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Staff - contacto DIRECTOR | EDITOR: David Déniz Plaza REDACCIÓN | MAQUETACIÓN: David Déniz Plaza

Contenido - Número 09/2015 04 - EDITORIAL Y CONTENIDOS 06 - PINOTXET - Entrevista 10 - NEURONIA - Entrevista con Lukas y Tektur 14 - AZATHOTH CIRCLE - Entrevista 18 - AQUELARRE METALROCK FEST - Entrevista con Andy García 22 - ABXENTA - Entrevista con Barón y Fer 24 - ALL I AM - Entrevista 26 - BLACK DEVIL - Entrevista 28 - IN.VERNO - Entrevista con Xan, Quique, Fran, Laura, Juan y Jorge 32 - INSIDE THE HOLE - Entrevista 33 - BLEED SOMEONE DRY - Entrevista con Alessio 34 - MAIN LINE 10 - Entrevista 36 - KARMAK - Entrevista 40 - CRÍTICAS DE DISCOS Amorphis, Annihilator, Atreyu, Avulsed, Black Tongue, Blessthefall, Bring Me The Horizon, Candlemass, Canker, Defeater, Five Finger deathpunch, Harlott, Iron Maiden, Metal Allegiance, Parkway Drive, Riverside, Slaves, Soilwork Stratovarious... 60 - CRÓNICAS LIVE Cancer Bats, Howling Fest, La Choza Fest, My Autumn, Nile, Suffocation,The Casualties ... 84 - LIVE SHOTS Cancer Bats, Fathoms, Novelists, Suffcation, Embryo, Chabtan ...

REDACTORES | CRONISTAS: Aquiles Remón Arcadio Rodríguez Carlos Bermejo Daniel Ureña Cruz Eduardo Rodríguez Emily Gallardo Gabriel Pastor Sánchez Gabriel Vázquez Héctor Lorenzo Socorro Javier Alday Palacios José Otero Juan Angel Martos, Jesús Muñoz Caballero Lluís García Sola Miquel Casey Rafael Eduardo Castro Robin RM Rubén De Diego Rubén Hernández González Rubén Fivvecore Santi Machín Sergio Hernández Titus Ferrer Bellés Yvette Pérez Arce FOTÓGRAFOS: Adrián Morote Albert Cortina «Kurti» Jaime García José Otero Juan Morillas Lluís García Sola Suuz Pijnappel PORTADA: Black Devil (Fotografía de Emilio Ferrari (Apolillarte)) DIRECCIÓN DE CONTACTO: Necromance Digital Magazine Apartado de correos 234 38320 La Cuesta Tenerife - España EMAIL DE CONTACTO: Consultas: digitalmag@necromance.eu Publicidad: advert@necromance.eu REDES SOCIALES Y WEB: Facebook: Necromancedigitalmag Instagram: necromancemag Twitter: Necromanceweb Revista digital: issuu.com/necromancemag Web Magazine: www.necromance.eu


Pinotxet Entrevista: Juan Angel Martos

El hardcore también cuenta con una presencia importante en España, y muestra de ello es este joven grupo PINOTXET, que nos presentan desde tierras vascas su EP de debut “Fables”. Necromance Digital Magazine se puso en contacto con ellos para que nos cuenten un poco más de su proyecto musical. Cómo comenzó la banda, habladnos un poco de vosotros, de vuestras trayectorias musicales e influencias. Tengo entendido que anteriormente hacíais algo más “grind”. ¿cómo surgió la idea de montar PINOTXET? Debido a la ruptura de un proyecto musical anterior, Endika (guitarra) y Eñaut (ex bajista) se proponen montar un grupo con tendencias crust/grind/noise con influencias como Ekkaia, HHLL, Hongo, Full of Hell y del palo. Los temas salieron gracias a la incorporacion de Eneko a la bateria. Los primeros concis no superaban 10 minutos de duración, pero eran actuaciones enérgicas y ruidosas. Con la entrada de Matu (ex cantante) el grupo se encamino hacia otras tendencias musicales. Anteriormente a este nuevo EP “Fables”, contáis con otro de 2014 llamado “Two Headed Urchins”, aunque en todos lados puedo leer que este es vuestro debut. ¿Esto a que se debe, hacíais otro estilo diferente al que hacéis ahora? Headed Urchins salió gracias al amigo Jon Sainz, nos presto el local y ayudo en la grabación. El EP estaba dirigido a dar a conocer al grupo que entonces estaba integrado por Matu, Eñaut, Endika y Eneko. En aquel entonces nos echabamos unas risas y escucharlo siempre nos trae buenos recuerdos, aunque Fables sea realmente considerado nuestro primer trabajo como Pinotxet. 6 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE

No conocía estos estudios de Andoain donde habéis grabado, ¿Cómo ha sido vuestro trabajo con Álvaro Remancha? ¿Cómo fue la elección del estudio, por cercanía, amistad, por trabajos suyos anteriores…? Álvaro Remacha es primero una gran influencia para nosotros. Ha sido guitarrista y voz de Materia, uno de los mejores grupos de Metal a nivel de Euskal Herria e incluso nacional, del cual guardaos un gran recuerdo. Nos enteramos de que ya había grabado a unos cuantos grupos amigos, como Meltdown, LionHead o All Became Dust y como nos gustó el resultado no nos lo pensamos dos veces a la hora de contactar con el. Gracias Álvaro! Personalmente me encanta la portada de vuestro disco, contando con reminiscencias a las fábulas y a un pintor que me encanta, El Bosco, y su cuadro el Jardín de las Delicias, ¿Quién es el autor de vuestro artwork? ¿Representa la portada lo que intentáis transmitir con vuestras letras? Eneko (bateria) fue el que diseñó la portada añadiéndole la “P” característica de Pinotxet. Matu optó por crear una historia (fábula) por cada canción que componíamos, se le hacía más fácil contar historietas a la hora de expresar sus ideas. Por lo tanto, si; la portada tiene mucho que ver con el contenido de las letras. Una pregunta que suelo hacer en mis entrevistas,

¿Cómo surgió la idea del nombre del grupo PINOTXET?, ¿hace referencia al dictador? Como el primer estilo musical iba dirigido al público Grind/Crust/Noise optamos por escoger un nombre que impactara sólo de oirla, como lo suelen hacer la mayoría de grupos de este estilo. Pinochet es un apellido simplemente, son temas tabú que a la sociedad le chirría y a nosotros nos da igual. Estamos muy

«Álvaro Remacha es primero una gran in uno de los mejores grupos de Metal a ni concienciados con lo que pasó Chile esa época (Gora Allende!!), pero de todos modos Pinotxet esta escrito con TX y lo solíamos asociar con los pinos en la naturaleza. Podría tratarse de una simple ironía. Con la salida de este EP, estaréis deseando de llevarlo al directo y que la gente empiece a conoceros. ¿Cuáles son vuestros planes de futuro más inmediatos, estáis trabajando en nuevos temas, componiendo, preparando gira…? ¿Alguna fecha que podáis adelantarnos? La verdad que nos hubiera gustado ofrecer más bolos por nuestros alrededores, ya que desde que salió Fables sólo hemos ofrecido dos, en Barcelona y Donostia. Sin embargo, con la salida de Matu y la llegada de Joanes hemos estado encerrados en el local ensayando, de hecho podemos decir que hay nuevo material y nuevo giro al estilo musical. Aún y todo fables estará muy presente en los directos. ¡Hay ganas de beatdownear! En el Norte de la Península, hay un resurgir de grupos y mucha actividad musical en cuanto a metal se


refiere, ya sea gracias a los grandes festivales, clima, actividad musical… ¿Cómo veis vuestra escena actualmente en España?¿Qué grupo destacarías de los nóveles que están surgiendo? Aunque en Euskal Herria difícilmente se escuchaba a este tipo de música (algo marginal incluso) debemos decir que en los últimos años se ha generado un movimiento de grandes grupos jóvenes con un público también joven. Podríamos destacar por los alrededores a Meltdown, LionHead, Flattened Frogs Massacre o Drop!

nfluencia para nosotros. Ha sido guitarrista y voz de Materia, ivel de Euskal Herria e incluso nacional, del cual guardaos un gran recuerdo.» y a nivel nacional tenemos muy en cuenta a Thirteenth, BTWD, Fear my Intentions como grandes influencias noveles. En esta era digital y virtual con Youtube, Spotify y otros medios donde escuchar gratis a miles de grupos. ¿Cuál ha sido el último CD que habéis comprado físicamente? Decidme tres grupos nacionales o internacionales que escuchéis a menudo. Hace mucho que no se compran CDs, si no es en algún bolo cercano y más que nada para ayudar al grupo. Tenemos muchos discos en casa pero ahora prevalece la era digital, es lo que hay. Nosotros mismos somos conscientes de que apenas vamos a vender copias de Fables,ya que está descargable en bandcamp, pero siempre nos hace ilusión guardar nuestros trabajos en un formato físico. En cuanto a lo que escuchamos, la verdad es que cada uno tiene gustos muy diferentes pero coincidimos en grupos como Desolated, Code Orange Kids o Counterparts. Por último, ha sido un placer poder hablar con vosotros, para NECROMANCE MAGAZINE, ¿alguna cosa más que queráis añadir? Solo nos queda agradeceros la pedazo de critica que nos habéis hecho y ofrecernos una oportunidad para difundir el nombre del grupo. Para finalizar, nos gustaría animar a todo el mundo a participar más en la escena local, ya que hay grupazos hasta debajo de las piedras y no hace falta pagar 50• para ver tres grupazos.


MEADOWS END

TANATORI


Neuronia Entrevista: David Déniz Plaza

NEURONIA son un quinteto que nos llega desde Polonia y que nos traen una propuesta musical marcada por el doom / death donde encontraremos influencias de bandas como CATHEDRAL, PUNGENT STENCH, PYOGENESIS… Contactamos con la banda para averiguar más cosas sobre ellos y esto es lo que dio de si esta entrevista. ¿Como y cuando fue el comienzo de NEURONIA? Lukas: La banda la formó a finales del 2003 Misiek, que hoy en día es el único miembro que queda de dicha formación. El grupo grabó 2 EP’s y un LP titulado “Winter of my heart”; tras esto y varios cambios de formación, Tektur entró en el grupo para ocupar el puesto de 2º guitarrista pero al final resultó que funcionaba mucho mejor como vocalista. Con esta formación la banda grabó su 2º trabajo titulado “Follow the white mouse” y, poco después, entró Lewy como guitarra solista. Anteriormente, ya había entrado en la banda Beton como bajista que luego fue el que me invitó a mi a entrar en el grupo como bateríaaunque ya nos conocíamos de haber compartido local de ensayo con nuestras otras bandas: MESMERIZED y WHICHHEAVEN. Para todos aquellos que no han escuchado todavía a NEURONIA, ¿Cómo describirías vuestro sonido? Lukas: Bien, es metal, y como el gran Chuck Schuldiner djio: “Metal, es metal”, asi que eso respondería a esta pregunta, pero hay diferentes subgéneros dentro del metal que nos han influenciado y es muy difícil darte un estilo más exacto. Nuestro sonido es una mezcla de influencias que van desde el heavy metal clásico al hard rock, pasando por el death metal y el metal melódico. Como he dicho, es una mezcla variada, pero que creo que funciona. Tektur: Misiek dijo una vez que tocábamos “Neurometal”, y que nuestra banda tenía un sonido personal. Bien, cuando escucho nuestras grabaciones, parece que estaba en lo correcto puesto que la banda ha mezclado muchos estilos desde su comienzo y eso ha llevado a que algunos cronistas no consiguen encasillarnos dentro de un estilo en sus reseñas. Para mi los elementos más importantes de nuestro sonido es ese toque thrash metal que se combina con las melodías. ¿Cómo transcurre normalmente el proceso de composición en la banda? Lukas: El proceso es muy simple y clásico. Comenzamos con un riff, ya sea de guitarra o de bajo y luego vamos añadiendo capas y texturas e intentando sacar melodías y ritmos o harmonías. Cuando todos estamos de acuerdo con la estructura del tema empezamos a ensayarlo y vemos si queda bien acoplado; normalmente lo último que metemos son las partes vocales y con ello sacamos el tema completo. Tektur: Has olvidado la parte donde nos cabreamos unos con otros en el local de ensayo con frases como “Eso está demasiado alto”, “Eso no pega ahí”, “Demasiado lento…” “que riffs es ese?”… si, los arreglos vienen cargados de mucho humor pero creo que, si te apasiona la música, tienes que pasar por momentos así. Hemos trabajado mucho en el local de ensayo estos 3 últimos años y estamos muy contentos de lo que será nuestro tercer trabajo. Después de sacar buenas ediciones editásteis un EP digital titulado “Insanity relapse” en el 2012, ¿Como fue el proceso de este trabajo? Lukas: El proceso completo de “Insanity relapse” fue bastante rápido. Después de que yo me uniera al grupo, los chicos ya tenían las estructuras básicas de 2 temas en los que había que trabajar. Nos pusimos a ello y conseguimos 2 temas antes de entrar a grabarlo. El proceso de grabación transcurrió de forma 10 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE

muy tranquila, hicimos el EP completo ebn pocos días en los estudios Progresja, comenzando por las partes de batería, y luego vino el bajo, guitarra y voces, todo dentro del tiempo estipulado. Tektur: Fueron unas sesiones muy rápidas, pero se hicieron en primavera y mi alergia hizo aparición y tengo que decir que fue uno de los días más duros que he tenido en la banda. Ya han pasado 3 años desde la edición de este EP ¿para cuando algo nuevo? Lukas: Que bueno que lo hayas preguntado! hemos terminado la grabación y mezcla del próximo LP “Under the same sky”, llevará 11 temas de nuestra especialidad, una mezcla de rápido, pesado y melódico metal. hemos puesto un trailer en nuestro canal de youtube (www.youtube.com/user/ NeuroniaOfficial) y dentro de unos días pondremos 2 temas nuevas para que los escuchéis. as que si te gustó “insanity relapse”, esto te gustará mucho más. Tektur: Como dije antes, hemos trabajado muy duro en este nuevo trabajo y nuestro productor, Heinrich, nos ha ayudado mucho. Es posible que lo conozcáis, ya que se trata del bajista de los conocidos VESANIA y MASACHIST. El sonido de este nuevo trabajo es demoledor, te dejará destrozado. ¿Siguen entonces componiendo nuevo material? Lukas: Como he comentado, el material ya está listo para ser editado. Estamos buscando un sello que se interese en promocionarlo. Tektur: Yeah, danos un respiro, hemos salido del estudio hace nada con material nuevo jeje. ¿Cuales son vuestros 3 temas favoritos de NEURONIA y cual es el por qué de esa elección? Lukas: Es difícil elegir 3,pero lo haré, serían “Alone in the dark” del EP “Insanity relapse”, además de “An elegy” y “Good clean fun” del próximo “Under the same sky”. “Alone in the dark” es un tema especial, ya que fue el primer tema en el que trabajó la actual formación de forma conjunta, además de que es un tema con grandes melodías, buenos coros y un doble bajo muy marcado. Los otros 2 temas, “An elegy” y “Good clean fun” son los que marcan una nueva etapa y son muy diferentes. “An elegy” es un tema lento, más bien con ese toque balada y con unos registros vocales muy buenos y grandes riffs. “Good clean fun” comienzo con una intri que te lleva a una parte rítmica dodne se pasa de un tiempo lento a una parte muy rápida, con ese toque Thrash; es muy divertido de tocar y seguro que en directo gusta a la gente. Tektur: Debo decir que “Good clean Fun” es un tema demoledor y de thrash ràpido sin paradas y posiblemente el tema más cañero del álbum, pero mi tema favorito es del pasado de la época en la que yo no estaba en la banda, en el 2008; es el corte “March of the damned” del primer álbum, no se porqué, pero adoro este tema, lo tiene todo: Simplicidad, energía y es pegadizo y me encanta tocarlo en directo. El tercero sería “Moon over providence” de “Insanity Relapse”, tiene ese toque fantasmal y ese regustillo Lovecraft y cuando lo escuché por primera vez sabía que las letras tendrían también es toque “Lovecraft”. ¿Podéis comparar musicalmente vuestra primera demo “Neuronia” (2005) con el último EP Digital “Insanity relapse”?

Lukas: Bien, para mi son dos mundos totalmente diferentes, los nuevos temas son más maduros y tienen un sonido más distintivo, son más variados y con más y mejores melodías y harmonías. Además, los registros vocales son diferentes, algunas veces limpios, otros más thrash y en algunos casos con un toque de las bandas del este de Europa, asi que tienen un toque muy diferente. Diría que se ha tratado de la evolución de la banda, han pasado muchos años y hemos encontrado nuestro estilo. Tektur: Pienso lo mismo y además, desde que tocamos con dos guitarras hay más solos y melodías que cuando empezó la banda. ¿Qué representa “Insanity Relapse” para la banda? Lukas: “Insanity relapse” es toda la locura que ocurre a nuestro alrededor, ya sea codicia, odio o guerra y puede estar relacionada con nosotros de forma directa o indirecta, pero siempre estará presente. Solo tienes que ver las noticias o los titulares, no hay día que no ocurra alguna desgracia; es muy triste pero parece que la humanidad se está degradando lentamente y de eso hablamos en nuestros temas que son una observación del presente estado de la humanidad y sus pensamientos. ¿Cómo es la escena en vuestra zona? ¿hay bandas que nos recomiendes escuchar? Lukas: La escena local va bien, hay bandas molonas sobre todo en la parte extrema del metal, pero el problema es que no están saliendo muchas nuevas y eso es preocupante. Tektur: La escena de Warsaw está muy diversificada y puedo darte algunos ejemplos. Tienes Thrash metal con TESTOR, Heavy metal con DRAGON’S EYE, NIGHT MISTRESS, hard rock con LEASH EYE, power metal con con EXLIBRIS, Thrashcore con LOSTBONE, Death metal con HATE, CENTURION, PYORRHOEA, GORTAL, THUNDERWAR, HELL PATROL…, Black metal con VESANIA, EMPHERIS, BESTIALITY, stoner rock con MAJOR KONG, DOPELORD.. y muchas más que puedo nombrar, aunque debo decir que algunas de las que he dicho no son desconocidas como TEKTOR o HATE, por ejemplo, pero son un ejemplo. la escena actual no está muy marcada por bandas jóvenes, las grandes salas y promotores no les hacen mucho caso y lo que se está moviendo mucho es pagar por tocar… aunque hay que reconocer que BESTIALITY o THUNDERWAR son bandas jóvenes con un gran talento dentro de la escena polaca. ¿Hábeis hecho muchos conciertos este verano? Lukas: El verano casi ha llegado a su fin asi que empezaremos a dar caña para promocionar “Under the same sky” ahora en septiembre; estamos algo parados por el tema de grabación y mezcla del álbum pero todo está listo y esperamos poder empezar dentro de poco. ¿Algo que queráis añadir para finalizar esta entrevista? Lukas: Gracias por el apoyo y estate atento a “Under the same skay”, el trailer ya está disponiblr en el canal de youtube y los nuevos temas también… Tektur: Apoyad vuestras escenas locales y no importa si eres fan del black, stoner hippie, heavy metal o death metal fan… todos somos una familia!!!!

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Azathoth Circle Entrevista: David Déniz Plaza

AZATHOTH CIRCLE son una banda que llega desde Ucrania con una propuesta musical en la que podemos apreciar influencias de bandas como ANATHEMA, KATATONIA, OPETH, MASTODON… para crear un sonido post metal bastante llamativo, que es lo que nos ofrecen en su último EP “The replacement”. Les envíamos unas preguntas a la banda y esto es lo que nos contestaron… ¿Como se conocieron los miembros de la banda y comenzó esta andadura? ¿Cúal es la formación actual? Nos conocimos a través de internet debido a que algunos habíamos dejado nuestros proyectos musicales y buscábamos hacer algo completamente nuevo y épico. El proyecyo fue iniciado por nuestro guitarrista, que buscaba miembros para un proyecto Stoner / post metal, pero todo fue creciendo más de los esperado y la formación fue cambiado hasta la que está actualmente y que la componen: Alexandra Bably (vocalista), Andrew Shlenchuck (guitarra), Mike Yablochkov (bajo) y Oleg Romanchenko (batería).

segundo EP? Bien, Siempre creamos los temas de la misma forma; todo llevamos algunas partes y empezamos a combinarlas. Por ejemplo, las partes “limpias” de “Heavenhell” fueron una mezcla de riffs de guitarra y bajo creados para otro tema, aunque juntos sonaban muy bien y decidimos encaminarlas de esta manera. Lo más importante, por supuesto, es como ve esos tema nuestra vocalista Alexandra, porque es la que se encarga de escribir las letras e intentar buscar la mejor manera de unirlas a la parte instrumental, pero siempre manteniendo esa harmonía y dinámica de los temas.

Vuestra música es una combinación de múltiples elementos que juntos se muestran muy intensos. ¿Qué bandas o músicos os han influenciado? Actualmente, no hay bandas que nos sirvan de influencia de forma conjunta, más bien cada uno tiene sus influencias o bandas favoritas. Todos escuchamos estilos diferentes de música que van desde el rock alternativo hasta el grindcore y cada uno intenta expresar esto en los temas del grupo y así funciona!!!. De cualquier manera, no hay sorpresas, la buena música se componen con buenas harmonías y cosas lógicas y si un riff de guitarra de post metal suena bien con una batería de caráter latino y con registros brutales ¿por qué no usarlo todo?.

¿Cual fue la parte más díficil del proceso completo de creación de este EP? Creo que no hubo partes complicadas, todo el proceso transcurrió de forma tranquila y rápida, quizás porque empleamos mucho tiempo en el local de ensayo y no tanto en la grabación. La parte creativa del EP fue hecha por nuestro bajista, que al principio no tenía ni idea de que poner en la portada aunque ya luego metió caña cuando supo que nos quedaba una semana para la edición.

Habéis grabado “The replacement”, vuestro segundo EP con Alexey Romanchenko en los Black Light Estudios, ¿Qué os ha parecido el resultado final? Alexey Romanchenko es un gran profesional y una persona con la que es fácil trabajar, sobre todo porque realmente escucha las demandas de las bandas y luego les ayuda dando su visión personal, por lo tanto, estamos contentos del resultado y le damos las gracias por ello. Lo único que hemos notado al tocar este material es que en directo suena más pesado que en el estudio y eso es muy bueno, porque a la gente le gusta que los temas en directo suenen potentes y en realidad, eso es el metal. ¿Como fue el proceso de creación de los temas de este 14 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE

Cuando la banda empezó a trabajar en “The replacement”, ¿tenían ya en mente el sonido que buscaban? Por supuesto. Déjame decirte que los temas del EP “The replacement” fueron escritos y ensayados cuando trabajabamos en nuestro primer EP y después de ver como fueron las reacciones de este trabajo comenzamos a trabajar en el 2º. Estos temas podrían haber estado en un único trabajo en circunstancias diferentes. ¿Como han reaccionado tanto la prensa como los fans a este segundo EP? Hemos recibido comentarios positivos tanto de la prensa como los fans. Coomo comenté antes, estos temas fueron escritos mucho antes de que se publicase este EP y muchos amigos ya lo conocían. Mucha gente admira las voces de Alexandra así como los riffs de guita-

rra y bajo; de todas formas, ya ha pasado más de un año de esta edición y aún seguimos recibiendo comentarios. ¿Qué os llevó a firmar con Metal Scrap Records? Probablementes que es la mejor compañía y la más fuerte de Ucrania. Los sellos locales no dan mucha cobertura fuera de aquí y con la ayuda de Metal Scrap, fans de muchas partes del mundo pueden escuchar nuestra música y leer entrevistas. ¿Como ves ahora a la banda en comparación con la de su debut? Quizás ahora sentimos que hemos crecido; cuando empezamos, nuestros ensayos eran en un viejo garaje con un sonido muy primitivo y no teníamos un batería en condiciones, todas esas líneas eran hechas por ordenador y grabadas por un músico de sesión. Hacíamos todo como un hobby y no de forma seria. Ahora tenemos una formación, con músicos profesionales y serios y planeamos antes todas las cosas. Antes todo se pensaba una semana antes y ahora ya estamos planeando el año que viene. ¿Estáis contentos de como ha ido vuestra carrera músical hasta estos días? Si, muy contentos, pero como en cualquier carrera profesional, siempre quieres más: tanto de tus aptitudes musicales como de las reacciones de la audiencia; así que déjame decirte, qué estamos contentos, pero para poder mantenernos así, debemos trabajar mucho!!. ¿Qué esperáis conseguir como banda? Bien, estamos muy lejos de ser Rock Stars, pero intentanmos dar lo máximo; este otoño tendremos nuevo single y nuestro primer video; estamis planeando una gira no solo por Ucrania sino por toda Europa. Nuestros goles son una mayor audiencia y mayor reconocimiento; esta crisis ecónomica no nos va a parar. Azathoth está llegando, y viene a través de nuestra música, entra en el círculo!!!.


Andy Management - Aquelarre Metalrock fest Entrevista: David Déniz Plaza

La tercera edición del AQUELARRE METALROCK FEST está a la vuelta de la esquina con un prometedor cartel y por ello quisimos contactar con la persona que está detrás de todo esto, Andy García, para que nos contará más cosas sobre el festival y las actividades y comienzos de ANDY MANAGEMENT. Bienvenido a las páginas de Necromance Digital Magazine Andy, ¿empezamos con esta entrevista? Hola muy buenas, muchísimas gracias por recibirme, todo un placer. ¿Qué es Andy Management y cuando nace? ¿Quiénes lo componen en la actualidad y cuáles son los cometidos de cada uno? Andy Management es una agencia de contratación y organización de eventos. Nace en 2012 después de darle muchas vueltas y vueltas me decidí a crear la agencia con la primera banda, que hoy día seguimos trabajando juntos y estoy encantado con ellos (Semilla Animal) para mí siempre será una banda muy especial. La agencia la dirijo solo yo, siempre he tenido y tengo buenas amistades y gente que me ayuda, pero siempre a sido dirigida por mi, posiblemente en un par de meses pueda anunciar que la agencia crece y se incorpore una persona que hará de esta una agencia más fuerte. Quiero hacer una mención especial a Antonio Madrid y Francisco Josè Cayuelas por estar siempre apoyando a la agencia en todo lo posible. Actualmente mi cometido es cuidar a las bandas que forman la agencia dándoles la máxima promoción posible y ocupándome de la contratación de las fechas posibles. Actualmente todas las bandas están a punto de sacar nuevo trabajo y habrá que trabajar muchísimo para estar a la altura y poder preparar una buena gira como se merecen. ¿Se han ido cumpliendo las “metas” que te habías propuesto cuando lo creaste? La verdad que si, aún queda muchísimo por crecer y por hacer, como aquel que dice acabo de despegar, pero estoy muy contento con los resultados obtenidos estos tres años, como he dicho anteriormente una vez pase el Aquelarre me vuelvo a centrar al 100% con las bandas para estar a la altura y me espera muchísimo trabajo, ya que sé que no daré abasto mi idea es que la agencia crezca uniéndose una persona que ya anunciaremos en su día, que tiene las mismas ganas que yo de hacer y vivir por y para la música y las bandas. En la actualidad, ¿qué bandas componen el rooster de Andy management? El rooster de Andy Management lo forman SEMILLA ANIMAL/GODDAMN/ADVERMIX Y KNIBAL. Hay muchas bandas en este tiempo que se han interesado en trabajar con nosotros, pero la verdad, es preferible tener menos bandas y darles el trato que se merecen a tener muchas más y tenerlas descontentas. Posiblemente antes de que termine el año anunciemos otra banda más que se unirá a esta gran familia. Una de tus actividades principales de Andy management es la organización de conciertos ¿recuerdas cuál fue el primero que organizastes? Siiiii…nunca se me olvidará, para mi fue una gran experiencia, el primero fuè en la sala Gamma, justo donde se va a celebrar el Aquelarre Metalrock Fest, y como he comentado anteriormente fue con la banda que empecé, Semilla Animal, en un festival llamado NecroTV, fue genial, aquel día quedará para siempre en mi recuerdo. Desde entonces, se han ido gestionando muchas fechas pero ¿recuerdas alguna de forma especial? Pues por ejemplo esa misma, la primera fecha que contraté yo creo que la primera fecha nunca se olvida y es algo especial…pero para mí sinceramente la fecha más especial es todos los años el Aquelarre Metalrock Fest, hace tres años era un sueño por cumplir, yo hace años decía que tenía un gran sueño y era poder organizar un festival desde cero y darlo a conocer y poder ver que ese sueño se está cumpliendo año tras año hace que sea la fecha más especial sin ninguna duda. Ahora tenemos a la vuelta de la esquina la que quizás sea tu apuesta más importante, el AQUELARRE METAL FEST, que ya va a por su 3ª Edición ¿todo preparado ya para este evento? Siii…ya todo preparado para dar caña otro año más, estamos al 100%,la verdad que lleva un curro impresionante, con18 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE

tratación de bandas, toda la organización,etc..Pero sí que estamos preparados, cada año cuidamos más la imagen del festival, que creo que es un factor muy importante, este año hemos aumentado el merchand, el festival se realiza en una gran sala (no quiero decir que la del año pasado no lo fuese),pero este año contamos con un gran escenario, mucho mejor sonido, mucha mejor iluminación, aparte habrá detalles que harán que el escenario quede muy chulo. También este año contaremos con Marisol Huertas, ya se anunció que es la fotógrafa oficial del festival, todos sabemos que es una gran profesional y es un orgullo poder contar con ella, otra novedad para este año es el stand de firmas, desde el primer año e querido contar con un stand donde las bandas puedan firmar carteles, discos y echarse fotos con los fans…Es lo que he comentado, la imagen es muy importante, son detalles que hacen que un festival vaya creciendo poco a poco. Así que…YA ESTAMOS PREPARADOS…¡¡¡¡¡¡¡…Solo falta que la gente vuelva responder otro año más. El festival se divide en 2 días, ¿qué bandas encontraremos cada uno de esos días? El festival se divide en siete bandas por dia, el viernes podremos encontrar a KILLUS, DREMENUART, SEMILLA ANIMAL, GODDAMN, EVIL IMPULSE, THE HOLE y WE SURVIVED THE MAYA…Y el sábado encontraremos a DÖRIA, CELTIBEERIAN, WE ALL FALL, HARD LOVE, LA SKALA DE RICHTER, RAVEN’S GATE y KNIBAL. ¿Cómo fue el proceso de selección de bandas? ¿Se quedaron muchas fuera? Si claro, yo creo que en todos los festivales se quedan fuera bandas que son muy interesantes, lo que se hace es intentar contar con ellas para próximas ediciones, con un Nivel tan elevado que tenemos hoy dia en este país se hace muy difícil seleccionar a las bandas para el cartel. El proceso yo creo que más o menos es el mismo que cualquier otro festival, a algunas bandas ya las conoces y vas directo a intentar contratarlas, pero a otras no las conoces tanto y viendo su recorrido te das cuenta que son bandas muy interesantes para el festival, por ejemplo DÖRIA Y KILLUS son bandas que les tengo el ojo echado desde el año pasado. Y así vamos siempre, aún no se a celebrado y ya le tengo el ojo echado a otras bandas para la cuarta…jajajaja, la verdad que no es nada fácil tener que dejar bandas con un nivel muy alto fuera del cartel, pero claro está que es imposible contar con todas, así que vamos contando con ellas en próximas ediciones. ¿Se ha celebrado siempre en la misma sala? No, en las tres ediciones siempre a sido en una sala diferente, la primera edición se celebró en el Old School Rock Bar, la segunda en la sala Jò y creyendo que este año repetiríamos en esta última, en las navidades pasadas nos dan la noticia de que cerraban sus puertas, así que nos pusimos en busca de otra sala y hemos acabado en la sala más legendaria de Murcia, la conocida sala Gamma, estamos muy contentos. La verdad que me gustaría tener ya una sala fija para el festival y siempre celebrarlo en la misma, no sé si ya lo habremos conseguido. He de decir que no nos a sido nada fácil este año cerrar sala para el festival, por eso quería agradecer a sala Gamma por su confianza en nosotros. También agradecer a sala Garaje Beach Club que lo estuvimos mirando con ellos pero no pillemos fecha, también es una gran sala muy profesional con un trato impecable, no descartamos algún año celebrarlo allí con ellos. Para mi sin duda, son las dos mejores salas para conciertos y festivales de Murcia, reúnen todas las comodidades y requisitos para celebrar un gran evento. Me imagino que todo el montaje ha sido una locura ¿en qué ha cambiado con respecto a las anteriores ediciones? SI…jejeje…todos los años es una locura, respecto a la primera edición a cambiado muchísimo, la primera fue en un bar rockero de Murcia(Old School) y el trato fue increíble, pero fue con entrada gratuita, se organizó todo en casi tres meses y no se le dio tanta difusión, pero si lo comparamos con la edición anterior, más o menos es todo lo mismo, el año pasado incluso se hicieron tres días..jejeje…el año pa-

sado metimos 16 bandas en tres días y este año 14 en dos, pero este año también hemos incluido una mini gira de cuatro fechas las cuales todas fueron con entrada gratuita…si al festival le sumamos la mini gira y toda la cartelería para cada una de las fechas, este año ha sido más entretenido de lo que esperaba, pero si después de tanto trabajo ves que el resultado es bueno, piensas que todo tiene sentido y vale la pena seguir trabajando en ello. ¿Cómo funcionaron dichas ediciones pasadas? ¿se cumplieron las expectativas? SI, la verdad que hemos ido creciendo año tras año y se han ido cumpliendo mis expectativas, soy muy realista en la época que estamos y mis expectativas son realistas..jejeje…Ojalá este año se vuelvan a cumplir, mientras sigan cumpliéndose las expectativas habrá Aquelarre todos los años. Todos juntos podemos seguir haciendo de este un gran festival. ¿Cómo ves la actual situación de la escena española en cuanto a bandas? En cuanto a bandas la veo brutal, tenemos hoy día un nivelazo en nuestro país que muchos quisieran, con esto de la agencia y del Aquelarre casi todas las semanas conozco a bandas que me quedo de piedra. Nada que envidiar a las bandas de fuera, pero nada de nada. Ahora, si hablamos de la escena a la hora de acudir a un concierto o a un festival, Me decepciona un poco. La gente nada más que hace quejarse y quejarse pero no apoya la escena como hay que apoyarla, que es acudiendo a los eventos y he de decir que lo que más pena me da es que en muchas ocasiones los que menos apoyan la escena son los mismos músicos, pero luego esos mismos músicos que no apoyan para nada piden que les apoyen a ellos…y esto termina siendo el pez que se muerde la cola. Así que menos quejarse y más apoyar, es la única forma de hacer que esto cambia y también decir que está muy bien escuchar a bandas internacionales (yo también lo hago),pero si de verdad apoyas y amas esta música, nuestra música, párate a escuchar a bandas nacionales, que estamos plagados de bandazas que se merecen ser reconocidas y estamos con lo de fuera que no meamos. ¿Y en lo referente a medios, promotoras, eventos…? En lo referente a medios, tenemos grandísimos medios que se dejan los cuernos día a día para ayudarnos en todo, a dar a conocer a nuestras bandas, nuestros eventos y todo sin nada a cambio, solo porque aman este mundillo y la música. Un 10 para todos los medios, sin ellos nada sería lo mismo. CHAPÒ. Promotoras hay de todo, promotoras formales y promotoras informales, pero en este país yo conozco a varias que son lo más. Se lo están currando muchísimo y gracias a ellas también esta música sigue viva, son promotoras que respetan la música y a los músicos…Respecto a eventos, el problema que hay tantos eventos hoy día que es imposible acudir a todos y al final la gente se termina repartiendo, eso también hay que entenderlo, pienso que aunque es difícil, los promotores en las ciudades tendrían que intentar no perjudicarse los unos a los otros y no competir a ver quién mete más gente, no es nada beneficioso para las bandas. Bueno Andy, hemos llegado al final de esta entrevista, te deseo muchísima suerte con el festival (donde además estarán 2 bandas de Necromance Records (THE HOLE y GODDAMN) y si quieres añadir algo, este es el momento de hacerlo… Lo primero es dar las gracias a Necromance por esta entrevista, me lo he pasado muy bien respondiendo. Y a la gente solo decirles que un millón de gracias por dedicar 5 minutos a pararse y leer la entrevista y que si nunca han ido al Aquelarre que le den una oportunidad, es un festival hecho con muchísimo cariño y cuidado hasta el mínimo detalle, esperamos que cada año seamos más brujos y brujas para que cada vez el Aquelarre sea más grande…Nos vemos en sala Gamma los días 2 y 3 de Octubre…GRACIAS POR TODO…¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡.


Abxenta Entrevista: Arcadio Rodríguez

ABXENTA (Marbella) es una banda de Heavy Metal que tiene dos EP editados: “La Fuerza” e “Inmortal”. De esos dos trabajos y de lanzamientos futuros es sobre lo que hablamos en esta entrevista con Barón (guitarra) y Fer (bajista). ¿De dónde viene ABXENTA? Es decir, ¿tocabais en alguna formación previa antes de ABXENTA? ¿Compagináis el grupo con otra formación…? ¿Sois músicos de sobreviven gracias al trabajo en orquestas? Por las fotos yo os veo mayorcitos… Barón: Jeje, la verdad que ya estamos criados… ABXENTA nació en 2005, ya ha llovido más de dos veces, sí… Desde entonces ha pasado muchísima gente por el grupo. El problema normalmente siempre ha sido la falta de tiempo, pues como en la actualidad, compaginamos con nuestros trabajos y se hace difícil hacer coincidir horarios de cinco personas. La formación más estable empezó hará unos cuatro años, pues ya coincidimos también los miembros con gustos muy parecidos, definiendo el sonido que nos gusta para la banda, Heavy Metal puro y duro. La verdad es que no compaginamos con orquestas ni nada, pues el tiempo libre que tenemos y podemos juntarnos, lo dedicamos a ensayar y componer para el grupo, que es realmente lo que nos gusta. Nuestra formación es prácticamente autodidáctica, aunque algún profesor sí que ha habido por medio en ocasiones. ¿Habéis tenido problemas con el nombre de ABXENTA? En España sé que hay varios grupos con ese nombre, algunos Absenta, sin la “x”, pero que puede dar lugar a la confusión… y ¿con vosotros?, ¿os ha pasado que os confundan? 22 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE

Fer: Problemas de momento no, pero sí es verdad que nos han llegado a confundir, con los “Absenta” cordobeses que hacen Black Metal. Donde en un concierto que dimos en Montilla en la sala AC/DS conocimos al vocalista de los Absenta y echamos unas risas de lo curioso en la coincidencia del nombre. Pero problemas no… de momento jejejeje. (Ndr.- Un saludo a los Absenta de Córdoba, con quienes mantengo cierta relación, pues un guitarra de esa banda y yo escribimos en Friedhof-Maganzine.com) “La Fuerza” fue vuestro EP de 2014. Seis temas y ¿qué tal funcionaron? No te pregunto solo por las ventas, sino por todo en general: grado de satisfacción, repercusión en medios, experiencia lograda… Barón: Pues para nosotros fue una grata sorpresa. Pues aunque teníamos maquetas anteriores y demás, eran de muy estar por casa… este fue nuestro primer trabajo más serio. Lo mandamos a muchísimos sitios, recibiendo muy buenas críticas. Nos hicieron entrevista y critica del EP en La Heavy, en Rock Estatal, entramos en varios recopilatorios, nos pincharon en el Vuelo del Fénix en RNE, lo mismo en Mariskal Rock e infinidad de críticas en blogs y páginas de internet. Estamos muy agradecidos… pues a partir de todo esto nos han pedido el disco desde Alemania, Brasil, Eslovaquia, etc… Nos sirvió de mucho este primer trabajo, nos enseñó un poco como movernos y que podíamos mejorar para este siguiente. Este nuevo EP, “Inmortal”, esperamos

nos siga enseñando para el próximo trabajo. Cambio de vocalista y este año lanzáis “Inmortal”, otro EP. ¿Cómo habéis afrontado un cambio tan significativo como el de vocalista? ¿Rezando para que este cambio sea el cambio definitivo? Fer: Los rezos para los curas y los capillitas, jajaja, si todos remamos en la misma dirección no debe de haber cambio alguno. El problema es cuando alguno deja de remar. Por que un cambio de cualquier miembro de un grupo siempre es muy jodido. Da igual quien sea, claro está que a la hora de buscar un nuevo vocalista siempre es más complejo, pues es el que imprime más personalidad de primera mano a una banda. Nos fastidió bastante la marcha de Kiko, no lo negaré, pero lamentándonos no conseguiríamos nada. Le echamos huevos al asunto y nos pusimos manos a la obra, a la caza de un nuevo vocalista… y ya hace un año que Álvaro está con nosotros, consiguiendo que ABXENTA tenga actualmente un plus más de agresividad con su voz. “Inmortal” contiene otros seis temas, al igual que el anterior “La Fuerza”, y le habéis incluido un videoclip de la canción “Puerta del cielo”, también subido a YouTube. ¿Notáis más atención en la banda gracias a ese videoclip? Barón: Pues yo creo que ha sido de gran ayuda, pues nos sirvió de adelanto al EP… el cual nos permitió que varios medios lo compartiesen anunciando la salida del trabajo y escuchar la banda con un simple click de ratón. Imagino que sí ha tenido su repercusión, pues una nueva forma hoy día de saber si te están siguiendo gente nueva es, por ejemplo, a través de recibir más solicitudes de amistad de gente que no conoces a través de


un cambio con el pasado de ABXENTA. La banda ha evolucionado bastante respecto al sonido de sus inicios a lo que es actualmente ABXENTA. Y el anterior logo no reflejaba la garra y la fuerza que es hoy en día la banda. Necesitábamos un logo más agresivo que representara lo que hoy en día hacemos. Creo que con solo ver el logo nuevo sabes que te vas a encontrar una banda de Heavy Metal. Cuando con el anterior podría crear dudas sobre el estilo de la banda.

«Somos conscientes que incluso con el disco será muy difícil todo, pero si nos vale para tocar en más sitios y conocer lugares nuevos, pues se cumplirá el objetivo real de esta banda desde sus inicios: Tocar y disfrutar del directo.»

“La Fuerza” e “Inmortal” son grabaciones que vosotros mismos editáis y vendéis, pero que están en descarga directa desde vuestra página web. ¿Lleváis el número de descargas? ¿Acude más gente a vuestros conciertos gracias a que dejáis que escuchen vuestra música de manera más libre que comprando el CD? Barón: No sabemos el número total de descargas, es muy difícil de saber. El EP “La Fuerza” lo subimos a mediafire. Al poco tiempo, nos lo encontramos en infinidad de servidores distintos a este, compartido por montones de páginas de descarga directas de Heavy Metal… flipados nos quedamos, paginas rusas, chinas, indues, argentinas… etc… etc. Sabemos y entendemos que no habrá sido masívamente la descarga, pero desde luego hay gente en todos lados que quieren descubrir bandas nuevas y en otro idioma por la curiosidad. Después hace mucha ilusión si te escriben y te dan las gracias o simplemente saludan…incluso te piden el disco físico en alguna ocasión. Alguna cara nueva sí que se ha visto en algún concierto que cantaban nuestras canciones, y eso desde luego será por que han bajado la música.

Respecto a firmar discos… alguno que otro hemos firmado… je, je… pero la mayoría de las veces te dicen por si alguna vez te haces grande. Da un poquillo de vergüenza firmar, desde luego por la falta de costumbre, pero se hace con mucho gusto… ahora mismo es más un detalle hacia nosotros, que de nosotros a ellos.

Gracias a las descargas directas, ¿habéis recibido alguna oferta de alguna discográfica para lanzar esos dos EP o algún disco futuro de manera más masiva? Fer: Respecto a las descargas aún no. Pero sí hemos recibido respuestas de alguna discográfica. Las respuestas han llegado tras mandar nuestro EP a varias discográficas y moverlo por cantidad de sitios, lo que viene siendo el modus operandi de toda la vida. Ir llamando puerta por puerta y esperar haber si hay suerte. Facebook. Hoy día hay multitud de nuevas bandas, entonces hay que intentar facilitar que te escuchen fácilmente aunque sea unos segundos… ya guste o no, pero saben de que vas. El cambio de logo en el nombre del grupo que se ve en las portadas de la banda, ¿ha sido debido al cambio de vocalista? ¿Lo queríais cambiar para romper de alguna forma con el pasado o surgió de la casualidad? Fer: Para nada tiene que ver por el cambio de vocalista ni mucho menos. De hecho ya lo estábamos planteando el cambio de logo cuando aún estaba Kiko con nosotros. Y sí, de algún modo, puede significar un poco

Ya que he mencionado que los discos los editáis vosotros…. ¿cuántas copias habéis imprimido y a qué precio las vendéis? ¿Os daría mucha vergüenza firmar ejemplares si os lo solicitan? Barón: Pues en principio hemos sacado 200 copias, las cuales por suerte, hemos vendido más de la mitad ya, lo cual es bastante para una banda como nosotros, pues aún no hemos tenido ocasión de presentarlo en directo. En los bolos es donde se debe vender más el EP. Con suerte creemos que habrá que hacer un nuevo encargo de CD pronto. La verdad es que estamos centrados ahora mismo en mover este trabajo para intentar darlo a conocer a los medios dentro de nuestras posibilidades, y pronto llevarlo al directo.

Ambos EP fueron grabados en los Wave Nation Recording Studio (Ronda). ¿Tan a gusto estáis con ellos o tan difícil es encontrar estudios que comprendan el sonido que ABXENTA quiere lograr? Fer: Si te digo la verdad estamos muy contentos con el trabajo y el resultado final que nos ha sacado José en sus estudios Wave Nation. Tanto en “La Fuerza” como en “Inmortal”. En los dos EPs ha sacado lo mejor de ABXENTA. Y para futuros trabajos pensamos contar de nuevo con él, sin lugar a dudas. Si la cosa funciona… ¿para qué cambiar? Después de dos EP… ¿tenéis en mente lo que haréis más adelante? ¿Os gustaría poder editar un disco completo en 2016? Barón: Pues ese es nuestro objetivo, la verdad. Tener un disco para presentarlo en tiendas físicas y demás. Un EP creemos que es más difícil sacarlo, pues es un esfuerzo grande editarlo, y no puedes venderlo al mismo precio para recuperar la inversión que un disco, siendo la inversión de edición igual. Aunque de momento está bien haber sacado ambos EPs, pues para intentar promocionar la banda y se nos escuche es más que suficiente… pero siempre la ilusión es un paso más. Somos conscientes que incluso con el disco será muy difícil todo, pero si nos vale para tocar en más sitios y conocer lugares nuevos, pues se cumplirá el objetivo real de esta banda desde sus inicios: Tocar y disfrutar del directo. Y ya es suficiente, venga, que al menos hemos esparcido la plaga ABXENTA… si me dejo algo o he cometido algún error en la entrevista [algo habitual en mí] podéis decirlo en vuestra próxima respuesta… Para despedirnos agradeceros el hueco que nos hacéis, nos dais voz a las bandas que estamos ahí, en la brecha, intentado subir un paso. Por supuesto a todos los lectores de vuestra web por dedicarnos un rato. Solo esperamos nos veamos todos en algún concierto de ABXENTA, que es donde disfrutamos con toda la peña, con esa bebida que es la que nos une a todos, CERVEZA Y HEAVY METAL!!


All I Am Entrevista: Yvette Pérez Arce

Nos encontramos con ALL I AM, un grupo de Barcelona, que nos presenta su primer trabajo como tal. Un EP al que han titulado “Dear Juliet”, expresado bajo la perspectiva de Romeo. Canciones surgidas del Metal Alternativo, donde toman protagonismo los melódicos, influenciados también por el Post-Hardcore. Dispuestos a responder las preguntas que le formulemos para NECROMANCE Digital Magazine. Empecemos por el principio, contadnos un poco sobre vuestra formación. ¿Cómo se originó la idea de este proyecto? ¿De dónde procede el nombre? All I AM empezó hace un año cuando Serj Macallan y Mark De Santa decidieron empezar un nuevo proyecto. Tanto el nombre como la idea general del proyecto surgieron a partir de diferentes pensamientos de Serj y Mark. El nombre surgió cuando pensamos en lo que queríamos transmitir, ALL I AM, significa “todo lo que soy” y realmente es una excusa para poder hablar y explicar tanto de lo que sentimos de nosotros mismos, como lo que sucede a nuestro alrededor. Actualmente ALL I AM lo formamos: Mark Richmans (Vocalista), Mark De Santa (Guitarrista), Erny Rock (Bateria), Johnny Calm (Bajista) y Serj Macallan (Guitarrista). Para que podamos hacernos una idea… ¿Cuáles diríais que son vuestras influencias musicales? No tenemos una influencia específica. Es la propia gente la que nos cataloga. Si que es verdad que nos gustan grupos como: Pierce The Veil, Bring Me The Horizon, Avenged Sevenfold, Sleeping with Sirens, Crown The Empire, Falling in reverse etc… También queremos añadir que a Johnny Calm (Bajista) le gusta Hannah Montana. ¿Qué perspectiva tenéis sobre el grupo? ¿Cual es la idea que tenéis para este proyecto? Creemos que ALL I AM puede llegar hasta donde queramos. Es un proyecto ambicioso y por el cual estamos dispuestos a dedicarnos exclusivamente a eso. Esto normalmente es algo que suele asustar y que no todo el mundo se atreve a hacer. Si queremos llegar a cumplir todos nuestros objetivos solo sucederá si estamos al 100% comprometidos con el proyecto. ¿Qué podéis contarnos sobre el proceso de grabación del EP? ¿Y del lanzamiento? Tanto la producción como la grabación del EP ha sido realizada por nuestro cantante Mark Richmans (Rica productions) han sido meses duros de grabación y días enteros sin poder hacer otras cosas. Estamos contentos con el resultado y lo hemos podido demostrar con la 24 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE

buena acogida del lanzamiento, en un mes hemos llegado a 10.000 visitas en el videoclip y el EP ha tenido muy buena acogida sobre todo en países extranjeros, nos llegan muchos mensajes de fans extranjeros y es algo que nos motiva. ¿De dónde surge la idea de la temática del EP? Por decirlo de alguna manera, ¿Cuál fue vuestra inspiración? Explicadnos un poco de qué trata. Realmente la idea de Romeo y Julieta es un canal para como decíamos antes, hablar de lo que queremos. Utilizamos una temática para explicar una historia y tratar los temas que nos interesan en cada momento. Seguramente es algo que nos acabará definiendo y que volveremos a hacer en otros proyectos con otros personajes, ubicaciones e historias. Por ejemplo Bella Verona, aprovechamos la ciudad donde transcurre Romeo y Julieta y la utilizamos de contexto para hablar de corrupción, política y oportunidades. Desde vuestro punto de vista personal, ¿Qué canción de vuestro trabajo os ha gustado más? ¿Por qué? ¿Hay alguna a la que le tengáis especial cariño? No podríamos quedarnos con una única canción. Si que es verdad que cada miembro del grupo tiene preferencia por una, tal y como se puede comprobar en las chaquetas ALL I AM. Cada uno de nosotros llevamos nuestra canción preferida, en la parte de atrás de nuestras chaquetas. ¿Cómo fue la experiencia de grabar vuestro primer videoclip como grupo? ¿Alguna anécdota que destacar? El videoclip “The Masquerade” dirigido por Victor Castillo, fue nuestro primer videoclip y al hacerlo sin discográfica teníamos que organizar la fiesta, los actores, la vestimenta, el escenario, el equipo etc. tuvimos a mucha gente ayudándonos, sobre todo agradecemos a NOUPRODIGI por el equipo tanto humano como material, DREW ÁVILA por la dirección de arte y vestimenta, a los actores VLAD DUCKU y ANDREEA BALÁN por su trabajo como romeo y julieta, a los dueños del palacio que nos dejaron el espacio y a Marc segura nuestro staff

que siempre nos acompaña a todos lados. Como anécdotas usamos un dron para grabar planos aéreos en el exterior, El Palacio que nos dejaron pertenece a una familia de siglo XVI catalana, y bueno peleas entre gente de público como en cualquier fiesta y mucho mucho alcohol, llegamos a gastar 300 botellas de champagne y el catering literalmente desapareció, gente que se dejó casi toda la indumentaria en el palacio (a saber cómo volvieron…). Tengo entendido que la mayoría de vuestros seguidores son del extranjero, ¿Cómo os hace sentir el hecho de llegar a gente de fuera de vuestro país? Nos hace sentir orgulloso de nuestro trabajo, porque vemos que el trabajo que hemos hecho gusta a gente de todas partes y edades y nos damos de que quizá tengamos alguna oportunidad fuera que podamos aprovechar. Nos encantaría poder llegar a cualquier persona a la que les guste nuestra música y tocar para ellos en cualquier lugar del mundo. De cara al futuro, ¿Qué ideas o planes tenéis en mente? Llegar a lo más alto que podamos, sin parar de trabajar nunca e intentar llevar nuestra música a cada rincón del mundo, comenzar a hablar con discográficas extranjeras y crecer como grupo y poder dedicarnos plenamente a ello. Muy bien chicos, ¿Algo más que añadir? ¿Queréis agregar algo más o darnos alguna información extra con respecto al grupo? Estaremos el día 10 de octubre en sala Bóveda dando nuestro primer directo y queremos invitar a todo el mundo que venga, porque no solo va a ser un concierto va a ser un show. Muchas gracias por haber compartido esta información con nosotros desde NECROMANCE, os deseamos lo mejor, mucho animo con el proyecto y todo lo que está por venir. ¡Muchas gracias desde ALL I AM!


Black Devil Entrevista: Gabriel Vázquez

A la redacción de Necromance llegó el nuevo trabajo de estos astuarianos, titulado “De mentes” y que sorprendió de forma muy positiva a nuestro redactor, por lo que decidimos hacerles una entrevista para que nos contaran más cosas sobre este CD que demuestra que la escena española tiene un gran potencial en muchos estilos. En primer lugar nuestra enhorabuena por el trabajo, es arriesgado pero muy interesante y con carácter directo y ecléctico, sorprendente en definitiva. ¡Muchas gracias! Lo supiste plasmar muy bien en la reseña que nos hiciste del disco y estamos muy contentos de leer cosas así, con las que nos sentimos plenamente identificados. Y por ahí es por donde me gustaría empezar con la entrevista. Lo primero que llama la atención al escuchar el trabajo es la amalgama de sonidos que se encuentra en él y el incesante zigzagueo de uno a otro, ¿a que es debido?, ¿es algo plenamente medido o simplemente es un “dejar fluir” las diversas influencias en el momento de la composición? Pues creemos que tu mismo lo has contestado en la propia pregunta cuando comentabas lo de “dejar fluir”. A parte de que ya está muy manida la pregunta sobre las influencias musicales de cada uno, he de decirte que en Black Devil son infinitas, imposible de nombrar todas y no dejarnos ninguna. Eso se refleja luego en los temas, de ahí surge que nadie sepa meternos en un estilo en concreto y eso es buena señal, no pretendemos inventar nada pero si ser una propuesta original y eso se refleja en nuestra música, mientras nos guste y nos llene lo que suena cuando componemos, no ponemos puertas a nada, eso sí, siempre con el sello de identidad de la banda por delante. A colación de la pregunta anterior ¿cómo son los procesos compositivos de la banda?, ¿hay alguien que monopolice o lidere de alguna forma el proceso compositivo o por el contrario es más bien una composición más coral? Totalmente coral, ante todo filosofía de banda. En los dos álbumes que tenemos, las totalidad de los temas están firmados como Black Devil, no hay individualidades, todos a una. En el proceso de componer pasa un poco lo mismo, se puede partir de una letra con su melodía, se puede empezar un tema con un riff de guitarra o con un ritmo de bajo 26 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE

y batería, pero esa idea primigenia que alguien en particular pueda aportar se madura entre todos, siempre buscando lo mejor para la canción. En definitiva, somos 5 compositores u obreros, como quieras llamarlo. De todos estos estilos por los que navegáis ¿en cuál es el que más a gusto, o más representados os encontráis? Como te decía antes, son tantas las influencias personales de cada uno de nosotros que nos sentimos agusto tocando todos los palos que tocamos. Disfrutamos tanto escuchando el Keeper de Helloween como del Ratas de S.A. y a la hora de tocar con Black Devil se nota que si hay algún cambio de estilo incluso dentro de una canción, es porque lo pide el cuerpo y por satisfacción personal, así que estamos muy a gusto con lo que hacemos, sin dar más importancia a un estilo o a otro. Pregunta obligada, ¿¿ Antroagaetofobia?? Me rindo, no lo pillo ¿Cuál es la historia del término y a que hace referencia? jajajajaja, ya vimos en la reseña del disco que este título te había dejado un poco descolocado. “De Mentes” es un disco, que sin ser conceptual del todo, si que mantiene un hilo conductor durante su totalidad y ese es la locura, el comportamiento de la psique humana, ¿quien está más loco, el que está encerrado en un manicomio o las personas que a diario deambulamos por las calles?. A día de hoy, el mundo es el sanatorio mental más grande que existe y de ahí sacamos el nombre para la intro, la “antrofobia” es el miedo a la gente que te rodea y la “agaetofobia” es el miedo a la locura de la gente y a poder contraerla, así que nos inventamos esa palabreja que viene a significar “prefiero estar encerrado en una habitación con paredes blancas y ser tomado por loco, que pulular por un mundo lleno de locos que no saben que lo están”. BLACK DEVIL, ¿por qué un nombre Anglosajón si luego las letras son en castellano? ¿No creéis que puede despistar un poco al personal?

Porque esto le pasa a la mayoría de las bandas, ponen un nombre a la banda cuando empiezan a tocar y cuando se quieren dar cuenta, ya tienen una trayectoria bajo ese nombre que no se puede obviar cambiándolo así como así. Es lo mismo que los temas, a veces no puedes evitar ruborizarte cuando escuchas un tema tuyo compuesto 10 o 12 años atrás, porque las cosas cambian y se madura. Eso sí, nos encanta nuestro nombre y nos parece perfecto para el estilo que intentamos hacer, al fin y al cabo no seremos ni la primera banda ni la última con nombre anglosajón y letras en castellano. Que me decís del cover de HEROES DEL SILENCIO, desde luego no va a dejar indiferente a nadie ¿por qué no un cover más estándar, menos arriesgado? Porqué eso es lo que va a esperar la gente, que vayas a lo fácil y también queríamos desmarcarnos en ese aspecto. Desde el principio hemos hecho versiones en directo, en la gira del primer disco hacíamos el Violent revolution de Kreator para cerrar los bolos y la respuesta es estupenda, pero lo tocábamos igual porqué no se prestaba a cambiar nada. Precisamente lo que buscamos con esta cover era todo lo contrario, coger un tema que no tuviera nada que ver con nuestro estilo, respetar la letra y la melodía de voz pero recomponiendo la música y haciendo que en lo instrumental parezca un tema nuestro. Tanto seguidores acerrimos de Héroes como detractores a muerte de los mismos, nos han dicho que les ha encantado la versión y que parece una canción nuestra más, no creemos que haya mejor piropo que ése. Para terminar contadnos un poco que planes tenéis para lo que queda de 2015 y el próximo 2016, ¿vais a entrar a grabar algo nuevo o os centrareis en seguir moviendo el material actual en directo? Por lo pronto, seguimos presentando “De Mentes” porque estamos muy a gusto tocando estas canciones en directo, pero si que es cierto que el cuerpo pide temas nuevos en el repertorio no tardando. Acabamos, como quien dice, de bajarnos del escenario de la Plaza de la catedral de Oviedo, en plenas fiestas de San Mateo y solo unas horas más tarde de hacerlo Warcry, ha sido el colofón perfecto para presentar el disco en Asturias pero ahora toca salir fuera de casa y llevar nuestra música lo más lejos posible. Estad atentos a las redes sociales porqué se presenta un año movidito y queremos veros a tod@s las caras y pasar un buen rato, y quien sabe, igual la próxima entrevista es con un nuevo álbum bajo el brazo…


In.verno Entrevista: Juan Angel Martos

Esta vez Necromance Magazine entrevista a IN.VERNO, grupo que nos llega desde Vigo, ante la reciente salida de su nuevo trabajo “The Reasonable Choice Of Insanity”, donde dan un paso más en su carrera musical. Veteranos de una escena no muy tocada en nuestro país, melodic/dark/gothic/metal, afines a EPICA, LACUNA COIL… IN.VERNO, es ya una banda veterana de la escena nacional, pues lleváis juntos desde 2001 y casi con la misma formación que la fundó, habladnos un poco de vosotros, de vuestras trayectorias musicales e influencias…, un poco para ubicar a nuestros lectores que aún no os conozcan. ¿cómo surgió la idea de montar IN.VERNO? XAN: In.Verno nació cuando en el 2001, Juan y yo, tras varios años de amistad, nos propusimos montar una banda de metal. Conocíamos a Jorge, un compañero de facultad que había tocado la batería en otros proyectos musicales y a Julio, un amigo violinista, y comenzamos a reunirnos y a poner ideas en común. La siguiente en unirse poco después fue Laura, que era la vocalista en varias bandas locales; aunque inicialmente le propusimos ser nuestra teclista, realmente sabíamos que tenía que ser nuestra cantante… al final, por suerte, ocurrió. Empezamos a componer nuestros primeros temas, pero para conseguir el estilo que perseguíamos nos faltaba el aporte de atmósfera y algo de carácter que dan unos teclados, y buscábamos alguien para cubrir ese hueco que nos hacía falta. Por suerte conocimos a Quique tras dar un pequeño concierto de versiones junto a unos amigos de otros grupos de la escena local; Quique se encontraba entre el público y le encantaba la idea de formar parte de un grupo de metal oscuro progresivo por lo que, gracias a una amiga en común, nos pusimos en contacto con él y se unió inmediatamente a la banda. Poco después, Julio abandonó la formación y el resultado fué el quinteto que formó In.Verno durante sus primeros pasos. Tras unos años y dos trabajos de estudio publicados, seguíamos pensando que necesitábamos algo más, más fuerza, contundencia y la versatilidad que podría aportar una segunda guitarra. Tras mucho buscar, conocimos a Fran, técnico de sonido y guitarrista de la banda viguesa de metal N.O.T. Fran encajó a la perfección dentro del grupo tanto a nivel personal como musical, por lo que su incorporación completó de esta forma el grupo y hemos conseguido al fin el sonido que estábamos buscando. Anteriormente a este último trabajo, contáis con otro de 2009 llamado “Realscapes”, y con el que habéis enlazado a nivel conceptual con el mismo, en temas como “Opportunity (Human’s Inside Pt.4)” y “Threat (Human’s Inside Pt.5)”, que cuentan con sus anteriores partes en el disco mencionado. ¿Cómo surgió esa idea? ¿Podéis hablarnos del hilo argumental que llevan vuestras letras? QUIQUE: El origen de Human´s inside se encuentra en Weakness, tema compuesto por Juan. A mi me parecía que el mensaje final de la canción era excesivamente positivo, así que decidí crear una respuesta, “Strenght”, que evocase justo lo contrario. El concepto fue tomando forma y acabó por relatar las diferentes etapas de una relación tormentosa: en “Weakness”, él se empecina en mantener la relación, aunque en el fondo sepa que está destinada al fracaso; “Doubt” evoca el momento de vacilación, el instante en el que se produce la catarsis que conduce al desengaño; “Strenght” narra la ruptura, el desastre; en “Opportunity” ella está desolada, incapaz de verse a si misma sin él, hasta el punto de lanzarse de nuevo a sus brazos a sabiendas de que eso la destruirá; en “Threat” es la propia Amenaza quien habla, recordando a los amantes que su sombra siempre estará ahí para poner en jaque la relación. Como alguno habrá podido advertir, “Human´s Inside” es un DAFO de una relación afectuosa (debilidades, amenazas, fortalezas y oportunidades). Desde la perspectiva 28 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE

musical, los temas incluídos en “Realscapes” tienen tintes más progresivo, empleando estructuras y métricas complejas. Los cortes incluidos en “TRCOI” son sin embargo más directos, recuperando riffs de la “trilogía original” y trasladando al oyente a una atmósfera más orquestal y grandilocuente. Este último trabajo ha sido auto producido, ¿Cómo desarrolláis vuestro trabajo de estudio? ¿Contáis con alguna ayuda a la hora de masterizar o producir vuestros LP, o para este apartado trabajáis con algún profesional? FRAN: Por suerte, todo el trabajo artístico de la banda es cocinado lentamente y con mucho cariño por nosotros. En este caso, la grabación, mezcla y mastering del disco ha sido mi tarea principal durante el tiempo que ha durado la producción del mismo. Soy productor y técnico de sonido desde hace 7 años. Curiosamente mi llegada a la banda viene a raíz de un trabajo que hice para In.Verno en el 2011 en la cover de “Everything Dies” de Type O Negative para el albúm tributo “All For None, None For All: A Tribute To Peter Steele”. La portada de vuestro LP es producto de uno de vuestros componentes, Laura Comesaña, además me parece de un gusto exquisito, ¿Podrías explicarnos qué has intentado plasmar en ella? Y algo más personal, pero interesante ¿Con qué disfrutas más, cantando o dibujando? LAURA: Muchas gracias, la portada es la última ilustración de un proyecto personal en el que llevo años trabajando, es la antítesis de otro dibujo idéntico en estructura pero no en contenido. En el primero presento la iniciación de un ritual mágico, en el que a un recién nacido se le otorgan tres dones… la portada es justamente el momento en que los pierde, o los desprecia, no necesariamente para mal… Sobre lo que más disfruto; puedo decir que dibujo desde que nací, atracción y gusto por la música siempre lo he tenido, como casi todos me atrevería a decir, aunque si me hubieses preguntado esto mismo de niña, yo hubiese contestado, “de mayor quiero ser cantante” … Lo que sucede es que a mí me gusta crear…no se trata de cantar o dibujar, si no de sacarme las ideas de la cabeza sea como sea, a través de cualquier actividad. No me considero buena cantante, si no una aficionada que a veces inventa melodías para la música y letra de sus compañeros, y otras crea su propia música… Ya no soy una niña, pero ahora te diría “de mayor quiero ser dibujante”… Una pregunta que suelo hacer en mis entrevistas, ¿Cómo surgió la idea del nombre del grupo IN.VERNO?, ¿y a que se debe ese punto gramatical en vuestro nombre, estética, parecido a otro grupo…? JUAN: No es casualidad que en Galicia haya grupos con tendencias Dark, Metal o Gothic, nuestra gente tiene muchas similitudes con los pueblos nórdicos y en muchos sentidos nos sentimos identificados con ellos, Inverno en Gallego es invierno en castellano, decidimos ponerle el punto porque refleja pausa, intención y lo que queremos es que quien escuche In.Verno se quede con algo de nuestra locura. Ya he visto por la Red, que habéis presentado vuestro disco en directo. ¿Cuáles son vuestros planes de futuro más inmediatos, componer, preparar vuestra gira…? ¿Alguna fecha que podáis adelantarnos? JORGE: Nuestro primer objetivo es realizar una gira por la principales salas de Galicia y, aunque no tenemos decidido el comienzo, queremos cerrar fechas hasta el primer trimestre de 2016; además, estamos en conversaciones para formar parte de los carteles de varios festi-

vales a nivel nacional e intentaremos abarcar lo máximo posible la geografía española el próximo verano. Musicalmente hablando, ya estamos inmersos en la composición de nuestro próximo trabajo, del que es posible que vea la luz un adelanto en forma de EP a mediados del año que viene. Vuestro estilo musical, al menos en lo que yo conozco, en España no es muy común encontrar grupos como vosotros… ¿Cómo veis vuestra escena actualmente en nuestro país? ¿Qué grupo destacarías de los nóveles que están surgiendo tanto a nivel nacional como internacional? XAN: Realmente es una situación contradictoria. Mientras que vemos un montón de bandas nuevas salir y apostar por metal de calidad en sus composiciones, por otro lado vemos un panorama desolador a la hora de intentar dar conciertos y progresar dentro de la escena nacional, con muy poco apoyo para estos estilos de música, siendo necesario un gran esfuerzo tanto económico como personal por parte de las bandas para darse a conocer al público en general. Es complicado resaltar alguna banda, puesto que hay muchos grupos nuevos y muy buenos todos ellos. Como pregunta curiosa, ¿A qué grupo o grupos os gustaría telonear si se pudiera? ¿Cuáles son vuestros referentes musicales? JORGE: Somos un grupo de personas con gustos muy heterogéneos, que pueden ir desde el pop al black metal, pero en relación directa con el estilo musical que hacemos podrían nombrarse grupos de referencia como Opeth, Amorphis, Lacuna Coil o Moonspell. Telonear a cualquiera de ellos sería una experiencia fantástica, aunque Moonspell es un grupo que seguimos desde hace muchos años y Portugal es un país con una cultura musical extremadamente rica y en el que nos encantaría mostrar nuestra música. En esta era digital y virtual donde escuchar gratis de miles de grupos. ¿Os ha influenciado para bien, o para mal el uso de Internet? ¿Cuál ha sido el último CD que habéis comprado físicamente? Decidme tres grupos nacionales o internacionales que escuchéis a menudo. TODOS: Creemos que la evolución en la distribución musical en formato digital ha ayudado a que nuestra música, al igual que la de muchas otras bandas con pocos recursos, llegue a todos los rincones del planeta. Lógicamente, y por el mismo motivo, la oferta es abrumadora y por ello es muy difícil abrirse un hueco en la industria sin realizar una inversión mínima en promoción y marketing. En cuanto a los últimos discos físicos que hemos comprado, Quique ha visitado Escandinavia recientemente y se ha hecho con una copia del primer disco de Kvelertak; la última adquisición de Jorge, ha sido el disco de Katatonia “Night Is The New Day”. Juan ha comprado un clásico de Paradise Lost, el Draconian Times, mientras que Fran ha añadido a su colección el último disco de Moonspell, Extinct. Xan se ha decantado por el último de Leah, Kings & Queens y Laura una joya de Dio, el Dream Evil. Grupos escuchados a menudo: Fran: Moonspell, Dead Letter Circus, Amorphis Juan: Ghost Brigade, Opeth, Lacuna Coil Quique: Insomnium, Katatonia, Dream Theater Xan: Moonspell, Opeth, Dream Theater Jorge: Orphaned Land, Dark Tranquillity, Kells Laura: Rainbow, Ronnie James Dio, Alphaville Por último, ha sido un placer poder hablar con vosotros, para NECROMANCE MAGAZINE, ¿alguna cosa más que queráis añadir? Queremos agradecer a Necromance el apoyo e interés mostrado así como a todos los webzines y rincones culturales que promocionáis proyectos de forma desinteresada, y que supone un apoyo básico para los grupos que no disponen de infraestructura suficiente para dar a conocer su trabajo. Un saludo In.Vernal!!!!


Inside The Hole Entrevista: Gabriel Pastor Sánchez

INSIDE THE HOLE son una banda de rock/blues italiana compuesta por tres miembros, cuyos gustos diferentes se reflejan en una excepcional mezcla. Tras su gira por España a finales de 2014 nos traen una entrevista en la que nos hablan de la banda y su visión de la música. ¡Hola chicos! ¿Nos podéis contar acerca de INSIDE THE HOLE y su historia? Lo primero es agradecer esta entrevista, respecto a la pregunta… INSIDE THE HOLE nació a finales de 2010 en Sicilia. La banda empezó pronto a participar en giras alrededor de Sicilia con varias covers de rock/blues (Thorogood, ZZ-Top, Steppenwold, Gallagher, etc.) y con una canción original que grabamos nosotros mismos en noviembre del 2011; ‘Beer… Sex… and Fucking roll‘. Esta recibió excelentes críticas y comentarios positivos de algunas revistas de música nacionales, de radios nacionales e internacionales, y de radios web, así en 2012 la banda tuvo su primer tour europeo (junio) y un tour español (noviembre). En marzo de 2014 INSIDE THE HOLE firmó con Logic(ic)illogic Records para el lanzamiento de su primer álbum oficial ‘Impressiones‘ y en marzo de 2015 hicimos nuestro segundo tour español gracias a Valknut Music Productions.

general como en la vida, sólo pueden dar oportunidad para comparar tus propias peculiaridades y límites con otros distintos. Tener diferentes gustos musicales te hace crecer y dar lo mejor de ti en cada momento. Algunas veces hace que la composición sea un poco más difícil, en otras ocasiones no… Pero cuando alcanzas el balance entre cada punto de vista ¡nace una nueva canción!

Mencionáis en vuestra biografía que vuestros miembros tienen diferentes gustos musicales, ¿Podría cada uno de vosotros mencionar un par de vuestras bandas favoritas para hacernos una idea? Por supuesto, cada uno de nosotros tiene su propia personalidad y gustos musicales. No tenemos ninguna banda preferida realmente, porque se necesita escuchar de todo para tener algunas ideas nuevas, no sólamente para disfrutarlo, y al final te acaba gustando todo. Puedo decir algún nombre de banda que son inspiraciones para INSIDE THE HOLE y su sonido: Rory Gallagher, ZZ-Top, Deep Purple, Buddy Guy, Iron Maiden, Led Zeppelin, Eric Burdon, Stevie Ray Vaughan…

¿Tocáis en alguna otra banda alguno de vosotros? Si es así, ¿Son estilos muy diferentes o más bien similares? Sí, venimos de diferentes proyectos y también tocamos en otras bandas, similares y diferentes a la vez. Es música, siempre puedes aprender algo nuevo de otros músicos y proyectos, y cada experiencia musical puede ofrecerte algo.

¿Pensáis que los diferentes gustos musicales hacen más difícil componer material nuevo? ¿O quizá más fácil? ¡Explicadnos! Creo que diferentes puntos de vista, tanto en el arte en 32 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE

¿Cómo describiríais vuestro sonido? ¿Hay alguna banda que conozcáis que suenen de forma similar a vosotros? Es un sonido antiguo, eso seguro, pero con un lenguaje musical nuevo dentro. Podría sonar como Motorhead en algunas canciones, o como Buddy Guy en otras, pero en cada canción se puede reconocer que es nuestro sonido y viene de la misma banda, ¡de lo cual estamos muy orgullosos!

¿Cuál es la mejor parte de estar dentro de INSIDE THE HOLE para vosotros? Creo que lo mejor es que cada uno de nosotros es una parte fundamental de este proyecto. La música que hacemos es la unión de tres almas diferentes ¡y suena precisamente a ello! Dentro de Europa, ¿Dónde os gustaría realizar una gira? ¿Por qué? Ya hemos estado alrededor de Europa, por el este y por

España, y repetiremos muy seguro. No hay un lugar en particular, puesto que cada sitio tiene situaciones diferentes y cada uno es único a su manera, pero quizá España de nuevo, o Inglaterra, o Alemania… ¡O a cualquier sitio! ¿Qué pensáis de España en cuanto a música se refiere? ¿Conocéis alguna banda española que os guste? Desde luego en España hay un montón de bandas interesantes… Hemos tenido el placer de compartir escenario con muchas de ellas. Buena gente y buena música. Creo que ese es el significado de la música; compartir experiencias y conocer gente que piensa igual que tú. España es muy similar a Italia por esto, y nos dejó una muy buena impresión. ¿Podríais contarnos acerca de vuestros planes para el futuro? ¿Tenéis algún tour próximamente? Bueno, ahora mismo estamos trabajando en nuestro segundo álbum, que quizá lancemos a principios de 2016. Después de ello intentaremos buscar buenos lugares para realizar nuestro cuarto tour europeo y, quién sabe, ¡Quizá nos veamos en España! ¡Muchas gracias por vuestro tiempo! Esperamos que hayáis disfrutado de esta pequeña entrevista y que podamos escuchar más de vosotros próximamente. ¿Queréis decir algo antes de que terminemos? Muchas gracias a vosotros por esta entrevista; no os olvidéis de seguir a INSIDE THE HOLE en sus redes sociales (Facebook, Twitter, Reverbnation, Myspace…), en ITunes o Amazon y en nuestra web oficial www.insidethehole.com y correo insidetheholerockblues@hotmail.it . ¡Continuad rockeando y escuchando la música de INSIDE THE HOLE!


Bleed Someone Dry Entrevista: David Déniz Plaza

Los italianos BLEED SOMEONE DRY acaban de editar “Post Mortem | Veritas”, un gran trabajo de deathcore que ha causado gran sensación en la redacción de Necromance y que ha sido el motivo de les enviemos estás preguntas que ha contestado su vocalista, Alessio. ¿Podríais contarnos algo acerca de BLEED SOMEONE DRY para los lectores que no estén familiarizados con la banda? Somos 4 chicos del área de Florencia con una gran pasión por la música extrema y esa fue la razón por la que nos conocimos. Luego, con el tiempo, nos conocimos mejor y entablamos una buena amistad que nos llevó a tocar juntos en esta banda. Antes de empezar a desarrollar vuestra música ¿teníais conocimientos de música metal? Siempre hemos amado la mñusica metal. Por supuesto que cada uno de nosotros tiene sus propios grupos y preferencias, pero compartimos el gusto por muchas bandas que influencian nuestra música. Además, antes de empezar a tocar juntos en BLEED SOME DRY ya teníamos algo de experiencia con otras bandas, por ejemplo, Jonny (guitarra) es productor y trabaja en la industria musical. Cuando estáis componiendo música, ¿qué aporta cada miembro de la banda? Antes de todo pensamos en los mensajes y emociones que queremos transmitir a nuestros oyentes, y tan pronto como acordamos como queremos que sea la forma del tema, Jonny empieza a trabajar en los riffs y estructuras básicas. Luego, ya trabajamos todos de forma conjunta en el resultado final, puliendo la versión original del tema. Todos los miembros aportan ideas y comentan el resultado; sobre las letras, Yo (Alessio, vocalista) intento crear un concepto sobre nuestro mensaje y lo uso como medio para nuestras ideas. Siempre intentamos crear algo peculiar y original. Vuestro tercer trabajo “Post Mortem | Veritas” ya está disponible, ¿Cuales son vuestras metas con este trabajo? Realmente queremos que los fans disfruten con nuestros trabajos, ponemos siempre todo lo que podemos en cada uno; además esperamos que nos de la oportunidad de girar y tocar estos nuevos temas

delante de la mayor cantidad de gente posible. ¿Qué crees que es lo más excitante y llamativo que los fans escucharán en “Post Mortem | Veritas”? “Post Mortem | Veritas” es algo diferente de nuestros anteriores trabajos. Por ejemplo, los temas son más matemáticos, distorsionados y, en ocasiones, difíciles de seguir por la audiencia. Con este nuevo queríamos que nuestra violencia sonora fuera más efectiva y centrada. hay una visión global de los temas diferente y puedes escuchar diferentes influencias; es algo que esperábamos porque 2 de nosotros no tomaron parte en la composición de los temas del anterior “Subjects”. ¿Como fue el proceso de composición entonces de los temas de este álbum? Fue simple y espontáneo, ya que como Jonny trabaja en esto y tiene su propio estudio (The Grid) pudimos emplear más tiempo en escribir y “preparar” los temas asi que todos trabajamos en el resultado. ¿Como fue el proceso de grabación? La parte de grabación de “Post Mortem | Veritas” fue algo único y grande. Lo primero porque trabajamos con Christian Donaldson (CRYPTOPSY, THE AGONIST, DESPISED ICON…), que es un productor internacional, y nos ayudó mucho con sus habilidades y buenos consejos. Estuvo siguiendo todos nuestros pasos y grabó, mezcló y masterizó el álbum. Luego tuvimos el honor de contar con CJ (THY ART IS MURDER) y Luca T. mai (ZU) como invitados en algunos temas y que contribuyeron a completar las canciones. ¿Tienes algún tema favorito dentro de este álbum? hablando de forma personal, cada tema tiene su propio toque y no puedo decirte uno que crea que es mejor que los otros. Es un álbum conceptual, y cada tema es una parte de un gran mosaico. Todos los temas han sido escritos para estar relacionados unos con los otros.

En este nuevo trabajo, ¿qué crees que ha cambiado y qué se ha mantenido igual con respecto a “Subjects” del 2012? Hay muchas diferencias entre ambos trabajos. “Subjects” fue una violenta y desesperada declaración de odio hacia un tema en concreto. “Post Mortem | Veritas” es una historia, un retrato de carácter moderno y pesimista del mundo, visto por Aelia, una niña inocente y pura. ¿Qué habéis querido decir exactamente con “Post Mortem | Veritas”? Buscábamos un título simple y directo con el que contar la verdad sobre nuestro mundo y que es la base de nuestro concepto. Tema a tema, Aelia, el personaje principal de nuestra historia, intenta ver y comprender diferentes cosas del mundo en el que vive. Algunas le soprenden y otras le producen miedo y horror. Se pregunta a si misma cosas que, como niña, no puede tener la respuesta que le dan los adultos. Esto es “Post Mortem | Veritas”, después de la muerte, la verdad… algunas grandes preguntas que sin lugar a dudas, serán respondidas solo después de nuestra muerte o quizás nunca. ¿Como ha sido la reacción, hasta el momento, tanto de la prensa como los fans hacia este nuevo trabajo? Hemos recibido repsuestas muy positivas y parece que gusta a ambos, yanto a la prensa como a los fans y que ambos han entendido nuestro mensaje. En particular, los fans le gusta nuestro sonido “Moderno” mezcla con ese toque math de nuestra música. ¿En lo que va de año, tienes algún directo de los que habéis dado que sea tu favorito? Estamos trabajando en una gira por el norte de Europa e Italia y en nuestra segunda gira por Rusia, que se hará el verano que viene. ¿Algo que quieras añadir para terminar? Quiero darte las gracias por tu tiempo e invitar a todos a los que les guste el deathcore a escuchar nuestro nuevo trabajo. Finalmente, dar tambiién las gracias a todos los que nos han apoyado y hacer posible que BLEED SOMEONE DRY exista.

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Main Line 10 Entrevista: Sergio Hernรกndez


Main Line 10 (Mallorca, Hardcore Melódico) es una de las bandas más representativas del género en nuestro país. En sus más de seis años de formación han grabado dos discos de estudio y bien podrían presumir de haberse echado a la espalda un sinfín de conciertos por toda la península. Los mallorquines acaban de estrenar videoclip y single, Signals, así como de anunciar su vuelta al estudio. Desde Necromance no hemos querido perdernos detalle y nos hemos sentado a hablar con ellos acerca del presente, pasado y futuro de la banda. Como habéis ido dejando caer durante estos últimos

meses empieza una nueva etapa para Main Line 10. ¿Ha tenido algo que ver la marcha de Carlos (bajista) de la banda? Él era uno de los miembros fundadores, ¿de qué forma ha afectado esto al grupo? Ahora contáis u nuevo bajista, Toni, ex miembro de bandas como Theverlong o Back To Roots. ¿Qué puede aportar esta incorporación a Main Line 10 y cómo ha sido la experiencia de comenzar a trabajar con una persona nueva en la banda tras llevar tantos años juntos el resto? No, realmente la etapa nueva empezó cuando nos volvimos a juntar después de un parón de 2 años y Carlos Javaloyas estaba en el grupo. La idea era y es volver a lo grande, con cd nuevo, merch, giras, conciertos, videos y todo lo que esté de nuestra mano. La verdad es que la marcha de Carlos no ha sido fácil, han sido 10 años en Main Line 10 y por motivos personales decidió dejar el grupo, decisión que todos respetamos y apoyamos como bien él ya sabe. Toni era un gran amigo nuestro de hace años y se ha adaptado perfectamente al grupo, a estas alturas ya tenemos el nuevo EP compuesto y la verdad es que le ha metido mucha caña al bajo. estoy seguro que os van a flipar sus killer bass lines. Ya mencionábamos nada más empezar la entrevista que habíais tomado la decisión de dar comienzo a una etapa nueva para vosotros. ¿Qué os ha llevado hasta este punto? Todo parte de la idea de que no queríamos dejar ese sabor agridulce con Main Line 10, un Stick’em Up sin presentar en directo, sin copias físicas y un hasta nunca así sin más. Volver es lo mejor que nos ha podido pasar porque ahora nos están saliendo cosas muy positivas tanto a nivel compositivo como a nivel personal. Estamos pasando un buen momento la verdad. Estrenasteis nuevo video hace tan solo unas semanas y tuvimos la oportunidad de escuchar un single, Signals, el cual tuvo grata acogida no solo nacional, sino también internacional, pero la gente ya pide más temas y espera vuestro próximo trabajo con ansia. ¿Cuándo podremos ver los frutos de este “nuevo” Main Line 10 y qué podemos esperar de la banda en el futuro? Contadnos que está por venir, lo que os gustaría hacer a corto y largo plazo. ‘Signals’ ha sido bien recibida por todo el mundo y la verdad es que no nos lo esperábamos. Lo que se avecina es: EP nuevo (7 temas) el cual entraremos a grabar ya este próximo 14 de octubre y lanzaremos junto con vídeo nuevo en Diciembre para empezar a girar y presentar en Enero de 2016. A largo plazo: Más giras y presentaciones, más vídeos y la idea de grabar una canción del nuevo EP en directo (formato vídeo) también está ahí pero tiempo al tiempo, algún acústico, quién sabe. El sonido de la banda ha ido evolucionando desde el hardcore melódico técnico y acelerado del Today is Tomorrow (2009) hasta un sonido más directo y crudo en el Stick´Em up (2012). Son tres años lo que separan un álbum de otro, exactamente los mismos que hace que publicasteis vuestro último trabajo, pero este single, Signals, parece una evolución perfecta del Stick´em Up, sin medias tintas, tan directo como contundente. ¿Irán los próximos temas en esa dirección o tirarán más hacia los del Today Is Tomorrow? Escuchando en casa las demos del nuevo EP puedo decirte que me recuerda a ambos, me explico: Será rápido como podía ser Today Is Tomorrow pero tendrá el sonido y la potencia de Stick’Em Up y seguirá en la

linea de Signals, sin medias tintas. Hemos ensayado y creado estos temas con ganas y creo que se va a notar. ¿Cuál es la forma en la que habéis estado componiendo durante todos estos años como banda? ¿Es la misma que estáis utilizando en estos momentos para trabajar lo nuevo? Más o menos si, aunque esta vez el que ha dado un 200% es Adrián Jimenez, ha compuesto gran parte del EP y ha sacado cosas realmente geniales, siempre contando claro, con el granito de arena que hemos aportado Barto, Toni y yo. A decir verdad hemos trabajado más en casa que en el local esta vez, aunque hemos intercalado ensayos con trabajo personal e individual en casa. Antes mencionábamos Today is Tomorrow, vuestro primer disco, de eso ya han pasado seis años, pero hay algo que nos llama inmensamente la atención: En el cuarto tema, True Friends, el mismísimo Steve Rawless (vocal, guitarra y alma de Belvere y This Is a Standoff) colabora poniéndole voz a distintos fragmentos de la canción, algo realmente increíble para una banda que justo se hallaba en plena grabación de su primer álbum. ¿Qué supuso para vosotros trabajar codo con codo con una leyenda del punk rock como es Steve? ¿Podríais contarnos cómo surgió todo? Pues mira, la verdad es que fue de pura casualidad: Estábamos en Madrid grabando Today Is Tomorrow durante 15 días y aprovechamos para meter una fecha que era nada mas y nada menos que: Adrenalized, This A Standoff y Main Line 10 (casi nada) mientras estábamos grabando el disco y ya íbamos por el final nos empezamos a montar la película de que molaría que Steve Rawless colaborara en el CD. Hasta que nos pusimos un poco serios y le enviamos un mensaje privado por facebook. El respondió que si le pagábamos el Taxi se acercaba a grabar sin problemas porque ya estaban en Madrid y les sobraba tiempo hasta la prueba de sonido. Pues dicho y hecho, fuimos a buscarle nos lo trajimos al estudio y a cambio de un taxi de 7• y una botella de agua el gran Steve Rawless de Belvedere y This Is A Standoff estaba grabando voces para uno de mis temas favoritos en nuestro primer CD, sencillamente flipante. Tengo un buenísimo recuerdo de eso, un gran tío, humilde y un gran ejemplo a seguir. Si tuvieseis la oportunidad de volver a colaborar con un artista tan grande a quién elegiríais? ¿Y para hacer un Split? Joder me fliparía colaborar con Mark Hoppus, soy un Blink fan y me encanta su voz o con el cantante de Frenzal Rhomb, estoy jodidamente enfermo con ese grupo. En cuanto a Split, llevamos muchos años diciendo de hacer uno con Adrenalized pero nunca lo hemos llegado a hacer. Se rumorea que haremos un Split con Fast Food Society. En Mallorca el punk rock ha tenido siempre una fuerte tradición, de hecho, veíamos como al comienzo del verano la web 40putes publicaba de la mano de Sebas Verdikt un artículo impecable en el que hacía cronología de las bandas más representativas del punk en la isla. Nos vienen a la mente nombres como Take It Easy o los míticos No Children. Ha habido buenos años para el género, como bien apunta Sebas, pero ¿qué significa tener una banda de punk rock a día de hoy en Mallorca? ¿Qué ha cambiado desde entonces y cómo están las cosas ahora por allí? Por otro lado, Main Line 10 ha sido, sin duda, una de las bandas

mallorquinas más referentes del género en los últimos años. Tras el adiós de No Children sois la cara visible del punk rock melódico en la isla junto a otros grupos como Fast Food Society. ¿Hasta qué punto es eso una responsabilidad? ¿Sentís cierta presión por “recibir el testigo”? Las cosas han cambiado muchísimo, antes cada finde había bolos de punk rock / hardcore melódico y bandas a punta pala. Ahora puedes contar los grupos de punk rock / hc melódico con los dedos de una mano, apenas hay salas y las pocas que quedan o son una mierda o tienes que pagar por tocar, salvo excepciones, pero básicamente es así. No, nosotros estamos muy tranquilos, hacemos lo que nos gusta y creo que estamos haciendo las cosas bien, por suerte contamos con compañeros de equipo los cuales son: Fast Food Society, Limber, No More Time, Broken Youth. Por lo menos estamos respaldados y no somos los únicos, tampoco creo que seamos los nuevos NCH ni que estemos suplantando su lugar, ellos fueron únicos al igual que creo que nosotros también a nuestra manera. Y hablando de esto… ¿Cómo afecta a la banda ser de Mallorca? ¿De qué forma puede llegar a condicionar a una banda el pertenecer a una isla? ¿Creéis que todo sería diferente si, en cambio, fueseis de la península? Están surgiendo muchas bandas jóvenes en Mallorca, ¿qué podéis aconsejarles tras vuestra experiencia? A nivel banda es una mierda porque lo tenemos más jodido para salir, siempre pendientes de barco, avión y claro a la hora de mirar condiciones sales más caro que una banda de la península que pilla su coche o furgo y se planta en el lugar de destino en menos tiempo que tú y encima pide menos. Por otra parte el hecho de estar ‘encerrado’ hace que se nos vaya la olla y nos dediquemos en cuerpo y alma a la música, 7 de cada 10 músicos de la isla tiene 2 bandas, es de locos. Yo mismo tengo 2 bandas, Adri y Toni también. Están surgiendo nuevas bandas y de varios estilos: hard Rock, Metal core, Punk rock, Stoner y la verdad es que eso me encanta, carne fresca para la escena y nuestro consejo es que se lo pasen bien, que hagan lo que les gusta y que si tienen la oportunidad salgan a tocar fuera, que disfruten al máximo y que graben para dejar legado. Vamos a ir acabando ya, pero para no despedirnos con este tono tan formal nos gustaría que nos contaseis alguna anécdota digna de ser escuchada, que nos han dicho que tenéis alguna que otra. Buff tenemos miles, pero ahí va una buena: Cuando estábamos en Madrid en 2009 grabando Today Is Tomorrow una de las noches al salir del estudio pillamos un taxi para ir a casa que la teníamos un poco lejos. Nos recogió una taxista, una mujer que estaba un poco como ida y que no paraba de hablar. Nos daba palique de que enviáramos la ‘maqueta’ a ‘radiolé’ y no se que. Adri iba delante charlando con ella y Carlos, Barto y yo descojonados en el asiento de atrás. Cuando nos deja en casa, para el coche, le pagamos y la tía se queda ahí dentro parada. Nos subimos a casa y desde el balcón aun se veía el coche. Uno de nosotros avisó al resto y fuimos a ver que pasaba. La tía se bajó del coche y plantó un chusco en el jardín de la casa (risas) nosotros moríamos de la risa a la vez que estábamos flipando con aquella situación, a menudo la recordamos y nos partimos el culo.De locos. Muchísimas gracias a Sergio y a todo el equipo de NECROMANCE por estas lineas. Un saludo.

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Karmak Entrevista: Gabriel Pastor Sánchez

KARMAK son una banda de grind de Venta de Baños y que nos presentan ‘Secuestro‘, un trabajo breve y potente, ideal tanto para los amantes de este género como para los casuales que estén buscando algo fresco que disfrutar. Primero empezar dándoos la enhorabuena por vuestro trabajo ‘Secuestro’ y compartirlo con nosotros. ¿Podéis decirnos quiénes sois KARMAK y cómo surgió la banda para todos aquellos que aún no os conozcan? Muchas gracias a vosotros por vuestro interés en Karmak. Karmak empezó a finales del 2001 como la mayoría de los grupos, gente que se conocía y se lían los unos a los otros para montar un grupo. Empezamos siendo cuatro componentes, pero al año siguiente uno de los guitarristas tuvo que abandonar el grupo y nos consolidamos como trío, quedando inamovible hasta hoy con Mamut a la guitarra y voz, Garba bajo y voz y Lipri batería. ¿Cómo definiríais vuestro sonido? ¿Qué diríais que tiene que no se pueda encontrar en otros grupos similares? Un sonido sucio que se mueve entre el Death Metal y el Grindcore donde tiene cabida todo, desde el Punk Hardcore hasta el Thrash. Karmak no hace nada que no se haya hecho ya, con la salvedad de nuestra falta de interés por pertenecer a un género estricto, nos han dicho desde que hacemos Hardcore hasta Brutal Death. ¿Cuáles son vuestras influencias musicales? ¿Tenéis gustos similares para la música todos los miembros? Al ser todos del mismo pueblo y conocernos de mucho tiempo, todos tenemos casi las mismas cintas grabadas los unos de los otros, con lo cual tenemos mas o menos las mismas preferencias musicales, luego, al empezar con el grupo, eso no ha cambiado. eso si, cada uno de nosotros tiene sus preferencias. ¿Cuál es vuestra opinión de la escena de metal ex36 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE

tremo en España? ¿Creéis que es fácil para grupos más jóvenes darse a conocer? En este pais pasa con la música como pasa con todo, los grupos mas conocidos dentro de lo extremo se lo llevan casi todo y hay que tener en cuenta que casi hay mas gente en grupos que público y es bastante difícil que a los conciertos pequeños se haga mover a la gente, sobre todo para un grupo como nosotros que vivimos en una zona en la que falta infraestructura, así que para un grupo que empieza creemos que la cosa se tiene que poner bastante jodida. ¿Quisisteis tocar grind desde un principio o fue algo que surgió? Pongamos un caso hipotético en el que no pudieseis tocar grind, ¿Por qué otro estilo os decantaríais? En un principio empezamos con la idea de hacer un grupo de metal, sin ningún tipo de pretensión. Nuestro primer disco, Entropía, era mas Thrash Death, siempre con ese ramalazo de Punk Hardcore, y cada vez nos ha interesado mas la música extrema hasta llegar a este híbrido de Death Metal y Grindcore. En el caso de que no hiciéramos la música que hacemos, nos iría mucho hacer Brutal Death Metal Técnico o un grupo de Thrashcore muy posiblemente. ¿Cómo describiríais vuestros directos? ¿Tenéis alguna fecha confirmada próximamente o intención de tocar en algún sitio concreto? Rápidos y cortos, muchas canciones y muy seguidas, eso es lo que intentamos, que a la gente no le de tiempo de mirar a otro lado. Ahora mismo no tenemos ninguna confirmada aunque si que tenemos lugares pendientes en los que tocar, esperemos que salga todo bien y podamos volver pronto a los directos.

Si tuviéseis que elegir una ciudad y dos bandas que os acompañasen para tocar, ¿Qué elegiríais? ¿Por qué? Después de un pequeño debate en el local, nos hemos decantado por tocar en Amsterdam con Suffocation y Cattle Decapitation, simplemente para tener un desayuno holandés con Terrance Hobbs, seguido de cerca por un concierto con Brujería y Municipal Waste en México. Según vuestra experiencia con la composición de grind, ¿Es más o menos trabajosa que otros géneros? ¿En qué os inspiráis a la hora de sacar nuevo material? Todo depende de lo que te quieras complicar, hay grupos de grind que son bastante sencillos y otros que se complican todo lo que quieren y pueden. Después de tantos años, creemos que la máxima influencia que tenemos a la hora de componer somos nosotros mismos, aparte de toda la música que oímos, siempre buscamos hacer cosas diferentes y amoldarlas a nuestros gustos y forma de tocar. ¿Podríais decirnos algo acerca de vuestro mensaje? ¿Tenéis alguna temática recurrente en vuestras letras? Todas la letras de Karmak tienen varios denominadores comunes, el odio, la muerte y el humor negro contando paradojas de la vida con un toque social, político y moral de trasfondo con una sarcástica reflexión. Aquí nos despedimos, muchísimas gracias por vuestro tiempo, ¿Hay algo que queráis decir antes de acabar? Paz y amor. VIVA SATÁN!!!


CRITICAS Y como colofón a este gran álbum encontramos otro temazo “The Light In The Weed (Mary Madison”. AHAB, ha realizado diferentes innovaciones con respecto a su música, y esta es una de ellas, es la primera vez que graban una canción solo con voces limpias, y la verdad es que es un temazo, tras una introducción mística instrumental de 4 minutos aparecen las melodías vocálicas lentas pausadas y muy melódicas. Otro discos de estos alemanes inconmensurables, es más que un grupo, un conjunto monolítico con todo engarzado, música, literatura, imagen… hecho con buen gusto, con pasajes largos y tenebrosos, buen doom/sludge desde tierras teutónicas, innovando a cada paso que dan.

nión solo peca de repetitivo en algunas melodías limpias. Por lo demás me encanta el sonido potente de las guitarras, suenan como apisonadoras acompañadas del bajo y la percusión, estando las voces muy compenetradas apreciándose tanto cuando están solas como dobladas. Argentina/ Metalcore también existe.

Juan Angel Martos [7.5]

Juan Angel Martos [9]

AHAB (DEU) «The boats of Glen Carring» CD 2015 - Napalm Records

Empieza el otoño y ya se dejan caer los primeros trabajos acordes con la época, AHAB, uno de los grandes del doom metal, acaban de sacar a la luz su nuevo trabajo (su cuarto LP), “The Boats Of The Glen Carrig”, transportándonos a las profundidades abisales, ya anunciadas en su increíble portada, donde aparecen varios de estos monstruos en su mayoría desconocidos para la humanidad, dejando un halo de esperanza en la tenue luz de la superficie que deja un halo de esperanza. Un trabajo monolítico, melancólico y denso. AHAB llevan activos desde 2004 con su primera demo “The Scream”, desde entonces han ido creciendo en la sombra cada vez más y más, con sus LP conceptuales, basados en la literatura clásica. El actual LP, de nombre homónimo a la novela de William Hope Hodgson, publicada en 1907, basada en un mundo de aventuras marinas con criaturas y monstruos marinos. Otras obras que han desgranado y adaptado a su visión musical son “Moby Dick” o el relato de Arthur Gordon Pym de uno de mis escritores predilectos (Edgar Allan Poe), como recientemente han hecho otro grupo de nuestra tierra, siendo un disco de gran calidad también THE RAVEN KING y su “Red”, basado también en una historia de Poe (echadles un vistazo). AHAB, es más que una banda, sus discos son conceptuales, tanto en letras, en música, artwork…un complejo que desgranar para todos sus fans. Grabado en Rama Studio en Mannheim (Alemania), la banda actualmente queda formada por Daniel Droste (voces y guitarra), Christian Hector (guitarra), Stephan Wandernoth (bajo) y Cornelius Althammer (a la percusión). Ellos son los que le han dado forma a estas 5 canciones superando los 10 minutos casi todas ellas. “The Isle”, abre nuestro viaje, lenta, pesada, como si navegáramos por un mar en calma, con voces limpias que acompañan a unas guitarras limpias y envolventes, que nos van adentrando cada vez más en su universo hasta que la distorsión da un giro abrupto y denso apareciendo la voz sepulcral de Daniel, con ritmos pesados, adentrándonos en la pesadilla y a mitad del tema ritmos setenteros de guitarras, estos tíos son unas maquinas. Pesadilla que continua en “The Thing That Made Search”, tras una nueva introducción instrumental y siguiendo la misma línea vocal. Aquí, a diferencia de sus otros discos la variedad en las voces se notan y ha sido un paso adelante hacia ellos, personalmente me encanta esta dualidad a la hora de cantar. Un tema largo, 13 minutos, característica demás en los grupos doom, que desarrollan sus estructuras a lo largo de sonoridades musicales, repeticiones y en este caso con toques orientales y de shoegaze en algunas guitarras y ambientaciones. De aquí que el siguiente tema “Red Foam” y como ellos dicen, es la canción más rápida que ellos han grabado nunca, con un toque sludge y unas guturales rasgadas intercalando melodías y creando atmosferas, un temazo. “The Weedmen”, al contrario que el tema anterior, es la más larga del disco y también la más lenta, notas alargadas y voces abisales, parece que en cualquier momento se va a parar la canción, creándote una sensación de angustia, mientras se va desarrollando y entretejiendo pasajes limpios donde pareces flotar en la inmensidad del mar para caer otra vez a las profundidades. Doom por excelencia, o como ellos se definen doom náutico. “To Mourn Job” calma, tranquilidad, como si el bote hubiera cambiado a navegar por un lago, dócil y sutil, hasta que en el puente de estrofa se acelera y comienzan a surgir los terrores de la inmensidad del océano, uno de mis temas preferidos por los contrastes, pesadez y ritmos, además de los cambios en las voces. 40| NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE

Mencionar también el tema “Trees of Ages”, el cual puede ser el más folk del disco y donde el miembro de ELUVEITIE, tiene mayor protagonismo. De la edición standard solo me quedan dos temas a comentar, “Enemy of the Gates”, donde predomina el toque orientalizante y la voz limpia intercalada con la gutural clásica, pero todo rodeado por toques arabescos en las melodías de las guitarras incluso. Para finalizar el disco, “White Night”, muy atmosférica, cantada a dúo con Aleh (TREES OF ETERNITY) que pone la nota romántica, intercalando su juego de voces junto a Joutsen. Por último comentar los dos bonustracks que nos presentan en la edición en digipack, las cuales he podido tener en mis manos y cuenta con un artwork increíble. “Come The Spring” y “Winter´s Sheep”, el primer tema con un toque mas rockero y rápido, con guitarras de corte heavy, quedando para el segundo el protagonismo del teclado y un recuerdo a los viejos tiempos de estos finlandeses. Muy buen disco de AMORPHIS, que siguen en su línea, y mantienen su sonido de antaño. Quizás esto les juegue en su contra, para quien espere una innovación, sin embargo para los amantes de su música son otras 12 grandes canciones que añadir a la lista de grandes éxitos.

Juan Angel Martos [8.5]

AMORPHIS (FIN) «Under the red clouds» CD 2015 - Nuclear Blast Records

ALL FOR LOVE (ARG) «Como un océano» CD 2015 - Pinhead Records

No todo el metalcore esta cantado en ingles, desde Buenos Aires (Argentina) nos llega una potente banda de metalcore en castellano ALL FOR LOVE, presentándonos su nuevo trabajo “Como un océano”, a través de Pinhead Records. Una propuesta potente y original, con unas voces melódicas muy curradas (Jean Pierre moreno) y una gutural marcada y potente (Rodrigo Rabita), y algunos coros en ciertos temas que quedan de lujo (Damián Blanco). Grupo del cual no tenia referencia pues del país sudamericano no conocía a ninguna banda (excepto los míticos RATA BLANCA, pero no tienen nada que ver). Una portada llamativa, con el rostro de una mujer que intenta respirar al salir del agua(a cargo de Guido de la Vega). Ellos en entrevistas concedidas recientemente a medios argentinos definen su disco como “La inmensidad del océano representa la profundidad interior de cada uno, teniendo que sumergirnos en ella para conocernos a nosotros mismos”. Diez temas son los que nos presentan, con una introducción “Algo por lo que luchar” y un outro “Nuestro Cielo”, con inicios lentos, coros en plan hardcore y unos finales potentes, marcan el inicio y el final del álbum, lleno de mensajes, de vivencias y experiencias personales, letras de superación y reflexión. “El Mensaje en mi”, con un potente inicio desarrolla un tema lleno de melodía, con estribillos limpios y pegadizos, será la tónica general del disco. Estribillos llenos de mensajes y un final con un teclado en solitario que se funde y da comienzo al siguiente tema “Ayúdame a salir”, de melodías parecidas en las voces limpias, con coros en los puentes y unas estrofas más potentes con una voz más desgarrada, muy acorde a lo que estan cantando. Y como no, break down en el centro de la canción como buen grupo de metalcore. “Vos y Yo”, funde voces con toques femeninos para un estribillo muy BRING ME THE HORIZONS, más popero, pero es que el sonido de las guitarras y la percusión suenan atronadores el resto del tema, lo mismo pasa con “El Final de las Palabras”. Son temas súper contundentes, que aunque abusen a veces de las melodías limpias, te imbuyen en un ritmo frenético y contundente. “El Eco de Nuestra Voz”, comienza con voz limpia, a la vez que presenta voces dobladas en sus estrofas (un toque de distinción con otros temas), con un potente breakdown y cortes de guitarras muy math/metal. “Juntos”, “Desde el Fuego” y “Recordar”, siguen la misma tónica, quizás este último tenga un aire más metalero, priorizando la voz limpia introduciendo algunos falsetes tanto en estrofa y estribillos, con una voz limpia más rasgada. Un buen disco de metalcore en castellano, pero que tras varias escuchas se me hace un poco repetitivo en las melodías y las estructuras de los temas. Un disco muy escuchable, diferente para lo que escuchamos actualmente que en mi opi-

Desde Helsinki (Finlandia), nos llega el duodécimo álbum de uno de los grupos nórdicos más conocidos, AMORPHIS. Llevan a sus espaldas 25 años en el mundo de la música desde que decidieron en 1990 formar una banda de doom/death/metal, como eran sus primeros trabajos, para poco después fusionar elementos del heavy/folk/ progressive metal. Todavía recuerdo cuando escuche en el ´94 su “Tales From The Thousand Lakes”, el cual les lanzó a la fama de forma mundial. Desde esa época, han sabido mantenerse siempre vivos, reinventándose y sabiendo adaptarse a los nuevos tiempos, tras sufrir algunos cambios en su formación y algún que otro altibajo, regresan con su nuevo trabajo “Under The Red Cloud”, por medio de Nuclear Blast. En palabras de Pekka Kainulainen, quien vuelve a escribirles las letras tras hacer lo mismo en sus álbumes anteriores como “Silent Waters”, “Skyforger” o “Circles” entre otros, el concepto del disco se basa en descripciones de fenómenos naturales, las estaciones y la mente humana. Vuelve a ser un disco conceptual como “Circle” (2013), basado en el poema épico “Kalevala”. Y no es la única colaboración, puesto que cuenta con las de Aleah Stanbridge que pone su voz a tres canciones, Chrigel Glanzmann de ELUVEITIE que pone a disposición su flauta y Martin Lopez (exOPETH) y su percusión en “Death of a King”, una de mis canciones favoritas del LP junto a “Dark Path”. Doce temas nos presentan en la edición digipack, donde han trabajado con el productor Jens Bogren (KATATONIA, OPETH, MOONSPELL, AMON AMARTH…) uno de los grandes a nivel europeo. Una de las cosas que me gustan de AMORPHIS, es que su sonido posee identidad propia, cuando escuchas su música, son inconfundibles. Un disco, moderno, pero a su estilo, con una gran instrumentación y elementos folk característicos, un disco alegre, rápido y vivo. “Under The Red Clouds” abre el disco con un claro toque AMORPHIS, teclados guitarras acústicas, toques folks para dar un giro hacia el death metal melódico con riffs pegadizos y estribillos en gutural. “The Four Wise Ones”, es otra típica, con un comienzo muy potente y unas grandes melodias vocálicas rasgadas y guturales, aparte de unos riffs muy pegadizos, hace su incursión las flautas que le dan un aire oriental al tema de la misma forma que las voces femeninas crean una ambientación apegada a la naturaleza finesa, pues parece estar sumergida en agua (elemento primordial de la tierra de los 1000 lagos). “Bad Blood” y “Dark Path”, son dos temazos made in AMORPHIS, recordándome a los clásicos, con una mezcla de voces guturales y limpias, marca de Joutsen, que te harán mover la cabeza sin parar, death melódico de calidad. “The Skull”, mantiene esta línea, pero más rápida, ganando protagonismo el teclado de Kallio, con un toque progresivo en su solo, acompañando de unas guitarras acústicas que mantienen la ambientación. El sitar presente en “Death of a King”, nos transporta a otro país, acompañado por la percusión de timbales (Martin López) y las flautas folk de Chrigel. Un tema con un toque diferente, folk metal trasladado al mundo de AMORPHIS, un temazo.

AMOUTH (ITA) «Awaken» CD 2015 - Drown Within Records

Desde Arezzo, Italia, nos llega este cuarteto de post-metal, AMOUTH. En 2011 la banda surgió como una evolución de diferentes y muy variados proyectos musicales. Combinan post-hardcore, elementos de heavy metal clásico con interludios atmosféricos, todo rodeado de una oscuridad y agonía latente en su sonido. La banda empezó a grabar su álbum debut, “Awaken” en 2013 el cual fue enteramente autoproducido; fue puesto a la venta en febrero de 2014. Más allá de la crítica de este “Awaken”, me parece bastante reseñable que si te gusta la banda o simplemente quieres echarle una escucha, puedes bajarte el disco completamente gratis de su bandcamp http:// amouth.bandcamp.com/ y si quieres hacerte con una copia en formato físico, por poco dinero te harás con ella. De hecho, cualquier cosa que ellos venden ahí es bastante asequible. Teniendo en cuenta que se han autoproducido, me resulta como poco, muy meritorio. Bueno, vamos con el tema que nos ocupa. El álbum de debut de AMOUTH tiene bastante de conceptual y experimental a mi modo de ver, tal vez en exceso, pero vamos por partes. El disco da comienzo, como no, con una intro de minuto y medio llamada “Il Neige”, una atmósfera densa y opresiva se va creando poco a poco, sonidos repetitivos, hipnóticos y a la vez simples. El segundo tema, “Awake” llega casi por sorpresa, para sacarnos del pequeño sopor inducido en la intro. Unos riffs muy bien balanceados y una voz semigutural que parece provenir desde muy abajo, casi lejana lo que le da un efecto más oscuro aún. Estructuras repetitivas se suceden a medida que el tema avanza, aunque parece diluirse la fuerza inicial. El tema más largo del disco con unos 11 minutos nada menos, “The Priest” nos atrapa con sus interludios atmosféricos, sus diferentes pasajes como actos de una obra de teatro. Un inicio muy lento, muy sludge metal, muy doom, con una voz más limpia, más melancólica te sumerge lentamente en el mundo opresivo de AMOUTH. Con “City of gold” nos encontramos el tema que más me gusta del disco, junto con “Awake”, un inicio que me recuerda a esos inicios a lo PARADISE LOST, toques góticos para un medio tiempo atmosférico, como no, que siguiendo la estela del resto del álbum, incorpora elementos de ruptura con esos pasajes lentísimos y densos que finalmente hacen de puente con la parte final del tema donde finalmen-


te explota en un final más cañero. Después de la outro “Untold”, instrumental por completo, llega el tema que cierra el disco, “Departure”, con un inicio que parece continuación de la outro anterior. Poco a poco evoluciona, muy poco a poco, 5 largos minutos de pasaje instrumental que deviene en un clásico tema post hardcore que va bajando de revoluciones hasta morir por si mismo. A nivel personal, he de decir que los temas me parecían excesivamente largos y tal vez sobraban algunos pasajes atmosféricos, pero en el contexto adecuado es un disco muy logrado, trabajado. Desde luego, si eres fan de bandas post hardcore, sludge, doom, gothic, te pueden gustar los AMOUTH.

Aquiles Remón [6]

ATREYU (USA) «Long Live» CD 2015 - Spinefarm Records

ANNIHILATOR (CAN) «Suicide Society» CD 2015 - UDR Records

ANNIHILATOR es una de esas bandas que nunca pudieron alcanzar la popularidad que alcanzaron otras bandas dentro del thrash metal como por ejemplo SLAYER, ANTHRAX o METALLICA a pesar de tener un puñado de buenos álbumes y una constancia que ha mantenido a flote al barco a lo largo de los años. Pero si hilamos mas fino, considerar a ANNIHILATOR como una banda propiamente tal sería caer en el error. ANNIHILATOR es el proyecto solista de Jeff Waters que hace y deshace dentro de la agrupación. En este “Suicide Society” vuelve a las labores vocales en reemplazo del buen muchacho Dave Padden. Ahora centrándonos derechamente en el disco, tengo una mezcla de sensaciones, por una parte hay unos cuantos temas que están bastante bien pero hay otros en donde se nota demasiado la falta de inspiración y hasta incluso hay un par de riffs que son calcados a canciones de otras bandas (plagios a METALLICA y a RAMMSTEIN). Dentro de los temas buenos destaco el single “Suicide Society” que si bien está lejos de ser un himno generacional del thrash/speed metal es bastante entretenido de escuchar, sobre todo en las secciones en donde le meten intensidad y velocidad al asunto. “Break, Enter” es puro thrash metal avasallador con unos riffs sacados directamente de los años 80 y un Jeff que irradia ira y enojo. Estos 2 temas creo que en directo serían una verdadera bomba. Pero dentro de lo malo encontramos algunos temas que carecen de inspiración y que me dan a entender que este disco se hizo con prisa, como por cumplir. Por ejemplo el tema 2 “My Revenge” es plano hasta decir basta y además a ratos sospechosamente parecida a la “Damage Inc.” de METALLICA, cosa que seguramente provocará un facepalm en más de uno. “The One You Serve” es un tema de mediotiempo que es tosco y aburrido hasta decir basta, por mucho doble bombo que le pongan de vez en cuando. Creo que nadie pone en discusión la capacidad musical de Jeff Waters pero creo y supongo que varios estarán de acuerdo conmigo en que ANNIHILATOR prometía mucho en un momento pero nunca lograron saltar a un nivel superior y este “Suicide Society” es la prueba de aquello: un disco que sumando y restando sólo se limita a cumplir, no destaca ni positiva ni negativamente. Se agradece la constancia, la perseverancia, la sed de metal latente luego de tantos años pero este disco para mi ha pasado totalmente desapercibido, salvo 2 o 3 trallazos puntuales. Si te gusta la banda dale una oportunidad de todas formas, yo paso esta vez.

Javier Alday Palacios [6]

Difícil texto este que me traigo entre manos. Ya que para un servidor la vuelta de ATREYU a nuestros oídos podría resumirse sencillamente en que firman de nuevo un disco que suena más a ellos en su mejor época (O al menos eso ha considerado siempre el gran público cuando se habla de su archiconocido “The curse”.) que nunca. Como entiendo que, por supuesto, exigís algo más de calidad en una review de un disco tan significativo como es este, intentaré desarrollar un poco esto. ATREYU ha sido uno de esos grupos en recibir altas dosis de criticismo a casi cada álbum que han sacado posterior al anterior. Que si a “lead sails paper anchor” le falta gutural, que si al “Congregation of the dead” se le ve demasiado el hard rock … que si ya no suenan a metalcore … Todo esto hace mención a cambios que a mí nunca me han parecido tan significativos, ya que por ejemplo creo que ellos nunca han sonado a puramente a metalcore, y para mí se les englobaría más en la familia de la nueva ola de American rock, con grupos como KILLSWITCH ENGAGE o FIVE FINGER DEATH PUNCH, que al igual que ellos no terminan de dejar claro dónde están las fronteras en su estilo. Sin embargo entiendo que se puedan remarcar tanto estos cambios y que es cierto que ha habido variaciones tras la salida de casi cada uno de sus trabajos. Esta vez, y tras cuatro años de silencio, han vuelto a por todas. Está claro que han decidido ir en busca de la aprobación del público. Que pese a lo despectivo que eso pueda sonar, al fin y al cabo no tiene por qué serlo. No si el público lo que busca en un grupo es lo mejor que saben hacer. Y en este “Long live” el balance de elementos que componen a ATREYU está absolutamente bien llevado. Está claro que ellos son un grupo de formula. Gritamos los puentes, estribillos melódicos pegadizos como ningunos y melodías de guitarra por lo general muy erizadas y estridentes. Y es cierto que de lo que el grupo suele pecar es de la similitud que siempre tienen todos sus temas. Pero al fin y al cabo, la festividad de una propuesta que apunta directa hacia el disfrute y el entretenimiento de su público puede permitirse eso si la fórmula es tan funcional. Y es que de hecho gran parte del público ya dejó claro su desacuerdo cuando el grupo intentó apartarse un poco de esta tónica con “lead sails …”, un disco en el que los temas se diferenciaban más entre sí, dados ciertos cambios de estructura y un espíritu más emocional. Así que en este caso, volvemos a encontrarnos ante un disco de fórmula directo que supone un chute directo a nuestro sistema psicomotriz. La primera mitad del disco es sin duda la parte más inspirada del mismo. Abrimos directamente con uno de los adelantos, y tema homónimo al disco: “long live”, que ya nos dejó clara la línea que se iba a seguir. De este bloque quisiera destacar “I would kill/lie/ die (for you) y sobretodo “A bitter broken memory”, que tienen fuerza suficiente, sobretodo en sus estribillos, para convertirse en nuevos himnos como fueron en su momento “The crimson” o “Right side of the bed”. Temas que espero que hayan escrito, ya que eso es lo que parece, de cara al directo. Y ojalá disfrutarlos aquí algún día. El disco corta por la mitad con el dueto formado por dos temas más lentos y melancólicos. “do you know who you are” y el interludio “Revival”. Siendo el primero directamente el peor tema del disco con diferencia, al que al parecer quieren darle un protagonismo a mi parecer absurdo. Ya que el tema parece estar escrito más como una gracieta para levantar palmas en los directos que como un tema real. Es una pena que por ello se vea diezmado el resultado final. Al menos es cierto que funciona mejor en compañía de “revival”, dándole un lugar concreto en el disco.


Y de nuevo, el disco vuelve a la tónica general ya tantas veces mentada. Empezando este segundo bloque con el que posiblemente es el tema más distinto de todo el álbum: “Heartbeats and flatlines”. Tema que crece en agrado sin duda con las escuchas. Con un riff inicial y un estribillo que podrían estar sacados directamente del “Congregation of the dead”. Una de las grandes del álbum, eso sí, cuando uno ya le ha dado a este unas cuantas vueltas. En cambio, su directa predecesora “Brass balls” podría estar sacada directamente de su primer “Suicide notes and butterfly kisses”. Sencillo, directo y con un sonido muy macarra. Only for true fans. El cierre del disco es apoteósico, con esa “Reckless” que podría ser como un recopilatorio de todo lo que el disco ha ofrecido, y hasta de su carrera. Un tema que empieza brillante, melódico, guitarrero … y que poco a poco, y a base de gang vocals se va oscureciendo hasta, en este caso, convertirse en metalcore gordo y grave de la más pura cepa. Como para no alegrarse de que hayan vuelto. Por último quiero reivindicar “So others may live”, ese tema que por algún motivo han decidido dejar fuera de la estructura del disco como tal y que solo se incluye como extra en ciertas ediciones. Posiblemente uno de los mejores singles que ATREYU han escrito, o al menos uno de los más pegadizos, y que despertó mucho más mi emoción al escucharlo de lo que lo hizo “Long live”, que si formaba parte del álbum. Poco más me queda por decir sobre esta esperada vuelta de ATREYU a nuestras vidas. Me alegro infinitamente de tenerlos de nuevo para nosotros, y agradezco muchísimo este chute de nostalgia y adrenalina fresca que ha sido este comeback tan real que han decidido hacer. Una vez más, ¡LONG LIVE!

Titus Ferrer Bellés [7.5]

lizar un excelente trabajo. El disco comienza con “To Sacrifice and Devour” que es una declaración de intenciones de cómo va a ser este trabajo, un corte denso e intenso, perfecto para abrir el disco, y que además fue la pista elegida como adelanto para mostrarnos que nos estaban cocinando. “Red Viscera Serology” sigue en la senda de la anterior, pero aquí se comienzan a escuchar partes más rápidas y sobre todo, esas escalas arabescas en los riffs tan típicas en ellos. No me puedo olvidar de las líneas de bajo de Tana en este corte, impresionantes. Llegamos a “Ceremony of Impalament”, la canción del disco bajo mi opinión, supongo que será por esas pinceladas thrasher que posee, donde Rotten simplemente se sale, su voz en los estribillos es sin duda de lo mejor del disco. Auténtico trallazo. En “Tremble in the Darkness” volvemos al Death denso, pesado e intenso que nos propone el quinteto, una canción más apretada que los tornillos de un submarino, en la que me gustaría resaltar además de las melodías y riffs de Cabra y Juancar, a Erik Raya, que en todos los cortes del EP lo borda, pero este en concreto es donde más me ha llamado la atención, ofrece al corte una profundidad bestial. El trabajo se cierra con la versión “Neon Knights”, muy bien llevada a su terreno, la cual iba a ser incluida en aquel fallido tributo a DIO de bandas nacionales que nunca vio la luz, por lo que la volvieron a grabar y la han utilizado de broche perfecto para este disco. En definitiva, nos encontramos ante un excelente trabajo de Death Metal en el que la banda nos ofrece su versión más pesada e intensa, una auténtica joya que sólo se le puede poner un pero, y es que es demasiado corto, esperemos que sea un adelanto para un cercano nuevo larga duración. Esta banda nunca defrauda a los amantes del género, y en esta ocasión tampoco, la trayectoria y reputación que tiene esta banda no se la ha regalado nadie, simplemente la van construyendo con discos como este.

Carlos Bermejo [9.7]

bitual, pero hay que reconocer que es una canción muy completa, y no da una idea de lo que nos vamos a encontrar a lo largo del trabajo. “Proclaim the Gospel Lies” es la siguiente, un tema con unos riffs cortantes y unas melodías de guitarra oscuras que se acoplan perfectamente. Este fue el corte elegido para la grabación del videoclip. “Baptized in Blood and Greed” ya aparecía en su EP debut, pero poco tiene que ver con ésta, no sólo en el sonido de la grabación, sino sobre todo, en los arreglos y ejecución. Un ejemplo claro de la evolución musical del quinteto de la isla de Creta. Lo mismo ocurre con el sexto corte “Lust for Hate”. Turno para “Dysphoric Reality”, un tema de comienza lento, que da paso a unos ritmos machacones, es cierto que esta canción no tiene la velocidad de las primeras, sólo en algunas fases del mismo, pero si posee mucha potencia, y un solo de guitarra de excelsa factura, sin duda un buen tema. “Lobotomized”, corte que da título al álbum, comienza con un arpegio de guitarra que da paso a unos ritmos thrashers en general e incluso Groove en muchas fases del mismo, un corte en que echan el resto los músicos con una colección de riffs y sobre todo unas baterías que son sin duda las mejores del disco. “Parasitic Life” es un tema con mucha influencia de la escuela alemana, un corte con riffs afilados como cuchillas, que además cuenta con uno de los mejores solos de guitarra del disco, pero lo más destacable en esta pista es la voz de Mike Kavalos, que consigue darle un empaque y energía sublime. El trabajo cierra con “As We Rot (Promises of Heaven)” y bajo mi opinión, se han déjalo lo mejor para el final, un corte donde la mezcla de Thrash y Death está perfectamente cohesionada, sin puntos débiles, una excelente elección para cerrar el álbum. En resumen, estamos ante un gran trabajo discográfico de una banda joven y con mucha calidad técnica en cada uno de sus compontes, Thrash Metal de la vieja escuela con influencia del Death de principios de los noventa es lo que te vas a encontrar en él, unido al buen sonido de grabación obtenido por Vaggelis Theodorakis, hace que este disco sea altamente recomendable.

Carlos Bermejo [8.1]

AVULSED (ESP) «Altar of disembowelment» CD EP 2015 - Xtreem Music

“Altar of Disembowelment” es el nuevo trabajo de los madrileños AVULSED, tras su aclamado anterior larga duración de 2013 “Ritual Zombi”, ahora en formato EP sacaron al mercado el 9 de septiembre este trabajo a través del sello Xtreem Music. Ante nosotros nos encontramos con poco más veintidós minutos en los cinco cortes de que consta, incluida una versión de BLACK SABBATH, de un Death Metal old school tan característico en los casi veinticinco años que llevan en activo, aunque es cierto que en esta ocasión las composiciones son más pesadas y oscuras que nunca. También es el debut en estudio de su nuevo baterista Erik Raya que sin menospreciar a Osckar Bravo, esta nueva incorporación ha sido todo un acierto para la banda de Dave Rotten. El sonido de la producción es aún mejor que el del disco anterior, de ello son culpables Raúl Fournier con su mezcla y sobre todo, Dan Swanö (SUPRATION, DEW SCENTED, INFESTDEAD,…) con su majestuosa masterización como ya hiciera con “Ritual Zombi”. Para el artwork también repite el gran ilustrador Juanjo Castellano que vuelve a rea-

BIOTOXIC WARFARE (GRC) «Lobotomized» CD 2015 - Slaney Records

Ante nosotros tenemos el larga duración debut de los griegos formados en 2012 BIOTOXIC WARFARE, tras el EP “Baptized in Blood and Greed” autoeditado en 2013, sacan al mercado este “Lobotomized” el 19 de enero de 2015 a través del sello Slaney Records. En este trabajo se observa claramente una gran evolución compositiva con respecto a su primera grabación. Ocho cortes de unos 38 minutos en total, forman “Lobotomized”, un trabajo que se podría catalogar como Thrash Metal de la vieja escuela, pero además cuenta con bastantes pinceladas de Death que, sin duda, contribuye a que no sean una banda más dentro del género. En cuanto a la portada, han elegido al ilustrador Bob Toderico (MEFISTO, INSEPULTO, NERODIA,…) para realizarla, la cual define perfectamente el estilo musical de la banda. El álbum comienza con “Mors Indecepta”, un corte instrumental para abrir el disco, algo poco ha-

BLACK DEVIL (ESP) «De mentes» CD 2015 - Autoeditado

Y nuevamente Asturias nos envía nuevas hordas de metal abanderando la reconquista del género para los grupos estatales, con calidad a raudales y nunca suficientemente ponderado por la masa metalera estatal. En esta ocasión desde Oviedo nos asaltan estos BLACK DEVIL con su segundo trabajo de estudio titulado “De mentes,” sacado a la luz con mucho esfuerzo y mediante la colaboración de amigos y seguidores bajo la tan de actualidad fórmula de financiación del crowdfunding. Yo lo calificaría como un trabajo ecléctico que te va sorprendiendo con devaneos de un género a otro a lo largo de los 10 cortes del trabajo. Puedes encontrar cortes de heavy muy estándar hasta temas más thrash con incursiones en el mundo del

power metal con pasajes de rock estatal y hasta con una versión de HEROES DEL SILENCIO. Claro, todo depende del espectro musical por el que te muevas para que disfrutes más o menos del trabajo. A mí, como a todos, hay algunos de los géneros que presentan que me gustan más que otros, y alguno que se me va de madre…. Sí BUNBURY, lo siento va por ti…no hay sal de fruta en el mundo suficiente para quitarme la acidez. Así comienza el CD con una intro muy épica tipo STRATOVARIUS muy agónica y oscura que lleva por título “antroagaetofobia” (no me preguntes de donde viene ni se significa algo…) que desemboca en el corte 2, primero del trabajo propiamente dicho y que da nombre al CD, “ De mentes”, una de los temas que más me gustan del disco y creo en el que mas encaja la banda dicho sea de paso. Muy heavy, con todos los componentes que se esperan en el género, pero actualizado y fresco. Me suena un poco a los LUJURIA de OSCAR SANCHO, vamos un aire, no clavado. Yo ya me había hecho mi composición de lugar de lo que iba a encontrar en el resto de cortes, pero de repente desembocamos en el corte 3 “Mensajeros del horror” que es un rollo mucho mas metal moderno, más thrash por momentos, por seguir con las comparaciones tipo HAMLET. Nada que ver con el primer tema. Si seguimos con el corte 4 “Discusión” he de reconocer, que aquí me descolocaron por completo. Es un tema con un rollo rock estatal por partes… si ya se ¿que , qué te estoy contando ? pues lo que hay ,que los chicos tiene muchas influencias y no se circunscriben a nada, eso sí , el poso heavy subyace en todos los cortes, este acaba muy power por ejemplo. ¿Y en el 5? ¿Que habrá en el corte número cinco? ¡!power metal ¡! Como molan estos tíos, es como leer una novela de Ágata Christi que no sabes quién va a ser el siguiente muerto. Bueno pues aquí igual pero para bien, no puedes dejar el disco de fondo y saber de qué va el grupo, si te mueves no te enteras de lo que ha pasado en el ultimo capitulo. “2014” es un tema muy bien estructurado, vuelven al heavy con terceras y progresiones muy armónicas, de los destacados diría yo, en línea con el corte2. “deshacer el mundo” Es el Cover de HEROES DEL SILENCIO, mejora la original, claro yo que no los trago, pero no será por este corte por el que me haga fan del grupo. ¿Te acuerdas de “Starlight” de HELLOWEEN? Pues este tema “tras el cristal” tiene ese aire power metalero ochentero en ciertas partes (bueno, quizás me he venido un poco arriba), que nos invita a escuchar el último y definitivo corte del trabajo “síndrome del miedo “que tiene un compendio de todos los estilos ya reseñados con anterioridad. En definitiva, riesgo y originalidad a raudales. Muy recomendable si no eres ningún talibán de las etiquetas. Por cierto, volviendo a la idea de falta de apoyo al metal nacional, si tú tienes un grupo y quieren que te sigan, repasa tu discografía y mira qué porcentaje de metal nacional e internacional consumes. Ahora quéjate de que no se apoyan a las bandas locales… eso es muy típico de este estado. Ser cainita. En fin, que apoyes el metal local. Si se llamasen o Johansson Schneider seguro que te levantaban mas inquietud.

Gabriel Vázquez [7.5]


BLACK TONGUE (GBR) «The unconquerable dark» CD 2015 - Century Media Records

Hablemos del regreso de BLACK TONGUE tras sus EPs “Born Hanged” y “Falsifier”. Estaríamos hablando de materiales que dieron mucho de qué hablar en el mundo del hardcore, deathcore y downtempo. Todo este auge fue causado por la contundencia de la música de esta banda: un sonido brutal, enfermo, refinado, frío, oscuro y con una producción abrasiva y pesada. BLACK TONGUE para mi fue una de las bandas de downtempo deathcore que acelera esta tendencia. Fue una de las primeras bandas que escuche y siempre fui fanático de su trabajo. Cabe destacar que “The Unconquerable Dark” es un full length bastante sólido. Es una continuación de sus otros trabajos. No están conectados pero cuando lo escuché sentí que aplicaron la misma fórmula que los otros EPs. Es un disco que en sí conseguiría muchos detractores ya que argumentaron que “es lo mismo de siempre que se ha hecho en el downtempo”. Muchos encontrarán este trabajo como una obra maestra debido a su muestra de brutalidad. En este disco se consiguen unos breakdowns riquísimos, muy rápidos, para volarle la cara al que tienes al lado a punta de golpizas y para romper cosas. Este disco, en comparación a los otros dos, es algo más atmosférico (unos cuantos temas duran 5-6 minutos gracias a esto). La banda decidió darle mas base al trabajo teniendo más atmósferas disonantes y oscuras. Esto se debe a que decidieron no aburrir al oyente solamente con breakdowns porque si. Eso sí, todo esto está creado por el guitarrista Eddie Pickard. Aaron Kitcher en la batería tocando lento también aporta muchísimo a este sentido de oscuridad que hay en el disco. Como dije antes, sigue habiendo la misma fórmula. Breakdowns de mucha variedad de tempos, el tono de las guitarras siendo increíblemente bajo para el mayor nivel de maldad y frialdad posible, batería lenta y agónica como para anunciar la muerte de uno mismo y la voz de Teyen dándolo todo con mucha fuerza y poder. Es un disco muy disfrutable, como para escucharlo en casa (estando consciente de las consecuencias de romper algo a tu alrededor) o para estar en un concierto y darlo todo en el pit. Los puntos más fuertes de este trabajo están en los breakdowns, en los “puntos muertos” donde la atmósfera fría de oscuridad absoluta es protagonista con la voz de Alex Teyen encima y sobretodo cuando el tema explota después de estos puntos muertos. Los mejores desgloses están en los temas “L’Appel Du Vide”, “Prince Of Ash”, “The Masquerade” y “Young Gloom”; que facilmente este sería uno de los mejores temas del disco, con su breakdown veloz luego de un hueco climático que marcan las guitarras. En conclusión, es un trabajo muy, muy duro. BLACK TONGUE ha cambiado en este trabajo? No, pero igual nos siguen deleitando con el downtempo deathcore más cerdo que puede existir. Si eres fan de breakdowns duros, batería destructora y voces profundas, este disco es para ti, al igual que los trabajos anteriores de BLACK TONGUE.

Rafa Eduardo Castro [9]

BLEED SOMEONE DRY (ITA) «Post mortem | veritas» CD 2015 - Fire was Born Records

BLEED SOMEONE DRY es una banda procedente de Italia, los cuales comenzaron su andadura musical en 2001, llamados por aquel entonces REVOLT. En 2006 cambiaron su nombre a BLEED SOMEONE DRY, editando su primer trabajo con ese nombre en 2007, titulado “The World Is Falling in Tragedy“, comenzando así su carrera. Cinco años más tarde, lanzaron al mercado su segundo plástico “Subjects“, y ahora nos traen su flamante nuevo redondo. Arropados bajo el sello Fire Was Born Records, el 15 de septiembre de 2015, esta discográfica nos obsequió con la salida de ”

Post Mortem | Veritas”. Siendo este el autentico protagonista, y el culpable de yo en estos momentos escriba estas líneas. El line up de la formación es el siguiente: Jonathan Mazzeo (guitarra, sintetizadores), Mattia Baldanzi (bajo), Alfeo Ginetti (batería.También miembro de CHAOS CORE), Alessio Bruni (voz). Lo que el oyente se encuentra al oír su última obra, es un apabullante y espectacular Larga Duración de deathcore con ramalazos mathcore, no exento de gratas sorpresas, como momentos más técnicos, o la utilización de saxo en el tema final. En cuanto a composición, la palabra que buscamos es perfección. Al fin un disco de este género donde todo suena fluido. Los breaks musicales no suenan forzados, desapareciendo la sensación de que los cambios de dirección de las tonadas están metidos a la fuerza, a golpe de metrónomo. Por otro lado, en lo que a riffs y tempos se refiere ” Post Mortem | Veritas” se muestra dinamico.Los riffs son tan dramáticos como melódicos, tan brutales como intensos, propinándonos en ocasiones un toque extra de técnica, progresismo y locura. Los cambios de velocidad son rasantes y sorprendentes, dejándote con las manos en la cabeza en más de una ocasión. En el apartado vocal encontramos varias tonalidades dentro de la guturalidad, pero sin utilizar agudos rasgados.En algunos momentos escucharas coros netamente hardcores. ¿Que temas destacaría?. La respuesta es TODOS, ya que no hay ni una sola fisura en lo aquí mostrado. No solo eso, si no que para mi gozo, y supongo que el regocijo de la parroquia deathcore, vemos como con discos tan vivos y llenos de potencia como este, el género aún tiene cosas que decir.

Jesús Muñoz Caballero [9]

BLESSTHEFALL (USA) «To those left behind» CD 2015 - Fearless Records

BLESSTHEFALL acaba de sacar su nuevo trabajo “To those left behind”, un CD de 11 temas, el cual llevaba tiempo esperando poder oír y que me ha dejado encantada. Nos encontramos canciones con características propias, no se trata de un CD que suena siempre dentro de lo mismo, sino que sus composiciones contienen detalles y diferencias muy notables que aportan algo especial a cada tema. Considero este un trabajo muy bien hecho, da la sensación de no haber sido compuesto solo para que suene bien sino con la intención de que también transmita algo con cada una de sus composiciones. Empezamos con “Decayer”, primer tema, su presentación tiene cierto toque épico formados por el conjunto de los efectos del principio, el punteo de las guitarras, la introducción de la batería y los coros, hasta el momento en el que entra la voz gutural y se da por comenzada la canción. Es un tema que por la general incita al movimiento y también cuenta con un estribillo pegadizo. Desde un principio te sumergen en el tema, cosa que no pasa solo en esta ocasión. Ahora he de destacar la tercera canción, “Dead air”, la cual es puramente melódica, donde no participa la voz gutural en ningún momento. Empieza siendo suave, tiene cierto toque emotivo pero con energía (aportada principalmente por la parte instrumental). Al llegar al quinto tema, “Against The Waves”, notamos la acentuación en las propiedades del Metalcore. Con un riff algo pesado al principio de la canción y haciendo uso del breakdown al aproximarse al final de esta. Una de las canciones que remarca el detalle de las diferencias entre las composiciones es la sexta, “Looking Down From the Edge”, se podría decir que utilizan una parte más “electro-core”, utilizando una mezcla de electrónica en ciertos puntos de la canción, como la del principio, junto con otros efectos. En el séptimo tema titulado “Keep What We Love” también hacen uso de los efectos de sonido. Hay


un trozo en concreto que le aporta una particularidad bonita y cuidada a la canción, se trata de una linea fina de voz a la que se le añade un efecto entrecortado, algo parecido al “stutter effect”. En esta ocasión, por lo general, los efectos que tienen más protagonismo son los de las voces, aunque los ambientales también juegan un papel importante. Es el tema más corto del CD, casi actuando como un tema puente o un interludio, donde tampoco se hace uso de los guturales, se centra más en la melodía, otorgándole un sentimiento de nostalgia. Conforme van pasando las canciones podemos apreciar el gran trabajo realizado en este álbum. Parece ser que este grupo va innovando y evolucionando como tal, pero sin dejar la esencia de los grupos de antes que se preocupaban por hacer algo diferente de cada canción, experimentando dentro de su género. Para acabar tenemos el tema “Departures”, onceavo y último tema del CD, al que han incorporado un detalle muy particular al final de la canción. Al acabar se oye el sonido de una puerta al salir por ella (al cerrarse), un detalle con bastante simbolismo al tratarse de la canción con la que finalizan este trabajo. A mi parecer nos encontramos ante un grupo que trabaja mucho sus composiciones y además es capaz de transmitir muy bien. ¿Sabéis de esas veces cuando quieres describir una sensación o un sentimiento con palabras y no puedes? Me he encontrado en esta situación mientras escuchaba este álbum (para bien, claro). Son de los grupos que te hacen desear poder verlos en directo, dado que sus temas de por si ya te empujan a querer moverte o corear sus canciones. Por ello si os gusta el género y sobretodo si os han gustado los trabajos anteriores del grupo, os recomiendo oírlo y quizás así podáis entenderlo.

Yvette Pérez Arce [9.5]

BRING ME THE HORIZON (GBR) «That’s the spirit» CD 2015 - Sony Music

Ríos de tinta han corrido, corren y correrán en torno a este quinto álbum de la banda de ex – Metalcore BRING ME THE HORIZON, y es que si con su anterior “Sempiternal” ya se alejaron bastante del dicho genero, en este “That’s the Spirit” ya no queda absolutamente ningún rastro de él. ¿Evolución? ¿Cambio? Como siempre, la respuesta a estas preguntas depende mucho de los ojos con los que se miren al grupo en cuestión, y no es algo ni mucho menos nuevo en la historia de la música, y especialmente del rock, como ya ocurrió con BON JOVI, MUSE o METALLICA (¿casualidad o coincidencia con la portada?), por citar solo algunos ejemplos. Veremos si la línea trazada hace escasamente un par de años y confirmada a día de hoy será la que marque el futuro de los ingleses, o si por lo contrario, en unos años tendremos una especie de “vuelta a las raíces” que tantos capítulos nos ha dado la industria. A día de hoy todo hace indicar que estamos mucho más cerco de lo primero que de lo segundo, pero vayamos al análisis del disco que es lo que nos ocupa. “Doomed” es ya toda una declaración de principios. Una base instrumental muy melódica, suave, como susurrada, con un teclado a cargo de

Jordan Fish muy presente a la par que ambiental, y una línea vocal de Oliver Sykes muy dulce, que, eso sí, gana potencia y desgarre a medida avanza el tema, especialmente en el estribillo y el segundo verso, compaginados con agudos que dudo mucho pueda llevar al directo. “Happy Song” tiene más fuerza guitarrera de Lee Malia y un tono más Nu Metal, con unos originales y divertidos coros tipo animadoras que distinguen al tema que sigue con la atmósfera electrónica inicial y que solo en el compás final parece recuperar parte del espíritu original de la banda. “Throne” es probablemente de lo mejor del disco, conservando un mínimo de lo que mostraron en su anterior trabajo, aunque les sitúe más cerca de un Rock Alternativo Electrónico como los de los últimos trabajos de LINKIN’ PARK o THIRTY SECONDS TO MARS. Además el estribillo está muy logrado y es un tema que se queda grabado a fuego ya en las primeras escuchas. “True Friends” sigue explorando esa parte oscura, casi cínica de la amistad, los sentimientos y las emociones. Otra de las canciones que pudimos escuchar como previa al álbum y que de nuevo representa de lo mejor de este. Otro gran estribillo, esta vez sí unos versos más trabajados a nivel compositivo y una intensidad que se echa en falta en parte del compacto. “Follow You” es uno de esos cortes que más desconcertados han dejado a sus seguidores. Pop Rock sencillo, sin complejos y con un estribillo facilón pero adictivo, cuyo mayor problema es la dificultad de asimilarlo como un tema de BRING ME THE HORIZON. Aún así es uno de mis favoritos de este “That’s the Spirit”. En “What You Need” el bajo y batería de Matt Kean y Matt Nicholls, respectivamente, se apoderan de la musicalidad de un tema que vuelve a explotar sus mayores virtudes con la llegada del estribillo. “Avalanche” vuelve a protagonizar uno de los mejores momentos de todo el disco, de nuevo con un Oliver Skyes pletórico y un trabajo de Jordan Fish impecable. Espero que no falte en sus shows porque es de lo más inspirado que han grabado hasta la fecha. “Run” apuesta descaradamente por los tintes más electrónicos y oscuros del nuevo sonido del quinteto. Los samplers se confunden con ritmos que marca una vez más la percusión de Matt Nicholls, hasta el estallido de un potente estribillo marcado por la voz rasgada pero conservando la melodía de Oliver. Hace ya un tiempo que pudimos disfrutar de “Drown”, así que poco se puede decir o escribir que no se haya hecho hasta la fecha. Un gran tema, de esos que dan ganas de cantar a pleno pulmón, que no faltará en futuros, y presentes, repertorios del grupo. Nos acercamos al final del disco con “Blasphemy”, correcto pero que apenas aporta demasiado al conjunto del álbum, siguiendo un poco el patrón marcado por la mayoría de sus composiciones sin destacar en ningún aspecto. “Oh No” es otro de esos cortes que cuesta de asimilar como suyos. Aunque una vez más, me parece de los más interesantes del compacto. Melodía sencilla, pegadiza y adictiva, que entra suavemente en el inconsciente del oyente más abierto a experimentar con las propuestas que nos ofrecen en este nuevo trabajo. Repetitiva pero con un estribillo del que no me puedo deshacer fácilmente. Hasta aquí llega este nuevo “That’s the Spirit” de BRING ME THE HORIZON, alejado ya sin ningún tipo de complejos del Metalcore agresivo, rápido y con la voz de Oliver Skyes escupiendo rabia en cada verso, que les hicieron grandes en álbumes como “Suicide Season” o “There is a Hell, Believe Me I’ve Seen It. There is a Heaven, Let’s Keep It a Secret”. Si fuera fan de estos últimos, tanto mi nota final como mis sensaciones serían muy distintas a las que tengo, probablemente tendría una visión más crítica e incluso feroz sobre el nuevo trabajo. Por suerte o desgracia, la decisión vocal de Oliver sobre su screamo y el aporte musical, compositivo y productivo de Jordan, han dado una nueva dimensión al sonido de la banda que ya marcó un cambio en su anterior obra, con la que un servidor tuvo el placer de descubrirles. O quizás la mano de su actual discográfica, Sony/Columbia tenga algo que ver, quien sabe. Un trabajo notable que supondrá un antes y un después en su carrera. Ahora la única duda es ver que tal defienden el nuevo material en directo, lo que me genera ciertas dudas tras sus primeros shows. Tocará creer en ellos, “Ese es el espíritu”.

Lluís «DiMu» García [7]

CANKER (ESP)

CEREMONY OF MADNESS (ESP)

«Physical» CD 2015 - Xtreem Music

Nada más y nada menos que 21 años hace que se editó este “Physical” con la producción de Colin Richardson (CARCASS, NAPALM DEATH, BRUTAL TRUTH, FEAR FACTORY, MACHINE HEAD…) una hazaña para la época poco imaginable y la no menos hazaña, de que la mezcla la realizase Tomas Skogsberg (ENTOMBED, AT THE GATES, DISMEMBER, GRAVE…) dos de los mayores pesados de la música extrema (en cuanto a Producción, Mezcla y Masterización se refiere) de finales de los 80/principios de los 90, junto con Scott Burns, Dan Swanö, Pytten, Jim y Tom Morris, etc., ahí es nada. Ahora Xtreemmusic ha decidido reeditar este legendario primer álbum del conjunto granadino, junto con las demos al completo que editó la banda (“Post Mortem” en 1990 de 6 temas y la otra simplemente llamada “Canker” de 5 temas en 1991) y que incluye algunas canciones que no aparecieron ni en este debut ni en su segundo larga duración de 1997 “Exquisites Tenderness”. Este cuarteto practicaba un Death/Thrash (o viceversa) con bastantes dosis de técnica, brutal y aplastante, con bastantes partes instrumentales, muy avanzado para la época en nuestras fronteras y que les llevó por ejemplo a ganar el Concurso Pop-Rock Villa de Bilbao de 1992 en la categoría de Rock Duro. En cuanto a similitudes o influencias, podría nombrar a grupos como DEATH, SLAYER, SEPULTURA, KREATOR… Los temas brillan por sí solos, desde la intro acústica que dispara el primer corte “Inquisition”, que es sencillamente triturador, con ese ritmo pesado y las voces guturales de Miguel Hernandez (alma del conjunto)…una pasada. Tampoco nada tienen que envidiarle todos los que siguen, “Opus Death”, “Big Shit”, “Canker”…. “Physical” una canción de más de 10 minutos y cuya primera parte es instrumental….de lo más técnico que encontrarás en el álbum, además de unos fantásticos cambios de partes y ritmos que se mantienen durante todo la obra. Después podemos deleitarnos con las dos demos, en las que aunque se nota una clara diferencia de sonido y que son algo menos brutales (más Thrash y menos Death), no están reñidas con la calidad de las pistas contenidas. Después de una poderosa respuesta del público metalero tanto de la última de sus demos que editaron como de este “Physical”, la banda lanzó su segundo disco que por desgracia fue fruto de una mala promoción y gestión que perjudicó al grupo seriamente, tanto que terminó con la ilusión de sus componentes y CANKER acabó por desaparecer. Tras algunas idas, venidas y cambios de formación, parece que han vuelto para quedarse y pronto publicará más material para suerte de todos nosotros.

Robin RM [8]

«Ceremony of madness» DIGIPACK EP 2015 - Autoeditado

Nuevo proyecto que encabeza el ceutí Pepe Lázaro al bajo, y para el cual ha contado con la colaboración de sus compañeros de SHEILAN, Carlos Lorda y Emilio Sánchez a las guitarras. Esta vez tira por un metal más extremo, con tintes de Death Metal, que no obstante, bebe del Heavy Metal más clásico en sus composiciones, uniendo fuerzas con el baterista Johny Mechanix y Javi Perera a las voces, quien realiza un excelente trabajo en sus distintos registros, que van desde el gutural más profundo al tono más melódico. Un conjunto de ideas y buenas intenciones que el tiempo y la experiencia seguramente centraran en una identidad más personal. El EP, auto-editado, podemos encontrar cinco cortes muy variados que demuestran de que son capaces el quinteto y el camino por el que puede discurrir su futuro musical. La oscura introducción a cargo de “Chaos” precede a la violencia que escupe la primera canción, “Conflict Of Faith”, con un ritmo contundente y agresivo, con la gutural y grave voz de Javi, con un destello melódico protagonizado por el solo de guitarra. Sorprendentemente, tras la tempestad llega la calma con el arpegio que nos sumerge en la épica armonía de “Garden Of Oblivion”, en la que la banda muestra su perfil más suave y clásico, con un trabajo vocal que comienza en un registro similar a BLIND GUARDIAN para acercarse más a unos TRIVIUM en su estribillo y máximo apogeo. “Rage Within” mezcla melodía y contundencia a partes iguales, tanto a nivel instrumental como vocal, y muestran el camino a seguir por la banda en el mejor corte del trabajo. Soberbio estribillo que me trae a la memoria a los mejores ICED EARTH, que además cuenta con un juego de voces guturales y limpias acompañado de una línea guitarrera de mucha calidad. En “I’m the Only Truth” siguen la senda marcada por el anterior tema aunque sin alcanzar su calidad, pero estableciendo un estilo que poco a poco se va desdibujando en el EP. Promete y deja con ganas de más. Esperamos que pronto sacien nuestra sed y nos den más locura en forma de canciones en un próximo capítulo de CEREMONY OF MADNESS.

Lluís «DiMu» García [7]


CONGIURA (ITA) «I Blood» CD 2015 - Sliptrick records

Los italianos CONGIURA nos traen este “I blood”, disco recién salido del horno y cocinado a fuego lento, que es como mejor sabor adquieren los platos. En Abril de este 2015 y de la mano de Sliptrick Records, lanzan su álbum de debut. El país transalpino nos tenía acostumbrados a exportar muy buen power epic metal, pero poco a poco van destacando en otros géneros. En este caso, hacen un muy buen death metal melódico cantado integramente en inglés, que recuerdan mucho a los IN FLAMES, KATATONIA, DARK TRANQUILLITY, incluso a los AMON AMARTH por momentos. Estos cinco italianos se disfrazan de suecos y se sacan de la manga un pedazo de disco de debut en un género más propio de bandas escandinavas. Ellos son Stefano a la voz, Fabrizio y Federico a las guitarras, Michele al bajo y Stefano a la batería. El disco empieza con “Course of redemption”, un corte que define perfectamente lo hablado hasta ahora y que refleja lo que te vas a encontrar a lo largo de los 8 temas que tiene el disco. Stefano combina voces limpias y sonidos guturales, que cuadran perfectamente con la base rítmica y la melodía constante que hila los temas. “Riot” es un trallazo rápido y vertiginoso que torna en medio tiempo para luego explotar y acelerar. de los mejores del disco. Si algo se le puede achacar a CONGIURA es que tal vez son un poco repetitivos, aunque desde luego tienen mucho margen de crecimiento. Con “Inhuman” tenemos un tema que oscila hacia el metalcore melódico tipo ALL THAT REMAINS y que poco a poco acaba derivando en death melódico en el tema más largo de este trabajo. Hacia la mitad del disco encontramos el tema que da título al disco, “I Blood”. Con un inicio suave, rápidamente da paso a un muy buen riff cortado y machacón como para dejarte sin cuello. Magnifico el blast beat hacia mitad del tema que acentúa aún más si cabe el headbanging. “Guantanamo” y “Pendulum” son temas vertiginosos y potentes, muy parecidos entre si que te dejan con ese regustillo de falta de ideas y machaque de una misma idea. El disco concluye con “New Order”, muy en la onda de los IN FLAMES del “Reroute to remains”, con inicio electrónico muy bien entrelazado con la base rítmica para articular, para mi gusto, el mejor tema del disco. En definitiva, un muy buen disco de debut de CONGIURA, una banda con un gran futuro y que, adquiriendo más experiencia y tablas pueden llegar lejos.

Aquiles Remón [8]

CUTTING CUBE (ESP) «Resistance» CD EP 2015 - Autoeditado

Si algo bueno ha significado para mi escribir en un medio especializado como es este es el poder descubrir proyectos a los que tal vez no llegaría de no ser a través de ello. Los Madrileños CUTTING CUBE son el más vivo de los ejemplos. Es increíblemente agradable disfrutar de una propuesta distinta a la que uno suele escuchar. El problema en este caso es que uno se queda con ganas de más. Pues por el momento estos chicos no tienen editados más que dos EPs de 3 temas cada uno. Y en este segundo “Resistance” crecen. Profundizando más en su propuesta post metalizada de fuerte carácter ambiental. Perfeccionando su técnica en todos los aspectos y creando temas mucho más disfrutables sin que eso se traduzca en simples o sencillos. La esencia sigue en su sitio, pero alimentada a base de pollo con arroz y Petit Suisse. CUTTING CUBE han decidido confiar en su propuesta y potenciar mucho más los elementos que ya jugaban en “At the drop of the hat”. La voz ha mejorado, sobretodo en cuanto a producción, pero también en cuanto

a su uso. En “Resistance” esta destila una fuerza y pasión absolutamente contagiosos sin tener que chocar con pasajes estridentes de guitarra para erizar pieles. Y eso que pasajes estridentes haberlos haylos. “Prometheus” nos regala momentos de auténtica euforia conciertíl. Y pese a ponerla como ejemplo por ser la que a mi parecer más alto llega en este sentido, el resto del disco no se queda corto. Entre atmósferas arabescas y el combinar lo dicho con riffs pesados consiguen momentos de demoledora oscuridad. Sin caer en el gutural, que a mi parecer no casaría con la propuesta. De hecho, lo desesperado de los gritos del tramo intermedio de “Run child” consiguen un efecto posiblemente más potente con una herramienta más adecuada. Al final lo que prevalece en “Resistance” son los distintivos que hacen de motor para CUTTING CUBE. Las arritmias de la guitarra de “Leave the weapons at the door”, el entender la voz como un instrumento más a deformar, o el saber crear atmósferas terriblemente envolventes a partir de saber sumar bien los números jugados. Ansiosito estoy de que nos traigan un trabajo en forma de largo, pues esta segunda degustación desde luego me deja con hambre de seguirles descubriendo.

Titus Ferrer Bellés [8]

DAWN OF JUSTICE (FRA) «Seeds» CD 2013 - Autoeditado

“Seeds” es el nombre que da título al primer LP de los franceses DAWN OF JUSTICE. Clasificados por ellos mismos como “Ambiental Metalcore” esta banda formada en 2008 apuesta por un sonido que hará las delicias de los amantes de grupos como THE DEVIL WEARS PRADA, BREAKDOWN OF SANITY, IN HEART WAKES O ARCHITECTS. A la potencia y versatilidad vocal de Mehdi Romera se le une una instrumental muy elaborada, que apuesta por un metalcore progresivo al más puro estilo NORTHLANE, sin dejar atrás algún que otro break que harán llegar al público a su casa con un dolor de cuello importante. “Seeds” cuenta con 10 temas, incluidos dos instrumentales “Intro” y “Vents solaire” y tres colaboraciones: “Samsara” con Taylor Voeltz de MUREAU, “Fuel of Insanity” con Dana Willax de KINGDOM OF GIANTS y “Warzone” con Eric Lestrade, de BLACK KNIVES. Como comentábamos, el “Seeds” abre con “Intro”, instrumental tranquila para dar paso a uno de los temazos del disco “Samsara”, donde colabora Taylor, de la banda de Los Ángeles, MUREAU. Ambas desgarradoras voces se unen a esa instrumental técnica y particular antes comentada, para crear, en mi opinión, la obra maestra del disco. Continuamos con “Nothingness As Beginning”, cuyo comienzo es similar al sonido de una metralleta taladrando nuestros tímpanos. La voz de Mehdi y los increíbles punteos de Jeremy siguen siendo lo más característico. Le sigue “Life Games”, que continúa con la línea de los dos anteriores, para dar paso, después de un final de lo más ambiental y melódico, a “Superheroes”, otra de las piezas claves de este álbum. Los solos de guitarra y la voz de Mehdi vuelven a ser fundamentales, a lo que además se le unen coros, que con toda seguridad incitarán al público a hacer “sing alongs” en sus directos. Si hablamos de incitar a la participación del público, el siguiente tema no se queda indiferente, ya que “A Breath of Life” está hecha para ser tocada en directo. Podríamos decir que es la canción “hardcore” del disco, en la que dejan un poco atrás las características instrumentales técnicas de las que hablábamos antes, para dar paso a una instrumental rápida y sencilla, hecha para que el público lo de todo, como podemos ver en el videoclip de dicho tema. En “Times For Redemption” vuelven a lucirse tanto Mehdi con sus increíbles cambios de registro,


como Cedric y Jeremy a las guitarras. Con la instrumental de 3 minutos “Vents solaires” llegamos a los dos últimos temas, ambas colaboraciones con cantantes de otras bandas. “Fuels of Insanity” continúa la instrumental ambiental del tema anterior para dar paso a un tema en el que Mehdi vuelve a experimentar con un registro grave. Al más puro estilo BREAKDOWN OF SANITY, con una instrumental melódica y una voz desgarradora, con la colaboración de Dana Willax de KINGDOM OF GIANTS y un break arrollador, llegamos al último tema del LP: “Warzone”, donde volvemos al Hardcore gracias a la arrolladora voz de Eric Estrade, vocalista de BLACK KNIVES. Riffs pesados y breakdowns para terminar un “Seeds” caracterizado por la versatilidad de su vocalista, las instrumentales melódicas y técnicas y por ese guiño al Hardcore en dos de sus temas, a pesar de ser una banda que tira más hacia el Metalcore Progresivo (O “ambiental”, como se autodenominan). En definitiva, no nos encontramos el típico Metalcore monótono y cargado de “breaks”, es una apuesta por un estilo diferente que se agradece. Antes de acabar esta reseña, recordaros que del 8 al o 11 Octubre DAWN OF JUSTICE estarán de gira por la Península gracias a Success Promo. Con su SOUTHERNERS TOUR, y pisarán Madrid, Sevilla, Murcia y Barcelona.

me aburren; cuanto más restringidos al deathcore mejor. Por el resto no hay demasiada novedad, si disfrutas del metalcore te gustarán las líneas de guitarras y bajo, y aunque la batería suena un poco enlatada y a ratos simplista y ‘gregaria’, sigue el ritmo de los temas bien y de vez en cuando suena algún ritmo que le da su puntito. En mi opinión el punto más positivo de DECEITFUL END en este ‘The End of the Line‘ son los solos de guitarra que en contraste a los temas tan similares al resto de metalcore muestran una faceta más personal del grupo, así como la intro y el outro que presentan al principio y al final de este trabajo respectivamente. Como un primer trabajo ‘The End of the Line‘ nos muestra una buena técnica y a un grupo con capacidad, pero el hecho de que termine sonando tan clónico y poco original es algo que, inveitablemente, resta muchos puntos. Personalmente aconsejaría que para futuros trabajos, si quieren continuar en una línea similar con respecto al género, tomasen una aproximación más personal y variada, pues estoy seguro que DECEITFUL END nos pueden sorprender en un futuro. Gabriel Pastor Sánchez [5.5]

José Otero Castelo [9]

vertebra el estilo defeater y en el que música y voz forman una simbiosis magistral. Como él mismo ha citado alguna vez, son más escritores que bandas los que influyen en sus temáticas, algo indudablemente llamativo para un músico de hardcore, lo que nos da más indicios de que este no es un grupo más. El disco nos lleva hasta los primeros años del siglo XX en E.E.U.U y se vale de una familia ejemplificativa para tratar los conflictos universales que envuelven al mundo. ¿Es por tanto Archambault un nuevo poeta con voz desgarrada que chilla y reflexiona sobre la condición humana del hombre? Porque realmente lo parece. Derek toma la voz de un cronista que canta sobre la muerte y el odio, la pérdida y el dolor. “Abandoned” es un álbum cargado de sentimientos, de pensamientos e incertidumbres acerca de la fe. Un sonido trabajado y “abandonado”, como su propio nombre indica que nos lleva precisamente por donde él quiere, con cuidado y muy despacio, para no perderse los detalles, como una prosa poética cantada a gritos al oído. Algo visceral y revelador. Un disco en el que hay que conectar desde el primer minuto con las emociones de la banda: sangrar cuando ellos sangren, abrirse cuando ellos lo hagan, sincerarse aun cuando no te queden palabras y todo cuanto te rodee sea angustia. En las reseñas que suelo hacer de discos trabajo cada canción por separado y me gustar hablar de su sonido, sus idas y venidas… Pero con este es totalmente diferente, pues concibo este álbum como una totalidad. Lo idóneo sería escucharlo de una sentada, sin darle al pause. Solo así podríais sumergiros en su atmósfera de una forma absoluta. “Abandoned” no es sólo un disco, como hemos dicho es un concepto. Si le das el tiempo necesario te inundará por dentro con su dolor. DEFEATER tienen un algo diferente que les hace desmarcarse del resto de bandas y para mí es, sin lugar a dudas, su alma.

Sergio Hernández [9]

DEFEATER (USA) «Abandoned» CD 2015 - Epitaph Records

DECEITFUL END (ESP) «The end of line» CD EP 2015 - Autoeditado

Tras escuchar un par de veces ‘The End of the Line‘ ya caí en que DECEITFUL END son un grupo más de metalcore, lo cual no es malo, pero tampoco creo que sea bueno. Con el auge del género en los últimos años han surgido muchísimas bandas que parecen restringirse a un sonido estándar y preestablecido, lo cual acaba dando como resultado una ola de bandas clónicas con sus peculiaridades muy puntuales. Para comenzar iré directamente a las letras, que reflejan el clásico de los grupos adolescentes de metalcore; ‘Mi novia ha muerto (pero la he matado yo)’, ‘El amor es duro (y más si me dejas)’, ‘Somos muy fuertes todos juntos’, ‘La vida no tiene sentido’ y por último pero no menos importante, ‘Te odio por dejarme’. Una serie de clásicos que parecen venir de serie pegados a este género y que a simple vista carecen de un mensaje más profundo que el significado directo de cada frase con que se nos bombardea. Los vocales se me traen cierto aire a FIVE FINGER DEATH PUNCH, y sinceramente pienso que si se les dedica un poco más de tiempo se podría conseguir unas líneas de voz bastante más variadas (que se agradecería) y con más color. En cuanto a instrumental se refiere… Me cansa la adición de breakdowns a los temas. Creo que le quitan toda la velocidad al tema, me descolocan y

La banda de melodic hardcore DEFEATER (Massachusetts, E.E.U.U / 2004) estrena disco y de qué forma. Si los americanos ya conseguían sorprendernos con sus anteriores trabajos este se lleva la palma. Es por eso que esta reseña será algo diferente de lo común. Echamos la vista atrás y nos encontramos con “Travels” (2008), “Empty Days & Sleepless Nights” (2011) y “Letters Home” (2013); tres discos sólidos y contundentes con la fórmula perfecta del hardcore más pasional que bien les sirvieron para hacerse con miles de adeptos por todo el mundo y que les abrieron las puertas a girar con bandas como COMEBACK KID, BANE, LA DISPUTE o AUGUST BURNS RED. El pasado mes de junio tuve la oportunidad de verles en el Hellfest (Francia) y todas las palabras que puedo dedicarles son elogios. Aquel mismo día tocaban también RISE OF THE NORTHSTAR, TERROR, MADBALL y BIOHAZARD y fueron sin duda la banda que más rompió dentro del género, entiéndase, por supuesto, que no es exactamente el mismo que el de las bandas ahora mencionadas, pero esa garra innata y ambiental que desprende su música hace que se desmarquen del resto de bandas de hardcore del momento. Y su último disco, “Abandoned”, lo demuestra a la perfección. Este LP es uno de sus trabajos más ambiciosos y encaja perfectamente en el universo único y pasional que les lleva envolviendo desde su primer álbum. Derek Archambault (vocalista) se echa a la espalda la totalidad de los once temas que componen este disco pseudoconceptual dándole un sentido uniforme a cada pequeño gran detalle que

DEVANGELIC (ITA) «Resurrection Denied» CD 2014 - Comatose Music

Italia, país de bandas como HOUR OF PENANCE, SEPTYCAL GORGE o PUTRIDITY, veía nacer en 2012 a una nueva agrupación de brutal death llamada DEVANGELIC. Precisamente en ese año, este combo nos regalaban su primera promo, llamada simplemente “Promo 2012?. Con tan solo dos cortes, estos italianos demostraban con creces que eran una maquina bien engrasada de crear música realmente destructiva, dejándonos con la miel en los labios, y deseosos de que su nuevo paso discográfico fuera prontío. Un tiempo después, Comatose Music se percató del indudable talento de DEVANGELIC, procediendo automáticamente a ofrecerles un contrato que estos no podían rechazar. Así que el 24 de junio de 2014 estos brutal death

metaleros nos mostraban su primer larga duración, bautizado con el nombre de “Resurrection Denied“, el cual es el culpable de que yo esté en estos momentos escribiendo estas líneas, y tú, fiel seguidor de Necromance Webzine la estés leyendo ahora. El line up del grupo es el siguiente: Paolo Chiti ( voz,ex GOREFUCK, ex PUTRIDITY, ex CORPSEFUKING ART), Mario Di Giambattista (guitarra. También es miembro de CORPSEFUKING ART, VULVECTOMY,STENCH OF DISMEMBERMENT, ex PUTRIDITY, ex DEMONIAN, ex ENDAEMONA, ex DISFIGURED, ex PUTRID DISMEMBERMENT, ex PERFIDY BIBLICAL), Damiano Bracci (bajista. Además presta sus servicios en WHISKEY AND FUNERAL), Alessandro “Venders” Santilli (batería. A este hombre lo podemos hallar en FERMENTED MASTURBATION, I WILL KILL YOU , INDECENT EXCISION, ex NECROTORTURE, ex EMBRACE OS DISHARMONY, ex LAHMIA). El fanático del género encuentra un trabajo realmente violento y devastador, donde en los aproximados 31 minutos de duración la lesión de cuello está asegurada, por que es imposible no hacer headbanging con lo que DEVANGELIC nos ofrece. Este plástico, en el buen sentido de la frase, es realmente lineal. No encontramos temas de relleno , ni nada que desentone en lo aquí ofrecido, manteniendo la intensidad musical en todo momento.Los cambios de velocidad son constantes, y los riffs son realmente afilados, desquiciantes y con un nivel de técnica loable.Sin llegar a ser una banda de technical brutal death es evidente que estos italianos saben tocar. Sin embargo, y a pesar de todo lo anteriormente dicho, las estructuras de composición y ejecución son un poco similares entre tema y tema, restándole enteros a este redondo. En cuanto a producción, es tan potente como limpia, siendo un claro ejemplo de como suena el brutal death metal en la actualidad. Destacaría los tracks “Crown of Entrails“, “Disfigured Embodiment“ y ” Perished Through Atonement“ por las siguientes razones: “Crown of Entrails“ y “Disfigured Embodiment“ son dos cortes realmente asesinos, donde desde el primer segundo de música nos masacran a golpe de blastbeats. Cambios de dirección inteligentes, aderezado con un claro dinamismo, son las características de estos dos asaltos sonoros. Respecto a “Perished Through Atonement“ comienza a medio tempo de pulso rápido, que acaba estallando con atronadores blastbeats, y unos riffs de corte mas clásicos dentro de lo que es el brutal death metal. Seguidamente nos brindan un buen cambio de celeridad , ralentizando la propuesta y machacando al deathead con un riff realmente contundente, mezclándolo por supuesto con ráfagas de rapidez y otros riffs de corte mas slam. Si queréis oír un trabajo implacable y sin tregua de brutal death metal, “Resurrection Denied“ es vuestra mejor baza, GARANTIZADO.

Jesús Muñoz Caballero [8]


EASTFRISIAN TERROR (DEU) «Eastfrisianapokalypse» CD 2015 - Rotten Roll Rex

Lo primero que viene a la cabeza al escuchar “EastfrisiaApokalypse” es que el grind sigue vivo, muy vivo, y en mejor estado que nunca. Y no lo digo solo por EASTFRISIAN TERROR, no, sino también por la gran cantidad de bandas que desde hace años han nacido –y siguen naciendo- para dar guerra sonora (y que sea por muchos más). CHOCHOS Y MOSCAS, ANAL GRIND o GÖRRINERH son tres buenos ejemplos entre los miles que pueblan estos lares del sonido más rocambolesco del metal, de las vísceras, la violencia gratuita, el gore, las enfermedades, la ansiedad y el humor negro. Y son cada vez más las personas que se acercan de buen grado a escuchar este tipo de música, en cierto modo denostada desde las vertientes más extremas por su consideración de “poco seria”, aunque nada más lejos de la realidad. EASTFRISIAN TERROR, nacidos en Alemania en 2012, nos presentan en “EastfrisiaApokalypse” once temas (más intro) de velocidad con unas altas dosis de death metal de corte clásico, tanto en los registros vocales como instrumentales. Por supuesto, existe un alto componente grind y sonidos modernos (groove), que se alternan con pasajes más pesados y voces gorrinas, propias del grindgore, definiendo un estilo bastante personal. Lejos queda ese sonido de “Reek of Putrefaction”, más atmosférico y sucio. Ahora el atropello sonoro define el grind, doble pedal y blast beats cortantes y, sobre todo, ritmos cercanos al punk, de corte sencillo y directo mientras el cantante destroza su voz. Aquí nos encontramos ante una fusión de NILE, OBITUARY y DEATH, por lo que “EastfrisiaApokalypse” no inventa nada nuevo, pero hay que reconocer que ese toque grind-death es efectivo en el sonido que nos presentan, lo que lo convierte en un álbum muy recomendable de escuchar. Como único pero, decir que la duración es algo escasa, por lo que en el mejor momento del plástico la violencia sonora cesa.

central del tema, realmente pesada y cañera. El siguiente corte es “My Nemesis”, canción anodina y aburrida de la que salvaría el solo de guitarra, que es muy guitar hero de los ‘80´s. Pasamos el ecuador de los menos de 40 minutos del disco con “No Sudden Movement”, que vuelve a animar un álbum que corre el peligro de ser repetitivo. Tema más rápido, cañero y con voces más guturales. El estribillo también entra muy bien pero es bastante más agresivo que los del resto del álbum. De los mejores cortes de todo el larga duración, sin duda. La séptima pieza es “Question Everything” que vuelve a la onda épica y pegadiza. Es una muy buena canción pero, a estas alturas, “Got Your Six” me parece que inclina la balanza a este tipo de composiciones y eso hace que el disco se haga algo aburrido en ocasiones. El álbum se adentra en la recta final con “Hell To Pay” que no ofrece gran cosa… del montón en la discografía del grupo. “Digging My Own Grave” va a formar parte de las power ballads legendarias de la banda, sin duda. Tiene todo los elementos para conseguirlo y, en este disco, ya estaba tardando en llegar. Épica, poderosa y emotiva. El penúltimo tema es “Meet My Maker”, tema más grueso y áspero que los anteriores. No está nada mal. Llegamos al final con “Boots And Blood”, el tema con más “fucks!” que recuerdo en años! Gran final para el disco. Machacón, pesado y con mucha mala hostia. El disco no decepcionará a nadie porque es 100% FFDP. Pero, precisamente, ese es su punto más flojo… y es que he utilizado demasiadas veces la palabra “aburrido”. En todos sus discos nos ofrecen temas cañeros y temas más “comerciales” (es marca de la casa), lo que le pasa a “Got Your Six” es que la balanza se inclina demasiado a lo segundo y eso cansa.

Eduardo Rodríguez [6.5]

Daniel Ureña Cruz [7]

FUNEST (ITA) «Desecrating obscurity» CD 2014 - Memento Mori

FIVE FINGER DEATHPUNCH (USA) «Got your six» CD 2015 - Prospect park Records

Otro lanzamiento mainstream que llega la redacción de Necromance Digital Magazine… para que luego algunos piensen que sólo somos una revista black/death. Lo que nos ocupa es el sexto álbum de la banda de Las Vegas FIVE FINGER DEATH PUNCH, uno de los máximos exponentes del metal americano de la última década. La portada, como siempre, muy “cartoon” y llamativa… y poco metalera. Vamos a ver qué álbum nos ofrecen los de Nevada después de un año lleno de polémicas y peleas en el escenario… “Got Your Six” comienza con la canción homónima. Un arpegio de uno segundos enseguida explota con los riffs groove a los que nos tienen acostumbrados. Una batería simple y machacona nos acompaña a lo largo de toda la canción en dónde destaca lo pegadizo de la letra. Buen tema para empezar, en la onda de toda la discografía de FFDP, sin sorpresas y con unos instantes de piano para romper la monotonía. El segundo corte es “Jekyll & Hyde”, elegido como primer sencillo del álbum. Me imagino que será por lo simple y repetitivo del estribillo, porque el resto del tema es más bien flojillo. “Wash It All Away” tiene una intro acústica que desemboca en un riff gordo y pegadizo. El tema es comercial y cañero a la vez. El estribillo es excelente. Es de esos temas de FFDP que tienen un aire de rock americano que tanto éxito tiene en su país. El solo de guitarra quizás sea mi favorito de todo el disco. Parece que el álbum se anima con algo más de caña en “Ain’t My Last Dance” que, en general, es de lo más potente pero en los estribillos, no arriesgan (como siempre). Lo mejor, la parte

Primer larga duración de los italianos formados en 2012 FUNEST, tras la demo de 2013 “Funest”, en 2014 lanzan al mercado a través del sello Memento Mori este “Desecrating Obscurity” que nos ocupa. Este trabajo podrá haber sido editado por cualquier banda de Death Metal de Suecia a principios de los noventa, ya que, hasta en el sonido de la grabación son idénticos estos FUNEST, hecho este que veo normal, ya que si apuestas por algo tan reconocible como es la vieja escuela del Death Metal sueco, tienes que ser lo más fiel posible en todos los detalles. La portada ha sido realizada por el ilustrador español César Valladares (KRISIUN, ASPHYX, NECROPSY,…) la cual muestra claramente lo que nos ofrecen en este trabajo discográfico. El disco ha sido grabado en los estudios ADSR a cargo de Carlo Meroni, con un meritorio resultado final. El CD consta de doce cortes en los que se incluyen la intro “Desecrating Obscurity” y el interludio en la pista número siete “Butchering the Prophet of God”, en casi cuarenta minutos de duración total de un Death Metal pútrido, cavernoso y agresivo con una ejecución instrumental excelente, como por ejemplo los cortes “Buried and Forsaken” o “Darkened Genesis”. En cuanto a colaboraciones se refiere, han contado con la voz de Johan Jansson (INTERMENT, REGURGITATE, UNCANNY,…) para los temas “Fornicate the Deceased” y “Deranged Baptism”. En este último tema referido colabora también Carlo Meroni a los teclados. En resumen, nos encontramos con un disco de Death Metal típico de la escuela sueca de principios de los noventa, que hará las delicias a los aficionados del género, está claro que no han inventado nada nuevo en este disco, pero lo que hacen, lo hacen muy bien. Temas cargados de blast beats, riffs endiablados y voces de ultratumba, todo ello envuelto en un aura pútrida y cruda, en fin puro Death Metal.

Carlos Bermejo [7.5]


Miquel Casey [7]

GHOST TOWN GREY (USA) «Chemical waves» CD EP 2015 - Autoeditado

El grupo de metalcore GHOST TOWN GREY, nos trae “Chemical Waves”, un CD EP autoeditado presentado este mismo septiembre, después de 3 años en el que presentaron su primer tema llamado “Catalyst”. En este nuevo trabajo, nos presentan 7 temas (incluyendo la intro), este grupo formado por 6 miembros, dos de ellos vocalistas, uno melódico y otro gutural, de los cuales saben aprovechar las características de ambos estilos para hacer aun mejor este CD EP. Demos paso al CD EP. Empezamos el álbum con la “Intro” puramente instrumental, destacando un piano y sonidos mas bien ambientales y con la aparición del sonido de unos platos de batería, nos va introduciendo lentamente al segundo tema del álbum. Seguidamente nos encontramos con “Portraits”, tema introducido por unos riffs muy pesados y una voz gutural grave, a lo seguido de unos riffs con uso de palm-mutting logrados, hasta llegar al primer minuto en el cual seguido de un parón, se da paso a la voz melódica, que contrasta considerablemente con la voz gutural, mas adelante nos encontramos con un breakdown bastante acelerado pero en el cual la voz melódica flojea un poco a comparación de la voz gutural que encaja perfectamente. Pasando al siguiente tema llamado “First blood”, una canción enérgica y con riffs técnicos desde el inicio, con la presencia casi exclusiva de la voz melódica, pasando la voz gutural a segundo plano en instantes muy puntuales, seguido de esto se nos presenta un punteo que le da un toque especial a los coros, en conclusión un tema bastante técnico y cañero por ambas partes, con unos punteos que le dan un toque exquisito. Luego llega “The calm”, que en sus principios se muestra fiel a su titulo pero esto cambia al ir avanzando la canción, hasta llegar a unos arpeggios bonitos, momento en el que la voz melódica juega mucho a favor. Al llegar a “The storm”, se aprecia la intención que no viene a ser nada por el estilo a la canción anterior, con riffs pesados, rápidos y enérgicos llenan este tema con un outro bastante más bestia de lo que parecía el tema. Vamos ya acercándonos al final de este disco con “Chemical Waves”, canción bastante completa en todos los aspectos y de carácter acelerado, con la presencia de riffs bastante técnicos. Y finalmente nos encontramos con “Unmasked”, tema que cierra este disco, viene a ser más de lo mismo a lo que nos hemos encontrado anteriormente en este trabajo, con un sonido bastante limpio y bien cuidado en todos los aspectos. En definitiva, un álbum que puede considerarse bonito y cuidado, con cierto nivel de técnica, una combinación de voces, melódica y gutural, de las cuales es destacable el contraste de sus tonalidades, empleándolo a favor.

GREY SEASON (DEU) «Invidia» CD 2015 - Noizzgate Records

Si no has escuchado a este grupo antes, al principio vas a tener la sensación de que hay demasiado sonido. Pero conforme va avanzando, éstos alemanes te irán encandilando con su explosiva mezcla. Personalmente, creo que comenzar con “Inferiors” ha sido todo un acierto, porque el resto del disco se deja llevar por esa progresión tan caótica y adictiva que crean con su atmósfera progresiva influenciada en gran medida por el Doom. Con este disco dejan más que claro que son una auténtica máquina de riffs y ritmos atronadores en los que todos los instrumentos cumplen su papel a la perfección en el momento idóneo. Para ello, basta con escuchar “Reclusive Years”, “Invidia“ o “Black Seas of Infinity”, tres canciones muy recomendables para pillarle el gusto a este gran trabajo con una atmósfera cautivadora de principio a fin. Qué decir de final de este álbum. “Venemun” es la guinda instrumental de este pastel. ¿Por qué motivo tendrías que escuchar a GREY SEASON?, porque son un grupo que se sale de lo habitual y que con este disco te muestran en poco más de una hora un buen motivo para ser uno de esos grupos que tengas en mente cuando te pregunten por algo distinto.

Rubén Fivvecore [8.5]

cuarenta minutos de un Thrash/Death Metal con guiños al Heavy Metal, melodías y composiciones en general más cuidadas que en el trabajo anterior, repartidos en los trece temas que componen este disco en los que están incluidos la intro “From Parts Unknown” y el interludio en la pista número nueve “Ode to Ares”. El sonido de la producción es de lo mejor que he oído últimamente pero claro, si el encargado de ello es el danés Tue Madsen (THE HAUNTED, HOLY MOSES, MOONSPELL,…) ya cuentas con que el resultado va a ser impresionante como así es. Para el artwork de este disco han contado con el ilustrador Péter Sallai (SAVAGE MESSIAH, SABATON, KATAKLYSM,…). Tras la épica intro, este trabajo comienza con el corte “Rise of the Hammer” y desde el comienzo ya nos están mostrando su evolución compositiva, con unos coros más propios del Heavy Metal e incluso me atrevería a decir que del Power. En la siguiente canción “I Love This Shit” empiezan a mostrarnos su lado más Death, tema rápido con rítmicas a una cuerda y baterías a toda velocidad. “Spoils of War” es un tema veloz como el anterior en su comienzo pero las partes de los coros son típicas del Heavy Metal más añejo. Con melodía Heavy comienza “Ready to Roll” que da paso a su versión más thrasher donde el bajo es el protagonista de este corte. Llegamos a “Raise Some Hell”, la canción más floja del disco bajo mi opinión, demasiado monótona hasta que pisan el acelerador en su parte final. En “Blackened Blade” se quitan la espina del tema anterior en el que se percibe perfectamente, como ocurre con el segundo corte, la mezcla del Death y el Thrash con las pinceladas de Heavy Metal justas para hacer de este corte uno de los mejores del disco. “Let it Roar” encontramos un tema de estructuras similares al anterior, pero con una voz más propia del Black Metal pero que le da un toque muy positivo a la canción. Tras el interludio “Ode to Ares” llega “Altar of Pain”, un corte típico de la escuela alemana de Thrash Metal, rapidez y agresividad en casi todo el corte, quizás pierde fuerza con las melodías de guitarra. Con “Blood and Fire” y “Saturday Night Circle Pit Fight” el quinteto nos obsequia con dos cortes puramente thrashers, en ellos no hay mezcolanza con otros estilos, son del estilo de los temas que les llevaron a ser los ganadores del Wacken Metal Battle de 2011. “Road to Hell” es el corte elegido para cerrar el álbum, una canción muy del estilo del segundo corte del disco, es decir, se observan todos los estilos antes reseñados en una misma canción. Todo esto en el formato CD, ya que en LP cuentan además con la versión “Evil Has No Boundaries” de los californianos SLAYER, así como en la versión CD+DVD contiene un directo en Tel Aviv grabado en 2014.

Carlos Bermejo [8.5]

HAMMERCULT (ISR) «Built for war» CD 2015 - SPV / Steamhammer

“Built for War” es el tercer larga duración del quinteto procedente de Israel HAMMERCULT, tras el EP “Rise of the Hammer” de 2011, y su los discos “Anthems of the Damned” y “Steelcrusher” de 2012 y 2014 respectivamente, en agosto de 2015 editan este nuevo trabajo a través del sello holandés Steamhammer/SPV. Ante nosotros nos encontramos con poco más de

HARLOTT (AUS) «Proliferation» CD 2015 - Metal Blade Records

“Proliferation” es el primer CD que saca esta banda austríaca llamada HARLOTT. El cuarteto, formado por dos de los anitguos integrantes de MASON, se embarca en este proyecto después de dos EP’s con muy buena acogida. La primera canción, da nombre al disco y comienza de una forma relajada y suave, preparándonos para la lluvia de thrash que se espera. Recuerda mucho a los temas más clásicos de KREATOR, al igual que “Denature”. En “Systematic Reduction” y “Restless” se pueden apreciar los cambios más rápidos, llegando casi al crossover en algunas partes de los versos. Al igual que sus hermanas “The fading light” y “Lord of War” que no nos sacan de la cabeza grandes grupos como EXODUS, SLAYER o incluso MUNICIPAL WASTE en ocasiones. Llegando a la mitad del disco te das cuenta de las grandes influencias que tienen HARLOTT. Hasta que llegas a “Legion”;no porqué sea una gran sorpresa ni mucho menos, si no porqué es la canción que más personalidad derrocha dentro de once pistas de refritos del thrash ochentero y clásico. No es que “Civil Unrest”, “Hellbent” o “Bloodlust”me parezcan malas canciones, pero no son nada nuevo con lo que mover la cabeza. No es que HARLOTT sean malos músicos, al contrario, son muy buenos, pero están dentro de un género en el que es muy difícil innovar porqué rechazamos todo lo nuevo y nos encanta todo lo que “suena a x”. Pues bien, este grupo suena a los grandes del thrash, pero no esos del big four, si no los grandes destroza-cuellos por excelencia.

Emily Gallardo [8]

IN.VERNO (ESP) «The reasonable choice of insanity» CD 2015 - Autoeditado

Hace tiempo que no escuchaba este género musical, melodic/dark/gothic/metal, y sobre todo con voces femeninas, pero la verdad es que me han sorprendido para bien este grupo de Vigo, IN.VERNO. Un grupo ya veterano de la escena, pues llevan en esto desde 2001, prácticamente con la formación original, grabando su primer trabajo en 2005, en los estudios Elite de Vigo, “In darkness again…”, pero su primer larga duración llegará en 2009, “Realscapes”, mejorando su estilo en contundencia y melodías, aunque con este tercer trabajo que nos presentan han mejorado bastante en calidad. “The Reasonable Choice Of Insanity”, es su ultima obra, auto producido y con un trabajo conceptual más profundo, pues el disco consta de 10 cortes, agrupados conceptual y temáticamente en dos bloques, que tratan sobre el ser humano, sus deseos, sus emociones y sentimientos, mostrando


las dualidades del ser humano. La primera escucha la hice sin las letras, pero la segunda con letra en mano se profundiza mucho más en la esencia del álbum, y aunque no inventan nada nuevo dentro de este estilo musical, han producido un gran disco en esta escena española casi olvidada. Su música esta repleta de orquestaciones, mezclando la voz femenina de Laura Comesaña (uno de sus puntos fuertes), con la voz desgarrada de Xan Bellón. Aspecto que se ve desde los primeros temas “We are a Lie (All That is False. Pt.1)” y “Dark Ligh (All That is False. Pt.2)” tratan sobre nuestra personalidad oculta, incluyendo un pasaje en gallego en el primer corte, ambos con melodías muy pegadizas y un buen desarrollo. El siguiente conjunto temático, “Red Disk Over a Fire and Tears Sea (The Rage Breed, pt. 1)” y “Blue Dawn of Overwhelming Helplessness (The Rage Breed, pt.2)”, trata del odio y las decisiones del ser humano, un tema inicial, muy melódico, aunque en mi opinión baja de calidad con el resto, quedándome de este bloque con el segundo corte, tema además elegido para el videoclip promocional. Muy buena dualidad de voces con estrofas y melodías llenas de ritmo, creando una atmósfera clásica, que me llevo a recordar a grupos como EPICA o LACUNA COIL. Los temas “Opportunity (Human’s Inside Pt.4)” y “Threat (Human’s Inside Pt.5)”, continúan la historia lanzada en su anterior trabajo, donde se encuentran sus tres primeras partes sobre las etapas que surgen de las relaciones. Gran trabajo de Enrique a los teclados, que lo apreciaras con cada escucha un poco más, presintiendo cada uno de los arreglos a los que somete los cortes. Estos dos temas tienen un aire más moderno introduciéndoles algunos samples de corte “disco”. El penúltimo bloque temático “Reborn in the Fog (In Grave Alive, Pt. 1)” y “Clarity (In Grave Alive, Pt. 2)”, versa sobre el camino de la vida, nacimiento y muerte, y lo hacen con unos cortes más progresivos, sobretodo el primero de ellos, entremezclando pasajes hablados con buenas melodías. Un toque de distinción con respecto a otros temas. “Last Rites (In Memoriam, Pt. 1)” y “Réquiem (In memoriam, Pt 2)”, cierran el LP, con una temática original, la decepción de una persona, pero tratada antes y después de su muerte. La primera oscura, pero con un toque de luz y pasajes de guitarras duros, que preludian final, (el ultimo tema), donde su música se endurece, y uno de mis temas preferidos, con una melodía de teclados muy bien acompañada por el resto del grupo. Un buen disco de gothic metal español, tocando un estilo que en nuestro país se lleva poco. Mejorando con el paso de los discos y con un gran trabajo de la banda tanto a nivel musical como de letras, no le queda mucho para dar el gran salto, que seguro habrían dado si vinieran de tierras nórdicas. Solo pulir algunos aspectos, en melodías que a veces pueden parecer repetitivas, pero el disco se escucha solo y de una vez, pudiendo apreciar matices con cada escucha”.

Juan Angel Martos [7.5]

IRON MAIDEN (GBR) «The book of souls» CD 2015 - BMG Records

¡La Dama de Hierro ha vuelto! 5 años han pasado ya desde su anterior álbum de estudio, “The Final Frontier”, al que le siguió una mastodóntica gira “Maiden England” repasando sus éxitos de los 80 y un posterior cáncer de garganta de Bruce Dickinson (más concretamente afectando a la lengua por “demasiado sexo oral” según declaró recientemente el vocalista) que a punto estuvo de arrebatárnoslo, musicalmente hablando. Por suerte aquí están de nuevo IRON MAIDEN para presentarnos “The Book of Souls”, probablemente el mejor disco de la doncella desde la vuelta de Bruce y Adrian a la banda, a la par o incluso superando a aquel gran “Brave New World”. Eso sí, digerirlo puede llevar su tiempo, y es que nos encontramos ante el trabajo discográfico más extenso de los in-

gleses, con 92 minutos de Heavy Metal presentados en un formato de doble cd o triple vinilo, y con un artwork excelente. 11 canciones, 3 de las cuales superan los 10 minutos, e incluso una de ellas con una duración de 18 minutos, que hay que saborear (y disfrutar) con total dedicación, para poder adentrarnos en su gratificante océano sonoro sin ningún tipo de prejuicios ni prisas. Algo difícil en una generación que vive de los adelantos, los singles, las radio-fórmulas y el consumo fácil de la música procedente de los auriculares de nuestros ipods, iphones o demás dispositivos móviles. ¿Un consejo? Desempolvad vuestro tocadiscos, subid el volumen y cerrad los ojos. No os arrepentiréis. “If Eternity Should Fail”, el primer tema del álbum, lo escribió Bruce Dickinson para un futuro disco en solitario, pero por suerte para Steve Harris y los suyos forma parte de este nuevo disco. Una intro capaz de ponerle a uno los pelos de punta con esa solitaria voz de Bruce precediendo los galopantes ritmos marca de la casa y todas las señas que han hecho grandes (muy grandes) a la bestia. Una canción que bien podría formar parte de discos de la carrera del cantante como “Accident of Birth” o “The Chemical Wedding”, pero al que la banda imprime su personalidad una vez el trio de guitarras entran en el campo de batalla. “Speed of Light” resulta mucho más accesible y directa, con unos MAIDEN más clásicos, sin tanta floritura, como ya pudimos escuchar poco antes de la llegada del álbum. No en vano es obra de la dupla Adrian Smith/Bruce Dickinson, con un grito de Bruce como los de antaño y un riff guitarrero hard rockero muy juguetón, amen de unas guitarras solistas muy bien dibujadas y un estribillo tan sencillo como efectivo. Atención al videoclip si aún no lo habéis visto, una flecha de nostalgia en forma de arcade disparada directa a nuestros corazones. En “The Great Unknown” encontramos la primera aportación conjunta de Adrian Smith y Steve Harris, en un buen corte que gana con las escuchas gracias a un buen estribillo y unos solos de guitarra que destacan entre los pasajes más pausados y oscuros del tema. Adrian vuelve a demostrar el peso y la calidad de sus composiciones en el sonido del grupo, y reivindica, una vez más, su figura ya no solo dentro del mismo, sino de la historia del Heavy Metal. “The Red and the Black” me enfrenta a sentimientos encontrados, y es que posee todas las cualidades y los excesos de los mejores temas firmados en solitario por Steve Harris. Tras una breve intro de bajo que me recuerda a un gran tema del, para mi, injustamente olvidado “The X Factor” (algún día me encantaría escribir sobre él con la perspectiva que nos otorga el tiempo), “Blood on the World’s Hands”, comienza un brillante viaje musical al que le sobran los innecesarios coros de Bruce, que suelen nacer de la espontaneidad de los fans en la magia que produce el directo y las melodías de las propias guitarras. Una pequeña fisura que se ve sobradamente compensada por los posteriores duelos de guitarra, el trote de las cuatro cuerdas y la brillante batería de Nicko McBrain. Smith y Harris vuelven a unir su talento para “When the River Runs Deep”, un tema corto, siempre bajo los parámetros en los que nos movemos, rápido y bien ejecutado. Quizás de lo menos inspirado del álbum, a pesar de no desentonar en absoluto y suponer un buen paréntesis más accesible entre dos temas tan extensos como en los que se encuentra. Y llega el turno para la canción que da título al álbum y cierra su primera parte, “The Book of Souls”. Épica surgida de las manos y las mentes de Janick Gers y Steve Harris. Un inicio y final muy acertados que respiran la calma que rodea a un trallazo que, seguro, formará parte de sus próximos shows y apostaría a que ganará en vivo con la puesta en escena temática que posee. Un pasaje oscuro, denso, que desemboca en un grandilocuente estribillo, con un Dickinson pletórico y la riqueza musical que le otorgan el protagonismo de las guitarras a tres bandas. Si a esto le añadimos lo que Harris y McBrain aportan a la base rítmica de MAIDEN resulta fácil hacerse una idea de lo que nos podemos encontrar, ¿verdad? Pues sumad unas gotas del sonido de teclado que tanto le gusta al bueno de Steve y ahí tendréis el resultado. Y comenzamos la segunda parte de este “The Book of Souls” con un caballo ganador “Death or Glory”. Justo lo opuesto musicalmente hablando del tema con el que cerramos el anterior compacto. Un tema corto, potente, pegadizo, con un puente y estribillo muy inspirado, firmado por la pareja perfecta, Smith/Dickinson, y que encajaría a la perfección en cualquier disco clásico como podría ser “Powerslave”, por citar solo un ejemplo. Janick Gers y Steve Harris vuelven a colaborar en “Shadows of the Valley”, con un inicio que perfectamente podría haber firmado Adrian y que, de hecho, recuerda mucho al de “Wasted Years”, antes de evolucionar a unos derroteros que poco tienen que ver


con esta, y unos riffs en los que Janick se mueve como pez en el agua. “Tears of a Clown” tiene de nuevo la rúbrica Smith/Harris. Un tema mucho más ligero, en el que todas las piezas instrumentales encajan a la perfección y la banda rinde su particular homenaje a la figura del tristemente fallecido actor Robin Williams. Según palabras del propio Bruce, su favorita del disco. El bueno de Dave Murray aparece aquí en los créditos por primera y última vez, para co-escribir junto a su inseparable Steve un tema de inicio muy suave, pausado y con cierto toque emotivo, “The Man of Sorrows”. Probablemente de lo más flojo de todo el disco, con un Dickinson al que se le ve algo forzado vocalmente, como en algún que otro pasaje del álbum, pero que cuenta con un estribillo bien trabajado y tiene el privilegio de preceder a una auténtica obra maestra que está por llegar. ¿Os acordáis de lo que os he dicho al principio de esta crítica sobre el tiempo, el volumen y cerrar los ojos? Pues este es el momento más adecuado sino lo habéis hecho hasta ahora con “Empire of the Clouds”. Casi 20 minutos surgidos de la imaginación y el indiscutible talento de, hay que decirlo así, Mr. Bruce Dickinson. Un corte cocinado a fuego lento, basado en la gran catástrofe que protagonizó la aeronave R101, el dirigible más grande construido jamás y que sirve de inspiración para que el vocalista se deje llevar por otra de sus grandes pasiones, la aeronáutica. Impagable la elegancia de cada nota del piano del propio Bruce que nos introduce en esta fabulosa historia, y que nos despide de la misma. No esperéis un gran estribillo, pegadizo y repetitivo, porque aquí no lo encontraréis. Aquí “solo” hay sitio para la intensidad del trabajo vocal increscendo de Dickinson, los constantes cambios de ritmo de Brian, el poderoso bajo de Steve y las guitarras que coquetean por momentos con los toques más progresivos de todo el álbum, a cargo de un Dave, un Adrian y un Janick en un envidiable estado de forma. Temas así solo están al alcance de los más grandes, y ellos lo son. Impagable. ¿Qué puedo añadir ya que no haya dicho anteriormente? El simple hecho de poder escribir una reseña de un disco de IRON MAIDEN, una banda que ha escrito y reescribe continuamente su nombre en lo más alto del Heavy Metal casi 40 años después de su nacimiento, es para mi un honor, un orgullo, que me crea el miedo de no estar a la altura o de dejarme llevar en exceso por el amor que siento hacia un grupo que descubrí en mi infancia, que me atormentó con pesadillas “gracias” a la portada del vinilo de “Piece of Mind” que mi hermano mayor guardaba en su estantería, que supuso el primer disco que me compré con “Killers”, además de las decenas de cassettes de conciertos “piratas” que adquiría en el mercadillo de mi pueblo, o las horas que me pasaba con mi diccionario Español-Inglés traduciendo sus letras… quien sabe si hoy amaría la música de la forma que lo hago sino fuera por ellos. Aún así espero haber sido lo más sincero y objetivo posible, y ruego me perdonéis si en algún momento no he sido capaz de controlar mis sentimientos. Me ha costado varios días ponerme a plasmar en palabras mis sensaciones sobre “The Book of Souls”, pero creo que nos encontramos ante un trabajo al que hay que dedicarle varias y dedicadas escuchas antes de poder valorarlo adecuadamente. Quienes sigan esperando un “The Number of the Beast” o un “Seventh Son of a Seventh Son” a estas alturas saldrán seguramente decepcionados, y probablemente lo harán en futuros lanzamientos. El resto disfrutarán de este decimosexto álbum de estudio de los británicos, con un más que notable disco, que quizás con un par de temas menos, un par de hitazos y sin algún que otro exceso, habría resultado sobresaliente. Nos vemos en la gira. Up the Irons!

JOINTSTEREO (RUS) «Circles» DIGITAL EP 2015 - Metal Scrap Records

JOINTSTEREO es un dúo de post-rock/progressive proveniente de Rusia. Formados en el año 2008 como banda han sufrido ciertas dificultades para tener una formación estable pero aun asi se las han ingeniado para lanzar un par de singles y un larga duración. Ahora como dúo buscan la anhelada estabilidad con este EP llamado “Circles” editado por nuestros amigos de Europa del Este Metal Scrap Records. Los de Krassnodar nos ofrecen en esta pasada 4 tracks de no mas de 17 minutos en total. El primer tema se titula “Circles Pt. 1” que es una pieza relajada que me recordó a los temas lentos y acústicos de OPETH. “Ouroboros” el track 2 es el mas interesante del EP con un inicio muy similar a la canción anterior, pero la composición saca personalidad al momento de aparecer las voces agresivas y los leads de guitarra logrando un tema con una densidad bien lograda y un continuo sentimiento de angustia que se acerca al sonido de agrupaciones de doom metal como CANDLEMASS o PARADISE LOST. “Fractal Universe” mantiene la línea depresiva del EP con unas hermosas guitarras que son el centro de la atención durante todo este trabajo. Finalmente cerramos con “Circles Pt.2” es el tema por lejos más rockero del trabajo pero que mantiene las pautas ya establecidas: la mencionada sensación depresiva y los tiempos lentos y densos, además de contar con una dualidad vocal mas inmediata que va alternando el registro entre voces limpias y graves durante toda la canción. Un trabajo que no creo que disguste a nadie pero que le falta esa chispa para colocar a JOINTSTEREO entre las bandas que pueden estar dentro de la primera división de este género. Esperemos que la banda por fin pueda estabilizarse ya sea como dúo o con la inclusión de nuevos integrantes y puedan por fin mostrarnos su potencial en un trabajo de larga duración.

Javier Alday Palacios [7]

Lluís «DiMu» García [8]

KARMAK (ESP) «Secuestro» DIGIPACK 2015 - Autoeditado

Rápido y duro. Así es como calificaría el sonido de la formación de grind KARMAK. Desde Venta de Baños nos traen ‘Secuestro‘, un trabajo breve que se deja disfrutar sin hacerse excesivamente repetitivo ni pesado. En opinión de un servidor los grupos de grind más clásicos terminan haciéndose bastante aburridos de escuchar abusando de repeticiones o temas demasiado largos. KARMAK han acertado de lleno al hacer de ‘Secuestro‘ algo rápido y de lo que agradecerás una segunda y tercera escucha para empaparte del sonido por completo, recordando a grupos como WORMROT. Se intercalan temas más largos que rondan los 2 minutos con otros breves de 40 segundos y que aportan dinamismo. El idioma de preferencia en este caso ha sido el castellano, con vocales muy inteligibles por lo general (aunque cerrando con malgastando otra vez, tema en el cual han optado por unos vocales mucho más rápidos que casi camuflan su mensaje). En temas como Satanás mola más, por ejemplo, se utilizan riffs muy pegadizos sin abusar excesivamente de ello, dejando así un buen sabor de boca. Por lo general la instrumental viene como anillo al dedo para este sonido de grind (¡puntos extra por la línea de bajo tan potente!). En cuanto a las voces diría que para mi gusto en estos géneros echo de menos algo más extremo, voces más rasgadas y grunts/growls más profundos. Sin embargo no es un punto que tome demasiada importancia, ya que KARMAK han sabido aprovecharse muy bien y me han sorprendido con algunas partes que se me han quedado grabadas (¡por mucho que creas que tú siempre mandas, con anestesia no eres nada!). ‘Secuestro‘ definitivamente merece un mínimo de una escucha, aunque creo que cualquiera que disfrute del grind acabará repasándolo varias veces, y aunque no trae ninguna gran sorpresa, los chicos de KARMAK han hecho un trabajo genial.

Gabriel Pastor Sánchez [7.5]

grabación. En “The Johnny Winter tribute” los sevillanos se atreven a meter un poco de armónica. Un tema muy ruidoso y con nada menos que cuatro minutos de duración, todo un récord para una grabación de once temas y apenas veinte minutos de duración. Y ya que incluyen algo de armónica, pues metemos un poco de sintetizadores en “Asalto a la reja” y la propia “Aquí mueren los chivatos”, cosillas que dan algo de variedad a un sonido muy salvaje. La grabación, a parte de tener una pequeña tirada física, también se puede escuchar directamente en el Bandcamp oficial de LEAD COFFIN, así que los seguidores de sonido similares a EXTREME NOISE TERROR, primerísimos NAPALM DEATH o TERRORIZER, vayan encontrando un hueco para conocer a este grupo de veteranos que ya tenían experiencia en bandas previas.

Arcadio Rodríguez [6.5]

LYCHGATE (GBR) «An antidote for the glass pill» CD 2015 - Blood Music

LEAD COFFIN (ESP) «Aquí mueren los chivatos» DEMO CD 2015 - Autoeditado

No solo por la mascota elegida para la ilustración de este trabajo [un Curro imagen de la Exposición Universal de Sevilla 1992], sino por el collage de fotos interiores que viene en el libreto [que incluye las letras y viene en riguroso blanco y negro], todo este “Aquí mueren los chivatos” te recordará a finales de los ochenta y principios de los noventa… todo ese saco de bandas Do it yourself dentro del Grind más básico que desprecia cualquier tipo de técnica, virtuosismo, solos de guitarra y cuyo resultado sonoro es una buena pelota de ruido tocada a mala hostia. Eso es el estilo que LEAD COFFIN (Sevilla) nos dejan en una primera grabación que cuenta con dos voces (chillona / grave) y que rescata varias intros de películas del Cine Quinqui de los ochenta. Así una intro de la película “El pico” sirve de entrada en “Enemigos de Dios y de España”, que tiene un sonido en la caja de la batería muy metálico, casi como golpear con un palo un cazo. En general el sonido de estos temas está muy saturado, los graves ocupan casi todo el espacio en pistas como “Jesús del Grind Poder”, notándose lo casero de la

“An Antidore ForThe Glass Pill” es el segundo lanzamiento de los ingleses LYCHGATE. Un trabajo que contiene diez cortes de pura oscuridad y terror. Un disco donde la atmósfera más oscura invade cada uno de los acordes que lo componen. Cuarenta y nueve minutos de un Black Metal muy ambiental, profundo y siniestro. Entremos sin más en el lúgubre sonido de este disco. Abrimos el camino del miedo con “Unto My Tempest” la cual comienza con sonidos de terror y campanas de iglesia que auguran la oscuridad que se aproxima. Un alocado y tenebroso órgano, a cargo de K.J. Bowyer, le da ese toque terrorífico a esta magnífica entrada. A las sepulcrales teclas se le une Vallely, quien desde los bombos y platillos estalla en un fría y melancólica melodía propia del Doom. Una pieza instrumental salida de la cripta nos da esta bienvenida tan oscura. “Davemesque B2” es la pieza más larga de todo el disco. Este segundo corte de algo más de siete minutos nos mantiene en vilo en ese mundo de terror clásico que esta banda nos ofrece. La voz de Chandler es ese gutural que juega con un desesperante alarido de sufrimiento. Si a este tono vocal le sumamos el profundo y siniestro coro de Vortigern (guitarra y piano a la vez), nos encontramos con una composición a medio camino entre el Doom y el Avantgarde más oscuro. En su parte final todo se transforma a una velocidad mayor y llegamos a tener ciertas partes que rozan el Black Metal, pero obviamente al tratarse de una formación que usa dos pianos y un magnífico órgano, todas sus composiciones suenan muy cercanas al Dark Ambient. Excelente final con una reconocida melodía propia de las bandas sonoras de las películas de terror clásicas. Seguimos con “I Am Contempt”. De nuevo el órgano nos da ese toque de frialdad a la vez que las guitarras de Lindsley y Vortigern se unen a un ritmo acelerado de la batería, en otra gran parte cercana al Black. En esta composición todo suena desordenado y los sonidos chocan unos contra otros hasta, excepto en breves pasajes donde todo vuelve a la normalidad. Un tema muy estridente


en sus líneas generales. Impresionante bajo a cargo del señor A.K. Webb en la parte central del tema. El cuarto corte del disco lleva como nombre “A Principle on Seclusion”. El órgano suena ahora algo más limpio para darnos otro inicio que nos traslada al más sucio de los cementerios. La garganta de Chandler vuelve a darnos esos guturales casi imposibles en uno de los temas más lentos del álbum en ciertas partes, para volver a mezclarse con el alocado Avantgarde Black que LYCHGATE tan bien sabe hacer. Gran parte ambiental en su centro que a cierta medida, salvando y mucho las distancias, me recuerda a los grandísimos en dicho género NOX ARCANA. Le continua “Letter XIX” tema que comienza con otras campanas de iglesias y unos sonidos chirriantes y extraños. Composición que vuelve a meternos en lo más profundo de una mente perversa y enferma. Sonidos pesados pero sin orden alguno. Todo muy descolocado e inquietante. Pero siempre con esa esencia de oscuridad que estos músicos sacan de sus instrumentos. La sexta entrada es “Deus te Videt”. Un reloj y sus golpes de gong nos da la entrada a un gran tema. Composición donde volvemos a ver ciertas raíces de Doom y una gran influencia de Dark Ambient. Aquí podemos disfrutar de un coro a varias voces “limpias” que nos da otro toque de siniestralidad al conjunto. Tema que va in crescendo hasta dejarnos en los brazos del Black Metal más alocado. “The Illness Named Imagination” nos ofrece un inicio diferente al resto ya que desde su principio son varios los instrumentos los que suenan a la vez y no uno solo el que se encarga de abrirlo. Pero da la sensación de no ir por el mismo sendero. Mientras la batería va a su velocidad de Black Metal, los demás instrumentos juegan con un ritmo más pausado y tranquilo. Una vez más LYCHGATE nos da una composición que nos trasporta a la más desesperante de las locuras. Entramos en la parte final del disco con “An Acousmatic Guardian” . De nuevo el órgano abre el telón y la batería rompe con todo a su aire. Esta vez es la voz profunda y cercana al Doom de Vortigern la primera en sonar. Cierran el tracklist “My Fate to Burn Forever” y “The Pinnacle Known to Sisyphus” dos temas que continúan con toda la esencia del disco y que cierran de forma impresionante un trabajo que de principio a fin suena compacto y uniforme. Lo peor del disco a destacar es su mal sonido. Puede que para el estilo de ultratumba que tiene esta banda, ese sonido sea el adecuado, pero estoy convencido de que con una producción mejor, el disco hubiera llegado más lejos.

Santi Machín [6.5]

MEADOWS END (SWE) «The farewell» CD 2014 - Autoeditado

Maravilloso. Sin duda alguna este es el adjetivo que me veo obligado a utilizar para referirme a ‘The Sufferwell‘ de los suecos MEADOWS END. Con un primer vistazo ya se aprecia la enorme calidad de este trabajo que no dejará indiferente a nadie. ‘The Sufferwell‘ se compone de 11 temas muy intensos y trabajados, con una ambientación épica del primero al último. Algo muy positivo de MEADOWS END es que sus canciones no son nada repetitivas y a menudo te toparás con algunas partes que no esperabas en absoluto y, si eres de esas personas que no disfrutan de temas predecibles, harán que te enamores de esta banda. Sin duda uno de los puntos fuertes de ‘The Sufferwell‘ es la ausencia de monotonía en vocales; las voces van desde guturales a vocales limpios en Insurrection, hasta incluso voz femenina en Under a Canopy of Stars. Me veo obligado a hablar de sus letras por su genialidad, ya que están hechas a medida de su música, encajan genial con su atmósfera épica y con las voces que se han escogido en cada caso. Los teclados son también otra de las partes fuertes; tras haber escuchado este trabajo no me consigo imaginar MEADOWS END sin esas pistas de teclado tan geniales y con

tanto protagonismo que en muchas ocasiones nos introducen las canciones y dan esa atmósfera épica tan propia. Con guitarras cuyos solos te darán escalofríos y melodías pegadizas (¡no puedo sacarme la melodía de Masses Flee de la cabeza!) y una batería brutal, muy elaborada, te verás obligado a moverte estés donde estés. El bajo, aunque aparentemente no goce de demasiado protagonismo a lo largo de ‘The Sufferwell‘ acabará golpeándote el pecho en temas como Funeral of a Porcelain Doll añadiendo una potencia increíble. En conjunto ‘The Sufferwell‘ se siente como un soplo de aire fresco y creo sinceramente que MEADOWS END han conseguido crear un sonido que, a la vez que muy propio, acabará siendo un referente para el death metal melódico. Con un poco más de tiempo estoy seguro de que podrán llegar a ser una de las grandes bandas europeas sólo viendo el trabajo, dedicación y empeño que ponen en su música y el trato tan cercano y amistoso que dan a sus fans. No dejéis de escuchar a estos chicos; no os decepcionarán en absoluto.

Gabriel Pastor Sánchez [10]

METAL ALLEGIANCE (USA) «Metal Allegiance» CD 2015 - Nuclear Blast Records

Son las 7.00 AM. Los destellos de colores y el zumbido incontrolable de mi despertador me devuelven a la realidad. Me incorporo en la cama, guardando todavía esa sonrisa en mi cara, aferrándome a los últimos segundos de un sueño maravilloso. Por momentos imaginé a una selección de allstars del metal, con el Portnoy bajo palos, con Dave Ellefson corriendo por la banda y con el mítico Skolnic cabeceando bajo palos. Vaya locura de sueño, como molaba. ¡¡Pues este sueño se ha convertido en realidad y lo tengo en mis manos!! Esta increíble locura denominada METAL ALLEGIANCE surge de la amistad de 3 de los más respetados músicos de escena metalera norteamericana: el bajista de MEGADETH (Dave Ellefson) junto al guitarra de TESTAMENT (Alex Skolnic) y a la batería el archiconocido Mike Portnoy (ex DREAM THEATER, TWISTED SISTER actualmente). ¡¡Y no sólo esto!!! únele mas de una veintena de colaboraciones de sus amigos más directos, todos músicos de prima fila!! Una auténtica locura, el Avantasia del Thrash Metal!!! Este disco homónimo de METAL ALLEGIANCE , presenta su columna vertebral, en la mayoría de composiciones del álbum, formada por el trio comentado, pero van pasando decenas de colaboraciones increíbles, que iremos desgranando tema por tema, como se merece este pedazo de disco. Si la puntuación final no ha sido de 10 es por la portada, la cual si bien cumple su función, no es ninguna maravilla y podía ser mucho mejor. Comienza con “Gift of Pain“, un auténtico trallazo directo a la cara. Las voces en este tema vienen representadas por Randall Blythe (LAMB OF GOD), con toda la brutalidad y gordura que ello conlleva. 5.50 minutos de puro thrash metal!! Increíble ese sonido en las guitarras propio de la Bay Area mas thrasher. No vamos a descubrir a estas alturas a Alex Skolnic, todo un músicazo que para mi gusto no se le da el mérito y reconocimiento que debiera. Para todos los seguidores de Portnoy decir que encontramos una versión mas bruta de este increíble batería, soltando algún que otro blastbeat y con un groove mas sucio y rabioso, y me encanta!! menos filigranas y más mala leche. A mitad de tema el bajo de Dave Ellefson nos recuerda de quién estamos hablando, uno de los pilares del thrash metal, miembro fundador de MEGADETH, quien aporta una bases increíbles para que el resto de la banda pueda desarrollar sus locuras mas extremas. La primera sensación que me da es que no son temas facilones, grabados de manera rápida para hacer dinero, y ésta era una de mis principales preocupaciones, tanta cara bonita huele a pasta fácil…. pues no! temas currados, composiciones trabajadas, mucho curro detrás, chapeu!! Para terminar un pedazo de solo de Gary Holt (SLAYER) con la velocidad endiablada que lo ca-


racteriza. Uff, inmejorable. “Let Darkness Fall” tiene en las voces a Troy Sanders (MASTODON) y en las líneas de bajo también aportan su gota de sangre los increíbles Mark Menghi (que también ha participado en la composición de varios de los temas de este disco) y Rex Brown (PANTERA). El tema se inicia con un fill increíble de Portnoy, muy a su rollo, que queda de escándalo para continuar con una parte mas pesada y machacona. Increíble como suena este METAL ALLEGIANCE. La voz de Troy te lleva a un estado de trance y meditación interna, asimilando las notas que escupen esos riffs demoniacos y que vas grabando a fuego en tu interior. Me encanta el uso del doble bombo en este corte, intenso y rápido pero en su justa medida, sin abusar del recurso y sirviendo para potenciar aquellas partes del tema que más lo necesitan. En el estribillo vuelve a aparece Randall Blythe, dando fuerza a los coros. A mitad del tema entra un feeling mas psicodélico, en la onda de BLACK SABBATH, mas lento a mitad de tema, con pausa y mucho sentimiento, con unas guitarras españolas que desentonan un poco si pensamos que estamos escuchando thrash metal, pero que realmente están bien encajadas, en su momento adecuado. Turno para uno de los temas que seguro darán mas que hablar, y es que ahora quien se pone delante del micro es PHIL ANSELMO (PANTERA y DOWN entre otros). En “Dying song” el bajo ha sido grabado por Mark Menghi. Se inicia con unos acordes limpios que por segundo me han devuelto al gran Cowboys from Hell, con un bajo distorsionado de fondo y las guitarras de Skolnic siendo pura melodía. ANSELMO es el mismo de siempre, aunque reconozco que nunca me ha llenado demasiado, es un tío que llena todo, su presencia es indiscutible, se “come” al resto de músicos, siendo su voz la protagonista absoluta del corte. Es un tema lento, elaborado como un buen bourbon, afilado y poderoso. El estribillo repetitivo es toda una señal de rebeldía, un tema que funcionará perfectamente en directo. A partir del minuto 4 corroboran mi teoría, han creado un tema de PANTERA para que lo cante el bueno de PHIL, y es que tiene todos los ingredientes para estar en cualquier disco de PANTERA, riffs afilados, un groove especial y unas bases machaconas. “Cant kill the Devill” viene de la mano de Chuck Billy (TESTAMENT), uno de los cortes mas intensos y poderosos del disco, flipante. Con intervención en los solos de Andreas Kisser (SEPULTURA) y Phil Demmel (MACHINE HEAD), pura dinamita!. Volvemos a los pogos imparables, es hora de thrash!!! Joder que bien casa la voz de Chuck en estos temas tan agresivos. Uno de los temas que más me ha gustado del disco. “You cant kill the devil” cantarás una y otra vez hasta caer desfallecido. Blastbeats frenéticos que vuelven a dejar ver la cara mas extrema de Portnoy. Increíbles los solos de Andreas y Phil, fórmula 1 en los trastes, guitarras alimentadas con gasolina. La mayoría de las letras son obra de Dave Ellefson (lo que me ha producido una increíble sorpresa, desperdiciado su talento en este faceta en MEGADETH) y de Mark Menghi. “Scars” es cantada por Cristina Scabia (LACUNA COIL) y Mark Osegueda (DEATH ANGEL).Otro temazo, y cual no??!!! Un tema rápido pero melódico (no podía ser de otra forma con Cristina por medio), guapísimas las guitarras de fondo del estribillo, una melodía que engancha a la primera. El estribillo es la parte mas melódica aprovechando la voz de Cristina y con unos versos mas duros y agresivos, con un Mark desatado que se nota que disfruta cada nota. El estribillo es increíble, ya estas tardando en ponerlo de melodía de tu móvil. “Destination:Nowhere” da el turno a Mathew Heafy (TRIVIUM) en las voces. Un tema un poco

más extraño, el más alejado al concepto global del disco. Un ritmo frenético de bajo y batería explota en un riff muy directo. No me mola la voz de Mathew, gustos personales aparte, es un gran tema, pero no me ha llenado tanto como los demás. Sin embargo he de reconocer que el estribillo queda realmente bien. “Wait until Tomorrow” nos presenta a Dug Pinnick (KINGS X) y Jamie Jasta (HATEBREED) en las voces. De nuevo acordes sueltos y lamentos de guitarra inician este tema lento y pausado. Bajamos revoluciones para acercarnos más a los patrones que estos cantantes suelen cubrir. Esta claro que METAL ALLEGIANCE han elegido bien a los cantantes según la necesidad de cada corte. La rabia de Jamie en el estribillo es brutal, muy core para mi gusto, pero queda muy bien. No es un mal tema, pero no es de los mejores del disco. “Triangulum” viene dividido en tres partes: Creation, Evolution y Destruction. Un tema extenso e instrumental por el cual pasan músicos como Misha Mansoor (PERIPHERY), Ben Weinman (THE DILLINGER ESCAPE PLAN), Charlie Benante (ANTHRAX) o Ron “Bumblefoot” Thal (GUNS N ROSES). Increíble el bajo de Dave Ellefson, vaya riffs mas guapos. Sin duda el tema más progresivo del corte, experimental 100%, una locura que será muy apreciado por los guitarras mas freakys que demanden composiciones rebuscadas y usos de escalas extrañas. “Pledge of Allegiance” es como dice el título todo un manifiesto de alianza metalera. Mark Osegueda se pone de nuevo a las voces para partirnos la cara a base de buen metal. Con solos de Andreas Kisser, Charlie Benante y Gari Holt (casi nada!!!). Flipante las guitarras inicialeeeees!!! wooooooooouuuuu!! Que manera de arrancar a toda velocidad, tengo que soltar el teclado del ordenador y pegarme un par de vueltas a la habitación en un pogo individual que quedará en mi memoria para la posterioridad. Yeeeah!! Temazo! Y que mejor manera de terminar que con “We rock“, un cover de DIO que reúne una vez más a todas estas grandes figuras que han desfilado por los temas, presentando en las voces a Tim Ripper Owens (ex JUDAS PRIEST, ICED EARTH) y Alissa White-Gluz (ARCH ENEMY), toda una pareja increíble en el estribillo del tema!! Y en los versos aparecen numerosos cantantes: Chris Jericho (Royal Rumble!!!), Steve Zetro Souza (EXODUS, con su increíble tono de voz tan característico),etc…. Todo un regalo para los oidos. Si te has olvidado de escuchar metal en los últimos 20 años METAL ALLEGIANCE es tu oportunidad de ponerte al día!!!!

Héctor Lorenzo [9]

ONE MACHINE (GBR) «The final cull» CD 2015 - Scarlet Records

Recién horneado… incluso humeante, es como nos llega el segundo larga duración de los británicos ONE MACHINE. A principios de año un servidor alucinaba haciendo la reseña de su álbum debut de 2014. Pues apenas 8 o 9 meses después tengo la suerte de poder hablar otra de una banda muy prometedora. De la que opino, y parafraseando mi propia review para este mismo medio sobre su primer álbum, “no me explico cómo no estamos leyendo y viendo más sobre ellos en los medios mainstream y en los mejores festivales”. El alma mater de la banda, Steve Smyth (NEVERMORE, TESTAMENT, FORBIDDEN,…), sigue acompañado de su escudero a la guitarra Jamie Hunt, el cual no tiene nada que envidiar a su “maestro”. Pero para esta ocasión y por distintos motivos, se han renovado base rítmica y el vocalista. Y aquí es en dónde más dudas me surgen antes de escuchar este “The Final Cull”, ya que el ex-MERCENARY Mikkel Sandager estuvo a un nivel estratosférico en el disco debut de ONE MACHINE, es más, creo que es una de las grabaciones vocales más impactantes en mucho tiempo. Así que su sustituto, Chris Hawkins, tiene una difícil tarea. ¿Cuál será el resultado? El cd comienza fuerte con “Forewarning”. Canción de thrash y power metal muy potente, rozando el death en algún riff. Eso sí, la primera impresión ni se acerca a lo que sentí cuando escuché “The Distortion Of Lies & The Overdriven Truth”. Aunque, salvo debacle a lo largo de los casi 45 minutos que quedan de disco, el nuevo vocalista está a la altura y la nueva base rítmica… digamos que no es coja. Una larga intro abre el segundo corte, el cual da nombre a este trabajo. Canción con tiempo más pausado, más melodía y cierta melancolía. Por momentos muy heavy metal y en algunas melodías “demasiado” NEVERMORE… incluyendo alguna harmonía vocal, muy a lo Warrel Dane. Buena canción aunque, quizás, se hace algo excesiva en sus 7 minutos de duración. La tercera pista es “Summoning Of The Soul”, que también empieza calmada y con mucho protagonismo de la voz de Chris Hawkins. La canción tarda en explotar pero lo hace con fuerza. Vuelven las dobles melodías de guitarra que, como dije en su momento, recuerdan a los mejores años de los hermanos Amott. La canción se va desarrollando como una montaña rusa entre partes muy tranquilas y explosiones de metal. De momento, la más floja del cd. “Screaming For Light” sí que empieza duro… muy duro. Los primeros compases podrían ser de una buena banda de death metal de florida. El resto del tema es rápido y violento. Parece que Chris Hawkins intenta imitar a Ripper Owens por momentos. No quiero caer sobre el chaval, que tiene una voz enorme al alcance de muy pocos. Pero tal y como me temía, la sombra de su predecesor es demasiado larga porque el amigo Sandager es un fuera de serie y, lo más importante, tiene más personalidad. Si Mr. Hawkins no sonara a “éste o aquel” según la ocasión, estaríamos hablando de un vocalista de metal titánico, porque materia prima tiene para aburrir. En la mitad del plástico nos encontramos con “The Grand Design”. Otro tema que empieza muy tranquilito y que va creciendo. Algo flojillo, la verdad. La cosa vuelve a animarse con “New Motive Power”. Una buena cabalgada a base de palm mutes y shreddings. No hay tregua en los siguientes 4 minutos. De lo mejorcito del cd. “Ashes In The Sky” se abre con un arpegio y una voz muy melódica, casi susurrada. Hastala mitad del tema tiene aires de balada heavy metal. Incluso en la segunda parte, que es mucho más eléctrica, tenemos ese regusto de solos a lo héroe de la

guitarra y un grand derroche de voz… todo muy ‘80s. Lo mejor, el último riff… guapo, guapo. Entramos directamente en la recta final con “Born From This Hate”. Canción que vuelve a la caña pero sin velocidad. Está claro que no hace falta ir a mil para reventar tímpanos. El cd toca a su fin con “Welcome To The World”, en la onda del anterior corte pero algo aburrido, sin nada que destacar. “The Final Cull” es un disco muy bien producido y con un trabajo de guitarras de lo mejor que se puede escuchar hoy día. Además posee una batería y un bajo sencillamente demoledores. ¿El cantante?, pues de primer nivel. El problema es haber tenido, tan sólo un año antes, un álbum debut espectacular y difícil de superar, al que sólo se le acercan un par de canciones en éste trabajo. Además, quizás hay demasiados temas tranquilos para lo que te esperas después de escuchar como arranca el álbum. En cualquier caso un buen cd de una buena banda a la que le quedan grandes cosas por hacer.

Eduardo Rodríguez [7.5]

PARKWAY DRIVE (AUS) «Ire» CD 2015 - Epitaph Records

Si, han metido coros en la mayoría de sus estribillos. Efectivamente, han cambiado su sonido, ahora ya no se conforman solo de Breakdowns. Dicho esto. Intentaré no tener que volver a este tema más que lo justo y necesario, ya que me parece que se le está dando un peso excesivo para lo que luego realmente recae sobre el disco. PARKWAY DRIVE han sido, y siguen siendo, los reyes del Metalcore. Un género joven, con un espíritu joven. De estructura generalmente sencilla, y por desgracia, posiblemente los días contados si no es por la existencia de discos como este. Porque por mucho que nos guste, todo tiene un límite. Y yo desde una temporada hacia acá le estoy viendo las orejas al lobo. Noto como los grupos dejan de sorprender. Veo emerger nuevos proyectos que antes de haber sonado nunca ya suenan a repetido. Veo un pez que se muerde la cola. Está claro que el Metalcore es el homónimo actual en cuanto a impacto social a lo que fue el Nu metal en su momento. Hay rasgos estilísticos que incluso comparten. Y por tanto es lógico que en un momento como este, ambos se respalden uno con otro. Pero está claro que si tenemos que basarnos ahora mismo en lo que parece pedir el público, deberíamos seguir dándole vueltas a un género que empieza a mostrar síntomas de agotamiento. Y en este caso no estamos hablando de un disco que no contenga ninguno de los elementos que conforman el metalcore que tanto nos gusta. Por qué en “IRE” hay un cambio, sí, pero la esencia está ahí. Está claro que, y ahora ya entro en materia, que


hay una sobresaturación del elemento más distintivo del disco, que es el coro en los estribillos. Estoy con vosotros en ello. Este es también un elemento directamente importado del metalcore que tantísimo hemos disfrutado en mil y un conciertos. Y aquí sí que cierto que en busca de componer un álbum más accesible han abusado de un recurso que siempre les ha funcionado muy bien en directo. Y esto ciertamente camufla los buenos aciertos del disco en una falsa búsqueda de lo facilón. Pero es que el disco va muchísimo más allá de eso, y al fin y al cabo si juntamos todos los coros del disco en una sola pista que no sale? ¿Un minuto? ¿Dos? Decidme: ¿Compensa basar una opinión entera en eso? Porque según yo lo veo, aparte de un apartado vocal en el que a Winston se le nota más pletórico que nunca, el peso del álbum está en las sobrecogedoras melodías y atmosferas creadas por Jeff. Decidme si no si esa guitarra melódica de “Destroyer” no os lleva directamente al “Deep blue”. La diferencia para mi está en que en este caso han permitido recrearse acercándose a estructuras más rockeras que de costumbre. Pero eso no significa que nos hayan dejado. El disco entero suena a PARKWAY DRIVE de principio a fin. Incluso “Writtings on the Wall”, que es el tema que más descolocará a todo el mundo (Muchos parecen ya directamente odiarlo, como si de un tema representativo de la banda se tratase, cuando no es más que una curiosidad que funciona espectacularmente) termina recordando a los momentos más experimentales de “Atlas”, un disco que ya dejaba entrever esa curiosidad que sentían por la experimentación. Para los enamorados del “Killing with a smile”, desde Byron bay nos sigue llegando tralla. Obviamente el estatus actual no permite ya unas grabaciones tan sucias y descarnadas como las de aquel álbum que les abrió las puertas del cielo, pero muestra que no olvidan sus raíces. El disco empieza a todo trapo con la ya mentada “Destroyer”, pero acto seguido ataca con “Dying to belive”, uno de los temas más acelerados del disco. Batería frenética, Guitarras afiladas y un breakdown matador la convierten en una de las mejores del álbum. Para más inri: “Crushed”, que ya la conocemos podría entrar también en la categoría de tralla áspera, junto a “The sound of violence” y “Dedicated”, que enamorará a los fans de Karma, Sleepwalker e incluso para aquellos que gustaban de “Dead man’s chest” o de las partes más machaconas de “Idols and anchors”. Esto no significa que el resto de temas no repartan matraca. Pero si es cierto que están algo más estilizados sin por ello pasar a ser por ello radio hits. Pese a que si de calidad estuviésemos hablando, estarían altos en las listas. PARKWAY DRIVE siempre han contado con un componente muy emocional. Y en este disco lo explotan como ya venían haciendo sobre todo desde “Deep blue” y “Atlas”. Sin haber podido profundizar todavía demasiado en el apartado de las letras, sí que es cierto que lo que he podido entender hace alusión sobre todo al odio que el mundo actual genera en el día a día. A nivel de temática siguen mostrando esa misma clase de desaliento. Y sea enfocado desde un punto de vista positivo o negativo, temas como “Vicious”, que es posiblemente uno de mis favoritos, con un estribillo que le eriza los pelos hasta al más pintado, o “Bottom Feeder”, clásico tema escupe-odio en todo disco de metalcore que se precie, son capaces de envolverle a uno en la potencia que las letras demandan. Mención especial en esta última a la colaboración con el difunto Michael Jackson, a la guitarra con Jeff. Un tema que ha dado que hablar, y que posiblemente sea un guiño autoconsciente. Tal vez una curiosidad inintencionada, pero nada más allá de un detalle simpático. Por último, y como broche final, “Deathless song” es la que vendría a ser “The river” en este “IRE”. Melodía, pasión, y una guitarra absolutamente rockera directa al corazón. Sin ninguna clase de prejuicio PARKWAY DRIVE opta por cerrar el disco con un componente de epicidad que en este caso no viene dado por coros, si no por notas altas, una voz que deja de ser gutural para crear un rasgado desgarrador pero tierno a la vez y, lo repito, muchísima pasión. Al final, y pese a que la balanza se decante más hacia este lado emocional acompañado de la melodía y el coro, el álbum ofrece mucha variedad, que ya de por si es algo difícil de encontrar actualmente en un disco del género. Está clara la intención de crear un álbum más accesible, más abierto a darle forma al dulce momento que la banda está viviendo. Si para ello tienen que escribir temas single como “Vice grip” o la épica “Fractures”, que también dará que hablar, estoy dispuesto a lidiar con ello. Pues en este caso creo que sí que hablamos de evolución, y el crecimiento en cuanto a púbico forma parte de la evolución de una banda. Un crecimiento que obviamente trae consigo me-

morias más afables, que más por lógica que por gusto tienden a verse reflejadas en la música que aquellos que las viven componen. Por mi parte, estoy absolutamente a favor de estos ¿nuevos? PARKWAY DRIVE, y seguiré confiando en su buen hacer para futuras ocasiones. Si de mi opinión se tratase, de ahora en adelante empezaría los conciertos con “Writtings on the Wall” a modo de estandarte representativo de un orgullo totalmente licito hacia este último gran trabajo.

Titus Ferrer Bellés [8.5]

PENTAGRAM (USA) «Curious Volume» CD 2015 - Peaceville Records

Escuche este disco sin haber repasado la discografía de PENTAGRAM o al menos sus trabajos más memorables. Tendría que decir que me gusta el genero stoner y el sludge aunque al doom metal no le haya dado muchas vueltas (solo a bandas como CANDLEMASS). Esto se debe a que no le pillo mucho el hilo a ese genero pero igual me he puesto con ciertos grupos. Con PENTAGRAM, “Curious Volume” es el primer disco que escucho. Lo se, no es comienzo muy óptimo ya que es un disco nuevo (es su noveno trabajo en estudio) y en mi opinión se tendría que estudiar parte de su trabajo para evaluar progresión. Empecé a darle una oída y me encontré con un doom metal algo cañero (no totalmente) pero flojo. Me pareció un trabajo flojo, con tintes mas de hard rock que de doom metal tradicional. Para ser sincero, también me pareció algo aburrido aunque creo que a muchos fanáticos del hard rock y el heavy metal puro les va a gustar, a otros no. Le encontré el punto bueno a este trabajo con el hecho de dejar en claro que tienen a BLACK SABBATH como máxima influencia. La voz de Bobby Liebling me recuerdan algo a Ian Gillan de DEEP PURPLE (por eso es que este trabajo me suena más a lo hard rock). Hay temas muy sosos, con ritmos de batería muy monótonos. En temas como “Walk Alone” cambian de tempo a lo BLACK SABBATH. Fue una de las cosas que me dejo fresco. Un disco muy lento, nada especial. Me parece como esos discos que sacan de “comeback” las bandas legendarias de un género para marcar un revival y tener la banda viva al menos por un poco más de tiempo antes de retirarse (Véase IRON MAIDEN, BLACK SABBATH o incluso JUDAS PRIEST). Siento que este trabajo será más disfrutado por antiguos seguidores de la banda y del género más que por gente que disfruta esta banda pero ha escuchado poco. Comenzar por este disco no es muy recomendable. Lo recomiendo para sentarse con los amigos a beberse un whisky y disfrutar de la música sin pensarlo mucho.

Rafael Eduardo Castro [5]

QUESTION (MEX) «Doomed Passage» CD 2014 - Chaos Records

Estamos a finales de verano ya, pronto empieza la


vida rutinaria de cada uno y soñamos con volver a los festivales en los que hemos estado este año. La buena vida se acaba, pero para hacer de este Setiembre uno más ameno nos valemos de unos cuantos grupos de los que nos saben transportar al césped de un buen recinto y oler ese aroma a cerveza a través de sus notas. Uno de los que os presentamos hoy, son QUESTION. Estos mexicanos no tienen nada que envidiar a los grandes grupos de Death Metal. El joven cuarteto se vale y se sobra para llegar a componer el clásico death con el que hemos crecido todos; con muchas influencias de grupos como ENTOMBED, BENEDICTION e incluso como los legendarios CANNIBAL CORPSE. “Doomed Passages” (2014) es su primer álbum después de cuatro años de formación. En él nos encontramos con temas que no nos sorprenden en absoluto, pero conjuntamente hacen del disco algo especial. Comenzando desde el principio, “Mournful Stench” es una gozada para el oido de cualquier fan del estilo. Así como sus compañeras que le siguen; “Nefarious Conclusion” y “Grey Sorrow”. De composición contundente y desgarradora de entrañas; un gutural que se clava en el cerebro junto con una gran técnica instrumental. De repente nos encontramos con “Through the vacuous river”, un tema más relajado y que no encaja en la idea del disco. Y después del bache tormentoso y cargante seguimos con temas similares a los anteriores; destacando entre ellos “Devoured from within”. Para mí el tema con más energía y rabia, reflejando desde las notas la viva imagen del título, “devorado desde dentro”. Finalmente, “Departure” anuncia la “salida” del túnel mugroso y lleno de monstruos que ha sido el disco, con unas notas en acústico que sorprenden gratamente después de tanto martilleo en los oídos. En general, otro de más discos Death Metal que circulan por el mundo, pero de este podemos decir que está muy bien hecho y que mantiene la personalidad del grupo distribuido en varios toques durante el. Recomendable 100%.

Emily Gallardo [8]

tema van uniéndose instrumentos y acelerando el ritmo para terminar de forma instrumental. Un tema muy bueno, en mi opinión, una forma de ir despertando al oyente sin pausa. Rock progresivo en estado puro. En la misma línea sigue“Under The Pillow”, con un toque más roquero y arropada por orquestaciones, al igual que el teclado nos recuerda en su sonido al clásico de los años 70, merece la pena el solo de Grudzinski. Un tema muy compacto y mejor estructurado que el primero. “#Addicted”, cambia un poco, con una base de bajo y batería se inicia arropando a la voz que toma protagonismo a lo largo del tema, incluyendo algunos falsetes muy bien insertados, un tema más comercial. “Carterpillar and the Barred Wire”, continua en la línea anterior, pero la veo más monótona y no termina de enganchar. “Saturate Me”, cuando la escuche me dije a mi mismo “¿que cambio no?, unas guitarras que suenan diferentes, pero tan pronto como empieza a desarrollarse el tema, ¡que pasón!, un tema progresivo total, atmosférico como ellos saben hacer, un temazo si señor. “Afloat”, recrea otra atmósfera mucho más oscura, siendo una de las canciones más cortas del disco, parece servir de puente hacia el bloque final del disco, otro tema que me gustó mucho, por su melancolía y ambientación. “Discard Your Fear”, otro buen tema, mucho más rítmico y con mayor presencia de la batería, engancha desde el principio, dando paso al tema más largo del disco casi 8 minutos “Towards The Blue Horizon”. Si tuviera que elegir algún tema para definir el sonido de este disco, me quedaría con este, un tema progresivo por excelencia, recordándome a veces a OPETH, con una parte central donde los instrumentos destacan por si solos, cada uno en su faceta y obteniendo su minuto de gloria. El álbum termina con “Time Travellers”, un tema completamente acústico, una faceta distinta en RIVERSIDE, que dejan constancia de su reinvención a cada paso que dan, poniendo el colofón con “Found (The Unexpected Flaw of Serching)”, si comenzábamos con la perdida, terminamos con la esperanza, un medio tiempo agradable, que pone un toque de aire fresco a un largo camino. Otro buen disco de estos polacos progresivos, que siguen amenizando nuestros días con buena música y un quehacer exquisito. El segundo Cd, al igual que en su anterior trabajo “Shrine Of New Generation Slaves”, son temas instrumentales, aptos a modos de chill out o para una reunión de amigos, música ambiental de calidad.

do por Rusty Hessel y que demuestra, una vez más, la eficacia musical del underground europeo. Ya apenas queda espacio en el recuerdo de esa necesidad total de conseguir una banda para poder tocar o visitar un estudio de grabación. Es la línea usual que hemos vivido hasta hace poco en la música popular. Ahora, el músico es un elemento versátil y adaptable, que sabe tanto tocar, componer y programar con un ordenador cualquier tipología de instrumentos, con resultados verdaderamente brillantes y al más alto nivel y rendimiento. En “Ruins” cada tema es una historia perfectamente ejecutada, partícipe de una gran variedad de sonidos donde subyace en todo momento una inquietante atmósfera, protagonizada en gran parte por la alarmante voz de Rusty. El resultado es un álbum aparentemente vacío y simple pero donde todo está donde tiene que estar. No hay artificios complejos, ni aquí son necesarios, porque lo que en otras muchas bandas puede comprometer la calidad de la canción, aquí hay un uso simple de líneas inteligentes, donde guitarras aparecen y desaparecen, la voz incluso actúa de instrumento (silbidos), secciones de piano bajan ligeramente el tempo y el sintetizador adquiere importancia en determinados puntos. No obstante, lo que puede parecer una mezcolanza tediosa para el oído, pronto nos convencemos de que, jugados los instrumentos desde otra perspectiva se pueden obtener canciones pegadizas a veces rozando lo comercial. En resumen, un álbum muy recomendable para aquellas personas interesadas en acercarse a algo musicalmente bien ejecutado, fresco, y sea adicta a los tempos lentos y melódicos propios del doom más contemporáneo. Como apunte final recomiendo encarecidamente visitar su web porque puede encontrarse material interesante.

Daniel Ureña Cruz [7]

Juan Angel Martos [8]

The Foundation” y “The Hearts Of Our Broken” (una de las baladas del disco), así como “Share The Sunshine Young Blood pt. 2” en la que cuentan con la colaboración de Kyle Lucas. “Shoutout To All My Toasters” también es un tema realmente cómodo de escuchar y en el que intentan llevarte al mismo lugar que con el resto de canciones pero mediante un camino diferente. “We Are So Michelle Brunch” es para mí el último de los grandes temas de este disco, el penúltimo además, y también podríamos encajarlo en este grupo. Por otra parte, en lo que concierne al segundo bloque debemos incluir “Winter Everywhere ” (en colaboración con Tilian Pearson, de DANCE GAVIN DANCE) que se presenta como un tema acústico que cala hondo y aporta algo diferente al disco, haciéndolo crecer en una dirección diferente y caracterizado por unos coros y un estribillo final realmente épico. “One God” es otro de los temas acústicos que forman parte de este bloque y que, como hemos dicho, dota de algo diferente al concepto que pretende darnos el álbum. Lo enriquece con diferentes texturas y un registro que viene muchísimo más cómodo al vocal, demostrando que no necesita de una tira de samples y guitarras punzantes para sacar el chorro de voz que tiene. Además, deberíamos añadir algunos temas eléctricos que no acaban de desbordar o asentarse en la primera parte que hemos mencionado y que más bien por su naturaleza calmada deberían ser incluidos aquí, es el caso de “If Only We Could Change”, tema que cierra el disco de una forma impecable, pero que tira más bien hacia ritmos pausados y tranquilos, algo que, la verdad, se agradece. Pienso que el primer bloque peca de monótono y rutinario, cayendo en los tópicos del género (efectivos, sí, pero ya muy vistos) y en una producción exhaustiva a mi parecer. El segundo, al tener un sonido menos saturado y natural, posibilita el hecho de que se complementen y uno no acabe saturado de esas baterías cien por cien definidas y poco reales. Es cierto que se llevan algunas canciones a su terreno para darles un toque diferente pero pese a ser un disco redondo y de fácil escucha no aporta nada nuevo al género. Es un paso más de esta banda de Sacramento y tendremos que seguir pendientes de lo que vayan publicando, pero también habrá que estar al tanto de cómo siguen forjando su sonido, a ver si con suerte consiguen desmarcarse de los tópicos de producción tan característicos del género y nos sorprenden de forma definitiva con algo más original y atrevido.

Sergio Hernández [7]

SLAVES (USA) «Routine breathing» CD 2015 - Artery Recordings

RIVERSIDE (POL) «Love, Fear and the time machine» CD 2015 - Insideout Music

Otro de los reyes del rock progresivo han vuelto, se trata de RIVERSIDE y su nuevo album “Love, Fear And The Time Machina”. Cuenta con una edición Standard y con otra edición de 2CD, lanzados a través de Mystic Production, Century Media e Inside Out. Grabado en Polonia, su ciudad natal en los estudios Serakos. Su música es agradable, relajante, compleja y muy bien estructurada, intentando expresar sueños y fantasías a través de una música llena de emociones. Como ellos dicen, inspirados en el tiempo, lugares y pensamientos del ser humano. Un grupo que ha evolucionado al igual que ANATHEMA, hacia caminos más experimentales y modernos, acordes con nuestro tiempo. Este es su sexto trabajo desde el 2004, donde comencé a seguirlos al escuchar sus dos primeros LP “Out Of Myself” y “Second Life Síndrome”, algo más duros y rápidos, a la vez que oscuros, pero siempre saben golpearnos con una pizca de luz que abre nuestras mentes en una odisea idílica. Una cosa que resalta es el menor uso de teclados, resaltando el trabajo de las guitarras, tanto las eléctricas como las acústicas. Las voces de Mariusz, siguen engalanando nuestros oídos y creando atmósferas que te dejaran llevarte hacia tu subconsciente. Aunque hay que decir que a veces el disco se hace monótono, creo que esto es por la visión de un todo y no de canciones, es decir, esta concebido de forma conceptual, con un bloque temático, las decisiones del ser humano y sus consecuencias. “Lost (Why Should I Be Frightened By a Hat?”), inicia el disco con un comienzo lento, una melodía muy pegadiza, mientras se va desarrollando el 54| NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE

RUSTY PACEMAKER (DEU) «Ruins» DIGIPACK 2015 - Solanum Records

Confieso que siempre he sentido debilidad por los proyectos musicales individuales o en solitario. En ellos, las posibilidades que existen de medir la capacidad creativa de un músico, saber hasta dónde se puede llegar y, sobre todo, conocer a la persona y sus más personales inquietudes sonoras son muy superiores a las de una formación sólida. Cuando entramos a analizar una banda con un número de miembros estándar, cuatro o cinco normalmente, es difícil llegar a precisar esta cuestión, puesto que se entiende que el proceso creativo es un esfuerzo en común de todos ellos. A veces los libretos no nos aportan mucha información acerca del principal compositor o existe un “líder carismático” que se pronuncia con bandera en mano en favor de dicho puesto. Pero en estos proyectos solitarios, sabemos que todo está compuesto bajo la mente creativa de una sola persona (generalmente), por lo que es más fácil acercarse a ella y someterla a crítica. Es un elemento cerrado en sí mismo, y podemos cogerlo por donde queramos sin necesidad de dejar flecos inalcanzables. “Ruins” está compuesto por diez cortes de extraño y elaborado sonido. El álbum viene avalado por la calidad de RUSTY PACEMAKER, un proyecto individual desde Lanzenkirchen (Austria), organiza-

La banda estadounidense de California, SLAVES, publica su segundo álbum de estudio a una velocidad realmente admirable, y es que hace apenas un año se encontraban presentando su primer trabajo. Por aquel entonces “Through Art We Are All Equals” consiguió captar la atención de los amantes del post hardcore más exigentes con las grandes producciones. Además, las colaboraciones del ya conocido Vic Fuentes o Tyler Carter (ISSUES) hicieron las delicias para muchos. Todo esto les valió el formar parte de una gira por Estados Unidos abriendo para Hands Like Houses. En definitiva, un debut soñado para cualquier banda. Ahora bien, “Routing Breathing” es para mí la consolidación de estos californianos dentro del panorama internacional y de su propio género, ya que han conseguido sacar quince canciones realmente fáciles de escuchar, y más en verano. Un sonido muy producido y bien trabajado que encaja con el arquetipo de las bandas de su estilo, ya sabéis, guitarras megalíticas y afiladas que bailan entre lírica y contundencia, baterías tan perfectas que parecen esculpidas a medida y una voz innegablemente carismática, capaz de manejar diferentes registros y de llevar a diferentes estados de ánimo en cuestión de minutos, no podía ser de otra manera tratándose de Jonny Craig (EMAROSA, DANCE GAVIN DANCE). Ya sabemos cómo se las gasta este tío; a la hora de entrar en el estudio no hay nota que se le resista y es capaz de alcanzar registros realmente agudos. “Routing Breathing” tiene, en mi opinión, dos bloques claramente diferenciados, aunque no están separados de forma automática y definida, sino que se alternan constantemente desde el comienzo del álbum. El primero de ellos se caracteriza por ser el poseedor de las canciones eléctricas y superproducidas que se nos quedarán en la cabeza sin mucha dificultad, como las tres primeras: “Downing In My Addiction”, “As The Light Cracks

SLAYER (USA) «Repentless» CD 2015 - Nuclear Blast Records

Seis años hemos tenido que esperar para poder degustar el undécimo trabajo de estudio de los californianos SLAYER, algo normal dado la cantidad de vicisitudes sufridas por la banda por todos conocidas, incluyendo la ruptura con su anterior sello discográfico y su posterior fichaje por el sello Nuclear Blast Records, con el que editan el 11 de septiembre este “Repentless” que nos ocupa. Este trabajo consta de doce cortes incluida la intro inicial para un total de casi cuarenta y dos minutos de Thrash Metal del de verdad, del que los seguidores de este género una vez lo oigan pasearán por la calle con el pecho henchido cual palomos, y yo el primero. La banda ha sabido reponerse a tantos obstáculos y nos ofrecen un gran disco para nuestro deleite, no solo por las composiciones en sí, sino por el inmenso trabajo en la producción realizado principalmente por Terry Date pero sin olvidarnos de Greg Fidelman, que han logrado el que para mí es el mejor sonido que se ha conseguido para un disco de SLAYER. Personalmente recomendaría aparcar por un momento los prejuicios por la falta del malogrado Hanneman y el despido de Lombardo y se dejaran llevar por lo que nos ofrece este disco, por ejemplo, las pistas de voz grabadas por


Araya son simplemente para quitarse el sombrero ante él, aquí no hace falta saber distinguir los significados de las palabras aptitud y actitud, rebosa de los dos en este trabajo, creo que desde el “Season in the Abyss” no ha grabado nada a este nivel vocal. En cuanto a la portada del disco que ha sido creada por el artista brasileño Marcelo Vasco, desde que la desvelaron la polémica ha estado servida, muchos seguidores opinaban en las redes sociales que no estaba a la altura de la banda y otros la defendían a capa y espada, mi opinión es que sin ser nada extraordinaria, tiene el aura de la banda, y que queréis que os diga la prefiero a las portadas de “Diabolus In Musica” o “God Hates Us All” por poner algunos ejemplos. El disco abre con la intro “Delusions of Saviour” la cual ya la imagino en la apertura sus próximos conciertos e inevitablemente se dibuja en mi cara una sonrisa involuntaria, y mi primer pensamiento es que la larga espera va a merecer la pena. Acto seguido llega el cañonazo “Repentless” corte que refleja al cuarteto en estado puro, Bostaph sentando cátedra y Araya en un tono agudo devastador. La siguiente es “Take Control” que comienza con la misma energía y rabia que la anterior pero en esta lo combinan con ritmos machacones y pesados, una mezcla perfecta sin duda. “Vices” es un corte que baja bastante el listón con respecto a lo que llevamos escuchado, quizás Araya salva los muebles de esta canción con el esfuerzo que realiza a la voz. Turno para “Cast the First Stone”, en este tema no encontramos velocidad de vértigo en el mismo, es más bien un medio tiempo, en el que destaca su inicio oscuro y como no, los típicos cortes de los riffs con los timbales, marca de la casa desde mil novecientos ochenta y uno. La polémica “When the Stillness Comes” es la viene a continuación, un corte que se publicó en el pasado mes de abril como adelanto con motivo del Record Store Day y que tan mal sabor de boca nos dejó a muchos, a mí también, que conste, pero en el contexto del trabajo al completo, esa oscuridad, esos riffs tan densos y el doble bombo al final de la misma, llego a la conclusión de que es un buen tema, no de los mejores del álbum, pero cobra otro cariz escuchando el trabajo integro. Con “Chasing Death” vamos recuperando la potencia en el disco, no es que contengan muchas partes rápidas como las dos primeras canciones, pero después de las tres anteriores a ésta, se agradece este gran corte en el que, de nuevo, el protagonista es el señor Bostaph que le da la profundidad perfecta al corte. “Implode” ya la pudimos escuchar en 2014 y era bastante floja entonces y lo sigue siendo ahora, en este caso ni en la globalidad del disco se salva, y el solo de Kerry King tampoco ayuda mucho, para mí, la canción menos buena del disco. “Piano Ware” es la herencia que nos dejó el gran Jeff, un buen corte, entretenido sin más, puede que sea bastante benévolo con la canción por el hecho de que sea obra de él. El siguiente corte, “Atrocity Vendor” ya fue sacado al mercado en 2010 en un single de edición limitada por su anterior sello, y aquí volvemos a recobrar la fe en el disco, tema vertiginoso, rápido y con la rabia que sólo saben imprimir ellos, y si por todavía te quedaban dudas, la siguiente pista “You Aganist You” te las quita de un manotazo, el corte del disco sin duda alguna, aquí hasta los solos de Kerry King molan, inicio pesado que va desembocando en la más absoluta locura, un tema cien por cien SLAYER, simplemente devastador y que personalmente hubiera elegido para cerrar el disco en lugar del machacón “Pride in Prejudice” que para nada es un mal corte, pero el que le precede lo empequeñece sin duda.

Carlos Bermejo [9]

SOILWORK (SWE) «The ride Majestic» CD 2015 - Nuclear Blast Records

Por fin nos llega el décimo trabajo de estudio de los suecos SOILWORK, un esperado cd que tiene la dura misión de despejar las dudas originadas con sus anteriores discos. A estas alturas nadie va a descubrir el buen hacer de estos chicos, con una trayectoria importante y consolidada en la escena metalera internacional, esperemos que con este nuevo trabajo nos encontremos con su mejor versión. Con una portada en blanco y negro muy resultona nos encontramos con un total de 11 cortes que conforman este “The Ride Majestic”, iniciándose con el mismo track que da nombre al disco, un inicio de guitarras limpias y melódicas que dan paso a un riff marca de la casa, death metal melódico con mayúsculas y en negrita!!! Todo un ejemplo de metal sueco, dejando claro desde el primer riff las intenciones de estos suecos, demostrarnos una vez porque se han colocado en la cima del death metal melódico. Como era de esperar la voz de Bjorn “Speed” Strid continua igual de potente y directa, combinando con un registro mas melódico en los estribillos. Gran tema para iniciar el disco. Da gusto ver como con el paso tiempo, una banda que creció a las sombras de IN FLAMES han superado de largo a sus compatriotas, cogiendo el relevo de la bandera del metal sueco. Uno de los mejores cortes del álbum, sin duda. “Alight in the Aftermath” no da un segundo de respiro, un corte rápido y rabioso, presentando en la batería unos blastbeats muy bien situados, con un groove increíble, que da mucho juego para que el resto de la banda pueda desempolvar todos sus recursos. Me gusta principalmente el gusto y buen hacer que tienen en mezclar la leña mas dura con esas partes melódicas y mas lentas instrumentales, sin perder el ritmo del tema pero dando el respiro justo para encajar a la perfección. Sin embargo, algo que nunca me ha llenado tanto en SOILWORK como en bandas similares, es el cambio de registro vocal tan radical cuando pasan a estos pasajes melódicos, con esas voces limpias y pulcras que, a mi gusto, “rompen” un poco la estética del tema. “Death in General” es una marca de la casa, arpegios al aire con fills de toms a compás, que crean la escena perfecta para acometer un temazo de death metal. Una vez mas, la voz melosa y melódica toma protagonismo (me encantaría escuchar este mismo tema con una voz leña durante todo el tema). Este tema es puro estribillo, muy logrado, lleno pero sin recarga de adornos y complementos, con una melodía de guitarra simple pero efectiva. Un tema que seguro no faltará en sus próximos directos. En el cuarto corte tenemos “Enemies in Fidelity“, con unas guitarras mas maduras que van elevando la presión hasta explotar en un riff de death metal técnico muy interesante, con elementos progresivos muy logrados. Me ha recordado por momentos a THE FACELESS o QUO VADIS. El estribillo es una vuelta a la realidad mas directa de SOILWORK, a destacar el trabajo en las guitarras de David Andersson y Silvain Coudret. “Petrichor by Sulphur” es otro de los mejores cortes del trabajo, un inicio de melodías dobladas rápidas, con unos riffs muy currados y efectivos. Me ha recordado a los primeros discos de la banda, mostrando esa parte mas rebelde y poderosa. Un tema rápido, definido, colorista y leñero sin tino. SOILWORK en estado puro!!! A destacar el estribillo que se graba a fuego en la primera escucha. Se continúa este trabajo con “The Phantom“, un giro radical al death metal más oldschool, con una atmósfera fría y hasta blacker. Una vez más el preestribillo baja revoluciones para presentarnos un estribillo con voces claras y melódicas, mas lento y pausado, totalmente alejado del magnifico caos que dominaba segundos anteriores. Esta claro que esta es la señal de presentación de estos suecos, combinación que no vamos a descubrir a estas alturas. Me quedo con el riff de guitarras de autentico death metal del tema, increíble. “The Ride Majestic (Aspire Angelic)” continua la senda de los temas anteriores. He intentado buscar alguna conexión con el primer tema del corte, ya que comparten nombre en la canción, pero no se lo he encontrado, por lo menos en lo que a la música se refiere, habría que profundizar en la letra, la cual seguramente tendrá nexos de unión con el primer tema y con el concepto general del álbum. En este corte encontramos unas guitarras que se lucen en cada compás, con una batería poderosa y rápida que se encarga de arrastrar al resto de instrumentos en una espiral incontrolada de demolición sonora. Buen tema. Seguidamente viene “Whirl of Pain”, un corte mas lento y pesado, con buenas ideas ejecutadas, si bien está un poco por debajo del nivel del resto de temas del disco. Personalmente me quedo con la parte mas leñera y death metal de SOILWORK, no me agrada tanto su versión mas melosa y melódica, no le encuentro el sentido. “All Along Echoing Paths” es un regreso al death metal primigenio, propio de NILE, SUFFOCATION


o similares, mezclando, como no podía ser de otra manera, con pausas limpias y melódicas en el estribillo. Esta claro que si escuchas SOILWORK sabes que esto va a pasar y que viene de serie. Uno de los temas mas burros del cd. “Shining Lights” es melodía pura, compartiendo raíces suecas como sus compatriotas DARK TRANQUILLITY O IN FLAMES no podía ser de otra manera. Un ejemplo perfecto de como cazar melodía y brutalidad sonora. El disco se cierra con “Father and Son, Watching the world go down“, un doble bombo continuo que sirve de base para ejecutar una melodía perfecta. Esta vez la voz mas tranquila de Bjorn me entra directa, encajando perfectamente con la idea que quiere transmitir este tema. Un gran cierre al disco. En resumen, si alguien tenía dudas vuelven los SOILWORK mas cañeros, con su propio sello como banda con esos estribillos melódicos y mas suaves, pero con una potencia sonora y riffs asesinos que darán que hablar. Gran trabajo!!!

Héctor Lorenzo Socorro [8]

ciones menos inspiradas del disco por su desarrollo facilón aunque ciertamente pegadizo. No podría ser de otra manera, y con “Fire in Your Eyes” llega el turno de la inevitable balada. Es obvio que tienen una facilidad innata para este tipo de cortes, y a pesar de la dulce voz de Kotipelto, el bello piano de Johansson y el clímax al que te va arrastrando la canción, el listón está muy alto y para un servidor está lejos de la brillantez de la reciente “If the Story is Over” o la inmortal “Forever”. “The Lost Saga” cierra el álbum con un tema largo, épico y majestuoso, en el que todos los músicos alcanzan unas cotas de calidad elevadísimas y disfrutan de sus pasajes de lucidez personal. Kotipelto canta mejor que nunca, Johansson asume todo el protagonismo, y las cuerdas de Kupiainen han conseguido la difícil labor de olvidar a un Tolkki al que ya nadie echa de menos. Y así llegamos al final de este brillante “Eternal”. STRATOVARIUS se asientan en una formación estable y repleta de talento, que confirman de forma irrefutable su segunda juventud, y se alzan con el cetro del Power Metal Melódico del que un día fueron uno de los estandartes. No inventan nada nuevo, ni falta que les hace a estas alturas, pero firman su mejor disco desde la marcha de Tolkki. Si te seguían sin gustar lo seguirán haciendo, pero si disfrutaste de su época dorada y su anterior “Nemesis” te hizo recuperar la fe en los fineses, este es tu disco. En breve tendremos ocasión de verles en directo en nuestro país y será una buena oportunidad para ver como funcionan los nuevos temas de este “Eternal” en vivo. ¡Una cita que ningún seguidor del género debería perderse! Larga vida al Rey.

mejores del disco en mi opinión. La siguiente canción “Reality Check” es una instrumental de apenas un minuto y medio la cual da paso a “Protective Wolves”, un corte del estilo a los dos primeros, donde lo más destacable para mí son las líneas de bajo grabadas por Rui Puga. Una excelente cosecha de riffs es lo que encontramos en “Strings of Rebelion” desde los más vertiginosos hasta, como en la parte final, los más densos y pesados del disco, gran corte sin duda alguna. Algo similar ocurre en “Good Friends Make Best Enemies”, destacando el minuto y medio instrumental del inicio y que este corte tiene más influencia de Death que de Thrash. Y para cerrar el disco encontramos el corte “Break the Cycle”, posiblemente la mejor canción de todas, una pista densa, donde la voz desgarradora de Ricardo Martins consigue que te llegue toda la fuerza del mismo a tu cerebro, excelente broche al trabajo discográfico.

ALL I AM (ESP) «Dear Juliet» EP 2015 - Autoeditado

VARAG NORD (LTV) «Fire of the north» CD 2015 - Metal Scrap Records

«Eternal» CD 2015 - Ear Records

A lo largo de la historia de la música, hay bandas que han disfrutado de una segunda juventud, incluso de alguna más, y que han sabido resurgir de las cenizas tras sufrir alguna baja importante en su formación o ser abandonados por las musas compositivas que les hicieron llegar alto. STRATOVARIUS es uno de esos claros ejemplos, y es que tras la marcha de su talentoso guitarrista y líder, Timo Tolkki, que les hizo perder un poco el norte, la banda supo rehacerse gracias a las riendas que tomaron Timo Kotipelto y Jens Johansson en su liderazgo. Así iniciaron una etapa que prometía con “Polaris”, seguida de un notable “Elysium” y rubricada por la confirmación de un “Nemesis” que nos recordó a la mejor época de los fineses. Un hecho que con este “Eternal” podemos asegurar sin miedo a equivocarnos, y que les vuelve a situar en lo más alto de su Power Metal Melódico tan característico y elegante. “My Eternal Dream” es una perfecta carta de presentación. El inicio épico de los teclados de Jens Johansson y los golpes sonoros del resto de instrumentos, sirven de preludio para uno de los temas marca de la casa del grupo. Velocidad, melodía, un estribillo grandilocuente y unos coros majestuosos, y de regalo, esos largos duelos protagonizados por la brillante guitarra de Matias Kupiainen y las teclas inconfundibles de Johansson. “Shine In The Dark” baja un poco las revoluciones, que no la calidad, con un tono mucho más lírico y unos versos más romanticones que tan bien se le dan al quinteto y que recupera la esencia que un día les situó en el olimpo de su estilo. Vuelven a pisar el acelerador en “Rise Above It” con la dupla rítmica del bajo y la batería de Lauri Porra y Rolf Pilve, respectivamente, que aportan la energía necesaria a la canción, hasta el interludio denso y agresivo del riff de Kupiainen y su posterior veloz solo. “Lost Without a Trace” hace florecer las líneas más oscuras de los fineses con una carga emocional que se ve impregnada de la belleza de tintes casi góticos de la voz de Timo Kotipelto, siendo este uno de mis temas favoritos del álbum. En “Feeding the Fire” siguen los patrones clásicos de composiciones como “Playing With Fire” o “Hunting High and Low”, que tan buenos resultados les dan. Como su propio título expresa, en “In My Line of Work” se desenvuelven en su línea de trabajo con un tema pegadizo y directo que encaja a la perfección dentro de un álbum muy compacto. En “Man in the Mirror” se aproximan a su faceta de carácter más sinfónico y progresivo, con una base electrónica muy potente y un estribillo muy pegadizo. Una lástima que por ahora parezca no formar parte de los repertorios de sus últimos conciertos. “Few Are Those” recupera el espíritu más neo-clásico que habíamos abandonado en los últimos temas aunque, probablemente, se trate de una de las can36| NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE

TERROR EMPIRE (PRT) «The empire strikes black» CD 2015 - Nordavind Records

Tras su EP debut de 2012 “Face the Terror”, los portugueses TERROR EMPIRE formados en 2009 en la localidad de Coimbra, sacaron al mercado a principios de 2015 “The Empire Strikes Black” a través del sello Nordavind Records. Este trabajo consta de doce temas en algo más de cuarenta y tres minutos de duración, los cuales podríamos catalogar en líneas generales como Thrash Metal, pero sería demasiado generalizar dado que en este disco puedes encontrar muchas influencias como el Death, Groove, e incluso Crossover, cuentan a su favor con unas composiciones muy buenas que unido el excelente sonido que ha conseguido la banda en la producción, es para que el quinteto esté más que satisfecho del resultado final. El disco abre con la intro “The Empire Strikes…” pieza instrumental lenta y pesada que da paso, haciendo un juego de palabras con el título del disco, al corte “…Black”, un tema de Thrash Metal rabioso, directo a la yugular, queriendo mostrarnos desde el principio que nos vamos a encontrar en este trabajo. “The Servant”, es el siguiente, y continúan en la línea del corte anterior, pero en esta ocasión con fases aún más frenéticas, donde las melodías de guitarra le dan el equilibrio necesario al mismo. Turno para “Skinned Alive”, en esta pista, durante la primera parte, me viene a la cabeza el “Arise” de los brasileños SEPULTURA, después desde el primer estribillo cambia a un thrash más moderno, no está nada mal la combinación. Cuando hacía referencia a la influencia Crossover de la banda era sin duda por la canción “Revolution Now” que, aunque bien es cierto en su parte final vuelve a girar hacia el thrash, es un corte que perfectamente podrían haber firmado D.R.I. En “Route of the Damned” quizás lo más destacados sean los blast beats de João Dourado a la batería, que le dan un aire Death. “Man Made of Sand” es un tema muy elaborado, un corte thrasher pero con mucha influencia Death, además de unos solos e incluso algún riff muy del estilo PANTERA, hacen de esta canción una de las

Javier Alday Palacios [4]

Carlos Bermejo [8]

Lluís García Sola [8.5]

STRATOVARIOUS (FIN)

AMARTH que no puede esperar por un próximo álbum, aquí tiene un sucedáneo relativamente interesante. El resto, mejor que dirijan su oreja y billetera a otro lado.

Con este tipo de trabajos tengo un problema. Entiendo que no es lo mas auspicioso partir de esta forma, pero trabajos como “Fire In The North” me descolocan un poco… Estoy escuchando a VARANG NORD o a una copia totalmente descarada de AMON AMARTH?? Le puse play, comencé a escuchar el EP y la primera canción me pareció sospechosa, pasé al tercer tema y lo mismo, luego cambie a la pista 4 y lo mismo. Acto seguido verifiqué si estaba escuchando realmente a la banda letona o a los vikingos con guitarras suecos, y no, no estaba escuchando algún trabajo inédito de AMON AMARTH sino una banda “nueva” lo que me irritó bastante. Sobre todo en los tiempos que corren es muy complicado y casi imposible crear algo nuevo y a la vez no sonar ridículo con fusiones sin sentido (como por ejemplo IWRESTLEDABEARONCE?? jajaja) por tanto las influencias son necesarias para fijar directrices sobre el sonido que tendrás como banda, pero cosa muy distinta es copiar milimétricamente “casi” todo de una banda en particular, como es el caso de VARANG NORD con AMON AMARTH: sonido, riffs, ritmos, tiempos, voz, etc etc… “Casi” todo suena como los suecos y es aquí donde me pregunto: y la identidad donde queda?? Ahondar en lo que ofrece este “Fire In The North” exhaustivamente no tiene mucho sentido pues solo debes tomar cualquier disco (de preferencia los últimos) de los archimencionados AMON AMARTH y listo ya tienes una referencia mas que directa. Ahora me limitare a explicar en que consiste ese “casi” que destaque en comillas y cursiva en el párrafo anterior. La banda en la mayoría de sus temas utiliza recursos propios del folk como acordeones o elementos de sintetizadores que buscan transportarte a otras épocas, un recurso bastante utilizado por bandas como FINNTROLL. Y en el track 2 es donde estos elementos cobran mayor protagonismo. Lamentablemente en el resto de los temas lo folk queda en un 2do plano para dar paso a un melodeath de mediotiempo muy pero muy sueco que rara vez se sale de su metro cuadrado independiente de si el acordeón esta sonando todo el tiempo. Bueno creo que quedo mas que clara la opinión que tengo de este trabajo. Por lo general no suelo dar malas evaluaciones porque se lo que es tocar música metal en estos tiempos pero estos casos no podemos dejar que pasen desapercibidos. Que sea un llamado de atención para los letones, son una banda joven con mucho kilometraje por delante y seguro podrán revertir este traspié. El 4 que les pongo es solo por el track 2 “As Men Pored Ale” y el outro “Through a White Wasteland” que muestra un par de bonitos detalles porque el resto de verdad no resiste análisis alguno. Este trabajo solo lo recomendaría a ese fanático acérrimo, extremo e incluso medio talibán de AMON

Por si alguien dudaba de la escena nacional, hoy os traemos la critica del EP que recientemente ha presentado ALL I AM, una nueva formación que se ha estrenado con este trabajo al cual han titulado “Dear Juliet”. Un grupo de Barcelona con muchas ganas de darse a conocer y que su esfuerzo de frutos (también podéis encontrar la entrevista que les realizamos desde Necromance). Cabe decir que pese a gustarte el género o el estilo de estos chicos, hay que reconocer que se ve toda la intención de crear un producto llamativo y atrayente, sobretodo para el publico joven. De por si, ya se trata de un trabajo sumamente melódico, con una estética musical llamativa, detalles que le dan cierto encanto a sus canciones y les permite adoptar un ambiente distinto según lo que buscan transmitir, Para empezar tenemos la introducción, una pieza titulada “Romeo at home”, con la que nos podemos hacer una idea de la temática de su EP. Una introducción que me ha gustado mucho y desde el primer momento llamó mi atención para continuar escuchándolos. Continuamos con el segundo tema, “Dear Juliet”, una canción con mucha energía que por momentos denota dulzura aportada por los melódicos de la voz, donde el teclado también es uno de los protagonistas responsables de formar su esencia, cosa que podemos contemplar no solo en este tema sino en más de una ocasión a lo largo del EP. En “Bella Verona”, tercer tema, se empieza a incluir los guturales, en este caso en un momento muy breve de la canción donde su función parece ser la de enfatizar la emotividad del contenido. Es a partir del cuarto tema “The Redlight” donde la introducción de los guturales aumenta. Esta canción en especial tiene detalles que la hacen muy distinta al resto, detalles estéticos como la aportación de una voz enloquecida, una risa demencial y muy maníaca (algo similar a la risa del Jocker en su momento más agudo, para que os hagáis una idea) en un momento concreto de la canción. También otro “adorno”, se podría decir que ambiental, no porque me haya agradado sino porque creo que se podría haber prescindido de ello, son unos gemidos de fondo que también han incluido en cierta parte, es algo corto pero personalmente (pese a que pueda encajar con la temática de la canción o no) a mi me parece que sobran. Quinta canción “The Masquerade”, de la que han hecho su primer videoclip. El teclado vuelve a tomar cierto protagonismo, en la introducción y el interludio o puente para ser más concretos, y también podemos destacar el toque dulce que le dan con el metalófono (que en general toma la función de adorno ambiental). Para acabar… “The Requiem”, sexta y última canción del EP. Un tema muy melódico, pese a que también participan los guturales, y donde podemos notar el sentimiento de melancolía y tristeza. Un tema que me ha transmitido mucho. Desde mi punto de vista personal, me ha gustado mucho el trabajo de este grupo, hasta el punto de tener canciones suyas en la cabeza y no poder evitar tararear alguna. Son canciones pegadizas y con detalles que las hacen especiales, que incluso al oír todo el EP canción tras otra puedes darte cuenta de la manera en la que están enlazadas. Concluyendo, si os gustan grupos como THE CROWN EMPIRE o PIERCE THE VEIL, os puede interesar escuchar a estos chicos.

Yvette Pérez Arce [8.5]


My Autumn + A Blackened Sight + Modern Man Dise Sala Hangar XIX 01.09.2015 Madrid (FACG Productions) Crónica: Rafa Eduardo Castro - Fotografía: Juan Morillas

El primero de septiembre nos dimos cita a un concierto de la tendencia ‘core’ en la sala Hangar 19 de Madrid. Fue un concierto que fue anunciado 10 días o tal vez algunos más, antes del concierto. Esto fue algo negativo, noté que salió este bolo de la noche a la mañana. No vi mucha publicidad pero a pesar de todo estaban presentes unas 40-50 personas esta noche dispuestas a degustar géneros como metalcore, groove metal y claro, el deathcore que practican los cabezas de cartel rusos MY AUTUMN, específicamente oriundos de San Petersburgo. A ellos los acompañaban A BLACKENED SIGHT, MODERN MAN DISEASE y ONE SECOND FAITH. Todo esto de la mano de FACG Productions. Llego a la sala y estan tocando ONE SECOND FAITH de Madrid. Nos encontrábamos con un groove metal con voces limpias que estuvo un poco flojo en el ámbito de la voz. Más que groove metal, me sonaba como una joven de metal alternativo. El vocalista de esta banda usaba voces limpias que dejaban un poco que desear. Me atrevo a decir que musicalmente sonaban un poco clichés. Me parecieron muy típicos. En la relación público-banda también necesita mejorar el performance. Solo veía a los músicos tocando pero no había mucho movimiento en el público. Pienso que el vocalista o alguno de los músicos debería trabajar más en mover al público no solo con la música, pero también con la interacción. Fue un concierto breve, fueron a lo que fueron y nos dejaron en claro adonde quieren llegar con su música. Les falta mejoras y esperamos verles otra vez en el escenario a ver cómo han evolucionado. Llega el turno de MODERN MAN DISEASE. Un grupo de deathcore bastante brutal. Su música la puedo definir como un deathcore lleno de breakdowns y toques algo djent. La primera impresión que da la banda el publico, ademas de los durísimos breakdowns, es el vocalista Luismi. Posee una voz gruesa, propia de un vocal típico del Deathcore, pero claro, que suena y encaja bien con la música. Había visto a Luismi anteriormente cantando con A Blackened Sight en la sala We Rock y sencillamente me gusto muchísimo su trabajo como frontman y vocalista. Es muy capaz de animar al público con cierta carisma y sabiendo moverse en el escenario. En este concierto, fue muy carismático y supo ocasionar los primeros pogos de la noche. Sabía muy bien como mover a la gente. El resto de la banda también supo moverse, con el bajista y los 2 guitarristas en cada breakdown hacían el conocido movimiento arriba y abajo al hacer el desglose. Lo negativo fue que el sonido de la batería se comía el sonido de las guitarras y el bajo. Las guitarras sonaban más en los desgloses. La voz sonaba al pelo, era tan imponente que era lo que más sonaba junto a la batería. En el concierto de estos chicos se presenció un problema con el micrófono (también los tuvieron las otras bandas), cosa que no fue mucho problema pero pudo haber sido peor; menos mal no lo fue. Tenían algo diferente y original en su set; hacían mini jams de batería, bajo y guitarra que sonaban como algún tema de funk o jazz mezclados con djent. Fue algo que me llamó mucho la atención y estoy seguro que a muchos otros asistentes también. MODERN MAN DISEASE tenían un setlist intenso pero que me parecía mas o menos soso en el hecho de que no podía identificar cada canción. Muchas me sonaban similares. Como dije antes, los breakdowns si salvaron la faena y eran memorables.

BLACKENED SIGHT, de Madrid. A esta agrupación la llegué a ver también en la We Rock (Luismi de Modern Man Disease estuvo en el escenario con ellos) y debo decir que esa vez que los vi en esa sala me gusto mas que esta ocasión. Aquí nos encontrábamos con una banda diferente gracias al vocalista Ismael, quien no pudo asistir al concierto anterior y que le da un toque diferente, ya que hace mayormente voces limpias acompañado de guitarra Jesús que hace los guturales en esta banda. La banda para mi estuvo bastante bien a base de sonido. Un sonido sólido con un público movido y un Ismael que supo mover a la gente con su buena forma de moverse en el escenario. El setlist se me hizo un poco largo debido a la duración de los temas. Ismael le agrega un toque más melódico a esta banda con su voz limpia. Es una voz limpia muy lograda pero no es muy de mi estilo, sobretodo en un genero de música como el groove metal o el metalcore. Siento que las voces limpias no pegan mucho con la música pero aun así hay gente que lo hace y logra unirlas bien. Lo que no debo negar es que el vocalista supo mover al público muy bien. Vi muchos pogos en este show. El primero lo armo el mismo vocalista abalanzándose sobre el público y armando un pogo que duró unos cuantos minutos. Los guitarristas hacen un trabajo de lujo. El guitarrista Jesús, que hacia los guturales, ofrecía un trabajo impecable tocando la guitarra y haciendo guturales a la vez. La batería sonaba fuerte y ruda pero gracias a eso pudimos deleitarnos con el buen trabajo del baterista, con unos ritmos impresionantes. Ahora si, nos llegan MY AUTUMN con su deathcore ruso a la Hangar 19. En este punto del concierto, ya veíamos más afluencia de público, contando a unas 40 o 50 personas como mucho. Empezaron los de San Petersburgo con una pequeña muestra de su batería. Luego de esto, empieza a tocar su repertorio de deathcore melodico. Para ser sincero, jamas escuche a estos chicos en estudio. Solo escuche “Black And White” en Youtube. Me ganaron con eso y con el hecho de que tienen colaboración en su nuevo disco de Alex Teribble de SLAUGHTER TO PREVAIL y Matthew Jones de MARTYR DEFILED. Vinieron con un deathcore brutal, a las primeras notas ya veíamos a gente repartiendo bailoteos y manazos al aire en cada breakdown. Fue un show correctísimo. Buena selección de setlist, con temas de tralla pura y otras de un poco de tralla mezclada con ritmos melódicos. Fue muy entretenido ver al batería haciendo cosas increíbles con su set de tambores y ver a los guitarristas haciendo un headbanging extremo. El vocalista Eugene estuvo muy cercano al público, comunicándose con ellos e incitando al mosh. Se ha ganado el público con esa interacción tan estupenda que hizo.

My Autumn

Modern Man Disease

El concierto en si fue bueno, solo que pudo haber más gente si hubiera habido más publicidad y si lo hubiesen anunciado mucho antes. La recepción de la gente en general fue buena aunque no haya habido mucho pit action. Creo que le falta un poco de mejora de sonido a la sala con cooperación del tecnico. El nivel de las bandas es para mejorarse aunque todas estuvieron a un nivel bastante bueno y aceptable. Esperemos que con el tiempo y con mucho esfuerzo mejoren y crezcan mas y mas. También todos esperamos que vengan mas bandas del resto de Europa a visitarnos y deleitarnos con su música, como hicieron los MY AUTUMN.

Acercándose más el tiempo de que los cabezas del cartel MY AUTUMN tocaran, antes venían A 60| NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE

A Blackened Sight


ease + One Second Faith

One Second Faith


LA CHOZA FEST (Greus + Sonnöv + Adrift + Jardín de la

Sala Caracol 05.09.2015 Madrid (La Choza de Doe - Wombat Bookings - Noo Crónica: Rubén Hernández González - Fotografía: Juan Morillas

La choza Fest es un evento que nace de la mano de La choza de Doe Producciones como un festival de música underground alternativa celebrando sus primeras ediciones en Las Palmas de Gran Canaria. Ha tenido varios grupos en sus carteles tales como THE BLACK PANTHYS PARTY, PRIMO CARNERA, TRONO DE SANGRE, AATHMA, ADRIFT o JARDÍN DE LA CROIX; cuyos dos últimos han sido incluidos en la nueva edición del festival a la que tuvimos oportunidad de asistir. Tras el éxito de aquellas ediciones, La Choza de Doe en colaboración con Nooirax y Wombat Booking crean La Choza Fest Madrid Edition con un cartel de gran calibre compuesto por los ya mencionados JARDÍN DE LA CROIX y ADRIFT; junto con GREUS y SONNÖV que también tocaron en otras ediciones del festival. Sábado 5 de Septiembre como fecha para dar comienzo al festival en la clásica sala Caracol, y quizá no sea un buen comienzo pero voy a tocar el que fue el único punto negativo de este evento y que espero que se arregle para una posible próxima edición… El enorme retraso en los horarios, que hizo que este evento de sobresaliente se quedase con un notable, y es que se demoraron tanto que ADRIFT empezó su actuación casi cuando debería haberla terminado; lo que me impidió ver gran parte de la actuación. Dramas a parte, GREUS, de los que encontré muy poco material en la web, me dejaron totalmente atónito porque he visto pocos duos sonar así de

basto, duro, hondo y potente en directo. Eran batería y guitarra, poco más necesitaban; salvo un par de gritos por los que no se salvan de merterlos al saco de grupos instrumentales. Crudo sludge con una mezcla de doom y rock muy apoteósico, tirando casi a la agonía. Muy dificiles de encasillar por género la verdad, aunque si de estilos no dependiese la cosa los incluiría en la lista de bandas carismáticas, cortesía del batera de GREUS. Menudo feeling para tocar, totalmente indescriptible… Estuvo volcado con la actuación de principio a fin, poco presionado por la abarrotada sala y disfrutando de sus complicados y machacantes ritmos mientras que el guitarrista ejecutaba sus líneas de forma poderosa, demostrando enfado, demostrando dureza, demostrado total disposición con su música. Después del parón era turno de SONNÖV, quienes a criterio personal me dejaron un sabor agridulce en una representación que quizá no llegue a comprender, a sentir o a disfrutar mismamente. Por eso prefiero valorarlos desde un criterio más general y neutro, ya que su conexión con la mayoría del público fue bastante más positiva que conmigo. Una proyección en el fondo con un video artístico iluminaba la escena en la que los cuatro madrileños consiguieron un sonido amplio de carácter ambiental y con el post-rock como materia principal, la cual empezaron a desarrollar desde el estereotipo hasta algo mucho más agresivo y distorsionado, eso sí, sin perder la belleza en esencia.

Las proyecciones junto con la música se mimetirazon y tomaron un efecto personal, artístico y modernista. Llegando a provocarme muy buenas sensaciones y ha recordarme a otras bandas que posiblemente hayan tomado como influencia; como pueden ser TOUNDRA. Aunque pese a sus acentuadas influencias supieron esbozar su carácter grupal y dejar su firma plasmada en nuestros oídos, simplemente SONNÖV. Con una buena bocanada de aire tomado afuera entrábamos ya para disfrutar de JARDÍN DE LA CROIX, que me los habían puesto como un grupazo para el directo, lo de siempre. Sólo que esta vez no se equivocaban. Este era su último concierto antes de entrar a es-

Greus

Sonnöv

Greus

Por estas primeras canciones tuve ocasión de disfrutar de la compañía de unas indeseables, personajillas de la escena, postureo de profesión. Contándose la vida a grito pelado en medio de las canciones pudiendo ahorrarse la pesadez de la borrachera para el descanso, pero no, aquellas bellacas se empeñaron en estropearme un buen cacho de actuación. En aquel momento fue cuando descrubrí que el ser humano tiene una capacidad soberbia para gritar y estar en el sitio equivocado durante el momento equivocado. La próxima vez acudan a escuchar y disfrutar el directo por favor, nadie dice que habemos de estar con la boca cosida pero un poco respeto por favor… Precisamente el momento del día que escojo para acudir a un bolo es aquel en que no deseo que me hierva la sangre. Gracias por formar parte de esta anéctoda chicas, ojalá vengaís a disfrutar del próximo bolo y no a su costa.

Sonnöv

Adrift


a Croix)

oirax Productions) tudio para grabar su próximo trabajo, el cual esperamos con gran ansia y más después del soberbio recital que se marcaron. Tocaron íntegro su último EP “187 Steps to cross the universe” destacando sus puntos álgidos de actuación durante “Man made lightning” y “Colorado Springs” en lo que fue un despliegue de virtuosismo exagerado. Grandes aficionados al tapping, supieron explotar esta técnica hasta el límite; dando lugar a fantásticas líneas armónicas entre las guitarras mientras que el bajo se mantuvo a un ritmo constante y pulsado, sustentando el espectáculo de estas. Lo que me hizo echar de menos algún momento de protagonismo para las cuatro cuerdas o al menos alguna composición al nivel técnico de la guitarras. Sin embargo, no se echo de menos en ningún momento una voz para esta formación, que supo expresar a través de sus complejos compases un sentimiento profundo y melodioso pero de una forma tan puntera y progresiva que hizo que el público congeniara con ellos de una forma increible. También tuvimos oportunidad de presenciar dos temas del nuevo disco durante su actuación. Dos joyas brillantes que petaron la caracol y que da miedo sólo de pensar cómo podran sonar en estudio… Pensaba que estos chicos no podrían superar su último trabajo, pero veo que de nuevo mis juicios son erróneos. Hacia el final, la agrupación ya dibujaba algo muJardín de la Croix

cho más extenso y elaborado, tocando con ganas cada acorde y sintiendo aquella entidad que determina la vivencia en las tablas, aquel feeling de tan buena gana desarrollado que se encontraba de bruces con la fascinada audiencia de la sala Caracol. Sin duda, JARDÍN DE LA CROIX fueron en mi opinión los grandes triunfadores de la velada; cerrando con una enorme y consecuente ovación, además de una “photo finish” del sold out que congregó a una multitud de 450 asistentes. Turno de los veteranos ADRIFT que comenzaron a tocar a eso de la una menos diez de la noche cuando estaban programados para las doce. Negativos retrasos en la planificación, cómo ya señalé. Abrieron con “Monolito” de su álbum homónimo ante la gran espectación que se había creado para los conocidos cabezas de cartel, que inundaron de una niebla sonora y densa la sala desde aquel muro de ruido tan bien proyectado. Caracterizados por su tratamiento experimental de sonidos sombríos con pinceladas de doom metal y rock oscuro, continuaron con temas como “Fury roof”, “The soldier of my words” o “Long Nails” que desataron la locura entre los aficionados sabiendo manejar el show de una manera muy profesional. Y es que ya se notan las tablas de esta banda, que volvía a los escenarios ya después de un tiempo de descanso. Tuvieron unas maneras muy dignas para la oca-

sión sobre el escenario y se lucieron en sus respectivos instrumentos sin dar un solo respiro. Quizá hubiese echado en falta algo de calma entre tan abrupta y potente distorsión que allí apelmazada se encontraba; tirándonos de contínuo hacia un fondo infinito. Algo que desde luego muchos esperaban y ansiaban, y que finalmente disfrutaron durante el show. No pude observar su conclusión, pero de seguro que ADRIFT recibieron su merecido aplauso por la triunfante representación que llevaron a cabo de su trabajo. Quitando los fallos en horarios, La choza Fest se ha ganado un nombre en la capital española; ¡y de que manera! Un cartel espectacular, y una organización previa muy buena han dado sus frutos en forma de sold out, y sobre todo, de éxito en el underground musical alternativo por quién gente como la de Nooirax ha hecho muchísimo junto con las otras organizadoras. De estos últimos tuve ocasión de comprar un disco de su sello, el de los madrileños TEETHING y pude llevarme también su recopilatorio “7 Infiernos” que tiene una calidad enorme condensada en tres discos. Realmente bueno y muy recomendable. ¡Espero ver más bandas de este recopilatorio por las salas pronto! Poco más que decir de un mini-festival que merece una segunda edición y ojalá una tercera (pedir es gratis, dicen…) a la que estaré dispuesto a asistir con gran impentú y que en NECROMANCE deseamos con muchas ganas.

Jardín de la Croix


CANCER BATS + Wilderness + This Drama GIRA ESPAÑOLA (X Aniversario ROCKZONE ) Sala Lemon 09.09.2015 Madrid Crónica: Rafa Eduardo Castro - Fotografía: Juan Morillas

El martes pasado nos dimos cita en lo que fue la celebración del cumpleaños número 10 de Rockzone (¡enhorabuena a ellos!). En una gira de una semana nos trajeron a CANCER BATS a Madrid, acompañados de THIS DRAMA y WILDERNESS, tocando su segunda fecha de la gira ibérica. El evento fue llevado a cabo en la Sala Lemon de Madrid. A muchos les hizo repelús el hecho de que el concierto fuera en esta sala, ya que carece de un sonido impecable en mi opinión (y en la de muchos también). Aun así la sala estuvo considerablemente llena, a pesar de que a muchos no les agrade esta sala y de que sea martes. Empezó la tralla WILDERNESS de Barcelona. Esta es una banda ya conocida para mi. Los vi en la Hangar 19 de Madrid hace unos meses y quede encantado con su trabajo tanto en estudio como en vivo. Tienen una capacidad genial para relacionarse con el público y moverlo a su manera con su hardcore que se acerca a lo sludge y a lo stoner. Se trata de un hardcore a lo BRUTALITY WILL PREVAIL con breakdowns y sus dosis lentas que se prestan para el 2 step. Xavi, el bajista, no cambio nada de la primera presentación en que lo vi. Se metía en el público con su bajo y gritando a todo pulmón pedía que la gente se moviera o se acercara más al escenario. Tocaron casi todo de su disco que hicieron bajo el nombre de OBLIVION llamado “No Room For Fools”, ademas de 1 tema nuevo que nos tienen preparados. Para mi, el sonido de la sala fue manejado mejor por esta banda, todo se escuchaba relativamente claro, excepto en algunos temas donde el sonido sonaba opacado. Empezaron con “Bleak and Cold”, y desde ahí la banda hizo mover a algunos en el pit (me incluyo). Lo mejor de todo es que fueron tan constantes moviendo al público que en toda su presentación estuvieron los pits abiertos. Se veían side to sides, patadas voladoras, manazos al aire y demás. Los temas mejores recibidos fueron “DEADMANELS”, “Violent Lapse”, “Sleep”, y como no, la famosa “Solitary Soul”, que es uno de los temas que los identifica más. Estos fueron los temas que causaron más movimiento en la sala. Tampoco hay que negar que el tema nuevo también tuvo su jugo. Se habla de un tema rápido, con buenos momentos que dan ganas de mover la cabeza una y otra vez. “Solitary Soul” fue uno de los temas más aclamados, con mic shares, side to sides y mosh hasta mas no poder. Aquí fue el punto donde la gente se movió más que los otros temas. “Anatomy Of Melancholy” fue el tema final donde sumergen a la sala en un ruido a lo drone/sludge característico de ellos. Nos envolvieron en un ambiente sucio, oscuro y frío para terminar la faena en el escenario. Los próximos a tocar en la tarde fueron los THIS DRAMA, provenientes de Tenerife. Esta banda practica un punk rock que me pareció algo flojo. Me pareció algo genérico y no movió a muchos. Me gusto el trabajo que hizo el baterista y algunos riffs de guitarra que se trabajaron estos chicos. El problema es que los veía como una banda que no tenía mucho que ver con el resto del cartel. El directo me pareció algo soso y el sonido no les favoreció mucho realmente. Algo también negativo fue que me pareció el setlist un poco corto para ser telonero tocando de segundo lugar. La voz del vocalista no se le entendía en lo absoluto. El directo como tal no daba la sensación como para moverse, la banda no movía mucho al público y se puede decir que no se comunicaban bien con el. Lo único que decían eran las gracias (algo que es totalmente válido). Sugiero que en las próximas oportunidades trabajen en relacionarse y mover al público, en animarlos más. Le deseo lo mejor a esta banda y espero que puedan mejorar en algunas cositas. El turno de CANCER BATS esta acá. Se tomaron un poco de tiempo para empezar su concierto pero puedo decir que valió la pena. Empezaron con “True Zero”, de su disco mas reciente “Searching For Zero”. Desde este primer tema hubo interacción genial entre el vocalista Liam Cormier y el público. Con “True Zero” y el próximo tema, “Bricks and Mortar” bastaron para que empiecen los mosh pits y algún que otro stage dive. Liam insistía siempre en que el público se divirtiera y en que se abran los mosh pits. Liam mientras le hablaba al público decía que “apaguemos los teléfonos, dejemos de tomar fotos y disfrutemos como en los noventas”. Acompañado a esto, también hizo muchísimos intentos de comunicarse con el público en castellano, cosa que les causó empatía a muchos. Recordaba cuando vino a Madrid por última vez con COMEBACK KID y THIS IS HELL y siempre estaba ahí para animar al público. Seguía presentando el último disco con temas como “Arsenic In The Year of The Snake” y luego fue a la cañera “Hail Destroyer”, que fue muy aclamada por los asistentes. La gente perdió la cabeza después con “Lucifer’s Rocking Chair” que causó circle pits. Cabe destacar también el desmadre que se armó cuando tocaron el famoso cover que tienen de BEASTIE BOYS, “Sabotage”. Mucho mosh en esta, y también me di el lujo de participar en un stage dive sin éxito ya que todos estaban en el circle pit dándolo todo. Sin duda, fue el tema más coreado junto a “Hail Destroyer” y el que más fiesta ha armado. Cerraron con “Satellites”, tema de su último disco. Es un tema coreable, pero no es de los que uno espera que sea el último. Esto me pareció algo débil de su show pero tendrán su motivo para hacerlo: el fin absoluto de presentar su último disco efectivamente. Lo negativo de esta presentación es que el microfono dejo de funcionar o sonar bien en las últimas canciones y eso apagó un poco al público.

Wilderness

This Drama

Cancer Bats

Fue un concierto bastante correcto. CANCER BATS armó una fiesta máxima, hicieron lo que querían hacer, muy entregados tanto ellos como el público cosa que hizo que el concierto fuese más íntimo y más cercano. Estoy seguro que todos disfrutaron con esta bandaza. Esperamos también que Rockzone siga cumpliendo muchos años de vida y que nos dé más oportunidades de disfrutar más conciertazos como este. Cancer Bats


Sala Bóveda 11.09.2015 Barcelona Crónica: Tituis Ferrer Bellés - Fotografía: Albert Cortina «Kurti» Buen año de alegrías nos han dado los compañeros de Rockzone con las celebraciones de su décimo aniversario. Si antes del verano pudimos ver en la misma sala Bóveda a Every time I die acompañados por STRAY FROM THE PATH, los demandadisimos COUNTERPARTS y los ascendentes IN HEARTS WAKE, una vez pasado este nos traían una gira que se sentía casi familiar. No es un secreto que a CANCER BATS les gusta casi tanto España como a España le gustan CANCER BATS. La buena relación que guardan con los compañeros de la revista ha estado siempre al servicio de que los fans podamos disfrutarles con regularidad, y esta vez volvían más ambiciosos que nunca a presentarnos su último “Searching for Zero”. Los encargados de calentar la noche en esta gira fueron los Barceloneses WILDERNESS, antes conocidos como Oblivion, y los isleños THIS DRAMA. En esta ocasión, el orden de actuación de estos se invirtió, para que WILDERNESS tocasen en segundo lugar, al estar en su propia ciudad. Y así, con una sala ya a medio llenar, salieron THIS DRAMA a darlo todo ante un público que reunía a habituales de distintas escenas. No tan solo a los habituales de cada concierto de Hardcore y derivados. Y es que la fusión de géneros era uno de los puntos más interesantes del cartel. Ninguno de los tres grupos terminaba de cuadrar con el anterior, pero sin embargo pertenecían todos a la misma familia. Así pudimos disfrutar a la vez que muchos descubríamos. Tal voz por tema de género, THIS DRAMA nunca han sido un grupo con el que personalmente case mucho, pero cierto es que el nivel de curiosidad estaba alto, ya que había oído a hablar bien de sus directos. Con una tranquilidad (Que no pachorra) muy de las islas salieron a las tablas y empezó la descarga de ese coctel de Rock, punk y tintes de emo de los 90 que les constituye. El sonido no acompañaba (Sorpresa sorpresa, sala Bóveda, nos volvemos a encontrar), pero con el avance de los temas eso fue mejorando, a la vez que nos enamoraban con su saber hacer, y ese espíritu tan de la buena escuela flequillera. De la de verdad. Está claro que estos chicos han basado su presencia sobre el escenario en grupos como ALEXIOSONFIRE o derivados, pues destilaban esa clase de desenfado pasional que tan entretenido hace siempre un show. Pegaron un repaso a su discografía, dándole protagonismo a su último “Tarántula mata”, pasando más tímidamente por “San Diego XIII” y tocando en su total integridad su EP “The wasted youth”. Y así, mientras en poco más de media hora repasaban su historia, nosotros cada vez los disfrutábamos más. Al menos un servidor, que cada vez sentía más ganas de moverse y bailar. Siguen sin ser un grupo que vaya a escuchar muy frecuentemente en casa, pero sí que parece que los disfrutaré mucho siempre que los vea en directo. Poquito tardaron en salir WILDERNESS al escenario. Y de estos sí que teníamos fuertes referencias. Habíamos oído hablar de muerte y de destrucción. Confiábamos en ello, pero tardaron incluso menos de lo esperado en convencernos de ello. A cada cual en una indumentaria más macarra que la anterior (Excepto su bajista, que por lo modesto de su camisa a cuadros sorprendió más que ninguno) salieron a escena los cinco miembros que conforman el batallón. La cosa prometía. Lo dicho anteriormente de la noche multigenero. Y de nuevo el Beatdown sigue sin ser un estilo que despierte mi pasión, pero WILDERNESS están varios pasos más allá. Desde el primer golpe de guitarra gritaron a los cuatro vientos que suenan más gruesos que nadie. Lo interesante de su propuesta más allá de lo efectivamente violentos que consigan sonar, son las melodías groove a lo, por ejemplo LAMB OF GOD que introducen entre muchos de sus largos tramos

Cancer Bats

instrumentales. Creando una variante que impide los temas caigan en la repetición. Y así, a más lento era el tempo, más violentos se ponían ellos, que practicaban crowd killing y lanzaban patadas voladoras sobre el escenario. Entre ellos. Las pocas veces que se dirigieron a nosotros fuera de sus temas lo hicieron también a grito pelado por parte de Xavi, el ya mencionado bajista, que si mal no recuerdo, al segundo tema ya estaba sobre la barra de la zona de bar tocando entre convulsiones. De hecho casi toda la banda pasó por aquella barra, excepto su batería, quien directamente optó por bajarse al público y tocar uno de los bombos rodeado de fans enfurecidos. Una absoluta locura que hasta les puso el listón bien alto a los cabezas de cartel. Lástima de una reacción un tanto fría por parte del público. Supongo que mezclar tanto genero tenía que tener que tener su contrapunto. Lo que si es cierto es que por lo comentado al terminar, parece que todo el mundo les disfrutó, con o sin movimiento. Y ahora sí que sí, todos con muchísimas ganas de ver de nuevo a los canadienses más queridos de todos. Grandísima ovación para CANCER BATS que salieron a degüello. Más orgullosos que nadie de presentarnos su nuevo disco “Searching for zero”. Tanto que de hecho abrieron con uno de sus singles: “True zero” (valga la redundancia). Cierto es que en este último trabajo han bajado algo las revoluciones. Pero creedme cuando os digo que lo han hecho en favor de la composición. Todos los cortes de este sonaron a gloria. Y el público entusiasmadísimo con ellos. En esta primera ocasión lo que sí que echamos en falta fue más volumen en la voz de Liam, pero para eso coreamos el tema de principio a fin. Tras solo un tema ya se nos habían metido en el bolsillo, osea que ya podían sacar la artillería pesada. Y así lo hicieron. Tocando de corrillo “Bricks and mortar” que volvió absolutamente loco al personal, y “Sorceress”, que me volvió personalmente a mí, al ser uno de mis temas favoritos y venir convencido de que no caería. La cosa no hacía más que subir. A lo largo del concierto se repasaron su discografía sin dejar de lado a ni uno de sus trabajos. Nos pusimos clásicos con “Pneumonia hawk” y aquel tramo final tan desgarrado que nos dejó sin voz al tercer tema y seguimos con la descarga total de energía con un tema que habla de una realidad muy de hoy en día. “R.A.T.S. Seguro que fuimos muchos en la sala que se lo dedicamos a varios altos mandos. Sin parar más que para agradecerles tanto al público como a Rockzone por hacer posible ese paso tan extenso por la península (Y las islas) siguieron alternando temas nuevos como “Arsenic in the year of the snake” o “All hail” (Para no romper con el tono destructivo ya establecido) con sus clásicos como “Drunken Psychics”, “Fake gold”, ese ya Himno que es “Hail destroyer”, que absorbió hasta el último ápice de energía que nos quedaba a medio show o la “Roadsick” por la que yo tanto recé (dos de dos, gracias CANCER BATS). Y como previa al fin de fiesta, entramos en un tramo más pausado, guitarrero y headbanger, ya que de corrillo cayeron “Lucifer’s rocking chair” y “su último single “Beelzebub”. La verdad es que nos hacía falta tras tanta descarga de histeria. Lo fascinante era ver como ellos parecían poder continuar sin problemas. Anunciado ya el inicio del fin, descargaron la que siempre es la cumbre de sus fiestas: “SABOTAGE”. Alucinante como hacer una cover de los BEASTIE BOYS con tanto gancho y ganas puede catapultarte al techo de la devoción de tus seguidores. Desde luego aquello fue una fiesta. Hasta los que renegaban del movimiento terminaron bailando como posesos aquel Viernes noche. Una maravilla. La guinda: el que es a estas alturas ya el himno de su nuevo himno: “Satelites”. Pegadiza. Coreable. Conciertera… A mi forma de ver, casi todos los discos deberían incluir un tema así. Nos dejamos la voz gritando por el recuerdo de una noche que terminaba, pero que nos devolvería a casa con una sonrisa que de lejos se veía que ambos bandos se llevarían de recuerdo. Y así, solo terminar la última nota. Liam, Jaye, Scott y Mike se bajaron al público a repartir abrazos, fotos y conversación, en un ejercicio de humildad que les representa ya tanto como lo hace su música. Pues ambos se sienten tan cercanos que por poco que uno guste de este mundillo, caerá prendado de esto cuatro amigos que se dedican a recorrer el mundo haciendo sudar a su público. Gracias de nuevo Rockzone por hacer posible esta clase de noches, esperamos tenerlos pronto por aquí de nuevo, que seguro que sí!


This Drama

Wilderness

Cancer Bats

Cancer Bats

Wilderness


THE CASUALTIES + Anti-Idols Sala Gruta 77 09.09.2015 Madrid (HFMN Crew) Crónica: Rubén Hernández González

Ya vamos cogiendo el ritmo de bolos en Necromance este primer mes de la temporada y que mejor manera de continuar que con una mítica banda de New York Hardcore Punk, aquella que editó el clásico LP “For the punx” en 1997 y que no ha dando tregua desde entonces; THE CASUALTIES. Llevándonos igual de bien que siempre con los horarios, algunos llegaron casi dos horas antes de que empezara el concierto, servidor incluido. Hacia las nueve empezaba a llegar la gente a cuentagotas y sobre las diez la puerta de la Gruta 77 ya rebosaba buen ambiente. Aprovecho y hago un pequeño inciso para felicitar a la sala por su 15 aniversario, que anda celebrando este año, y la guerra que ha dado desde que abriera las puertas en el año 2000. Quince años dando apoyo y preferencia a los géneros más underground y manteniendo viva la cultura musical popular. Poco a poco se fue llenando el antro y los madrileños ANTI-IDOLS comenzaron su violenta descarga. Un grupo de punk rock madrileño con tan sólo dos años de vida y un trabajo de larga duración, homónimo al nombre de la banda; con doce canciones de las que la mayoría fueron interpretadas en directo. Una melodía clara y enérgica de la voz, predominaba sobre el conjunto de manera muy efectiva y vocalizando perfectamente cada palabra; pudiendo reconocer todas sus canciones perfectamente. “Contra el muro”, “Guerra Social” o “La espiral” congregaron una buena suma de personas viéndolos, considerardo el bolo un éxito en cuanto asistencia. Me recordaron a bandas como SOCIAL DISTORSION o RANCID, con unas influencias muy marcadas pero que no hiceron mella en la identadidad como banda, demostrando así una feroz personalidad sobre las tablas. Y es que no hay mucho que innovar en un estilo como el punk, ni falta que hace; pero si se necesitan bandas como esta, con músicos entregados, compenetrados y generando material y directos de calidad. De esta manera consiguieron así empezar a crear algo de movimiento y actividad entre los asistentes con sus pegadizas melodías y letras reivindicadoras, cerrando un set que duró casi hasta las once de la noche, rato que tomamos para salir a descansar. Ahora es cuando llegaba el momento para el que habíamos estando calentando motores… Con la sala abarrotada de punks, skins y otras gentes variopintas saltan al escenario THE CASUALTIES, arrasando desde el primer momento y con las intenciones muy claras: tirar abajo el bareto. Jamás pense que se pudiera liar tanto un día de entre semana, pero es que entre el buen ambiente fraternal y sin malos rollos que había entre el público, la conexión que este estableció con Jorge Herra (frontman y cantante de la banda) y su gran autenticidad cómo artista dieron lugar a un desmadre absoluto. Puedo decir que he asistido a muy pocos conciertos de punk, y desde luego este no ha sido menos; cumpliendo todas mis espectativas sobre como rulan estos bolos; gracias sobretodo al tipo de peña que asiste a ellos. Los pogos estallaron desde el primer tema y se sucedieron sin descanso a través de la noche mientras so70| NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE

naban “Punk rock love”, “Ugly Bastards” y por supuesto el coreado “Unknown Soldier” que tan buenos recuerdos dejo entre aquel mar de jerga y crestas.

unos encima de otros y comenzaron a pogear, pudiendo ver uno de los momentos más graciosos y divertidos de la noche.

Risas sobraron con cada coletilla que soltaba el cantante, proniéndonos a bailar cumbia, disco-punk o llegando a tocar incluso la cucaracha. Pero no fueron esos los únicos “covers” porque a mi por lo menos me llegaron al alma con el de los legendarios ESKORBUTO. También sonaron “run to the hills”, que fue una pena que quedase en un amago y algún cover más de una banda de oi!.

Ya fueron cerrando el set con otros grandes temas como el archiconocido “We are all we have” o “Punks & Skins” terminando de forma inmejorable un concierto lleno de pasión, sudor y puro punk rock.

De lo único que estoy seguro totalmente seguro es de que perdí la cuenta de los tercios que pudo beberse Herrera y los otros tantos que vació desde arriba sobre las bocas de los más borrachos, una estampa de desfase absoluto y locura consumada en la sala. Pero aquí no acababa todo puesto que organizaron una “pelea de gallos” en la que se subieron a cuestas

Compenetrados, agresivos, fieles a su presente y pasado, punks hasta la médula; THE CASUALTIES estan mas vivos que nunca y no paran deconfirmarlo concierto trás concierto. Espero que la gente de HFMN siga trayéndonos grupos tan punteros de este estilo, porque a shows de este nivel se les coge el gustillo muy rápido.


HOWLING FEST 12.09.2015 Cubelles - Barcelona Crónica: Titus Ferrer Bellés | Fotografía: Lluís García Sola Defend your local scene rezaba el tagline del HOWLING FEST de este año. Pues sí que se lo tomaron en serio las bandas que conformaron el cartel, pues defendieron su propuesta con actuaciones de envidiable solidez. La propuesta del festival, que este año ha celebrado su segunda edición es como para que los aficionados supliquemos por que se mantenga por muchos más. Nuestra american party le llaman: Piscina, una masía alejada de la urbe, DJ’s, bar, y muchísimo metal. La versión gutural de las locas fiestas que veíamos a ritmo de punk rock en aquellas comedias románticas americanas que tanto nos hacían reír y tanto envidiábamos. Como si American pie se hubiese pasado con los esteroides. Encontrarse con un evento tan basado en el desmadre general y que a su vez estuviese dignamente organizado a algunos nos costaba de creer, pero nada más lejos de la realidad. Quedó claro que no hay miedo a apuntar alto. Aquello estaba organizado como si de un festival de mucha mayor envergadura se tratase. Hasta con su sistema de tokens, en este caso llamados Howllars. Queja ninguna en este sentido, más bien sonoras alabanzas. Pero entremos en materia. Por qué ya que la lluvia nos aguó la posibilidad de disfrutar un poquito de la piscina antes del maratón de conciertos que nos íbamos a meter entre pecho y espalda, optamos por entrar directamente al lio y sin calentar.

Astray Valley

Los primeros en pisar las tablas fueron ASTRAY VALLEY, uno de los ganadores del band contest que se organizó antes del verano. Con una voz femenina (Según el concepto que tengan cada uno de feminidad, claro) a cargo de la batuta, saltaron a escena ni cortos ni perezosos a repartir tralla. Cierto es que no conocía a la banda. No me los traía aprendidos de casa, y el problema es que bastante como llegué me fui. Cada vez tengo más esa sensación de que las bandas se están acomodando en los estándares del metalcore y que cada vez hay menos ímpetu en escribir temas que suenen personales. Sin duda disfrutamos de un trallazo importante, casi sin voz melódica (Que cuando sonó pecó de demasiada reverberación, haciendo difícil reconocer la voz real tras el micro) y efectivo. Muchísima potencia. Pero a través del sonido, que todavía sonaba poco pulido, no me llegó ningún tema que se alojase en mi recuerdo. Eso sí, la respuesta del público fue abrumadora, y más tratándose del primer grupo. Así que cuando decidieron terminar su set marcándose una cover de “Wild eyes” de PARKWAY DRIVE el respetable se vino arriba, literalmente. Toda banda que se precie necesita su buen rodaje sobre el escenario. Y al menos el poderío que desprendía la voz a la THE AGONIST de Clau, se merece un buen voto de confianza. Acabábamos de comenzar y el calor ya era insoportable, y en menos tiempo del que tardamos en salir a que nos diese el aire, ORIGIN OF PERSPECTIVES ya estaban repartiendo leña. Todo festival que se precie tiene un gran descubrimiento. Y ellos fueron el mío. El primer golpe de la abrasiva voz de Arturo ya nos dejó claro que aquello iba en serio y que íbamos a encontrarnos con un directo de nivel.

Dawn of the Maya

Con una búsqueda de la perfección que no ensombreció para nada la fiesta dieron un concierto digno de, como se suele decir, cualquier grupo americano de renombre. Incluso en lo que al apartado de luces se refiere, pues fueron posiblemente el grupo con el juego más elaborado. Absolutamente atmosféricas, tiñendo su actuación de un misticismo que no hacía más que aportarles poder. Además su estilo djent destroyer con clarísima reminiscencia a MESHUGGAH o a los VEIL OF MAYA más pesados seguro que les mereció un buen número de nuevos adeptos. Y es que da gusto ver cómo pese a que una banda no se pase el concierto entero animando al mosh, al circle pit y al Wall of death, el público reacciona igual solo a partir de la fuerza de su directo. Muchos éramos los que les descubrían ese día, y muchos fuimos los que no pudimos contener las extremidades quietas más allá de un par de temas. Descargamos con todas nuestras fuerzas a ritmo del grosor de las cuerdas de Marc y Sergi. Y ni tan siquiera era de noche. La segunda banda de las diez que componían el cartel ya habían dejado el listón lo suficientemente alto como para que esto no pareciese que acababa de empezar. Deseandisimo que ORIGIN OF PERSPECTIVES organicen otro bolo por Barcelona para verles de nuevo, esta vez con conocimiento de causa. Alguien de la organización debía estar en contra de que los asistentes saliesen a refrescarse, pues no nos había dado tiempo a volver a entrar que una de las bandas que yo más anticipaba ya estaba dándolo todo sobre el escenario: KILL THE FICUS. A los que por desgracia conocí tarde y solo me dio tiempo a disfrutarles en esta ocasión, que era su último show. Una amarga despedida para muchos, que ellos enfocaron desde el humor y la festividad. Y de qué manera, pues la festividad va directamente ligada a ellos y a su estilo más cercano a grupos como A DAY TO REMEMBER (de los cuales tocaron una cover que enloqueció al público: “My life for hire”). Si algo quedó claro esa noche es que con tan solo un (Cojonudo) EP a sus espaldas, han sido capaces de ganarse el cariño de su público, pues el calor podía sentirse en la sala, y no solo a nivel de temperatura. Todos parecíamos sabernos de memoria los pegadizos estribillos que cantamos a través del micro de Alex, y todos nos dejamos la nuca cada vez que Marc aporreaba la batería. Los escasos 40 minutos que tocaron se hicieron cortos. Pero aun así pudimos disfrutar de su EP al completo y de un tema nunca grabado que según contaron solían tocar en sus conciertos. La verdad es que sonó a gloria. Por supuesto para despedirse decidieron hacerlo con la emotiva “This son gis not about my Exgirlfriend”.

Donut’s Hole

En fin, una lástima para muchos, pero lo que si es cierto es que dejaron un bonito cadáver. Siempre podremos estar aquí si alguna vez optan por un (improbable) comeback. Cambiábamos de género y nos dejábamos crecer la melena, pues tocaba la primera dosis de Thrash de la noche con NUCKIN’ FUTTS (No me cansaré de decir que me parece uno de los mejores nombres de grupo jamás elegidos) y su agudo metal ochentero. La verdad es que el Thrash nunca ha sido un género que me atraiga. Osea que se me hizo difícil disfrutar de su actuación, pero desde la objetividad si puedo decir con total seguridad que salieron a matar. Desde el primer momento quedó claro que venían sobrados de tablas sobre el escenario. Y no les costó nada meterse al público en el bolsillo a base de botes, molinillos meleneros y mucho agudo cortante. Renato, su bajista se encargó desde el primer momento de poner la nota de humor. A pecho descubierto no escatimó en bailoteos varios y desafiantes lenguas fuera. Una soltura envidiable para un grupo con apenas tres años de trayectoria. Sin duda ese es el camino a seguir para un grupo que demostraron tener muy claro que lo que hacen, lo hacen muy bien. Y esa al final es la esencia. Tras, esta vez, un cambio de instrumental algo más largo (Algo que por desgracia se volvería costumbre a lo largo de la noche, provocando un retraso de hasta dos horas en el horario) salían a escena DONUTS HOLE, posiblemente la banda que más curiosidad me despertaba de todo el cartel. Su primer álbum “Parodia de un silencio” es todo un ejemplo de buen hacer en el campo de la producción. A duras penas parece un primer trabajo, y me intrigaba mucho descubrir como defenderían tal 72| NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE

Teksuo

Hyde Abbey


proyecto en directo. El problema en este caso fue el pésimo sonido, que nos impedía distinguir las guitarras casi en su totalidad y que hizo que la batería se comiese a todo la demás. Cierto es que eso también los hizo sonar más duros de lo que el álbum mostraba. Y terminamos disfrutando (Por que lo disfrutamos un montón, pese a todo) más basado en los breakdowns y en la brutalidad que en la vertiente más alternativa que compone el grupo. Sin embargo, ya que la gran mayoría del público buscaba justamente eso en el festival, estoy seguro que muchos se volvieron a casa con la sensación de haber descubierto un grupo que no pueden esperar por volver a escuchar en casa. Lo que está claro es que pese al fallo técnico, su técnica, a nivel más personal si era buena, pues estuvieron impecables. Absolutamente energéticos y comunicativos. Transmitieron un el buen rollo que las bandas contagian cuando disfrutan tanto dando el show como el público recibiéndolo. Ciertamente, no me negaré a verles de nuevo para poderles escuchar en condiciones más optimas y así volver a disfrutar de un directo tan digno como poderoso. El agotamiento empezaba a hacer mella en nosotros, osea que decidimos ver a los buenos de BLAZE OUT desde atrás y sin meternos en el meollo y así recuperar fuerzas. Además de esa manera disfrutamos de un sonido más homogéneo. BLAZE OUT son posiblemente una de las únicas bandas de Thrash que me hace disfrutar de verdad pese a lo poco que me siento atraído por el género. Supongo que será ese deje melódico que les caracteriza, que les hace sonar muy distintos a por ejemplo los anteriores NUCKIN’ FUTS. Por segundo año consecutivo estaban en el Howling en una alta posición en el cartel. De hecho repetían por petición popular, y eso quedó más que claro. El público iba como loco desde el primer tema. Ni uno de los pegadizos estribillos se dejaron por corear como si se tratase del fin del mundo. Por parte del grupo: un buen rollo cercano al que transmiten los mismísimos PARKWAY DRIVE (Se sintió súper orgánico que Gerard, el cantante llevase justamente una camiseta de ellos) sobre el escenario. Fiesta y profesionalidad volvieron a fusionarse en un desmadre que unió a metaleros y hardcoretas en un mismo público. La auténtica locura llegó cuando decidieron descargar sobre nosotros su ya mítico medley de temas de METALLICA e IRON MAIDEN, interpretando de vicio momentos de “Sad But true”, “Master of puppets”, “Fear of the dark” o “The number of the beast” entre muchísimos otros. Diez minutos de clásicos sin descanso que hicieron que el HOWLING FEST se convirtiese por momentos en un pequeño SONISPHERE cubierto y con piscina.

Astray Valley

Algo de fuerzas habíamos recuperado, y un servidor se auto engañaba a si mismo convenciéndose de que estaba listo para el siguiente. Pero cuando uno se enfrenta a un directo de HYDE ABBEY sabe que necesita más energía de la común. Otros, por cierto, que repitieron por demanda popular. Está claro que los de Mataró se tienen ganado un puesto en el olimpo del metal extremo de tierras catalanas. Yo personalmente ya me vi sorprendido viéndoles telonear a PARKWAY DRIVE un par de años atrás, así que las expectativas estaban por las nubes. Me sorprendió verles saltar al escenario con un solo cantante. Y pese a que Presta fue capaz de clavar ambas voces en un directazo inagotable, cierto es que se echó en falta a nivel de espectáculo la vitalidad que aportaban dos cantantes sobre el escenario. A nivel visual, pero el cambio en si es de lo más lógico. En cuanto a repertorio, mezclaron temas de su más reciente “Ooparts” y algunos de su primer ”Hall of shame” (Zas! En toda la boca!), que estos días está de quinto aniversario. Y ya que este era uno de sus últimos shows previos a su nuevo álbum, nos obsequiaron con un par de temas nuevos que sonaron más machacones y gruesos de lo que nos tienen acostumbrados. Muy bien en directo, y mucha curiosidad por la versión de estudio.

Blaze Out

Las pruebas de sonido seguían haciéndose cada vez más y más largas, eran las dos de la mañana y aún faltaban tres de los grandes. Por si fuese poco, tocaba el turno del grupo que un servidor más deseaba ver: TEKSUO, que bajo mi humilde opinión son de lo mejor que tiene ahora mismo la escena nacional. Un grupo que conoce muy bien a su público y ofrece una calidad importada directamente de los grandes grupos del otro lado del charco que tanto gustan por aquí. El show empezó con la voz de Diego más baja de lo deseado. Por suerte esto no duró más que un par de temas. El fallo se arregló justo a tiempo para poder escuchar el primero de los tres adelantos de su nuevo disco “A new way to bleed” que hicieron: “The cleansing”, que sonó a gloria y que no puedo esperar más a escucharlo grabado. Está claro que si algo especial tiene es justamente el apartado vocal. Bastantes fuimos los que estuvimos en primera fila coreando los estribillos con toda nuestra garganta. Diego se hartó de pasarnos el micro para ello, y estoy seguro de que le fastidiamos el show a más de uno. Está claro que su catapulta a la fama fue su “Diamonds EP” ya que el tema más demandado de la noche fue su versión de la misma de Rihanna, que interpretaron pero no sin antes pasar por “The hands of war” y “The Swarm”, que sonaron aún mejor si cabe en directo. Al final, resultó que, pese a algún fallo técnico como lo que ya hemos comentado de la voz, o alguna guitarra que decide callarse a medio tema, pudimos disfrutar de un señor recital que demuestra que TEKSUO es una de las bandas más en forma del panorama nacional. Muchos grupos de más renombre componen canciones que siguen los mismos derroteros pero luego no son capaces de defender en directo ni la mitad de bien de lo que hicieron aquella noche los Asturianos de hierro. Llegaba ya el turno para el que iba a ser para nosotros el último concierto de la noche, ya que debido al retraso en los conciertos no pudimos quedarnos a ver a ANKOR, y desde aquí quiero disculparme con el grupo por no poder escribir unas líneas sobre su actuación, que por cierto nos quedamos con muchas ganas de ver. Turno pues para los archiconocidos DAWN OF THE MAYA. Grupo que yo ansiaba ver con todas mis fuerzas, tras varios intentos fallidos de irlos a ver por mi parte que por caprichos del destino siempre se vieron frustrados. Así que a estas alturas, esta era mi primera vez con los Navarricos. De todo hemos oído sobre ellos: que si la sobredosis de pose, que si el cambio de sonido solo para contentar al público, que si el tema Monster … Todo eso queda en un segundo plano una vez uno se enfrenta al directo de los Aztecas, pues las tablas que demuestran son sorprendentes para una banda tan joven como ellos. La facilidad con la que se desenvuelven sobre el escenario es digna de cualquier BRING ME THE HORIZON (Por mentar a una banda internacional de largo recorrido) que se precie. De hecho está claro que Igor, su vocalista se ha formada en la escuela Sykes de presencia sobre el escenario, con la diferencia de que para DAWN OF THE MAYA llegar a las líneas vocales que ellos mismos han escrito en directo no era un problema. Todos y cada uno de los miembros del grupo bordaron su papel. Energía y buen hacer a través de un set basado casi íntegramente en “The truth is in front of you”, incluyendo los dos últimos singles que han añadido a su versión extendida que son “Everest” y “Pacific”. Tan solo volvieron a su anterior “Me, the planet” para tocar su más que conocida “Desloated cosmos”, eso sí, sin autotune ninguno en directo. Desde aquí quiero decir que si va a ser así como van a defender los temas de dicho álbum en directo, no hace falta en ningún momento que renieguen de él, ya que la cosa sonó de lujo, y bajo mi punto de vista se trata de un disco realmente disfrutable. Y así, con mucha pena por perdernos el último concierto, pusimos punto y final a nuestro primer HOWLING FEST, que de verdad espero que no sea el último, ya que disfrutamos como niños de un éxito (casi) absoluto por parte de la organización que de seguro les traerá muchísimas alegrías tanto a ellos como a nosotros. Long live. Kill the ficus

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Nile

NILE + SUFFOCATION + Embryo + Chabtan Sala Caracol 18.09.2015 Madrid (Madness Live!) Crónica: Rubén Hernández González | Fotos: Juan Morillas

Los amantes del death metal más burro ya no se aguantaban las ganas, y es que fue llegar el viernes 18 de Septiembre a la sala caracol y ver la entrada abarrotada. Ya se rumoreaba un posible sold-out que más tarde se haría realidad. Una impresionante gira y una gran apuesta de MadnessLive! que no pudo tener mejor respuesta por parte del público. SUFFOCATION y NILE no pisaban la capital desde hacía unos cuantos años y que mejor manera de recibirles que petando la caracol. Muy puntuales, EMBRYO ya reunían una gran cantidad de personas dentro de la sala pese a ser los teloneros. Tuvimos ocasión de ver a los italianos hace pocos meses acompañando a MELECHESH en la misma sala, actuación a la que decidí dar una segunda oportunidad. No fueron demasiado afines musicalmente con los cabezas de cartel aunque sí con los otros teloneros, ya que su death metal se inclinaba mucho más por rasgos propios de géneros como el deathcore o el death melódico. Con influencias marcadas como FEAR FACTORY o los mismos MESHUGGAH, sonando de forma directa, jugando con tiempos y breaks acompañados de melodías en los teclados. El vocalista variaba sus registros; incluyendo guturales graves y ondos, aunque dando más protagonismo a los screams de manera muy efectiva. Se vió un grupo clavado a tiempo y con buena ejecución en las cuerdas, de riffs agresivos y oscuros que captaron la atención del sorprendido público. Llevándose un gran apluso y buenos gestos entre los asistentes, entre los que parece que calaron y gustaron bastante; aunque como siempre a un servidor le suenan algo quisquillosos y repetitivos este tipo de grupos… Aún así innegable la buena actuación y sonido que tuvieron. Con la puntualidad que caracterizó el inicio del evento continuaron los franceses CHABTAN, que volvieron a refreir de una manera algo irrisoria el directo de anterior grupo, aunque esta vez con unas influencias y estilo más genéricos; restando personalidad al conjunto y denotando ser más 74| NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE

principiantes que los predecesores EMBRYO, como ya he dicho. Muy enérgicos y entretenidos, poniéndo más énfasis al ámbito visual que al musical y compensando así sus puntos débiles. Deathcore con aires melódicos y muy brutal era su fuerte apuesta, de sonido duro aunque también crudo y en ocasiones muy veloz. Sólo cuentan con un trabajo, “The kiss of coatlicue” que exhibieron con muchas ganas e ímpetu, pero con un sonido que dejo bastante que desear. De todas formas tuvo éxito aparente entre los ya numerosos asistentes. Tocaba quemar tablas y sacar la artillería pesada, SUFFOCATION entraban arrasando con Thrones of blood, pero para nuestra sorpresa no era Frank Mullen quien metía los guturales, sino que fue Ricky Myers quién se marcó una espectacular actuación pero que a mi parecer jamás podrá sustituir la del poderoso Mullen. Continuaron así con temas como Mass oblieration, Liegue of inverancy o Catatonia que montaron en cólera y locura a los más nerviosos, generando contínuos y violentos moshpits casi sin hueco que tuvieron como consecuencia el desalojo de algún asistente excesivamente emocionado. Todo esto en una caracol que se sentía como una caja de cerillas de gente apretujada. Como siempre Terrance Hobbs fue el gran icono y llevó el estandarte en alto durante la actuación, siendo para mí quién mantiene en sí mismo viva la esencia del grupo y los orígenes de esta impresos en sus maneras, ejecución, tecnicidad y consecuente compatibilidad con el gran público. Soltaron mucha tralla con clásicos como Effigy of the forgotten o Pierced from within plasmando el death metal de la vieja escuela con florituras técnicas que tanto los identifica, con una compenetración muy fuerte, tocando nota a nota de forma limpia y estridente; cosa que pudo observarse a la vista pero no al oído.

Fue una pena como sonó gran parte del show (al menos en el lugar en el que me encontraba) con una inteligibilidad del sonido realmente penosa, saturado de graves y con ese soniquete “scoop” realmente exagerado. Supe que temas eran porque me los sabía de memoria, sino puro ruido con guturales por encima hubiera sido lo captado… Por eso el mejor momento fue en la última canción, Infecting the crypts cuando realmente se lucieron y pusieron la sala patas arriba. Pese a que les he visto en mejor forma en alguna otra ocasión, SUFFOCATION no defraudan y siguen siendo el clásico de calidad por el que todos les tenemos. Después de un largo descanso se avecinaba el plato fuerte, NILE que no pisaban la capital desde aquel concierto con MORBID ANGEL allá por 2012. Venían presentando su nuevo álbum “What should not be unearthed”, que ha sido todo un éxito y con el que han sido capacidad de mantenerse en su línea, una vez más y sin dejar indiferente a nadie. Con unas melodías y ambientes egipcios se abría el telón, se encendían las luces y comenzaba la exagerada descarga sonando Sacrifice unto sebek, con unos músicos muy bien dotados pero un triángulo Karl-Dallas-Kollias muy bien definido que dejaba algo excluido de la actuación al bajista; quién no defraudo para nada por supuesto, solo que se le vió algo más ajeno al concierto. George Kollias nos sorprendía con sus vertiginosos ritmos y estricta técnica que lejos de ser fría dotaba de un estilo muy propio la rítmica de las canciones. De la misma forma, Karl y Dallas efectuaban su labor a las cuerdas fácilmente y sin aparente esfuerzo para el asombro de quienes allí nos encontrabamos. Tres temas del ya nombrado último trabajo de larga duración tuvimos oportunidad de presenciar, fueron Evil to cast out evil, Call to destruction y In the name of Amun que interpretaron fielmente, sonando brutales, definidos, nítidos y aplastantes.


Suffocation

Suffocation

El sonido fue envidiable, muy legible y preciso, más alto que el de las anteriores actuaciones y algo más crudo debido a la configuración de la equalización; que estuvo algo más cualificada de medios y con buenos graves pero sin llegar a saturar. Se mostraron cercanos a la audiencia y soltaron sus chascarrillos entre corte y corte demostrando que detras de esa seria imagen se encuentran personas con humor como cualquier otra. Incluso tuvieron un momento para dedicarnos unas palabras a los “trolls” de las webzines (como ellos dijeron), en una situación muy cómica y con la que un servidor se sintió identificado, ya que más de una vez he soltado joyitas solamente para liarla un poco y crear polémica… Otros temas como Defiling the gates of Ishtar y Kafir dieron paso a los más clásicos, de aquel “Amongst the catacombs of Nephren-Ka” como es The howling of the Jinn que dejaba sostenido un riff pesado dando paso al atronador blastbeat de corte tradicional que mostraba unos NILE fieles a su pasado pero que no ignoraban un fructífero y provechoso presente como el que estan viviendo ahora.

Embryo

Haciendo un largo recorrido por prácticamente toda su discografía, sembraron un show de más de una hora que nos mantuvo atentos compás a compás, tema a tema y que no se rebajo de nivel en ningún momento. Sin descanso se nos vino Sarcophagus algo más pausado, lento y duro pero que dejo paso a algún tema más llegando por fín Black seeds of vengueance para poner la guinda a un show impecable… Un chapó! En toda regla. Fue una intensa tarde y una serie de grupos que fueron tomando forma e incrementando la intensidad, reservando lo mejor para el final; cumpliendo los horarios y sin pausas interminables (alguna vez tenía que hacerlo alguién bien) haciendo ameno el encuentro entre tanta gente y reviviendo el espíritu del antiguo Death metal. Una vez más se demuestra que este estilo está más vivo que nunca, en cuanto a la calidad de las bandas y la respuesta del público. Chabtan


Novelists

FATHOMS + NOVELISTS + Close to the sky + Fear My In Sala 12&Medio 20.09.2015 Murcia (Success Promo) Crónica: Rubén De Diego | Fotos: Suuz Pijnappel

El pasado domingo 20, se realizaba en la ciudad de Murcia, un evento que a muchos nos salía recordado desde hace meses en las diversas redes, organizado por la joven promotora Succes Promo, estoy hablando del concierto que reuniría a dos grandes bandas extranjeras, como son Fathoms desde Reino Unido y los franceses Novelists, acompañados por Close ti the sky (Madrid), Fear my intentions (Murcia) y Mordake (Elche), los dos primeros grupos, aterrizaron días antes para realizar una pequeña gira por la Península, que comprendió lugares como Madrid y Valencia. Tal vez la repentina clasificación de la selección de baloncesto en la final del europeo, el caer fecha un domingo, la resaca o cualquier excusa para no moverse del sillón, hiciera que se congregara un público de poco mas de 50 personas, los cuales pese al ambiente frío y aséptico que se palpaba, consiguieron dar el recibimiento que se merecían tales bandas, reventando la pista y enseñando como se hace en Murcia. Se abrieron a las puertas 30 minutos, más tarde de la hora anunciada debido a diversos problemas técnicos con el grupo que abría la noche. Una vez resuelto el asunto, comenzaron los jóvenes Mordake, que pisaban por primera vez la localidad. Se trata de un trio compuesto por Guitarra, Bajo y Bateria, siendo el último concierto de este. Cantan en castellano y los tres realizan lineas vocales, lo cual proporciona un gran dinamismo al grupo, son jóvenes y arriesgados, en su composición se observan influencias del metal y hardcore, resultan impredecibles. Su estética es casual o de andar por casa, un poquito desdeñados, no esperes melenas, cortes de pelo a lo pompadour o barbas esculpidas con escuadra y cartabón. Tal vez por los nervios o alguna complicación sobre el escenario, el público todavía se mostraba frío, pese a los esfuerzos de un incondicional de Mordake, que trataba de animar el mosh o crear un circlepit pero no había manera, la falta de gente y la nula iluminación por el momento; luz blanca, hacia poco a su favor, de las 15 canciones que tocaron, destacaron, “Hiems”, colgado en su Bandcamp, “The cross”,con un solazo de guitarra, “Black Torino”, y el cover de Nothing “Code Orange”, dónde el técnico despertó de su letargo y puso luces al escenario. Se trata de un grupo joven, que en sus temas realizan múltiples cambios, pero que en ocasiones resulta un poco confuso o desordenado, sin embargo tienen ideas frescas que seguro que con las nuevas novedades e incorporaciones pulen y nos dejaran sorprendidos a mas de uno. Close to the sky, hace unos meses ya se pudo disfrutar del quinteto madrileño, en esta misma sala, tanto el público, como la 78| NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE

banda, tenían ganas de volver a reencontrarse, plasmándose en el recibimiento de la gente en el inicio del concierto. Se encuentran en plena expansión, día a día van progresando, lo cual se nota en la elaboración de su directo y como lo defienden, siendo el segundo concierto del bajista cumplió con creces el objetivo. Sobre las tablas, observamos dos amplificadores axe Fx, con los cuales consiguen un sonido muy limpio y empastado junto a las mezclas digitales y lanzamientos que realizan en los temas y entre canciones, creando una atmósfera especial en la sala. Uniformados en su puesta de escena con una camiseta negra y roja en la zona de abajo y con el logo en blanco en el pecho, desde el primer acorde, ya nos enseñaron de que iba esto, metalcore progresivo con toques Djent, son un grupo que no puedes perderte si visitan tu ciudad. Todos llenan el escenario moviéndose desde el primer momento, saltando al unísono o haciendo crabcore grupal, destacar el sonido de los guitarras que esta muy bien tratado, salvo una pequeña incidencia donde el limpio de una guitarra se apagaba al tocar, cosas de los digitales, se arregló tras esa canción y continuaron clavando temas como “Fading Existence” que se puede ver en youtube en forma de playthrough y donde se aprecia la capacidad vocal del cantante utilizando varios registros, correcto también en los limpios vocales, pero con menor potencia, que en las partes gritadas, en las que destaca sobradamente. Finalizaron con “ Code” canción que contó con la colaboración de Alfonso, cantante de Fear my Intentions, grupo que continuaría la noche, encargados entre ambos de cerrar el set de forma redonda, dejando la sala caliente y con ganas de más grupos. Mientras se producía el cambio de grupos el técnico nos obsequió con la canción de Dudu, “Burlaos”, muy bien recibida por el publico entre risas y bailes, tras ella otro tema de trap inglés y ya estaban listos Fear my intentions. Fear my intentions, este grupo es una apisonadora, un rodillo, que desde principio a fin del concierto machaca al público a base de potentes ritmos a down-tempo, intercalados con hxc y hardcore metal, los recursos vocales de Alfonso son muy amplios pudiendo observar un buen control del growl y tunnel trhoat. La batería en su sitio, cada golpe esta clavado y la sensación te invade el cuerpo, eres parte del sonido a lo que le sumamos el bajo, cuya presencia está cuidada al detalle con una pedalera que muchos ya quisieran. Encima del escenario son una bola de demolición, transmiten una potencia increíble y la lían, tanto que su bajista se arranco el septum por accidente .Tienes que verlo para sentirlo, jugaban en

casa, lo sabían y se les notaba con ganas de clavarlo y demostrar de que están hechos. tocaron temas antiguos como , “Praise be to Yevon”,“L.I.A.R”, o “Decadence” donde subió Lucas, cantante de Close to te Sky de nuevo al escenario. Entre los 8 temas que tocaron, nos presentaron un nuevo tema llamado “Decadence” en el cual muestran la tendencia que quieren conseguir en el nuevo trabajo, más potente, intenso y contundente. Por fin llegaba el momento de disfrutar de Novelists, los franceses, sobre el escenario vestidos con tonos negros, ejecutaron 7 cortes perfectamente trabajados, en cuanto a sonorización e interpretación, por un lado decir que llevaban su propio técnico, con lo cual realzaban positivamente su sonido, a través de la amplificación de la sala y por otro lado, técnicamente son buenos y saben lo que hacen, aunque cabe destacar la sobrada actuación de Florestan, uno de los guitarras, que dominaba los solos como si fueran una extensión de sus dedos. La actuación fue muy próxima, los franceses se encargaban de que nos sintiéramos en familia, animándonos a acercarnos, jugando con el mosh, transmitiendo mucha energía positiva, que se transformó, en prácticamente toda la sala bailando, mientras sonaban temas como, “Inmedicable”, muy aclamado, “Voyager”, “Souvenirs” temazo que cuenta con su playthrough en youtube y “20years”, con el que cerraron el set haciendo que la gente se sentara en el suelo, tras ello el publico pidió una canción más y repitieron uno de los temas anteriores. Tras varias canciones de trap obsequiadas por el técnico, en el cambio de grupos, era el turno de Fathoms, la gente se mantenía con ganas, pese a la hora que se hizo. El grupo Inglés era la segunda vez que visitaba la ciudad y lo hacían esta vez para presentar su nuevo álbum “Lives, Lived”. Mucha agresividad y mucho movimiento en el escenario, en ocasiones llegando al desorden, con alguna fallo vocal, posiblemente achacado a los conciertos días anteriores y al cansancio, no por ello dejaron de animar al público, muy involucrado incluso compartiendo el micro. Destacar el trabajo de uno de los guitarras, que también canta reforzando lineas y el batería, muy ovacionado por los asistentes, por su buen hacer, entre canciones lanzaban por linea bases gangsta o rap para ambientar su set, el cual se podría decir que se hizo corto. Noche que se pudo hacer corta dadas las ganas de ver a los grupos, pero fue intenso, una noche de domingo, en la que se pudieron encontrar varias excusas para quedarse en casa, como el resplandor de la televisión, el confort de un sofá o la calidez de una manta, pero nuestra excusa desde Necromance Magazine fue


Close to the sky

Fathoms

ntentions + Mordake

Fear My Intentions

Mordake


Wasted Bullet + Brothers Till We Die + Haddock Sala Hangar XIX 23.09.2015 Madrid Crónica: Rafa Eduardo Castro - Fotografía: Juan Morillas

Llega la nueva temporada de conciertos de hardcore/metal en Madrid con un concierto que fue de gran importancia y relevancia para la escena. En esta cita WASTED BULLET, BROTHERS TILL WE DIE y HADDOCK nos ofrecían una gran velada de hardcore en la sala Hangar 19 el 23 de septiembre. El concierto tenía motivo especial y un poco triste ya que fue el show de despedida de WASTED BULLET aquí en Madrid, parte de su farewell tour por la península. También sería la despedida de Bro, bajista de BROTHERS TILL WE DIE ya que deja la banda y este fue su último concierto con ellos. Obviamente, para la primera banda que se montó, HADDOCK, fue un concierto especial porque presentaban su sencillo “Blindfold”.

Brothers Till We Die

Desde que entré a la sala se veía buen ambiente. Una cantidad considerable de asistentes que vinieron a darlo todo a pesar de ser un miércoles. Todo tenía buena pinta. Puntualmente empezó HADDOCK a mostrarnos su hardcore melódico muy bien ejecutado. Calentando al publico con el cover de “Fade To Grey” de la banda CAPSIZE. Con esto ya nos dejaban claro de sus intenciones en la tarima. Se mostraba una banda muy movida, con buen sonido, un frontman que estaba muy entregado, y Leo, su bajista, que animaba al público a dejar la timidez y acercarse más al escenario. Un sonido limpio, melódico y que gustó a muchos. Nos presentaron su tema “Blindfold” de manera muy acertada. Se vieron los primeros bailoteos y las primeras patadas. Esto no fue todo, después de mostrarnos sus temas, terminaban su set con un cover de “Vendetta” de la banda IRATE. En este tema, la gente perdió la cabeza con el crowdkilling, el mosh, el baile violento y la batalla campal en toda la sala. Esto fue positivo tanto para la banda como para el evento. Fue un calentamiento para lo que venía en lo que restaba de la noche. Los proximos fueron BROTHERS TILL WE DIE. Venían también presentando su EP “BLOOD. DEATH. SUFFERING. PAIN” por primera vez en Madrid. Tocando temas nuevos como “Cain Et Abel” o “Batsu” prendieron la fiesta en su show inspirando a más crowdkilling y violencia pura y dura. Estos chicos devoraron la sala con todo el poder de cada tema. Tocaron temas que tenían tiempo tocando como “Backstabbers”, “Respect Yourself”, “No Passion, No Compromise”, o “Lionheart” que tuvo colaboración de Robbert de WASTED BULLET (tal como en el disco “We Will Never Grow Up” de los madrileños). Temas conocidos que ya la mayoría del público conoce y los cuales disfrutan cada vez que las tocan. Se vieron, como siempre, los típicos manotazos y los bailoteos violentos de siempre, además de los famosos mic shares de algunos en el público. Un show muy ameno, muy envolvente, con un sonido aplastante. No dejan a nadie indiferente y estoy seguro que a muchos les gustaría volver a verlos de nuevo. Referente a lo del tema de su bajista Riccardo yéndose de la banda, nos dijo unas palabras de despedida que todos de la banda y del público valoramos. Con todo esto, él mismo introdujo al tema “Real Eyes Realize Real Lies”, con la gente dándolo todo, como siempre. La banda termina su setlist con el aclamado cover de Nicki Minaj “Anaconda”. Bailado y aplaudido por muchos, curiosos por ver el resultado de este cover en vivo, que también estaba incluido en el EP. Con buenos y divertidísimos momentos como estos con este tema se despiden para dejarnos con el plato fuerte de la noche: WASTED BULLET. Se vienen los WASTED BULLET, con su último concierto en Madrid. Tras un breve momento que se tomaron para empezar por pequeños detalles, lograron empezar moviendo a la gente, sobretodo a la gente que los conocía de hace mucho. Se les veían muy contentos de estar en Madrid y agradecidos por todo el apoyo que han recibido tras los años. Tocaron sus temas viejos y nuevos para recordar todo el tiempo de existencia que tuvieron como banda. Con todo esto, la gente se movió con el mismo mosh aunque no tanto como en las previas dos bandas. La banda supo animar bien a la gente, con unos breakdowns poderosos, 2 steps notables y una energía apoteósica que dejó a muchos queriendo más. Para muchos fue una banda clave ya que tienen tiempo viniendo y muchos ya les han visto en vivo, pero con la primera vez que les vi, me parecieron contundentes pero se me hizo algo corto. Su setlist me pareció corto para ser show de despedida en Madrid. Me dejan con buen sabor de boca porque me gusto como sonaban y como respondió el público. Les deseo lo mejor en sus proyectos futuros, al igual que Riccardo en sus próximas andanzas musicales. Si hablamos del concierto entero, fue un concierto bastante ameno que hizo feliz a muchos que ya ansiaban con empezar la temporada, y el cual fue con buen pie. Un miércoles con música para descargar y escapar un poco de la rutina nunca cae mal para nadie. Les deseamos lo mejor a todas las bandas y a todos los músicos. Esperemos que surjan más conciertos así y pasarla bien como esta noche.

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Haddock


Brothers Till We Die

Wasted Bullet

Wasted Bullet


CANCER BATS + This Drama + Wilderness Sala 16 Toneladas 10.09.2015 Valencia (Rockzone) Fotografía: Adrián Morote

Cancer Bats

Sonnöv Cancer Bats


This Drama

Wilderness


NOVELISTS + FATHOMS + Nebraska + When Braves Reborn Sala Hangar XIX 18.09.2015 Madrid (FACG Productions) Fotografía: José Otero

Novelists

Novelists

Novelists

Fathoms

Fathoms

Fathoms


Fathoms

Nebraska

When Braves Reborn

Novelists

Nebraska

Fathoms

When Braves Reborn


To Kill Achilles

Novelists

HELIA + SKIES IN MOTION + TO KILL ACHILLES + SUKRA Sala Hangar XIX 15.09.2015 Madrid (FACG Productions) FotografĂ­a: Juan Morillas

To Kill Achilles

Skies in Motion

Helia

Sukra


Skies in Motion

Sukra

Sukra

Skies in motion


Suffocation

Chabtan

Embryo

Chabtan

Suffocation

Embryo


Chabtan

NILE + SUFFOCATION + Embryo + Chabtan Sala Santana 27, 15.09.2015 Bilbao (Madness Live!) Fotografía: Jaime García

Suffocation

Embryo

Suffocation

Suffocation


Necromance septiembre 2015  

Número de septiembre de la revista digital de Necromance con Black Devil en portada.

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