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Jessica Beach

FREE!

March • April 2010

Vol 22, No 2

Mars • Avril 2010

Studio

GRATUIT !

l

Poste-Publication Convention No 40009235, Adresse de retour : 753, Ste-Hélène, Longueuil, QC J4K 3R5 Publication Mail Agreement No 40009235, Return Address : 753, Ste-Hélène, Longueuil, QC J4K 3R5


March-April mars-avril

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Cover / En couverture

a Beach Jesr Jasyic Deachman

by/pa

2010

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Rebuilding the Quintessential Telecaster / La reconstruction de la classique Telecaster

by/par Alex Cattaneo

by/par Gerry Griffin

18 Follow the Rumble in your Gut or Live with the Hiss / Suivez votre instinct ou acceptez la sibilance

20 Evolving Rhythms For Guitar / Le développement des 6 “Did you know that…” / rythmes pour la guitare « Saviez-vous que… » 4 Edito + Agenda

8 Cape Town

by/par Jeff Gunn

by/par Jeff Gunn

22 When Good Instruments Go Bad, Stage to Studio / Tirer le mieux de votre instrument, de la scène au studio

by/par Ayman Ibrahim

Made in Canada / Fabriqué au Canada 26 Sparrow Guitars

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Dossier

by/par Halley Southgate

Studio Gear / Équipement de stud io

Volume 22, No 2 March-April / mars-avril 2010 Editor in Chief / Rédactrice en chef Sofi Gamache (450) 674-1114 / sofi@muziketc.ca Associate Editor / Rédacteur associé T. Bruce Wittet bruce@muziketc.ca Editorial Assistant / Assistante à la rédaction Tara Wittet Manko Contributing Writers / Journalistes Ralph Angelillo, Alex Cattaneo, Jay Deachman, Gerry Griffin, Jeffrey Gunn, Ayman Ibrahim, Halley Southgate Translation / Traduction Jim Angelillo, Geneviève Hébert, Traduction B&B

Cover Photo/ Photo couvert Mark Maryanovich (www.maryanovich.com) Distribution Ayman Ibrahim (866/450) 677-1364 / ayman@muziketc.ca Advertising / Publicité Ralph Angelillo (Founder/fondateur 1989) (888/450) 928-1726 / ralph@muziketc.ca Publisher / Éditeur Serge Gamache (866) 834-4257 / (450) 651-4257 serge@muziketc.ca Printer / Imprimeur Solisco © Copyright 2010

www.muziketc.ca

Advertiser Information Request Form Demande d’information des produits annoncés www.muziketc.ca/coupon_v22n2.aspx Muzik Etc / Drums Etc is published 6 times per year and distributed across Canada, in music retail stores, music schools, etc. This issue: 19,400 copies in 434 distribution points (circulation certified by Canada Post). Publication Mail Agreement / Poste-Publication Convention No 40009235, Return Address / Adresse de retour : MUZIK ETC / DRUMS ETC 753 rue Ste-Hélène, Longueuil (QC) J4K 3R5 Canada Fax : (450) 670-8683 Muzik Etc / Drums Etc est publié 6 fois l’an, et est distribué partout au Canada dans les écoles de musique, chez les détaillants de musique, etc. Ce numéro : 19 400 copies dans 434 points de distribution (circulation certifiée par Postes Canada).

muzik etc

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I

Legends

T

here’s something terribly wrong with the way many artists perceive success. Too often, they think they’re God’s gift to ­humanity, the stuff of legends. Wrong. Sorry to burst the bubble but those ­record sales should sing a different song. Have you been ­listening? You’ve got a long ways to go, kiddo. First things first: attitude. Arrogance and false pride combine to build an impenetrable ­barrier ­between you and the people who might grow to like you or help you along the long road to playing stadiums. Bad attitude is like a snowball: it starts small, picks up speed, momentum, and more snow until it’s out of control. It crashes. Fast and hard. The truly creative souls are rarely self-serving and ­arrogant. I’ve met many—real legends the likes of Peter  Gabriel, Alan Parsons, and Daniel ­Lanois, to name a few (for the sake of name-dropping). These people don’t ­measure success by the number of heads that turn when they ­enter a room but by how close they’ve come to r­eaching new heights of excellence. For them, ­excellence is not fixed. They’re constantly listening and ­learning. Humility puts them into a position to do this. We can learn a lot from the legends; I did. What struck me was that none of them were eager to raise their heads above a crowd or to otherwise make ­themselves ­obvious. Instead of ­blowing away energy, they ­devoted it to the pursuit of ­increasingly high standards, to ­opening up to new possibilities, to absorbing other cultures. Have you ever ­noticed that they’re never static; they’re always a ­work-in-progress and their work tools and standards are always changing (of course, these very aspects can make them a challenge to work with—another story). ­Anyways, their continuous drive for new ­experiences creates a ­different snowball ­effect. For one, we benefit—all of us, not just the perpetrator. An inflated conception of self and an ­irrational, ­overblown sense of accomplishment are not ­reliable ­measures of success, creative or monetary. The swollen ego and supposed rise to greatness...all that is setting yourself up for a long, hard fall. If you ask me, humility will take you much ­further. It goes hand in hand with the acceptance of new ­approaches. We exhibit greatness by ­respecting others, not disdaining them. We respect ourselves by taking time away from the mirror and filling the inner void with substance. Then when the facade begins to lose its shine, we still have lots to give. Namaste.

l y a vraiment quelque chose qui cloche avec la ­façon dont certains artistes perçoivent le succès. ­Certains d’entre eux se prennent trop souvent pour des dieux ou des légendes. À tort. ­Désolée de péter votre bulle, mais vos ventes d’albums disent autre chose. Il vous reste ­encore beaucoup de c­ hemin à faire. C’est souvent une question d’attitude. L’arrogance et la vanité peuvent ériger une barrière infranchissable ­entre vous et les gens qui pourraient apprendre à aimer ce que vous faites ou vous aider dans vos ­démarches. Une ­mauvaise ­attitude, c’est comme une boule de neige : elle ­commence par une toute petite chose, qui prend vite de la vitesse et du terrain, pour finalement être totalement hors de ­contrôle. Elle finit ultimement par frapper un mur de plein fouet. Les vraies âmes créatives sont rarement ­égoïstes ou arrogantes. Des légendes, j’en ai rencontré plusieurs, telles que Peter Gabriel, Alan  ­Parsons et ­Daniel Lanois, et j’en passe. Ces gens ne ­mesurent pas le succès par le nombre de ­têtes qui se retournent sur leur passage, mais ­plutôt en évaluant le chemin qui les a rapprochés de ­l’excellence. Et pour eux, l’excellence n’est pas quelque chose de fixe. Ils sont toujours à ­l’écoute de ce qui les entoure et ils ­apprennent constamment. L’humilité les aide en ce sens. Nous pouvons apprendre beaucoup des ­légendes. Pour ma part, ce qui m’a frappée, c’est ­qu’aucune ­d’entre ­elles ne cherchait à ­ressortir parmi la ­foule ou à se ­rendre ­intéressante. Au lieu de ­dissiper leur énergie, ­elles ­l’utilisent pour ­atteindre des standards toujours plus hauts, pour s’ouvrir aux nouvelles possibilités et pour ­s’imprégner des autres cultures. Avez-vous déjà ­remarqué qu’elles ne ­stagnent jamais : elles sont en perpétuelle évolution et leurs outils de travail, ­ainsi que leurs standards, changent constamment (ce qui, bien sûr, peut être un défi pour les ­personnes avec qui ­elles travaillent, mais ça, c’est une autre ­histoire). En tout cas, leur quête ­incessante de ­nouvelles expériences crée un tout autre ­effet ­boule de ­neige. Dans leur cas, tout le ­monde en b­ énéficie, pas ­seulement l’auteur. Une idée exagérée de sa propre ­importance et un ­sentiment excessif et irrationnel d’accomplissement ne sont pas des mesures fiables pour le ­succès, qu’il soit ­créatif ou monétaire. Un égo ­gonflé à bloc et une sensation de grandeur vous vouent tout ­simplement à une longue et pénible chute. Si vous voulez mon avis, l’humilité vous ­mènera beaucoup plus loin. Ce qui va main dans la main avec l’accueil de nouvelles approches. Nous ­faisons ­preuve de grandeur en respectant les autres, et non en les dédaignant. Nous nous ­respectons ­nous-mêmes en nous éloignant du ­miroir pour ­remplir le vide intérieur avec de la substance. Et ­lorsque la façade commence à perdre de son lustre, il reste ­encore beaucoup à donner. Namasté.

Sofi Gamache

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AGENDA muzik ETC

Christian Dubé

Edito

Les légendes

EAST COAST MUSIC AWARDS, FESTIVAL & ­CONFERENCE 2010 Anaheim, CA Sydney, NS March 4-7 / 4 au 7 mars 2010 (902) 892-9040 www.ecma.com

CANADIAN MUSIC WEEK 2010 Toronto, ON March 10-14 / 10 au 14 mars 2010 (905) 858-4747 www.cmw.net

MUSIKMESSE Frankfurt, Germany March 24-27 / 24 au 27 mars 2010 www.messefrankfurt.com www.musikmesse.com

JUNO AWARDS St. John’s, NL April 18 / 18 avril 2010 (416) 485-3135 www.juno-awards.ca

MIAC 2010 TRADE SHOW Direct Energy Centre Toronto, ON May 16-17 / 16-17 mai 2010 www.miac.net/tradshow.php

NXNE 2010 Toronto, ON June 16-20 / 16 au 20 juin, 2010 (416) 863-6963 www.nxne.com


By / Par : Ralph Angelillo Traduction : Geneviève Hébert

Did You Know That… Saviez-vous que… Muzik Etc. is debuting a new column and we need your help. On a ­regular basis, we’ll call on you for newsworthy items to include in upcoming issues of Muzic Etc. The new column will feature ­information on workshops, ­educational events, new CDs, ­musical instrument companies, and projects. Please send your submissions, including photos in high resolution format (300 ppi), to my new email address: ralph@muziketc.ca.

Appel à tous les ­musiciens et à toutes les ­musiciennes !

Muzik Etc. a une nouvelle rubrique en tête et demande votre aide. Dans les prochaines éditions du ­magazine, nous ferons appel à vous ­régulièrement pour ­publier des articles d’intérêt pour nos lecteurs. ­Cette ­nouvelle rubrique présentera de l’information sur des ateliers, des ­événements pédagogiques, de nouveaux ­albums, des ­fabricants ­d’instruments de ­musique émergents et autres projets. Vous ­pouvez ­envoyer vos ­suggestions en incluant des photos en format haute ­résolution (300 ppi), à ma nouvelle adresse courriel : ralph@muziketc.ca.

US Music Corp. ­Announces ­Changes for Canadian ­Market

As of January 1, 2010, US Music Corp. has changed the distribution structure for the ­Canadian ­market. For example, the Randall and Eden ­Amplifier lines sold in ­Canada will be managed by Coast Music, a ­division of JAM Industries. In addition, ­Parker ­guitars will be handled by Korg  ­Canada; Washburn USA guitars will be offered by ­Erikson ­Music. Korg Canada and Erikson Music are both divisions of JAM Industries. ­­­www.j­amindustries.com

MIAC 2010 – New Venue, New Dates, Be There!

Canada’s largest music industry trade show is May 16-17 at the ­Direct Energy Centre, Exhibition Place, Toronto. MIAC 2010 is a must for ­Canadian music retailers, manufacturers, distributors, and educators. On a personal note, I might finally get to a Toronto Blue Jays game after all these years! Visit the MIAC Web site for more info: www.miac.net/tradeshow.php.

MIAC 2010 – Un ­nouveau lieu et de nouvelles ­dates : soyez-y !

Le plus grand salon de l’industrie musicale au Canada se déroulera les 16 et 17 mai prochain au Direct Energy Centre, au Exhibition ­Place à ­Toronto. Le MIAC 2010 est un incontournable pour les détaillants de musique, les fabricants d’instruments, les distributeurs et les formateurs canadiens. Quant à moi, je vais peut-être ­finalement réussir à voir un match des Blue Jays de Toronto après toutes ces années ! ­Visitez le site Web du MIAC pour plus d’informations : ­­­­http://miac.net/francais/ 6

muzik etc

La société US Music Corporation ­annonce des ­changements pour le marché canadien

À partir du 1er janvier 2010, la société US Music Corporation a changé sa structure de ­distribution pour le ­marché ­canadien. Par exemple, les ­séries d’amplificateurs Randall et Eden vendues au Canada seront gérées par Coast Music, une division des Industries JAM. De plus, les guitares Parker seront gérées par Korg Canada et les ­guitares Washburn USA offertes par Erikson Music. Korg Canada et Erikson Music sont toutes deux des divisions des ­Industries JAM. ­www.jamindustries.com

photo : T.Bruce Wittet

Calling All Musicians!


Alex Sevastian

Roland Canada: The Year of Contests

Roland Canada is giving aspiring musicians the chance to win some amazing prizes, not to ­mention bragging rights. With six contests ­running this year—the Boss Loop ­Station 2010 Championship, the Roland V-Drums­ ­Contest, the ­Roland Synthesizer ­Contest, the Fourth ­Roland V-­Accordion  F­estival, the ­Roland U-CUBE contest, and the Roland Piano ­Festival—it’s no ­wonder that Roland calls it: 2010: the Year of ­Contests. For details, ­visit: www.roland.ca/­contests.

Roland Canada : Une année de  concours

Roland Canada donne aux musiciens en herbe la chance de gagner des prix sensationnels, ainsi que le droit de s’en vanter. Avec six concours en liste cette année le championnat Loop Station 2010 de Boss, le concours ­V-Drums de Roland, le concours Synthétiseur Roland, le 4e festival de V-Accordéon ­Roland, le concours ­U-CUBE Roland et le ­festival de piano Roland), pas étonnant que Roland ­appelle 2010 l’année des concours. Pour les détails, visitez www.roland.ca/contests.

Good News for Musicians!

As of January 31, 2010, self-employed Canadians can register for Employment Insurance, which ­includes maternity, parental, sickness and compassionate care benefits. This represents one of the most significant enhancements to the Employment Insurance program in a decade. For more ­information, visit: icono.me/AEartistes.

De bonnes ­nouvelles pour les musicien(ne)s !

À partir du 31 janvier 2010, les travailleurs autonomes canadiens pourront souscrire à ­l’assurance-emploi et ainsi ­bénéficier de congés maternels, parentaux, de décès et de maladie. Cela représente une des plus ­importantes améliorations au programme d’assurance-emploi de la ­décennie. Pour plus d’informations, v­ isitez icono.me/AEartistes.

Muzik Etc/Drums Etc New Web Site!

Muzik Etc. and Drums Etc. are now on the Web! Visit www.muziketc.ca to read issues online. The media kit area allows you to browse our entire C­ anada-wide d­ istribution list. n

Un nouveau site Web pour Muzik Etc/Drums Etc !

Muzik Etc. et Drums Etc. sont maintenant sur le Web ! Visitez www.muziketc.ca pour lire nos ­publications en ligne. Vous trouverez d’ailleurs dans la section « Trousse média », la liste de tous nos points de distribution. n muzik etc

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By / Par : Jeff Gunn Traduction : Tradution B&B Photos : Anita Van Zyl

Cape Town:

Where Spirit, Culture and Music Thrive Place: Cape Town, South Africa. Visa Required: A 90-day tourist visa is issued to Canadians upon arrival. Currency: The Rand. Payoff: Medium-range salary and diverse musical styles you can incorporate into your own. Flight: $1100.00 – $1500.00 Canadian. Equipment: Rent or purchase at Marshall Music Cape Town and Music Man.

C

ape Town is arguably the most picturesque city in the world. It offers the musician an incredible diversity of venues. Jazz buffs will want to check out The Green Dolphin Jazz Restaurant, the West End Jazz Club, and Thutuka, where jazz and traditional African music meet. Sit in at one of the indigenous music jam sessions at Mama Africa Restaurant Cape Town or Nyoni’s Kraal African Restaurant & Live Music. Stroll down Long Street and check out the various venues where DJs spin House and African hip-hop.

The other must-visit district is the Observatory, where you can buy arts/crafts, great food, and listen to good music at Barmooda. The best way to get into the Cape Town scene is to sit in at one of the clubs I’ve mentioned. Days off can be spent taking a cable car up enchanting Table Mountain, swimming with penguins at Boulders, embarking on a guided tour of historic Robben Island, and enjoying fresh seafood under the setting sun at the Twelve Apostles mountain peaks. Cape Town is bound to inspire you creatively. n

Cape Town : où l’esprit, la culture et la musique sont prospères Endroit : Cape Town, Afrique du Sud Visa requis : Un visa touristique de 90 jours est émis aux Canadiens à leur arrivée. Unité monétaire : le Rand. Rétribution : Un salaire moyen et divers styles de musique que vous pouvez incorporer au vôtre. Coût du vol : 1100,00 $ à 1500,00 $ Canadiens. Équipement : Location ou achat chez Marshall Music Cape Town ou Music Man.

C

ape Town est sans aucun doute, la ­ville la plus pittoresque au monde. Elle ­offre au musicien une incroyable diversité de prestations musicales. Les amateurs de Jazz voudront ­visiter The Green Dolphin Jazz Restaurant, le West end Jazz Club ainsi que Thutuka, où le Jazz et la musique afri­ caine traditionnelle se réunissent. Prenez part à l’une des séances de musique indigène chez Mama Africa Restaurant Cape Town ou Nyoni’s Kraal ­Africain ­Restaurant &

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muzik etc

Live Music. Faites une promenade sur la rue Long et arrêtez aux différents endroits où les disc-jockeys vous font entendre du House et Hip-hop ­africain. Un autre endroit à ne pas manquer est « l’Observatory », où vous pouvez vous procurer des ­objets de type artisanal, de la bonne nourriture ainsi qu’entendre de la bonne musique chez Barmooda. La meilleure façon de s’immerger dans la ­culture de Cape Town est de visiter un des endroits que je

vous ai mentionnés ci-haut. Vos journées de congé peuvent être passées à prendre le téléphérique en haut de l’enchanteresse Table Mountain, à nager avec les pingouins à Boulders, à vous joindre à une visite guidée de l’historique Rodden Island et à savourer des fruits de mer frais ­devant un coucher de soleil au Twelve ­Apostles Mountain Peaks. Cape Town inspirera assurément ­votre créativité. n


WHO WHO SAYS SAYS THE THE WORLD’S WORLD’S GREAT GREAT RECORDING RECORDING MICROPHONES MICROPHONES NEED NEED TO TO BE BE EXPENSIVE? EXPENSIVE?

Classic II Classic II Top-of-the-line

Dual 1” Condenser Top-of-the-line Studio Microphone DualValve 1” Condenser Studio Valve Microphone

K2 K2

Precision Variable Pattern Dual 1”Variable Condenser Precision Pattern Valve1” Microphone Dual Condenser Valve Microphone

NT4 NT4

X/Y Stereo Multi-Power Studio and Location 1/2” X/Y Stereo Multi-Power Condenser Microphone Studio and Location 1/2” Condenser Microphone

NTK NTK

Multi Award Winning Class A Dual 1” Multi Award Winning Condenser Class A Microphone Dual 1” Condenser Microphone

NT5 NT5

Compact 1/2” Cardioid Condenser Compact 1/2” Microphone Cardioid Condenser Microphone

NT1000 NT1000 Ultra Versatile

NT2000 NT2000

Seamlessly Variable Dual 1” Condenser Seamlessly Variable DualMicrophone 1” Condenser Microphone

1” Studio Condenser Ultra Versatile Microphone 1” Studio Condenser Microphone

NT1-A NT1-A

The World’s Quietest Studio Condenser The World’s Quietest Microphone Studio Condenser Microphone

NT2-A NT2-A

Multi Pattern 1” Condenser Multi Pattern Microphone 1” Condenser Microphone

Pound for pound, dollar for dollar, Pound for pound, dollar for dollar, RØDE Mics offer more bang for the buck RØDE Mics offer more bang for the buck than any other microphone - period. than any other microphone - period. RØDE Microphones are distributed in Canada exclusively by: Audio Distributors International RØDE Microphones are distributed in–Canada exclusively by: Audio Distributors International www.adi-online.net info@adi-online.net - 1-866-449-8177 www.adi-online.net – info@adi-online.net - 1-866-449-8177

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Jessica

en couverture

Cover story

By / Par : Jay Deachman Traduction : Geneviève Hébert Photos: Mark Maryanovich

Cast Adrift with Tom Waits, Islay Whiskey, and Other Muses

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espite her secret desire to be stranded on a deserted island with Tom Waits, a piano and a case of Lagavulin, Jessica Beach ­currently lives in Canada. It’s hard to sum up the ­artist any ­better than this quote from her ­official bio. Her promo material also indicates that as a child in ­Toronto Jessica was a fan of the Dr ­Demento Show and, insult to injury, took pleasure in ­reciting Cheech and Chong skits into her grandmother’s tape ­recorder. She listened to a wide range of music from her family’s ­extensive vinyl collection and sang along with Sam Cooke, Linda Ronstadt, and the American ­Graffiti soundtrack. Her parents, however, hoped she’d ­channel her energy into something more ­productive. A  church basement piano, ­restored by her ­father, proved the answer to their ­prayers. And  the rest, as they say, is history. By her teens, ­Jessica had accompanied her family on moves across the country. ­Eventually they ­settled in Calgary, where Jessica began recording demos at Organic Sounds Studio, ­releasing her first independent EP in 2003. Jessica now lives in Vancouver. ­Shortly after relocating she released her debut ­album, Sticky Hands. In 2008, her follow up, For Your Protection, produced by Jay “Juice” Evjen, resonated with listeners due to its ­gritty, ­optimistic bent. Her intimate songs ­provoked one ­listener to comment, “It represents the ­moment you know things are going to get ­better.” The ­album will be re-released ­commercially this year. Jessica is currently in the studio with ­producer Jeff Dawson (Daniel Powter). I caught up with her, hoping to hear the uncensored truth—and maybe a few lies and tales. ­­Tape rolled:

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Tom Waits, whisky de l’île d’Islay e­ t autres muses

M

algré le désir secret de se ­retrouver seule sur une île déserte avec Tom Waits, un piano et une ­caisse de ­Lagavulin, Jessica Beach vit pour l’instant au ­Canada. ­Difficile de mieux résumer l’artiste qu’avec ­cette ­citation tirée de sa biographie officielle. Son ­matériel ­promotionnel indique aussi que lorsqu’elle grandissait à ­Toronto, Jessica était fan du ­­Dr ­Demento Show et, pour porter l’insulte à son comble, ­qu’elle prenait­ ­plaisir à ­enregistrer des sketchs de Cheech et Chong sur le ­magnétophone de sa grand-mère. Elle ­écoutait ­divers styles de musique, tous dénichés dans ­l’immense ­collection de vinyles familiale et chantait au son de ­­Sam Cooke, Linda Ronstadt et de la trame ­sonore ­d’American Graffiti. Cependant, ses parents espéraient ­qu’elle canalise son énergie dans quelque chose de plus productif. Un piano trouvé dans un sous-sol d’église et restauré par son père fût la ­réponse à leurs prières. Et, comme on dit, le reste appartient à l’histoire. À l’adolescence, ses parents ont ­déménagé plusieurs fois à travers le pays et ­Jessica les a suivis. Ils finirent par se poser à Calgary, où Jessica enregistra ses ­premières ­maquettes, au Organic Sounds Studio, lançant son premier ­disque éponyme indépendant en 2003. Jessica vit aujourd’hui à Vancouver. Elle a ­lancé son premier album, Sticky Hands, peu de temps après s’y être installée. Son deuxième ­disque, For Your Protection, a été produit en 2008 par Jay « Juice » Evjen et a tout de suite plu à ses auditeurs grâce à son côté optimiste et cru. On dit de ses chansons intimes « qu’elles rappellent ces moments où nous réalisons que les choses sont en train de changer pour le mieux. » L’album sera relancé à l’échelle commerciale cette année. Jessica est présentement en studio avec le producteur Jeff Dawson (Daniel Powter). Je l’ai ainsi rejointe, espérant entendre la vérité sans ambages, ainsi que peut-être quelques récits et mensonges. Voici ce que j’ai récolté :


Beach

muzik etc 11


Photo: Shayna Kerrie Photography

Muzik Etc : Par quoi avez-vous commencé : le chant ou le piano ? Jessica Beach : Le chant, mais de justesse. Je devais avoir autour de cinq ans. ME : Qu’est-ce qui vous a attiré au piano en tant qu’instrument ? JB : Le fait qu’il y en avait un qui se faisait refaire dans le garage chez moi et que je pouvais frapper sur le clavier ! ME : Comment la relation avec cet instrument a-t-elle évolué à travers

Muzik Etc: What did you do first: sing or play piano?

les années ?

Jessica Beach: Sing, but it was close. Sometime around age five.

JB : Ce même piano est toujours dans la maison de mes parents et j’essaie chaque fois de ­l’approcher avec émerveillement puisqu’il y a encore tant à apprendre. Avec le temps, ma ­relation change selon l’étape à laquelle je suis rendue: l’écriture, la tournée, l’enregistrement ou tout ça à la fois. J’essaie d’entretenir un bon mélange de discipline et de désinvolture.

ME: What drew you to the piano as an instrument? JB: The fact that there was one being refinished in our garage. And that you got to hit the keys! ME: Growing up, how has your relationship with the instrument changed? JB: That same piano is still in my parents’ house and I try to approach it with a sense of wonderment because I still have so much to learn. Over time, my relationship changes depending on what stage I’m in: writing, touring, recording, or all three at once. I try to keep a strict combination of discipline and silliness. ME: When did you start writing your own songs? JB: The first proper song I wrote was probably when I was about fifteen. I did some writing when I was a teenager but I hadn’t trained myself to document anything yet. The bulk came in my ­early twenties. That’s when I had the stories to tell and the time to work on an instrument.

ME : Quand avez-vous commencé à écrire vos propres chansons ? JB : J’ai du écrire ma première véritable chanson vers l’âge de quinze ans. J’ai écris quelques trucs à l’adolescence, mais je ne m’étais pas encore entraînée à documenter les événements. J’ai écris la majeure partie de mes chansons au début de la vingtaine. C’était l’âge où j’avais des histoires à raconter et du temps pour travailler sur un instrument. ME : Quand avez-vous réalisé que vos chansons plaisaient aux gens ? JB : Lorsque des gars ont commencé à venir me voir après les spectacles pour me dire : ­« euh, tes chansons me plaisent beaucoup. Je joue de la guitare et… » ME : Qu’est-ce qui vous vient en premier : les paroles, la mélodie ou la progression harmonique ?

ME: When did you realize that your songs resonated with people?

JB : Chaque fois, c’est différent. J’imagine que j’ai dans mon bagage davantage de mots ­solitaires que de chansons finies. Je constate que je travaille sur les progressions ­harmoniques seulement lorsque j’ai un instrument dans les mains. Il est difficile de se rappeler d’une ­mélodie avant qu’elle ne s’envole. Lorsque je suis en voiture et que je veux me souvenir d’un truc, ­j’appelle ma propre messagerie vocale. Mais je sais que je devrais plutôt me procurer une veste dans laquelle je transporterais un dictaphone !

JB: When guys started coming up to me after the show and saying, “Um, your songs really resonate with me. I play guitar and….”

ME : Vos paroles sont toujours très crues et viennent vraisemblablement du fond de votre cœur et de votre âme, surtout sur le nouvel album For Your Protection. Est-ce de l’autobiographie ?

ME: What comes first: lyrics, melody, or chord progression?

JB : Toutes les chansons parlent de quelqu’un et j’ai eu tellement de vies que les chansons ­elles-mêmes ne savent plus de qui elles parlent! J’aime écrire en adoptant différents points de vue. Parfois, mes chansons sont prémonitoires; elles prédisent ce qui est à venir. Alors, si par exemple j’écris une chanson qui parle de rupture alors que nous ne faisons que commencer à nous fréquenter, il ne faut pas s’inquiéter, puisqu’elle parle de ma prochaine conquête.

ME: Your lyrical content is always very raw and seemingly from the heart and soul, especially on the new CD For Your Protection. Is this autobiographical? JB: Every song is someone’s memoir and I have lived so many lives that even the songs themselves don’t know who they’re about! I like to write from different points of view. Sometimes songs turn out to be premonitions; sometimes, self-fulfilling prophecies. So if I write a break-up song when we first start dating, don’t worry, it’s about the next guy. ME: You’re also a yoga enthusiast and personal trainer. Does songwriting ever tie into that part of your life? 12 muzik etc

ME : Vous êtes aussi passionnée de yoga et entraîneuse personnelle. Y a-t-il une liaison entre l’écriture et cette sphère de votre vie ? JB : Sans oublier la boxe thaïlandaise ! Rien de mieux que d’amener avec soi sur la ­route : ­pattes d’ours, bandages et gants de boxe ! Ne partez pas sans eux ! C’est ce qui me ­garde ­équilibrée et qui m’empêche de me fondre dans mon ­divan. Ça me garde ­aussi en ­forme pour porter mon ­propre équipement, ainsi que mon batteur lorsqu’il est trop fatigué. Mais je ne ­chante pas ­vraiment de chansons à mes clients; je leur crie dessus tout doucement.

Photo: Shayna Kerrie Photography

JB: It’s different every time. I guess I have more orphaned words than complete songs. I find I only work on chord progressions when I have an instrument in my hand. It’s harder to get a melody down ­before it floats away. When I’m in the car and I’m really stuck on ­laying ­something down, I call my own voicemail. I should probably just get a plaid jacket and carry a dictaphone!


ME: You’ve worked often with Rebecca Ramone. How would you describe your relationship? JB: We are cheerleaders for each other and we have the skirts to prove it! Rebecca is one of the few people who I can bounce things off of ­before they are done. She knows me and always encourages me to nurture my vision. She is constantly pushing her own boundaries and becoming more defined in her sound. I find that inspiring. It’s tough living in a different city now that Rebecca has relocated to Toronto, but we make up for it when we get to see each other on tour. ME: Did your guest appearances on new CDs by Sean Verrault, Sherry ­­St. ­Germain, and Rebecca change your own songs? JB: Good call. Shaun’s style of playing definitely brought a lot to the sound of the record. He had worked with the producer quite a bit so they had a real chemistry. Shaun was also very giving and took the time to understand the songs like only a writer can. He did “Stronger Man” in one take. We recorded a backup ­version but what we used on the record was done in one go after a ten minute jam in the live room. Sherry was in the studio next door and we had the pleasure of getting her to jump in one night and lay down some harmonies. I always wanted Rebecca to be on the record because she was doing most of those songs live with me. In the past, I’ve always done my own backgrounds so it was a luxury to have such ­lovely ladies accompany me on this record. ME: Your live shows always feature a re-arranged cover song or two. How do you go about choosing these? JB: It’s regional: Johnny Cash for Lethbridge, Katy Perry for Calgary, MGMT for Toronto, Dixie Chicks for Saskatoon, and Tom Waits at home. ME: Have you ever literally fallen in love with a piano? JB: Oh yes. It lives in Germany and I think it’s worth about two million dollars. When I went over to play the Reeperbahn Festival in Hamburg, my drummer/road manager/security guard (isn’t that always the way?) found me a recital hall in a music store where I could rehearse for the show. I could have slept under this piano. ME: You just finished recording the beds for some new material with Jeff ­Dawson producing (Daniel Powter, State of Shock). What was the experience like? JB: Awesome. A ten-hour day felt like five minutes. I really enjoy working with Jeff. I was a little intimidated by some of his credits, but he totally put me at ease when we started co-writing one of the tracks last year. He has a way of provoking the best out of the song. ME: What can we look for from Jessica Beach in 2010? JB: I’ve worked hard writing, recording, and touring for Sticky Hands and For Your Protection. Now there is a big focus on licensing and publishing ­opportunities for the catalogue. I’m definitely excited about writing and ­continuing to work with Jeff Dawson; the demos should be ready in the summer. But my ­number one item this year is attending the Juno Fest in St. John’s! n 14 muzik etc

ME : Vous avez souvent travaillé avec Rebecca ­Ramone. Comment décririez-vous votre relation ?

Photo: Blair Polischuk

JB: Don’t forget Thai Kickboxing! Best thing ever to take on the road: focus mits, hand wraps, and boxing gloves. Don’t leave home without them. That’s the part that keeps me balanced and ­prevents me from becoming part of my couch. It also keeps me strong so I can haul my own gear and carry my drummer back to the van when he’s sleepy. I don’t really sing to my fitness clients; it’s more of a gentle yell.

JB : Nous sommes des pom-pom girls l’une pour l’autre et nous avons les jupes pour le ­prouver ! Rebecca est une des rares ­personnes avec ­laquelle je peux discuter de mes trucs en cours avant de les peaufiner. Elle me connaît et ­m’encourage toujours à nourrir ma vision. ­Elle-même ­repousse constamment ses limites et son son se définit de plus en plus. Je trouve cela inspirant. Mais depuis qu’elle est déménagée à ­Toronto, je trouve difficile de vivre dans une autre ­ville ­qu’elle, mais nous rattrapons le temps perdu ­lorsque nous nous voyons en tournée.

ME : Est-ce que le fait d’avoir été invitée sur les nouveaux albums de Sean Verrault, Sherry  St.  Germain et Rebecca ont changé vos propres chansons ? JB : Bonne question. Le style de Shaun a beaucoup contribué au son de ­l’album. Il avait déjà une vraie chimie entre lui et le producteur, puisqu’ils avaient déjà beaucoup travaillé ensemble. Shaun a aussi été très généreux et il a pris le temps de comprendre les chansons en tant qu’auteur. Il a ­réalisé ­« ­Strong­­er­­ Man­ » en une seule prise. Nous avons enregistré une deuxième ­version au cas où, mais ce que nous avons utilisé sur l’album a été fait en une seule fois après avoir répété seulement dix minutes. Sherry enregistrait juste à côté et un soir, nous avons eu le plaisir de l’avoir avec nous pour enregistrer quelques harmonies. J’ai toujours voulu que ­Rebecca se retrouve sur l’album puisqu’elle avait déjà fait la plupart des chansons en spectacle avec moi. Dans le passé, j’ai toujours été ma propre choriste, alors ce fût tout un luxe pour moi d’être accompagnée par d’aussi charmantes dames sur cet album. ME : Lors de vos spectacles, vous interprétez toujours une ou deux chansons de quelqu’un. Comment les choisissez-vous ? JB : J’y vais selon l’endroit : Johnny Cash pour Lethbridge, Katy Perry pour Calgary, MGMT pour Toronto, Dixie Chicks pour Saskatoon et Tom Waits à la maison. ME : Cela vous est-il déjà arrivée de tomber littéralement amoureuse ­­d’un ­piano ? JB : Oh oui ! Il se trouve en Allemagne et je crois qu’il doit valoir deux ­millions de dollars ! Quand j’ai joué au festival Reeperbahn à Hambourg, mon ­batteur/gérant de tournée/garde de sécurité (N’est-ce pas toujours comme ça ?) m’avait trouvé une salle de récital dans un magasin de musique où je pouvais répéter pour le spectacle. J’aurais bien dormi sous ce piano. ME : Vous venez de terminer l’enregistrement des pistes de base de nouveau matériel avec le producteur Jeff Dawson (Daniel Powter, State of Shock). Comment a été l’expérience ? JB : Géniale ! Les journées de dix heures me semblaient passer en cinq ­minutes. J’aime beaucoup travailler avec Jeff. J’étais un peu intimidée par certains de ses accomplissements, mais il m’a totalement mise à l’aise ­lorsque nous avons travailler ensemble sur une pièce l’année dernière. Il a une ­façon de faire sortir le meilleur d’une chanson. ME : À quoi pouvons-nous nous attendre de Jessica Beach en 2010 ? JB : J’ai travaillé fort à écrire, à enregistrer et à tourner avec Sticky Hands et For Your Protection. Maintenant, je dois me concentrer sur ­l’autorisation ­d’exploitation et les opportunités d’édition pour le catalogue. Je suis très ­emballée quant à l’écriture et à l’idée de continuer de travailler avec ­Jeff ­Dawson ; les démos devraient d’ailleurs être prêts cet été. Mais j’ai tout particulièrement hâte d’assister au Juno Fest à St. John ! n www.jessicabeach.com


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By / Par : Alex Cattaneo Traduction : Traduction B&B

Rebuilding the Q ­ uintessential Telecaster

T

he Telecaster is one of the most popular models in the short ­history of the electric guitar. From the legendary riffs of ­Keith Richards to the unmistakable twang of James Burton to the ­bluesy stylings of Muddy Waters, the “Tele” can be found in any genre in which electric guitar is deemed necessary. I initially started playing a Telecaster when I began studying country ­music. You can’t expect to be taken seriously on a country session without at least one Tele. At the time, every major name in country guitar, including the likes of ­Albert Lee, Pete Anderson, Jerry Donahue, and James Burton, seemed to be playing one. Although some of those artists have moved on to sponsorship deals with other brands, the Telecaster remains at the heart of their signature sound.

La

reconstruction de la

classique

L

­Telecaster

a Telecaster est l’un des modèles les plus populaires dans la courte ­histoire des guitares électriques. Des riffs légendaires de Keith ­Richards, en ­passant par l’indubitable son de corde pincée de James Burton, jusqu’aux structures du genre blues de Muddy Waters, nous pouvons percevoir la « Tele » peu ­importe le style de musique dans ­lequel ­l’emploi de la guitare électrique est jugé nécessaire. Au tout début, je jouais avec une Telecaster lorsque j’ai ­commencé à étudier la musique country. ­Durant une séance de musique country, vous ne pouvez pas vraiment être pris au sérieux sans au moins une « Tele ». À ­l’époque, toutes les grandes ­vedettes jouant de la guitare country, y compris des gens ­comme ­Albert  Lee, Pete ­Anderson, Jerry Donahue et James Burton ­semblaient jouer avec une « Tele ». Bien que certains de ces artistes aient des contrats de ­commandites avec des ­produits d’autres marques, la Telecaster demeure au cœur de leur s­ ignature sonore.

16 muzik etc

Over the years, I have enjoyed dismantling and putting back ­together s­ everal Telecasters. I’d like to help you do the same. That’s why next issue I’ll begin sharing tips on how to patch together a custom tele. It might seem a bit dodgy, putting a musical instrument together in bits and parts, but the Telecaster was actually conceived this way. Leo Fender wanted to make an instrument that could be mass-produced at a cheap cost. Furthermore, a modular design made the ­Telecaster easy to service. If something was wrong with the neck, for ­example, all you had do to was unscrew four bolts and swap necks. The electronics were similarly no-fuss. It begs the question: Why does an easily manufactured instrument carry a price tag of $1800, especially when the Telecaster is still one of the ­cheapest guitars to produce? The answer lies in the prestige conferred by the

Au fil des ans, je me suis amusé à désassembler et à réassembler p­ lusieurs ­Telecasters. J’aimerais bien vous aider à faire de même. Pour ­cette ­raison, dans la prochaine édition, je commencerai à partager des conseils sur la façon d’effectuer un montage d’une « Tele » personnalisée. Cela peut ­sembler un peu ­risqué, ­assembler un instrument de musique de toutes pièces, cependant, en ­réalité, la Telecaster a été conçue ainsi. Leo Fender ­désirait ­fabriquer un instrument qui puisse être ­produit en quantité ­industrielle, à un coût abordable. De plus, sa conception ­modulaire la rendait ­facile ­d’entretien. S’il y avait un problème avec le manche, par exemple, vous n’aviez qu’à ­enlever quatre vis et changer de ­manche. L’électronique était également sans ­tracas. On peut se poser la question suivante : Pourquoi est-ce qu’un instrument ­facile à fabriquer porte une étiquette à un prix de 1 800,00 $, ­surtout quand la ­Telecaster est encore l’une des guitares les moins chères à


likes of Bruce Springsteen, George Harrison, Joe Walsh, and Andy ­Summers, who turned the Telecaster into a household name, a respected brand, and an industry in and of itself. But do you get your money’s worth? That’s certainly debatable. Let’s ­consider, for instance, the Telecaster body. It was constructed from swamp ash until 1956, when Fender began using alder—except on the blond ­finish ­model, which retained the ash body. Swamp ash is the more desirable wood and ­reflects the discriminating nature of classic guitar ­makers. Perhaps more ­palpable ­evidence is the weight: old Teles and Strats were ­incredibly light. Not these days. They’re heavy and, as I’ve discovered, heavy means more rigid, dense, and, ­accordingly, dull and lifeless. Danny ­Gatton, the ­“Telemaster” himself, ­established that the ideal weight for a naked ­Telecaster body is ­approximately 4  pounds. ­Although ­today’s alder may be more consistent than ash, that’s no justification for a contemporary ­Telecaster body to exceed the benchmark four pounds and a few ounces. I challenge you to find such a guitar in a retail store today. I recently obtained a fully-finished Telecaster body, with no hardware ­attached, weighing 3 lbs, 14 ounces! After affixing the neck, tuners, pickups, bridge, and so on, the instrument tipped the scales at a mere 6lbs, 9 ounces.

p­ roduire ? La ­réponse réside dans le prestige conféré par des gens comme Bruce S­pringsteen, George Harrison, Joe Walsh, and Andy Summers, qui ont ­rendu la Telecaster célèbre, digne de respect, et véritablement une industrie en ­elle-même. Néanmoins, en avez-vous pour votre argent ? C’est certainement discutable. Par exemple, prenons en considération la caisse de la ­Telecaster. Jusqu’en 1956 elle était confectionnée avec du frêne, jusqu’à ce que ­Fender ait ­commencé à ­utiliser l’aulne—sauf sur le modèle avec une finition ­blonde, qui a conservé la caisse en frêne. Le frêne est le bois le plus désirable et il ­satisfait toutes les ­exigences des fabricants de gui­tares classiques. ­Peut-être un exemple plus ­évident est le poids : les anciennes ­Telecasters et ­Stratocasters étaient excessivement légères. Ce n’est plus le cas. ­Elles sont lourdes, et j’ai remarqué que lourdes veut dire plus rigides, denses, et par conséquent, ternes et sans vie. Danny ­Gatton, le « ­maître des ­Teles » ­lui-même, a établi que le poids idéal pour une caisse nue de ­Telecaster est ­d’environ 4 livres. Bien que l’aulne d’aujourd’hui soit plus dense que le frêne, cela ne justifie en rien le fait que la caisse d’une ­Telecaster contemporaine ­excède le poids standard de 4 livres et quelques onces. Je vous lance le défi de ­trouver une telle guitare chez un détaillant aujourd’hui. Je possède présentement une caisse de Telecaster complète avec ­finition, et sans y avoir ajouté de pièce d’appoint, elle pèse 3  livres, 14 ­onces ! Après avoir posé le manche, les accordeurs, les micros, le chevalet et ­ainsi de suite, l’instrument ne pèse pas moins que 6 livres, 9 ­onces.

I’ve seen current Fender bodies, devoid of hardware, which weigh as much as my ­fully assembled guitar! The Telecaster design ­allows us to mix and match. Ebay enables us to ­purchase from a vast selection of after-market ­bodies, necks, ­boutique ­pickups, and ­generic hardware. You would be out of your mind to spend more than $1000 on two pieces of wood and ­s­hoebox ­half-full of metal and wire, made in the USA or not. Some will argue that the ­hardware and pickups are superior on ­American-made ­Fenders. Be that as it may, if you really care about quality, you could start with a cheap ­Squier and ­upgrade it with the finest boutique pickups and the best hardware on the market (Fender or otherwise) for less than 400$. And I’m here to show you how. Next time around I’ll reveal all my secrets and we’ll build your dream ­Telecaster. Until then, you can learn more about wood attributes at: ­­www.jemsite.com­/jem/wood.htm n­ Alex Cattaneo knows guitars inside and out, quite literally. He also plays them brilliantly, often performing his own compositions. Incidentally, ­Alex’s opinions do not necessarily reflect those of the staff or publisher of ­Muzik Etc magazine.

J’ai vu des ­caisses de ­Fender, dépourvues d’équipement, du même poids que ma guitare qui est complètement assemblée ! La conception de la Telecaster nous permet d’effectuer ­différentes ­combinaisons d’équipement. Il est possible de se procurer une ­vaste ­sélection de ­caisses ­usagées, des manches, des micros haut de gamme, et des ­pièces d’appoint ­génériques sur Ebay. Il serait complètement ­ridicule de ­débourser plus de 1 000,00 $ pour deux morceaux de bois et une boîte de souliers à ­moitié pleine de métal et de filage, qu’ils soient fabriqués aux ­États-Unis ou non. Certains diront que les ­pièces d’appoint et les micros sur les ­Fenders ­fabriquées aux États-Unis sont de ­qualité ­supérieure. Quoi qu’il en soit, si vous vous souciez vraiment de la qualité, vous pourriez commencer avec une Squier bon marché et l’actualiser avec les micros les plus raffinés et les meilleures pièces d’appoint sur le marché (Fender ou autre) pour moins de 400,00 $. De plus, je suis ici pour vous montrer comment le ­faire. Une prochaine fois, je vous révélerai tous mes secrets et nous pourrons construire la ­Telecaster de vos rêves. Jusque-là, vous pouvez vous renseigner sur les différents ­types de bois et leurs propriétés à l’adresse courriel suivante : www.jemsite.com/jem/wood.htm n Alex Cattaneo connaît les guitares sur toutes leurs coutures, littéralement. Il en joue également avec brio, et performe souvent ses propres compositions. ­Incidemment, Alex ne partage pas forcément les mêmes opinions que celles du p­ ersonnel ou de l’éditeur du magazine Muzik Etc.

muzik etc 17


By / Par : Gerry Griffin Traduction: Jim Angelillo

Follow the ­Rumble in your Gut or Live with the Hiss

Suivez votre ­instinct ou ­acceptez la ­sibilance

Y

V

ou know when you have a gut feeling that ­urges you to act but, instead, you defer to ­someone’s better judgment? That’s what ­happened to me in November when wrapping up an ­album of my ­acoustic music. There were several ­occasions when sibilance marred otherwise great vocal tracks. I ­reckoned—no I  knew—I should have isolated those tracks, tweaked them, then remixed the project. My ­partner, however, ­assured me he could dispose of the ssss in the mastering stage. You guessed it. The mastering’s done and the ssss is still there! Okay, a wee bit’s gone, rather like snagging a net full of locusts from an invading swarm. And ­insult to ­injury, the bits of sibilance that vanished have been ­replaced by odd low-end gurgling, pumping, phase aberrations, and weird artifacts. None of these may have been problematic when heard through my partner’s ­NS-10s but they hiss like a rattler when monitored through my ­Dynaudio Air-20s or ­Tannoy Golds. I was forced to do what my gut told me in November ought to have been done. In five days, my CD was due at the manufacturing plant. In a subsequent issue, you’re going to hear from a mastering expert on what he can do for you providing you’ve held up your end of the bargain. This issue you’re going to hear the echo of loud curses that preceded me ­resetting my studio and remixing in a tight time frame.. In future I will listen to my gut. It’s not all hot air down there.

18 muzik etc

otre instinct vous pousse à agir dans une direction, mais vous vous fiez plutôt à l’opinion d’un autre. C’est ce qui m’est arrivé au mois de novembre quand je ­terminais l’enregistrement d’un album de ma musique ­acoustique. Plusieurs portions des pistes vocales étaient gâchées par des sons sibilants. J’ai estimé, non, j’ai su que j’aurais dû isoler ces ­pistes, les régler ensuite, et puis remixer le projet. Toutefois, mon partenaire m’a ­assuré qu’il pourrait éliminer les ssss à l’étape du ­matriçage. Vous aurez deviné qu’une fois le matriçage terminé, les ssss étaient toujours présents! Bon, j’admets qu’il y en a un peu moins, comme si l’on avait utilisé un filet lors d’une invasion de ­sauterelles. Et pour rendre la situation encore plus tannante, les ­portions de sons sibilants qui ont été éliminées ont été ­remplacées par d’étranges gargouillements graves, des aberrations de phases et des artéfacts bizarres. Aucun de ces bruits n’était ­audible dans les NS-10 de mon partenaire, mais ils devenaient de véritables ­crachements de serpent lorsqu’écoutés dans mes ­Dynaudio ­Air-20s ou mes Tannoy Golds. J’ai donc été forcé de faire ce que mon instinct m’avait ­dicté en novembre. Et en plus, dans cinq jours, mon CD devait être ­gravé et produit en usine. Dans un prochain numéro, vous pourrez lire les propos d’un ­expert en matriçage sur ce qu’il peut faire pour si vous avez tenu votre engagement. Dans cet article, par contre, vous allez ressentir l’écho des injures qui ont précédé le remontage de mon studio et le remixage que j’ai effectué dans un court laps de temps. À ­l’avenir, je me fierai sur mon instinct. C’est bien plus qu’une ­opinion !


Fixing Lisps in the Mix

I should emphasize the mix was otherwise good, speaking of time, tuning, ­instrumental tracks, and balance. All I had to do was hit the vocals. The first step was to ­manually de-ess the lead vocal using software volume ­envelopes, which duck the volume at the beginning of the sibilant sections. I have never ­fancied ­de-essing vocal tracks but, if all else fails, the tools can do a credible job. You have to be careful not to overdo it or the ­offending s and t sounds begin to ­resemble th. You can hear ­examples on current television commercials for hair care or ­fashion items, in which voice-overs were originally de-essed, remembering that a ­de-esser is simply a chain ­consisting of an EQ and a limiter. The EQ allows only “sibilant frequencies” to hit the limiter, which will nip them in the bud. The ­problem arises when broadcasters further compress and limit all material they air. Too much of a good thing, in this instance compressing/limiting, cause once smooth ­consonants to “lisp”.

Go Back in a Flash

Fortunately, in the digital world we enjoy a recall function that enables us to go back directly to the final mix. We then route the tracks through the ­analog console at unity gain across the board and plow it through the mix bus to a burner. Perform a simple de-essing on the offending vocal portions and we’re done.

Comment réparer les ­zézaiements dans le ­mélange

Je devrais préciser qu’à part ce problème, le mélange était bon, ­question tempo, accordement, pistes instrumentales et équilibre. Je n’avais qu’à ­retravailler les voix. La première étape consistait à ­éliminer les sons ­sibilants de la piste de la voix principale en utilisant des ­enveloppes de ­volume ­virtuelles qui baissent le volume au début des sections ­sibilantes. Je n’ai jamais vraiment aimé utiliser ce genre d’outil sur des ­pistes ­vocales, mais, si rien d’autre ne fonctionne, ça peut ­faire un travail ­crédible. Il faut ­faire attention de ne pas trop en mettre, car les ­sonorités offensantes s et t ­commenceront à ressembler à th. On peut entendre ce ­phénomène dans ­plusieurs publicités ­télévisuelles de produits pour les cheveux ou ­d’articles de mode dans lesquelles on a ­éliminé les sons sibilants des voix hors champ. Il faut se rappeler que ce type d’outil est tout simplement un ­correcteur de ­fréquences et un ­limiteur. Le correcteur permet aux ­« fréquences ­sibilantes » seulement de se heurter au limiteur, ce qui les élimine dès le début. Le ­problème ­surgit lorsque les diffuseurs compressent et limitent les documents qu’ils diffusent. Trop d’une bonne chose, dans ce cas-ci un ­­compresseur/­limiteur, transforme des consonnes parfaitement formées en sonorités ­zézayantes.

Revenez sur vos pas

Heureusement, le monde numérique nous offre la possibilité de revenir ­directement au mix final. On redirige ensuite les pistes dans la console analogique avec un gain unitaire sur chaque piste et puis dans le bloc de ­mélange vers un graveur. On élimine simplement les sons sibilants sur les portions de ­pistes vocales touchées et c’est fait.

When mixing be patient and stick to your integrity. If something jerks you off track—grabs your attention—your gut will tell you ­something’s wrong. Pay heed to that micro-second of sibilance, two-bar passage, or odd feeling bridge. Fix it. The listener should be able to sit comfortably and hear your artistic creation from beginning to end without being distracted. ­Sibilance is just one of the glitches you can address. There are many others you can repair, ideally before mixing and mastering. When it comes to mixing, beware of gain staging. That is, don’t ­compress everything that moves. Instead spend time seeking out ­musical ­niceties—little trills or harmonics—that have been “washed over” by ­competing frequencies. Bring these little gems forward individually with your fader; don’t invoke blanket compression. When you over-compress you risk throwing out the baby with the bathwater. Pay attention to detail. After all, you’ve written the material and you’ve recorded it. If you allow some hiss or pop to get through to the ­album, it’ll haunt you forever. So let’s strap on our best ears and above all have fun. n Gerry Griffin is a singer/songwriter/multi-instrumentalist/producer who works out of Renegade Music, Val des Monts, QC. Visit his Web site and check out if he met the deadline for pressing his new album, ­Moment to ­Moment: www.gerrygriffinmusic.com

Il faut être patient durant le mixage et ne pas s’éloigner de notre ­ligne maîtresse. Si quelque chose nous mène vers un autre chemin, ou ­capte ­notre attention, notre instinct nous dira que quelque chose ne va pas. Ne ­négligez pas cette micro-seconde de sibilance, ce passage de deux ­mesures ou ce raccord étrange. Arrangez-les. Bien assis, l’auditeur devrait être en ­mesure d’écouter votre création du début à la fin sans se faire distraire. Les sons ­sibilants ne sont qu’un type de pépin que vous pouvez remédier. Il en ­existe beaucoup d’autres que vous pouvez ­réparer, idéalement avant le mixage et le matriçage. Et quand vient le temps de faire le mixage, méfiez-vous de la mise en étape du gain (gain staging), c’est-à-dire, n’appliquez pas de la ­compression sur tout ce qui bouge. Prenez le temps de déceler des ­petits bijoux musicaux, de petits trilles ou des harmoniques, qui ont été e­nterrés par des ­fréquences concurrentes. Mettez ces petites ­perles de l’avant de façon ­individuelle avec votre équilibreur ; ne mettez pas en place une ­compression générale. ­Lorsque vous appliquez trop de ­compression, vous risquez de perdre le bébé avec l’eau du bain. Portez attention aux détails. Après tout, vous avez composé les chansons et vous les avez enregistrées. Si vous laissez des sons ­sibilants ou des petits bruits secs se rendre jusqu’au produit final, ça vous hantera pour toujours. Donc, ouvrez bien grand les oreilles et surtout, amusez-vous ! n Gerry Griffinest un auteur-compositeur, instrumentiste et réalisateur qui travaille chez Renegade Music, à Val des Monts, Québec. Rendez-vous sur son site Web pour savoir s’il a réussi à remettre sa musique à temps pour le ­pressage de son nouvel album, Moment to ­Moment: ­­www.gerrygriffinmusic.com

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By / Par : Jeffrey Gunn Traduction : Traduction B&B

Evolving Rhythms for Guitar:

M

usical expressions on the guitar are dependent upon two variables: notes and rhythm. Notes and rhythm exist in a symbiotic relationship. All notes are manifested as rhythmic expressions. The effect of these notes/expressions is a function of the duration of each note and the space left between each note. Over the centuries, musicians across the globe have developed musical languages that express rhythmic values and relationships. Values have been ­assigned to whole notes, half notes, and quarter notes. While the ­concept of the whole note is universal (it fills an ­entire ­measure), the value is framed by the time signature. A whole note in 4/4 will sustain all four counts; in 2/4 a whole note lasts only two counts. Whether written down, as in ­western music, or passed down through the generations by means of clapping or singing, as in most folkloric genres, time signatures encompass a ­myriad of ever-shifting rhythms—rhythmic ­variables—that will ­enhance musical expression. An effective starting point for thinking about rhythm is to select a familiar song and listen for repetitive rhythmic patterns and rests. Listen to various instruments and their part in the whole, whether played solo, by certain instruments in unison, or by the entire band. Play along and transcribe these rhythms. Ask yourself: When the bass is playing quarter notes what is the guitar playing? Which beats are accented? A useful exercise for thinking about rhythmic variation is to create a four-chord progression. Next, apply the ­following variants: increase or shorten the duration of each chord; ­repeat a selected rhythm; apply mirroring rhythms, meaning that you should state a rhythm and immediately repeat it in inverted form in the next measure. Add notes, subtract notes, displace notes by adding rests, and create a more emphatic pulse by strumming stronger. By using these rhythmic variables, we gradually develop a ­personal ­rhythmic style. We see this evolution in reggae, bossa nova, soul, funk, gospel, and Motown rhythms. The musical context is itself a rhythmic variable since it determines the appropriate rhythms to apply. Each specialized part we are composing, including the ­melody, ­harmonic progression, hooks, shots, and solo ­sections, must complement the song judged as a whole. Instrumentation is also a ­factor. The tonality of each ­instrument and its role, lead or supportive, will ­affect the rhythms we apply. In all ­instances, “feel out” the rhythm in various time signatures and play what comes ­naturally. The following exercises illustrate a variety of ways in which to encourage evolution in our personalized rhythms.

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muzik etc

Part One Exercise 1A

Play the A using the suggested rhythms. Experiment with other rhythms and notes in all positions.

Exercise 1B

Play the A-minor chord using the suggested rhythms. Experiment with other rhythms and chords in all positions.

Exercise 2A

Play the rhythms while thinking melody.

Exercise 2B

Play the rhythm and think chordal rhythmic progression.

Exercise 2C

Play the solo line. Think of imaginative ways to alter solos using ­­­bas­ic rhythms.

Exercise 2D

Play the rhythm and think shot section.

Exercise 3A

Mirror measure 1 in measure 2.

Exercise 3B

Displace the rhythm stated in measures 1 and 2 by adding rests and ties in measures 3 and 4.

Exercise 3C

Expand the duration of the note values in measures 2 and 3.

Exercise 3D

Shorten the note values in measures 3 and 4.

Exercise 4A

Switch the time signature in measure 3 applying the identical rhythm, noting how it sounds in varying time signatures.

Exercise 4B

Play the progression while switching from 6/8 to 4/4.

Exercise 5A

Apply accents as a way of altering the rhythmic personality of the ­­chord progression. Exercises can be found on muziketc.ca in the archives section. In parting, see what other ways you can alter the rhythm of a selected chord progression or solo. Take a snare drum part for marching band and substitute a ­single guitar note or a single chord for each hit (or roll). This will foster good sight reading and rhythmic sensitivity. n


Le développement des rythmes pour la guitare :

­première partie

L

es expressions musicales sur la ­guitare ­dépendent de deux variables : les notes et le ­rythme. Les ­notes et le rythme forment une ­relation ­symbiotique. Toutes les notes se manifestent par des expressions rythmiques. ­L’effet des ces ­notes/expressions est en fonction de la ­durée de chaque note et de l’espace ­restant ­entre chacune de ces notes. Au fil des ­siècles, les musiciens à travers le monde ont ­développé des langages musicaux qui expriment des ­valeurs rythmiques et des relations. Des ­valeurs ont été affectées à des notes complètes, des ­demi-notes, des quarts de notes. Puisque le concept de la note complète est ­universel (il remplit une mesure entière), la valeur est attribuée par la fraction indiquant la mesure. Une note complète en 4/4 ­durera quatre temps ; en 2/4 une note ­complète ne dure que deux temps. Que ce soit par écrit, comme dans la musique ­occidentale, ou transmis à travers les ­générations par le biais d’applaudissements ou en chantant, comme dans la plupart des genres folkloriques, le temps renferme une myriade de rythmes en constante évolution—de variables rythmiques—qui ­rehausseront l’expression musicale. Une façon efficace de débuter une réflexion sur le rythme est de ­choisir une chanson connue et d’écouter les motifs rythmiques répétitifs et les ­silences. Écoutez les différents instruments et leur part dans l’ensemble, qu’ils soient joués en solo, par certains instruments en unisson, ou par toute la bande. Jouez en même temps et transcrivez ces rythmes. Posez-vous la question suivante : Lorsque la basse joue des quarts de notes, quel est le rôle de la guitare ? Quel accent met-on sur les battements ? Dans le but de réfléchir sur la variation des rythmes, un exercice utile est de créer une progression de quatre accords. Ensuite, appliquez les variations suivantes : allongez ou réduisez la durée de chaque accord ; répétez un rythme sélectionné ; appliquez des rythmes à effet miroir, c’est-à-dire, vous choisissez un rythme et vous le répétez immédiatement de façon inversée dans la mesure suivante. Ajoutez des notes, retirez des notes, déplacez des notes en ajoutant des silences, et créez une pulsation plus prononcée en grattant plus fort. En se servant de ces variables rythmiques, on développe un style rythmique personnalisé. Nous pouvons observer cette évolution dans le reggae, le bossa nova, le soul, le funk, le gospel et les rythmes Motown. Le contexte musical constitue une variable rythmique en lui-même puisqu’il détermine les rythmes appropriés à appliquer. Chacune des parties spécialisées que nous composons, incluant la mélodie, la progression harmonique, les crochets, les coups, et les sections solos, doivent être des compléments à la chanson jugée dans son ensemble. L’emploi des instruments est également un critère. La tonalité de chaque instrument et son rôle, principal ou secondaire, affectera les rythmes que nous appliquons. Dans tous les cas, « ressentez » le rythme dans les fractions indiquant la mesure et jouez ce qui vous inspire naturellement. Les exercices suivants suggèrent différentes façons d’encourager l’évolution dans nos ­rythmes personnalisés.

Exercice 1A

Jouez le FA en utilisant les rythmes suggérés. Expérimentez avec d’autres rythmes et accords dans toutes les positions.

Exercice 1B

Jouez l’accord FA mineur en utilisant les rythmes suggérés. Expérimentez avec d’autres rythmes et accords dans toutes les positions.

Exercice 2A

Jouez les rythmes en pensant à la mélodie.

Exercice 2B

Jouez le rythme en pensant à la progression rythmée des accords.

Exercice 2C

Jouez la ligne en SOLO. Pensez à des façons créatives de modifier les ­SOLOS en utilisant des rythmes de base.

Exercice 2D

Jouez les rythmes et pensez à une partition de groupe.

Exercice 3A

Inversez la mesure 1 dans la mesure 2.

Exercice 3B

Déplacez le rythme mentionné dans les mesures 1 et 2 en ajoutant des silences et des liaisons dans les mesures 3 et 4.

Exercice 3C

Augmentez la durée des valeurs des notes dans les mesures 2 et 3.

Exercice 3D

Réduisez la valeur des notes dans les mesures 3 et 4.

Exercice 4A

Changez la fraction indiquant la troisième mesure en utilisant les rythmes identiques, tout en prenant note de la sonorité en modifiant les fractions indiquant les mesures.

Exercice 4B

Jouez la progression tout en changeant de 6/8 à 4/4.

Exercice 5A

Appliquez des accents de façon à modifier la personnalité rythmique de la progression des accords. Vous trouverez les exercices dans la section archives sur muziketc.ca. En terminant, observez d’autres façons de modifier un rythme sélectionné d’une progression d’accords ou d’un SOLO. Prenez une partition de caisse claire de fanfare et substituez une seule note de guitare ou un accord pour chaque battement (ou roulement). Ceci stimulera la lecture ainsi qu’une sensibilité au rythme. n

muzik etc 21


By / Par : Ayman Ibrahim Traduction : Jim Angelillo

When Good Instruments Go Bad, Stage to Studio

Tirer le mieux de votre instrument, de la scène au studio

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rying to capture what musicians want to hear is a big deal. Often, confusion and frustration set in before a single note is recorded. If the musician/producer/ engineer do not understand how to manipulate key factors such as acoustics and dynamics—without resorting to software—the session could be botched. I’d like to offer a few tips from my expe­ rience. The theme is that you should understand the inner workings and capacities of your instrument before recording. Guitars and basses are made from diverse woods. The age of a particular wood variety, inasmuch as the instrument is a “onepiece” a “set-neck” or “bolt-on”, and the finish, which could be lacquered, sprayed, or even partly wrapped, will affect the sustain, resonance, and tone. Then there’s the resonating chamber. In some electric guitars, such as the Gibson Les Paul Studio, the chamber is a hidden, hollowed out portion of the body. It affords increased resonance. In general, instruments constructed from older, heavier woods exhibit focused, mellow sounds, whereas lighter, harder woods can promote upper mid frequencies and give more “bite”. Be meticulous when examining your instrument. Listen to it speak and note the way it reacts to other instruments in the same room—particularly acoustic guitars and upright basses. Woodwinds are commonly made from exotic woods and metal: think oboe vs. flute. Remember that they’re plated with a variety of metals, each with its own characteristics. Each seems to favor a particular wood variety for eliciting warmth. Another aspect to note when recording is the position of the bell—­pointing

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e grand défi est de réussir à capter ce que les musi­ ciens veulent entendre. Souvent, il y a confusion et frustration bien avant que la première note soit enregistrée. Si le musicien, le réalisateur et le technicien ne savent pas comment manipuler certains facteurs clés, comme l’acoustique et les dynamiques, sans faire usage de logiciels, la session d’enregistrement pourrait être bâclée. J’aimerais vous offrir quelques trucs provenant de mon expérience. L’idée est que vous ­devriez ­comprendre le fonctionnement interne et les capacités de votre instrument avant d’enregistrer. Les guitares et les basses sont fabriquées à partir de différentes essences de bois. L’âge d’une essence particulière, dans la mesure où l’instrument est entièrement fait d’une pièce de bois, a un manche collé ou vissé, et la finition, que ce soit une laque, une peinture vaporisée ou même un revêtement partiel, affecteront la durée de note, la résonnance et la tonalité. Certaines guitares électriques, comme la Gibson Les Paul Studio, ont une chambre de résonnance cachée, creusée dans une portion de la caisse. Cela augmente leur résonance. En général, les instruments fabriqués à partir de bois plus âgé et plus lourd produisent une sonorité plus concentrée et feutrée, tandis que les bois plus légers et durs tendent à produire une sonorité qui a plus de mordant, ­riche en fréquences médianes. Soyez méticuleux en examinant votre instrument. Écoutez-le parler et notez la façon qu’il réagit aux autres instruments dans la même pièce, particulièrement les guitares acoustiques et les contrebasses.

downward as in the oboe or parallel to the ground, as in the flute. With this in mind, explore the differences in projection and the implications regarding mic positioning. Perhaps the hardest to record, the drumset, is the number one cause of arguments that end in property damage. Drums are usually made of maple, birch, beech, poplar, and other common hardwoods, although exotic rainforest woods are now more popular. In addition, there are good sounding aluminum, carbon fiber, and clear plastic drums. When recording, head selection is critical, as is tuning and muffling. Trying to achieve more sustain from a thick batter head can be a matter of using a thinner bottom head or simply tightening the existing resonating head. One problem is that of the drummer going for projection, sustain, and brilliance from a kit that has “fat” characteristics. The reverse holds true, as well, witness a dry, fat sounding drum attempting to yield brilliant harmonics. The more “open” a drum sounds, the more engineers are mystified. Attempting to achieve the punchiest but deadest signal, they invariably insist on the drummer removing the front head. Then they stuff the drum full of blankets and pillows.

Get the Sound Right, Live off the Floor

If your instrument is already dark in tone you may want to avoid tracking through a “beefy” amp. Why waste time ­struggling to

Les instruments à vent en bois sont habituellement fabriqués à partir de bois exotiques et de métal; pensez au hautbois par ­opposition à la flute. Rappelez-vous qu’ils sont plaqués avec une ­variété de métaux, chacun d’eux ayant ses caractéristiques propres. Chaque instrument semble favoriser une essence de bois particulière pour produire une sonorité chaleureuse. Un autre ­aspect à noter lors d’un enregistrement est la position du pavillon, pointant vers le bas dans le cas du hautbois ou parallèle au sol pour la ­flute. Ayant cela en tête, explorez les différences de projection et les implications du placement du microphone. Étant probablement l’instrument le plus difficile à enregistrer, la batterie est la première cause de disputes qui se terminent en catastrophe. Les tambours sont habituellement faits d’érable, de bouleau, de hêtre, de peuplier ou d’un autre bois dur commun, mais on trouve aujourd’hui de plus en plus de tambours faits de bois venant des forêts tropicales. Et il y a aussi des batteries en aluminium, en fibre de carbone et en plastique transparent qui sonnent très bien. Lors d’un enregistrement, le choix des peaux est critique, tout comme l’accordement et l’assourdissement. Pour obtenir une meilleure longueur de note avec une peau de ­frappe épaisse, il s’agit peut-être d’utiliser une peau inférieure plus ­mince ou simplement de serrer la peau inférieure déjà installée. Ça devient problématique lorsqu’un batteur cherche à soutirer de la projection, de la longueur de note et de la brillance d’une batterie qui produit une sonorité qu’on pourrait qualifier de « ­grasse ». L’inverse est également un problème; essayer de ­soutirer des

muzik etc 23


brighten your sound when all you need to do is swap amps? Don’t play favorites; use what’s going to work immediately. Endorsers do this all the time and it’s an industry ­secret: they put aside their advertised brand and use whatever delivers the r­ equired sound. Knowing how an instrument reacts in a room—for example, small to large diameter, low to high ceiling; drywall to brick walls—and with other instruments in those sorts of rooms, will put you on the way to deciding on mics, mic positions, and EQ. ­Unless you are Peter Criss and tracking your drums in a tiled bathroom, as on the Rock and Roll Over album (1976), you’re probably destined to record in a dry, muffled, clinical studio. Where several acoustic instruments are being tracked at the same time, try to space them out. Sound changes significantly when intercepted by other obstacles, a notable example being an acoustic guitar meeting up with an ­upright bass. Miking the two instruments with ultra-sensitive condensers can reproduce the collision of low frequencies; it sounds like a sub-woofer rumbling and about to explode. Here are a few suggestions to aid you in making adjustments. Mid-frequencies are often the culprit when leakage/bleeding occurs—meaning when the signal from one track spills onto another. Hence, most consoles feature at least a 4-band EQ handling the typical mid-range: 500Hz to 2kHz. Most microphones greatly surpass those parameters, so a common practice is to use EQ to scoop out mids and focus on highs and lows. When tracking, leave lots of room for adjustments, especially when the drummer and guitarist adopt stadium volume levels. If “cross talk” or “bleeding” still occurs (this is common of drums) gating may be required. A noised gate is basically a mute button and a means by which engineers can isolate particular, offending frequencies and selec­ tively “duck” them. When two frequencies clash or become obtrusive, one or both can be removed.

Of Mics and Men

h­ armoniques brillantes d’une batterie qui sonne sèche et grasse. Plus le son d’une batterie est « ouvert », plus les techniciens de studio sont perplexes. En tentant de produire le signal à la fois le plus dynamique et neutre, ils insistent invariablement pour que le batteur ôte la peau avant de la grosse caisse. Ensuite, ils la remplissent de couvertes et d’oreillers.

dans un stade ! S’il y a toujours de l’interférence ou des fuites, ce qui arrive souvent avec la batterie, il faudrait peut-être utiliser un mainteneur (gate). Un mainteneur est en fait un bouton de sourdine qui permet aux techniciens de studio d’isoler des fréquences dérangeantes et de les éliminer. Lorsque deux fréquences se heurtent ou deviennent ­gênantes, on peut en éliminer une ou les deux.

Obtenir le bon son avant d’enregistrer

Des micros et des hommes

Si votre instrument produit à lui seul une sonorité assez grasse, vous voudrez probablement éviter de le brancher à un amplificateur qui produit aussi un son bien gras. Pourquoi perdre votre temps à essayer de rendre votre son plus clair quand tout ce qu’il faut est un autre ampli ? Ne vous fiez pas à vos amplis favoris ; utilisez ce qui fonctionnera dans l’immédiat. Les musiciens commandités le font toujours, c’est leur secret : ils mettent de côté la marque dont ils font la promotion pour choisir ce qui produira le son désiré. Le fait de savoir comment un instrument réagit dans une pièce, qu’elle soit ­petite ou grande, avec un plafond bas ou haut, des murs de brique ou cloison sèche, et avec d’autres instruments dans ces types de pièce, vous aidera à choisir les microphones, leur position et le réglage des correcteurs. À moins que vous ne soyez Peter Criss et que vous enregistrez votre batterie dans une salle de bain couverte de tuiles de céramique, comme il a fait pour le disque Rock and Roll Over (1976), vous êtes probablement destinés à enregistrer dans un studio bien isolé, produisant un son sec et clinique. Lorsque plusieurs instruments sont enregistrés en même temps, essayez de les éloigner les uns des autres. Le son change de façon importante lorsqu’il est intercepté par des obstacles, comme le son d’une guitare acoustique jouée près d’une contrebasse. En utilisant des microphones à condensateur hypersensibles sur les deux instruments, vous risquez de capter la collision des fréquences graves; ça sonne comme le grondement d’un caisson de basses qui s’apprête à exploser. Voici quelques suggestions pour vous aider à faire certains ajustements. Les fréquences médianes sont souvent coupables des fuites, c’est-à-dire que le signal d’une piste est capté en partie par une autre. C’est pourquoi la plupart des consoles sont ­munies d’un correcteur d’au moins 4 bandes permettant d’ajuster la gamme de fréquences médianes typique, de 500 Hz à 2 kHz. La majorité des microphones vont bien au-­ delà de ces paramètres, donc le fait d’utiliser le correcteur pour éliminer les fréquences médianes pour se concentrer sur les aigus et les graves est une pratique répandue. En réglant les pistes pour l’enregistrement, laissez une grande marge pour les ajustements, surtout si le batteur et le guitariste jouent à des niveaux de volume idéaux pour jouer

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Proper microphone selection is crucial to capturing the qualities of your instrument. For example, if you’re really thrashing away in the studio, with most of your band sit­uated in the same room, you might consider Dynamic microphones. Any limitation in frequency response is more than made up for by their inherent tolerance of high sound pressure level. And high SPLs is what you generate when you’re really killing. An electric bass that’s pumping, or a bass drum in overdrive, can put out enough SPLs to shatter delicate ribbon mics. Condenser microphones produce a much higher frequency and trans­ient ­response. They have a much louder output and are extremely sensitive. Most models rely on phantom power (auxiliary/outboard power). Enormous rumbles will occur if you don’t drastically decrease the gains and rely on phantom power on those channels “fed” by condensers. Until fairly recently, ribbon mics, although amazingly sensitive to upper mids, tended to go south in the face of high SPLs; current Ribbon mics are more robust. Another thing to consider is the size of the diaphragm. Small diaphragm mics sometimes bow to larger diaphragm models, which are traditionally used to mic vocals (U67, U87), drums (D12, D112, RE20), and upright basses. In reality, the smaller diaphragm mics are often better at reproducing low frequencies, including bass. Workhorse inexpensive small diaphragm mics are abundant. For example, the SM57/48 dynamic mics and the defunct ATM25 are low-priced viable options when miking bass, bass drums, and vocals. Which leads to a final note on tracking drums. Drums that are cranked high and hard as table tops are often problematic and might do well with minimal mics—two overheads and a bass drum. Similarly, low drums with flappy floor tom heads can set off sub-­lowrange murmuring. You can damp down the drums with a scrap or two of muffling, thereby rendering them recordable—and avoiding property damage! n

Un bon choix de microphones est crucial pour capter les qualités de votre instrument. Par exemple, si vous jouez à pleine vapeur dans le studio et que vous et les membres de votre groupe êtes tous ou presque tous dans la même pièce, vous devriez penser à utiliser des microphones électrodynamiques. Toute limite quant à la réponse de fréquence est compensée amplement par leur grande tolérance aux niveaux élevés de bruits perçus. Et c’est ce que vous produisez lorsque vous ne vous retenez pas ! Une basse électrique puissante ou une grosse caisse qui a du corps peut facilement briser des microphones à ruban délicats. Les microphones à condensateur procurent une réponse transitoire et de fréquence beaucoup plus élevée. Ils produisent un signal à volume beaucoup plus élevé et sont extrêmement sensibles. La plupart des modèles ont besoin d’une alimentation fantôme (alimentation auxiliaire/externe). Ils produisent un vrombissement énorme si vous ne baissez pas le gain et exigent une alimentation fantôme sur les canaux qu’ils alimentent. Jusqu’à tout récemment, les microphones à ruban, bien qu’extrêmement sensibles aux fréquences médianes aiguës, tendent à capter des fréquences plus graves lorsque le volume des instruments monte ; mais les micros à ruban d’aujourd’hui sont plus robustes. Une autre chose à considérer est la dimension de la membrane. Les microphones à petite membrane sont parfois négligés au profit de micros à grande membrane, qui sont traditionnellement utilisés pour la voix (U67, U87), la batterie (D12, D112, RE20), et la contrebasse. Mais en réalité, les micros à petite membrane reproduisent souvent mieux les fréquences graves, y compris la basse. Il y a beaucoup de microphones à petite membrane fiables et abordables. Par exemple, les micros électrodynamiques SM57/48 et le ATM25 (plus en production) constituent de bonnes options pour enregistrer une basse, une grosse caisse et des voix. Cela me mène à un dernier commentaire sur l’enregistrement d’une batterie. Les tambours qui ont les peaux hypertendues causent souvent des problèmes et seraient mieux servis avec une installation minimale de microphones, par exemple deux microphones d’ensemble et un autre pour la grosse caisse. Les toms de plancher munis de peaux molles peuvent produire des grondements quasi subsoniques. Vous pouvez contrôler cela avec un peu de matière assourdissante, rendant les tambours enregistrables et, par le fait même, vous éviterez les dommages ! n


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By / Par : By Halley Southgate Traduction : Traduction B&B

Sparrow Guitars: Making Electrics Dangerous Again

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oday we’re profiling Sparrow Guitars, product of a Vancouver company that’s half-luthier/half-chop shop. East side Vancouver. If you want to put a little danger back into your life and into your playing, the first stop is www.sparrowguitars.com The man behind Sparrow is one Billy Bones. I guess you’d expect someone christened Billy Bones to put a unique spin on “sparrow”, as in the Sunday school hymn refrain, “God sees the little sparrows fall....” Sparrows in the current instance, don’t just sing sweetly and fall gracefully. They swoop down, explode, and detonate stadiums. That’s probably why legendary guitar hero Duff McKagan chose Sparrow guitars for his band’s recent tour of the globe: sing, swoop, shred! Billy Bones set up Sparrow Guitars three years ago to see if he could save electric guitars from fizzling out, losing their mojo. Sixty years ago they were renegade and revolutionary. Now they were about as edgy as a video game on a plasma screen. Rappers don’t bother with them. What on earth happened? Was it surf music or Abba? Mr Bones wasn’t quite sure. But he reckoned he knew how to put the edge back into the electric guitar, and it wasn’t by crafting three instruments a month for gentrified inner city condominium dwellers who’d gladly shell out $5000 a pop. Bones figured on building one hundred electric guitars in the same period and pricing them for the proletariat. Billy began importing Asian guitars. The moment they washed up on our shores, he’d drag them into the shop and take chisels to them. He’d rip off pretty tuners, clinical sounding pickups, and frail, boring pickguards. Mobilizing his ample luthier chops, he’d stabilize and reshape them, replacing crap components with stuff made by the likes of Bigsby, Grover, Kent Armstrong, D’Addario, and yes, Bones (Billy spins a great pickup). And what happened was deadly. The beautiful Sparrow can still sing sweetly but can now swoop and destroy. Billy Bones’ Sparrow guitars, all five models, signal the return of the renegade instrument of your dad’s days. Well, maybe your dad doesn’t remember Eddie ­Cochrane, but maybe he’ll admit getting hypnotized by Richard Thompson’s (Eddie Cochrane ­influenced) haunting liquid tremolo and the lyric “night comes in like a cool river…” And maybe your dad remembers chanting the optimistic Ray Davies refrain, “I’m not like everybody else” (I prefer the Chris Spedding version). That about sums Billy Bones and his spartan line of Sparrow guitars. Once again, do it; visit: www.sparrowguitars.com n

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Guitares Sparrow : Elles sont Êlectriques

guitares ĂŠlectriques Sparrow ne se dĂŠmodent pas et ne perdent pas leur âme. Il y a soixante ans, elles ĂŠtaient des parjures et des rĂŠvolutionnaires. De nos jours, elles sont aussi crispĂŠes qu’un jeu vidĂŠo sur un ĂŠcran plasma. Les rappeurs ne leur accordent plus aucun intĂŠrĂŞt. Que s’est-il passĂŠ pour l’amour du ciel ? Était-ce de la musique de surf ou Abba ? Monsieur Bones n’en ĂŠtait pas tout Ă  fait certain. Cependant, il estime qu’il savait comment remettre du piquant dans la guitare ĂŠlectrique, et ce n’Êtait sĂťrement pas en confectionnant trois instruments par mois pour des rĂŠsidants de condominium embourgeoisĂŠ des quartiers dĂŠshĂŠritĂŠs de la ville qui seraient contents de payer 5 000 $ par guitare. Bones avait prĂŠvu fabriquer cent guitares dans cette mĂŞme pĂŠriode de temps et les vendre Ă  des prix abordables Ă  la classe moyenne. Billy a commencĂŠ par faire l’importation de guitares asiatiques. Dès qu’elles arrivaient d’outre-mer, il les ramenait dans son atelier pour les passer au rabot. Il arrachait les jolis syntonisateurs, les ­micros qui sonnaient faux et les plaques de protection piètres et ennuyantes. En mobi­ lisant ses nombreux outils et talents de luthier, il les stabilisait et les façonnait, tout ujourd’hui, nous dressons le portrait des guitares Sparrow, produites par en remplaçant les ĂŠlĂŠments de bas de gamme par des trucs de Bigsby, Grover, Kent, une compagnie de Vancouver qui est mi-lutherie/mi-boutique en banlieue ­Armstrong, D’addario, et, oui, Bones (Billy fabrique aussi d’excellents micros). Ce qui s’est produit fut une combinaison mortelle. La jolie Sparrow chante encore doucement, est de Vancouver. Si vous voulez rĂŠintroduire un peu de risque dans votre mais peut dĂŠsormais piquer du nez et dĂŠtruire. vie et dans votre façon de jouer, votre premier arrĂŞt doit ĂŞtre www.sparrowguitars.com Les cinq modèles de guitares Sparrow de Billy Bones signalent le retour des insL’homme derrière Sparrow est un certain Billy Bones. J’imagine que vous vous truments rebels des vieux jours de votre père. Eh bien, peut-ĂŞtre que votre père ne se ­attendiez Ă  quelqu’un baptisĂŠ Billy Bones pour donner un effet unique Ă   Sparrow , comme souvient pas d’Eddie Cochrane, mais peut-ĂŞtre admettra-t-il s’être fait hypnotisĂŠ par le trĂŠdans le refrain de l’hymne de l’Êcole du dimanche,  God sees the little sparrows fall‌  molo fluide hantĂŠ et les paroles  night comes in like a cool river‌  de Richard Thomson En ce moment, les guitares Sparrow ne font pas que chanter doucement et tomber gracieusement. Elles descendent en piquĂŠ, explosent et font rĂŠsonner les stades. C’est (influencĂŠ par Eddie Cochrane). Et peut-ĂŞtre votre père se souviendra-t-il d’avoir rĂŠcitĂŠ le refrain optimiste de Ray Davies,  I’m not like everybody else  (Je prĂŠfère la version de probablement pourquoi le hĂŠros lĂŠgendaire de la guitare Duff McKagan a choisi les guiChris Spedding). Ceci rĂŠsume Billy Bones et sa collection spartiate de guitares Sparrow. tares Sparrow pour la tournĂŠe mondiale de son groupe : sing, swoop, shred ! Faites-vous plaisir encore une fois, et visitez : www.sparrowguitars.com n Il y a trois ans, Billy Bones a mis sur pied son entreprise afin de s’assurer que les       

et dangereuses

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Designed from the Ground Up: ­Audio-Technica Ribbon Microphones

www u sona dio.c om

Audio-Technica has a four decade-plus history of innovation, which explains what’s happening with their latest offering and first-ever ribbon mics: the AT4080 and AT4081. Designed entirely by a Japanese team, Audio-Technica’s ­patent pending ribbon transducer combines durability and high SPL capability with smooth, rich audio quality. Both work well in studio and live settings, delivering the warm, natural sound of classic ribbon microphones. Durable performance (from ribbon mics: who woulda thunk it!), accurate reproduction of sound, and freedom from distortion are possible thanks to AT’s MicroLinear™ ribbon, which minimizes lateral flexing.

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dossier

dossier

Les microphones à ruban ­ Audio-Technica : uniques.

www.eriksonaudio.com

Audio-Technica AT4050ST Stereo Condenser Microphone

Retro and Modern: the Audio-Technica AT4047MP

Microphone à condensateur stéréo AT4050ST d’Audio-Technica

Rétro et moderne : l’Audio-Technica AT4047MP

The AT4050ST stereo condenser microphone, a version of the awardwinning AT4050 (used for broadcasting the Winter Olympic Games in ­Vancouver), is a stereo side-address condenser with cardioid and figure-of-eight elements configured in a mid-side arrangement. What’s neat is that it enables selection of left/right stereo output or discrete mid-side signals for later manipulation. The AT4050ST has a dual-diaphragm capsule design that maintains precise polar pattern definition. Unwanted internal reflections are minimized and low frequency distortion is all but eliminated.

Le microphone à condensateur stéréo AT4050ST, une version du AT4050 primé (utilisé pour la diffusion des Jeux olympiques d’hiver de Vancouver), est un microphone à captation latérale stéréo muni d’éléments cardioïdes et en diagramme en huit réglés pour un signal central-latéral. Il est intéressant de noter qu’on peut sélectionner la sortie stéréo gauche-droite ou le signal central-latéral qu’on réglera plus tard. L’AT4050ST est muni d’une capsule portant deux membranes conçues pour maintenir un diagramme polaire précis. Les réflexions internes non désirées sont minimisées et la distorsion dans les fréquences graves est pratiquement éliminée.

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Audio-Technica a tenu compte de vos commentaires et offre maintenant une version à diagramme multiple du microphone AT4047/SV. Accueillez le microphone à condensateur AT4047MP. Produisant une sonorité riche et vintage, l’AT4047MP rappelle les premiers micros de studio FET. Il est très polyvalent grâce à sa gamme dynamique étendue, sa faible production de bruit et sa capacité d’accommoder les niveaux de bruits élevés. L’AT4047MP capte à merveille les voix, les instruments à cordes, la guitare acoustique, les groupes vocaux et les voix hors champ.

Beaucoup de puissance dans un petit paquet : Akai Professional APC20

Power in a Small Package: The Akai Professional APC20

Akai Professional, in partnership with software developer Ableton, introduced the APC20 Ableton Performance Controller at Winter NAMM, billed as the perfect marriage between music and software. The second control surface created by Akai Pro for performance with Ableton Live software, the APC20 allows you to perform and compose, all with the click of a mouse. But you won’t be spending all your time looking at a computer screen. Like the APC40, the APC20 centers on its Clip Launch grid— your master control. Limited by modest floor space? Don’t worry, the small size lets you perform at your peak regardless of available real estate.

Audio-Technica has listened to your feedback and it has responded with a multi-pattern version of the AT4047/SV. Say hello to the AT4047MP condenser microphone. The rich, vintage sound of the AT4047MP is reminiscent of early F.E.T. studio mic designs and is versatile due to a wide dynamic range, low selfnoise, and high SPL capability. The AT4047MP excels on vocals, strings, acoustic guitar, instrumental/vocal groups, and voiceovers.

www.eriksonaudio.com

Audio-Technica traîne avec elle un historique de plus de 40 ans d’innovation, ce qui explique l’excitation entourant ses plus récents produits, ses premiers microphones à ruban, soit les AT4080 et AT4081. Entièrement conçu par une équipe japonaise, le transducteur à ruban d’Audio-Technica (brevet en instance) combine la durabilité et une grande capacité à gérer les niveaux élevés de bruit à une sonorité de qualité fluide et riche. Les deux micros fonctionnent aussi bien en studio que sur scène, produisant la sonorité chaleureuse et naturelle des microphones à ruban classiques. Dura­bilité (pour un micro à ruban, qui l’aurait cru !), reproduction sonore précise et absence de distorsion sont maintenant possibles grâce au ruban MicroLinear™ d’A.T., conçu pour minimiser le fléchissement latéral.

www.akaipro.com

Akai Professional, en partenariat avec le développeur de logiciels Ableton, a lancé le APC20 Ableton Performance Controller lors du récent salon d’hiver NAMM, produit qualifié de mariage parfait entre la musique et l’informatique. Étant la deuxième surface de contrôle créée par Akai Pro spécifiquement pour être utilisée avec le logiciel Ableton Live, le APC20 vous permet de jouer et de composer au simple clic de votre souris. Mais ne vous inquiétez pas, vous ne passerez pas tout votre temps à regarder un écran d’ordinateur. Comme le APC40, le APC20 est centré sur la grille Clip Launch, votre centre de commande central. Et si l’espace vous manque, ne craignez rien, car ses petites dimensions n’empiéteront pas sur votre aire de jeu!


High-End Features at Low-End Price: Phonic Summit 16 Channel Mixing Console

While digital mixers have become fairly standard in the studio and on tour, many people find their interface and operation clunky. Enter the Phonic Summit digital mixer. Listening to their customers, Phonic came up with an incredible interface that is loaded with features and easy to use. What’s more, its small size and weight allows it to be extremely mobile; ideal for both live performances and permanent studio installations. If you’re looking for high-end features at a low-end price, and really, who isn’t, the Phonic Summit Digital Mixer is for you. www.eriksonmusic.com

Caractéristiques haut de gamme, très petit prix : la console de 16 canaux Phonic Summit

Maintenant que les mélangeurs numériques sont devenus monnaie courante en studio et sur scène, beaucoup de gens trouvent leur interface et leur opération mal pensées. C’est là qu’entre en scène le mélangeur numérique Phonic Summit. Étant à l’écoute de leur clientèle, Phonic a conçu une interface incroyable à la fois remplie de caractéristiques et facile à utiliser. Et en plus, les petites dimensions et le petit poids du Summit le rendent extrêmement mobile, ce qui est parfait pour la scène et les installations permanentes en studio. Donc, si vous cherchez des caractéristiques haut de gamme dans un mélangeur très abordable, le Phonic Summit est pour vous. Pour trouver le détaillant le plus près de chez vous, rendez-vous à www.eriksonmusic.com.

Music in the Palm of Your Hand Yamaha Tenori-on

Want to create music on the fly? The next generation in music production, Yamaha’s Tenorion, lets you do just that. The 16x16 grid of LED “switches” allow regular folk and musicians alike to compose high quality electronic music. For serious musicians, DJs, and producers, the Tenori-on enables loading samples and performing using MIDI to improvise within your set BPMs. The Tenori-on is available in white LED (TNR-W), which includes a solid magnesium frame and is perfect for performing in front of a live audience, and a new model, orange LED (TNR-O), made with lightweight plastic and ideal for home performances.

De la musique dans vos mains : Yamaha Tenori-on

www.tenori-on.ca

Vous voulez créer de la musique à la volée ? Le Tenori-on de Yamaha vous permettra de le faire. Voici la prochaine génération de production musicale. La grille de 16 x 16 « interrupteurs » à DEL permet à la fois aux gens ordinaires et aux musiciens de composer de la musique électronique de très bonne qualité. Pour les musiciens sérieux, les DJ et les réalisateurs, le ­Tenori-on permet d’y charger des échantillonnages et d’utiliser MIDI pour jouer selon le BMP choisi. Le Tenori-on est offert avec des voyants DEL blancs (TNR-W), fixés dans un cadre de magnésium, idéal pour jouer devant un public. Yamaha offre également un nouveau modèle muni de voyants DEL orange fixés dans un cadre de plastique léger, parfait pour la maison.

Extremely Wide Frequency Studio Monitors from Akai Professional

Akai Professional has introduced their RPM8 studio monitors, specifically designed for extended low frequency playback. How low? Each two-way monitor allows for powerful, full bass all the way down to 39 Hz. Featuring an eight-inch woven-­Kevlar low-frequency driver with 80W RMS of continuous amplification, the speakers can also deliver power up to 113 dB SPL, all the while maintaining accurate frequency response from 39 Hz to 20 kHz.

Enceintes de studio à bande de fréquences extrêmement large de Akai Professional

www.akaipro.com

Akai Professional vient de lancer ses nouvelles enceintes de studio RPM8, spécialement conçues pour reproduire les fréquences très graves. Grave, vous dites ? Chaque enceinte à deux voies offre des basses puissantes et riches jusqu’à 39 Hz. Munies d’un haut-parleur de basses fréquences de huit pouces en Kevlar tissé proposant une amplification continue de 80W RMS, les enceintes produisent jusqu’à 113  dB de ­niveau de bruit perçu, tout en maintenant une ­réponse de fréquence précise de 39 Hz à 20 kHz.

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The World’s Quietest Studio Condenser Microphone

The industry standard Rode NT1-A microphone is now available. It’s called the Complete Vocal Recording Solution. The package includes everything you need for a professional vocal recording: the NT1-A microphone, a studio grade pop shield and shock mount, 20” cable, dust cover, instructional DVD chock full of recording tips, and a ten-year warranty.

Le microphone à ­condensateur de studio le plus silencieux au monde

Le microphone Rode NT1-A, le standard dans l’industrie, est maintenant disponible. On le qualifie de solution complète pour l’enregistrement de la voix. L’ensemble comprend tout ce dont vous avez besoin pour produire des enre­gistrements vocaux professionnels : le microphone NT1-A, un écran anti claquement et un support antivibrations de qualité studio, un câble de 20 pouces, une housse, un DVD éducatif rempli de trucs pour l’enregistrement et une garantie de dix ans.

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New Professional Headphones for Studio and Home Recording

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Nouveaux casques ­d’écoute professionnels pour le ­studio et la ­maison

The new Shure line of over-the-ear professional headphones, the SRH840, SRH440, and SRH240, joins the company’s professional and home recording line up and offers a complete recording package. Shure deli­ vers professional headphones that reach a balance between comfort and durability, offering rich lows, warm mids, and crisp highs. Each headphone has a unique sound signature that will attract pro and amateur engineers. The closed-back design ensures the user is kept comfortable during extended sessions.

La nouvelle gamme de casques d’écoute professionnels de Shure, les SRH840, SRH440 et SRH240, s’ajoute à l’ensemble des produits d’enre­ gistrement professionnels et de maison du fabricant, lui permettant d’offrir un système d’enregistrement complet. Shure propose des casques d’écoute professionnels offrant un équilibre entre le confort et la durabilité, produisant des graves riches, des ­médianes chaleureuses et des aiguës cristallines. Chaque ­modèle possède sa propre signature sonore qui ­attirera à la fois les techniciens d’enregistrement professionnels et amateurs. Leur conception fermée assure que l’utilisateur demeure confortable même durant de longues sessions.

You’ve Got to See It to Believe It – the Korg Kaossilator Pro

Following in the footsteps of the popular Korg Kaossilator, which drew a huge fan base among musicians and non-musicians alike, the Korg Kaossilator Pro boasts some pretty cool new features in its rebirth as a powerful track making tool suitable for production and live performance. Sound programs, 200 of them, include guitar, trumpet and piano. PCM samples provide rocking percussion patterns. Recording external audio sources is now an option with the Kaossilator Pro as it comes with four loop recording banks. USB connectivity and an SD memory card slot round it out.

Il faut le voir pour le croire : le Kaossilator Pro de Korg

Suivant les traces laissées par le populaire Kaossilator de Korg, un appareil qui s’est forgé une immense réputation auprès des musiciens et des gens ordinaires, le Korg Kaossilator Pro affiche des caractéristiques assez intéressantes en tant que puissant outil de fabrication de pistes pour le studio et la scène. On y trouve 200 ­sonorités, y compris des sonorités de guitare, de trompette et de piano. Les échantillonnages PCM procurent des ww w.k motifs de percussion bien rythmés. Et maintenant, le Kaossilator Pro permet d’enregistrer des sources org can audio externes avec ses quatre banques d’enregistrement de boucles. L’appareil est muni d’une prise USB ada .com et accommode les cartes mémoire SD.

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Cakewalk and Roland Team Up for Another Hit First came the industry leading V-Studio 700. Now Cakewalk and Roland are back at it with another hit, the V-Studio 100, an all-in-one recorder, mixer, interface, and DAW controller. Its compact size enables you to create, record, and ­produce music with or without a home computer. Features include the high-speed USB audio and midi interface with 8 ­inputs and 6 outputs at a 24-bit/96 kHz quality, two XLR mic. preamps with phantom power and input sensitivity, and compatibility with DAWs (such as Ableton Live, Cubase, Logic, SONAR). The Mobile SD recorder/player ­allows you to capture rehearsals, live performances, and those random moments when creativity strikes.

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Cakewalk et Roland s’unissent pour créer un autre succès

En premier lieu, il y a eu le système V-Studio 700. Aujourd’hui, Cakewalk et Roland récidivent avec un nouveau succès, l’enregistreur tout-en-un, mélangeur, interface et contrôleur de poste de travail audionumérique V-Studio 100. Ses dimensions ­réduites vous permettent de créer, d’enregistrer et de produire de la musique avec ou sans un ordinateur personnel. Notons la prise audio/MIDI USB à débit élevé, les 8 entrées et 6 sorties offrant une qualité 24 bits/96 kHz, les deux prises XLR avec préamplification, alimentation fantôme et préatténuation, et la compatibilité avec des logiciels comme Ableton Live, Cubase, Logic, SONAR. L’enregistreur/lecteur Mobile SD vous permet de capter vos répétitions, spectacles et moments créatifs.

The Ultimate Solution for Music Production

What happens when you combine the best of hardware and software engineering expertise? Enter the Sonar V-Studio 700, the flagship product in the Cakewalk-byRoland V-Studio line. Addressing the gap between low and high-end budgets, the Sonar V-Studio 700 offers a music production system that’s big on features, low on price. Post production professionals will find their needs addressed by the incorporation of video and image hardware control functionality. The Sonar V-Studio 700 system ships with Sonar 8.5 Producer, the Rapture software synthesizer, the VS-700C V-Studio console, and the VS-700R V-Studio I/O with on board Fantom VS synth. www.roland.ca

Votre guitare en vaut la peine.

La solution ultime pour la production musicale

Qu’arrive-t-il lorsqu’on combine la meilleure expertise en création de logiciels et en fabrication d’appareils audionumériques ? Ça produit le Sonar V-Studio 700, le produit phare de la gamme V-Studio de Cakewalk-byRoland. Comblant le vide existant entre les petits et les grands budgets, le Sonar V-Studio 700 offre un système de production musicale rempli de caractéristiques intéressantes, mais qui ne vous ruinera pas. Les professionnels de la post production y trouveront ce dont ils ont besoin, car l’appareil est muni d’une interface de ­contrôle vidéo et visuel. Le système Sonar V-Studio 700 comprend le programme Sonar 8.5 Producer, le synthétiseur virtuel ­Rapture, la console VS-700C V-Studio et le VS-700R ­V-Studio I/O avec synthé Fantom VS intégré. Pour écouter des enregistrements, visionner des démonstrations et trouver un détaillant, rendez-vous à www.roland.ca.

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Tascam DP-008 Digital Portastudio

Based on the best-selling DP-004, the Tascam DP-008 is an 8-track recorder that is super portable— small enough to fit into your guitar case. Capturing CD quality audio, it features built in microphones to record on the fly, XLR inputs with phantom power, and guitar inputs allowing you to plug in and lay tracks. Speaking of recording, the DP-008 records to SD cards and includes a 2GB card so you can get started right away.

Tascam DP-008 Digital Portastudio

Inspiré du populaire DP-004, le Tascam DP-008 est un enwww.tascam.com registreur 8 pistes extrêmement portable, c’est-à-dire qu’il est assez petit pour s’insérer dans votre étui de guitare. Capable de capter de l’audio de qualité CD, l’appareil est muni de micros intégrés permettant d’effectuer des enregistrements rapides, de prises XLR avec alimentation fantôme et de prises d’entrée vous permettant d’y brancher votre guitare. Le DP-008 enregistre directement sur carte SD et comprend, à l’achat, une carte de 2GB pour que vous puissiez commencer à enregistrer tout de suite !

Coming to a Theatre Near You! Blue Sky-EXO2

Cue claps and thunderous applause. With the EXO2 stereo monitoring system, you get the performance of the original EXO system in a smaller package. Want to fit your subwoofer into your tiny workspace? No problem. The EXO2 sub has been greatly reduced in size from the original. Once a 14” cube, the EXO2 is now a pared down 10x9x11. Combining full-range monitoring with a single desktop remote control hub, the EXO2 deserves all the applause it’s getting.

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Stylish Studio Microphone: Neumann TLM 102

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Neumann, the worldwide leading manufacturer of studio microphones, has done it again with the TLM 102 studio microphone. At first glance, the microphone, like most Neumanns, grabs your attention, this due in part to a gleaming grill ring. But the sound is what you’re after and this mic delivers. A large diaphragm capsule handles a maximum sound pressure level of 144 dB, permitting accurate recording of percussion and other loud sound sources. A slight boost above 6 kHz makes vocals and spoken words sparkle. Meanwhile, the linear frequency response ensures minimal coloration and a clearly defined bass range.

Chic microphone de studio : le Neumann TLM 102

Neumann, le plus important fabricant de microphones de studio au monde, réussit une fois de plus à surprendre avec le microphone de studio TLM 102. À première vue, le microphone, comme la plupart des produits Neumann, capte l’attention grâce à l’anneau luisant entourant la grille. Mais, évidemment, c’est le son qui vous intéresse et ce microphone donne d’excellents résultats. La capsule à grande membrane accommode un niveau de bruit maximal de 144 dB, permettant un enregistrement précis d’instruments de percussion et d’autres sources sonores à niveau de volume élevé. Une légère remontée de la courbe de réponse au-delà de 6 kHz fait briller les voix chantées et parlées. La réponse de fréquence linéaire ne colore presque pas le son et produit des graves claires et bien définies.

Confidence in the Final Production: Samson Resolv A5, A6, A8 Studio Reference Monitors

www.adi-online.net

Bientôt dans un théâtre près de chez vous ! Blue Sky-EXO2

On entend déjà les applaudissements ! Avec le nouveau système d’enceintes acoustiques EXO2, vous obtien­drez toute la performance du système EXO original dans un plus petit format. Vous voulez un caisson de graves qui ne prendra pas trop d’espace ? Pas de problème. Les dimensions du caisson de graves EXO2 ont été grandement réduites comparativement à l’original : c’était un cube de 14 pouces, mais il fait maintenant 10 x 9 x 11 pouces. Combinant une gamme de fréquences étendue avec un boîtier de commande de bureau, le système d’enceintes EXO2 mérite toute l’attention qu’elle récolte.

www.eriksonmusic.com

Samson has completely redesigned its studio reference monitors and the result is new design and accurate monitoring for recording studio, post-production, and other multimedia applications. The sleek black cabinets feature piano lacquer finishes on the front panels. Not just another pretty face, the façades conceal a time-aligned waveguide for the speaker components, resulting in minimal diffraction. Any turbulence at high listening levels is reduced by rounding the inner edge of the tuned low frequency port. Whether in a small or large studio, the smaller and larger Samson Resolv A5, A6, and A8 studio monitors will give you confidence in your final production.

Ayez confiance en votre production finale : les enceintes de référence Resolv A5, A6 et A8 de Samson

Samson a entièrement repensé ses enceintes de référence pour studio. Le résultat est un nouveau design et un contrôle sonore plus précis pour l’enregistrement, la postproduction et autres applications multimédias. Les enceintes noires profilées offrent un fini laqué de type piano à l’avant. Mais ce ne sont pas seulement de ­belles devantures, car elles cachent un guide d’ondes réglé pour la temporisation pour les composantes du haut-parleur, entraînant une diffraction minimale. Toute turbulence à des niveaux de volume élevés est réduite par la bordure intérieure arrondie du port de basses fréquences accordé. Que vous travailliez dans un petit ou un grand studio, les enceintes de studio Resolv A5, A6 et A8 de Samson vous donneront confiance en votre production finale.

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All You Need for Professional Home Recording: the Samson Q2U Recording Pak

The Samson Q2U Recording Pak makes home studio recording easier than ever. The kit includes the Q2U microphone and HP20 headphones—essential to professional recording. The package microphone has an XLR and USB output for sound console and computer, respectively. A 3.5mm stereo headphone jack with volume control allows you to monitor during recording. No compatibility problems here as it promises to work with all computer-based digital audio workstations. As the promotional material states, and after using it you will agree, this may be the only mic you’ll ever need! Definitely worth checking out at www.eriksonmusic.com.

Le Q2U Recording Pak de Samson est tout ce dont vous avez besoin pour créer des enregistrements ­maison professionnels

L’ensemble Q2U Recording Pak de Samson rend l’enregistrement maison plus ­facile que jamais. L’ensemble comprend le microphone Q2U et le casque d’écoute HP20, deux éléments essentiels pour produire un enregistrement professionnel. Le microphone est muni à la fois d’une sortie XLR et USB pour console et ordinateur. La prise stéréo de 3,5 mm du casque d’écoute permet de régler le volume pendant que vous écoutez ce que vous enregistrez. Il n’y aura pas de problèmes de compatibilité puisqu’on promet que l’ensemble fonctionnera avec toutes les stations de travail audionumériques basées dans un ordinateur. ­Samson affirme que ce sera peut-être le seul microphone dont vous aurez ­besoin ! ­Intrigués ? www.eriksonmusic.com

Sennheiser HD 280 Professional Phones for DJ and Studio

Excellent for use in a loud, cluttered environment, the Sennheiser HD 280 Professional Headphones offer 32 dB of ambient noise attenuation. These phones are designed for professional monitoring applications and are extremely comfortable to boot (attributable to the soft, ample circumauralear pads).

www.sennheiser.ca

Casque d’écoute Sennheiser HD 280 pour DJ et le studio

Idéal pour les environnements bruyants, le casque d’écoute professionnel HD 280 de Sennheiser offre une atténuation du bruit ambiant de 32 dB. Ce casque d’écoute est conçu pour l’écoute professionnelle tout en étant très confortable (grâce aux coussins circum-auriculaires doux et amples).

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www.yamaha.ca

NAMM Show

Star Product for Yamaha

Yamaha CP1 Stage Piano

One of the exciting surprises at Winter NAMM was Yamaha’s unveiling of its CP1 Stage Piano. The epitome of tradition, great sound, and feel, the CP1 piano rocked the Yamaha booth, drawing a huge audience under the capable hands of Tower of Power’s Ellis Hall. The CP1 stage piano combines sampling and modeling in its new Spectral Component Modeling (SCM) tone generation system, which enables the player’s touch to be translated into amazingly expressive timbres. Check out the selection of sounds “borrowed” from both acoustic and vintage electronic pianos. And speaking of tradition, Yamaha has used over a century’s experience building acoustic pianos in creating the 88-key NW-STAGE wooden keyboard, similar to our acoustic grand pianos: It minimizes keyboard vibration and feels great. If you appreciate the convenience of the vintage electric piano but yearn for the sound and style of an acoustic grand, the Yamaha CP1 stage piano is for you. Check it out at: www.yamahasynth.com/products/stage_pianos/cp1/. n

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au salon NAMM Le piano de scène Yamaha CP1

L’une des surprises du salon d’hiver NAMM fut le dévoilement du nouveau ­piano de scène CP1 de Yamaha. Reflétant à perfection la tradition, la sonorité et la sensation des meilleurs pianos, le piano CP1 a animé le kiosque de Yamaha, attirant une foule immense sous les doigts d’Ellis Hall de Tower of Power. Le piano de scène CP1 combine l’échantillonnage et la simulation dans son nouveau système de production de sonorités Spectral Component ­Modeling (SCM), permettant au toucher du musicien de produire les timbres les plus expressifs. Allez voir la sélection de sonorités « empruntées » à la fois de pianos acoustiques et électroniques vintage. Et, parlant de tradition, Yamaha a fait usage de plus d’un siècle d’expérience de fabrication de pianos acoustiques en créant le clavier ­NW-STAGE en bois de 88 touches qui réduit la vibration et offre une sensation superbe. Si vous aimez l’aspect pratique du piano électrique moderne, mais ­désirez la sonorité et le style d’un piano acoustique, le piano de scène CP1 de Yamaha est ce qu’il vous faut. www.yamahasynth.com/products/stage_pianos/cp1/ n


FILM ET TÉLÉVISION

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GESTION DANS L’INDUSTRIE DE LA MUSIQUE

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Muzik Etc [v22-n2] March-April 2010