. “Neon Graves” me parece un buen álbum, una perfecta tarjeta de presentación y que suena más fresca que muchas propuestas musicales actuales y seguro mucha gente agradecerá, no suena a nada en concreto, pero sí hace que muchas bandas vengan a la mente, logrando una buena mezcla musical. Si quieres algo diferente, sin duda, te recomiendo escuchar este álbum, porque me da la sensación de ofrecer algo distinto en un estilo que muchas veces se anquilosa en sus bases y hace sonar a bandas distintas muy similares, no es el caso con GOREGANG. LUIS MARTÍNEZ | 8

muelas, y unos riffs que aunque a veces pueden pecar de simples, hacen que el conjunto se ensalce y te transporte. Como claro ejemplo de todo este trabajo, me gustaría dejaros reflejado el que para mi es un tema muy llamativo del álbum, y no porque sea el mejor, porque realmente me ha agradado el disco entero, si no por lo que transmite. Y es que hablamos de “Berserker”, y como todo buen álbum del género, este título no falla. Es una canción que te hace desear salir a saquear, te hace entrar en ese trance de batalla y que tu mente trinche y corte enemigos imaginarios de forma incesante. Tiene una entrada que al principio empieza suave y melodiosa, pero rápido coge el corte épico para de seguido desgranarnos con los guturales. La mezcla de cambios de tempos, de melodías y fiereza refleja lo bien escrita que está, lo trabajada y toda la mala baba de la que son capaces de soltarnos. Así que resumiendo,¿que os puedo decir de “Tales from Yggdrasil”? Que es un gran disco, compacto con muchas fortalezas y casi ninguna debilidad. Que si buscas un disco que te sorprenda para bien, este es tu disco, porque dudo que te dejen indiferentes y más en un mundo tan trillado como es el vikingo. HAVAMAL ha sabido hacer bien los deberes, con lo que no dudo que con el tiempo estemos hablando de ellos más de continuo.

HEX (ESP)

GOD HAS NO NAME TRANSCENDING OBSCURITY RECORDS

HEART OF A COWARD (GBR) ARISING EMPIRE RECORDS

TALES FROM YGGDRASIL ART GATES RECORDS Desde Suecia, tierra de vikingos por excelencia nos llega HAVAMAL con su debut “Tales from Yggdrasil” y de la mano de la discográfica Art Gates Records. La banda se forma en 2016 buscando crear un sonido sinfónico lleno de brutalidad, inspirándose en la cultura nórdica y la vikinga. Tras recaudar un gran éxito con su primer EP, con este primer álbum buscan expandirse y conquistar el mundo a base de su poderoso sonido. Que para ir haciendo de antesala, en HAVAMAL, encontraremos referencias claras a bandas de gran renombre como AMON AMARTH (de hecho, su sonido es muy similar en muchos temas), BRYMIR, KALMAH, etc. Y sí, como habréis podido observar, solo con las referencias, es un Death Metal Sinfónico/ Melódico con toques y sobretodo letras e influencias vikingas, con lo cual la comparación con AMON AMARTH será la piedra angular, a la hora de evaluar a esta banda. Y nada más lejos de la realidad, si bien es obvio que se parecen como ya he recalcado, creo que buscan diferenciar bien su sonido y buscarse su hueco en el panorama mundial, sin tener que seguir la sombra de nadie. En cuanto a lo que es el sonido en sí, me parece un trabajo prodigioso, han sabido mezclar muy bien la parte instrumental nórdica tradicional, con una voz negra como un dolor de

JORGE DE LA CRUZ | 9

RUDY PERTU | 9.5

THE DISCONNECT

HAVAMAL (SWE)

de las melodías. “Isolation” se encarga de cerrar este magnífico trabajazo y lo hace con poco más de cuatro minutos de potencia, donde nos deleitan con unas guitarras super cañeras, componiendo unos riffs pesados que se mantienen casi intactos como base instrumental durante todo el tema. En las líneas vocales nos encontramos con voces dobladas en forma de coros, dándonos un toque algo más oscuro y pesado, generando esa misma sensación durante todo el tema y cerrando con un tema super potente, un trabajo excelente. Como siempre, HEART OF A COWARD no decepcionan y llegan con un trabajo magistral, donde derrochan energía y furia por los cuatro costados, dejándonos con diez temas muy variados, donde la potencia impera, pero dejan sitio para estribillos pegadizos y algo más livianos que ponen su punto melódico en las brutales composiciones. Sin duda un disco muy completo, no al nivel del anterior que me parece sublime, pero si bastante bien conseguido, y que les hace marcar un buen camino por donde deben seguir trabajando.

Los británicos HEART OF A COWARD lanzan al mercado su cuarto álbum de estudio, bajo el título “The Disconnect”. Arising Empire Records se encarga de editar estos diez temas que forman el trabajo. Formados en 2007 en Milton Keynes, Reino Unido, el grupo está compuesto por Kaan Tasan a la voz, Carl Ayers en la guitarra y los coros, Steve Haycock en la guitarra, Vishal Khetia en el bajo y Chris Mansbridge a la batería. Comenzamos escuchando “Drown in Ruin” donde comienzan dándonos calma para al momento romper con unos riffs muy potentes, donde las guitarras participan con un sonido bastante crudo y frenético. En los estribillos nos dejan con unas composiciones pegadizas a la par que super agresivas, donde la voz toma una iniciativa brutal y nos regala unas composiciones increíbles. Como uno de los primeros singles, “Collapse” suena en tercer lugar, llegando con una batería brutal, dándonos una base instrumental increíble. Mezclan de manera alucinante unas guitarras muy rápidas, con una batería que deja una pegada muy buena, generando sensaciones de potencia y velocidad a partes iguales. Geniales guitarras son las que componen la parte de las cuerdas, con un bajo que genera muchísima fuerza, aumentando la furia de los breakdowns que nos proponen. “In The Wake” suena llegando al ecuador del disco, dejándonos, desde el primer momento, con unos ritmos rápidos, pero con una pegada muy potente y pesada. Generan unos riffs super pesados, donde los sonidos graves son predominantes, excepto por un estribillo algo más melódico que se entrelaza a la perfección con los riffs pesados, donde batería y guitarras se tornan en una simbiosis de furia frenética. Acercándonos al “Suffocate” donde nada más comenzar nos topamos con unos riffs la mar de agresivos, donde las guitarras suenan en primer plano para poco después dejarnos con ritmos algo más rápidos. Cambian de tercio en un estribillo, que a pesar de seguir manteniendo la potencia, baja en velocidad, dejándonos con algunas voces más limpias y unas composiciones algo más lentas que el resto

En la antigüedad, en los tiempos del oscurantismo y de las creencias populares supersticiosas, se creía que había personas que eran capaces de producir daños y quebrantos a otra con el simple poder de su mirada. De la parte afectada, se decía que estaba aojada o que le habían echado un mal de ojo. ¡Colorea y aprende con Teo! Multitud de remedios y protecciones se idearon contra el mal de ojo. De hecho, es a nuestro querido Ronnie James Dio a quien se le atribuye la introducción en esta nuestra gran familia de la mano cornuta (si no sabes de que te hablo, heavy, lo que se dice heavy, no eres). Heredado de sus ancestros italianos, aquel mantra manual para ahuyentar el malocchio es ya un símbolo universal de nuestra cultura metalera. Con esta banda, con HEX, puedes utilizarlo en dos sentidos: para prevenir su maleficio (pues es lo que significa su nombre) o para dar tu aprobación metalera. En el primer caso, con dos manos cornutas te quedarás corto para prevenirte de su embrujo; en el segundo caso, para dar tu aprobación, también te quedarás corto, porque este “God has no name” es demasiado todo: demasiado pesado, demasiado oscuro, demasiado Black, demasiado Death, demasiado perfecto… El brutal aporreo de apertura de “Thy Kingdom gone”, esas pistas pregrabadas que van paneadas de un altavoz al otro, el riff a medio tiempo, acompañado por el doble bombo también traqueteando pero sin ir desbocado, los Muros de Jericó que se te vienen encima, mientras las guitarras dibujan melodías oscuras a lo BEHEMOTH. El perfecto equilibrio entre el Doom y el Death… ¡y solo es el primer tema! ¿En serio? ¿Esto es real? Una constante que se aprecia a lo largo de todo el álbum es el perfecto equilibrio entre los riffs más lentos, más pausados y abiertos heredados directamente del Doom, así como la facilidad para mutarse en bestias Death machaconas, de sexta cuerda al aire, acelerados, pero aun así acompañados con melodías creadas desde el combo Adolfo WB/Jon, los dos hachas de HEX. Y los growls de Jonathan que se alargan hasta la agonía como en “Soulsculptor”. Tanto “Worshipping Falsehood”, que se mueve en modo zombie (lento pero letal), como “Dævangelism – The Dark sunset” tienen esas grabaciones insertadas que le dan otro rollo completamente distinto. Ésta última evoluciona y se mueve de la lentitud del Doom a la


velocidad del Death con una fluidez pasmosa, sin transiciones abruptas, demostrando una maestría que no hace sino dejarte boquiabierto. Y en la última mitad, el monstruo no hace sino avanzar a paso firme bajo la batuta de los timbales del versátil e hiperquinético Asier Amo. Todo el mundo, cuando empieza a tocar, tiene unas referencias, unas bandas o músicos favoritos, pero aquí, aquí no hay alumnos, aquí hay maestros. Mención aparte de la producción de este disco, clara, nítida, precisa y sobria, una auténtica maravilla, de lo mejor que te podrás echar a las orejas en este año (y muy probablemente en muchos tiempos). Porque todo el mundo tiene su espacio y su brillo, incluso el gran olvidado de los géneros más extremos, el bajo, aquí machacado por Endika. HEX no se comporta como una banda más del género, sino que no tiene miedo a probar otras cosas. Como, por ejemplo, en “Where Gods shall not reign”: insertos pregrabados, vocalizaciones femeninas, susurradas y agónicas, otro acierto, otra sinfonía gótica, oscura, otra página con letras de oro en la historia del estilo. “Apocryphal” te abofetea a velocidad constante con un solo guitarra tipo Kerry King, atonal y sucísimo. Como las hordas mongolas, entra, arrasa con todo y se va. Y para cerrar, otra obra maestra con “All those lies that dwells…”, otro puñetazo que te clava en la realidad del Metal Extremo. HEX te ha pasado por encima y te ha embrujado. Si has sobrevivido a la escucha, sabes que has vivido una experiencia única. Sabes que con dos manos no tienes suficiente para hacer las necesarias manos cornutas para valorar a HEX. Sabes, como ya he dicho antes, que aquí no hay alumnos, ni siquiera aventajados, aquí hay maestros. “God has no name” es un álbum que muestra todo lo que es capaz de hacer una banda como los bilbaínos HEX, y lo que van a hacer es embrujarte de por vida. CESAR LUIS MORALES | 10

track de obertura con un oficial de las S.S. que nos pone los pelos de punta es la invitación perfecta para la despiadada interpretación que es la esencia del trabajo. HOLOCAUSTO sin artilugios pone toda la carne al asador desde las primeras canciones “Holocausto” y “Refugiados – soluçáo final”. Descarnados en sí tanto por el nombre como por la furia que pone toda la banda, es la misma potencia que los mantiene vivos por más de 30 años. Es pureza de Black-Metal y un toque de Speed, con esa distorsión bien manejada y el germen, el bacilo, de lo que años después SEPULTURA convertiría en “Chaos A.D.” o “Territory”, sí, así como te lo cuento. Lo que en aquel entonces se llamaba “War Metal”, sonido creado, justamente, por HOLOCAUSTO No hay descanso, así nos mantenemos en un largo recuento de tragedias, la voz nos va narrando los eventos más bajos de la raza humana, y la música suena acorde a esas sensaciones. El ecuador del disco trae un pause, de nuevo un discurso con tono marcial que nos abre las puertas a un cambio de tonos y estilo. Ya el thrash es más melódico, y armonioso incluso; pero en ningún momento baja la velocidad. El sonido mejora un poco, pero el desprecio de la voz no. Canciones como “Diário de Guerra” o “Pelotáo da Morte” son las joyas por los riffs abundan haciendo más entretenido y menos angustioso el mensaje, la idea. La batería toma un nuevo aire para interpretar de modo diferente esta sesión final. Cierra un “outro” descarnado, que nos hunde aún más en la visceral experiencia que es escuchar canciones veloces y oscuras como “Zona de conflito (faixa de Gaza)” o “Símbolos de discordia”. El sonido es marca registrada de HOLOCAUSTO, se auto-denominan como la primera banda de “War Metal”, no es que sean monotemáticos, es su sonido personal, su creación. Si nos remitimos a los orígenes más recónditos del Metal Extremo en Sudamérica, tenemos que hablar de ellos, quienes suenan como quieren, sin descanso, con fuerza y leves variaciones en los cambios de tono, no se hace monótono, al contrario, manejan la versatilidad en perfecta comunión con el mensaje. “Diário de Guerra” es un nuevo lanzamiento de la banda, tocando tal y como lo hacían en sus orígenes. No apto para nuevas generaciones que no comprenden que un disco es un concepto, no una mera conjunción de canciones editadas en un ordenador. SEBASTIÁN ABDALA | 7

HOLOCAUSTO (BRA) DIARIO DE GUERRA

NUCLEAR WAR NOW! PRODUCTIONS La historia me alcanza, por suerte, para traerme buenas nuevas de ese pasado que, al terminar los veranos, siempre me encontraba con regalos de un amigo que me traía cintas de sus viajes. Era el año 1989 y el regalo fue un recopilatorio con bandas de Metal de Brasil. Un recopilatorio había nombres como RATOS DE PORAO, SEPULTURA, VIPER y, claro, HOLOCAUSTO banda que este año que se acaba ha editado nuevo trabajo, “Diário de Guerra”, luego de más de una década en hibernación. Un disco que nos pone en la realidad más cruel, realista y sincera que estamos viviendo… desde hace decenios, y que se remonta a los verdaderos orígenes de esto que hoy llamamos “Metal Extremo”. La grabación es cruda, como si fuera en directo, cuesta apreciar matices y profundidad en los dos tramos que parece estar dividido. Conociendo un poco el pensamiento de “la vieja guardia” (a nivel mundial por lo que se ve) se reniega de los recursos tecnológicos para masterización, mezcla o, incluso, grabación. No hablo de auto-tunes o porquerías por el estilo, simplemente la actitud de “¡cuando yo era joven grababa en cinta abierta en 30 minutos!”, pues un poco así suena, pero no por ello, cuando la potencia y las canciones son buenas se debe despreciar el disco. ¿Se hace intolerable y se pierde la idea, el hilo? No. “Old School Metal”, o morir con las botas puestas, es un estilo de vida y “Diários de Guerra” es un claro ejemplo de ello. Obviando este detalle pasamos al disco en sí: el mensaje, la idea, la denuncia, es poner una banda de sonido a los conflictos armados que rodean el Globo, hoy y siempre. Un

HUMANART (PRT)

(FURTHER) INTO THE DEPTHS AUTOEDITADO Nos llega el reciente trabajo de la banda más legendaria (en activo) del Únderground portugués: HUMANART. Formados en 1998 hacen gala de su oficio y sacan a la luz el trabajo “(Further) Into the depths”; un disco que nos trae todo lo que podemos esperar de esta raza de seres crecidos en el odio y el caos que implica el Black/Death Metal. Pero no llega a golpear donde debe. Tal vez por un sonido que se acerca mucho a los límites de la distorsión y se ocupan de transportarnos a una época donde el Black era más de culto, todavía, que hoy. La verdad, en este caso, no es algo favorable. Comenzamos con una apertura, demasiado extensa, que nos sitúa en la localización “noventosa” que decidamos nosotros, para dar paso, casi sin respiro a “Underground Slut”, que se convierte en el primer track del álbum, dejando claro de qué va la cosa. Una poderosa canción que lo tiene todo, velocidad, desprecio y altibajos de ritmos con pocos break´s y repeticiones de estribillos para dar paso a bien ejecutados riff´s. A mitad de la canción hay un cambio de marcha más y nos damos cuenta de que esto requiere una tensión constante. Las canciones siguientes mantienen la


línea, repito lo del sonido “garaje” que, si bien uno respeta lo clásico, le da una tonalidad opaca a un trabajo que podría ser más equilibrado para tener 7 canciones en las cuales, la que menos dura, llega a superar los 3 minutos. Canciones como “Lodge of filth” y “Victorius path” nos hacen creer que estamos ante un resumen de la carrera de la banda, porque de unas voces más tipo “screamer” nos metemos en un gutural oscuro que se acompasa bien con las melodías que intentan dar forma a un sello propio, lleno de ese odio y velocidad. Los coros y las entonaciones nos acercan un poco a cierto paganismo que no termina de tomar forma. Y de nuevo a lo mismo. “invocation”, cuando ya llevamos casi 20 minutos, nos introduce en un mundo de terror clásico. Ruidos de feria, payasos que se ríen, y ahí llegan las guitarras monocordes dando el alto a cualquier lucidez creativa. Puede, si cabe, que esta sea la canción más bruta del disco, tanto por la interpretación del vocalista como por la velocidad de la banda a la hora de meternos en el contexto que quiere inducir el disco. Pero sigue siendo el sonido algo retro, lo cual no ayuda a definir las ideas, ni a poder apreciar el trabajo sin sentir que estamos ante algo no tan relevante como nos esperábamos para la banda que es. Termina el disco con 3 buenas canciones, en las cuales los matices son algo menos repetitivos y tienden a variar de estilo. Tal vez la mejor producción en cuanto a voces las encontremos en “Nefilim”, la joya de la corona, una buena canción con un tiempo preciso, algo más de 3 minutos y medio. El disco se hace denso por tramos, y levanta al final con estas ideas, porque mejora mucho la batería, dejando claro cuál es el estandarte y el plan de HUMANART. Esta banda es uno de los pilares del Metal Extremo y únder del país vecino, las ideas son muy buenas, pero las ejecuciones se quedan a las puertas de algo que podría haber sido bastante mejor. Reitero lo del brillo que se opaca un poco por la falta de pureza en el sonido: “Black Crusade” suena a que podría haber sido una lenta decapitación de enemigos con invocación a Satán incluída, pero lamentablemente, termina convirtiéndose en una canción más del disco. SEBASTIÁN ABDALA | 5

ILLIMITABLE DOLOR (AUS) LEADEN NIGHT

TRANSCENDING OBSCURITY RECORDS Desde Transcending Obscurity Records nos llega uno de esos álbumes perfectos para el tiempo que nos espera en los próximos meses, hablamos de los australianos ILLIMITABLE DOLOR y su nuevo trabajo “Leaden Night”, funeral/death doom donde la melancolía y la nostalgia se dan la mano para guiarnos hacia un viaje retrospesctivo y oscuro, perfecto para cualquier día de frio y lluvia. Si te gustan bandas como OFFICIUM TRISTE, CLOUDS, EVOKEN o MY DYING BRIDE, estas de enhorabuena con este trabajo que vamos a desgranar. “Armed he brings the Dawn”, es un colosal y monolítico tema de casi quince minutos que nos da la bienvenida a su mundo pausado y lento, donde las atmosferas opresivas tristes y melódicas son la nota predominante creadas por sus guitarras Stuart Prickett, Dan Garcia y Peter O’Donohue, matizando estos entresijos mortuorios con unos teclados envolventes a cargo de Guy More y la densa percusión de John McLaughlin. Todo esto se engalana aun más con la voz gutural grave y profunda de Stuart, donde los tonos limpios se quedan solo en ciertas pinceladas en segundo plano doblando algún que otro pasaje y que por otro lado me hubiera gustado algunos matices más; un temazo para abrir el álbum. “Soil She Bears”, es más densa si cabe, pero con un cariz especial en una parte central donde

la instrumentación toma el protagonismo con tal elegancia que te harán soñar y flotar por unos minutos mientras escuchas cada uno de sus matices de teclados y arreglos de cuerda que nos lleva hacia “Horses Pale and Four”, donde el funeral doom toma su nombre por bandera, con unos ritmos de batería que hipnotizan desde el primer minuto y que parecen pausar el tiempo reactivado por los teclados y la voz de ultratumba. “Leaden Light he Coils”, está bautizada con una belleza gótica especial, que se extiende casi al cuarto de hora de nuevo, y que va construyéndose lentamente con un ritmo creciente en un ejercicio de doom perfecto, que a pesar de su duración posee un aura continuo con tal fuerza que te mantiene en vilo y centrado en escuchar cada rincón de su estructura musical que va desarrollándose sin pausa, matizando detalles oscuros en un devenir temporal, en la que introducen un aspecto tonal en las voces más rasgado, otro temazo de funeral doom, que nos lleva a la pieza más corta del trabajo “2.12.14”, completamente instrumental, donde las guitarras adquieren su forma limpia sobre una base de percusión y teclados creando una canción para dejarte llevar repleta de belleza emocional. JUAN ANGEL MARTOS | 8

IMMINENCE (SWE) TURN THE LIGHT ON

ARISING EMPIRE RECORDS Los suecos IMMINENCE lanzan al mercado su segundo álbum de estudio. Bajo el sello Arising Empire presentan estos trece temas, donde al conjunto lo han llamado “Turn the Light On”. Formados en 2009 en Malmö y Trelleborg, el grupo está compuesto por Eddie Berg a la voz y al violín, Harald Barret a la guitarra y voz, Christian Höijer al bajo y Peter Hanström en la batería. Comenzamos escuchando “Erase” que comienza con unos pequeños ritmos donde la voz melódica suena por encima, dando mucha importancia a la línea vocal, para al momento comenzar a sonar una instrumentación bastante potentes, donde nos dejan con fuertes riffs de guitarras, a una velocidad bastante contenida. La mezcla de potentes baterías con algunos sonidos de violín es todo un acierto que nos da un sonido bastante característico, dejándonos con composiciones muy interesantes, como en “Infectious” donde desde un primer momento nos dejan con una intro donde el violín toma gran protagonismo, mezclándose con los potentes riffs de las guitarras. Son capaces de intercambiar en sus composiciones ritmos muy agresivos, donde introducen, en la línea vocal, una agresividad increíble generada por una voz gutural super potentes. Cierran el tema con unos sonidos muy leves, bajando el volumen poco a poco hasta quedar a cero. En el ecuador del trabajo nos topamos con “Death of You” un tema bastante lento, que nos abre con voces leves y unos pequeños sonidos que la acompañan. Dan mucho protagonismo a la voz, que nos deja con unas composiciones muy buenas, sobre todo cuando se mezcla con el violín, dejándonos unas composiciones muy fluidas. Consiguen un tema bastante melódico y entretenido, que nos sirve de frontera para poco después continuar con temas algo más pesados. Acercándonos al final del trabajo nos encontramos con “Wake Me Up” donde nos deleitan con una batería bastante potente, con muy buena pegada, que se entremezcla con guitarras muy potentes y voces guturales agresivas, para crear un conjunto bastante potentes. Esto lo hacen en los estribillos, en el resto del tema nos dejan con sonidos más leves donde la voz toma un gran protagonismo y nos dejan


con unas composiciones muy bien conseguidas, como en “Love & Grace” donde en poco más de cinco minutos de tema, nos deleitan con unas composiciones muy melódicas, con un sonido super depurado y bien conseguido y unas líneas vocales increíbles Poco a poco, introducen algo más de potencia, pero dura poco, dejándonos de nuevo con sonidos muy tranquilos y cerrando con composiciones muy lentas y pausadas. Este nuevo disco de IMMINENCE los posiciones en una parte del panorama musical muy bueno, ya que nos dejan con un trabajo que cuenta con una producción alucinante, donde las composiciones, tanto pesadas como lentas, suenan de manera brutal. En el conjunto de los trece temas nos encontramos con un altibajos de emociones, dejándonos con partes muy muy lentas y pasando por otras bastante más agresivas. Sin duda un disco muy variado, donde los temas se disfrutan de principio a fin y donde se nota que el grupo ha puesto todo la carne en el asador para dejarnos con un trabajo fantástico.

todo. Como llena todo el equilibrio que han conseguido. Es por eso que decir de esto que es progresivo, que es técnico o que es Death metal es verdad pero a medias, porque lo es todo a la vez, sin serlo de lleno por completo, causando por consiguiente una necesidad de más en cada uno de los aspectos sin abusar ni aburrir en cada uno de ellos. No espereis una guitarras shred continuamente porque no la vais a encontrar incluso aunque escuchemos grandiosos solos de guitarra a dos armonías. No esperéis líneas de bajo salidas de tono, incluso aunque podamos disfrutar de elementos espectaculares en él. No esperéis pasajes de expectante ambientación porque solamente llegaremos a descansos para vuelta a la tónica. Eso sí, esperad una voz grave, oscura, y con una manera de interpretar las líneas cercana, ojo, cercana, que no idéntica, a la de Oli de ARCHSPIRE. De momento, en lo que llevamos de año, es el trabajo que más vueltas ha dado en mi reproductor, y aún le quedan unas cuantas. SANTI GZLEZ | 9.5

JORGE DE LA CRUZ | 8.5

al que se le nota la experiencia y sabe cómo llevar la batuta en una banda como INERT. En su segunda parte, el tema se aparta de la vieja escuela y se marca unas notas discordantes que dan gran dinamismo a ese interludio, aunque luego el Shai-hulud comienza de nuevo su avance imparable. “Kingdom of Sulphur” abre con un growl embrutecido de Gustavo, como un gorila en la niebla, y el tema es azufre puro, quema, abrasa; es como un enjambre de avispas enfurecidas en tu cabeza, dando paso a un “Value’s Decay” que no te deja reponerte del ataque anterior, y deambula entre el Death y el Thrash con una gancho terrible, para pasar por partes más acústicas en su fade-out. Dónde las cosas se ponen realmente buenas es en el siguiente tema, “Rotten Corpse Feast” (uno de mis favoritos del álbum). Aquí es que es lo que es: título escandalosamente explicito, riffs a todo meter, batería acelerada que pasa de lo Hard Core a los dobles bombos y blast-beats más Death, growls encabronados, una guitarra dinámica y tirando de palanca de tremolo. “La Malura” puede pasar por la banda sonora de una película de terror, convenientemente electrificada y con la cruel interpretación de Gustavo, y esos sonidos finales (lóbrega campana, zumbido de moscas…). “Vermin (New Breed)” cuenta con esos solos alocados tan Kerry King y tirando de nuevo a todo lo que da de la barra de tremolo; pero cuando te han vuelto la cabeza del revés se cascan una versión de “Horse’s Mane” de los darkies ANIMIC, convenientemente INERT-izada. ¿Qué, cómo se te queda el cuerpo? CESAR LUIS MORALES | 9.5

INANIMATE EXISTENCE (USA) CLOCKWORK

THE ARTISAN ERA He aquí una banda que en ocho años de existencia han sido capaces de editar 5 trabajos completes. He aquí una banda que desde 2016 atesoran tres de los mejores trabajos que he escuchado yo en este estilo en todos los tiempos, he aquí una banda compuesta por super héroes de su instrumento. He aquí una banda que ha pasado ni más ni menos que por Unique Leader y por The Artisan Era, dos de las discográficas bandera en cuanto a technical Death metal se refiere. He aquí una banda que es un ejemplo de dedicación, maestría y capacidad de trabajo. Yo no doy crédito. Aun así, he de reconocer que, aun sabiendo que editan grandísimos LPs, después de “Calling From A Dream” no han vuelto a deslumbrarme de la misma manera. Sé que es porque les exijo más que al resto, pero es que ese trabajo lo tenía todo, y sobre todo lo que tenía es la capacidad de sorprenderme, y eso solo suele pasar una vez. Por todo lo demás, los siguientes trabajos es posible que sean mejores, pero ese me tiene cautivado. De cualquier forma su evolución ha sido soberbia, lejos de mantenerse ellos quieren llegar a más y quizás en ese afán y por lo supuestamente difícil que es hacer nada nuevo en este mundillo, “Clockwork”, trabajo del que podréis disfruta en breve, no es algo novedoso, pero es algo que tiene todo lo que se puede pedir. Empezando por la portada, obra de Justin Abraham, muy del estilo, muy reconocible y, aunque no brillante, en mi opinión, si acorde. Siguiendo por el sonido, trabajado mano a mano entre la banda y Zack Ohren en Sharkbite Studios, y… que voy a decir de la música!!! Bueno, sigo por el sonido. Es potente, nítido pero potente, digamos que bastante real sin llegar a ser realmente orgánico, pero dejando entrever que esto se toca, no se programa y que se puede disfrutar como un disco de metal, no como un proyecto de estudio. De antemano os digo, si no habéis escuchado sus anteriores trabajos, hacedlo. Sé que es algo que va a pasar en cuanto escuches este, pero es que es de recibo porque la banda evoluciona, crece, desarrolla, hasta llegar a un “Clockwork” en el que, con una potente base de Death técnico, nos apabullan con progresiones guitarreras de ensoñación armónica, con pasajes midtime, con melodías acústicas, con parones mas Groove, con ambientaciones sintetizadas, con elementos de bajo de alta sustancia metalera, pero sobre todo, sobre todo, con un talento implícito que lo llena

INERT (ESP / SWE) VERMIN

NECKBREAKER RECORDS Existen, dentro del imaginario popular, una serie de bestias formidables que habitan en los recónditos rincones de nuestra mente gracias a la prosa de ciertos autores. El Balrog de Moria de Tolkien, el Cola-cuerno húngaro de J.K. Rowling, el impronunciable y recurrente Cthulhu de Lovecraft y la lista suma y sigue hasta el infinito… ¡Colorea y aprende con Teo! Pero, personalmente, dentro de todo ese bestiario, existe una que se lleva la palma. Frank Herbert escribió en su momento – por extensión, por profundidad y por un montón de razones más – el equivalente a “El Señor de los Anillos” pero en la ciencia ficción: “Dune”. En dicho planeta, en Arrakis (también conocido como Dune) habitan los Shai-hulud, los gusanos de arena. ¿Podeis imaginar un gusano del tamaño de una cordillera (trescientos o cuatrocientos metros de largo)? ¿Podeis visualizar esa bestia que se mueve como un tren de carga con un sonido crepitante bajo las interminables arenas de Arrakis? Esa es mi recomendación literaria de hoy. Con respecto a la recomendación musical, tenéis este otro gusano, del latín vermis, vermis, y que ha derivado hacia el inglés “Vermin” (en realidad, se traduce como bicho, alimaña, pero…). Pues este álbum es la carta de presentación, después de un EP del 2016 “Obliteration of the Self”). ¿Y qué es “Vermin”? Pues un Shai-hulud, un gusano de arena, una bestia enorme que avanza arrasando todo lo que encuentra a su paso. La banda, los padres creadores, INERT son un par de rara avis que habitan a unos tres mil kilómetros el uno del otro: el guitarrista Xavier Aguilar y el vocalista Gustavo García; el primero, en Estocolmo, el segundo, en Barcelona. Y encima pa’más cojones se ponen como nombre INERT: flojo, incapaz de reacción, inactivo. Aquí no hay nada inerte, nada flojo; todo lo contrario: hay pulso, hay vida, hay – como ya he dicho- un Shaihulud que se mueve como una locomotora a toda máquina. Abrimos con el homónimo “Vermin” y ya asoman las orejas del lobo, traqueteo de timbales para pasar al asalto frontal al más puro estilo Old School. Sí, de esto hemos mamado tú y yo, y nos pelamos las orejas e hicimos callo. Pero suena fresco, contundente, eléctrico, furioso y da paso a “Bassals de Sang”, en la misma línea. Riffs amenazadores, a medio tiempo, dan paso a “Murderer in me” y Martin Karlsson empieza a hacer de las suyas (al igual que en resto del disco) demostrando ser un batería dinámico, versátil y muy competente, un músico

[IN MUTE] (ESP) CHAOS BREEDER

ART GATES RECORDS Hubo un tiempo en que en el imperio español no se ponía el sol. Los territorios de ultramar comprendían partes de Centro América y Sudamérica, colonias en África y hasta terrenos en Filipinas. De aquellos tiempos convulsos y de la enemistad de nuestro país con los vecinos Francia, Portugal o Inglaterra viene una frase que pasó a la posteridad para expresar la consecución de algo muy complicado y que además, constituye un hito y es la de “poner una pica en Flandes”. De aquellos años, como digo, la región de Flandes (que comprende los actuales Países Bajos y terrenos adyacentes) era una zona de constantes conflictos de España contra el resto de la Europa protestante. La ruta por el Cantábrico estaba cortada por los ingleses, por lo que se recurrió a los puertos genoveses y desde allí, se enviaban por tierra las tropas hasta la región de Flandes, un camino que pasaba por territorios hostiles y llenos de peligro. Por eso, poner un solo soldado (armado con su correspondiente pica) era una campaña harto dificultosa y cara. De ahí, lo la expresión de poner una pica en Flandes. ¡Colorea y aprende con Teo! Muy probablemente en las cercanías de aquel Flandes de hace siglos, se sitúa el estado federado de Schlewig-Holstein, donde localizamos el municipio de Wacken. Ahora sí nos suena todo, ¿no? Año tras año, miles de metalheads acuden en tropel cual hordas vikingas a celebrar el Festival W.O.A., la puta Meca del metal. Y la banda que nos ocupa es una de esas bandas que, con esfuerzo y tesón, con un par de testículos (u ovarios) clavó su pica en Flandes, o en el Wacken. En el año 2014, en su vigésimo quinto aniversario, los allí presentes pudieron disfrutar de IN MUTE. Y ahora la banda está de vuelta con este “Chaos Breeder”. Han cambiado las cosas, Steffi, su vocalista desde casi el principio está fuera y ha entrado la serbia Vanja Obscure (exMartyrium). La primera escucha del primer

tema, “Just(ice)” lo deja claro y una palabra se me viene a la cabeza: epítome (el resumen de una obra más extensa en el que se exponen las ideas fundamentales del tema tratado). Todos sabemos qué es IN MUTE: Death Metal Melódico, de la escuela de ARCH ENEMY, por citar algún ejemplo conocido, y se han convertido en el epítome del estilo. Cuando son Death Metal son Death Metal; cuando son melódicos, son melódicos. Que no te engañe la salida de Steffi, “Just(ice)” abre el álbum como una declaración de principios: músicos técnicamente perfectos y compenetrados, una batería bombástica comandada por Adrián Perales… Del growl de inicio de “A beautiful day” pasamos a unos estribillos acompañados por la voz de Mike; ¿y las melodías que dibujan con sus guitarras Cristobal Galán y Mike? ¡Simplemente, impresionantes! Y si creías que lo que habías escuchado te molaba, espera a escuchar la perfecta “Beyond Death”: acelerada pero sin perder el control, Vanja en plena forma, pero Mike dándole réplica; parón para coger fuerzas y la tormenta de decibelios final con un solo de guitarra soberbio. “EcceTorment” (otra canción con un título excelente) muestra, como en otras muchas ocasiones, la rapidez de manos de Adrian con esos cambios de caja a campana de Ride que se oyen nítidos debido a la magnífica producción; pero al igual que ya hemos dicho antes, el equilibrio entre el growl de Vanja y los coros límpios te hace desear más y más, y que el tema no acabe. Pero, como todo lo bueno, acaba, sí, pero para dar paso a “Depth of Suffering” con una melodía guitarrera sincopada, muy djent, otro pelotazo que te hace imaginar un festival de los grandes y tú marcándote un circle pit. “Calibrated face” empieza con una carrera contra el metrónomo y no baja de revoluciones para que te prepares para lo que se te viene encima: la canónica “Chaos Breeder” con excelentes intervenciones de todos los miembros, incluyendo esos fraseos tan dinámicos de Pito al bajo; todo estalla en tu cabeza y te lleva hacia la gloriosa “Unhallowed Divination”. Desolado, devastado, así queda uno tras escuchar este “Chaos Breeder”. Ya lo sabemos todos, IN MUTE son esa banda que, como los Tercios españoles, supo poner una pica en Flandes. El metal español hace años que dejó de pedir perdón por existir, dejó de ser el hermano pequeño y asustado e IN MUTE son una banda que no ha hecho otra cosa sino crecer, afianzarse. “Chaos Breeder” es otra piedra con la que construyen un camino para una banda que tocó en el Wacken, pero a la que ya se le queda pequeño el festival. CESAR LUIS MORALES | 10

KAMIKAZE ZOMBIE (USA) THE DESTROYER OF ALL THINGS AUTOEDITADO El crossover más genuino forma la base del nuevo trabajo de los americanos KAMIKAZE ZOMBIE, autoeditado bajo el nombre “The Destroyer of All Things”, formados en 2014 por Clint Spain desarrollan su metal distorsionado a través de ritmos basados en el thrash, el punk y el hardcore metal, incluso con detalles death, en un genero autodenominado horror crossover con el que han abierto para bandas de la talla de PHIL ANSELMO, CROWBAR, CAVALERA CONSPIRANCY o BELPHEGOR. Con “It Watches”, nos da la bienvenida directa a la yugular con un poderoso hardcore agresivo y contundente guiado por la melodía de guitarras de Steve Cater y Clint Spain, que también pone su voz, transformando la intro con tintes death, para mantener este pulso con “Prometheus” y “The Dark Eyes of London”, pero girando hacia el thrash. Y es que cada canción de KAMIKAZE ZOMBIE tiene NUM. 67 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 47


su toque especial y giro estilístico pero con un elemento en común, el metal. Los toques desquiciados de “M”, van acompañado de una percusión cortante donde unos blast beats ralentizados a manos de Terry Quillen encajan a la perfección con los desquiciados riffs de guitarras que cabalgan hacia “Devil’s Night”, un temazo con influencias de VENOM, oscuro y contundente dispuesto a crear pogos a cada segundo. La técnica en el solo de guitarra y un contundente bajo por Gary Bottomlee nos abren el apetito con “Into The Nothing”, el cual nos sacian con su bocado de lobo, “Bite of the Wolf”, otro temazo en toda regla, con una poderosa voz y unas melodías de guitarras rítmicas pesadas y graves, que se afilan en los solos, con un cambio un poco brusco en la tonalidad. “The Cycle of Demons”, se transforma en otro corte thrashero con matices hardcore, lo que será la tónica predominante a lo largo del álbum con unos ritmos preparados para la batalla, aunque siempre se guardan algún as en la manga como el inicio de “A Warning From Space”, más oscuro y deathmetalero; matices especiales que añaden variedad y flexibilidad a sus estructuras. “Beware The Moon”, cierra el álbum como lo empezaron, empleando voces de dialogo a modo introductorio en off, pero aquí las estrofas la transforman en una especie de discurso que no le aporta cariz a un tema que se queda a medias para terminar. Si lo tuyo es el thrash/hardcore, KAMIKAZE ZOMBIE, te van a dar una buena dosis con este segundo trabajo de su carrera, que puliendo algunos detalles hubieran ganado en musicalidad como conjunto global del álbum, me refiero al contraste entre estrofas y solos de guitarras, muy marcados, pero cosa que no quita la contundencia y pegada que nos demuestran a lo largo de sus 10 canciones. Buen trabajo. JUAN ANGEL MARTOS | 6.75

MALUM (FIN) LEGION

PURITY THROUGH FIRE Desde Finlandia nos llega “Legion”, tercer larga duración de MALUM. Banda formada en 2013 y que desde ese punto no a parado de editar material, ya sea en formato EP, Split o compilaciones de los mismos. Este nuevo trabajo esta formado por siete nuevos cortes y un metraje que roza los tres cuartos de hora de duración. El disco a sido grabado, mezclado y martirizado por Mika Packalen (HORNA, TORSO) y cuenta con un espectacular arte en la portada de Roni Arling. El álbum a sido editado por el sello Purity Through Fire en formato CD y una edición limitada en digipak y por Worship Tapes en Cassette. Lo que nos vamos a encontrar es un frío y oscuro Black Metal Fines muy en la linea de compatriotas como SARGEIST, HORNA, BEHEXEN, BAPTISM… A pesar de eso a su vez hay un largo espacio para melodías mas características de la escena Sueca, siendo DISSECTION una influencia muy a tener en cuenta en sus composiciones. Aunque también encontramos momentos que nos pueden traer a la mente a unos DARKTHRONE. El tipo de sonido para ser Black Metal es muy limpio y cuidado. Sus temas mas destacables son, “Manifest Malum” en donde la melodía y las atmósferas crean un potente muro opresor. “Days of Slaughter and Destruction”, tema mas a medio tiempo en donde los teclados cobran un gran protagonismo en su apertura. “Luciferian Legión” es otro tema donde predominan los medios tiempos y la atmósfera que crean en sus riffs llega a dejarte los pelos de punta. Sin duda este es su mejor tema siendo un verdadero himno de Black Metal made in Finlandia. Para cerrar el álbum 48 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 67

nos topamos con un impronunciable titulo en su lengua natal. Estamos ante un excelente disco que no puedes dejar pasar si eres un apasionado de ese Black metal de antaño. MARK BERSERK | 8.5

MARS RED SKY (FRA) THE TASK ETERNAL

LISTENABLE RECORDS Desde Listeneable Records nos llega lo nuevo de MARS RED SKY, “The Task Eternal”, donde el trío francés nos envuelve con un heavy rock psicodélico con tintes setenteros e hipnóticos donde crean unas atmósferas delicadas tan bellas que se transforman en contemplativas vistas hacia el horizonte que desde el inicio con “The Proving Grounds” se aprecia en su instrumentación, pero pongamos punto y aparte y comencemos a adentrarnos en sus redes. Tras este inicio de casi ocho minutos mágicos, “Collector” oscurece las guitarras de Julien Pras y el bajo distorsionado de Jimmy Kinast envilece el ambiente, maquillado por sus líneas vocales que suenan celestiales y le dan ese toque casi místico para trasladarnos de nuevo hacia la introspección con “Recast” guiado por la lenta percusión de Matgaz en un corte lento y pausado que solo en la parte final adquiere un punto de éxtasis álgido con los toques psicodélicos de por medio y una voz que viene de lejos y se acerca hacia tu mente para abrírtela y golpearla con “Reacts”, compleja, densa y con tintes de doom dibujados en un bajo omnipresente sobre el que las líneas de guitarra caminan con una elegancia inusitada. “Crazy Hearth” es toda una delicia donde el estribillo te atrapará dentro de su melodía concebida para hechizar, una de mis preferidas que nos lleva hacia “Hollow King”, donde en ciertos momentos la voz me recuerda a GHOST, sobre todo en las estrofas, aunque sin tener nada que ver, se transforma en un narrador sutil que doma la estructura musical y se la adopta para sí mismo en este corte con un toque de luz e incluso se denota ese toque regio de poder. Ya acercándonos a la parte final, “Soldier On”, crea un ambiente psicodélico oscurecido, con unas voces fantasmagóricas y una estructura muy firme para llevarnos hacia “A Far Cry” un broche acústico e intimista completamente instrumental perfecto para indicarnos que lo nuevo de MARS RED SKY está aquí para contemplarse, muy buen disco.

la escena británica, ex CEREBRAL FIX, ex BENEDICTION, quedando la formación con Karl Willetts, Andrew Whale, Frank Healy y Scott Fairfax. Hay que decir que si bien la música de MEMORIAM está fuerte enraizada y apegada a la practicada por estos músicos en sus proyectos anteriores, siempre se ha esperado de ellos que volviesen a ser unos nuevos BOLT THROWER, dado el carácter casi mítico que se profesa a esta banda en el Underground mundial, y si bien hay que reconocerle muchos, muchos matices de la música de esta banda, hay que reconocer que MEMORIAM, también aportan alguna otra idea diferente, cosa que se agradece, ya que la banda no trata de ser un clon de su banda previa, aunque efectivamente se aprecie esa influencia en su música. Adentrándonos en este “Requien por la humanidad”, decir que nos ofrecen diez temas de intenso, poderoso y pesado Death Metal, donde no se abusa de la velocidad, sino que como con las bandas previas de estos músicos, se prefiere aportar riffs y secciones de música más pesada, potente y machacona, donde todo es comprensible y se puede seguir perfectamente, sin virtuosismos cara a la galería, ya que la música de MEMORIAM no trata de eso, sino de ofrecer temas, todos con grandes riffs y que suenan como auténticos cañonazos, desatando una batalla campal allá donde suenan. La raspada y oscura voz de Karl sigue sonando como en sus buenos años en BOLT THROWER, aquí radica otra de las similitudes con su banda previa lógicamente. Sin duda, este álbum merece que se le eche una escucha, detenida porque estoy seguro que va a aportar unos buenísimos momentos mientras se escucha, ya que temas como “Never The Victim”, mi favorito por esos riffs redoblados y potentes como el granito, “In the Mist of Desolation” otro tema que tiene unos buenísimos cambios de ritmo que te dejan petrificado, y un final realmente apoteósico. “Refuse to Be Led”, otro tema bien compuesto, y con pesados riffs y cambios de ritmo más pronunciados, aunque lo que me deja sin respiración son esos redobles púa / contra púa constantes en su sección principal, para dar paso a una melodía épica como estos maestros saben hacer. Lo mismo podría decir de “Fixed Bayonets”, temazo cargado de momentos épicos y mezclado con potentes y asfixiantes riffs. Para cerrar el álbum de forma majestuosa, épica y melancólica con “Interment”, un tema instrumental que nos abre las puertas de la decadente muerte. Muy, muy bueno este tercer álbum de MEMORIAM, una banda veterana que sabe lo que tiene que ofrecer, lo que les gusta y lo que sus fans esperan de ellos, sin duda álbum para disfrutar y escuchar en constante rotación. LUIS MARTÍNEZ | 9

JUAN ANGEL MARTOS | 8

MONOLITH (DEU) VERMIN AMONG US AUTOEDITADO

MEMORIAM (GBR) REQUIEM FOR MANKIND NUCLEAR BLAST RECORDS “Requiem for Mankind” es el tercer álbum de MEMORIAM, banda que surgió en 2016 y que en tres años nos han ofrecido otros tantos álbumes. En su formación, para los no iniciados, decir que se encuentran miembros de los tristemente desaparecidos BOLT THROWER, así como otros experimentados músicos de

Banda de un solo músico, llamada MONOLITH, formada por Mario Welke. Yo particularmente no lo conocía de nada, pero hasta donde he podido ver, es Alemán de Berlín más concretamente y con esta banda ha sacado 2 Eps. Uno el 2018 llamado “The Titan and the Rat” y ahora nos presenta “Vermin among us”, compuesto por cuatro temas de puro Death Metal. El trabajo comienza con “Split”, potente con un grito gutural, áspero que te introduce en solitario al resto de los instrumentos. Riff machacón pero muy original que mueve por toda la canción dándole cuerpo a las voces, un death Metal de sonido clásico. El segundo corte es “End Of Times” donde combina algo más los riff de guitarras con acordes más

abiertos y rasgueos Heavy, canción fácil de escuchar y que te mantiene conectado, destacar la parte de solo, con un toque oscuro, que te demuestra que mario controla el instrumento de las seis cuerdas. La tercera canción parece que tiene ayuda en las voces de Andreas Joklitschke, este tema tiene otro gusto completamente diferente, con las voces más limpias de Andreas combinadas con las guturales de Mario a un ritmo medio. Por último el Ep se cierra con “Vermin Among Us” el cual es un tema más elemental de death clásico con algunos gustos de heavy en las guitarras. Un buen trabajo de este músico que ha logrando un resultado espectacular. Si el Death Metal es lo tuyo, este trabajo te puede gustar, la pena es que solo sean cuatro temas. JESÚS SÁNCHEZ GARCÍA | 7.5

MONOLYTH (FRA)

A BITTER END / A BRAVE NEW WORLD AUTOEDITADO Uno de los monolitos más famosos de la Historia es, sin duda, el que aparece en la película de Stanley Kubrick “2001: Una odisea del espacio”. El perfecto y pulido ortoedro no era otra cosa que un observador de una red interconectada establecida por la inteligencia alienígena para observar la evolución de la especie humana. ¡Colorea y aprende con Teo! En los últimos años, Francia se está convirtiendo en un hervidero de bandas que saltan a la primera división del metal (¿alguien puede negar que GOJIRA quizá sea la banda más en forma del metal?). Así que, como en la película de Kubrick, tendremos que establecer un centinela para hacer el seguimiento correspondiente. Y aquí es donde, ¡oh, sorpresa! aparecen los MONOLYTH y su nuevo álbum “A bitter end / A brave new world”. Como ese centinela nos sirven como referencia para saber lo que se está pergeñando en nuestro país vecino. ¡Y lo que se nos viene encima! Abren con “The Ego Disaster” como una declaración de principios: afilados, crudos y directos a la yugular. Amaury Durand dejándose la garganta en la apertura y desgarrándose en cada verso. Julien Dijoux y Tristan Mélique machacan sus cuerdas como una trepanadora de orejas. Y en seguida pillas el rollo, metal de última generación, como GOJIRA, como LAMB OF GOD, pero también mirando hacia atrás, hacia las grandes influencias de la escuela escandinava. Si ya te han abofeteado la cara con el primer tema, escucha “This pale imitation of guilt”, donde Batt Cauchy abre pasado de revoluciones machacando la bateria como si le fuera la vida en ello. Uno de los grandes descubrimientos y beneficiados de esta grabación pues sus ataques a los platos China y a la campana del Ride brillan a lo largo de todo el disco y se oyen constantemente en sus breaks. “Insipid and Shallow” mantiene una constante melódica a pesar de la agresión sónica e incluso la voz de Amaury explora derroteros más cálidos sin perder intensidad en la interpretación. Aquí y allá a lo largo de este “A bitter end / A brave new world”, aparecen intervenciones de unos simples acordes de teclado que le dan una dimensión muy lograda a los temas de MONOLYTH. Pero lo que reina sobre todo es la apabullante batería de Cauchy que sin llegar al caos, empuja incluso en temas que piden un medio tiempo, dando una sensación de descontrol. Por el contrario, en “Betrayed again”, uno de los temas más redondos del álbum, van todos en la misma dirección: agresivo, melódico, a veces acelerado, a veces más contenido, ¡perfecto! Se llega al ecuador del álbum con un sobrio “A bitter end”, tema que te permite respirar después de tanta agresión. El siguiente tema, “A brave new world”


es un claro ejemplo de lo que he dicho de la grabación de la batería de Batt Cauchy, pero ¡cómo brilla toda la banda y qué arreglos de teclados! Por el contrario, “The After-Vultures” vuelve a la carrera contra el metrónomo, aunque tiene detalles groove que también te permiten un buen headbanging. Como no sólo de agresión vive el hombre, MONOLYTH sorprenden con interludios como el de la segunda mitad de “Like a poison”; temas más a medio tiempo (pero igual de agresivos) como “Re-Awake”, y vuelven a alcanzar la excelencia compositiva con otro tema como “Atraxia”; aunque para cerrar el disco vuelve el metrónomo nuclear de Cauchy a hacer de las suyas en la acelerada “Devoid of compromise”. MONOLYTH es una de esas bandas que está aquí para convertirse en referente. Ya están dejando entrever atisbos de lo que puede llegar a ser: Metal moderno, del siglo XXI, unificando las mejores tendencias y sonidos, una banda para tomar el pulso del Metal francés y, ¿por qué no?, del Metal mundial.

Muy conseguido, que resulta atractivo y para poner, sin lugar a dudas en plena carretera y no aburrirse. Repito lo de “canciones simples y gancheras”: esto no es algo negativo, por el contrario, suele ser algo complicado si no sabés cómo utilizar los recursos con los que cuentes. Además de ser una excelente voz, está bien explotada en cada una de las 5 canciones (diferentes entre ellas). MUDFACE tiene experiencia, arte e historia, para sacar este disco como al descuido, haciendo una muy buena producción para dar una nueva oportunidad a esta banda, un poco de culto, pero plagada de músicos muy conocidos en la escena de California y en la historia de la Bahía. SEBASTIÁN ABDALA | 8

CÉSAR LUIS MORALES | 8.5

MUNDY’S BAY (CAN) CONTROL ROOM

PURE NOISE RECORDS

MUDFACE (USA)

AWAKEN TO A DIFFERENT SUN ART GATES RECORDS Los que amamos el Rock n´Core (término acuñado por la banda local “OseZno”) nos encontramos con el nuevo trabajo MUDFACE: “Awaken to a different Sun”. Un E.P. de 5 canciones que son tan representativas del Groove como una lista de reproducción de finales del 2000. Formados allá por el 2005, se tomaron a pecho la batalla que estaba librando el Metal, acercándose a la muerte por su histrionismo y exceso de glamour. Si hablamos de influencias nos remitimos a sus declaraciones “Anything not represented on American Idol” Eso, en U.S.A. , nos aclara mucho a qué nos podemos enfrentar. Abre el disco una poderosa y muy bien trabajada canción “End of my rope”, potente, rápida y currada al máximo. La voz es la representación de muchos años de escuchar y saber qué tomar de bandas que ya no están en activo (Aunque el 2020 me desmienta), y no se complican con estilismos revenidos ni rancios. Es una estructura simple, casi de Hard Rock, y, justamente, eso lo hace más interesante. Inevitable volcar tantas referencias para cada canción “per se”. El single que da nombre al disco es, simplemente, 10 puntos de implicación por parte de toda la banda. Canciones gancheras, que juegan muy bien con un hard-core apoyado en ese Groove que no termina de definirse. “Snakes” sigue en esa línea, con muchos cambios de ritmo, y es donde el vocalista se permite un esfuerzo a la hora de interpretar y lo deja todo en su lugar. Un rock, simple, callejero, bruto, para escuchar en tu tabla y hacer pintadas “antifas” (en caso de que tengas edad para ello) si no es lo tuyo (ya no más) podés acodarte tranquilo en una barra y sentir cómo las bases van acompañando a una mezcla de “Ozzy” con “Sam Carter” bien afinaditos y rompiendo las notas una tras otra. Un lujo. Con “Rabbit Hole” la cosa se pone un poco más épica, mejores fraseos, unos “growl´s” que entran directo al pecho y, de nuevo, la postproducción que hace el resto. Agrega contundencia y mucha forma a un sonido que llega y es gracias a la buena ejecución de cada uno de los músicos. Ya con “Warhorse” cerramos las referencias (y el disco), es inevitable pensar en el sonido y las canciones de “Far beyond driven” y algo de “Motorhead” en ese caos bien ordenado y que se apoya en el bajo constantemente. Un buen cierre y, lo mejor de todo, es que dan ganas de escucharlo de nuevo. Un sonido rápido, agresivo y entretenido.

Hace algunas reseñas dije que, a veces, por historia, escuchando una canción puede llegar a intuirse el país o la zona continental de dónde proviene la banda. Este es el caso, según mi oído, de MUNDY´S BAY, grupo canadiense que saca su E.P. “Control Room”. Una bonita presentación con cierta reminiscencia a COWBOY JUNKIES pero con menos oscuridad. Este trabajo, de sonido arreglado, parejo y bien proyectado es entretenido y una buena píldora para prestar atención y ver qué traman para sus próximos pasos porque las referencias por sonido, letra y voz hacen que sea un agradable descubrimiento. Abre “Moonligth” una canción que determina ya cuál es el sonido y la intención de estos muchachos. La voz se mantiene en un tono melódico constante, la banda suena bien y acompasada, todo muy correcto y controlado; y aunque las comparaciones son odiosas (y las referencias más) la música nos empuja un poco a recordar a esos THE SMITHS que inspiraron la “Movida de Manchester”. Canciones bien armadas, suaves, correctas y contenidas. La voz me lleva una y otra vez, sobre todo en el segundo tema “What would it take to make this real?” a esas canciones de MORRISEY luchando con su poesía y dejando un legado que ha dado buenos frutos. La canción es rápida, con unos buenos arreglos, da ganas de estar en un buen Irish Pub bebiendo vino rosado, leyendo Kerouac y disfrutando que no todos los días sean como domingos (¿pillan la no-referencia?) Hablando de Kerouac, cerramos con “Tell me now”, y sí, de nuevo, vamos a esas referencias tan injustas como necesarias, pero es positivo. Si eres fanático de los primeros trabajos de 10000 MANIACS este disco puede atraerte, y mucho. Es un conjunto que no desentona en ningún momento, que mantiene una cadencia que, tal vez, en un L.P. pueda convertirse en monótono por la falta de otros colores creativos, pero con referencias al brit-pop con sonidos muy THE CURE, podemos sentirnos satisfechos y disfrutar del buen manejo de los recursos para ir cambiando de ambiente y querer, la verdad, escuchar un poco más de la cantante, con algo un poco más duro, o más oscuro en la interpretación, aunque tampoco estoy pidiendo que se conviertan en TULSA. MUNDY´S BAY consigue un interesante trabajo presentación, escueto y correcto, con influencias muy claras y entretenidas al oído. Tal vez un poco demasiado controlado, pero teniendo en cuenta las tendencias de las discográficas, salen muy airosos con su “Control Room” No son, por suerte, otra banda “Indie” ni otra banda de “Geek-rock”, de nuevo me remito a una buena elaboración, compositiva sobre todo, que hace recordar a esa NATALIE MERCHANT de primeras horas, alternativa, únder y muy creativa.


SEBASTIÁN ABDALA | 8

NORMA JEAN (USA)

NOCTURNIA (ESP)

ALL HAIL

LA TEMPESTAD

SOLID STATE RECORDS

DUQUE PRODUCCIONES

Los estadounidenses NORMA JEAN lanzan al mercado su séptimo álbum de estudio bajo el título “All Hail”. Catorce son los que forman este trabajo que ha sido editado a través de Solid State Records. Formados en 1997 en Douglasville, Georgia, el grupo actualmente por Cory Bradan Putman en las voces, Chris Day y Scottie Henry a las guitarras, Jake Schultz al bajo y Chris Raines a la batería y percusión. Comenzamos escuchando “Orphan Twin” donde diferentes sonidos nos van introduciendo en una atmósfera oscura, con guitarras atronadoras y voces guturales muy potentes comienzan a darnos los primeros sonidos crudos mezclados con otros más leves, para poco después pasar a “[Mind over Mind]” donde baterías super agresivas nos dan los primeros sonidos que dan paso a las guitarras atronadoras que nos dejan con unos riffs bastante movidos y potentes. Juegan con ritmos muy enérgicos, donde la voz pone la guinda añadiendo un plus de vitalidad. Con multitud de cambios, sorprende una línea vocal bastante cambiante, donde la mezcla de voces guturales con pequeños coros, se encarga de dar un extra de variedad. Para comenzar sus cuatro minutos, “/with_ errors” nos da la bienvenida con unos sonidos super leves, que poco a poco se van levantando con unas guitarras y batería bastante liviana pero con gran potencial. En las voces nos encontramos con una voz mucho más tranquila, pero que se va alternando con la gutural, generando un gran contraste con las melodías lentas. Un tema algo más liviano en cuanto a potencia, pero igualmente generador de energía. “Translational” es un tema largo, pero con una variedad absoluta, comenzando con unas composiciones muy leves, donde prima el sonido de la voz, que es fantástico; para poco a poco van subiendo el nivel y dejándonos con unos ritmos mucho más crudos donde prima la potencia de unas guitarras sobresalientes. Van alternando entre partes agresivas con composiciones muy melódicas donde dan mucho protagonismo a la voz. Para cerrar nos proponen “The Mirror and the Second Veil”, un tema bastante diferente, donde solo escuchamos guitarras acústicas muy leves, generando una atmósfera muy tranquila y sosegada, que rompe con todo lo escuchado anteriormente y que les hace terminar un trabajo super potente, con tema super tranquilo y dejándonos con ganas de mucha más caña. NORMA JEAN siguen demostrando que esto del metalcore es lo suyo, y lo hacen regalandonos catorce temas muy conseguidos, donde cada uno tiene su propia esencia pero todos beben de la misma fuente, unas composiciones exquisitas que rematan con un sonido placentero y super potente. Sin duda un disco fantástico, de una banda sensacional que van mejorando cada vez más con trabajos tan buenos como este y que sin duda nos harán disfrutar del metalcore durante muchos años.

La banda española NOCTURNIA saca nuevo disco de estudio, dando una vuelta de tuerca más a una carrera que se encuentra en ebullición y excelente forma. “La tempestad” es un trabajo conceptual que tiene todo lo necesario para convertirse en un buen bocado para los amantes de este género. Y parece que eso es lo que han buscado: un sonido, fundamentalmente, adecuado y limpio, pero que no termina de romper y estallar en tu cabeza, aunque no por falta de esfuerzo de los músicos. Abre el disco para dejar las cosas claras “Siempre hay un lugar”: Power Metal, teclados épicos y las bases dando paso a la guitarra primero y, luego, a la voz. Tonalidad clásica que deja en claro que la banda ha estado currando en un concepto que está muy presente en el disco. La voz es muy clara, maneja bien los cambios de tonos y pasamos, de la nada, a un buen growl que el bajista maneja y pule para dar fuerza en los momentos adecuados, a tal punto que podemos decir que es una segunda voz muy presente. “Cenizas” se pone más dura, las voces ya se mezclan más, y hay una continua “conversación” entre guitarras, batería y coros que dan un toque oscuro y de desesperación. “Negro sentimiento” sigue en esta línea, subiendo adrede la intensidad para reventar alternando los teclados con bases que recuerdan mucho a ese Glam que no se atrevía a cruzar a zonas oscuras (quién sabe por qué) para desembocar en “Tempestad”. Donde de pronto nos encontramos con melodías brutas que pasan a segundo plano y se convierten en demonios que revolotean entre letras de desamor y un toque progresivo que no termina de ponerse al frente. Bien, fuerte y variable, con mucha versatilidad para mantenernos entretenidos. “Leviatán” sí que sí, tenemos oscuridad, juegos de voces que ya son lo más sobresaliente del disco. La batería acompasa perfecto, y se funde perfectamente con el bajo. El teclado sigue con tonalidades que juegan constantemente con ese tecno 80´s que no se ajusta a los cánones de ningún estilo. “Héroes de bronce” tiene, tal vez, la veta de ser la canción del disco que más estilos fusiona. Es muy potente, arrancando, de nuevo, sobre un teclado que pasea por varios ritmos y da la entrada a cada instrumento para que se luzca y nos mantenga en vilo. 6 minutos donde la batería, esta vez sin lugar a dudas, se come las impostaciones vocales y los compases creados para ser Heavy Metal. Cierra “Soy la tormenta” se pone entre épica y desaforada, con fuerza bruta y una letra metafísica que empuja y busca revancha. Buena producción en los coros, acompañando a una letra extensa que señala y deja a la voz más al frente que en otras canciones. Más rápida, más veloz y potente. Ya no hay tanto juego con la electrónica, en verdad suena más “sucia” y eso no es malo. NOCTURNIA es en “La Tempestad” una banda que demuestra que sabe componer, dejando una grabación que suena limpia; aunque a veces la electrónica opaca un poco las buenas melodías que hacen que cada tema sea una buena pieza. En una tierra que tiene buenos exponentes en este género (Heavy, Power, Mix con Progresivo épico) la imagen producida y clásica, más la teatralidad del caso, hacen que el talento a la hora de componer y dar ambiente nos deje con ganas de un poco más. SEBASTIÁN ABDALA | 6

JORGE DE LA CRUZ | 9


OF FIRE (SWE) DRÄPAREN

ART GATES RECORDS Desde la localidad sueca de Norrtälje, llega el tercer álbum de este quinteto de Death Metal sueco que llega dispuesto a ofrecer un ataque directo y devastador con “Dräparen”. No voy a decir que la banda sea original en su propuesta musical, ya que lo que nos ofrecen en estos ocho temas, ya nos lo ofrecieron varias bandas compatriotas en otras grabaciones a lo largo de los años, pero para hacerse una idea de por dónde va la propuesta musical de estos músicos, no olvidemos a bandas clásicas del Death Metal Sueco como ENTOMBED o EDGE OF SANITY, aunque su sonido se aproxima también a bandas más actuales como AMON AMARTH, DESULTORY, DEMONICAL, BLOOD MORTIZED, etc. Donde no faltan diferentes ritmos bastante clásicos en el estilo, con mucha presencia de un pesado y denso sonido de guitarra, así como una batería bastante incansable y que va acompañando perfectamente cada ritmo, con bastantes detalles que adornan perfectamente este apartado. Ritmos veloces, mezclados con partes pesadas es lo que encontramos en varios temas, siendo mi favorito “Satanic Warfare”, aunque “Necro Train” también es destacable, con buenos riffs que gustarán a los seguidores del estilo. En otros momentos la banda sabe mezclar esa pesadez con ritmos d-beat que ofrecen una mayor variedad y marcha al tema, como en “The Filth and the Fury”. Pero también encontramos otros temas más densos, con un uso algo más pronunciado de la lentitud y el sofoco general como en el tema título del álbum, donde incluso una campana funeraria nos lleva directos al final de la existencia. “Let Them Hang” es un tema muy pegadizo y sonando como los nombres importantes de la escena sueca de este estilo. Tras analizar todo el álbum no puedo decir que “Dräparen” sea un mal álbum, para nada, reconozco que noto una cierta falta de personalidad a los temas, ya que lo que OF FIRE nos ofrece ya lo hemos escuchado anteriormente, aunque también hay que decir que la banda hace un buen trabajo, no original pero todo suena bien y en su sitio, logrando ocho composiciones que terminan sonando muy potentes, bien estructuradas y variadas entre ellas. LUIS MARTÍNEZ | 7.5

dado claro que el Libro de las Revelaciones escrito por San Juan está lleno de mensajes y significados ocultos. A mí lo que me revela el libro es que lo escribió con una buena dosis de hongos en el cuerpo. Es lo que tiene el ¡Colorea y Aprende con Teo! de hoy. Pero el Libro de las Revelaciones viene a colación de unos fineses que quizá hayan cambiado su nombre porque han salido para vencer. Se han pasado la última década trabajando bajo el nombre de AMENDFOIL, como cuarteto (dos demos, EP, singles y dos larga duración). Han perdido a su anterior guitarra, Juha-Matti Helmi y se han transformado en un power-trio al que han puesto como nombre PALEHØRSE. ¿Y qué es esta reencarnación? Pues es ese caballo blanco con su jinete que salió vencedor y para vencer. En cuanto encontréis algo de información de estos fineses, os dirán que es uno de los puntales y referentes del metal nórdico. Y tras la escucha de este primer álbum homónimo, no se puede estar más de acuerdo. Dirigidos bajo la batuta del talentoso Lassi Mäki-Kala (voz, guitarra, el artwork del disco, letras y música) la banda se mueve cómoda en cualquiera de los diez temas de este “Palehørse”. Y se nota, son más de diez años tocando juntos y si conocéis un poco como funciona la gente del norte, son músicos muy serios y muy profesionales. Desde el riff de apertura de “Dead Wrong” hasta las notas finales de “Quicksand” el álbum está repleto de talento y frescura. Acompañan a Lassi otros dos músicos de la anterior andadura de AMENDFOIL, Ville Siivonen al bajo y Samu Honko a la bateria. Y ahora pensemos en grandes tríos de la historia del Rock: CREAM, RUSH, PRIMUS, MUSE, etc… Menciono unos pocos porque para hacer una maravilla como la propia “Pale Horse” no hace falta nada más que el talento de estos tres músicos. Si la machacada de riffs anterior te supo a poco, escucha y deléitate con las melodías y los coros de “The Passenger”. Llevamos tres temas y ya sabemos que PALEHØRSE es de esas bandas que se definen como “de otra puta galaxia”. La amalgama sónica no hace sino mejorar, “Darken Waters” tiene complejidad rítmica, buenos guitarrazos, voces desgarradas, pero también coros deliciosos y es un tema que lo único que hace es subir, subir y subir con unos destellos de brillantez que te recordaran a los mejores MUSE. Que la breve y etérea “Catalyst” no te engañe, porque da paso a la acelerada “Catharsis”, nuevos ecos más alternativos, pero también metaleros, y yo que sé cuántas cosas más. Todo tiene cabida en este universo sonoro de los PALEHØRSE. Hay retazos más Prog, cosas que me recuerdan a SPIRITUAL BEGGARS, otras son más MUSE, otras son de identidad propia, de haber mamado Metal de todos los tipos y tamaños; pero no solo Metal, sino cualquier cosa, desde el Rock hasta Grunge, o Groove o Post o Punk o Stoner… PALEHØRSE y su debut homónimo son un pelotazo a tener muy en cuenta. Juegan con ventaja porque ya llevaban una década bajo otro nombre, pero el cambio que han hecho es una declaración de principios que ya profetizó San Juan en sus Revelaciones: un caballo blanco que salió para vencer. CÉSAR LUIS MORALES | 9.5

así que ¡vamos allá! Pasamos al tema musical, al sonido de la banda. Y es que nos encontramos con un Post-Hardcore con tempos del Metalcore, desdibujándose la línea que separa a ambos géneros para poder navegar por entre ellos libremente. Como bandas referencia a las que encontrar un parecido, tenemos a WHILE SHE SLEEPS, ARCHITECTS o BAD OMENS. Empezamos por “Drive” la cuarta pista del disco, y el primer sencillo de la banda. He escogido este tema, porque es un buen sinónimo de lo que se puede encontrar dentro del disco. Es un tema que demuestra lo que es la banda en estado puro, su evolución hasta llegar aquí y el camino por el que desean caminar. Tiene garra, es afilado y tiene mucha bilis que soltar, unido a una voz limpia impecable en los estribillos, que, unida a los coros, nos resalta una fraternidad o hermandad, la cual será fácil explotarla en los conciertos. Seguimos por “Amber” otro tema que me ha sorprendido para bien y más con la transición realizada tras la melodía que nos ofrece “Sonder”. Abriendo con una línea vocal que suena como una radio, esta es una carta abierta a un querido amigo que se suicidó mientras la banda estaba de gira. Para decirle que las cosas podrían haber sido diferentes, podrían haber cambiado. Es muy conmovedor, pero contundente. Y por terminar esta reseña, me gustaría no dejarme en el tintero a “Brother”, bajando el ritmo al que nos habían acostumbrado los temas anteriores, llegando a ritmos casi del progresivo. Lo que mas me gusta de este tema, son las voces suaves, cantadas casi como un susurro. Saben manejar muy bien la electrónica, y las armonías y melodías para demostrar un gran trabajo sonoro e instrumental, haciendo que por ejemplo el conjunto de cuerda junto a los coros quede de una belleza extrema, mientras la batería te taladra agresivamente. Para mis pocos temas en muchos discos quedan tan bien de cierre como este, es una delicia. En resumen, este disco es tan rico, pulido y perfecto que las palabras se me quedan cortas, solo tenéis que escucharlo y sacar vuestras propias conclusiones,” Nova” sin duda es un disco para escucharlo una y otra vez porque cada canción te sumergirá más y más. Sin más dilación ¡IMPRESIONANTE! El trabajo de POLAR.

PALE HORSE

INDIE RECORDINGS Dice el Apocalipsis en su versículo 6: Cuando abrió el primer sello, oí al primer ser viviente, que decía: Ven. Miré y vi un caballo blanco, y el que montaba sobre él tenía un arco, y le fue dada una corona, y salió vencedor, y para vencer. ¿Ha quedado claro? Un corcel blanco, que el jinete que lo montaba era la Conquista, y que salió para vencer. Vale, también ha que-

POLAR (GBR) NOVA

ARISING EMPIRE RECORDS Llega a mis manos el nuevo y brillante nuevo disco de la banda inglesa de Metalcore/Posthardcore POLAR “Nova”, si ya nos dejaron el listón alto en su anterior trabajo “No Cure No Savior” este para mi gusto es sublime, no puedo esperar a desglosar algunos de sus temas,

DANIEL GALLAR | 8.3

TANIA KYMMENEN | 10

PUTRIFIED J (BEL)

THE DEEP END OF HORROR COMATOSE MUSIC

POSSESSED (USA)

REVELATIONS OF OBLIVION NUCLEAR BLAST RECORDS

PALEHORSE (FIN)

un poco. Metámonos en materia… Cada vez que una banda que lleva mucho tiempo muerta y que no ha sacado nada desde los años 80 saca algo, está claro que me va a picar la curiosidad. Estamos en 2019… ha pasado tiempo, es indudable. Tras varias escuchas puedo decir con conocimiento de causa que «Revelation of Oblivion» es un trabajo de death metal bastante bueno. Si echamos un vistazo a la portada ya es fácil suponer qué tipo de metal nos vamos a encontrar. Básicamente a nivel musical nos hallamos con la fórmula mágina que llevo a POSSESSED a la fama hace tantos años pero con una producción «actual» que contrasta muy bien con la voz «bien envejecida» de Becerra. Una voz que suena «cascada» pero genuina y que, sin ser una gran maravilla o hacer demasiadas variaciones, la verdad es que es efectiva. «Damned» es un temazo que nos deja muy claro que esta banda no es simplemente una vieja gloria. Este disco es death metal de calidad. Los riffs son potentes y densos, como por ejemplo en «No More Room in Hell». «Abandoned» sin embargo a mí me ha recordado mucho a lo que la banda hizo antaño con riffs rápidos y cantidad de breaks. Hay consistencia y calidad… aunque quizás el disco es excesivamente largo y «lineal» y podrían quizás haberlo dejado en 45 minutos o menos. Al no haber temas que resalten especialmente quizás la placa hubiera sido más efectiva con un par de temas menos. Aunque claro… después de 33 años entiendo perfectamente que quisieran meter toda la carne en el asador y si lo tenemos en cuenta el nivel es bastante alto. La verdad es que «Revelation of Oblivion» me ha gustado más de lo que pensaba. Representa por una parte a los POSSESSED de antaño que tanta huella dejaron en el underground del metal extremo pero también se notan toques más actuales que dejan claro que no quieren vivir de viejas glorias y han vuelto para quedarse. Por mi parte tienen mi más sincera enhorabuena y me congratula que estas auténticas leyendas del death metal vuelvan a lo grande: con un disco de death metal agresivo, cañero, macarra y obsesivo. Estoy seguro que el próximo plástico (¡sólo espero que no tarden otros 33 años!) será aún mejor.

El nombre POSSESSED evoca los mismísimos orígenes de death/thrash en los años 80. Desde que sacaron su infame debut «Seven Churches» (1985), el grupo se inmortalizó y pasó directamente al «cult status».. un estatus que se fue reforzando incluso más con el paso de los años. Este disco influenció a infinidad de grupos que acabaron de dar forma al estilo «death metal» propiamente dicho. Por otra parte, ¿cuál fue realmente el primer disco de «death metal»? ¿Fue el «Seven Churches» o el «Scream Bloody Gore» de los míticos DEATH? Mmmmh… no sé no sé. Sólo sé que los californianos por fin han vuelto después de la friolera de 33 años… ya que el último álbum de estudio que editaron fue «Beyond the Gates» (1986). De la alineación anterior solo queda el vocalista (antes voz y bajo) Jeff Becerra (que, como algunos sabréis, acabó postrado en una silla de ruedas a causa de un tiroteo). Sin embargo, con «Revelations of Oblivion» los chicos nos ofrecen un nuevo plástico que revive viejas glorias pero que también se ajusta a los estándares contemporáneos de hoy en día, lo cual me ha gustado y sorprendido

Sniff, Sniff. ¿Por qué huele tanto a cadáver descompuesto?, pues porque PUTRIFIED J volvió a la carga el pasado 19 de junio de 2019 con su nuevo E.P «The Deep End of Horror». El sello encargado de poner en el mercado el susodicho trabajo fue Comatose Music. El grupo lo compone: Jason Lambert (voz, programador de batería), Hervé Dieudonné (guitarra). La receta del dúo belga a priori puede parecer sencilla, pero pocos lo consiguen. Ésta se basa en aunar las mejores características del Slam y del «Metal Muerto Brutal», añadiéndole una pizca de técnica si es necesario. El resultado es simplemente fantástico. Con la única excepción de la inicial «The Deep End of Horror» donde se exhibe la cara por decirlo de alguna manera más estática de la forma de componer de estos tipos, el resto de tonadas resultan increíbles. Velocidad, contundencia y giros imposibles de recorrido se enlazan con una maestría fuera de toda duda. Desde luego, no creo que ningún metalhead que sea afín a este género quede decepcionado. La producción, está a la altura de las circunstancias, siendo nítida y contemporánea, pero ante todo devastadora. Poca broma con el artwork. Vale, reconozco que típica es un rato. No obstante, bien que llama la atención. NUM. 67 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 51


Hervé se dedica a lanzar guitarrazos revienta cuellos a diestro y siniestro. Usa riffs fluidos, pesados y ataques de tremolo picking cuando es conveniente. Como apuntaba en el párrafo principal, en ocasiones existe un enrevesamiento en las seis cuerdas bastante curioso. La lead guitar tan solo aparece en «Seeds of Infamy». ¿Por qué no incluyen más solos?. Ni pig squeals, ni guturales agudos rasgados y por supuesto ni tan siquiera penséis en clean vocals. Los registros vocales se basan en nada más y nada menos que en growls deshumanizados. Grandes cambalaches de dirección en los parches. Parece mentira que sean «falsos». Es más, ¿realmente lo son? En los 90, los tambores lanzados por ordenador sonaban realmente mal. A pesar de que he disfrutado sobremanera con la escucha del lanzamiento que protagoniza la reseña de hoy, destacaría especialmente «Sickening Decapitation», «Relentless» y «Seeds of Infamy «. Calidad y barbarie sónica a raudales. ¿Qué más se puede pedir? JESÚS MUÑOZ CABALLERO | 9

todo lo alto de thrash/hardcore, que para mi eran desconocidos y me han sorprendido gratamente, por su potencia, ferocidad y una mezcla estilística que encaja a la perfección, donde lo único que no me gusta es la portada. JUAN ANGEL MARTOS | 8

SANGUINARY TRANCE (AUT) WINE, SONG AND SACRIFICE AUTOEDITADO

RINGWORM (USA)

DEATH BECOMES MY VOICE RELAPSE RECORDS A través de Relapse Records nos llega el octavo trabajo de RINGWORM bajo el nombre de “Death Become My Voice” desde Cleveland, Ohio dejándonos un hardcore con toques thrash repleto de potencia y energía a pesar de llevar casi treinta años al pie del cañón desde que debutaran en 1993 con “The Promise”, elevan el nivel de mala leche con 11 canciones condensadas en 35 minutos que no dejaran indiferente a nadie. El tema homónimo al álbum, “Death Becomes My Voice” abre este violento álbum, creciendo desde el silencio con un riff de guitarra por Matt Sorg y Mike Lare, uniéndose lentamente el bajo de Ed Stephens y la percusión de Ryan Steigerwall para introducirnos en la locura con la voz de Human Furnace en un corte que incluso me recordó en ciertos momentos a los temas más agresivos de SLAYER, por su contundencia, su estribillo, so tono vocal y la agresividad que rezuma por los cuatro costados, donde los tintes thrash le aportan una gran versatilidad. Desde aquí hasta “Final Division” el devastador corte que cierra el álbum con una percusión aplastante no hay ni un segundo de concesiones, hardcore/thrash en vena y es curioso que las canciones más extensas sean las que abren y la que cierran el álbum. Un inconmensurable bajo abre la veloz y esquizofrénica “Carnivores”, donde el hardcore más visceral creará pogos por doquier, tomando fuerzas con los segundos iniciales de “Acquiesce”, más pausada y densa mientras el headbanging nos deja un atisbo para recuperarnos pues “Do Not Resuscitate”, “Dead To Me” y “The God Of New Flesh”, nos golpeara directamente con sendos trallazos de energía y violencia, quedándome personalmente con la segunda canción mencionada en este bloque, que alberga unos cambios de ritmos perfectos donde el thrash toma el control de la estructura musical…, apoteósica. “I Want To Tear The World Apart”, tiene ese toque SLAYER o KREATOR de nuevo muy marcado, convirtiéndose en otro de mis temas preferidos que se pasa sin darnos cuenta para meternos de lleno en “Dying By Design” que remarca esos riffs abiertos influenciados por la vieja escuela y que transforman el tema en una constante espiral rítmica acelerando los tempos y frenándolos para abrirnos los ojos, aunque de acelerarlo ya se encarga “Separate Realities” o “Let It Burn”. Bajo el nombre de RINGWORM, se esconde un grupazo por 52 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 67

El Black Metal que no conocen las nuevas generaciones es sinónimo de auto-destrucción, odio y una clara vocación por los rituales oscuros, tenebrosos, que se hacen pasadas las 3 A.M. y terminan con baños de sangre, pobres trozos de carne alrededor de cera, en un pentáculo que, al final, albergará fluidos con determinados rastros, huellas, de algunas pezuñas y algunas patrullas de policía. El Black Metal que no conocen las nuevas generaciones estaba hecho en el más absoluto de los secretos. Los conciertos, en las capitales, solían hacerse en sótanos de bares o casas tan clandestinas como peligrosas. Tal es así que, en Inglaterra, las “party-line”, que eran fiestas a las cuales te invitaban a través de diferentes llamados telefónicos en distintos puntos de la ciudad a modo “Yincana”, tienen su origen en los conciertos de Black Metal para evitar la llegada de la policía por los violentas peleas campales en las que solían terminar estas convenciones de seguidores de Satanás o ciertos altercados copro-canibalísticos-orgiásticos, sobre todo en Austria, Noruega o Dinamarca. Hablamos de sitios donde arraigan las vetas más primitivas de este estilo de música. Mayormente (en su origen, claro) por grupos desangelados y rechazados de hijos de obreros que nunca formarían parte de la raza superior. Así, lo más bruto y extremo a nivel conceptual del Black, hoy lo analizamos en el disco “Wine, song and sacrifice” de la banda SANGUINARY TRANCE. Lanzamiento de una ópera prima que ha esperado más de 5 años de composición y se mantiene en las premisas que hacemos referencia: ocultismo, odio, asco y “social-reject” mientras se permanece en el más ominoso silencio. SANGUINARY TRANCE sigue en esta línea, tanto por la estética del sonido y la composición, como por su rollo místico y misterioso. ¿Integrantes de la banda? ¿Músicos que participaron de la grabación de este E.P. de 3 canciones? Apenas tenemos los apellidos del batería y el muchacho que grabó las guitarras adicionales. Suena bien… Es un gancho que empuja, al menos, a detenernos en qué quieren hacernos sentir. Listos ya con un poco de historia y situación creativa, arrancamos con una extensa canción de más de 13 minutos: “Wine, song and sacrifice”, una suave y hedionda introducción nos abre camino a los mismos acordes, una y otra vez, que van danzando en distintos ritmos, saturados el uno con el otro… El sonido, está claro, ha sido conseguido para emular un cuarto estrecho, de una casa abandonada con algunos micrófonos de aire… Brillante. La voz es cruel, seca y desgarradora… Mientras más profundo el “growl”, mejor sentido tiene la obra completa. Las variaciones son pocas, pero mientras se repiten los puentes y volvemos al mismo punto, debemos tener los ojos cerrados para imaginar una macho cabrío negrísimo, con sus ojos rojos, parado sobre sus patas traseras, para fornicar con algún ser de otra especie que esté a un paso de ser desangrado. La parte que respecta al trance es un hecho. Y así lo sentimos en la intensidad que cobra sobre el último minuto que se pone la cosa absolutamente Sludge, Grind, y violenta. La batería, a mi entender, se lleva todos los laureles, y lo demuestra en “Carvings”, una incómoda canción (a nivel sensorial) por lo

que implica el nombre, la acción en sí; como que ya ha llegado quien invocamos y, a su forma, nos hará una talla en nuestra carne. Las líneas son más caóticas, las melodías van en la misma dirección que la canción anterior, pero más rápidas, como terminando un tatuaje que duele. Y mucho. Hay guturales que dan un toque de color (¿) en las sinuosas guitarras que, en un punto, se desafinan por unos instantes para dar paso, ahora sí, a las voces más oscuros y más Black Metal que podamos soñar. Una carnicería pura y dura. Cerramos, al fin, con “The Dionysos Whip” es la más desaforada de las tres. Comienza con una excelente toma de rock experimental para sumergirse de nuevo en una prolija conjunción de los músicos recorriendo distintas notas y, por fin, dejar vía libre para quien quiera llegar a este disco que tiene, casi, cero promoción por parte de la banda (en esa vertiente poética y virtuosa de quien no quiere ser hallado como “ERACNOIR” http://necromance.eu/ erancnoir-irn-erancnoir-cd-2019-morrowlessmusic/) SANGUINARY TRANCE se mantienen en la oscuridad con un disco potente, conceptual al máximo, tanto por imagen, pero más todavía por sonido, con sugerentes e inteligentes formas de hacer del secretismo y la repetición, un trance digno de las raíces más originales del Black Metal. Y de este tema los austríacos, que reniegan de la luz europea, saben y mucho. SEBASTIÁN ABDALA | 7.5

miento el de Eric Wenzel!) hacia un desarrollo más Death, más complejo, intercambiando riffs, ambientes, espesas tesituras y solos… ¡Apabulla toda la banda! La sensación que debieron sentir los legionarios romanos en el bosque de Teutoburgo, debió ser algo parecido a escuchar “Gleaming Black”: como una pulsante onda de metal que arrasa todo lo que encuentra en su camino. Uno de mis temas favoritos es “Devouring Hatred” porque aquí hay de todo: guitarras retorcidas, riffs demoledores a cargo de Sebastian Ankert y Arne Maneke como unos malabaristas lanzándose cuchillos; un ambiente muy NILE, debido a la hipertécnica y rapidísima manera de tocar de Eric Wenzel. Al igual que las anteriores, “Behind the Veil” abruma, abrasa, te deja echo puré, es un monstruo impío, como “Down of Infinity” con esas notas discordantes metidas a contratiempo. Todo nos lleva a acordarnos de grandes nombres de estilos extremos y técnicos como CRYPTOPSY o los anteriormente mencionados NILE. Aunque el tema homónimo, “Absolution” tiene una vibración más OBITUARY, lo que continúa, “Obedience” sigue machacando huesos a pesar de que rebaja un poco el ritmo en algunos fragmentos, que no la agresividad, porque la última mitad es casi para provocar otorragia. Cierran con un “Jesus’ Delusion Army” que si bien empieza con unos riffs con cierto aire más Groove, pronto abandonan la idea y vuelven a las andadas: Death Metal apabullante, abrasivo y acelerado, con multitud de blas-beats y double-bass, con cincuenta mil riffs por minuto… Un gran retorno de SINNERS BLEED. Como ya he dicho, debe haber sido jodido haberse pasado los últimos quince años en barbecho, macerando tanta frustración y resentimiento. Sí, debe haber sido jodido, pero si este “Absolution” ha sido el resultado, la espera no ha sido en balde. Auténtico “furor teutonicus” – aquel que arrasó tres legiones romanas en la batalla de Teutoburgo- convertido en un retorno que, esperemos, tenga continuidad en los años venideros. CESAR LUIS MORALES | 8.5

SINNERS BLEED (DEU) ABSOLUTION

WAR ANTHEM RECORDS La expresión latina “furor teutonicus” hace referencia a la proverbial bravura de las tribus teutonas, más en general a aquellas tribus germánicas durante la época del Imperio Romano. Para que nos hagamos una idea, eran aquellas tribus de más allá de la civilización del Imperio que finalizaba con la frontera natural de los ríos Rin y Danubio. Se les atribuía una ferocidad y una locura en el combate que les era completamente desconocidas a las invencibles legiones romanas. De hecho, uno de los grandes desastres del Imperio fue la batalla de Teutoburgo, donde los germanos, bajo el mando de Odoacro, aniquilaron por completo a tres legiones romanas (entre 20.000 y 30.000 soldados). ¡Colorea y aprende con Teo! Y de ese “furor teutonicus” vamos a hablar, porque “Absolution” es eso: la demostración empírica de que los alemanes pueden acabar con lo civilizado si se lo proponen. Es el segundo álbum de la banda germana SINNERS BLEED y aquí viene el salseo y la explicación del sonido de esta banda. Estos bárbaros de metal se formaron allá por 1999, cuando publicaron su primera demo, “The Awakening”, un año después otra, “Restless”. Tres años después publican su primer larga duración, “From Womb to Tomb” y la prometedora banda se diluye… En 2010 deciden tomarse un descanso para volverse a reunir en 2015 y empezar a trabajar de nuevo. A lo largo de estos años han ido acumulado rabia y frustración para volcarlo en modo de segundo álbum, éste “Absolution”: porque la abrasión sonora de este ataque es puro “furor teutonicus”. Desde el minuto uno y a lo largo de sus cuarenta minutos SINNERS BLEED son la banda sonora de la batalla de Teutoburgo y ahí ya depende de qué lado quieras estar: del de los romanos o del de los germánicos. ¿Pesadilla o gozada? Death Metal Técnico y extremo, abrasión pura y dura que comienza con la consabida e inquietante intro para saltar a “Age of the Crow”: ametralladoras de riffs más Thrash que saltan a ritmo de blast-beats (¡gran descubri-

SKOV (POL) SKOV

HEAVISION Hoy venimos con el disco homónimo de los polacos SKOV. La verdad que me ha sido muy complicado encontrar información sobre ellos, solo se que se formaron en 2017. Por eso en los kits de prensa se suele agradecer mucho como mínimo un pdf, no hay cosa que mas me moleste que tener que hacer de detective. Por no incluir no incluyen ni la portada en el archivo, que por cierto no esta nada mal, aunque desconozco su autor. Ellos mismos describen su música como Black Metal / Punk. En verdad no encuentro ni un pequeño ápice de Black Metal en su música, simplemente muchas influencias de Rock Escandinavo en la linea de bandas como HELLACOPTERS , GLUCIFER, BACKYARD BABIES, TURBONEGRO, BLACKSHINE o la versión mas floja de los ENTOMBED haciendo rock. Algunos coros tipo Hardcore made in Brooklyn y voces “gritonas”. Hasta este punto tampoco nada ultra novedoso. Estan mas cercanos a lo que vulgarmente se conoce como Death`N`Roll que al Black Metal y aun así tampoco seria una merecida etiqueta por que les falta mas agresividad o riffs mas metalicos. Por lo demás influencias de garaje con sonidos tipo ELECTRIC FRANKENSTEIN o bandas similares de Punk con una dosis mas elevada de octanage. Si vienes buscando algo mas extremo que eso, estas perdiendo tu tiempo. El disco consta de diez cortes, a sido grabado y mezclado en Perlazza Studio y será editado


por Heavision. Los temas mas destacables son: “Dust” en donde meten un pequeño guiño a algo parecido a un blast beat. “Hollow Bricks”, tiene ese pequeño toque de Punk con raíces Heavys pero muy sutiles. “Social Worship”, posiblemente sea su tema mas agrereviso del redondo, incluyendo pegadizos riffs de guitarra y coros tipo Hardcore. Para cerrar tenemos “Burden of Crowd” en donde meten un grito en la intro, puede que por eso se consideren Black Metal por que sinceramente no lo veo por ningún lado. El disco, si te gusta el punk garaje no esta nada mal. En el fondo son buenos haciendo lo que hacen pero van de un palo que en verdad no son, personalmente me esperaba algo mucho mas extremo. Realmente entre el punk y el black metal en muchas ocasiones hay una delgada linea, sobre todo en actitud, rabia, ir en contra de todo orden establecido… me imaginaba algo en la linea de trabajos mas punks de bandas como DARKTHRONE o AURA NOIR y para nada.

de los guturales, nos deleitan con unas voces limpia muy melódicas, que pegan a la perfección con los potentes ritmos de cabecera. Un tema bastante completo, creado con los principales ingredientes del resto, que consiguen una despedida bastante positiva. Este primer trabajo de SLEEP TALK es un golpe sobre la mesa, con unos temas muy bien ejecutados, con mucha variedad y una mezcla de sonidos potentes con ritmos más enérgicos y rápidos. Sin duda alguna, plantean muy buenas composiciones, donde los temas, normalmente se pasan rápido y se disfrutan, y donde ciertas melodías se tornan pegadizas y potentes. Un trabajo bastante bueno, que sin duda gustará, a los amantes de la mezcla de ritmos. JORGE DE LA CRUZ | 7

MARK BERSERK | 6

SORGELIG (GRC)

DEVOTED TO NOTHINGNESS IRON BONEHEAD RECORDS

SLEEP IN TALK (AUS) EVERYTHING IN COLOUR UNFD La banda australiana SLEEP TALK lanzan al mercado su álbum debut, bajo el sello discográfico UNFD. El álbum lleva como título «Everything in Colour» el cual está compuesto por once temas. El quinteto, formado en Adelaida, Australia, está compuesto por Michael Belletti, Jacob Clement, Josh Healey, Lewis Tito, Fraser Ray. “Lauritzen” es el primer tema del trabajo, en el cual comienzan sonando platillos que dan paso a unas guitarras que mezclan sonidos agudos con otros algo más pesados para que la voz gutural suene por encima. Consiguen con sonido bastante pesado con la mezcla de esa potente voz y una línea de bajo muy agresiva. Poco después cambia de tercio cambian a unas composiciones mucho más rápidas, dando bastante más protagonismo a las guitarras. Cuentan con un estribillo bastante potente, con unos riffs pegadizos. Con melodías enérgicas nos adentramos en “Slowfade”, que cuenta con un sonido bastante más liviano, pero que al momento, con un potente bajo y batería, consiguen meternos en una mole de potencia, que la voz se encarga de poner un perfecto toque de potencia. Tras riffs de potentes guitarras, nos encontramos con segundas voces, más melódicas, que dan paso a melodías muy leves donde la voz sobresale por encima, consiguiendo un toque diferenciador en las composiciones. “New Tradition” se encarga de marcar el ecuador del trabajo, dejándonos con melodías bastante pegadizas, y desde un principio, con voces melódicas que resuenan en todas las composiciones de los estribillos, consiguiendo partes muy pegadizas. Entremezclan esas partes con composiciones algo más pesadas, donde la voz gutural pone fuerza y velocidad, dando como resultado un tema cargado de altibajos y variedad. El nombre del grupo queda impregnado en el tema “Sleep Talk”, donde nada más comenzar nos deja con unos sonidos muy leves, que al momento la voz gutural se encarga de romper con potentes sonidos. En las melodías nos encontramos sonidos muy leves, pero que son rotos con pequeños toques de potencia muy estridentes que derivan en ritmos potentes que sostienen todo el peso del tema. Terminan con unos riffs algo más enérgicos, cerrando el tema con una muy buena energía. Cierran el trabajo con el tema “Kill” que nos abre con enérgicos riffs encabezados con una voz super potente. Entremezclan composiciones muy potentes con otras partes más livianas, donde la voz queda por encima de unas leves guitarras. En las líneas vocales, a parte

Les Fleurs du Mal Productions (REVENANT MARQUIS, GOATKRAFT, SHEZMU…) en cassette desde Canadá y desde tierras germanas Iron Bonehead Productions (DISHARMONY, POSSESSION, BLACK CILICE…) en LP, han publicado este EP de la formación griega SORGELIG, que lleva por título “Devoted to Nothingness”. Banda creada en 2017 y en el que ya editaron su primer EP, poseen además en su haber dos discos completos, uno lanzado el pasado año “Apostate” y “We, the Oblivious”, que ha visto la luz posteriormente a este material que nos ocupa (en concreto, a primeros de noviembre). Black metal de estilo clásico y crudo, sucio, feo e ideal para seguidores de los viejos MÜTIILATION, VLAD TEPES o los más actuales DROWNING THE LIGHT, SARGEIST… El sonido es maquetero, no se me ocurre otra palabra más adecuada para denominarlo, aunque esto como podéis imaginar, no supondrá ningún problema para los degustadores de este tipo de sonoridades oscuras y misántropas. Las voces son realmente chillonas y taladrarán tus tímpanos sin remedio, la batería parece haber salido de una de las más inmundas catacumbas que podrás hallar y las guitarras/ bajo son punzantes e hirientes, con lo que poco o nada quedará de ti al término de la escucha de estos veinticuatro minutos que se dividen en ocho cortes. Puede que su propuesta se acerque más a las clásicas “Les Légions Noires” francesas de los 90, que a otros grupos, sólo has de escuchar las primeras notas del inicial “Lights Fades Away” para darte buena cuenta de ello. Si aún no estás convencido, el punzante y violento “Die en Vain”, fustigará tus carnes y maltratará tus huesos con esos medios tiempos trituradores y depresivos. Las melodías hechizantes y melancólicas también forman buena parte de la fórmula de estos helenos, “Μηδέν”, nos demuestra que no todo aquí es histeria y frialdad. No puedo tampoco dejar de lado “Devoted to Nothingness”, que da título a este trabajo, es depresiva, agónica con unas voces desquiciadas y llenas de desesperación. El etéreo e intrigante “Eclipse” pone el fin a esta edición. SORGELIG se compone de N.D. que se ocupa de guitarras, batería y en algunos temas voces y bajo, Odious (además de la mezcla de este material) es el vocalista principal y Konstantinos S al bajo como miembro de sesión. El neozelandés V. Kusabs (VASSAFOR, BLACK FUNERAL, GRAVE SPIRIT…) se ha encargado de la masterización. En conclusión, black metal clásico de la década de los 90, primitivo y nauseabundo, con sonido vomitivo y pobre (o baja calidad) y que a pesar de no ser nada del otro mundo, cumple con creces su cometido.


ROBIN RM | 7

STENCH OF PROFIT (ITA) HUMAN DISCOUNT

LETHAL SCISSOR RECORDS La palabra pantagruélico deriva del nombre de uno de los gigantes de la serie de novelas satíricas escritas por Rabelais que narran las aventuras de dos gigantes, Gargantúa y su hijo, Pantagruel. Son novelas entretenidas, extravagantes, repletas de insultos vulgares y mucho humor escatológico y de ahí se acuñó el término arriba referido para indicar, dicho de una comida, que es excesivo. ¡Colorea y aprende con Teo! Lo mismo pasa con el Grindcore, de tan exagerado que es todo, la velocidad, la distorsión, la guturalidad, sólo se me viene a la cabeza eso: que es pantagruélico, excesivo. Y para cumplir con los cánones del estilo, tenemos este EP de los italianos STENCH OF PROFIT, llamado “Human Discount”, cuatro temas y poco más de siete minutos de ¿música? Es difícil determinar dónde termina una y empieza el puro ruido. Para que nos hagamos una idea de por dónde van los tiros, estos terroristas sónicos grabaron una primera demo en 2015 llamada “21 ways to say Fuck!” (Efectivamente, 21 temas titulados todos ellos “Fuck”). Hace un par de años sacaron un Split con MINDFUL OF PRIPYAT (¡la ciudad fantasma en la zona de exclusión de Chernóbil, despistao!) y ahora vuelven a la carga con este EP. Cuatro temas, como he dicho antes y siente minutos de Grindcore. “Leaches” abre con su propia intro (el tema completo son 02:13) y nos encontramos con la aceleradísima batería de Giovanni, la trepanadora de riffs Lorenzana de Rossi (Lory) y la guturalidad y los shrieks de Maurizio “The Insane” Zani. “What’s left” sigue en la misma línea, pero al igual que todo el EP y al igual que todo el Grind. No has venido hasta aquí por la musicalidad o por el virtuosismo, sino por el extremismo y por molestar a tus vecinos. Por suerte, lo que sí han conseguido STENCH OF PROFIT es asignar a cada tema una entidad propia con lo que son perfectamente diferenciables y no una bruma de sonido continuada en la que no se diferencia una canción de otra sino por el segundo de silencio entre cada una. Sí, son todos abrasivos, apenas te da tiempo a contar entre golpe y golpe de caja y es probable que nunca hayas escuchado utilizar tantas veces un China (Uso y abuso de un plato, Vol. 1). Pero ¿volvemos a lo mismo? Es Grind, ya sabes a lo que vienes. Si ya en la portada te avisan: aparece la imagen del antiguo procedimiento médico para realizar lobotomías mediante el uso del orbitoclasto (inserción de un punzón por el lagrimal hasta los lóbulos frontales). Pues escucha temas como “Every Little piece” o el cierre de “Brains on Sale” y ya sabes cómo te van a dejar el cerebro: hecho una papilla informe. CESAR LUIS MORALES | 8

SCARLET RECORDS Hubo un tiempo en que la frase “si tiene teclados, no es metal” era dogma de fe. Talibanes del metal, mentes cerradas y demás piara se mostraban reacios a cualquier sonido que no fuese una Gibson Flying V conectada a un Marshall con el volumen al 11 (¡toma homenaje a SPINAL TAP!). Los primeros palos les empezaron a caer cuando vacas sagradas como JUDAS PRIEST con su álbum “Turbo” o IRON MAIDEN con el “Somewhere in Time”, ambos de 1986, empezaron a utilizar sintetizadores. ¡Colorea y rásgate las vestiduras con Teo! Desde entonces, el uso de los teclados se ha expandido para aportar a la música nuevas dimensiones, más orquestales, más sinfónicas. Se mira mucho hacia la considerada como música clásica (ya sabeis, Bach, Haendel, Mozart, Wagner, etc…). Y STORMLORD se sitúa en ese ámbito del Black Metal Sinfónico, donde los teclados de Riccardo Studer tienen un peso muy importante en la consecución del sonido de la banda, dándole, como ya hemos dicho, esas nuevas dimensiones. “Leviathan” abre el álbum con una vibración muy DIMMU BORGIR, en aquella gloriosa etapa del “Death Cult Armageddon” sobre todo gracias a las vocalizaciones rasgadas de Cristiano Borchi y a la precisa y velocísima manera de tocar la bateria de David Folchitto. Sus blast-beats nos acompañan a la siguiente “Mediterranea” donde se meten un repaso de historia a los amantes de Baco y los soldados de Marte, a las batallas sobre estas siete colinas, a Jupiter y a Juno… Todo son referencias a la mitología e historia clásica. Aparecen guitarras con fraseos más melódicos, pero también más metaleros, entre lo Epic y lo Black… “Far” por el contrario avanza elegantemente sobre una base más Black hasta que aparece la clara voz de Gianpaolo Caprino, guitarrista y también teclista (Os vuelvo a repetir, ¿os acordáis de los DIMMU y de la magnífica voz de ICS Vortex? ¡Pues eso!). “Sherden” sigue la misma dinámica de las anteriores canciones, pero aquí brillan los melódico solos de guitarra mientras los omnipresentes teclados acompañan con marcados acordes, vuelven a aparecen vocales limpios, epícidad a raudales… Nos adentramos en “Cimmeria” en claro homenaje a la obra de Robert E. Howard, creador de Conan y en la misma encrucijada de influencias. La siguiente canción, “Invictus”, te lleva a cantar sus últimos párrafos en latín (Memento, nec aspera terrent, Sic itur ad astra, Invictus) pero siempre con ese acompañamiento épico y sinfónico. Para el siguiente tema, “Romulus” volvemos a la clase de historia clásica, y volvemos a disfrutar de las guitarras y de las vocalizaciones limpias, aunque los tonos ásperos cuadran perfectamente, tanto en esta canción, como en el resto del disco y en el concepto de STORMLORD, pero… Dejadme que vuelva al párrafo de apertura. No, no soy ningún talibán de la música. Me parece estupendo un teclado, como me parece estupenda una gaita, o un violín o una zanfoña, o lo que al músico en ese momento le apetezca y considere que le vaya bien a una canción. Pero la preponderancia de los teclados en STORMLORD me hace pensar en ese altavoz de los SPINAL TAP; las teclas están grabadas al 11 y el resto de la banda al 10. No desluce, pero… Cierran con “Vacuna” y un último tema, “Levante” que se mueve en derroteros menos Black y más épicos, con melodiosos solos de guitarra y unas emotivas vocales gregorianas, así como un desarrollo final bastante acertado en decrescendo. Bastante buen disco para acercarte al sonido de STORMLORD, con su bombástico uso de los teclados. Black metal épico o viceversa, escúchalo si te va el power y quieres ir un poquito más allá, o si te gusta el black menos abrasivo. O escúchalo, simplemente por el placer de escuchar buena música, con teclados eso sí, que ya sabemos que en el metal no es pecado. CÉSAR LUIS MORALES | 8

STORMLORD (ITA) FAR


ches escandinavas, que también en la soleada Florida aparte de Death, tenéis el Black de THE NOCTAMBULANT.

do uno. JORGE DE LA CRUZ | 9

CÉSAR LUIS MORALES | 8

STRAY FROM THE PATH (USA)

THE NOCTAMBULANT (USA)

INTERNAL ATOMICS UNFD

Los neoyorquinos STRAY FROM THE PATH lanzan al mercado su séptimo álbum de estudio. Bajo el nombre “Internal Atomics” llega trabajo que ha sido editado a través del sello discográfico UNFD. Formados en 2001 en Long Island, Nueva York, el grupo está compuesto por Thomas Williams a la guitarra y voces, Andrew «Drew York» Dijorio en las voces, Anthony «Dragon Neck» Altamura al bajo y voces y Craig «The Grustlord» Reynolds en la batería. El trabajo comienza con “Ring Leader” donde una voz robótica nos da los primeros sonidos para poco después comenzar a escuchar los primeros riffs mezclados con voz, dejándonos unos ritmos muy potentes, donde las líneas de bajo y batería consiguen meternos en una mole de potencia abrumadora. En las guitarras nos deleitan con una velocidad abrumadora, derrochando energía por los cuatro costados y dándonos unos sonidos super movidos. “The First Will Be The Last” nos da unos ritmos super rápidos nada más comenzar, para poco después dejarnos con bajo, batería y voz en una simbiosis perfecta, donde las voces toman un protagonismo asombroso. Esas partes se van alternando con otras mucho más enérgicas, donde las guitarras son las encargadas de generar esa potencia mediante potentes riffs donde predominan los sonidos agudos. El quinto tema que nos encontramos en el trabajo es “Second Death” donde los golpes graves son los que se encargan de darnos la bienvenida, con guitarras super potentes y un bajo más que agresivos, creando un conjunto donde la potencia no falta. Ritmos cortos y constantes junto a voces rápidas y potentes, es la fórmula del tema, que nos hace disfrutarlo de una manera brutal. Cierran por todo lo alto con unos riffs super agresivos, dejándonos con ganas de ver el resto de lo que nos tienen preparado. Acercándonos al final tenemos “Something In The Water” donde guitarras empiezan a llegar con sonidos agudos a los que al momento sumamos potencia a raudales con un bajo super potentes, que poco a poco va dejando una base sobre la que fluye una voz muy enérgica. Todo esto, bañado por una potentes batería que se debate entre ritmos constantes y diferentes contrapuntos que nos hace tener una base instrumental bastante sólida pero variable y entretenida. “Action Not Words” es el tema que han escogido para cerrar este maravilloso trabajo, donde desde el primer segundo derrochan una energía abismal, con baterías y guitarras super rápidas, dejándonos con pequeños riffs muy rápidos y potentes. Entremezclan partes con voces muy agresivas con otras donde esta desaparece y nos dejan disfrutando de una instrumentación excelente. Un tema que en cierta medida aglutina unos muy buenos ingredientes y nos cierra este buen trabajo de una manera genial y con unas composiciones super potentes. Sin duda STRAY FROM THE PATH siguen dando caña y lo hacen con diez temazos cargados de fuerza y potencia, con el toque propio de la casa que sin duda no pierde fuelle en ningún momento. Siguen manteniendo un nivel de potencia asombroso, con potentes riffs, con una instrumentación cargada de fuerza donde el bajo destaca muchísimo, dándonos una fuerza y un sonido muy peculiar, el cual, me encanta. Sin duda, este trabajo es genial, quizás no tan bueno como “Only Death Is Real”, pero siguen manteniendo un nivel genial, dejándonos con muy buenos temas que todos los fans sabrán apreciar desde el segun-

THE DEVIL WEARS PRADA (USA)

THE COLD AND FORMLESS DEEP

SOLID STATE RECORDS

La noche, por oposición al día donde desarrollamos la mayor parte de nuestra actividad, ha sido el refugio de todos nuestros temores y aversiones. Los antiguos griegos la llamaban Nix y era una diosa primordial que no rendía cuentas a nadie y cuya descendencia era multitudinaria; por ejemplo, el Sueño y la Muerte – (¿veis que cercanos están el uno de la otra?) fueron dos de los gemelos que parió Nix. ¡Colorea y aprende con Teo! Ya sabemos que la cultura griega fue absorbida por la latina y de ahí pasó a esta zona del mundo. Para los romanos, Nix pasó a ser Nox (del latín nox, noctis). De esos conceptos de la noche como refugio de lo que no está iluminado por la luz de la razón surgen todas esas criaturas que pueblan las pesadillas. Y de ahí surge la idea de aquello que camina en el reino de la noche, sea zombie, licántropo o redivivo, el Noctámbulo. Y es el nombre que escogieron estos músicos de la soleada Florida, para desgranar su música. THE NOCTAMBULANT publicaron su segundo álbum, “The Cold and Formless Deep” en junio de este año y si bien son de la tierra del Death, ellos se han decantado por los sonidos más nórdicos. “Sonos Noctem”: sonidos nocturnos, grillos, chicharras, esos sonidos que, antes de que el hombre científico descubriese que eran debidos a insectos, muy probablemente se atribuyesen a los muertos y a los demonios. “Peste” abre ya el melón, y es lo que tiene que ser: Black Metal, chirriante, machacón cuando tiene que serlo, porque también aprovecha la banda para llevarlo al medio tiempo, con lo que se puede disfrutar, a pesar de que el trabajo guitarrero nos sigue llevando por los derroteros del metal más oscuro, al igual que las ásperas vocalizaciones de Helvete. “Morietur Solus” con unas breves notas dibujadas y reconocibles de la Marcha Funebre de Chopin nos lleva hacia el encuentro con esa escuela: los fraseos que dibujan las guitarras son melodiosos sobre el resto del ataque lo que convierte el tema en dinámico y abierto. “Leviathan” se acelera al principio para demostrar que la banda tiene musculo y potencia, cosa que demuestran también en su siguiente tema “Vakyrie”: pujante, abierto, ritmos mastodónticos, melodías con gancho… La brillante evolución de “Evil Calling” hace recordar a la escuela sueca con nombres como NECROPHOBIC, con un tema largo, bien estructurado y armado con la persistente batería de D. Fanseth que sin alardear de velocidad y blastbeats apabullantes sí lleva una línea perfectamente definida, clara y audible. “Blood” sigue desplazándose de manera cómoda en los medios tiempos melódicos, para contrastar con la más acelerada, agresiva y muy Old School “Unholy Benediction”, ¡que no todo va a ser mid-tempos!. El tema homónimo se construye sobre una melodía persistente de guitarra que, a pesar de la velocidad y agresividad del tema, entra y sale para conformar un bridge distorsionado que nos lleva a los solos de guitarra y de ahí a una desdibujada parte que hace que el tema titile como la llama de una vela en la noche. Por el contrario, el último tema, “My Dark Desires”, aúna un machacón e inmisericorde golpeteo de caja con un estribillo bien construido. No sé si la banda tocan, como se les describe, Black Metal melódico, lo que si es cierto es que son músicos experimentados (E. Helvete militó en las filas de TENGGER CAVALRY) y escriben música agresiva respetando los cánones del Black, pero también tienen una asombrosa capacidad para hacerlo melodioso y con gancho y no hace falta irte a las frías no-

THE ACT

THE DEVIL WEARS PRADA lanzan al mercado su séptimo trabajo de estudio desde que en 2006 lanzaron el primero. Los estadounidenses llaman a su último trabajo “The Act” el cual, editado a través de Solid State Records”, está formado por doce temas. Formados en 2005 en Dayton, Ohio, el grupo está compuesto por Mike Hranica en las voces, Jeremy DePoyster a las guitarras y voces, Andy Trick al bajo y Kyle Sipress en la guitarra. Comenzamos escuchando “Switchblade” donde los ritmos pesados están presentes desde el segundo uno, entremezclado con pequeños toques electrónicos, que dan paso a potentes breakdowns con sonidos muy pesados. La velocidad está muy presente, con estribillos muy rápidos donde la voz agresiva genera unas composiciones estridentes, que terminan el tema con unas guitarras super potentes con sonidos algo más agudos, parecidos a los primeros riffs de “Wave of Youth” donde la velocidad no es lo importante y arriesgan con sonidos más contundentes y composiciones menos pesadas, dando más importancia a la voz, dejándonos con coros más acusados en las líneas vocales. Igualmente siguen manteniendo una estética más oscura en cada uno de los riffs que forman el tema. Pasado el ecuador del trabajo nos topamos con “Numb”, un tema de poco más de cuatro minutos donde la tranquilidad reina en casi su totalidad en la primera parte, comenzando con ritmos muy lentos, donde las guitarras toman el protagonismo, con ritmos muy livianos. Poco después la batería se suma, añadiendo algo de potencia al conjunto, con buenas, pero cortas pegadas. Entremezclan algunas partes algo más pesadas con algo más de agresividad, con las partes lentas, consiguiendo un gran contraste en los sonidos y composiciones. “Diamond Lost” suena en noveno lugar, donde las voces son las encargadas de darnos los primeros detalles del tema, sonando ellas por encima de todo, con algunos toques de guitarra y un bajo algo más rítmico que en el resto de temas. Un tema bastante enérgico, con una mezcla de sonidos algo oscuros, con potencia suficiente como para conseguir riffs pesados y rápidos. Con el último tema, “Spiderhead” nos comienzan dando una potencia increíble, con una batería que sobresale por encima de todo, dando un doble pedal asombroso. Juegan con una mezcla de velocidad brutal con otras partes algo más rítmicas, apostando por un bajo que lleva la voz cantante de la melodía, siendo acompañado por voces agresivas. El toque especial lo da unas partes melódicas donde el ambiente cuenta de sobre manera, y donde nos dejan con unos breakdowns super agresivos en contrapartida. Sin duda, una manera alucinante de terminar un trabajo por todo lo alto. THE DEVIL WEARS PRADA siguen demostrando, hoy en día, el grupazo de metalcore que son, dejándonos con un disco lleno de matices, pasando por ritmos super agresivos y cargados de potencia y entremezclados con otros muchos más melódicos y con toques de sonidos electrónicos. Esta vez nos dejan con pequeñas atmósferas algo más oscuras, que se intuyen desde la portada, y donde se nota cada uno de los riffs pesados y breakdowns que forman los temas. Un disco genial para un grupo que poco a poco sigue sumando buenos temas. JORGE DE LA CRUZ | 8.5

ART GATES RECORDS

VADER (POL) THY MESSENGER

NUCLEAR BLAST RECORDS Hay bandas que sabes que su propuesta es ganadora, da igual si editan un CD completo o un EP, no van a defraudar. Este es el caso de los polacos VADER, que habitualmente antes de un larga duración suelen editar un EP, tal como este que hoy nos ocupa. “Thy Messenger” nos ofrece un ataque brutal de Death Metal y Thrash Metal al más puro estilo que solo estos maestros saben ofrecer, y lo que me llama la atención es que da igual qué palo toquen, porque lo hacen igualmente bien se centren en un estilo u otro. Llevar una larga trayectoria dentro de la escena musical es algo que también ayuda, conoces tu estilo y sabes cómo componer un tema que destripe al oyente desde su inicio, eso es con lo que comienzan este EP, “Grand Deceiver” es un golpe básicamente de pura brutalidad y velocidad precisa, como VADER llevan ofreciendo toda la vida, puro Death Metal que en unos pocos minutos nos ha dejado moviendo nuestro cuerpo al compás de semejante violencia sonora. “Litany” es una revisión (regrabación) de su tema del quinto álbum de la banda, dando un sonido quizás algo más actualizado a lo que es la banda pero sin perder esa esencia añeja que destila la música de VADER. “Emptiness” es el tema más Thrash de este EP, quizás el más lento y rítmico, pero que sin duda nos trae a la mente la intensidad que unos jóvenes SLAYER ofrecían en sus inicios, que se une a otro tema totalmente opuesto como “Despair” donde la velocidad y contundencia nos mete de lleno en la vorágine de brutalidad habitual de la banda cuando acelera sus composiciones. Para finalizar, nos obsequian con una versión de los míticos JUDAS PRIEST, con el tema “Steeler”, que la verdad les ha quedado muy bien, manteniendo esa ambientación puramente Heavy Metal, pero adaptándola a su propio sonido, una rareza que les hace pagar tributo a uno de las bandas clásicas de siempre. Resumiendo, un buenísimo EP de los polacos VADER, que sin duda, ofrecen un aperitivo a lo que será su nuevo CD este próximo año y que todo seguidor de la banda estoy seguro disfrutará, manteniendo su mezcla de Death Metal y Thrash de calidad y quilates. LUIS MARTÍNEZ | 8

NUM. 67 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 55


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Necromance Digital Magazine 67  

[In Mute], Extrema, Stormlord, Blaze The Trail, Stray From the Path, Hex, Totengott, Alerta...

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