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En este número: 5 - EDITORIAL Y CONTENIDOS 8 - CD RECOPILATORIO DIGITAL 12 a 35 - ZONA DE ENTREVISTAS 14 - Pro Septico (España) 15 - Trallery (España) 16 - The Downspiral To Hell (España) 17 - Mortsubite (España) 18 - Barbarian Swords (España) 20 - Abductum (España) 22 - Twelve Foot Ninja (Australia) 24 - Death & Legacy (España) 26 - Violent Eve (España) 28 - Catorce (España) 30 - Klee Project (Italia) 32 - Close To The Sky (España)

36 a 87 - ZONA DE CRÍTICAS

Abductum, Adversor, Adx, Aggravator, Alcest, Amaranthe, Among Gods, Archaic Decapitator, Arkadia, Art Of Deception, As Lions, Asphyx, Barbarian Swords, Barrow Wight, Be That As It May, Beyond Chronicles, Big Jesus, Binary Creed, Black Yet Full Of Stars, Booby Trap, Boston Manor, Carnophage, Catorce, Cloak, Close To The Sky, Conceived By Hate, Condor, Countless Skies, Crimson Fire, Dance Gavin Dance, Death & Legacy, Debackliner, Derealized, Disclarity, Epica, Eversin, Famous Last Words, Fetid Zombie, Fit For A King, For I Am King, Freya, Glass Houses, Glorior Belli, Grausig, Groovenom, Guttural Corpora Cavernosa, Harm, Hellsodomy, Here and Now, Heretique, High Fighter, Hobb’s Angel Of Death, Inanimate Existence, Infernal Diatribe, In Mourning, Insomnium, In The Woods..., In Twilight’s embrace, Invoking The Abstract,Jinjer, Klee Project, Korgonthurus, Korn, Lost Opera, Magoa, Mastiff, Mekaora, Meshuggah, Monsterworks, Morthus, Mortsubite, NoFX, Omega Diatribe, Of wolves and bones, Profanatica, Putrified, Raspail, Red Fang, Riket, Silverbones, Sixty Miles Ahead, Skunk D.F., Sonata Artica, Sonic Syndicate, Souls Of Diotima, Steignyr, Storm of particles, Subterranean Disposition, Suicidal Tendencies, Surtur, Temtris, Testament, Terrorway, The Anthagonist, The Browning, The Devil Wears Prada, The Dillinger Escape Plan, These Hands Conspire, Third Ion, Thrashit, Thy Worshiper, To The Wind, Traitors, Trallery, Ugf, Ulcer, Unexpectance, Usurpress, Vanhelgd, Venomous Fiction, Vex, Vidian, Violent Eve, Warfist

88 a 93 - ZONA DE CRÓNICAS LIVE 88 - Megara + Trece Días 89 - Katatonia + Agent Fresco + Vola 90 - Aquelarre Metalrock Fest 4

94 a 101 - ZONA DE LIVE SHOTS

94 - Born of Osiris + Veil of Maya + Volumes + black Crown initiate 96 - Destruction + Flotsam & Jetsam + Enforcer + Nervosa 98 - Crisix + Suicidal Angels + Evil Invaders + Skull Fist 100 - Dark Funeral + Krisiun

DIRECTOR | EDITOR: David Déniz Plaza

PORTADA: Violent Eve

REDACCIÓN | MAQUETACIÓN: David Déniz Plaza

CONSULTAS: digitalmag@necromance.eu PUBLICIDAD: advert@necromance.eu

REDACTORES | CRONISTAS: Alberto Zamora, Álvaro Castilla, Álvaro García Benito, Aquiles Remón, Carlos Bermejo, David Ibañez Ortuño, Diego Galindo, Enrique Prieto, Gabriel Pastor Sánchez, Héctor Hidalgo Arévalo, Héctor Lorenzo, Jesús Muñoz Caballero, Jorge De La Cruz, Jorge El Alaouni, Juan Angel Martos, Lluís García Sola, Luis Martínez, Robin RM, Santi Gzlez, Vicente Sánchez

DIRECCIÓN DE CONTACTO: NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE Apdo. de correos 234 38320 La Cuesta - Tenerife España

FOTÓGRAFOS: Jorge De La Cruz, Juan Morillas, Lluís García Sola, Manuel Harari Blanco

WEB | REDES SOCIALES: WEB: www.necromance.eu FACEBOOK: Necromancedigitalmag INSTAGRAM: Necromance.official TWITTER: Necromanceweb

PRÓXIMO NÚMERO DISPONIBLE EL 30.11.2016


CD DIGITAL - OCTUBRE 2016 TEMA 13: DYING EMPIRE (DEU) WORTHLESS

“Dystopia” CD 2016 (Art gates Records) Facebook: DyingEmpire

TEMA 14: RAVEN’S GATE (ESP) POWERLIFE

“Blackstar Machinery” CD 2016 (Art gates Records) Facebook: RavensGateMetal

TEMA 15: BLINDED FOR LIES (ESP) HEAVY HEARTED

“Unity” CD 2016 (Necromance Records) Facebook: BlindedForLies

TEMA 16: GODDAMN (ESP) BLACKENED

“More Human Than Us” CD 2016 (Necromance Records) Facebook: GoddamnOfficialSpain

TEMA 17: ABSENTA (ESP) BURYING ANOTHER PART OF MY SOUL “Eel” CD 2016 (Necromance Records) Facebook: absentametal

TEMA 18: BOLU2 DEATH (ESP) DANCE-CORE PARTY

“Dualitas” CD 2016 (Necromance Records) Facebook: Bolu2death

TEMA 1: KLEE PROJECT (ITA) EVERYBODY KNOWS

TEMA 7: SINNERY (ISR) BLACK WIDOW

TEMA 2: TO THE WIND (USA) THE BRIGHTER VIEW

TEMA 8: QAANAAQ (ITA) UNTIMELY AT FUNERALS

“The Long Way” CD 2016 (Mermorial Records) Facebook: kleeproject

“The Brighter View” CD 2016 (Pure Noise Records) Facebook: ToTheWindNW

TEMA 3: VOID OF VISION (AUS) CTRL FREAK

“Children of Chrome” CD 2016 (UNFD) Facebook: voidofvision

TEMA 4: STICK TO YOUR GUNS (USA) NO TOLERANCE

“Better Ash Than Dust” CD EP 2016 (Pure Noise Rcs.) Facebook: STYGoc

“A fest of fools” CD 2016 (Pitchblack Records) Facebook: SinneryBand

“Escape from the black iced forest” CD 2016 (Metal Scrap Records) Facebook: qaanaaqmetalband

TEMA 9: SHADOW REBELS (ISR) YOU DON’T FEEL GOOD!

“Oversleep Hurricane” CD 2015 (Another Side records) Facebook: SHADOWREBELS

TEMA 10: VARANG NORD (LTV) BLOOD FOR BLOOD

TEMA 5: MEAT TRAIN (GBR) BLOCK 11

“Fire Of The North” MCD 2015 (Metal Scrap Records) Facebook: varangnord

TEMA 6: DEBACKLINER (FRA) PANDORA

“Feel” DIGITAL CD 2015 (Another Side Records) Facebook: -

New song for upcoming release Facebook: meattrainband

“Debackliner” CD 2016 (Pitchblack records) Facebook: debackliner

TEMA 11: MRIYA ZHYTTYA (UKR) DON’T YOU DARE FALL TEMA 12: TRALLERY (ESP) SPIRITLESS

“Spiritless” CD 2016 (Art gates Records) Facebook: TRALLERY

NECROMANCERECORDS.BANDCAMP.COM


ZONA DE ENTREVISTAS PRO SEPTICO

pag. 13

ABDUCTUM

pag. 20

KLEE PROJECT

pag. 30

TRALLERY

pag. 14

TWELVE FOOT NINJA

pag. 22

CLOSE TO THE SKY

pag. 32

THE DOWNSPIRAL TO HELL

pag. 15

DEATH & LEGACY

pag. 24

MORTSUBITE

pag. 17

VIOLENT EVE

pag. 26

BARBARIAN SWORDS

pag. 18

CATORCE

pag. 28


PRO SEPTICO

Garrulo Gaspar, garrulo el menda, por eso esta entrevista se nos pasó a los dos y quedó un poco desfasada la pregunta sobre un festival que se celebró el día 1 de octubre en Valencia. Pero aquí tenemos la presentación de “La venganza de los cerdos”. Gaspar, te insisto: si pagas la tarifa básica, obtienes la entrevista básica. Si quieres algo más trabajado tendrás que untarme más. Para empezar empezamos por esa original pregunta que reza: ¿Quiénes son PRO SEPTICO en septiembre de 2016? Pues la menos básica, no pago ni en 2016 ni en 1916, eso es para los que corrompen este mundillo. En 2016 somos los mismos del disco anterior. Bañon a las guitarras y programación de baterías, Fli a las voces y Gaspar al bajo y organización de todo lo que conlleva la banda. “Desmembrada y penetrada” de 2013 fue vuestro debut. ¿Cómo valoras aquel lanzamiento pasados dos años? ¿Se movieron bien todas las copias editadas? ¿Aún te queda alguna? ¿Los medios de difusión fueron buenos y lo promocionaron adecuadamente? Anteriormente salió alguna promo demo y un Split, y el primer larga duración fue “Desmembrada y Penetrada” donde estábamos Bañon, Icaro y Davo a las voces y un servidor. Sí, tuvo buena crítica, de echo se hizo en CDr un formato que me gusta para este tipo de bandas y ediciones y llegamos hacer bastantes, y de echo sigo haciendo cuando me hacen falta. Vamos, que no es una tirada limitada. De echo hace una semana me vinieron más. “Foca séptica” fue su continuación, pero casi seguida. En 2014. De este trabajo ¿qué tal? ¿Todavía contento con esa grabación? Sí, “Foca séptica” fue coeditado con muchos sellos colaboradores y editores y por mi parte fue agotado hace ya casi un año ya, fue un disco distinto, en cuanto al cambio de voces ya salió Icaro y Davo y entró Fli. La composición fue más tirando al death y el gore sin perder la brutalidad, la gente mas trve del gore grind la perdimos porque no entendían la mezcla, pero ganamos a otro público y sin perder a los que les gusta lo que hacemos, PRO SEPTICO es diferente, de ahí lo bueno de la música. PRO SEPTICO también ha estado en los tributos oficiales a las bandas VOMITORY, DEAD INFECTION y BRUTAL TRUTH. ¿Ha sido útil a nivel promocional el estar presente en tres tributos? ¿Notaste más atención en PRO SEPTICO después de que escuchasen vuestras versiones? No, que va, metí a la banda porque la llevo yo y decido yo, básicamente es eso, y como con el sello quería hacer esos tributos dedicados a bandas Death metal, gore grind y grindcore, pues decidí esas bandas y eran tributos oficiales, osea que necesitaba bandas y como no voy a meter una mía, y decidí estas bandas, de echo hicimos otra cover a ENTHRONED que sale en este disco, ha HAEMORRAGHE hicimos otra en otro tributo y a TU CARNE también, ambas bandas buenas y reconocidas una de tiempo y otra después aun siendo longeva también y alguna hemos hecho a otras bandas por diversión, siempre es bueno hacer alguna de alguna banda, pero vamos, la atención es la misma, no pienso si eso influye a la banda. Toda esa tanta de preguntas viene para que la gente tome conciencia de que PRO SEPTICO son una banda con varios trabajos y que “La venganza de los cerdos” es su nuevo disco. En anteriores discos variasteis algo el estilo, se escuchaban cosas más Thrash, algunas más Death… ¿dónde crees qué están encuadradas las canciones de este nuevo lanzamiento? En lo mismo, no hay encuadre salvo en las voces que hay desencuadre, jajaja, la música fluye y si sale un ritmo thraser, o progresivo, o brutal, nos da igual, lo compaginamos con canciones de un minuto o otras que duran casi cuatro, tienes que ser abierto a la música y que te trasmita algo, si no

lo hace, no lo escuches, si lo haces, escúchalo y disfrútalo, no juzgues por la apariencia sino por el contenido. ¿Cuánto tiempo os ha llevado dar forma a “La venganza de los cerdos”? Pues llevamos liados como diez meses o así. Un “La venganza de los cerdos” con versión la “As The Wolves Howl Again” de ENTHRONED y el tema que incluisteis en el tributo a Los Chicos y ¡¡una versión de “La chica Ye Ye” de Conchita Velasco. No es serio, Gaspar, ja, ja… mezclar a Conchita Velasco con ENTHRONED. ¿No hay nada sagrado en PRO SEPTICO? La música es seria en este proyecto, si lo escuchas, lo que no es de un estilo en concreto ni lo encasillas en nada, es lo bueno (para mí) si no no sería divertido, la canción de ENTHRONED merecía estar ahí, me gusta el black metal, y evidentemente no voy hacer tributo a una banda de black con bandas black o death, por mil razones que no voy ha contar aquí, pero si alguien para mí lo merece es esta banda, y busqué esta canción que es larga, de los primeros discos y muy buena para mí. La cover de “La chica Ye Ye” es una conversación con Juancar de AVULSED y me dijo: «tengo esta letra y si quieres la utilizas para algo», y le dije: «pues mira, la haré y la meto en alguna banda», y decidí meterla aquí. La portada de “La venganza de los cerdos” es obra de Putrid Carcass, que también ha realizado las portadas de NIBIRU, NOTA NECROLÓGICA, PORK TRUE o IMNÓTICA, grupos donde tú estás metido. Macho, ¿no variamos de portadista? ¿Tan convencido estás de que si algo funciona no hay que tocarlo? Sí, soy inflexible en ese tema, y más cuando me he salido del camino ha probar otros más baratos o esto y lo otro, o era plagio que ahora se llama ilustración o no cumplían, y me ha pasado en diseñadores, los que imprimen camisetas, CDs, etc… Ahora tengo mis proveedores que no me fallan, si necesito algo urgente lo tengo y si necesito flexibilidad la tengo, y eso para mí no tiene precio y mientras funcionemos ambas partes, ambas partes trabajaremos siempre juntos. ¿Cuántas copias hay editadas de “La venganza de los cerdos” y a qué precio las vas a dejar? “La venganza de los cerdos” ha sido edición de 1000 unidades y tres sellos. Goresick de Madrid que lo lleva Javier, Pathologically Explicit Recordings que lo lleva Fernando de Córdoba, y gran amigo que me apoya en casi todo lo que hago, y Base Record Production. Los «Me gusta» esos de Facebook están de puta madre, pero no valen para mover copias. A nivel real, ¿cuánto tiempo crees que tardarás en mover un lanzamiento minoritario como “La venganza de los cerdos”? No hago casi caso a los me gusta, mucho, tampoco lo muevo como debería debido a mucha faena, pero no lo sé, eso me lo dirá el tiempo, puede que en siete meses no me queden o en siete años aunque me queden, veremos a ver al gente cómo responde. Y si antes de comprar el formato queremos escucharlo… ¿tenéis Bandcamp? ¿Dónde dar una escucha a vuestra música? No tengo tiempo para eso todavía, voy subiendo canciones y seguro que más de uno subirá el disco al YouTube. NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | 13 | SEPTIEMBRE 2016

Creo que PRO SEPTICO va a sacar un split con WXOXB en vinilo. ¿Es verdad eso de qué hay un revival de vinilo o hay mucha boquilla y realmente apenas se venden esos trozos de plástico no biodegradable? Yo solo compro vinilos para mí, es el formato nostálgico y créeme que él se quedará, conozco a sellos que venden más vinilos que CDs, en mi caso es al revés, pero desde luego valoro más el ritual de poner un disco que meter un CD algún lado. El CD lo utilizo para escucharlo a diario en el coche, y ahí los reviento, y desde luego como colecciones ocupa menos espacio, pero sigo pensando que el formato físico es lo mejor, aunque por desgracia va a menos. Eso sí, “La venganza de los cerdos” lo edita Base Record Production, tu propio sello. ¿Nada mejor que la propia casa para sacar nuestra música? ¿No crees que moverlo por otros sellos podría darle más promoción? Como te he dicho hay dos sellos coeditores, somos tres sellos españoles que ocupamos y distribuimos las 1000 unidades. Ya llevas unos años con Base Record Production. ¿Darías algún consejo a alguien que quisiera formar un sello discográfico en 2016? Pues va hacer seis ahora mismo y no, consejo no. Pienso que el que se tire al río a montar un sello con lo que lleva, es porque le gusta, es pasión y hobbie a la vez, y evidentemente tendrá mi apoyo en lo poco que llevo con ello. El próximo día 1 de octubre se celebra en Alzira (Valencia) la tercera edición del festival Valencia Shit Metal, en el que estás metido en la organización. ¿Cómo van las ventas de entradas? Pues floja como cualquier evento extremo y más aún cuando montan uno de metal extremo prácticamente cerca, aparte de tres más menos extremos que no nos afectarán pero bueno, es lo que hay en esto. Esperaremos pasar una buena velada todos, que es de lo que se trata. Llegamos a la despedida porque no has pagado la tarifa extra. Como me he podido olvidar algo, puedes añadir lo que consideres más oportuno. No, para qué, si luego esto no lo leerá nadie, jajaja. No, en serio, gracias por el apoyo, y espero que el underground esté más unido, como antes. Por Arcadio Rodríguez


TRALLERY TRALLERY están de vuelta y vaya si lo han hecho. Su último trabajo “Spiritless” es un discazo, disfrutable de principio a fin. Desde Necromance Digital Magazine, nos pusimos en contacto con ellos para conocer un poco más sobre su nuevo álbum. Primero de todo, daros la enhorabuena por el disco que os habéis marcado. Para quien aún no os conozca, ¿Quiénes son TRALLERY y que encierra vuestro nombre? Para empezar muchas gracias, un placer que se tenga en cuenta desde los medios a las bandas emergentes. Trallery nace como algo colateral de lo que empezó siendo White Shadow, fundada por Biel y Humberto a la que se une Sebastià, la idea inicial fue la de hacer un tributo a Metallica, pero al poco tiempo y con los ensayos empezaron a salir ideas y compusimos lo que fueron los primeros temas de la banda. El cambio de nombre a Trallery fue resultado de que en nuestros conciertos (ya con White Shadow) el “grito de guerra” era “¿Queréis Tralla?”… y en un momento dado decidimos cambiarnos el nombre a Trallery, usando ese juego de palabras que a día de hoy nos gusta pensar que está a caballo entre “tralla” y “tragedy – tragedia” en inglés. Habéis vuelto a grabar en Psychosomatic Recording Studio ¿Cómo ha sido el proceso de grabación? ¿alguna anécdota que podáis contarnos? Como trío que sois, en el disco utilizáis dos guitarras, ¿Cómo suplís esto en directo?, la verdad es que os he visto y sonáis brutales. El proceso de grabación ha sido mucho más fluido que en el disco anterior, ya conocíamos a Mega (Miquel Àngel Riutort) y con él hay mucha amistad, además el proyecto ya empezaba a cobrar forma y teníamos más claro cuál tenía que ser nuestro sonido para “Spiritless”. Las necesidades de la producción están allí, además de sonar más de una guitarra habiendo sólo un guitarrista, también hay muchas segundas voces pero sólo canta uno en la banda. Desde el momento de la composición ya pensamos en cómo serán los temas en directo y si va a ser posible que lo podamos hacer sonar entre tres. El trabajo y el resultado del estudio creo que es una representación lo más parecida posible a cómo uno se imagina la canción en su cabeza, en este punto toca resaltar el buen trabajo de Mega, facilita mucho tener un buen productor para poder plasmar todo lo que se tiene en mente. Además de esto, el disco tiene un sonido muy directo y limpio, masterizado por Hay Zeelen (SEPULTURA, SATYRICON ¿Por qué lo elegisteis a él? ¿ya lo conocíais? Lo creíamos necesario para dar un paso más en lo referente al sonido. En un momento de su carrera Hay decidió trasladarse a Mallorca y es aquí dónde actualmente está trabajando. No en persona, pero ya conocíamos su trabajo y decidimos dar el último paso referente al sonido del álbum con él. Con respecto a vuestros trabajos anteriores, habéis evolucionado con un sonido más oscuro y técnico. ¿Qué os ha llevado hacia este camino? ¿es la evolución natural del grupo? Creemos que la representación más parecida a lo que tenemos en mente requiere de un sonido oscuro y una imagen que vaya a la par. No diríamos de algo en concreto que nos haya llevado hacia ese camino, tampoco buscamos componer cosas técnicas, hacemos lo que nos gusta y si lo que componemos requiere de una técnica elaborada, habrá que poder tocarlo. Al igual que en las letras, en este álbum desarrolláis una temática concre-

ta, aunque muy abierta, basado en las emociones ¿Podéis hablarnos del concepto que pretendéis transmitir al público y sobre lo que tratan alguna de vuestras letras? Algo que los tres tenemos en común es que el Metal lo vemos como una forma de expresar esta clase de emociones personales e íntimas: rabia, agonía, angustia, tristeza y demás. Sentimientos que como tales no son fáciles de describir. A la gente le queremos transmitir ese desahogo que sentimos cuando hacemos nuestra música, también queremos que reciban el mensaje que transmite y la energía con la que queremos que lo reciban dándolo todo en los escenarios. Si tuvierais que resaltar algún o algunos temas del álbum, ¿con cuál os quedaríais? ¿Cuál ha sido el más complejo de darle forma? Personalmente me quedo con “Evil Pride”, “Spiritless”, “Hunt To Kill” o “Time Is Over”, aunque a decir verdad el disco entero me parece una pasada. ¿Algo curioso que contar sobre las letras de estos temas o que encierre alguno de ellos? La verdad que lo hemos hablado y no hay ninguno con el que nos quedemos o coincidamos los tres en concreto, a cada uno le vemos algo diferente y eso es lo que también nos gusta de “Spiritless”, que cada tema nos parece y tiene algo que lo distingue. Time Is Over tiene una letra de las letras que más me gusta, dos perspectivas diferentes de una misma persona de cómo siente que algo se acaba, de cómo está llegando a su final. Deseando de tenerlo en mi mano, ¿Cuándo estará físicamente el disco? ¿Cómo podremos hacernos con una copia del mismo? Para el 4 de Noviembre tendremos las copias físicas en nuestras manos por supuesto, es el día del lanzamiento a nivel nacional, por lo que no hay excusa! Para hacerse con “Spiritless” puedes acudir tanto a los medios que ofrecerá Art Gates Records como la banda. Creo que estaréis deseando salir a la carretera, ¿Algunas fechas que podáis adelantarnos? ¿Cómo convenceríais al público indeciso de acudir a vuestros conciertos, que es lo que se va a encontrar en ellos? Nada que de momento se pueda desvelar. Diríamos que Trallery es una experiencia en la que pretendemos incluir a todo el que esté presente, queremos que desde ese momento en adelante forme parte de la banda de una u otra manera. No queremos dejar a nadie indiferente. No sé si seréis de tradición antigua y compráis los CDS físicamente, o sin embargo estáis adaptados a la era digital. ¿Cuál ha sido el último CD que habéis comprado físicamente? Decidme tres grupos nacionales o internacionales que nos recomendéis. Diría que estamos adaptados a ambas. De los últimos discos que hemos adquirido físicamente han sido “Katatonia – Dethroned & Uncrowned” y “Jeff Buckley – Grace” por parte de Sebastià, “Death – Human” por parte de Humberto y “Pat Metheny – Secret Story” por parte de Biel, imaginamos que no hará ni dos semanas de estas adquisiciones jaja. Ahora mismo estamos enganchados a Gojira y Katatonia sobre todo, si tuviéramos que recomendar bandas nacionales puede que nos quedáramos cortos y nos dolería olvidarnos de según cuáles, Nuckin’ Futs, Angelus Apatrida, Cri-

NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | 14 | OCTUBRE 2016

six, Bleed The Man, Prosthetics… Sentimos que no hayan podido ser sólo tres jaja. Una pregunta un tanto de opinión, aparte de músicos, como fans ¿Cómo se apoya o como apoyaríais a la escena underground? Porque es una cosa que falta en este país. Hace falta entusiasmo en la escena, tanto por parte de los fans como de algunos músicos, ver a un grupo dejándose la piel en el escenario ayuda a que los que te siguen también se la dejen detrás de ti. Como fans apoyamos al máximo tratando de ir a todos los conciertos que podamos y apoyando a las bandas comprándoles el merchan y demás. Acabáis de fichar por Art Gates Records (KILLUS, NOCTEM, LA SKALA DE RICHTER), un sello con proyección internacional. ¿Como ha sido la búsqueda del sello y la elección final? Ya durante el proceso y sobre todo al finalizar la grabación de “Spiritless” nos dedicamos a la búsqueda de un sello que fuera más con la nueva etapa en la que nos veíamos inmersos, imaginamos que será como todo, fue cuestión de investigar y ponernos al día sobre lo que más nos convenía y en un momento dado se nos facilitó en contacto de Xavier de Art Gates Records, sabíamos que había interés tanto por su parte como por la nuestra y aquí empezamos a encaminar como sería el lanzamiento de “Spiritless”. Personalmente me encanta vuestra portada, la veo muy “Spiritless”. ¿Quién os ha realizado el artwork? ¿Qué significado pretendéis transmitir con esta portada?, es decir ¿Qué refleja la portada del interior del disco, de vuestra música? Primero de todo muchas gracias, el trabajo ha sido realizado por Irene Gayà, la hermana de Biel. Sabíamos que para transmitir la temática que se ha reflejado en “Spiritless” necesitábamos un arte más oscuro, surrealista y abstracto, se lo propusimos a Irene y ella aceptó; las letras hacen referencia a emociones, sentimientos, personalidades y demás conceptos que son muy difíciles de describir e interpretar, queríamos que esa fuera la sensación que recibiera la gente al ver la portada. El hermano de Biel, Sebastià Gayà, es quien ha diseñado el nuevo logo de la banda, él recibió antes que nadie la necesidad de una perspectiva diferente y que nos caracterizara mejor. Creemos que este cambio de imagen ha sido uno de los pasos más acertados en lo que llevamos de carrera, ha sido un reflejo exacto de lo que queríamos, desde aquí nuestro agradecimiento a Sebastià y a Irene por el pedazo de trabajo que han hecho ¡¡Son los mejores!! Por último, ha sido un placer poder hablar con vosotros, para NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE, y esperamos hacernos eco de vuestro próximo trabajo ¿alguna cosa más que queráis añadir? Transmitir el agradecimiento a medios e iniciativas como Necromance por apoyar a bandas que están surgiendo en una parte de la escena un tanto más recóndita que la meramente visible ¡¡Un saludo desde Mallorca compañeros!!.

Por Juan Angel Martos


THE DOWNSPIRAL TO HELL apto para todos los gustos. Sobre esos cinco discos podría nombrarte “Persecution mania” de SODOM, “The sham mirrors” de ARCTURUS, “Elegy” de AMORPHIS, John Carpenter y Clint Mansell hablando de compositores englobando toda su obra.

El Black Metal de THE DOWNSPIRAL TO HELL no es apto para todos los oídos, de hecho seguro que hay más de uno que no lo considera ni Black Metal, pero digan lo que digan, los hermanos Miranda ya tienen su tercer disco y titulado “Unusual Methods To Dismember The Spiritual Halo”. THE DOWNSPIRAL TO HELL sois los hermanos Miranda de Soria… ¿o de Zaragoza? ¿Ahora mismo dónde está afincada la banda? Somos nacidos en Madrid, hemos vivido y pasado nuestra infancia en Arcos de Jalón (Soria) y, actualmente, afincados en Zaragoza. Vamos a poner al día a los lectores con THE DOWNSPIRAL TO HELL. Y lo primero que quiero indicar es que tenéis un Bandcamp donde poder escuchar vuestros tres discos (https:// thedownspiraltohell.bandcamp.com). ¿Conscientes de la importancia de las nuevas tecnologías y sois vosotros mismos los que lleváis estos temas o confiáis en personas ajenas al grupo que actualizan las páginas webs de THE DOWNSPIRAL TO HELL? Somos conscientes de la importancia, hoy día, del tema de las nuevas tecnologías y, más concretamente, de las redes sociales. Directamente asociadas al tema publicitario, con y desde ella la difusión de nuestra banda, nuestro arte y nuestra música es mucho más rápida y fácil. Por todo esto, nosotros mismos diseñamos y manejamos todas nuestras redes sociales. El primer disco editado por vosotros fue “Thorn” (2004) ¿Aún hay copias disponibles? Leí en una entrevista que ese disco nunca llegó a ser editado… pero yo lo escuché e hice una reseña de él. Y si me pongo a buscar seguro que encuentro la copia. ¿Acláranos qué pasó con ese disco? “Thorn” tiene una gran historia para la banda. Mucho antes, los dos hermanos tocábamos junto a otros músicos pero, no obstante, no nos sentíamos plenamente realizados con el tipo de música que hacíamos. Nos separamos y el disco fue nuestra primera creación “en solitario”. Intenso y escuchándolo hoy día, con gran cantidad de ideas, estructuras y detalles que mucho más desarrollados y complementados con otros, elaboramos en lo que hacemos. “Thorn” nunca fue editado y las copias que haya por ahí son en formato CDr. Quedó relegado a una intención propia, nuestra, interna y que de todas formas, sí podría llegar a manos de cualquier interesado que nos lo pidiera. Luego vino “The Advent of Neurosis” (2008). A veces el primer disco es el que mejor promoción tiene, por eso de la novedad, aunque el segundo suele mejorar a nivel sonoro y compositivo. ¿Cómo recordáis vosotros la acogida de vuestro segundo CD? ¿Contentos con su resultado? Siempre hay cosas por mejorar en una primera grabación, en una se-

gunda y seguro que en la actual sucede lo mismo. Pero en el momento de la gestación está claro que pones el 100% de tu energía focalizada en obtener el mejor resultado posible. Pienso que “The Advent…” podríamos haberlo promocionado mucho más, confiamos en su edición a través de CDG Records pero luego le perdimos la pista. Supongo que todavía será un disco para descubrir por mucha gente y en general podemos decir que quedamos muy satisfechos con el resultado y su acogida. ¿En algún momento hubo algún concierto de presentación de alguno de esos dos discos? No, lo cierto es que desde el comienzo la banda ha estado centrada únicamente en la composición y grabación en estudio. Nunca ha habido conciertos ni intención de formar un grupo estable en cuanto a directos, lo que realmente nos motiva es la creación y el desarrollo de unas ideas muy concretas. Ahora toca mover “Unusual Methods To Dismember The Spiritual Halo”, vuestro tercer disco. Espero que algunos que lean esta entrevista ya estén escuchándolo en el Bandcamp, de no ser así… ¿a qué suena ese tercer disco? ¿Te atreves a nombrar esos cinco discos que más hayan influenciado el nuevo trabajo de THE DOWNSPIRAL TO HELL? Sois un lío compositivo y con un sonido no apto para todos los gustos… Suena a una “violencia expresiva” que podría llevarte desde los sentidos más hipnóticos hasta los más demoledores. El resultado final es nuestro objetivo, todo él matizado mediante detalles constantes y un ritmo artístico que, aunque los tempos sean medios o pausados, en ningún instante padezca de parecer débil. La composición es un ámbito primordial en nuestra música, las capas de sonidos de la partitura que pueden llegar a descubrirse son numerosas y por eso, tal vez, parezca complejo en unas primeras escuchas. Invitamos a todos las personas que se animen a escucharnos que lo hagan y “buceen” una y otra vez fijándose ahora en las guitarras, ahora en los sintetizadores, más tarde en los arreglos…Cuando has fijado un instrumento como melodía principal de pronto, si incrementas un poquito el estudio musical, pasa a un segundo plano descubriéndose la fuerza primera de otro que te parecía segundo. En definitiva, como has dicho, no NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | 15 | OCTUBRE 2016

Eso sí, a parte de escuchar vuestra música en Bandcamp también hay copias físicas de “Unusual Methods To Dismember The Spiritual Halo” con Base Record Production e impresas en digipack. ¿La idea del digipack fue vuestra o de Base Record Production? Ambas partes llegamos a un acuerdo en cuanto a su formato físico para distribuirlo. Fue algo rápido y no tardamos en concretar esa idea, ya que para nosotros era importante tener algún apoyo a la hora de su distribución. La idea del formato físico es algo muy atractivo para alguien que ha crecido sin conocer las nuevas tecnologías, es algo que te lleva directamente al pasado donde muchos de nosotros hemos conocido directamente el vinilo como algo primigenio. Y ¿por qué Base Record Production? Después de ocho años sin editar ningún disco, ¿estáis al tanto de lo que pasa alrededor del negocio musical? ¿Mirasteis más sellos? ¿Tenéis alguna opinión sobre cómo está el mercado discográfico ahora mismo? En general siempre hemos estado bastante desconectados en todo lo relativo al mercado, creo que vivimos un poco al margen del llamado negocio musical. Básicamente nosotros tenemos la necesidad vital de hacer música, el resto viene añadido pero no es fundamental, no es nuestro objetivo. Base Record tuvo interés y nos pareció adecuado apostar por ello, es muy importante que alguien muestre interés por lo que haces, así que realmente no hemos buscado demasiado a nivel discográfico. Actualmente todo es demasiado fugaz y la música no tiene el valor que tenía, quizás mi sensación es que se está convirtiendo en algo de usar y tirar, como tantas otras cosas. El mayor sonido de THE DOWNSPIRAL TO HELL es el Black Metal, pero también hay temas con sonidos diferentes o voces en tonos medios como “The Canvas of confusion”. ¿Toda la grabación es de los hermanos Miranda? ¿No hay personas ajenas colaborando en el disco? ¿No necesitáis ayudas en voces o con algunas solistas? Los dos hermanos llevamos a cabo todo el proceso de creación del disco, desde interpretación de instrumentos, voces, mezclas hasta la misma masterización. Tenemos la suerte de fusionar los conceptos de ambos en uno solo con verdadera unidad y, con el paso del tiempo, los dos hemos conseguido los matices que siempre deseamos tanto interpretando como componiendo. Nadie más ha participado en ninguno de los tres discos y, como te digo, ni en el aspecto de las voces ni el de solistas. A pesar de tener un sonido muy Black Metal, hay temas como “Outside emptiness” que causarán estragos a los más puristas. ¿Hay algún límite compositivo en THE DOWNSPIRAL TO


HELL? El inicio del tema que nos comentas es una verdadera esquizofrenia compositiva, ¡un placer para nosotros el escucharlo tras haberlo compuesto! Treinta primeros segundos de locura y unas secuencias posteriores que van a parar al primer fragmentos jazzístico de la obra (intencionadamente más sencillo que el segundo del disco, de composición mucho más compleja, que aparece en el minuto dos del tema “Not alone”, el siguiente al que comentamos). Las voces de “Outside emptiness” se radicalizan de forma absoluta y sus registros son el resumen de su empleo drástico en todo el global de la obra. ¡Nos alegra enormemente que nos preguntes por un tema de estas características! Y los estragos que pudieran producir en los puristas son, realmente, un halago para nuestro tipo de arte. No, definitivamente los límites de TDTH sólo descansan en el futuro, si los hubiere… “Unusual Methods To Dismember The Spiritual Halo” lo habéis grabado con vuestros propios medios, ¿durante cuánto tiempo? ¿Qué es lo que más complicado os resulta a la hora de dejar el sonido como lo tenéis en mente? El proceso de gestación ha sido muy largo y bastante complejo. Siempre comenzamos grabando las bases y los arreglos sobre ellas, después vienen las letras y grabación de voces. Nuestro ritmo de trabajo es lento ya que además valoramos dar lo máximo de nosotros, por lo cual hasta que algo no nos satisface seguimos regrabando, añadiendo arreglos, quitando voces, etc. Podría decirte que hemos estado entre tres y cuatro años hasta que todo el trabajo ha sido concluido. En ocasiones el sonido final va naciendo según avanza la grabación, es como empezar algo sin saber realmente lo que quieres y lo que vas a encontrar finalmente, todo surge por el camino. Cuando empezasteis a componer el nuevo CD para THE DOWNSPIRAL TO HELL algo, aunque sea una leve idea, os rondaría la cabeza, ¿qué pensáis lograr con la edición de “Unusual Methods To Dismember The Spiritual Halo”?, ¿hay algún objetivo marcado a parte de satisfacer vuestras propias expectativas como músicos? Básicamente se trata de satisfacer nuestro propio interés por saber hacia donde nos dirigimos y alcanzar lo que necesitamos… es decir, crear algo que no existe como una necesidad básica de expresión! A

“ SIEMPRE HAY COSAS POR MEJORAR EN UNA PRIMERA GRABACIÓN, EN UNA SEGUNDA Y SEGURO QUE EN LA ACTUAL SUCEDE LO MISMO. PERO EN EL MOMENTO DE LA GESTACIÓN ESTÁ CLARO QUE PONES EL 100% DE TU ENERGÍA FOCALIZADA EN OBTENER EL MEJOR RESULTADO POSIBLE.” partir de ahí se filtran todas nuestras influencias, tanto las que vienen del cine, la literatura, la pintura y el arte en general, la sensación que proporciona estar perdido en la naturaleza, lo que conocemos en nuestros viajes. Todo esto es lo que nos hace tener la máxima libertad compositiva como eje central de nuestra música y pienso que es lo máximo para alguien que ama la música. Después de ocho años sin un disco, ¿cuántos temas teníais compuestos? ¿Fue complicado decidir qué canciones entraban en el nuevo CD o cuales se quedaban fuera? TDTH, nos tememos los hermanos, que no funciona como una banda al uso prácticamente en ningún sentido. Hemos compuesto los temas que hay en el disco, ni uno más. ¿Por qué? Quizá trabajamos muchísimo más los detalles de cualquiera de nuestras canciones que un grupo que ensaya, que se junta para tocar, para componer. No-

sotros trabajamos con un método dual y muy cómodo para ambos y sentimos que lo que creamos tiene que ser bueno. Si no, no debe haber creación. ¿Te atreves a adelantar planes discográficos para THE DOWNSPIRAL TO HELL? ¿Otros próximos ocho años para el cuarto disco? Esta vez no creo que vayan a pasar tantos años para nuestra próxima grabación. En primer lugar queremos promocionar todo lo posible “Unusual…” y con el paso de los meses comenzaremos las primeras fases de composición y grabación. Volveremos a estar bastante tiempo metidos en el desarrollo de nuestras ideas hasta encontrar lo que buscamos, pero tengo la sensación de que esta vez no se dilatará tanto en el tiempo. A parte de THE DOWNSPIRAL TO HELL, ¿tocáis en alguna otra banda? Se me hace extraño que lancéis disco cada tanto tiempo. Y son discos que demuestran mucha inquietud ¿tenéis alguna actividad artística entre disco y disco? Ambos tenemos más inquietudes y, de hecho, juntos también otros proyectos musicales, de ámbito muy distinto aunque de carácter íntimo y propio pero que de vez en cuando necesitamos sacar de nuestras ideas. La pintura, la literatura, el Arte en general, la música misma… Pero estamos seguros que ahora, con el resultado final del presente disco, estamos animados a reducir mucho el tiempo de salida de la próxima obra. De hecho, el trabajo ha empezado… Llegamos a la despedida. Yo no quiero hacer una entrevista muy larga, que la gente se nos cansa y, como me he podido olvidar algo, puedes añadir lo que consideres más oportuno… Nos gustaría saludar a quien lea estas palabras y quiera ponerse en contacto con nosotros, los cuales pueden hacerlo usando los medios habituales (email, Facebook…). Agradecerte las preguntas, tu interés y el tiempo que has dedicado a la entrevista. Por Arcadio Rodríguez

l a t e m h t a e d y h t il UK f

“...death metal that will make you feel sick to your stomach...” facebook.com/meattrainband

@meattrainband


MORTSUBITE Desde Burgos nos llega el último trabajo de MORTSUBITE, “Deimos”. Una nueva entrega de agresividad y oscuridad, con un cambio en sus registros, las melodías, teniendo ahora más peso que en sus trabajos anteriores, un aire fresco para la escena. Desde Necromance Digital Magazine, nos pusimos en contacto con ellos para que nos hablaran un poco más de lo que ha supuesto este cambio y la grabación de su último trabajo. Espero que no haya muchos lectores que aún no os conozcan, pero si esto fuera así ¿Quiénes son MORTSUBITE? Muy buenas, pues somos una banda de Burgos que llevamos 10 años haciendo metal. Tercer trabajo que editáis y con un cambio sustancial en vuestro sonido, lo que aporta un toque de aire fresco a vuestras composiciones ¿a qué se debe este aumento en las melodías en vuestros temas, evolución natural? Si, completamente natural, en todo momento componemos tal y como nos pide el cuerpo. No nos hemos sentado y hemos dicho: vamos a hacer un disco más melódico, simplemente las canciones han nacido así. Solo un cambio en la formación desde que os formasteis, si no me equivoco, y es la entrada en la percusión de Gonzalo Cantero ¿Qué os ha aportado este cambio tras tantos años con la formación original? Ha sido un cambio muy positivo, y nos ha aportado mucho a nivel musical y a nivel personal. Musicalmente aporta un nuevo punto de vista, una nueva perspectiva y sus propias influencias, y a nivel personal, una nueva ilusión y una implicación admirable. Estamos realmente satisfechos con el ambiente que se ha creado a la llegada de Gonzalo. Tres años han pasado desde “Black Nécora”, ¿es este vuestro álbum más complejo en cuanto a composiciones? ¿Qué podéis hablarnos del concepto general que se encierra detrás de vuestro álbum? No creo que las composiciones sean más complejas, tal vez se pueda decir que son más elaboradas, en todo caso. En cuanto al concepto del álbum, hablando muy en general, trata sobre el tiempo, las batallas que nos va ganando día tras día y los efectos devastadores que nos causan estas derrotas. Imposible no nombrar en esta entrevista a vuestro productor Jens Bogren, el cual ha trabajado con bandas como AT THE GATES, AMON AMARTH, DARK TRANQUILITY…, entre muchas otras ¿Cómo os ha influenciado en vuestro sonido? ¿Cómo fue su elección y el trabajo con él? La elección del mastering siempre es un tema fundamental para nosotros, porque esto es decisivo en el acabado final del álbum. En esta ocasión

buscábamos un sonido menos comprimido y más orgánico, donde hubiera más espacio para cada instrumento, y que no fuera tan brillante como en Black Nécora por ejemplo. Hemos obtenido un sonido más oscuro, que es lo que nos recomendó Carlos Santos de Sadman Studios, que es quien nos puso en contacto y quien se ha encargado de trabajar con Jens. Si tuviera que quedarme con algunos temas del álbum elegiría, “Clepsidra”, “Deimos” o “Vórtice”. ¿Cuál ha sido el más complicado de realizar para vosotros? Y ¿Qué podríais contarnos de las letras de estos temas que os menciono? De los temas que me cometas tal vez Clepsidra sea el más veloz, lo cual añade un punto de dificultad. La letra de Clepsidra habla del reloj de agua, del tiempo como un fluido, del presente inaprensible. Deimos es el tema que condensa un poco el significado del disco, la batalla perdida de la vida contra el tiempo que la va apagando, y Vórtice habla del reloj de arena, que representa la antigua relación del hombre con el concepto del tiempo. En vuestro trabajo anterior también contáis con un interludio al igual que en este nuevo disco lo pone “Péndulo” ¿es una seña de identidad o un respiro que nos dais entre tanta agresividad? Como comentaba antes, vamos componiendo según nos pide el cuerpo, y supongo que al componer también viene bien y apetece un poco de variedad. En Black Nécora era más bien una intro cortita para la siguiente canción, y en este caso es más una canción con su propio desarrollo e identidad. Contáis con dos vocalistas, intercambiando estilo de guturales o doblándolos muchas veces, así como lo hacéis en español ¿habéis pensado alguna vez en cambiar al inglés, como estilo más internacional? Como algo puntual para una versión o un tema concreto se podría plantear, pero en principio defendemos que nuestras letras en español son uno de los puntos fuertes de la banda, nuestro idioma es una de las armas más poderosas de las que disponemos, y nos esforzamos mucho en que nuestras líricas estén cargadas de contenido. Además date cuenta que si buscáramos solo eso, lo mejor sería cantar en chino mandarín, ya que en el planeta hay muchas más personas que lo hablan comparando con el inglés! NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | 17 | OCTUBRE 2016

Ahora toca la carretera, y llevar vuestro trabajo al directo. ¿Algunas fechas que podáis adelantarnos para que nuestros lectores puedan acercarse a veros? Estamos ahora mismo cerrando esos temas, hay alguna fecha en marcha pero está todo sin confirmar. En cuanto se vayan cerrando las iremos anunciando, el plan es viajar tanto como nos sea posible. No sé si seréis de tradición antigua y seguís comprando cd o estáis sujetos a la era digital. ¿Cuáles son los últimos cd físicos que habéis comprado? Podríais decirnos 5 grupos nacionales a descubrir o que queráis recomendarnos. Todos en la banda somos consumidores compulsivos de música, adictos, y como tales le damos a lo digital y a lo físico por igual sin distinciones. Yo particularmente lo último que me he comprado es el doble vinilo de los belgas Oathbreaker, “Rheia” y el último CD de los australianos Twelve Foot Ninja “Outlier” que me regaló un buen amigo. Para las recomendaciones últimamente estamos escuchando bastante a Körgull The Exterminator, a Represión, y sobre todo a Khmer, Agónica, o Karmak, bandas que siempre recomendamos por un montón de razones y que os dejarán sin palabras. Un placer poder hablar con vosotros, desde Necromance Digital Magazine, las últimas palabras os las dejamos a vosotros… Pues muchas gracias por esta oportunidad de dirigirnos a toda la gente que nos sigue, queremos agradecer a todo el mundo la gran acogida que está teniendo este álbum, y sobre todo a vosotros, que desde Necromance habéis estado siempre ahí apoyando nuestro trabajo, y que hacéis un curro admirable, y una revista que nos encanta y de la que somos muy fans. Un abrazo grande desde Burgos. Por Juan Angel Martos


BARBARIAN SWORDS Una de las mejores bandas de Black Doom de este país es sin duda BARBARIAN SWORDS. Ahora con un nuevo trabajo bajo el brazo, vienen dispuestos a seguir reventando cráneos con su personal manera de entender el género de música que ejecutan. Por supuesto, Necromance no podía dejar de pasar la oportunidad de entrevistar a su vocalista Von Päx, el cual nos introduce en el macabro universo de la formación. En primer lugar, y para todo aquel que aún no os conozca, ¿cómo y cuándo se formó el grupo? Saludos, al habla Von Päx, cantante de la banda. Nuestro bajista Panzer y mi hermano Voice of Noise se juntaron hace unos años para hacer algo doom, pero no acabó de cristalizar del todo. De esta forma, no fue hasta marzo de 2011 que nació la banda con todas las de la ley. Con mi hermano salíamos de un bolo de Electric Wizard comentando el último álbum de Burzum, por aquel entonces Fallen, y nos fuimos flipando hasta decidir crear una formación que uniera lo más deprimente y funerario del doom con el black más desquiciado, puerco y canalla. ¿Qué recuerdos guardas de aquellos primeros tiempos? Joder, fue jodidamente divertido. Para que te hagas una idea, las primeras sesiones de Barbarian Swords fueron en el comedor de casa de mi hermano. Yo jamás había cantado ni había estado en una banda, y sólo quería comprobar si mis cuerdas vocales aguantarían el black metal… Y no lo hicieron. No quiero ni imaginar qué diablos pensarían los vecinos que estábamos haciendo en ese piso… Luego ya pasamos al local de ensayo y empezamos a reclutar nuevos miembros. Eso era más fiesta que otra cosa, no había día que no saliera doblado de allí… Hacíamos jams etílicas, Voice of Noise se inventaba un riff y con ello íbamos desparramando en plan mantra… Yo aún estaba joven y me pegaba, me tiraba por el suelo… Todo ello ambientado con los mega porrazos de Steamroller. Es un jodido hippie asqueroso, pero una pieza vital en esta formación por cosas como ésta. Menudas carajas con nuestro primer batería, Sepvlkhrvm Fössvrah… Qué tío más auténtico y zumbado… Lo bueno es que seguimos usando riffs de aquella primera época, siempre hemos sido muy productivos en ese aspecto. En tu opinión ¿cuáles son las principales diferencias entre vuestro primer disco “Hunting Rats” y este nuevo L.P? Para serte totalmente honesto, Hunting Rats me parece una bromita comparado con Worms, casi que un juego de niños. Ya nuestro debut no era para todo el mundo, hay muchos metalheads extremos que no pueden con él… Demasiada reiteración, todo demasiado lentorro, ese sonido hiriente… Eso para mí era un orgullo, pero creo que con Worms lo hemos perfeccionado a todos los niveles, y sin darnos cochina cuenta. Este nuevo álbum fluye, es variado, y eso que puedes encontrarte con un tema de 18 minutos de abominable y purulento funeral doom… Es

más black y es más doom, y a veces todo esto en una sola canción. Supongo que, muy a nuestro pesar, en estos años hemos mejorado como músicos y cada uno ya conoce sus aptitudes… Bueno, ellos, porque yo no soy músico ni soy nada. En materia de voces, el salto es bastante tocho. Un día estaba escuchando Mournful Congregation y flipé con la cantidad de voces distintas que podían meter en un solo álbum. Así que me dije ‘amigo Von, vamos a experimentar más en ese sentido, vamos a ser un poco más diabólicos’. Creo que el resultado habla por sí solo… Luego no podemos olvidar la increíble labor de Javi Félez en los Moontower Studios. En el primer disco le dimos unas directrices de cómo queríamos sonar, queríamos emular ciertas bandas del metal extremo primigenio de los 80, pero con éste simplemente nos olvidamos de todo esto… Ya no estaba en nuestra mente, y Javi nos dio el sonido que estimó conveniente. Él consideró que Barbarian Swords debían ser esto, y joder, suena gordo y abominable, realmente ha dado en el centro de la diana. En materia de extremo old school, en este país no tiene rival. Puto amo absoluto de los mandos.

destrozada, en ese punto de moco que tanto me gusta… Habría agradecido media horita más, pero en una hora y cuarto me ventilé todo el disco. Para Worms no quería grabar tan sumamente borracho como en Hunting Rats, que incluso hay frases sin concluir del pedazo pedal que llevaba encima… Para nuestro segundo álbum quería ir morao para sacar lo mejor de mi garganta, pero joder, controlando un poquito, sin balbuceos… Lo conseguí plenamente. También se vino Zé Pekeño y nos montamos un bonito dueto en ‘Requiem’. Con el master discutimos como nunca, hubo hasta malas palabras… Joder, creo que nos estamos profesionalizando, ya no somos lo que éramos…

¿Cuál es vuestro método de composición? No puede ser más sencillo. Dentro de la tiranía de los dos hermanos, la de Voice of Noise es todavía más acuciante. Hay un día que viene palote y dice ‘hoy toca tema nuevo’. Rasca un poquito, nos mira, y de pronto se saca un riff que nos caen los huevos al suelo. Luego es echarle una batería doom mortecina made in Joe Beltza, y los cambios de tempo o demás riffs van saliendo de forma totalmente natural. O últimamente le salen más black que doom, los fraseos… Pero bueno, que siempre es así. En este álbum sólo hay un riff principal que no sea de mi hermano.

El nuevo trabajo ha sido editado a nivel internacional por varias compañías, ¿cómo se consiguió esto? Bueno, pues de la única forma en la que se consigue algo en la música: trabajando como un cabrón, haciendo un curro de oficina brutal. Para que te hagas una idea, hará ya un año empecé a hacerme un directorio de sellos de todo el mundo a los que les podría interesar nuestra mugre. Comprando revistas extranjeras o fanzines sólo para ver qué discográficas metían publicidad, también webs, entrando en sus perfiles de Facebook o páginas oficiales para hacerme con su mail, etc. Total, acabé con 115 sellos de todo el planeta, y cada uno de ellos recibió un press kit de la banda en inglés o castellano según dónde estuvieran ubicados, y un playlist privado del álbum o un CD si preferían físico. 115 sellos son 115 mails iniciales, todos personalizados. Algunos no respondieron, otros nos dijeron que les flipaba el disco pero que tenían una cola de producción inmensa, que casi se iba a 2018, y otros nos abrieron las puertas de par en par. Luego viene la diplomacia, la negociación de qué quieren ellos y qué nosotros… Total, que de mayo hasta hoy le he dedicado cientos de horas a Worms, quizá ya miles, sacrificando muchas vacaciones y todo. En junio y julio casi que aparqué mi vida para dedicarle seis, ocho horas al día al álbum. Todo burocracia, todo el verano en el portátil. Ésa es la única forma cuando se es una banda minúscula como la nuestra en un océano tan grande como el del metal extremo.

¿Qué nos puedes contar de las sesiones de grabación de “Worms”? Creo que estuvimos un poco más serios que con Hunting Rats, pero bueno… Alcohol, drogas, cinco tíos partiéndose la caja por turnos y un pobre hombre intentando trabajar. Ése era Javi Félez, se entiende… Esta vez lo he disfrutado mucho más. La primera vez me aburrí muchísimo, pero con Worms me impliqué mucho más a todos los niveles y si falté a alguna sesión, desde luego no fue más que una o dos. Supongo que me he hecho viejo y me empieza a interesar todo esto del proceso de producción… Evidentemente, las voces son a primera toma y del tirón, creo que sólo repetí dos temas cuando noté que ya tenía la voz

¿Qué nos puedes contar acerca del artwork que ilustra la portada de este nuevo CD? César Valladares es nuestro seguidor más leal, siempre está ahí, y encima es uno de los artistas metaleros más reputados de este país. La elección fue clarísima, no era negociable. Él haría nuestra próxima portada, y punto. Queríamos devolverle con ello tanta dedicación a la banda, para nosotros también era un gran honor contar con él. Más o menos le explicamos qué queríamos, y tras el primer esbozo ya alucinamos. Sólo le sugerí dos retoques: el jodido bárbaro debía tener más paquete, un buen armamento, y también quería una perra cristiana a la que le sangrara el chocho después de recibir a la fuerza una buena polla pagana.

NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | 18 | OCTUBRE 2016


Blanco y negro, y luego el rojo para los detalles. Rollo Sin City. César se empezó a flipar y no sé qué decía de Krotar… Estaba como ido… Es todo un personaje que sólo vive para esto, para el metal extremo. No podemos estar más satisfechos con la portada, desde luego llama la atención y sabes que contendrá un álbum de lo más salvaje.

es en ‘Pure Demonology’… Al inicio, con los parones, el reverb que te engulle en los teóricos instantes de silencio me la ponen como una zanahoria. El final con ‘Ultrasado Bloodbath’ también estaría en mi top… Creo que nos quedó especialmente oscuro, te engulle hasta que hallas la perdición. Es lo que le deseamos a todos los seres del planeta.

you’ todo él. Escuchar una sola palabra escupida por Cronos de Venom también me la pone tiesa al instante. Nuestro bajista Panzer también citaría a Autopsy seguramente… Luego ya iríamos a Rob Halford, mi ídolo de infancia y juventud. Es el más grande de todos los tiempos y no me importaría pasar una noche con él.

¿Cuáles son las bandas que te iniciaron en esto del metal extremo? Bueno, yo digamos que soy un caso algo especial… Mis hermanos empezaron a martillearme el cerebro con el metal cuando sólo tenía 6 años. Desde el Black Album de Metallica para adelante… Recuerdo que ellos ya estaban con Entombed, Gorefest, Deicide, Morbid Angel, My Dying Bride, Napalm Death, Obituary, Carcass o Dismember muy pronto, a inicios y mediados de los 90, pero joder, yo era un crío y me centré más en el heavy clásico y el power. Judas Priest eran lo más para mí. No entendía los guturales, no me entraban, aunque lo intentaba. Personalmente, lo que me voló finalmente la cabeza fue Enthrone Darkness Triumphant de Dimmu Borgir. El hermano mediano que hay entre mí y Voice of Noise es Uretra de Bizarre y Onirophagus, y fue él quien compró este álbum en 1997, 1998 como muy tarde. Cuando empezó ‘Mourning Palace’ no me lo podía creer, había toda la épica del heavy metal junto a un manto de oscuridad impenetrable. Luego Uretra trajo a casa el recopilatorio From Within The Purgatory, y sobra decir qué pasó en mi sesera cuando entré en contacto con ‘Ravenna Strigoi Mortii’ de Dark Funeral y ‘Mother North’ de Satyricon… El black metal era lo mío, y se fueron sucediendo las obsesiones con Bathory, Summoning, Immortal… La verdad es que nunca he renegado de los demás estilos del metal que me molan, pero el black es algo intocable en mi vida.

¿Tenéis fechas cerradas para presentar en directo el nuevo asalto? Tenemos dos festivales en enero de momento. Uno es el Catalonia Extreme Winter de Barcelona con Temple Of Baal y Forgotten Tomb entre más bandas, el otro aún no podemos avanzar el cartel. Lo cierto es que estoy pendiente de una gran e histórica banda de metal extremo por si nos vamos juntos de gira por el Estado. Si al final no puede ser, me liaré la manta a la cabeza para montar nuestras propias fechas solos.

Para finalizar, ¿qué le dirías a los lectores de Necromance que aún no os hayan oído para animarles a que lo hagan? Pues les diría… ‘Hijo mío, después de violar a tu hermana te daremos por el culo hasta que lloriquees como la sanguijuela que eres, hasta que tú mismo te saques la mierdosa vida’. No hay ni un pensamiento puro en nuestra música, todo es está ideado para humillar a esa humanidad que tanto odiamos. Y desde luego no somos superiores… pero sí somos muy conscientes de que somos gusanos, aunque unos gusanos que saben que sólo la violencia y la venganza son el camino. Lo peor del doom y el black en un solo álbum. Olvídate de toda la basura que el judeocristianismo te ha metido en la cabeza desde chico. Pon la otra mejilla, pero sólo cuando le hayas rebanado el pescuezo a todos tus enemigos.

¿Cuáles son tus temas favoritos del nuevo plástico? Sin ninguna duda, mi tema favorito es ‘Requiem’. Eso es para mí la esencia de Barbarian Swords, me recuerda a lo que hacíamos cuando nos empezamos a juntar en el local de ensayo… Un riff que nunca termina entre una agonía suprema. Te voy a confesar algo… Lo que grito y me lacero ahí fue totalmente improvisado, aunque por supuesto estoy hablando en inglés y se pueden entender muchas cosas. Sinceramente, pensé qué dónde coño está escrito que todas las letras de un álbum deban estar previamente escritas, ahí súper cuquis y meditadas… Joder, somos Barbarian Swords precisamente para hacer cosas como ésta. Fue puro instinto, un acto de malignidad. Otro momentazo que me encanta

¿Podrías contarnos cuáles son tus vocalistas favoritos de la escena nacional e internacional? Yo creo que hay un señor que manda en el brutal death mundial, y es Phlegeton de Wormed. Luego J de Virulency también me ha dejado mareado con lo que ha conseguido en su nuevo álbum. Me gusta mucho el brutal death, para mí es un estilo muy divertido… Lilith de Körgull The Exterminator es la jefa y el jefe, no hay nadie con más pelotas en este país. Amo infinitamente a esa banda, es complicado encontrar algo más auténtico. Paingrinder de Onirophagus es una bestia parda también, menudos guturales… En materia de death clásico, este chico hace lo que quiere. Mi gran amigo Javi de Cruz también merece un reconocimiento. La versatilidad que tiene no es normal… Tanto puede hacer death sueco como power pop, pasando por punk rock y oi!. Lo ha demostrado en todas sus miles de bandas y creo que ni él mismo es consciente de lo privilegiado que es. Tiene un don. En materia internacional, el vocalista que más me ha marcado es Abbath, por supuesto. Es el lord de la podredumbre, mi máxima inspiración. Me flipa Nattefrost de Carpathian Forest también. Ese tipo es la actitud, sus discos en solitario son importantes para Barbarian Swords, pero sobre todo por la actitud, como decía. Es un gran ‘fuck

“CÉSAR VALLADARES ES NUESTRO SEGUIDOR MÁS LEAL, SIEMPRE ESTÁ AHÍ, Y ENCIMA ES UNO DE LOS ARTISTAS METALEROS MÁS REPUTADOS DE ESTE PAÍS. LA ELECCIÓN FUE CLARÍSIMA, NO ERA NEGOCIABLE. ÉL HARÍA NUESTRA PRÓXIMA PORTADA, Y PUNTO.”

Por Jesús Muñoz Caballero


ABDUCTUM Los granadinos ABDUCTUM son actualidad tras la salida de su segundo larga duración por lo que desde NECROMANCE nos pusimos manos a la obra para que contestaran nuestras preguntas. Antes de comenzar agradeceros la predisposición a someteros a nuestras preguntas y bienvenidos a las páginas de NECROMANCE, ¿Quién/es contestará las preguntas? Noël, guitarra y voz. Las gracias por supuesto a vosotros por el interés. Para quien no conozca a la banda, ¿Podéis contarnos qué y quiénes son ABDUCTUM? Abductum se formó en Granada en el año 2010, iniciado por mí y la adhesión de dos grandes amigos y músicos de bandas locales previas, dio con ello comienzo nuestro nuevo proyecto orientado al más genuino thrash centrado en temáticas trascendentales, misteriosas, místicas y también en ocasiones de corte conspiratorio. Este nuevo disco sale a través del sello Art Gates Productions ¿Cómo surgió esta posibilidad? Pasé unas semanas a la búsqueda de un sello apropiado para nuestro segundo trabajo, alguien con fe en nuestro trabajo y con cierto potencial en la difusión de música de nuestro estilo. Tras varias ofertas, no tardé mucho en dar con los chicos de Art Gates que de inmediato estuvieron interesados tras una breve escucha a nuestro trabajo. Todo fluyó rápidamente y con naturalidad. Antes de la salida oficial del disco presentasteis el tema “Behold the Man” en las redes sociales ¿Por qué ese tema en concreto? Creo que este track es el que más representa la temática que impregna todo el álbum, además se trata de un tema muy directo y fresco, sin duda fue un acierto, pues es uno de los temas más aclamados. El veinticuatro de septiembre liberasteis el disco en su totalidad a través de YouTube ¿Por qué tomasteis esa decisión? Antaño éramos algo reacios a compartir abiertamente nuestra música en este medio, pero hace tiempo que fuimos conscientes que eso no impediría en ningún momento su descarga o fácil acceso en internet, al contrario, supone una gran ventaja, una herramienta indispensable para que la gente conozca rápidamente tu trabajo acrecentando a su vez el interés en nuestra banda.

Centrándonos en el disco, ¿Cómo está siendo la acogida por los medios y público en general? Tanto la crítica como el directo están funcionando muy positivamente, mucho más de lo esperado, la respuesta ha sido claramente increíble. Bien es cierto que hay un intenso y arduo trabajo detrás que propiciaba grandes resultados, pero nada de ello es una ciencia exacta ni puede darse nada por hecho hasta que el álbum está en la calle. ¿Dónde ha sido grabado, mezclado y masterizado el disco? ¿Estáis contentos con el resultado obtenido? Todo el proceso fue realizado en los Kbyo Estudios de Granada en su totalidad, a cargo de Ernesto Cabello, un magnífico técnico de estudio, que supo traducir con pasmosa facilidad la idea previa con la que entramos a grabar, nivelándola al lugar exacto que nuestra música merece. Una de las cosas más cruciales e importantes a la hora de plasmar un disco es no decir nunca a posteriori qué tipo de mejoras podrían haberse hecho en él, jamás desde entonces hemos tenido que hacerlo pues no podríamos estar más satisfechos con la producción y el resultado final. Contadnos como es el proceso de composición de vuestros temas, ¿Quién se encarga de las letras, de la música, los arreglos, etc…? Yo soy el que básicamente me encargo de todo el proceso creativo, trabajo los desarrollos compositivos en casa hasta tener una estructura bien sólida en cada tema, a veces con los arreglos ya añadidos también, a continuación la traslado al local de ensayo y con mis compañeros toma la forma definitiva. Kiski, nuestro bajista se implica también de vez en cuando y con muy buen resultado en la composición de algún tema. Las letras son un trabajo posterior una vez culminado musicalmente cada tema, una tarea compleja también en la que persevero hasta moldearlo con la temática adecuada. En este disco se observan muchas referencias alrededor del Thrash, pero con vuestro sello personal, ¿Qué bandas son referencia para vosotros? Siempre digo que es difícil mencionar referencias pues cada cual NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | 20 | OCTUBRE 2016

en el grupo tiene las suyas, pero por ser el principal implicado en las labores creativas podría decir que me dejo imbuir un poco por las corrientes más técnicas y en paralelo más melódicas del thrash, aunque no siempre. El Bay Area está evidentemente muy presente, pero también grandes clásicos del metal, podría decir que soy bastante abierto a diversas corrientes dentro del estilo tanto añejas como más modernas, así que todo ello deja clara huella en mí y por consiguiente en mis creaciones, sin perder de vista en ningún momento nuestro sello personal. En este disco coges las riendas de la voz además de la guitarra, ¿Cómo te has adaptado a ese nuevo rol? Tenía mis dudas en un principio al respecto de la efectividad en alternar ambas labores aunque tengo que decir que no tardaron mucho en disiparse mis vacilaciones previas, todo funcionó también de forma natural y enriquecedora, el resto de la banda acogió muy positivamente el cambio y supuso una gran ventaja pues mi concepción en la elaboración de los temas suponía también un reto en el momento de transmitir la idea al vocalista, ahora es un paso que me ahorro pues sé exactamente lo que hacer. ¿Qué diferencias veis vosotros mismos entre ambos discos? Estamos sumamente orgullosos de nuestro primer trabajo The Unrevealed Truth, si bien es cierto que posee determinados aspectos mejorables en la producción era sin embargo el paso necesario para su sucesor Behold the Man, mucho más maduro y claro ejemplo de nuestro crecimiento profesional, cuyos temas aparecen más compactos y mejor elaborados. El concepto creativo es también más identificable en nuestro último disco con unos temas más conectados entre sí que dignifican notablemente el conjunto, sin dejar de mencionar otras diferencias destacables como la voz y el enriquecedor trabajo de los coros. En resumen Behold The Man es


un disco más definido y The Unrevealed Truth fue un buen y necesario proceso de gestación. La portada ha sido realizada por ti y desde aquí te doy la enhorabuena, ¿el concepto nació de ti o lo decidisteis en grupo? ¿Qué nos queréis contar con ella? Sí bueno, nació de mí, hay una gran riqueza de detalles y referencias en esta portada, en ella se cuenta básicamente todo lo que se cuenta en los propios temas del disco. En general representa la romántica e hipotética idea que muchos autores, escritores y estudiosos del tema han defendido sobre la creación del ser humano a través de la modificación del ADN o intervención e hibridación de visitantes extraterrestres con los homínidos de nuestro planeta en tiempos muy remotos. Se encuentran en ella otras diversas referencias y alusiones de forma oculta y más evidente en otros casos que dejaré a la investigación o libre interpretación de todo aquel que se preocupe en echarle un vistazo. ¿Dónde lo podemos adquirir el disco? ¿Está disponible en físico y digital? Sí claro, se encuentra disponible en formato físico en nuestro bandcamp oficial (abductum.bandcamp.com) ahí también en digital o a través de solicitud directa a nuestra web o Facebook, andará disponible en breve en la tienda virtual de Art Gates y otros lugares que pronto se darán a conocer. En digital a su vez puede adquirirse a través de iTunes, Spotify, Google Play y numerosas otras plataformas digitales. Para la edición del disco lanzasteis una campaña de crowdfunding que finalizó con éxito, ¿Qué opinión tenéis sobre esta herramienta? Bueno creo es un medio brutal de grandes posibilidades, hoy por hoy las ventajas tanto del contacto como del apoyo directo a los músicos (o cualquier tipo de artista) a través de estas plataformas supone un gran paso de gigante con respecto a épocas anteriores. Todo aquello que suponga facilitar el camino entre seguidores y artista es un aspecto a valorar y si además contiene un mayor número de ventajas que inconvenientes a este respecto no veo el motivo para no apoyarlo. ¿Qué planes tiene ABDUCTUM a corto/medio plazo? Nuestra intención más inmediata es mostrar esta última obra de la que estamos tan orgullosos allá donde nos den cabida para presentarla en directo, grandes o pequeños recintos, todo es positivo para nosotros… hay mucho potencial en nuestro trabajo y la satisfacción es plena cuando hay tan buen reconocimiento de ello y eso es precisamente lo que actualmente nos está pasando. En definitiva llevar nuestra música a todos los lugares posibles, creo que tenemos mucho que ofrecer e innovar en un futuro inmediato, nuestra voluntad y perseverancia nunca cesa para conseguirlo.

“POR SER EL PRINCIPAL IMPLICADO EN LAS LABORES CREATIVAS PODRÍA DECIR QUE ME DEJO IMBUIR UN POCO POR LAS CORRIENTES MÁS TÉCNICAS Y EN PARALELO MÁS MELÓDICAS DEL THRASH, AUNQUE NO SIEMPRE.” ¿Qué se va a encontrar el metalhead que asista vuestros conciertos? Energía, destreza y buen hacer. Quien haya tenido oportunidad de escucharnos en estudio podrá encontrarse lo mismo trasladado al escenario con el plus del feeling que ofrece el contacto directo con el público. Lo damos todo en cada actuación y eso la gente lo percibe, para nosotros nada es más importante que interpretar lo más fielmente posible nuestro trabajo con la excitación añadida de interconectar con el público asistente. ¿Cómo veis la situación actual de la escena metalera underground en España? Hay buenísimas bandas en nuestro país, un resurgir increíble desde hace algunos años, a mi juicio es innegable lo positivo de todo ello y me posiciono entusiasta a este fenómeno pero a su vez detecto gran falta de originalidad en algunos ámbitos tratando siempre de emular a tal o cual estilo o banda extranjera, a veces cayendo en la saturación que impide en ocasiones descubrir quién está haciendo

realmente un buen trabajo. Aun así en general brindo mi apoyo a tantas bandas underground que con voluntad intentan abrirse camino. Bueno, pues por mi parte esto es todo, volver a agradeceros el tiempo que nos habéis dedicado y mucha suerte con el disco, si queréis añadir algo mas podéis hacerlo a continuación. Sobre todo agradecer vuestro interés y gran apoyo así como el de la gente que nos sigue, siempre lo digo, para nosotros algo tan significativo y de vital importancia para mantener la fe en lo que hacemos con tanta pasión, ABDUCTUM no somos cuatro, todos los que apreciáis y apoyáis nuestra labor sois parte de nuestro trabajo. Por Carlos Bermejo


Los australianos TWELVE FOOT NINJA se han marcado un pedazo de trabajo con “Outlier”, donde mezclan elementos del jazz, música latina, funk, rock y metal; recientemente han llegado de su gira americana para presentarlo y hemos aprovechado para que nos contesten a unas preguntas que les hemos enviado. Bienvenidos a las páginas de Necromance Digital Magazine! ¿Como van las cosas en TWELVE FOOT NINJA en estos momentos? Saludos! recientemente hemos vuelto de nuestra 4ª gira americana y ahora estamos preparando un gira australiana con DISTURBED asi que… estamos liados. Cuando comenzásteis a trabajar en la continuación de “Silent machine”, ¿teníais idea de como sería el sonido del mismo? Más o menos. Por lo general, la dirección se vuelve más clara con el tiempo y el progreso. Mi previsión personal de “Outlier” estaba en continua evolución. He descubierto que dejar de lado cualquier de las visiones preexistentes nos ayudó a ser más abiertos al cambio y generalmente más abiertos de mente en el proceso creativo y es que sentir un apego emocional a la idea original puede “bloquear” buenas y nuevas ideas y evitar que la canción original sea potencialmente mejor. ¿A qué hace referencia el título del álbum? El título del álbum “Outlier” es un tributo a nuestros fans que nos apoyan de forma activa mediante la compra de nuestra música, merch, y entradas a nuestros conciertos. En un mundo en el que muchas personas se llaman a sí mismos los fans de las bandas, pero no gastan dinero en ellas; los verdaderos seguidores son a los que nos referimos en “Outlier” y son la pieza principal para la supervivencia de un artista. Cuando estábamos trabajando creación de este nuevo disco, teníamos muy clara la importancia de estos fans para nosotros. La portada de este trabajo es muy llamativa!!, dinos algo acerca del artista que hay detrás de la misma. Stevic (nuestro otro guitarrista) tiene un poco de habilidad para el dibujo y esbozó un diseño aproximado basándose en un cartel de propaganda y luego se la dio a Keith para que la completara. Keith es el artista que estuvo detrás del comic de “Silent machine”.

¿Como fue el proceso de creación y grabación de este trabajo? El proceso se inició en 2012, justo después de la edición de “Silent Machine” y de eso hace cuatro años. Teníamos sobre 60 canciones que se fueron reduciendo hasta las 11 del disco; algunas escritas durante las giras y otras escritas durante los ensayos, pero la mayoría de las ideas provenían de trabajar por separado en nuestros propios hogares. Todos hicimos nuestro propio sistema de seguimiento por separado, así que el proceso general de composición fue bastante antisocial jajaja! ¿Cuantos temas entonces tenía la banda durante todo este proceso? Pues sobre 65 temas, muchos de ellos incompletos o con ideas básicas.

mados con el nuevo material. ¿Qué piensas ahora de “Silent machine”, vuestro anterior trabajo? Miro atrás con cariño a todas nuestras ediciones. Todas esas canciones nos traen un montón de recuerdos ahora, y marcaron un período bastante único en nuestras vidas. ¿Tenéis planeados muchos conciertos para apoyar esta edición? Si!, giraremos por Australia, volveremos a Usa y con suerte en el 2017, estaremos por Europa. ¿Con quien os gustaría ir de gira? Sería una lista muy larga!!! pero para resumirte, para mi sería la leche poder ir de gira con DEFTONES, y para Russ, nuestro batería, está como loco por ir con KORN.

En la parte musical, TWELVE FOOT NINJA se nutre de distintos estilos, ¿de donde viene vuestro sonido? Todo parte de el trabajo de Stevic, que fue quien sembró el concepto con el EP “New Dawn” y que fue lo que me llevó a la banda. A partir de ahí, cada uno de nosotros escucha muchos artistas diferentes y trae muchas influencias a las composiciones. Somos una extraña mezcla de personalidades que de alguna manera influyen en nuestras composiciones.

¿Qué metas y/o objetivos tiene la banda con este nuevo trabajo? Aprender un poco más con todo e improvisar.

¿Cuales fueron, en vuestra opinión, los temas más difíciles de grabar en el estudio? ¿y los que más os gustan para tocarlos en directo? “One hand killing” probablemente fue el que nos llevó más tiempo grabarlo y lo hiciemos varias veces pero fueron momentos cruciales. Por ahora, los temas favoritos en los directos han sido “Manufacture” y “Consent”.

Por David Déniz

¿Como reaccionó la gente de Volkanic Music, vuestro sello, tras escuchar el nuevo trabajo? Nos contactaron varias veces!! estaban alucinados y entusias-

“EL TÍTULO DEL ÁLBUM “OUTLIER” ES UN TRIBUTO A NUESTROS FANS QUE NOS APOYAN DE FORMA ACTIVA MEDIANTE LA COMPRA DE NUESTRA MÚSICA, MERCH, Y ENTRADAS A NUESTROS CONCIERTOS. EN UN MUNDO EN EL QUE MUCHAS PERSONAS SE LLAMAN A SÍ MISMOS LOS FANS DE LAS BANDAS, PERO NO GASTAN DINERO EN ELLAS”

TWELVE FOOT NINJA

Hhemos llegado al final de la entrevista, pero aún hay tiempo para que mandes un mensaje a los lectores… Gracias por leer esta entrevista amigos!!! ha sido un sangriento placer!!!!


DEATH & LEGACY DEATH & LEGACY vuelven a las páginas de Necromance Digital Magazine, en esta ocasión para hablarnos a fondo sobre su reciente edición “Silence”; un discazo que recientemente hemos reseñado en Necromance. Santi Gzlez fue el encargado de esta entrevista. Muy buenas. Preparaos para una ametralladora de preguntas, porque cuando me pongo puedo llegar a ser pesado, muy pesado. Espero que no me pase esta vez… Antes de nada, y para que todo el mundo pueda saber de que vamos a hablar, preséntanos un poco a la banda y haznos un poco de historia. Jajajaj… muy buenas! Somos Death & Legacy, una banda de Metal Melódico de Zamora, fundada en 2013. Hemos grabado nuestro segundo disco, también hicimos un Ep de presentación, y con estos tres trabajos llevamos un par de giras nacionales y vamos por la tercera…. y con ganas de más! Según veo, si, cuando veo, antes de escuchar, vuestro trabajo, es impresionante la presentación, la portada y el diseño completo son espectaculares. ¿Quién ha sido el encargado de ello? Contamos para la ocasión con la fotógrafa y artista Nat Enemede. Llevaba siguiendo su trabajo durante mucho tiempo y tenía claro que era la persona para plasmar la idea que tenía de art-work y portada, y el resultado ha sido espectacular. Lo mismo puedo decir de la web, es muy buena, actual y, desde luego muy acorde al estilo que practicáis, ¿De quien es obra? La empresa encargada es La Casa Torcida, y David, su webmaster es un crack, como has podido comprobar. Estamos muy contentos con su trabajo y su cuidado y desarrollo continuo, es una gran carta de presentación. Y siguiendo con todo lo que está alrededor de la música, el video, imprescindible, prácticamente, para presentar a una banda en los tiempos que corren. Algo que requiere sobre todo un gran presupuesto. ¿Quién es el encargado de filmar y editar para Death & Legacy? Como bien dices ahora mismo que todo se mueve en redes sociales, youtube… los videos se convierten en algo fundamental para una banda. En el primer disco no pudimos finalmente realizar ninguno,

y para “SIlence” lo valoramos desde un principio, de manera muy seria. Hablamos con Krea Films Producciones, con Mario Ruiz, su director, referentes internacionales en videos del mundo, y cuando trabajas con ellos te das cuenta porqué; son un equipo impresionante. Le presentamos el single, le gustó y rápidamente nos pusimos a ello y el resultado no ha podido ser mejor, encantados y con ganas de volver a trabajar juntos. Con todo esto que hablamos, esta mas que claro que para vosotros la presentación, la imagen y toda la parafernalia que nos tenemos montada alrededor de la música, es mas que importante. Y esto, además, desde vuestros inicios. Enhorabuena por ello. El futuro visual seguirá por estos derroteros de profesionalidad, o me equivoco? Siempre intentamos crecer un pasito más en todo lo que hacemos, y desde luego, a lo que alcanzamos a hacer siempre que cuente con la mayor calidad posible. Nos gusta cuidar al máximo los detalles, y desde luego espero que el futuro visual crezca paralelo al futuro auditivo, jejejee. Ya va siendo hora de charlar sobre la música… Tres trabajos editados y los tres grabados en el mismo lugar. ¿Qué nos puedes contar de Dan Diez y los Rock Lab Studios? Es como nuestra segunda casa. Formamos un gran equipo con Dan, para nosotros es nuestro hombre de máxima confianza a la hora de producir un disco, nos sentimos muy cómodos, conoce perfectamente nuestros gustos, nos encanta su forma de trabajar y además somos muy amigos. Ahora mismo no concibo un disco de Death & Legacy sin Dan “Titán”. “Silence” ha sido masterizado por la bestia parda de Mika Jussila, en los impresionantes Finnvox Studios de Helsinki. Esto es sinónimo de calidad máxima porque lo que toca este tío lo convierte en oro puro. ¿Contentos con el resultado? ¿Volveríais a trabajar con el? ¿Fue idea vuestra el contar con su talento o Dan os ayudo a tomar esta decisión y contactar con el? NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | 24 | OCTUBRE 2016

Trabajar con Mika es trabajar con un referente mundial de décadas, le da una nueva dimensión a tu sonido. Como bien dices todo se realizo a través de Dan. Hablamos con él y con la discográfica, se tomó esa decisión de apostar por el sello de Finnvox, Mika escuchó el disco y le gustó y decidimos todo el equipo seguir adelante. Dan fué determinate en esto, una vez más. Tener al frente a una mujer es ahora algo mucho más normalizado que hace unas décadas, sobre todo en proyectos mas extremos. Supongo que nunca sea algo que os cierre puertas, pero ¿Os las abre? Por otra parte… la voz femenina, limpia, es muy facial de entender, de escuchar y de seguir. El hecho de usar para cantar en ingles hace que sea más difícil conseguir una pronunciación adecuada, anglosajona y alcanzar el nivel europeo. ¿Por qué optasteis por este idioma y no el castellano para no tener ese problema de captar y cantar el acento a la perfección? Como bien dices, tener una mujer al frente es algo que se ve con cierta normalidad ahora mismo, en prácticamente todos los festivales o macroconciertos puedes encontrar bandas con este tipo de formación. Nunca hemos sentido que se nos cerrara ninguna puerta por ello, tampoco que se abra como tal, todo va referido a tu estilo de música, si encaja a un promotor o a una sala, en su agenda, en su show, etc… Cantamos en inglés porque entendemos que ese idioma es el ayuda a expresar nuestro estilo musical de manera más completa, como puede ser el italiano para la ópera o el castellano para el flamenco. No pienso que tener acento zamorano, algo intrínseco a tu cultura, sea un detrimento frente a tener acento polaco


o canadiense. ¿Cómo es trabajar con Duque producciones y que os aportan? Lo digo porque últimamente vuestra promoción es brutal. Poder formar parte de la familia de Duque Producciones es un privilegio. Una agencia con tantos años de experiencia, que te saben aconsejar, de la que puedes aprender cada día. Son un pilar base en Death & Legacy y en gran parte es culpa suya el que hayamos podido recorrer este camino que hemos comenzado y que esperamos poder seguir recorriendo juntos. En esta promoción ¿están incluidas vuestras giras?. Recientemente girareis con The Agonist, ¿Tenéis mas planes de directos actuales y futuros? Por supuesto, lo que más ganas tienes es de llevar tu disco a directo y podérselo presentar al mayor público posible. Afortunadamente pudimos acompañara a The Agonist en su gira peninsular por Barcelona, Castellón, Lisboa, Madrid y Bilbao; recientemente venimos del festival ARMMA METAL ROCK de Albacete, y en el horizonte entá Miranda de Ebro junto a Saratoga, La Coruña, Ciudad Real… y en el 2017 también se está empezando a trabajar en otra posible gira, asi que viene “cargadito” jejejej En el pasado, con vuestro anterior trabajo en la mano, girasteis con Dulcamara ¿Cómo fue estar en la carretera y en los escenarios con ellos? Todo un placer poder aprender de ellos tanto dentro como fuera de los escenarios. Unos grandísimos músicos y mejores personas de los que nos llevamos una gran amistad, y espero en un futuro podamos volver a encontrarnos en un escenario. Y en ese aspecto ¿Cómo es un concierto de Death & Legacy? ¿Qué podemos esperar de vosotros en directo? 100% de actitud y de entrega.. y alguna que otra vértebra rota…. jajajaj Otra de las cosas con las que parece que os va bien es con la discográfica, puesto que repetís con CD Music, ¿Qué tienen ellos que no tienen otros? ¿Por qué os decidisteis a trabajar con ellos? ¿Y a seguir con ellos en las de un trabajo en lugar de probar con otros? Como se puede notar en toda la entrevista, somos de los que piensan que si te va bien con algo, porqué cambiar… jajajaja… CD MUSIC apostó por nosotros desde el principio, les estamos muy agradecidos por ello y por su apoyo constante, trabajamos muy bien juntos y nos entendemos muy bien. Cuando se edita un trabajo siempre se tiene cierta incertidumbre frente a la opinión de crítica y publico. ¿Cómo esta siendo recibido el trabajo por ambas partes? Genial, tanto por la crítica como por el público. Estamos recibiendo muchas muestras de apoyo, mucho seguimiento y es un gran combustible para seguir adelante. A nadie le extraña que existan bandas de cierto éxito y reconocimiento de grandes ciudades, pero es más raro ver bandas así de Zamora. ¿Creéis que es todo mas difícil viniendo y viviendo allí? Desde luego el vivir en una gran ciudad ayuda mucho a tener más oportunidades, conocer músicos, tener salas donde poder actuar, estudios, medios… Siempre es más difícil y tienes que tener las

“COMO BIEN DICES AHORA MISMO QUE TODO SE MUEVE EN REDES SOCIALES, YOUTUBE… LOS VIDEOS SE CONVIERTEN EN ALGO FUNDAMENTAL PARA UNA BANDA. EN EL PRIMER DISCO NO PUDIMOS FINALMENTE REALIZAR NINGUNO, Y PARA “SILENCE” LO VALORAMOS DESDE UN PRINCIPIO, DE MANERA MUY SERIA.” ideas muy claras y saber que tienes que ir a por todas. ¿Como es la escena metalera en Zamora? La escena musical en general es muy rica, siendo una capital pequeña hay muchos músicos y muchas bandas de una grandísima calidad… pero en concreto, de metal, es más bien pobre. Hay un reducido movimiento de escena heavy. Tres trabajos ya en la calle desde 2013, no? Esta claro que os gusta trabajar puesto que la carrera es vertiginosa. En lugar de soltar el acelerador lo apretáis cada vez más. Gran gestión de tiempo. ¿Cómo es el proceso creativo de una banda así? Me refiero al día a día para poder editar trabajos a este ritmo. Hay que intentar maximizar el tiempo que le puedes dedicar, los recursos.. a veces la vida es un poco a contrareloj, saberte organizar e intentar que te cunda el tiempo que le puedes dedicar, muchas veces es más importante que el tiempo sea frutífero a abundante. Ponerse metas ayuda mucho a centrarse y a cumplir objetivos. Con respecto a esta gestión del tiempo que os decía, y a las ganas de currar, solo me faltaba que, además alguno o varios tuvierais proyectos musicales paralelos, ¿Es así? Pues sí es así jajajajaj…Actualmente Manu, guitarra solista, forma

parte de otra gran banda de metal de Zamora, Sin Control, y de más proyectos en Madrid, donde reside. Hasta hace poco yo mismo he estado en varias formaciones paralelas; Hugo, bajista, también… la música es una pasión que te mueve y no entiende de razonamientos jajajaj. ¿Tal y como está no solo el panorama musical estatal, sino la economía global, que esperáis de la música? Que nos llene de pasión y de ilusión nuestras vidas, como está haciendo hasta ahora. Pues nada mas, que ya me vale, un rato charlando conmigo está bien, pero mucho ya es cansado, jeje. Despedíos de los lectores de Necromance y gracias por concederme este agradable rato. Darte las gracias por tu trabajo y dedicación y a tus lectores por su apoyo, por ser el motor que permite que este sueño se mantenga vivo. Un saludako! Por Santiago Gzlez


VIOLENT EVE

Primeramente, daros la enhorabuena por no queremos sonar como otras bandas, este trabajo que acabáis de sacar “A Great queremos aportar algo al mundo del meDay” y espero que quien no os conozca aun, tal y esto es lo que hacemos. Lo único que lo haga a partir de ahora. Empecemos por el sabemos es que queremos hacer algo brutítulo del álbum ¿A que hace referencia? ¿O VIOLENT EVE están de regreso con el que posiblemente sea el mejor dis- to, pero a la vez diferente, sorprender con que pretendéis reflejar en él? cada parte, descolocarte con las estructuMuchas gracias, estamos realmente contentos co de su carrera particular y un trallazo dentro de la escena. “A Great Day” ras o con cada riff, desencajarte con cada con este disco y aún que suene a tópico, realmen- es su propuesta, y desde la redacción de Necromance Digital Magazine melodía de voz. Nos reímos y sufrimos te creemos que es nuestro mejor trabajo y por nos pusimos en contacto con ellos para conocer un poco más los entresijos igualmente cuando componemos, tan disupuesto gracias por la entrevista. fícil algunas veces, tan fácil otras, tenemos de este nuevo trabajo. El nombre del disco hace referencia a muchos claro que cada tema tiene que tener algo cosas, a muchos conceptos todos juntos.. expediferente. No nos gustan en general las etiEn cuanto a lo que respecta musicalmente, uno de los aspectos riencias personales y como banda. Un ejemplo de uno de ellos sería quetas y no alejamos todo lo posible de ellas, por supuesto bebemos que más me gustan son los diferentes cambios de voces, muy que solo hace falta un día para que tu vida cambie, tan solo un día de mucho géneros, es difícil no reconocer estilos. Todos los temas son bien trabajadas, encontrándonos con un gran espectro de para que todo a lo que estabas acostumbrado se desvanezca y cambie igualmente diferentes entre ellos. tonalidades ¿Buscabais esta versatilidad en el disco? ¿o, cada por completo, puede ser bueno o malo, pero así es la vida. El nombre tema os pide una cosa y vosotros se lo dais? del disco está tachado, porque puede darte a entender que es “un gran Incluso arriesgáis y es un punto a vuestro favor el tema “GuiUna de las cosas que más me gustó cuando entre en Violent Eve es que día” o que podría haber sido “un gran día” también depende de cómo ding Lights”, ya que en grupos de vuestro estilo no suelen no había ningún impedimento en aportar diferentes ideas o conceplo enfoques tú. Realmente necesitaría más líneas para englobar todo el proliferar este tipo de temas ¿Cómo surgió la idea del mismo? tos. Me siento arropado por mis compañeros cuando saco cosas con concepto que queremos transmitir con el nombre del disco, pero no os Este tema lo tenía Diego rondando desde hace mucho, empezó solo la voz y ellos lo apoyan. No sigo un patrón a la hora de componer las vamos a aburrir (risas) Hay un tema llamado “The Burnout” dentro del como un par de arpegios y termino siendo lo que podéis escuchar líneas vocales. Me gusta meter las voces según me lo vaya pidiendo disco, que canaliza este concepto del disco más claramente. en el disco, aunque por el camino cambio muchas veces y se arregló el tema. Por supuesto hay más growls y screamos que otra cosa, ya hasta darle su forma final. Creemos que temas así son necesarios en que no dejamos de ser una banda de metal extremo, pero también En este álbum habéis incorporado a dos nuevos miembros, un disco, en este caso da un respiro necesario y te da la sensación de me gusta meter rasgados, limpios, voces habladas o voces de locura, Krono (ex SILENT HAVOC) y Nacho CRD, aunque este ya lleva un que acabó la primera parte del disco pero aun queda el segundo acto, lo que haga falta para no repetirse en el tema en exceso. Me aburre tiempecillo con la banda ¿Cómo surgieron estas incorporaciohemos dejado muy poco al azar en este álbum, todo tiene un motivo. mucho hacer siempre lo mismo durante todo el tema, yo creo que es nes y que han aportado al grupo (su calidad es indiscutible), Además sabemos que para Diego es un tema muy especial dedicado a la razón principal de por qué hay diferentes partes vocales y también ¿Cómo fue el proceso de búsqueda del nuevo guitarra hasta su familia y en especial a su hija y que sea el séptimo corte tampoco es difícil cuando la estructura de un tema no es del todo convencional. dar con KRONO? es una casualidad. Yo en ese sentido soy más cerrado, más de inicio, estrofa estribillo y Si bueno, en realidad para este nuevo trabajo entró a formar parte de etc… pero con Violent eso es difícil y la voz tiene que adaptarse al la familia Álvaro Rodríguez a la batería, Nacho ya se encontraba dentro ¿Cuál es el concepto global del disco y sus letras? Temas como tema. Al final es saber encajar todas las piezas y que todo tenga una de Violent Eve al bajo desde el Ep Devourer. Se incorporaron como sue“Harmony”, “Do Or Die”, “Eye Of Providence” o “Wrong Shore”, harmonía en conjunto. le ocurrir en la mayoría de las bandas, por una despedida. Álvaro entró destacan sobre los demás, personalmente son los que más me por Edu Brenes quien dejó la banda cuando aún seguíamos compogustan, aunque el disco al completo es una pasada. ¿Cuál ha niendo “A Great Day” David Ramos salió de la banda antes de grabar el sido el tema más complejo de darle forma? Y que podríais hadisco y Krono entró cuando ya lo teníamos grabado, de cualquier forma blarnos de las letras de estos temas. aún tenemos buena relación con Edu y David, que aún que no estuCada tema habla de un concepto, unidos respecto al disco pero a la vez vieron en la grabación, aún hay mucha esencia de ellos y eso se nota. también diferentes entre ellos. En el caso de Harmony habla sobre el Pues ¿qué te puedo decir de Álvaro? Álvaro sinceramente es el batería concepto del Karma por ponerte un ejemplo. Do or die habla de aproque necesitaba Violent Eve. Es rápido, metódico, serio, trabajador y vechar tu vida, Eye of Providence habla sobre la manipulación a la que sobre todo muy cachondo, que eso es parte fundamental en la banestamos sometidos, The Wrong Shore habla sobre la mayor mentira de da (risas) Gran parte de la composición del disco ya estaba cuando él la humanidad. El resto de temas tratan temas diferentes pero como entró, pero le dimos libertad absoluta de cambiar las baterías de los dije antes ligadas entre ellas de alguna forma. Lo que hicimos con Detemas para que él se sintiera cómodo y ahí está el resultado, supo vourer fue el principio de una historia que continuamos aquí en A Great encajar perfectamente en la banda y su nivel de compromiso con los Day, Devourer era la oscuridad y AGD es La Luz. Todo parte de un día temas fue absoluto, solo hay que escuchar el resultado, estamos súen el que ocurre algo, en el que te das cuenta de algo y todo cambia, per orgullosos de Álvaro y de que esté con nosotros. La búsqueda del eso sería el concepto general de este disco, resumiéndolo. En cuanto a guitarrista para sustituir a David Ramos fue más complicada de lo que complejidad, si hablamos de estructura sin duda “The Wrong Shore”, en pensábamos. Queríamos encontrar a alguien para antes de grabar el cuanto a ejecución “One Enemy” y la que aúna ambas cosas de manera disco pero no hubo suerte, decidimos entrar los 4 a grabar a pesar de más compleja es “The Burnout” no tener segundo guitarrista. Cuando terminamos la grabación reaCon respecto a la portada ha habido un poco de controversia o nudamos la búsqueda. Nos llegaron muchas propuestas, probamos a Una vez, con el disco en la calle, toca presentarlo en directo. polémica, por el parecido a una imagen utilizada por ZINT para bastante gente, pero al final ninguno nos cuadraba del todo. Cansados ¿Algunas fechas que podáis ir adelantándonos para que vuesel fondo de un video de YouTube, y puesto que solo hemos oído de no encontrar guitarrista se le ocurrió a Álvaro preguntar al guitatros fans las vayan conociendo? rumores, ¿Qué hay de cierto y de falso en lo que se habla por rrista de su antiguo grupo Silent Havoc, Krono. Hablamos con él, hizo Pues hemos estado ya en Guadalajara en la sala Oxido el pasado 8 de las redes? Y ya que estamos ¿podríais hablarnos de quien os ha la prueba y nos convenció a todos desde el primer momento. El tío se Octubre, estaremos el día 12 de Noviembre en la sala Republik de Marealizado el artwork y que representa con respecto al disco? ha aprendido todos los temas en un tiempo récord para los directos y drid junto a Hekatombe y Moshtrenco y habrá más fechas que anunNo sabía que había sido una polémica (risas) Sinceramente no sé su ilusión en entrar a la banda ha sido como un chute de energía brutal ciaremos pronto, unas ya están cerradas pero no anunciadas y otras quién es ZINT y perdonad mi ignorancia. Supongo que ellos a la hora para todos nosotros. Es un gran guitarrista, con todas las cualidades hay que cerrarlas. de utilizar la imagen en su vídeo (¿estamos hablando de un fondo para que necesitábamos para la banda y es un tío de puta madre, podemos un vídeo?) se pusiera en contacto con el artista original. Nosotros la sentirnos afortunados. No sé si seréis de tradición antigua y seguís comprando cd o vimos una día por casualidad en Instagram y fue como un flechazo, estáis sujetos a la era digital. ¿Cuáles son los últimos cd físicos esa era la portada de nuestro futuro disco! Encajaba perfectamente Grabado de nuevo en los Metal Factory Studios, con Alex Cappa que habéis comprado? Podríais decirnos 5 grupos nacionales a con el concepto de las canciones. Nos pusimos en contacto con el auen su dirección. ¿La masterización corre también a su cargo? descubrir o que queráis recomendarnos. tor John Brosio, le preguntamos qué cuantos nos costaría utilizar su Personalmente también he trabajado con él en la grabación Tengo que reconocer que la era digital ha podido conmigo, soy dematrabajo en nuestro disco, nos dijo el precio y se lo pagamos ¡y ahí está! de nuestro disco, “More Human Than Us” de GODDAMN y conosiado cómodo y perro y lo digital ayuda con eso, aun así sigo compranEl artwork representa cada parte del disco, todos lo temas tienen algo cimos los pinitos culinarios de Alex, como pregunta curiosa ¿Os do CDs. Si tengo que decir un top 5 nacional sería algo así aunque no de la portada en todos sus conceptos. Más que explicarla nos gustaría ha deleitado con alguna de sus especialidades? ¿Alguna anéchay un orden concreto y solo con 5 me dejo muchos sin poner que reque la gente le buscase su significado escuchando el disco, escuchando dota que podáis contarnos durante el proceso de grabación? comendaría sin dudar. Nami (aunque son de Andorra los considero “de sus letras… os aseguramos que no está puesto por qué si, todo tiene Si claro, está grabado, mezclado y masterizado por Cappa, ¿queda aquí”), Wormed, Thirteen Bled Promises, Chaos Before Gea, Overdry. una razón. alguna duda? (Risas) Este es El Segundo trabajo que grabamos con Cappa sin contar un tema suelto que también grabamos con él, teníaUn placer poder hablar con vosotros, desde Necromance DigiLas influencias son muchas, porque encontramos desde tomos claro que después de los anteriores resultados, él iba hacerlo todo. tal Magazine, las últimas palabras os las dejamos a vosotros: ques groove, deathcore, core e incluso algún tema como “My Referente a lo culinario… pues, lo siento Cappa si lees esto, pero… El placer es nuestro, muchísimas gracias por la entrevista y a quien este Oath”, tiene cierto aire a DISILLUSION en su último trabajo o nos hizo una paella que estaba brutal y unos macarrones con bechaleyendo solo pedirles que le den una oportunidad a “A Great Day”, estaCLAWFINGER. ¿Cuáles son vuestras influencias musicales? mel acojonantes (risas) es un gran cocinero!! Nos cuidó muy bien en mos seguro que solo una será suficiente para poder sacar algo positivo Pensáis que este cambio estilístico, aunque manteniéndos en la grabación de A Great Day. Estamos realmente bien grabando con del disco. Gracias a todos. vuestra línea es la evolución natural del grupo. Cappa, nos reímos muchísimo juntos, hay muy buen rollo entre nosoCreo que lo mejor de la banda es que a cada uno tiene influencias muy Por Juan Angel Martos tros y trabajamos genial con él, si encima el resultado es indiscutible, diferentes, pero a la vez congeniamos en muchas otras. Nos gusta que más podemos pedir? experimentar, tenemos claro que no inventamos nada pero a la vez

“NOS GUSTA EXPERIMENTAR, TENEMOS CLARO QUE NO INVENTAMOS NADA PERO A LA VEZ NO QUEREMOS SONAR COMO OTRAS BANDAS, QUEREMOS APORTAR ALGO AL MUNDO DEL METAL Y ESTO ES LO QUE HACEMOS.”

NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | 26 | OCTUBRE 2016


CATORCE Desde Necromance Digital Magazine, nos pusimos en contacto con el grupo afincado en Sevilla, CATORCE, ante la salida de su último trabajo “Agua. Naufragio. Equilibrio”. Un álbum de una gran calidad que merece la pena ser conocido por todos. En primer lugar, daros las gracias por atendernos y sobretodo la enhorabuena por este segundo álbum, todo un mar de canciones de gran calidad. ¿Para situar a nuestros lectores, y de forma breve, quienes son CATORCE? Jaime: Pues Catorce somos una banda de Sevilla formada por José Miguel (bajo y coros), Luis Manuel (batería) y por mí, que toco la guitarra y canto. Nos formamos a principios de 2007 como cuarteto, y debido a cambios en la formación de la banda a casi por año, no fue hasta 2010 cuando empezamos a funcionar del todo. En 2014 editamos nuestro primer disco, “Atlas”, que nos llevó a muchos sitios y nos permitió conocer a gente increíble. Una cosa que siempre me he preguntado, es lo curioso de vuestro nombre, ¿A que hace referencia CATORCE? ¿quizás a los años que teníais cuando empezasteis en la música? J: Jajaja, no, de hecho yo empecé un poco antes… En realidad no tiene un significado concreto, cuando grabamos nuestra primera demo en 2007 no teníamos nombre aún, nos sentamos a hacer una tormenta de ideas y Fernando, nuestro otro guitarra por aquel entonces, nos dio el nombre. A día de hoy estoy seguro de que no nos llamaríamos así, pero es la banda en la que llevo tocando toda mi vida y es lo que nos une a todos esos años que llevamos peleando por hacer algo más que dar un par de conciertos al año delante de los colegas. José Miguel: Yo llevo bastantes años en la formación y aunque ya se llamaba así a mi entrada, siempre me gustó a pesar de su simpleza, lo veo y se ha hecho especial en nuestras vidas con el tiempo. En alguno de esos cambios iniciales tuvimos dudas sobre si cambiarlo,

pero me alegro de haberlo conservado. “Agua. Naufragio. Equilibrio”, es vuestro segundo disco, tras “Atlas”. ¿Qué podemos encontrar nuevo en este último trabajo? ¿Cómo fue el trabajo de composición del mismo? Me refiero a la fuente de inspiración para realizar temas tan profundos. J: Bueno, creo que es importante mencionar en este apartado a nuestro amigo Mariano Torres, que fue batería de Catorce en 2015 y con el que compusimos este nuevo disco. Sus ideas y su forma de tocar fueron revulsivas en nuestra manera de componer y sin él, “Agua. Naufragio. Equilibrio.” no sería ni de lejos el disco que ha resultado ser. Por otra parte, el trabajo fue bastante “rodado” en cuanto a música, empezábamos con alguna idea que llevaba yo de casa o improvisábamos sobre algún ritmo de batería (tal fue el caso de canciones como “Le Mal du Pays” o “Farsalia”) y todo aquello se mezcló desde el primer momento con la situación personal de cada uno. “A.N.E.”, a diferencia de “Atlas”, es un disco mucho más visceral en cuanto a temática, más introspectivo. La vida nos pedía eso. JM: Teníamos claro que no queríamos sacar una segunda parte de “Atlas”, no solo por cuestiones personales sino por pura evolución (musical y vital), necesitábamos algo más crudo y directo, por así decirlo. Realmente creo que no hemos perdido nuestra identidad por el camino, ha sido una transición muy natural, lo cual nos hace estar muy satisfechos con el trabajo. Seguimos haciendo música para gente triste, como nos gusta decir; pero en este caso, virando hacia la luz al final del camino. NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | 28 | OCTUBRE 2016

Habéis vuelto a trabajar con Raúl Pérez en los estudios La Mina, todo un lugar de calma y tranquilidad para imbuirse del entorno en el proceso de grabación. ¿de ahí vuestro sonido, repleto de matices rock e indie? Además, el álbum lo ha masterizado Brad Boatright (CORROSION OF CONFORMITY, NAILS, OBITUARY…), ¿conocíais su trabajo? ¿o es porque buscabais álbum sonido en especial? J: Raúl es muy buen amigo nuestro, ya habíamos grabado “Atlas” con él y confiábamos 100% en su trabajo. No nos planteamos en ningún momento grabar con nadie más. Es un tipo que te inspira tranquilidad y profesionalidad, y desde luego el entorno de su Mina es ideal para gestar un disco. Nos dio todas las facilidades para probar cosas nuevas y fue el primero en mostrarse entusiasmado con la idea de que grabáramos el disco en directo. JM: Es imprescindible para nosotros estar cómodos dónde y con quién grabamos, más aún para grabar en directo, algo nuevo para nosotros. Sabíamos que, además de resultados, con Raúl teníamos eso y más. Nos aportó como siempre desde su perspectiva y el res-


momento no ha surgido ninguna incompatibilidad, solemos organizarnos bastante bien y a día de hoy, musicalmente cada vez son proyectos más lejanos. Nos nutrimos, aprendemos y disfrutamos de ambos por igual. El artwork es muy preciosista y personalmente lo veo muy acorde tanto al título del LP, “Agua. Naufragio. Equilibrio”, como con el sonido y el color de vuestra música. Un gran trabajo realizado por The Braves Church ¿Cómo surgió esta idea, de jugar con las olas y el mar? ¿Qué significa para vosotros el mar en este álbum? J: Creo que la música en general, no sólo la nuestra, debe tener la facultad de llevarte a lugares inexistentes. “A.N.E.” nos transportaba a una sensación y unos colores, la de estar flotando en el mar, la de agarrarte a la quilla del barco mientras pasa la tormenta. Fue un disco que casi fue pensado desde el principio, la orientación que queríamos tomar y la imagen que queríamos mostrar. Somos gente del Sur y queríamos que la luz de nuestro entorno también formara parte de nuestro disco. Que englobara todo lo que nos hace sentir bien. Adentrándonos un poco en el disco, en cuanto a estilos mezcláis el rock con toques indies, algo de psicodelia y postmetal, todo embadurnado por un sonido muy noventero ¿os adaptáis a los temas o son ellos los que os adaptan a vosotros a componerlos? ¿Qué podemos encontrar dentro de vuestro álbum? J: En realidad es cuestión de filtrar ideas, creo. Quisimos hacer cosas distintas pero sin perder la esencia de lo que es Catorce, eso hemos procurado no perderlo nunca. Sí es cierto que al tocar en DLCALT, nos hemos alejado un poco de la parte más “metal” de Catorce y exploramos nuevas fronteras, tirando de influencias más cercanas al indie, al emo de los 90 y al grunge. Y ojo, al decir perder la parte más metal, no digo perder la leña… De hecho es el disco más enérgico que hemos hecho nunca, jajaja. JM: Seguimos siendo los mismos, quizás ahora escuchemos cosas nuevas, pero mi tatuaje de Dream Theater sigue con mucho orgullo en mi tobillo ¡jajaja! Todos tenemos nuestros ídolos, nuestros gustos… Y de ahí sale un refrito bastante curioso. Creo que es más cuestión de filtros de calidad que nos autoimponemos, que a su vez tienen que ver con esas influencias, que con adaptarnos a nada.

peto, sumando detalles que enriquecieron el resultado final; pero el sonido es algo que llevamos muy trabajado desde el local, en el estudio es más cuestión de pulir. Y por otra parte, con Brad ya trabajamos anteriormente en el primer disco de De La Cuna A La Tumba y no pudimos terminar más satisfechos. En aquel caso dio a la primera con lo que queríamos, pero decidimos repetir y en este caso lo sacamos un poco de su zona de tranquilidad, pero juntos sacamos el sonido que más favorecía lo que buscábamos. Solo puedo decir cosas positivas de él: mucha experiencia, profesional, muy abierto, rápido trabajando, cercano… Actualmente, en CATORCE, estáis tres miembros de DE LA CUNA A LA TUMBA, por un lado, se nota la complicidad entre vosotros, pero por otro puede ser un hándicap para tocar y compaginar directos, nada que no solucione una buena agenda. ¿esto os influye en vosotros, o por el contrario os refuerza aún más como conjunto? J: Bueno, en realidad aún no sabemos muy bien cómo va a funcionar la cosa, ¡jaja! Nuestra intención es esa, organizarnos, porque en ningún momento hemos querido que DLCALT sea el típico proyecto aparte que sólo funciona cuando el otro proyecto está parado y viceversa. Al final, los tres que estamos en Catorce somos amigos desde hace más de diez años, no somos sólo compañeros de grupo, sino amigos que salen por ahí y que pasan mucho tiempo juntos. En DLCALT contamos con Kantz que también es amigo nuestro desde hace muchos años y al final es eso, que somos cuatro tíos que son amigos antes que compañeros de banda, lo cual lo hace todo infinitamente más fácil en ciertos aspectos. JM: Hasta el momento nos está sorprendiendo muy positivamente la velocidad a la que se está desarrollando todo con DLCALT, porque se hizo de manera muy humilde, con mucho amor, pero sin muchas pretensiones inicialmente. El caso es que nos apasiona y hasta el

La lírica a la hora de componer las letras, es una cosa que os tomáis muy en serio, empleando varias metáforas y pasajes que nos harán pensar y hacerlos nuestros. Personalmente es uno de los puntos más fuertes de vuestra música, que se une perfectamente a un todo ¿Sobre qué os basáis a la hora de escribir? ¿Cuál es el hilo conceptual de vuestro disco? J: Como decía antes, “A.N.E.” es un disco más conectado con nuestros pequeños mundos que con el mundo en general, tal como ocurría con “Atlas”. Nos basamos en situaciones que nos preocupan, en la necesidad de encontrar algo positivo dentro de nosotros. Es un poco jugar a ser nuestros propios psicólogos cuando pasamos por un mal momento, si se me permite decirlo. No hay un hilo conceptual concreto, es un disco que habla de experiencias, hay mensajes ocultos que sólo nosotros entendemos. También me gusta experimentar, me gusta escribir canciones cercanas a la fábula, contar historias de las que saques una moraleja, y también tirar de títulos que hagan algún guiño a la historia clásica o a la literatura, como ocurre con “Farsalia” o “Yo, Sputnik”. Si tuviera que quedarme con algunos temas, aunque es muy difícil elegir solo unos pocos, porque el álbum en sí me parece un conjunto increíble, elegiría “Nuevacosta”, “Einstein – Rosen” o “La Ingravidez” ¿Qué podéis hablarnos de estos temas, en cuanto a letras y composición? ¿Cuál ha sido el tema o temas más complejos de darle forma en el disco? J: -“Nuevacosta” es bastante difícil de explicar. Es una canción que surgió casi dos semanas antes de entrar a grabar y tenía algunas frases sueltas de una versión anterior, pero la escribí casi de manera automática. Creo que ni yo mismo sé de lo que habla en concreto, es quizá la canción más “lorquiana” del disco, hay muchas imágenes. Compositivamente, creo que es un gran estribillo, es el tema más “diferente” del resto. “Einstein-Rosen” habla de ese momento que todos experimentamos alguna vez, el de querer regresar atrás en el tiempo para cambiar algo. Personalmente, es una excusa hacia mí mismo por ser como soy, y un recordatorio de que todo está en constante movimiento. Y de que yo mismo estoy sujeto a ese movimiento. Que no hace falta ningún agujero de gusano para volver atrás, sino que cada día es una oportunidad para empezar de nuevo sin olvidar todo lo que has NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | 29 | OCTUBRE 2016

aprendido. “La Ingravidez” trata sobre la sensación de depositar todo el peso con el que cargas en una canción y sentirte ingrávido, de arrancar una parte de ti y convertirla en algo que ya no es tuyo, sino que se convierte en algo abierto a quien quiera escucharlo. Habla de escuchar esas canciones a lo largo de los años y por un momento, regresar al momento en que las escribiste, aunque ya no te identifiques con lo que contabas en ellas. Ya habéis empezado la gira de presentación, ¿cuáles son las próximas fechas que tenéis en vuestro apretado calendario? JM: De momento tocamos el viernes 28 de octubre con Flying Dog (compañeros en The Braves Records) y los hermanos de El Altar del Holocausto en Sevilla, en la Sala D.F. Höllander; y el 29 en la Sala Velvet, también con Flying Dog. Y aunque no podemos desvelar detalles, pronto visitaremos Asturias, Mallorca, Córdoba, Euskadi, Cataluña y muchos más lugares a los que aún no habíamos llegado. Por ultimo algunas preguntillas cortas para conoceros mejor: ¿Cuál ha sido el último cd que habéis adquirido? J: Reconozco que no suelo comprar muchos discos (por una cuestión puramente monetaria, no compro todos los discos que quisiera…). El último creo que fue el “The Times They Are A-Changin’” de Bob Dylan. JM: Yo sí compro muchísimos CDs y en mi caso ha sido el debut de Antemasque, con gente de mis amados The Mars Volta. ¿Y la película que últimamente os ha llamado más la atención? J: Pues últimamente ha habido dos que me han molado bastante. “La Habitación”, un drama sobre una madre y su hijo que permanecen secuestrados en una habitación durante siete años (el niño nace en la habitación) y que un día consiguen salir. No es un thriller, sino una aventura emocional sobre cómo dos personas ajenas al mundo han de regresar al él, el choque que les supone. Y por otro lado, soy un flipado de las pelis de terror de los 80 y hace unos días descubrí una peli del año pasado llamada “Krampus: Maldita Navidad”, una película que hace honor al terror cómico de películas de los 80 como “Leprechaun” o “Critters”. Me gustó mucho. JM: Lo cierto es que tengo poca paciencia y tiempo últimamente, por lo que casi veo exclusivamente series. “Utopia” me gustó bastante, es de ese tipo de ciencia ficción que asusta por lo real que podría ser. Podríais recomendarnos tres grupos nacionales y otros tres internacionales, que hayáis descubierto últimamente o que os gusten demasiado. J: Pues nacionales podría recomendarte algunos como nuestros compis de sello Flying Dog. También me molan mucho los chicos de Boneflower, también unos chicos de Cádiz con los que tocamos, Smokers Die Young, a los que les queda un futuro brillante por delante o a nuestros hermanos de Virgen, pero creo que está empezando a haber muchísima calidad en España y se me hace difícil recomendar sólo tres bandas (hace unos días descubrí a una banda catalana llamada Tano! que me dejó con el culo torcido). Creo que por primera vez no nos tenemos que sentir para nada menos que nadie. Internacionales la verdad es que estoy últimamente muy metido en el tema de la música electrónica y ambient, me gustan mucho Shlohmo y su disco “Dark Red”, Helios y su “Eingya” o Hammock. JM: Nacionales te diría Obsidian Kingdom, toda una referencia en cuanto cómo trabajar y hacer las cosas en todos los sentidos; Adrift, que aunque no estén activos actualmente me parecen la mejor banda de metal que ha habido en este país en estudio y en directo; y Viaje a 800, otros tristemente desaparecidos (de mi Algeciras natal) que facturaron verdaderas obras maestras de su género. Internacionales te diría Arcane Roots, Black Peaks y Marmozets; todos ingleses. Tienen discos de esos de los que no pasas ni un tema, tenemos mucho que aprender. Un placer poder hablar con vosotros, para Necromance Digital Magazine, por ultimo os dejo la despedida a vosotros: J: Pues que si has llegado hasta aquí, eres una persona increíble por aguantar el tirón. Por lo demás, ¡muchísimas gracias por la atención y nos vemos por ahí, y si no nos vemos es porque no queréis! JM: Muchas gracias por vuestro tiempo y dedicarnos este espacio. Saludos y nos vemos en la carretera. Por Juan Angel Martos


KLEE PROJECT Los italianos KLEE PROJECT entran de lleno en la escena con su álbum debut “The Long Way”, un álbum donde cada detalle está cuidado al más mínimo detalle…. Quisimos saber más cosas acerca de esta prometedora banda y les enviamos unas preguntas que contestaron Roberto Sterpetti y Erik Scutti.

Bienvenidos a las páginas de Necromance Digital Magazine !!!! ¿Puedes presentar KLEE PROJECT a los lectores? ¡Hola David! KLEE PROJECT es una “All-star band” que nació de una idea de Roberto Sterpetti, conocido cantante italiano y vocalista del grupo. Poco después conoció a Enrico “Erk” Scutti (ex Cheope, ex Figure Of Six), y combinaron sus experiencias y experiencia musical para crear lo que hoy es una realidad en escena rock yalternativa italiana . El nombre de la banda hace referencia a Paul Klee, un pintor que ha hecho la mayor contribución a la pintura moderna con una gran personalidad artística, rica y con muchos matices además de ser un excelente violinista y amante de la música clásica. ¿Cómo fueron las sesiones de grabación de “The Long Way”? ¿fue complicado grabarlo? El proyecto requirió de cuatro años de trabajo. Las grabaciones se programaron en diferentes pasos y siempre adaptadas a nuestras necesidades personales y lo que requirió más esfuerzo fue la búsqueda de un sonido preciso. Para este objetivo, nos pusimos en manos de Francisco “Frank” Altare para mezclar el disco que consiguió explotar las composiciones de una forma excelente y consiguiendo ese “golpe”. Para la masterización trabajamos con Riccardo Parenti, con el que ya colaboramos desde hace años en sus Elephant mastering, que le ha dado ese toque analógico con un sonido cristalino que queríamos para el disco. También tenemos una versión en vinilo… ya sabes, hay que volver a lo clásico. ¿Cómo describirías el sonido de “The Long Way”? Rock, Metal, Alternative, Southern…. Una vez más, citamos a Paul Klee, y es que estábamos fascinados por su pintura “Eros” por su combinación entre los colores fríos y calientes y por su intenso dinamismo. Nos dimos cuenta de que todo esto estaba ligado a la perfección con la música que estábamos escribiendo: un sonido que incluye nuestras diferentes influencias, muchas atmósferas y un viaje musical muy bien definido. ¿Tenéis alguna fuente de inspiración o las cosas se van plasmando tal y como van surgiendo?

Hemos combinado nuestros gustos musicales consiguiendo influenciarnos unos a los otros. Bandas como Nickelback, Alter Bridge, Shinedown, Foo Fighters,… incluso bandas como Depeche Mode, Génesis, Marillion, Def Leppard unidos a los elementos electrónicos y orquestaciones fueron la matriz de nuestro sonido. Todo surgió de forma muy espontáneo y escribimos directamente todo .lo que queríamos expresar, sin límites, con el corazón y mucha pasión. ¿Qué puedes contarnos acerca de la portada de este trabajo? El concepto de la misma estaba claro desde el principio. Queríamos fusionar una imagen de “Eros” de Paul Klee y la “Ruta 66”. Queríamos reflejar un largo camino, la tensión hacia un sueño, el amor, los colores que representan las muchas emociones e historias que tiene este álbum y la flecha como nuestro símbolo de la determinación: un largo camino con una dirección bien definida y donde no pararemos hasta llegar. ¿Se quedó algo fuera de las grabaciones de “The Long way” o que hayáis querido dejar para el próximo trabajo? Bueno, no era fácil producir un álbum tan lleno de elementos y sonidos. A menudo tuvimos que tomar decisiones y eliminar algunas cosas de la fase de preproducción. Era necesario para conseguir esa música directa que buscábamos. Estamos satisfechos con las decisiones tomadas y ya estamos trabajando en el próximo trabajo. ¿De qué tratan las letras en “The Long Way”? Todo viene de querer expresar algo que nos representa tanto musical como personalmente, queremos expresar todo esto sin necesidad de ceñirnos a estereotipos ni clichés preestablecidos. Líricamente hablando, a mitad de la composición nos dimos cuenta que teníamos ya definido el concepto; estábamos creando un álbum conceptual y decidimos terminarlo con esta idea. Trata de la historia del pasado ,el presente y el futuro de un joven músico que sale de Memphis únicamente con su guitarra y se embarca en la Ruta 66 en dirección a Los Ángeles, con la esperanza de poder encontrar fortuna en este negocio; la historia narra sus deseos y las ganas de conseguirlos… es una historia de amistad, venganza, compromiso y éxito, un éxito que sólo vendrá sin continua con la misma pasión con la que empezó. Todo esto está englobado en una historia de pasión, amor, deseo, separación e unión; una nueva vida que se completa con el viaje del protagonista. Es realmente el reflejo de la historia de todas esas personas que quieren hacer algo en el mundo de la música.

NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | 28 | OCTUBRE 2016

¿Participan algunos invitados especiales en este trabajo? Nuestra experiencia adquirida a lo largo de los años a nivel profesional, nos dieron la oportunidad de ponder contar con amigos que nos ayudaron a crear este trabajo: Marco Sfogli (PFM, James La Brie) en las guitarras, así como una verdadera orquesta sinfónica dirigida por el maestro Francesco Santucci, que nos deleitó con un solo de saxofón en el tema “Lucrezia’s Night”. También tuvimos la colaboración de Tina Guo (Foo Fighters, el Cirque Du Soleil, John Legend), que aportó con maestría su celo en “Hereafter” y sin olvidarnos de Lorenzo Poli (Vasco Rossi, Nek) al bajo y Antonio Aronne (Figure Of Six) en la batería para crear una sección rítmica demoledora. ¿Cómo ha reaccionado la prensa hacia “The Long Way” hasta el momento? Hasta ahora, estamos muy satisfechos con los comentarios hacia “The Long Way” y damos las gracias a todos los periódicos, revistas, webzines que nos están apoyando. En las redes sociales hemos encontrado una gran demanda del álbum y nuestro video “Everybody knows” está funcionando muy bien. ¿Tenéis alguna meta o planes a conseguir con este “The Long Way”? Estamos muy orgullosos y satisfechos de “The Long Way” y no podríamos desear más en él. Esperamos que a todos los amantes del rock y de la música les guste el álbum y que puedan encontrar algo en nuestra música. ¿Tenéis planeada alguna gira para apoyar la salida de este trabajo? No a corto plazo. Y es por algo en concreto. Queremos centrar nuestros esfuerzos en transmitir nuestro mensaje musical a través de medios de comunicación sociales, con videos, fotos, y todo lo que gira en torno a los músicos de KLEE PROJECT con el fin de crear una comunidad de fans que nos sigan en el futuro. ¿Con quién os gustaría ir de gira? ¡Wow! Podría nombrarte tantas grandes bandas, pero seguro que sería un honor ir de gira con Nickelback, Alter Bridge, Foo Fighters… por nombrar unos pocos! ¿Algo que queráis añadir para finalizar esta entrevista? Lo primero es darta las gracias, David y Necromance Magazine por tu tiempo y esta entrevista tan entretenida. Y para nuestros fans y amantes de la música: “manteneros en pie todo este largo camino y no renuncies a tus sueños y objetivos!”. Rockea con KLEE PROJECT!!!.

Por David Déniz Plaza


“EN EL ARTWORK DE THE DISTANT VIEW SE PUEDE OBSERVAR UNA MEZCLA DE PAISAJES… MONTAÑAS, BOSQUES, AGUA, NIEBLA… QUE REPRESENTAN LA NATURALEZA O NUESTRO PLANETA. COMO CONTRAPUNTO A ESTO ESTÁN LAS LINEAS GEOMÉTRICAS Y EL TROZO DE PAISAJE DEL REVÉS QUE REPRESENTAN LA INFLUENCIA DEL SER HUMANO SOBRE LA NATURALEZA.”

CLOSE TO THE SKY CLOSE TO THE SKY vienen pegando fuerte con la edición de su nuevo trabajo, “The Distant View”, donde se muestran como un grupo sólido y potente y con una llamativa propuesta musical dentro del metalcore… aprovechamos la ocasión para charlar con ellos y ésto es lo que nos contaron. En primer lugar, daros las gracias por dedicarnos un rato para atendernos y contestar unas preguntas. ¿Podéis contarnos un poco quienes sois y cómo surgió la idea del grupo? ¡Buenas, es un placer!. Actualmente la banda consta de 5 componentes: Adri a la batería, Sergio y Nacho a las guitarras, Jota al bajo y Lucas a cargo de todo el trabajo vocal… screams, melódicos, rap. La idea para “Close To The Sky” comienza a principios de 2013, cuando la banda a la que pertenecían Sergio, Nacho y Yoan (anterior batería de CTTS) se disuelve. Con la intención de crear un nuevo proyecto, Lucas se une entonces a la formación y comenzamos la composición de lo que sería nuestro primer EP “Time Lapse”, poco después Diego se incorpora al grupo como bajista. Tras publicar el EP y tocar unas cuantas fechas por la peninsula, Diego y Yoan abandonan la banda para centrarse en sus carreras. En ese momento se une Adrián como batería, que tocaba antes con Nacho en otro proyecto, y comenzamos con la composición de las primeras ideas para el álbum. Mientras tanto estuvimos dando conciertos por España ademas de alguna gira corta teniendo aun el puesto de bajista vacante. Es entonces cuando Jota, ex-bajista de la ya conocida banda “Overdown”, se une al grupo dando lugar así a la actual formación de “Close To The Sky”. ¿Cuánto tiempo ha pasado desde que publicasteis el EP hasta que habéis grabado este LP? ¿Habéis notado unos cambios en vuestras composiciones desde entonces? Han pasado tres años desde que publicamos el EP y empezamos a tocar. Sin duda ha habido un cambio en las composiciones y también en nosotros, la forma en la que hacemos y entendemos la música en general. En ningún momento dejamos de componer desde que sacamos el EP, así que

esto no ha sido un salto repentino sino el resultado de un trabajo continuo. Hay muchas ideas y composiciones que se han quedado en el tintero, queríamos que el disco tuviera solo las canciones con las que nosotros estuviéramos a gusto y sin que ninguna fuera un simple relleno. Aun así hemos incorporado una versión algo retocada de la canción Time Lapse ya que pensamos que es el punto de unión entre el EP y este álbum y que es la primera canción que compusimos que muestra mas o menos el estilo que hacemos. ¿Podéis contarnos un poco como fue el proceso de composición y grabación del LP? ¿Quién se ha hecho cargo de la grabación, mezcla y masterización y dónde? Como ya hemos contado el proceso de composición nunca para, siempre hay alguien pensando y probando cosas. Para este álbum hemos seguido el siguiente proceso compositivo; alguno de nosotros tiene una idea para una canción nueva, puede ser un simple riff o una pequeña estructura. Esa persona lo expande hasta tener una estructura para una canción completa, normalmente son Sergio, Lucas o Nacho quienes tienen estas ideas. Una vez esta la estructura hecha la revisamos entre todos y vemos que nos gusta y que no, y trabajamos en las partes que faltan o queremos cambiar. La canción la vamos tocando en los ensayos y dándole la forma final que queremos. A su vez Lucas improvisa ideas vocales y va pensando respecto a la letra. Cuando ya esta clara la canción le añadimos últimos retoques con efectos o alguna guitarra añadida y Lucas escribe la letra basándose en las ideas que ha sacado durante los ensayos. Hemos querido seguir esta dinámica para que las canciones tengan la coherencia y sigan la idea original que ha tenido la persona al hacerla y ya después trabajar todos juntos en NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | 32 | OCTUBRE 2016

una base clara. Es obvio que cada uno tiene influencias diferentes y se nota en las canciones quien ha tenido la idea original pero al final todas siguen una linea parecida que es el resultado de nuestro trabajo en conjunto y del rumbo que tomamos entre todos. Se podría decir que se crea un sincronía entre todos a la hora de idear riffs y vamos todos en una misma dirección inconscientemente gracias al trabajo en equipo. De la grabación del álbum nos hemos encargado nosotros mismos como ya hicimos con el EP. Por entonces con menos conocimientos y sin experiencia grabamos guitarras y bajos en casa y acudimos al estudio para grabar batería y voces. Esta vez grabamos guitarras, bajo y voz en Treeline Studios, el home studio de Nacho, y alquilamos un estudio para grabar la batería con una acústica adecuada. Nacho se encargo de la producción de las canciones y una vez estuvo todo listo mandamos el disco a NDSE Recordings para que Nicolas Delestrade (Bajista de Novelists) se encargara de la mezcla y el master. Decidimos trabajar con Nicolas ya que nos pareció muy bueno su trabajo con discos de Betraying The Martyrs, Novelists, Shoot The Girl First, Merge… y cuando acompañamos a Novelists en su tour en España pudimos hablar con el y vimos que entendía bien lo que buscábamos. Tras escuchar el trabajo ya terminado, ¿estáis contentos con el resultado? ¿Cambiaríais algo del mismo? Estamos muy muy contentos con como ha salido el disco. Ha sido el resultado de mucho tiempo y trabajo y hemos procurado cuidar todos los aspectos del mismo al máximo. Aun así siempre hay cosas que se podrían hacer de otra forma, mil detalles o arreglos diferentes pero si nos pusiéramos con eso no acabaríamos jamas y ya es cuestión de opiniones o gustos concretos jajaja. El disco es una muestra de lo que hemos sido como grupo mientras lo componíamos y una vez grabado se queda fijado con todos los detalles y cosas que lo definen. Pensamos que el álbum refleja muy bien ese periodo y mientras lo toquemos durante los próximos meses y la gente lo escuche


ira cogiendo un significado especial para cada uno. ¿Está teniendo buena acogida el disco? ¿Cuál es vuestro tema favorito del mismo? Al publico lle esta gustando mucho el álbum. Las opiniones que estamos recibiendo son muy positivas y a la gente les sorprenden gratamente las canciones. Aun queda mucho camino y hay mucho trabajo para que el disco llegue a todos los rincones, nosotros estamos ilusionados y vemos que el ritmo que lleva es muy bueno. Habladnos un poco del artwork del trabajo, que a mí personalmente me gusta bastante, ¿Que representa? En el artwork de The Distant View se puede observar una mezcla de paisajes… montañas, bosques, agua, niebla… que representan la naturaleza o nuestro planeta. Como contrapunto a esto están las lineas geométricas y el trozo de paisaje del revés que representan la influencia del ser humano sobre la naturaleza. Todo esto sigue uno de los temas recurrentes sobre los que hablamos en el disco y en general; la sociedad y como nos comportamos, no solo con nosotros mismos sino también con nuestro entorno. Teníamos otras versiones del artwork con mezclas de ciudades ademas de otros elementos pero al final nos decantamos por una versión algo mas simple y menos cargada. Lo bueno es que a la hora de hacer diseños y demás material audiovisual tenemos bastante flexibilidad ya que se ha encargado de hacerlo Lucas desde los inicios del grupo. Tenéis ya en la calle un videoclip de, a mi parecer, uno de los temas más potentes del disco, “Haunting Memories”. ¿Cómo y con quien fue la grabación? ¿Tenéis planeado sacar más videoclips? Decidimos sacar un videoclip de uno de los temas mas variados del disco, mucho antes de la publicación del mismo, ya que el proceso de grabación terminó a principios de año y queríamos ir mostrando lo que teníamos

preparado. Para esto contamos con la ayuda de Fidel Lorite, un amigo de Lucas, que se ocupo del trabajo de director. Carlos Guijarro fue el encargado de dirigir la fotografía y Teresa Giménez, pareja de Jota, hizo el trabajo de posproducción. El proceso del rodaje fue bastante duro ya que contábamos con muy poco tiempo en el estudio para grabar el vídeo y tuvimos que hacer todo en cuestión de unas horas. Fue toda una experiencia ya que era la primera vez que grabábamos un videoclip y la verdad es que nos lo pasamos muy bien. Aun habiendo grabado todo con prisa, el trabajo de Teresa y Fidel con el montaje y la posproducción ha dejado un videoclip del que estamos muy orgullosos. En un futuro habrá mas videoclips sin duda, pero no podemos decir mucho mas sobre el tema jajaja. A parte del videoclip, publicamos hace poco un lyric video para la canción “Landmarks” y podéis esperar que saquemos alguno mas dentro de poco. ¿Nos recomendáis algunos grupos internacionales que hayan podido influir en la composición y el sonido de este trabajo? ¿Y nacionales? Hablar sobre influencias es complicado jajaja escuchamos muchos grupos de muy diferentes estilos y sin duda todo influye en mayor o menor medida en como componemos y tocamos. Aun así si que hay algunas bandas que podemos destacar y de las cuales se pueden escuchar influencias en el disco, Northlane, Volumes o Architects son algunos de estos grupos. Respecto a grupos nacionales hay muchos muy buenos y que están empezando a mostrar la calidad de nuestra escena, aun así no hay ninguno que este en el estilo que buscamos hacer y del que podamos recibir influencias. La verdad es que de nuestro genero musical es de lo que menos tenemos aquí. Supongo que tendréis unas ganas inmensas de presentar el disco en directo. ¿Habéis dado algún concierto ya? ¿Tenéis pensado alguna gira nacional para presentarlo, o algo que nos podáis adeNECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | 33 | OCTUBRE 2016

lantar de algunos directos? ¡Sin duda queremos tocar el disco en directo! Jajaja La música en directo es una parte fundamental de Close To The Sky. Ademos nos preocupamos de que en concierto las canciones estén igual de bien representadas como en el disco. Esto es algo un poco difícil por el tipo de salas en las que solemos tocar y que hay en España, pero hacemos lo que podemos por dejar satisfecho a nuestro publico. Hemos dado un concierto ya en el que ha sonado el disco al completo pero no ha sido parte de una gira de presentación. Estamos terminando de organizar las fechas de los conciertos en España y tenemos el objetivo puesto en llevar el disco fuera de nuestras fronteras. Por ahora no podemos anunciar mas al respecto. Y ya para finalizar, daros de nuevo las gracias por contestar las preguntas. Las últimas palabras os las dejo a vosotros para los lectores de Necromance Digital Magazine ¡Gracias a vosotros por la entrevista!. Unicamente queremos recordar que el disco está disponible en un montón de plataformas online como Spotify, iTunes, Google Play, Youtube… y que también se puede adquirir en nuestra tienda online en BigCartel. Estad atentos a nuestras redes sociales ya que iremos anunciando un monton de cosas por ahí y esperamos veros a todos en los conciertos. ¡Un saludo! Por Jorge De La Cruz


ZONA DE CRITICAS ABDUCTUM (ESP) BEHOLD THE MAN ART GATES PRODUCTIONS (CD 2016) “Behold the Man” es el nuevo trabajo discográfico de los granadinos formados en 2010 ABDUCTUM, el cual llega tres años después de su larga duración debut de 2013 “The Unrevealed Truth” y tras varios cambios en la formación, en septiembre de este año lanzan este disco de a través del sello Art Gates Productions. La portada del álbum ha sido creada, como no podía ser de otra manera, por su frontman y guitarrista Nöel Puente, uno de los mejores portadistas de este país, y en la cual refleja perfectamente lo que nos quiere contar la banda en este trabajo discográfico. En este nuevo trabajo ya encontramos a unos ABDUCTUM que si bien siguen en los mismos derroteros que en su larga duración debut, en esta nueva entrega han subido varios escalones de golpe, sin avisar, una banda mucho más madura, unos temas más técnicos y trabajados que unido a la excelente producción conseguida, sobre todo la masterización en Kybo Estudios, hacen de él un disco para estar en el pódium del Thrash Metal patrio este 2016. Nueve cortes repartidos en unos cuarenta y nueve minutos en total, forman “Behold the Man” en el que predomina el Thrash Metal, pero juegan perfectamente con el Heavy Metal en su medida precisa, es decir, sólo cuando el desarrollo de los temas lo piden, que viene a ser ni más ni menos que el estilo propio de la banda desde sus inicios, todo ello envuelto en un aura old school, con un resultado final excelente. El disco abre con “Earth´s Rage” el cual incorpora a su inicio un tramo instrumental a modo de intro para ofrecernos a continuación un corte thrasher en el que predomina el medio tempo, para mí con regusto TESTAMENT, buena elección para comenzar el álbum. Por los mismos derroteros transcurre la siguiente “Behold the Man”, la cual da título al álbum, en la que destaca sobremanera la excelente colección de riffs que posee, no me extraña que fuera la elegida como adelanto para mostrar lo que se cocía en este disco. “Where no Answer Fit” es la que aparece a continuación, y desde el inicio nos dejan claro que este es uno de los cortes del disco, en él encontramos velocidad, técnica y clase repartido a partes iguales, con una excelente base rítmica que cimienta perfectamente a las guitarras. En “Monolith” vuelven a la carga con un Thrash enfocado en la Bay Arena en el que la voz de Nöel te puede recordar en algunos momentos a MEGADETH. En “Painspermia” y “The Mirror of Simple Souls” ocurre algo semejante a la pista anterior, encontramos la cara más thrasher del estilo de la Bay Arena, buenos estribillos, cambios de ritmo, derroches de riffs y detalles muy cuidados en su elaboración. Ahora es turno para “Ultra Killer Mask” vuelve la velocidad al disco, los cambios de riffs, la potente base rítmica, donde lo más destacable de la misma son esos coros largos que le dan vida propia al tema y un gran solo de guitarra, de los mejores del discos sin duda.

Y llegamos al final del disco con los temas “Within the Cave” y “The Drawn Gods”, sin duda los dos mejores cortes del disco, si hasta la pista número siete estábamos escuchando un gran disco, con este dúo terminan de rematar la obra de arte que es este álbum. La primera de ellas destaca la intro con guitarra española y la subida paulatina del tempo de la misma, además de la voz, una de los registros más agresivos del corte. Con respecto a la que cierra el álbum, el cuarteto despliegan todo su arsenal técnico y compositivo en una canción de algo más de ocho minutos de duración en el que fluyen el Heavy y el Thrash en perfecta armonía, la parte lenta con voz limpia es feeling en estado puro, no se puede cerrar mejor un disco. CARLOS BERMEJO | 9

bajo tenemos el siguiente corte “Abhor War Crimes” en el que este instrumento es el protagonista al inicio del mismo, y este caso muy acertadamente al igual que en la parte final de la canción. El disco cierra con las canciones “Final Call” y “Event Horizon” dos cortes diferentes al resto, dos temas más lentos que los demás, pero cargados de buenos riffs e incluso partes atmosféricas como en el último de ellos, que no hacen otra cosa que darle un toque menos monótono a la globalidad del trabajo discográfico. Estamos pues ante un más que decente debut de una banda con algo más de un año de vida en el que una cosa tienen claro, el Thrash Metal alemán es su apuesta, el disco se hace corto y te deja con ganas de más, es una banda con mucho potencial, quizás y por ponerles algún pero, deberían buscar su propia identidad aparte de sus influencias y para próximas ediciones mejorar el sonido de la grabación, aún con todo esto, es un banda a tener en cuenta sin ningún tipo de dudas, estaremos atentos a ellos. CARLOS BERMEJO | 7

sical se mueven el resto de canciones, tanto “Cosaques” como “La Furie” suenan absolutamente iguales, o como mínimo, demasiado parecidas. “Theâtre de Sang” es la única que hacia el final consigue un sonido mucho más agresivo y trascendente a su propio género, es algo que transforma un poco el sonido del grupo. Como conclusión a la escucha de ADX, puedo decir que es una banda hecha para la escucha de los más acérrimos a los años 80 en el mundo del metal, dado que no han cambiado nada desde entonces. ÁLVARO GARCÍA BENITO | 4

AGGRAVATOR (USA) STERILE EXISTENCE DEAD CENTER PRODUCTIONS (CD 2016) ADVERSOR (ITA) RISE TO SURVIVE PUNISHMENT 18 RECORDS (CD 2016) Tenemos ante nosotros el larga duración debut de ADVERSOR, el cuarteto procedente de Italia lanza al mercado el 16 de octubre este trabajo a través del sello Punishment 18 Records, tras la demo “Beware of Soothsayer” autoeditada en enero de este mismo año. El disco consta de nueve temas, con una duración total en unos treinta y cuatro minutos de duración en el que la banda nos ofrece un Thrash Metal extremo y agresivo, bebiendo directamente y sin tapujos del estilo teutón de los ochenta no solo en las composiciones, también en el sonido de la grabación, ciertamente no sé si ese sonido es buscado a conciencia o no, pero es una realidad palpable. Del artwork se ha encargado Jasper Swerts de Infested Art (THE KILL, NOISEAR, CYNESS, PHOBIA,…) en el cual se refleja perfectamente la crudeza que te encuentras en la grabación. El disco abre con “Echoes From the Uprising”, corte instrumental a modo de intro con un comienzo de guitarra limpia arpegiando que da paso a “The Triumph of Terror”, tema rápido cargado de blast beats, directo a la yugular, sin respiro en sus algo más de tres minutos de duración. Le sigue “Envenomed”, un tema “homenaje” a KREATOR sobre todo por parte de su baterista Subham Ghosh, esos redobles de caja y timbales delatan mucho la admiración de la banda por el cuarteto germano. “Rise to Survive” que da título al álbum comienza lenta, al que le sigue por unos compases una rítmica de medio tiempo acompañada por una batería machacona, pero enseguida vuelve la rapidez y agresividad tan característica en el combo, aunque en este corte lo mezclan con alguna parte machacona, uno de los temas más completos sin duda. A continuación llega el dúo de temas “Abandoned in Hell…Farewell!!!” y “Beware of Soothsayer” los cuales han sido rescatados en su demo anterior, los cuales sirven para percatarnos de la evolución compositiva que ha tenido la banda en tampoco tiempo, estos son los temas menos elaborados del disco en los que las pistas de bajo grabadas les hace un flaco favor. Como claro ejemplo a mi referencia anterior sobre el

ADX (FRA) NON SERVIAM ULTIM’ RECORDS (CD 2016) Desde Francia nos llega el trabajo de ADX, una banda de speed metal que presentan su nuevo disco titulado “Non Serviam”. Éste grupo, más que experimentado, ha sacado un álbum de sonido clásico y fiel a sus raíces, lleno de riffs veloces, solos a dos guitarras con una gran duración y sobre todo una batería con un doble pedal a toda velocidad que resuena como dinámica constante en la canción. El disco comenzará con una introducción titulada “L’aube Noire”, a base de violines y un efecto tétrico de tormenta de fondo, algo demasiado parecido a la banda sonora de las películas que Nolan hizo sobre Batman. “La Morte en Face” ya marca la dinámica que seguirá el resto del disco, usando ritmos acelerados en las guitarras, una voz que se mueve en líneas melódicas de gran proyección y solos de guitarras de gran velocidad, misma estructura que sigue “La Complainte du Demeter”. Con un inicio un tanto más distinto, acompañado por el sonido del avión al que intentan describir comienza “B-17 Phantom”, una canción con un sonido más groovy y llamativo, aunque verdaderamente sigue la misma estructura clásica que siguen el resto de canciones. “Non Serviam”, canción que le da título al disco, es una fantástica representación del carácter épico que suele formar parte del repertorio del speed metal, género que sin duda es más que adecuado para conseguir este tipo de efectos. Hacia el minuto 2:30, “L’Irlandaise” comienza a coger un carácter muy llamativo gracias a las armonizaciones expuestas, que le dan un soplo de aire a las canciones y consiguen un efecto melódico del que carecen la mayoría de las demás canciones, cerrando con un motivo épico en fade out, aspecto que es continuado en el comienzo de “L’Egnime Scrée”, que sigue un patrón más acelerado. Prácticamente en la misma línea tanto armónica como de estructura mu-

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Ante nosotros tenemos el tercer larga duración de los americanos formados en 2008 AGGRAVATOR, que además cuentan con la demo “Born in Uniform” como debut en 2012. Su nuevo trabajo discográfico “Sterile Existence” salió al mercado el pasado diecinueve de septiembre a través del sello Dead Center Productions. En este trabajo encontramos a unos AGGRAVATOR en la misma senda de su anterior trabajo pero subiendo el listón compositivo con respecto a éste. Nueve cortes en casi treinta y tres minutos en total, forman este disco, un trabajo que rezuma escuela Thrasher teutona por los cuatro costados, sobre todo de la escena más underground del movimiento, en el que además se observan toques de la Bay Arena que no hacen otra cosa que aumentar la agresividad a sus composiciones. Por lo general en el Thrash está todo inventado y ellos no son la excepción pero lo que hacen, lo hacen sobresalientemente, además les ayuda mucho el gran sonido conseguido en la grabación del disco, totalmente acorde a lo que propone el cuarteto San Antonio. En cuanto a la portada, han apostado por el ilustrador polaco Rafał Wechterowicz (BEAST, HAVOK, MACHINE HEAD, SWORN ENEMY,…) una auténtica obra de arte, la cual define perfectamente el estilo musical de la banda. El álbum comienza con “Decapiters Temple” y abre con una intro de guitarras limpias y tenebrosas, augurando que lo que viene a continuación va a ser devastador y así es, ya que enseguida da paso a una colección de riffs galopantes a la vez que agresivos, con otros pesados y machacones para mostrarnos desde el principio de que pasta están hechos el combo procedente del estado de Texas, buena elección para comenzar el álbum. El siguiente tema, “Transhuman Incorporeal” encontramos un tema más pausado pero con la misma agresividad y rabia, tónica general del álbum, en él predominan los medios tiempos machacones, gran corte sin duda. “High Impact Homicides” es una mezcla perfectamente conexionada de fases vertiginosas con otras más encaminadas al medio tempo, un corte muy completo, quizá el que más, en el que destaca sin duda la pista grabada por el bajista Tristan Hernandez, con solo de bajo incluido. Por derroteros muy parecidos transcurre el siguiente tema “Subconscious Blind” en el que hay


que destacar sin duda el imponente solo de guitarra que posee. Con la tónica de la segunda pista llega “Abhorrent Point of View” al menos hasta la mitad del mismo, ya que en su parte central nos obsequian con Thrash agresivo y a la yugular, sin aditivos, para finalizarla con una colección de solos de guitarra de excelsa factura. Constantes cambios de ritmos perfectamente sincronizados entre sí es lo que encontramos en la siguiente canción “Hacked Human Debris”, la cual da paso al dúo de cortes “Sterile Existence” y “Future Reaphased” posiblemente dos de las mejores canciones de este trabajo discográfico las cuales sabiamente han colocado en la parte final del mismo, y aunque son muy parecidas entre ellas, sobre todo en el medio tempo general de ambas, las dos poseen la mejor colección de riffs del disco, es imposible mantenerse impasible durante su escucha. El álbum se cierra con “Target Obliteration”, un corte completo, en el que ofrecen como en el primer tema, la propuesta que ponen encima de la mesa, aunque éste sea más corto en la duración que la primera pista, pero es ideal para cerrar el álbum y animarte a volver a reproducirlo. Disco totalmente recomendable a los amantes del Thrash Metal Old School. CARLOS BERMEJO | 8.5

ALCEST (FRA) KODAMA PROPHECY PRODUCTIONS (CD 2016) El dúo parisino formado por Neige (guitarra, bajo, sintetizadores y voces) y Winterhalter (batería), más conocidos como ALCEST, están de vuelta con un trabajo excepcional, “Kodama”, editado a través de Prophecy Productions, asi como grabado, producido y mezclado por Benoit Roux y contando con un fantástico artwork de la mano de Førtifem. Desde que fuera fundado en el año 2000, este es el quinto trabajo que nos dejan repleto de poesía musical con toques de shoegaze y post metal. Los descubrí con su álbum “Ecailles De Lune” en 2010, el cual me sorprendió tanto que me llevó a indagar en un mundo mágico y diferente, repleto de aromas, sensaciones y carga emocional. Este quinto trabajo surge tras el universo de Hayao Miyazaki’s y su película La Princesa Mononoke (que, si no la habéis visto, la recomiendo al 100%), y la dualidad de vivir entre dos mundos la ciudad y la naturaleza, ejerciendo una lucha entre lo físico y lo espiritual. Entremos en el universo personal de ALCEST a través de los 7 cortes que nos propone, casi 50 minutos de un viaje onírico en esta edición especial que cuenta con un tema más. Desde el inicio nos adentramos en un viaje a través de la mitología japonesa con “Kodama”, término que hace referencia a los espíritus de los arboles (si esos seres pequeños del universo Miyazaki, que mueven la cabeza con unos pequeños temblores augurando el peligro). Y esto lo hacen a través de un tema preciosista, donde prima los toques de post metal, con unas delicadas melodías vocales, contando con la colaboración de Kathrine Shepard en las femeninas. Un corte que encierra en su interior una gran cinemática y toques asiáticos, a través de una estructura compleja que nos adentra en un mundo repleto de misticismo. Una de mis favoritas del álbum. “Eclosion”, es otra delicia para los oídos, intentando sacar el verdadero yo interior, la esencia de un personaje que camina sobre la verdad y la aceptación de

cómo es cada uno. Con algunos riffs más agresivos y partes donde el post black hace su aparición, camina entre toques a THE CURE y EXPLOSION IN THE SKY (como ellos mismos dicen). ALCEST, nos dejan una estructura muy enrevesada y nos dejan ver sus voces más agresivas, (DEAFHEAVEN o MYRKUR), pero todo repleto de grandes atmósferas y pasajes ensoñadores. “Je Suis D’ailleurs”, habla sobre el sentimiento de no pertenecer a un lugar, al mundo terrenal, empleando para ello unos riffs muy ambientales, que se unen a los pasajes melódicos etéreos y frágiles, pero infringiéndoles un toque de rabia en las partes más aceleradas. Las melodías de guitarra en la parte final, impregnan la composición sentimiento de melancolía, pero a la vez tiene ese toque de esperanza que solo ellos consiguen, realizándolo a través de lo elemento de shoegaze y con una percusión muy progresiva a resaltar, así como el bajo a cargo de Indria Saray (en todo el disco). “Untouched”, representa el espíritu de la Princesa Mononoke, tal como cuentan ellos en sus entrevistas, pues la principal Fuente de inspiración fue imaginar una tribu de niños en el bosque vestidos con pieles de animales, la pureza y lo tribal se unen en un tema donde la estructura es más simplista que las anteriores canciones, pero repleta de matices y que te transportara a ese universo que pretenden crear. “Oiseaux De Proie”, acelera un poco el ritmo, en un corte que versa sobre la venganza de la madre naturaleza sobre el ser humano. La percusión de este corte no tiene desperdicio, con una primera parte más relajada, donde los niños observan el devenir de su bosque y se preparan para la lucha, en un cambio gradual que va subiendo intensidad hasta explotar con las partes más blackers donde los gritos de impotencia envuelven la canción. La parte central, está llena de matices, cuerdas que rasguean para dar un toque de eco y una melodía que va desarrollándose para aplicar una gran fuerza al final. Uno de los temas más variados y complejos del disco, pero una delicia para nuestros oídos. El punto y final lo pone “Onyx”, en la versión normal del LP, un corte instrumental que cuenta con el primer riff de “Je Suis D’ailleurs” pero al revés, dotándolo de un sonido misterioso y enigmático, como si a vista de pájaro nos alejásemos de un profundo bosque, perdiéndose este en la inmensidad del universo. En la edición especial, encontramos otro tema instrumental, “Notre Sang Et Nos Pensées”, que va subiendo en intensidad desde los pasajes más acústicos, hasta los impregnados por la distorsión y al final. Un corte, no incluido dentro del álbum pero que podía haberlo estado por mantener ese feeling especial con el mismo. ALCEST, se ha sacado de la manga otro disco de gran nivel, que si indagas en su nivel de composición tanto a nivel conceptual como musical lo disfrutaras un poco más. Un paso más adelante en su carrera con este álbum que los confirma como uno de los grandes dentro de su estilo particular, aunque superar sus dos álbumes anteriores sea ya casi una odisea. Canciones como “Kodama”, “Eclosion” o “Oiseaux De Proie”, resaltan sobre las demás, que conforman un todo casi indivisible. JUAN ANGEL MARTOS | 9

AMARANTHE (SWE/DNK) MAXIMALISM SPINEFARM RECORDS (CD 2016) Desconozco, por indiferencia, si el sexteto sueco ha conseguido con este cuarto álbum completo de estudio meterse en las radio fórmulas mundiales, desco-


nozco si en realidad es su intención, pero lo que si se es que están preparados para ello, y que siguiendo con una progresión así está más que claro que su próximo trabajo tendrá que evitar estas radio-tv fórmulas, ya que si alguna vez habéis escuchado los 40 y os habéis parado a pensar que tipo de bandas traerían en este país como invitados a programa como “La Voz”, el desaparecido “OT” o pseudo concursos musicales semejantes, aquí tenéis la respuesta puesto que AMARANTHE están preparados para ello. Y más que preparados, puesto que han girado por todo el mundo y han teloneado a bandas de variadísimo calibre y estilo, más que lógico teniendo en cuenta lo que tocan, su imagen, sus frontmans… en definitiva, todo hecho para la sobre exposición a un público adolescente carente de criterio, que quiere parecer malote metalero y con los hormonas a flor de piel. Ojo, que no estoy diciendo que sea un mal disco, eh? Porque no lo es, de echo aquí hay mucha calidad compositiva, técnica instrumental en los solos de guitarra pero sobre todo en las líneas vocales por parte de los tres vocalistas, compaginándose a la perfección y creando unas líneas vocales, pop, en se mayoría, al más alto nivel mundial del estilo. Solo por ello ya merece darle una oportunidad. Si no conoces a AMARANTHE y te vas a enfrentar a su escucha por primera vez, abre tu mente, sin más, ábrela y olvídate de falsos prejuicios de metalhead. No te creas más puristas que nadie y adelante, porque sino ni siquiera podrás terminar el primer tema. En realidad es fácil de escuchar en el aspecto puramente sonoro, ya que la producción, o mejor dicho, superproducción, es perfecta. Sin más. Tened en cuenta que estamos jugando con tres voces, una screaming, una limpia masculina y la superpresente melódica femenina, unido a ritmos discotequeros, con los ultra conocidos ritmos y samplers que utilizan las famosas bandas de pop de corte discotequeros moderno. Y en el aspecto musical, como digo, si eres capaz de abrir tu mente, también son sencillos de escuchar pues, aunque su base siempre es metalera, esta más que claro que esto es pop disfrazado. Más de la mitad de los temas del CD son radio fórmulas discotequeras además de una balada que perfectísimamente podría participar en Eurovisión, y ganar, claro, sobre todo por la grandísima presencia escénica de esta banda. Guitarras rítmicas distorsionadas de carácter melódico power machacón, batería rock, bajo pop y samplers de ambientaciones disco de los que suben y suben hasta explotar con la voz. Es como si estuvieras escuchando una mezcla entre Rihanna, WITHIN TEMPTATION y… no se… quizás ARCH ENEMY, pero con ciertos toques rock para que no todo parezca tan soso. Y es que aunque esta mezcla parezca imposible la capacidad vocal de Elize Ryd es digna de elogio y, lógicamente, la apuesta principal de la banda. Por si el CD se te hacía largo, aun tenemos de regalo tres temas en directo para dar en los morros a todos aquellos que piensen que son un producto de estudio y que su talento se basa en peluquería, sonrisas blancas, ropas ajustadas e imagen agresivo/adolescentes. SANTI GZLEZ | 7

esta formación nórdica es la apuesta que ha hecho su sello italiano Argonauta Records (THEE MALDOROR KOLLECTIVE, THROES OF DAWN, LIGHTSUCKER…), sello dedicado principalmente a sonoridades Stoner y Doom Metal. Desde la ciudad de Bergen, AMONG GODS se constituyó en 2010 como un proyecto de estudio de su vocalista Kenneth “Ripper” Olsen, vocalista de la banda SYRACH y que está orientado más hacia el Death Metal con raíces Doom y no a la inversa, como es su combo principal ahora en estado catatónico. 6 canciones sumadas a una intro y una outro, es lo que configuran este “Ghost Empire” que despacharás en unos 35 minutos, con lo que no os asustéis al pensar en el típico grupo Death/Doom Metal cargante, con temas interminables e insoportables a más no poder o bien, pausado y llorón de la misma clase. Esta nueva obra es quizá, más elaborada y “sosegada” al mismo tiempo que sus referencias anteriores, aun así durante este trabajo, seremos capaces de disfrutar de algunos buenos riffs para cabecear, pesados, con gancho, potentes… un vocalista gutural y bárbaro y una base rítmica, que aplasta todo a su paso tanto con su lento y triturador avance, como con algunas galopadas que cosechan el horror a su paso. Igualmente en los diferentes cortes, nos encontramos algunos pasajes oscuros y sombríos, que nos dan un pequeño respiro para coger aire y empaparnos de la atmósfera que desprende la composición. Además y a pesar de ser noruegos, podemos respirar cierto olor a metal sueco en sus composiciones, gracias a determinadas melodías y al sonido de las guitarras, que puede recordar a algunas de las bandas clásicas de comienzos de los 90 Deathmetaleras. Este combo nórdico se compone de Kenneth “Ripper” Olsen Grimelid a las voces, Lars Brokeland y Torarinn Fuglaas Garlick a las guitarras, Geir Myklebust Sjo batería y Ørjan “Hjarandr” Setvik al bajo. El artwork ha sido realizado por Valnoir Metastazis, conocido por haber trabajado con formaciones como PARADISE LOST, AMORPHIS, ULVER…Grabado en los Lydapotheket (FROZEN DWARF, THE NEVER EVER BAND…) y mezclado/masterizado en los Consternation Studio (MORGRIM, ELVEN, ASHOWA…), ambos localizados en su ciudad. Si grupos de Death Metal lento y aplastante con toques Doom como RUNEMAGICK, ASPHYX, GOREMENT, primeros EXPULSION, etc. están entre tus gustos musicales, sin duda disfrutarás de AMONG GODS y este su tercer plástico “Ghost Empire”. ROBIN RM | 7.5

ARCHAIC DECAPITATOR (USA) LIGHT OF A DIFFERENT SUN AUTOEDITADO (CD EP 2016)

AMONG GODS (NOR) GHOST EMPIRE ARGONAUTA RECORDS (CD 2016) ¿Un grupo desde las frías tierras de Noruega que no tiene nada que ven musicalmente con el Black Metal? Pues sí, efectivamente. Así es, el tercer disco de

Desde Connecticut nos llega este quinteto con su segundo EP de cinco temas realmente me han sorprendido por la calidad que atesoran, tanto musical como compositivamente. En “Light of a Different Sun” nos encontramos con un Death Metal melódico que no duda en introducir otras influencias de géneros como el Black Metal, el Thrash clásico o ciertos toques más Power Metal. Sin duda, otro de los grandes puntos a favor de la banda es que han conseguido un sonido que para nada se asemeja o acerca a bandas norteamericanas, sino que estamos más cerca de compararlos con bandas escandinavas y nórdicas, ARCHAIC DECAPI-


TATOR consiguen con sus composiciones que el uso de la melodía sea algo fundamental, pero no melodías melosas y dulces, lo que aquí se los ofrece son melodías más oscuras, siniestras pero con ese aura pegadizo (que no comerciales) que le imprimen las bandas de Melódico Death Metal. Es sonido de este EP es algo realmente destacable, todos los instrumentos suenan muy potentes pero manteniendo un nivel de nitidez que nos permite apreciar tanto el alto nivel instrumental de cada músico así como de la labor compositiva. Las guitarras perfectas, potentes, nivel de pesadez exacto y nitidez, bajo muy presente que aporta una fuerza descomunal al sonido final y la batería, grabada por el talentoso músico (de sesión en esta grabación) Kevin Talley que, como acostumbra, decora exactamente cada riff y sección de forma extraordinaria. En una grabación tan corta como esta, realmente destacar temas es complicado, además añado que realmente todos y cada uno de los temas está realmente bien compuesto y es muy interesante de escuchar, ya que todos tienen una excelente calidad, quizás por destacar uno me decantaría por “The Three Poisons” tema que nos lleva por diferentes atmósferas a lo largo de su recorrido, desde una mística y etérea introducción a teclado, hasta riffs agresivos, melódicos y progresivos constantemente. Sin duda, ARCHAIC DECAPITATOR es una banda a seguir muy de cerca de aquí en un futuro, ya que con este EP han clavado muy buenas composiciones, perfectamente ejecutadas y que cualquier fanático de AT THE GATES, primeros IN FLAMES, antiguos OPETH, aderezados con leves toques Black y Thrash, disfrutarán de este EP de forma increíble. LUÍS MARTÍNEZ | 8

ARKADIA (FIN) ASPIRATIONS & REALITY INVERSE RECORDS (CD 2016) ARKADIA son una banda finesa formada en 2003, que nos traen su segundo álbum “Aspirations & reality”, un trabajo de metal con tintes de death melódico, muy del estilo de bandas como los últimos SENTENCED (pero no tan lentos) o AMORPHIS a partir de su cambio de estilo, vamos que parece que hay un estilo finés de hacer estas cosas, en el caso de ARKADIA se nota que vienen del heavy y no del death metal como el caso de los citados anteriormente, porque suenan más heavy metal con voz death en ocasiones, con influencia del metal tradicional, IRON MAIDEN sobre todo, y los citados AMORPHIS, y bandas metal nórdicas. Técnicamente nos encontramos con una banda potente, buenos músicos, con partes sobresalientes a lo largo del álbum, rítmicas potentes, melodías de guitarra muy inspiradas y pegadizas, y una base rítmica, sobre todo de batería, muy buena, en el caso de la voz, en el primer tema “Aspirations & reality” choca muy de frente y contrasta demasiado y no para bien, no sé… creo que esto lo deberían haber cuidado más, pero conforme sigue el disco la cosa mejora y queda muy bien, además incluyen en ocasiones voz limpia que queda muy bien (por cierto han incorporado un cantante para las voces limpias), como en el caso de “Fundations”. En general nos encontramos con temas comerciales, con partes muy logradas, tanto en potencia como en melodía, con riffs muy buenos, como os he comentado muchas de sus melodías os recordarán a IROM MAI-

DEN, y otra a AMORPHIS que creo que son sus fuentes de inspiración, con estribillo buenísimos, como en “Spitting image”, un tema que contiene alguna parte progresiva también, en el último tema “To tjose it may concern” van más hacia un thrash tipo METALLICA, pero con estribillo más típico del metal nórdico, y a partir de ahí ya es un tema totalmente metal melódico. La producción del disco es muy buena, nítida, cristalina, se oye todo perfectamente, como instrumentistas destacaría al batería y al guitarra. La portada, mejorable. Un buen disco de metal, con voces death. Una cosa más es sus vídeos, bastante interesantes. VICENTE SÁNCHEZ | 7

serie de cambios de dirección magistrales, diseccionando tu columna vertebral sin compasión. Atentos a los latigazos de blast beats señores. “Killing” hará que alces tus puños al aire con una “lead guitar” de categoría. No apta para cardíacos. Sin duda alguna, el corte más ambicioso es precisamente el que pone el cierre a esta embestida. Este no es otro que “Organized Chaos”. De extenso minutage, el empuje es realmente épico. Aquí hay talento hermanos, de eso no queda ningún resquicio de duda. El conjunto tiene un claro potencial que estoy seguro en las siguientes intentonas discográficas aflorará. Yo no les perdería la pista, por que si espabilan, cosa que estoy seguro que harán, se pueden convertir en una maquina bien engrasada de hacer el tipo de metal extremo que ejecutan. JESÚS MUÑOZ CABALLERO | 6

ART OF DECEPTION (NOR) SHATTERED DELUSIONS CRIME RECORDS (CD 2016) Desde las lejanas y frías tierras de Noruega, nos llega un novedoso combo de Melodic Death Metal llamado ART OF DECEPTION. Iniciaron su carrera en 2012. Un año más tarde apareció su primer single “Kraken’s Awakening”, demostrando de que pasta estaban hechos. Meses después, nos llega su E.P “A World in Fire”. Este lanzamiento fue la antesala de una larga espera que finalmente acabó en 2016, con su sencillo “Killing”, y con la edición de su primer Larga Duración. Lanzado el 17 de junio de 2016 vía Crime Records, y bautizado con el nombre de “Shattered Delusions” es el culpable de que existan estas insidiosas esquelas. El line up es el siguiente: Patrick Ivan Rørheim (bajo), Einar Petersen (batería. Además componente de SVERDKAMP), Marius Ofstad (guitarra y voces), Sindre Wathne Johnsen (guitarra y voces). En este primer asalto, los noruegos nos ofrecen una obra que absurdamente se queda en las puertas de la gloria. Estos chicos llaman a su puerta, y antes de que abran deciden irse. Explico esta frase. El comienzo es simple y llanamente perfecto. Las dos primeras tonadas demuestra con creces que la capacidad compositiva de la banda es increíble. A partir de la tercera canción, el disco se torna más estándar y menos frenético, con lo que uno se pregunta frustrado ¿por qué?. A pesar del claro bajón, el L.P se deja de escuchar muy bien, haciendo pasar un buen rato al metalhead, que en ningún momento se arrepiente de haberle dado al play. La producción es clara y potente, perfecta para lo que aquí se ofrenda. Por otro lado el artwork es oscuro e inquietante, provocando curiosidad por el contenido del plástico. En cuanto a riffs se refiere, nos topamos con un escaparate dinámico, de guitarras fluidas repletas de buenas melodías, con momentos de pesadez, pinceladas de disonancias y armónicos usados puntualmente. Mención aparte merece los largos y más que correctos solos de guitarra que incluyen. Las voces se basan como era de esperar en feroces growls, que no dejan títere con cabeza. La batería tiende al mid tempo. Sin embargo, gracias a Odín no faltan los instantes de up, atreviéndose incluso con algún que otro blast beat. Al termino de esta descripción general pasemos a comentar brevemente los mejores temas de este redondo. Personalmente destacaría “Lunar Eclipse”, “Killing” y “Organized Chaos” por los siguientes motivos: “Lunar Eclipse”, te dejará con la boca abierta desde el primer segundo. Se inicia con unos arpegios en limpio, para explotar con un riff veloz que te inducirá a hacer headbanging cual poseso. A partir de entonces, se inicia una

AS LIONS (GBR) AFTERMATH BETTER NOISE RECORDS (CD EP 2016) Desde Londres, nos llega el Ep debut de AS LIONS, “Aftermath”, editado bajo el sello discrografico, Better Noise/Eleven Seven Records, siendo producido por David Bendeth (OF MICE & MEN, PARAMORE, BRING ME THE HORIZON) y masterizado por Kane Churko (FIVE FINGER DEATH PUNCH, DISTURBED), todo un combo de buenos actores y que redefinen su sonido hard/ alternative rock, que recalará a la perfección entre los más jovenes. Detrás de este nombre, se esconde el hijo de Bruce Dickinson, Austin Dickinson a las voces (como no podía ser otra, anteriormente en RISE TO REMAIN), Conor O’Keefe y Will Homer en las guitarras, Stefan Whiting al bajo y Dave Fee en la batería. Y la verdad es que, en este debut, suenan muy bien, con una voz muy bien acoplada, unos dinamos riffs de guitarras y unos arreglos de piano que ponen una nota de frescura en la banda. Eso sí, su promoción no será igual que la mayoría de grupos y actualmente se embarcarán en una gira con FIVE FINGER DEATH PUNCH. “Aftermath”, inicia este Ep de cuatro temas, con un toque de modern hard rock, donde los teclados y la voz tienen el peso inicial, con unos riffs de guitarras muy melódicos y una percusión que va marcando los tempos. Tema que trata sobre el camino a seguir para salir fuera y dejar de lado todos los males, y lo hacen con un single, donde los cambios vocales de las estrofas, más liricos y pausados, contrastan con un estribillo muy pegadizo y juvenil, que rápidamente se introducirá entre tus neuronas. Un gran tema, pegadizo y comercial de hard rock. “Deathless”, se centra en la cultura de internet y la obsesión por la imagen, y lo hace endureciendo los riffs, pero guardando un toque electrónico en otro de los estribillos del Ep, que a buen seguro funcionara perfectamente en directo, recordándome a 30 SECONDS TO MARS y POETS OF THE FALL. Suena fresco y moderno, pero embadurnado con una gran calidad vocal de Dickinson (que ha cogido bien los genes del padre), subiendo sus tonos en los estribillos. “World Of Fire”, pone un punto de inflexión en las canciones, iniciándose de forma muy intimista con un solitario piano que acompaña a la voz en susurro, para explotar y dar luz en un estribillo muy álgido, repleto de sentimientos, los cuales los transmite de forma plena, jugando con los crescendos en el tema.

NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | 39 | OCTUBRE 2016

“White Flags”, pone el punto y final a esta presentación, con toques muy cercanos a THE RASMUS, donde la parte de teclados, tiene una gran presencia, otorgándole ese toque de modernidad y frescura en las composiciones, las cuales son sencillas, con ritmos pegadizos, al igual que los estribillos, introduciendo algunos pequeños solos para engalanar la estructura. AS LIONS, se presentan con este Ep, aunque su larga duración no tardará en llegar. Un grupo fresco, con buena calidad vocal y una producción muy limpia, donde destacan los arreglos de teclados, la potencia de los riffs y los estribillos pegadizos. “Aftermath” o “Deathless”, recogen perfectamente lo que estos jóvenes chicos de Londres nos proponen. JUAN ANGEL MARTOS | 8

ASPHYX (NDL) INCOMING DEATH CENTURY MEDIA RECORDS (CD 2016) Estamos ante otra de las bandas, instituciones, empresas del metal extremo, de esas sobre las cuales me da mucho respeto hablar, porque estoy seguro que, antes de que nacierais muchos de los que estáis leyendo esta reseña, esta banda de holandeses ya estaba pateando escenarios y haciendo lo que se hacia antes, currarse Demos previas de editar su primer CD por el 91, ahí es nada. Respeto porque llevan casi treinta años en la escena, casi nada, nueve albums de estudio y una renovación integral que hace que desde el 2007 ninguno de los miembros originales pertenezca ya a la banda. Esto es algo sorprendente, porque una banda de este renombre al final acaba siendo una empresa, casi casi, y que nadie de los miembros originales quiera sacar partido de ello… es raro, pero bueno, ahí están. Los que conocéis la banda ya o podéis imaginar que no vamos a tener nada nuevo, solamente ASPHYX , con su Death Doom de altísimo nivel, composiciones muy old school, pero con un sonido realmente actual, y eso es algo que yo agradezco bastante. Todo es tremendamente brutal, directo y cortante, pero nítido y contundente. Con unas guitarras afiladísimas y un bajo con una distorsión impresionante, pero que complementa a la perfección con el resto de los instrumentos, dejando a la batería en un tercer plano, puesto que el primer plano esta ocupado, sin duda, por la inconfundible voz de Martin Van Drunen, imprescindible para los amantes de tono Tardy. Como digo, death doom de la vieja escuela, con sonido actual, pero con una cosa realmente impactante, y es el orden en las estructuras de las canciones. Es decir, mientras hay temas realmente death como “Candiru” u old school como “Incoming Death” nos encontramos con otras muy Doom como “The Grand Denial” y “Subterra Incognita”. Eso es lo raro en este trabajo, que no entremezclan mucho los estilos en cada corte, pero si en el trabajo completo. Esto hace la escucha variada y amena, pero para nada composiciones de grandísimo talante. Es como si hubieran querido seguir con una estela que, ya después de tantos años y tantas entregas, son marca de la casa, aunque no necesariamente de la calidad que antaño nos daban, pero sobre todo porque yo no es antaño. Crearon una escuela de la que ahora no son capaces de salir, pienso que queriendo, porque el talento a gente que toca y ha tocado en bandas como HAIL OF BULLETS, DECAYED BOLT THROWER o PESTILENCE no se le puede poner duda. SANTI GZLEZ | 6.5


Gran asalto que hará que el headbanging te mantenga dolorido durante semanas. Recomendado para la vieja guardia, y para todo aquel que desee comprobar como suena el auténtico metal extremo. JESÚS MUÑOZ CABALLERO | 8

BARBARIAN SWORDS (ESP) WORMS SATANATH RECORDS (CD 2016) BARBARIAN SWORDS es un combo de Black Doom metal procedentes de Barcelona. Iniciaron su carrera en 2011. Un año después de su formación, sacaron su primera y hasta la fecha única demo “Crusaders of the Apocalypse”, asombrando a propios y a extraños con su claro potencial. En 2014 salió al mercado su primer disco “Hunting Rats” descuartizando todo lo que se les ponía a su paso con su personal propuesta sónica. Ahora de la mano del sello Satanath Records nos llega su segundo L.P que verá la luz el 11 de noviembre de 2016. Bautizado con el nombre de “Worms”, este redondo es la razón de que existan estas sanguinolentas esquelas. El line up es el siguiente: Panzer (bajo), Joe Beltza (batería), Steamroller (guitarra), Voice of Noise (guitarra), Von Päx (voz). En este segundo asalto, la banda nos transporta a un cruento campo de batalla, donde solo se percibe hedor a muerte y a desesperación. Estos tipos nos ofrendan un trabajo agónico y oscuro, mostrándonos su absoluta pasión por la old school, tanto en composición como en ejecución, y por los ritmos pesados, sin renunciar ni un solo segundo al dinamismo ni a la velocidad. La producción es real, adjuntando el punto perfecto de suciedad, sonando crudos pero no embarullados, incluyendo un artwork escalofriante. Los riffs son letales y siniestros. Los hayamos pesados a más no poder, fluidos, disonantes y a doble armonía. Todo ello lo aderezan en ocasiones con unos punzantes solos de guitarra, que tal vez no sean el culmen de la técnica, pero desde luego sesgará sin compasión tu garganta. En cuanto a registros vocales se refiere, los inhumanos shrieks de Von Päx aumentan más si eso era posible la sensación de desasosiego y malevolencia. Gran trabajo de este hombre. La batería tiende claramente al mid y a los downtempo. Sin embargo, nos toparemos con buenos y generosos instantes de up tempos, blast beats y cambios de dirección rasantes. Al termino de esta descripción general pasemos a comentar brevemente los mejores tracks de esta acometida. Personalmente destacaría “I’m Your Demise”, “Pure Demonology” y “Requiem” por la siguientes razones: El corte que mejor define al conjunto es sin duda “I’m Your Demise”. De inicio veloz y totalmente blacker, la tonada va progresando, perdiendo por momentos esa aceleración, hasta que desaparece por completo. Toda una apisonadora que destrozará todo tu cuerpo. Si os preguntáis cual es la canción más salvaje de todas, la respuesta sin duda sería “Pure Demonology”. Realmente trepidante hermanos. “Requiem” hará disfrutar sobremanera a los seguidores del Funeral Doom. Nos os cuento más, simplemente oídla.

BARROW WIGHT (CAN) KINGS IN SAURONS SERVICE HEAVY CHAINS RECORDS (CD 2016) Hoy tengo el lujo de presentar el primer larga duración de la banda canadiense BARROW WIGHT. Un trabajo que puede ser recibido de formas diferentes según el oído que lo escuche, puede ser tachado de clásico instantáneo o ruido insoportable, y yo he pasado por las dos etapas antes de hacer esta reseña. Se trata de una banda que en sus orígenes hacía versiones de VENOM, algo que se nota con la primera nota que suena en este disco. No sé de qué manera pasaron de ahí a banda de Heavy Metal/Punk/Psychodelia/… y no sé cuántas etiquetas más. Para más “INRI”, todas sus letras, ambientación e iconografía están basadas en el maravilloso universo de Tolkien y su Tierra Media. De hecho el nombre de la banda hace referencia a los enigmáticos tumularios que atraparon a Frodo y su comitiva, para ser salvados posteriormente por el todopoderoso Tom Bombadil (¿Se nota que me gusta Tolkien?). Centrándonos en lo musical, que es lo que aquí nos interesa, BARROW WIGHT, es una interesante y original mezcla de estilos muy dispares como señalaba antes, con la marca incesante de VENOM en su ADN metalero y con una producción estilo Garage. Al principio de escucharlos odiaba, literalmente, su sonido, pero reconozco que con el paso de las escuchas, me he acostumbrado y ahora me apasiona, a excepción del tratamiento de la parte vocal donde parece que la reverb se escucha más que la voz original. El CD empieza con una maravillosa introducción cuyo original título es “Intro”. Psicodelia pura y dura combinado con un ambiente asfixiante y unas tétricas campanas que nos anuncian la rápida partida hacia las lejanas tierras de Gondor. “No Sleep Till Gondor” nos recuerda mucho a los primeros VENOM y a los sonidos primigenios de la NWOBHM, pero con un toque melódico, a ratos, que pone la nota distintiva. Casi sin darnos cuenta “Osgiliath” nos atrapa en sus calabozos, rabia punk y psicodelia a partes iguales y es que este tema nos pueden llegar a recordar, en ciertas partes, tanto la primera época de PINK FLOYD, en la que hacían esa psicodelia tan original salida de la peculiar mente de Syd Barret, como de repente al otro Syd, al Vicious. “The Cult” tiene un toque Stoner Rock que junto al ambiente “garajero”, hacen una mezcla genial. “Grond” empieza oscura con ritmo Doom, dan ganas de mirar atrás a ver si hay algún Uruk-Hai acechándonos

tras la puerta. Me recuerda muchísimo a los primeros ANATHEMA, de la época de Crestfallen e incluso a CELTIC FROST. Y este es el auténtico valor añadido de este grupo, la diversidad de estilos que manejan a la hora de expresarse es brutal. “Knights In Saurons Service” define a la perfección al grupo, sonido contundente dentro de las limitaciones autoimpuestas en cuanto a producción. Incluso han editado el disco en casette buscando ese sonido mítico de antaño. Son temas cortos que van a la raíz, sin ambages y sin florituras. “In League With Sauron” tiene una producción diferente de guitarras y voces, como si el mismísimo Rey Brujo la cantara. Tema muy VENOM al principio, pero a la mitad se vuelve totalmente THE DOORS. Original a raudales. ¿Qué preferirías, producción exquisita, guitarras a tope pero canciones vacías o BARROW WIGHT? “Dwimmerlaik”, todos los espíritus de Rohan nos saludan. De nuevo parece que se rompe la dinámica de producción con el resto del álbum. Aquí si se nota que un poco más de producción hubiera hecho un gran favor al tema. No es malo pero flojea en muchos aspectos. “Harrower Of The Dark” devuelve el sonido característico del principio y con él, el aroma VENOM. Aun así, no está a la altura del resto de canciones, con un solo en mitad bastante deplorable. Y para terminar, una de las mejores, “The Palantir”. Introducción tranquila con el viento azotándonos en el pelo y Saruman ¡pisándonos los talones! Consiguen meternos en esa atmósfera asfixiante y terrorífica. En resumen, un álbum que amaras u odiaras ¡O quizá ambas cosas! Originalidad de sobra pero un sonido muy básico que compensan con partes realmente geniales dentro de cada tema. Un grupo a seguir. DAVID IBAÑEZ ORTUÑO | 7

BE THAT AS IT MAY (USA) TWO OF A KIND AUTOEDITADO (CD 2016) La banda estadounidense BE THAT AS IT MAY lanzan al mercado su LP, llamado “Two Of A Kind”; y editado de manera propia por el grupo. Formados en Longwood, Florida, el grupo cuenta con la siguiente formación: Brian Garzon como voz principal, Paul Garzon a la batería y voz limpia, Luke Butto es guitarra principal y coros, Cody Hebda al bajo y los coros y Richard Wilson con la guitarra rítmica. El primer tema que nos encontramos es “Three Star Hunters” que se encarga de hacernos la introducción, con sonidos muy agudos, y voces de fondo con efecto de ultratumba, para al momento, arrancar con voces rasgadas, y unas guitarras lentas, pero que mantienen energía debido a su sonido. Poco a poco los ritmos

derivan en otros más potentes, con sonidos más graves, donde las guitarras llevan casi todo el peso de la melodía. “A for Paulie” nos adentra en la canción, con toques de guitarras cortos, para darnos poco a poco unos ritmos rápidos, que van cambiando a otros más pesados y luego vuelven a los rápidos, creados a dos guitarras a diferente tono, algo que le da un matiz interesante. La voz rasgada, domina casi todo el tema como parte vocal, pero en ciertas partes, añaden toques de voces limpias, y algún que otro coro, que le da heterogeneidad a la melodía. Sonidos muy lentos y tranquilos nos adentran en “What’s the Verdict?” para al momento arrancar con ritmos más pesados a base de guitarras distorsionadas y una batería lenta y potente. Todo se ve encabezado por una voz rasgada que derrocha furia por los cuatro costados. En los estribillos nos encontramos unos ritmos más pegadizos, aderezados de una gran mayoría de voces limpias, con algunos toques de coros rasgados, haciendo un estribillo bastante completo. “Robin Hood” nos abre con unos sonidos muy melódicos, con algunos toques de graves, para dar paso a unas guitarras que se van paneando entre los altavoces, para potentemente sonar por los dos a la vez, y hacer un juego de sonidos bastante interesante con las voces, lo que le da mucha musicalidad al tema. Nos topamos con multitud de ritmos potentes que van cambiando entre ellos, y mezclándose con algunas partes más melódicas, donde la voz limpia toma protagonismo. El tema que cierra el trabajo es “Denouement” en el cual las baterías empiezan dando los primeros ritmos, con unos sonidos lentos pero potentes que dan paso a unos riffs de guitarras, con diferentes tonos y un bajo que destaca bastante hasta que empieza a sonar la voz. Nos encontramos ante un tema corto, donde los instrumentos toman protagonismo, poniendo en segundo plano a las voces. Un tema bastante potente para acabar el disco, utilizando lo que nos muestran en cada uno de los temas anteriores. En mi opinión, el trabajo de los americanos BE THAT AS IT MAY, esta cargado de multitud de ritmos de metalcore, con pequeños toques de melódicos, lo que le da una variación en las composiciones bastante buena. En algunos casos, los temas pueden hacerse algo repetitivos y parecerse entre sí, por lo que en momentos puede aburrir un poco. En cuanto a producción, hay bastantes cosas que mejorar, como un bajo casi inexistente en la gran mayoría de temas, o unas baterías que tapan al resto de instrumentos, quedando a veces por encima de la voz. Por lo demás, un disco bastante bueno, que si eres amante del metalcore, deberás pegarle una escucha, que seguro disfrutarás. JORGE DE LA CRUZ | 6

BEYOND

CHRONICLES


(FRA) HUMAN NATION DOOWET RECORDS (CD 2016) Jovencísima banda la de estos franceses formados como tal en 2013 y que nos traen ahora si primer LP después de presentarse previamente con un EP de seis temas. Jovencísima, como digo, y eso se nota, y mucho, en su estilo y en sus continuas influencias. Bajo un sonido correcto, potente y acertado nos traen un death metal hipermelodico. Vamos, del que se lleva ahora. Batería con doble bombo de ritmo repetitivo, guitarras agresivas pero melosas y voces limpias por doquier. También alguna parte más extrema, con riffs rápidos o más suecos, pero como veis, nada del otro mundo y un estilo tan tan trillado que si no eres de los mejores de la escena vas a pasar desapercibido. Encuentro dos cosas a destacar, una buena y otra mala. La buena son las guitarras. No son nada del otro mundo, pero se dejan escuchar y son el punto fuerte del CD. Solos aceptables, melodías de siempre pero buen compuestas y ejecutadas y ritmos que van desde el heavy hasta el death siempre en su versión melódica y sobre todo moderna. Pasable. Lo peor, las voces. No puedo con ellas. La voz digamos extrema, esta a medio camino entre una screaming y una growl con fuertes tonos medios, no muy profunda, pero es que está siempre o casi siempre acompañada de una o dos voces limpias, melódicas, con ese tonillo actual, meloso y encima redoblado que lo convierte en azúcar puro!!! Ufff. De verdad que no. Será muy actual, muy moderno y muy chulo, pero no. Y estoy casi seguro que estos tíos con trabajo y un buen padrino serán famosetes en Francia, pero para ellos todo porque a mi no me van a ver ni en pintura. Lo siento, de verdad, pero es que se me hace largo y tedioso y en ocasiones siento vergüenza ajena por algunas armonías vocales. Como decía, de todas formas, algún enlace de riffs de guitarra les salva de la quema, pero hay que buscarlos, y mucho, y ser muy benevolente también. SANTI GZLEZ | 4

BIG JESUS (USA) ONEIRIC MASCOT RECORDS (CD 2016) El grupo americano BIG JESUS saca al mercado su nuevo trabajo, compuesto por diez temas, al que titulan “Oneiric” y sale editado a través del sello discográfico Mascot Label Group. Formados en 2011 en Atlanta, Georgia, entre las filas del grupo, actualmente están C.J. Ridings y Thomas Gonzalez a las guitarras, Spencer Ussery en la voz y el bajo; y Joe Sweat en la batería. El primer tema que nos encontramos en el trabajo es “SP”, una canción que nos abre con unas guitarras muy agresivas y unas baterías cañeras, para, una vez que entran las voces melódicas, van alternando esos ritmos con otros más melódicos. Un sonido muy plano, con algunos que otros cambios, pero muy sutiles, en la melodía. Introducen algunas partes muy melódicas, donde los instrumentos se recrean a falta de la voz, que apenas tiene presencia. “Lock & Key” nos abre con baterías tranquilas, y una guitarra muy suave que empieza a darnos los primeros riffs del tema, unos riffs muy continuistas, casi sin cambios y haciendo un ritmo muy plano. Aumentan un poco el volumen para darnos ciertas partes con algo

más de ritmo y energía, con unas voces muy sutiles, que no sobresalen en casi ningún momento, solo cuando las cuerdas bajan y dejan paso a la batería para que encamine el ritmo. Hacia mitad del trabajo nos topamos con “Shards” que en un principio parece tener un sonido más agresivo que el resto, con unas distorsiones en guitarras de fondo, bastante eléctricas, y se mantienen durante casi todo el tema. Nos deleitan con un solo de guitarra bastante corto, para hacer una parada en la voz, una voz que mantiene una tonalidad vocal muy plana y parecida al resto de temas; los instrumentos sin embargo, ganan un toque de distinción. “Oneirica” nos sorprende con un sonido bastante agresivo, tanto de guitarras; que cuentan con sonido bastante peculiar, como de batería, con unos buenos ritmos, algo más rápidos y precisos. Las voces sin embargo mantienen su tónica, y nos brindan partes vocales muy lineales. En este tema, lo más destacado son las guitarras, que se marcan bastantes cambios de ritmos energéticos; y un bajo, que en ausencia de estas se encarga de continuar la melodía de muy buena manera. El tema encargado de poner punto y final al trabajo es “Heaviest Heart”, que comienza con un sonido algo más oscuro, dándonos unos ritmos cargados de graves de guitarras y bajo acompañando a una voz melódica muy tranquila. Estos ritmos se mantienen durante casi todo el tema, pero hacia el final cambian, dándonos unos ritmos con un sonido más agudo, y unas melódicas más tranquilas hasta que poco a poco desaparecen las voces y los instrumentos van callando. El nuevo trabajo de BIG JESUS es un disco cargado de ritmos tranquilos, donde algunos temas despuntan con un sonido de guitarra más eléctrico y en ciertas partes algo más pesado. En general encontraremos riffs melódicos, con una voz muy plana que acompaña a cada uno de los temas, cosa que hace pesado algunos de ellos por hacerse muy repetitiva. En la producción, nos encontramos con un muy buen trabajo que saca un sonido bastante bueno de todo, escuchándose el bajo con bastante precisión, cosa que en pocos trabajos pasa. JORGE DE LA CRUZ | 7

BINARY CREED (SWE) A BATTLE WON ROCKSHOTS RECORDS (CD 2016) Presentando su nuevo disco “A battle Won” llega BINARY CREED, un grupo procedente de Suecia que practica un género fácilmente clasificable dentro de los estándares del metal progresivo. De hecho podríamos llamarlo metal a secas, porque el tipo de metal progresivo que profesan lleva tanto tiempo sonando entre nosotros que la verdad es que éste tipo de atribuciones han perdido el sentido. En su sonido particular podemos escuchar cosas como solos dotados de un sorprendente virtuosismo desarrollado en clásicas escalas y con movimientos armónicos elegantes pero poco innovadores, una voz de grandes agudos y una potente proyección y ritmos variables, aunque con un comportamiento bastante fácil, previsible dado el estilo y poco original. Comenzamos el disco escuchando “Servants”, una canción con un inicio basado en una introducción musical a base de voces disparadas por sintetizadores y que consigue un carácter épico a través del uso de la voz y las melodías que parecen moverse en un continuo


y vertiginoso ascenso. Seguida llega “Lurking in the Shadows”, que sigue una estructura parecida a su predecesora, con arpegios de violines que se repiten creando tensión al oyente, para acabar desarrollándose en golpes de guitarra potentes y espacios de tensión y relajación. Como vengo diciendo, “In a Time to Come” sigue la misma estructura que sus compañeras con la única y pequeña variantes de que en esta hay un espacio rítmico donde la voz se mueve en sus rangos graves y parece relatar una historia. Además de poseer un solo verdaderamente llamativo a nivel melódico. Con un carácter más agresivo llega “The Fallen King”, que evidentemente se desarrolla de acuerdo con la intención de relatar una historia épica, siguiendo muchos de los aspectos típicos que canciones de power o epic metal. “The Ones to Bleed” tiene una letra muy emocional y llamativa, aparte de poseer melodías y cambios armónicos más llamativos que los de sus compañeras de disco y otro de esos solos que pueden ponerte la piel de gallina. “A Better Man” posee un estilo mucho más hardrock en su inicio y se evoluciona de una manera mucho más gradual que el resto, introduciendo una guitarra acústica y coros, para ir intercalando con ese efecto hardrock metal de melodías arabescas. Canciones como “Black Storm” o “These Hands” son esas a las que a mi me gusta llamar canciones de relleno en un disco, más que nada porque no aportan nada especial ni diferente salvo el desarrollo de los mismos recursos expresados en los mismos tiempos y maneras. Por suerte el viaje acaba con un buen sabor de boca con “Journey Without End”, que tiene un estribillo pegadizo y bien desarrollado, creando melodías emocionales. Acto seguido los cambios armónicos durante el desarrollo de las guitarras hacia la hace verdaderamente interesante. Todo esto sin contar el final de guitarra acústica. Verdaderamente BINARY CREED es un grupo para aquellos a los que les gusten bandas como DREAMTHEATER, dado que llevan a cabo un estilo demasiado similar a sus influencias, repitiendo estructuras canonizadas desde hace años y aportando pequeños despuntes de genialidad. ÁLVARO GARCÍA BENITO | 6

BLACK YET FULL OF STARS (ITA) BLACK YET FULL OF STARS ROCKSHOTS MUSIC (CD 2016) Desde Italia, últimamente, está llegando una nueva oleada de grupos de Power Metal como SOULS OF DIOTIMA, analizados en mi anterior reseña o estos BLACK YET FULL OF STARS, que nos presentan su álbum debut. Se trata de un estilo cercano al Power Metal centroeuropeo de la década de los 90, pero con toques sinfónicos y ritmos progresivos. Está claro que estos italianos no están inventando la rueda, pero tienen una calidad de sonido que hace que merezca la pena la escucha y el análisis en profundidad del disco. Empezamos con el primer tema “Lightborn”. Introducción sinfónica que nos adentra en un tema muy en la onda HELLOWEEN pero con el toque orquestal siempre presente. El cantante tiene una clara influencia del maestro del Metal, Ronnie James DIO. Se perciben unos arreglos muy elaborados y una ejecución perfecta por parte de toda la banda. Siguiendo la estela del anterior tema, “Golden Child” se sigue cebando de ritmos progresivos y orquestaciones

omnipresentes. Buen tema pero le falta el gancho del anterior. “Face to Face” es un tema potente, pero el exceso de orquestaciones enmaraña bastante el resultado. Y es que está muy bien que los grupos intenten incluir este tipo de adornos pero, particularmente, prefiero su inclusión de manera algo más sutil. Flaco favor le hacen a este tema. Me enfrento a “A Boy In Chains” un poco harto de arreglos orquestales, sin embargo en este tema consiguen empastar bastante mejor. Se trata de un medio tiempo con mucho gusto y muy inspirado, con unas partes instrumentales muy cinematográficas que logran mantener la tensión. “Lords Of Silence” es un tema potente, powermetalero 100% con el sello de esta banda novel, que en esta ocasión consiguen unos arreglos instrumentales muy originales y que añaden valor a la canción. “Every Great Man’s Ghost” evidencia la falta de diversidad del CD. Se trata de la típica canción que juega entre el medio tiempo, los ritmos progresivos y la parte Power Metal clásica; si aderezamos esto con la parte orquestal, obtenemos la perfecta definición de BLACK YET FULL OF STARS. “The Last Against The Wolves” es la más teatral del disco y quizá la más oscura, sin embargo pasa sin pena ni gloria. Composición demasiado lineal, ritmos repetitivos. Le falta alma, rabia, intención,… “Tempesta” pretende ser el epílogo épico que todo disco de Power Metal debe tener. Y a veces lo consigue, pero no deja de ser un tema descafeinado que no llega a donde promete. En general, el álbum se deja escuchar bien y deja con ganas de descubrir lo que serán capaces de lograr esta banda en el futuro. También me pica la curiosidad de verlos en directo, quizá con una buena infraestructura suenen mejor los temas en vivo que en estudio. En lo estrictamente artístico, es un disco plano, que sin embargo goza de un sonido espectacular, aunque quizá las partes orquestadas quedan un poco artificiales. Últimamente los grupos pecan de una excesiva pretenciosidad a la hora de publicitarse o venderse al gran público, se pueden leer verdaderas barbaridades en las notas de prensa de este grupo (que no pienso transcribir), que le hacen un flaco favor. No conviene vender la piel del oso antes de cazarlo. DAVID IBAÑEZ ORTUÑO | 6

BOOBY TRAP (PRT) OVERLOADED FIRECUM RECORDS (CD 2016) Tras su vuelta a la actividad en 2012, los portugueses BOOBY TRAP formados originariamente en 1993, sacaron al mercado el diecisiete de octubre de este año “Overloaded”, su segundo larga duración a través del sello Firecum Records. Este trabajo consta de quince temas repartidos en poco más de treinta y ocho minutos de duración, de un Thrash/Crossover/Punk crudo y directo, algo que queda constatado en la corta duración de los temas (sólo cuatro de ellos supera los tres minutos de duración), algo lógico en el género, pero no por ello escasos de calidad, todo lo contrario, es un disco muy bien estructurado y que te engancha desde la primera escucha. Otro punto a favor es sin duda el sonido de la grabación, mezcla y masterización, tan crudo como la música que nos ofrece la banda el conseguido en los estudios A Régie. Para la portada han contado con el artista Deivis


Tavares, con el resultado que podéis observar el cual va como anillo al dedo a lo que nos ofrece el cuarteto. Como cortes a destacar en el álbum encontramos “Overloaded”, es el tema que da título al disco, canción con mucha rabia y rítmicas que van de menos a más, con una parte final excelente, “Nightmare (Go Away)” pista Punk correoso en el que en la parte final del mismo desatan de nuevo su rabia contenida, “Beber até Morrer” la cual es una versión de los enorme RATOS DE PORÃO, perfectamente llevada a su terreno aunque es cierto que no difieren mucho con el estilo de los brasileños, sin olvidarnos de “Manifesto” acertadísima para cerrar este trabajo, porque en ella se observa claramente el potencial que atesoran los de Aveiro con una muy buena colección de riffs concentrados en un minuto de duración, son para mí los temas más destacados de este cd, sobre todo este último, sin desmerecer por supuesto el resto de cortes, es un disco muy ameno y su corta duración invita a volver a oírlo unas cuantas veces. Estamos por tanto ante un buen disco de Thrash/Crossover cargado de Punk que posee ese olor a las bandas del género que surgieron en la década de los ochenta y en el que el sonido de la grabación aumenta aún más esa sensación, temas cortos y directos llenos de calidad. Si eres amante de estos sonidos lo vas a disfrutar sin duda alguna. CARLOS BERMEJO | 8.5

rrada que hace a estos chicos únicos. “Laika” es sin duda el tema del álbum. Una canción cargada de fuerza, con una letra muy sentimental, que habla sobre un futuro inevitable, y que sin duda es el tema a destacar del álbum. El estribillo mezcla guitarras distorsionadas con un ritmo de batería algo duro y una voz melodiosa muy popera. El siguiente tema es “Cu” , el tema menos alegre del disco, si lo comparamos con las demás canciones. Bien es cierto que este tema tiene un toque bastante comercial y eso hace que el tema no tenga tanta presencia como los demás. Sin duda hablaríamos de una mitad del álbum algo flojita con temas como “Broken Glass” o “This son gis Dedicated to Nobody”. “Kill your conscience” y “Forget me not” son las caciones mas pegadizas de este trabajo de, ya que se pone en evidencia las influencias de pop punk con esas melodías recordándonos a grupos como ALL TIME LOW o THE STORY SO FAR. Este álbum se cierra con dos temas muy especiales “Stop trying, Be nothing” y “Fossa”. Estos temas van cargados de líneas de bajo muy características del punk, con ritmos rápidos, voces desgarradas con estribillos muy melódicos y unos toques de guitarras con delay mas característicos de la música pop e indie. En definitiva, BOSTON MANOR no es un grupo revolucionario por su estilo de música, pero si por su sonido, muy británico, punk. Un álbum muy bien producido y compuesto por temas con diferentes temáticas. Muy a tener en cuenta este grupo de Blackpool en los próximos festivales. ÁLVARO CASTILLA MEDINA | 8

BOSTON MANOR (GBR) BE NOTHING PURE NOISE RECORDS (CD 2016) “Be Nothing” es el nombre del nuevo álbum de la banda de Blackpool BOSTON MANOR, producido por grandes como Neil Kennedy o Kyle Black. Este disco trae con gran fuerza un pop punk de la mano de Pure Noise Records, empresa caracterizada por llevar a grupos muy buenos del estilo. BOSTON MANOR está compuesto por Dan a las voces, Ash y Henry a las guitarras, Jordan al bajo y Mike a la batería. Si debemos destacar influencias directas de estos chicos de Blackpool, diríamos que BLINK 182, GREEN DAY o MY CHEMICAL ROMANCE, ya que las melodías, el sonido de las guitarras y la voz son muy parecidas. Este álbum comienza con “Burn you up” una canción con un inicio duro y que hace que te enganches a estos ingleses que vienen con mucho fuerza. “Leed feet” es el siguiente tema de este trabajo, una canción que nos recuerda a grupos como FOUR YEARS STRONG, con toques muy poperos dentro del estilo de voz que en ocasiones rompen con una voz semi desga-

CARNOPHAGE (TUR) MONUMENT UNIQUE LEADER RECORDS (CD 2016) CARNOPHAGE es un combo de Technical Brutal Death Metal procedentes de Turquía. Iniciaron su carrera musical en 2006. Dos años más tarde editaron su primer Larga Duración “Deformed Future//Genetic Nightmare”, demostrando desde el primer momento que son una fuerza a tener en cuenta dentro del género que practica. Tras un parón de ocho años, vuelven a la carga con su segundo L.P “Monument”. Lanzado el 23 de septiembre de 2016 vía Unique Leader Records, este disco, obviamente, es el culpable de que existan estas pútridas esquelas. El line up es el siguiente: Bengi Öztürk (bajo), Onur Özçelik (batería. A su vez componente de BLACK OMEN, ex ASTRAL DIVISION), Mert Kaya (guitarra solista), Oral Akyol (voz. Ex CIDESPHERE, ex BURST APPEAL), Serhat Kaya (guitarra. Ex CENOTAPH).

En este segundo asalto los turcos vuelven a dar una clase magistral del estilo de música que practican, demostrando su increíble clase. Con unas estructuración y composición simple y llanamente perfectas, la larga espera que nos han hecho padecer a valido más que la pena. Por otro lado, y a pesar de la inconcebible velocidad de los tracks, estos tipos saben cuando y como parar, intercalando perfectamente los momentos de celeridad con los de mayor contundencia, para no hacer monótona su obra. Blast beats sí y muchos, pero con inteligencia. Así da gusto señores. Sin embargo, si hubiera que poner un pero a lo aquí mostrado eso sería sin ninguna duda la producción. A pesar de ser nítida, le falta un punto extra de potencia a las guitarras. No me malinterpretéis, el disco suena genial, pero un poco más de distorsión hubiera venido realmente bien. Los riffs son tremendamente intrincados, trepidantes y psicóticos. Los hallamos fluidos, a doble armonía, a una cuerda e instantes de pesadez en éstos. Todo ello lo adornan con escasos, puntuales e intensos solos de guitarra. Las voces se basan en un solo registro. Los feroces growls de Oral Akyol despedazarán tu mente. La batería destroza todo lo que se le pone por delante a base de rapidísimos blast beats. Por supuesto, y a pesar de que es lo que predomina, como comentaba un poco más arriba no faltan los necesarios instantes a mid tempo, incluidos en los momentos requeridos. Atentos al asalto de bombos señores, ya que son toda una metralleta. Encontramos además alguna que otra línea de bajo más marcada, y esto es siempre de agradecer. Si me habéis leído con anterioridad ya sabéis lo que viene ahora. Si, lo adivinasteis, la descripcion breve de los mejores cortes de esta acometida. Personalmente destacaría “Resistance Against Mind Clouding Heresy”, “Same Old Circle” y “At the Backside of Our Civilization” por las siguientes razones: ¿Queréis brutalidad, velocidad y técnica todo a la vez?, si la respuesta es sí poneos “Resistance Against Mind Clouding Heresy”. Si no os volvéis completamente locos con esto mejor dedicaros a oír techno pop señores. “Same Old Circle” tiene una progresión realmente buena en las seis cuerdas. Se inicia a mid tempo contundente para ir paulatinamente desarrollándose, aumentando gradualmente las pulsaciones y la dificultad de los riffs hasta que finalmente estalla a blasts. ¡Todo un espectáculo! “At the Backside of Our Civilization” te hará alucinar con el riff previo al enorme solo de guitarra, para una vez entrado éste caer rendido ante tanto buen hacer. PERFECTO. Un gran asalto de una gran banda. Si sois afines a este tipo de metal extremo es de obligada escucha este C.D. JESÚS MUÑOZ CABALLERO | 10

CATORCE (ESP)

AGUA. NAUFRAGIO. EQUILIBRIO THE BRAVES RECORDS (CD 2016) “Agua. Naufragio. Equilibrio”, es el nuevo trabajo de los sevillanos CATORCE, editado a través de The Braves Records. Un álbum que va un paso más allá, con temas muy potentes y otros de corte más modernos, pero todo impregnado con un espíritu noventero sobre todo en el sonido de las guitarras y melodías de en las voces. Un álbum mucho más maduro, pero sin perder el espíritu de juventud que embadurnan sus notas. Formados en 2007 y tras varios Ep en 2013 dieron el salto al larga duración con “Atlas”, grabados en los estudios La Mina (Sevilla) con Raúl Pérez, un clásico dentro de la escena pop/rock/alternativa. Personalmente fue con este disco cuando los conocí y me sorprendieron, sobre todo por sus letras muy intimistas y plenas de mensajes. Tras varios cambios en la formación, solo Jaime Ladrón de Guevara (voz y guitarra) se mantiene como el alma mater del grupo, pero la conexión con José Miguel Ocón al bajo y Luis Manuel Terán en la batería, se nota (compañeros de fatigas en DE LA CUNA A LA TUMBA, contando con Kantz a la voz, para este proyecto). Al igual que el sonido sacado por Raúl Pérez, de nuevo en los estudios La Mina, le da ese toque cubierto de indie, pero embadurnado en puro rock, que han sabido masterizar en Audiosiege Studios de Portland con Brad Boatright. Con todo ello, nos presentan 10 nuevas canciones de las que hablaremos a continuación y en las que han colaborado también Mariano Torres Barrera en la batería y coros) y Isaac Mora Pérez en los coros de “Nuevacosta”, contando con un precioso artwork a cargo de The Braves Church. “Océana”, comienza con unos riffs muy potentes, que se diluyen en melodías vocales, marcadas por golpes de instrumentos y crear lentamente una atmosfera que inunda la estrofa y explotar en un estribillo muy directo, así como su final pone un grito desgarrador de rabia en el borde de un acantilado. Un corte que juega con los tempos, como las olas del mar y con un mensaje en su lírica para recapacitar. “Farsalia”, tiene una gran potencia de bajo, así como unos riffs que juegan y se entretejen con la composición, transformándolo en un gran tema donde las melodías vocales te hipnotizaran y te obligara a ponerlo de nuevo en cuanto termine. Un temazo. “Le Mal Du Pays”, se mueve por unas voces que transmiten nostalgia, esperanza y un recuerdo que todos tenemos impregnado en nuestro interior. “Nuevacosta”, guarda en su interior la esencia de CATORCE, con unos ritmos donde observar un toque de psicodelia, una batería brutal con toques de elegancia y una letra mágica, explota en un gran estribillo, todo ello envuelto en unas guitarras muy post/rock. Con “Einstein – Roten”, llegamos a la mitad del álbum…, y de qué manera. Un tema que no paro de escuchar una y otra vez, desde su comienzo potente y directo, hasta la voz embriagadora de Jaime, enmarcado con una lírica repleta de esperanza, y pasando por uno de los estribillos el álbum. Uno de mis cortes preferidos de la banda. Continuamos con “La Ingravidez”, donde estos chicos nos muestran que son capaces de jugar con el mástil de la guitarra, de colocar unos contrastes en sus canciones que versan entre la potencia y la melodía. Una parte central del álbum repleta de sensaciones, donde CATORCE se hace parte de ti.


“Yo, Sputnik”, es más “festiva” y bailable, con unos ritmos de rock, pero con acento indie, (un nuevo camino indagado por CATORCE), repleta de metáforas, obligándote a agudizar el oído y pensar en su contenido. “La Herida”, parece guardar una rabia interna transmitida a través de los directos y agresivos riffs de guitarra, pero con un momento para matizarlo en el puente y llenar de dulzura en otro gran estribillo. “La Democracia del Invierno”, nos acerca al final del disco, y lo hacen con otro gran tema de rock, que guarda ese toque indie/rock en unos ritmos muy marcados por la percusión, y que a buen seguro funcionara a la perfección en sus directos, pues está repleta de vitalidad. El punto y final lo pone “El Este”, con su acústica e intimismo en la voz de Jaime. La nostalgia inicial, se transforma en un halo de esperanza que flota a ritmos de post en un mar repleto de calma en el cual el equilibrio lo pone la luz que brilla por sí sola. CATORCE, han creado un gran viaje introspectivo con este “Agua. Naufragio. Equilibrio”, que gana y crece con cada escucha. Temas como “Nuevacosta”, “Einstein – Roten” o “La Ingravidez”, te atraparan en sus melodías una y otra vez. Un grito de esperanza cuando todo está perdido, cuando tus pulmones ya no puedan aguantar más la respiración tu alma brillará y te dará las fuerzas para seguir luchando en la vida, esto es CATORCE. JUAN ANGEL MARTOS | 9

CLOAK (USA) CLOAK BORIS RECORDS (CD EP 2016) Desde Atlanta nos llega el EP debut de CLOAK, “Cloak”. Editado a través de Boris Records, contiene solo dos temas, pero muy intensos, haciéndonos saber por dónde se van a mover estos americanos de Atlanta. Grabado en Rising Tide Studios por Anthony Lunn, nos presentan un estilo repleto de oscuridad con toques death/ black, basados en DISSECTION o FIELDS OF NEPHILIN. Una banda a tener en cuenta en el futuro. Son solo dos temas, los cuales nos dejan con la miel en los labios siendo “In The Darkness, The Path” el encargado de presentarnos a la banda. Un tema que camina por los suburbios de los medios tiempos, con riffs muy pesados y contundentes, a los que recrean con ciertos toques de teclados una ambientación oscura y siniestra (iniciales). Las melodías se desarrollan con soltura y desde los primeros acordes te atraparan en su mundo. A esto también ayudan las voces de Scott Taysom, también guitarra junto a Matt Brigham, oscuras y densas, se acoplan perfectamente al ambiente recreado por las guitarras (se nota la influencia de DISSECTION). El solo de guitarra, lento, con calma se convierte en otra pieza de este engranaje, que se desenvuelve a la perfección, con una base muy sólida donde la percusión de Sean Bruneau tiene mucho que ver, así como el bajo de Matt Scott, sobre todo en la parte media-final. Un temazo. “The Hunger”, mantiene la estética del grupo, oscuridad riffs a raudales y una atmosfera oscura es lo que recrean estos chicos de CLOAK, en este tema más lento, pero intenso. Sus composiciones son largas, superando los 6 minutos cada una, pero repletas de matices, haciéndolas muy amenas a la hora de escucharlas. Este tema guarda una parte central, donde priman los sonidos limpios en las guitarras sobre una estructura de bajo, para imprimirle fuerza y potencia a base de timbales y las voces, para desarrollar la parte final del tema donde se aceleran.

CLOAK, con este EP homónimo, se convierten en una banda a tener muy en cuenta dentro del death metal melódico. Una presentación corta, pero intensa donde “In The Darkness, The Path”, se transforma en uno de sus himnos, un temazo. JUAN ANGEL MARTOS | 8

en un universo maligno en forma de mid tempo. Pero la sorpresa llega sobre la mitad del tema. Ahí arranca un riff fluido tremendamente adictivo, con el que de seguro alucinareis. Seguidamente retoman el pulso lúgubre principal incluyendo unos sorprendentes solos melódicos. ¡Grande! Más grupos como estos hacen falta, donde éstos ponen de manifiesto que se puede sonar como en los viejos tiempos teniendo carácter propio. Recomendados para amantes de la old school. JESÚS MUÑOZ CABALLERO | 7

CONCEIVED BY HATE (SVL) DEATH & BEYOND MORBID SKULL / SATANAH RECORDS (CD 2016) CLOSE TO THE SKY (ESP) THE DISTANT VIEW BLOOD FIRE DEATH (CD 2016) Hoy quiero hablaros de CLOSE TO THE SKY y su flamante recién editado disco “The distant view”, primer disco de larga duración de la banda tras haber editado un primer EP en el año 2013. Con una formación clásica de 5 miembros, voz, dos guitarras, bajo y percusión llevan su estilo a límites espectaculares. Practican lo que ellos mismos autodenominan progressive metalcore o Djent. Desde mi punto de vista es cierto que hay algunos puntos Djent aunque su estilo predominante es el Progressive Metalcore. Como músicos son todos bastante notables, las voces se mueven entre varios registros de guturales y melódicas, las baterías y bajo son absolutamente agresivas y las guitarras manejan un equilibrio entre brutalidad y melodías muy trabajados. Aunque en este punto he de decir que realmente su fortaleza reside en precisamente eso, su brutalidad… La mayoría de los temas trabajan de manera más intensa las secciones agresivas añadiendo puntualmente algunos estribillos o puentes en voces e instrumentación melódicas. Es muy interesante destacar que al igual que no existen grandes virtuosismos a nivel instrumental sí que hay un trabajo a nivel de producción absolutamente espectacular. Todos los temas tienen una importante base electrónica que, de manera premeditada, suman o restan a los temas. Y ojo, restar no en sentido negativo, sino que realmente juegan constantemente con cortes sonoros, como si con un interruptor cortáramos el sonido a las cuerdas. Esto hace que el disco tenga un componente electrónico interesantísimo. Todos los cortes siguen esta línea salvo dos o tres temas, donde hay unos pequeños solos de guitarra (una pena que no haya más) o su corte “Serene” que se trata de tema instrumental donde la melodía manda sobre lo demás y que sirve de ecuador a un disco muy muy muy interesante. Un disco donde en un mismo tema puedes encontrar secciones agresivas, estribillos melódicos, voces guturales, melódicas o incluso algún rapeo. En definitiva, una auténtica locura. Un disco donde los amantes de lo más moderno se sentirán más que a gusto. Un disco claramente diseñado y creado para el público más internacional. Estoy convencido de que estos se plantan en cualquier sala y simplemente la vuelven del revés, jejeje. Aunque sobre esto, he de decir que me gustaría ver cómo llevan al directo estos cortes sonoros que comentaba. En resumen una propuesta atrevida, muy poderosa en su producción y apuntando con muchísima fuerza hacia el público más internacional. DIEGO GALINDO | 8.5

CONCEIVED BY HATE, anteriormente conocidos como SPIRITUAL DEMISE es un combo de El salvador de Death Thrash Metal. Iniciaron su carrera musical en 2002. Tres años más tarde vio la luz su primera y devastadora demo “Lost in the Gardens of Hate” haciendo las delicias de todo aquel que se atrevía a darle al play. En 2009 apareció su E.P “Witness of Decay” donde seguían reventando cráneos, sorprendiendo a propios y a extraños con su propuesta. Tras otra larga espera, en 2012 afortunadamente apareció su primer Larga Duración “Pestilence Reborn”, dejando satisfechos a los seguidores de este tipo de música. Sus siguientes lanzamientos fueron “Inner Hate / Selective Procreations”, “The Figure of Uneasiness / Below the Deck of Opulence” y “Coalition of Death”, de 2013, 2014 y 2015 respectivamente. Estos discos compartidos sirvieron para mantener viva la llama de la banda, mientras que salía su segundo redondo. Finalmente el 13 de noviembre de 2016 vía Satanath Records el mundo verá nacer al nuevo L.P del conjunto. Bautizado con el nombre de “Death & Beyond” este C.D obviamente es la razón de que existan estas agonizantes esquelas. El line up es el siguiente: C.B. (bajo. También miembro de CONFLICTO, ex PITO WILSON, ex TORMENT), R.V. (guitarra. Presta además sus servicios en CONFLICTO), M.Q. (guitarra y voz. Asimismo forma parte de DISORDER, MORBID STENCH, ex ALTAR, ex SCAVENGER), T.M.(teclado. Ex SCAVENGER), V.K. (batería. A su vez está en DISORDER, ex ARCANE, ex TYRANT LORD, ex ANTARES DEATH, ex DISMAL GALE, ex SOOMDRAG, ex AKELDAMA, ex KRYPTORIUM), A.M.(voz). En esta nueva obra, estos chicos nos ofrecen un trabajo maléfico y realmente directo, que engancha desde la primera escucha. Podríamos dividirlo en dos. Una primera parte más acelerada y sanguinaria. Y una segunda que opta por introducir momentos más “pausados” y oscuros sin renunciar obviamente a la violencia sónica. Por otro lado, tal vez no sean precisamente el culmen de la originalidad, pero desde luego tampoco lo necesitan. El conjunto tiene personalidad propia y eso es muy de agradecer. La producción es real y con el punto preciso de suciedad, adjuntando un artwork escalofriante. Los riffs son implacables e intensos. Mezclan lo mejor de la vieja escuela americana y sueca con un el resultado arrollador. Los encontramos fluidos, pesados, a una cuerda, dobles armonías e instantes en limpio. Todo ello lo aderezan con unos punzantes y afiladísimos solos de guitarra. Las voces son desgarradoras a más no poder. Un registro tan insidioso como el mismo infierno hermanos. La batería, totalmente devastadora, contiene el perfecto equilibrio entre up y mid tempos. Señores, se me olvidaba, prestadle atención a las líneas de bajo. Siempre es de agradecer cuando este instrumento sobresale un poco. Bien por ellos. Al termino de esta descripción general pasemos a comentar brevemente los mejores tracks de esta acometida. Personalmente destacaría “The Underdog”, “Worship the Old Ways” y “Death & Beyond” por las siguientes razones: “The Underdog” y “Worship the Old Ways” son sin duda las tonadas más descarnadas y agresivas de todas. Id sacando el collarín compañeros, por que del headbanging estaréis doloridos al menos una semana. “Death & Beyond” te introduce

NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | 45 | OCTUBRE 2016

CONDOR (COL) SANGREAL TRITON’S ORBIT RECORDS (CD 2016) CONDOR es una banda colombiana formada en 2013 y que a pesar de su juventud ya presentan su tercer álbum “Sangreal” que verá la luz en Noviembre bajo Triton´s Orbit Records, en él nos muestran un doom/ death con influencias de música medieval y gótica y heavy cásico, con un aire épico, y también ese toque especial de la vieja escuela, me recuerdan en ocasiones a los primerísimos ANATHEMA, los del “Crestfallen”. La portada es pintada, nada de diseños ni retoques, un lienzo y ahí lo tenéis, está bien pero algo más currado hubiera estado mejor (mi opinión). Respecto al grupo, pues es curioso que en este disco hayan participado tres guitarristas, y es que la música de CONDOR es bastante compleja en ocasiones, con diferentes líneas de guitarra a la vez, una cosa a destacar son las líneas de bajo, muy buenas, el batería también hace un gran trabajo, dando contundencia cuando se requiere y partes más técnicas en ocasiones. La voz se maneja en la línea de, como he dicho antes, los primeros ANATHEMA, grave y agresiva y a veces lastimosa, todo a la vez, y también con partes en limpio que también quedan bastante bien, con partes de voces dobladas y varios registros. La apuesta empieza con un tema de más de 12 minutos “Sangreal”, que empieza con una guitarra lenta y distorsionada (demasiado), a la que se le van añadiendo los demás instrumentos, hasta cabalgar hacia el tema en sí, una muy buena línea de bajo, y las voces dobladas, y partes lentas con melodías melancólicas y fúnebres, y algunos fraseos de guitarra muy bien ejecutados, para un final algo más agresivo. “Se extienden las sombras”, un principio con acústica lenta con cierto aire medieval, y le siguen unas guitarras distorsionadas, que me recuerdan a un clave, pasa a ser un tema lento y denso, con una melodía melancólica en guitarras, y alguna parte más cañera y rápida, alguna parte muy buena y técnica en el solo. “Viejo jabalí”, un principio potente, se van intercalando partes lentas con otras cañeras, y otras con buenas líneas de guitarra, y partes más clásicas. “Outremer”, un tema prácticamente instrumental, que desde el principio va subiendo conforme avanza, desde unos toques simples hasta llegar a una composición compleja con múltiples líneas de guitarra, y llegar a una parte recitada con unos buenos arpegio y acorde, y sigue con una línea más heavy clásico aunque conservando el toque medieval de la banda, con un muy buen solo, y un final acústico también con muy buen gusto. “Sainte Terre”, como siguiendo la línea con la que terminaba la anterior, empieza acústico este tema, también con un toque medieval y melancólico, y unas voces, como si fueran juglares.


“El árbol de la muerte”, en este caso ya volvemos a los terrenos más tenebrosos y oscuros de CONDOR, y también al tema más potente, con partes también muy curradas instrumentalmente, con varias líneas por guitarra, que le dan mucha musicalidad, con una buena base rítmica, me gusta mucho como aplican la voz en este tema, una voz agresiva y a la vez lastimosa. “Roncesvalles”, un tema lento, que empieza con unas palabras, acordes largos acompañados de guitarras soleando, este tema también tiene cierto toque clásico, con voces limpias, como recitando, y graves, y con ese toque medieval que tiene esta banda, incluso tiene cierto aire IRON MAIDEN, en varias ocasiones del álbum, salvando las diferencias, claro. Más adelante el tema se endurece, la voz se vuelve agresiva, y terminan de contarnos la historia que empiezan con la voz otra voz que recita limpia para terminar. Este disco está bien, está trabajado, tiene partes musicalmente muy buenas, pero le falla una cosa, el sonido, cambiarían mucho algunas partes con un sonido decente o una producción más trabajada, porque la idea es buena, es más, esto mismo te lo presentan con buen sonido y cantando en inglés y llega al doble de público, ojo, no estoy diciendo que cambien el idioma, pero es para que veamos los prejuicios que tenemos a veces, si es en español, nos tira atrás, pero en inglés u otro idioma nos zampamos muchas cosas más que discutibles, por eso veo el valor de este grupo en hacerlo como lo hacen, eso sí, hay que cuidar la producción de sonido, no se puede sonar a demo cuando se tiene que sonar profesional a estas alturas. VICENTE SÁNCHEZ | 7

COUNTLESS SKIES (GBR) NEW DAWN KOLONY RECORDS (CD 2016) Desde Hertfordshire, Inglaterra, nos llega el último trabajo de COUNTLESS SKIES, “New Dawn”, editado a través de Kolony Records. Una banda de creación reciente, que debutaron en 2014 con un EP y ahora nos traen su primer larga duración. Un álbum repleto de melodías, con toque de metal escandinavo en la línea de DARK TRANQUILITY, INSOMNIUM… es lo que nos traen el cuarteto formado por, Ross King (voz y guitarra), James Pratt (guitarra y coros), Phil Romeo (bajo y voz limpia) y Nathan Robshaw (batería). “Aubade”, nos abre de forma instrumental las puertas de este álbum, la épica está asegurada, con unos riffs de guitarras muy melódicos y afilados, pero será en “Heroes”, cuando descubramos lo que nos depara este debut de COUNTLESS SKIES. Un tema que continua el anterior, con unos riffs iniciales que nos trasladan a ese mundo escandinavo repleto de epopeyas que ellos evocan. Tras un pequeño solo inicial, aparece una estrofa oscura y densa con una voz gutural rasgada en línea con INSOMNIUM, para abrirse con unas melodías muy vikingas, donde recrean una atmósfera muy épica durante todo el álbum, acompañadas también por los teclados, un punto a su favor. “Incendium”, comienza con un solo de guitarra agudo, que se repetirá en las estrofas del tema, para acelerar un poco el ritmo y mantenernos dentro de su estilo, (no inventan nada nuevo, pero lo que hacen lo hacen muy bien). Un tema más lineal y pegadizo, gracias a sus ritmos y con un solo central muy interesante. “Solace”, es uno de los temas que más me gustan, con un inicio donde la guitarra acústica se hace dueña de adentrarnos en un tema repleto de detalles y melodías.

Es un corte que prácticamente lo podían haber grabado bandas como AMON AMARTH o los mencionados INSOMNIUM, con un estribillo repleto de melodías abiertas (uno de los mejores del álbum) y unas estrofas muy conseguidas. En la parte central aparece por primera vez la voz limpia del bajista, la cual me encanta y aporta un mayor dinamismo al corte en cuestión antes de dar paso al solo de guitarra, donde está claramente acompañado por las cuatro cuerdas que crea la base rítmica. Un temazo. “Daybreak”, acelera el ritmo, pero sin dejar de lado en ningún momento las armonías, en un corte distinto donde prima la voz limpia en las estrofas, mientras que las guturales aportan potencia y musculo en el estribillo. Un corte distinto a los demás con una parte final donde la acústica y unos toques de teclados le dan un aire místico, ante de dar con un solo muy embriagador. “Ethereal”, es un corte que juega con los tempos, con partes más aceleradas y progresivas y otras más lentas y ambientales, done los teclados y una voz pausada y rasgada aportan un toque místico, antes de romper con unos ritmos muy álgidos y aventureros (es lo que me transmiten). Otro tema destacado. La parte final viene dada por dos cortes que incrementan su duración con respecto a las anteriores, “Wanderer”y “Return”, llevándonos a los 7 y 10 minutos respectivamente. El primer corte, sigue las pautas dadas anteriormente, destacando los riffs de guitarras, los cuales llevan el peso del tema. Aquí repiten estructura, introduciendo una parte central y otra final lenta y acústica, llevándonos más allá de los ritmos agresivos y aportando un toque de dulzura al álbum. El broche final lo pone otro de los temas del álbum, con una estructura compositiva muy bien hilada, jugando con todo lo que COUNTLESS SKIES nos ofrecen y que puede servir de resumen del álbum, con una parte potente y agresiva en la primera estrofa, donde épica está muy presente, una segunda parte con toques folk, acústica y con flautas, que va creciendo lentamente con una voz rasgada, para ofrecernos un solo que te pone los pelos de punta en el contexto. Una parte muy “guerrera”, por los ritmos de guitarras machacones, se van desarrollando, para en la parte central darnos otro toque místico, donde los susurros imponen su letargo, que se ve interrumpido por una parte final repleta de luz, donde nos dejan escuchar un poco de la voz limpia (que personalmente la hubiera metido un poco más en este último tema). COUNTLESS SKIES, han realizado un disco muy completo, con grandes melodías de guitarra que te transportaran a gélidos paisajes. No inventan nada nuevo, pero lo hacen muy bien. Destacan temas como “Return”, toda una oda, “Solace”, “Ethereal” o “Heroes”. JUAN ANGEL MARTOS | 8

CRIMSON FIRE (GRC) FIREBORN PITCHBLACK RECORDS (CD 2016) “Fireborn” es el segundo larga duración de los griegos CRIMSON FIRE, tras seis años desde su álbum debut “Metal is Back”, el tres de junio salió al mercado a través del sello Pitch Black Records. En este álbum nos encontramos con poco más de cuarenta y dos minutos de un Heavy Metal potente y ochentero, con claras influencias Power Metal, repartidos en los doce temas que componen este disco y en el que se observa un enorme salto de calidad tanto técnica como compositiva. El sonido de la producción es


muy bueno, un sonido actual pero para nada sobreproducido el que han conseguido por Marios Laz Ioannidis en MusicRoomStudio. En cuanto al disco en sí, se percibe mucha fuerza y energía que, si encima lo comparamos con su anterior disco “Metal is Back”, la diferencia es abrumadora. Podemos encontrar cortes como “Right off the Bat”, “Young Free Lust”, “Hunter” o la que cierra el álbum “Eternal Flame de Heavy Metal clásico donde te pueden recordar a STRYPER, a pistas melódicas como la instrumental “Secrets” o “July 4” e incluso temas con influencias más claras de Power Metal como en “Bad Girl” o “Knightrider”, en el resto de cortes se fusionan estos estilos muy acertadamente, sobre todo no haciendo un uso excesivo en su faceta progresiva, incluido la balada/medio tiempo “Her Eyes” que si bien de primeras pasa desapercibida, en las siguientes escuchas gana muchos enteros Lo que está claro es que han conseguido hacer un cd muy completo y ameno donde destacan la buena composición de las canciones y la polifacética voz de Johnny B, perfectamente acoplada a los cortes sin buscar protagonismo. En definitiva, nos encontramos ante un buen trabajo de Heavy Metal de corte old shool al que la banda da su toque personal con sus dosis de Progresivo y sobre todo de Power Metal, un disco entretenido que es altamente recomendable sin duda. CARLOS BERMEJO | 7.8

DANCE GAVIN (USA) MOTHERSHIP RISE RECORDS (CD 2016)

todo tipo de estilos, lo mismo te encuentras con secciones absolutamente cañeras capaz de volver una sala del revés, como te encuentras con líneas jazzeras, funkarras, secciones cortadas con silencios, electrónica, dobles bombos, voces guturales o melódicas o básicamente lo que les de la gana. El caso es que es un disco bastante sorprendente. El caso es que es bastante difícil de etiquetar, toca muchos palos y lo hace de manera sobresaliente. Si he de ponerle un pero, es que precisamente por todo esto que contaba es un disco tan moderno y tan extremadamente fuera de los cánones del metal que es más que probable que no guste nada a los más “metaleros”, aunque tampoco creo que este sea su objetivo. Es un disco que si, es metal, si, es duro, que te puede recordar a grupos como LINKIN’ PARK en sus primeros trabajos, pero también te puede recordar por momentos a BRUNO MARS, jejejeje. Si si, habéis oído bien, se sale tanto de los cánones que por momentos es pop o metal a partes iguales. El caso es que independientemente de esto se trata de un disco sobresaliente, arriesgado y valiente y que tiene muchísimo trabajo tanto a nivel compositivo, como técnico, por lo que apuesto lo que queráis a que u os encanta, o no sois capaces de escucharlo. En resumen, una apuesta muy interesante, atípico a más no poder y con una factura técnica espectacular, pero que no gustara nada a los amantes del metal más clásico, en el más amplio sentido de la definición. Pero eso sí, si eres de mentalidad más abierta y recibes nuevas propuestas con los brazos abiertos, se trata de un disco imprescindible en tu colección. DIEGO GALINDO | 9

Luvera y el propio Caleca, marcan el inicio de “Erase the Hordes”, en un estilo metálico de corte más norteamericano e igual de notable. Le sigue la poderosa “Mr. Jack”, que respira un aire más moderno, más propio, en el que se funden lo mejor de la vieja y la nueva escuela del Heavy Metal. Se nota que todas y cada una de las canciones que forman el álbum han sido bien elegidas y muy elaboradas. “The Omega” sigue la estela lograda hasta el momento, en otro gran corte, más afilado, con Saliba dando buena muestra de su talentosa calidad vocal, y unos coros que aportan fuerza al estribillo, antes de llegar a una zona central instrumental de muchos quilates en el que demuestran todo su potencial como banda. Aunque si un tema queda patente este factor es en la extensa “Jolly Roger”, 9 minutos de Heavy Metal con momentos de lucidez para todos y cada uno de los músicos, con una base instrumental contundente a lomos del bajo y la batería de Thomas Pognante y JC Chicco, respectivamente. Recuperan la velocidad, y las violencia gutural, en “Circle”, corte que pone punto y final a un intachable trabajo. Habrá que seguirles la pista muy de cerca a estos DEBACKLINER que, de momento, han dado un firme puñetazo en la mesa del Heavy Metal actual. Ahí es nada. LLUÍS GARCÍA SOLA | 8

DEFIANT (UKR) TIME ISN’T HEALING FERRRUM RECORDS (CD 2016)

DANCE

Muy buenas, hoy quiero daros mi punto de vista sobre lo nuevo de DANCE GAVIN DANCE, una banda de Sacramento – California. Se trata de una banda que practica Post HardCore Experimental. Banda ya con varios EP y CD’S , nos presentan su séptimo larga duración de nombre “Mothership”, editado el pasado 7 de Octubre bajo el sello Rise Records. Como músicos he de decir que cada uno de ellos son unos auténticos monstruos, he de confesar que el estilo no es de mis favoritos, pero tras las escuchas te encuentras con una agradables sorpresas. La primera es que el nivel técnico, como comentaba es estrenadamente alto, lo que en el estilo no es demasiado común. Nos encontramos con un disco extremadamente variado,con dos líneas de guitarras perfectamente diferenciadas, donde una junto a la percusión y las líneas de bajo aportan una contundencia clara a las secciones más duras mientras la segunda línea de guitarra está realizando una línea constante de detalles agudos interminables. Y cuando digo constante es exactamente eso, sin interrupción, lleno de riqueza y detalles espectaculares, es difícil imaginar que este guitarrista, llevado esto a directo, sea capaz de mover un pelo y es que realmente no para un segundo. Por otro lado nos encontramos con que es un disco con una producción extremadamente sobresaliente, todo suena absolutamente perfecto. Además es un disco lleno de efectos, en cada línea, cada instrumento, cada voz, todo está absolutamente abarrotado de efectos, cargado de electrónica, de riqueza instrumental y vocal, en fin… Una pasada. Para colmo es un disco que se atreve a fusionar con

cesario por otra parte puesto que, aunque la voz de Ely es buena, bien afinada y muy acorde al estilo, siento en muchas ocasiones cierta falta de fuelle y potencia, como si las canciones hubieran sido compuestas para esta voz, en lugar de buscar una voz acorde a la estructura musical creada. Me chirría mucho la acentuación anglosajona de una hispana cantando tan limpio, tonos en los que cualquier acento se distingue a la perfección y en un estilo en el que estamos tan acostumbrados a vocalistas femeninas, de cualquier país, con una pronunciación impecable. Lamentablemente es el talón de Aquiles de este país. Musicalmente caminan por los derroteros del metal melódico, death melódico en ciertas ocasiones, muy armonizando, no excesivamente veloz pero tremendamente efectista y con decenas de melodías y estrofas vocales que se te clavan a la primera y no paras de cantarlas. Entra a la primera podríamos decir y aunque no sea nada novedoso es de agradecer que no tiren de orquestaciones para dar pomposidad a la música, haciéndola así más agresiva, sin excesos, potente pero melosa y en definitiva de alto calibre. Muy al estilo de SIRENIA o de los más cercanos IN VERNO, es decir, siempre intentando que pese a la fuerte presencia femenina y a las abundantes armonías guitarreras no suene pop en ningún momento pero que el metal jamás llegue a ser más que, como mucho, death melódico muy suave y de fácil escucha incluso para oídos no acostumbrados a estas sonoridades. SANTI GZLEZ | 7

DEATH & LEGACY (ESP) SILENCE DUQUE PRODUCCIONES (CD 2016) Vertiginosa carrera la de estos zamoranos que desde su creación en el 2013 ya han editado un Ep, un CD completo y este “Silence” del que ahora mismo me dispongo a escribir. Siempre me ha causado cierta empatía esta banda y me ha atraído bastante su forma de entender la promoción, el marketing como banda y sobre todo toda la imagen que suele haber alrededor de una formación de este tipo. Impecable presentación, web de alto nivel, buena presencia fotográfica y presentaciones en vídeo de nivel. En definitiva, sin dejar nada al azar para que busques por donde busques te los encuentres. Escucharlos o no ya es una decisión tuya, pero encontrártelos te los has tenido que encontrar, que es de lo que se trata. Por otra parte siempre es más agradable enfrentarse a escuchar una banda cuando la misma ya te ha entrado por los ojos. Tampoco dejan pasar por alto el sonido, de la más alta calidad, clarísimo, nítido al más alto nivel y con todo sonando en su sitio, realmente profesional y grandísimo trabajo el de Dan Diez En los Rock Lab Studios, consiguiendo un muy buen equilibrio entre sonido, composición y ejecución instrumental. Supongo que si como yo ya os los habéis encontrado por algún sitio gracias a su precisa y no cansina promoción ya sabréis de que palo van. Estamos ante una formación con una mujer al frente, Ely Álvarez, pero no con growl vocals, como se lleva ahora, sino con voces limpias, aunque siendo esta voz compartida con otra gutural a cargo de Jesús Cámara, sirviendo de grandísimo apoyo, ne-

DEBACKLINER (FRA) DEBACKLINER PITCHBLACK RECORDS (CD 2016) Siempre resulta interesante descubrir una nueva banda, y más aún cuando ésta viene acompañada de un debut discográfico tan interesante como nos ocupa, y es que los franceses DEBACKLINER, con su disco homónimo, presenta unas credenciales más que notables dentro del panorama del Heavy Metal europeo. Aunque no nos dejamos engañar, que estos chavales no son mi mucho menos nuevos en esto, y es que llevan más de diez años a la espalda después de debutar bajo otro nombre, THE OMEGA. Algo que forma ya parte del pasado, y el presente nos llega de manos de la discográfica Pitch Black Records. “Pandora” arranca el álbum con ese sonido Heavy Metal old school, que también saben ejecutar. Buenos riffs de guitarra, melodías, cambios de ritmo y una voz culminando estribillos pegadizos que entran poderosamente bien a través de nuestros oídos. Nada que envidiar a los mejores IRON MAIDEN. Más contundente se presenta “Rise of Angel”, compaginando la metálica y aguda voz de Bob Saliba con los tonos más guturales de Rémi Caleca, encargado también del 50% cierto de las guitarras de la banda. El espíritu de la Doncella de Hierro sigue patente en “Children of the Night”, con un riff al galope tan típico de la NWOBHM, pero en un corte al que los franceses saben aportar su propio sello. Un estribillo pegadizo, facilón pero tremendamente efectivo que viene acompañado por un gran trabajo instrumental. “Werewolf” es una de las composiciones más directas del disco, con una energía envidiable y un trabajo lírico y vocal sobresaliente, con un estribillo de esos que invitan a alzar el puño (y la cerveza) bien alto. Las guitarras dobladas de la dupla a las seis cuerdas formada por Eric

NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | 47 | OCTUBRE 2016

Desde tierras ucranianas nos llega este combo formado en el 2008 que nos presentan su segundo trabajo titulado “Time isnt Healing”. Si, en Ucrania también hay hueco para el power y el heavy metal, no va a ser todo metal extremo!!! DEFIANT son claramente una banda influenciada por los grandes del power metal como HELLOWEEN o STRATOVARIUS.. y también aúnan matices de las grandes referencias del heavy metal, encontrando guiños a SAVATAGE, ACCEPT, etc.. y partes mas sinfónicas y progresivas, en resumen, que han mamado de los mejores! Este segundo larga duración que nos vienen a presentar, “Time isnt Healing” viene con un diseño en su portada que no me ha terminado de llenar, es un dibujo que no entiendo, y si se supone que debe entrar primero por los ojos, pues a mi no me ha entrado. Es un dibujo que representa una estructura a modo de dos triángulos enfrentados, como la figura de un reloj de arena, una especie de gran estructura de piedra, con una puerta en su zona inferior desde la cual nos mira un individuo que se aventura a entrar en dicho recinto. Una portada muy power, por el diseño y estilo utilizado, pero que no termino de entender, por lo menos no le veo correlación con el titulo del álbum. Pero bueno, vamos a los que vamos, a que suenan estos DEFIANT?? El disco se inicia con “Storm”, una intro cargada de sonido de viento ambiental, con el teclado de Victoria Tersieva que es el total protagonista y poco a poco va añadiendo acordes, en una onda muy sinfónica. Una intro que cumple su papel, pero que no será recordada como la una gran abertura. El segundo corte, que realmente nos muestra que pueden aportar estos ucranianos es “Milestones of Time”, donde la comparación con STRATOVARIUS es inequívoca, con un sonido muy similar al de los fineses. La voz de Stanislav es la principal diferencia en la banda, una


voz con un registro muy peculiar, con unos tonos rasgados y centrados en los medios principalmente, hecho que aporta una gran diferencia a la banda y la aleja del típico clon de banda power metal, todo un acierto. Un gran tema, rápido, poderoso, que si bien no es ninguna maravilla compositiva y abusa claramente de las típicas estructuras del power metal, deja claro que DEFIANT pueden ganarse su hueco en la escena actual. A destacar el solo de teclado de Victoria y el de guitarra de Andrey, complementándose perfectamente entre ellos. Un buen tema que me recuerda a las grandes bandas de power metal que surgieron a principios de siglo cuando el power metal estaba tan de moda. Seguimos con el tercer corte, “The Jericho”, donde se cambian los papeles y es ahora la batería de Evgeiny y el bajo de Oleg quienes asumen el mando para llevar a la banda a un tema más pesado, menos definible y predecible. Un corte más oscuro y a medio tiempo, con unas guitarras que presentan escalas y riffs que funcionan perfectamente para acompañar la melodía del teclado, la cual quizás está un pelón alta respecto al resto de instrumentos. La voz de Stanislav no es ninguna virtuosidad, pero es justamente ese tono medio que tiene lo que hace que DEFIANT se diferencie del resto de bandas power más clásica, aunque en el estribillo nos demuestra que no tienen ningún problema en alcanzar tonos mas agudos y altos. En “Funeral Feast” de nuevo el bajo de Oleg nos deja claro que dicho instrumento también sirve para marcar la pauta y el riff a seguir, siendo el primero en comenzar con un riff trabajado y que queda realmente bien, adquiriendo mas brillo y color con la aportación del resto de instrumentos poco a poco. De nuevo es un tema a medio tiempo, con acelerones a mitad del verso, pero que no es el clásico tema de doble bombo a toda pastilla que cabría esperar en una banda de power metal. DEFIANT tienen sus momentos sinfónicos y progresivos, nuevos alicientes que suman a la banda. Tienen un regustillo a SAVATAGE, alejándose de la idea que me había preconcebido de banda clon del power metal alemán. Un buen tema que hace ganar enteros a la banda. Continuamos con “Time isnt Healing”, el tema que da título a este disco, con un teclado muy melódico que rápidamente es apoyado por la guitarra. Sin duda es el tema donde la melodía tiene mas protagonismo, con una voz mas melódica y un estribillo que explota en su máximo esplendor, con la voz de Stanislav con un registro mas elevado respecto al resto de temas. Aun así me falta un poco mas de velocidad, parece que los temas no terminan de explotar y de llegar a su culmen, te dejan espectantes pero no dan ese paso más que tanto echo en falta. “According to the acts” y “The Dream” vuelven a repetir la fórmula comentada: teclados ambientales que actúan de colchón para el resto de la banda, con unos riffs sencillos pero efectivos, pero que falta un poco mas de tempo, un poco mas de mala leche y velocidad. En “The Dream” parece que quiere arrancar de mejor manera, con la guitarra un poco más protagonista. Creo que este es el fallo de la banda, la guitarra, para ser una sola, esta muy alejada, ocupa un segundo e incluso

tercer plano, y es que para este tipo de bandas, y mas cuando solo tienen un guitarrista, es necesario tener un hacha que sea una estrella, que eclipse con sus escalas y que se coma todo el espacio, y por desgracia esto no pasa en DEFIANT. El siguiente tema “Dont trust the words” tiene un doble bombo inicial y un palm mutter poderosos que, sin duda, hace que se convierta en uno de los mejores temas del disco, el tema más cercano a lo que todos esperamos de una banda de power metal. Ya vamos terminando con “The truth and the lie”, donde de nuevo parece que han dejado los temas mas leña para el final, con un doble bombo rápido (menos mal!!!) y una guitarra endiablada, pero con un teclado elevadisimo de volumen que encharca la mezcla. La cosa mejora aunque no creo que levante mucha curiosidad a los amantes de este género, hace falta aportar algo más, se queda en un buen intento, pero aún falta algo. El disco termina con “The grief”, “Soul is burning” y “The Eagle”, temas que básicamente repiten lo comentado anteriormente, combinado partes rápidas con otras mas melódicas e incluso progresivas. DEFIANT son una buena mezcla de heavy-power metal con toques progresivos, pero que se queda en un buen intento. Creo que necesitan algo más para poder explotar y consagrarse entre los grandes. Tienen grandes ideas y recursos, pero no terminan de despuntar en nada y el disco se digiere de manera lenta y pesada. Un buen disco recomendado para todos los amantes del power y del heavy metal que estén dispuestos a encontrar guiños progresivos y sinfónicos en sus temas. HÉCTOR LORENZO | 6

cierta dosis de suciedad y por el tratamiento que en batería han dado a los platos, para mi gusto demasiado exagerado en brillo, pero desde luego han conseguido hacer algo que no estoy acostumbrado a escuchar y es conseguir que con esa base la música sea tremendamente técnica y progresiva. Lo primero que piensas con ese sonido es que tiraran por el black progresivo, y…. si y no. Esto es más atrevido. La base es principalmente black/death, variando entre las estructuras de uno y otro estilo sin ningún miedo, con facilidad y destreza instrumental. Una destreza instrumental que junto a la fuerte proyección progresiva del CD le dan un valor extra al resultado final. Tan pronto nos parece que estamos escuchando black, como black progresivo, como death, death tecnico o metal progresivo, y lo que más valor tiene, lo hacen sin caer en ningún momento en ritmos modernos, ni breakdown, sino todo lo contrario. Suelen dejarse caer más por acordes apreciados, por desdobles de guitarras o incluso por pasajes acústicos y ambientaciones de muchísimo calado doom, o más bien black/doom. Ojo, no ese black/doom sucio y old school, no, este es delicado y evocador. Para esto, lógicamente, contamos con unos músicos de alto nivel técnico y, aunque la cuidada suciedad de la obra no deja escuchar depuradamente su categoría, está mas que demostrada con numerosos arreglos a dos guitarras más propios del death más técnico. Otro de los valores añadidos y diferenciadores es la voz, mas chillona, angustiosa y blacker que growl, pero inquietante y evocadora. Una atrevida apuesta para desmarcarse aún más del saco de la vulgaridad. No en vano es una mujer la encargada de este trabajo, Myriam Fischer, su esfuerzo por conseguir esos tonos han dado el resultado que buscaban, sin duda. Nueve temas y casi una hora de una gran obra extrema, técnica, emotiva, inquietante, desbordante de versatilidad en metal extremo y que no te deja uno momento de libertad, pausa o quietud emocional. SANTI GZLEZ | 8.5

DEREALIZED (FRA) ISOLATION POETRY FINISTERIAN DEAD END RECORDS (CD 2016) Pocas bandas como está se encuentra uno por la andadura underground, y es una lastima pues propuestas así hacen pensar que, sin hacer algo totalmente innovador, no todo está perdido en la escena y se pueden encontrar propuestas de valor creativo acompañadas además de una fuerte dosis de técnica instrumental. Si a esto añadimos que se trata del primer trabajo de este cuarteto francés, pues aun es mas halagador. Formados en 2014, tan solo 2 años les han hecho falta para crear esta obra. Lo primero que me choca y me atrae es el sonido elegido para esta presentación. Es muy muy black, por su

DISCLARITY (FIN) WHAT WILL BE LEFT INVERSE RECORDS (CD 2016) El álbum debut del grupo finlandés DISCLARITY se llama “What Will Be Left”, esta conformado por nueve temas, y sale al mercado editado a través del sello discográfico Inverse Records. Formados en 2012 en Lahti, Finlandia, el grupo está

formado por Henri a la voz, Nino a la guitarra, Kalle al bajo y Jori en la batería. “Seven Gods” es la primera canción que nos encontramos en el álbum, la cual nos empieza dando caña desde el principio, con unos ritmos super duros, a base de riffs de guitarras muy potentes, acompañados de unas líneas de baterías muy rápidas. Una voz desgarradora, lidera el conjunto, dándole a todo una uniformidad y aumentando la potencia del sonido. En las partes instrumentales, añaden toques electrónicos que le dan frescura a las composiciones. Con ritmos rápidos y contundentes, aderezados de sonidos graves, comenzamos “Last Song”, para luego pegar un bajón de tono y brindarnos unos ritmos más melódicos, que junto a una voz gutural, nos dan una de cal y otra de arena en las melodía. En los ritmos rápidos, son verdaderas bestias de la composición, creando unos riffs muy pesados, a la vez que sonoros, juntando muy bien todos los componentes para crear un buen tema con buenas rítmicas. “Light Dies” nos la encontramos en el ecuador del disco, que nos sorprende con unos ritmos muy tranquilos y melódicos como comienzo del mismo. Cuando arrancan con las partes pesadas, nos encontramos con una voz rasgada que encabeza la melodía, junto con unas guitarras rápidas y melódicas que se van alternando, introduciendo pequeñas partes muy melódicas donde se prescinde de la voz, a la vez que crean una atmósfera de tranquilidad y furia a partes iguales. Tras el interludio “Alteration” nos toca escuchar “Save Me from Myself” donde nos brinda unos ritmos rápidos de guitarras, que van sucediendo de otros más pesados, predominando los sonidos graves, para luego variar y darnos unos ritmos más enérgicos y rápidos; una combinación de ritmos que le da mucha variedad al conjunto, que con una batería y una voz muy potentes, crean unos ritmos dignos de escuchar. “Vanish” es el tema encargado de cerrar el álbum debut de los finlandeses, también el más largo del trabajo. En el mismo, nos encontramos con multitud de ritmos que se van mezclando en las diferentes partes del tema; juntando breakdowns, ritmos pesados, otros más enérgicos y ciertas partes con algo más de técnica, craean una heterogeneidad en el tema, que le da muchísima variedad, haciendo que se disfrute por el simple hecho de jugar con diferentes sonidos y ritmos. El primer álbum de DISCLARITY es una mezcla de diferentes estilos que consiguen jugar en unas mismas composiciones con unos sonidos increíbles, con el resultado de conseguir buenos temas. Nos encontramos con ritmos muy pesados, otros más enérgicos, algunas partes instrumentales y pequeños toques de técnica y breakdowns que consigue esa variedad. La voz, hace que la potencia de las composiciones aumente, pero a lo largo del disco, se nos hace muy monótona y lineal, por lo que algunos temas nos pueden parecer pesados. El broche final lo pone una producción bastante buena, consiguiendo unos buenos sonidos tanto en los instrumentos como en las voces, donde destaca la batería, la cual, personalmente, me ha gustado bastante. En definitiva, si os gusta el buen metal, con toques de modernidad, consiguiendo una buena mezcla, te aconsejo


que le peguéis una escucha a estos finlandeses. JORGE DE LA CRUZ |

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EPICA (NDL) THE HOLOGRAPHIC PRINCIPLE NUCLEAR BLAST RECORDS (CD 2016) No cabe duda de que EPICA es a fecha de hoy, y por méritos propios, una de las bandas más importantes del metal sinfónico, toda una referencia dentro del género, a la altura (o incluso por encima, eso ya depende de los gustos de cada cual) de enormes nombres como NIGHTWISH o WITHIN TEMPTATION. Y este “The Holographic Principle”, séptimo trabajo de estudio de los holandeses, es una brillante muestra de ello. Un disco poco continuista, como suele ser habitual en ellos, pero que a la vez, y ahí radica su máxima dificultad y complejidad, 100% fiel a su propio estilo. El resultado es un precioso y preciso ejercicio musical tanto en el plano instrumental como en el lírico, de la mano del talentoso Mark Jansen, la dulce voz de Simone Simons y los suyos. Pero comencemos por el principio. Arranca, como no podría ser de otra forma, con la pieza introductoria “Eidola”, una breve entrada al compacto arropada por la grandilocuencia de una potente orquesta, plagada de voces corales e incluso la voz de la pequeña Coen Janssen, hija del teclista de la banda. El sonido metálico comienza con “Edge of the Blade”, con la voz de Simons aún sin explotar, en una composición plagada de melodía y complementada con un pegadizo estribillo. “A Phantasmic Parade” ataca con la voz esplendorosa de Simons adornada con los omnipresentes coros, hasta el estallido más agresivo de Jansen. Siguen en esa misma línea con la veloz y contundente “Universal Death Squad”, en la que podemos disfrutar de esos riffs de guitarra de Isaac Delahaye y el propio Jansen, participando nuevamente en ese duelo vocal en forma de la peculiar relación Bella-Bestia que forman ambas voces. Acarician, o mejor dicho, arañan, su lado más pesado y desgarrador en “Divide and Conquer”, rozando las tonalidades más extremas del metal, alternando melodía y tralla con una maestría envidiable. “Beyond the Matrix” sigue mostrando su capacidad compositiva, con ese halo misterioso que aporta todo el trabajo coral. Precioso y con un final épico. Mención especial para ese inicio de fábula que presenta “Once upon a Nightmare”, y que deriva en una bella balada operística de siete minutos en el que muestran lo mejor de si mismos, antes de volver a recuperar velocidad y fuerza en “The Cosmic Algorithm”, mucho más cercana al power metal, con la base rítmica del bajo de Rob van der Loo y la batería de Ariën van Weesenbeek golpeando con una energía envidiable. Sin olvidar esa parte central tan marcadamente guitarrera absolutamente épica, valga el termino facilón. “Ascension – Dream State Armageddon” vuelve a suponer una perfecta muestra de esa mística y belleza que atesoran los holandeses, que también funden entre los entresijos de los parajes más propios del black metal, mostrando la parte más oscura y tenebrosa de la banda. El folklore y los ritmos arabescos hacen acto de presencia en la pegadiza “Dancing in a Hurricane” en la que los teclados de Janssen siguen demostrando su valía y protagonismo, como en todo el recorrido del álbum. El heavy metal vuelve de la mano de “Tear Down Your Walls”, en la que Simons se vuelve a salir, una vez más, arropada siempre por ese conjunto de voces que

tan bien le siguen a la zaga. Y me vais a permitir el adjetivo fácil para cerrar el álbum, pero es que la composición, porque esto es mucho más que una canción, “The Holographic Principle – A Profound Understanding of Reality”, suena totalmente épica. Once minutos espectaculares de principio a fin, con un arranque coral de piel de gallina, un estribillo precioso, un juego instrumental muy inspirado, y un final orquestal que hará las delicias de cualquier aficionado al género. ¿Algo más que añadir? Completan, por sino fuera suficiente, este redondo “The Holographic Principle”, las folclóricas “Beyond the Good, the Bad and the Ugly” y “Dancing in a Gyspy Camp”, aparte de las versión de “Immortal Melancholy” en acústico, y la dupla final “The Funky Algorithm” y “Universal Love Squad”, una nueva vuelta de tuerca a un par de temas del disco. Si he de ser sincero, estoy un poco desconectado del género más sinfónico, y este nuevo trabajo de EPICA me ha aportado una bocanada de aire fresco a un estilo del que ya no esperaba grandes sorpresas, con un álbum absolutamente brillante, trabajado, y con una producción envidiable, que vale la pena degustar des del primer al último compás. Una experiencia sonora que fácilmente se puede convertir en uno de los discos de Heavy Metal del año. LLUIS GARCÍA SOLA | 9

Un disco cortísimo que no hace sino saber a poco, te enseña la piruleta pero te quedas con ganas de acabarla, Muy buenos los temas propios, un cover demoledor y una remezcla que bueh! ahí está. Esperaré más material de estos italianos como quien espera a Dios porque los 3 primeros temas me han parecido sublimes, con influencias muy notables de SEPULTURA, SLAYER y SOILWORK que gustará a los seguidores de estas bandas. Un disco redondo de haber contado con más material propio, o directamente con más material, puesto a que la pega es que su duración es bastante pobre, lo que a mi parecer le baja bastante la nota global al trabajo. En general un 7 de 10 contando a su favor que es un EP y la tremenda calidad de los temas propios y el Cover, en contra, la escasa duración y el techno-remix de un tema del disco anterior que corta la atmósfera creada con los tres temas anteriores. JORGE EL ALAOUNI | 7

FAMOUS LAST WORDS (USA) THE INCUBUS REVIVAL RECORDINGS (CD 2016)

EVERSIN (ITA) FLAGELLUM DEI CLUB INFERNO (CD EP 2016) Hoy nos llega un EP con nacionalidad italiana, concretamente de la banda EVERSIN, que presentan su cuarto trabajo, del cual nos disponemos ha hacer la crítica, bajo el título de “Flagellum Dei”. A la voz de este trabajo contamos con Angelo Ferrante, A la guitarra con Giangabriele Lo Pilato, Ignazio Nicastro mandando sobre el bajo y los guturales y Danilo Ficicchia a la batería, metiendo toda la velocidad y contundencia que caracteriza a la banda. Su primer tema, con el nombre homónimo del disco arranca sin piedad, riff super agresivo, con una velocidad de pedal notable y en breves todo entra en comunión con la voz, recordando a la técnica de Tom Araya de SLAYER y con una distorsión fiel al “Roots” de SEPULTURA. Unos solos de guitarra rapidísimos y magníficos. Con las breves intervenciones del bajista con los guturales se pone la guinda al pastel… y acaba de empezar el asalto. Como segundo plato, sorpresa!, nada más y nada menos que un soberbio cover de “Refuse/Resist” de SEPULTURA, un clásico que marcó un antes y después junto al disco al que pertenece y que no tiene pérdida alguna, siendo fan de los brasileños desde niño considero uno de los mejores covers que he oído. Recomendable 100%. Tercer entrante y pasando el ecuador del EP tenemos “For the glory of the men MMXVI”, Pelotazo sin piedad que no hará más que hacernos girar las cabezas, Acordes y riffs con una velocidad tremenda, con unos guturales potentes y definidos. Un estribillo pegadizo y un final te tema que aporta la diferencia son detalles de la calidad de este corto pero intenso EP. Como joya de la corona contamos con “We Will Prevail”, un tema de su anterior trabajo bajo una remezcla electro-industrial, que bueno… personalmente me ha cortado el rollo del disco completo, un cambio de estética y estilo que no me ha acabado de encajar correcto en el EP.

El grupo americano FAMOUS LAST WORDS, lanzan al mercado su tercer álbum de estudio, esta vez bajo el sello discográfico Revival Recordings. El disco lleva como título “The Incubus” y está formado por doce temas. Formados en 2010, en Petoskey, Michigan, el grupo está formado por JT en las voces, Craig Simons a la batería, Tyler Myklebust y Evan Foley a las guitarras y Mathew Bell a cargo del bajo. Abriendo con ritmos suaves y toques de piano, nos adentramos en el tema de introducción, “Trophy Wife”, un tema con multitud de cambios de ritmos constantes. Nos encontramos con guitarras pesadas que son alternadas con otros ritmos más melódicos. El junto de voces nos lo dan dos tipos de vocales; limpias y guturales a partes iguales, donde cada una tiene su cometido, hacer más rítmicas las partes melódicas y más agresivas las potentes. “Debilitated” nos introducen el tema por medio de ritmos electrónicos y voces limpias, hasta que comienzan a sonar las guitarras y nos crean unos ritmos muy movidos por medio de unas baterías rápidas y cambiantes. En el tema nos encontramos con muchas partes donde la voz predomina por encima de los instrumentos, tanto, que incluso en algunas partes solo queda la batería mientras la voz melódica nos da el resto del sonido. Con la colaboración de Emily Piriz, nos presentan el tema “Maze in My Mind”, que comienza dándonos unos ritmos potentes tanto de guitarras y batería, con unos tonos graves, para continuar con la voz melódica de Emily que se alterna con la gutural de JT. En el estribillo, la mezcla de ambas voces limpias es una maravilla, consiguiendo unas buenas melodías vocales, que junto a las instrumentales, hacen de este un buen tema. “Marionette” es el penúltimo tema que nos encontramos en el trabajo, un tema que comienza con unos redobles de batería para dar paso a las guitarras, que crean unos ritmos lentos pero potentes para derivar en otros ritmos más rápidos, donde las voces se van alternando entre guturales y voces limpias. Estas, predominan en el estribillo, donde también nos topamos con unos ritmos más lentos, haciendo contrapunto con el resto de sonidos que nos encontramos en el tema.

NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | 51 | OCTUBRE 2016

El último tema que suena en el trabajo de los americanos es “Tear Me Apart”, que nos brinda unos ritmos lentos, pero con fuerza para comenzar el tema. Derivan en unos ritmos más rápidos, donde la percepción del bajo es increíble, y aumenta la fuerza de la melodía. Arrancan también con cortas pero intensas partes donde los riffs se vuelven muy brutos, y el uso del doble pedal en la batería, junto con las voces guturales, da como resultado unos ritmos agresivos. El nuevo álbum de los chicos de FAMOUS LAST WORD es un álbum bastante completo, cargado de diferentes tipos de ritmos que van desde el metal alternativo al post-harcore con toques de metalcore. Sin embargo, los temas entre sí se hacen bastante repetitivos, con unas composiciones bastante parecidas entre ellas. Algo de variedad le da la colaboración de muchos artistas en algunos de los temas. Sin embargo, para los amantes del post-hardcore, será un buen disco, ya que en cuanto a sonido y producción, nos encontramos con un trabajo excelente que hace que todo suene genial. JORGE DE LA CRUZ | 7

FETID ZOMBIE (USA) EPICEDIA TRASCENDING OBSCURITY (CD EP 2016) Detrás del nombre FETID ZOMBIE se encuentra uno de los ilustradores más populares y prolíficos dentro de la escena del metal más extremo, Mark Riddick. En esta ocasión, él sólo se las ha arreglado para la composición y grabación de estos 4 largos temas que componen “Epicedia”. Desde el arte gráfico que acompaña a esta grabación, ya podemos empezar a hacernos una idea de por donde puede ir la música que Mark ha plasmado, algo mórbido, oscuro, tenebroso, macabro…Músico ya curtido en muchos otros proyectos y grabaciones, aquí la música se encauza hacia un Death Metal muy pesado, críptico, amenazante y claustrofóbico, pero no exento de multitud de melodías que hacen estos temas, que sobrepasan los 8 minutos en todos los casos, disfrutables y llenos de riffs y atmósferas variadas. Tenemos ritmos rápidos y otros agresivos, pero sin duda, yo destacaría las trabajadas partes lentas, donde bien nos pueden recordar por momentos los instantes más funerarios del Doom, así como los más oscuros y acechantes del Black. La voz es bastante profunda, me recuerda a la de bandas como HOODED MENACE, COFFINS o CLAWS… Aunque por momentos toma un cariz más agudo o Black. Un detalle que, a mi en particular, me gustaria para una próxima grabación sería la utilización de un batería real, ya si bien el bueno de Mark ha contado con la colaboración de otros músicos de la escena extrema en los temas, miembros de REVEL IN FLESH, RUDE, BEYOND MORTAL DREAMS, GOAT HOLOCAUST,… El uso de un bateria real, incluso haría mejorar la música del proyecto, aunque siendo una “one man band” veo esto complicado. “Epicedia” con su Death Metal siniestro, oscuro pero cautivador y por momentos épico, bien merece pararse durante un buen rato para deleitarse y disfrutar de música hecha con sentimiento. Yo lo he hecho, intentadlo vosotros. LUIS MARTÍNEZ | 8.5


FIT FOR A KING (USA) DEATHGRIP SOLID STATE RECORDS (CD 2016) Como en la vida hay de todo igual que el black metal se asocia al paganismo y a la vertiente más demonológica, en el core también hay filosofías de música y estos chavales de Dallas nos traen su vertiente de metalcore cristiano. Ellos son FIT FOR A KING y su nuevo trabajo “Deathgrip”. Editado a través de Solid State Records y con el que han contado con dos colaboraciones de lujo como son Jake Luhrs de AUGUST BURN RED y Levi Benton de MISS MAY I, de hecho, los dos temas que ellos cantan han sido los dos primeros singles. Once cortes es lo que nos proponen, tras “The End’s Beginning”, una introducción ambiental, que irrumpe con potentes riffs de guitarras para unirse a un tema muy especial “Pissed Off”. Y es que este tema, repleto de rabia y contundencia, está basado en la matanza que se produjo en Paris donde 128 personas murieron mientras asistían al concierto de EAGLES OF DEATH METAL en la sala Bataclan, puesto que esto sucedió 4 días antes de que ellos tocaran en la misma sala. Por eso este tema refleja la reacción emocional de la banda ante semejante atrocidad en un tema muy intento y uno de los mejores del álbum, con frases como “We live and die in a hopeless world / Laying waste to the innocent with no regret, I’m sick of it,”. Un tema donde la guitarra de Bobby Lynge, grita entre tonos graves y medios, las voces de Ryan Kirby resurgen del infierno, como en el gruñido final, mientras que Ryan “Tuck”, se convierte en un demoledor aliada con su bajo y sus voces, aportando contundencia a la apisonadora de Jared Easterling a la percusión. “Dead Memory” junto a Jake Luhrs, se convierte en el primer video musical de la banda sobre este disco y en carta de presentación de lo que tenemos delante. Con un inicio demoledor, donde los blast beat son una locura y el toque de AUGUST BURN RED está más que presente durante el tema. Resaltar las ambientaciones a base de samples y electrónica de este tema con un ritmo pesado y lento y numerosos breakdowns, hasta que la voz limpia irrumpe y entramos en una segunda parte repleta de potencia y toques hardcore, otro buen tema. “Cold Room”, guarda tras de sí otra historia sobre la experiencia del aborto. Al juego progresivo de cuerdas inicial que se transforma en una base hasta la primera estrofa (muy original), le sigue un tema de metalcore melódico muy bailable, con un estribillo muy pegadizo. “Disease”, es más cruda y oscura, sobre todo a mediados del corte, donde el bajo toma mucha presencia, cosa que personalmente me gusta bastante. Un corte que no te dejara descansar en sus directos, con una parte final brutal. “Shadows & Echoes”, es el tema perfecto para continuar, con unos riffs de guitarras muy graves, además de toques hardcore y quizás guarde en su interior uno de los estribillos limpios con más luz del disco. “More The Nameless”, guarda grandes melodías de guitarras, con unos ritmos entrecortados junto a la voz que

le da un toque de distinción con respecto al resto del disco, contando además con un estribillo limpio donde se las voces juegan con sus registros limpios y guturales. El break central, juega con la electrónica y es distinto al resto del álbum. “We Are All Lost”, tiene cambios vocales con entre agudos y graves, infligiéndoles melodías y un estribillo muy potente. “Unclaimed, Unloved”, sigue empleando los mismos elementos, con unas melodías de guitarras muy cuidadas. En la misma línea que los temas de este bloque. Acercándonos al final, encontramos “Stacking Bodies”, con la colaboración de Levi Benton, en otro de los temas más oscuros y contundentes del álbum, así como el segundo single y uno de los que más me gustan. “Deathgrip”, tema homónimo al LP, está repleto de atmosferas muy cuidadas, en su primera parte, donde la voz limpia resalta en la primera parte acompañada de samples, efectos de eco y el bajo, para infringir un cambio radical con distorsión. Un tema que fluctúa entre los dos aspectos el más onírico y reflexivo con la agresividad y matizaciones de las partes agresivas, donde la dualidad de voces y el estribillo limpio ponen otro matiz distinto para acabar el álbum. FIT FOR A KING, han regresado, dando un paso adelante a sus composiciones, donde la rabia, las melodías y los break downs harán las delicias de los seguidores del metalcore melódico. Un gran disco, con temas como “Pissed Off”, “Dead Memory” o “Disease” entre muchos otros. JUAN ANGEL MARTOS | 8

FOR I AM KING (NDL) DAEMONS REDFIELD RECORDS (CD 2016) Desde Amsterdam (Holanda), nos llega esta formación con su álbum debut, FOR I AM KING y “Daemons”. Editado a través de Redfield Records, ha sido grabado y mezclado por Jasper Van Den Broek en Blue Steel Audio, contando para la masterización con Alan Douches (West West Side Studio) y con un artwork de Sascha VoB. Banda formada en 2013, lanzando al año siguiente un EP con el que presentarse “Revengeance”, el cual les ha llevado hasta el Wacken Open Air. Cuentan con una frontman femenina que desgarra sus cuerdas vocales a cada paso Alma Alizadeh, uniéndose a la cada vez más proliferación de estos grupos como ARCH ENEMY o JINJER, en la escena internacional, o HIRANYA o ARISE en España. Por lo que las influencias de todo este conglomerado están muy presentes en su música, realizando un metal melódico y agresivo, con toques del death y groove. “Black Death” inicia el álbum con una melodía de piano, que rápidamente es ahogada por un torbellino a base de blast beats a cargo de Jaap y unos riffs demenciales de Wouter y Jurgen, contando con un bajo muy discernible a manos de Jasper y la furiosa voz de Alma. Un tema directo, sin concesiones, que guarda elementos musicales melódicos en su interior, convirtiéndolo en un tema muy versátil. Uno de los temas más

destacados y perfecto para abrir este álbum, donde cuenta con una parte final muy atmosférica. “Breathe The Fire”, bebe desde el inicio de ARCH ENEMY, desenvolviéndose en un tema muy rápido y directo, que a buen seguro hará las delicias en directo, contando con melodías de death metal sueco en el estribillo. Alma introduce cambios en sus guturales, enseñándonos los registros más profundos, así como los agudos. Un tema con toques de core/groove en su parte central. Con “Lost Divinity”, se giran más a la parte death, pero con elementos modernos, destacando el solo de guitarras y una machacante percusión, que personalmente suena un poco aguda, al igual que las guitarras. Con una parte central más melódica, la cual crece lentamente hasta que irrumpe un preciosista solo de guitarra (muy bueno) el cual nos lleva hacia el estribillo final, dando paso a “The Crone”. Un tema con un inicio diferente con guitarras dobladas y de corte muy metal alemán como HELLOWEEN, pero solo en el principio, porque después se acelera y vuelve el estilo de FOR I AM KING, con un estribillo doblado en voces, pero que si hubieran incluido otra voz más limpia hubiera sonado apoteósico, pues las guturales melódicas de Alma no se distinguen mucho de las voces de las estrofas. Eso sí, este tema es muy cambiante, incluso progresivo, con una estructura compositiva muy enrevesada y muy bien ejecutada, por lo que es otro de los destacados y merece la pena escucharlo desde principio a fin varias veces. “Tantalus”, pone otro punto de distinción con respecto a los otros temas con un inicio atronador, donde las guitarras entrecortadas marcan los golpes, para desarrollarse en otro vendaval. Parece que FOR I AM KING, aporta un toque distinto en el inicio, para desarrollar y llevarse cada tema a su terreno, donde las guitarras resaltan en la instrumentación. “Interlude”, pone un toque instrumental y relajante al álbum (aunque con distorsión), para enganchar con “Hades”, quizás sea uno de los temas que más melodía le imprime a sus guturales Alma y en “Des-Troy” son las guitarras las que le dan un toque épico, con un estribillo muy pegadizo, un gran tema para los directos, aparte de por sus melodías, por los break y su inicio directo. Nos acercamos al final del álbum, en el cual nos encontramos “Faust”, un medio tiempo con una introducción musical larga, donde las guitarras dobladas se manejan a sus anchas, llevándonos a unas estrofas donde desarrollan sus melodías en segundo plano, para dar protagonismo a la voz desgarradora de Alma. Es el tema más largo del álbum, y con un desarrollo distinto a los otros que hemos escuchado anteriormente, más lento y técnico. “We Must Obey”, pone el punto y final a este debut, con otro gran tema. FOR I AM KING, han realizado un debut con mucho nivel, destacando sobre todo el trabajo de las guitarras, con grandes solos y riffs, así como pasajes doblados que acompañan a la voz de Alma, tambien destacada, pero dentro de estereotipos (un toque más de variedad les daría mucho juego). Temas como “Black Death”, “The Crone” o “Hades” te pondrán las pilas a punto. JUAN ANGEL MARTOS | 7.5

FREYA (USA) GRIM FAST BREAK ENTERTAINMENT (CD 2016) Quinto álbum de estudio de esta banda americana que lleva dando por saco desde el 2003. Nos encontramos ante una de esas bandas que vale más por lo que hay detrás que por lo que hay delante. Estoy seguro de que muchos ya sabéis que en sus filas cuenta con Dirk Verbeuren, bataca nada menos que de MEGADETH, entre otras 100 bandas, vamos, que podríamos decir que es un batería de sesión, tanto de estudio como de directo, y que todo lo que toca lo convierte en oro y precisamente por ello ha estado en SOILWORK o ABORTED, pero vamos, que la lista es interminable. Y digo que vale más por lo que hay detrás porque precisamente su campaña de promoción se ha basado en usar el nombre de estas bandas una y otra vez, cosa nada extraña porque el hombre es una máquina de aporrear las baterías. En este trabajo no es especialmente extremo, pero muy variado, enrevesado a veces y realmente efectivo, hacen que sea lo mejor del CD sin duda, y de lejos. Seguido de unas líneas vocales realmente variadas, con voces scream y un grandísimo surtido de voces limpias, tanto en coros como el solitario, enrevesadas y facilonas y en unas composiciones realmente agradables incluso para oídos no preparados para el metal extremo. Y es que en realidad este trabajo eso, una propuesta para oyentes no adictos ni especialmente entrenados en el metal extremo. Lo primero porque el sonido es perfecto, nítido a más no poder y sobreproducido hasta la saciedad, fácil de escuchar, vamos. Y lo segundo porque la música no es metal extremo en sí mismo, es más bien metal moderno, no especialmente breakdown, pero no por ello menos moderno, melódico y progresivo en ocasiones, llegando a ser quizás demasiado meloso en temas como “The Sentinel” aunque con cortes realmente radicales, no en toda la estructura de la canción, pero si en ciertas cadencias compositivas que se acercan a los últimos AT THE GATES o THE HAUNTED, ojo, con mucha diferencia, pero para hacernos una idea. Podríamos decir que los Metalheads de más de 30 años deberían alejarse de esto como de la peste, puesto que tiene todo lo un buen old school detesta. Adictos al tecnicismo y al exceso de lo progresivo, tampoco encontraran aquí más que ciertas cosas de interés, nada que realmente les haga escuchar el trabajo completo. Amantes de las superproducciones modernas, aquí tienen una clase magistral de ello. Metal heads de nuevo cuño, gustosos de “lo moderno”, de esa mezcla pachanguera del HardCore con el metal y de una magistral manera de definir estructuras sutiles bajo un manto de distorsión nítida, eh aquí a vuestro hijo nuevo. SANTI GZLEZ | 5

GLASS HOUSES (USA) WELLSPRING INVOGUE RECORDS (CD 2016) El álbum debut de los estadounidenses GLASS HOU-


SES, se llama “Wellspring”, un trabajo formado por diez temas y que sale al mercado a través de InVogue Records. Formados en Fargo, Dakota del Norte, el grupo está formado por Josh Haider, Mark Sands, Tanner Leier, Robert Whiteside y David Anderson. El primer tema que aparece en el álbum es “Apparitions”, que nos abre con unos ritmos de guitarras muy suaves y una voces lejanas, para la momento romper con una voz rasgada y unos ritmos de guitarras muy potentes cargados de furia. Nos ofrecen un estribillo, lleno de voces limpias, y unos ritmos de baterías que mantienen la agresividad de estos, con unos golpes muy constantes juntos con unas guitarras que pasan un poco desapercibidas. “Heirlooms” es el siguiente tema que aparece en el disco, el cual nos introduce desde el primer momento en una atmósfera de furia, cargada de ritmos pesados y rápidos con una voz al frente muy rápida, que mantienen los ritmos de las guitarras. Los cambios entre ritmos rápidos y otros más melódicos, crean la continuidad del tema, consiguiendo una variación de composiciones importante, con un sonido muy homogéneo entre ellos. Una batería estridente nos mete de lleno en “From Roots To Thorns” que junto a los ritmos graves de bajo, crean una bola de sonidos graves que suma mucha potencia al sonido que tienen, que ya de por sí es bastante bueno. Los estribillos creados con voces limpias, coros y riffs de guitarras muy movidos son todo un acierto, ya que consiguen crear un ambiente de fuerza, a la vez que un buen sonido tranquilo, debido a la gran variación de la parte vocal. “The Eyes Of The World” comienza con una temática más oscura, componiendo unos ritmos de baterías más potentes, junto con unas voces guturales y unos ritmos de guitarras más rápidos y furiosos. Todo esto deriva en estribillos con voces limpias muy cortos, que se van alternando con estos ritmos más pesados y rápidos, con algunas partes con efectos y ritmos de piano que quedan de fondo, creando una melodía secundaria. La canción que se encarga de cerrar el álbum es “Wellspring”, tema que da nombre al trabajo de los americanos, un tema que nos abre sin melodía, solo con ritmos vocales, para romper al momento con unos riffs de guitarras pesados y un ritmo de piano de fondo, para derivar en unos ritmos melódicos y dar el protagonismo a una batería potente. Nos encontramos con un estribillo más pesado, con coros, unas voces rápidas y furiosas, que se alternan con las limpias. En definitiva, en el disco de GLASS HOUSES nos encontramos con una producción asombrosa, que hace que todo suene muy bien, incluso cuando parece que hay cosas que no están, como los ritmos de piano, los escuchamos de manera sutil, algo que le da un punto interesante. En cuanto a composiciones, son bastante lineales, encontrándonos con estructuras muy parecidas en diferentes temas, y quitando un dar de ellos, nos topamos con bastantes similitudes entre ellos. Aún con eso, nos encontramos con un buen disco de metalcore, cargado de buenos ritmos pesados y melódicos; y unas mezclas de voces limpias y guturales que son una maravilla, haciéndonos disfrutar a tope de cada tema. JORGE DE LA CRUZ | 8

GLORIOR BELLI (FRA) SUNDOWN (THE FLOCK THAT WELCOMES) AGONIA RECORDS (CD 2016)

Con más de 14 años trabajando en este proyecto, GLORIOR BELLI han destacado en el panorama del metal en Europa (y mas concretamente en Francia) por su black metal oscuro tan característico. GLORIOR BELLI es el proyecto de Billes Bayou, que contratando músicos de sesión, decidió sacar discos y moverse por todo el panorama mundial. Los componentes de la banda son los siguientes: Billes Bayou a la guitarra y la voz, Sulo al bajo, Weddir a la guitarra y Aries a la batería. El disco que nos presentan hoy se titula “Sundown” y vienen con muchísima fuerza para destacar después del pobre álbum que sacaron el 2013. “Lies Strangled Skies” es el tema con el que se abre este trabajo, guitarras muy oscuras, con unas distorsiones potentes junto a unas baterías de lo mas aceleradas caracterizan a este tema tan potente. Este sonido ya nos empieza a recordar a los MGLA o DARKTHRONE. “World so Spurius” es el segundo tema, y la verdad es que es algo monótono y cansino, quizas la melodía creada sea lo más destacable. A continuación, nos presentan un tema de lo más destacable del álbum, “Rebels in Disguise”, un tema que nos recuerda a la old school del black metal, como si GLORIOR BELLI intentase volver a sus origenes. Cabe destacar que es un tema con mucha garra. “Sundown” tema que le pone nombre a este álbum, es quizá una de las decepciones de este trabajo, ya que no aporta nada nuevo, sigue lineal, con líneas de guitarras muy saturadas y baterías muy rápidas, junto a una voz de Billes cargada de fuerza, pero muy similar a temas anteriores. Dos temas que han sido de lo mejor del disco son “Thrall of illusions” y “Upheaval in chaos waters” canciones con muchísima garra, con arpegios muy oscuros, guitarras no tan distorsionadas y unas baterías de lo más complejas, que hacen que el disco no sea tan aburrido. Para finalizar, nos presentan “We whose glory was despised”. De nuevo se caracteriza por unas baterías muy rápidas, junto a una voz de Billes muy buena y definida. Este último tema hace referencia de nuevo a la old school, con una atmosfera melódica muy destacable. En definitiva era, es y será una de las bandas referencia mundial alrededor del black metal e incluso de thrash y más si continúan con esos tintes nórdicos que hacen que esta banda sea única. ÁLVARO CASTILLA | 6

GRAUSIG (IDN) DI BELAKANG GARIS MUSUH OBSKURE MUSIK (CD 2016) El mundo del metal extremo, su underground y su distribución mundial, en la actualidad es impresionante. Lo que ya no están habitual es que una banda de Indonesia de brutal death se formarán en el 89 y que aunque con una parón desde al 2000 hasta el 2011, ahora, veintisiete años después de su formación, nos presenten su tercer trabajo completo. De hecho es aún más loable que viniendo de esas latitudes sean capaces de resurgir de sus cenizas. Si ya no es fácil hacerlo es Europa o América, no quiero mi imaginar lo que ha tenido que suponer para ellos llegar hasta aquí para presentarnos este LP, amén de varios EPs anteriores. Y si después de leer hasta aquí estás dispuesto a seguir leyendo es porque ya sabes lo que suelen presentarnos por aquellas latitudes y como se las gastan las bandas de brutal death de Indonesia. Pues estos no van a ser


menos!!!!! Aunque para ser sinceros…. Si son un poco menos, y me explico. Estamos ante una formación de brutal death, pero del brutal death de la vieja escuela, tal y como se hacía en sus principios. En este aspecto es más primigenio, pero suficientemente depurado y con recorrido como para ser entendido en el siglo XXI, pero con todos los clichés que hicieron levantar a este subgénero en los noventa. Este es aspecto en el que son menos, en la brutalidad, pues aquí no hay slamming como otras bandas más conocidas de su país. Ni tampoco ritmos más retorcidos o estructuras más complejas. Aquí tenemos toda la complejidad que nos dieron los primeros trabajos de SUFFOCATION y DEEDS OF FLESH, ni más ni menos. Todo esto de una manera más que digna, aunque nada innovadora lógicamente y con un par de aspectos a mejorar. Uno es que los solos de guitarra que incluye son realmente prescindibles, carentes de técnica y con un sonido fuera de lugar. El otro aspecto es precisamente el sonido. Quizás sea demasiado noventero también. Es demasiado apagado, sin brillo y con muchos graves. Mucho me temo que no es algo elegido así por ellos, sino el resultado de un presupuesto más que ajustado. Aún así, más que digno. Como único punto diferenciador podríamos nombrar el tratamiento de las voces por parte de Phuput, las cuales, aún siendo los famosos growl death metaleros, no son muy grabes ni guturales, siendo casi casi distinguible la letra y alternándolas y mezclándolas con otra más aguda a lo Glen Benton que añade un punto de agresividad a tanta brutalidad old school. Ah, y como curiosidad el tema “Prelude One”, versionando con el bajo a tope de gain un famoso tema clásico. SANTI GZLEZ | 6

GROOVENOM (DEU) MODERN DEATH POP NOIZGATE RECORDS (CD 2016) A nuestras manos nos llega el nuevo trabajo de los alemanes GROOVENOM, bajo el curioso nombre de “Modern Death Pop”, el cual saldrá a la luz a mediados de diciembre de este año. Editado a través de Noizgate Records. Tras su gran disco “Pink Lion”, el cual, personalmente me gustó mucho, con un estilo muy marcado donde mezclaban el metalcore con la electrónica, nos traen ahora una nueva entrega. A través de sus 12 cortes, podemos observar la evolución del grupo. Para ello, solo tenemos que atender al nombre de su disco, pues es “Modern”, con una electrónica más marcadas y registros vocales diferentes, donde las partes limpias, son más agudas, al igual que las guturales están muy presentes (y me gustan) y un nuevo registro más hardcore aparece en escena. “Death”, porque las partes contundentes están muy presentes, siendo muy directas y potentes. Y por último “Pop”, pues introducen elementos muy pegadizos, con estribillos muy limpios y electrónicos, donde el dance/house, está muy presente, cambiando a una música electrónica más comercial. Pero bueno, adentrémonos en este nuevo álbum de GROOVENOM, “Modern Death Pop”. “The King Is Dead”, nos deja claro desde el principio que para este disco se han decantado más por la electrónica, mucho más presente que en su anterior disco. De igual forma, las partes core, son también más agresivas, introduciendo a su vez en las melodías vocales, nuevos registros, “rapeados” y toques más

hardcore (Mr. Sanz, voz). Un gran tema, que mezcla todos los elementos de este nuevo álbum de GROOVENOM, con una parte final muy pegadiza. “Stay Awesome”, tiene un comienzo muy agresivo y rápido, donde la percusión a cargo de Ronald, nos demuestra su potencia, para introducirnos en uno de los estribillos más “happy” del disco, a base de samples de la mano de DJ esuz, que personalmente me gusta más como la introduce en el segundo estribillo, siendo la transición más suave. “Pu$$Y Dance”, es muy divertida y con muchos contrastes musicales, primando los ritmos dance y pegadizos en el estribillo, un tema muy asequible y perfecto para bailar y saltar en directo. “Fck Mtl”, nos sigue introduciendo en la fiesta, con un inicio de películas “nigga”, desarrollándose en un corte con estrofas potentes y marcadas por la dualidad de voces y los riffs contundentes a cargo de Tightuz y Matt Steen (guitarras), dando paso a uno de los estribillos más melódicos del disco, aunque quizás hayan abusado de la electrónica en este corte. “Proud 2B Loud”, viene marcado por las partes rapeadas y un gran solo de guitarra cerca del final, dando paso a “Final Girl”, un tema “distinto”, con un inicio más pop y comercial, donde la electrónica envuelve toda la composición con unos ritmos muy pegadizos, pero siendo un tema totalmente diferente a todos los anteriores…, demasiado comercial. “Brutal Party Massacre”, nos devuelve la contundencia de GROOVENOM, con un bajo muy presente de Fred Cube”, donde las estrofas se endurecen con ritmos core y donde el estribillo, se apoya en los ritmos propiciados por DJ esuz, que intercala diversos escraches y en la parte central nos da ese “subidón”, para unirse al break down que cambia el tempo del corte. Una de mis favoritas. Con “Shut The F#Ck App”, sobrepasamos más de la mitad del álbum y con un sonido actual de una app muy conocida, nos introduce en un corte más groove, pero repleto de ambientaciones, con una parte muy potente donde priman las guturales profundas y un estribillo con mucha luz, otro de los temas destacados y diferentes del álbum. “Hallo Welt”, comienza lentamente, para ir subiendo de tono y ser otro corte típico de GROOVENOM, aunque en el estribillo limpio, las voces son diferentes a lo escuchado anteriormente. Parece que, en esta parte final, la dosis de core prima sobre la electrónica, y “Libido”, deja nota de ello en un tema denso, oscuro, donde el deathcore y un ambiente opresivo en las estrofas, contrasta con el estribillo y las voces melódicas, enmarcada por los sintetizadores. “We Are Legend”, sigue repartiendo caña, con un deathcore inicial, para girar hacia un groove muy contundente y acompañado de escraches, claro todo hasta el estribillo, que pone un contrapunto en el tema, pero que contrasta muy bien con la música que ellos pretenden mostrarnos. Un gran corte, que nos da paso al cierre del disco con “Not Another Transcore Band”, en el cual emplea elementos más directos, recordándonos a su “Pink Lion”, break downs, marcan los tempos y una percusión aplastante pone los acentos en el tema más agresivo y contundente del álbum, que pone un punto y final por todo lo alto, aunque la parte electrónica sea muy marcada, pero que no desentona para nada y tras escucharlo varias veces le pillas ese gustillo que te hace volver a ponerlo. GROOVENOM, están de vuelta con este disco, donde podemos apreciar la evolución que van teniendo, dándole más importancia a la electrónica. Temas como; “The King Is Dead”, “Not Another Transcore Band”, “Brutal Party Massacre” o “Shut The F#Ck App”, destacan y siguen la línea de su anterior álbum (el cual me gustó mucho). Es un buen disco, pero personalmente me gusta una electrónica más directa y agresiva y menos “feliz” o “pop”, aunque temas como “Pu$$Y Dance” o “Fck Mtl”, cuando los escuchas varias veces y los pones en alguna de tus fiestas se quedaran toda la noche. Si te gusto su anterior álbum, este también lo hará, exceptuando un par de temas con toques más pop. JUAN ANGEL MARTOS | 8

GUTTURAL CORPORA CAVERNOSA (TWN) YOU SHOULD HAVE DIED WHEN I KILLED YOU GORE HOUSE PRODUCTIONS (CD 2016) Segundo trabajo de esta banda de Taiwan, dejando otra muestra de que el metal extremo está en todas partes y últimamente, y no tan últimamente, este tipo de metal tan sumamente extremo viene muy a borbotones de los lugares más recónditos. Aun así, que exista en cualquier lugar no le da calidad, esto está claro, le puede dar exotismo, pero nada más, y es lo que le ha pasado a esta banda. Quizás mucha de la culpa sea de un estilo en el cual poca o nada innovación puede haber, pero bueno, aun así nos encontramos, sino es cada semana, cada mes, con tremendas ediciones que hacen languidecer a este CD. Lo que nos muestra es un Brutal death con muchos medios tiempos, mucha repetición de riff, mucho palm mute y grandes dosis de slam, lo que hace que, si no tienes una técnica exquisita, un sonido aplastante o una brutalidad fuera de lo común, pueda aburrirte más de la cuenta y en ese caso apaga y vámonos porque no hay peor que eso en un estilo que tiene que destrozarte por dentro. Otra cosa que hace que este trabajo se venga un poco abajo es el sonido. Es normalito y no demasiado pro. No es malo, pero claro, es que ahora mismo las opciones para hacer un sonido medianamente bueno son muchas, aunque para hacerlo profesional de verdad hay que dedicarle algo más que tiempo, cosa que no está al alcance de cualquiera. Si a esto unimos un sonido de batería totalmente sintético, demasiado presente el hecho de que sea una batería secuenciada y con no mucha gracia, pues… trabajo tirado por los suelos. Eso no quita para que este álbum pueda ser devorado por seguidores del brutal slam death mas underground, pero si no eres acérrimo, si no eres de los que vas a por todo lo que venga de estas latitudes y no eres coleccionista de portadas extremas, seguro que vas a encontrar trabajos mejores, seguro seguro. SANTI GZLEZ | 4

HARM (NOR) OCTOBER FIRE BATTLEGOD PRODUCTIONS (CD 2016) Cuando comienza “Devastator”, de los noruegos HARM, me eche las manos a la cabeza y pensé, ¡maldita sea, otro plagio a SLAYER como HELLBRINGER! Ese gritito inicial, ese riff cortante…pero gracias a Satán, y a pesar de que hay SLAYER por un tubo en este “October Fire”, el grupo siempre ofrece un pequeño extra en cada uno de los nueve temas que componen el trabajo. “Devastator” mola y terminas gritando su estribillo

NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | 55 | OCTUBRE 2016

levantando el puño, además de fijar el gusto del grupo por orquestar los temas en torno al riff: motivo por el que ya tienen ganado el respeto del servidor. En “Executioner” continúan por los mismos derroteros, un thrash veloz y agresivo, en el que en ocasiones dejan salir a la luz pequeños ritmos con más groove. En “Trying to grow wings” y “October Fire” reducen las revoluciones, presentando el primer tema un ritmo sincopado y pesado además de ofrecer un solo heavy metalero de escándalo, mientras que el segundo se acerca (levemente) al death metal pisando el acelerador. En “Kill the King” vuelven a meterle caña y ofrecen un coro machote, machote en el estribillo. “Shadow and the slave” empieza casi como un tema de mugriento doom para mutar al minuto en todo un balazo de thrash que invita al headbanging. La sorpresa del álbum llega con “Red Stone Souls” que comienza con un riff al estilo de DOWN, para ofrecer luego un ritmo (que si no fuera por la batería) casi parecería de CANCER BATS: todo un soplo de aire fresco, que no desentona en el trabajo, y que da rienda suelta a esa vena groove que los noruegas habían dejado salir levemente en los temas previos. En el final de “In these moments” casi parecen ser DIMMU BORGIR con esas voces oscuras y “Bad Omen” cierra el trabajo sin sacar los pies del tiesto. Con discos así, solamente queda pensar que es imposible que de Noruega salga mala música. HARM han sido capaces de sacar un disco que sin ofrecer ninguna novedad, consigue entretener a base de pequeños detalles y una buena colección de riffs. Y además la portada lo mola todo. ALBERTO ZAMORA | 7

HELLSODOMY (TUR) CHAOSTORM GO FUCK YOURSELF PRODUCTIONS (CD 2016) Primer larga duración de los turcos formados en 2011 HELLSODOMY, tras una demo y el EP de 2015 “Sodomy is Nigh”, en junio de 2016 lanzaron al mercado a través del sello Go Fuck Yourself Productions este “Chaostorm” que nos ocupa. Este trabajo podrá haber sido editado por cualquier banda de Death Metal europea a principios de los noventa, ya que, hasta en el sonido de la grabación se asemejan el cuarteto Kadiköy, pero no sólo que quedan aquí, sino que Death/Thrash también tienen cabida en este trabajo discográfico. El cd consta de ocho cortes en casi treinta y cinco minutos de duración total con una ejecución instrumental excelente, combinando perfectamente las estructuras más frenéticas con los pasajes más lentos y oscuros. Cortes como “Sinister Force”, “Drop Dead Ritual” o “Keepers and Sinners of the Grave” ordenados, bajo mi punto de vista, premeditadamente como las tres primeras pistas del álbum, reflejan perfectamente las intenciones desde el minuto uno de lo que banda nos quiere ofrecer. Lo que me dejan claro es que no es un disco lineal o aburrido, por ejemplo en la siguiente canción “Total Disgust” me llama bastante la atención como en tan poco tiempo ha evolucionado esta banda, ya que este es uno de los cortes rescatados de su anterior trabajo, y constata que su estilo está asentado desde los inicios y que la calidad en la ejecución tampoco se queda atrás. El siguiente corte “Antiscene 666” que es maldad en estado puro y no solo por el título, sino que el tema


en sí desprende maldad, las partes pesadas en las que bajo mi opinión ganan más enteros, se entremezclan perfectamente con las fases vertiginosas de riffs a una cuerda. A continuación llegan los temas “Mazochistic Molestation” y “Menstruation Blood on the Pentagram”, los cuales también aparecían en su trabajo anterior, y en ellos dejan a un lado las partes más lentas para ofrecernos dos cortes repletos de blast beats sin compasión. Cuanto más escucho este cd más seguro estoy que el orden de las canciones lo tenían más que estudiado, si al inicio hacía referencia a los tres primeros cortes, con “Coven of Abomination” me reafirmo, se han dejado otra bala para cerrar el álbum, sin temor a dudas, la mejor pista del disco, lo tiene todo, desde el inicio propio de Thrash Metal hasta los blast beats más frenéticos, pasando por una enorme colección de riffs que invitan a volver a escuchar este disco de nuevo. CARLOS BERMEJO | 8

HERE AND NOW (BGR) FLIPSIDE STORY AUTOEDITADO (CD 2016) La banda búlgara HERE AND NOW lanzan al mercado su primer trabajo, al que llaman “Flipside Story”. Editado de manera propia, el encargado de la grabación ha sido Nikolai Berberov en el estudio “ Sub-zero en Sofia, Bulgaria; y la masterización corre a cargo de Jens Bogren de Fascination Street, en Suecia. Originarios de Sofia, Bulgaria, la banda que fue formada a finales de 2014, cuenta con el siguiente line-up: Hristo Velev en la guitarra y sintetizadores, Hristo Hristov al bajo, Bozhidar Davidkov en la batería, Ivo Kalyonski a las voces y sintetizadores, Todor Yazovaliyski a la guitarra y Victoria Dashova en las voces. Con el tema “areYouWithUs” el grupo nos introduce en su trabajo, con diferentes sonidos a base de sintetizadores, a los que añaden voces lejanas, que crean un efecto extraño al juntarse con la melodía, que poco a poco va bajando el sonido para darnos paso al siguiente tema, que ya si, nos da música y ritmos más cañeros. “toResist” es el tema que nos encontramos justo después de la introducción, un tema que nos comienza dando unas guitarras, con un sonido algo agudo, y unas melodías rápidas, que dan paso a la voz, una voz rasgada que suma potencia al conjunto. Variando entre diferentes ritmos algo más pesados y otros más melódicos, con toques de sintetizadores que se van entremezclando con las guitarras y batería, crean las melodías del tema. En el ecuador del trabajo nos encontramos con “ruinsOfThePast” que desde el primer momento empieza

a lanzarnos ritmos rápidos y movidos, con diferentes cambios de ritmos constantes en la misma melodía. Nos topamos con una voz potente, con gran fuerza, que complementa con los ritmos frenéticos de la batería, que a través de sonidos graves, nos transfieren mucha furia en cada parte del tema, que apenas baja el ritmo en toda su travesía. “theHydra” nos adentra en su furia con unas melodías frenéticas, donde destaca la golpeada de la batería que se hace super rápida. Con un cambio de ritmo radical, nos deleitan con unos ritmos melódicos, casi sin instrumentación, liderados por una voz femenina muy melódica, lo que supone una variación bastante buena. Esta voz femenina, tambien suena en diferentes partes del tema con melodías pesadas, por lo que le da un contrapunto interesante al tema. El último tema, y el encargado de cerrar el CD es “There” el cual nos abre con unos ritmos muy tranquilos, creados a partir de guitarras, sintetizadores y una pizca de batería que nos va marcando los ritmos sutilmente. El ritmo se mantiene constante, solo introduciendo algún solo de guitarra algo más subido de tono; hasta que poco a poco, la música va bajando, dejándonos con un silencio sepulcral y acabando este primer trabajo de los búlgaros. El primer trabajo de los búlgaros HERE AND NOW es un trabajo con multitud de matices, creados a base de mezclar instrumentos, con las voces rasgadas y limpias, que se van alternando con diferentes tipos de melodías, que le dan una variación inmensa. Todo eso a parte, el sonido que tienen es bastante peculiar y cambiante, escuchándose todo muy bien en algunos temas, excepto el bajo, que es casi imperceptible, y otros en los que se escuchan guitarras y voces por encima de todo, destacando sobre todo estas últimas; por lo tanto en producción tienen bastante que mejorar. Aún así, las composiciones son bastante buenas, creando temas muy competentes, que seguramente a más de uno gustarán, por lo que darle una escucha al disco no supondrá ningún problema. JORGE DE LA CRUZ | 7

HERETIQUE (POL) DE NON EXISTENTIA DEI VIA NOCTURNA RECORDS (CD 2016) HERETIQUE es un combo de black death procedentes de Polonia. Iniciaron su periplo musical en 2007. Dos años más tarde apareció su primera demo “Primal Blasphemy” poniendo de esta manera la primera piedra para levantar su reinado de terror. En 2012 sus seguidores, ávidos de un L.P, fueron complacidos con el lanzamiento de “Ore Veritatis”. Finalmente, y tras

lo que fue una larga espera de cuatro años, nos llega su segundo plástico “De Non Existentia Dei”. Lanzado el 26 de marzo de 2016 por el sello Via Nocturna este asalto es el culpable de que estas esquelas hayan sido creadas. El line up es el siguiente: Wojciech “Zyzio/Wojtas” Zyrdoń (bajo), Grzegorz “Igor” Piszczek (batería. Ex VATES, ex ORION PROPHECY), Piotr “Peter” Odrobina (guitarra solista), Grzegorz “Celej” Celejewski (guitarra y voces. A su vez componente de STAY HEAVY, ex MORTUARY), Marek “Strzyga” Szubert (voz. También miembro de SPATIAL). En esta nueva obra los polacos nos ofrendan un trabajo que a pesar de su claro dinamismo, y sus constantes cambios de dirección, da la sensación generalizada de una clara irregularidad. La falta de cohesión en la estructuración de los temas, sumado a la poca chispa de las guitarras, lapidan sin remisión un disco que tan solo se queda en unas buenas intenciones que no son llevadas correctamente a cabo. Obviamente no todo es malo, por supuesto existen momentos estelares, aunque estos no los salvan de la quema. Por otro lado la producción es más que acertada y el artwork es escalofriante. Esa portada vale su peso en oro, transmitiendo perfectamente lo que el conjunto desea comunicar con su música. El escaparate de riffs es amplio. A pesar de ello no enganchan de ninguna manera en la mayoría de los casos. Los encontramos fluidos, a una cuerda, leves disonancias e instantes en limpio. Todo ello lo aderezan con unos punzantes, y en ocasiones melódicos solos de guitarra. En cuanto a registros vocales nos topamos con 3 de ellos diferentes. Growls, shrieks e instantes de voces limpias conviven en perfecta armonía. La batería tiende claramente al mid tempo, por supuesto sin olvidar totalmente los up. Señores no esperéis mucha velocidad, eso aquí más bien falta. El bajo en según que partes cobra especial protagonismo, aunque no son precisamente unas líneas espectaculares. Después de esta descripción global, pasemos a comentar brevemente las mejores tonadas de esta acometida. Personalmente recalcaría “Dimension” y “Czarna polewka (neologizm stylistyczny)” por las siguientes razones: “Dimension” te reventará la cabeza con un su gran riff principal. Es en estos puntos cuando aún te da más rabia que el resto no tenga este gancho. Os advierto que el headbanging está asegurado, así que sacad el Reflex. “Czarna polewka (neologizm stylistyczny)” contienen buenos cambalaches de camino. Aunque la sorpresa viene con ese punto descarado de los maestros OBITUARY durante el transcurso del tema. La banda tiene las herramientas necesarias para ser una maquina bien engrasada del tipo de metal extremo que ejecutan. Ahora solo falta que las usen correctamente, por que si hay una cosa clara es que su potencial es grande. Habrá que esperar a nuevos plásticos para ver como evoluciona su carrera. De momento tienen que mejorar. JESÚS MUÑOZ CABALLERO | 4

HIGH FIGHTER (DEU) SCARS & CROSSES SVART RECORDS (CD 2016) Desde Hamburgo, nos llega el nuevo trabajo de HIGH FIGHTER, “Scars & Crosses”, editado a través de Svart Records y grabado en Rama Studio por Jens Siefert (mezclado y masterizado por Toshi Kasai). La banda formada en 2014 y que comenzó como un proyecto formado por miembros de otras bandas como A MILLION MILES, BUFFALO HUMP y PYOGENESIS, se ha ido consolidando y tras su Ep debut “The Goat Ritual”, que acaparó el beneplácito de la prensa y con el cual giraron por toda Europa, ahora nos trae su primer LP. En él guardan un sonido denso y oscuro, que los acercan al doom con toques sludge, pero también guardan otros toques más metaleros y bluseros, de los cuales vamos a hablar a continuación. Desde los primeros compases de “A Silver Heart”, notamos ese ambiente y ese toque oscuro que nos pretenden imbuir tras una introducción con unas guitarras en off, irrumpen los pesados acordes que emanan de Christian “Shi” Pappas e Ingwer Boysen, para acompañar a la característica voz de Mona Miluski, con carácter y un tono muy personal, saliéndose de los estándares acostumbrados. He de decir que en una primera escucha no me gusto, pero a medida que entras en el álbum, se convierte en parte imprescindible de HIGH FIGHTER, destacando sus melódicos en los estribillos y las voces rasgadas que introduce. La parte central con toques bluseros, donde el combo de Constantin Wüst al bajo y Thomas Wildelau en la percusión, el cual también hace coros, conforman una base muy sólida a lo largo del álbum, teniendo mucha presencia en las composiciones. Un gran tema para empezar y de los que más me gustan, con unos riffs muy contundentes. “Darkest Days”, es más rápida y tras un inicio muy metalero, entramos en una estrofa marcada por el bajo y la percusión, pero sobre todo por la voz de Mona. Un tema con toques de stoner/rock, con un final muy potente, donde nos muestran sus registros más agresivos. “The Gatekeeper”, fluctúa entre estrofas rockeras con toques psicodélicos cantadas con voces limpias, a pasajes donde los gritos guturales toman posesión, en un tema que se va acelerando a medida que transcurre el tiempo. “Blinders”, quizás sea su corte más rockero, iniciándose con los registros más agresivos de Mona, para prestarnos un estribillo y una segunda parte muy disfrutable repleta de stoner. Otro de los temas más destacados. “Portrait Mind”, se enlaza con la anterior y es otra muestra de rock/stoner con dualidad de tonos vocales, que guarda uno de los punteos del disco, donde la dis-


torsión le aporta un toque cósmico y mucha potencia, en una parte final que me encanta, endureciéndose y apta para headbanging 100%. “Gods” y “Down The Sky”, se parecen en las melodías, primando en la primera el aspecto vocal y en la segunda las melodías de las guitarras, que le dan un toque muy ambiental en las estrofas junto a un bajo muy destacado en toda la producción. Destacar también el solo que realizan casi acabando el tema. Por último, el tema homónimo al nombre del álbum “Scars & Crosses”, pone el punto y final a este primer álbum, iniciándose con un solo de batería y con unos riffs muy psicodélicos de guitarras, para rápidamente acelerar el tema en una declaración de intenciones, pues, aunque en muchos sitios lo cataloguen como doom, es lo que menos tiene, primando como en este corte el stoner/rock. Los screamings de guitarras aquí aportan otro toque distinto, para presentarnos el tema más rápido del álbum y con una afinación más aguda (la solista), que resalta sobre las demás del álbum cuando aparece (con un volumen mucho más alto). Un gran tema para terminar con un toque distinto a los anteriores, tanto en estribillos (doblados) como en las guitarras. HIGH FIGHTER, con este LP de debut, dan un paso para afianzarse en su escena con temazos como “A Silver Heart”, “Blinders” o “Scars & Crosses”. Fieles a su estilo en todos los temas, quizás algunos te parezcan parecidos o repetitivos, pero es un álbum muy disfrutable, con el que a buen seguro se harán un hueco. JUAN ANGEL MARTOS | 7.5

para la siguiente pista, “Sadistic Domination” que a pesar de ser el que más recuerda a la banda de Tom Araya, no sólo en la voz, sino también en algún que otro riff, no se deja de ser un corte excelente, de lo mejor del disco sin duda, todo lo contrario a “Son of God” que es muy parecida a esta última sólo que más insulsa. “Depopulation” es la siguiente en llegar, y es la tercera canción recuperada de su disco anterior que observamos en este álbum, la cual desemboca en el corte “TMMF” el cual tiene un inicio muy lento y oscuro más propio del Doom para desembocar en un Thrash/ Speed. Este patrón de estilos se vuelve a repetir en la segunda mitad de la pista hasta el final de la misma. Para cerrar el álbum encontramos el dúo de cortes “Hypocrites” y “Abomination” los cuales comienzan con un tempo similar a la anterior, pero en esta ocasión los cambios de ritmos son más constantes, convirtiéndolas en unas canciones muy completas e ideales para cerrar el disco. CARLOS BERMEJO | 7.5

INANIMATE EXISTENCE (USA) CALLING FROM A DREAM UNIQUE LEADER RECORDS (CD 2016)

HOBB’S ANGEL OF DEATH (AUS) HEAVEN BLED HIGH ROLLER RECORDS (CD 2016) La mítica banda australiana HOBBS´ ANGEL OF DEATH formada en 1987 lanzaron al mercado el pasado catorce de octubre a través del sello Hells Headbangers Records su tercer larga duración, veintiún años después de su anterior disco “Inheritance”. Este trabajo que lleva por título “Heaven Bled” está compuesto por doce cortes repartidos en un total de casi una hora de duración y que sigue la línea del Thrash Metal de corte agresivo tan característico en ellos desde sus inicios. El álbum comienza con “Il Mostro di Firenzi” un corte con mucha influencia de Death Metal con riffs asesinos y blast beats a toda máquina, al igual que la canción que le sigue “Walk my Path” sólo que en esta última además que ya fue incluida en su álbum “Inheritance”, observamos un pasaje atmosférico a mitad del corte, sin duda un buen inicio del trabajo discográfico. En “Final Best” encontramos un corte totalmente diferente a los dos primeros, un tema que es una buena mezcla entre SLAYER y JUDAS PRIEST pero con la identidad característica del combo australiano, el cual ya aparecía también en su anterior álbum. Y si hablamos de la identidad de la banda, los dos cortes siguientes “Suicide” y “Drawn and Quartered” podrían haber sido incluidos en su primer disco, tienen toda la esencia del Thrash Metal que practicaban por aquella época, por lo que sin duda son dos de los mejores temas del álbum. Con el tema que da título al disco “Heaven Bled” vuelven los aires más propios del Death Metal, muy en la línea del segundo corte del disco, el cual nos prepara

Tercer trabajo de estos californianos que llevan en la brecha desde 2010 y donde nos vamos a encontrar músicos que están o han pasado por ARKAIK, BRAIN DRILL, RINGS OF SATURN y THE KENNEDY VEIL, ahí es nada. Si por lo que sea se te han pasado por alto durante todos estos años, no dejes que vuelva a pasar, búscalos, no te vas a arrepentir. Es muy posible que, además de por lo escrito arriba, la portada también te haga hacerte una idea de lo que hay dentro de este CD. Este tipo de portadas, digamos… de ensoñaciones caleidoscópicas, suelen llevar anexo este tipo de metal fuera del alcance de todos los públicos. Pero no te hacen falta más que unos segundos de escucha del primer tema “Calling From a Dream”, para darte cuenta de la calidad que te viene encima. Y es que un comienzo con teclado, acústica y voz femenina con entonación casi árabe no es habitual en un disco de metal extremo y te hace esperar lo mejor, o lo peor. Pero para degustar la buena cocina también ayuda el restaurante, y en este caso el sonido es, sin llegar a estrella Michelin, de una calidad innegable. Nítido, con una distorsión de guitarras cuidadísima, para poder distinguir todas las líneas de cada uno de los instrumentos, los cuales continuamente armonizan y se desdoblan. El conjunto es potente, pero mas por las afinaciones usadas que por la propia producción, jugando con unas baterías procesadas casi hasta el limite de lo artificial. Innecesario totalmente puesto que precisamente la batería es el instrumento menos virguero de todo el trabajo, limitándose casi a lo largo de todo el CD a acompañar la marabunta de arreglos de guitarra, bajo y voz. Aun así, no os voy a engañar, el trabajo es difícil y la primera escucha se hace dura, pero en cada una de las posteriores te das cuenta del tremendo trabajo compositivo, técnico y de arreglos que te permiten descubrir algo nuevo cada vez, algo nuevo en cada escucha y una amalgama de sensaciones que no las compartes entre escucha y escucha, varían y crecen cada vez. Esto es principalmente debido a los interminables cambios de ritmo que podemos encontrar en cada track. Tremen-

damente variados y dinámicos dando así un potencial brutal a una obra que, aunque tema por tema merece estudio independiente, como obra global es un todo diferenciable. La variedad en sus estructuras no hace que sea una obra sin sentido, sino que es un CD cerrado, complejo pero certero. Todo esto sucede porque la cantidad de influencias es tremenda, vacilando entre death técnico, infinitos ajustes progresivos, ambientes avant garde, muchos toques death core y decenas de solos de guitarra virtuosos con frecuencias armónicas imposibles. Por si esto fuera poco en cada escucha encontraras más y mas influencias blues y sobre todo jazz. Además, para instrumentar todas estas influencias han contado con piano, acústicas, flauta en pequeñas dosis, samplers ambientales y teclados puntuales para arreglos de carácter progresivo, más moderno que setentero. Aunque todo esto, leído aquí en una reseña, parece fuera de lugar, bien podéis haceros a la idea si sois gustosos del sonido de FALLUJAH, THE FACELESS o incluso OBSCURA, sin olvidarnos, lógicamente, de las otras bandas en las que tocan, que siempre hace que cierta influencia sea notable entre trabajos. Sin duda uno de los instrumentos que mas llama la atención de este CD es la voz. La masculina es muy trabajada en cuanto a líneas. Es gutural, no muy profunda, mas de garganta que de estomago, y en muchas ocasiones esta acompañada por otra mas aguda cantada con la misma técnica. Ambas a la vez suenan infernales, pero no excesivamente extremas. Otra cosa es la voz femenina. Impacta mucho en cada entrada pues de normal no te la esperas ya que esta muy alejado de lo que solemos escuchar en el metal extremo. Es casi pop, con influencias étnicas, timbres muy agudos y armonías muy al límite con una entonación casi árabe. Sin desperdicio. SANTI GZLEZ | 8.5

INFERNAL DIATRIBE (IND) VIDEHA MUKTI TRASCENDING OBSCURITY INDIA (CD EP 2016) En otra de mis cortas incursiones al mundo del black metal, me he cruzado con un grupo procedente de India con el nombre de INFERNAL DIATRIBE. No contentos con practicar un estilo que de por sí ya presupone un sonido de actitud oscura, mezclan todo esto con la generación de una atmósfera catártica que te introduce dentro de un mundo de rituales sangrientos y oscuros, donde una voz que reproduce el chillido agónico de un animal que muere te guía a través de melodías cargadas de un odio resiliente y con una sonoridad bastante tradicional de este género. Ellos presentan “Videha Mukti” como un disco de Occult Black Metal, donde el trabajo de las evocaciones sonoras van más allá del nervio que identifica este tipo de música, si no que es más bien un trabajo de frustración rencorosa hacia el oyente, con la clara intencionalidad de producir emociones crudas. En este EP de únicamente 4 canciones (y digo únicamente de manera irónica, teniendo en cuenta que el más corto de los temas dura 6 minutos), vamos a encontrar temas con un aire parecido entre sí, pero que reproducen atmósferas totalmente distintas, como por ejemplo “Demoniac Gasping Mortal Nightmare (Wisdom)”, que invita al oyente a una serie de acontecimientos de resoluciones oscuras y que reafirma a través de la voz un carácter chamánico de poderosa sugestión. “Doomed”

NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | 59 | OCTUBRE 2016

sin embargo trabaja a modo de peldaños el desarrollo melódico, como si de una especie de relato oscuro tratara. “Morbid Evocation” es quizás la más llana de todas las canciones, si intentos de relieve dinámico ni cambios remarcables, por otro lado, “The Cry” si que consigue un aspecto mucho más decadente a través de las melodías y los puntos de inflexión de la batería, de esta manera producen que la sensación de sugestión hacia el aspecto ritual de su música se ejecute de una manera más convincente. Por un lado, de esta banda esperaba encontrar un sonido más exótico (y perdón por el uso de la palabra), algo que realmente sonara a las melodías de la música carnática y no tan tradicional. Por otro lado, el aspecto ritual de este tipo de música sí que consigue un aspecto más llamativo y evoca una poderosa sensación de malestar que deja entrar en un estado catártico como si de un ritual chamánico se tratara se tratara. ÁLVARO GARCÍA BENITO | 6

IN MOURNING (SWE) AFTERGLOW AGONIA RECORDS (CD 2016) El caso de IN MOURNING es un caso que se repite en ciertas ocasiones y que suele llevar a la banda a dónde se dirige esta, una banda realmente fascinante, en el límite del underground y el mainstream, no pudiendo decir que pertenece ni a un mundo ni a otro sino en la fina línea de los talentosos músicos que viven y trabajan al margen de todo ello. Cuarto trabajo completo de los suecos, esperadísimo cuarto trabajo después de la grandísima obra que supuso “The Weight of Oceans” y dignísimo sucesor de una saga de obras de altísimo nivel, gran talento y tocadas por la varita mágica del perfeccionismo de la delicatessen. IN MOURNING son también una de las bandas en las que se dan casos como que el hijo bastardo es mejor que el hijo reconocido y es que en sus filas están Tobias Netzell, Pierre Stam y Daniel Liljekvist, ex miembros de OCTOBER TIDE y KATATONIA, habiendo conseguido transmitir mucho más que los primeros y bebiendo de los talentosos y míticos primeros trabajos de los segundos de la lista. Ya la portada nos adentra en la grandiosidad de una obra que a su vez navega entre varios estilos, todos ellos de finísimo buen hacer. Intrigante obra de carátula, inquietante y disfrutable a partes iguales. Ya dentro, en la obra sonora, nos encontramos con un sonido al más alto nivel, a la misma altura de todo lo que nos viene de su país. No se andan con tonterías y es que si todo está en su sitio es más sencillo hacerte disfrutar, embaucar y transmitir. De eso han aprendido bien y aquí está todo perfecto, nítido, escuchando todo fácilmente por separado pero creando un todo compacto. Pero no solo el buen hacer de los suecos se nota en el sonido, también en composiciones desde el mismo momento que le damos al play. Siete canciones en su mayoría superando los 7 minutos de duración, incluso los 9 en algún caso, y variando cada una de ellas por si sola y en su conjunto musical entre el death melódico melancólico, el doom no demasiado lento pero si de grandes armonías y el metal progresivo de estructuras acogedoras sin viguerías apabullantes. Y es que en cada tema, cuando crees que estás en la variedad de escalas progresivas se tienen a acordes death muy


melódicos para luego desacelerar aún más y guiarnos en su gusto musical hacia el doom que en los noventa reinaba a sus anchas por toda Europa pero sobre todo por Reino Unido. Todos estos gustosos cambios y variantes no hacen de este CD una obra ecléctica, ni mucho menos, pero su tienen un talentoso y variado movimiento que no es habitual, haciéndoles subir puntos y distinguirse de todos los demás, siendo quizás el tema que da título al trabajo, ultimo de la tracklist, el menos variado y precisamente el más death/doom de toda la obra. Todo esto conseguido con una potente variedad vocal, guturales, agudos y limpios, ambientes acuáticos, guitarras low gain y nada de ambientaciones orquestadas o teclados góticos, porque esto está alejado de toda moda, esto es arte y como tal supera las necesidades de cada época. SANTI GZLEZ | 8

INSOMNIUM (FIN) WINTER’S GATE CENTURY MEDIA RECORDS (CD 2016) Desde Finlandia nos llega una nueva entrega de INSOMNIUM, su último trabajo “Winter’s Gate”. Si con su anterior trabajo ya nos dejaron una obra maestra “Shadows Of The Dying Sun”, con este nuevo discolibro, se reafirman en su status. Si, si, habéis leído bien un disco-libro, pues se trata de un álbum conceptual, trabajado sobre un relato de Niilo Sevänen (vocalista de la banda), el cual ganó varios premios en su país, con una historia sobre las aventuras de un grupo de vikingos (en España, algo por el estilo hacen ITNUVETH). En cuanto al aspecto musical que es lo que nos centra esta review, decir que el disco lo ha mezclado Dan Swanö en Unisound AB, además de ser lanzado a través de Century Media. Para realizar tal obra, introducen algunos elementos en su estilo, aparte del death metal melódico que les rodeas, las atmosferas, los toques black o doom, incluso progresivos, despiertan a estos escandinavos y nos demuestran que en sus países se hacen las cosas de otra forma. Habra una edición de lujo con audiolibro incluido (inglés, alemán y fines), además de un artwork acompañado de dibujos de la mano de Teemu Tähkänen. Dividida en 7 partes, 7 capítulos de esta obra literomusical, nos presentan un solo tema “Winter’s Gates”. La primera parte llamada “Slaughter Moon”, se inicia con un sonido de viento, propicio para levantar amarras y salir de viaje. Una melodía lejana que va acer-

cándose lentamente nos introduce en esta oda vikinga. Rapidamente podemos notar la viveza del puerto, con centenas de hombres y mujeres preparando las embarcaciones para el viaje, todo ello aderezado con un tema rápido, pero repleto de epicidad, con unos riffs de guitarras que te transmitirán la fuerza de estos guerreros, mientras los blast beats se desenvuelven con fiereza. Unas estrofas que a veces te recordará a AMON AMARTH, sin lugar a dudas. El estribillo da un paso más allá con unos riffs de guitarras engrandecidos, entremezclados con death melódico y toques black. La segunda parte, “Golden Wolf”, tiene un toque místico dado por las guitarras acústicas y las ambientaciones y atmosferas recreadas por los teclados, mientras un narrados en off, comienza el viaje entre nieblas y un cielo grisáceo. Un tema muy directo en sus estrofas, con unas guitarras en las estrofas que ponen los pelos de punta y otorgan un espíritu batallador y repleto de esperanzas para el viaje, mientras surgen la duda de lo que les depara el futuro. Aparece en este tema por primera vez las voces limpias, las cuales le otorgan mayor plasticidad a los temas y encajan perfectamente, personalmente me encantan las melodías limpias que INSOMNIUM crea. Este disco es para escucharlo completo, sin parones y degustar cada uno de sus entresijos, así como su historia. De hecho, este tema consta de dos partes, siendo la segunda casi instrumental, mientras un narrador (aunque cantando), con voz normal va relatando la historia, para darnos una segunda parte repleta de orquestaciones donde las voces guturales terminan por todo lo alto. El siguiente capítulo, “At The Gates Of Winter”, nos lleva a tierra firme, llegando a su destino donde le esperan riquezas y fama inciertas, descubriendo estructuras desconocidas para ellos, que les sorprende. Tras un inicio en acústico, el pasaje hacia el death metal melódico está servido, encontrando de nuevo la dualidad de voces y un solo muy embriagador a mediados. “The Gates Open”, pone un punto de inflexión en la historia, donde un dulce piano nos lleva hacia una reflexión en mitad de la tormenta, en un corte donde el estilo musical se torna hacia el doom metal, pesadas estrofas enmarcadas en unas melodías reflexivas, que lentamente van animando a nuestros vikingos, volviendo a tener la determinación inicial, tras las penurias del viaje, donde la naturaleza puede ser más vil que cualquiera de los males. Otro capítulo doble, con dos partes, siendo esta segunda un símbolo de fe hacia el objetivo de los guerreros, con un brutal toque épico y de aventuras, con un final apoteósico, donde el solo de guitarra se transforma en una delicia para nuestros oídos. INSOMNIUM, consiguen y nos transportan a otra época, a otro mundo en un disco redondo y trabajado al máximo. El capítulo final, “The Final Stand” y “Into The Sleep”, nos lleva a un desenlace inesperado, replete de gélidas ventiscas y heladas mortales, donde el ser humano tiene muy difícil la supervivencia, representándolo con un tema rápido (quizás el más agresivo del disco), donde las voces desgarradas y guturales, así como las instrumentaciones afiladas se complementan a la perfección, para poner un toque onírico en forma de sueño acústico en el cenit de la oda.

INSOMNIUM, vuelven y lo hacen por la puerta grande, con un disco de 10, donde cada parte se transforma en un todo indivisible e indispensable, ilustraciones, música, letras… Un álbum que a buen seguro estará en mi top 10 del año y muy pronto pasará a formar parte de mi colección. Entrad en este mundo de guerreros, barcos y una naturaleza indómita y no os arrepentiréis. JUAN ANGEL MARTOS | 10

La variedad del álbum es indiscutible, aunque toda la obra lleva unas líneas bien marcadas con un sonido y esencia similar, hay espacio para para los distintos pasajes, encontrando pistas con un sonido más denso y angustioso con cierto regustillo psicodélico como es el caso de “Blue Oceans Rise (Like a War)”, otras más melancólicas como la instrumental “Transmission Krs” o incluso en ocasiones dan paso a momentos realmente épicos como en la última del set titulada “Mystery of The Constellations”. Los noruegos IN THE WOODS han regresado con “Pure” en un estado de forma genial, con una excelente obra de una calidad indiscutible, volviendo a colocarse dentro de los grandes del avant garde, en esta ocasión tomando un camino algo más directo, pero que gustara de igual modo a todos los amantes del sonido atmosférico y sobretodo oscuro. HÉCTOR HIDALGO ARÉVALO | 8.6

IN THE WOODS... (NOR) PURE DEBEMUR MORTI PRODUCTIONS (CD 2016) Hay grupos que desaparecen de repente e infinidad de tiempo después cuando ya están casi olvidados por completo, regresan más fuerte que nunca con verdaderas joyas dignas de escuchar. IN THE WOODS es una banda icónica donde las haya, pioneros en esto del avantgarde, en el que es obligatorio la escucha de su primer disco “Heart of the Woods” para todo aquel amante del sonido denso y atmosférico. Tras casi 15 años de parón regresan con su nuevo disco “Pure” un álbum que deja un poco de lado ese Avant garde característico de la banda para centrarse en un sonido más Doom, más denso y con cierto regustillo gótico. ¿Darán la talla estos noruegos en su regreso? La obra llega con una producción excelente, cada uno de los instrumentos tiene una calidad sonora brillante, no es un grupo que destaque por sus florituras y sus virtuosismos, sin embargo sí que destacan en la creación de atmósferas realmente sobrecogedoras y brillantes. En esta ocasión los noruegos nos muestran un disco bastante diferente a lo que nos tienen acostumbrados, no es tan instrumental ni rebuscado, por eso “Pure” es un disco de escucha más sencilla, con unas composiciones más directas en las que la partes rítmicas y los riffs de guitarra cobran muchas más importancia que en anteriores ocasiones. “Pure” es diferente pero sigue sonando a IN THE WOODS, la diferencia que ahora para la creación de atmósferas y ambientes por decirlo de alguna manera, tiran más de las cuerdas que de las teclas, ejemplo de ello son “Devil´s at the door o Cult of shining star” con un sonido y timbre similar a lo que ya hemos visto en sus partes ambientales pero que en el momento que se mete la parte más cañera se guían por otros derroteros mucho más rítmicos, derrochando riffs tras riffs, lo cual por mi parte es algo bueno.

IN TWILIGHT’S EMBRACE (POL) TREMBLING ARACHNOPHOBIA RECORDS (CD EP 2016) La banda polaca IN TWILIGHT´S EMBRACE tras su grandioso “The Grim Muse” del año pasado, sacan este EP “Trembling” con tres temas que siguen la estela de su tercer álbum, es decir, una auténtico cañonazo de Death Metal agresivo y melódico a un tiempo, para quienes no los conozcáis IN TWILIGHT´S EMBRACE recogen la esencia de los primeros trabajos sobre todo de AT THE GATES, así como todo lo que fue el característico sonido de Goteborg que a mediados de los 90 dio una bocanada de aire fresco a la escena, influenciando a nivel mundial, como es el caso, a muchísimas bandas, que adquirieron dicho sonido y estilo, así como en el black metal también. IN TWILIGTH´S EMBRACE, tiene una vena un poco más black metal, por poner un ejemplo, se podría hablar de DISSECTION, NAGLFAR… ya sabéis por dónde van los tiros. En este EP tenemos dos temas propio y una version de una banda de su país ARMIA, vamos a verlo. “Laughing Stock, a Burning Stake” es un tema agresivo que te va a recordar a AT THE GATES, las líneas de guitarra y batería siguen muy de cerca a los suecos, incluso la forma de cantar es similar, un muy buen tema. “In the mouth of darkness”, siguiendo el mismo estilo, que el anterior tiene también ese toque death metal melódico sueco, con alguna parte algo más agresiva, y en el final una guitarra acústica que queda realmente bien


para cerrar, os va a gustar si os gusta este estilo, y os recomiendo que busquéis sus anteriores trabajos ya que atesoran un nivel tanto compositivo como técnico muy a tener en cuenta. Para cerrar tenemos la versión “Opowiesc zimowa” de ARMIA, no conocía esta banda, pero como ya hice la reseña del disco de versiones de VADER y me empapé la escena polaca, he de decir que tenía y tienen una de las escenas más potentes de Europa, en este caso, tenemos un tema agresivo, muy de batalla, cantado en polaco, ARMIA es una banda que llevan desde los 80, con algún cambio de estilo, este tema está sacado de su álbum “Legenda” del 91, que curiosamente en la portada sale el Quijote, si podéis, oíros la original, que os va a gustar también. Pues este EP está bien, buen sonido, buenos temas, lástima que sea tan corto, porque te quedas con ganas de más, bueno, para ello lo mejor es echarle una escucha a su discografía, que es más que recomendable. VICENTE SÁNCHEZ | 8

INVOKING THE ABSTRACT (USA) AURAL KALEIDOSCOPES UNIQUE LEADER RECORDS (CD 2016) Enfrentarse a reseñar un trabajo como este no es para nada fácil. Y aún diría mas, enfrentarse a la escucha de un trabajo así no es tarea fácil, aunque sea por puro placer melómano. Y es que este cuarteto de Columbia (Carolina del sur) son unos putos maestros con su instrumento, técnicamente, compositívamente, como conjunto musical, a nivel armónico, rítmico…. En definitiva, una clase magistral de dominio instrumental del metal extremo. Digo instrumental y lo digo con todas las de la ley porque este es un trabajo instrumental, sin voz y, lo más curioso de todo, es que no se echa en falta. Lejos de escuchar el CD esperando al cantante y la letra, te lo pasas esperando la siguiente maestría técnica porque, aunque parezca raro, no es un trabajo difícil de seguir, aunque tampoco entra a la primera. No os voy a engañar, ya que aún así, si no te va el death técnico, el metal progresivo o eres músico de metal extremo, no creo que este trabajo te interese lo más mínimo. Por el contrario, y puesto que ya estás leyendo esto, te invito a que, aparte de empaparte de este trabajo les busques en youtube y te veas algún vídeo playthrought y disfrutes. Este que edita Unique Leader es su primer trabajo, después de un EP en 2012, y consta de 11 temas, como decía, instrumentales con un sonido envidiable. Gordo y nítido a la vez. Empastado a la perfección y tremendamente lleno para no echar en falta a las voces. Pero como está lleno de detalles compositivos también necesita esa limpieza que ofrece la perfecta ejecución y que pese a lo extremo de la propuesta sonora, sí que existe. En definitiva, lo que solemos catalogar como sonidazo. Musicalmente son una tremenda mezcla de metal extremo, death técnico en su base, con grandes propuestas de progresivo pero también con una gran cantidad de lecciones más modernas, breakdown incluidos. A pesar de esto no es ni un trabajo progresivo en si ni un trabajo metal core. Es más bien metal extremo de altísima calidad técnica y compositiva, variado y con unas completa y conjuntada dosis de guitarras shred, pero recubierto de una ecléctica mezcla de estilos, formas, armonías, ritmos y escalas. Ponle una etiqueta si te atreves, porque para ser justos esta debería llevar casi

una decena de palabras. Sorpresón de los gordos el que me he llevado y es que un disco así no abunda en el mercado metal extremo, y con esta calidad menos aún. SANTI GZLEZ | 9

con diferentes cambios de voces, limpia y gutural, y manteniendo algunos ritmos melódicos que les dan un toque de variedad. Pocas cosas malas se pueden decir del disco, ya que al tocar tantos palos, y hacerlo tan bien, les ha salido una maravilla de trabajo, que si bien, algunos temas pueden hacerse largos (la media de duración por tema esta en 5 min) lo compensan con mucha variedad y un sonido excepcional. JORGE DE LA CRUZ | 9

JINJER (UKR) KING OF EVERYTHING NAPALM RECORDS (CD 2016) El grupo ucraniano JINJER nos traen su nuevo trabajo, bajo el título “King of Everything”, un disco cargado de ritmos groove, progresivos y de death metal técnico, que ha sido editado a través de Napalm Records. Formados en 2010 en Ucrania, en 2013 se une al grupo la vocalista femenina Tatiana Shmailyuk, que junto a Roman Ibramkhalilov a la guitarra, Eugene Kostyuk al bajo y Vladislav Ulasevish a la batería; completan la formación. El primer tema e introducción del trabajo es “Prologue”, una canción con unas melodías muy tranquilas y una voz melódica con grandes cambios y registros vocales. Nos encontramos con una batería que clava unos ritmos extraordinarios, tanto en los ritmos melódicos como en los otros más potentes. En las guitarras nos topamos con lo mismo, buenos ritmos, en los dos diferentes que mezclan para hacer tema de introducción. El segundo tema con el que nos deleitan es “Captain Clock” que nada más comenzar nos demuestran su lado salvaje, lanzándonos riffs de guitarra y batería super pesados y agresivos, a mansalva. Nos topamos con dos tipos de voces diferentes, una gutural profunda y muy agresiva, que suma muchísima dureza a los ritmos pesados; y otra más melódica que suena en ciertas partes, dotándoles de una musicalidad increíble. “Sit Stay Roll Over” comienza con unas voces agresivas, a la que se le unen unos riffs de guitarras muy rápidas, y un bajo que se encarga de tocar para hacer el cambio de ritmo. Las líneas de batería de las que gozan son alucinantes, dotándolas de una velocidad increíble, que sumado a las guitarras y a la voz gutural profunda, crean una atmósfera de agresividad en los ritmos, difícil de igualar. Los cambios de ritmos constantes hacen de este tema, uno variado, pero a la vez super compacto y agresivo. Con unos sonidos oscuros nos adentramos en “Under the Dome” por medios de ritmos lentos para de repente dar un giro de ciento ochenta grados y empezar a lanzarnos multitud de riffs de guitarras rápidos que derivan en pesados cuando empieza a sonar la voz gutural. Unas baterías rápidas y precisas marcan los ritmos, que no bajan durante todo el tema. Un tema largo, pero que al estar cargado de ritmos rápidos, se disfruta bastante de sus ritmos agresivos. El tema encargado de cerrar el disco es “Beggar’s Dance” que nos introduce de una manera a la que no nos tienen acostumbrados, metiéndonos ritmo de bajo muy melódico, con voces limpias con un gran registro vocal, para demostrar la gran maestría de Tatiana en las voces. Nos encontramos con unas guitarras con un sonido muy de jazz, que se encargan de darnos los ritmos más suaves del tema, jugando con variedad de ritmos y sonidos. El nuevo trabajo de JINJER es una bomba de sonidos y ritmos aplastante, contando con multitud de influencias que van desde el jazz hasta el death metal melódico; el conjunto de todo ello da como resultado un disco lleno de temas muy pesados en melodía,

KLEE PROJECT (ITA) THE LONG WAY MEMORIAL RECORDS (CD 2016) Desde Italia nos llega este interesante trabajo de southern/alternative rock, KLEE PROJECT, “The Long Way”, grabado en Memphis Recording por Gabriela Ravaglia, mezclado por Francesco Altare y masterizado por Riccardo Parenti de Elephant Mastering. ¿Quién son KLEE PROJECT?, es un grupo “all-star”, formado por Roberto Sterpetti (conocido cantante italiano) y Enrico Erk (ex CHEOPE, ex FIGURE OF SIX) ambos encargados de las voces y letras del álbum. En los instrumentos, les acompañan Marco Sfogli (JAMES LA BRIE) en las guitarras, Lorenzo Poli al bajo, el cual ha trabajado para NEK o VASCO ROSSI y por último en la batería, Antonio Aronne (FIGURE OF SIX, ICONIST…). Este es su primer álbum, y lo hacen de forma conceptual, presentándonos la historia de un joven músico que retoma un viaje junto a su guitarra por la Ruta 66, en busca de fama y dinero a través de la música. Además, su portada, fusionan la imagen de “Eros” de Paul Klee y la Ruta 66, marcada por una flecha que nos dirige hacia la consecución del objetivo Un álbum repleto de experiencias y emociones a través de una historia “utópica”. Doce temas son los que nos presentan y de los cuales hablaremos a continuación. La potente y rockera “Everybody Knows”, inicia nuestro camino. Un corte de hard rock, con toques de modernidad, gracias a los teclados, que cuenta con un estribillo muy pegadizo y un gran solo de guitarra que va creciendo y creciendo para fundirse con el tema en sí, un gran tema. Los toques sureños, se hacen presentes en “Shoutern Boy”, acrecentados por los toques de armónica, un corte perfecto para viajar con tu coche por las carreteras áridas y desérticas, poniendo la guinda de este inicio con “The Long Way”, donde las estrofas dan protagonismo a los samples y la voz de Roberto Sterpetti. Grupos como GOTTHARD, ALTER BRIDGE o incluso la primera época de BON JOVI, marcan la música de KLEE PROJECT. Sin dudarlo, la balada es uno de los puntos fuertes de estos grupos, y “If You Want”, pone ese punto repleto de emoción y sentimientos, con un estribillo por todo lo alto donde se doblan las voces, para en las estrofas dejarnos llevar por las melodías y una música preciosista, conducidas por una base sólida y lenta de bajo y batería, mientras las guitarras enternecedoras hacen perfectamente su trabajo, explotando en el estribillo y el solo. “The Prisioner”, sigue una progresión perfecta para ir incrementando de nuevo el ritmo del álbum, en un medio tiempo muy potente y pegadizo, que se repetirá hasta la saciedad en tu cabeza. Progresión que continua “Hereafter”, con la inclusión de instrumentos de cuerda al inicio, en un tema más moderno con gran presencia de teclados y samples. “Time Is Over”, nos devuelve a la contundencia del rock con unas guitarras muy potentes donde los riffs

NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | 62 | OCTUBRE 2016

marcados acompañan a los coros y al estribillo en una canción marca de la casa. La introducción de “Your Sacrife”, es preciosa, haciéndote pensar y mirar más allá, en un corte repleto de sentimientos, y unos de los que más me gustan del álbum. La dualidad de las estrofas, donde un piano pone su toque de distinción resalta con un estribillo que resalta y derrocha emociones por sí solo. “Close To Me”, sigue remarcando esos medios tiempos muy disfrutables y de corte más comercial, un tema sencillo pero efectivo. Nos acercamos al final del álbum, con la rockera “You Should Be Mine”, un corte pegadizo, con toques de hard rock por doquier. Pero es “This Game”, la que nos lleva a recapacitar tras el largo viaje realizado BON JOVI, está presente en este tema, que brilla con mucha luz y se va transformando lentamente en otra balada repleta de mucho “feeling”, con una segunda parte muy bella y un gran solo de guitarra muy técnico. Otro de los temas del álbum. “Lucrezia ‘s Night”, pone el broche final a este viaje melódico y rockero, donde la calidad de los músicos se nota en cada composición, en casa tema… Este corte, está grabado de dos formas distintas, una primera con un toque más rockero, transformándolo en un medio tiempo, donde las melodías te trasladaran al trasfondo de la historia de una manera muy emocional. Y una segunda versión donde los samples, las ambientaciones son la nota predominante, eliminando las guitarras para dar cabida a flautas, saxofones, timbales y una voz que resalta y guía este tema para dejarte pensar y adueñarse de tus pensamientos, de una forma dulce y emocional. KLEE PROJECT, han realizado un gran trabajo de hard rock, que todo buen amante disfrutará, de fácil escucha y con canciones repletas de sentimientos y emociones. Temas como “Every Knows”, Lucrezia’s Night”, “The Prisioner” o “Your Sacrifice”, pondrán ese toque rockero en tu vida y a buen seguro que el disco se quedara en tu reproductor por un tiempo. JUAN ANGEL MARTOS | 8.5

KORGONTHURUS (FIN) VUOHEN SIUNAUS WOODCUT RECORDS (CD 2016) KORGONTHURUS vienen desde Helsinki, Finlandia a traernos su segundo larga duración, “Vuohen Siunaus” en este 2016, el primero como quinteto. La banda lleva en realidad una larga trayectoria, concretamente desde el 2000, donde comenzaron como un trío que al año siguiente se separó, pero en el 2002 volvió a resurgir y tras bastantes cambios de formación, sacan este trabajo como una banda más consolidada, como un quinteto, que les otorga más solidez. Han sido muchas demos y muchos EPs y siete años entre el primer larga duración y el segundo y muchos cambios de formación, por lo que podríamos hablar de una evolución, casi una purga para llegar al momento presente, donde KORGONTHURUS parece haber encontrado esa estabilidad y cohesión largamente buscada. Lo que nos vamos a encontrar en este “Vuohen Siunaus” no es ni más ni menos que black metal de la vieja escuela, la tan cacareada second wave of black metal, que tantas bandas y tantos buenísimos discos dejó. Se les deja notar esa influencia escandinava y su punto de partida, donde realzan la marca finlandesa de black metal. KORGONTHURUS crean una atmósfera por momentos agobiante, pletóricos, exaltan el caos con riffs agresivos, growls demoníacos, ritmos cambiantes


y plagados de blast beats; aderezados con toques de death metal, el satanismo como tema central, cobra especial relevancia a lo largo de todo el álbum. El disco se abre con “Kaaos”, un trallazo de agresividad que te lleva al infierno de cabeza a bailar un rato con el mismísimo diablo. El siguiente tema, “Puhdistuksen Tulet”, quizás pasa un poco más desapercibido, tras el alucinante opening track “Kaaos”, pero con sus múltiples voces, incluyendo ciertos aullidos, mantienen el tono inquietante logrado. Vuelven a subir el listón con “I.K.P.N.”, un medio tiempo que articula una atmósfera tan densa y oscura que cuesta hasta respirar, una vez más, sello Finnish black metal. El tema que da título al álbum, “Vuohen Siunaus”, es uno de mis favoritos, vuelven a la carga con un tema veloz, con toques death metal y una melodía sobre la que se emsambla un tema muy completo. “Inho” es una explosión de ira de primer orden, yo me imagino a estos tíos tocando este tema y desestresándose de inmediato. “Ihmisyyden Raunioilla” vuelve a bajar pulsaciones, pero a densificar el ambiente. La melodía se torna absolutamente protagonista y las voces especialmente atormentadas. Lo mismo sucede con el tema que cierra el disco, “L.U.X.”, con nada más y nada menos que 14:20 minutazos, que para nada se hacen largos. Como decía, la melodía va evolucionando a lo largo del tema a la par que una angustia bien hilada en un pasaje repleto de caos, tormento (en plano vocal especialmente) y ese satanismo de fondo, que es a la vez protagonista. Este es el típico disco que hace falta escuchar varias veces para ir apreciando los matices diferentes. Esto sucede especialmente con los dos últimos temas. En fin, buenas sensaciones con este segundo larga duración o quizás podríamos considerarlo un segundo disco debut, esta vez con su formación más estable. Si te gustan bandas como IMMORTAL, GORGOROTH o SATYRICON, los KORGONTHURUS no te defraudarán. AQUILES REMÓN | 7

KORN (USA) THE SERENITY OF SUFFERING ROADRUNNER RECORDS (CD 2016) Mucha era la expectación y la espera del nuevo trabajo de KORN, una de las bandas míticas de la escena, pioneros dentro del sonido un-metal. Y acaba de desvelarse tras la salida de su “The Serenity Of Suffering”, además de ser la vuelta a la banda de Brian “Head” Welch, su guitarrista clásico y una garantía de potencia en sus trabajos. Mucho ha llovido desde su época dorada con “Life Is Peachy” (1996) o “Follow The Leader” (1998), “Issues” (2000) y “Untochables” (2002), cuentan con grandes canciones en su interior, pero algo estaba cambiando y desde ahí hasta hoy en día, han sacado varios trabajos pasando algunos con más pena que gloria entre sus fans, con algún que otro tema muy potente y merecedores del sello KORN, pero otros no tanto ( y que conste que su incursión en la música electrónica con “The Path Of Totality”, está entre mis favoritos). Tras “The Paradigm Shift”, su último trabajo hasta la fecha, las esperanzas de sus fans se perdieron en un vaso vacío, pues no cumplió con las expectativas deseadas. Ahora KORN vuelve, y lo hace con un gran trabajo, retomando cosas de sus mejores épocas, pero guardando también lo más destacado de toque más moderno, un álbum repleto de ritmos contundentes, pero donde las melodías en los estribillos están muy bien conseguidas, empleando los registros más limpios de los últimos tiempos. Un álbum, que se sitúa entre

los mejores de sus últimos LPs, KORN han vuelto…, para quedarse no sé, pero lo han hecho con mucha fuerza y energías renovadas, de las cuales hablaremos a continuación. “Insane” abre el disco y es un trallazo de tema, con estrofas muy potentes, como en los viejos tiempos, y un estribillo muy melódico, más adaptado a la última época, pero todo el tema está marcado por un aire circense (como las risas de fondo que se escuchan) y siniestro, un buen tema para adentrarnos en el álbum. “Rotting In Vain”, pero si un tema ya dio que hablar, fue este, uno de los adelantos del disco, que nos recuerda a los viejos tiempos. Una estrofa donde la locura y distorsión se palpa, con la presencia de Fieldy al bajo y Head dando notas en un segundo plano, mientras que Davis juega con sus cuerdas vocales. Pero es cuando llegamos a la parte central, cuando se marcan una parte brutal. “Black Is Soul”, pone un nuevo punto en KORN, un tema oscuro y con ciertos toques industriales, pero con un estribillo muy abierto, destacando los samples y ambientaciones que introducen con un gran trabajo de Fieldy. Tras un silencio, Ray Luzier, nos introduce con sus timbales en una parte más marcada y potente donde los screamings se entremezclan con las voces más guturales de David. “The Hating”, se inicia con una voz con efectos en off, para desarrollar un tema muy versátil vocalmente hablando y con unos riffs repletos de melodías y contundencia. Y es que Davis, parece encontrarse mejor que nunca y en este disco demuestra todos sus registros. “A Different World”, marca la mitad del álbum y lo hace con un temazo, en el que cuenta con la colaboración de Corey Taylor (uno de mis cantantes favoritos). Un tema que rezuma un aire melancólico, al que Taylor le pone la guinda agresiva, con sus guturales en segundo plano, y una parte central pesada y directa. Un temazo. “Take Me”, se cierne a la última etapa de KORN, con un Davis, más melódico, aunque han recuperado su toque oscuro, muy apropiado para estas fechas y donde colabora Zac Baird en los teclados. “Everything Falls Apart”, nos muestra unas guitarras muy pesadas, quizás sea uno de los discos más contundentes en este aspecto de KORN, con una dupla mortal, Munky y Head, el cual, en este último tema pone su desgarrada y agresiva voz en los coros (algún toque más de su voz hubiera sido muy bien acogido). “Die Yet Another Day”, también cuenta Head en las voces y con una guitarra brutal en los puentes, mientras que las estrofas se resguardan en un halo misterioso y oscuro. “When You’re Not There”, suena con armonía, en un tema melódico y funesto, con unos rasgueos brutales y misteriosos, donde se entremezclan al el aspecto circense y las cadencias más rítmicas de KORN, uno de los temas que más me gustan del álbum y que supone un contrapunto con “Next In Line”, de los más contundentes del disco, así como de la misma forma nos deja las voces más diversas de Davis, explorando sus registros más limpios y modernos, todo ello marcado por los escraches típicos que se habían quedado atrás en algunos de sus álbumes. Resaltar la parte acelerada central, que, aunque pone un toque de distinción, también le falta algo. El álbum en su edición normal, lo cierra “Please Come For Me”, nos lleva a recordar el pasado, con una batería en off y unas distorsiones y ritmos en las guitarras entrecortadas, lo que le dan un toque industrial y de antaño. Lo de la inclusión de una edición deluxe con dos temas más aparte, no la entiendo, porque podrían haber entrado perfectamente en la normal (estrategias comerciales, para sacarte unos euros más), pues son dos temazos. “Baby”, desde el comienzo te recordara haberla escuchado en tu adolescencia, suena a “Freak On A Leash” por los cuatro costados. Corte brutal y directo, donde ese toque desquiciado de la casa KORN queda representado por todo lo alto. Y “Calling Me To Soon”, pone la guinda del pastel como empezamos, contundentes, agresivos y un estribillo que se te repetirá en la cabeza hasta la saciedad. Nueva entrega de KORN, y esta vez parece que si van en serio. La vuelta de Head, le ha aportado ese toque de inspiración y composición que a veces se echaba


de menos. Un álbum donde la banda americana saca algunas de sus armas de sus inicios, para mezclarlas con las melodías más modernas de un Davis en plena forma. Temas como “Insane”, “A Different World”, “When You’re Not There”, “Baby” o “Rotting in Vain”, nos deja claro que KORN ha vuelto y que el tiempo decidirá donde se sitúa este último trabajo. JUAN ANGEL MARTOS | 8.5

MAGOA (FRA) IMPERIAL AUTOEDITADO (CD 2016)

LOST OPERA (FRA) HIDDEN SIDES AUTOEDITADO (CD 2016) La portada de este “Hidden Sides” inicialmente, me hacía temerme lo peor con ese dibujo que parece haber salido del típico grupo de finales de los 90/primera mitad del 2000, adorador y copia soporífera de BLIND GUARDIAN, ANGRA, RHAPSODY (OF FIRE), etc. imagino que a más de uno se os habrá venido alguna o algunas bandas a la mente…pues bien, el caso es que este es el segundo trabajo de estos LOST OPERA, que ha sido lanzado (igual que lo hiciera su debut) por el sello Brennus Music (MESSALINE, A TASTE OF FREEDOM, ADRANA…), ambos procedentes de nuestro país vecino Francia. Su estilo es el llamado Metal sinfónico, aunque eso sí, sin la habitual cantante principal femenina, no estamos tampoco ante un combo como LEAVES’ EYES, DELAIN, XANDRIA…si no más bien y aunque no se alejen demasiado de esa onda, es una formación con algunas influencias variadas de KAMELOT, DREAM THEATER, SOILWORK…El apartado vocal es bastante variado, con un cantante con voz normal algo áspero a rasgos generales, que es apoyado de vez en cuando con guturales, voces femeninas, operísticas masculinas, coros…las guitarras tienen bastante melodía, insertando ritmos progresivos y otros con un toque de metal moderno diría yo, de esos de los de andar dando botes de un lado a otro con la guitarra encima para que nos entendamos. Base rítmica potente y fusionada con buen gusto y los teclados, que como podréis imaginar, tienen un papel bastante importante, de hecho, creo que es lo mejor de este álbum musicalmente hablando. Pasan de partes atmosféricas, hasta orquestales en las que junto a las voces brutales, me han llegado a recordar a los EPICA más agresivos, partes melancólicas…. Respecto a los temas, destacaría como más particulares y con gancho “Follow the Signs”, instrumentalmente acertada, “Betrayal”, a medio tiempo con unos riffs contundentes y un estribillo pegadizo… También “The Lonely Owl” con un toque pesaroso aunque enérgico y “So Wrong” con una buena intro y ráfagas de metal contemporáneo. Este “Hidden Sides” que fue financiado por una campaña de crowdfounding, contiene una producción bastante buena, nítida y potente, no excesivamente pulida ni limpia pero lo suficiente para que todo sea entendible y esté situado en su momento justo, gracias en parte supongo, a la masterización de Jacob Hansen (AVANTASIA, PRIMAL FEAR, VOLBEAT…) uno de los entendidos del negocio. Buenos músicos, buen sonido…aunque siendo sincero, su propuesta no me ha atrapado demasiado, compruébala por ti mismo/a y comparte o discrepa mi opinión. No olvides de echarle un vistazo a cualquiera de sus vídeos promocionales que han registrado para este disco, “Follow the Signs”, “Rage” o “So Wrong”. ROBIN RM | 6.5

El Post-Hardcore está emergiendo rápidamente en los últimos años, nuevos grupos están surgiendo de la nada, buscando ese sonido djent, que su vez están fuertemente influenciados por el Mathcore. El Post- Hardcore es un género que me llama bastante la atención pero al igual que pasa con otros géneros como el Stoner, corren el riesgo de hinchar una burbuja que al final puede acabar explotando debido a la cantidad de grupos con sonidos clónicos. Por eso mismo, si un grupo es capaz de encontrar su propio sonido dentro de dicho género como mínimo se merece la atención. MAGOA es un grupo que se podría englobar en la nueva oleada Post-Hardcore, con cierto regustillo industrial e incluso llegando a rozar en ocasiones el djent, podríamos decir que tiene grandes semejanzas con grupos como ARCHITECTS, decantándose algo más a ritmos más lentos y sin ser tan abrasivos con el Djent, pero guardando grandes semejanzas en cuanto atmósferas. Los franceses han logrado firmar un trabajo formado por doce temas, que de primera estancia me han dejado un buen sabor de boca, ya desde la primera pista titulada como el nombre del disco “Imperial” en la que nos muestran un trallazo con unos ritmos y melodías pegadizas a la par que accesibles, que podrán ayudar a facilitar la entrada a toda esa gente que no está muy metida en el género. Si algo pecaba su anterior trabajo “Topsy Turbydom” era esa falta de cohesión, un trabajo que sin ser malo, no conseguía trasmitir muchas confianzas con estructuras demasiado flotantes y un sonido que no conseguía convencer, como si los integrantes de la banda dudaran de qué camino seguir en cada momento, sin embargo, en esta ocasión si tenemos un trabajo en general muy cohesionado, en el que cada tema toma su función en el disco. Con temas como “Resistence” o “The firs Day” nos demuestran que los coros épicos dan mucho juego, creando contrastes realmente buenos y momentos muy emotivos. En esta ocasión vemos como los temas vienen con una carga instrumental y atmosférica muy superior respecto a su predecesor, en temas como “Pray For Us”, “Sailors” o “Faith” vemos que los sintetizadores y teclados están muy presentes. También hay espacio en este “Imperial” para temas más tranquilitos y que darán unos momentos de descanso entre tralla y más tralla, “Mergue” y “Untouchable” serán los temas encargados de darnos ese relax temporal. Es cierto que como he dicho tiene grandes semejanzas con grupos como ARCHITETCS, pero MAGOA ha logrado con este “Imperial” hacer un disco personal dentro del género y más accesible que el último de los británicos, debido a que este es mucho más variado en cuanto a propuesta y mucho menos abrasivo. HÉCTOR HILDAGO ARÉVALO | 8


MASTIFF (USA) FROM THE ASH OF ELDERS ZERO BUDGET PRODUCTIONS

MEKAORA (FRA) ELYSIUM AUTOEDITADO (CD 2016)

Lo primero que pensé al ver la foto de MASTIFF es que eran un grupo bastante horrible. Vaya esto como un cumplido, ya que cuanto menos guapito seas, más probabilidades hay de que tu música calle bocas y meta caña. La belleza es inversamente proporcional a las pelotas vaya. La misma regla puede aplicarse al peso o ¿acaso creéis que Trevor Strnad de THE BLACK DAHLIA MURDER molaría tanto si fuera delgado? Tras esta, innecesaria, introducción vamos al grano, ya que MASTIFF tienen bastante que ofrecer en su propuesta musical. Los americanos no pueden negar de donde proceden, ya que todas sus composiciones aparecen impregnadas de ese groove característico que solo te sale si eres yanqui, pero no os llevéis a engaño, ya que lo suyo tampoco es LAMB OF GOD. Los derroteros de este “From the ash of elders” tiran por el deathcore y por el death metal, y de nuevo insisto, con regusto de Minnesota. En el aspecto negativo, la producción hace que las guitarras no rujan todo lo que desearía cualquier metalhead, ya que la voz las ahoga en muchos momentos, pero también es cierto que todos los jevis que adoren los bajos (el eterno tapado en las producciones) deberían pegarle una escucha al disco, ya que las cuatro cuerdas retumban y galopan que da gusto. También es de agradecer la (relativa) variedad que el cantante ofrece a las voces: sin salirse del registro estándar, llega a ofrecer tonalidades que rayan el black metal. Tampoco abogan MASTIFF por la velocidad sin mesura, aunque cuando lo hacen como en “Heathen Colony” o “Chum of the Earth” molan mucho más. Mención aparte para el cierre del disco, “The Ride”, donde se sueltan las melenas del todo y adquieren una velocidad casi punk. Aun así, lo que prima es el ritmo rocoso y pesado como una tumba, sin caer en sobados breakdowns. En “Aphotic” también demuestran que no son mancos a la hora de clavar buenos solos. Siendo sinceros, este “From the ash of elders” no ofrece canciones verdaderamente memorables, pero estos tipejos barbudos y greñudos han conseguido caerme en gracia. Y es que la escena va sobrada de gente preciosa perfectamente peinada y escasa de melenudos de los de toda la vida. MASTIFF, vosotros moláis. ALBERTO ZAMORA | 6.5

Los franceses de MEKAORA nos traen su primer LP, que ha sido lanzado de manera autoeditada y al que nombran “Elysium”. Desde Rambouillet, París, el grupo fue formado en 2009, y actualmente los miembros que forman la banda son Alex, Arnaud, Damien, Eric, Florent. “Mechanical” es el primer tema que nos encontramos en el trabajo, un tema que nos introduce con sonidos electrónicos para dar paso a guitarras y baterías potentes, con ritmos lentos y pesados, para dar paso a la voz; una voz gutural muy agresiva y rápida, que fluye a la perfección con los ritmos rápidos que nos brindan las guitarras en estas partes. Nos topamos también con partes más agresivas, donde las baterías destacan creando unos ritmos lentos pero cargados de energía. Con ritmos frenéticos nos abren “Prophète”, una canción que nos da unos ritmos muy rápidos desde el principio, para pasar a un breakdown muy agresivo, con unos sonidos muy graves, para luego volver a alzar el tono y darnos de nuevo los ritmos rápidos y agresivos donde la voz ayuda bastante a levantar esa agresividad de las melodías. Los breakdowns que nos encontramos son espectaculares, con ritmos muy pesados y unas voces guturales muy potentes y hondas, una pasada. “On est toujours à Babel” nos introduce en el tema con unas guitarras muy rápidas, que van dando pequeños ritmos graves que se van alternando con los anteriores. Nos encontramos con partes donde solo dejan sonando la batería y la voz, que se vuelve algo más melódica, mientras de fondo suena una melodía electrónica que acompaña a todos los ritmos. Nos topamos con unos ritmos muy pesados, donde las guitarras hacen toda la labor de agresivizar el tema con unos sonidos muy potentes. En el tema “The Rapture” nos encontraremos al inicio con unos pequeños cortes electrónicos que nos darán paso a unos ritmos muy rápidos que irán siendo alternados con otros más pesados. En los ritmos rápidos, las guitarras se dividen, haciendo diferentes ritmos cada una, esto le da mucha profundidad a la melodía, consiguiendo variedad en los temas. En los estribillos tenemos unos ritmos pesados, donde las voces guturales consiguen, que a parte de pegadizas, sean unas partes muy agresivas y pesadas. “…Aux portes de Léthé” es el tema encargado de poner punto y final al primer LP de los italianos, y en el tema más corto del disco, nos encontraremos una melodía más tranquila, solo a base de guitarras, hasta llegado la mitad del tema, donde se introduce algo de

percusión y unas voces de fondo, hasta que hacia final del tema, nos vuelven a dejar con unas melodías de guitarras muy tranquilas que van desapareciendo poco a poco hasta que llega el final del mismo. El primer LP de los franceses MEKAORA es un álbum cargado de muy buen death metal melódico, con algunas partes o toques de metalcore, que le dan un punto de variedad. Con sonidos muy agresivos tanto de guitarras como baterías y voces, componen unos temas cargados de furia por los cuatro costados, y harán que disfrutes de la fuerza en cada tema. La producción del mismo, es excelente, haciendo que todo suene muy bien, y consiguiendo sensaciones en ciertos temas muy difíciles de igualar. En definitiva, un trabajo con ritmos variados, donde el death melódico domina los sonidos y algunos toques de metalcore consiguen introducirse de vez en cuando para darle unos toques de variedad. JORGE DE LA CRUZ | 8

Es increíble el efecto atmosférico que hacen esas armonías psicodélicas a la par que angustiosas y claustrofóbicas que tan bien se le da a los nórdicos, estando presentes como ejemplo en temas como la homónima “Violent Sleep of Reason”, “Monstrocity” o una de mis favoritas “Stifled” con ese brillante final que incluso nos hace ver la luz en toda la oscuridad del túnel, un túnel que da paso a la bestial “Nostrum”. El disco cierra con el tema más lento y oscuro de toda la obra “Into Decay”, una pieza angustiosa y lúgubre que se convierte en otra de mis favoritas, con ese inicio bajo la distorsión más brutal que tras la marcha de los compases va dibujando unas atmosferas realmente genialmente. MESHUGGAH nos trae ante todo una obra excelente, si bien, también supone un cierto estancamiento ante lo que ya hacían lo suecos, no ofreciendo nada nuevo en este “The Violent Sleep of Reasont” y perdiendo todo factor de sorpresa, aun así como ya dije, es un gran disco que disfrutaran todos aquellos que disfrutaron con su anterior obra “Kolos” HÉCTOR HIDALGO ARÉVALO | 8.2

MESHUGGAH (SWE) THE VIOLENT SLEEP OF REASON NUCLEAR BLAST RECORDS (CD 2016) Los expertos en las polirrítmias más salvajes y en los ritmos más alocados han regresado, MESHUGGAH vuelve tras el impresionante “Kolos” con su nuevo “The Violent Sleep of Reason” para seguir con su dosis de frenetismo y locura. No son pocos los años que tienen los suecos como formación, 30 nada menos, su gran logro como banda es ser pioneros en su estilo, considerado por algunos como Math Metal con grandes tintes progresivos y por otros directamente como Djent, estos monstruos consiguieron crear un sonido por entonces único, coronándose como los amos y señores de las polirrítmias y los riffs más bestiales. El descubrimiento de las guitarras de 8 cuerdas les abrió un mundo de posibilidades rítmicas que supieron aprovechar gratamente, ahora bien, es cierto que tras esa innovación inicial, MESHUGGAH se asentó en su sonido tras ese LP titulado “Nothing” y que luego tras el bestial “Obzen” llego a su culmen. En esta ocasión los suecos regresan a la acción, con una obra que si bien, no tiene intención de innovar nada sobre las propuestas anteriores, viene cargada de todo aquello que les hicieron grandes en su momento, riffs demoledores a ritmos excesivamente complejos todo ello acompañado con las voces más viscerales de la mano(o más bien de la voz) de Jens Kidman. Eso de que MESHUGGAH viene a traernos más de lo mismo lo dejan bien claro en el ese primer tema titulado “Clockworks”, un tema brutal que recalca todo lo bueno de sus anteriores trabajos y en el que como siempre destaca la demencial labor del batería Tomas Haake dejando claro su nivel ante este instrumento.

MONSTERWORKS (GBR) BLACK SWAN ANNIHILATION EAT LEAD & DIED RECORDS (CD 2016) El día de hoy tenemos una banda que viene desde Inglaterra, ellos son MONSTERWORKS. Esta banda viene dando guerra desde 1996, con diferentes trabajos en el ámbito del metal tocando estilos como los de OPETH, METALLICA e incluso los PARADISE LOST. La banda londinense está formada por cuatro integrantes, Jon que es el frontman, a la voz y la guitarra, Hugo al bajo, James a la batería y Marcus como guitarra solista. Recientemente han sacado su último álbum, “Black Swan Annihilation” que viene cargado de guitarras muy saturadas, bajos muy redondos y ritmos de batería muy característicos que harán que no olvidemos fácilmente a esta banda. El álbum comienza con una intro, “Inmortalist” , cuyos primeros segundos de canción son algo desconcertantes , ya que las guitarras no suenan muy definidas ni compaginadas, pero poco a poco va evolucionando a un buen tema gracias a esos riffs demoledores y a la voz de Jon, con mucha garra, por cierto. “To Have Done What Must Be” hace que nos adentremos de lleno en el álbum, no tiene nada que ver con el tema introductorio. Un bonito arpegio de guitarra, con baterías lentas hacen que nos sintamos escalofriantes con este tema, para más tarde, romper con unos riffs cargados de ira y unas baterías de lo más contundentes.


Si estábamos pensando que esta era la línea del álbum, nos equivocábamos. Con “Unbridled Force of Nature” comienza la tralla de verdad. Un thrash metal con mucha velocidad, sucio, hace que nos motivemos aún más con este disco. “Black Swan Annihilation” es un tema de lo más raro, pero atractivo a la vez que posee este álbum. Son 9 minutos de tema que comienzan con una línea de bajo muy marcada y redonda, para después comenzar con unas guitarras muy saturadas, cargadas de iras. De nuevo, en la mitad del tema, encontramos otro parón con toques característicos a bandas como OPETH, con voces melódicas y a la vez desgarradoras. La verdad es que es un tema que obligatoriamente todos deberíamos escuchar. De nuevo vuelven a sorprender con “Vanishing Point”, un tema con mucha potencia que nos recuerda a grupos como GHOST BRIGADE, con mucho contraste, mucha parte limpia, con arpegios complejos y mucho delay, pero a la vez con partes muy duras. “Unbeheld” comienza como si de un tema de GAMMA RAY se tratase. Una guitarra acústica con una melodía muy sentimental y una voz muy dulce característica de Jon, como hemos visto en las demás partes limpias del álbum. Podríamos calificar este tema como una semi balada de un gran nivel y con una melodía de 10. Finalmente, el cd acaba con “Archivo Omnia” comienza con unas guitarras fuzzeras, con algo más de intensidad que en el tema anterior y unas voces guturales que hacen que el disco se cierre de una manera apoteósica. Estamos ante un disco que personalmente me ha abierto los ojos hacia este grupo, y que es de mucha calidad por la variedad de tipos de música que encontramos en los temas. Sin duda alguna, y como he citado anteriormente, apoteósico. ÁLVARO CASTILLA MEDINA | 8

asesino gracias a esa mezcla de Thrash/Crossover que tan acertadamente fusionan. “Beer Mosh & Thrash” es la siguiente, y al igual que las pistas “Neurotic State” y “Warfare” ya fueron incluidas en su trabajo anterior y si bien es cierto que van en la línea de este disco, en ellas se observa su faceta más thrasher, incluso en la segunda de ellas pese a su corta duración. En “Nature of Fear” encontramos un tema donde prevalece el Thrash sobre el Crossover donde lo más destacable son los juegos de timbales que nos ofrece su baterista Vasilis Michailidis. Turno para “Fall of Man” una auténtica joya, cuando en el mismo corte introducen los dos estilos predominantes en el disco casi a partes iguales, los cortes resultantes son increíbles, los riffs son muy buenos no cabe duda, pero es que el trabajo de la base rítmica en este álbum es lo que le hace subir varios peldaños al mismo en lo que calidad compositiva y de ejecución se refiere. “Hour of Reprisal” es el corte que cierra el álbum, un tema de cinco minutos y medio de duración, en el que el cuarteto heleno hecha toda la carne en el asador, sin duda es la canción del disco, corte complejo y completo perfecto para poner punto y final a este excelente disco debut de una banda con apenas cinco años de existencia y que creo firmemente darán mucho que hablar. CARLOS BERMEJO | 8

MORTHUS (POL) OVER THE DYING STARS WITCHING HOUR PRODUCTIONS (CD 2016)

MORPHINJECT (GRC) COLONY COLLAPSE DISORDER STRAIGHT FROM THE HEART RECORDS (CD 2016) Desde Grecia nos llega el larga duración debut, tras su EP de 2013 de MORPHINJECT que lleva por título “Colony Collapse Disorder” el cual salió al mercado el pasado uno de julio a través del sello Straight From the Heart Records. Ante nosotros nos encontramos con un disco que mezcla el Thrash Metal y el Crossover, todo ello perfectamente ensamblado para que la escucha de las nueve pistas de las que consta el trabajo, repartidos en casi veintiocho minutos, se haga muy corta, lo que es síntoma inequívoco del buen álbum que tenemos entre manos, que además posee un sonido de grabación perfectamente acorde al estilo de la banda el conseguido tanto en la grabación como en la mezcla y master Jim Siou, el cual se encargó también de su EP anterior. El trabajo comienza con “Overture” una intro que bien podría ser un corte más del álbum pero decidieron hacerla instrumental (a excepción de una voz en off), tras ella llega “Colony Collapse Disorder” corte que da título al disco, el cual está bien elegido para comenzar, donde el cuarteto nos muestra sus cartas desde el primer minuto, rapidez, técnica y rabia en lo poco más de tres minutos que dura el corte, algo que es una constante en este álbum. “In Too Deep (My Exile)” es la siguiente, y comienzan a deleitarnos con una sucesión de riffs a cual más

La joven banda polaca MORTHUS, tanto como banda (2012) como por la edad de sus componentes, debuta con “Over the dying stars” tras su buenísimos EP “The Abyss”. Se trata de un cuarteto que practican un death/ black/thrash metal de la vieja escuela y de un alto nivel, por parecidos o influencias diria que se asemejan a bandas como DISSECTION y similares,a veces incluso a BATHORY, aunque estos polacos la voz es grave en lugar de aguda o black, y no son tan épicos, aunque tienen sus partes así. Una cosa a destacar en el álbum es lo natural que suena todo, batería incluida, y eso le da un toque de autenticidad al producto, hay que decir que actitud no le falta al grupo, y aptitud tampoco ya que nos encontramos ante unos músicos notables, no son unos virtuosos, pero sí que se han currado un muy buen disco, y pese a la juventud que tienen, saben hacia donde quieren dirigir la banda, su sonido, su imagen y su propuesta. El álbum consta de siete temas además de una intro y una outtro, ya desde los primeros compases del primer tema vemos que la dosis de caña que vamos a disfrutar va a ser potente, con riffs afilados, baterías rápidas y voces agresivas, no hay momento de respiro, además de cierto toque oscuro que le dan, es como una vuelta más de rosca de unos DESTROYER666, incluso a veces nos encontramos con pasajes tan bestias que podrían firmarlos BELPHEGOR, y no exagero, son brutales, el batería es una auténtica apisonadora. También le dan cierto toque al thrash metal de los 90, pero al que nos daban los primeros KREATOR por ejemplo, salvo los blast beats, claro, han sabido captar esa esencia también en su obra, al igual que los primeros pasos del death metal, hay partes que parecen los primeros trabajos de VADER. Hay que decir que la escuela polaca da frutos y he aquí un ejemplo aventajado. De sonido el álbum está perfecto, sonando todo claro, con un sonido natural de batería muy bueno, la com-

posición es también más que buena, y siendo el disco debut imaginad a donde pueden llegar estos chicos. La portada también está bien cuidada, buen dibujo. Pues que queréis que os diga, que le echéis un ojo a esta banda que está muy bien, caña no os va a faltar, es lo que podríamos llamar war metal, no hacen prisioneros, avisados estáis. VICENTE SÁNCHEZ | 8

MORTSUBITE (ESP) DEIMOS COMPAÑEROS DE TUMBA (CD 2016) Desde Burgos nos llega el nuevo trabajo de MORTSUBITE, “Deimos”, en el que se mantienen con la misma potencia que en sus inicios haya por 2010, pero con un toque más melódico en sus riffs de guitarras. Co-editado por la propia banda y el sello discográfico Compañeros de Tumba, ha sido grabado en Sandman Studios por Carlos Santos y masterizado por todo un conocido de la escena extrema Jens Bogren en sus Fascination Street Studios, el cual ha trabajado con bandas como AT THE GATES, AMON AMARTH, DARK TRANQUILITY o PARADISE LOST, entre muchos otros, casi nada. La banda la siguen componiendo los mismos miembros desde que empezaron, excepto con un pequeño cambio en la percusión, pues Raúl Bartolomé tuvo que dejarla. Cuentan con dos vocalistas Manuel Blanco y Ángel Bello, Manuel de Miguel e Ismael Cuenca a las guitarras, Rodrigo Cameno al bajo y Gonzalo Cantero a la batería, los cuales nos presentan 7 nuevos cortes de un potente deathcore, con toques hardcore de los que hablaremos a continuación. “Vórtice”, abre nuestro paseo al inframundo, con un riff melódico que pronto interrumpen sus dos voces dobladas, para adentrarnos en unos riffs contundentes en las primeras estrofas y algo más progresivos en las posteriores, para con unos cortes donde la percusión es marca de la casa ir metiéndonos en el tema poco a poco, hasta llevarnos a esos toques melódicos en las guitarras que han introducido, ganando en versatilidad y aportándole al tema un toque de distinción en su parte central, para volverse más oscuros y densos y volver a darnos una nueva dosis antes de terminar con unas guturales profundas y compactas (me gustan más que las agudas), donde los toques de death están asegurados con cierto regusto épico. Un gran tema, que nos muestra la evolución del grupo. “Cronofago”, guarda unos riffs pesados y entrecortados, donde la percusión de Gonzalo hace las delicias, antes de cambiar a unos blast beats a medio gas para transformar el tema en una debacle final, repleto de ritmos más hardcore y melodías pegadizas, mientras las voces van cambiando entre sí, para poner el punto y final a este tema con una parte surgida del abismo. “Clepsidra”, es una vorágine de violencia y death metal, muy rítmica y con variedad en su estructura compositiva, donde la caja es machacada hasta la saciedad y las guitarras dobladas suenan muy afiladas. Contando con una parte central repleta de atmosferas (detalle del cambio que han ido desarrollando), el break, pone un brusco giro hacia los riffs más pesados del disco, realizando una de las partes que más me gustan. Otro temazo de deathcore, repleto de toques de distinción con el resto de la escena, donde la epicidad tiene cabida y se conjuntan a la perfección. “Péndulo”, es un corte instrumental, con una gran estructura que nos pone ese punto de calma justo en

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mitad del álbum y nos deja respirar por un momento de la tormenta sónica, aun así, no te lo podrás sacar de la cabeza, siendo un tema muy compacto y con mucha fuerza donde los toques core están muy presentes. “Gnomon”, comienza con toques progresivos, para convertirse en una apisonadora, en un tema algo más lineal que los demás, donde destacan la dualidad en las voces de sus dos cantantes y una parte final muy oscura. “Trashumanista”, es otro corte donde el death está muy presente, alternando unas partes graves, que en directo tiene que resonar hasta en el averno, aportándole ese toque de modernidad (core), para infringirle una aceleración vertiginosa en la parte central apta para cualquier circle pit. El álbum lo cierra “Deimos”, tema que da nombre al álbum y uno de los más completos de los que nos presentan, con un inicio repleto de atmosferas, donde las voces dobladas se agencian las melodías para con un brusco cambio, machacarnos una y otra vez, lo que nos queda de fuerzas. Aun así, es uno de los temas que más atmosferas presentan gracias a unos riffs de guitarras muy trabajados y donde la alternancia rítmica es sinónimo de evolución en la banda. MORTSUBITE, han realizado un gran trabajo de deathcore melódico, sin perder ni una pizca de agresividad, pero aumentando las melodías (y eso se agradece). Con temas como “Deimos”, “Vortice” o “Clepsidra”, esta formación burgalesa se afianza en una escena creciente en España y personalmente este es su mejor trabajo hasta el momento. JUAN ANGEL MARTOS | 8.5

NOFX (USA) FIRST DITCH EFFORT FAT WRECK CHORDS (CD 2016) Hoy tengo el placer de poder ofreceros a la gran banda de punk-rock Californiana que lleva desde el 83 moviéndose y dando caña con letras inteligentes y sin cortarse un pelo en mantener firmes sus ideales durante más de 30 años, aquí tenemos a NOFX. Esta vez nos traen su nuevo completo lleno de canciones que no superan los 3 minutos, titulado “First Ditch Effort”, en él que podremos encontrar letras llenas de denuncia social, ritmos acelerados y todo ello con el humor y la rabia que siempre los ha caracterizado. “Six Years on Dope” y “Happy Father’s Day” son las canciones que abren el disco, y me encuentro bastante sorprendido por la segunda, debido al mensaje tan directo y necesario para poner sobre relieve lo que muchas veces puede significar la familia. Todo ello expresado con la rabia necesaria. “Sid and Nancy” pone sobre relieve con melodías bastante agradables y trabajadas la historia de Sid (Sex Pistols) y Nancy. En “California Drought” nos habla de manera bastante personal sobre lo que cuesta “desintoxicarse” de todas las drogas, siempre manteniendo un toque irónico. Siguiendo el tema “Oxy Moronic” critica la empresa farmacéutica a través de una canción que avanza llena de cambios de ritmo. Aunque, como era de esperar, lo verdaderamente importante de grupos como NOFX son las letras. En “I Don’t Like Me Anymore” podemos ver una crítica a la vida social que le aporta la fama, mientras que en “I’m A Transvest-lite” habla sobre una persona que quiere vestirse como una chica pero que no se atreve aún estando en la escena de mente abierta del punk, todo ello con una música que acompaña de manera brillante los golpes dinámicos de la letra. “Ditch Effort”,


que le da el nombre al disco, habla sobre el miedo a las enfermedades, a la cual le sigue “Dead Beat Mom”, que habla sobre una ex mujer, debo suponer, una mujer que está loca y que puede acabar con la infancia de sus hijos. “It Ain’t Lonely at the Bottom” es una canción genial para pasarlo bien escuchando la letra y la música, a la cual le sigue “I’m So Sorry Tony” hablando sobre la muerte de Tony y las consecuencias de ello. Una especie de balada a su manera. “Generation Z” habla de lo que le estamos dejando a nuestros hijos. Una canción que hace reflexionar, la verdad. Y eso es lo verdaderamente bueno de NOFX, no solo es música para pasarlo bien con cerveza, son canciones pensadas y llenas de sentido, que te pueden hacer pensar, reflexionar o simplemente querer olvidar. Aquí tenemos un gran disco, volviendo a hacer lo que mejor saben hacer, “First Ditch Effort” es otra obra maestra de NOFX. ÁLVARO GARCÍA BENITO | 9

y batería frenéticos, que al comenzar la voz bajan el ritmo, introduciendo un breakdown muy potente, para mantenerse con ritmos pesados hasta mitad del tema, donde vuelven a introducir ritmos muy rápidos. Un tema corto y potente, para cerrar el trabajo. El disco de OF WOLVES AND BONES es un trabajo cargado de furia y fuerza por todos los costados, pero que en mi opinión no funciona todo lo bien que debería. Todo por culpa de un sonido muy lineal en los temas y una producción que podría mejorar. Las composiciones no están mal del todo, aunque algunos temas, aunque rápidos, se hacen pesados. El exceso de uso de bombas graves, para intentar darle más fuerza a los temas, creo que no es acertado, haciendo un abuso de ello, cosa que habría funcionado al utilizarlo solo en ciertos momentos. En definitiva, un disco muy potente, con un sonido muy bruto, pero que puede llegar a mejorar bastante si intentan darle una vuelta en los puntos donde flaquean. JORGE DE LA CRUZ | 6

OF WOLVES AND BONES (USA) THE BLACKOUT AUTOEDITADO (CD 2016)

OMEGA DIATRIBE (HUN) ABSTRACT RITUAL INDEPENDENT EAR RECORDS (CD 2016)

El nuevo trabajo del grupo OF WOLVES AND BONES lleva como como título “The Blackout” y está compuesto por doce intenso temas. Formados en 2015, el grupo está compuesto por solo dos personas, donde Tommy Buser se encarga de toda la instrumentación y Travis Turner se encarga de las voces. El primer tema que nos encontramos en el álbum es “Intro”, que nos da la bienvenida a este disco comenzando con guitarras agudas, y algunos toques graves, para arrancar la voz, una voz gutural muy profunda que se van alternando con guturales agudos. En la percusión, nos encontramos unos leves ritmos de batería que aumentan poco a poco, y suman agresividad con las bombas graves lanzadas. “World Of Hate” es el segundo tema, un tema que dura poco mas de dos minutos, por lo que nos encontramos con unos ritmos de batería rapidísimos, junto con unas guitarras agresivas, que lanzan unos riffs machacones. Nos volvemos a encontrar con los dos tipos de voces, gutural aguda y grave, donde predomina esta última. Nos toparemos también, con un gran uso de bombas de graves, aumentando la agresividad del tema. En el ecuador del trabajo nos encontramos con “Paranormal”, un tema muy rápido, que va alternando ritmos de batería frenéticos, con otros más lentos y pesados, jugando con los ritmos introducidos por las guitarras en los breakdowns. Un uso intenso de las voces agudas, vamos a escuchar en este tema, donde a veces se combinan las dos, consiguiendo un sonido interesante, sobre todo es en los gritos donde más aumenta la agresividad. “The Blackout” es el tema que nombre al CD, en el cual nos encontramos multitud de ritmos, con un sonido bastante plano y con una estructura similar al resto de temas. Ritmos rápidos, tanto de guitarras como de baterías, manteniendo las mismas voces, grave y aguda, durante todo el tema, con poca variación vocal. Nos topamos con multitud de breakdowns que aumentan la fuerza y la agresividad de los ritmos, con alguna que otra carencia. El tema encargado de cerrar el disco es “Antichrist”, un corte de dos minutos y medio, que comienza de una manera rapidísima, con unos ritmos de guitarras

Desde la capital de Hungría, Bucarest, nos llega el último trabajo de OMEGA DIATRIBE, “Abstract Ritual”, editado a través de Independent Ear Records. Este es su segundo trabajo desde que en 2008 Gergo Hajer (guitarra) y Akos Szathmary (bajista), fundaran la banda. El quinteto cierra su formación actual con Gergely Komáromi (voces), Attila Csaszar (guitarra) y Tommy Kiss (batería). Tras ellos se encierra mucho groove, intercalando conceptos de civilizaciones alienígenas y el uso y lucha del planeta Tierra entre humanos y aliens. “Subsequent Phase” tiene un inicio oscuro, atmosférico y con ritmos de math metal, que le da ese carácter espacial, para desarrollar en las estrofas unos ritmos cortantes y machacones, repletos de groove (sobre todo en el estribillo). Con una voz rasgada y potente, desarrollan melodías que pretenden crear una atmosfera cortante y afilada. “Extrinsic”, comienza con un duro riff de guitarra, acompañado por una percusión demoledora, para luego girar hacia entornos más melódicos y repetitivos, donde una melodía más aguda de guitarra rompe con la monotonía. “Hydrozoan Periods”, tiene un aire continuista, pero con una atmosfera más oscura y con varios cambios en las melodías vocales, al igual que en los riffs entrecortados, con un final donde el doble bombo y el golpeo de las cuerdas de bajo, dan contundencia a uno de los mejores temas del álbum. “Abstract Ritual”, es un corte que se rige por los ritmos del math metal, muy metálicos, donde en la parte central encontramos un estribillo que queda aderezado con un riff de guitarra que le da versatilidad al tema, otro de los destacados, con cambio en las tonalidades vocales incluido. “The Quantum”, un outro musical muy onírico pone el broche a este álbum, caminando hacia la distorsión. “Unshadowed Days (Perception remix”, cierra el álbum, como una reinterpretación del mismo, donde destaca la percusión sobre los demás instrumentos con varios cambios de tempo e intensidad, a la vez que presenta algún que otro break down que difiere del resto, pero sin cortar la monotonía que recorre todo el trabajo. OMEGA DIATRIBE, nos presentan un nuevo trabajo donde la versatilidad queda apartada en pos de ritmos afilados y machacones, donde los efectos en la voz y ciertos toques atmosféricos inundan el disco. Temas


como “Hydrozoan Periods” o “Subsequent Phase”, te darán una idea de lo que ellos realizan, pero quedando un poco repetitivo el trabajo. JUAN ANGEL MARTOS | 6

Este lanzamiento ha sido editado por la norteamericana Hell’s Headbangers Records (SATANIC WARMASTER, DENOUNCEMENT PYRE, EMBALMER…) y la formación en esta grabación, se compuso de Paul Ledney (batería/voz) y John Gelso (guitarras/bajo), que en la actualidad ha sido reemplazado por Ryan Adams a las guitarras y Alex Cox al bajo. No cabe duda de que si “The Curling Flame of Blasphemy” hubiese sido editado por un grupo amateur o primerizo, pasaría sin pena ni gloria alguna, pero siendo de quien se trata es otro cantar. Si eres fan a ultranza de PROFANATICA, te agradará esto pero para los demás, podéis sortearlo sin demasiados miramientos, no lo lamentaréis. ROBIN RM | 5.5

old school de excelsa calidad. En la cara B del disco encontramos dos versiones, “Devil´s Whorehouse” de los americanos MISFITS y “Morbid Tales” de los legendarios CELTIC FROST, ambas perfectamente llevadas a su oscuro terreno, para poner fin a un fantástico EP. En resumen, nos encontramos con un disco de Death Metal típico de la vieja escuela, que hará las delicias a los aficionados del género, el cual como único punto en contra tiene su escasa duración y que solo hay dos temas propios, lo cual deja con ganas de mucho más, esperemos que esto sea una especie de adelanto, ahora que se han convertido en una banda completa y no en un proyecto en solitario, y no nos hagan esperar mucho para un larga duración. CARLOS BERMEJO | 7.8

guno de los componentes es el encargado de tocarla. Aún con todo les ha quedado bastante bien, sin lugar a dudas encaja genial con la instrumental y tiene sus pequeñas variaciones para evitar caer en la monotonía. Como apunte antes de llegar a la conclusión me gustaría también decir que lo que es la parte instrumental cae muchas veces en la monotonía y repetición, pero jamás consideraría que ello sea un aspecto demasiado negativo pues estamos hablando de doom, de la necesidad de crear una ambientación pesada, melancólica, oscura, y la repetición de un riff elaborado tan certeramente es, en este caso, un punto a favor. Si te gusta el doom, el black o ambos no dudes en echar una (o diez) escuchas a este ‘Dirge’ del trío italiano RASPAIL. Sin lugar a dudas es una obra preciosa, de esas que dan ganas de escuchar en días de lluvia. GABRIEL PASTOR SÁNCHEZ | 8.5

PROFANATICA (USA) THE CURLING FLAME OF BLASPHEMY HELLS HEADBANGERS (CD 2016) PROFANATICA tiempo atrás, era una de esas bandas de culto, de las que eran admiradas y respetadas como pocas aun teniendo una discografía mínima, que se reducía a un puñado de demos y/o EPs, algún directo… Para los que andéis más despistados o no recordéis bien, aunque algunos ya conocerán de sobra su historia, inicialmente este grupo surgió después de la separación de una de las facciones de los primeros INCANTATION tras dar sus primeros pasos. PROFANATICA se disolvieron un par de años después de formarse en los 90 y regresaron a comienzos del 2000, desde aquel entonces, han estado editando material generosamente en diferentes formatos y este trabajo que nos ocupa, es ya su cuarto álbum completo. “The Curling Flame of Blasphemy” es otro asalto de Black/Death Metal sucio, bestial, apocalíptico y blasfemo, similar a bandas de un mismo status como pueden ser HAVOHEJ (capitaneadas de igual manera por Paul Ledney, alma máter del conjunto que nos ocupa), VON, DEMONCY…pero que no llega todo lejos que se esperaría. La maldad y la intención está presente, pero esta obra no es de otro mundo ni por asomo. Composiciones bastante comunes sin prácticamente nada o poco que destacar que se extienden hasta incluso la portada del disco, que a más de uno parece ser, le recuerda a alguna de los Deathmetaleros IMMOLATION. El sonido como podéis esperar, es mugriento e indecente, típico en este género aunque no en demasía. Pero si no fuese por cortes como “Ordained in Bible”, “Rotten Scriptures” o “Curling Flame”….que son sin duda, los que salvan a este plástico de morir quemado en el eterno fuego del averno. Las líneas de batería son lo poco que le da algo de chispa a las composiciones, no rebosantes de técnica sino variadas e ingeniosas, puesto que los diferentes riffs de guitarra las convierten en algo insípidas y predecibles (algo alejadas de su anterior “Thy Kingdom Cum” de 2013). Un bajo demasiado presente en la mezcla y unas voces cacofónicas, complementan este álbum configurado por diez canciones en algo más de 35 minutos.

PUTRIFIED (SWE) THE FLESH. THE SCYTHE. THE TOMB. UNHOLY PROPHECIES (CD EP 2016) Segundo trabajo discográfico de los suecos formados en 2010 PUTRIFIED, además de varias demos y su EP anterior “Sacrilegious Purification” el diecinueve de diciembre verá la luz este nuevo trabajo también en formato EP titulado “The Flesh. The Scythe. The Tomb” a través del sello Unholy Prophecies Records. Este trabajo podrá haber sido editado por cualquier banda de Death Metal europea a principios de los noventa, ya que, hasta en el sonido de la grabación se asemejan este combo de Estocolmo, hecho este que veo normal, ya que si apuestas por algo tan reconocible como es la vieja escuela del Death Metal, tienes que ser lo más fiel posible en todos los detalles. El disco que saldrá en formato vinilo de 7”, consta de seis cortes en el que se incluyen dos interludios en las pistas número tres y cinco, en casi quince minutos de duración total de un Death Metal pútrido, cavernoso y agresivo con una ejecución instrumental excelente, combinando perfectamente las estructuras más frenéticas con los pasajes más lentos y oscuros y que supone el primer trabajo como formación al uso, ya que con anterioridad era un proyecto en solitario de su líder, A. Death. Además de los interludios antes mencionados, como temas propios encontramos los dos primeros del disco “Sarcophagus (Under the Lid)” y “The Scythe Descends” los cuales reflejan perfectamente las intenciones desde el minuto uno de lo que banda nos quiere ofrecer en esta nueva etapa que no es otra que un Death Metal

RASPAIL (ITA) DIRGE SICK MAN GETTING SICK RECORDS (CD 2016) Desde Italia este trío, RASPAIL, presenta su álbum ‘Dirge’ que verá la luz el 11 de noviembre a través de Sickmangettingsick Records. Con una mezcla hermosa de doom, black y post-rock han creado un trabajo maravilloso de escuchar y muy disfrutable. Empezando por la instrumental, los riffs apoyados por la fuerza del bajo (el cual no goza de un gran protagonismo pero tiene sus toques en algunos temas como ‘Vesevo’) son el principal motor de ‘Dirge’. En cada una de las 8 pistas y sus 53 minutos de duración se puede apreciar el trabajo puesto para crear la ambientación; esa atmósfera oscura y sobre todo pesada que nos recuerda a los trabajos del doom más clásico. Como cabe esperar vamos a encontrar tempos muy lentos y muchas notas al aire, con alguna parte puntual en que estos se aceleran y dan, quizá, un poco más de sonido blacker (como en el tema que da nombre al disco, ‘Dirge’). Las voces son las que podríamos encontrar en cualquier álbum de black metal, pero con algunas diferencias, como los acabados no tan pulidos en el caso de RASPAIL, que dejan un sonido un poco más áspero y no tan fluido, o esa tendencia a seguir un poco más la instrumental y alargar los finales de algunas palabras, encajando todo como un puzzle. La decisión de añadir un efecto de voz en off en algunos lugares es, en mi opinión, muy acertada pues ayuda a seguir más de cerca esa atmósfera lúgubre y melancólica. De la batería seré breve, pues creo que va por midi y en este trío nin-

RED FANG (USA) ONLY GHOSTS RELAPSE RECORDS (CD 2016) En NECROMANCE tenemos el privilegio de contar ya con el nuevo trabajo de RED FANG. Los de Portland, tras su buenísimo “Whales & leeches” han ido creciendo de una manera rapidísima escalando puestos en el panorama musical y comparándose con bandas como FOO FIGHTERS o BLACK STONE CHERRY. Si bien es cierto que desde Oregon encontramos grupos que han tenido una gran fama, RED FANG sobre sale de todos ellos, siendo una de las mejores bandas en este género. La banda está formada por Bryan Giles como frontman, a la guitarra y voz del grupo, Aaron Beam como bajista y voces secundarias, David Sullivan a la guitarra solista y John Sherman a la batería. Desde el sello Relapse, nos traen “Only Ghosts” que desde su primer tema hasta el último tiene una caña y una fuerza brutal. Este trabajo comienza con el tema “Flies”. Una entrada de bombo a compas, con una voz super desgarradora y unas guitarras muy distorsionadas (pero vintage) le dan inicio a lo que va a ser un gran tema del álbum. Con diversas partes que se caracterizan por tener ritmos más lentos, con voces muy parecidas a la de Dave Grohl hacen de este tema que sea rompedor. A continuación nos muestran “Cut it short” un tema que no tiene tanta fuerza como el anterior, pero que de la misma manera nos sorprende. Son melodías muy


del estilo Grunge junto a voces con mucha reverb que le dan a esta banda un sonido único. El tercer tema de este disco es “Flames”, que comienza con un arpegio de guitarra con un toque de chorus, para lo que se supone que va a ser una canción lenta. Nada que ver, el tema hace de intro para lo que se nos viene encima, “No air”. Este comienza con un bajo que nos recuerda a MOTORHEAD, además también por la voz de Bryan, que nos recuerda a la leyenda Lemmy. “Shadows” hace que volvamos al estilo del primer tema de este trabajo, y es este probablemente uno de los mejores temas del álbum, como “The smell of the sound”, canciones caracterizadas por un bajo y guitarras pesadas, pero igualmente con una fuerza rockera que nos recuerda a sonidos míticos de los 90. “Not for you” y “ The deep” vienen definitivamente de estilos como los FOO FIGHTERS. Y la verdad es que nos sorprenden con estos temas, ya que tienen un desgarre increíble. Si este álbum lo defienden en directo de bien como suena en cd, debe de ser una pasada en directo. “I am a ghost” comienza de nuevo con una entrada de bajo algo distorsionado, ya muy característico de la banda, junto a una voz muy rockera de Bryan. El esquema del tema es bastante sencillo, por lo que no sorprende mucho, quizás uno de los temas que se podrían pasar del álbum. Para finalizar, nos sorprenden con “Living in lye”, si pudiese, lo gritaría ¡Qué temazo! Vaya manera de cerrar el álbum. Esta canción es ideal para directo, con un riff muy bueno de guitarra y una voz de nuevo muy a lo MOTORHEAD, nos destruyen los tímpanos el grupo de Portland. Increíble. “Only Ghosts” es un álbum que remarca que RED FANG sigue fiel a su estilo y sabe defenderlo de manera sobresaliente. Aunque no existe mucha innovación a lo largo de los temas, bien es cierto que van a llegar a lo más alto peleando por un estilo único y muy demandado en la actualidad. ÁLVARO CASTILLA MEDINA | 8.5

RIKET (SWE) AVARTER SCARECROWN RECORDINGS (CD EP 2016) Desde Suecia, nos llega el EP de debut de RIKET, “Avarter”, banda que profesa death metal con letras en sueco. Editado a través de Scarecrow Recordings, producido por Tobias Jakobsson y masterizado por Tormod Lokling, el trio de Estocolmo formado por Johan Nephente (voces), Tobias Jakobsson (Guitarras y bajo)

y Adrian Erlandsson (batería, AT THE GATES, PARADISE LOST, THE HAUNTED), nos presentan cuatro canciones, directas y sin concesiones de un death metal con toques escandinavos. “Dovt är dödens dån”, inicia el EP, que por cierto cuenta con un artwork a cargo de Shopia White, mediante técnica mixta, muy interesante, personalmente me gusta mucho este tipo de portadas que mezclan arte (pintura) y música. Centrándonos en el plano musical, unos riffs de guitarras enigmáticos inician el tema, para introducir unas melodías contundentes mezclada con una voz profunda y sobre una percusión incesante que hace de base. Un toque de distinción son sus cambios de ritmos, haciendo los temas muy dinámicos, tanto en voces (las guturales son oscuras y profundas, a veces dobladas, así como el registro más agudo, también dobladas con un toque más limpio pero rasgado, le aportan esa versatilidad) como los riffs, cambiando a cada estructura para volver al ritmo inicial. Buen tema. “Avart och vanart”, es mucho más rápido y contundente desde el inicio, con unas estrofas clásicas, donde las voces dobladas, aunque siendo sencillas, imprimen al estribillo cierta melodía que unida a la de las guitarras le dan un toque épico y directo. Un tema corto que te deja con ganas de más. “Svärta”, el “tupatupa”, será el inició del corte, más acelerado que el resto del mismo, pero gana en intensidad con headbanging incorporado. Con estas ritmos sencillos y clásicos es muy complicado dejar la cabeza quieta, un corte donde prima el old school. “Flammor vid portarna”, pone el punto final, con un inicio muy épico, recordándome a AMON AMARTH, (pero solo el inicio). Que corto se me está haciendo este EP. Me encanta la percusión de este tema, así como las melodías infligidas en las voces, aunque guturales, pero con melodías que encajan perfectamente en la estructura de las guitarras que son las que llevan el peso del tema con sus riffs y solos. El mejor tema de este EP. RIKET, han creado un proyecto de futuro y espero que sea pronto cuando escuche su larga duración. Un EP muy bueno, donde apreciamos a lo largo de sus cuatro canciones detalles de varios estilos dentro del death, aunque se centran en el death metal melódico sueco, pero tiene temas donde prima el old school. Resaltar una canción de 4 buenos temas es muy complicado, pero si tengo que elegir forzosamente me quedo con “Flammor vid portarna” y “Avart och vanart”. JUAN ANGEL MARTOS | 8

SILVERBONES (ITA) WILD WAVES STORM SPELL RECORDS (CD 2016) Formados en Treviso, en 2013, SILVERBONES es una banda italiana que emula y profesa, sin ninguna intención de esconderlo, su amor eterno por RUNNIG WILD. Algo mas que añadir?? a mí me vale con esto!! Vienen presentando, bajo el sello californiano Stormspell Records, su primer larga duración, un trabajo titulado “Wild Waves”, tras publicar en 2014 la demo “Between the Devil and the Deep Blue Sea”. Si hablamos de una banda que comparte, tanto un sonido, como una estética y un concepto lírico muy similar al característico mundo pirata creado por RUNNING WILD, tenía que aparecer, sí o sí, la figura de Cederick Forsberg, un genio sueco talentoso, alma mater de la banda tributo BLAZON STONE (una recomendación que no puede faltar para todos los amantes de RUNNING WILD, no solo haciendo covers de los germanos sino con ya varios discos de temas propios en su trayectoria, realmente buenos, y a punto de publicar un nuevo trabajo), y de los recientemente separados ROCKAN ROLLAS (una banda heavy metal 100% que hace unos meses ponía fin al no encontrar miembros suficientes para llevar al directo su propuesta). En este caso, Cederick se ha ocupado de grabar las baterías (si bien es principalmente un guitarrista), mezclar y masterizar el trabajo que nos ocupa. “Wild Waves” viene presentado con un dibujo pirata que no deja duda del contenido interior. Si bien el diseño es correcto, no es ninguna joya del diseño gráfico, pero sí que traslada ese espíritu pirata, que es la señal más representativa de estos italianos, un trabajo realizado por el propio bajista de la banda, Andrea Franceschi. El disco se inicia con la intro “Cry of Freedom”, una intro pirata que fácilmente podría haber firmado los grandes RUNNING WILD. Me recuerda mucho al “Chamber of Lies” del Pile of Skulls o al “March of the final battle” del Rivalry. Una intro perfecta para que el oyente se ate su pañuelo pirata, se cuelgue su espada y se encarame al mástil más alto posible para abordar los siguientes cortes. Ready for boarding!! El siguiente cañonazo que salta en el reproductor es “Wild Waves” el tema homónimo que da titulo a este trabajo. Otro corte que tiene el sello de RW, banda con la cual es imposible no comparar ya que el parecido es superior al 90% y estos italianos buscan descaradamente imitar, hecho que en mí caso no lo veo como un error sino como todo un acierto! ¿Porqué no sonar como tu banda preferida? ¿Es la música que te gusta? Pues para adelante!!! SILVERBONES hacen realmente bien su trabajo y no tienen nada que desmerecer, estoy seguro que Rock and Rolf debe estar contento de que sus pupilos vayan madurando y sacando trabajos tan brillantes. Las guitarras de Marco Salvador, quien también ocupa el puesto de vocalista, y de Ricardo Galante me recuerdan los grandes momentos de Majk Moti y el capitán Kasparek, vaya dupla! increíbles esas dobladas y esas escalas piratas! El estribillo es realmente épico, un tema que podría estar incluido en el “Blazon Stone”

o en el “Port Royal”. Gran inicio del disco. Seguimos con “Royal Tirants” con un inicio muy similar al del “The Rivalry” de RW, con una melodía de guitarra protagonista absoluta que lleva al oyente a cruzar mares y océanos. La voz de Marco Salvador, obviamente no es la de Rock and Rolf, pero realmente lo hace bien y cumple su cometido, aunque es la parte más débil de SILVERBONES. El sonido general del álbum es muy bueno, con unas guitarras heavys, potentes, limpias y poderosas. La batería también tiene un sonido muy nítido, quizás con demasiado brillo y muy aguda, pero en general una mezcla muy buena. De nuevo el estribillo es la parte álgida del tema, utilizando estructuras clásicas de riff A + riff B + estribillo+ riff A+ estribillo+ solo. Los coros en el estribillo están muy presentes, con un regustillo al “Masquerade” de RW. Otro gran corte, donde sin contar la voz, es casi imposible de distinguir de cualquier tema de los germanos RW. El solo de Ricardo Galante no es técnicamente una masterclass, pero si que consiguen sacar ese feeling heavy ochentero que queda tan bien en este corte, siendo las melodías piratas que tienen el punto más fuerte de este tema. “Queen Anne`s Revenge” es un título más que propicio para lo que SILVERBONES nos quieren ofrecer. Me puedo imaginar, si cierro los ojos, un parche trasero de chupa de RW para este tema, con esos clásicos dibujos que realizaba Andreas Marshall. Un inicio lento, con una melodía de nuevo marca de la casa, va introduciendo el tema poco a poco, hasta que la batería aporta sus platos junto con notas sueltas de guitarra eléctrica, para estallar en un doble bombo de power metal auténtico. Estallido pirata para acometer uno de los mejores cortes del disco. De nuevo he de incidir, parece que estas escuchando un disco de RW si no fuera por la voz, que aunque Marcos Salvador lo intenta, si que es el punto flaco de la banda. Un tema que abusa más de los palmutter para dar mas rienda suelta a los versos, un tema con mas letra y más contenido. La batería, que en directo defiende Enrico Satin, tiene mas juego en este corte, con un doble bombo más presente, que lleva el tempo de la canción. Seguimos con “The undead”, donde también podemos encontrar influencias de JUDAS PRIEST e incluso de GRAVE DIGGER, pero, de nuevo, RW es el referente, el icono a seguir. Hemos recuperado el hilo que dejo RW con sus grandes obras maestras, y que parece que recuperan con su último trabajo “Rapid Foray”. SILVERBONES se han basado en los grandes clásicos de RW para utilizar la misma fórmula. En este corte caen un poco, un tema más flojo, que levanta el pie del acelerador y el sentimiento pirata se disipa un poco. Un tema que ofrece menos cosas, mas simple y que me deja un poco frío tras el extasis anterior. En “Raiders of the new world” volvemos a llenar de pólvora los cañones, un tema que vienen presentado con un vídeo con tomas de SILVERBONES en directo. Sin duda, uno de los temas más completos y representativos de estos italianos. Banderas piratas al viento para honrar a los grandes RW, SILVERBONES aportan su grano de arena para que la montaña del metal pirata continúe en lo más alto. Guitarras heavys que escupen


fuego, con una voz mas trabajada y con unos versos que se acoplan mejor a la voz de Marco. El estribillo es de esos que se graban en la mente y te pasas día tarareando, fácilmente reconocible y tarareable. El solo de Enrico es de lo mejores de todo el disco, se nota que ha mamado del capitán Kasparek, utilizando los mismos recursos y escalas. Vaya pedazo de tema!! Puños en alto para los nuevos piratas italianos! “Wiched Kings” es otro tema rápido, con un doble bombo en tresillos que aporta más velocidad y donde las guitarras son pura melodía, para pasar de nuevo a palmutter en los versos. Misma fórmula que en los temas anteriores, pero es una estructura que funciona y que luce. De nuevo el estribillo en bucle se va grabando poco a poco a fuego, con esa melodía de fondo que tanto acompaña y rellena. El bajo de Andrea ha quedado muy desapercibido en la mezcla final, esta presente pero parece que me gustaría tenerlo un poco más cercano. Vamos llegando ya al final, de la mano de “Hellblazer”, vaya trallazo!! Por poner algunos ejemplos, “Raw Ride”, “Riding the storm” o “Bad to the bone” son algunos temas de RW que podrían cuadrar con este corte! Un tema directo y potente, con unas melodías cortas pero brillantes, dobladas en las guitarras para potenciar su feeling. El verso, por primera vez, es poderoso y desemboca en un estribillo distinto, donde aprovechan para que los coros tengan más presencia y sostengan este estribillo en lo más alto. Mención especial a la melodía tras el estribillo, los pelos de punta, metal pirata que te hará sentir la brisa del mar en la cara. Y cerrando este gran trabajo encontramos “Black Bart”, que mira por donde, repite nombre del single que RW han sacado para su último trabajo. Juraría que ya tenian el tema sacado antes de conocer este hecho, pero vaya, coincidencia total!!! Un tema rápido, directo, que debe funcionar de maravilla en el directo. Heavy metal pirata que no deja duda ninguna. Estos italianos han tenido que mamar mucho de RW para copiar cada nota y seña de los germanos y reproducirlos en un disco excelente. No busquemos originalidad, solo disfrutar con ellos igual que se disfruta un disco de RW. SILVERBONES han pasado a ocupar un puesto muy importante en mi lista de nuevas bandas descubiertas. Sin duda cogen el testigo que han dejado RUNNING WILD y nos presentan un trabajo que auna lo mejor de los piratas alemanes. Para todos aquellos que aún no han descubierto “Rapid Foray”, el último trabajo de RW, y que echan de menos ese feeling pirata y los grandes discos de RW, sin duda, SILVERBONES es la banda que necesitan! Los barcos piratas han llegado hasta Italia y han creado un fuerte bastión. HÉCTOR LORENZO | 8.5

lo más rockero que pasamos a analizar a continuación. “Lost in my mind” es el tema introductorio con la que comienza el álbum. Un pequeño rasgueo de acorde de guitarra en limpio que acaba rompiendo en un riff de lo más demoledor, con mucho toque rockero, sobre todo si miramos atrás hacia el rock de los 90. Menuda voz presenta en este tema Sandro Casali, de lo más rockera y rasgada. El siguiente tema que nos presentan los chicos de Milán es “Every time i try”, que ha sido el single con el que han presentado a los medios su nuevo trabajo. Un riff muy característico del stonner con un estribillo de lo más melodioso y pegadizo hacen de este tema el más comercial y movido del álbum. “Insanity” la canción que le da nombre al álbum es sin duda la más sentimental en cuanto a letra. Comienza con unos acordes de guitarra acústica y una voz melodiosa para acabar dando guerra con unos riffs de lo más duros, unidos a una batería de lo más rockera.. Sin duda, lo mejor de este tema, la voz de Sandro, hace que este grupo sea único. Como decíamos anteriormente, la línea del rock de los noventa con toques modernos va a continuar durante todo el disco, y es que en temas como “Sign for tomorrow”, “Dirt and lust” o “Let go” se hace palpable este tipo de influencias. El tema “Dead Space” es uno de los que más me ha gustado, ya que meten unos ritmos de batería y guitarra de lo más innovadores, que con un bajo grave y pesado hacen del tema un cañón que dará mucho que hablar. “Neverending fight” es justo lo que necesitaba el disco, aquí sencillamente nos ha ganado. Si pedíamos innovar y que salieran un poco de su estilo, aquí está. Menudo toque country con guitarras acústicas le han dado a este tema, sin duda, de 10. La balada, con mayúsculas, del álbum va a ser “No one else”, que gracias a la letra y la voz rasgada de Sandro, hace que sea una canción de lo más especial. “All my fears” y “Absence of light” siguen la misma línea de riffs cañeros con baterías muy duras para que el disco no decaiga después de estas baladas que hemos citado anteriormente. El disco finaliza con “Used to believe” un tema que lo tiene todo, desde arpegios en limpio hasta guitarras distorsionadas que junto a las baterías contundentes hacen que esta última canción del trabajo de SIXTY MILES AHEAD sea de lo más especial. Un temazo para cerrar el álbum. En definitiva, un grupo que con este estilo va a romper en el panorama mundial y más si sabe innovar esta manera. Este es un gran camino para los chicos de Milán que estoy seguro van a dar mucho que hablar. ÁLVARO CASTILLA MEDINA | 8

SIXTY MILES AHEAD (ITA) INSANITY ECLIPSE RECORDS (CD 2016)

SKUNK D.F. (ESP) PIGMALION MALDITO RECORDS (CD 2016)

Hoy traemos el último trabajo de la banda italiana SIXTY MILES AHEAD. Los chicos de Milán vienen con muchísimo rock y junto a Eclipse Records nos traen “Insanity” un disco que mezcla hard rock con algún tinte stonner de lo más interesante en el panorama internacional junto RED FANG o SIXX: AM. El grupo está compuesto por Sandro Casali a las voces, Fulvio Carlini a la guitarra, Luca Caserini a la batería y finalmente Francesco Li Donni llevará la parte grave del grupo, el bajo. Con influencias desde NICKELBACK, BON JOVI hasta ALTER BRIDGE presentan un disco de

Tras un largo periodo de “inactividad” de estudio tras sacar a la luz en diciembre de 2012 “Perseidas” y tras su larga gira de su siguiente trabajo especial “20 Aniversario”. SKUNK D.F., nos trae un nuevo álbum, el noveno de su carrera, “Pigmalión”, a través de Maldito Records. Grabado en The Metal Factory Studios, de la mano de Alex Cappa, nos traen un sonido muy contundente, pero repleto de las melodías que nos tienen acostumbrado, en un álbum donde encontramos mucha variedad entre sus cortes, aportándole un toque de eclecticismo y dando un paso más adelante que su


anterior trabajo. Con unos riffs marca de la casa, en los que Alex Cappa deja su sello, comienzan los primeros pasos de “Arde”. Desde el comienzo SKUNK D.F. nos demuestran que están en plena forma y que tras 20 años haciendo música, siguen sin perder su esencia. Un gran tema, que guarda unas estrofas lentas, repletas de atmosferas, para ir creciendo lentamente hasta llegar a un estribillo marca de la casa y un final por todo lo alto donde los riffs se entrelazan con las melodías vocales. Un corte que te costará quitártelo de la cabeza. “Salvaje”, continua con la potencia inicial dentro de este “Pigmalión”. Contundencia y unas estrofas más oscuras y distintas al resto del disco, las cuales nos llevan a un puente antes de explotar un estribillo que será coreado en sus directos, casi con toda seguridad. “Los Niños Siguen Perdidos”, se abre con unos riffs de guitarras muy metaleros, a cargo de Xavi y David, mientras que la percusión de Eduardo Brenes, destaca en esta composición junto a un bajo que da mucha presencia a las líneas elementales, a cargo de Pepe Arriols. Germán juega con sus tonos, aportándole esa pizca de naturalidad que envuelven sus temas, así como una lírica muy potente. Otro gran tema. “Impermeable”, pone un punto de inflexión ante el contundente inicio. Con un halo siniestro, marcado por los arreglos y teclados, se desarrolla uno de los temas más eclécticos del álbum, con estrofas a medio tiempo, pausadas y lentas, con un toque misterioso y moderno (gracias a los samples de Eduardo, muy presente en este álbum con toques especiales como este). Hasta que irrumpen tras el silencio los riffs de las guitarras para endurecer y marcar el tema, hasta que de nuevo una calma cósmica nos invade con la tonalidad vocal de Germán. Otro de los temas destacados del álbum, en el que se nota la evolución del grupo. “El Chico De Las Estrellas”, sigue enmarcándonos en los clásicos temas lentos y melódicos de SKUNK D.F., sin perder ni una gota de potencia y demostrándonoslo tras la cuenta atrás, con el estribillo y con una parte central con mucha luz. El inicio de “Samsara”, nos sorprenderá, primando una instrumentación muy grave con los toques electrónicos de los samples. Quizás sea el tema más grave de este álbum, donde las guitarras y el doble bombo suenan como una apisonadora, pero siempre guardando una parte para abrir su sonido. Tras este vendaval, “Aléjate De Mí”, nos introduce en una historia actual, con una guitarra acústica, narración y orquestaciones, la que nos presenta “Terrorismo Emocional”. Personalmente es uno de los temas que más me gustan, en cuanto a letras se refiere, el juego con la lírica y las metáforas es continuo, en un corte repleto de mensajes que descubrir cada vez que lo escuchas, además enmarcado con un estribillo para encuadrar. “Adóptale”, es un corte más directo, con ciertos toques groove y rockeros entremezclados, jugando con los coros de Xavi y Pepe, en el estribillo, tras el cual guarda un solo de guitarra diferente a todos los escuchados, para terminar por todo lo alto. El contrapunto a este tema lo pone “Golem”, que podríamos denominar la “balada” del disco, donde prima el sonido de un piano,

el cual me encanta, y le da un toque de intimismo en los pasajes que aparece solo, todo ello aderezado con samples, una voz sentida y un bajo que conduce la estructura compositiva sobre la que aparecen, sobre todo en la parte final el resto de instrumentos para matizar el acento musical…, grande. Y como era de esperar, aunque no quisiésemos, “Algo Grande”, pone la guinda en este pastel, como empezamos, con un tema repleto de grandes riffs y contundencia y que guarda un mensaje de esperanza en su interior, muy presente en la trayectoria de SKUNK D.F. “Pigmalion”, tiene un sonido distinto…, grave y directo, pero es puro SKUNK D.F., repleto de melodías y una gran lírica que te hará recapacitar y creer en los temas, aderezado con unos toques de modernidad que engrandecen cada composición. El artista, además de nacer, se hace y ellos lo han demostrado a través de sus más de 20 años de carrera musical. JUAN ANGEL MARTOS | 8.5

SONATA ARTICA (FIN) THE NINTH HOUR NUCLEAR BLAST RECORDS (CD 2016) SONATA ARTICA me enamoraron cuando sacaron su primer disco “Ecliptica” el cual tenia aquel temazo, que aún me pone los pelos de punta, llamado “Fullmoon”. Luego, con los siguientes discos, fuí perdiendo poco a poco la admiración por estos fineses ya que, si bien tenían buenos temas sueltos, no se trataban de discos redondos que realmente me llamaran la atención, y así hasta hoy. Ahora que tengo en mis manos su nuevo trabajo, titulado “The ninth hour”, vamos a retomar viejos sentimientos y ver si es posible cerrar una vieja herida. “The ninth hour” es el doceavo trabajo de SONATA ARTICA, quienes ya tienen una amplia discografía en su haber. La portada que nos presenta este trabajo continúa la línea de la banda, un gran diseño que esta vez nos presenta un árbol que funciona de manera mecánica, uniendo la vida salvaje representada por un lobo (animal que con frecuencia aparece en los discos de estos fineses) y la vida actual, representada por una señorita caminando con un paraguas por una ciudad. Un buen diseño, correcto, que cuadra perfectamente con el estilo que ya tienen marcados SONATA ARTICA. El disco se abre con “Closer to an animal”, un tema que se abre con los característicos teclados de Henrik Klingenberg (ya pasó la época primera donde el pro-

pio Tonny Kakko era el que ocupa también el puesto de teclista). Se trata de un tema donde la melodía es la principal protagonista, fundiéndose con la voz de Tonny, quien he de reconocer que es un chico listo, conoce perfectamente sus cualidades y sus defectos. No se trata de un cantante increíble, de esos que llegan a timbres y tonos imposibles, sin embargo, potencia el feeling de su voz, su mejor parte, para transmitir y llegar al oyente, siendo esta una de las mejores cualidades de la banda. El tema, musicalmente, se basa en acordes en palmutter que sirven de base para que los versos de Tonny transmitan toda su energía. La batería de Tommy Portimo, otro de los miembros originales, se mantiene recta durante todo el corte, si bien echo de menos algo mas de velocidad, un doble bombo más acelerado quedaría de lujo en este corte. La guitarra de Elias Viljanen cumple su papel, pero no es la protagonista en esta banda, acaparando ese foco, como dije anteriormente, los teclados de Henrik. Un tema que gustará muy mucho a los seguidores de la banda, aunque a mí, haciendo alusión al nombre de la banda me ha dejado un poco “ártico”. El tema termina con una voz en off que se funde con el estribillo final de Tonny. Poner de relevancia los temas e ideas que utilizan en sus canciones estos fineses, tocando la fibra del oyente para concienciar a todos de la importancia de cuidar nuestro entorno y nuestro medio ambiente. El disco continua con “Life”, tema que ha servido como vídeo para la presentación de este disco. La melodía de guitarras y teclado es increíble, está claro que estos chicos saben cómo hacerlo. Pronto bajan revoluciones para que en los versos Tony vuelva a mostrar ese feeling cariñoso y meloso que tan bien transmite. El bajo de Passi Kauppinen, último miembro en incorporarse, funciona perfectamente como elemento de unión entre la parte vocal y la instrumental. El estribillo estalla en toda una hoda de power metal, con una “la la la laaaaa” al final del estribillo que pudiera sonar bastante chorra, pero estos tíos hacen que hasta quede bien. Sin duda el estribillo es la parte mas álgida de este corte. Gran solo de teclado de Henrik a mitad de tema, ejecutado con gran gusto, para pasar, posteriormente, al solo de guitarra de Elias, combo que no puede faltar en un disco que se aprecie de power metal. Continuamos con “Fairytale”, un titulo utilizado bastante a menudo en las bandas de power metal. Veamos que cariz le aporta SONATA ARTICA. El corte empieza poderoso, oscuro, con unos acordes de teclado que sirven de colchón para que se asienten el resto de instrumentos, y con un riff de guitarra poderoso. De nuevo el tempo disminuye a la hora de atacar los versos. El timbre vocal de Tony se mantiene constante, y se agradecería algunas variantes para acentuar más cada parte del tema. El doble bombo si tiene mas presencia en este tema, y gana mucho. El estribillo es marca de la casa, un medio tiempo con un estribillo melódico que mantiene el beat. Es el tercer tema del disco y por desgracia me suenan muy similares los temas unos a otros. Es SONATA ARTICA en esencia pura, pero echo de menos esa mala leche y atrevimiento que tenían en su primer disco, parece que se han acomodado, quizás,

en una estructura fija y que no son capaces de romper ataduras y volver a sonar frescos. Una pena. Eso sí, a los seguidores mas acérrimos de la banda les va a encantar, mantienen la misma línea que en sus últimos trabajos. A destacar de nuevo el solo de teclados y guitarra. “We are what we are” tiene un inicio lento, con instrumentos de flauta que crea un ambiente muy relajado y místico. Comparten muchas similitudes con los temas más ambientales de NIGHTWISH, y es que no solo comparten estas dos bandas su país de origen y amistad entre sus miembros. Tras una larga intro instrumental se inician unos versos lentos, con un beat muy relajado, un tema que funcionará perfectamente a la luz de unas velas, o en la orilla cerca del mar… cualquier paraje que sirva para evadirte por unos segundos de este mundo. Un buen tema para soñar con los ojos abiertos. Esta vez si aporta SONATA ARTICA algo distinto, no se repite el mismo cliché. En “Till Death done us apart” tenemos el inicio de tema más brutal del disco, con unas guitarras destructoras, que enseguida se apaga como una hoguera ahogada sin oxigeno que quemar, por que!!?? A esta banda les gusta combinar mucho esos dos sentimientos enfrentados: partes melódicas muy lentas con pinceladas rabiosas cargadas de buen power metal. El tema prometía pero me falta algo más. En el estribillo si encontramos ese haz de luz que tan ansiadamente buscaba, encontramos el origen de SONATA ARTICA. De nuevo encuentro muchas similitudes con NIGHTWISH, sobre todo en los temas que canta Marco Hietala. “Among the shooting stars” tiene de nuevo un inicio lento, de acordes acústicos de guitarra, con una voz melosa, que pasa a un tempo mas machacón. Instrumentalmente, este disco, no contiene piezas imposibles, composiciones complejas ni rebuscadas, sencillamente usan notas sueltas, una fórmula simple y eficaz que funciona y llega, pero que con el tiempo tiende a cansar, ya que la propuesta que el oyente recibe puede acabar de atraer rápidamente. Un tema que no llega a ser una balada propia, pero que cumple claramente dicho rol en este disco. “Rise a Night” es como la pimienta en la carne!! es lo que le faltaba a este disco! Buen power metal, de ese que esperas cuando pones un disco de SONATA ARTICA. Melodía cargada de doble bombo y teclados y guitarras lanzados en un tempo muy elevado. Gran power metal de parte de una de las bandas que vieron y tuvieron la culpa del resurgir de este género. Mi tema preferido de todo el disco. El siguiente corte lleva por titulo “Fly, navigate, comunicatte”, y no llego a pillar el sentido que le quieren dar a estas palabras ?¿? Los teclados de Henrik, de nuevo, inundan toda la estancia, con un palmutter en la guitarra de Elias que queda realmente bien, con ese corte a mitad. La producción del disco es muy buena, no esperaba menos, con un sonido nítido que han cuajado tras una extensa discografía. En el estribillo vuelven a retomar esos estribillos power metal de la casa, un tanto para los fineses! Otro buen tema de autentico power metal, al que aun le habría subido un par de


revoluciones más. Vamos ya llegando al final con los cortes “Candle Lawns” con un inicio en piano y guitarras limpias, muy melódico, un tema cocinado a fuego lento, donde el guitarrista Elias exhibe todo su esplendor, no tanto con velocidad sino con feeling y melodías, y con el tema “White Pearl, Black Oceans (Part II, By the Grace of the Ocean)”, tema que continua la historia iniciada en la primera parte publicada en el disco “Reckoning Night” de 2004, un gran corte que hace justicia a su primera parte. Si algo hay que destacar de esta banda es la facilidad que tienen para buscar la melodía, para transmitir con cada nota, un tema precioso que merece la pena prestar atención a su letra. Y el final del disco llega de la mano de “On the Faultline (Closure to an animal)”. Ya a estas alturas necesito otro registro vocal, el bueno de Tony lo hace bien, pero ese timbre tan meloso y continuo, se me hace demasiado constante y parece que necesito algo distinto. Apoyado en unos acordes de teclado se inicia el tema con unos versos que se me hacen demasiado largos, por desgracia estamos ante un disco de power metal donde hay más temas lentos y melódicos que de power metal!! Una pena, un buen tema, pero no es lo que espero oir cuando pongo SONATA ARTICA y más para despedir el trabajo. Eso si, para relajarte y evadirte un rato viene perfecto. SONATA ARTICA vuelven a la palestra con un nuevo disco que, por suerte para algunos y por desgracia para otros, mantiene la misma línea de sus anteriores trabajos. Un disco con predominancia de temas lentos y melódicos y donde, sólo en algunos pocos cortes, nos recuerdan su versión más power. A los seguidores de toda la vida de la banda les encantará, a mi, por desgracia, no me han vuelto a enamorar. HÉCTOR LORENZO | 7

Lo cierto es que la originalidad está presente en cada uno de los temas, estos chicos de Stockholm hacen que disfrutes de cada canción al máximo, creándote unas ganas de vivir la música increíble. El disco comienza con el tema “Confessions” que le da nombre a este trabajo. Este grupo gracias a este tema podría estar en todos los festivales del mundo, increíble, fresco y con ese toquecito de samples que hacen que sean únicos. Tanto “It’s a shame”, “Star a war” o “Falling” siguen con este rollo festivalero con algunos toques de disco que junto a las muy buenas melodías y estribillos hacen que disfrutes escuchando el trabajo. Este disco es completamente diferente a todo lo que había escuchado antes es bien cierto para nosotros que es un regalo para nuestros oídos. “I like it rough” gana bastante fuerza respecto a los demás temas, con guitarras distorsionadas guiadas por voces melódicas que de nuevo sorprenden de sobremanera. “Still Believe” junto a MADYX es una de los temas más importantes para nosotros del álbum, ya que hacen que se te ponga la piel de gallina, pues es muy sentimental todo lo que ofrece esta canción. Una balada de muy buena calidad. Después de este descanso, nos ofrecen de nuevos esos toques modernos y festivaleros que tanto hemos mencionado, y es que con “Crystalize” volvemos a saltar de la emoción por sus melodías tan características de SONIC SYNDICATE. Los últimos temas como “Burn to live”, “Life is not a map”, “Russian Roulette” o “Closure” de nuevo nos sorprenden por sus características melodías y por esos estribillos demoledores. Finalmente, acaban con “Halfway down the road” un tema que empieza muy tranquilo pero que después coge toda la fuerza y la explota en su estribillo. En definitiva, aun estamos en shock después de este álbum de la banda de Stockholm, ya que rompe con muchos estilos y es muy original. ÁLVARO CASTILLA MEDINA | 9

SONIC SYNDICATE (SWE) CONFESSIONS DESPOTZ RECORDS (CD 2016) Hoy en NECROMANCE traemos algo con tintes diferentes. Y vaya que si hay diferencia, menuda sorpresa nos hemos llevado al escuchar este trabajo de SONIC SYNDICATE. Esta banda originaria de Stockholm se ha marcado un grandioso álbum de los que te dejan con la boca abierta. Podríamos catalogar este trabajo como melódico, pero es que tiene muchos tintes de diferentes estilos que hacen que sea único.

SOULS OF DIOTIMA (ITA) THE SORCERESS REVEALS - ATLANTIS ROCKSHOT MUSIC Estamos ante el último lanzamiento de los italianos SOULS OF DIOTIMA, el tercero de su cuenta particular, el más ambicioso y también el más pretencioso. Y es que presumen de haber creado, según ellos, un estilo único combinando el metal progresivo/sinfónico con

elementos no convencionales pero con un enfoque nuevo. Algo de razón no les falta, pero al fin y al cabo no es nada que no hayamos escuchado antes en grupazos como ORPHANED LAND, THE GENTLE STORM, GAMMA RAY, SAUROM, AYREON, THERION y tantos otros; eso sí, mezclan los diversos estilos de una manera muy resultona. Con “The Sorceress Reveals: Atlantis”, nos presentan un álbum conceptual basado en la mítica ciudad de Atlantis. A modo de cuento narrado a un niño, comienza el disco con “The Sorceress Reveals: Atlantis (Prelude)”, tras la narración que nos introduce en la historia, lentamente va empezando un cañonazo de canción, “The Land of the Wind”, Power Metal de calidad con la excepcional voz de Claudia Barsi y un sonido muy pulido que sorprende gratamente. “Stories, Songs and Celebrations” sigue la línea de la anterior pero en una onda mas Happy Metal, estilo HELLOWEEN o HEAVENS GATE, pero con un elemento diferenciador que mira de cerca a los grandes grupos del neoprogresivo de principios de los 80, como los primeros MARILLION o PENDRAGON. Batiburrillo de estilos que les ha quedado realmente atractivo. A partir de aquí comienzan a dividir las partes orquestales, instrumentales o narradas de las propias canciones a manera de interludios, algo que ya hizo DEVIN TOWNSEND en su segunda entrega de “Ziltoid” para hacerlo más digerible al gran público. “Divine Love” es la balada del disco, con un aire muy de musical de Broadway y uno de los mejores solos del disco. No se le puede poner ninguna pega al sonido de la banda ni a la voz de Claudia, que lucen con luz propia, dejando claro que se trata de un grupo que es sinónimo de calidad. Después del correspondiente interludio, que más bien parece un discurso de la Khaleesi, comienza “Fate and Destiny”, Power Metal Sinfónico, no inventan nada pero lo hacen realmente bien. “Gold and New Horizons” sigue la estela del tema anterior, pero incluyendo instrumentos atípicos en el estilo, como el acordeón, o momentos operísticos que le dan un toque realmente original al tema. Además, incluyen unos tintes barrocos muy marcados, mezclados con guitarras feroces e incluso una sección que roza el funky y el jazz fusión. Original y con un atractivo muy particular que hará que queramos repetir su escucha. “The Battle of Giants” empieza con una orquestación cercana a la BSO de “Bram Stoker: Drácula” pero rápidamente nos adentramos en terrenos metálicos. Se trata de un tema muy diverso donde podemos apreciar multitud de sonoridades distintas, haciéndose eco de la originalidad en cuanto a sonido de la que presumen SOULS OF DIOTIMA. La verdad que escuchando estos dos últimos temas, razón no les falta. “Tears of Fury” nos muestra el lado más potente del grupo, incluyendo como aderezo la voz gutural del bajista Antonio Doro. El tema se basa en sonoridades barrocas sobre una base Power Metal bastante sólida. Tema épico con coros estilo RUNNING WILD para tararear en los conciertos. “Zeus Unleashed” parece un tema de THERION pero con

ese toque teatral que le saben imprimir a la perfección SOULS OF DIOTIMA. “Atlas Condemned” es más potente, pero sigue la tónica de la anterior y nos sumerge poco a poco en el desenlace de la historia. A estas alturas el niño se habrá dormido ya, supongo. “Our Atlantis” es el tema que han elegido para grabar el videoclip de presentación y la verdad es que es un tema que resume muy bien lo que nos ofrece este grupo. Es un tema con una composición exquisita en cuanto a su estructura y con un sonido espectacular donde los diferentes instrumentos empastan a la perfección. Y, como no el prologo de esta bonita historia “The Sorceress Reveals: Atlantis (Prologue)”, pero el niño sigue despierto, ¡Niño cierra los ojos y sueña con Atlantis! Se trata de un disco muy recomendable para los consumidores de este género, con un sonido espectacular, una historia llamativa y el toque de originalidad para no aburrir. DAVID IBAÑEZ ORTUÑO | 6

STEIGNYR (ESP) PROPHECY OF THE HIGHLANDS ART GATES RECORDS (CD 2016) Desde Barcelona tenemos a STEIGNYR que con este “The Prophecies of the Highlands” ya van por su tercer álbum, el segundo de la mano de Art Gates Records, y vaya discazo se han currado este quinteto que practican un Celtic Folk Viking Metal, por poner un nombre que se asemeje a lo que proponen, para que os hagais una idea, lo que más se asemeja sería ELEUVITIE, y yo creo que STEIGNYR les superan en muchos aspectos y tienen un toque más épico. Y como una buena historia empieza con una magnífica introducción “The valley of dragons”, donde os sumergiréis, como en el resto del disco, en sus melodías acompañadas de una base rítmica contundente, y para seguir “Sons of Earth”, donde un comienzo con flautas celtas dan pie a una potente descarga, la voz principal es grave y agresiva, y hay otra voz femenina más suave que le acompaña perfectamente, el contraste de voz death metal y melodías os puede recordar a los primeros AMORPHIS, pero con melodías celtas, no finesas. Y para cerrar el tema la voz femenina para endulzar el final. “Wild Land”, siguiendo la estela del anterior, tenemos un tema cañero y melódico al tiempo, con una parte en mitad buenísima, más adelante una parte narrada, con unas partes orquestadas impresionantes, en gene-


ral en todo el disco. “The last Era”, un tema muy épico, en general la música de STEIGNYR es así, parece que está uno en una película medieval, con unos teclados muy buenos, y la melodía de guitarra siempre presente, a mitad una parte que me recuerda a AMORPHIS, y al final se une la voz femenina. “Wolf´s lair”, principio tranquilo, con guitarras y flauta y algo de percusión, dan una atmósfera medieval muy agradable, y cuando se fusiona con las guitarras distorsionadas pues es una pasada, un instrumental que os encantará. “Hammer of agony”, un principio tranquilo y un riff muy NWOBHM, y avanzamos a un tema más al estilo de STEIGNYR, con alguna parte que la melodía os puede recordar a IRON MAIDEN, pero con el toque propio de la banda. “The Prophecy of the Highlands”, un comienzo que de verdad parece que estás en las tierras altas de Escocia, y ya pasamos a un tema muy rítmico, vuelve la fusión de ambas voces, con buenísimas partes orquestadas, a mitad una parte más tranquila con flautas y voces de coro, a las que se une todo el grupo más adelante para cerrar el tema. “Immortal whisper”, tema suave con la voz femenina y una música tranquila, un bello cantar. “The warrior´s path”, un tema que combina partes más heavy con otras más folk y a medio tiempo. “Awakening of revenge”, un principio que me recuerda a AMORPHIS por la melodía de la guitarra, y sigue copn un tema con una base potente, aquí se une otra voz diferente, más black, partes cañeras y partes melódicas se van entremezclando, alguna parte tranquila en mitad, y cerramos con una parte más lenta. “Spirit of Victory”, principio a piano, y la misma melodía se une en guitarras con el resto de la banda, con un toque épico y majestuoso, más adelante un riff más rápido y cañero, que más adelante se une a una parte orquestada más épica muy buena, y sigue con una parte con varias voces, y una parte siguiente tranquila con flauta y teclado que da paso a otra más cañera y rápida, buenísimo el tema que casi cierra el álbum. Y para cerrar “The grave of heroes”, un tema instrumental que en verdad parece una especie de tema de despedida, con partes de folk, un violín de verdad (no sequenciado), una música que os llevará a las tierras altas, como todo el disco. Bien, pues ya veis que me ha gustado mucho este “The Prohecy of The Highlands” de los barceloneses STEIGNYR, que por cierto hace poco giraron por toda Europa, y salvo excepciones, no son muy conocidos en estas tierras. Musicalmente son muy buenos, con bases rítmicas potentes, baterías poderosas y guitarras tanto la rítmica como la solista muy buenas, las voces también con muy buena línea, tanto la masculina y principal, como la femenina, y los teclados y atmósferas y orquestaciones también muy curradas. Además me consta que son muy buena gente y hay que apoyar a bandas que se lo curran de verdad y apuestan por su trabajo de veras, así que hazte con este disco de STEIGNYR y échale un oído a sus anteriores trabajos que son también muy buenos. VICENTE SÁNCHEZ | 10

Desde Italia tenemos el debut de este joven cuarteto italiano de death metal melódico. STORM OF PARTICLES nos traen un EP homónimo de 5 temas y 20 minutos de duración, con una buena técnica y ejecución, bastante sorprendentes para ser una formación joven. Comenzando con ‘The Storm Approaches’ se nos introduce de lleno en este EP. El breve tema es una instrumental en la que batería y bajo toman protagonismo brevemente para presentarnos las guitarras que nos llevarán de lleno al siguiente corte. En ‘Sun’s Rising in the Fog’ ya tenemos la inclusión de los vocales, que permanecerán constantes a lo largo de este trabajo siendo un gutural fluido bastante bueno. Tenemos también numerosas partes de tapping y algún riff de los que se te quedan pegados, siendo por lo general melodías animadas, tempos relativamente rápidos con algún bajón puntual, concluyendo finalmente con un solo de guitarra muy en la línea del tema que se mezcla con el resto de la instrumental. A continuación viene ‘Everlasting’ que, para mí, es el más aburridillo de este EP. Con riffs bastante sosos y una parte que casi parece un breakdown da la sensación de apartarse del género que buscaban y acercase más a algo rollo metalcoreta; lo que salva a este ‘Everlasting’ es el riff puntual que suena más melódico, pero se asemeja bastante a los que encontramos en ‘Sun’s Rising in the Fog’. En la segunda y última mitad de este trabajo encontramos los temas ‘Aurora’ y ‘Silence Screams’. En ‘Aurora’ empezamos con un doble bombo machacando durante un minuto, tras el cual guitarra y bajo pierden bastante protagonismo para quedar eclipsados por la batería y voz hasta casi la mitad del tema, en que las melodías de la guitarra adquieren forma y protagonismo para, poco a poco, llegar a un tono épico tras el cual volvemos a la fórmula con la que comenzamos. El tema cierra con un cambio de la canción que la hace más pausada y un solo extenso que se me trae un rollito lejano a algún tema más blacker. ‘Silence Screams’ cierra el EP mezclando un poco de todos los cortes anteriores; empieza bastante sosilla pero se anima más cuando toca una parte que me recuerda un montón a ‘The Treason Wall’ de DARK TRANQUILLITY, ya que sobre todo aquí se notan las influencias que esta banda ha tenido sobre STORM OF PARTICLES. STORM OF PARTICLES aún a pesar de ser una banda muy nueva han demostrado una buena calidad en su debut, me han dejado un buen sabor de boca y aunque tienen bastantes detalles que podrían mejorar creo que llegarán a sorprendernos en un futuro próximo. ¡Habrá que seguirles de cerca! GABRIEL PASTOR SÁNCHEZ | 6

SUBTERRANEAN DISPOSITION (AUS) CONTAGIUUM AND THE LANDSCAPES OF FAIULURE HYPNOTIC DIRGE RECORDS (CD 2016)

STORM OF PARTICLES (ITA) STORM OF PARTICLES AUTOEDITADO (CD EP 2016)

Últimamente me siento realmente fascinado por este país llamado Australia, grupos con propuestas realmente creativas, originales y de calidad emergen en grandes proporciones en estas tierras. En esta ocasión nos llega una obra creada casi en su totalidad por el artista Terry Vainoras, personaje detrás de la composición prácticamente de todos los instrumentos de este disco, ofreciendo grandes dosis de metal lento, atmosférico y muy experimental. Con una propuesta llena de originalidad, se nos presentan estos australianos SUBTERRANEAN DISPO-


SITION con su nuevo trabajo “Contagiuum and the Landscapes of Failure”, bajo el sello Hypnotic Dirge Records Seis cortes son los encargados de formar el disco que nos ocupa, seis temas que debido a una duración colosal por parte de cada uno, nos llevaran a estar ante un disco de una duración superior a la hora. A pesar de su duración los cortes no son para nada aburridos, poseyendo cada uno de ellos dinámicas realmente interesantes, y pasajes que van desde el death, doom pasando por el advant garde, el post metal, el jazz o incluso folk, todo ello mezclado con dosis de buen gusto y buena coherencia, logrando que cada pista de la cinta logre parecer varias canciones en una. Cada canción tiene cosas que ofrecer, la utilización de ciertos instrumentos poco habituales en el género como violines y Saxos, le da un toque especial en ciertos pasajes de cada tema, creando situaciones realmente emotivas, tensas, macabras he incluso en ocasiones relajadas. La experimentación está a la orden del día en “Contagiuum and the Landscapes of Failure”, de ahí que sea un cd para nada previsible, que puede salir por donde que menos te lo esperas. En general cada tema es excelente, logrando sorprender al receptor de buena manera, los tres primeros guardan un halo realmente especial, algo suyo que enamora con sus cambios, sus sorpresas y sus pasajes. “All Road Lead to Perdition” tema elegido para presentarlo en forma de video, es desde mi punto de vista, la pista más plana de toda la obra, mostrándonos algo no tan saliente de la regla, el tema que lo continua es “A Life Long Slunber”, al contrario se convierte en el más experimental, gracias a esas guitarras e instrumentos difuminados cargados de distorsión y atonalidades. SUBTERRANEAN DISPOSITION se ha convertido con este “Contagiuum and the Landscapes of Failure” en un grupo a tener en cuenta dentro de las amplias fronteras del post metal y del metal experimental, con una propuesta muy bien elaborada y con grandes ideas que no pasaran desapercibidas por los amantes de estos subgéneros. HÉCTOR HIDALGO ARÉVALO | 8

tros vocales de Mike, lo mejor del disco, Mr. Muir no es tonto y sabe que tener un bajista superlativo es fundamental para el buen funcionamiento de la banda y en esta ocasión no iba a ser menos. Desgranando el disco de modo muy general y tras muchas escuchas, observo una primera parte más cercana a los discos grabados en el siglo veintiuno, como pueden ser las pistas “The New Degeneration”, “Living for Life” o la que da título al disco “World Gone Mad” y una segunda que va más encaminada a trabajos como el “Ligths… Camera… Revolution” o “The Art of Rebellion” en el que encontramos cortes como “The Struggle is Real”, la atmosférica “STill Dying to Live” o la enorme composición que cierra el disco “This World” que para mí es sin duda la mejor del disco. También es de destacar la canción que abre este trabajo discográfico, la cual fue elegida como primer adelanto y que se podía adquirir automáticamente al hacer el preorder del disco, que no es otra que “Clap Like Ozzy” (aplaude como Ozzy), en clara alusión y homenaje, a su manera, al Madman. En definitiva, estamos ante un enorme trabajo discográfico sin duda alguna, de largo el mejor desde el “Suicidal for Life” y muy cercano a sus obras maestras, aquí se sabe lo que se va a encontrar el que le dé una oportunidad y escuche este disco, si te gusta SUICIDAL TENDENCIES no dudes un instante en hacerte con él, y si no te han gustado nunca, por los pañuelos, chándal o bermudas, no pierdas el tiempo, que el mundo está lleno de “haters”. CARLOS BERMEJO | 9

SURTUR (BGD) DESCENDANT OF TIME WITCHES BREW (MCD 2016)

SUICIDAL TENDENCIES (USA) WORLD GONE MAD SUICIDAL RECORDS (CD 2016) Tres años después de su anterior trabajo discográfico “13”, el quinteto de Venice Beach SUICIDAL TENDENCIES saca al mercado su nuevo álbum “World Gone Mad” el treinta de septiembre a través del sello Suicidal Records. En este disco Mike Muir y Dean Pleasants se han rodeado de músicos excelentes como el bajista Ra Díaz, el guitarrista Jeff Pogan tras la salida de Nico Santora o del fichaje que más transcendencia ha tenido de todos ellos, el ex-SLAYER Dave Lombardo. En cuanto al álbum en sí, encontramos once temas repartidos en poco más de cincuenta y seis minutos de duración con una mezcla de Thrash, Crossover, Punk y Hardcore al que tan bien nos tienen acostumbrados, al que si hay que ponerle alguna pega sería que en algunas fases del disco, no muchas, los ritmos del señor Lombardo no acaban de convencer del todo para la propuesta de la banda, y muy a favor tienen tanto el gran sonido obtenido en el disco como las pistas de bajo grabadas por Ra Díaz, sin duda junto a los regis-

Tenemos ante nosotros el EP debut de SURTUR, el cuarteto formado en 2012 y procedente de Dhaka (Bangladesh) que lanzaron en primera instancia y de manera autoeditada el pasado mes de noviembre este “Descendant of Time”, el cual tres meses más tarde fue editado por el sello alemán Whitches Brew. El EP consta de cuatro temas, con una duración total de algo más de quince minutos de en el que la banda nos ofrece un Thrash Metal extremo y agresivo, bebiendo directamente y sin tapujos del old school de los ochenta no solo en las composiciones, también en el sonido de la grabación, ciertamente no sé si ese sonido es buscado a conciencia o no el conseguido en Sonic Occult Production por Maamar Huq, pero lo cierto es que le va como anillo al dedo a su tan reconocible propuesta. Del artwork se ha encargado Safwan Hossain, en el cual se refleja perfectamente la crudeza que te encuentras en la grabación. El disco abre con “Prologue to Chaos”, corte instrumental a modo de intro lenta e inquietante, que da paso a “Descendant of Time” el da título al trabajo discográfico, y desde el minuto cero observamos los dos factores predominantes en este álbum, la gran calidad técnica, aun por pulir algo más, pero de potencial enorme, y la agresividad en sus composiciones, algo que es constante en este disco. “Maggot Filled Brain” es la que llega a continuación, y es un corte muy completo, quizás el que más, con variedad de riffs y cambios de ritmo y como ocurría a menudo con las bandas de los ochenta, con mucha carga instrumental. El álbum cierra con “Demolisher” y discurre por derroteros muy distintos al resto, un tema que comienza lento pero enseguida se convierte en

una auténtica locura, con unos riffs endemoniados al igual que su base rítmica, convirtiéndose de hecho en el mejor corte del disco y por consiguiente excelente para cerrar este EP, el cual invita a reproducir este cd otra vez, claro signo de que estamos ante un buen disco. Estamos pues ante un excelente debut de una banda con cuatro años de antigüedad en el que una cosa tienen claro, el Thrash Metal de la vieja escuela es su apuesta, el disco se hace corto y te deja con ganas de más, poseen un potencial enorme, sin duda es un grupo a tener en cuenta, estaremos atentos a ellos. CARLOS BERMEJO | 9

TEMTRIS (AUS) ENTER THE ASYLUM BATTLEGOD RECORDS (CD 2016) “Enter the Asylum” es el cuarto larga duración de los australianos formados en 1999 TEMTRIS, el cual salió al mercado el nueve de abril a través del sello Battlegod Productions en formato digipack. En este álbum nos encontramos con poco más de cincuenta minutos de un Heavy Metal tradicional y potente a parte iguales, con claras influencias a las bandas referencia en los años ochenta, repartidos en los doce temas que componen este disco, en el que se incluye una intro. El sonido de la grabación obtenido en Main Street Studios es muy bueno, un sonido actual pero para nada sobreproducido, muy acorde a su propuesta. Para el artwork de este disco han contado con el ilustrador Darrell Firth con el espectacular resultado que podéis observar. En cuanto al disco en sí, se percibe mucha fuerza y energía que, si encima lo comparamos con su anterior disco “Shallow Grave”, la diferencia es muy notable, y gran culpa de ello recae sobre su nuevo baterista, el ex de los legendarios thrashers australianos MORTAL SIN, Wayne Campbell. Podemos encontrar cortes como “Enter the Asylum”, “Season of Decay” o “Phoenix” de Heavy Metal potente los cuales sin duda, hará las delicias de los amantes de los sonidos más clásicos, a pistas con mucha carga de Thrash Metal como “Darkness Falling” o “Seaason of Decay” e incluso temas con influencias más claras de Power Metal como en “Break the Skin” o “Nightstalker”, en el resto de cortes se fusionan estos estilos muy acertadamente, sobre todo no haciendo un uso excesivo de la faceta progresiva, incluido la balada “Lament” que si bien de primeras pasa desapercibida, en las siguientes escuchas gana muchos enteros. Lo que está claro es que han conseguido hacer un cd muy completo y ameno donde destacan la buena composición de las canciones y la portentosa voz de su frontman Genevieve Rodda, perfectamente acoplada a los cortes sin buscar protagonismo. En definitiva, nos encontramos ante un buen trabajo de Heavy Metal al que la banda da su toque personal con sus dosis de Thrash y Power Metal, un disco entretenido que es altamente recomendable sin duda. CARLOS BERMEJO | 8

NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | 77 | OCTUBRE 2016

TERRORWAY (ITA) THE SECOND BAKERTEAM RECORDS (CD 2016) El nuevo LP del grupo italiano TERRORWAY se llama “The Second”, y sale al mercado lanzado por la discográfica Bakerteam Records. Formados en febrero de 2009 en San Gavino Monreale, Cerdeña, tras cambios en la formación, actualmente el grupo lo componen Andrea Orrù en la voz, Ivan Fois a la guitarra, Giovanni Serra al bajo y Cosma Secchi a la batería. El primer tema que nos encontramos en el trabajo es “Under the Light of a Broken Down” una canción que nos abre con unos sonidos de guitarras muy cortos, para darnos melodías muy tranquilas, junto con unas voces muy suaves acompañados de unos coros. Todo esto nos da un estética muy oscura sobre la que suena el resto del tema, aderezado con partes con algo de electrónica. Más adelante introducen ritmo más pesados junto con voces guturales, que les hace ganar en potencia. “Torment” nos abre con un sonido agudo, para aparecer unos ritmos de batería constantes en los que en ciertas partes instrumentales toma mucho protagonismo, junto con el bajo, que mantiene un sonido espectacular durante todo el tema. Las guitarras nos brindan unos ritmos rápidos, manteniendo un sonido muy parecido al bajo en ciertas partes, donde a veces, llegan hasta a confundirse. Las voces guturales son muy potentes, llegando a marcar bastante bien los juegos con las guitarras en algunas partes. En el ecuador del trabajo nos topamos con “Enter the Columns” en el que nos adentramos por medio de unos sonidos muy leves y extraños junto con otros de guitarra, para dar paso al siguiente tema, “Columns” que arranca de manera estrepitosa con unos guitarras muy contundentes, y marcando unos ritmos muy pesados, que junto con las voces, crean una potencia increíble. El sonido de batería es increíble, subiendo la potencia del resto de instrumentos cuando es necesario, y bajandolo igualmente, hace un trabajo magistral. Ritmos pesados y rápidos de bajo nos encontramos también en este tama, que donde más destacan es en las partes instrumentales, pasando a segundo plano y escuchandose bastante bien. “Threshold of Pain” es el tema encargado de cerrar el trabajo de estos italianos, el cual, junto con una melodía de fondo, nos dan unos ritmos frenéticos tanto de batería como de guitarras, para arrancar con un grito desgarrador a la vez que combinan ritmos más pesados con estos más rápidos, creando una sensación de velocidad y furia a la vez, dificil de conseguir. Unos solos de guitarra, rompen la monotonía de los ritmos, donde destacan todas las cuerdas, tanto bajo como guitarra componiendo melodías alucinantes. El nuevo trabajo de TERRORWAY trabajo cargado de unos ritmos super frenéticos, donde van combinando ritmos rápidos con otros más pesados, que junto con las voces guturales, hacen que cada segundo de los temas sea una pasada. El buen que hacer de la producción está ahí, dándole mucho protagonismo al bajo, que hace una labor inmensa. Si que a veces, los temas se pueden hacer algo pesados y repetitivos, por lo que intentan meter algunos solos o partes instrumentales, donde romper la monotonía, a veces lo consiguen, otras no. En definitiva, es un buen trabajo si te gustan los ritmos pesados con voces muy cañeras, por lo que


te aconsejo que le eches unas escucha. JORGE DE LA CRUZ |

8

TESTAMENT (USA) BROTHERHOOD OF THE SNAKE NUCLEAR BLAST RECORDS (CD 2016) “Brotherhood of the Snake” es el decimosegundo larga duración de los míticos thrashers californianos formados en 1983 (hasta 1986 como LEGACY) TESTAMENT que, como ya ocurriera con sus dos trabajos discográficos anteriores, ha sido editado por el sello Nuclear Blast Records. El álbum que verá la luz el próximo veintiocho de octubre cuenta con una duración total de algo más de cincuenta y cinco minutos repartidos en diez cortes, el quinteto practica obviamente, un Thrash Metal de la vieja escuela californiana, como no podía ser de otra manera ya que son uno de los pilares en los que se apoya este género. El álbum ha sido producido por el jamaicano afincado en California Juan Urteaga (EXODUS, LÄÄZ ROCKIT, SADUS, MACHINE HEAD,…) bajo la supervisión de Eric Peterson y Chuck Billy, para la mezcla y masterización han vuelto a contar con un caballo ganador como Andy Sneap (MEGADETH, NEVERMORE, ACCEPT, KREATOR,…) logrando un óptimo sonido y totalmente acorde con el estilo tan característico de la banda. La portada ha corrido a cargo, como en sus dos trabajos anteriores, del artista israelí Eliran Kantor (EVILE, MASTER, SODOM, CROWBAR,…) con el excelente resultado que podéis observar. El trabajo comienza con “Brotherhood of the Snake”, corte que da título al disco y en el que los de Oakland nos muestran desde el minuto uno por donde van a ir los tiros, y es que desde el inicio ya vemos que no nos van a decepcionar, que va a empezar a sonar algo grande, una continuación perfecta a su anterior álbum, pero con un Chuck Billy más agresivo, excelente tema para abrir el disco sin duda, como ocurre con la siguiente pista “The Pale King” que discurre por la misma senda que la primera y en la que, sin desmerecer el trabajo anterior de Greg Christian, la vuelta a los mandos de las cuatro cuerdas por parte del señor DiGiorgio es otro de los puntos fuertes de este disco. A continuación llega “Stronghold” que es sin duda uno de los cortes más destacables del álbum, es TESTAMENT en estado puro, donde entremezclan las partes rápidas con otras más pesadas como la de los estribillos tan marca de la casa, pegadizos desde la primera escucha. En “Seven Lies” y “Born in a Rut” nos entregan dos cancines de Thrash de corte machacón y melódico, con mucha carga de guitarras donde, evidentemente, destacan sobre el resto sus hachas Eric Peterson y Alex Skolnick, sobre todo en las partes de los solos de guitarra donde muestran todo su arsenal. Después de estos dos cortes más lentos volvemos a la velocidad con “Centuries of Suffering” un track directo a tu yugular, sin contemplaciones en su poco más de tres minutos de duración de auténtico disfrute para tus oídos. Con “Neptune´s Spear” nos volvemos a encontrar con una canción que podemos considerar como medio tempo, con unos riffs tan buenos como pesados, en la que destaca la pista de batería registrada por Gene Hoglan que consigue que no pierda fuerza el corte en ningún momento, así como el solo de guitarra, magistral y cargado de feeling, gran tema sin duda. A continuación llega “Black Jack”, un claro ejemplo de

cómo mezclar clase y agresividad a la perfección, y es que en este terreno son la banda referencia sin duda, melodías de guitarra, blast beats, fases machaconas y riffs vertiginosos, todo en una misma canción para terminar aderezándola con un Chuck pletórico. Llegamos al final del disco con las dos últimas pistas “Canna Business” y “The Number Game” que son dos cortes que poseen el auténtico sello Bay Arena, la velocidad propia del estilo entremezclada con las partes más machaconas existentes en las composiciones hacen de ellos dos de las pistas más destacables del disco, sobre todo la última, que como curiosidad su letra está coescrita por el propio Chuck Billy y el frontman de EXODUS Steve “Zetro” Souza, y es otra de las canciones más destacables sin duda e ideal para poner el broche final a este excelente álbum. TESTAMENT no nos suele defraudar en sus más de treinta años de carrera y con este nuevo disco no iban a ser menos, no hacen otra cosa que reafirmarse como una de las bandas referencia del género. CARLOS BERMEJO | 9.2

contrapua, variedad en las líneas y acordes rasgados, pero que aún así no consigue dejar atrás el resto de los músicos. En especial a las voces que creo que han marcado un trabajo de matrícula. Extrema pero sin acaparar, con variedad de tonos pero sin aburrir y con unas líneas vocales y dobles voces soberbias.Si ya sabía yo que Zoilo y los suyos no me iban a fallar!!! SANTI GLZEZ | 8

THE BROWNING (USA) ISOLATION SPINEFARM RECORDS (CD 2016)

THE ANTHAGONIST (ESP) WHEN BLOODY SUNSET ARRIVES DOWNFALL RECORDS (CD EP 2016) Muchas ganas tenía de echarme a la oreja algo nuevo del crack Zoilo, pues sus trabajos con UNREAL OVERFLOWS son impresionantes y su trabajo como técnico de sonido, al margen de sus habilidades como músico, queda ahí, para el deleite de todos. Pues por fin lo tengo, en formato EP, con lo cual me quedo con muchas ganas de más, pero bueno, todo se andará, o eso espero. El trabajo ha sido grabado en sus propios estudios, con lo cual el sonido es de alto nivel. Potente, suficientemente orgánico pero sin pasarse de sucio, equilibrado y natural. Todo encaja para un trabajo de este estilo y características, consiguiendo así que se escuche todo sin cansar y disfrutando, sin pensar en ningún momento que es un producto enlatado, sino una banda con bagaje. Olvidaos, de todos modos, tanto del sonido UNREAL, como de su técnica y composiciones. THE ANTHAGONIST van más al grano y nos presentan seis temas de Death/black feroz pero no excesivamente veloz, rabioso pero armonioso, melódico con moderación, personal pero de fácil digestión y con un aura que les hace tener cierta personalidad propia. Y digo cierta personalidad aunque lo primero que se viene a la cabeza al escuchar el trabajo, las melodías y muchas armonías son los americanos NILE, así que ya sabéis a qué tipo de escalas armónicas me refiero. Y al escuchar los tempos, ritmos y sobre todo la voz, los coros y las líneas vocales de Adrián González no puedo quitarme de la cabeza a BEHEMOTH. Como veis no es algo realmente novedoso, pero todos sois conscientes de que está mezcla cuando se hace con buen gusto da unos resultados brutales. Si a esto añadimos que cuando aprietan el acelerador tienen cierto sabor a MELECHESH… imaginaos, la mezcla ya pone la piel de gallina pues conjugan brutalidad, melodía, velocidad y medios tiempos armoniosos con un orden que, junto a la cortísima métrica del trabajo, hace que cuando te quieras dar cuenta ya lo estés escuchando por segunda vez ya que la primera te deja pendiente de un hilo. Un EP prácticamente hecho a la medida de las guitarras, este instrumento es el rey, con muchos riff, púas

Desde Kansas City, tierra del Mago de Oz, y a través de Spinefarm Records, nos llega el último trabajo de THE BROWNING, “Isolation”. Una potente mezcla de metal, deathcore y electrónica, mucha electrónica, donde los break down están asegurados. Este es el tercer trabajo del cuarteto de Kansas formado por Jonny, encargado de las voces y la electrónica, Cody a la percusión, Brian a la guitarra y Rick al bajo. Con una portada donde un exoesqueleto expone su rabia en un ambiente postapocalíptico, inspirado en el film preferido de la banda Terminator y Arnold Schwarzenegger. Con su anterior trabajo, “Hypernova”, triunfaron con multitud de conciertos y abriendo para grupos de la talla de FEAR FACTORY, STATIC X o CHELSEA GRIN. Veamos que nos deparan en este último LP. “Cynica”, nos deja claro desde el principio lo que vamos a escuchar, metalcore potente y agresivo, incluso juegan con toques de deathcore, acompañado en todo momento por la música electrónica. Con un inicio muy potente, nos presentan el primer break down acompañado de un sample de fondo para taladrarnos con unas guturales muy profundas y contundentes, el cambio en la parte central es brutal, así como el final del tema. “Pure Evil”, nos mete en una fiesta de hardcore, pero electrónico, con una percusión inicial también tratada a base de samples, hasta que un break inicia las melodías de Brian Moore a las seis cuerdas y las voces de Jonny Mcbee golpean a diestro y siniestro, en uno de los temas más electrónicos del disco. “Isolation”, tiene unos riffs muy cortantes (parecidos a RAMMSTEIN) al inicio, transformándose en un corte machacón y pesado que juega con los ritmos, los tempos y las atmosferas industriales. “Dragon”, es más oscura y densa, con un estribillo con mucha luz y repleto de melodías, continuando en esta línea con “Fallout”, donde destacan las orquestaciones en las estrofas y un estribillo donde aparecen voces limpias y toques de voces femeninas en segundo plano. “Vortex” es otro tema oscuro, con unos matices electrónicos que acrecientan la oscuridad, unidos a ritmos pesados y continuistas. Pasamos la mitad del álbum con “Spineless”, uno de los temas más bailables, donde el “circle pit” está asegurado tras la aceleración en las estrofas. Corte contundente y de los que más me gusta, pues derrocha mucha agresividad a la vez que apuntalan la fiesta con una electrónica central destacable. A estas alturas se espera un respiro, otorgado por “Hex”, tema corto que sirve de interludio, con un inicio muy lento y ambiental, donde intercalan estrofas habladas en susurros con cambios más directos y guturales. Pero con “Phantom Dancer”, vuelven a hacer de las suyas y aporrearnos con unos ritmos con toques hardcore en las voces, acelerando por momentos mientras los timbales juegan en una ronda típica, solo cortada por los breakdown y unos ritmos ralentizados de guitarras. Uno de los

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temas más rápidos del álbum, sobretodo en su parte central. “Cryosleep”, lleva el house en su interior, teniendo un gran peso la electrónica que es la que dirige al resto de la banda. Un corte distinto, festivo y dispuesto para saltar, a buen seguro que en directo será la bomba. Una de las mejores del álbum, que rompe un poco con la monotonía que encierra en algunos temas, muy parecidos entre sí. “Disconnect” y “Pathology”, ponen el punto y final, donde la gran versatilidad de THE BROWNING está en la electrónica. El primer corte encierra una parte rapeada en su interior, con unas voces trabajadas y dobladas. El segundo y corte final, sigue en la línea del disco, destacando la ambientación que recrean en él y una parte central de las mejores del álbum, que cuenta con un estribillo muy melódico donde mezclan voces limpias y guturales. THE BROWNING, crean un buen disco de metal/core/ electrónico, con temas destacados como “Spineless”, “Cryosleep”, “Pure Evil” o “Spineless”. El germen THE ALGORHITM, RETRACE THE LINES o WE CAME AS ROMANS, se dejan entrever en su música, que a veces puede resultar un poco repetitiva. JUAN ANGEL MARTOS | 7

THE DEVIL WEARS PRADA (USA) TRANSIT BLUES RISE RECORDS (CD 2016) El problema que tiene “Transit Blues”, el sexto disco de los americanos THE DEVIL WEARS PRADA, es que comienza con las dos mejores canciones de todo el álbum, que además son las más cañeras. Tanto “Praise Poison” como “Daughter” son dos burradas, algo más caóticas que de costumbre, dicho en el buen sentido, que no llegan ni a los tres minutos. Con semejante arranque, es fácil pensar que van a superar al anterior “8:18”, pero desafortunadamente los americanos no han conseguido duplicar su hasta ahora obra maestra. Aunque tampoco se han quedado muy lejos… Tras ese demoledor arranque, el grupo se entrega a investigar los caminos que iniciaron en su predecesor, aumentando los ritmos tranquilos, las atmosferas electrónicas y la experimentación. Es de agradecer su intención por innovar dentro de un estilo tan necesitado de novedades como el metalcore, pero es cierto que uno echa en falta algo más de caña, aunque no os confundáis, tampoco son un grupo de baladas, sino que en un mismo tema pueden convivir partes más tralleras con partes más calmadas. Tras una perfectamente melódica “Worldwide”, “Lock &Load” y “Flyover States” ofrecen más desarrollos instrumentales sin olvidar en ningún momento los fantásticos desgarrados de Mike Hranica. Apoyándose en una fuerte presencia de teclados, “Detroit Tapes” recupera la velocidad y la contundencia. En “The Condition” y “The Key of Evergreen” parten los temas en dos mitades: una primera parte burra y un final melódico. Mención especial al fantástico riff de esta última. “Submersion” es un melódico medio tiempo y “Home for grave Part. 2” es la sorpresa del disco, ya que presenta un sentimiento casi crooner e Hranica ofrece nuevos registros de voz, más cantados, dejando los gritos para el estribillo del tema. En “Transit Blues” vuelven los riffs duros, que ya se echaban en falta tras dos temas tan pausados, para cerrar el álbum como empezó: como un tiro.


En definitiva, este “Transit Blues” es otra muesca en el revolver de THE DEVIL WEARS PRADA, que tras el irregular debut “Dear Love: A Beautiful Discord”, cuentan sus lanzamientos como aciertos. Son, en mi humilde opinión, el grupo en activo más interesante dentro del metalcore, ya que sin salirse mucho de las coordenadas establecidas, siempre buscan ofrecer algo más al oyente y son unos fieras a la hora de realizar al mismo tiempo temas duros como el infierno y tremendamente melódicos, sin que la mezcla chirríe. Lo único malo que puedo decir del grupo: molando tanto… ¿cómo pueden ser cristianos? ALBERTO ZAMORA | 8.5

THE DILLINGER ESCAPE PLAN (USA) DISSOCIATION PARTY SMASHER INC (CD 2016) Tras casi 20 años en activo, en su vigésimo aniversario que será en 2017, los americanos THE DILLINGER ESCAPE PLAN, se despedirán del mundo con una gran gira presentado el que será su último disco y el que tenemos entre manos “Dissociation”. Definir su música es muy complicado, Weinman y Antreassian (guitarras), Wilson (bajo), Puciato (voces), Rimer (percusión), son únicos, mezclando una esquizofrenia rítmica repleta de transiciones asimétricas y progresivas, con toques de mathcore, hardcore, jazz…, un sonido muy propio y es lo que los hace muy grandes. “Limerent Death”, primer single que se dio a conocer del álbum, nos golpea con un inicio pesado y contundente, para introducirnos en su show particular de ritmos disonantes, agresivos y densos, un carnaval de violencia asegurada. Pero THE DILLINGER ESCAPE PLAN, en “Symptom OF Terminal Illness”, nos muestran su otra cara, un tema donde las melodías y voces más limpias y calmadas crean una estructura totalmente diferente con unas guitarras muy atmosféricas dentro de su mundo, repleto de bipolaridad. “Wanting Not So Much To As To”, nos rompe el idílico retazo de calma en el que nos habían imbuido, con un mar de riffs enrevesados y unos ritmos contundentes a más no poder, dándonos un respiro a base de percusión, en la parte central aderezados con efectos electrónicos, mientras las guitarras juegan con la narración de Puciato, que se toma su parte limpia para llenar de contrastes este corte. “Fugue”, nos presenta un interludio instrumental, a base de programaciones y electrónica, como si de la banda sonora de “Réquiem por un sueño” se tratara, en su momento más álgido de “colocón”. “Low Feels Blvd”, es directo, con ritmos incisivos donde el headbanging está asegurado, hasta que una parte central donde los toques jazzísticos y progresivos quedan presentes, en un fragmento espectacular, un temazo, al igual que “Surrogate”, la cual presenta una estructura muy similar a la anterior, pero introduciendo un ambiente más industrial en la parte final (me recuerda algo a NINE INCH NAILS). “Honeysuckle”, es agresiva, y guarda una estructura compositiva muy original, jugando constantemente con los tempos, con ritmos desquiciantes y toques de fuzzy jazz, pero que acabaran por volverte loco con un final brutal. “Manufacturing Discontent”, no nos deja descansar, con unas estrofas muy directas y contundentes, mientras Puciato juega con sus registros vocales y los riffs nos machacan una y otra vez en la parte

central, para llevarnos a un final donde los toques electrónicos se entremezclan con la estructura. “Apologies Not Included”, es más hardcore y rockera en su primera parte, con una percusión a cargo de Rimer brutal, y un desarrollo in crescendo. “Nothing To Forget”, nos acerca al final del LP y nos vuelven a sorprender, con un corte distinto a todos los demás, voces limpias, melodías más pausadas, aunque sin perder contundencia y una parte central, muy ambiental y oníricaen la que resuenan ecos a FAITH NO MORE. Puciato nos envuelve con un toque melódico susurrado, mientras samples de violines y teclados hacen lo propio, acompañado en todo momento por una batería muy técnica. El culmen del álbum llega con el título homónimo “Dissociation”, un tema que sorprenderá a propios y extraños, encerrado en un halo electrónico con inclinaciones a BJORK o EMPRESS OF, nos introduce en un viaje astral místico y etéreo, como si nos separásemos del ente físico que lo contiene. Un corte que personalmente me encanta, con unas melodías vocales repletas de matices, demostrándonos de lo que son capaces de crear estos chicos de New Jersey. Un punto y final a su altura. THE DILLINGER ESCAPE PLAN, se despiden, y lo hacen por todo lo alto, con un álbum repleto de agresividad y paranoia, pero a la vez que nos muestran su lado más creativo y nos ofrecen pasajes inolvidables, como el ultimo corte “Dissociation”. Destacan también “Low Feels Blvd”, “Limerent Death” o “Wanting Not So Much To As To”. JUAN ANGEL MARTOS | 9

THESE HANDS CONSPIRE (DEU) SWORD OF KORHAN VAN RECORDS (CD 2016) Desde Berlín, Alemania, nos llega el último trabajo de THESE HANDS CONSPIRE, el cual lleva por nombre “Swords Of Kohan”, representando su estilo musical propio, aunque cercano al doom/heavy metal y como ellos se definen “Psy-Fi Metal”. Formados en 2013, en el que se dieron a conocer mediante una demo de dos canciones, ya daban rienda suelta a su peculiar sonido, imbuido por la música de los ’80, era dorada del heavy metal clásico, al cual le otorgaban un punto de la psicodelia de los ’70 y del doom metal. Además de su sonido particular, una historia galáctica se encierra en sus letras, donde nos cuentan las aventuras de Ilior the Nova Rider del planeta Korhan, un rey/dios con aspecto de humano (estilo a Thor en mitología nórdica), que viaja realizando misiones por distintas galaxias. Todo esto y más es lo que encierra el metal de ciencia ficción de THESE HANDS CONSPIRE, editado a través de Ván Records, y sus 8 cortes que analizaremos a continuación. Tras una introducción que va creciendo lentamente, a base de los riffs de guitarras y una percusión a base de timbales, “Praise To The Nova Rider”, engancha perfectamente y donde podemos observar el sonido que la banda pretende transmitirnos. Un tema que se inicia como si de un medio tiempo se tratase con unos riffs muy rockeros, pero a la vez la presencia del bajo de Paul, le da un toque muy grave. Tras el desarrollo de una parte instrumental, con una melodía con algún toque oriental, aparecen las voces y el tema se transforma en ritmos heavies ochenteros y, pero con un toque de psicodelia dado sobre todo por las voces. Un tema largo, variado y trabajado para empezar el álbum. “The

Beast Cometh”, enlaza con los últimos toques del tema anterior. Con un inicio en la línea del tema anterior con toques setenteros, en su segunda mitad se vuelve más denso y oscuro, dotándolo de ese toque doom que encierran en sus composiciones. Grupos como SAGH, MUSTACH, incluso el aire de BLACK SABBATH está presente en su música. “The Inner Core Of The Middle Sun”, continua nuestra carrera espacial. Uno de los puntos que tienen a su favor es la voz Félix y su forma de cantar, aportándole esos toques psicodélicos y clásicos. Destacando en este tema la percusión de Sascha y las guitarras dobladas de Tom y Stefan. Ellos aceleran y ralentizan su música cuando quieren, juegan con los tempos de las canciones a su gusto, para llevárselas al terreno que más les convenga, este corte es un claro ejemplo. “The Battle Of Sur”, es un tema más directo y rápido, la historia llega a su punto álgido en uno de los mejores temas del álbum, tanto por los riffs, el ritmo que infligen y las estrofas vocales. Es el tema más corto del álbum, pero es una pasada, convirtiéndose en uno de los que más e escuchados y del que me encantan la potencia de un bajo insistente y los riffs de guitarras entrecortados y contundentes. Temazo. “Ambush At Antarox IV”, parece emprender el viaje de nuestro héroe tras la batalla, aunque algo tocado y en un corte que me recuerda a IRON MAIDEN, salvando las distancias en los ritmos de las guitarras, jugando con un estribillo muy pegadizo y rockero, donde Félix, aplica un tono más agudo, antes de llegar uno de los solos del disco, para volver a unas melodías acunadas en “la doncella de hierro”. Otro de los temas que tiene el álbum y que nos llevará hasta el último corte, “Son Of Korhan”. Un tema con dos partes bien diferenciadas, una primera mucho más oscura y con toques doom, que cambia a mitad del tema con un cabalgar de las guitarras hacia derroteros más rockeros. THESE HANDS CONSPIRE, tienen un estilo particular, que personalmente me quedo con sus temas más rápidos y rockeros como la gran “The Battle Of Sur”, un temazo en toda regla. O “Ambush At Antarox IV”, con un gran desarrollo. Doom y psicodelia mezclada con ritmos clásicos de la NWOBHM. JUAN ANGEL MARTOS | 7

enrevesados, pero que harán las delicias de los amantes del género, músicos muy técnicos, y un vocalista que le da el juego perfecto con su voz a la música de THIRD ION, es una mezcla de dureza y limpieza y nitidez a la vez, con alguna parte con coros. Os pueden recordar a bandas como DREAMTHEATER con algunas partes de verdadero aquelarre técnico. “Cosmic delusion” sigue la tónica de la anterior, técnica, partes progresivas, estribillos buenos y muy inspirados. En esta también puede que os recuerden a DREAMTHEATER, la comparación es inevitable, ya que los americanos digamos que son el estandarte del estilo. “Biolith”, qu da título al álbum es una obra de más de diez minutos, y vaya diez minutos amigos, una mezcla de todos los estilos que manejan estos canadienses, desde la intro que es música de videojuego ( que tiene que ver con la temática del grupo) hasta partes cañeras con un doble bombo potente, y la parte death metal que os comentaba al principio, buenísima y sorprendente en una banda de este estilo, las partes progresivas sobresalen pero son a la vez cañeras, y la parte acústica de en medio es para enmarcar, muy buena también. Seguimos con las partes progresivas y cañeras a un tiempo, algunas con aire rock sureño, otras incluso con blast beat, buenos estribillos, un temazo para dar título a este gran disco. “Status undetermined”, un principio tranquilo, y pasamos a un riff cañero con compases complicado, la parte cantada muy tranquila para finalizar. “Illogical” un principio tranquilo con cierta atmósfera espacial y aire jazz fusion, tipo CYNIC por poner un nombre, aunque estos tienen un estilo diferente para seguir los temas, algo más heavy, este tema tiene un aire más digamos rock americano, con partes progresivas y técnicas muy buenas, estribillos pegadizos pero no comerciales, y cerramos como hemos empezado. “Lessons burned”, un principio más metalero a medio tiempo, que a medio camino cambia de velocidad y términos para más rápido y técnico, aunque en la parte de voz sigue a su medio tiempo y contratiempos a partes iguales. “Temporal divide”, cierto aire BLACK LABEL SOCIETY, rollo rock sureño, intercalando partes más progresivas, una vez terminada la parte cantada viene una sucesión de partes técnicas muy buenas, con un final potente. “Corpus solaris”, último tema del disco, con aire de película de ciencia ficción, atmósfera espacial, sonidos extraños conjuntados a la voz, una outro bastante buena. Pues estamos ante un muy buen disco de metal progresivo, con partes muy inspiradas, musicalmente como podréis suponer pues son unos fenómenos, y el vocalista se adapta perfectamente, el sonido es nítido, como corresponde a este estilo, y en las partes cañeras se nota la potencia que requiere. No os lo podéis perder los amantes de las bandas más técnicas, es un aire fresco para el estilo. VICENTE SÁNCHEZ | 8.5

THIRD ION (CAN) BIOLITH GLASSTONE RECORDS (CD 2016) Los canadienses THIRD ION, formados en 2010, presentan su segundo álbum tras su exitoso debut en 2015 tanto en críticas como acogida “13/8 bit”, esta vez el título es “Biolith” y nos traen una buena muestra de metal progresivo con partes thrash, otras más cercanas a bandas de su estilo como DREAMTHEATER, y otras partes van directamente al death metal técnico, así que fijaos de lo que estamos hablando, un auténtico grupazo que no se pone límites en cuanto a composición y gustos, y es que sus cuatro miembros son músicos experimentados que vienen de bandas como INTO ENTERNITY, THE DEVIN TOWNSED BAND o ANNIHILATOR, en este álbum el vocalista no es otro sino Dave Padden, que formó parte de los últimos mencionados durante unos años. El disco lo forman ocho cortes que son los siguientes: “State of flux” con un principio con un riff potente pasamos a una parte más calmada y vamos de seguido a una parte muy típica de metal progresivo, con ritmos

NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | 81 | OCTUBRE 2016

THRASHIT (MYS) KAISER OF EVIL WITCHES BREW RECORDS (CD 2016) Aunque son diversos los estilos de metal que encontramos hoy en día, no hay nada como el buen thrash metal y sobre todo si es de la old school. En el día de hoy tenemos un gran ejemplo de ello, THRASHIT con su “Kaiser of evil” de disco Witches Brew. Esta banda se fundó en 2011 en Subang Jaya , Ma-


laysia. La banda fue creada por el cantante y guitarra Jorn, que buscaba algo original con lo que destacar en la música metal de su país. A este se le unieron Logan a la batería, Erulz al bajo y finalmente Beno a la guitarra solista. “Kaiser of evil” comienza con el tema “Pressure” una introducción con unas guitarras muy thrasheras, cargadas de distorsión y ritmos rápidos de batería que nos hacen ver el camino que va a llevar el disco, todo con sonido muy de los 80’s incluyendo alguna voz gutural. “Fallen war” es el segundo tema de este disco corto, pero intenso. Sonidos muy parecidos a los primeros discos de METALLICA, MEGADETH o ANTHRAX. Con una introducción muy al estilo de “civil war” y una voz parecida a la de Dave Mustaine, THRASHIT nos muestra toda su fuerza en este tema. El siguiente tema es “Neckbanger” que nos recuerdan a los mismísimos ANGELUS APATRIDA españoles. Ritmos muy rápidos de guitarra y baterías super thrash, con una voz muy dura hacen que vibremos y saltemos con uno de los mejores temas del álbum. Siguiendo el esquema de “Neckbanger” comienza “Sons of Bastard”. En este tema no innovan mucho, mismo comienzo de canción, mismo tempo en los ritmos. La única aparición estelar es la del solo de guitarra de Beno, muy old school y de gran velocidad. En “Thrasing and slaughter” vemos una decadencia del sonido muy grande, la calidad no es muy buena, las guitarras no suenan definidas y el bajo no tiene para nada presencia. La voz, con algo de guturales es lo más destacable de este tema, que se vuelve algo cansino al poco tiempo de escucharlo. “666 Days in hell” tiene poco que ver con la anterior. El sonido de repente mejora, todo suena más definido y la garra y fuerza de la voz de Jorn es brutal. El solo de guitarra es poco destacable pero hacen que este tema se distinga bastante de los demás del disco. “Kaiser of evil” es el tema que le pone nombre a este álbum. Se nota que es el más destacable de todo el álbum, guitarras muy de la old school junto a baterías muy características del thrash metal hacen de este tema, sin duda, el mejor. Para finalizar, la banda nos sorprende con “Thrashit” una canción con el mismo nombre que la banda. Este tema parece ser la continuación de “Kaiser of evil” por la continuación de ritmos similares y riffs de guitarra prácticamente similares. En general el álbum es muy lineal, a pesar de un par de temas que destacan sobre los demás, pero sin duda es el camino que tiene que seguir THRASHIT si quieren sobresalir en el ámbito thrash metal internacional. ÁLVARO CASTILLA | 5

THY WORSHIPER (POL) KLECHDY ARACHNOPHOBIA RECORDS (DOBLE CD 2016) Desde Polonia, aunque reubicados en Irlanda, nos llega una nueva entrega de una de las bandas clásicas de Europa del Este, THY WORSHIPER, “Klechdy”. Si con su anterior propuesta en forma de Ep “Ozimina”, me engancharon a su curiosa propuesta musical, donde mezclan folk, metal, black, death…, actualmente ellos mismos se definen como avantgarde metal y la verdad que este último trabajo gira por esos caminos donde el folklore se mezcla con atmosferas oscuras y lóbregas, donde el paisaje musical que nos proponen se envuelve en multitud de instrumentos, elementos

paganos y pasajes donde el black enturbia nuestras mentes. En activo desde 1993, han recorrido un largo camino, contando en su haber con varias demos, Ep y 4 discos, contando entre ellos esta última propuesta que proponen y editan a través de Arachnophobia Records, y de la que he de decir que en una primera escucha me trastocó un poco, pero que ha ido ganando con las sucesivas revisiones, aunque no es una música apta para oídos convencionales. Es un disco de larga duración, casi 80 minutos presentados en dos cd y el cual analizaremos a continuación. “Gorzkie Zale”, inicia el álbum, con unos tonos tristes y atmosféricos dados por los riffs de guitarras y un bajo que envuelve la estructura. Como su nombre indica “Pena Amarga”, sería su traducción aproximada, ese sentimiento queda patente en la voz de Anna Malanz que prácticamente dirige la primera parte y la última. En la parte central, los ritmos tribales de Tomasz Grzesik (especialista en instrumentos folk, digerido, percusión, ocarina, darkuba…), marcan el cambio hacia la oscuridad, donde aparece los tonos rasgados y guturales de Dariusz Kubala y Marcin Gasiorowski, ambos también guitarras, para introducirnos de lleno en un bloque con toques progresivos y asíncronos. “Wila”, continua con la voz femenina, mientras la percusión de Bartosz Maruszak, le acompaña en una marcha por viejas landas donde la naturaleza es dueña y señor de todo ser humano, demostrándolo con una parte final más agresiva. “Marzanna”, tiene un ritmo extraño, como si hubiésemos entrado en un aquelarre de brujas en pleno apogeo, caos, delirios y locura es lo que transmite este tema, tan original como extraño. Lo único que menos me gusta del álbum hasta ahora es el sonido de la batería (el cual lo veo muy artificial), Uno de los temas destacados del álbum por ahora, con constantes cambios de ritmo y un toque frenético, pero contando con partes místicas y sonidos extraños. “Halny”, es un tema misterioso, con toques progresivos y orientales, que va creciendo cada vez más, aunque es un poco raro de escuchar. “Post Coitum”, es un tema de folk puro y duro, donde maracas, violines, arpas vocales… y demás instrumentos nos introducen en un mundo druídico, como si nos acercáramos a un bosque sigilosamente y viéramos tras apartar unos arbustos una tribu desconocida totalmente para la humanidad. “Wschody”, el corte más largo de esta primera parte, llegando casi a los 11 minutos de duración. Comienza con una fuerte presencia de bajo, mientras voces y alaridos repiten el nombre del tema. Es uno de los temas más místicos de esta primera parte, con una fuerte presencia de percusión normal y tribal, que acentúa las partes, mientras los dos registros vocales intercambian estrofas, en las que priman las melodías de voces sin letra, con una parte intermedia donde elementos black se apoderan de la escena. Otro de los temas más destacados de esta primera parte. “Ziola”, abre la segunda parte y nos mantiene dentro del espectáculo que THY WORSHIPER nos presentan, un tema ambiental, oscuro y lóbrego, como si estuviésemos en el filo de un acantilado mientras unas nubes de tormenta se hacinan en el horizonte, las olas rompen con fuerza en los espigones y entre los tonos grisáceos, una extraña figura se acerca lentamente hacia nosotros. Tras la tormenta llega siempre la calma y “Slonce” (Sol), amaina nuestro corazón tras la visión que acabamos de tener, con primacía vocal, donde una multitud de voces ponen énfasis a los toques tribales de fondo, pero todo esto sin dejarnos respirar con un toque mágico que te mantiene intranquilo. “Gryzby” (Hongos), nos da la clave, un viaje alucinatorio, progresivo y con la presencia de una estructura musical tan compacta como cambiante, sentimos nuestro rostro, nuestra alma temblar mientras los visones nos atormentan, en una parte final agresiva y desquiciada. “Dziady”, es la obra cumbre de esta segunda parte, (11 minutos). A un inicio sosegado y tranquilo, le infunden un cambio hacia derroteros blackers, con una percusión cambiante, mientras los riffs nos marcan los pasos a seguir entremezclándose con la dualidad vocal

marca de la casa. Quizás sea el tema más enrevesado y progresivo del álbum, en cuanto a composición y estructura nos referimos. THY WORSHIPER, recrean unos pasajes místicos, a la vez que desquiciantes, pero con elementos melódicos y corales que lo mismo te desesperaran, como te tranquilizaran, todo ello mezclado con elementos folks. “Zywot” (Existencia”, pone un toque de calma, donde los violines y la voz femenina de Anna, se entremezclan con una especie de citar y nos lleva hacia el punto y final del disco con “Anielski orszak”, siendo uno de los temas más fuertes, dejando de lado las partes lentas y atenuadas. THY WORSHIPER, no es un grupo asequible para la mayoría, pero si conseguís adentraros en su mundo místico y druídico lo disfrutareis de la misma forma que la incertidumbre y el nerviosismo se despertará en tu interior con determinadas partes. Personalmente me gusta más la primera parte, con temas como “Marzanna” o “Wschody”. JUAN ANGEL MARTOS | 7.5

más suave, pero manteniendo la potencia que nos traen hasta ahora. Para terminar el trabajo, nos ofrecen “Lay My Head” que se encarga de cerrar el conjunto de los diez temas. Con sonidos extraños nos introducen en el, y mediante líneas de batería y bajo predominante, nos introducen en ella, algo que me ha gustado bastante. Nos dan unos estribillos muy limpios, repletos de voces melódicas con coros, creando un contraste importante con el resto del tema, donde nos encontraremos unas guitarras más pesadas, aderezadas de una voz gutural muy furiosa, que le da mucha potencia en esas partes. Después del LP “Block Out the Sun & Sleep”, dos años después, los chicos de TO THE WIND vuelven a ofrecernos otra obra maestra, con diez temas de tres minutos de duración cada uno, cargados de ritmos muy potentes, a la vez que integran ciertas partes con otros sonidos más suaves, creando un ligero contraste muy atractivo. La producción del disco es impecable, escuchandose todo con un sonido muy limpio, a la vez que los instrumentos tienen el nivel que deben tener, incluso el bajo es muy escuchable en casi todos los temas. En definitiva, nos encontramos ante un estupendo disco de hardcore melódico, con toques de metalcore, que sin duda los amantes de estos estilos disfrutarán muchísimo, al igual que lo he hecho yo; un trabajo de obligada escucha. JORGE DE LA CRUZ | 9

TO THE WIND (USA) THE BRIGHTER VIEW PURE NOISE RECORDS (CD 2016) Tras dos EPs y dos LPs, la banda americana TO THE WIND, lanzan al mercado su último trabajo de estudio, bajo el título “The Brighter View”, editado a través de la discográfica Pure Noise Records. Formados en 2008, en Seattle, Washington, actualmente el grupo lo forman Tanner Murphy en la voz, Ryan Murphy a la guitarra, Tron Laur al bajo y las voces y Cory Lamb en la batería. El primer tema que nos encontramos en el trabajo es “Temporary Escape”, el cual comienza dándonos unas guitarras muy potentes y rápidas, a la vez que una voz rasgada y furiosa nos da la parte vocal del tema, donde en ciertos momentos, nos susurra algunas partes donde la instrumentación deja de sonar. Nos topamos con algunas partes más melódicas, tanto de instrumentación como de voces, manteniendo la voz rasgada, pero con unos coros casi angelicales de fondo, un buen contraste. “The Brighter View” es el tema que da nombre al disco, que nos abre con unas guitarras muy suaves para al momento, lanzarnos unos riffs muy movidos y en el momento en que la voz empieza a sonar, nos dan unos sonidos de guitarra casi inexistentes, dejando a la voz como protagonista. Las líneas de bajo en este tema, tienen un sonido muy potente, aumentando la potencia de todos los ritmos principales en las partes brutas del tema. El quinto tema del álbum se llama “Winding Down” y con unos sonidos muy suaves, nos abre el tema, para al momento, subir de pronto el tono, y brindarnos unas baterías potentes junto con unas guitarras rápidas. Estos ritmos se van alternando con otros más lentos, pero de igual potencia. Nos encontramos con unos puentes, donde la voz toma un protagonismo especial, debido a las líneas de guitarras muy lineales y unas baterías a un bajo volumen. “Only Way” nos abre a tope con ritmos de batería cañeros que introducen a las guitarras, las cuales son dan unos ritmos rápidos, que junto con la velocidad de la parte vocal, hacen que el principio del tema gane mucha energía. En los estribillos, sin embargo, encontramos unos ritmos más pausados, tirando mucho de voz melódica, y unos riffs algo más lentos, con un sonido

NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | 82 | OCTUBRE 2016

TRAITORS (USA) MENTAL STATE AUTOEDITADO (CD 2016) TRAITORS es un combo de downtempo deathcore / nu metal procedentes de Estados Unidos. Iniciaron su carrera en 2013. En ese mismo año, lanzaron su primer E.P homónimo, donde demostraban de que eran capaces. En 2015 editaron su álbum debut “The Hate Campaign”, y un nuevo Extended Play titulado “Night Terrors”. Estos trabajos sirvieron de antesala para la publicación de su nuevo y flamante L.P “Mental State”. Lanzado el 7 de octubre de 2016 de manera independiente, este redondo es el motivo de que existan estas putrefactas esquelas. El line up es el siguiente: Tyler Shelton (voz), Alan de la Torre (guitarra), Mikey Ingram (guitarra), Dave Moore (bajo), Stephen Arango (batería). En esta nueva obra los de Florida nos muestran un redondo devastador e iracundo, donde la frustración y la ferocidad acaban corroyéndolo todo. Estos tipos mezclan realmente bien los géneros nombrados un poco más arriba, ofreciendo un viaje sin retorno a lo más oscuro de la mente humana. Sin embargo, el “nuevo metal” es lo que predomina claramente en las composiciones de estos tipos. Esto para muchos será una cualidad negativa, y ciertamente le acaba restando enteros. A pesar de ello, el plástico merece muchísimo la pena, y su intensidad acaba convenciendo a todo aquel que se atreva a oírlo. Los riffs son destensados y psicóticos. La mayoría de ellos los hayamos a doble armonía, muy en la onda de unos KORN de los primeros tiempos. Mientras una guitarra revienta cráneos con su contundencia y simplicidad, la otra es terriblemente demencial y punzante. En cuanto voces se refiere, nos topamos con inhumanos growls y con tonos típicamente del hardcore new school. Agresividad a raudales señores. Nada de voces limpias. La batería es una apisonadora. Los tempos bajos y los breaks están a la


orden del día, asegurándose de esa manera la lesión de cuello del oyente. Por otro lado exhiben pinceladas de replica de bombos y guitarra. Al termino de esta descripción general, pasemos a comentar brevemente los mejores tracks de esta acometida. Personalmente destacaría “My Regrets”, “EgoTrip” y “NU HATE” por las siguientes razones: “My Regrets”, te enganchará con sus obsesivos riffs. Perfecta para liberar furia contenida. “EgoTrip” es la más “veloz” de todas. Es de agradecer después de tanta dureza un poco de fluidez en la percusión. La canción que mejor define todas las propiedades del grupo anteriormente nombradas, es sin duda “NU HATE”. Todo un himno que en directo no debería faltar. Un conjunto distinto que no dejará indiferente a nadie. Eso sí, su propuesta es solo apta para mentes abiertas. Los más cerrados de ésta mejor que se abstengan. JESÚS MUÑOZ CABALLERO | 6.5

TRALLERY (ESP) SPIRITLESS ART GATES RECORDS (CD 2016) Desde Palma de Mallorca, nos llega en primicia el último trabajo de los thrashers TRALLERY, que lleva por nombre “Spiritless”, grabado en Psychosomatic Recording Studio, mezclado y producido por M. A. Riutort y masterizado por Hay Zeelen (SEPULTURA, SATYRICON). El trio mallorquín formado por Humberto Pol Castañeda, encargado de las voces y del bajo, Biel Gayá Arbona guitarra y coros y Sebastiá Barceló Riera a la batería, se ha currado un discazo de thrash metal por todo lo alto. Todavía me acuerdo del día que los descubrí y vi en directo por primera vez, en el Jaén Metal de este año. Un trio demoledor, técnico y muy directo, en el cual tocaron algunos temas de este nuevo álbum y donde pude apreciar el salto y la evolución que estaban dando. “Spiritless”, el tema homónimo al nombre del álbum, inicia nuestro viaje, con unos riffs endiablados de thrash, directos y agresivos desarrollan sus estrofas, para llevarnos a un estribillo muy coreable y que pone un contrapunto entre el thrash clásico y machacón de las estrofas. A partir del segundo estribillo, viene una de las señas de identidad de TRALLERY, los pasajes instrumentales, los cuales le dan un toque de distinción con respecto a otros grupos y en concreto en este corte, la base de bajo y percusión, se ve dirigida con un solo de guitarra de corte rockero y blusero que va evolucionando hacia el thrash, para poner el punto y final al tema con el estribillo, pero con un toque más de garra en las voces (algunas partes dobladas) y unos riffs que te harán sin duda mover tu cabeza. “Abominate”, guarda cierto toque a SLAYER en las estrofas, directas y agresivas con una voz rasgada, al igual que el estribillo, recordándome a la época clásica de estos. Un tema para escapar de nuestra propia decadencia mental, con unos riffs centrales director, graves y contundentes, que nos llevan a los ritmos panterianos de “Evil Pride”, uno de los temas que más me gustan y que no me canso de escuchar. Desde los toques de PANTERA del inicio, pasando por la primera estrofa, donde Humberto pone las puntas sobre las ies, con su bajo y voz, sobre una base de batería, para después acelerar el tema hasta llevarnos a uno de los estribillos más grandes del LP, seco y melódico a la vez (tema que ya escuché en directo y me funciona a la perfección). Con una parte central donde el bajo romperá tus tímpanos y un solo de guitarra muy disfrutable, llevándonos de nuevo hasta el estribillo, pero esta vez cantado

de forma diferente. Esto es lo que me gusta del grupo, que a cada paso que dan se van reinventando, transformando cada tema a cada paso que da en el minutero. “Scavernger Crow”, es un tema más pegadizo, con un inicio muy ambiental alargando notas, para engancharte con unos ritmos donde mezclan el thrash metal con toques groove y progresivos. Pero sobre todo el estribillo, está repleto de luz y transmite, siendo otro de los que más me gustan del álbum. “Unknow Confussion”, no sé porque, pero me recuerda a KREATOR. Thrash metal rápido y directo en las estrofas, con toques progresivos en su estructura compositiva y un estribillo doblado vocalmente, que seguro que harán levantar el puño a más de uno en sus directos para acompañarlos. “Hidenn Scar”, nos lleva al ecuador del LP, mostrándonos otro detalle de la creación del grupo mallorquín, un pasaje inicial, repleto de atmosferas donde una guitarra acústica pone la nota distintiva, de la mano de Jovan Milosevski (amigo de la banda) al igual que el solo de este tema. Las voces misteriosas y narradas acrecientan ese halo fantasmal que le imprimen al inicio (a cargo de Mega, productor y técnico de sonido de la banda), para ir desarrollando su estructura, en unos de los cortes más oscuros del LP. Humberto en la parte central, nos muestra su registro limpio, más agudo. “Hollow Stare”, es una de las baladas del disco con cierto regusto a METALLICA, donde las estrofas con guitarras limpias y las voces limpias y dobladas se entretejen con las melodías propuestas. Un tema, que transmite emociones, aunque le falta un toque más para convertirse en un hit. La parte central se acelera y tiene otro solo para enmarcar…, como suena este trio. “Keep Your Eyes Open”, te meterá en tu cabeza el percutir de las cuerdas del bajo, un tema de thrash moderno con ciertos toques progresivo, donde las voces con efecto rasgadas en las estrofas, se mezclan con unos de los temas más sencillos del disco, pero repleto de contundencia. Corto, directo y potente…, no te dejara pegado a la silla. “Hunt To Kill”, acelera el ritmo sin concesiones. Un detalle a tener muy en cuenta es el trabajo en los arreglos y las estructuras que forman cada tema, muy trabajadas. La parte central es brutal, con un bajo que inunda la composición, mientras la guitarra te hipnotizara con uno de los riffs del disco. Puro thrash metal, temazo. “Time Is Over”, es la otra balada del álbum, aunque esta vez es un medio tiempo, con uno de los estribillos del álbum que te será complicado obviar. Pegadizo y directo, “I’m lost walking through different lanes Although my body is broken Time is over”. El punto y final del álbum lo pone “The Attraction Remains”, los primeros riffs me recordaron a HELLOWEEN y su “Dr. Stain”, pero pasados por un filtro thrash. Un tema muy fácil de escuchar y que rápidamente te atrapará en sus redes. Y es que me es difícil elegir un tema de un álbum tan compacto, donde TRALLERY han oscurecido y llenado de melodías sus temas para crear uno de los discos más interesantes del año y que seguro estará en mi top 10 del año. Si lo tuyo es el thrash elaborado y de calidad, este álbum lo escucharas hasta la saciedad, como me ha ocurrido a mí. Un discazo sí señor. JUAN ANGEL MARTOS | 9.5

UGF (AUT) ASEBEIA.ATARAXIS. DEAFGROUND RECORDS (CD 2016)


Desde Austria regresan UNDERGROUND GROOVE FRONT con su segundo larga duración cargado de un estridente groove y un pesado Sludge titulado “Asabei Ataraxis”. UGF es un grupo formado a finales de los 90´ que bebe mucho de todos esos grupos Sludge nacidos en Nueva Orleans, grupos como EYEHATEGOD, DOWN y sobre todo CROWBAR estarán muy presentes a los largo de todo el recorrido del trabajo, todo ello acompasado del hardcore más crudo. Nada menos que 14 pistas son las que forman este redondo, un trabajo con un sonido muy salvaje, que a todas aquellas personas que disfrutan de la crudeza NOLA sabrán disfrutar. Aunque es un trabajo con un estilo ya definido casi desde el nombre del grupo, encontramos gran variación en cada uno de los temas, llegando a sorprender en cada escucha debido a los derroteros de diversidad de unos temas a otros. Encontramos temas con un compases relativamente lento pero con fuerte presencia hardcore como la que abre el disco con el nombre de “Fidei Depulsor”, también encontramos temas con un estilo hardcore rompe cráneos más clásico con mucho de esos Breakdowns que tanto gustan, temas como “Death Wish”, “Neglect”, “Deny and Suppress” o “Damage” son claro ejemplo de ello. El Sludge más Doom también está presente en este “Asabei Ataraxis” en canciones como “Siege” o “Transcendency” nos ofrecen las pistas más gravitatorias del disco, con ritmos realmente lentos y machacantes, llegando casi a un estilo más Death/Doom, creando una atmosfera realmente buena. Los tiempos más relajados y melódicos llega hacia la mitad del trabajo con la “Past Recovery” siendo uno de los temas que más me ha llamado la atención con un estilo balada Sludge muy bien llevada con unas armonías muy noventeras, otro tema con unas armonías realmente épicas es “Vast and Hollow” con un rollo más julandrón pero que suena realmente bien. Pero sin duda es en esos temas más Groove donde destacan los austriacos, en esos en los que siguen la dureza más CROWBAR, ejemplo de ello son los impepinables, “The Taste of Rust”, o “Menchenfein”. Los austriacos UFG nos deleitan en esta ocasión con un aroma NOLA como hacía tiempo que no escuchábamos, un disco que no intenta salir de la regla en ningún sentido, pero que gracias a su diversidad sonora y su buen hacer en cuanto sonido logran marcarse un trabajo más que correcto y sobre todo muy disfrutable. HÉCTOR HIDALGO ARÉVALO | 7.9

lo que se traen entre manos y estoy seguro que no defraudará a ningún seguidor del clásico Death Metal sueco, en “Heading Below” se ha logrado llevar estas influencias un paso más allá, dando un toque personal realmente destacable. El sonido de la banda, sin duda, es muy pesado, purulento y mórbido, con ese sonido característico de las bandas escandinavas, muchísima presencia de bajo contundente y las guitarras que no paran de desgranar riffs redoblados a toda velocidad así como otros más lentos, pesados y asfixiantes, pero todo bien trabajado desde una melodía siniestra y sobrecogedora. Otro detalle a destacar es la labor de sus vocalistas, dos en este caso, los cuales no dejan de ofrecernos un continuo repertorio de cómo sonar tétrico, oscuro, agresivo o turbador, por veces suenan más oscuro, otras nos ofrecen un tono más agresivo, otras incluso llegan a susurrarnos (“Miscarriage´s Lullaby”) creando una perfecta atmosfera para lo que estamos escuchando (“Fiends Forever”). Destaco la presencia esporádica del uso de teclados, los cuales crean un sentimiento místico y aterrador perfecto, sobre todo en el que considero mejor tema del álbum “The Phantom Heart”, tema absolutamente perfecto, con muchos cambios, atmósferas y oscuros pasajes perfectamente recreados con el añadido de los teclados. Cierra el álbum, el largo (9 minutos), lento, cadencioso y mórbido “Enshrounded In Nothingness”, que por momentos nos puede recordar a unos primitivos PARADISE LOST, por ese ambiente Doom / Death Metal que desprenden todos y cada uno de sus lentos riffs, hasta que se desatan con riffs rapidísimos e intensos, perfectamente ligados a partes de teclados escalofriantes, para volver al ambiente opresivo y sofocante de lentitud y decaimiento. ULCER han conseguido juntar 9 magníficos temas para este su tercer álbum. Temas perfectamente compuestos, tomando como base el Death Metal Sueco de principios de los 90, pero añadiendo su propia personalidad, algo difícil en estos días. Si disfrutas de la música que salía de principios de los 90 de Suecia, estos 5 músicos polacos han logrado editar un álbum que te dejará con ganas de mucho más. LUIS MARTÍNEZ | 9

UNEXPECTANCE (ESP) LA METASTASIS DE LA DESESPERANZA AUTOEDITADO (CD 2016)

ULCER (POL) HEADING BELOW ARACHNOPHOBIA RECORDS (CD 2016) Desde las frías tierras polacas nos llega el tercer larga duración de ULCER, un quinteto formado en el año 2006, y que con “Heading Below” nos ofrecen un intensísimo álbum de Death Metal de la vieja escuela nórdica, más concretamente centrado en las bandas provenientes de Suecia, su música bebe de las influencias de ENTOMBED, NIHILIST, DISMEMBER, CARNAGE, UTUMNO, EPITAPH, FURBOWL… pero lo que he de destacar es que esto no es una simple “clone band”, aquí nos encontramos con 5 músicos que han sabido capturar la esencia de la música de estas antiguas bandas y han ido un paso un poco más allá. Sus composiciones suenan maduras, trabajadas, realmente saben

¿Qué ocasiona que cinco músicos de bandas tan dispares como TEKSUO, FE DE RATAS, VIBORA, STIGMATA, ATLANTIS y más nombres irrelacionables acaben juntándose un un proyecto en común? La respuesta es UNEXPECTANCE, una banda de death metal melódico con influencias tan dispares que quizá la hagan única. La espera a causa de una autoexigencia intransigente por parte de los miembros componentes ha desembocado en este “La Metástasis de la Desesperanza”, su primer LP y que hoy nos disponemos a analizar. Dos años de asentar el proyecto, y asegurarse de que los cimientos están perfectamente colocados han hecho que cambio tras cambio en la formación no tuviéramos su fruto mucho antes. Ahora que lo tenemos solamente falta ver si la aceptación del público logra que se consolidan como banda de renombre y no se pierdan como otro proyecto fallido, pero vayamos al grano. Una introspección del ser humano y un análisis de los sentimientos y conflictos diarios son los temas seleccionados para los cortes de este trabajo. Un mensaje

oscuro con letras muy trabajadas y complejas es la apuesta inteligente de UNEXPECTANCE. Ya hemos comentado que es Death Metal, pero nada tienen que ver con [INMUTE], melodías oscuras y con matices tristes comulgan a la par con las letras ya mencionadas. Una batería excepcional pone la base perfecta a esta construcción aunque por desgracia cojea con la ausencia de un bajo contundente y definido. Las guitarras son lo sublime del conjunto, con tonalidades graves y melodías muy definidas son el toque mágico en temas como “Entropía”, “El fin de los días” y “Abismo”, un potente trío de ases que compone el inicio del trabajo y toda una bandera de presentación de estos cinco fenómenos. La voz de Daniel pasa de los guturales propios del género pero con varios cambios de tonalidad, jugando muy bien su papel en la mayoría de temas como si de dos voces se tratara en ocasiones. Si le sumas voces melódicas como en “Liberate Me ex inferis” tienes el menú perfecto. Aun así debo reconocer que estos melódicos me costaron de encajar en sus primeras escuchas y ahora son imprescindibles. “Ante las puertas” y el tema que da título al trabajo: “La metástasis de la Esperanza” continúan con la tralla y potencia de los anteriores. Calidad asombrosa y nivel más que justificado alcanzan la cima en este último tema, donde han conseguido fusionar el metal moderno con muchas pinceladas del metal clásico convierten este tema homónimo en el núcleo principal del disco, y por ahora de la banda. “Inception” relaja los tiempos y la agresividad para encauzar la segunda mitad del disco dejando una falsa sensación de decadencia en el ritmo, con “Voces en la tormenta” se eleva el ritmo bastante, aunque deja un poco flojo este tema, en mi opinión no presenta nada nuevo, pausando el crecimiento del disco hasta que arranca “Quiasma” con sus voces limpias, sus guitarras perfeccionistas y de premio el mejor solo de todo el trabajo en mi opinión. Aquí se agradece muchísimo el aumento de volumen al bajo… que pasando inadvertido hasta ahora aquí se muestra tal y como debería, acompañando a una base de batería excepcional. Una decisión en la que en mi opinión cojea el trabajo… El bajo debería de haber sonado más. Con “Sinestesia” la banda se despide poniendo la guinda y saliendo por la puerta grande coronan un pedazo de debut que ojala se viera mucho más a menudo. Asturias planta cara en el panorama nacional y expone una pieza de mucho peso, no solo por sus componentes ya experimentados, sino por su dedicación, empeño, inconformismo y perfeccionismo. No se pone en marcha el reloj hasta que encajan todas sus piezas, y como ejemplo tenemos a esta banda pseudo-amateur de Death Metal. Un disco trabajadísimo y muy elaborado donde sentirse orgullosos del metal patrio, porque además es importante recalcar el uso del castellano como idioma principal de sus temas. Solo un único apunte en contra, el ya mencionado nivel del bajo, con un poco más de volumen en los temas yo habría sido muy feliz. Enhorabuena a los cinco chicos de UNEXPECTANCE por este fabuloso trabajo donde les pongo un 9 más que merecido. JORGE EL ALAOUI | 9

USURPRESS (SWE) THE REGAL TRIBE AGONIA RECORDS (CD 2016)

NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | 84 | OCTUBRE 2016

USURPRESS, Banda de Death Metal que nos llega desde Suecia formada allá por el 2010 con Stefan P. (voz), Påhl Sundström (Guitarra), Daniel Ekeroth (Bajo), Matte Modin (Batería), procedentes de grupos como, “ Third Storm”, “Tyrant”, “Regurgitated Innard”,”Sportlow”, “Firespawn, ”Sarcams” entre otras bandas. Esta formación viene practicando un Death metal de corte viejo con una combinación de hardcore, con otra larga duración anterior llamada “Ordained” 2014 y “Trenches of the Netherworld” 2012 y varios Split como “Bombs of Hades / Usurpress” , “Usurpress / Pyramido, ahora nos presenta su nueva larga duración denominada ”The Regal Tribe”, de la mano del sello polaco ” Agonia Records “ con una duración de unos 38 minutos y 10 temas. ¿Qué podemos encontrarnos en este disco, siendo una banda de Suecia?, pues partiendo de que no reinventan nada nuevo en el género, pero si, exactamente lo que estas pensando de una banda de Death Sueco, muchos cambios de riff, un sonido muy característico y defino dentro de la escena death, cortes de un marcado pastoso y machacón, que serán casi la línea del disco, con un buen sonido de todos los instrumentos en general. Abre el disco el corte ”Beneath the Starless Skies” con una intro de algo más de un minuto creandonos un ambiente agónico, preludio de furia que se desata tras esta intro para toparnos con uno de los temas más dinámicos y más cañeros del disco, los tres siguientes temas “The One They Call the Usurpress” y “Acros the Dying Plains” , “The Mortal Tribes”, nos presentan unos riff más variados y a medio tiempo característica a destacar de esta banda, mezclado perfectamente con pequeños aceleros de tiempo para recaer en la pesadez y crudeza de las composiciones que podemos encontrar a lo largo de su larga duración, pero que se hace más presente en estos tres temas, llegamos a “The Halls of Extinction” tema instrumental justo en la mitad del disco, creo que muy acertadamente, que hace decader por completo el ritmo del disco para bien, a mi entender, y nos sumerge en el pasaje más atmosférico de todos los cortes que contiene esta larga duración. “Throwing the Gift Away” con un comienzo de una voz y una introducción corta de bajo no hace llegar a unos partes muy apuntadas hacia el doom pero es solo un espejismo que dura solo este tema, con una muy buena parte final de guitarra. “Behold the Forsaken” este tema no mete de lleno en lo que esta banda nos ofrece desde el principio, retomando la agresividad y energía que esta banda derrocha, con riff algo más rápidos y variados volviendo al inicio del disco, llegando al siguiente tema que es otro instrumental “On a Bed of Straw” pero esta vez a cargo de guitarras en limpio con arreglos y un solo melódico a medio tiempo volviendo hacer al que lo encucha, que se sumerja en la atmósfera que ellos han construido bien en la totalidad del disco, los dos últimos temas que cierran el disco “The Sin that is Mine” y “In the Shadow of the New Gods” dos zarpazos que cierran muy bien a mi juicio el disco, con agresividad y caña, apuntando aun mas su influencia al puro Death Metal. En conclusión un disco con una producción buena, una buena mezcla y buen sonido de todos los instrumentos, Death metal clásico pesado, duro y crudo, pero bien ejecutado y con una trayectoria de los componentes que se hace notable a lo largo del mismo, es posible que el disco pueda parecer pesado y algo lineal pero para los amantes del género si bien no es nada nuevo ni te aportará algo fresco, pero será un disco que se deja escuchar desde el principio hasta el final. ENRIQUE PRIETO | 6.8


VANHELGD (SWE) TEMPLE OF PHOBOS PULVERISED RECORDS (CD 2016) Los suecos VANHELGD, formados en 2007, nos presentan su cuarto álbum, “Temple of Phobos”, y en él nos muestran su estilo de Death Metal de vieja escuela con su toque siniestro y oscuro, con cierto aire doom, de hecho varios de sus miembros tocan o han tocado en bandas doom, y todos han coincidido con uno u otro en otra banda, en la que aún permanecen activos, o han formado parte, vamos, que se conocen muy bien estos chicos de VANHELGD. La música de este grupo es algo así como si juntas a DISMEMBER,ENTOMBED, KATATONIA, ASPHYX, GRAVE, MY DYING BRIDE, PARADISE LOST (principio)…o sea, las bandas que marcaron los primeros tiempos del género, y estos chicos han captado perfectamente la esencia del estilo. Su forma de ver el death metal es la más tenebrosa, ritmos a medio tiempo, con partes rápidas, melodías muy buenas y con gancho, con partes doom intensas y agónicas, la voz es como un grito desesperado, me gusta. También podréis encontrar partes con arreglos de teclados y coros que quedan muy bien. Podríamos decir que el álbum tiene dos partes, los tres primeros temas son más death metal, los siguientes son más tirando al doom aunque con partes cañeras dentro de estos temas, en el último de todos incluso hay como dos partes dentro de él, ya que cuando crees que ha terminado, pasan unos minutos y empieza una versión cañera del mismo tema, las dos caras de la misma moneda, o algo así. Las composiciones son muy buenas y maduras, no son unos virtuosos, claro que tampoco lo requiere, pero saben lo que quieren hacer y lo hacen perfectamente bien, el sonido muy bueno, captando el espíritu de la época de la que más referencia podríamos tener. La portada también muy acorde al sonido y atmósfera que crean VANHELGD. Pues bien, un muy buen disco de death/doom de la vieja escuela, que hará las delicias de los que os gusta esas épocas y sonido, para los que no estéis familiarizados con los primeros sonidos del género aquí tenéis una muy buena muestra actualizada de lo que fue. Muy recomendable. VICENTE SÁNCHEZ | 9

VENOMOUS (USA) CREATURES AUTOEDITADO (CD 2016)

está formado por Jaycee a la voz, Mike y Charles a las guitarras, Jen al bajo y Courtney en la batería. Con unos extraños sonidos electrónicos, nos introducen el primer tema ,al que titulan “Case File Wayne, B”, para dar paso a las voces que junto con melodías rompedoras de guitarras van creando los ritmos principales. Nos encontramos con mezclas de voces, tanto guturales como limpias, que se van alternando en los diferentes momentos del tema, a lo que las guitarras se van amoldando para conseguir unos ritmos muy conseguidos. “Creatures” es el segundo tema del álbum y el que le da nombre al mismo, nos abre con unos ritmos de guitarras potentes, y unas baterías rápidas que crean una base perfecta para que la voz gutural se añada en la composición. En los estribillos nos encontramos unos ritmos más enérgicos y rápidos, que junto a unas voces melódicas, que en ciertos momentos dejan que desear, crean unos ritmos cargados de buenas vibraciones, para luego volver a los ritmos más potentes. En mitad del trabajo nos encontramos con “Dyno-Bot” que nos introduce con una mezcla de guitarras potentes, con un sonido muy agudo y dobles ritmos, y unas voces guturales agresivas, para dar paso a la batería y cambiar radicalmente la voz, y brindarnos voces limpias. Nos topamos también con unos ritmos más pesados, que se caracterizan por unas guitarras con un sonido más grave, que junto al breakdown, nos dan la potencia de estas partes. En “Lost and Damned” nos abren con unos ritmos rápidos de guitarras y otros más lentos de baterías, donde nos introducen un grito, para al momento, romper con un giro que nos da unas voces melódicas y unos ritmos desenfrenados de todos los instrumentos, creando el estribillo del tema. Hacia mitad del tema, nos topamos con unos ritmos más lentos, que junto a la voz melódica, cambia la estética del tema, para al momento, volver a romper con ritmos agresivos y pesados. Como último tema, y para cerrar el trabajo, tenemos “Vultures”, que nos abre con un sonido de guitarras agudo y algunos toques de batería, una introducción parecida al tema anterior escrito, pero esta vez nos brindan unas partes más pesadas en vez de las melódicas. Un tema corto, que no llega a los tres minutos, pero donde nos encontramos potencia a raudales, ya que casi prescinden de las voces melódicas y predominan los ritmos pesados, excepto en la parte final del tema, justo antes de acabar, donde cierran con un breakdown muy agresivo. El nuevo trabajo de VENOMOUS FICTION es un trabajo cargado de metalcore a tope, pero donde, a pesar de multitud de ritmos pesados y algunos buenos sonidos fallan algunas cosas. Los temas son bastante completos, jugando con diferentes composiciones, alternando entre ritmos pesados y otros más melódicos e intercalando algún que otro breakdown. Las voces guturales suenan bien, pero las limpias a veces dejan algo que desear, no sonando del todo bien como deberían. En cuanto a producción, está bastante completo, pero las guitarras a veces suenan excesivamente agudas, las baterías en ocasiones el sonido es algo malo y el bajo se escucha bastante poco en todo el trabajo. En general es un buen disco, pero con algunas carencias que les hace perder bastante. JORGE DE LA CRUZ | 5

FICTION

“Creatures” es el nuevo trabajo de los americanos VENOMOUS FICTION, que lanzan al mercado de manera autoeditada. Formados en 2014 en Okeechobee, Florida, el grupo

VEX (USA) SKY EXILE EIHWAZ RECORDINGS (CD 2016) NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | 86 | OCTUBRE 2016

Bajo una producción de buscado sonido analógico se nos presentan estos americanos con su tercer trabajo en el mercado. Alejados por tanto de todas esas sonoridades de marcado carácter moderno y rebuscado sonido enlatado consiguen una gran obra de carácter retro, pero capaces de hacer sentir actual y nada fuera de lugar. Y como digo, este sonido ayuda. Realmente es muy bueno, todo en su sitio, escuchable y capaz de seguir cada línea, pero sin producir a saco cada instrumento y con una batería muy natural, al igual que las guitarras, se consigue así este resultado que, en ciertos temas, pone los polos de punta. Consiguen transmitir un aura que hace ganar muchos enteros a un estilo de gran variedad. Su base podríamos decir que es death/black melódico, muy de los noventa, pero a ello añaden, por aquí y por allí y en numerosas ocasiones, grandes dosis de folk, casi viking en algunos casos, pero sobre todo creando ambientes de marcadísimo movimiento étnico, ayudado por ciertos aspectos progresivos que le hacen ganar enteros en cuando a diversidad sonora con respecto al resto de sus coetáneos musicales. Para crear estas diferentes atmósferas se ayudan de una gran voz muy black. Es aguda pero no tan chillona como la de la mayoría de las bandas black consiguiendo así lo que pretenden, pero sin pasarse. Estamos entonces tras un trabajo que transmite lo que bien propone su portada, melancolía y aura nostálgica y ausente, bajo un manto de death melódico, fuertemente empujado por pasajes black de carácter muy folk y con emotivos retoques doomis en paradas de tempo. No siendo aún así un disco lento, sino más bien pausado, meditado y creador de emociones, pero con una variedad total de estructuras evocadoras que pasan por velocidades púa contrapua, por guitarras desdobladas, arpegios menores a melodías de guitarra eléctrica casi étnicas, acústicas escondidas y un fuerte trabajo progresivo para ayudar a manejar todo este maremágnum. Si entras en el te atrapa hasta el final, como si de un buen libro se tratase, y te mete en su historia, no dejándote salir hasta que hayas disfrutado una y otra vez de cada nota. SANTI GZLEZ | 7.5

VIDIAN (POL) A PIECE OF THE END ARACHNOPHOBIA RECORDS (CD EP 2016) A veces pequeñas muestras de alguna forma artística, consiguen transmitir grandes sensaciones, suficientes para crear enormes expectativas sobre un artista, por eso aunque un EP como el que nos ocupa pueda resultar algo corto en tamaño, no debemos menospreciar los pequeños trabajos. VIDIAN es un conjunto residente en Polonia que tras dos magníficos trabajos, el último con el nombre “Transgressing the Horizon” lanzado el pasado año, regresan con un pequeño EP de apenas 4 temas llamado, “A Piece of the End”. El sonido de los polacos es curioso y característico, es una mezcla de Death metal con grandes rasgos experimentales que le asemeja más a lo que podría ser una banda de Post metal que de Death, o sea, podríamos estar ante unos CULT OF LUNA pero con una esencia más cavernícola o tribal, en ocasiones pueden tener cierta semejanzas con GOJIRA. El acercamiento al sonido más post es visible en este

nuevo trabajo, cuidándose mucho más las atmosferas y la ambientación y bajando los decibelios en algún punto, en comparación a sus anteriores obras que si bien ya contaban con este sonido eran mucho más cercanos al death, siempre eso si con esa esencia experimental. No os voy a engañar desde que entro por mis oídos ese primer tema titulado “Constellations” me consiguieron encandilar, esas percusiones tribales acompañadas con una base riffera ascendente que desembocan en unas voces que sin ser excesivamente buenas, consiguen ser agónicas y transmitir grandes sensaciones, es una buena forma de dar comienzo a una obra que a pesar de no tener una duración realmente excesiva, consigue tener gran variedad de dinámicas y cambios de pasajes. “Distorted” funciona como entrada para “Pole Shift” por lo que podemos decir que realmente el EP está formado por tan solo 3 canciones, aun así cada tema es impecable con grandes pasajes y partes realmente emotivas. El tema más animado se deja para el final con el mismo nombre que lleva la obra “A Piece of the End”, un tema que sigue la estela de todo el conjunto del trabajo y que logra dejar un buen sabor de boca. VIDIAN nos demuestra que las grandes fragancias se guardan en vasos pequeños, “A Piece of the End” es una pequeña gran obra que si es verdad se hará escasa en duración, pero que a su vez se convertirá en una obra realmente disfrutable, además es una buena forma de acercarse a estos polacos que yo en lo personal no los conocía. HÉCTOR HIDALGO ARÉVALO | 8.2

VIOLENT EVE (ESP) A GREAT DAY BLOOD FIRE DEATH (CD 2016) “A Great Day”, es en nuevo trabajo de los madrileños VIOLENT EVE, que vuelven a la carga más fuerte que nunca tras reinventarse con nuevas incorporaciones como Krono (ex SILENT HAVOC), tras la marcha de David Ramos o Nacho CRD al bajo. Grabado en The Metal Factory Studios, sinónimo de garantía de la mano de Alex Cappa, nos dejan una apisonadora donde mezclan deathcore, groove, djent…y todo lo que se les ocurra. La actual formación la componen además de los que ya he mencionado, Álvaro Rodríguez a la batería, Diego López a la guitarra y Jurado en las voces. Cuarto disco con 10 temas que trataremos a continuación. “Nihil”, se inicia lenta, incluyendo una introducción musical corta y muy ambiental, que rápidamente se rompe para darnos una paliza directa, con ritmos deathcore y groove, donde la dualidad vocal, mezclando guturales y pasajes hablados hace de las suyas, al igual que un bajo muy presente. Una estructura directa con pequeños screaming y muy contundente nos da la bienvenida con una parte central brutal, donde los ritmos cambias y le dan un toque progresivo distinto a lo realizado anteriormente. “Harmony”, nos despega del suelo con los arrastres iniciales y unos ritmos grooveros al máximo (estilo HELLYEAH). Los cambios son constantes, con estrofas donde juega con la voz y los instrumentos, alternándose entre ellos. También aparecen aquí voces más agudas y otras más hardcore, intercaladas con las clásicas guturales y unos pasajes donde las guitarras tienen su protagonismo al igual que la percusión se transforma en una apisonadora. Las voces en este disco están muy trabajadas, mostrándonos multitud de registros, así como toda la instrumentación. VIOLENT EVE suenan como un bloque demoledor. Un temazo.


“Eye Of Providence”, se transforma en otro de los temas que más me gustan, siendo un punto de distinción en el álbum. Directo, agresivo y con una forma de cantar distinta a los demás, desde registros hablados que progresivamente se transforman en guturales (perfecto) y todo ellos con un estribillo donde se juega con las melodías guturales. La parte central, intercala unos cambios de ritmos brutales, donde la percusión se sale de los demás instrumentos, llevándonos hacia la estrofa y una parte final acústica, que nos dará un respiro antes de la plastante “Do or Die”. Con unos toques iniciales a lo DILLINGER ESCAPE PLAN, se transforma en una vorágine de rabia y poder donde el deathcore está muy presente y dejándonos al final una parte con voces limpias que volveremos a escuchar en el álbum (me encanta este toque). “The Burnout”, sigue esta estela de contundencia, donde aparecen los gruñidos (tipo cerdo), junto a una gran versatilidad vocal, que hace este disco uno de los destacados de la escena. Otro tema de locura, con una parte final bestial. “My Oath”, tiene un toque industrial en las partes narradas (me recuerda al último trabajo de DISILLUSION), pero que en las estrofas y estribillos retornan a la contundencia, para machacarnos y llevarnos a una sorpresa en el disco, “Guiding Lights”. Una balada, un medio tiempo, donde las guitarras toman el protagonismo y te trasladan hacia otro mundo, sobre una base de teclados, bajo y percusión, demostrando la versatilidad instrumental del grupo y dándonos un respiro antes de la parte final del álbum. “One Enemy”, es machacona y repetitiva, con unos ritmos de guitarras en las estrofas matemáticos, pero guarda una sorpresa, la voz limpia y los toques hardcore centrales con coros. “Deceiver”, tiene un inicio lento y pausado, con efectos en las guitarras mientras los bordes de la caja acompañan en un inicio diferente al resto. Un tema que alterna a medio gas, ritmos groove con algún toque shoutern (en las partes que parecen las voces limpias). Está claro que las influencias de WHITECHAPEL o MESHUGGAH, también quedan presenten en el álbum, pero en este tema PANTERA también hace su aparición. El punto y final lo pone “The Wrong Shore”, es el tema más largo del disco, superando los seis minutos, con un inicio lento y machacón, el tema va evolucionando e introduciendo otros elementos como los coros a modo de respuesta, la aceleración progresiva de guitarras y una parte central con voces limpias muy épica y repleta de fuerzas, que va doblándose con otras más rasgadas. Una parte muy ambiental central con unas guitarras muy oníricas y unas voces pausadas, susurradas…nos lleva al toque final con un crescendo en todos los aspectos. VIOLENT EVE, están de vuelta y lo hacen por la puerta grande, componiendo temas de gran versatilidad donde la instrumentación está muy bien trabajada y el aspecto vocal se sale, demostrándonos todos los registros a los que son capaces de llegar. Temas como “Harmony”, “Do Or Die”, “Eye Of Providence” o “Wrong Shore, te darán las claves de “A Great Day”. Muy buen trabajo. JUAN ANGEL MARTOS | 8.5

WARFIST (POL) METAL TO THE BONE GODZ OV WAR PRODUCTIONS (CD 2016) Ante nosotros tenemos el segundo larga duración del trio procedente de Polonia y formados en 2004 WARFIST, tras la demos y splits además de un EP y su anterior larga duración “The Devil Lives in Grünberg”

de 2014, el treinta de octubre sacarán al mercado este “Metal to the Bone” a través del sello Godz ov War Productions. En este trabajo encontramos a una banda más hecha y madura, subiendo el listón compositivo con respecto a sus anteriores trabajos. nueve cortes en casi treinta y un minutos en total forman “Metal to the Bone”, un trabajo que mezcla perfectamente el Thrash Metal de la vieja escuela teutona con el Black Metal, principalmente debido al tono vocal de su frontman HellVomit, e incluso alguna pincelada de Death que le dan al trabajo en su globalidad un toque muy acertado. Otro punto a su favor es el gran sonido alcanzado en esta grabación, crudo y sin aditivos, que es simplemente como el estilo que defienden deber ser grabado, y de ello se ha encargado Piotr Zubko en los Mosh Pit Studio y Marcin Rybicki en Left Hand Sounds Studios. La portada, que como podéis observar arriba, es excelente, ha sido realizada por el artista polaco Maciej Kamuda (KINGDOM, CICATRIX, WEEDPECKER,…). El álbum comienza con “Pestilent Plague”, y nada mejor que comenzar con uno de los mejores cortes del álbum, puñetazo en la mesa para empezar, desde el inicio del cd nos muestra el trio lo que son capaces de hacer. Por la misma senda discurren los tres siguientes cortes “Written with Blood”, “Convent of Sin” y “Tribe of War”, temas de muchos quilates observamos en las tres primeras pistas, si unimos el Thrash Metal teutón a los blast beats y al aura que tenían los primeros discos de SODOM, el resultado obtenido por el trio es brutal. “Breed of War” comienza lento con una batería marcándole el ritmo al bajo a través sus platos en el que instantes después entran el resto de instrumentos ofreciéndonos un riff pesado y machacón en el que la voz se acopla como anillo al dedo, y todo ello envuelto en una atmosfera blacker hasta la mitad del corte, ya que después y hasta casi el final del mismo sacan el Thrash asesino que llevan dentro, convirtiendo este tema en otro de los más destacables del disco. El siguiente corte “Metal to the Bone” el cual da título al disco, es velocidad en estado puro, riff asesinos para volarte la cabeza, en el que como curiosidad, han contado con las colaboraciones a la voz de Heretik Hellstorm (RAGEHAMMER), Hellscreamaross (OFFENCE) y Armagog (THRONEUM). En el dúo de temas “NecroVenom” y “Playing God” estos chicos nos vuelven a mostrar su lado más salvaje y rabioso, pero a la vez más intensos, sobre todo en la segunda de ellas, posiblemente el corte en el que más se observa la influencia del Thrash teutón en el disco. El álbum se cierra con “Reclaim the Crown”, otra obra brutal en este caso para finalizar el disco, aquí vemos claramente toda la rabia que lleva dentro la banda, riffs endiablados, buenos estribillos, blast beats y constantes cambios de tiempo es lo que podemos encontrar en sus menos de dos minutos y medio de duración. Un corte completo, perfectamente estructurado e ideal para cerrar el álbum. En resumen, estamos ante un gran trabajo discográfico y con mucha calidad técnica en cada uno de sus compontes, Thrash Metal agresivo envuelto en Black Metal es lo que nos encontramos en este disco, unido al buen sonido de grabación que posee, hace que este disco sea altamente recomendable. CARLOS BERMEJO | 8.5


ZONA DE CRONICAS LIVE La fresca y poco a poco lluviosa noche barcelonesa hacia presagiar algo de lo que apenas unos minutos más tardes íbamos a vivir en la pequeña pero acogedora Sala BeCool de la ciudad condal. Tormenta. Y es que dos prometedoras y jóvenes bandas de nuestro país, lideradas en ambos casos por vocalistas femeninas, atrajeron un buen puñado de seguidores especialmente jóvenes y variopintos, que presentaron un aforo más que notable. Todo pintaba estupendamente para la descarga de TRECE DÍAS y MEGARA, de la que íbamos a ser privilegiados testigos. Los primeros en abrir fuego fueron la banda local TRECE DÍAS, dispuestos a comerse el escenario con su Power Pop fresco y lleno de actitud. Completaron un setlist repasando su álbum “Salvaje”, con cortes como “Siempre te vas”, el propio y potente “Salvaje”, “Invencible” o el pegadizo sencillo “Aprendí a sobrevivir”. Poseen un estilo muy definido, muy próximo a grupos como PARAMORE, aunque a mi juicio sin tanta caña ni garra, aunque a decir verdad, lo bordaron con la versión de estos de “Ain’t It Fun”, animando al respetable con el original y logrado guiño al hit de Bruno Mars, “Uptown Funk”. Se despidieron de nosotros demostrándonos su “Instinto animal” y mostrándonos su lado más “Frágil”. Una propuesta interesante, que aún tiene mucho que ofrecer por delante, con una Arlet Cruz demostrando sus dotes vocales, brillando especialmente en sus interpretaciones en inglés. Habrá que seguirles la pista. Y llegaba la hora de la verdad con el “asalto” al escenario de los madrileños MEGARA y su poderoso Rock de tintes Pop. Aunque si en algo brillan especialmente estos jóvenes, es en su directo. Todo un espectáculo de actitud, energía y puro Rock’n’Roll. “Héroes” iniciaba el show con una contundencia envidiable que se encargaría de apaciguar la emotiva “Atajo al cielo”. Uno de mis temas favoritos, y ya no me refiero solamente por la parte que le toca a la banda, en el que la salvaje belleza vocal de Kenzy Loevett esculpía con todo su rango de registros de forma brillante. “Baños de sangre” y “En llamas” seguían demostrando el talento y calidad que esconde su debut discográfico, “Siete”, y la capacidad que tiene el bueno de Rober a la guitarra para componer temas directos, efectivos y cañeros. Mención especial para su tétrico y teatral look que refuera, aún más, la enorme presencia escénica que atesoran estos chicos. “Fiel a Nada” y “Equilibrio” seguían dando guerra, al margen de la destacable versión que se marcaron del “Sweet Things” de sus queridos THE PRETTY RECKLESS. La noche avanzaba y los covers seguían cayendo, dejando turno esta vez para la popular “Animal I Have Become” de THREE DAYS GRACE, al que tuvieron el placer de telonear en nuestro país el año pasado, y que me permitió el placer de conocerles. Gracias. El momento ñoño (y como dijo Kenzy nos encanta) de la velada llegaba de la mano de “Sin Ti”, antes de dejarnos sin aire en la punk “Vivo de Rodillas”, en el que la banda seguía haciendo temblar los cimientos del (excesivamente) pequeño escenario, con Pablo y el enorme Pol DQ al bajo y la batería, respectivamente, engrasando la máquina sonora de los madrileños. Recuperaron un bien acogido “How Does It Feel” de TONIGHT ALIVE, que celebraron especialmente el público más joven, para finalizar su gran actuación, una vez más, con la preciosa “Alas” (su propia adaptación al sonido MEGARA del exitoso tema de BIRDY) y la excelente “Seis”, que terminó de poner patas arriba el recinto. Y así pusieron punto y final a su visita por tierras catalanas, que dejó un enorme sabor de boca, y que vieron culminado por su triunfo posterior en la zona del merchandise, firmando y haciéndose fotos con todos sus seguidores. Sin ninguna duda nos encontramos ante uno de los grupos pátrios con mayor proyección. Y sino… al tiempo.

MEGARA - TRECE DIAS SALA BECOOL, 17.09..2016 BARCELONA CRÓNICA Y FOTOGRAFÍAS DE LLUÍS GARCÍA SOLA Megara

Megara

Megara


haciendo las delicias de los asistentes que coreaba uno tras otro sus estribillos, hasta llegar a “Angst” uno de sus temas más potentes y que puso una nota de contraste en su setlist. Y aquí, es que todos tocan de todo, pues en momentos de la actuación Arnor también se sentó al piano, Vignir Rafn, al bajo también se encargaba de un teclado que tenía a su lado…. “Eyes Of A Cloud Catcher”, nos acercaba al final y se notaba al 100% la compactación que este grupo presenta en sus directos. El último tema “Dark Water”, es una de mis preferidas y sonó brutal, con una interpretación de lujo. Ya se despedían, pero ante la insistencia del público el grupo les otorgo un pequeño regalo con “A Long Time Listenig”, que fue muy agradecida con un largo aplauso, a la vez que era cantada por los asistentes y un broche perfecto. Ambos grupos al finalizar el concierto, estuvieron firmando y haciéndose fotos con todos los asistentes que se acercaron al puesto de merchandising, que eso sí era bastante caro, (camisetas a 25 euros o gorras a 30 euros, pero bueno eso es decisión suya). SETLIST AGENT FRESCO: Anemoi, He Is Listening, Howls, Pyre, 5.Wait For Me, See Hell, Angst, Dark Water, Eyes Of A Cloud Catcher, A Long Time Listening

KATATONIA - AGENT FRESCO - VOLA SALA CUSTOM, 13.10.2016 MURCIA | MADNESS LIVE! CRÓNICA DE JUAN ANGEL MARTOS Y FOTOGRAFÍAS DE MANUEL HARARI BLANCO Gracias a Madness Live!, Pudimos disfrutar de un gran concierto en la Sala Custom de Sevilla. Era mi primera vez en ella y espero que no sea la última. El sonido estuvo perfecto, (salvando algún pequeño fallo en los coros de VOLA, que al principio no se escucharon), la organización y el personal de la sala fueron muy amables con todos los asistentes, que rozaron el medio millar. Custom tiene una capacidad para alrededor de 900 personas, lo que hizo que estuviera media de aforo, pero que pareciera llena porque el público estaba sin agobios, a sus anchas y con espacios entre nosotros. La ubicación, en un polígono industrial hacia que el problema de aparcamiento se solventase muy fácilmente (a pesar de ser día laborable) y justo en frente dos puestos de comida rápida hicieron las delicias de los asistentes una vez terminado el concierto. Muy buena mi primera experiencia. VOLA Estos chicos daneses eran los encargados de abrir el festival, con su propuesta musical diferente y fresca, donde entremezclan en su primer álbum “Inmazes” el djent, con el progresivo y pasajes muy atmosféricos. Salieron un poco tímidos al escenario con “The Same War”, un temazo, que además abre el disco. Asger Mygind, a las voces y guitarras (de 7 cuerdas), sonrió a los presentes y comenzaron el show. Un gran tema donde los teclados y ambientaciones de Martin Werner, rellenaba perfectamente los huecos, quedando prácticamente interpretada como en el álbum. Poco a poco se iban soltando sobre las tablas y con “Starburn” y “Owls”, comenzaban a cabecear y a moverse por el escenario. El sonido de estos chicos es metálico y agresivo, pero repleto de melodías con un bajista Nicolai Mogensen muy presente en todo el concierto y con un sonidazo. “Owls”, sonó contundente y las voces de Asger, nos mostraba diferentes tonalidades, muy bien conseguidas. “Your Mind Is A Helpless”, ya tenía a todo el público enganchado, y sonó brutal, con un gran juego de luces que acrecentaba la puesta en escena. “Emily”, para mí fue uno de los mejores temas, con un inicio en acústico, donde solo la guitarra y la voz resonaba en la sala (me recordó a algún tema de OPETH) y que engarzaron con “Gutter Moon”, para acabar su actuación con “Stray de Skies”, donde la percusión de Felix Ewert, incisiva y contundente durante todo el bolo, resalto en otro gran tema y ultimo single que acababan de sacar. Un gran concierto de estos chavales a los que les espera un gran futuro. SETLIST VOLA: The Same War, Starburn, Owls, Your Mind is a Helpless, Emily, Gutter Moon, Stray The Sky AGENT FRESCO Tras un cambio de escenario rápido y cumpliendo con los tiempos establecidos (de hecho, se subieron al escenario 10 minutos antes, por lo que pudieron hacer un tema más a petición del público), los islandeses AGENT FRESCO, nos deleitaron con su show particular. Además, llegaban de recoger los premios a mejor cantante y mejor disco en los Icelandic Music Awards. Con una introducción muy intimista a base de piano (Þórarinn Guðnason, también guitarra) y una percusión a cargo de Hrafnkell Örn Guðjónsson, donde primaba los toques en el borde de la caja con un sonido metálico, “Anemoi”, (tema de su primer álbum “A Long Time Listening”) ponía las primeras notas de su gran actuación. La actitud del grupo, fue muy activa durante todo el concierto, siempre en movimiento e interaccionando con el público y entre ellos (se nota el rodaje que llevan a sus espaldas). “He Is Listening”, un interludio muy contundente y agresivo ponía una nota de potencia a su repertorio, perfecta para enganchar con “Howls” repleta de toques progresivos y con una gran luz (como “Eyes Of A Cloud Catcher”) un temazo, ejecutado a la perfección para continuar con “Pyre”, otro de los cortes destacados, que aportaba un toque distinto y donde podiamos observar el porqué del premio a mejor vocalista, con unos falsetes muy bien conseguidos y diversos cambios en las tonalidades. “See Hell”, seguía

KATATONIA Sobre las 22:00 de la noche, la hora prevista, llegaba el plato fuerte de la noche, KATATONIA. Los suecos salieron directos al grano, sin presentación, sin tiempo, dispuestos a comerse la ciudad, mientras un solitario piano daba los compases de “Last Song Before The Fade”, tema de su último álbum daba el pistoletazo de sonido a una noche mágica. Personalmente era la primera vez que los veía y no me defraudaron para nada, con un setlist cargado de temazos, eso sí, recortado en un par de temas con respecto a lo que venían haciendo en Europa. Envueltos en un halo misterioso, con un juego de luces de tonalidades rojizas, azules y verdosas, lanzadas desde detrás de ellos y que unidas al humo, recreaban un ambiente místico. “Deliberation” siguió, mientras el escenario parecía un infierno por las luces rojas y con “Serein” retomábamos de nuevo el propósito de la gira, la presentación de su nuevo trabajo, un tema que sonaba a la perfección, repleto de melodías y voces serenas con una gran percusión a cargo de Daniel “Mojjo” Moilanen. De este nuevo álbum caerían dos temas más la intimista “Old Heart Falls”, que sonó con delicadeza, siendo uno de los temas de la noche, y “Serac”, un tema donde ver en acción a Roger Öjersson (TIAMAT) en las cuerdas. “Dead Letter”, fue una de las bombas que soltaron, con un sonido perfecto que retumbaba en la sala, en las partes más agresivas, mientras que las partes lentas la sobriedad se respiraba en el ambiente. Tras “Days And The Shade”, con los coros de Nyström, “Teargas” y “Criminals” hicieron las delicias de los asistentes en un momento mágico. “Saw You Drown”, fue una inclusión nueva a su paso por España, pues los setlist anteriores que he podido ver no la llevaban, que mejoró con respecto a la grabación que podemos escuchar en el disco. Con “Evidence”, “Soil´s Songs” y “Old Heart Falls” superábamos la mitad del concierto, esto se pasa muy rápido, el público estaba volcado con ellos y en algunos temas como en “Evidence”, aplaudían a mitad de la canción. Jonas Renske, interpreta perfectamente los temas, aportando algún que otro toque diferente a los discos, así como Niklas Sandin al bajo, interaccionaba con el resto de integrantes. “For My Demons” continuaba el show, con algún que otro salto de Roger en las partes más fuertes. Tras esto, el show estaba llegando a su fin, con “Leaders”, un temazo sobre las tablas, “In White”, que puso un toque más oscuro si aún cabe y la descomunal “Forsaker”, que hacía que tanto grupo como artistas movieran sin parar la cabeza en las partes más contundentes, las cuales sonaron como si una apisonadora estuviera sobre nosotros. Además, una de las cosas que más me gustaron fueron los juegos de luces que llevaban, aumentando el intimismo y la concentración en el espectáculo. Un pequeño descanso, antes de saludar a todo el público y dar las gracias a los asistentes. Aún faltaba la traca final, mientras el público animaba a los suecos que volverían al escenario para realizar su triunvirato con “My Twins”, “Lethean” y July”, de las cuales “Lethean” sonó a las mil maravillas y antes de “July” un solo foco centró la atención en Roger Öjersson, que nos demostró su destreza a las seis cuerdas. De esta forma la noche llegó a su fin, en un conciertazo, donde KATATONIA demostró de nuevo, la profesionalidad y seriedad con la que pisan los escenarios, con una actitud encomiable, una gran cercanía al público y con un espectáculo repleto de misticismo. SETLIST KATATONIA: Last Song Before The Fade, Deliberation, Serein, Dead Letters, Days And The Shade, Serac, Teargas, Criminals, Saw You Drown, Evidence, Soil’s Song, Old Heart Falls, For My Demons, Leaders, In The White, Forsaker, My Twins, Lethean, July Katatonia

Agent Fresco

Vola


Este fin de semana, 08/10/2016, teníamos fecha marcada en el calendario, se celebraba la 4ª edición del Aquelarre Metalrock Fest que esta vez cambiaba su ubicación para desarrollarse en la sala Garaje Beat Club de Murcia y con un cartel muy variado de estilos y de gran calidad con grupos como SKUNK DF, KILLUS, MORPHIUM, DARKNOISE… hicieron las delicias de los murcianos y de los asistentes venidos de muchos puntos del país. Una cita que va creciendo cada vez más dentro de la escena de los festivales emergentes, consolidándose como una fecha inevitable para los amantes del metal, y todo gracias al trabajo de Andy Management y sus colaboradores que trabajan desinteresadamente para que el Aquelarre crezca con cada edición. Esta sala era desconocida para mí y la primera experiencia fue muy buena, amplia, muy acondicionada y con un buen juego de luces (aunque un poco menos de cegadoras se agradece, sobre todo por los fotógrafos) y con un sonido bastante bueno sobre todo a partir del tercer y cuarto grupo, pues los tres primeros sonaron muy agudos. Entre concierto y concierto, una pantalla ocultaba el escenario durante los cambios de equipo, amenizándonos con videos musicales clásicos y modernos. La organización, además tuvo el detalle de invitar a todos los asistentes a un barril de cerveza y mini bocatas totalmente gratis desde el inicio hasta que se agotaran (un detallazo). Los precios de la barra eran un poco caros, 3 euros una cerveza en vaso de plástico, pero esto era cosa de la sala, no de la organización. La primera parte del festival junto a STRIVOR, SCARECROW AVENUE y MALEEK, con tres estilos diferentes y que dieron paso a una gran noche de metal en Murcia. STRIVOR, saltaba al escenario con puntualidad a las 19 de la tarde, para traernos su heavy rock desde Canarias. Tras una intro sinfónica y con la gente todavía entrando (habría unas 40 personas), “Resurgir” sonó en la sala. El sonido de estos tres primeros grupos fue un poco agudo, aunque fue mejorando con cada uno de los mismos. Poca gente al inicio. Eso sí, en primera fila apoyando a todos los grupos. Destacaré temas como “No Cambiare”, con unos potentes riffs y Nito Lujan al bajo haciendo los coros o “La Tierra de Los Sueños”. Un correcto concierto para empezar.

AQUELARRE METALROCK FEST 4 SALA GARAJE BEAT CLUB, 08.10.2016 MURCIA | ANDY MANAGEMENT CRÓNICA DE JUAN ANGEL MARTOS Y FOTOGRAFÍAS DE JORGE DE LA CRUZ Killus

SCARECROW AVENUE hicieron su entrada en las tablas y la sala se iba llenando poco a poco, (unas 100 personas) personas). Tras su clásica introducción, “Inercia”, daba los primeros compases y se notaban que eran de la región, (concretamente de Cartagena) pues todo el público cantaba sus estribillos como en “Siete” o “Juramento”, unos clásicos en sus repertorios. Una cosa que me gusta de este grupo es la dinámica tonal de Dani en las voces, que va desde las guturales más graves hasta tonos muy agudos que me recuerdan a Leo Jiménez. Presentaron también dos temas de su nuevo álbum el cual está al caer como fueron “El día del mañana” un temazo, pero desconocido aun por el público, donde las partes de percusión suenan muy contundentes, así como los riffs de guitarras son muy melódicos. Todo esto acompañan a unas voces que juega como nunca con unas partes más agresivas y melódicas. Pusieron el broche final con “Medusa”, su nuevo single (el disco nuevo tiene muy buena pinta, con ganas de pillarlo). Mucha actitud, en el escenario seria la nota de toda la noche. Buena actuación, aunque el sonido fuera aun algo agudo. A MAALEK, no los conocía, y la verdad es que me gustaron. Mucha actitud y presencia en directo, donde no paraban de moverse desde el inicio con “Abismo”, que sonó brutal, pasando por “Mi Oscuridad”, con unos cortes muy bien ejecutados y un Tony Morales al bajo que, hacia los coros, aunque al principio sonaron un poco altos (luego se arregló en el siguiente tema “Rosa de Sarajevo”). Uno de los temas que más me gustaron fue “Letargo”, incluido en su nuevo trabajo que está a punto de salir, con un sonido más contundente en las estrofas y un estribillo que engancha. Destacar también “Estereotipo Zero”, un tema más agresivo y de las más rápidas que tienen. Otro buen concierto, grupo que espero ver alguna vez más. PIEL DE SERPIENTE, continuaba el show, mucho de los asistentes decidieron ausentarse de la sala, supongo por la hora, las 22:00, y la cena pues luego venia el tramo gordo del festival. El grupo, se mostró con mucha presencia y actitud, desarrollando lo mejor que saben hacer en directo, su música de tintes heavy metal clásico, haciendo las delicias para los amantes de este género, e incluso interaccionó con el público más pequeño, cuando a una niña asistente que se sabía todas sus canciones la subieron al escenario y le regalaron parte de su merch. Una puesta en escena de la que pude ver medio concierto, destacando temas como “Todo o Nada” o “Marionetas”. Al contrario que en el grupo anterior, la sala de repente volvió a estar repleta, saltando a escena DARKNOISE. Se nota su paso por el escenario y con un directo muy bien trabajado. Llegue a la sala para ver sus tres últimos temas, y el final de “Chemtrail”.

Morphium

Cuando entré tras ir a cenar y al hotel pues tuvimos un problema con la cámara de fotos, los acordes que escuchaba me sonaban, “Toxicity” de SYSTEM OF A DOWN. Brutal mi entrada, y el público que saltaba y cantaba durante todo el tema. Por lo menos, pude escuchar dos temazos de los que más me gustan de ellos “En mi Interior” y “Sacrificio”, los cuales sonaron brutales, con un sonido mucho mejor que ya no decaerá en lo que queda de noche, desarrollaron su potente metal directo, pegadizo (los estribillos eran todos coreados por los asistentes) y muy bien ejecutado. “Sacrificio”, puso el broche a su actuación, que de lo poco que pude ver me encanto, con mucha actitud y ejecución. Están preparando su nuevo disco para primavera del año que viene, seguro que será un bombazo. Llegábamos así al cabeza de cartel, SKUNK DF sobre las 23:30 de la noche. Con una sala a rebosar (unas 200 personas), había mucha expectación tanto por la banda, como por ser el primer concierto donde presentaban los temas de su nuevo álbum “Pigmalion”, como el primer corte “Salvaje”, que sonó potente y contundente, con un sonido perfecto y una encomiable puesta en escena. Germán clavaba las notas, al mismo tiempo que Pepe no paraba con su bajo de moverse y disfrutar, acompañados por Eduardo, Xavi y David a la perfección. “Carpe Diem”, sonaba en la sala, un clásico para activar a la gente pues los temas nuevos aún eran desconocidos para los asistentes y eso se notaba, como ocurrió con “Samsara”, “Terrorismo Emocional”, “Impermeable”, “Arde” o “El Chico De Las Estrellas”. Temas nuevos que sonaron bestiales, pues las afinaciones graves de las guitarras aportan mucha contundencia a estos nuevos cortes. Personalmente de estos temas nuevos, “Terrorismo Emocional”, es perfecta para el directo, con algunos efectos de “bombas” lanzados en la percusión que daban aun si cabe más potencia a sus nuevos cortes. Pero eran los temas clásicos los que toda la sala cantaba y acompañaba a la banda “Decreto Ley”, “Musa o “Supernova”, fueron puntos álgidos de la noche, incluso me pusieron los


pelos de punta. “Cirkus” hizo las delicias de los asistentes, así como el remake de “Los Niños Perdidos” o “Loto”, que contó con la presencia en el escenario de Jesús Macías de DARKNOISE para interpretarla. “Lucha Interior”, “Himen”, “5 Minutos” … los grandes clásicos se sucedían hasta poner el broche final con “Anestesia”. Sin duda alguna uno de los conciertos de la noche, SKUNK DF, nunca decepcionan y se divierten con el público como si fuera la primera vez que se suben al escenario.

Skunk DF

Tras el cabeza de cartel, el metal industrial y oscuro se abría paso en el AQUELARRE, con KILLUS, MORPHIUM y MIND DRILLER. Los primeros en saltar a escena ya son unos viejos conocidos de tierras murcianas, pues estuvieron presentes en la anterior edición. También venían con disco nuevo bajo el brazo, “Ultrazombies”. Sus dos primeros temas fueron extraídos de el “The last passenger” y “White Lines”, y puff, son una apisonadora en el escenario, el cual adornaron con lápidas. Ahora son mucho más agresivos que antes en directo, con un maquillaje más ensangrentado, desplegaron todo su potencial en el festival, donde la gente no paraba de bailar y saltar, con un Premutoxx, metido perfectamente en su papel, que incluso daba miedo a veces, Supersixx a las voces, muy desafiante, al igual que Ruk y Kun a las guitarras que no paraban de cabecear e interaccionar con el resto del grupo, mientras iban desarrollándose los temas como “Fuck n’ Roll” o “Bastards”. La fiesta con estos chicos está asegurada, llegando a formar un circle pit con “Dead Revolution”, para desarrollar su locura con “Welcome to my madness”, “Ultrazombies” o “Feel The Monster”, que puso un broche perfecto a otro gran concierto. Uno de los grupos que más ganas tenia de ver eran MORPHIUM, pues su último trabajo me parece tremendo y nunca he tenido posibilidad de verlos. La impresión de la banda al levantarse el telón, tuvo que ser complicada, pues de una sala atestada con KILLUS, se encontraron con unas 15-20 personas mientras desarrollaron “Away From Myself”, tras la introducción “The Blackout”, pues la mayoría había salido a fumar. Aun así, ellos lo dieron todo como si estuviera abarrotada. “Con Victim Of Your Shame”, ya fue incorporándose mucha más gente, al escuchar los primeros compases. Con el cuerpo embadurnado en una especie de maquillaje grasiento, la voz de Alex gutural surgía del mismísimo infierno, mientras que las limpias las clavaba como en el disco, mientras que David García con su guitarra de 8 cuerdas, daba rienda suelta a su manejo vertiginoso en los riffs. La actitud del grupo no cambió un ápice desde el comienzo dándolo todo sobre las tablas y animando a todo el mundo continuamente. “Point Of No Return”, empezó a despertar a un público ya cansado para que dieran lo que aún le quedaba y con “You’d Rather Be Blind”, comenzaron a saltar y saltar junto a la banda. Este tema las estrofas más pausadas y cantadas con voz limpia y susurros sonó muy baja, pero los samples, la incisiva percusión y el bajo a cargo de Mori y Eugeni golpeaban una y otra vez en este corte con ritmos machacones y donde el cabeceo estaba asegurado. Tras poner un poco de calma con “Made Of Scars” y “All You Are” que sonaron perfectas, su single “Wha Lies Behind Words” puso un gran broche a otro conciertazo de la noche. Y cuando ya eran las 3:30 pasadas de la madrugada y tras más de 8 horas de concierto saltaron al escenario MIND DRILLER, para cerrar este Aquelarre Metal Fest. A pesar de las horas, a pesar del cansancio, la asistencia fue muy buena con una sala más de media que se agolpaba en las primeras filas sabiendo como inician el grupo sus directos. Se alzó el telón y unos músicos ataviados con túnicas y máscaras extraídas de Eyes Wide Shut, flanqueaban una enorme caja de cartón mientras los primeros coletazos de “Zirkus” sonaban. De repente el show estaba servido, emergiendo uno de sus componentes, “V”, ataviado como una especie de payaso para cantar con efectos y a través de un megáfono. Acto seguido Estefanía Aledo hacia su aparición para poner ese punto dulce y mucha actitud en directo (me gustó mucho tanto su voz como sus ganas en el escenario). Por último, su tercer vocalista, Daniel daba rienda a los tonos más directos, recordándome a una mezcla de OOMPH y RAMMSTEIN. Con “Lunch Mich Au” y “Thanks For Nothing”, el circo industrial estaba servido, cambiándose a cada corte de indumentaria, (que pedazo baúl tienen que llevar). Las melodías dobladas de los estribillos entre Estefanía y “V”, encajan perfectamente. “Psycho”, fue uno de los cortes que más me gustaron, rápido, directo y agresivo, así como “The Solution” y “Ich Bin Anders”, para mí las mejores de la actuación, aunque no podría elegir porque desarrollan un espectáculo en conjunto, en todo momento acompañado por un público ejemplar. Metal industrial a raudales y con una gran puesta en escena. Un grupo que desconocía y que me sorprendió mucho, esperando repetir muy pronto.

Strivor

Mind Driller

PORNOBOT, puso la post fiesta en el escenario, mezclando el talento a las seis cuerdas de Achokarlos con la música electrónica de Lorena, dub step metal que pude ver un poco pues el cansancio ya podía conmigo (serian sobre las 4:30-5:00 de la madrugada). Aunque lo que vi me gusto bastante, una combinación original para los últimos valientes que aguantaban en la sala. El Aquelarre Metal Fest, se está consolidando cada vez como uno de los festivales a tener en cuenta en el territorio nacional, y todo gracias a Andy Management y su gente, que curra año tras año para que no falte de nada, mejorando cada vez más el cartel, así como el trato a prensa y asistentes. Personalmente me sirvió para descubrir a MIND DRILLER, MALEEK y DARKNOISE, para poder ver por fin a MORPHIUM y SKUNK DF, dos de los grupos que más ganas tenia de sentir su directo. Para recordar y ver cómo han mejorado KILLUS desde su anterior paso por este festival, son grandes en el escenario. Para saludar y disfrutar de viejos amigos como los SCARECROW AVENUE y para disfrutar del heavy metal de STRIVOR y PIEL DE SERPIENTE. Como punto a mejorar o tener en cuenta, la organización sorteo un tatuaje, por medio de unas papeletas, del cual me entere a posteriori, con una mejor ubicación y visibilidad de los carteles destinados a dicho sorteo se mejora. El Aquelarre casi siempre ha sido un festival de dos días y aunque en los primeros cuatro grupos los cambios de escenario fueron correctos, mientras un telón ocultaba el mismo y en el que se proyectaban videoclips, todos sabíamos que cuando llegaran los grupos grandes la demora en el tiempo también sería mayor, pues requieren más tiempo para su backline, quizás para que no se terminara casi una hora después de la hora predicha, con un par de grupos menos hubiera bastado. Pero sobre todo fue un gran festival, con un gran ambiente que espero poder repetir el año que viene. Larga vida al Aquelarre

ScareCrow Avenue


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