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The magazine for canadian musicians.

Le magazine pour les musiciens canadiens.

VOL 24 No 1

jan. jan.

| feb. | fĂŠv.

2012

Brooke

Miller

free gratuit


Volume 24, No 1 January-February / janvier-février 2012

Editor in Chief / Rédactrice en chef Sofi Gamache [450] 674-1114 / sofi@muziketc.ca Editorial Assistant / Assistante à la rédaction Tara Wittet Manko Contributing Writers / Journalistes Jim Angelillo, Ralph Angelillo, Franck Camus, Alex Cattaneo, Graham Collins Translation / Traduction Jim Angelillo, Geneviève Hébert Layout / Mise en page Karine Wolfe, Janam Publications Inc. Cover Photo / Photo du couvert Samantha Rozon Photography [.com]

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www.muziketc.ca

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Distribution [866/450] 677-1364 distribution@muziketc.ca

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Advertising / Publicité Ralph Angelillo [Founder/fondateur 1989] [888/450] 928-1726 / ralph@muziketc.ca Publisher / Éditeur Serge Gamache [866] 834-4257 / [450] 651-4257 serge@muziketc.ca

Muzik Etc / Drums Etc est publié 6 fois l’an, et est distribué partout au Canada dans les écoles de musique, chez les détaillants de musique, etc. Ce numéro : 15 000 copies dans 385 points de distribution [circulation certifiée par Postes Canada].

Physical Expression and Controllers L’expression physique et ses asservisseurs

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dossier

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The Guitarist’s Challenge: Part 2 Le défi du guitariste: partie 2 By/Par: Franck Camus

© Copyright 2012

Publication Mail Agreement No 40009235 / Poste-Publication Convention No 40009235 Return Address / Adresse de retour: MUZIK ETC / DRUMS ETC 753 rue Ste-Hélène, Longueuil [QC] J4K 3R5 Canada Fax: [450] 670-8683

edito + agenda

By/Par: Graham Collins

Printer / Imprimeur Solisco

Muzik Etc / Drums Etc is published 6 times per year and distributed across Canada, in music retail stores, music schools, etc. This issue: 15 000 copies in 385 distribution points [circulation certified by Canada Post].

By/Par: Alex Cattaneo

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Made in Canada Fabriqués au Canada Laboratoire Auditif Laviolette In-Ear Monitors / Écouteurs intra-auriculaires By/Par: Jim Angelillo

Guitars

+Accessories

Guitares

+accessoires


agenda NAMM SHOW 2012

edito

Anaheim, CA January 19-22 / 19 au 22 janvier 2012 www.namm.org

MIDEM 2012 Cannes, FR January 28-31 / 28 au 31 janvier 2012 www.midem.com

Anyone who knows me will tell you I’m a tough cookie to crack. I’ve always been that chick you just don’t mess with. You know, one of the guys with a feminine twist who can beat the crap out of you with a single glance? Yep, that’s me: tough-guy Sofi. Well, either motherhood has made me soft, or time has finally worked its magic, because the girly switch has definitely been set to on. It’s like coming down with a bug, except the symptoms include such nasties as emotions. Nooooo! For various reasons, I’ve never allowed myself to be overly happy, excited, sad, or anything outside of an easily managed and oh-so-limited grey area (except mad, I’m really good at being all kinds of mad). Music is the only thing that has prevented me from becoming emotionally crippled. Not the fast-food stuff they force-feed us on the radio – that stuff is empty, void of anything except volume. I’m talking about real music; the stuff someone poured their heart and soul into. Too many musicians strive to get that one (empty) track on the radio. Why? Honestly, I don’t get it and I don’t buy into it. I’d much rather spend hours upon hours searching for the real stuff and will gladly pay when I find it. Don’t sell out, please. Create music full of passion and emotion, dynamics and range. Allow yourself to be. That’s my resolution for 2012. Tous ceux qui me connaissent vous diront que je suis une vraie dure à cuire. J’ai toujours été LA fille qu’on ne niaise pas, le seul élément féminin d’une gang de gars. Je pouvais vous flanquer une sacrée volée avec un simple regard. Oui, oui, sans même vous toucher. Eh bien, c’est peut-être le fait d’être une mère qui m’a ramollie, ou peut-être que le temps m’a adoucie, parce que la fille en moi a définitivement pris le dessus. C’est comme attraper un rhume, excepté que parmi les symptômes on trouve des absurdités comme des émotions. Noooon! Pour différentes raisons, je ne me suis jamais laissée emporter outre mesure par la joie, l’excitation ou la tristesse, du moins jamais au-delà d’un périmètre très limité et facile à gérer (il y a une exception : je suis passée maître dans l’art de me fâcher). La musique est la seule chose qui m’a empêchée de devenir une handicapée émotionnelle. Je ne parle pas du fast-food qu’on nous sert de force à la radio; cette musique est vide de tout sauf de volume. Je parle de vraie musique, celle qui a été façonnée de cœur et d’âme par quelqu’un. Trop de musiciens se donnent comme objectif de faire passer une chanson (vide) à la radio. Pourquoi? Honnêtement, je ne comprends pas et je n’y crois pas. J’aime mieux passer des heures à chercher ce qui est vrai et lorsque je trouve, ça me fait plaisir de l’acheter. S’il vous plaît, ne trahissez pas qui vous êtes. Créez de la musique remplie de passion et d’émotion, une musique dynamique qui a de la portée. Permettez-vous d’être. C’est ça ma résolution pour 2012.

Sofi Gamache Editor in Chief Rédactrice en chef

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SALON DE LA MUSIQUE INDÉPENDANTE DE QUÉBEC Québec, QC February 12-15 / 12 au 15 février 2012 info@salondelamusique.ca http://salondelamusique.ca

LA BOURSE RIDEAU 2012

25e edition Québec, QC 12 au 16 février / February 12-16, 2012 www.rideau-inc.qc.ca

MUSIKMESSE 2012 Frankfurt, Germany March 21-24 / 21 au 24 mars 2012 www.messefrankfurt.com

CANADIAN MUSIC WEEK 2012 Toronto, ON March 21-25 / 21 au 25 mars 2012 (905) 858-4747 www.cmw.net

EAST COAST MUSIC WEEK 2012 Moncton, NB April 11-15 / 11 au 15 avril 2012 1-800-513-4953 www.ecma.com

MIAC 2012 Toronto, ON International Centre May 15-16 / 15-16 mai, 2012 1-877-490-6422 www.miac.net


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cover

story en couverture

Brooke

Miller

Q: You started as a lead guitarist in a punk band, but most people probably know you as the acoustic songstress from the CandyRat days. There is still plenty of that, but the new album also features more rocking electric guitar, like on the single “Cannonball”. Is this a return to the electric guitar, or was that always a part of your musical life? A: Starting out in a punk band was the best possible way for me as a young teen to learn how to perform and be an expressive young musician. Two pals and I started a power punk trio called Bleek. We got to rock out every weekend at all age shows with other bands, mingle, get feedback from each other, write songs and be maniacs. It got me through a great deal of my teens years and all the trials that teen-hood can bring. I like to think that I still have that fire inside me. It never went out, just got a little older without growing up too much. With this album, it’s been a bit of a reconnection to those roots. I have had to challenge myself a bit with it, finding my groove with an electric guitar in my hands again. It’s familiar, but different, than acoustic playing. Know what I mean? I love the results, as the album became a bit of a half and half listening experience. It gets really loud in parts, and super soft in others. Perhaps I’d even go as far as to call it a fence sitter album – peeking over to my rock/punk roots and tickling it a little. Q: It feels like you wanted to push the arranging/production aspect of your music on this eponymous album, especially on a cut like “You Got My Attention”. What was your  process?

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Building on a foundation laid out by Canadian folk icons Joni Mitchell and Bruce Cockburn, Brooke Miller has been crafting beautifully intricate songs helped by her warm vocal tones and depth acoustic finger-picking. We caught up with Brooke to talk about her recently released self-titled album, song writing, guitar and nail salons.


Marchant dans les traces d’icônes de folk canadien telles que Joni Mitchell et Bruce Cockburn, Brooke Miller crée des chansons merveilleusement complexes qu’elle incarne de sa voix chaleureuse et profonde tout en s’accompagnant du bout des doigts à la guitare. Nous avons joint Brooke pour parler de son nouvel album éponyme, de ses compositions, de guitares et de pose d’ongles. Q : Tu as commencé en tant que guitariste pour un groupe punk, mais la plupart des gens te connaissent comme étant l’ancienne chanteuse acoustique de CandyRat. Tu fais encore beaucoup dans ce genre, mais le nouvel album comporte aussi de la guitare électrique rock, comme sur le single « Cannonball ». Est-ce un retour à la guitare électrique, ou est-ce que ça a toujours fait partie de ta vie musicale? R : De commencer dans un groupe punk fut la meilleure façon pour moi en tant qu’adolescente d’apprendre à jouer et à m’exprimer en tant que jeune musicienne. Avec deux amis, nous avions lancé un trio punk appelé Bleek. Nous faisions chaque weekends des spectacles pour tous les âges avec d’autres groupes avec qui nous nous mêlions, avec qui nous échangions nos impressions, tout en écrivant des chansons et en étant des maniaques. Ça m’a aidée à traverser une bonne partie de mon adolescence avec tout ce que ça comporte. J’aime croire que j’ai encore ce feu en moi. Qu’il ne s’est jamais éteint, que j’ai vieilli sans trop devenir « adulte ». Avec cet album, je me suis reconnectée à mes racines. Ça a été un peu un défi pour moi de retrouver le groove avec une guitare électrique. Ça ressemble à la guitare acoustique, tout en étant différent, si vous voyez ce que je veux dire. J’adore les résultats : l’album se promène entre deux sphères. Il y a des parties très fortes, puis d’autres, très douces. J’irais peut-être jusqu’à dire que cet album est assis entre deux chaises. J’y côtoie mes racines rock/punk et je m’en amuse. Q : On dirait que tu voulais pousser l’aspect des arrangements et de la production sur cet album éponyme, surtout sur la chanson « You Got My Attention ». Quelle a été ta démarche? R : Vous frappez en plein dans le mille. C’est en grande partie pourquoi je voulais réenregistrer la plupart de ces chansons. C’est comme si, cette fois, je les faisais vivre à leur plus grand potentiel, que je leur donnais un souffle neuf. En règle générale, lorsque j’enregistre, je n’ai qu’une partie des arrangements en tête, parce qu’il m’est impossible de figurer toute l’orchestration à l’avance. Je trouve d’abord le groove général, puis je m’ouvre à la transformation. C’est un peu par accident que « You’ve Got My Attention » soit complètement différente sur cet album. En studio, nous ne savions pas comment l’approcher. Je voulais faire quelque chose de différent, mais je n’avais aucune idée où commencer. Au départ, j’avais enregistré de la guitare tout au long de la chanson, tel que je l’avais toujours jouée. Mais ça n’allait pas. Une fois prête à enregistrer les voix, je n’étais toujours pas satisfaite de la direction que prenait la chanson. Don a dit, « on va enregistrer les voix, puis on verra. » Puis il les a enregistrées sur la version juste avant la finale en mettant accidentellement la guitare en sourdine, laissant juste le groove de la batterie, le piano et la basse, avec quelques touches ascendantes de guitare électrique. Tout d’un coup, la muzik etc.

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“You’ve Got My Attention” turned out completely different on this album, and quite by accident! In the studio, we weren’t really sure how to approach it. I wanted to do something different, but had no idea where to begin. Originally, I had recorded my guitar playing all through the song, as I had been playing it all these years. But it didn’t really fit. Once we were ready to do the vocals, I still wasn’t sold on what was happening with the song. Don said, “Just take a pass at the vocals, see what happens.” So he pressed record with all the parts recorded, the pre-final mix. But he accidentally muted the guitar, leaving only the drum grooves, piano, and bass, with a few breaths of ascending electric guitar. Suddenly, the whole song changed, and it was perfect. It inspired me to approach the vocal part much differently as well. So I’m learning more about having confidence in taking chances. Which is something I have the liberty of doing, so why wouldn’t I? Q: How did your approach to songwriting evolve over the years? A: It has always been that I write guitar parts before lyrics. It’s just how I’ve done it. I’ve tried a few times to do it the other way, but I always come back around. So that hasn’t changed. I think in my earlier years of writing, I was more concerned with things sounding impressively complicated. Maybe too many words crammed into a line, or a guitar part that could have been simplified. So if anything, I’m probably easing into simplicity better. But I’ll never sit in a G-C chord exchange and be satisfied. I want the guitar parts to be interesting, to hold a voice of their own, and the words to intertwine with the guitar so that it’s more of a partnership rather than one supporting the other. In terms of the lyrics I write, they have always been more about observation than a particular object – either about my own experiences, or someone else’s. Usually leaning on the more serious side. You won’t find me writing a song about my cute dog, or my trip to California. In fact, if I hear one more song about California… Q: You play a Michael Greenfield acoustic, which is a high-end, expensive, custom-made instrument. Are you equally demanding with electric instruments? A: I adore Greenfields’ guitars. Michael is such an incredible craftsman; it’s quite humbling to work with his pieces. Michael and I have been working together for about 6 years now and it’s possibly the best thing that has ever happened in my career. Canada has some pretty top notch guitar luthiers, Linda Manzer, Grit Laskin, Marc Beneteau (Don Ross’s Luthier), George Rizsanyi and Michael Greenfield, to name a few. As far as being equally demanding on electric: no. As of yet, I am still finding the right kind of electric. As someone who uses a lot of alternate/open/weirdo tunings, it’s not as easy to just whip an electric guitar into a frenzied tuning and let ‘er rip. What’s 8

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Credit: Manny Martins

A: You hit the nail on the head. That’s largely why I wanted to re-record a lot of these songs. It’s almost like I have finally brought them to their full potential this time around. Made them brand new. Typically, when recording, I have some of the arrangements sorted out. There’s only so much instrumentation I can sort out ahead at first. I get the general groove and feel down, and then it’s open to transformation.

chanson avait complètement changé et c’était parfait. Ça m’a inspirée pour reprendre les voix différemment. C’est là que j’ai appris qu’il faut parfois faire confiance et prendre des risques. Et puisque j’ai la liberté de le faire, alors pourquoi pas? Q : Comment votre façon d’approcher la composition a-t-elle évolué au cours des années? R : J’ai toujours écrit les partitions de guitare avant les paroles. C’est la façon dont je fonctionne. J’ai essayé quelques fois de faire le contraire, mais le naturel revient au galop. De ce côté, rien n’a changé. Par contre, je crois qu’avant, j’essayais trop d’écrire des trucs compliqués. Trop de mots s’entassaient dans une ligne, les partitions de guitare étaient inutilement complexes, etc. Aujourd’hui, ce qui a changé, c’est que je suis plus à l’aise avec la simplicité. Mais je ne pourrai jamais me satisfaire d’un échange d’accords de sol à do. Je veux que les partitions de guitare soient intéressantes, qu’elles aient leur propre voix, que les mots viennent s’y mêler en formant un partenariat plutôt qu’il y en ait un qui soutienne l’autre. En ce qui concerne les paroles, il est toujours davantage question d’observation que d’objets en particulier; elles parlent de ma propre expérience ou de celle des autres. Elles ont souvent un caractère sérieux. Vous ne me verrez jamais écrire sur mon chien ou sur un de mes voyages en Californie. D’ailleurs, si j’entends une chanson de plus sur la Californie… Q : Tu joues d’une guitare acoustique de Michael Greenfield, un instrument cher, haut de gamme et fabriqué sur mesure. Es-tu aussi exigeante avec les instruments électriques? R : J’adore les guitares de Greenfield. Michael est un artisan extraordinaire; jouer de ses instruments est une leçon d’humilité. Michael et moi travaillons ensemble depuis environ 6 ans et c’est sûrement ce qui m’est arrivé de mieux dans ma carrière. Nous avons des luthiers assez incroyables au Canada; Linda Manzer, Grit Laskin, Marc Beneteau (le luthier de Don Ross), George Rizsanyi et Michael Greenfield, pour n’en nommer que quelques-uns.


amazing with Greenfield guitars is that they are made custom to the tunings I use. For instance, I just received a G4 model, which was built specifically for a C-minor 11th tuning I like to write in. So that guitar lives in that tuning. Q: Nowadays, with iTunes and the growing popularity of electronic distribution, it seems that the very notion of an album is challenged. Yet, here you are, releasing your album not only on CD but also on vinyl. Am I correct to assume that you still think in terms of the album as a whole rather than just a collection of singles? A: Oh I don’t think that the joy of making an album will ever subside. It is sales that have plummeted. Physical distribution of whole albums has decreased significantly, and even downloading has been challenged by the onslaught of free downloads. It’s astounding how many people feel free to just take music. We have even seen huge music houses like Capital Records fold inside themselves because of this (amongst other reasons). I love making records. I think you’ll hear that from any artist. The process is agonizingly wonderful. I wouldn’t change a thing; I just don’t expect to sell a million copies. And believe it or not, through all this change in the industry, vinyl is making a strong comeback. It’s awesome! Given the chance to print vinyl, I had to jump at it. It’s such a great format to work with, from the size of the 12x12 frame, to the gate fold, to the 180 grams (ideally) of deep grooves – LPs are what a lot of people grew up with. I just finished a solo album in Germany for Stockfisch Records, and they will be releasing that album in May 2012 on SACD (for the audiophiles out there), CD and 180 gram vinyl. Q: What is your acoustic guitar setup? Are you wearing fingerpicks on all your fingers or are those freakishly long nails?

A: With the Greenfield Guitars, I use a couple different kinds of string sets – both custom from John Pearse. For the G2 model, I use a 13-62 gage set, and the G4 model uses a 15-64 gage set. So they are hefty strings. The G4 model is also a slight fan fret, so the combination of the long scale and the heavy strings help keep the intonation in check. I use Golden Gate thumb picks, small, because I have tiny hands. The guitar pick-up I use in all my guitars is from K&K Sound. They make amazing pick-ups. I get the best sound possible and I’m really proud to endorse their gear. As for fingernails, I typically go to a nail salon and have three fingers on my right hand done with an extra strong gel nail. Sometimes I go all out and get a full set (with the other nails super short) and a wicked pattern painted onto the nail. If I’m feeling sassy. Having the three nails with my thumb pick gives me more control in both picking and strumming. If I don’t have time to go to a nail salon, I buy a pack of full cover fake nails from a drugstore, and do them myself. Typically doubling up the three nails so they are as strong as I need them. They don’t last as long, or look as pretty, but they get the job done in a pinch. Sometimes my husband, Don Ross, and I will even go out on a date and get our nails done together. That gets a few heads turning!  www.brookemiller.ca By/Par: Alex Cattaneo Traduction: Geneviève Hébert Photos: Samantha Rozon Photography [.com]


Pour ce qui est de mes exigences quant aux instruments électriques : non, je n’en ai pas autant. Je n’ai d’ailleurs pas encore trouvé la bonne guitare électrique. J’utilise beaucoup d’accordements alternatifs, ouverts ou étranges, alors ce n’est pas aussi facile pour moi d’accorder une guitare d’une nouvelle façon et de jouer dessus comme si c’était normal. Ce qui est incroyable avec les guitares Greenfield, c’est qu’elles sont conçues pour le type d’accordage que j’utilise. Par exemple, je viens tout juste de recevoir un modèle G4 qui a été fabriqué spécifiquement pour l’accordage en do mineur onzième que j’utilise régulièrement dans mes compositions. Cette guitare sera toujours accordée de cette façon. Q : Aujourd’hui, avec iTunes et la popularité croissante de la distribution électronique, la notion même d’album est mise au défi. Mais voilà que tu lances ton album non seulement en CD, mais aussi en vinyle. Ai-je raison de dire que tu penses encore à l’album comme un tout et non comme une collection de pièces indépendantes? R : Je ne crois pas que la joie de faire un album va diminuer. Ce sont les ventes qui dégringolent. La distribution physique d’albums a diminué de façon importante et même les téléchargements s’en ressentent avec les téléchargements gratuits. C’est ahurissant combien il y a de gens qui se sentent libres de faire ce qu’ils veulent avec la musique. Nous avons même vu de grandes maisons comme Capital Records imploser à cause de cela (entre autres raisons). J’adore faire des disques. La plupart des artistes vous diront la même chose. La démarche est pénible, mais magnifique. Je ne changerais rien, mais je ne m’attends pas à vendre un million d’albums. Croyez-le ou non, mais malgré tous les changements dans l’industrie, le vinyle fait un retour en force. C’est génial! Lorsqu’on m’a offert d’enregistrer sur vinyle, j’ai sauté sur l’occasion. C’est tellement un format agréable à travailler avec sa pochette 12x12, son encart à volet, ses 180 grammes (idéalement) de

profonds sillons. Beaucoup de gens ont grandi avec les 33 tours. Je viens de terminer un album solo en Allemagne pour Stockfisch Records et ils vont le lancer en mai 2012 sur un Super Audio CD (avis aux audiophiles), un CD et un vinyle 180 grammes. Q : Comment joues-tu de la guitare acoustique? Utilises-tu un onglet à chaque doigt ou as-tu seulement les ongles anormalement longs? R : Avec les guitares Greenfield, j’utilise deux ensembles de cordes sur mesure de marque John Pearse. Pour le modèle G2, j’utilise un ensemble 13-62 et pour le modèle G4, j’utilise un ensemble 15-64. C’est du costaud. Puisque le modèle G4 a les frettes en éventail, la combinaison du long diapason et des cordes épaisses aide à maîtriser l’intonation. Sinon, j’utilise des onglets de pouce Golden Gate, de petite taille, parce que j’ai de petites mains. Le micro de guitare que j’utilise pour toutes mes guitares vient de chez K&K Sound. Ils fabriquent des micros exceptionnels. J’obtiens le meilleur son possible et je suis très fière d’être commanditée par eux. Pour les ongles, je vais habituellement dans un salon pour me faire poser trois ongles sur la main droite avec un gel extra fort. Parfois, je me laisse aller et je me fais faire tous les doigts (avec les autres ongles très courts) avec des motifs. Mais seulement quand je me sens frivole. Les trois ongles avec mon onglet de pouce me donnent plus de contrôle avec le grattage. Quand je n’ai pas le temps d’aller dans un salon, je m’achète un ensemble de faux ongles à la pharmacie et je les pose moi-même en faisant attention de doubler les trois ongles pour qu’ils soient aussi solides que possible. Ils ne durent pas aussi longtemps et ne sont pas aussi jolis, mais ils font l’affaire, faute de mieux. Parfois, mon mari, Don Ross, et moi allons même jusqu’à nous faire faire les ongles ensemble. Ce qui fait assurément tourner les têtes! 


physical expression

and controllers

Muzik Etc.’s focus on guitars this month got me thinking about how keyboardists are at a disadvantage among musicians. Unlike guitars, and nearly every other musical instrument I can think of, keyboards lack direct physical contact between the player and the part of the instrument that actually creates sound. This rather obvious observation has become something of a revelation to me. So, here’s the first in a series of articles that will look at ways to allow keyboard playing to be more physically expressive. Whether through MIDI trickery, finding a new form of interface, or something else entirely, this is our goal. Fingers pressing on the guitar fretboard allows for direct manipulation of the string for pitch bend and vibrato. True, most keyboards have a joystick or pitch and modulation wheels, but there is a separation between the player and the element that is vibrating. Pitch and modulation wheels are assignable to a number of sound parameters and hence are versatile, however there is something inherently artificial about this. The expressive capability is one step removed from the resulting sound. While most keyboard players have a pitch bend range they are used to, a pitch wheel’s range isn’t fixed. When a guitarist bends a string it is a visceral process that is fixed and non-linear, as strings have physical resistance. Not only is there a limit to how far it can bend, the more it bends, the harder it is to bend further. Bending a string is work.

L’expression physique et ses asservisseurs Dans le Muzik Etc de ce mois-ci, le thème des guitares m’a fait réfléchir aux désavantages qu’ont les claviéristes par rapport aux autres musiciens. Contrairement aux guitares et à presque tous les autres instruments que je connaisse, un contact physique direct manque cruellement entre le claviériste et la partie de l’instrument qui crée le son. Cette observation, d’une évidence troublante, m’est apparue comme une révélation. J’essaierai donc, dans une série d’articles, de voir comment on peut rendre physiquement plus expressif notre jeu lorsqu’on est aux claviers. Que ce soit en jouant avec une interface MIDI, en trouvant une nouvelle interface ou par l’entremise de toute autre solution. À la guitare, il suffit d’appuyer directement sur les cordes à la hauteur du manche pour obtenir hauteur tonale et vibrato. Il est vrai que la plupart des claviéristes ont un pivoteur ou des asservisseurs pour la modulation de la hauteur et du timbre de son, mais le claviériste n’est pas en contact direct avec l’élément de vibration. Les roulettes de modulation peuvent modifier de nombreux paramètres de son, mais malgré cette polyvalence, elles restent, néanmoins, un outil interposé entre le musicien et la production du son. Leur capacité expressive n’est pas directement reliée au son qui en résulte. Bien que la plupart des claviéristes s’en tiennent à un registre particulier de hauteur tonale, leur registre de modulation de hauteur de son, lui, n’est pas fixe. Le guitariste n’a qu’à appuyer sur la corde : le processus est viscéral, constant et non linéaire, puisque les cordes ont une résistance physique. Non seulement leur souplesse a une limite, mais plus on appuie dessus, plus il devient difficile d’appuyer davantage. Le geste comporte donc un effort. De la même façon que, pour l’autre main qui joue des cordes, le guitariste a plusieurs options quant à la façon de les jouer. Il peut les pincer, les gratter, les tapoter, ou les effleurer. Il peut également contrôler la tonalité de chaque corde en changeant l’endroit où il les touche; soit en jouant plus près du chevalet pour obtenir des fréquences plus aigües et davantage de vibrations, ou plus près du manche pour plus de basses et de « bang ». Dans ce domaine, les claviéristes n’ont pas beaucoup de marge, à moins de se vautrer à l’intérieur d’un piano comme John Cage. Ce qui me ramène à l’essentiel: que le clavier soit électronique ou acoustique, ceux qui en jouent n’ont pas de contrôle 12

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physique direct sur la production du son. Ils ont plutôt le contrôle sur un outil qui a lui-même un contrôle limité sur la production du son. Ils appuient ainsi sur une touche qui déclenche quelque chose au-delà de leur expérience immédiate. À priori, il n’existe pas dix mille façons d’appuyer sur une touche. Bien que certains pianistes classiques disent le contraire, ultimement, les claviéristes sont limités à la force avec laquelle ils enfoncent les touches. Bien sûr, la plupart des claviers modernes possèdent ce qu’on appelle un aftertouch, qui pourrait s’avérer utile, mais la réalité est que la plupart d’entre nous ne se servent jamais de cet aftertouch polyphonique. À bien y penser, peut-être que cette fonction gagnerait à être mieux élaborée ou du moins, mieux adaptée au jeu du claviériste. Maintenant, en matière d’expression physique, quel autre bénéfice ont les autres instruments que les claviers n’ont pas? La plupart des instruments à cordes ressemblent à la guitare. Certains se jouent à l’aide d’un archet ou d’un autre accessoire, mais mettons ces exceptions de côté pour le moment. Les instruments à vent, en bois ou en cuivre, ont aussi des traits en commun. Le plus éminent étant leur capacité de transformer le souffle et la pression du diaphragme en volume et en tonalité. L’embouchure et la pression sur l’embouchoir ou l’anche de l’instrument affectent également la tonalité et la hauteur tonale. Voilà pourquoi des contrôleurs de souffle (breath controllers) ont été inventés pour les synthétiseurs, il y a déjà plusieurs années. Mais se comparent-ils vraiment à ce qu’ils essaient d’imiter?


Similarly, for the other hand that plays strings, the guitarist has an enormous number of options for how to play them. They can pluck, strum, pick, or scrape. They can control each string’s tone by where this action occurs through playing closer to the bridge for more treble and ‘twang’, or further down the neck for more bass and ‘boom’. In this case, keyboardists are rather out of luck unless they are crawling around the inside of a piano like John Cage. This brings me to my fundamental point: whether a keyboard is electronic or acoustic, we keyboard players don’t have direct physical control over the sound generation, we have control over a thing that has limited control over the sound generation. Namely, we hit a key that triggers an event removed from our immediate experience. There are only so many ways you can press a key, and while I’ve heard many classical pianists claim there are a million ways to do so, ultimately, we are essentially limited to how hard the key is struck. Most modern keyboards possess aftertouch, which is useful, but the fact that almost none use polyphonic aftertouch is a serious drawback. Bearing this in mind, it always seems to me that on most keyboards aftertouch is more of an afterthought that could be both better implemented and better constructed. Ok, but what benefit do other instruments have in terms of physical expression that we lack access to as keyboardists? Most stringed instruments bear resemblance to guitars, though they may also use a bow or other accessory, so let’s put those aside for now.

Les batteries et les cymbales, comme les instruments à cordes, offrent une variation tonale selon l’endroit où la surface est frappée. Frappez-les près du bord et vous obtiendrez plus de fréquences aigües. Frappez-les près du centre et le son sera plus rond et souvent plus persistant. Il n’existe pas d’équivalent, à proprement dit, de ce phénomène sur les claviers, bien que nous pensions immédiatement aux claviers sur écran inclus dans plusieurs logiciels de synthétiseurs. La vélocité diffère selon que vous appuyez en haut ou en bas de la touche. Il serait intéressant d’intégrer cette fonction sur un instrument réel de manière, par exemple, à influencer la hauteur tonale selon l’endroit où vous placez votre doigt sur la touche.

Woodwinds and brass share common traits. Foremost is the ability to translate breath and diaphragm pressure into both volume and tone. Embouchure and pressure on a reed or mouthpiece also affects tone and pitch. Breath controllers for synths have been around for years, but do they stack up in their implementation? Drums and cymbals, like stringed instruments, allow for tonal variation depending upon where the surface is struck. Strike them near the edge and the sound will contain more high frequencies. Strike closer to the center and the result is a fuller sound, often with a longer decay. There is no direct equivalent to this phenomenon for keyboardists, though what comes immediately to mind are the on-screen keyboards in many software synthesizers where clicking a key results in a different velocity depending on how high or low the key is clicked upon. It would be an interesting feature in a real physical instrument to apply finger placement on a key to say, tonal character. The ultimate instrument is, of course, the human voice. The complex combination of muscle movement involved in creating the numerous sounds we’re capable of is staggering, but it reduces what we’re looking at to a simple point. Physical musical expression involves translating some kind of movement or pressure from muscles into a meaningful alteration of sound. Next time we’ll take a closer look at some possible solutions to increase physical expression for keyboardists. 

Graham Collins is a Toronto-based composer/synthesis who – apparently – enjoys reading the Hornbostel– Sachs method of instrument classification. He can be reached via email at graham@pongthrob.com.

L’instrument ultime est, bien sûr, la voix humaine. La complexité des combinaisons de mouvements musculaires participant à la création des nombreux sons dont nous sommes capables est stupéfiante. Ce qui nous ramène à la base  : l’expression physique de la musique se résume à un mouvement (ou une pression) musculaire qui transforme un son de manière significative. Dans le prochain article, nous regarderons de plus près les solutions possibles pour augmenter l’expression physique chez les claviéristes.  Graham Collins est un compositeur/ claviériste basé à Toronto qui de toute évidence aime lire sur la méthode de classification des instruments de Hornbostel– Sachs. Vous pouvez le joindre par courriel à graham@pongthrob.com. By/Par: Graham Collins Traduction: Geneviève Hébert muzik etc.

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The

Guitarist’s Challenge part

2 In the first article, we looked at the main problems caused by bad posture and

instrument positioning depending on body height. We also saw the consequences this has on the lumbar vertebrae. In this article, we will look at how the wrists and fingers work as well as the problems that might arise. Of course, we will propose several solutions... If we look at the anatomy, we see that the wrists’ and fingers’ muscles work in synergy, meaning that they work together (depending on the movement, of course). If we look at the hand that holds the pick, almost all we can see is the wrist moving. What is less visible is the fact the fingers are working as well they are putting pressure on the pick in order to hold it. The muscles that are attached to them work in an isometric manner, meaning that they contract without changing their length. It follows that a guitarist that holds his pick too tightly between the thumb and index could cause supplemental muscular tensions that, coupled with bad wrist movement, could damage the forearm as a whole, because all these muscles, whether they are linked to the fingers or wrist, are attached on the bones of the forearm (radius and ulna) near the elbow (on the epicondyle). When there is too much tension, the muscles tire and damage themselves. This will cause an inflammation around the elbow, which causes pain: this is a famous tendinopathy known as tennis elbow to the athlete. The same problems apply to the hand that fingers chords on the neck: injuries of the flexors of the fingers and wrist. To prevent this, it is important to be able to play unconstrained by choosing a guitar model with which you are comfortable, with a neck, weight and size adapted to your body (particularly for kids). For example, a thick neck can be perfect for some people, but not for others. The recent popularity of guitars and basses with more strings than usual doesn’t help either.

Preventing injuries Like all rapid sports movements needing a certain amount of dexterity, playing guitar can be traumatic for your muscles and tendons.

Warming up I see far too many musicians hop on stage without warming up. You cannot expect to play solidly and with feeling if your muscles have not been warmed up. There is no need to play for 3 hours, but a good 30-minute session or more, if needed, would be profitable. Go over your scales and exercises with which you are comfortable, the ones you know by heart; begin very slowly and speed up progressively. Don’t forget that the best warm up must never be strenuous, and that you must never strain your muscles, because a tense muscle cannot play fast. Speed is the result of good technique and serious learning. Strive instead for a good feel and a good posture (body as a whole and small segments, such as your fingers and wrists); playing before a mirror, for example, is very instructive. Do not forget that during a concert, stress makes the pressure go up a notch and we tend to play faster if we are not warmed up correctly; this is something you can hear as the intensity varies from one song to the other.

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muzik etc.

By/Par: Franck Camus Translation: Jim Angelillo

Suppose that you have played well, but that you feel tense after the concert. This is the perfect moment to stretch. It is better to stretch after the event than before, but nothing prevents you from doing both; stretching after your warm up is very beneficial. The idea is not to stretch a cold muscle, which is not the case once you have warmed up! Don’t forget to breathe well. My article in the Drums Etc side offers information on the topic. So often we forget the basics! Think about hydrating sufficiently, especially if the concert lasts more than an hour; as spotlights make the temperature go up, it can become quite toasty up there. Remember that 2% dehydration can make you loose up to 20% in performance. Correct hydration will help your recovery by promoting faster waste elimination after the concert. This is always a good idea if you have a succession of gigs in a short period of time.  Please send me your comments at athleticmusician@hotmail.com

Le défi du

guitariste 2e

Dans la 1re partie, nous avions vu les problèmes principaux de posture et de positionnement de l’instrument par rapport à la hauteur du corps ainsi que les conséquences sur les vertèbres lombaires. Dans cet article nous allons plutôt nous concentrer sur la problématique du fonctionnement des poignets et des doigts ainsi que les problèmes qui y sont reliés. Évidemment, nous proposerons quelques solutions… partie

En révisant nos notions anatomiques, on se rend compte que les muscles des poignets et des doigts travaillent de façon synergique, c’est-à-dire qu’ils travaillent ensemble (tout dépend évidemment du mouvement). Par contre, si l’on regarde la main qui tient le plectre, on s’aperçoit qu’il y a surtout un mouvement de poignet; c’est tout ce qui est visible. Ce qui l’est moins est que les doigts travaillent eux aussi, puisqu’ils doivent exercer une certaine pression pour tenir le plectre. Les muscles qui leur sont rattachés travaillent donc de façon isométrique, c’est-à-dire en se contractant, mais sans changement de longueur. De ce fait, un guitariste qui tient sont plectre de façon


trop serrée entre le pouce et l’index pourrait engendrer une tension musculaire supplémentaire qui, jumelée à un mauvais mouvement de poignet, risque d’endommager tout l’avant-bras, car tous ces muscles, que ce soit ceux des doigts ou du poignet, viennent se fixer sur les os de l’avant-bras (radius et cubitus) près du coude (sur l’épicondyle). Lorsque la tension est trop élevée, les muscles finissent par se fatiguer et s’abimer. Une inflammation apparaît souvent au niveau du coude, ce qui engendre une douleur, la fameuse tendinopathie appelée épicondylite ou tennis elbow chez le sportif. Quant à la main qui forme les accords sur la touche, on retrouve la même problématique, soit des blessures au niveau des fléchisseurs des doigts et du poignet. Pour éviter tout cela, il est important de pouvoir jouer librement en choisissant un modèle de guitare sur lequel vous êtes confortable, avec un manche, un poids et une taille adaptés à votre gabarit (surtout pour les enfants). Par exemple, un manche trop épais peut convenir à certains, mais pas à d’autres. La nouvelle mode des guitares ou des basses munies de plus de cordes qu’à l’habitude ne règle pas le problème. Éviter les blessures Comme tous gestes sportifs rapides qui nécessitent une certaine dextérité, jouer de la guitare peut s’avérer traumatisant pour vos muscles et vos tendons.

L’échauffement Je vois encore trop souvent des musiciens monter sur scène sans pratiquer avant. Vous ne pouvez pas vous attendre dans ce cas à jouer de façon solide et avec du feeling si vos muscles sont n’ont pas été réchauffés. Pas besoin de s’échauffer pendant 3 heures, mais une bonne pratique de 30 minutes ou plus, si les conditions le demandent, vous seront profitable. Révisez vos gammes et les exercices avec lesquels vous êtes CENTRE MUSICAL

DU

à l’aise, ceux que vous pouvez jouer sur le bout des doigts; commencez très lentement et augmentez la vitesse progressivement. N’oubliez jamais que dans le meilleur des mondes l’échauffement ne doit jamais être forcé et que vous ne devez pas forcer vos muscles outre mesure, car un muscle tendu ne peut pas jouer vite. La vitesse de jeu ne doit être que le résultat d’une bonne technique et d’un apprentissage sérieux. Chercher plutôt à obtenir un bon feeling et une bonne position à la fois de votre corps et de vos plus petits segments (poignet et doigts); jouer devant un miroir, par exemple, est très instructif. N’oubliez pas que lors d’un spectacle le stress fait monter la pression d’un cran et que l’on a tendance à jouer plus vite si l’on n’est pas échauffé correctement; cela s’entend et l’intensité n’est pas constante d’une chanson à l’autre. Supposons que vous ayez bien joué, mais que vous sortez de scène tendu, voilà un moment propice pour faire des étirements. Il vaut mieux les faire après qu’avant, mais rien n’empêche de faire les deux; un bon étirement à la fin de l’échauffement est très salutaire. L’idée est de ne pas faire un étirement sur un muscle froid, ce qui n’est forcement plus le cas à la fin de l’échauffement. Profitez-en pour bien respirer. Je fournis d’ailleurs des explications à ce sujet du côté de Drums Etc. Nous oublions souvent la base! Pensez à vous hydrater correctement, surtout si le concert dure plus d’une heure, car avec les lumières, la température sur scène augmente et il peut faire très chaud par moment. N’oubliez pas qu’une déshydratation de 2 % peut amener une baisse de performance allant jusqu’à 20 %. De plus, cela facilitera votre récupération en permettant d’éliminer les déchets plus rapidement après le spectacle. Si vous avez plusieurs contrats à enchainer, c’est toujours une bonne idée.  N’hésitez pas à m’envoyer vos commentaires à athleticmusician@hotmail.com

LAC MACDONALD MUSIC CENTRE - HARRINGTON LAURENTIDES QUÉBEC CANADA

Vacances Musicales Musical Camps 24 juin au 12 août June 24th to August 12th Vivez une semaine de rêves avec nos professeurs et musiciens professionnels pour adeptes de tous niveaux, tous âges dans un environnement bilingue et famillial.

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Fin de semaine Bach du 27 au 29 avril avec Christopher Jackson Fin de semaine de musique de chambre du 18 au 21 mai

April 27-29: The Bach Weekend with Christopher Jackson May 18-20: The Chamber Music Weekend

24 juin: Musique de chambre, chant, piano - Semaine Schubert 1er juillet: Musique ancienne  - Monteverdi et Bach 8 juillet: Musique de chambre, chant, piano, harpe, musique de l’est de l’Europe 15 juillet: Musique de chambre, chant, piano, musique du monde 22 juillet: Vents et jazz 29 juillet: Chant choral et guitare classique 5 août: Chant choral, théâtre musical, Broadway et guitare «blues»

June 24th: Chamber Music, Piano, Voice - Schubert Week July 1st: Early Music - Monteverdi and Bach th July 8 : Chamber Music, Piano, Voice, Harp, Eastern European Music July 15th: Chamber Music, Piano, Voice, World Music July 22nd: Winds and Jazz July 29th: Choral Music, Classical Guitar August 5th: Choral Music and Broadway, Blues Guitar

Sans frais / Toll Free 1.888.622.8755 1.819.687.3938

Depuis Since

1953

Festival d’été Cammac. Concerts et brunchs tous les dimanches !


guitars

dossier

guitares Introducing the Ibanez RG Premium Expressive, reliable and a speed demon, the RG Premium was built with an insane attention to details. Take the hand-rolled fret edges, a feature usually reserved for guitars costing thousands more. Now grab a finger position and slide it quickly up and down the neck – there’s nothing there to slow you down. Then there’s the edge zero II tremolo. The zero point system makes tuning a breeze and holds tune over the course of lengthy performances, even if a string breaks. Other impressive details include a 5-piece wizard premium neck of seasoned maple and walnut, stud bolt locks that are made to maximize vibration and pickups designed especially for the Ibanez. The RG Premium is sensitive yet tough, just like the working musician it’s made for.

Voici la RG Premium d’Ibanez

Charvel Desolation Series Guitars

La série de guitares Charvel Desolation

The Charvel Desolation series of guitars include designs not previously seen in Charvels 30-year history. These new designs offer devastating tone, killer looks and high performance playability to separate the Desolation series from all others. The Desolation series includes single cutaway, double cutaway, and skatecaster guitars. It’s a whole new series of guitars for a whole new world of players.

La série de guitares Charvel Desolation présente une esthétique jamais vue en 30 ans d’histoire chez Charvel. Une tonalité et une apparence irrésistibles, ainsi qu’un jeu de haute performance différencient la série Desolation de toutes les autres. La série comprend la coupée simple, la coupée double et la skatecaster. Une toute nouvelle série de guitares pour un tout nouveau genre de musiciens.

Expressive, fiable et parfaite pour les excès de vitesse, la RG Premium a été construite avec une attention toute particulière aux détails. Les frettes ont été polies à la main, une caractéristique habituellement réservée aux guitares qui coûtent plusieurs milliers de dollars. Il vous suffit de barrer les cordes n’importe où et de laisser rapidement glisser votre main le long du manche pour constater qu’il n’y a aucun obstacle pour vous ralentir. La RG Premium possède aussi un vibrato Edge-Zero II. Le système Zero Point rend l’accordage excessivement facile et susceptible de durer lors de longues performances, même lorsqu’une corde se brise. D’autres détails impressionnants incluent un manche Wizard Premium 5 pièces en érable et noyer, des goujons filetés bloquants maximisant la vibration, ainsi que des micros conçus spécialement pour les guitares Ibanez. La RG Premium est sensible, mais robuste, comme le musicien professionnel pour qui elle a été pensée.

www.bjmusic.ca

www.efkaymusic.com

Charvel Desolation

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Ibanez RG Premium


PRS Angelus Cutaway Guitar

New SE Acoustic Line The Paul Reed Smith Guitars SE Acoustic line is made with high quality components, including solid backs and spruce tops, bone nuts and saddles, and PRS designed SE tuners. The line also offers the “hybrid X” bracing pattern and several other features as seen in the acclaimed PRS Acoustic guitars. Named after one of PRS’s most popular acoustic models, the PRS SE Angelus is the first model from the line. The SE Angelus is offered in both a standard and a custom package. The PRS SE Acoustics line has expanded for 2012 to include models with builtin pickup systems.

The PRS Angelus Cutaway Guitar boasts a remarkable voice and lasting sustain thanks to responsive and clear highs, crisply defined lows and a sweet midrange. Although suited for fingerstyle players, this guitar is versatile enough for a variety of musical styles. Standard features include a German spruce top, mahogany back and side, Peruvian mahogany neck, red spruce and mahogany bracing, exotic inlays and rosettes and a thin shatter-hard finish. Features like these are usually considered upgrades. Custom specifications include Adirondack spruce with maple purfling for the top wood, cocobolo back, side and fretboard wood and bridge and an abalone top purfling option.

La nouvelle série acoustique SE La série de guitares acoustiques SE de Paul Reed Smith a été fabriquée avec des éléments de haute qualité, incluant des fonds et des tables d’harmonie en épinette, des sillets de têtes et de chevalets en os et des accordeurs SE conçus par PRS. La série offre aussi un barrage « hybride X », ainsi que plusieurs autres caractéristiques propres aux célèbres guitares acoustiques PRS. Nommé après le modèle acoustique le plus populaire de PRS, le PRS SE Angelus est le premier modèle de la série. Celui-ci est offert en version standard ou sur mesure. La série acoustique PRS SE s’est agrandie en 2012 pour inclure des modèles avec système de micros intégré.

La guitare Angelus Cutaway de PRS

SE Angelus

www.prsguitars.com/seangelus

Angelus Cutaway

Avec une voix qui se démarque et une durée de note impressionnante, la Angelus Cutaway de PRS produit des aigus sensibles et clairs, des basses parfaitement définies, ainsi que des moyennes harmonieuses. Convenant davantage aux guitaristes qui jouent avec les doigts, cette guitare est néanmoins assez polyvalente pour aborder différents styles musicaux. Ses caractéristiques standards comprennent une table d’harmonie en épinette allemande, un fond et des éclisses en acajou, un manche en acajou péruvien, des barrages en épinette rouge et acajou, des incrustations et des rosaces en bois exotique, ainsi qu’un fini mince ultrarésistant. On retrouve normalement ces caractéristiques dans des versions plus haut de gamme. Vous pouvez également choisir des options sur mesure telle que l’épinette des Adirondack avec filets en érable pour la table d’harmonie, un fond, des éclisses, un manche et un chevalet en cocobolo et une option de filets en nacre pour la table d’harmonie. www.prsguitars.com/angelus

Planet Waves NS Mini Headstock Tuner

Le miniaccordeur à pince NS de Planet Waves

Reacting to the huge response to it’s original Chromatic Headstock Tuner, Planet Waves has introduced a small version that discreetly clips to the back of the headstock. The NS Mini Headstock Tuner’s tiny, lightweight design allows it to be clipped to the back of the headstock to remain practically undetectable, even on a dark stage. No cable hook-ups or microphones are needed as the NS Mini Headstock Tuner uses the instrument’s vibration as input and provides accurate tuning without the interference of ambient room noise. The NS Mini Headstock Tuner retails for $29.99.

En réponse au succès de leur accordeur chromatique original, Planet Waves vient de sortir une version miniature qui s’accroche discrètement au dos de la tête de votre instrument. Le design miniature et ultraléger de cet accordeur lui permet, une fois accroché, de rester pratiquement indétectable, même sur une scène sombre. Aucun fil de branchement ni microphone n’est nécessaire puisque le miniaccordeur utilise les vibrations de l’instrument et donne ainsi un réglage précis sans interférences provenant des bruits ambiants de la salle. Ce petit bijou se détaille à 29.99 $. www.daddariocanada.com

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Two New Levy’s Leather Products

De nouvelles courroies Levy’s

Featuring a Rastafarian design theme, Levy’s new printed guitar straps feature 2” heavy-weight hemp webbing with suede ends and a tri-glide adjustment. Pictured is model MSSH8P. Check out all six original designs.

Les nouvelles courroies de guitare Levy’s arborant des motifs rastafari sont fabriquées à partir de toile de chanvre épaisse de 2 pouces de largeur avec des bouts en suède et des boucles d’ajustement « tri-glide ». Vous voyez ici les six designs originaux du modèle MSSH8P.

Levy’s new embroidered guitar straps feature a multi-colored cowboy boot embroidered design, soft leather, foam padding and suede backing. Thanks to the extra long taper at the end, these straps are especially suited to acoustic guitars. Available in six original designs. Model MG62E01 is pictured.

Les autres designs, en cuir souple, présentent des broderies à motifs cowboy multicolores, un rembourrage en caoutchouc-mousse et un revers en suède. Ces courroies conviennent tout spécialement aux guitares acoustiques grâce à leurs extrémités aux longues pointes. Offert en six designs originaux, dont le modèle MG62E01 qui apparaît ci-bas.

www.levysleathers.com

Style, Precision and Innovation: The New Schaller Da Vinci Not only does the Schaller Da Vinci look great, it feels and sounds great too. And along with its elegant shape and finish comes the legendary Schaller quality of materials and workmanship. The new line allows you to choose from various finishes, including 24K gold, nickel, ruthenium, satin pearl, black chrome, satin chrome and the incomparable hand-finished vintage copper. Apart from great looks, the Da Vinci is a state-of-the-art tuning machine featuring flawless construction, smooth action and unparalleled tuning stability. Take the transparent cover plate. It is made from high-quality scratch-proof polycarbonate that is resistant to chemical cleaning agents, UV light and extreme temperature changes. The worm gear provides tuning precision previously unknown in a machine head of this type.

Style, précision et innovation: les nouvelles clés Da Vinci de Schaller Les nouvelles clés Da Vinci de Schaller sont non seulement superbes, mais elles ont aussi un son et une facilité d’utilisation incroyables. En plus de leur forme et de leur fini élégants, elles possèdent la qualité supérieure légendaire des matériaux et de la fabrication propre aux Schaller. Cette nouvelle série vous offre plusieurs finis, incluant or 24K, nickel, ruthénium, perle satinée, noir chromé, satin chromé et l’incomparable cuivre vintage fini à la main. Au-delà des apparences, les clés Da Vinci offrent un accordage de pointe doté d’une construction impeccable, d’une action toute en douceur et d’une stabilité de réglage d’accord sans pareille. Vous n’avez qu’à regarder la fenêtre transparente. Celle-ci est fabriquée à partir de polycarbonate de haute qualité, inrayable et résistant aux agents de nettoyage, aux rayons UV et aux changements de température extrêmes. La vis sans fin permet une précision de réglage jamais vue dans une cheville mécanique de ce type. www.coastmusic.com

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Bedell Guitars Two Old Hippies LLC. has appointed musical instrument distributor Erikson Music as the exclusive Canadian distributor for Bedell Guitars. Two Old Hippies Director of Key and International Accounts, Jean-Claude Escudie, said, “This partnership with Erikson Music allows Bedell Guitars to be immediately marketable and become a winning player in the very competitive Canadian market. From warehousing and distribution, to product expertise and service, Erikson Music has a solid history of bringing major brands, such as Marshall Amplifiers, Breedlove Guitars, Hagstrom Guitars, Seymour Duncan Pickups and Pearl Drums into the market with stellar results.” Among the Bedell products offered by Erikson is the award-winning Heritage Series (2011 Summer NAMM “Best in Show”).

Les guitares Bedell Two Old Hippies LLC. a élu Erikson Music comme distributeur exclusif des guitares Bedell au Canada. Le directeur des comptes internationaux chez Two Old Hippies, JeanClaude Escudie, a dit; « Ce partenariat avec Erikson Music permettra aux guitares Bedell d’être mises en marché immédiatement et de devenir des produits phares sur un marché hautement compétitif. De l’entreposage à la distribution, de la connaissance des produits au service, Erikson Music s’est taillé une réputation solide en mettant en marché avec succès de grandes marques telles que les amplis Marshall, les guitares Breedlove et Hagstrom, les micros Seymour Duncan et les batteries Pearl. » La série Heritage, qui a été primée « meilleure du salon » lors du NAMM en 2011, figure parmi les produits Bedell offerts par Erikson. www.bedellguitars.com www.eriksonmusic.com

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In-ear from

monitors

Laboratoire Auditif Laviolette

Are you tired of wearing in-ear monitors that just don’t stay put? Acoustic prosthesis specialist Laboratoire Auditif Laviolette, from Trois-Rivières, Quebec, now offers moulded in-ear monitors. For the time being, LAL has two distinct models on offer. The first, LX101, is a particularly discreet ventilated model. It enables you to get the monitoring you need, while clearly hearing what is happening on stage, without everything sounding muffled. The LX101 in-ear monitors are particularly well adapted to singers. The LX201 monitors are powerful and particularly well sealed. If you are looking for power, these are the ones for you! They will appeal to musicians whose

amplifier is not on stage and thus absolutely need monitors. Drummers and bassists, particularly, value the LX201. This year, LAL has been endorsed by several artists like Rob Langlois, bassist for Marie-Mai, Bob Champoux, guitarist for Marjo, Breen Leboeuf, bassist for April Wine, and Alex McMahon, pianist for Yan Perreau. A pair of LAL in-ear monitors doesn’t just mean you get perfect moulds of your ears, but it also means you can customize the length of the wire, the size of the connector, and even their sound. Everything is customizable. A pair of LAL in-ear monitors will cost anywhere from 600 to $1000, and that includes a two-year warrantee on any defect or problems with the comfort of the mouldings. And you don’t have to travel to Trois-Rivières to have your ears moulded, since the lab has partnered with audioprosthetists that will do it for them. 

Les

écouteurs intra-auriculaires du Laboratoire Auditif Laviolette Finis les problèmes d’écouteurs intra-auriculaires inconfortables qui ne tiennent pas en place! Le spécialiste des prothèses auditives Laboratoire Auditif Laviolette, de Trois-Rivières, offre maintenant des écouteurs moulés. En ce moment, LAL offre deux modèles distincts. Le premier, le LX101, est un modèle ventilé et particulièrement discret. Il permet d’obtenir le retour de son souhaité, tout en laissant passer le son ambiant (feeling de la scène). Cela annule l’effet de sourdine désagréable particulièrement agaçant pour les chanteurs. www.lablaviolette.com By/Par: Jim Angelillo

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Le LX201, quant à lui, est un modèle particulièrement étanche et puissant. Celui-ci comblera les besoins des musiciens qui veulent beaucoup de puissance! Il est destiné spécialement à ceux dont l’amplificateur n’est pas sur la scène, car leur seul re-

tour de son, est celui qui passe dans les écouteurs. C’est un modèle très apprécié des batteurs et des bassistes. Cette année, LAL a commandité une variété d’artistes dont Rob Langlois, bassiste de Marie-Mai, Bob Champoux, guitariste de Marjo, Breen Leboeuf, bassiste de April Wine, Alex McMahon, pianiste de Yan Perreau. Une paire d’écouteurs LAL n’implique pas uniquement un moulage parfait de l’intérieur de vos oreilles, mais il est également possible de personnaliser la longueur du fil, la grosseur du connecteur et même la sonorité de l’écouteur. Tout est fait sur mesure. Se faire fabriquer une paire d’écouteurs intra-auriculaires LAL vous coûtera entre 600 et 1000$ et cela comprend une garantie de deux ans contre toute défectuosité et tout problème de confort des moulages. De plus, il n’est pas nécessaire de se rendre à Trois-Rivières pour faire mouler vos oreilles, car le laboratoire travaille en partenariat avec plusieurs audioprothésistes qui le feront. 


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Muzik Etc [v24-n1] January-February 2012