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Breve Biografía de Marco Evaristti de quién elijo su obra “Helena”

Marco Evaristti (born 1963 in Santiago, Chile), is an artist who has lived in Denmark since the 1980s.[1] After studying at the Royal Danish Academy of Fine Arts, Evaristti gained notoriety for a museum display entitled Helena in 2000 that featured ten functional blenders containing live goldfish. The display, at the Trapholt Art Museum in Kolding, Denmark, invited guests to turn on the blenders. This led to museum director Peter Meyer’s being charged with and, later, acquitted of animal cruelty.[2] Evaristti’s next major work, in 2004, entitled Ice Cube Project, was to paint the exposed tip of a small iceberg red. This took place on March 24, in Kangia fjord near Ilullissat, Greenland. With two icebreakers and a twenty-man crew, Evaristti used three fire hoses and 3,000 litres (790 US gallons) of paint to color the iceberg blood-red. The artist commented that, “We all have a need to decorate Mother Nature because it belongs to all of us.” On January 13, 2007, Evaristti hosted a dinner party for his most intimate friends. The main meal was agnolotti pasta that was topped with a meatball made with the artist’s own fat, removed earlier in the year in a liposuction operation.[3] On June 8, 2007, Evaristti draped the peak of Mont Blanc in France with red fabric, along with a 20 foot pole with a flag reading “Pink State”. He was arrested and detained on June 6 for attempting to paint the peak red. His aim is to raise awareness of environmental degradation.[4] On January 27, 2010, Evaristti exhibited his artwork “Rolexgate” which is a model of the entrance gate to the Auschwitz-Birkenau concentration camp. 80% of the model is made up of gold which comes from the teeth of Jews who died in the concentration camps. The model had been briefly exhibited in Berlin, but was removed because of the audience reaction. wiki/Marco_Evaristti - cite_note-4

Shock art

Untitled PotografĂ­a

Las propuestas que desentonan con los medios formales del arte aún parecen inquietar al público mayoritario. A ciertos artistas –Damien Hirst, Mauricio Cattelan o Andrés Serrano, por ejemplo– se les etiqueta como promotores del shock art, un arte que, según sus detractores, no dialoga con el “verdadero” arte y provoca sólo parálisis y rechazo en el espectador. Aunque parezca lo contrario, estas manifestaciones son todo menos huérfanas, y en su mayoría son todo menos choqueantes (el tiburón de Hirst, por ejemplo, no deja de ser un tanto cursi). Como antecedente está, entre otros, el accionismo vienés, movimiento a través del cual Günter Brus, Otto Muehl, Hermann Nitsch y Rudolf Schwarzkogler (luego se sumaron otros artistas) realizaron alrededor de 150 acciones que provocaron náuseas, fascinación y odio en la sociedad austriaca de los años sesenta. El accionismo vienés arrastró el cuerpo hasta el terreno del arte y, con ello, lo grotesco, lo sexual y lo violento, en contraposición con el arte sedentario y tradicional. Mutilaciones en vivo, representaciones orgiásticas y crucifixión de ovejas llevaron a los accionistas vieneses a ser considerados personae non gratae en la escena del arte y el Estado austriacos. Desde entonces fluidos y desechos como la sangre, el excremento y la orina han consagrado a varios artistas del siglo xx y son componentes de obras capitales que hoy nos permiten dialogar con un arte que parece dar escalofríos. En la última década, una serie de cadáveres de animales conservados en formaldehído ha salido triunfante en el mercado de las grandes subastas, lo que ha provocado que la crítica Lynne Munson asegure, con cierta razón, que “el arte del shock es el tipo de arte más seguro al que un artista puede dedicarse hoy, si de hacer negocios se trata”. No obstante, décadas atrás esta forma de hacer arte no tenía al shock como fin en sí mismo ni pretendía apoderarse del mercado; buscaba algo más ambicioso: una reestructuración total del arte y la sociedad.

killme objeto

Excremento Ba単ado en Oro.

Fountain (1917), by Marcel Duchamp, a “shock art pioneer.”[1] Shock art is contemporary art that incorporates disturbing imagery, sound or scents to create a shocking experience. It is a way to disturb “smugs, complacent and hypocrital” people.[2] While the art form’s proponents argue that it is “imbedded with social commentary” and critics dismiss it as “cultural pollution”, it is an increasingly marketable art, described by one art critic in 2001 as “the safest kind of art that an artist can go into the business of making today”.[3][4] But while shock art may attract curators and make headlines, Reason magazine’s 2007 review of The Art Newspaper suggested that traditional art shows continue to have more popular appeal.[5] While the movement has become increasingly mainstream, the roots of shock art run deep into art history; Royal Academy curator Norman Rosenthal noted in the catalog for the “shock art” exhibit Sensation in 1997 that artists have always been in the business of conquering “territory that hitherto has been taboo”.[3] In China, which experienced an active “shock art” movement following the Tiananmen Square protests of 1989,[6] encroachment on the taboo has led the Ministry of Culture to attempt a crackdown on the artform,[7] banning the use of corpses or body parts in art.[8] In 1998, John Windsor in The Independent said that the work of the Young British Artists seemed tame compared with that of the “shock art” of the 1970s, including “kinky outrages” at the Nicholas Treadwell Gallery, amongst which were a “hanging, anatomically detailed leather straitjacket, complete with genitals”, titled Pink Crucifixion, by Mandy Havers.[9] In the United States in 2008, a court case went to trial to determine whether the fetish films of Ira Isaacs constitute shock art, as the director claims, or unlawful obscenity.[10][11] • Fountain, a urinal placed on exhibit by Marcel Duchamp, a pioneer of the form, in 1917.[1] In 2004, Fountain was selected in a survey of 500 artists and critics as “the most influential work of modern art”.[12] • Orgies of Mystery Theatre, by Hermann Nitsch, a display of music and dance in the midst of “dismembered animal corpses”, at 1966’s Destruction in Art Symposium.[1] • Shoot, a 1971 performance piece by Chris Burden in which friend shot him in the arm with a .22 calibre gun from a distance of 3.5 metres (11 ft).[13] • The Dinner Party, a 1979 exhibit by Judy Chicago in which table place settings are set as for a dinner party of famous women. The piece was controversial and labeled shock art because of its inclusion of iconic “butterflies” at each setting representative of the vulva.[14][15] • Piss Christ, 1987, by Andres Serrano a photograph of a crucifix submerged in the artist’s own urine.[16] • Artist Rick Gibson made a pair of earrings with freeze-dried human fetuses (Human Earrings - 1987) [17], publicly ate a slice of human tonsil (A Cannibal in Walthamstow - 1988)[18] and human testicle (A Cannibal in Vancouver - 1989)[19][20] and proposed to make a diptych with a squashed rat (Sniffy the Rat - 1990). [21][22] • The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living (1992), a dead tiger shark preserved in a glass and steel tank of formaldehyde by Damien Hirst has been grouped in the category of shock art,[16] but also criticised as an unoriginal product of “shock tactics” and not “real art”.[23] • 12 Square Meters, a 1994 performance art display by Zhang Huan in Beijing wherein Huan “lathered his nude body in honey and fish oil” and exposed himself to “swarming flies and insects”.[6] • In 1996 Gottfried Helnwein painted the Adoration of the Magi with Adolf Hitler as Baby Jesus,[24] which was displayed at the State Russian Museum St. Petersburg, the Legion of Honor, Fine Arts Museums of San Francisco, Denver Art Museum,[25] Museum Ludwig and others. • Myra, (1997) a portrait of murderer Myra Hindley constructed of children’s handprints, by Marcus Harvey.[1] • The Holy Virgin Mary, a black Virgin Mary, with elephant dung, before a background of pornography, by Chris Ofili.[3] • My Bed, a 1998 work by Tracey Emin consisting of the artist’s bed covered with soiled bedsheets and surrounded by debris including mentrual-stained underwear.[26] • Helena: The Goldfish Blender, a 2000 display of live goldfish in blenders which viewers were invited to turn on, by Marco Evaristti.[27] • Hell, a 2000 sculpture by Jake and Dinos Chapman featuring nine nightmarish landscapes displaying thousands of hand-painted cast miniature figures of Nazis.[28][29] • In 2007, Mark McGowan ate a Corgi in London to protest fox hunting by Prince Philip, Duke of Edinburgh.[30][31]

Helena Helena es la obra que selcciono analizar dentro del contexto donde fue exhibida por primera vez en Trapholt- Art Museum en Kolding, Dinamarca, en el año 2000. El director del museo, Peter Meyer, fue acusado (y luego absuelto) del cargo de crueldad hacia los animales. El artista dice que éste fue otro proyecto sobre el tema de la fugacidad transience de la belleza: la “delgada línea entre la existencia y la nada”.

Liquidising goldfish ‘not a crime’ An art display which invited the public to put live goldfish through a food blender did not constitute cruelty to animals, a Danish court has ruled. The goldfish were placed on display swimming in the blenders, and visitors were told they could press the “on” button if they wanted. At least one visitor did, killing two goldfish. Peter Meyer, director of the Trapholt Art Museum in Kolding, 200 kilometres (125 miles) west of Copenhagen, was fined for cruelty to animals after complaints from campaign group Friends of Animals. But a court in Denmark has now ruled that the fish were not treated cruelly, as they had not faced prolonged suffering. The fish were killed “instantly” and “humanely”, said Judge Preben Bagger. The court had earlier heard an expert witness from the blenders’ maker, Moulinex, that the fish had probably died within one second of the blender being switched on. A vet also told the court that the fish would have died painlessly. Mr Meyer will not now have to pay the fine of 2,000 kroner (269 euros) originally imposed by Danish police. The case only went to court because he refused to pay the police fine. He told the court that artistic freedom was at stake. “It’s a question of principle. An artist has the right to create works which defy our concept of what is right and what is wrong,” he told the court in Kolding. The display featured a total of 10 blenders containing goldfish. After the complaints, the blenders were unplugged and the exhibit continued without the possibility of killing the fish. The exhibit was created by Chilean-born Danish artist Marco Evaristti, who was apparently trying to test visitors’ sense of right and wrong. Mr Evaristti said at the time he wanted to force people to “do battle with their conscience”. The idea, he said, was to “place people before a dilemma: to choose between life and death.” “It was a protest against what is going on in the world, against this cynicism, this brutality that impregnates the world in which we live,” he said.

Helena fue visto por primera vez en Trapholt en Kolding en febrero de 2000 y más tarde - en una forma ligeramente modificada - en Kunstraum Dornbirn en Austria en 2006. Helena estaba compuesto por diez Moulinex Optiblend 2000 liquidisers, de pie sobre una mesa común y corriente. Cada licuadora se llenó con agua, proporcionando así un acuario para peces de colores naranja una ronda a nadar pulg Los liquidisers se enchufado y listo para ser encendido y este se hace visible para el público. Cualquier persona que pulsa el botón amarillo mataría a un pez de colores y transformar el contenido de la licuadora a la sopa de pescado frío. Así que los miembros de la audiencia se convirtió en árbitros sobre la vida y la muerte en una situación en la que estaba claro lo que sucedería si se pulsa el botón. En Helena el público se enfrenta a dos opciones posibles: o bien pulsar el botón y matar a los peces de colores o salir de la licuadora solo y preservar su función como un acuario. La instalación pone la tentación en el camino del visitante, desafiando a su / su ética y la moral. Si se presiona el botón, se convierte en parte de la obra interactiva, rompiendo así los límites propios.


this building was contributed by: Danish Building Research Institute, Denmark


Kolding, Denmark 55,3°N, 9,3°E predominantly cloudy

museum advanced roof-lights

building The main feature of this one story art-museum, is a wall that cuts across the site on the northern slopes of Kolding Fjord. The floor of the exhibition area follows the slope of the terrain, while the vaulted ceiling remains on the same level increasing the ceiling height as one moves through the building.

The Trapholt-Art-Museum is situated in a park in Kolding.

The rooflights are exposed to the sky without significant obstructions.

daylight strategy The architectural solutions in the design of the galleries provide great variations in shape and size and fulfill the aims to increase amenity for the visitors exploring the works of art displayed. The lighting design uses fairly simple and inexpensive daylighting technology to enhance the quality of daylight. The design of the windows and skylights reflects the size of the items exhibited. This is fulfilled by the principal rule where isolated, minor individual works, applied arts, furniture, etc. have little space with targeted and adjustable light openings, while major individual works and paintings, where context and breadth of view are crucial, is given larger rooms and bigger lighting openings. However, in larger rooms, the light direction is formed so that it also maintains the painting and sculpture’s properties for depicting the details of form and texture. The louver system of the windows and the specially designed skylights permit the extensive use of daylight and create fairly high and uniform interior light levels throughout the building. At the same time they reduce problems of high luminance areas or veiling reflections in the work of art displayed.

Facade of the Trapholt-Art-Museum, the exterior walls are made of exposed concrete.

Cross-section and plan of the ground floor of the Trapholt-Art-Museum.

Kolding Town

A pedestrian street in the middle of Kolding


Coat of arms





50 m (164 ft)



55°29′30″N 9°30′0″E

57,540 (2012)

Kolding is a Danish seaport located at the head of Kolding Fjord in the Region of Southern Denmark. It is the seat of Kolding Municipality. It is a transportation, commercial, and manufacturing centre, and has numerous industrial companies, principally geared towards shipbuilding. The manufacturing of machinery and textiles and livestock export are other economically significant activities. With a population of 89,412 (1 January 2012), the Kolding municipality is the seventh largest in Denmark. The city itself has a population of 57,540 (1 January 2012)[2] and is also the seventh largest city in Denmark. The municipality is also a part of the East Jutland metropolitan area with 1.2 million inhabitants.[3]

Evangelical Lutheran church in Kolding Located in Kolding is the former royal castle of Koldinghus. This was built in the 13th century by King Eric Klipping and is now a museum with certain parts of the castle, including its chapel and hall, being used for governmental ceremonial events. It was the last royal residence in Jutland. Another notable site is the 13th century stone Church of Saint Nicholas (Danish: Sankt Nicolai), which is one of the oldest in Denmark.[citation needed] Popular tourist attractions include the Trapholt art museum and the gardens Geografisk Have. Trapholt holds collections of Danish arts from 1900 onwards and a smaller number of non-Danish exhibits. Kolding is also the site of Designskolen Kolding, a university level design school.

Kolding - Trapholt Museum For some years now Kolding has had a new attraction - Trapholt Art Museum, situated to the north of the town at Æblehaven 23, near Kolding Fjord. An interesting modern building situated in a park, it is home to a large collection of contemporary Danish paintings and applied art, including ceramics. textiles and design. The picture department is divided into two sections, namely, landscape paintings and abstract art, and includes works by Richard Mortensen and Egill Jacobsen.

Must-see attractions nearby: Trapholt Museum Koldinghus Castle and Museum Geographical Garden Kolding Town Hall

Address: Kunstmuseum Trapholt, Æblehaven 23, DK-6000 Kolding, Denmark Hours: 10am-5pm Always closed on: New Year's Day (January 1), New Year's Eve (December 31), Christmas - Christian (December 25), Christmas Eve - Christian (December 24) Disability Access: Partial facilities for persons with disabilities. Facilities: Restaurant or food service More Kolding AttractionsView All

El periódico inglés The Art Newspaper publicó: “Gene Hathorn, un convicto sentenciado a pena de muerte, ha acordado regalarle su cuerpo al artista chileno-danés Marco Evaristti. El plan del artista es congelar el cuerpo de Hathorn y hacer con este alimento para peces.” La noticia continúa: Evaristti –como Truman Capote– ha procurado la amistad de un convicto que ha vivido tras las rejas tejanas desde 1985, cuando se le encontró culpable de las muertes de su padre, madrastra y hermanastro. La culminación de la relación Evaristti-Hathorn ocurrirá, en algún museo, cuando el espectador tenga en sus manos el alimento derivado del cuerpo de Hathorn, tal como lo planea el artista con la aprobación legal del convicto: “Los visitantes podrán alimentar a los peces que estarán nadando dentro de un acuario gigante.” El que los peces vayan a ser alimentados con una pasta hecha a base de carne humana le da a este performance un carácter polémico; no obstante, ni para Evaristti ni para Hathorn esto significa un problema ético. El verdadero problema es matar legalmente a una persona en nuestros tiempos, dice el artista por si alguien lo tacha de inmoral o cínico y no atiende el propósito de su obra: hacer una intensa campaña contra la pena de muerte. Esta preocupación del artista se presentaba ya en su obra The Last Fashion, una colección de ropa exhibida en agosto de este año y diseñada para los reclusos que se encuentran en el corredor de la muerte. Evaristti también diseñó una cama de ejecución, expuesta en la Feria de Arte de Copenhague a finales de septiembre. Sin embargo, el proyecto en que el protagonista será el cuerpo envenenado de Hathorn promete tener un mayor impacto en la sociedad. O por lo menos así lo desean ambos, artista y convicto. Decía E.H. Gombrich en 1950, en su célebre La historia del arte, que la obra Retrato de su madre (retrato de una anciana, madre del autor, Alberto Durero, pintado en 1514) podía provocar rechazo en el primer atisbo y atracción después. Aunque detenerse frente a las arrugas de una anciana dibujadas en carboncillo no es algo que el espectador contemporáneo considere un desafío, la condición de rechazo que señala Gombrich advierte que hay mucho más que obtener de una obra que lo que sucede en un primer acercamiento a ella. Por ejemplo, si atendemos las obras de Evaristti notaremos que estas, debajo de su horror, discuten con una parte esencial y revolucionaria de la historia del arte. Esencial porque ilustra los albores de la vinculación entre el arte y lo político. Revolucionaria porque emplea procesos no más brutales que la propia política o la inercia social. En 2000, por ejemplo, su obra Helena consistió en colocar en un museo varias licuadoras llenas de agua, con un pez dorado dentro de cada una de ellas. El espectador la tenía sencilla: activaba o no la licuadora.1 Evaristti y el director del museo, Peter Meyer, fueron a juicio; el cargo: crueldad animal.2 Evaristti fue declarado inocente y dice ahora: “¿Cómo puedes rechazar diez peces en una licuadora cuando has vivido en una sociedad que, literalmente, ha matado a miles? ¿Cómo rechazas este tipo de obras cuando no rechazas lo que realmente está destrozando a la sociedad?” Para Evaristti es claro que vivimos en una sociedad paradójica: por un lado, se denuncia la existencia de un arte desagradable y cruel que “tiene como fin en sí mismo la perturbación y nada más”; por el otro, se ejerce con naturalidad la crueldad. Actuar desde la ley, como lo haría la mancuerna Evaristti-Hathorn de realizarse la obra (no olvidemos que Hathorn ha cedido legalmente su cuerpo, no a la ciencia sino al arte), para denunciar una ley que (no encuentro otra manera de decirlo) deshumaniza a los humanos dará lugar, sin duda, a una obra elocuente. Una obra que tendrá como trasfondo esta denuncia: que las personas sentenciadas a muerte dejan de ser personas para volverse cosas, cuerpos inútiles, en espera del desenlace. De llevarse a cabo la obra de Marco Evaristti, también sucederá una suerte de acción metafórica: una reincorporación gestual del convicto al mundo al que también perteneció.

Entrevistas a Marco Evaristti

Se ha presentado esta muestra y a ti mismo como provocativos. ¿Es tu intención provocar? No, es más confrontar, hacer un diálogo entre la sociedad y mi trabajo. Es como un espejo que pongo a la sociedad para que se refleje a sí misma y haya un diálogo intelectual con ella.

Sin embargo, a veces tus obras han despertado cierto rechazo. ¿Ésa es también una forma de remoción de conciencia o es un efecto no deseado? No, yo pienso que es una cosa más moral del espectador. Porque, ¿cómo puedes rechazar diez peces de colores en una licuadora, cuando has vivido en una sociedad que, metafóricamente, ha matado a miles? Y nadie dice nada, pero al poner diez peces en una licuadora se enfurecen. Incluso no se enfurecen al poner limón en una ostra viva, o cocinar una jaiba viva por diez minutos. Esta pregunta tiene por respuesta otra pregunta: ¿Cuál es la conciencia del ser humano al hacer ese tipo de comentarios estúpidos? ¿Cómo rechazas ese tipo de obras cuando no rechazas lo que realmente está destrozando a la sociedad? En otras muestras, partiendo por la de los peces, las obras han logrado adquirir cierta independencia respecto del autor, sin embargo ahora va a estar tu grasa, tu excremento e incluso tu cara, en algunas fotos. ¿Por qué te involucraste más ahora? No es algo nuevo, lo he usado anteriormente. He hecho pinturas con mi semen, con mi sangre, y ahora las albóndigas. Algunas veces es necesario usarse a sí mismo para poder hacer un diálogo intelectual entre el espectador y la obra.

Tras tu experiencia con la muestra de los peces y la expectativa que se ha generado ahora, ¿qué respuesta esperas del público? Creo que lo dividiré en dos grupos, como siempre pasa: los que van a aceptar la obra, porque la entienden de una forma más intelectual, y los que van a rechazarla, porque son más moralistas, que van a hacer una reflexión de ellos mismos, y al verse de una manera negativa van a pensar que la obra es asquerosa.

Análisis Final Elijo esta obra porque me sirve de canal para establecer un debate sobre algunas problemáticas actuales del arte. Se llama Helena y es de Marco Evaristi, un artista chileno danés. Diez batidoras enchufadas, con un pez dentro de cada una. Los visitantes eran libres de ponerlas en marcha. Una obra interactiva. La instalación no permaneció el tiempo previsto ya que fue desalojada antes del fin de la muestra por la policía, para salvar a los peces. Al pensarme viendo esta obra, no dejo de pensar en la regurgitación placentera que le generaría mi morbo a mis entrañas. La intranquilidad y ansia de querer ver qué pasa si aprieto el botón. Supongo que a muchos se le ha hecho inevitable preguntarse si podrían oprimirlo, y si al hacerlo, la licuadora efectivamente hace añicos a los peces. En todos nosotros, humanos, existe secreta la pulsión de matar, que se ve seducida por este dispositivo-obra, sin embargo la simple posibilidad de ejercer este acto de patetismo absolutista despierta extrañas conmociones en los espectadores. Uno podría ser el sádico intranquilo que mete el dedito, el morboso que se queda mirando, o tal vez encarar al ético catequista que se retira, hace un escándalo e intenta parar la obra, que o-cultamente es más sádico que ninguno y pretende lavar sus culpas sobre lo que acaba de imaginarse, entre otros. Podríamos decir que Evaristi propone un paralelismo entre la realidad sínica y destructiva del hombre y la realidad de la fisonomía superficial del arte. ¿A dónde nos conducen estos dos caminos cruzados? ¿Adónde nos conducen casi todos los caminos? A la axiomática muerte. Y cuando pienso en la muerte del arte, pienso en algunos artistas que matan al arte, a la muerte misma. Morir por el arte, es un concepto en el que vengo pensando. Mucho artista medio, de clase media, peligra de ser indigente, además muere y mata por el arte y lo termina matando todo en ficciones. Se caga de hambre. Este individualista para mí es un artista desheredado, sin capacidad económica propia de producir su obra, hecho que le genera hacer cualquier cosa por concretarla, incluso prostituirse con las instituciones para incrementar su nivel de visibilidad, para al menos tener la esperanza de conseguir su voluptuoso valor agregado algún día y salvarse. Pretender conseguir el valor agregado es como esperar ganarse la lotería. Una excepción a la regla que es la regla misma. “A fulano le pasó, me puede pasar a mí.” (en realidad fulano tiene apellido, amigos, “contactos”, en muy pocos casos fulano tiene flor de mediocre suerte). Yo prefiero recuperar plusvalía.

Cada vez más me hago una pregunta: ¿Quién cuernos es un artista? Y además, ¿De qué vive? ¿De dar clases, de manejar un taxi, de producir eventos culturales? Y si vive de otra cosa que no es el arte mismo, ¿Es artista?¿Los artistas somos trabajadores? Muchos artistas podrían tomarse como trabajadores, pero para ello deberían cobrar por su trabajo, cosa que no suele suceder. Todos en una muestra cobran por su trabajo, el curador, el montajista, el productor, la persona que limpia, los que dirigen o administran las instituciones, los programadores, los críticos, la prensa, etc. Todos menos los artistas, que a veces hasta pagan por exponer y otras gastan-pagan mucho dinero en la producción de sus obras. Y ¿Por qué los artistas siempre pagan? Pagan, pagamos, tal vez porque sublimamos en obras nuestras pulsiones sexuales, dolores, lo que nos aqueja o conmueve, o tal vez porque no entendemos siquiera que estamos pagando o porque la mayoría de los colegas lo hacen… “Mientras tanto en ciudad gótica…” Mientras tanto, hay otras tantas maneras de hacer arte, de promover otro tipo de prácticas artísticas, fuera de las instituciones, a la vista del que quiera detenerse a mirarlas, tocarlas, participar en ellas. Ya me estoy yendo lejos… En fin, ¿Cómo termina el caso de Evaristti?, termina con que el artista hizo un acuerdo con Gene Hathorn, un preso yankee de Texas, acusado en 1985 y condenado a muerte a quién se le alega el asesinato de su padre, madrastra y hermanastro. Hathorn ha accedido a ser congelado luego de su ejecución, y posteriormente transformado en comida, con la que el público podrá alimentar a unos peces en un acuario. El artista se comprometió a cambio, a financiar la apelación del preso mediante la venta de dibujos realizados por él en prisión. El asesinato sigue siendo legal en algunos lugares. Lo curioso es como los que hicieron que Helena se levante por el peligro que corrían los peces, ahora que es un ser humano el que se convierte en comida, no hacen nada.

Marcos Evaristi / Helena  

Trabajo para la Maestría en Artes Electrónicas de la UNTREF