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Federico Brandt

Recent Works marzo 5 – abril 5, 2010

1646 SW 8th Street, Miami, FL. 33135 T. (305) 644-3315 cremata@crematagallery.com www.crematagallery.com

Booth 910 – Marzo 26-29, 2010

Construcción del Candidato, 2009. Mixed media on canvas. 80 x 120 cm.


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Adriano Pedrosa and Jens Hoffmann appointed curators of the 12th International Istanbul Biennial | Adriano Pedrosa y Jens Hoffmann designados curadores de la XII Bienal Internacional de Estambul The 12th International Istanbul Biennial, organised by the Istanbul Foundation for Culture and Arts, is set for 17 September–13 November 2011, under the curatorship of Adriano Pedrosa and Jens Hoffmann. Pedrosa, born in 1965 in Rio de Janeiro, is an independent curator, editor and writer based in São Paulo. He has published in prestigious specialized magazines such as Artforum (New York), Art Nexus (Bogota), Art+Text (Sydney), Tate etc (London), Exit (Madrid), and Frieze (London), among others. He curated F[r]icciones (with Ivo Mesquita, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid, 2000), was adjunct curator and editor of publications of the XXIV São Paulo Biennial (1998), co-curator and co-editor of publications of the 27th São Paulo Biennial (2006), curator of InSite_05, San Diego/Tijuana (2005), curator of the 31st Panorama da Arte Brasileira (Museu de Arte Moderna de São Paulo, 2009), and artistic director of the 2nd Trienal Poli/Gráfica de San Juan (2009). He was a juror of important awards. Pedrosa is on the editorial board of The Exhibitionist: A Journal for Exhibition Making and is the founding director of Programa Independente da Escola São Paulo—PIESP. Hoffmann, born in 1974 in San José, Costa Rica, is a writer and curator of exhibitions based in San Francisco, where he is the Director of the CCA Wattis Institute for Contemporary Arts. He has worked for a number of art institutions including the Solomon R. Guggenheim Museum, New York; KIASMA–Museum for Contemporary Art, Helsinki; Kölnischer Kunstverein, Cologne; The Hugh Lane Museum of Modern Art, Dublin; DIA Center for the Arts, New York, Kunstverein in Hamburg; Kunst-Werke, Berlin; Los Angeles Contemporary Exhibitions, Los Angeles; Kunst-Palast Museum, Düsseldorf, as well as for exhibitions such as Documenta X (1997), the 1st Berlin Biennial (1998), and the 9th Lyon Biennial (2007). He was the Director of Exhibitions at the Institute of Contemporary Arts in London (2003–2007) and co-curator of the 2nd Trienal Poli/Gráfica de San Juan (2009). He is currently co-curating, with Harrell Fletcher, the 1st People’s Biennial, taking place in five US museums in 2010. He is the founding editor of The Exhibitionist: A Journal on Exhibition Making. The conceptual framework of the 12th International Istanbul Biennial will be announced through a press conference to be held in autumn 2010 by the curators; Adriano Pedrosa and Jens Hoffmann. www.iksv.org/bienal

La duodécima Bienal Internacional de Estambul, organizada por la Fundación de Estambul para la Cultura y las Artes, se llevará a cabo entre el 17 de septiembre y el 13 de noviembre de 2011, con la curaduría de Adriano Pedrosa y Jens Hoffmann. Pedrosa, nacido en 1965 en Río de Janeiro, es un curador independiente, editor y escritor, residente en San Pablo. Ha publicado en prestigiosas revistas especializadas, entre ellas Artforum (Nueva York), Art Nexus (Bogotá), Art+Text (Sydney), Tate etc (Londres), Exit (Madrid) y Frieze (Londres) y fue el curador, conjuntamente con Ivo Mesquita, de F[r]icciones, presentada en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, (Madrid, 2000); curador adjunto y editor de publicaciones de la XXIV Bienal de San Pablo (1998), co-curador y co-editor de publicaciones de la XXVII Bienal de San Pablo (2006), y curador, entre otras importantes muestras, de InSite_05, San Diego/Tijuana (2005), XXXI Panorama da Arte Brasileira (Museu de Arte Moderna de São Paulo, 2009) así como director artístico de la Segunda Trienal Poli/Gráfica de San Juan (2009). Ha sido jurado de importantes premios. Forma parte del consejo editorial de The Exhibitionist: A Journal for Exhibition Making y es director fundador del Programa Independente da Escola São Paulo—PIESP. Hoffmann, nacido en 1974 en San José, Costa Rica, es un escritor y curador de exposiciones radicado en San Francisco, donde dirige el CCA Wattis Institute for Contemporary Arts. Ha trabajado con numerosas instituciones de arte, entre ellas el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York; KIASMA–Museum for Contemporary Art, de Helsinki; Museo Kölnischer Kunstverein, de Colonia; Hugh Lane Museum of Modern Art, de Dublin; DIA Center for the Arts, de Nueva York; Kunstverein de Hamburgo; Kunst-Werke, de Berlín; Los Ángeles Contemporary Exhibitions, de Los Ángeles; Museum Kunst-Palast, de Düsseldorf. También ha sido asesor para las exposiciones de Documenta X (1997), de la I Bienal de Berlín (1998), y la IX Bienal de Lyon (2007). Fue director de exposiciones del Instituto de Arte Contemporáneo de Londres (2003–-2007) y co-curador de la segunda Trienal Poli/Gráfica de San Juan (2009). Actualmente está curando con Harrell Fletcher, la primera People’s Biennial, que se presentará en cinco museos de Estados Unidos en 2010. Es editor fundador de The Exhibitionist: A Journal on Exhibition Making. Pedrosa y Hoffmann anunciarán el marco conceptual de la XII Bienal de Estambul en una conferencia de prensa que tendrá lugar en el otoño de 2010. www.iksv.org/bienal

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Mario García Torres at the Museo Reina Sofía Mario García Torres en el Museo Reina Sofía

¿Alguna vez has visto la nieve caer, 2010. Proyección de diapositivas. Diaporama, 80 diapositivas, audio. Duración 56’

The Museo Reina Sofía presents the work of Mario García Torres, shown for the first time at a Spanish institution. After more than three years of rigorous research, this Mexican artist living in Los Angeles uncovers a new era in the curious relationship that some artists have with history. In ¿Alguna vez has visto la nieve caer? García Torres uses slides in his audiovisual piece − created specifically for this occasion − to relay a largely unknown chapter in the career of artist Alighiero Boetti and his One Hotel in Kabul. His gallery in London, White Cube, states: “Mario García Torres approaches his work with a playful – and sometimes nostalgic – take on the history of Conceptual art, unlocking many of its forgotten narratives to bring forth new ideas and meanings. Through his interventions, slide projections, films and installations, García Torres rethinks the tradition in a more personal way, animating events in recent history with a curiosity that is both critical and sensual. An archaeologist of cultural history, García Torres is developing an aesthetics of information”. Mario García Torres was born in 1975 in Monclova, Mexico and is now based in Los Angeles, California. He has exhibited in many group and solo exhibitions, including the Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, Vienna; Kadist Art Foundation, Paris; Stedelijk Museum, Amsterdam; Frankfurter Kunstverein, Frankfurt; Venice Biennial (2007), Musée d´Art Moderne de la Ville de Paris, Tate Modern, London (2007) and the Moscow Biennial. He was the recipient of the Cartier Award at the Frieze Art Fair (2007).

El Museo Reina Sofía presenta por primera vez en una institución española la obra de Mario García Torres. Tras una rigurosa investigación de más de tres años, este artista mexicano radicado en Los Ángeles descubre una nueva era en la curiosa relación de algunos artistas con la historia. García Torres se sirve del formato de la diapositiva para relatar en una pieza audiovisual creada específicamente para la ocasión un capítulo poco conocido en la carrera del también artista Alighiero Boetti y su obra One Hotel, presentada en Kabul. White Cube, la galería que lo representa en Londres, se refiere a su obra en estos términos: “Mario García Torres se enfoca en su trabajo con un sentido lúdico – y a veces nostálgico − de la historia del arte conceptual, sacando a la luz muchas de sus narrativas olvidadas para brindar, a partir de éstas, nuevas ideas y significados. A través de sus intervenciones, proyecciones de diapositivas, películas e instalaciones, García Torres se conecta con la tradición desde una perspectiva más personal, reviviendo sucesos de la historia reciente con una curiosidad que es tanto crítica como sensual. Como una suerte de arqueólogo de la historia cultural, García Torres está desarrollando una estética de la información”. Mario García Torres nació en 1975 en Monclova, México y reside actualmente en Los Ángeles, California. Ha exhibido en el Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, de Viena; Kadist Art Foundation, de París; Stedelijk Museum, de Amsterdam; Frankfurter Kunstverein, de Frankfurt; la Bienal de Venecia (2007), el Musée d´Art Moderne de la Ville de Paris, la Tate Modern, de Londres y la Bienal de Moscú. Recibió el Premio Cartier en la feria Frieze de 2007.

Luis Cruz Azaceta in the NOMA by Miranda Lash* Luis Cruz Azaceta en el NOMA

Cuban American, born 1942. Green Fugue, 2009 Acrylic, charcoal, shellac on canvas. Courtesy of the Artist and Arthur Roger Gallery

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Presented in NOMA’s white marbled Great Hall, the exhibition, Swimming to Havana, features ten new paintings by Luis Cruz Azaceta, all from 2009. The combination of physical distance and decades-long U.S. travel and trade restrictions renders the idea of swimming to and from the island nation insurmountable for any person to attempt alone. Nevertheless, it is a journey that has taken place countless times in the minds of Cubans wishing to reach the United States, and Cuban immigrants dreaming of returning home. In his suite of new paintings, Azaceta invites viewers to undertake their own imaginative journeys through his imagery. These paintings explore the idea of crossing over in myriad ways: between abstraction and figuration, between geometric and organic forms, between Cuban and American culture, and between the his-

El New Orleans Museum of Art, NOMA, presenta la muestra de Luis Cruz Azaceta, Swimming to Havana I, compuesta por diez pinturas recientes, todas realizadas en 2009. La combinación entre la distancia física y las largas décadas de restricciones a los viajes y el intercambio comercial con Estados Unidos hacen que la idea de nadar hacia y desde la nación isleña se convierta en un imposible para cualquiera que lo intente. Pese a ello, es un viaje que se ha llevado a cabo incontables veces en la imaginación de los cubanos que desean llegar a Estados Unidos o de los inmigrantes cubanos que sueñan con regresar al hogar. En esta serie de obras recientes, Azaceta invita al espectador a realizar su propio viaje mental a través de su imaginería. Estas pinturas exploran innumerables matices de la idea del cruce de fronteras: entre la abstracción y la


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torically linked cities of New Orleans and Havana. The selection of works on view reflects the pendulum swing in Azaceta’s practice between abstract and representational art. The sense of displacement, of being lost in Azaceta’s world, relates in part to his personal history. Having had to straddle two cultures since fleeing to the United States in 1960, Azaceta is familiar with the feeling of dislocation. Likewise, having lived in Louisiana since 1992, he can easily conjure memories of hurricane evacuations, most recently Hurricanes Katrina and Gustav. Typical of Azaceta’s style, however, he cannot resist slicing through the gravity of his subject matter with elements of levity in many of his works. Despite his frequent use of self-portraiture, Azaceta is careful to note that his figures represent all of humanity, not solely himself. Since the 1970s Azaceta has used self-portraiture as a vehicle for expressing universal elements of the human condition. *Curator of Modern and Contemporary Art, New Orleans Museum of Art

figuración, entre lo geométrico y las formas orgánicas, entre la cultura americana y la cubana, y entre ciudades históricamente vinculadas como Nueva Orleáns y La Habana. La selección que presenta la muestra refleja la oscilación pendular entre el arte abstracto y el figurativo en la obra de Azaceta. En el mundo de Azaceta, el sentido de desplazamiento, de encontrarse perdido, remite en parte a su historia personal. Habiéndose visto forzado a convivir con dos culturas desde su huida a Estados Unidos en 1969, para Azaceta el sentimiento de desplazamiento es algo familiar. De igual modo, habiéndose establecido en Louisiana desde 1992, puede evocar fácilmente recuerdos de evacuaciones por huracanes, como las provocadas más recientemente por Katrina y Gustav. Sin embargo, como una característica de su estilo, no puede evitar restarle gravedad a los temas que trata, introduciendo elementos de ligereza en muchas de sus obras. A pesar del frecuente uso del autorretrato en su trabajo, Azaceta es cuidadoso en lograr que sus figuras representen a toda la humanidad y no sólo a sí mismo. Desde los setenta, ha utilizado el autorretrato como un vehículo de expresión de elementos universales de la condición humana. *Curadora de Arte Moderno y Conetmporáneo, New Orleans Museum of Art

Marta Minujin: MINUCODEs at the Americas Society Marta Minujin: MINUCODEs en la Americas Society Marta Minujín: MINUCODE revisits an earlier project by Argentine artist Marta Minujín, held in 1968 at the Americas Society, then known as the Center for InterAmerican Relations (CIAR). For the project, called MINUCODE, Minujín collected social data through a series of cocktail parties that were attended by people who responded to a series of questionnaires the artist posted in the press. Drawing on methods used in happenings and cinema verité, Minujín staged an immersive electronic environment in the CIAR gallery using footage from the cocktail parties, installing a series of light and sound shows created by selected party guests in an adjacent room. These shows were conceived in collaboration with Tony Martin. Through original footage recently recovered and archival documents, Marta Minujín: MINUCODEs, curated by Gabriela Rangel and José Luis Blondet, and on exhibit from March 2 to April 3, 2010, illuminates the early work of a fundamental voice of the neo-avantgarde scene in Latin America. Additional documentation on Circuit (1967) and Simultaneidad en Simultaneidad (1966) - a collaboration with Allan Kaprow and Wolf Vostel, will also be on view. Among the public programs in conjunction with the exhibition, Americas Society will present a tour gallery with the artist and the curators on March 2. Judi Rodenbeck and José Luis Blondet will offer a lecture on March 30 and there will be a panel discussion with Alexander Alberro, Carolee Schneemann and Jenni Sorkin, moderated by Gabriela Rangel on April 13.

Marta Minujín: MINUCODE retoma un proyecto que la artista presentó en 1968 en la sede de la Americas Society, entonces conocida como Center for Inter-American Relations (CIAR). Para dicho proyecto, denominado Minucode, Minujín recolectó datos de tipo social a través de una serie de fiestas a las cuales asistieron personas que respondieron a una serie de cuestionarios que la artista había publicado en la prensa. Inspirándose en los métodos utilizados en los happenings y en el cinéma vérité, Minujín orquestó una envolvente atmósfera electrónica en la galería del CIAR con el material fílmico original de dichas fiestas y una serie de instalaciones de luz y sonido creadas por una selección de invitados en una habitación contigua. Esos shows fueron concebidos en colaboración con Tony Martin. A través de originales fílmicos y documentos de archivo recientemente recuperados, Marta Minujín: MINUCODE, curada por Gabriela Rangel y José Luis Blondet y abierta al público del 2 de marzo al 3 de abril de 2010, arroja luz sobre la obra del comienzo de la carrera de una de las voces fundamentales de la escena de la nueva vanguardia de Latinoamérica. La muestra también incluye documentación adicional sobre Circuit (1967) y Simultaneidad en Simultaneidad (1966), una colaboración realizada con Allan Kaprow y Wolf Vostel. Entre los programas públicos que se realizarán conjuntamente con la muestra, la Americas Society ofrecerá una visita guiada con la participación de la artista y los curadores el 2 de marzo. Judi Rodenbeck y José Luis Blondet darán una charla el 30 de marzo y el 13 de abril Gabriela Rangel moderará un panel con la participación de Alexander Alberro, Carolee Schneemann y Jenni Sorkin. 117


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Joaquín Torres-García at The San Diego Museum of Art Joaquín Torres-García en el San Diego Museum of Art

Constructivo con formas curvas (Construction with Curved Forms) 1931. Oil and nails on wood 48.8 x 40.6 x 3.4 cm 19-1/4 x 16 x 1-3/8 inches Private Collection, Zurich

The San Diego Museum of Art announces the groundbreaking exhibition Joaquín Torres-García: Constructing Abstraction with Wood, the first major U.S. exposition in nearly 40 years to focus exclusively on one of the most influential artists from Latin America. A charismatic figure in the international art world, Joaquín Torres-García is celebrated globally as a modernist painter, teacher and author. He has exhibited with the most famous artists of his time, including Antonio Gaudí, Pablo Picasso, Piet Mondrian, Theo van Doesburg and Marcel Duchamp. The San Diego Museum of Art is the exclusive West Coast venue—and only one of two U.S. museums—for this exhibition, which was organized by The Menil Collection, Houston in association with the Museum of Fine Arts, Houston, and curated by Mari Carmen Ramírez, the Wortham Curator of Latin American Art at the Museum of Fine Arts, in collaboration with Menil director Josef Helfenstein.. Joaquín Torres-García: Constructing Abstraction with Wood will be on exhibition from February 20 through May 20, 2010, including more than 80 wooden constructions, or maderas, largely dating from the 1920s to 1940s. The exhibition will be accompanied by a fully illustrated catalogue (Yale University Press) featuring essays by Mari Carmen Ramírez, Cecilia de Torres, and Margit Rowell, as well as a chronology and newly translated texts by Joaquín Torres-García. www.sdmart.org, Twitter @SDMA.

El San Diego Museum of Art anunció la apertura de la innovadora exposición Joaquín Torres-García: Constructing Abstraction with Wood, la mayor muestra de uno de los más influyentes artistas latinoamericanos que haya tenido lugar en los últimos cuarenta años en Estados Unidos. Figura carismática en el mundo del arte internacional, Joaquín Torres-García es globalmente reconocido como un pintor modernista, profesor y autor. Expuso con los más famosos artistas de su tiempo, entre éstos Antonio Gaudí, Pablo Picasso, Piet Mondrian, Theo van Doesburg y Marcel Duchamp. El San Diego Museum of Art será la sede exclusiva en la costa oeste − y uno de los únicos dos museos en EE. UU. − donde se presentará esta exposición itinerante, organizada por la Colección Menil, conjuntamente con el Museum of Fine Arts, Houston y curada por Mari Carmen Ramírez, la Curadora Wortham de Arte Latinoamericano del Museum of Fine Arts, Houston, en colaboración con el director de la colección Menil, Josef Helfenstein. . Joaquín Torres-García: Constructing Abstraction with Wood continuará abierta al público hasta el 20 de mayo de 2010 y se podrán apreciar más de 80 construcciones en madera, muchas de las cuales datan de las décadas de 1920 y 1940. La muestra está acompañada de un catálogo completamente ilustrado (Yale University Press) e incluye ensayos de Mari Carmen Ramírez, Cecilia de Torres y Margit Rowell, así como una cronología y textos nunca antes traducidos de Joaquín Torres-García. www.sdmart.org, Twitter @SDMA.

Eduardo Stupia exhibits at the IVAM Eduardo Stupia expone en el IVAM

Paisaje, 2008. Técnica mixta sobre tela. 160 x 120 cm

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Eduardo Stupía (Buenos Aires, 1951), has trusted the spectators’ creativity and fantasy for years and has led them to interpret lines, marks, spots and brushstrokes. The exhibition at the IVAM compiles 47 works, including drawings and paintings, from the period between 2008 and 2009. Together with the exhibit the museum has edited a catalogue with the reproductions of the works on display and texts by Francisco Calvo Serraller, Consuelo Ciscar, Fabian Lebenglik and the artist himself. All of Stupia’s works can be thought of and understood as a single big drawing or, rather, as a huge organism in which drawings have a function, are essential components, and are thoughts that think about themselves as a result of a logic that goes back and forth from the material to the poetic level. As Stupia broadened his concept of drawing, his works became more uncertain and unsettling. In this exhibition, increasingly at the limit, the

Eduardo Stupía (Buenos Aires, 1951), ha confiado a lo largo de los años en la creatividad y la fantasía del espectador y lo ha inducido a interpretar líneas, filigranas, manchas y pinceladas. La muestra que se presenta en el IVAM incluye 47 obras, entre dibujos y pinturas, realizadas en 2008 y 2009. Con motivo de la muestra se ha editado un catálogo que reproduce las obras expuestas y reúne textos de Francisco Calvo Serraller, Consuelo Ciscar, Fabian Lebenglik y del propio artista. Toda la obra de Stupia se puede pensar y ver como un único gran dibujo o, más bien, como un inmenso organismo en el que los dibujos cumplen una función, constituyen una parte esencial de él y son pensamientos que se piensan a sí mismos, como resultado de una lógica que va y viene de lo material a lo poético. A medida que fue ampliando el concepto de dibujo, su obra se tornó más incierta e inquietante. En esta exposición, cada vez más al límite, la rela-


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relationship with the landscape is accidental and rhetorical: it is the relationship that survives through gestures and consists of anomalous and transfigured landscapes, which are perceived as an already lost footprint. These are landscapes abandoned to their own fate, and they have given way to a new repertoire in the last two or three years. In this way Stupía moves forward to a productive period of instability, dissolution and more complex, free, personal and risky creative reformulation, by means of which he successfully explores the combination between optics and mechanics that privileges movement, materials and poetic intuition.

ción con el paisaje es casual y retórica: es la relación que sobrevive en los gestos y que se ve reflejada en paisajes anómalos y transfigurados, que se intuyen como una huella perdida. Son paisajes abandonados a su suerte, que en los últimos dos o tres años han dado paso a un nuevo repertorio. Stupía avanza así hacia una productiva inestabilidad, de disolución y reformulación compositiva más compleja, más libre, más personal y más arriesgada, en la que se lanza hacia una feliz combinación entre óptica y mecánica donde se privilegian los movimientos, los materiales y las intuiciones poéticas.

Fabiana Barreda. “The Wall” Maggio Printing Boutique Fabiana Barreda. “La Pared” Maggio Boutique de Impresión

Partial view of the gallery Vista parcial de la galería.

It is no coincidence that Maggio Printing Boutique should have inaugurated its 2009 exhibitions with a show featuring the exquisite work of Fabiana Barreda. The goal of this carefully designed new space is to combine book printing and the production of high-quality paper with the exhibition of visual art by established Argentine artists. Grace Bayala’s curatorial work privileges the work of contemporary artists whose background reveals a passion for art. Thus, Maggio’s impetus is in tune with that of the artists convened, the first of whom has been Fabiana Barreda. The two stories of the building located at 1390 Arenales St., in Buenos Aires City, were the suitable and opportune place to host the work of an artist that stands out for the singularity and synthesis of her production, from its conceptual origin to its finish on matching supports of impeccable quality. Making an exegesis of certain projections of this artist’s thinking, we would be in a position to affirm that this new space was waiting for her. The characteristics of the space made it possible to feature a photography installation together with an impressive exhibition of objects, complemented by a video exhibition presented on the ground floor. Three lines of work capable of sustaining their autonomy harmonized in a co-existence that, throughout the exhibition, allowed the viewer to appreciate the power to create, evolving from a palpable architecture towards a cosmic one.

Nada casual es que Maggio Boutique de Impresión iniciara las exposiciones de arte del año 2009 con una muestra de la exquisita obra de la artista Fabiana Barreda. Este nuevo espacio, construido con esmerado diseño, se ha dispuesto a unir la impresión de libros y papelería de alta calidad con el arte visual de consagrados artistas argentinos. La curaduría a cargo de Grace Bayala privilegia la obra de artistas contemporáneos cuya historia declara: pasión por el arte. De este modo, el ímpetu de Maggio, concuerda con los nombres de artistas convocados el primero de los cuales ha sido el de Fabiana Barreda. Las dos plantas del edificio, ubicado en Arenales 1390, en la ciudad de Buenos Aires, constituyen el sitio indicado y oportuno para recibir a una artista que se destaca por la singularidad y síntesis de sus realizaciones, desde el origen conceptual hasta el remate realizado en soportes acordes y de impecable calidad. Haciendo una exégesis de ciertas proyecciones del pensamiento de la artista estaríamos en condiciones de afirmar que este nuevo lugar la estaba esperando. Las características del espacio posibilitaron la muestra de una instalación fotográfica sumada a una impactante exhibición de objetos al que se adicionó una proyección de video llevada a cabo en la planta inferior. Tres líneas de obra capaces de sostener su autonomía armonizaron en una coexistencia que, a lo largo de la exhibición, han permitido observar el poder de crear desde una arquitectura palpable hacia una arquitectura cósmica.

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Totem Azul, 2009. Madera

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