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Wayne Eagles

FREE!

September • October 2009

Vol 21, No 5

Electric Guitars & Basses / Guitares et basses électriques

Septembre • Octobre 2009

GRATUIT !

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Poste-Publication Convention No 40009235, Adresse de retour : 753, Ste-Hélène, Longueuil, QC J4K 3R5 Publication Mail Agreement No 40009235, Return Address : 753, Ste-Hélène, Longueuil, QC J4K 3R5


SEPTEMBER - OCTOBER SEPTEMBRE - OCTOBRE

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TIPS / CONSEILS 18 Exploring Percussion on the Guitar / Explorer la percussion à la guitare

Cover / En couverture

by/par Jeffrey Gunn

Wayne Eaglesgate by/par Halley South

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REFLECTION / RÉFLEXION 20 Rationalizing the Road / Comment rationaliser les tournées

EDITO Agenda

by/par Ian Tamblyn

CREATIVITY / CRÉATIVITÉ 12 Aggravated theft / Vol qualifié by/par Alex Cattaneo

TIPS / CONSEILS 14 Protect your Gear / Protégez votre équipement by/par Halley Southgate

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Dossier

Electric Guitars & Ba ss Guitares et basses él es / ectriques

Volume 21, No 5 September-October / Septembre-octobre 2009 Editor in Chief / Rédactrice en chef Sofi Gamache (450) 674-1114 sofi@muziketc.ca Associate Editor / Rédacteur associé T. Bruce Wittet bruce@muziketc.ca Contributing Writers / Journalistes Alex Cattaneo, Graham Collins, Gerry Griffin, Jeffrey Gunn, Caleb Stull, Halley Southgate, Ian Tamblyn, T. Bruce Wittet

SYNTHS / SYNTHÉS 22 Synths we have Seen / Tous les synthés du monde by/par Graham Collins

TIPS / CONSEILS 24 The Money Pits and the Modern Musician / Les dépenses inutiles à éviter pour le musicien moderne by/par Caleb Stull

PRODUCTION 26 The Art of the Demo: When to Quit / L’art de la démo : savoir quand s’arrêter by/par Gerry Griffin

Advertising / Publicité Ralph Angelillo (888) / (450) 928-1726 Serge Gamache (866) 834-4257 / (450) 651-4257

Advertiser Information Request Form Demande d’information des produits annoncés www.muziketc.ca/coupon_v21n5.aspx

Publisher / Éditeur Serge Gamache sergegamache@videotron.ca

Muzik Etc / Drums Etc is published 6 times per year and distributed across Canada, in music retail stores, music schools, etc. This issue: 19,700 copies in 434 distribution points (circulation certified by Canada Post).

Printer / Imprimeur Solisco

Publication Mail Agreement / Poste-Publication Convention No 40009235, Return Address / Adresse de retour : Muzik Etc / Drums Etc 753, Ste-Hélène, Longueuil, QC J4K 3R5 www.muziketc.ca

© Copyright 2009

Translation / Traduction Jim Angelillo, Geneviève Hébert, Traduction B&B 20%

Cover Photo/ Photo couvert T. Bruce Wittet

www.muziketc.ca Untitled-2 1

2009

Muzik Etc / Drums Etc est publié 6 fois l’an, et est distribué partout au Canada dans les écoles de musique, chez les détaillants de musique, etc. Ce numéro : 19 700 copies dans 434 points de distribution (circulation certifiée par Postes Canada).

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s musicians, you need away time for practice, rehearsal, shows, etc., all totally understandable… or so you’d think. Unfortunately, the price to pay is often constant nagging and whining from your spouse about being out all the time or something along those lines. It’s not easy juggling your day job, a spouse/family, and playing music too, but it’s possible. It’s also possible for it to be fun, without feeling like you’re back in your mom’s basement with a curfew. I live in the gray area between both worlds. I’m not a musician (I played clarinet in high-school, doesn’t count) but I was brought up within the music community and I know what it’s like. I figured I’d be the most understanding “spouse of a musician” ever… right. See, now I’m primary caregiver mom of two, living with an artist-turned-musician… I’ve become [cue for deep creepy echo] “the spouse”. As much as I understand and support the musician-boyfriend thanks to my past, the “wonder-woman mom” of the present needs to have her say once in a while too. Honestly, it really is a struggle sometimes, even for someone like me who gets it. So imagine what it’s like for your spouse. The musicians say “You don’t support me enough”. The spouses say “You don’t helpout enough”. If you listen closely, you’ll notice you’re singing the same tune. I may sound like some horrible mid-afternoon TV talk show host, but communicate. A couple is a partnership, it’s a two-way thing. Make compromises, both of you. Find a sitter and drag your spouse to rehearsals and shows once in a while, include them in that aspect of your life. Keeping it to yourself will only make your partner suspicious and weary, and cause you both major issues down the line. As for you spouses out there reading this: stop bitching and complaining. Ask for the help you need and be specific about it… not too many details though, they are musicians after all… hahaha! Offer your help: even if your musician spouse doesn’t need it, it’ll pay off, trust me. Nothing good ever comes from sitting around and expecting things to happen the way you wish. I’m willing to bet neither of you can read minds so… just talk, will ya?

n tant que musiciens, vous avez besoin de temps « à vous » pour les répétitions, les préparations, les spectacles, etc., ce qui est tout à fait normal… du moins, c’est ce qu’on pourrait croire. Malheureusement, il y a un prix à payer : votre conjoint s’en plaint et vous fait des remarques sur le fait que « vous n’êtes jamais là » ou quelque chose dans le genre. Ce n’est pas facile de jongler le travail, la famille/conjoint et la musique. Mais il n’y a rien d’impossible. Il est même possible d’y trouver du plaisir, sans se sentir comme si vous étiez retourné dans le sous-sol chez votre mère avec un couvrefeu ridicule. Pour ma part, je vis dans la zone grise entre deux mondes. Je ne suis pas musicienne (la clarinette au secondaire, ça ne compte pas), mais j’ai grandi dans l’industrie de la musique et je sais ce que c’est. J’étais persuadée que je serais la blonde la plus compatissante qui soit… ouin, bof. Mais voilà, aujourd’hui, je suis maman de 2 jeunes enfants et je vis avec un artiste musicien… Et oui, je suis devenue celle qui fait les remarques, malgré moi. Autant je comprends et je soutiens mon copain musicien, autant la super-maman que je suis aujourd’hui a besoin d’avoir son mot à dire de temps en temps. Honnêtement, c’est tout un combat, même pour quelqu’un comme moi qui « comprend ». Alors, imaginez ce que cela peut être pour votre conjoint. Les musiciens disent « Tu ne m’encourages pas assez ». Les conjoints disent « Tu ne m’aides pas assez ». Si vous écoutez bien, vous vous rendrez compte que vous chantez la même chanson. Je sonne comme une animatrice de talkshow, mais il suffit de c-o-m-m-u-n-i-q-u-e-r. Un couple, c’est une équipe : les deux doivent y mettre du sien, faire des compromis. Trouvez une gardienne et emmener votre douce moitié à vos répétitions et à vos spectacles de temps en temps. Incluez-la dans cet aspect de votre vie. Garder tout ça pour vous ne fera qu’entretenir méfiance et irritation et en bout de ligne, vous causera du souci à tous les deux. Et pour tous les conjoints qui lisent ceci: arrêtez de chialer et de vous plaindre, et soyez clair(e)s en ce qui concerne vos besoins. Soyez précis, sans trop donner de détails, bien sûr, puisque ce ne sont que des musiciens après tout… hahaha ! Offrez votre aide et même si votre conjoint(e) musicien(ne) n’en a pas besoin, ayez confiance : à long terme, vous en serez récompensé. Rester assis à ne rien faire et attendre que vos souhaits se réalisent n’a jamais aboutit. Je suis prête à parier qu’aucun d’entre vous ne peut lire les pensées de l’autre… alors, parlez-vous !

Sofi Gamache

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AGENDA muzik ETC

Édito

Edito

BARRIE NEW MUSIC FEST 2009 Barrie, ON September 10-13 / 10 au 13 septembre 2009 info@newmusicfest.ca www.newmusicfest.ca

CANADIAN COUNTRY MUSIC WEEK 2009 Vancouver, BC September 11-14 / 11 au 14 septembre 2009 (416) 947-1331 country@ccma.org www.ccma.org

CELTIC COLOURS INTERNATIONAL FESTIVAL Cape Breton, NS October 9-17 / 9 au 17 octobre 2009 (902) 562-6700 info@celtic-colours.com www.celtic-colours.com

MONTRÉAL DRUM FEST 2009 Montréal, QC October 24-25 / 24-25 octobre 2009 1-888-928-1726 www.montrealdrumfest.com www.myspace.com/montrealdrumfest

NAMM SHOW 2010 Anaheim, CA January 14-17 / 14 au 17 janvier 2010 1-800-767-6266 www.namm.org/thenammshow/2010

MIDEM 2010 Cannes, FR January 24-27 / 24 au 27 janvier 2010 (514) 660-9724 www.midem.com

CANADIAN MUSIC WEEK 2010 Toronto, ON March 10-14 / 10 au 14 mars 2010 (905) 858-4747 www.cmw.net


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CUBASE AI QUALIFYING PRODUCTS

Synthesizer: MOTIF XS6 MOTIF XS7 MOTIF XS8 S90XS S70XS MO6 MO8 MM6 MM8 Stage Piano: CP300 CP33 Tone Generator: MOTIF-RACK XS VL70M Audio Workstation: AW1600 Keyboard Controller: KX25 MX49 KX61 KX8 Control Surface: CC121

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© 2009 Yamaha Canada Music Ltd/Ltée. All Rights Reserved. www.yamaha.ca www.yamahsynth.com

Audio Interface: N8 N12 MR816X MR816CSX MW8CX MW10C MW12C MW12CX CI2 AUDIOGRAM 3 AUDIOGRAM 6 Digital Pocket Recorder: POCKETRAK 2G POCKETRAK CX


en couverture

cover story By / Par : Halley Southgate Traduction : Jim Angelillo Photo : T.Bruce Wittet

Wayne Eagles Soaring Where There are no Barriers

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Wayne Eagles S’envole audelà des frontières

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ave patience worthy Canadian musician toiling in obscurity. Muzik Etc will find you. Wayne Eagles has been on our radar for a good ten years. Sometimes he rears up, as when he hires audacious drummer Billy Kilson (Dave Holland, Chris Botti, solo artist) to complete a recording project featuring colleague Mike Milligan. Other instances, Eagles keeps radio silence. He might be teaching privately at home or publicly at Carleton University in Ottawa. Speaking of the latter, you owe a sizable debt to Eagles—at least if you’ve ever contemplated studying electric guitar at lofty post-secondary levels. If it wasn’t for Wayne Eagles there might be no university guitar instruction in pop, rock, and fusion genres. It’s a long story and it goes back sixteen years. In short, Eagles set performance instruction standards that were embraced by Carleton and, eventually, other universities. No matter, low profile, high profile, local or international, Wayne Eagles pursues his passion for his instrument wherever it takes him. Whether he’s seeking a musical collaborator or a unique piece of gear, he’s not going get huffy if he can’t find it in the Yellow Pages for area 613. Two real life examples: the musician he found in Pasadena, CA, the gear in Eminence, KY. The point is that he refuses to let local obstacles define his mission. So what’s up? This guy Eagles...for real? What’s he got I ain’t got? (courage, the Cowardly Lion utters). Wayne Eagles isn’t short on courage, true, but it may be blind courage. Following some airy notion, or romantic stirring (as Muzik Etc noted in our review of Eagles’ album How’s Now?), he may unexpectedly contort into the wackiest shapes. Seriously, that trio album with drummer Kilson and bassist Milligan—these three go to the edge.

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aites preuve de patience, valeureux musiciens canadiens qui travaillez dans l’obscurité. Muzik Etc vous trouvera. Cela fait une bonne dizaine d’années que nos avons Wayne Eagles dans notre mire. Il se fait parfois plus visible, comme lorsqu’il engage le batteur audacieux Billy Kilson (Dave Holland, Chris Botti, artiste solo) pour l’enregistrement d’un projet avec l’un de ses collègues de longue date, Mike Milligan. Mais il y a d’autres périodes où Eagles est invisible. Il se peut qu’il donne des cours privés chez lui, ou bien qu’il enseigne à l’Université Carleton à Ottawa. Et justement, parlant d’études postsecondaires, vous avez une dette envers Eagles, du moins si vous avez déjà contemplé entreprendre des études universitaires en guitare électrique. Si ce n’était pas de Wayne Eagles, il n’y aurait peut-être pas de programmes universitaires de guitare pour les styles pop, rock et fusion. C’est une longue histoire qui a commencé il y a 16 ans. En bref, Eagles a établi des standards d’enseignements qui ont été adoptés en premier par l’Université Carleton et ensuite, par d’autres universités. Qu’importe, en privé ou médiatisé, local ou international, Wayne Eagles suit sa passion pour la guitare partout où elle le mène. Qu’il soit à la recherche de collaborateurs musicaux ou d’équipements musicaux uniques, il ne se vexera pas s’il ne les trouve pas dans les pages jaunes du code régional 613. Voici deux exemples : le musicien qu’il a déniché à Pasadena, en Californie, et l’équipement qu’il a trouvé à Eminence, dans le Kentucky. L’idée est qu’il ne laisse pas les limites de son patelin définir sa mission. Donc, qu’est-ce qui anime Eagles tant ? Le courage... Wayne Eagles en a beaucoup, c’est vrai, mais on pourrait le qualifier d’aveugle. Suivant une notion floue ou un élan romantique (comme Muzik Etc remarquait dans sa critique du disque d’Eagles, How’s Now?), il peut à tout moment prendre la forme la plus étrange. Ce disque en trio, avec le batteur Kilson et le bassiste Milligan, touche vraiment à la marge.

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“The Eagle Laughs at You Just Barely Walking”

he’s a singer of towering proportions. While blood might help explain Wayne’s rarefied musicality—his ability, say, to toggle between Jeff Beck, Alan Holdsworth, and John Abercrombie—regional customs might as soon have placed him in a tuxedo bar band at Casino Du Lac-Leamy. But instead, there he is at a NAMM booth, dead of Canadian winter, demonstrating an electric guitar and combo amp in sunny Anaheim, California. “The global thing,” says Wayne, “was cumulative. It was a slow burn. Certainly my association with the Carleton University Music performance program was an impetus. Any academic employment inherently includes an outreach component—in terms of attracting students and networking with peers. It begins to snowball: I’m a guitar performance instructor; I’m an ensemble director; I’ve recorded on the Carleton Sound label; and I have been involved in concert and master class booking/ promotion. The latter has led to supportive friendships with Dave Holland, Robin Eubanks,

and Billy Kilson, as well as numerous booking agents, managers, recording labels, radio hosts, and creative music journalists. I’m also pleased to have friend/mentor relationships with David Torn and Adam Nussbaum, among others. All these guys own my records and praise my initiatives. If I play with any of these guys it’s comfortable. I’m humbled they make me feel I’m on equal footing. There’s plenty of inspiration from area players who have looked beyond the local scene: Rob Frayne, Roddy Ellias, John Geggie, and Terry Tufts. And then there’s a web of relationships with faculty at Carleton University and other institutions across the continent; I think of my friendship with LA Guitar Institute’s Ken Rosser.” How can musicians make the leap from Ottawa’s Rideau Street to LA’s Sunset Strip? “If I had to advise somebody on that,” Wayne says, “I’d urge them to respect and support the local club scene. Play everywhere you can, for sure, but do keep an eye and ear out for ways of getting your name beyond your imme-

“The Eagle Laughs at You Just Barely Walking” (« L’aigle se moque de vous qui marchez à peine »)

décrire son talent autrement que de dire qu’il est un chanteur de proportions titanesques. Bien que le sang puisse expliquer un peu le sens musical rare de Wayne, c’est son habileté de jongler Jeff Beck, Alan Holdsworth et John Abercrombie qui l’a permis d’éviter de se retrouver vêtu d’un tuxedo dans l’orchestre du Casino Du Lac-Leamy. On le trouve plutôt dans un kiosque au salon NAMM à Anaheim, en Californie, en plein hiver canadien, en train de faire la démonstration d’une guitare électrique et d’un ampli. « Cet élément international, » explique Wayne, « s’est produit graduellement. Ç’a mijoté longtemps. Mon association au programme de performance musicale de l’Université Carleton m’a certainement donné un élan. Tout emploi académique comporte en soi des aspects externes, comme attirer de nouveaux étudiants et les échanges avec ses pairs. Et ça fait boule de neige. J’enseigne la guitare, je dirige un ensemble musical, j’ai enregistré sur la maison de disques Carleton Sound et je me suis impliqué dans la gestion et la promotion de concerts et de classes de maîtres. Cette dernière activité m’a mené à me lier d’amitié avec Dave Holland, Robin Eubanks et Billy Kilson, ainsi qu’avec de nombreux agents artistiques, gérants, compagnies de disques,

animateurs radio et journalistes musicaux créatifs. Je suis aussi très heureux d’entretenir des relations amicales et de mentorat avec des types comme David Torn et Adam Nussbaum, entre autres. Tous ces gens ont des exemplaires de mes disques et encouragent mes initiatives. Si je joue avec eux, je me sens confortable. Ils me font sentir comme si j’étais sur le même pied qu’eux et ça me rend humble. Il y a plusieurs exemples de musiciens de la région qui ont osé aller voir ailleurs : Rob Frayne, Roddy Ellias, John Geggie et Terry Tufts. Et il y a aussi tout un réseau de relations avec les professeurs de l’Université Carleton et d’autres établissements partout en Amérique; je pense à mon amitié avec Ken Rosser de la LA Guitar Institute. » Comment les musiciens peuvent-ils faire le saut de la rue Rideau à Sunset Strip ? « Si je devais conseiller quelqu’un, » dit Wayne, « je lui dirais de respecter et d’appuyer la scène locale. Jouez partout où vous pouvez, c’est certain, mais demeurez à l’affût des occasions de faire connaître votre nom au-delà de votre région immédiate. Entretenez des relations respectueuses avec les musiciens que vous rencontrez, et avec les médias. Et puisque vous avez déjà une présence sur Internet, pourquoi ne pas maximiser votre présence en tant que guitaris-

That line from Jackie Lomax, the first musician signed to The Beatles’ Apple Records label, sums up the situation. Wayne’s long view, as it turns out, is in his blood. Family patriarch Darrell Eagles, professional photographer, videographer, and producer created the television vignette Hinterland Who’s Who, won a Time magazine photo of the year, and masterminded far-flung artistic projects until his unexpected passing, a few months before this issue hit the streets. Wayne’s mom, Elaine, won her share of singing contests and resolved that her son would be similarly smitten musically, stewarding him to his first jazz concert: Oscar Peterson, Ella Fitzerald, and Joe Pass. Then there’s Wayne’s brother, Brian. How else to describe his gift but to say

Cette citation venant de Jackie Lomax, le premier musicien à signer un contrat avec la maison de disque Apple des Beatles, résume bien la situation. Il semblerait que ça coule dans les veines de Wayne. Son père, Darrell Eagles, photographe professionnel, vidéographe et réalisateur, a créé la vignette télévisuelle Hinterland Who’s Who, a reçu le prix de la meilleure photo de l’année du magazine Time et a été le génie derrière de nombreux projets artistiques jusqu’à son décès soudain, il y a quelques mois. Sa mère, Elaine, a remporté plusieurs concours de chant et s’est assurée que son fils ait le même amour pour la musique; elle l’a amené voir son premier spectacle de jazz : Oscar Peterson, Ella Fitzgerald et Joe Pass. Et il y a son frère, Brian. Comment

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diate area. Foster respectful relationships with the musicians you meet, and with the media. And you’re already on-line; might as well maximize your presence as a guitarist. People will begin to remember your name in all corners of the globe. I should add that there is nothing wrong with displaying confidence in what you do. But, trust me, there’s no room for arrogance. Stay positive—what a refreshing concept, especially in a milieu populated by all these frustrated, jaded musicians. Negativity breeds negativity.”

Empress, RonSound, Burkey, PedalSnake, Effectrode, Area 51, OnBoard Research). Then there are friendships with Yamaha Canada, Q Components, Gibson Canada, and the Ottawabased audiophile company Tetra Speakers.”

Play What Feels Right and Takes You Beyond

Your choice of gear can extend your field of operations. Wayne says that some of his international presence is due to his relationships with gear manufacturers. He chooses them because of their uniqueness and they stroke him by affording him opportunities to do Web sound clip work. In addition, they make sure he’s got a pass to NAMM and MIAC. You can spot a gear addict the moment you invite Wayne to describe his gear: “Among my affiliations are G&L Guitars/BBE Sound, Fryette Amplification (formerly VHT), Eminence Speakers, Boogafunk cabs, DiMarzio Pickups, John Pearse Strings, and several effects/accessories (Lovepedal,

Jouez ce qui vous semble bien et vous pousse à aller ailleurs

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Is it a cliché? Does teaching really improve one’s playing? “Well, it certainly informs my playing,” Wayne responds. “I expose my students to a variety of styles, from Wes Montgomery bop guitar to John Abercrombie ECM-ish legato phrasing to in-your-face Scofield articulation. Students smile; they begin to discover something special that’s been waiting to come out— which is the whole idea. In my own instance, I’m simply doing my best to pull together a host of techniques and sounds from a myriad of playing styles. That’s how humans learn: by examining, by imitating, by extracting little bits of vocabulary and twisting it this way or that. The end result is a unique voice on the guitar. While I’m constantly pursuing an insane diversity of methods and seeking to become credible—and have something to say—in many musical genres, I realize there’s going to be moments of truth, so to speak. By way of example, although I’m strongly drawn towards the freedom and interaction inherent in top-level improvised jazz, I’m equally drawn to timbres and drama of the best rock music. Ultimately, I can’t claim to be anything but the best at playing like Wayne Eagles.” n http://www.WayneEagles.com/ http://www.myspace.com/wayneeagles

te. Les gens vont commencer à connaître votre nom partout sur la planète. Rappelez-vous qu’il n’y a rien de mal à afficher une assurance en ce qu’on fait. Mais faites-moi confiance, il n’y a pas de place pour l’arrogance. Ayez une attitude positive ; quel concept rafraîchissant, surtout dans un milieu rempli de musiciens frustrés et blasés. Le négativisme n’attire que le négatif. »

Votre choix d’équipement peut également contribuer à élargir votre réseau de contacts. Wayne affirme qu’une part de sa présence internationale est issue de sa relation avec les fabricants. Il les sélectionne à cause de leur caractère unique et ils lui offrent l’occasion d’enregistrer des exemples sonores pour le Web. Et en plus, ils s’assurent qu’il reçoive une passe pour les salons de l’industrie NAMM et MIAC. On voit que Wayne est un maniaque de l’équipement dès qu’on lui demande de décrire ce qu’il utilise. « Parmi mes affiliations, il y a G&L Guitars/BBE Sound, Fryette Amplification (anciennement VHT), Eminence Speakers, les enceintes Boogafunk, DiMarzio Pickups, John Pearse Strings et plusieurs fabricants de pédales d’effets et d’accessoires (Lovepedal, Empress, RonSound, Burkey, PedalSnake, Ef-

The Teacher is Yet a Student

fectrode, Area 51, OnBoard Research). Il y a aussi ses liens avec Yamaha Canada, Q Components, Gibson Canada et avec l’entreprise audiophile d’Ottawa, Tetra Speakers.”

L’enseignant est toujours un étudiant

Est-ce un cliché ? Est-ce qu’enseigner améliore vraiment son jeu ? « Eh bien, ça informe certainement mon jeu, » explique Wayne. « J’expose mes étudiants à une variété de styles musicaux, de la guitare bop de Wes Montgomery aux phrasés legato à

la ECM de John Abercrombie à l’articulation très directe de Scofield. Les étudiants sourient; ils commencent à découvrir quelque chose de spécial qui ne demande qu’à sortir. Et c’est ça l’idée. Dans mon cas, j’essaie de mon mieux de faire fonctionner ensemble une grande variété de techniques et de sonorités issus d’une myriade de styles de jeu. C’est comme ça que les humains apprennent : en examinant, en imitant et en extrayant de petites parcelles de vocabulaire, leur donnant une autre direction. Il en résulte une voix unique à la guitare. Mais tandis que je suis en constante recherche de diversité de méthodes et que je tente d’être crédible, et d’avoir quelque chose à dire, dans plusieurs genres musicaux, je réalise qu’il va y avoir des moments de vérité. Par exemple, bien que je sois fortement attiré par la liberté et l’interaction intrinsèque au jazz de haut niveau, je suis également intéressé par les timbres et le drame des meilleures pièces rock. Ultimement, je ne peux pas prétendre être autre chose que le guitariste qui jouer le mieux comme Wayne Eagles. » n http://www.WayneEagles.com/ http://www.myspace.com/wayneeagles/


créativité

CREATIVITY By / Par : Alex Cattaneo Translation : Jim Angelillo Photo : Shutterstock

Aggravated theft “Bad artists copy. Great artists steal.” Pablo Picasso (1881-1973) “If I have seen further it is by standing on the shoulders of giants” Isaac Newton (1643-1727) “Copy from one, it’s plagiarism; copy from two, it’s research.” Wilson Mizner (1876-1933) “What is originality? Undetected plagiarism.” Dean Wil iam Ralph Inge (1860–1954) “The secret of creativity is knowing how to hide your sources.” Albert Einstein (1879-1955)

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ne becomes a blacksmith not only by forging, but by using the master’s tools and techniques, and by letting oneself be inspired by his masterpieces. Here are several examples of artistic theft. A friend recently sent me one of his songs, acknowledging he did not know what to do with it. It had everything, like structure and melody, but it lacked soul, a coherent direction in its performance.

I suggested he listen to Robbie Robbertson’s “Somewhere Down The Crazy River”. The idea wasn’t to copy the song note for note, but to adapt the new composition’s tempo and performance in order to reflect the qualities found in Robbertson’s song. And because the chords, the melody, the language, and the instrumentation differ from the original reference, the listener will not be able to link it to its source of inspiration.

The same rule applies to musicians. Surely, you understand this does not mean you hop on stage to play a Stevie Ray Vaughan solo note for note. There is some creative work involved. In using the work of one or several great artists as a starting point, you are appropriating quality material for yourself that you can remodel to your taste, following your needs. One of the most common and subtle ways of stealing material from others is to use material from

Vol qualifié

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« Les mauvais artistes copient, les bons volent. » Pablo Picasso (1881-1973) « Si j’ai vu plus loin, c’est en montant sur les épaules de géants. » Isaac Newton (1643-1727) « Copier sur un seul, c’est du plagiat. Copier sur deux, c’est de la recherche. » Wilson Mizner (1876-1933) « Qu’est-ce que l’originalité ? L’art de plagier sans que ça paraisse. » Dean Wil iam Ralph Inge (1860–1954) « Le secret de la créativité est de savoir comment dissimuler ses sources. » Albert Einstein (1879-1955)

n devient forgeron non seulement en forgeant, mais en empruntant au maître ses outils, ses techniques, ses méthodes ainsi qu’en s’inspirant de ses chefs-d’oeuvre. Voici quelques exemples de larcin artistique. Un ami m’a récemment envoyé une de ses chansons en avouant ne pas savoir quoi en faire. Tout y était, tant pour la forme que la mélodie, mais il manquait une âme, une direction cohérente dans l’interprétation. J’ai suggéré à mon ami d’écouter “Somewhere Down The Crazy River” de Robbie Robbert-

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son. Il ne s’agissait pas de copier la chanson note pour note, mais bien d’adapter le tempo et l’interprétation de la nouvelle composition pour s’approprier les qualités de la chanson de Robbertson. Et comme les accords, la mélodie, la langue et l’instrumentation diffèrent de la référence originale, l’auditeur pourra difficilement faire le lien avec la source d’inspiration. La même règle s’applique pour les instrumentistes. Évidemment, il ne s’agit pas ici de monter sur scène pour jouer un solo intégral de Stevie Ray Vaughan ad litteram. Une

démarche créative s’avère tout de même nécessaire, mais en prenant l’oeuvre d’un ou de plusieurs grands artistes comme point de départ, vous vous munissez de matériaux de qualité que vous pouvez remodeler à votre goût, selon vos besoins. Une des façons les plus répandues de subtiliser subtilement le matériel d’autrui consiste à s’en prendre à un instrument différent du nôtre. Par exemple, Jeff Berlin a étudié avec grand soin les solos de Cannonball Adderley; comme Berlin est bassiste et Adderley saxophoniste, on n’y voit que du feu. Le seul fait de


instruments different from the one you play. For example, Jeff Berlin has closely studied Cannonball Adderley’s solos; since Berlin is a bassist and Adderley is a sax player, nothing is apparent. The simple fact of transposing a line from an instrument to another sufficiently transforms the source to hide its origin. For composers, again, the same rules apply. Do not hesitate to make yours the best ideas from your predecessors. This is exactly what Beethoven did with Mozart and Bach. Many composers talk very openly about the artists that have influenced them, often as a tribute or as an inspiration to their early work, before they have established their own personality. At the beginning of his career, Ray Price wasn’t much more than a Hank Williams clone. He later became a major original artist, a great icon of country music. For his Music for Six Musicians album, Don Byron explained to me that he used the weirdest segments from his favourite AfroCuban composers, like Eddie Palmieri (this is a conversation that occurred about ten years ago, so forgive me if there are elements missing), and with these short excerpts, he built up complete musical pieces.

Parody is another form of borrowing. Certainly, playing a song in its complete form, only changing the lyrics, like Weird Al Yankovich, is parody. But one can use some idiomatic elements or musical clichés to create a comical effect. Frank Zappa often integrated this kind of pastiche by using typical doo-wop vocal lines, for example. Tom Lehrer would create satirical songs by copying well-known musical forms, like tango, ragtime, waltz, etc. Let’s be honest. If you write music, it is probable that you have committed some type of theft at some time or other. If you have listened to an album non-stop for three months, and if a song has imprinted itself in your mind, consciously or not, these influences have contaminated your writing. This is why, as the above quotations testify, it is important that you be fully aware that you are borrowing from others. This method is not only permitted, it is essential. Creativity does not consist in creating something from nothing, but rather in making something new with the old. In the gigantic edifice left by our predecessors, all materials are available, so why not use the best blocks to build your own edifice? If this was convenient for Picasso, then it’s perfect for us! n

transposer une ligne musicale d’un instrument à l’autre a pour effet de transformer suffisamment la source pour en camoufler son origine. Pour les compositeurs, la règle est la même. N’hésitez pas à reprendre les meilleures idées de vos prédécesseurs. C’est ce que fît Beethoven avec Mozart et Bach. Plusieurs compositeurs citent de façon très évidente les artistes qui les ont influencés, souvent comme un hommage, ou encore, dans leurs oeuvres de jeunesse, parce qu’ils n’ont pas encore établi clairement leur propre personnalité. À ses débuts, Ray Price n’était guère plus qu’un clone de Hank Williams. Il devint par la suite un artiste majeur et original, une grande icône de la musique country. Pour son album “Music for Six Musicians”, Don Byron m’expliquait qu’il a repris les segments les plus bizarres de ses compositeurs afro-cubains préférés, dont Eddie Palmieri (cette conversation a eu lieu il y a une dizaine d’années, pardonnez-moi s’il m’en manque des bouts), et à partir des ces courts extraits, parfois seulement deux mesures, il a construit des pièces entières. La parodie constitue une autre forme d’emprunt. Il y a évidemment la reprise pure et simple, où l’on ne fait que changer le texte, à la Weird Al Yankovich par

exemple. Mais on peut aussi utiliser certains éléments idiomatiques, certains clichés musicaux pour créer un effet comique. Frank Zappa a beaucoup utilisé ce genre de pastiche en utilisant des harmonies vocales typiques du doo-wop par exemple. Tom Lehrer, pour sa part, s’amusait à créer des chansons satiriques en calquant des formes musicales connues, comme le tango, le ragtime, la valse, etc. Soyons francs. Si vous composez de la musique, il est fort probable que vous ayez déjà commis une forme de larcin à un moment ou un autre. Si vous avez écouté un album sans arrêt pendant trois mois, si une chanson vous a profondément marqué, consciemment ou non, ces influences ont en quelque sorte contaminé votre propre écriture. D’où l’importance, comme les citations en exergue le mentionnent, d’être pleinement conscient de ces emprunts. Cette méthode est non seulement permise, elle est essentielle. En ce sens, la créativité ne consiste pas à faire quelque chose à partir de rien, mais plutôt à faire du neuf avec du vieux. Dans l’immense édifice légué par nos prédécesseurs, tous les matériaux sont disponibles, alors pourquoi ne pas prendre les meilleures pierres pour construire votre propre édifice ? Si ça convenait pour Picasso, c’est bon pour nous ! n

muzik etc 13


conseils

tips By / Par : Halley Southgate Traduction : Geneviève Hébert

The Case for

Protecting your Gear

O

nce upon a time a drummer purchased a seemingly bullet-proof cymbal case, a round, hard plastic unit that featured a central iron rod that secured cymbals via their center holes and bolted them tight. The drummer traveled to Boston via Air Canada propeller plane, checking the cymbals in the baggage compartment. After his arrival at Logan, our drummer proceeded to baggage claim and was shocked to see his cymbal case riding the carousel like demolished race car limping home. The spanking new case, shattered to bits, was wrapped with enough orange airport adhesive tape to secure a crime scene. Insult to injury, the massive iron pillar had bent forty-five degrees, crumpling each bronze bell resting beneath. It looked as if the baggage handlers had danced on the object, rendered a few blows with blunt objects, then administered the coup de grâce, placing it in the path of a wayward forklift. Would human beings commit such wanton destruction? Probably not. We’re thinking that airline baggage operations use computerassisted machines, which do the job quicker and minimize employee fatigue. We’re joking, honest.

What to Do

If you can’t keep your eye on your gear in transit, you need to go beyond gig bags to road cases. A gig bag is fine when close to the person. If you’re flying, phone ahead. It’s too late to purchase a flight case for your Stradivarius when the check-in attendant refuses to accept it as carry-on. If they can’t squeeze your hard case into overhead compartments, despite it seeming to conform to acceptable dimensions, be assured they will pass judgment quickly and without regard to inherent or market value. Off to baggage! A flight case with generous interior cushioning is the only sensible option when traveling by plane, train, or long haul truck. Even then, it’s not simply a matter of shielding from trauma. Jets fly at altitudes in excess of 30,000 feet. Up there it’s cold and dry. Overnight a truck can make it from Chicago to Death Valley. Your instrument may be in peril. That’s why companies like Planet Waves market “smart” humidifiers that take readings and automatically reduce or inject moisture. If you’re contemplating a trip from misty Halifax to sunny Saskatoon, these will acclimatize your instrument. In the absence of humidity control, an ap-

14 muzik etc

Pour

protéger

votre équipement…

I

l était une fois un batteur qui avait acheté un étui pour ses cymbales. Au premier abord, l’étui lui avait semblé blindé : rond, en plastique dur avec une tige de fer à l’intérieur, sur laquelle il pouvait enfiler ses cymbales avant de les sécuriser avec un boulon. Notre batteur voyageait avec Air Canada jusqu’à Boston, ses cymbales dans la soute à bagages. Arrivé à destination, il a eu un choc lorsqu’il est arrivé au carrousel à bagages : son étui à cymbales semblait avoir fait la guerre. Ce qui en restait avait été recouvert d’une quantité inimaginable de ruban adhésif orange, assez pour empêcher une foule d’entrer sur la scène d’un crime. Comme si cela n’était pas assez, la tige de métal avait été pliée à 45 degrés de façon à écraser les cloches de bronze qu’il avait glissées à l’intérieur. On aurait dit que les manutentionnaires avaient dansé sur l’objet en question, qu’ils l’avaient assailli de coups à l’aide d’armes brutales, puis qu’ils lui avaient donné son coup de grâce en le plaçant sous la roue d’un chariot à bagages. Un employé n’aurait pas pu faire quelque chose d’aussi gratuit. Peut-être étaient-ce alors les machines contrôlées par des ordinateurs qui manipulent les bagages de façon à sauver temps et énergie aux employés ? Peu importe, c’était une vraie blague !

Vers quoi se tourner ?

Si vous ne pouvez garder l’oeil sur votre équipement lorsque vous êtes en transit, il vous faudra délaisser les étuis souples pour des étuis rigides. Un étui souple fait l’affaire quand vous pouvez le garder près de vous. Si vous prenez l’avion, informez-vous à l’avance car vous ne pourrez pas trouver d’étui pour votre Stradivarius lorsque le préposé à l’enregistrement refusera que vous montiez à bord avec votre bagage à mains. Si celui-ci n’entre pas dans les compartiments au-dessus des sièges, même s’il semblait préalablement se conformer aux dimensions acceptées, les agents de bord n’hésiteront pas à l’envoyer dans la soute, et ce, peu importe la valeur de votre instrument ! Un étui bien coussiné est la seule option valable lorsqu’il est question d’un long voyage en avion, en train ou en camion. Et ce n’est pas juste une question de protection contre les coups : les avions de ligne voyagent à des altitudes au-dessus de 10 000 mètres, là où il fait froid et sec. Si un camion se rend de Chicago à Death Valley en une seule nuit, cela peut également mettre votre instrument en péril. Voilà pourquoi


ple core would be better than nothing. Your automobile trunk can inflict plenty of damage. Again, a soft case may not suffice. Stow a treasured cello safely in a padded bag and everything’s in control and cruising. Hit a deer and the instrument is history—or in need of substantial body and fender work, just like the car.

DIY

At very least, you should purchase a form-fitting woven fabric or leather case with sturdy straps. Check the size of the handle. Can you fit more than three fingers through the gap? Check the shoulder strap: long is good. If you’ve slung a case over each shoulder, can you walk normally or must you extend both arms like a scarecrow? Verify that the padding is adequate. Luxurious red crushed velvet is a wonderful thing but it’d be nicer to see a couple of inches of foam, especially if you’re packing a thirties resophonic guitar. It’s a hard world out there. You can always bolster old cases. Armed with a dollar store cutting tool, you can carve Styrofoam to fit cavities in old fiber cases and bags. Bubble wrap is a magic solution—bend it, shape it, anyway you want. Bring extra for the kids. Don’t forget rack-mounted effects, pods, stomp boxes, hard disk recorders, and cameras. Swaddle them in foam or bubble wrap, even if they’re lodged in flight cases. Remove batteries in transit, if possible. The author once traveled with a Sony D6C Pro Recording Walkman. An AA alkaline battery began leaking and the fluid wandered from the battery compartment to the circuit boards and tape transport. Might as well have dropped it into the ocean from the PEI causeway (but can’t on account of those high walls).To its credit, Sony authorized a replacement. But note they were under no obligation to do so. Everybody knows that a padded gig bag or a stiff backed guitar case. Yet we still gigging musicians trotting around with a tattered, duct taped cardboard box under arm. Inside the case sits a three thousand dollar guitar. Dumb tolls the bell. Consult experts. A short list includes Levy’s Leathers, Caisse Design for off-the-rack and custom built cases, respectively. Try Protechtor, Ultra-Case, Impact Cases, Multi Cases, Calton Cases, Humes & Berg. Protect yourself and your loved ones. n

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des compagnies comme Planet Waves a mis en vente des humidificateurs « intelligents » qui font la lecture des conditions ambiantes et qui ajoutent ou réduisent le taux d’humidité en conséquence. Si vous devez partir de Halifax, la capitale de la brume et de la pluie, pour vous rendre à Saskatoon où il fait chaud et sec, ce gadget est une bonne option pour aider votre instrument à s’acclimater. En absence d’un contrôle du taux d’humidité, avoir un cœur de pomme sous la main est encore mieux que rien. Votre instrument n’est même pas tout à fait à l’abri si vous le rangez dans un étui souple à l’intérieur de votre coffre d’automobile. Imaginez l’état de votre précieux violoncelle (sans parler de votre auto) si vous frappez un chevreuil ou si quelqu’un vous rentre dedans…

Faites-le vous-mêmes

Au minimum, vous devriez vous procurer un étui en tissu qui épouse les courbes de votre instrument ou un étui en cuir orné de solides courroies. Vérifiez bien la grandeur de la poignée : arrivez-vous à y glisser plus de trois doigts ? Vérifiez aussi la longueur de la bandoulière : si vous transportez un instrument sur chaque épaule, arrivez-vous à marcher normalement ou avez-vous besoin de les retenir avec vos bras ? Vérifiez aussi le rembourrage : le velours rouge est luxueux, mais peut-être que votre guitare résophonique des années 30 serait plus en sécurité avec quelques centimètres de styromousse. La vie ne nous épargne pas toujours. Vous pouvez toujours trafiquer de vieux étuis. Armez-vous d’un objet tranchant à bas prix et découpez des morceaux de styromousse pour épouser les courbes de vos vieux étuis en tissu ou en fibres de verre. L’emballage à bulles peut toujours faire l’affaire : vous pouvez le plier et le mouler à votre guise. Gardez les retailles pour amuser les enfants. N’oubliez pas de protéger votre équipement électronique monté sur bâti, votre i-pod, votre planche amplifiée (stompbox) et autres appareils numériques. Emmaillotez-les dans de la mousse ou dans du papier à bulles, même si vous les rangez dans des étuis rigides. Lorsque vous voyagez, retirez les batteries. J’ai moi-même déjà voyagé avec un baladeur Sony D6C Pro et la batterie alkaline avait coulé à l’intérieur de la carte de circuit imprimé et du mécanisme d’entraînement de la bande. L’échapper dans l’océan au-dessus du pont de la Confédération (ce qui est presqu’impossible à cause de la hauteur des murs) aurait donné le même résultat. Heureusement, la compagnie Sony a autorisé un remplacement, même si elle n’était pas dans l’obligation de le faire (et c’est tout en son honneur). Tout le monde sait que l’utilisation d’un étui souple ou rigide peut faire toute la différence. Mais beaucoup de musiciens partent encore sur la route avec leur guitare de trois mille dollars dans un étui en carton plein de ruban électrique sur l’épaule. Nous sommes parfois un peu idiots. Consultez des experts chez Levy’s Leathers ou Caisse Design pour obtenir plus d’informations sur des étuis standards ou sur mesure, respectivement. Essayez les étuis Protechtor, Ultra-Case, Impact Cases, Multi Cases, Calton Cases, Humes & Berg. Protégez-vous et vos instruments. n


DISTRIBUTED IN CANADA BY AUDIO DISTRIBUTORS INT’L. 1275 NEWTON ST., UNIT 6, BOUCHERVILLE, QC J4B 5H2 TEL: (450) 449-8177 FAX: (450) 449-8180

www.adi-online.net • e-mail: info@adi-online.net


conseils

Tips By / Par : Jeff Gunn Traduction : Jim Angelillo Photo : shutterstock

Exploring

Percussion on the Guitar

T

he guitar can be approached as a percussion instrument. The guitarist can use both the body and strings of the guitar in order to create percussive voices. These voices when accompanying oneself or another musician. Flamenco guitarists have explored the percussive potential of the guitar for centuries and their style remains the most popular example of percussive, chordal, and solo voices working together. I divide the accessible percussive voices into four regions: the lower register below the sound hole, the mid-register above the sound hole, the upper register on the top of the body of the guitar, and the strings. These locations yield a wide range of percussive tones. We can create various voices and dialogues by working single locations and traveling to others. A dialogue of voices can augment intensity and mood. First, let’s take a look our finger technique. We can diversify sounds by using finger tips, finger nails, the side of the thumb p, the “face” of our fingers, the strumming hand or fingering hand. The latter can be used separately or

in combination. In addition, allowing the fingers to remain on the striking surface will mute tone, while releasing them will allow sustain. A delightful array of attack, timbre, and pitch effects will be at your disposal if you vary your touch and alternate your finger and hand configurations. The following exercises will enable us to develop a percussive vocabulary and, indeed, a fresh way of thinking—thinking percussively.

Exercise 1A

Strumming Hand We will start with the strumming hand in the lower register to beat patterns. Use the following patterns: the index finger i, followed by middle finger m, followed by the ring finger a, followed by the thumb p. Then im, followed by ia, followed by ma; then ima, followed by pima. Notice that each finger creates unique tonal characteristics. Try moving your strumming hand to different locations— middle and upper register—while executing the same rhythm.

sur la surface de frappe, ou encore les enlever pour maintenir la note. Toute une gamme de timbres, d’effets de hauteur de tons et d’attaque se trouve à votre portée si vous variez votre toucher et si vous alternez les configurations de mains et de doigts. Les exercices suivants vous permettront de développer un vocabulaire en percussion, ainsi qu’une nouvelle façon de penser votre instrument.

Explorer la

Percussion à la Guitare Exercice 1A

E

h bien oui, la guitare peut aussi être approchée en tant qu’instrument de percussion ! Pour se faire, les guitaristes peuvent utiliser la caisse et les cordes de la guitare pour s’accompagner ou accompagner d’autres musiciens. Depuis des siècles déjà, les guitaristes Flamenco explorent ce potentiel et leur style reste l’exemple le plus populaire de mélange de voix solo, de cordes et de percussion. Je divise les différents tons de percussion en quatre régions : le registre le plus bas sous la rosace, le registre moyen juste au-dessus de celle-ci, le plus haut tout en haut de la caisse de la guitare, puis celui des cordes. Ces emplacements

18 muzik etc

produisent une large gamme de sons. Il est d’ailleurs possible de créer davantage de tons et de dialogues en travaillant à partir d’un seul emplacement ou en se promenant entre plusieurs d’entre eux. Les dialogues peuvent créer beaucoup d’intensité et d’ambiance. Abordons tout d’abord le doigté. Nous pouvons diversifier les sons en utilisant le bout de nos doigts, nos ongles, le côté du pouce, le dessus de nos doigts, en raclant avec la main qui racle habituellement les cordes ou avec les doigts qui les pincent. Ces doigtés peuvent évidemment être utilisés séparément ou combinés. De plus, vous pouvez assourdir la tonalité en laissant vos doigts

Frapper la guitare avec la main qui racle les cordes Nous commencerons à frapper la guitare avec cette main dans le registre le plus bas en utilisant les patterns suivants : avec l’index i, suivi par le majeur m, puis l’annulaire a et le pouce p. Puis im, suivi de ia, puis de ma ; et puis ima, suivi de pima. Remarquez que chaque doigt produit un ton différent. Essayez maintenant de racler la guitare dans les autres registres en exécutant le même rythme.

Exercice 1B

Racler la guitare avec les doigts qui pincent habituellement les cordes Essayez les mêmes exercices en déplaçant vos doigts vers les différents registres.


Exercise 1B

Fingering Hand Try the same exercises, moving your fingering hand to the various register locations.

Exercise 2

Using both the Strumming Hand and the Fingering Hand Here we are creating a percussive dialogue by alternating hands and locations. The resulting tones and rhythms can provide percussion for a fellow musician or can generate a percussion solo/interlude in a solo performance.

Exercise 3A

Self-Accompaniment Add percussion to your performances.

Exercise 3B

Interaction This exercise takes self-accompaniment to the next level by implementing interaction between “regular” guitar notes/ phrases/chords and percussive striking. The percussive hits mimic the interaction heard in the music of northern India, particularly the dialogue between sitar and tabla.

Exercise 4A

Discovering the Percussive Possibilities of the Strings In this exercise, we are using guitar strings for their percussive capabilities, not for customary melody and harmony. Use the back of the fingernails in your strumming hand i, m, a and the side of the thumb p to form a semi-fist. Slap the strings over the sound hole for a percussive quality different than tamboura as described in the January/February Muzik Etc (now on-line). Let the strumming hand bounce off the strings. Simultaneously, mute the strings with your fingering hand placed across the 8th fret. Try moving the strumming hand to various locations above the strings and striking them.

Exercise 4B

In this exercise, we combine chords with percussion. Excerpt… This excerpt, entitled “The Spirit of Travel” (Jeff Gunn/SOCAN 2009), exemplifies the interactive possibilities of melodic and percussive tones on the guitar. n These exercises are among those found in Book III of Jeff Gunn’s new guitar method Hidden Sounds: Discover Your Own Method on Guitar (Mayfair Music Publications Inc. 2009). Visit: www.jeffgunn.ca.

Examples and exercises can be found here: www.muziketc.ca/v21-n5_en.aspx

Exercice 2

Racler la guitare des deux mains Ici, nous créons un dialogue de percussion en alternant le doigté et les registres. Les tons et les rythmes qui en résultent peuvent accompagner un autre musicien à la percussion ou ils peuvent servir de solo ou d’interlude lors d’une performance solo.

Exercice 3A

S’accompagner soi-même Ajouter de la percussion à vos performances.

Exercice 3B

Intéragir Cet exercice amène votre propre accompagnement à un autre niveau en ajoutant de l’interaction entre des notes, des phrasés et des accords de guitare « normaux » et des notes de percussion à la guitare. Le dialogue ainsi créé ressemble à celui que l’on retrouve entre le sitar et le tabla dans la musique de l’Inde du Nord.

Exercice 4A

Découvrir le pouvoir de percussion des cordes Dans cet exercice, nous utilisons les cordes de guitare pour leur pouvoir de percussion et non pour leur mélodie et harmo-

nie habituelles. Utilisez le dos de vos ongles de la main qui racle les cordes dans le pattern suivant : i, m, a, puis le côté de votre pouce p afin de former un poing à moitié fermé. Frappez les cordes juste au-dessus de la rosace pour obtenir une autre qualité de son, différente du tamboura qui avait été décrit dans l’édition de janvier/février du Muzik Etc (maintenant en-ligne). Laissez votre main rebondir sur les cordes. Vous pouvez également assourdir celles-ci en utilisant les doigts qui pincent habituellement les cordes vers la 8ième touchette. Essayez de déplacer votre main du bas dans différents emplacements en haut des cordes en les frappant.

Exercice 4B

Dans cet exercice, nous combinons le jeu de cordes avec la percussion. Un petit extrait… Cet extrait, intitulé « The Spirit of Travel » (Jeff Gunn/SOCAN 2009), est un bon exemple des différentes possibilités d’interaction entre les tons mélodiques et ceux de percussion à la guitare. n Ces exercices sont parmi ceux que l’on retrouve dans le troisième livre de Jeff Gunn sur de nouvelles méthodes à la guitare : Hidden Sounds : Discover Your Own Method on Guitar (publié par Mayfair Music Publications Inc. en 2009). Visitez : www.jeffgunn.ca.

Les examples et exercices se trouvent ici : www.muziketc.ca/v21-n5_fr.aspx

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RÉFLEXION

REFLECTION By / Par : Ian Tamblyn Traduction : Jim Angelillo Photos : Shutterstock

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very musician who reads the title of this article will think it means coming to terms with the reality of touring in Canada: the endless kilometers between gigs, the transportation breakdowns, and the communication breakdowns. The road is built into the mythology of the musician, which, in turn, draws from the notion of the troubadour singing news andf gossip across the land. In my lifetime this notion has intertwined with aspirations of beat and hippie culture. Jack Kerouac’s On the Road and other calls to travel have been central to the road ethos. In recent years, this idea has been furthered by Bruce Chatwin’s book, Songlines, and by (the book and film) Into the Wild. To road is the rite of passage for every musician in this country.

The Road does not go on Forever

Rationalizing the Road: An

Eye-Opener

Imagine my surprise when I found myself completely off course when participating in a panel, Rationalizing the Road, convened recently at the Magnetic North theater festival in Ottawa. I came to the panel with loads of information and tips: the number of miles (234,000) I’d logged on my five year old Suzuki; the importance of keeping a log book; my annual tours across Canada , Ireland, and Scotland; my plans to return to the Arctic soon, then venture to Europe. I was set to regale the audience with ribald and desperate tales from the road—nights to forget, nights to remember... and then my bubble burst. The moderator began with a jolting question rooted in concern for tainting the environment: How can we justify our extensive touring on the road, fully aware that we’re leaving a deep “carbon footprint”? I beg your pardon? I was completely taken aback. Though I’ve always been an environmentally sensitive artist, I’ve always rationalized my carbon footprint as one of those contradictions of the trade. I’ve made commitments to plant trees like Sting (as if). And I’ve perceived my travels as necessary, given the higher value of the message I bore. After all, the same contradiction is rampant among environmental activists like David Suzuki (no relation to my vehicle brand), whose flight paths carved holes in the stratosphere—in order to save the planet. My view of the necessity of the road left little room to embrace another way of doing thing, such as the “one hundred mile” principle that emerged from the panel. Many Canadian restaurants have adopted it: What is served ought to be brought in from farms and orchards within a radius of one hundred miles. The effects include the reduction of the carbon footprint and the encouragement of local farmers to supply an expanding variety of fruits, vegetables, and meats. There several such restaurants on my area of Quebec. I’m not sure the notion would fly in Flin Flon, Manitoba, but you get the drift. Panel participants suggested that musicians and theater companies follow suit—that we should tour within a one hundred mile radius, thus reducing our carbon footprint. The policy would hinge on a deep involvement of all affected communities. Involving communities in the planning would draw them together and democratize the process! Why, I would be akin to the troubadour from the days of yore! I sat quietly as theater companies and musicians from the well-populated corridor of Toronto, Ottawa, and Montreal discussed this new way to “rationalize the road”. Yet as they talked, my thoughts returned to the road I knew best and my hometown Thunder Bay. The closest community is Nipigon, which falls well outside the one hundred mile limit. I thought about the many communities I’d visited across Canada for whom this hundred mile principle would mean no touring bands or theater, simply because they fall out of the orbit. Finally, I reflected on the grim necessity of touring the country just to get known. This notion of “touring” is a harsh, beaten path—a sort of gauntlet through which we must pass for reasons I’ve discussed elsewhere. It is a conundrum this touring in the modern age. Used to be damned if we don’t; now it’s suggested we’re damned if we do. n Ian Tamblyn is a legendary performer, acclaimed for his folk and roots repertoire but equally conversant in electronic, industrial, and experimental music. To boot, the man writes plays, magazine articles, and composes soundtracks, all of which (except that Antarctic one) draw from Canadian diversity.

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La route n’est pas sans fin

Comment rationaliser les tournées :

une révélation

T

ous les musiciens qui liront le titre de cet article s’imagineront qu’il implique l’acceptation de la réalité des tournées au Canada : les routes interminables entre les engagements, les pannes du véhicule de transport et les problèmes de communication. La route fait partie de la mythologie du musicien qui est elle-même issue de la tradition du troubadour qui, chantant les nouvelles et les potins, voyageait de ville en ville. De mon vivant, c’est une idée qui s’est mêlée aux aspirations des cultures beat et hippie. Jack Kerouac avec On the Road et d’autres appels à prendre la route ont été centraux pour cette éthique. Plus récemment, cette idée a été promue, entre autres par le livre Songlines de Bruce Chatwin et par le livre (qui a été adapté au cinéma) Into the Wild. La route est le rite de passage de tous les musiciens de ce pays.

Imaginez ma surprise lorsque je me suis trouvé complètement hors contexte lors d’une table ronde intitulée Rationalizing the Road, qui a récemment eu lieue au festival de théâtre Magnetic North à Ottawa. J’étais pourtant bien préparé, avec des tonnes d’informations et de conseils : le nombre de kilomètres (377 000) que j’avais parcouru avec ma Suzuki pendant cinq ans, l’importance de tenir un journal de bord, mes tournées annuelles à travers le Canada, l’Irlande et l’Écosse, mon projet de retour en Arctique et ensuite en Europe. J’étais prêt à régaler le public avec des histoires de tournée grivoises et désespérées, des soirées d’enfer et des soirées mémorables… mais ma belle petite bulle a éclaté. Le modérateur a commencé le bal en posant une question-choc concernant l’environnement : comment justifions-nous de longues tournées sachant que nous y laissons une empreinte écologique profonde ? Pardon ? Ça m’a complètement déboussolé. Bien que j’ai toujours été un artiste soucieux de l’environnement, j’ai toujours rationalisé mon empreinte écologique en me disant que c’était l’une des contradictions du métier. Je me suis engagé à planter des arbres comme Sting (comme si…) et je perçois mes déplacements comme nécessaires, étant donné la valeur supérieure du message que je porte. Après tout, la même contradiction afflige les environnementalistes comme David Suzuki (aucun lien avec ma voiture), dont les nombreux déplacements en avion contribuent à trouer la stratosphère. Ma vision de la nécessité de la route ne laissait pas beaucoup de place à l’adoption d’autres manières de faire les choses, comme le principe des « cent miles » qui est sorti de la table ronde. Beaucoup de restaurants canadiens l’ont adopté; ce qu’on sert doit être issu de fermes et de plantations se trouvant dans un périmètre de cent miles (160 km). Les effets d’une telle mesure comprennent la réduction de l’empreinte écologique et une incitation pour que les fermiers locaux produisent une plus grande variété de fruits, de légumes et de viandes. Il y a plusieurs restaurants qui suivent ce principe dans ma région du Québec. Je ne sais pas si ça fonctionnerait dans une ville comme Flin Flon, au Manitoba, mais vous comprenez ce que je veux dire. Les participants de la table ronde ont suggéré que les musiciens et les compagnies de théâtre devraient faire de même; nous devrions faire des tournées à l’intérieur d’un périmètre de cent miles, réduisant ainsi notre empreinte écologique. Cette mesure mènerait à une implication plus importante des communautés concernées dans la planification de ces tournées, rendant le processus plus démocratique ! En fait, nous redeviendrions de troubadours! Je me suis tu tandis que des compagnies de théâtre et des musiciens du corridor densément peuplé entre Toronto, Ottawa et Montréal discutaient de cette nouvelle façon de « rationaliser les tournées ». Mais je ne pouvais pas m’empêcher de songer à la route que je connais le mieux et à ma ville natale de Thunder Bay. La communauté la plus proche est celle de Nipigon, qui se trouve bien audelà de la limite de cent miles. Je me suis mis à penser à toutes les communautés que j’ai visitées partout au Canada pour lesquelles ce principe les effacerait des circuits de tournées musicales et théâtrales, simplement parce qu’elles se trouvent hors de portée. Enfin, j’ai songé au simple fait qu’il est nécessaire de partir en tournée nationale pour se faire connaître. La notion de tournée est un droit de passage difficile, une sorte d’épreuve à travers laquelle nous devons passer pour des raisons que j’ai déjà mentionnées ailleurs. À notre époque, les tournées constituent une véritable énigme. Il n’y a pas si longtemps, nous étions pointés du doigt si nous n’en faisions pas; aujourd’hui, il semble que ce soit le contraire. n Ian Tamblyn est un musicien légendaire, connu pour son répertoire folk et roots, mais aussi pour ses excursions dans les mondes de la musique électronique, industrielle et expérimentale. Par surcroît, Ian écrit des pièces de théâtre, des articles et compose des bandes sonores, toutes (excepté celle qui traite de l’Antarctique) inspirées de la diversité canadienne.

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SYNTHÉS

SYNTHS By / Par : Graham Collins Traduction : Jim Angelillo Photo : Shutterstock

Synths we have Seen

T

he word “synthesizer” conjures up a variety of images and memories—the Moogs and ARPs of seventies art and prog rock, the stage models of eighties new wave, and the wizard devices of nineties dance music. But before all that were the ancient, room-sized machines operated by academics in lab coats. Synthesizers have been around for some time but if they’re new to you, the diversity must be staggering. For that reason, let’s review the various types of synthesizers. Analog synths are probably the most fascinating to newcomers, perhaps because visually they tend to overwhelm, what with control panels full of enticing knobs and sliders. Basic analog machines typically come with a couple of oscillators (or VCO for voltage-controlled oscillator), a filter (or VCF for voltage-controlled filter), and an amplifier section (or VCA for voltage-controlled amplifier). They typically employ subtractive synthesis meaning they start with a complex sound that has sonic components filtered out. Larger and more complex analog synths are sometimes referred to as modular since their architecture features user-configurable sections, not preset. If you saw Close Encounters of the Third Kind, you saw an analog modular synth “talking” to the spaceship. An ARP 2500 to be precise. Digital synths became popular in the eighties. They tended to house a variety of methods of synthesis under one roof. Tuning had become precise and didn’t slip as easily. Frequency modulation (FM) was the most ubiquitous of this lot. Instead of filters, FM employed multiple oscillators or operators to modulate each other and generate interesting sound spectra. FM took the opposite approach to subtractive synths and created complex sounds out of numerous simple sounds.

Exiting the Eighties

As computer memory became cheaper, synths began incorporating digital samples—digital “snapshots” of sounds, as opposed to emulations of those sounds. People liked this because the sounds were more realistic. They gravitated to the new samplers and to their hybrid brethren, the ROMplers. Samplers allowed them to record and load sounds—even “found sounds” such as eggs sizzling in frying pans—which could be played back from a keyboard. The ROMpler features factory-loaded samples stored in ROM memory, which serve the oscillation function essential to traditional subtractive synthesis and oscillator-filter-amplifier synth models. Today most “workstation” keyboards are a form of ROMpler. Wavetable synthesis is a digital form of synthesis that takes the ROMpler one step further. It allows the user to cycle through the different waveforms stored in ROM and listen to them sequentially. This can result in sounds that either slowly evolve or change radically/rhythmically, depending on their constituent oscillator waveforms.

Stuff it into the Box

These days software synths are becoming common. A syn-

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Tous les synthés du monde

L

e terme « synthétiseur » fait surgir une variété d’images et de souvenirs : les Moog et les ARP des années 70 et le rock progressif, les modèles de scène du new wave des années 80 et les merveilleux appareils avec lesquels on produisait la musique dance des années 90. Mais avant tout cela, il y avait les machines antiques qui remplissaient des pièces entières, faites fonctionner par des savants vêtus d’une chemise de laboratoire. Les synthétiseurs existent depuis très longtemps, mais si vous ne faites que les découvrir, leur diversité doit paraître stupéfiante. Et c’est justement pour cette raison que nous allons faire un survol des différents types de synthétiseurs. Les synthés analogiques sont probablement les plus fascinants pour les nouveaux venus, probablement parce qu’ils impressionnent visuellement avec leurs panneaux de contrôle remplis de toutes sortes de boutons. Les machines analogiques de base sont normalement munies de quelques oscillateurs (ou OTA, oscillateur à tension asservie), un filtre (ou FTA, filtre à tension asservie) et une section d’amplification (ou ATA, amplificateur à tension asservie). Elles utilisent habituellement la synthèse soustractive, ce qui veut dire qu’ils commencent avec une sonorité complexe dont certaines composantes sonores sont filtrées. Les synthés analogiques plus gros et plus complexes sont parfois qualifiés de modulaires puisque leur architecture est composée de sections configurables par l’utilisateur et non des préréglages. Si vous avez vu Rencontre du troisième type, c’est un synthétiseur analogique modulaire que vous avez vu parler au vaisseau spatial. C’était un ARP 2500. Les synthés numériques ont commencé à être populaires dans les années 80. Ils avaient tendance à abriter dans un même boîtier une variété de méthodes de synthèse. L’accordement était devenu précis et ne se déréglait pas aussi facilement. La modulation de fréquence (FM) était la plus répandue. Plutôt que d’utiliser des filtres, la synthèse FM faisait usage de plusieurs oscillateurs ou opérateurs qui se modulaient entre eux, générant d’intéressants spectres sonores. L’approche de la synthèse FM était à l’opposée des synthés soustractifs, créant des sonorités complexes à partir de nombreuses sonorités simples.

Finies, les années 80

Tandis que la mémoire d’ordinateur devenait plus abordable, les synthés ont commencé à incorporer des échantillonnages numériques (des images sonores numériques, plutôt que des imitations sonores). Les gens aimaient cela parce que les sonorités étaient plus réalistes. Ils étaient donc de plus en plus attirés par les nouveaux échantillonneurs et leurs frères hybrides, les ROMplers. Les échantillonneurs leur permettaient d’enregistrer et d’utiliser des sons, même des sons ready-made, comme le son d’œufs dans un poêlon, pouvant être joués à l’aide d’un clavier. Le ROMpler possédait une mémoire ROM remplie d’échantillonnages préenregistrés, servant la fonction d’oscillation essentielle à la synthèse soustractive traditionnelle et aux modèles de synthés oscillateur-filtre-amplificateur. Aujourd’hui, la plupart des synthés dits « stations de travail » sont une forme de ROMpler. La synthèse de table d’ondes est une forme de synthèse qui mène le ROMpler au prochain niveau. Elle permet à l’utilisateur de parcourir les différentes formes d’ondes enregistrées sur mémoire ROM et de les écouter de façon séquentielle. Il en résulte des sonorités qui évoluent lentement ou qui changent radicalement et rythmiquement, tout dépendant des formes d’ondes dont leur oscillateur est constitué.

Tout mettre en boîte

De nos jours, les synthétiseurs logiciels sont de plus en plus communs. Un synthétiseur est maintenant un logiciel qu’on installe dans un ordinateur. Les sonorités sont jouées avec un clavier MIDI.


thesizer now consists of software installed on a computer. Sounds are triggered via MIDI keyboard. Physical modeling, or sometimes just modeling, attempts not to merely replay the sound of a particular instrument but to emulate the processes by which sounds naturally arise. For instance, instead of simply sampling an oboe, or mimicking its sound via subtractive or FM synthesis, modeling calculates the force of a player’s breath blowing into a double-reed and anticipates the harmonics that would emanate from a conical bore. In a similar way, many virtual instrument software packages today attempt to emulate old analog synths by calculating the properties of decades-old electronic components and distinct sounds of classic/vintage instruments. The result is accurate beyond the recreation of tone. Modeling captures performance characteristics—the ability to ,say, “crack” the bell of a trumpet, or bend the pitch on a saxophone. Granular synthesis utilizes a complex algorithm whereby each sound is broken down to its “atomic level”. Each sound is dissected into tiny grains of component sounds, each with distinct duration and pitch. The synth player can stretch, squash, or recombine these grains into grain clouds, which can be altered in space, time, and pitch. This results in sounds that can be similar to, vaguely reminiscent of, or completely different from the source material. It’s an exciting time. In both commercial and open-source communities, there’s a flurry of experimentation into creating new forms and hybrid forms of synthesis to add to the musician’s palette. The best part is that there will always be something new to learn just over the horizon.

La modélisation physique, parfois tout simplement nommée modélisation, tente non seulement de rejouer la sonorité d’un instrument en particulier, mais d’émuler les procédés par lesquels une sonorité se manifeste naturellement. Par exemple, plutôt que de simplement échantillonner un hautbois ou d’imiter sa sonorité avec la synthèse soustractive ou FM, la modélisation calcule la force du souffle d’un musicien dans le hautbois et anticipe les harmoniques qui émaneraient d’une perce conique. Aujourd’hui, beaucoup d’ensembles d’instruments virtuels tentent de reproduire les sonorités des vieux synthés analogiques en calculant les propriétés leurs composantes électroniques et des sonorités distinctives d’instruments d’époque. Il en résulte une justesse de reproduction qui va au-delà de l’imitation sonore. La modélisation reproduit les particularités du jeu d’un instrument, comme la portée du pavillon d’une trompette ou les variations de hauteur tonale d’un saxophone. La synthèse granulaire fait usage d’un algorithme complexe selon lequel chaque sonorité est subdivisée jusqu’à son « niveau atomique ». Chaque sonorité est déconstruite en une multitude de granules, ou composantes sonores, chacun possédant sa propre durée et hauteur tonale. Le synthésiste peut alors étirer, compresser ou combiner ces granules en nuées de granules, qui peuvent ensuite être modifiées dans l’espace, le temps et selon la hauteur tonale. Il en résulte des sonorités qui peuvent être similaires, vaguement similaires ou carrément différentes de la source originale. Nous vivons à une époque excitante. Il y a énormément d’expérimentation dans le but de créer de nouvelles formes de synthèse et des formes hybrides au sein de l’industrie et des communautés « source libre ». L’élément le plus réjouissant dans tout cela est qu’il y aura toujours quelque chose de nouveau à apprendre. n

Graham Collins is a Toronto based composer/synthesist who can be reached via email at graham@pongthrob.com n

Graham Collins est un compositeur et synthésiste de Toronto. Vous pouvez le joindre à graham@pongthrob.com

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conseils

tips By / Par : Caleb Stull Traduction : Geneviève Hébert Photo : Shutterstock

The Money Pits and the Modern Musician

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hile the romantic image of the starving musician makes for great documentaries, it’s a reality many of us would be best not to strive for. Making our vocation work for us financially in this age of new opportunities and options is our goal. It requires a new, discriminating savvy. We gotta avoid the growing number of money pits. Nearly everyone in this industry would admit that the front door to fame and fortune is locked, alarmed, and guarded by a snarling Doberman. Cultural phenomena like American Idol perpetuate the notion that the way to fame is through the back door. These fantasy programs, combined with various pay-toplay Web sites, licensing clearinghouses, and on-line competitions, sell a modern Cinderella story. There’s no mention of the dirty fin-

Les dépenses inutiles à éviter pour le

musicien moderne

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l est vrai que l’image romantique du musicien qui meurt de faim fonctionne bien pour les documentaires, mais c’est une réalité que la plupart d’entre nous cherchons à éviter. Nous travaillons dur pour rendre notre vocation financièrement rentable à l’ère des opportunités et des options multiples. Pour y arriver, il faut user de beaucoup de perspicacité et de discernement, surtout si on ne veut pas se laisser aller à des dépenses inutiles. Aujourd’hui, pratiquement n’importe qui de l’industrie serait d’accord pour vous dire que la porte de la gloire et de la fortune est barrée à double tour, protégée par une alarme et gardée par un doberman féroce. Les phénomènes culturels tel que American Idol semblent pourtant dire que le chemin de la gloire se prend par la porte arrière. Ces programmes de sensations fortes veulent vous faire croire à une histoire de Cendrillon moderne, dans laquelle les musiciens

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assoiffés de gloire hâtive perdent leur chausson de verre dans des situations où ils doivent « payer pour jouer », céder leurs droits d’auteur ou encore participer à des compétitions en ligne où ils ont une chance minime de s’enrichir d’un coup. Dans la réalité, la plupart des groupes doivent se salir les ongles en passant des mois entiers sur la route afin de se faire connaître auprès des fans. Il est pourtant vrai que certains musiciens arrivent à récolter un certain succès en passant par ces nouvelles portes d’entrée, mais bien peu tirent leur épingle du jeu à long terme. Il est vrai aussi qu’il faut parfois dépenser de l’argent avant d’en faire (les demandes d’admissions dans les festivals en sont un bel exemple), mais toutes ces possibilités, en apparence infinies, pourraient finir par vous coûter cher. Avant d’investir, posezvous donc quelques questions essentielles : (1) Est-ce que cette opportunité est réaliste par rapport à où j’en suis en tant qu’artiste ?

(2) Est-ce qu’elle arrive à un moment propice dans mon cheminement ? (3) Suis-je vraiment ce qu’ils recherchent ? (4) Mon argent serait-il mieux investi dans des trucs plus pratiques et moins glamour ? Essayez de voir les choses autrement: avec l’argent dépensé pour des admissions à de nouveaux festivals, des compétitions en ligne ou des enregistrements de compilations diverses, auriez-vous pu engager votre propre agent de publicité ou agent artistique ? Dernièrement, j’ai développé un scepticisme tout spécial quant à la récente prolifération de concours de composition de chansons. Il est vrai qu’elles ont le potentiel de rendre quelqu’un très riche, mais ce n’est habituellement pas le pauvre et ingénu musicien ! La survie financière du musicien moderne est aussi menacée par le fétichisme pour l’équipement. Détrompez-vous, il n’est pas question ici d’un nouveau type de cybersexe. C’est le risque que nous encourons lorsque nous nous laissons aveugler par le battage médiatique autour des instruments et des accessoires de musique. Encore une fois, il est essentiel d’user de gros bon sens en tant que consommateur. Nous sommes tous d’accord pour dire qu’un équipement de qualité, solide et bien pensé est indispensable et que cela coûte de l’argent. Étant moi-même un adepte de la qualité, je ne vous suggère pas ici de ne plus en acheter. Il s’agit plutôt d’acheter de façon plus judicieuse. Faites vos recherches, lisez les critiques et explorez les limites de chaque nouvelle acquisition. Nous laissons parfois les fabricants d’instruments et d’accessoires


gernail reality of spending months on the road building fan bases or otherwise nurturing a career in music. Yes, some musicians find success through these new entry points—although a precious few make it through. And yes, sometimes you have to spend money to make money (festival submissions being one example), but the seemingly endless opportunities could cost you dearly. You have to ask yourself some important questions before you leap: (1) How realistic is this opportunity for where I am as an artist? (2) Does it fit into my own development plan? (3) Am I what “they” are looking for? (4) Could my money be better spent on less-glamorous, more practical returns? Think of it this way: Saving money on a few festival submissions, on-line contests or compilations could allow you to hire your own publicist or booking agent. I have a special skepticism reserved for the recent proliferation of songwriting competitions. Granted, they have the potential to make someone a lot of money—but it ain’t usually the poor starry eyed musician! Another very real threat to your financial survival is gear fetishism. No, this isn’t some new cybersex kink. It’s the risk we run when we allow the hype surrounding musical gear to cloud our vision. Again, a new consumer savvy is essential.

We all agree that quality, reliable, wellconstructed musical gear is a must and quality costs money. I love well-made instruments, so I’m not suggesting we don’t buy new gear. What we must do, however, is buy wisely. Research, read reviews, and get to know the limitations of each new bit of gear. Often we are complicit with instrument/accessory manufacturers in attributing magical qualities, as in: “This guitar will get me closer to my heroes” or “this sexy microphone preamp will disguise the fact that I’m recording crappy instruments in the company of crappy musicians.” Don’t let gear be one of those back door shortcuts. Often the hard questions we should ask ourselves are lost in the marketing glitz. For example, does the retailer offer a trial period so I can test that new amp out in my own en-

vironment and see if it works for me? Craigslist is littered with the detritus from that one. Another example: Will this instrument last through the rigors of touring, baggage checks, and stage dives? Or even better: Could I pay for a year’s worth of lessons just by putting off this one purchase? The problem does not lie with manufacturers or retailers. Currently we have access to an unprecedented choice of high quality, affordable gear. The problem lies in us—fantasydriven artists whose unrealistic expectations overshadow the fact that a piece of gear is but a tool. Tools take a distant second place to creating and performing music. The tools are not the music. We are. We work hard for the money, as the song suggests. We ought to spend wisely. n

nous convaincre de leurs qualités magiques et nous croyons ensuite à tort : « cette guitare devrait m’aider à ressembler davantage à mes idoles » ou encore : « ce séduisant préamplificateur de micro devrait déguiser le fait que j’enregistre avec des instruments merdiques et des musiciens médiocres ». Ne laissez pas l’équipement être un raccourci à vos fins. La plupart du temps, le flafla du marketing nous fait oublier de nous poser les vraies questions. Par exemple, est-ce que le détaillant offre une période d’essai pour que je puisse tester ce nouvel ampli dans mon environnement afin de vérifier s’il fonctionne pour moi ? Le site Craigslist est rempli de trucs du genre. Ou encore, est-ce que cet instrument pourra survivre aux tournées, aux contrôles de bagages et aux stage dives ? Ou encore : devrais-je retarder cet achat et me payer des leçons pendant un an ? Le problème ne vient pas des fabricants ou des détaillants. En ce moment, nous avons accès à un choix sans précédent en termes de matériel de haute qualité, et ce, à prix souvent abordables. Le problème réside en nous: en tant qu’artistes, nous laissons parfois nos fantasmes nous mener et nos attentes irréalistes éclipsent la réalité que l’équipement n’est en fait qu’un outil ! Et nos outils devraient venir au second rang lorsqu’il s’agit de créer et d’interpréter la musique. Ils ne font pas la musique. C’est nous qui la faisons. Comme le dit la chanson, nous travaillons dur pour notre argent. Nous nous devons de le dépenser sagement. n

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Production

Production

The Art of the Demo:

By / Par : Gerry Griffin Traduction : Traduction B&B Photo : Shutterstock

I

When to Quit

recently had the opportunity of submitting some of my songs to an acclaimed artist. My mailer was a “solicited package”, meaning the artist, for whatever reasons, had asked for the songs. When artists solicit a package, you’re guaranteed they’ll listen to your material, whereas when you send it “cold”, it joins a pile of similarly unsolicited material that may get trashed. I had reason to be optimistic. The artist, a Nashville legend, had heard of me and wanted to hear my songs. My best case scenario would be obtaining a publishing deal through his contacts. I immediately set out to record three songs. I determined that what I needed was a publishing demo. The intention here is to sell a song, not a performance, which explains why I minimized the arrangements and overdubs—enabling the vocals and chord changes to predominate. This way the listener would be free to interpret songs in any way he saw fit. For your purposes, you might send out a more fully produced and stylized demo; just remember that the listener will have more difficulty perceiving it as his/her own and branding it accordingly.

L’art de la démo : savoir

quand s’arrêter

R

écemment, j’ai eu la chance de soumettre quelques unes de mes chansons à un artiste réputé. On pouvait lire sur mon paquet « colis sollicité », autrement dit, l’artiste, pour des raisons quelconques, avait réclamé mes chansons. Lorsque des artistes réclament votre matériel, soyez assurés qu’il sera écouté, tandis que si vous faites des envois à l’aveuglette, ils atterriront sur la pile de colis semblables non sollicités qui risquent de se retrouver aux ordures. J’avais des raisons d’être optimiste. L’artiste en question, une légende de Nashville, avait entendu parler de moi et voulait écouter mes chansons. Dans le meilleur des cas, j’obtiendrais une entente de publication par l’entremise des ses contacts. J’ai tout de suite fait des démarches pour enregistrer trois chansons. J’en étais venu à la conclusion que je devais élaborer une démo publicitaire. Le but est de promouvoir une chanson non pas une performance, c’est pourquoi j’ai minimisé les arrangements et les surplus de doublage – de façon à ce que les voix et les changements d’accords soient prédominants. Ainsi, l’auditeur est libre d’interpréter les chansons à sa façon. Pour vos besoins personnels, vous pouvez envoyer une démo plus raffinée et stylisée; souvenez-vous que ce sera plus difficile pour l’auditeur de se l’approprier et de l’étiqueter en conséquence. Vu la nature de mon matériel et du fait que je perçoive l’artiste destinataire comme étant le symbole d’un américain de souche, je croyais qu’il était essentiel de garder la guitare et la voix à l’avant-plan et au centre du mixage, de réduire les arrangements et ainsi éviter les distractions. La meilleure avenue aurait été d’enregistrer les trois mélodies à la guitare et avec les voix, point à la ligne, et les envoyer à l’état brut. Par ailleurs j’ai choisi d’élaborer avec une section rythmique de base afin de bien définir l’atmosphère. La raison pour laquelle je l’ai fait

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Due to the nature of my material, and my perception of the recipient artist as a roots/Americana icon, it seemed appropriate to keep the guitar and voice front and center in the mix, minimize the arrangement, and avoid distractions. The best course would have been to record the three tunes with guitar and vocals, period, and send them out in raw form. I chose, however, to elaborate with a basic rhythm section to tightly seat the groove. The reason I did that is that the recipient happens to be a veteran record producer. He won’t be blinded by a couple of overdubs and accoutrements: nevertheless I kept the arrangement/production to a minimum!

Demos are not Substandard Renditions

bel the sleeve or jewel box but not label the CD itself. Once the CD leaves its case and mingles with others heaped up on the recipient’s desk, there is no way to track down the sender. With the CD properly labelled, you can repeat the contact information on liner notes, adding song titles, song lengths, names and tasks of the participants. Prior to firing off a CD package it is always advisable to register the copyright information with a performing rights organization such as SOCAN, ASCAP, or BMI. Failing that, you can gain a modicum of protection by invoking the primitive “copyright”: Send your demo and lyric sheets to yourself by registered mail. Do not open the mail when you receive it. Wait until you’re in court before a judge. The unbroken seal will serve as proof of ownership and absence of tampering. So let’s strap on our best ears and sell some of those songs and, above all, have fun. n

So, what is a demo and how does it differ from a finished CD? From my perspective, a demo is simply an unfinished CD project. There is no reason why the recording quality should be inferior, and, in fact, the demo can be revisited later and transformed into a finished record. Mind you, you’ll need a finished CD if you’re sending material to a publisher whose specialty is placing songs in movies and television. Movie and TV clients do not want to Gerry Griffin is best spend money or time to mix and master audio. They want the final known for his largerproduct so they can drop it into a film or episode. than-life vocal delivery, When sending out a demo, don’t make the same time-honhalf Tom Waitts, half ored mistakes that have destroyed budding careers. The chief of Ry Cooder, and he’s got these is not listening to the final burn (or, in the old days, casmaterial to match. With sette) to determine if there are any digital errors or distracting regard to your material, clicking noises. I have heard of instances where the recipient re- he’ll produce it in his hyceived a blank CD—one with no audio information. And there brid digital/analog wunare many instances of listeners receiving disks that don’t play derstudio on the shores on a generic media player! Another common mistake is to laad_SRH-X2u_shure_half.qxd:SRH 8/17/09 3:17 PM Page 1of McGregor Lake, QC.

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ainsi, c’est parce que le destinataire est ni plus ni moins un producteur d’album chevronné. Il ne se fera pas distraire par quelques doublages superflus et par des fla-flas : toutefois, j’ai conservé l’arrangement/production à son minimum !

Les démos ne sont pas de médiocres interprétations

Donc, qu’est-ce qu’une démo et en quoi diffère-t-elle du produit final qu’est l’album ? De mon point de vue, une démo est simplement un projet de disque inachevé. Il n’y a aucune raison pour que la qualité de l’enregistrement soit inférieure, et, en fait, la démo peut être retouchée plus tard et ensuite transformée en album final. Ceci dit, vous aurez besoin de la version finale du disque si vous envoyez votre matériel à un éditeur qui a comme spécialité de faire les trames sonores de films ou d’émissions de télévision. Les clients de ces derniers n’ont pas de temps ni d’argent à perdre à mixer et à enregistrer la bande audio. Ils exigent que le produit final soit prêt à être inséré dans un film ou un épisode de télévision. Lorsque vous envoyez une démo, ne reproduisez

pas les mêmes erreurs récurrentes qui ont anéanti des carrières prometteuses. La pire bêtise est de ne pas écouter la gravure finale (ou, comme à l’époque, la cassette) pour déceler s’il y a des erreurs numériques ou encore des cliquetis gênants. Il y a déjà eu des occasions où le destinataire a reçu un disque vierge – un disque sans piste audio. À d’autres moments, il se peut que des destinataires reçoivent des disques illisibles avec un appareil audio standard ! Une autre erreur fréquente est d’identifier la pochette ou le boitier en omettant de le faire sur le disque lui-même. Une fois que le disque quitte son boitier et qu’il se retrouve sur le bureau parmi tant d’autres, c’est alors impossible de retracer son expéditeur. En identifiant le disque clairement, vous pouvez répéter les coordonnées de vos contacts sur la pochette, en y ajoutant les titres de chansons, la durée de celles-ci, les noms et tâches de tous ceux et celles qui ont participé. Plutôt que de se dépêcher à finaliser un emballage de disque, il est toujours conseillé d’inscrire les informations à propos des droits d’auteurs à l’une ou l’autre des organisations qui enregistrent ces droits telles que la SOCAN, l’ASCAP ou la BMI. Sans cela, vous pouvez obtenir une infime protection de vos droits en invoquant le plus élémentaire des droits d’auteur : envoyez-vous votre propre démo ainsi que vos paroles de chansons par courrier recommandé. N’ouvrez pas l’enveloppe lorsque vous la recevrez. Attendez d’être à la cour devant un juge. Le sceau intact vous servira de preuve d’appartenance et d’absence de manipulation. Donc, aiguisez vos oreilles et vendez ces chansons et surtout, amusez-vous. n Gerry Griffin est reconnu pour sa voix plus grande que nature, moitié Tom Waitts, moitié Ry Cooder, et son registre est similaire à celui des ces artistes. En ce qui concerne votre matériel, il le produira dans son studio « aux merveilles » qui est hybride, c’est-à-dire qu’il produit du numérique et de l’analogique. Ce studio est situé sur les rives du lac McGregor au Québec.

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ATM350 Cardioid Condenser Clip-On Microphone. Designed to clip to brass, upright bass, reeds, piano, snare, toms, and violin.

Wired or wireless.

ATM75 Cardioid Condenser Headworn Microphone. For vocalists who can’t be tied down - live performances, presentations, houses of worship.


dossier

dossier

PRS Mira X

We trumpet the arrival of the first 24.5” scale, 22-fret Mira series guitar, speaking about the neck alone. Otherwise, the Mira X is typically smart looking, retro, and player-designed. What’s particularly appealing is the reduction in weight, this due in great part to the flatter profile and lighter bottom. And then we have aesthetics that complement the streamlined vibe: a sipo neck, solid African basswood body, three-way pickup selector affixed to a jet black ABS pickguard, and other fine electronics. You want it, we know it, but do you want it in vintage cherry, sepia burst, or basic black? Position any of these against the nickel hardware and it’s gonna be hard to choose.

PRS Mira X

Nous sommes heureux d’annoncer la parution de la première guitare de la série Mira à offrir un diapason de 24,5 pouces et 22 barrettes. Mis à part le manche, la Mira X est une guitare à l’allure sérieuse et rétro, conçue par et pour des guitaristes. Ce qui attire particulièrement l’attention est son poids réduit dû en grande partie à son profil plus mince et à l’utilisation d’une essence de bois plus légère. Et ensuite, il y a tout l’aspect esthétique qui amplifie son allure profilée : manche en acajou sipo, corps en tilleul africain massif, sélecteur de micro à trois voix sur plaque protectrice en ABS noir et autres éléments électroniques de qualité. Nous savons que vous la désirez, mais quel fini choisirez-vous ? Cerise vintage, éclat sépia ou noir ? Peu importe ce pour quoi vous opterez, ça ira à merveille avec la quincaillerie nickelée.

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The “DM” refers to Megadeth’s Dave Mustaine. We’re talking about a signature amp from a living, breathing legend who knows what it takes, and how to make, an amp rock. The cabinet is lined with a special baffle sealed tight by means of special glues and extra joints—all to ensure that the tone projects outwards and doesn’t stay trapped like jabbering monkeys in a bus shelter (!). The black carbon fiber aesthetics better than sixties Marshall fare, the ultimate in eye candy. A steel grill means business. Check out the configurations, including the classic angled top and flat faced cab stack: www.eriksonmusic.com

Marshall 1960B-DM

Le « DM » fait référence à Dave Mustaine de Megadeth. Nous avons affaire à un amplificateur signature inspiré d’une légende vivante qui sait très bien ce qu’il faut pour créer un ampli pour le rock. L’intérieur de l’enceinte est couvert d’un écran acoustique spécial, scellé avec des colles spéciales et des joints supplémentaires, assurant que le son soit projeté vers l’extérieur plutôt que d’être pris à l’intérieur comme des singes dans un abribus (!). La finition de type fibre de carbone change de l’habituel look Marshall des années 60 et la grille en acier a du mordant. Allez voir les différentes configurations offertes, y compris les têtes classiques plates et à angle  : www.eriksonmusic.com

Roland VB-99 V-Bass Roland VB-99 V-Bass

Remember the earliest synth bass combos? The Vous vous rappelez les premières basses synlight grey colored bass guitars with “roll bar” and thé ? Ces basses grises avec « roll bar » et large matching color floor console? In the pale of console assortie au plancher ? Mis côte à côte, history, it was a Fisher Price toy compared to the ces vieilles machines étaient des jouets Fisher new VB-99V Bass System, a benchmark floor Price comparativement au nouveau système de unit vastly reduced in size, vastly augmented in basse VB-99V, un appareil de plancher plus pefunction. Dual independent signal paths can be tit, mais dont les fonctions ont déculpé. Deux assigned to discrete sounds, which can be heard signaux peuvent être acheminés vers des soseparately or in seamless unison. The quick norités distinctes pouvant être entendues sépaguide to the VB-99 V-Bass might read: To actirément ou en unisson parfait. Mettez l’appareil vate unit and accomplish flawless MIDI trigger- en marche et déclenchez des sonorités MIDI à ing from your bass, plug it into the VB-99 and use partir de votre basse; branchez-la dans le VBtouch or convenient knobs 99 et utilisez le toucher www.roland.ca to create or tweak onboard ou les boutons de réglatones. Communicate with ge pour créer ou modifier sound reinforcement devicdes sonorités. Branchezes or computer and experile à un système de sonoence endless sonic options, risation ou à un ordinateur combinable in unique perpour profiter d’options sosonal patches. nores illimitées.

Visible for Miles and Miles: RS Nitro Finish Burst Series

“Nitro” is short for nitro-cellulose, a preferred finish for guitars. Paul Reed Smith Guitars is debuting Sunburst 22, Sunburst 245, and Smokeburst McCarty models, which come in new colors including special eye-opening “bursts”. Meanwhile, you can count on a slew of standard PRS niceties including custom grade curly maple tops, mahogany necks, abalone inlays,1957/2008 pickups, cool re-located, tweaked volume/tone controls, and cutaway options.

Visible des kilomètres à la ronde : la série RS Nitro Finish Burst « Nitro » est une autre manière de dire nitrocellulose, un fini de guitare de qualité. Paul Reed Smith Guitars vient de lancer les modèles Sunburst 22, Sunburst 245 et Smokeburst McCarty, offerts dans une toute nouvelle gamme de couleurs, y compris des finis « éclats » spéciaux très éblouissants. À part cela, vous avez droit à une myriade de superbes composantes de série PRS comme des tables en érable madré, des manches en acajou, des incrustations d’abalone, des micros 1957/2008, des boutons de réglage volume/tone repositionnés et un corps coupé offert en option.

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Marshall 1960B-DM


Mark Bass Amps & Modeling

Alain Caron has been spied at the Mark Bass manufacturing facility. Our investigator reports that Caron has been devising signature products. Details are sketchy but we’ve heard that Caron has tweaked speakers to his liking, using proprietary DSP software, and has placed his stamp of approval on a new line. Mark is calling it CCMP and is introducing a flagship model powered cabinet containing 10” and 6” drivers, augmented by a tweeter, all conforming to Caron’s preference for “transparent” reproduction and flat response. What’s good for Alain is great for you: Simply connect the cabinet to your laptop PC and you can do additional tweaking and tuning of speakers, cabinet, crossover, and limiter. You need to visit the Mark Bass site and hustle off to the home of its Canadian agent: www.eriksonmusic.com That’s not all. We have info on a new Mark Bass Studio Modeling System. Mark Bass officials claim it’s the “smallest amp in the world” and they ain’t whistling. It’s that small because it’s all software, from the DVD package to the silver disk within. You can install the plug-in (OSX or Windows platforms) or the stand-alone version, the latter oriented to live/PA/monitor applications, and immediately gain access to six Mark Bass amps, three heads, six microphones, tube compressors etc. This means you can take a bass track recorded with popular software, including Pro Tools, Nuendo, and CuBase, and desirable Mark Bass sonics. Go to the Mark Bass Web site for a trial run. Meanwhile, Erikson Music, the Canadian distributor, will ensure your local music shop stocks the modeling system.

Amplificateurs et simulation chez Mark Bass

On a aperçu Alain Caron à l’usine de Mark Bass. Notre enquêteur rapporte que Caron était en train de travailler sur des produits signature. Nous n’avons pas pu recueillir tous les détails, mais on dit qu’il a réglé des haut-parleurs comme il les aime, en utilisant un logiciel de traitement numérique des signaux et a approuvé sa propre gamme. Mark la nomme CCMP et offre aujourd’hui un modèle d’enceinte acoustique muni de haut-parleurs de 10 et de 6 pouces, additionnés d’un haut-parleur d’aigus, le tout conforme au désir de Caron que la reproduction sonore soit transparente et la réponse plate. Ce qui est bon pour Alain est superbe pour vous : il s’agit de brancher l’enceinte à votre ordinateur pour effectuer d’autres ajustements des haut-parleurs, de l’enceinte, de la répartition et du limiteur. Rendez-vous sur le site de Mark Bass ou sur le site de son distributeur canadien, www.eriksonmusic.com Et ce n’est pas tout. Nous avons reçu de l’information sur un nouveau système de simulation de studio Mark Bass. Les gens de chez Mark Bass affirment que c’est « le plus petit ampli au monde » et ils ne se trompent pas ! S’il est si petit, c’est qu’il est un logiciel. Il s’installe en tant que plugiciel ou logiciel (OSX ou Windows), ce dernier étant destiné à une utilisation scénique/sonorisation. Il vous donne accès à six amplis Mark Bass, trois têtes, six microphones, de la compression à lampe, etc. Donc, vous prenez une piste de basse enregistrée avec votre logiciel préféré, y compris Pro Tools, Nuendo et CuBase, et lui appliquez les sons Mark Bass désirés. Rendez-vous sur le site de Mark Bass pour en faire l’essai. Erikson Music s’assurera que votre magasin de musique en ait à vendre.

Elixir Magic Potion for Acoustic Strings

Formerly available for electric guitar, specially plated steel acoustic string sets are now available from Elixir, good news to folk guitarists who envied their plugged-in counterparts. The latter enjoyed strings that kept their tone and last five times longer. New Elixir AntiRust Acoustic Plain Steel Strings complete a line up of durable strings dating back eleven years, when Elixir introduced magic plating for wound strings. No more boiling wire in water late at night.

Anciennement disponible pour guitare électrique seulement, Elixir offre maintenant ses ensembles de cordes en acier plaqué pour les guitares acoustiques, ce qui devrait plaire aux guitaristes folk qui enviaient leurs confrères branchés. Ce sont des cordes qui conservent leur tonalité et qui durent cinq fois plus longtemps. Les nouvelles cordes d’acier Elixir AntiRust Acoustic Plain complètent une gamme de cordes durables datant d’il y a onze ans lorsqu’Elixir a commencer à revêtir ses cordes de son placage magique. Il n’est donc plus question de faire bouillir ses cordes tard la nuit.

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Cordes de guitare acoustique Elixir Magic Potion

Ibanez Darkstone

The press has already gazed fondly at the Ibanez DN500 Darkstone electric guitar, referring to it as a “classic”. Indeed it looks good for the Darkstone, which features a toggle switch altering effect from warm humbucker to cutting single-coil pickup. Media reviews took note of other prize features, particularly the sapele wood body, clearly not your basic ash, alder, flame maple, or Ronna plywood. For more info, visit efkaymusic.com

Ibanez Darkstone

La presse a déjà parlé en long et en large de la guitare électrique Ibanez DN500 Darkstone, la qualifiant de « classique ». L’avenir semble en effet resplendissant pour la Darkstone, qui est munie d’un interrupteur à bascule qui permet d’alterner entre le micro humbucker chaleureux et le micro à simple bobinage à sonorité tranchante. La presse a également fait état de ses superbes caractéristiques, comme le corps en bois de sapelli, ce qui est déjà très unique. Pour obtenir plus d’infos, rendez-vous à efkaymusic.com

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Ibanez Promethean Bass Amp

Some of the most revered studio and live bass amps—no names—have been tiny, portable combo units. The Ibanez Promethean 5110 meets that description, then leaves it in the dust. Okay, it’s small but it also has a whopping 250-watt head can be flipped out of the unit with bare hands, snap and it’s gone, and patched into some other configuration. The Promethean combo amp features graphic EQ, “vibe” control for shifting between vintage and modern tones, and line/headphone out jacks. The cabinet is a brute, a Rock of Gibraltar. Within its walls is a 10” driver that will put out unbearable sound pressure levels (as well as great tone on an acoustic gig). Footswitches and other amenities round the picture and we haven’t resorted to “shred” once! Woops... Go and investigate immediately. Efkay Music (.com) will supply your local music shop.

Ampli de basse Ibanez Promethean

Certains des amplificateurs de basse de studio et de scène les plus appréciés ont été de petits combos portatifs. Le nouvel ampli Promethean 5110 d’Ibanez est un parfait reflet de cela, mais laisse ces classiques dans la poussière. Oui, il est petit, mais il est muni d’une tête impressionnante de 250 watts qui s’enlève rapidement à la main pour être branchée ailleurs. Le combo Promethean possède un correcteur graphique, un bouton de réglage « vibe » permet de passer de sonorités classiques à modernes et il est muni de prises ligne/casque d’écoute. L’enceinte est une brute, un rocher www.efkaymusic.com du Gibraltar. Il cache un hautparleur de 10 pouces qui produit une quantité insupportable de niveaux de pression sonore (et aussi un super beau son pour les programmes acoustiques). L’ensemble est complété par des interrupteurs au pied et autres accessoires. Vous devez en faire l’essai. Efkay Music (.com) est le fournisseur de votre magasin de musique.

They are new instruments from Jay Turser and they are priced competitively. JT 2009 model guitars and basses follow a tradition of stability and fine appointments. Jay Turser guitars deliver the optimum punchy sound that results when stable, classically built necks meet dense, tight-grained bodies fitted with appropriate electronics. Let’s list a few of the desirable features, aside from those premium finishes: Alnico humbucking pickups, six and twelve string models with single and double cutaways, premium maple/rosewood/alder necks and bodies, die-cast tuners, fine bindings and inlays. Discover more at: www.coastmusic.com

Guitares et basses Jay Turser

Jay Turser offre de nouveaux instruments en 2009 et ils affichent des prix très raisonnables. Les guitares et basses JT 2009 sont issues d’une tradition de stabilité et de détails de qualité. Les guitares Jay Turser produisent une sonorité optimale grâce à leurs manches de fabrication classique et à leurs corps en bois à grain serré muni de systèmes électroniques appropriés. À part leur finition de qualité supérieure, notons quelques-uns de leurs caractéristiques : micros humbucker Alnico, modèles à six et douze cordes avec couple simple ou double, manches et corps en érable/palissandre/aulne, clés d’accordement moulées, bordures et incrustations de qualité. Vous trouverez plus d’infos chez www.coastmusic.com

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Significant pop gatherings, design cultures, and heritage artists inspire four new lines of guitar straps from Planet Waves. Each of the series—Woodstock, Alchemy Gothic, McWhite, and Legal Threat—come in six fashionable versions. Visit: www.daddariocanada.com

Nouvelle vague de courroies

Inspirées d’un festival géant, d’une culture artistique et d’artistes variés, les quatre nouvelles séries de courroies de guitare de Planet Waves, Woodstock, Alchemy Gothic, McWhite et Legal Threat, sont offertes en six versions. www.daddariocanada.com

Starla Stoptail

Some of our readers—a credible and influential bunch—spoke highly of the original PRS Starla single-cutaway guitar with Bigsby tremolo bridge, but wondered aloud if the remarkable instrument might be better off without the tremolo. Paul Reed Smith would be have been foolish to yank the tremolo from an exciting, popular vintage-inspired guitar. Instead of messing up a good thing, the company now debuts the Starla Stoptail, mahogany from snout to tail, but fitted with a twopiece adjustable stoptail bridge. Cutting to the chase, the new Starla handles well, feels a little lighter and a shade more maneuverable. A more pronounced mid-range “woodiness” adds to the existing razor cut, as does the solid bottom end.

Starla Stoptail

Certains de nos lecteurs (des types crédibles et influents!) ont eu de très bons commentaires à propos de la guitare à simple coupe PRS Starla originale munie d’un chevalet Bigsby, mais se sont tout de même demandés à quel point cet instrument remarquable serait encore mieux sans le trémolo. Paul Reed Smith aurait fait une erreur d’ôter le trémolo de cette guitare populaire d’inspiration d’époque. Donc, plutôt que de gâcher un instrument plus que valable, le fabricant a décidé de créer la Starla Stoptail, faite entièrement d’acajou et munie d’un chevalet deux-pièces stoptail. La nouvelle Starla se manie extrêmement bien et semble un peu plus légère. Côté sonore, on perçoit un certain aspect « boisé » dans les fréquences médianes et graves, ajoutant de la rondeur à la sonorité tranchante si caractéristique.

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Jay Turser Guitars and Basses

New Wave of Straps


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Profile’s Newest Products Ramp up Canadian Profile

Les nouveaux produits de Profile donnent du prestige à l’entreprise canadienne

Profile, the twenty-plus year old brand nurProfile, marque existante depuis plus de vingt ans, distribuée par tured and distributed by Coast, is a line of well Coast, propose une gamme d’instruments et d’accessoires bien conceived instruments and accessories. A conçus, dont voici trois exemples. Les étuis de guitare Profile cons­ quick example or three: Profile Guitar m tituent une nécessité durable pour tout musicien qui doit quitter la séco Bags are durable necessities for any muic. curité de sa chambre. Fabriqués à partir de tissu de qualité supérieure, s u sician who leaves the basement. To that ces étuis sont savamment remplis de mousse. Les bandoulières sont m st a end, they’re constructed of high-end fabergonomiques, mais vous préférerez peut-être utiliser la poignée de .co ric and are chock-full of foam in the right placcuir. Tandis que nous parlons de protection, notez que les étuis 906 w w w es. Shoulder straps are ergonomic but you may opt for de Profile offrent une protection supplémentaire pour votre guitare the funky leather handle. While we’re in the protection racket, note that grâce à un support de manche rembourré ajustable, un dos rembourré new Profile 906 Bags afford your guitar an extra measure of trauma reet une courroie de velcro verrouillable. Ils sont noirs et décorés de fasistance thanks to an adjustable padded neck support, padded back, and çon contemporaine. Avertissement : si votre guitare est désaccordée, locking Velcro strap. Contemporary graphics dance atop basic black. Disne blâmez pas l’étui. Vous aurez besoin de l’accordeur PT-2700 de claimer: If you arrive at the gig and your guitar is out of tune, don’t blame Profile. Assez petit pour vous accompagner partout, l’accordeur PTthe bag. You need the new Profile PT-2700 Tuner. Tiny enough to tote 2700 se fixe n’importe où grâce à un dos adhésif ou des pinces. Le around comfortably, the PT-2700 fastens securely to such unlikely surfacfond de l’écran à angle ajustable change de couleur pour vous indiquer es as ceilings by means of adhesive backing or clips. An adjustable-angle que les cordes de votre guitare, de votre basse ou de votre violon sont screen changes background colors, dramatically warning that your guitar, accordées ou non. L’appareil fonctionne en percevant les vibrations bass, violin etc. is sharp or flat. The device reads surface vibrations or inde surface ou les sons qu’il capte avec son microphone. Il accorde, put from the on- board mic. It tunes, it rocks. sans flafla.

Line VI Launches Spider IV

Digital Modeling pioneer Line 6, the company renown for newage pods and stompboxes, now injects new blood, as it were, into the Spider line of modeling amps—amplifiers that one moment replicate the Fender Twin sound (not the back-breaking weight), next moment the Vox AC30. New Spider VI amplifiers do a thoroughly pro job of modeling and come in three combos clocking between 75 and 150 watts. Also available: a 50-watt head. They feature over 350 dazzling, song-based presents. Thanks to Line 6, the affordably priced Spider VI send a message that the modeling thing is all-growed-up. You simply won’t believe the new tones. Press a button and it’s scratching Djs or swimming iconic Irish pop band textures—you name it, you select it. Check out immediately: www.sfm.ca

Line VI lance Spider IV

Line 6, le pionnier de la simulation numérique, connu pour ses pods et ses pédales à multieffet, injecte du nouveau sang dans sa gamme d’amplificateurs de simulation Spider, des amplis qui peuvent reproduire le son d’un Fender Twin (sans le poids) ou d’un Vox AC30. Les nouveaux amplificateurs Spider IV offrent une simulation de qualité professionnelle et se déclinent en trois combos allant de 75 à 150 watts. Une tête de 50 watts est également offerte. Ils contiennent plus de 350 sonorités impressionnantes. Grâce à Line 6, la gamme d’amplificateurs abordables Spider IV prouve que la simulation a atteint sa maturité. Vous n’en croirez tout simplement pas vos oreilles. Appuyez sur un bouton et vous obtenez des sonorités de DJ ou des textures iconiques de pop irlandaise. Tout ce que vous désirez est là. www.sfm.ca

Boss Multi-Effects Rules

The new Boss ME-70 Guitar Multiple Effects unit is bursting at the seams with sounds, textures, amp modeling treatments, simple effects presets Boss calls EZ Tones, and Phase Loop for standard “linear” loops or sound-on-sound applications. Easy for all to use, the Olympian stomp box deserves the credo: One box, one pedal, one world of sound.

Les multieffets Boss n’ont pas d’égal

Le nouveau multieffet pour guitare ME-70 de Boss déborde de sonorités, de textures, de simulations d’amplis et de préréglages que Boss nomme EZ Tones, et comprend le système Phase Loop permettant de produire des boucles linéaires ou des superpositions sonores. Facile à utiliser, cette pédale mérite vraiment www.roland.ca le credo suivant : une boîte, une pédale, un monde sonore.

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Blade & Dayton: Form Follows Function

The Blade company says this of the models just added to the Dayton series: “...they are the definitive expression of comfort-enhancing ergonomics, perfect balance and pure tone”. Blade refers to both the new Dayton Standard, with maple neck, alder body, and VS-1 Blade single-coil pickup, and the LP-92 Soapbar. They also mention a new Dayton Deluxe, which derives fatter tone from the addition of two Alnico humbuckers: www.wescanmusic.ca

Blade et Dayton : la forme suit la fonction Blade avait ceci à dire à propos des nouveaux modèles de la série Dayton : « …ils constituent l’expression définitive d’une ergonomie qui améliore le confort, l’équilibre et la pureté sonore. » Blade fait référence à la nouvelle Dayton Standard, munie d’un manche en érable, d’un corps en aulne, d’un micro à simple bobinage VS-1 Blade et du micro LP-92 Soapbar. Le fabricant parle également de la nouvelle Dayton Deluxe, qui produit une sonorité plus grasse avec ses deux micros humbucker Alnico. www.wescanmusic.ca


© 2008 PRS Guitars Photography by Marc Quigley

© 2008 PRS Guitars © 2008 Photography PRS Guitars byPhotography Marc Quigleyby Marc Quigley

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Elsewere in this issue, we mentioned the Fender Twin, noble in tone yet cumbersome in carry. Well the Boss FRV-1’63 Fender Reverb is a stomp machine light years lighter than any old Fender amp. It’s a Fender Reverb in a foot-triggered box. You’ll be needing it if you harbor any thoughts of rendering Ventures hits, Beachboys surf pop, or even Eddie Cochrane (the best player of the lot), not to mention country, blues, and grunge. The FRV-1’63 houses classic tones, certain overdriven tube tones (“Walk Don’t Run”), and razor-sharp sting tones (“Apache”). Then we get to the Mixer, Dwell, and Tone controls, which push the vibe even further down the road. We’re billing it as a guitar stomp box but please note that the FRV-1 can be hooked up to a PA or console; it’s clean and quiet enough for vocalists.

Boss Twin

Nous avons déjà mentionné, ailleurs dans ce numéro, les fameux amplis Fender Twin, à la sonorité divine et au poids herculéen. Eh bien, la pédale FRV1’63 Fender Reverb de Boss est mille fois plus légère que ces vieux amplis. C’est un Fender Reverb dans une pédale! Vous en aurez besoin si vous désirez jouer les succès des Ventures, des Beachboys ou même d’Eddie Cochrane (le meilleur guitariste du lot), sans parler de country, de blues et de grunge. La pédale FRV-1’63 abrite des sonorités classiques, dont certaines reproduisent la distorsion naturelle des lampes (« Walk Don’t Run ») et d’autres les tonalités tranchantes caractéristiques (« Apache »). Et ensuite, il y a les réglages Mixer, Dwell et Tone, qui permettent de personnaliser ces textures. On en parle comme étant une pédale de guitare, mais rappelez-vous que la FRV-1 peut se brancher directement à une console ou un système de sonorisation; elle est assez silencieuse pour être utilisée avec des voix.

D’Addario EXP Rings Clearer: To Coat or not to Coat

You thought the coating was plenty thin and you enjoyed the chime-like resonance. But oh no, that wasn’t good enough for him. Jim D’Addario wanted more and, typically, he descended to the depths, where novel ideas dwell, and emerged with an EXP string featuring fifty percent less coating. Not only that but it retained unprecedented longevity, bright crisp tone, and a more consistent feel. Jim feels the new EXP is the best sounding acoustic guitar string on the market and he’s banking on you agreeing once you take a blindfold test—the new EXP vs any uncoated string. Incidentally, the new EXP is not, despite all this banter, truly a coated string. It’s not like they dip it into a vat. Rather, D’Addario takes plain steel strings and plates them in a proprietary fashion. The new EXP was quietly slipped into existing sets and did so well it’s now taken over the old line and comes in sets. Visit: www.daddariocanada.com

Cordes D’Addario EXP plus claires

Vous pensiez que le revêtement était assez mince et vous aimiez leur sonorité de carillon. Mais ce n’était pas satisfaisant pour Jim D’Addario. Il en a fait sa cause et a réussi à créer une corde EXP avec cinquante pour cent moins de revêtement qu’avant. Et il n’y a pas que cela; elle a une longévité accrue, une sonorité claire et précise, et offre une sensation plus consistante. Jim croit que les nouvelles cordes EXP sont les meilleures cordes de guitare acoustique sur le marché et il est certain que vous serez d’accord avec lui en faisant un test à l’aveugle entre les EXP et des cordes sans revêtement. Soit dit en passant, la nouvelle EXP n’est pas, malgré tout ce qu’on peut lire, une corde avec revêtement. Elle n’est pas trempée dans une solution. En fait, D’Addario plaque des cordes en acier selon un procédé unique. www.daddariocanada.com

Platinum from Levy

Levy’s Leathers is expanding its popular Platinum Collection of guitar straps with several additions, among them this leather-backed, foam padded, striped polyurethane durable and slick number. Not “slick” as in “slide” but “slick” as in “cool” or “ultra-modern”.

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Boss Stomp a Twin

Planet Waves Headstock Tuners

It’s light, fits easily to head or bridge of a variety of instruments via convenient clips, and does its job flawlessly despite a confusion of ambient clatter and without the need for cables snaking across dark stages. In fact, it does well in low light. Reading vibrations fed through piezo pickups, Planet Waves Headstock Tuners signal the musician as a stop light signals an automobile, the difference being than a single errant note can’t squeak through. The unit will retail around fifty bucks—infinitely better than suffering scorn and musical demerit points for such a basic transgression. Visit: www.daddariocanada.com

Accordeur Planet Waves

Il est léger, s’installe facilement sur la tête ou sur le chevalet d’une variété d’instruments grâce à sa pince pratique et fonctionne parfaitement, même dans les environnements bruyants, sans fils qui traînent au sol. Et il fonctionne très bien dans le noir. Percevant les vibrations des cordes, l’accordeur de Planet Waves indique clairement au musicien si la note n’est pas bonne. L’appareil se vendra autour de cinquante dollars, ce qui est peu si l’on ne veut pas se faire pointer du doigt pour cause de ne pas être accordé. www.daddariocanada.com

Platinum de Levy

om s.c r he Levy’s Leathers annonce quelques nouveautés dans at sa série de courroies de guitare populaires Platinum ysle v ­Collection, dont ce modèle durable à rayures, en po.le w w lyuréthane rembourré de mousse et renforcé de w cuir. Très cool et ultramoderne !

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Godin Redline

Genz Benz ShuttleMAX

It’s a light-weight bass amp that packs a heavy-weight punch. Available in 600 and 1200-watt configurations, the Genz Benz ShuttleMAX offers a dual preamp function that includes FET and 12AX7 tube channels, a powerful amplifier, four-band active EQ, adjustable signal shaping circuits, LED indicators you can actually see on stage, and a five-position footswitch that will trip any on board feature—and pop open the trunk of your car in the adjacent parking lot. B & J Music distributes the new GB Shuttle.

Genz Benz ShuttleMAX

Levy’s Urban Prints

Levy’s Urban Prints straps is an ever-expanding catalog, witness the MG3EP strap. Distinguished by a artful juxtaposition of soft leathers, tasteful piping, and suede backing, the MG3EP comes in six equally attractive designs.

Levy’s Urban Prints

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Voici un amplificateur de basse léger qui a du punch. Offert en configurations de 600 et de 1 200 watts, le ShuttleMAX de Genz Benz est muni d’une préamplification double comprenant FET et des canaux de lampes 12AX7, un amplificateur puissant, un correcteur actif à quatre bandes, des circuits de modification de signaux ajustables, des voyants DEL très visibles sur scène et un interrupteur au pied à cinq positions qui permet de changer n’importe quelle caractéristique. Et le tout entre parfaitement dans le coffre de votre voiture ! B & J Music est le distributeur du nouvel ampli GB Shuttle.

Urban Prints de Levy’s est une gamme de courroies sans cesse grandissante. Jetez un coup d’œil sur la courroie MG3EP. Se distinguant par sa juxtaposition artistique de cuirs souples, de tubulures et d’un envers en suède, la courroie MG3EP est offerte en six versions toutes plus attrayantes les unes que les autres.

Ibanez Destroyer

Joining the Ibanez X Series of atypically shaped electric guitars (perhaps there is a “Flying X”...) the Ibanez Destroyer DTT700 mates novel form with ergonomic comfort with Colt 45 firepower. Okay, maybe the Colt is yesterday’s metal piece, but the Destroyer is today’s metal high-gain thrasher.

Ibanez Destroyer

La Destroyer DTT700 s’ajoute à la série de guitares aux formes atypiques X d’Ibanez. Elle juxtapose une forme unique à l’ergonomie et offre la puissance d’un révolver Colt 45. Bon, le Colt est déjà bien dépassé, mais la Destroyer est faite pour le métal d’aujourd’hui. www.efkaymusic.com

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Godin dedicates several new models to a demographic they typify as “the metal minded”, a unique and primal aggregation who make use of not-so-primitive “shred machines”. Accordingly, Godin has designated the the models with no-fuss model names: Redline 1, Redline 2, Redline 3, and Redline HB. Fast maple necks, rosewood fingerboards, silver leaf maple bodies , active humbuckers, Floyd Rose Tremelo Bridges, string-thru-body, and beautiful flame finishes are selling points. Godin also announces the 5th Avenue Kingpin P90, a guitar with single single-coil pickup, molded arch top/back, classic f-holes, floating pickguard and, their words, “a little attitude”. We're thinking that this instrument would shred with the best of 'em. Visit: www.godinguitars.com

Godin Redline

Godin consacre plusieurs nouveaux modèles à ceux que le fabricant qualifie « d’esprit métal », un groupe unique et primal qui fait habituellement usage d’instruments pas vraiment primitifs. Par conséquent, Godin a regroupé ces guitares dans la même série et les a nommées simplement : Redline 1, Redline 2, Redline 3 et Redline HB. Parmi leurs caractéristiques, notons leurs manches rapides en érable, touches en palissandre, corps en érable franc, micros humbucker actifs, chevalets Floyd Rose Tremelo, cordes passant dans le corps et leurs superbes finis. Godin annonce également la parution de la 5th Avenue Kingpin P90, une guitare munie d’un micro à simple bobinage, d’une table et d’un dos voûtés, des ouïes en f, un protège table flottant et, selon Godin, « un peu d’attitude ». Nous croyons que cet instrument n’a absolument rien à envier à ses concurrents. www.godinguitars.com


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www.cegep-st-laurent.qc.ca 625, avenue Sainte-Croix, Saint-Laurent (Québec) H4L 3X7 Tél. : 514.747.6521 Métro Du Collège

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Cover: Wayne Eagles / Theme: Electric Basses & Guitars