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Bloque 1 RECONOCE EL GÉNERO LÍRICO DE LA LITERATURA UNIVERSAL


Unidad de competencia:


Video …Hace mucHo mucHo tiempo…


VIDEO SOBRE EL POEMA: ¿Qué les queda a los jóvenes? De Mario Benedetti


Video sobre el gĂŠnero lĂ­rico


Video sobre el poema: Hombres necios que acusáis de Sor Juana Inés de la Cruz


SECUENCIA DIDテ,TICA 2 Origen, desarrollo, caracterテュsticas y modalidades del poema lテュrico


Verso Un verso es un conjunto de palabras y que al expresar con ellas lo que se desea se han seguido también ciertas reglas como el número de sílabas, la rima o la ubicación del acento en la última palabra. Los versos son generalmente ideas cortas expresadas en una sola línea, que se van relacionando con el resto de la


La Prosa Se entiende por prosa la forma que adopta naturalmente el lenguaje para expresar los conceptos, no sometida a las leyes externas de la versificación ni del ritmo; no sujeta a medida y cadencia determinada.

La prosa poética Es el segundo tipo de obras líricas que existen, y se distingue del poema precisamente por estar escrita en prosa. De ninguna manera se la puede confundir con un cuento o un relato, ya que lo más importante de ella no radica en narrar hechos, sino en transmitir sentimientos.


Valores Estéticos

El mensaje estético es más abierto, con mayores posibilidades de interpretación, que el mensaje que trata de comunicarnos algo de la vida cotidiana. No busca precisamente el mensaje concreto, objetivo, construye sus significados atendiendo a distintas perspectivas y motivaciones. En los textos estéticos el lector puede ejercer múltiples interpretaciones.


Video sobre el: Poema 20: de Pablo Neruda


BLOQUE 2

ANALIZA EL TEXTO LÍRICO DESDE LA PERSPECTIVA DE LA POESÍA HISPANOAMERICANA Y MEXICANA


Unidad de competencia Comprende la estructura del texto lírico basándose en textos modelo de la poesía hispanoamericana y mexicana para especificar sus niveles, interpretar el significado y crear sus propios textos destacando los elementos que lo integran y que le permiten expresar a los demás su sentir, para establecer las relaciones sociales y estéticas que se indagan en el poema, al compartir su forma de ver la vida y su realidad, su forma de ver la vida y su realidad.


SECUENCIA DIDテ,TICA 1 Contextualizaciテウn y anテ。lisis de textos lテュricos hispanoamericanos


Métrica Es la medida de los versos a partir de la cantidad de sílabas. Con base en su número de sílabas, el metro se puede clasificar en: Versos de arte menor. Son los que tienen hasta ocho sílabas o menos. Versos de arte mayor. Son los que tienen nueve o más sílabas.


Licencia poética Significa permiso, consentimiento; por eso el poeta hace uso de ellas, para acortar o alargar los versos con la finalidad de conseguir más musicalidad, sonoridad o resaltar ciertos términos. Las licencias poéticas son:

Sinalefa

Hiato

Permite juntar dos o más vocales que están al final de la palabra y al inicio de la siguiente, con la finalidad de que formen una sola sílaba métrica. Ejemplo: ¿Te acuerdas de aquella noche? 8 sílabas métricas

La separación de dos vocales concurrentes pertenecientes a vocablos diferentes. Es lo opuesto a la sinalefa, se cuentan las sílabas de manera normal. Ejemplo: Llegó e- lla con su corte

Sinéresis

Diéresis

La unión de dos vocales fuertes que, normalmente , no suelen diptongarse. Ejemplo El héroe canta con maestría

Lo contrario a la sinéresis; es decir, de dos vocales que forman diptongo se hacen dos sílabas. Ejemplo A lo lejos se oye un rüido


VERSOS

Los versos son palabras o conjuntos de palabras sujetas a una medida, cadencia o ritmo, que forman una distribución de sonidos y acentos agradables o gratos al oído. Según el número de sílabas métricas (diferentes de las sílabas gramaticales) ESTROFAS

Existen diversas clases de estrofas. Los criterios de clasificación empleados son el número de versos, el arte al que pertenecen y la rima. Algunas son las siguientes: 1.Un número fijo de versos 2.Un número variable de versos Además las estrofas se clasifican en:


Pareado

Dos versos

Terceto

Tres versos

Cuarteto

Cuatro versos

Quinteto

Cinco versos

Sextina

Seis versos

SĂŠptima

Siete versos

Octava

Ocho versos

DĂŠcima

Diez versos


SECUENCIA DIDÁCTICA 2 Análisis de textos líricos desde el nivel léxico-semántico


Video México creo en ti De Ricardo López Méndez


Tropos

Comparación

Metáfora

Los tropos son figuras de carácter semántico mediante las cuales la palabra toma una significación que no es Comparación, metáfora, sinestesia, símbolo, su significación propia. Se trata, de un fenómeno de alegoría, metonimia, antonomasia, perífrasis. sustitución con desplazamiento del valor semántico.

Consiste en relacionar expresamente dos ideas, objetos, o un objeto y una idea, en virtud de una analogía entre ellos. Tienen que aparecer partículas comparativas: como, tal, así, parecido a... Si suprimimos esta partícula nace la metáfora.

Cambio de significado por el cual un significante adopta un significado distinto al propio en virtud de una comparación no expresa. Se sustituye el término propio por otro cuya significación está con él en una relación de analogía. Tradicionalmente se define como una comparación abreviada

Consiste en atribuir a un sentido cualidades de otro

Ej.: ¡Cuánta nota dormía en sus cuerdas como el pájaro duerme en las ramas, esperando la mano de nieve que sabe arrancarlas! (Bécquer) Ej.: Danone. Tan natural como la naturaleza.

Por ejemplo, decir "Roberto es un león", significa que Roberto es fuerte y valiente como un león.

Ej.: Aromas sonoros, mirada musical Ej.: con terciopelado estruendo (Góngora)


Símbolo

Alegoría

Un símbolo es una imagen física que sugiere algo no perceptible físicamente (una idea, un sentimiento). Ejemplos: ocaso = decadencia, muerte; camino = vida; sauce = tristeza; ciprés = muerte.

Ej.: Este buitre voraz de ceño torvo ( angustia ) que me devora las entrañas fiero y es mi único y constante compañero labra mis penas con su pico corvo. (Unamuno)

Suele definirse como una metáfora continuada (o una serie de metáforas ) para expresar una significación oculta o simbólica.

Ejemplo Pobre barquilla mía (vida) Entre peñascos rota (desvalida) Sin velas desvelada (desvalida) Y entre las olas sola (embates del mundo) Lope de Vega


Metonimia o sinécdoque

Antonomasia

Perífrasis

Consiste en la sustitución de una expresión semánticamente más amplia por otra semánticamente más restringida o al revés. Establece una relación de contigüidad que permite sustituir un término por otro. Difiere por el tipo de relación entre el término sustituido y el sustituyente. Observemos ejemplos que presentan distinto tipo de relaciones:

Ej.: la parte por el todo: diez cabezas de ganado = diez reses Ej.: el singular por el plural: el español es valiente Ej.: lugar de procedencia: el Cádiz Ej.: el continente por el contenido: tomar unas copas Ej.: el instrumento por el agente: Cervantes fue la mejor pluma de ... Ej.: el autor por la obra: leer a Calderón

Es una variante de la tradicional sinécdoque (individuo por la especie/ la especie por el individuo). Es un tropo relacionado con los Ej. Es un Adonis nombres propios. El nombre propio se sustituye por una perífrasis o un apelativo que se ha convertido en su rasgo tipificador.

Se trata de un medio expresivo para aludir a Invidente, pasar a mejor vida, adulto mayor algo evitando su nombre, dando un rodeo (circunloquio).


LA PROMESA

Te lo voy a decir todo cuando muramos. Te lo voy a contar, palabra por palabra, al oido, llorando. No serรก mi destino el del viento que llega solo y desmemoriado. Rosario castellanos


La Primavera de la Aldea La primavera de la aldea bajó esta tarde a la ciudad, con su cara de niña fea y su vestido de percal. Traía nidos en las manos y le temblaba el corazón como en los últimos manzanos el trino del primer gorrión. A la ciudad la primavera trajo del campo un suave olor en las tinas de la lechera y las jarras del aguador...

Jaime Torres Bodet


“Dos Cuerpos” Dos cuerpos frente a frente son a veces dos olas y la noche es océano Dos cuerpos frente a frente son a veces dos piedras y la noche desierto Dos cuerpos frente a frente son a veces dos raíces en las noches enlazadas Dos cuerpos frente a frente son a veces navajas y la noche relámpago Dos cuerpos frente a frente son dos astros que caen en un cielo vacío. Octavio Paz


ÉXTASIS Cada rosa gentil ayer nacida, cada aurora que apunta entre sonrojos, dejan mi alma en el éxtasis sumida... ¡Nunca se cansan de mirar mis ojos el perpetuo milagro de la vida! Años ha que contemplo las estrellas en las diáfanas noches españolas y las encuentro cada vez mas bellas. Años ha que en el mar, conmigo a solas, de las olas escucho las querellas, y aun me pasma el prodigio de las olas! Cada vez hallo la Naturaleza más sobrenatural, más pura y santa, Para mí, en rededor, todo es belleza; y con la misma plenitud me encanta la boca de la madre cuando reza que la boca del niño cuando canta. Quiero ser inmortal, con sed intensa, porque es maravilloso el panorama con que nos brinda la creación inmensa; porque cada lucero me reclama, diciéndome, al brillar: «Aquí se piensa, también aquí se lucha, aquí se ama». Autor del poema: Amado Nervo


UN AÑO MÁS Un año más sus pasos apresura; un año más nos une y nos separa; un año más su término declara y un año más sus límites augura. Un año más diluye su amargura; un año más sus dones nos depara; un año más, que con justicia avara meció una cuna, abrió una sepultura. ¡Oh! dulce amigo, cuya mano clara en cifra de cariño y de ternura la mía tantas veces estrechara! Un año más el vínculo asegura de su noble amistad, alta y preclara. ¡Dios se lo otorgue lleno de ventura! Salvador Novo


BLOQUE 3

Reconoce el gĂŠnero dramĂĄtico por medio del teatro griego


Unidad de competencia Enuncia las características del género dramático en la lectura de textos representativos del teatro griego para establecer diferencias con otros géneros literarios y que le permitan apreciar los rasgos comunicativos en éstos.


Secuencia didรกctica 1 Comunicaciรณn dramรกtica y origen y desarrollo del teatro griego


Video Origen y desarrollo del teatro griego


Secuencia didáctica 2 Características y subgéneros del género dramático


Características básicas del género dramático


Acción Son todos los acontecimientos que suceden en escena durante la representación relacionados con la actuación y las situaciones que afectan a los personajes. Dicho de otro modo, la acción es el argumento que se desarrolla ante nuestros ojos cuando asistimos a una representación teatral. Este argumento suele estar dividido en actos o partes (también denominados jornadas). La antigua tragedia griega no se dividía en actos, sino en episodios (de dos a seis) separados entre sí por las intervenciones del coro. A partir del teatro romano se generalizó la división en cinco actos, hasta que Lope de Vega (1562-1635) redujo la acción a tres actos, división que llega hasta hoy. Si dentro de un acto se produce un cambio de espacio, entonces se ha producido un cambio de cuadro, con lo que dentro de un acto puede haber distintos cuadros según los espacios que aparezcan. Por otra parte, cada vez que un personaje sale de la escena, o bien cuando se incorpora uno nuevo, se produce una nueva escena. Un acto constará de tantas escenas como entradas y salidas de personajes haya.


Función poética Cuando el lenguaje se utiliza para producir belleza, para llamar la atención sobre sí mismo, actúa en él la función poética. Lo importante no es tanto lo que se dice sino cómo se dice. El escritor pretende suscitar en el receptor una serie de sensaciones de belleza, creatividad e influencia a través de la forma de su mensaje. Son válidos todos los recursos expresivos. Esta función aparece también en el lenguaje coloquial; cualquier persona, al construir su mensaje, selecciona de manera consciente o inconsciente las palabras, las inflexiones de la voz o los tipos de oraciones para conseguir una transmisión más eficaz de aquello que se pretende comunicar.


Formas de expresión Las conversaciones que los personajes mantienen entre sí hacen que la acción avance. Estas conversaciones se pueden producir entre dos o más personajes. En algún momento, un personaje, apartándose del resto o desviando su mirada, puede hacer un comentario en voz alta, destinado al público, que no es oído por el resto de personajes. Este recurso se denomina aparte. Mediante los apartes los personajes realizan reflexiones en voz alta, hacen comentarios malintencionados o declaran un pensamiento que puede ser de utilidad para el desarrollo de la acción. La finalidad de los apartes es la de informar al público. Por otra parte, uno de los recursos más característicos del teatro es el monólogo: discurso que un personaje, normalmente solo sobre el escenario, pronuncia para sí mismo a modo de pensamiento o reflexión, aunque en realidad el receptor último es el público. Suele tener un carácter lírico y reflexivo y una extensión considerable. El monólogo más famoso de nuestra literatura es el que pronuncia Segismundo en La vida es sueño, de Pedro Calderón de la Barca (1600-1681). Hoy en día el término monólogo se ha puesto de moda gracias a las intervenciones que ciertos humoristas realizan sobre un escenario ante el público. Se trata de un recurso teatral desgajado del contexto de una obra dramática, que demuestra el gran rendimiento que puede ofrecer como reflexión o información a los espectadores. Por último, en el teatro clásico grecolatino solía aparecer un coro que, en ciertos momentos de la representación, era tomado por la voz de la conciencia del personaje, el narrador o una comunidad de personas. Este personaje colectivo solía poner el punto final a cada uno de los episodios en los que estaban divididas las obras dramáticas.


Teatralidad ´´Facultad de utilizar al máximo las técnicas escénicas que reemplazan al discurso de los personajes y tienden a bastarse por sí mismas".(Pavis) Afectación y exageración en los gestos o actitudes con que se desea llamar la atención.


Clasificación de los personajes Por su manera de participar en la obra

Principales: realizan acciones determinantes para el desarrollo de la obra. Secundarios: actúan de manera menos trascendente, que los principales, pero sus acciones afectan a los principales.

Por el grado de complejidad de su personalidad

Caracteres: tienen rasgos individualizados, se definen por su esencia (lo trágico); por una característica (la avaricia, la bondad). Tipos: es un personaje convencional, cuyas características físicas, psicológicas o morales las conoce de antemano el público y están dadas por la tradición literaria: el bandido de buen corazón, la inocente perseguida, el villano…

Por su significación:

Reales Fantásticos


Elementos del teatro griego La máscara

Es el elemento que transformaba al actor en personaje. Desaparecían con ella los rasgos del actor y se dejaban ver sólo los del personaje, recordemos que había máscaras de viejos trágicos, de viejos cómicos, de jóvenes, mujeres... La máscara daba pues las características del personaje, haciendo olvidar las individualidades del actor. Las máscaras poseían, finalmente, rasgos tipificados. Con el tiempo, lo artesanos consiguieron verdadero realismo en las máscaras, pero siempre de acuerdo con el personaje.


Los coturnos: Los coturnos servían para dar altura al actor. De esta manera conseguían que los personajes nobles sobresalieran sobre el coro y por otra parte, servía para dar proporción al actor con las grandes dimensiones de la máscara. Así el actor era enorme, casi gigante, con lo que el público podía verle sin problemas. Por otra parte, estas grandes dimensiones conseguían un efecto aún mayor y psicológico en el público, acrecentaba su sobrecogimiento o catarsis junto con el personaje. Generalmente sólo se usaban en la tragedia.


Ropas Por lo general, los trajes usados por los actores griegos eran túnicas, cortas o medias (quitón o clámide) y mantos. Jugaban con los colores a la hora de simbolizar, así, los reyes iban de púrpura, los personajes de luto con colores oscuros... Por lo general, las ropas oscuras para los personajes tristes, las alegres para los importantes y los colores normales para la gente del pueblo. Usaban unas almohadillas para abultarse, de modo que se guardara las proporciones con las máscaras y los coturnos. Además, usaban otros elementos como la corona en el caso de los reyes, símbolo de su poder.


La tragedia La tragedia griega es una presentación dramática y lírica de una acción tomada de la leyenda heroica que implica acontecimientos de cierta magnitud. Decimos que es dramática y lírica porque en ella alternan los elementos propiamente dramáticos (diálogos y acciones), con los líricos (los pasajes cantados por el coro). En el denso contenido de la tragedia, se ponen de manifiesto aspectos de la religión, la política y la moral que afectan a toda la comunidad; con frecuencia se debaten en ella nuevas ideas desarrolladas por la ya pujante filosofía o suscitadas al hilo de la práctica política. Pero la tragedia es ante todo una obra poética. Mientras que el teatro actual tiende a reproducir incluso en la forma los problemas y la manera de hablar del hombre común, la tragedia griega se mueve siempre a una gran altura poética y con un voluntario distanciamiento del mundo cotidiano. Sus personajes, pertenecen a la realeza, hablan en verso, con toda clase de refinamientos de estilo y son siempre a actitudes, concepciones o comportamientos. Es importante destacar que la tragedia se caracteriza por desarrollar hechos conflictivos que llevan al personaje a la desesperanza, pues previamente está condenado por los dioses a la destrucción física o moral; por tanto su desenlace es funesto, sangriento, violento.


Estructura de la tragedia PRÓLOGO: a menudo precede a la párodos. Generalmente es dicho por un personaje que da al espectador explicación del tema de la obra y de otros detalles de la misma. PÁRODOS: la obra comienza, a veces, con la entrada solemne del coro cantando y situándose en la orquestra en torno al altar de Dioniso situado en medio. ESTÁSIMOS: durante el desarrollo de la obra el coro tiene tres o cuatro intervenciones más llamadas estásimos (significa algo así como "cantos a pie firme", sin danza), que suelen dividirse en distintas estrofas y antístrofas para terminar, a veces, en un epodo. EPISODIOS: entre las intervenciones del coro se intercalan los parlamentos de los personajes, llamados episodios (la palabra episodio significa literalmente "intervenciones en medio del canto"), cada uno de los cuales puede tener varias escenas, es decir, entradas y salidas de personajes. ÉXODO: última intervención del coro que marca el final de la representación.


La comedia

Es una forma en la que la acción dramática discurre de manera opuesta a la tragedia. Si en la tragedia los personajes cambian de un estado favorable a uno desfavorable, en la comedia se da un ascenso en el estado de los personajes. Es la imitación de las personas más vulgares; pero no vulgares de cualquier clase, de cualquier fealdad física o moral, sino de aquella única especie que supone lo ridículo. Describe, intelectualmente deformados, los aspectos concretos y risibles de la vida cotidiana. Los personajes son de condición inferior, el desenlace es feliz y optimista, su finalidad es provocar la risa del espectador. Presenta aspectos cómicos u optimistas de la vida. La comedia se desarrolló hacia la mitad del siglo V a.C. Las comedias más antiguas que se conservan son las de Aristófanes. Tienen una estructura muy cuidada derivada de los antiguos ritos de fertilidad. Su comicidad consistía en una mezcla de ataques satíricos a personalidades públicas del momento, atrevidos chistes escatológicos y parodias aparentemente sacrílegas de los dioses. Para el siglo IV a.C. la comedia había sustituido a la tragedia como forma dominante.


El drama A diferencia de las formas anteriores, el drama no tiene un carácter definido, sino que en él se combinan indistintamente aspectos trágicos y cómicos. Esto se debe a que el drama pretende representar la vida tal cual es, razón por la cual tiende a tratar los asuntos de forma menos rígida que la tragedia y la comedia. El término drama viene de la palabra griega que significa "hacer", y por esa razón se asocia normalmente a la idea de acción. En términos generales se entiende por drama una historia que narra los acontecimientos vitales de una serie de personajes.


Video teatro (fragmento)

La asambLea de Las mujeres arist贸fanes


BLOQUE 4 Identifica la modalidad, los elementos y la estructura del texto dramĂĄtico a travĂŠs del teatro medieval y del Siglo de Oro


UNIDAD DE COMPETENCIA Reconoce la modalidad del texto dramático, las partes estructurales y sus elementos por medio de una selección de textos del teatro medieval y del siglo de oro para organizar su contenido y determinar las características y las partes que lo conforman.


Contenido del bloque 4


SECUENCIA DIDテ,TICA 1 Contextualizaciテウn, modalidad y estructura del gテゥnero dramテ。tico


Contenido de la secuencia


Video Antecedentes de la edad media


Video sobre eL origen deL texto de: Los reyes magos


Videos sobre: 1. Del siglo de oro‌ y 2. Teatro del siglo de oro


Video – teatro La Vida es sueño de pedro caLderón de La barca


Video ¿Qué es eL género dramático?


Identifica la estructura del texto dramรกtico


SECUENCIA DIDテ,TICA 2 Elementos del texto dramテ。tico


Video teatro eL condenado por desconfiado de tirso de moLina


Elementos del texto dramático

Discurso

Las estrategias de presentación del discurso son cuatro: narración, descripción, diálogo y monólogo. Todos se utilizan en una obra teatral. Pero, de ellos, el diálogo se considera como la forma fundamental y ejemplar del teatro. La descripción se utiliza en las acotaciones, y en los parlamentos de los personajes puede ir intercalada la narración.


El diálogo

La forma por excelencia que adopta la palabra en el teatro es el diálogo, es decir, la de una conversación ficcional entre dos o más personas dramáticas. El diálogo tiene sentido sólo en el contexto de una vinculación yo locutor y tú oyente. Su característica es no presentarse como algo acabado, sino que siempre presupone la respuesta del oyente. De hecho el diálogo es la manifestación de una lucha entre los dos que dialogan en la que cada uno trata de llevar al otro a su terreno, y comunicarse e informar. A pesar de que el diálogo es generalmente un intercambio verbal entre los personajes, puede llevarse a cabo entre un hombre, un dios o un espíritu; entre un ser animado y uno inanimado (conversación telefónica, diálogo entre máquinas…); entre un personaje visible y otro invisible. Su característica fundamental reside en el intercambio y en la reversibilidad de la comunicación.


Lenguaje artĂ­stico El lenguaje en la obra dramĂĄtica se da de igual manera como en cualquier otra obra literaria. Depende del estilo del autor, de la corriente o movimiento literario. Puede emplear adjetivaciĂłn o figuras literarias.


Historia Es lo que se representa y estĂĄ determinada por las acciones, y a travĂŠs del discurso nos enteramos de la espacialidad y la temporalidad de la historia. Las funciones, las secuencias y los personajes.


Acotaciones Son las diversas indicaciones del autor para la puesta en escena de la obra. Éstas van desde la indicación de los gestos hasta el mobiliario. Entre ellas tenemos: elenco, escenario, efectos especiales y actuación.

Acotaciones generales: escritas en cursivas sin paréntesis y señalan:

El lugar donde se representa la acción. La época. La escenografía o aspectos del espacio escénico. La apariencia exterior del personaje. Los movimientos de los personajes fuera del diálogo. Los efectos sonoros. La iluminación.

Las acotaciones particulares: se refieren al personaje y están intercaladas en el

diálogo, van escritas en cursivas entre paréntesis e indican: Entonación. Mímica Gesto Movimiento.


Espacio Lugar donde se desarrollan las acciones en la obra. La escenografía, que es la decoración empleada en el escenario, es esencial para caracterizar este elemento. Tiempo En la obra dramática el tiempo se refiere al tiempo físico y al tiempo dramático. El tiempo físico es el que dura la historia y el tiempo dramático es la duración de la representación de la obra puesta en escena. Por ejemplo, el tiempo físico de una obra puede ser de 20 años y el tiempo dramático de dos horas de duración.


Personajes Los personajes son quienes participan directamente en las acciones de la obra a través de sus diálogos. Dejan ver, además de su físico, sus pensamientos, sentimientos y carácter. Con su actitud manifiestan sus pensamientos. Reflejan emociones de ternura, odio, amor, pasión, terror, piedad, deseo, entre muchos otros. Los personajes pueden ser: Principales o protagonistas. Secundarios Caracteres: son aquellos seres que fueron creados con características tales, que los hacen individuales. (Hamlet, Don Juan) Tipos: personajes que representan a una determinada clase de seres que se repiten en muchas obras de la misma época: el tonto, el gracioso, el galán, el viejo, el charlatán. Comparsas: son un grupo de personas que solía aparecer en escena, pero sin hablar. Coro: estaba integrado por un conjunto de actores que, en el teatro griego, recitaban comentarios sobre las acciones que ellos presenciaban.


BLOQUE 5 Valora el contexto de la obra dramรกtica con el teatro del renacimiento


UNIDAD DE COMPETENCIA Interpreta el texto dramático a partir del contexto socio-cultural del teatro del Renacimiento con la finalidad de adquirir elementos de reflexión y crítica que le permitan valora la obra dramática como creación literaria.


Contenido del bloque 5


Secuencia didรกctica 1 Contextualizaciรณn y elementos de la obra dramรกtica


Contextualizaci贸n hist贸rica, cultural y geogr谩fica del Renacimiento

Videos 1. Humanismo en el Renacimiento 2. El Renacimiento en Espa帽a 3. El arte en el Renacimiento


Estructura de la historia La mayoría de las historias encajarán en la estructura clásica de planteamiento, desarrollo y desenlace. Planteamiento: es la presentación de los personajes, del entorno y de las acciones que nos van a conducir al tema principal. En esta parte se plantea el conflicto y se dan a conocer las causas que lo originaron y algunos antecedentes. Desarrollo: refleja cómo los personajes se van acercando a la situación central de la historia, que normalmente es un conflicto o un problema que los protagonistas han de resolver. Contiene las acciones que el personaje central realiza para hacerlo y las aventuras e infortunios que sufre para alcanzar sus objetivos. Desenlace: relata el modo en que los protagonistas enfrentan la situación y cómo se resuelve. Esta resolución podrá ser favorable o adversa, criterio que ayudará a determinar el subgénero dramático.


Acción Son todos los acontecimientos que suceden en escena durante la representación relacionados con la actuación y las situaciones que afectan a los personajes. Dicho de otro modo, la acción es el argumento que se desarrolla ante nuestros ojos cuando asistimos a una representación teatral. Este argumento suele estar dividido en actos o partes (también denominados jornadas). La antigua tragedia griega no se dividía en actos, sino en episodios (de dos a seis) separados entre sí por las intervenciones del coro. A partir del teatro romano se generalizó la división en cinco actos, hasta que Lope de Vega (15621635) redujo la acción a tres actos, división que llega hasta hoy. Si dentro de un acto se produce un cambio de espacio, entonces se ha producido un cambio de cuadro, con lo que dentro de un acto puede haber distintos cuadros según los espacios que aparezcan. Por otra parte, cada vez que un personaje sale de la escena, o bien cuando se incorpora uno nuevo, se produce una nueva escena. Un acto constará de tantas escenas como entradas y salidas de personajes haya.


Temas

Con respecto a los temas, existe un teatro religioso, heredero de la Edad Media y vinculado a la liturgia, y un teatro profano, que tiene entre sus máximos representantes a Lope de Rueda. El teatro profano manifiesta, por un lado, una tendencia clasicista propia del Renacimiento, pero también una búsqueda de otros cauces que se aproximan a los gustos populares. Según el tipo de público y los espacios en los que se desarrolla, el teatro del siglo XVI se puede clasificar en tres grupos fundamentales: Teatro popular, que atiende a los gustos generales de la gente común representado por el teatro religioso imita escenas pastoriles sobre el Nacimiento o la Pasión de Cristo, la adoración de los Reyes Magos, etcétera. Teatro cortesano, vinculado a un público relacionado con la nobleza (especialmente presente en la primera mitad del siglo con géneros como las églogas). Teatro erudito, que sigue el modelo clásico grecolatino según las tendencias humanistas. Este último se desarrolla en el ámbito universitario, fundamentalmente en la segunda mitad del siglo XVI.


Video teatro Romeo y Julieta de William Shakespeare


SECUENCIA DIDテ,TICA 2 Elementos contextuales y subgテゥneros del gテゥnero dramテ。tico


Reconoce los elementos contextuales de la obra dramática Emisor (autor). El autor de una pieza teatral centra su atención en las ideas que el personaje transmitirá a su público. Desarrolla un argumento y logra coherencia en las acciones. Receptor (lector). Generalmente es el lector o espectador de la obra. Contexto. El autor escribe la obra a partir de un contexto social, económico, político, ético, religioso, etcétera, y su influencia en la sociedad. Contexto de producción. Se refiere a las situaciones donde el autor crea su obra para que los personajes transmitan los acontecimientos reales o imaginados productos de las diversas inquietudes. Contexto de recepción. Busca que cuando el lector lea la obra pueda identificar ideas de los diferentes niveles del contenido de la misma, nivel sociocultural y de los datos biográficos y psicológicos en los que el autor creó su obra.


Drama

Drama (del griego δράμα, hacer o actuar) Suele llamarse “drama” únicamente al que incluye elementos, especialmente cuando tiene el llamado “final trágico”, pero el término abarca también las obras cómicas. El drama apareció en Europa a mediados del siglo XVI y su creador fue el poeta español Félix Lope de Vega, aunque éste y sus seguidores lo llamaron comedia. Características del drama El personaje principal tiene la opción de transformar su vida; es decir, el final de la obra. Refleja una realidad. Es un género actual que desemboca en melodramas televisivos y, en buena medida, en el cine. El personaje puede representar vicios y virtudes. Escritores de drama Entre los principales dramáticos destacan: William Shakespeare, Lope de Vega, Enrique Ibsen, Federico García Lorca, Emilio Carballido, etcétera.


Video de fuenteoVejuna de Lope de Vega


BLOQUE 6 Identifica la modalidad a partir del teatro contemporĂĄneo y representa una obra del gĂŠnero dramĂĄtico


Unidad de competencia   Reconoce y analiza los elementos que conforman la representación teatral seleccionando obras del teatro contemporáneo para producir y representar sus propias obras dramáticas de acuerdo a su contexto socio-cultural.


Secuencia did谩ctica 1 Representaci贸n teatral


Video eL teatro y La poesĂ­a en eL sigLo xx


Secuencia didáctica 2 Montaje escénico


El director de teatro Es el conductor en el campo teatral que supervisa y orquesta el montaje de una obra, unificando criterios y conductas de variados esfuerzos y aspectos de la producción. La función del director es asegurar la calidad y realización del producto teatral. El director trabaja con individuos y con su otro staff, coordinando investigación, tramoya, diseño de ropa, iluminación, actuación, diseño del set, diseño del sonido para la producción. El director puede también trabajar con el dramaturgo mientras se avanza. En el teatro contemporáneo, el director suele ser el visionario, tomando decisiones de los conceptos artísticos e interpretativos del texto. Diferentes directores han ocupado distintos planos de autoridad y de responsabilidad, dependiendo de la estructura y filosofía de las compañías de teatro. Los directores utilizan una gran variedad de técnicas, filosofías, y niveles de colaboración. El director, en posición para sí y para los otros, es algo relativamente innovador en la historia del teatro, con los primeros modelos a fines de 1800s, haciéndose cada vez más popular a principios del siglo XX. Antes de esto, los actores o los dramaturgos eran responsables de la presentación de la pieza, y coordinaban los esfuerzos. En cambio, aunque algunas producciones y grupos aún operan sin un director, éste es considerado una figura vital en la creación de una presentación teatral.


Un actor Es una persona que interpreta a un personaje en cine, televisión, teatro, doblaje o radio. En ópera la actuación se consideraba más importante que el canto. En el momento actual se está llegando a un lógico mismo nivel de importancia entre actuación y canto, por lo que muchos directores de escena llaman también actores a los cantantes de ópera. La mujer dedicada a esta actividad se le llama actriz, en lugar de actora.


Escenografí a Son todos los elementos visuales que conforman una escenificació n, sean corpó reos (decorado, accesorios), la iluminació n o la caracterizació n de los personajes (vestuario, maquillaje, peluquerí a); ya sea la escenificació n destinada a representació n en vivo (teatro, danza), cinematográ fica, audiovisual, expositiva o destinada a otros acontecimientos.


LA MUSICALIZACION EN TEATRO Está comprobado que el efecto música en una escena es agradable para el espectador e indudablemente siempre potencia la escena Ciertos directores basados en sus experiencias particulares, afirman que la música debe cumplir un papel fundamental en la escena, de hecho, algunos en sus puestas que realizan dedican un espacio donde mezclan texto con música o música con algún momento de silencio y acción. Hubo algunas obras que hasta se han desarrollado casi como un videoclip teatral La música en escena, no es propia ni del cine ni de la TV y el hecho que se relacionen con ellas es solamente por que el cine y la TV abusaron de la música hasta apropiársela. Nada es más hermoso que ver en vivo y en directo una escena de besos o amor con una excelente música de fondo . Esnormal que quienes están en el mundo del teatro cuando ven una obra teatral ajena, piensen en algunas instancias modificadas donde haya un buen momento o una buena escena para insertar un tema musical.


ILUMINACIÓN FUNCIÓN: hacer visible al actor y las zonas del escenario. Dos posibilidades: Poca iluminación: el espectador se siente incómodo porque no ve. Con una buena iluminación podemos: dar volumen, resaltar siluetas y crear sombras, marcar en una escena un área de primer plano iluminándola más que otras secundarias, y conseguir movimiento y ritmo: iluminar distintas escenas para marcar un cambio de espacio. Además puede cambiar la intensidad de la luz en función de los filtros. movimiento y ritmo con foco de cañón siguiendo a un actor recorriendo un escenario. Demasiada iluminación: se producen brillos, se pierden colores y volúmenes. Con la luz se pueden crear ambientes: nocturnos, de interior, mágico, tenebroso. Se pueden hacer también efectos especiales: nubes, lluvia.


La utilería También el atrezo o atrezzo, tanto en el teatro como en el cine y la televisión, son los elementos físicos que representan objetos de la vida real. Son utilizados por los personajes para interactuar durante una representación artística. Junto con el vestuario y la escenografía, la utilería forma parte de los recursos necesarios para la representación teatral. Entre algunos ejemplos de utilería se encuentran objetos de uso cotidiano, como lo son mesas, sillas, tazas, platos, armas, monedas, etc. Dependiendo de la trama del elemento artístico, más comúnmente la obra teatral, la utilería se basa en el ambiente del texto, que pueden ser objetos comunes o creados por el autor. Así mismo, la utilería puede ser elaborada por el equipo de producción de una obra.


Sonido Los efectos de sonido en una obra teatral también originan preferencias entre los directores. Un timbre, una bocina, una cama chirriante, pueden lograrse con un efecto grabado o también con un efecto realizado en vivo y en directo. No por casualidad quienes reniegan de la musicalización también reniegan de los efectos de sonorización en forma grabada y en algunos casos hasta modifican las acciones del texto para lograr un realismo directo de la escena, como por ejemplo cambiar un llamado de un timbre por golpes de llamada en la puerta Otra de las polémicas trata sobre donde emitir los efectos de sonido grabados. Realmente eso depende de la tecnología que tiene la sala de teatro con respecto a la posición de los altavoces. La mayoría de las salas tiene los altavoces (dos) a los costados del escenario y sin ir a sofisticaciones , los efectos de sonido salen por ambos , algunos directores utilizan el control de balance del amplificador para direccionarlo a un lateral para el caso que el sonido sea del tipo estéreo. Los efectos de sonido son más realistas cuando salen de un altavoz ubicado detras del escenario .de esta manera, efectos tales como, bocinas, choque de autos, gritos, chicos, jugando, y otros tantos efectos cobran más realismo y se disimula mejor el efecto grabado. También con sistemas de sonido más sofisticados que regulen la equalización, el efecto cobra mayor realidad.


La lírica tradicional