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Camaradas Dirección General Adolfo Lemos adolfolemos@musicmachine.com. co Corrector de Estilo Miguel Corzo redaccion@musicmachine.com.co Redactores en esta edición Gustavo Arenas (Dr. Rock), Alejandro Bonilla, Miguel Corzo, Diego Cruz, Manuel Estévez, Francisco Gómez, JHT, Camilo Olaya, Luisa Piñeros, Donny Rubiano, Felipe Sepúlveda. Portada Por: Omar Alarcón - MotDesing – www.facebook.com/MotDesign Dirección de arte, diseño, diagramación, Pre prensa e Impresión Héctor García Pérez managercompany@gmail.com Depto. Comercial comercial@musicmachine.com.co Web Site Andrés Ballén www.mediafacto.com

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Las opiniones expresadas en esta revista no son compartidas necesariamente por el equipo de trabajo de Music Machine Magazine. La reproducción total o parcial de los artículos, imágenes y diseños publicados en esta o demás ediciones está expresamente prohibida a menos que se conceda previa autorización. Music Machine Magazine ®, Diciembre 2011 – Febrero 2012. www. musicmachine.com.co

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oam Chomsky es un importante crítico de las sociedades modernas. Por ello, quiero promover una reflexión de fin de año con las 10 estrategias de manipulación mediática formuladas por él; cualquier parecido con la realidad colombiana, no es pura coincidencia: 1. La estrategia de la distracción. Este es el elemento primordial del control social y, consiste en desviar la atención del público de los problemas importantes y de los cambios decididos por las elites políticas y económicas, mediante la técnica del diluvio, o inundación de continuas distracciones e informaciones insignificantes. La estrategia de la distracción es igualmente indispensable para impedir al público interesarse por los conocimientos esenciales, en el área de la ciencia, la economía, la psicología, la neurobiología y la cibernética. “Mantener la atención del público distraída, lejos de los verdaderos problemas sociales, cautivada por temas sin importancia real. Mantener al público ocupado, ocupado, ocupado, sin ningún tiempo para pensar; de vuelta a la granja como los otros animales”. 2. Crear problemas y después ofrecer soluciones. Este método también es llamado “problema-reacción-solución”. Se crea un problema, una “situación” prevista para causar cierta reacción en el público, a fin de que este sea el mandante de las medidas que se desea hacer aceptar. Por ejemplo: dejar que se desenvuelva o se intensifique la violencia urbana, u organizar atentados sangrientos, a fin de que el público sea el demandante de leyes de seguridad y políticas en perjuicio de la libertad. O también: crear una crisis económica para hacer aceptar como un mal necesario, el retroceso de los derechos sociales y el desmantelamiento de los servicios públicos. 3. La estrategia de la gradualidad. Para hacer que se acepte una medida inaceptable, basta aplicarla gradualmente, a cuentagotas, por años consecutivos. Es de esa manera que condiciones socioeconómicas radicalmente nuevas (neoliberalismo) fueron impuestas durante las décadas de 1980 y 1990: Estado mínimo, privatizaciones, precariedad, flexibilidad, desempleo en masa, salarios que ya no aseguran ingresos decentes, que de haber sido aplicadas de una sola vez, hubiese provocado una revolución. 4. La estrategia de diferir. Otra manera de hacer aceptar una decisión impopular es la de presentarla como “dolorosa y necesaria”, obteniendo la aceptación pública en el momento, para una aplicación futura. Es más fácil aceptar un sacrificio futuro que un sacrificio inmediato. Primero, porque el es-

fuerzo no es empleado inmediatamente. Luego, porque el público, la masa, tiene siempre la tendencia a esperar ingenuamente que “todo mejorará mañana” y, que el sacrificio exigido podrá ser evitado. Esto da más tiempo al público para acostumbrarse a la idea del cambio y de aceptarla con resignación cuando llegue el momento. 5. Dirigirse al público como criaturas de poca edad. La mayoría de la publicidad dirigida al gran público utiliza discurso, argumentos, personajes y entonación particularmente infantiles, muchas veces próximos a la debilidad, como si el espectador fuese una criatura de poca edad o un deficiente mental. Cuanto más se intente engañar al espectador, más se tiende a adoptar un tono infantilizante. ¿Por qué? “Si uno se dirige a una persona como si ella tuviese la edad de 12 años o menos, entonces, en razón de la sugestionabilidad, ella tenderá –con cierta probabilidad– a una respuesta o reacción también desprovista de un sentido crítico, como la de una persona de 12 años o menos de edad”. 6. Utilizar el aspecto emocional mucho más que la reflexión. Hacer uso del aspecto emocional, es una técnica clásica para causar un corto circuito en el análisis racional y en el sentido crítico de los individuos. Por otra parte, la utilización del registro emocional permite abrir la puerta de acceso al inconsciente para implantar o injertar ideas, deseos, miedos y temores, compulsiones, o inducir comportamientos. 7. Mantener al público en la ignorancia y la mediocridad. Hacer que el público sea incapaz de comprender las tecnologías y los métodos utilizados para su control y su esclavitud. “La calidad de la educación dada a las clases sociales inferiores debe ser la más pobre y mediocre posible, de forma que la distancia de la ignorancia entre las clases sociales inferiores y las clases superiores, sea y permanezca imposible de alcanzar”. 8. Estimular al público a ser complaciente con la mediocridad. Promover al público a creer que es moda el hecho de ser estúpido, vulgar e inculto. 9. Reforzar la auto-culpabilidad. Hacer creer al individuo que es solamente él, el culpable de su propia desgracia, por causa de la insuficiencia de su inteligencia, de sus capacidades, o de sus esfuerzos. Así, en lugar de rebelarse contra el sistema económico, el individuo se auto desvalida y se culpa, lo que genera un estado depresivo, uno de cuyos efectos es la inhibición de su acción. Y sin acción, ¡no hay revolución!

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La Derecha

Album Polvo eres Sello MTM Año 2011 Site

olvo Eres es la banda sonora de la Bogotá actual, la ciudad que ha mutado en los últimos quince años, y que vuelve a tener a La Derecha como compañera sonora. Distantes pero nunca alejados, la emblemática agrupación, insigne del rock alternativo capitalino en los noventa, después

de quince años, presenta un disco que no pretende evocar lo que fue en su momento, si no por el contrario, reafirmar que la música es como los seres vivos y que las bocanas de aire también son necesarias para existir. Con cinco versiones de temas como ‘La Falla’ (Kevin Johansen), ‘Simulación’ (vallenato

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Veka

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l espíritu que abraza el debut de Veka es la buena onda, una virtud que se hace latente en cada una de las canciones que viajan a ritmo de reggae, rock, pop y aires del caribe colombiano. Luego de varios experimentos musicales

Album Sello Año Site

Veka Independiente 2011 www.vekamusic.com

y junto al guitarrista Camilo Velásquez, la actual vocalista de la Revuelta da un salto en su carrera, demostrando que su voz tiene matices y una asombrosa versatilidad que le permite dar vida a sus propias composiciones. Veka le traerá una suerte

de alivio a sus días con canciones como ‘Tú’, ‘Caminando’ o ‘Ráscate’, sencillos temas que recurren a un lenguaje cotidiano que en esencia, no son más que pensamientos bonitos provenientes de un corazón bonito.

Lucrecia Dalt

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clásico de Rafael Manjarrés), ’Emociones’ (Roberto Carlos), ‘Ruido’ (Joaquín Sabina) y ‘Tania’ (Joe Arroyo), y temas inéditos como ‘Cinco pistolas’, ‘El puñal’ y ‘Cinco pistolas’. La Derecha trasciende y reaparece para recordarnos que en la música polvo eres y en polvo te convertirás.

olsas plásticas, sonido ambiente, palmas, voces, texturas, son algunos de los elementos que utilizó esta pereirana en su casa estudio de Barcelona para producir su nuevo disco. Son sonidos que habitan el aquí y el ahora, que se graban por capas, eligiendo como en una paleta de colores, los tempos,

Album Sello Año Site

Congost Pruna Recordings 2010 www.lucreciadalt.com

ritmos, efectos y voces que se van sobreponiendo. Canciones que se fabrican in situ, sobre la marcha misma y que se reproducen después, como una foto que se piensa, se revela y se colecciona. Así es su propuesta, más conocida en el mundo como “room music” o música de habitación, hecha en un formato que impli-

ca un solo músico y la complicidad de un secuenciador, unas bases de loops, la guitarra, el bajo y la voz. Su nuevo disco es un ejercicio de dominio absoluto de las máquinas, el cuerpo que las manipula y el espíritu que las compone. Canciones para un ambiente lo-fi, casero y creativo: “Medellín”, “Questions” o “Ceniza”.


Mexicolombia Fusión Project

Album Mexicolombia Fusión Project Sello Discos Intolerancia Año 2011 Site www.myspace.com/mexicolombia_proyecto

ste trabajo musical es el resultado de la Residencia Artística Colombia - México, que el Ministerio de Cultura de Colombia y el FONCA (Fondo Nacional para la Cultura y las Artes), le otorgó al artista mexicano, Carlos Cuevas. Una inversión que le dio la posibilidad al ex teclista y fundador de la agrupación ´Los de Abajo´, de entrelazar dos pueblos a través de su música. Desde 2009, año en el que llegó a Colombia, se convirtió en un andariego con

memoria que caminó con su grabadora por los parajes de Santa Marta, Barranquilla, Monteria, San Pelayo (Córdoba), Sincelejo y Puerto Escondido, aterrizando en Bogotá para unir fraternalmente la cumbia, el son jarocho, la gaita, el bambuco, el mapalé y el son itsmeño en esta producción que recoge tradición en un mundo abismalmente moderno. Conéctese con: La llorona, Tres Clarinetes y Calle Soledad.

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Por: Luisa Piñeros lizjoin@yahoo.com

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Darkness declara guerra a la guerra Por: Dr. Rock gustavo.arenas@gmail.com

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i comparáramos a Darkness, por su edad (cerca de los 25), con el desarrollo de un ser humano, diríamos que su tiempo de desarrollo y formación está completo y listo para salir a conquistar el mundo en busca de coronar el pináculo de sus realizaciones.

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Si queremos hablar del Darkness actual tenemos que, obligatoriamente, hablar de Rodrigo Vargas, su guitarrista y vocalista, de su tesón y tozudez para no dejar desaparecer a esta legendaria agrupación bogotana. Aunque el grupo se llame ‘Oscuridad’, Rodrigo tiene muy claros sus objetivos, mantener a Darkness vivo y vigente por lo alto, manteniéndose como ha sido usual en ellos, al margen de la comercialización y sin sacrificar su estilo y calidad. Para sostenerlo, Rodrigo ha encontrado el complemento musical del bajista Jairo Andrés Buitrago y del extraordinario baterista Néstor Osuna. Pero no se puede hablar de Darkness sin mencionar a Oscar Orjuela, su fundador y motor durante tres lustros, quien dejo las bases musicales y marcó el sendero ideológico por el cual debería transitar la banda. Tampoco podemos omitir los nombres de Jake Cruz y Carlos Olmos, quienes al lado de Rodrigo y Oscar conformaron la más célebre alineación del grupo. Igual debemos mencionar a otras personas y personajes que colaboraron en su solidificación. Músicos como Mauricio Acevedo, Jorge

McKenzie (Neurosis), K-nuto y Javier Cano quienes en algún momento aportaron su talento y creatividad. Diseñadores como el renombrado Leo Espinosa, autor del arte en las carátulas de “Espías Malignos” y “Guerrofobia”, Yuri Vargas, Mutrio, Lulú Cordoba, Luchito Cardozo (qepd) y la gente de Rock/Ola, legendaria y desaparecida discotienda que sirvió como sello de su primera producción, ‘Espías Malignos’. Vale la pena destacar la buena amistad y colegiación que tuvo Darkness con Nicolás Amaya, Nacho Bedriñana (qepd) y Joseph Watson, de la también agrupación

bogotana, ‘Ágata’. Orjuela, Amaya y Knuto tuvieron un proyecto lateral llamado Himen. Siglo XXI Volviendo a lo que nos atañe –Darkness en su versión siglo XXI–, hay que resaltar, el respaldo de continuar que ha recibido Rodrigo de sus ex compañeros, Oscar y Carlos, residentes ahora en el extranjero. El espaldarazo se extendió hasta Leo Espinosa, quien aportó de manera desinteresada el arte que ilustra la carátula del nuevo álbum.


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‘GUERROFOBIA’, así se llama su más reciente álbum, contiene siete temas ya tradicionales de Darkness que no habían encontrado su nicho en las producciones anteriores. Con ligeros cambios en los arreglos musicales y en las letras, encontramos tres composiciones de Jake –1914, Guerrofobia, Temores–, tres canciones compuestas entre Oscar y Rodrigo, – Anhelando, Positivamente No, Cuantas Veces– y una totalmente de Oscar, ‘Azul’. En esta producción sigue vigente el sonido Darkness, ese metal pesado y velocidades variables que no es nada más que un Thrash criollo representativo de Bogotá, y aunque muchos han tratado de descalificar o minimizar a Darkness, por no haber entrado en corrientes más duras del metal (clasificándolo como Hard Rock), ellos han tenido permanentemente una legión de seguidores, nuevos y antiguos, que corean sus canciones en sus shows. ‘Meta-

lero’, ‘Espías Malignos’, ‘Lágrimas’ y ‘Cría Cuervos’, tienen el estatus de himnos entre sus seguidores. Aunque muchos cronistas (algunos peyorativamente) ubican al grupo en Soacha, hay que aclarar que es ante todo una agrupación capitalina, nacida en las mismas entrañas de Chapinero, que siente fobia por la guerra (una aversión de la que todos deberíamos sufrir) y que con su álbum “Guerrofobia” le declara la guerra a la guerra. “Guerrofobia” el nuevo trabajo de Darkness ya circula y está disponible en tiendas especializadas y conciertos de la banda y, a Rodrigo Vargas, lo pueden ubicar en las redes sociales.


Camilo Olaya olayazea@hotmail.com

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iempre me he preguntado por qué en Colombia la industria musical en los últimos 20 años ha estado básicamente en manos de una exótica generación de pelagatos, que se ha dedicado a ensordecer las cabezas de los colombianos, principalmente en la música juvenil, donde por ejemplo, para ser locutor de radio solo es necesario hablar y pensar como un pre-adolescente, y tener ese recalcitrante acento al expresarse sobre lo más banal que se le puede ocurrir, sin importar para nada elementos básicos en el oficio como: la correcta modulación, técnica vocal, o por lo menos una vocación melómana, que en otros tiempos era requisito indispensable, pues no se trata necesariamente de que sean músicos, o expertos en todos los géneros, pero sí por lo menos, grandes conocedores de la línea musical del medio en el cual trabajan.

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Aún más siniestra es la situación de las directivas de las casas discográficas, en manos de personas inoperantes para su labor, que en el mejor de los casos conocen de mercadeo y promoción, pero sin la más mínima idea de una expresión artística tan fundamental como lo es la música y su medio. Es tal la desazón de esta dinámica, que estos personajes de radio antes mencionados, después de un recorrido light por la dial, terminan siendo los escogidos para dirigir las grandes discográficas, bajo el argumento de que son los que conocen “los gustos” de los oyentes, o porque sencillamente son cercanos a los programadores de la emisora en la cual trabajaron, y por ende pueden hacer sonar

sus productos (los de las disqueras) en sus antiguos sitios de trabajo. Por otro lado, encontramos algunos casos remotos de conocedores de música, pero con muy pocos conceptos de desarrollo industrial, mercadeo y todas esas herramientas, que son indispensables para la supervivencia en este difícil medio. Es necesario tener ciertos conocimientos básicos para ingresar y mantenerse dignamente en este medio musical que afecta a miles de miembros, ya sea dentro del negocio como: músicos, productores, programadores, ingenieros de grabación, diseñadores gráficos, arreglistas, técnicos, distribuidores, vendedores, compositores, disjockeys, o simples escuchas que reposan sus oídos sobre canciones escogidas bajo unos dudosos criterios seleccionados la mayoría de veces por los menos indicados, los PELAGATOS DE LA MÚSICA. El asunto no para ahí, yo quisiera saber quien les otorgo el derecho de escoger la banda sonora de nuestro diario vivir, a perfilar éxitos, a escoger el artista que marcará la vida de muchos, así como a desechar las propuestas de otros, porque todos sabemos que en la industria no es necesario ningún alto nivel ni musical, ni estilístico, ni vanguardista para triunfar, cuando su mejor arma es la repetición machacante en busca de éxitos, lo demás va a quedar en otro plano mucho menos importante. Afortunadamente, el desarrollo de la web y las nuevas tecnologías, han acelera-

do los muy necesarios cambios en este plano. Y es tal la mediocridad de estos individuos que han dirigido (con algunas excepciones) esta industria en Colombia, que todo esto les llegó, y no pudieron evitar su predecible hecatombe, llevando a la quiebra sectores como los discográficos, que antes podían vender entre 100.000 y 250.000 copias de su artista promedio insigne, y ahora se conforman con vender en el mejor de los casos, 15.000, pero al mismo tiempo usurpándoles porcentajes por presentaciones y hasta derechos de autor, aún sin entender que ellas (las discográficas) se deben gracias al talento del artista, y no al contrario. Por eso, para nada debe extrañarles su quejumbrosa desaparición, pues no fueron capaces de adaptarse a los nuevos tiempos y dejaron que la piratería y las descargas electrónicas desautorizadas, les tomaran una ventaja casi imposible de reducir, caso contrario al de otros países donde la situación fue asimilada con razón y ética, para ser transformada en un nuevo modelo de industria musical. A mediano y largo plazo, auguro un muy parecido destino a los medios de comunicación como la radio y televisión del país, si mantienen su posición soberbia y muchas veces tirana al respecto de las nuevas tecnologías y criterios artísticos, pues la Internet, cada vez tiene más fuerza y todo parece indicar que la situación tiende a devolverle la música a los músicos, y los oyentes cada vez serán más autónomos sobre lo que querrán oír.


Por: Francisco Gómez Lobos (Francisco Martí) Coordinador Académico del Programa de Danza Academia de Artes Guerrero Docente de Cuerpo Escénico, compositor y cantante de la banda Sputnik franciscogolo@yahoo.com

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ás allá de los estereotipos y romanticismos de una relación amorosa entre el artista y su público, la escena es una jungla de rudezas. Roger Waters estaba tan obsesionado con esta relación, que llegó a construir un muro físico de alrededor de 30 m de altura, entre él y su público. David Bowie creó un personaje (Ziggy Stardust) que le permitió transformarse a sí mismo para crear una dimensión ficticia e íntima con su público, liberándolo de su profunda timidez. Hasta el día de hoy no conocemos los rostros de The Residents.

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A comienzo de los 60´s, los Beatles conocieron la sudorosa jungla humana de espectadores ávidos de Rock and Roll, en un oscuro y cavernoso chuzo de Liverpool. Luego, su búsqueda de experiencias, los llevó a Hamburgo, donde al compás de los rudos marineros portuarios, la lluvia de botellazos y las peleas nocturnas, los terminaron de convertir en hombres. Por fin el reconocimiento popular, los impulsó a gigantescos estadios donde atronadores gritos femeninos repletos de hormonas no les permitía ni siquiera a ellos poder escuchar su música. Fue tan traumática la experiencia escénica de estos cuatro muchachos, que apenas la venta de sus discos se disparó lo suficiente como para darles una regia supervivencia, abandonaron los escenarios para siempre y no volvieron a dar un concierto –a excepción de su último concierto en el tejado, a varios pisos de distancia de sus confundidos espectadores.– Si nos situamos en la vida del músico de hoy, encontramos que las posibilidades de ganarse la vida están cada vez más distantes de la venta de sus discos. La escena, se convierte hoy en el lugar fundamental de la difusión musical, lo que ha obligado a nuestro introvertido compositor e intérprete a abrirse camino entre las faunas humanas, cuerpo a cuerpo, en un contacto directo del artista con su público. Hoy hemos vuelto a la era de los conciertos, donde la obra musical es degustada con todos los sentidos.

¿Qué será de nuestro introvertido y tímido compositor o intérprete, cuando se ponga de pie en una tarima y las piernas le tiemblen frente a las salvajes masas de consumidores de espectáculos? Todas esas horas de estudio técnico y teórico, de digitación y de reflexión sobre los grandes paradigmas de la música contemporánea, ¿le serán suficientes para sostenerse a metros de altura, con cientos de ojos expectantes y ávidos de acción? Un componente básico de las artes escénicas es la acción. En el caso de la música, la danza y el teatro, la acción física se define como: “todo lo que se ve y oye en el escenario”. Nuestro joven músico, necesita conocer estas leyes escénicas o será literalmente ignorado por sus espectadores; hoy en día, la música se debate en el terreno del cuerpo y de las artes escénicas. La expresión y proyección corporal son un terreno de estudio fundamental para un intérprete musical. Es tendencia de las escuelas de música, creer que sólo los cantantes deben tener nociones al respecto, como si un guitarrista o un teclista no necesitaran de su cuerpo; en ocasiones he visto en el fondo y triste escenario la presencia ausente de un músico pidiendo a gritos que lo bajen de allí, porque el pánico escénico no es sino ignorancia de recursos, de herramientas de control y expresión corporal. Otro componente básico de las artes escénicas es el estético, entendido como los contenidos sensoriales y conceptuales manifestados en la forma visual de una puesta en escena. Todos los referentes artísticos y de su propia cultura que nuestro nobel músico pueda conocer, las historias del arte, todo estudio sobre la imagen y su concepto, son fundamentales al momento de proponer una estética que manifieste y le dé un soporte a su creación musical. La futura historia del Rock and Roll está a la espera de brindar estéticas, actitudes y presencias en la escena de personajes que se arriesguen a sostener diálogos entre la creación musical, la libre expresión del cuerpo y los contenidos estéticos de vanguardia.


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Por: Diego Cruz Reportero gráfico de Gionet Producciones gionetproducciones@hotmail.com

–“¿Cuál es la parte más fea de tu cuerpo?”… –se preguntaba Frank Zappa al inicio de una canción de 1968 –“algunos dicen que tu nariz, algunos dicen que el dedo gordo de tus pies, pero yo creo que es tu mente.” –Se respondía.

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e conmemoran por esta época 45 años del debut discográfico de uno de los personajes más vigorosamente críticos, prolíficos, arriesgados, visionarios, iconoclastas, agudos y divertidos de la música y la sociedad contemporáneas. ¿Qué respaldo espiritual –por no decir fuente común de inspiración–, tienen el trabajo de gente tan profesionalmente heterogénea como Michael Moore (Bowling for Columbine, Fahrenheit 9/11), Matt Groening (Los Simpson, El Critico, Futurama), George Clinton (Parliament, Funkadelik), Trey Parker y Mark Stone (South Park), Howard Stern, Steve Vai, Terry Bozzio, Pierre Boulez, Jean Luc Ponty, George Duke, Alice Cooper, Captain Beefheart, Adrian Belew, incluso, Al Gore? La respuesta la constituye uno de los nombres clave en el entendimiento de la música contemporánea, se trata de Frank Vincent Zappa. Su humor, rigor crítico, pasión y autogestión, parecen haber impregnado el quehacer de ya varias generaciones de artistas, músicos, escritores, activistas, periodistas y hasta científicos.

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Es bien conocida la faceta rockera de Zappa, cuya prolífica discografía formada por más de 70 discos (cifra que aumenta todos los años con la publicación póstuma de material inédito guardado en los sótanos de su casa-estudio de Los Ángeles) refleja un indiscutible rigor experimental, una búsqueda que explora prácticamente todos los apéndices técnicos y estilísticos del rock, pero además se introduce con bastante precisión y originalidad en terrenos del jazz y la música de cámara; de hecho, con el trabajo de Zappa son ineficaces estas etiquetas. Inténtelo usted mismo y verá, dedíquese un domingo a escuchar en línea discos como: We’re only in it for the Money, Hot Rats, Overnite Sensation, Zappa In New York, The Yellow Shark y Civilization Phaze III, entenderá a qué me refiero; es como si un jinete bigotudo se paseara con una gran escoba barriendo los escombros de las murallas entre rock, jazz, música de cámara, música electrónica, reggae, pop y avant garde, todo tratado con una formidable carga de humor, humor que se siente tanto en la música como en las letras, donde siempre fue un mordaz crítico de las sociedad norteamericana, la industria musical, los medios de comunicación y las modas de turno.


Habiendo formado su legendaria banda, The Mothers Of Invention, en 1965 –por la cual debutó y desfiló a lo largo de más de dos décadas, casi un centenar de músicos que hoy en día son por sí mismos, paradigmas en sus respectivos instrumentos¬–, la banda de Zappa había dejado de ser una banda y se había convertido en una escuela donde se formaron músicos del calibre como Steve Vai, Terry Bozzio, Vinie Colaiuta, George Duke, Jean Luc Ponty, Mike Keneally. Chester Thompson, Adrian Belew, y así, un costalado lleno de figuras prominentes que se destacarían siempre luego de trabajar con Frank, todos ellos se iniciaron profesionalmente en su banda. Era un excepcional guitarrista, un músico autodidacta, pero ante todo, tenía el don de dirigir los talentos particulares de cada uno de sus músicos, potenciarlos, desarrollarlos y acomodarlos de la forma más agraciada posible en sus composiciones. Zappa era el director de su propia orquesta de rock; convencional es un término que no existe en su trabajo. Zappa también fue un pionero en el impulso de la música independiente. Habiendo tenido un largo historial de pleitos legales con disqueras grandes (puntualmente con Warner y CBS) por el control absoluto de su propia obra, decidió fundar a comienzos de los 80’s, y de forma autogestora, su propio sello discográfico: Barking Pumpking Records, donde ideó una manera en que tanto él como su esposa Gail controlaban y financiaban todas las etapas de realización de los discos, desde su grabación, producción, arte, promoción, hasta su distribución final, que realizaban ellos mismos vía correo. Resulta también escalofriante y personalmente estimulante, recordar aquella batalla en las cortes estadounidenses en 1985 donde se discutía un proyecto de ley impulsado por algunos sectores conservadores de Washington, que buscaba censurar el vocabulario considerado “grotesco”, violento o sexual, contenido en los discos de rock, ante lo cual Zappa fue prácticamente la única figura de la industria musical en manifestarse directamente e ir a los estrados a argüir en contra del proyecto. Quedan algunas frases memorables de aquellas audiencias en las que Frank litigó con su característico humor incisivo: “yo escribí una canción acerca del hilo dental (Montana), pero ¿se pusieron mas blancos los dientes de alguien? Hay mas canciones de amor que nada, si las canciones pudieran lograr que hicieras algo entonces todos nos amaríamos los unos a los otros… malas acciones producen malas leyes, la gente que escribe malas leyes es en mi opinión más peligrosas que los cantautores que celebran la sexualidad”. Se quedan muy cortas las palabras para definir el alcance del trabajo de este multifacético personaje que hace 45 años lanzó, Freak Out!, un collage dadaísta hecho música que tomó a todos por sorpresa. Algunos suelen referirse a Frank Zappa como el Marcel Duchamp del rock, no sé, pero sí fue un Músico Integral, un completo artista.


Voz: Fernando del Castillo Guitarra: Hernando Sierra Bajo: Juan Carlos Rojas Percusión: Leonardo López Batería: Juan David Rubio

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o es necesario entrar en particularidades para hablar de las 1280 Almas, esta banda es un todo colectivo, un cerebro nutrido que contagia fácilmente. Su importancia histórica para el rock nacional y bogotano, la ha llevado a permanecer viva durante dos decenios, nutriéndose de Jim Thompson, Boris Vian y, estéticamente del cine y el realismo soviético –por dar algunos referentes¬¬–. Recientemente, bajo su sello discográfico independiente, ‘La Coneja Ciega’, las Almas lanzaron el álbum titulado, ‘Alegría por encima de la tristeza’, un compilado de audio y video con 38 versiones de sus mejores canciones en vivo, registradas durante 2008 en diferentes bares de Bogotá. También lanzaron oficialmente la canción, ‘Antipatriota’, participaron con éxito en el pasado Festival Alta Voz de Medellín, en el Festival Voz en Bogotá y, cerraron la masiva manifestación estudiantil contra la reforma a la ley 30, el pasado 10 de noviembre en la Plaza de Bolívar.

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Music Machine Magazine: ¿Cómo ha sido el aprendizaje durante estos casi 20 años como banda, construyendo una identidad musical y conceptual? ALMAS: Musicalmente, siempre hemos llevado el mismo proceso, por cuotas; desde el ‘Háblame de Horror’ teníamos la cuota punckera, la tropical y la ská. Sin embargo, en ese primer disco no todos sabíamos tocar, los únicos que ya tenían experiencia, eran el Mono (guitarra) y el primer baterista (Kalmanovitz), por eso al principio las cosas eran muy rudimentarias, pero con el tiempo y por estar haciendo y escuchando música, la banda tomó forma. En aquella época escuchábamos salsa, Rolling Stones, Red Hot Chili Pep-

pers, Living Colour, y nuestras influencias directas fueron la Mano Negra, Pixies y Jane’s Addiction, siendo una ventaja no ser músicos, porque no podíamos tocar la música que nos influenciaba y, así, nació nuestra propia personalidad. Lo que nos hace tocar juntos, así como al principio, es que compartimos gustos similares, libros, música, películas y series de televisión. (...) En lo conceptual, inicialmente unos amigos ideológicos –en tiempos del colegio– nos compartían su corriente política –hace poco nos encontramos con ellos en el Festival Voz–; sufríamos de piquiñas intelectuales, éramos curiosos, queríamos escribir, hacer obras de teatro y disfrutábamos compartir todos estos espacios en la adolescencia, y de alguna manera, esa ideología –la del comunismo–, es a la que nos acercábamos. Luego, en la universidad, además que estudiamos carreras afines, comenzamos a descubrir nuevos conceptos gracias a otros amigos que eran muy cercanos en ese momento, como Pablo Kalmanovitz, una persona muy culta. (…) Por toda esta curiosidad y con el pasar del tiempo, comprendimos a conciencia lo que es la política, concluyendo que la ideología, es no tener ideología. M.M.M.: Las letras de las 1280 Almas son fuertes y sin rodeos, pero, ¿Cuál es la intención? ALMAS: Hemos sido honestos y, a pesar de ser tildados de muchas cosas, lo que defendemos con vehemencia es el no decir mentiras; lo que nosotros hemos buscado dejar de manera explícita en nuestros mensajes y contenidos, es expresar lo que pensamos y sentimos de forma directa, para que eso que nosotros dejamos ahí grabado, sea honesto, así muchos de nuestros conceptos puedan parecer incorrectos. M.M.M.: Teniendo en cuenta ese factor de la honestidad, ¿Cómo es su proceso de producción musical?

ALMAS: Cada uno compone individualmente, trae ideas, melodías y ritmos; luego, estando todos juntos, mezclamos esos elementos tan distintos y resulta algo nuevo que suena a las Almas. Ninguno tiene un esquema establecido, todo fluye, nos comunicamos muy bien musicalmente. (…) Con el tiempo entendimos que lo que propone cada uno también hace que la banda tenga una personalidad, además, siempre nos hemos negado a que existan terceros que intervengan en nuestro proceso de producción musical –porque es una práctica normal indicarle a los músicos qué


de seguidores, somos nuestros propios productores y nunca hemos tenido la intención de entrar en un gran mercado, ni llegar a MTV, ni hacer una súper gira o ganar dinero, lo que nos interesa es publicar la música y que la gente nos oiga, y por esa misma razón, las redes sociales nos permiten una especial interacción con la gente actualmente; por ello, es que estamos por hacer un nuevo disco. (…) Nosotros hacemos todo esto porque nos gusta; es un compromiso divertido. M.M.M.: ¿Qué ha resultado de la retroalimentación con el público estas dos décadas?

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ALMAS: Nosotros podríamos perfectamente seguir siendo amigos sin tener que rockear, o rockeando para nosotros sin los demás, pero gracias a que recibimos mensajes muy valiosos de la gente, apoyándonos y agradeciéndonos, logramos tener un motivo para seguir.

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es lo que deben hacer para acceder a determinado tipo de público–, de hecho, corrimos con suerte en el pasado, cuando durante casi cinco años tuvimos un contrato con una casa disquera multinacional –a la que nos llevó Héctor Buitrago– que jamás nos dijo qué teníamos qué hacer, respetaron nuestra música y nuestros conceptos, ellos nos produjeron y nosotros aceptamos, porque en ese entonces grabar un disco era técnicamente muy difícil y costoso, pero hoy en día, con una interface y dos habitaciones podemos hacer discos nosotros mismos. Hacemos autogestión gracias a que tenemos un buen número

M.M.M.: Antipatriota tiene una letra muy diciente y clara, tiene un mensaje contundente y nos llega a quienes nos tiene que llegar; desde su posición, ¿Consideran que podría ser censurada? o por el contrario, ¿podría fortalecer coyunturas de pensamiento? ALMAS: Ha habido unas reacciones divertidas; hace poco en facebook, al publicar una parte de la letra, saltó un candidato al Consejo de Bogotá –del partido conservador en Usaquén–, diciendo que a él le gustaban las Almas pero que se encontraba en desacuerdo con el mensaje que estábamos dando. Esa es una posición natural en una persona de derecha, porque ellos utilizan a la patria como un bastón para llevar al rebaño. (…) Fernando hace las letras según sus sentimientos, no pensando en lo que puede llegar a significar, él hace esas letras porque quiere sacarse el popo que tiene adentro. (…) El Antipatriota nace también de la

literatura que hemos leído, manejamos la ironía, pero de ninguna manera negamos la madre que nos amamantó con leche colombiana, se trata es de hacer parte de una oleada contra el silencio alrededor de unas prácticas de Estado y de unas políticas que son injustas y a las que nos sometemos porque sí, y todo esto lo está pensando mucha gente, entonces ¡no puede haber censura! Además, porque nos movemos en medios de comunicación que no censuran, como Radiónica; hemos recibido críticas y comentarios pero no censura, esa es la ventaja de ser independientes. Con el tema Antipatriota, nuestro twitter comenzó a crecer, llegaron 1.500 personas diciendo: ‘yo soy antipatriota’. Básicamente, el mensaje que llega es que no somos parte de ese rebaño, por eso es que no sólo es esta canción con la que el público se identifica, sino muchas, casi todas (…) una de las letras insignia, es ‘Sangre Rebelde’ –y con la que más nos identificamos nosotros– porque después de haber leído mucho libro se puede asumir una posición crítica definida con argumentos, no superficial, sino una crítica profunda resultado de una interpretación. (…) Cómo no se va querer analizar algo como el uribismo, por ejemplo, que dejó una tendencia generalizada a saltarse la ley y acomodarla según la conveniencia de unos cuantos, y todo, en nombre de la patria, entonces, ¿qué tiene de malo decir que nunca saludaré tu cochina bandera? Es decir, nosotros estamos cansados de que utilicen nuestra bandera para que mucha gente muera y para desestimar lo que uno quiere decir, haciendo ver como tonto el hecho de hablar de fascismo; nos negamos a ser colombianos como nos están obligando a serlo, es una resistencia contra el fascismo.

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Por: JHT jhtmusica.com Antes de ir al asunto principal de este texto, quiero agradecer a las personas que siguen allí, atentas a mis proyectos. Como respuesta a quienes me escriben preguntando qué ha pasado, les digo que estoy más comprometido que nunca trabajando en un nuevo álbum para 2012, y también en algunas letras ajenas al ámbito del Hip-hop, por lo demás buenos proyectos que me tienen motivado y trabajando con rigor. También aclaro que la mejor enseñanza que he recibido, es entender que nadie es dueño de la verdad absoluta y, por esa misma razón, mucho de lo aquí he escrito, no escapa a sus propias grietas y fisuras.

H

ubo un tiempo que yo pensaba en gringo. Dormía en gringo, soñaba en gringo, comía en gringo y hasta mis erecciones estaban regidas por una ensoñación gringa. Y aunque aún hay una vasta red espectral gringa dentro de mí, por lo menos ahora la trato de identificar. Después de consultar obras especializadas, y sobre todo, poner especial atención a este río de tiempo y caras que se desvanece mientras nado, tropiezo con algunas ramas que necesitan ser tomadas en cuenta porque su mezquindad nos pellizca a todos en distintas proporciones.

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Lo referente a la reforma de la Ley 30 esconde un asunto bastante tenebroso, a la par que demuestra que Chucky está desplegando todos sus poderes malignos en nuestras narices, y como buen muñeco de marca gringa, su cuchillo de muerte dejará grandes cicatrices en el cuerpo de todos y cada uno de los colombianos. El completo asunto de hablar de la educación con ánimo de lucro es en extremo, escandaloso, y me recuerda a todos estos raperos revolucionarios que se desvelan por vídeos de Jay-Z y Kanye quemando carros costosos, en donde las letras se reducen a: “te necesito como consumidor, te necesito como comprador, tú pobre imbécil que estas chamuscado en pobreza”. Y luego sale Kanye con sus dientes de oro y cara bobalicona protestando en Wall street; así de escandaloso. Ya que los que tienen la palabra más bonita, los artistas, confirman de frente que no son cantantes sino empresas con ánimo de lucro, se agarran de las mechas por premios shock y onerosas nimiedades (tal como hacía yo cuando pensaba gringo), siguen buscando millones y fumando una ignorancia recíproca, alzando espadas en

pura neblina; a la gente no le queda más que pisar bien el suelo donde está dejando huella. Como siempre, los más perjudicados son los únicos ángeles que existen, los niños. La reforma a la Ley 30, a la larga solo traerá beneficios a esa pequeña minoría que siempre ha dominado al país con su blancura (y cuando digo blancura no me refiero a un color de piel). Es una porción de puro y corbata que hereda e impone un capital económico y cultural a través de los siglos, y a quienes poco o nada les importa el bienestar de nosotros (los otros), sino seguir bebiendo del mismo manantial de corrupción que tanta muerte y pobreza ha creado en Colombia. Y cuando digo “gringos” me refiero a un conjunto de micro/macro-poderes y saberes más grandes que los Estados Unidos. Lo que le espera al país, si dejan que la empresa privada trate a la educación como una mina manipulable, se está empezando ver, basta con entrar a sitios virtuales y dar un vistazo a la forma que tiene la juventud para expresarse, cada vez manejan un lenguaje más servil y manso, en un par de años la comunicación será algo así como: “agu gu, a be be, gugu caca”. Mientras, obviamente, ponen sus vídeos de Jay Z y Kanye West, yendo a los centros comerciales a vitrinear o babear viendo a los demás con uno que otro paquete. No hay nada que pueda pauperizar más, que perpetrar una educación invalida. Por otro lado es de admirar a quienes se dejan sentir, en paros, en pancartas, en marchas… eso está muy bien, sobre todo de manera pacífica y sin esa actitud choco loca que se nota en algunos, quienes ven las marchas como una pasarela y ofrecen el mismo discurso de revolución empapada de imperialismo cultural y colonial. Lo mismo que el rap con su discurso revolucionario encauzado en el mismo fango.

Muchos están olvidando lo más importante en sus protestas: el hecho que de fondo hay algo más que la mera reforma; a educación como crecimiento y verdadero aprendizaje. De nada sirve que la Universidad pública siga siendo pública, si ofrece las mismas babas manipuladas durante milenios. Es muy bonito y valedero todo movimiento de resistencia, pero es hora de aplicar además, nuevas alternativas. Es hora de abandonar ese horizonte educativo que esconde una trampa, un patrón de poder que abarca cada fibra y gesto, una colonización de poder que ha regido nuestros pensamientos y sentires desde hace ya tanto que la memoria se cansa de recordarlo. Y esa red de información de blancura eurocentrista, gringocentrista, sexista, racista, es inyectada en cada escuelita y hogar, no deja resquicio ni fisura vacía. Y digo todo esto como alguien que pasó por la universidad en Colombia, con préstamos del Icetex, deudas y demás malabares que nos inventamos los colombianos que deseamos estudiar. Lo más curioso, es que ahora que he estudiado más fuerte, (estudio es infinito), miro hacia atrás y admito que la universidad no me enseñó un carajo; bueno, tal vez me enseñó a soñar más gringo. Y es que ese dorado es tan bonito, tan seductor, pero es un dorado rapaz y chambón, como de medalla de lata pintadita de victoria dorada que a las 3 semanas esta desteñida. Lo mismo se le viene al país, porque además están ocurriendo una cantidad de fenómenos, todas de golpe, al parecer chucky y sus secuaces han aprendido bien de terapias y doctrinas de shock, en un corto tiempo pegaron el coñazo, sin avisar, sin anestesia. Con mucho pesar me enteré hace poco que aprobaron el TLC, y no es una casualidad que esto pase. Pero con mayor indignación vi la noticia de la construcción de un complejo turístico siete estrellas en el parque Tayrona... ¡Apenas una semana después del TLC! Por fortuna, el asunto no prosperó. Queda la impresión de una cortina de humo mediática tapando el TLC, escondiendo el eterno genocidio indígena, sus identidades; la misma enseñanza esclavista que nos hace sentir inferiores, que asesina y reemplaza nuestros saberes, nos siguen tratando como si nuestra mirada fuera de bestia y no de hombre, de clientes. Como siempre, encubren los hechos, pero eso si, todo bien acomodadito, bien arreglado, que no se escape nada, pues mientras unos poquitos muñecos diabólicos regalan el país, las noticias desviadas se llenan la boca y pestañas diciendo que los jóvenes estudiantes son unos desocu-


pados vándalos que están destruyendo el futuro de la gran patria. Colombia se parece cada vez más a estos países ‘desarrollados’ (es la misma red obviamente) y eso es lo que le espera; muchachos endeudados en créditos universitarios que luego de graduarse y trabajar 15 años en Starbucks, seguirán soñando con salir de esa deuda analfabeta, para llegar por la noche a ver el festín televisivo. Todo el mundo habla y protesta por la ley 30, pero deja escapar otros aspectos más pesados y destructivos. Es indignante. Siento un rayo ensordecedor por todo el cuerpo cuando imagino volver al país, y encontrarme con la Amazonia llena de Starbucks y sombreritos turisticos de Mickey Mouse, y una inmensa M de Mc Donalds en la entrada de mi querido parque Tayrona. Volver a Bogotá y ver más costales de huesos sin sonido ni voz propia caminando por las calles, todos lindos y bonitos fusionados con sus Blackberrys, ver dentaduras mecánicas en cafés hablando de lo poetas, bohemios y revolucionarios que son, mientras un último árbol viejo y grisáceo atestigua unas calles llenas de universitarios con títulos, pero sin educación, endeudados hasta la médula (literalmente).

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Yo no creo en Utopías, los tiempos no están para creer en Utopías. Pero si creo en alternativas, cuando haga público mi nuevo álbum y esos bellos proyectos de escritura en los que estoy trabajando, actualizaré mis sitios de red y, no está de más decirles que cuentan conmigo para lo que sea. Sobre todo esos universitarios que tanto me escriben y ven en mi un amigo, un compañero. Yo ya no hago esto del rap para ser el mejor, ni para ganar premios babosos, o para que me digan en cada foro: “eres un dios tío”.

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De hecho JHT para mi murió, y no digo esto con fanatismo religioso o político de por medio, simplemente mi pluma encontró una nueva voz de escritura que me gusta mucho más, reconociendo muchos errores en antiguas letras, igual de eso se trata, crecimiento. Estando en esa burbuja del rap colombiano, es fácil perder la vista, mirar solo la superficie, llenarse de egos y competencias insanas. En el peor de los casos hacer de parásito en esos medios vampirescos, que saben muy bien cómo sacarle el jugo al lavado cerebral rapero, en una nueva máquina llamada, ‘genero urbano’. Un abrazo y gracias a quienes entienden de qué estoy hablando, ¡estamos en contacto…!


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Por: Alejandro Bonilla Crítico musical y productor radial en Rockombia.com

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986 se presentaba como el año dorado para la entonces nueva faceta del metal estadounidense. Salieron a la luz producciones que señalaron otro camino y, que aún hoy, se mantienen como absolutos referentes: “Reign in Blood” de Slayer, “Peace Sells… But Who´s Buying” de Megadeth y “Master of Puppets”, patentado por Metallica; estos son títulos de cabecera en la discografía de cualquiera que se precie de adorar las notas vertiginosas que se condensan en una sola palabra: thrash. Aquel año hubiese sido recordado como pletórico para el género de no ser por el deceso de una de sus más queridas figuras: Cliff Burton, quien se despidió a los 24 años de edad en un absurdo accidente. De reojo, Burton era un tipo que no gustaba de los pantalones ajustados –que buena parte de la fauna roquera de los ochenta usaban con desparpajo–, los jeans bota campana vestían a un sujeto que castigaba su bajo como un poseso. Dotado con una técnica sobrecogedora, dejaba ver sonrisas cómplices en medio de los temerosos riffs que su demoledora banda esparcía ante los enloquecidos testigos. Aplicado en el arte de hacer solos y bascular un sonido distorsionado que aportaba ostensiblemente en las líneas armónicas y las estructuras más afiladas del cuarteto californiano. No era la cara de la banda, tampoco el dueño tras las cuerdas, pero claro, es quien se alzaba como un inspirador para las generaciones venideras. La muerte de Cliff Burton el 27 se septiembre del mismo año en que se publicó el fundamental, “Master of Puppets”, pudo haber sido una razón de peso para contener el descomunal avance que ostentaba Metallica. Poco antes, el entonces front-

man de Black Sabbath, Ozzy Osbourne, recurrió a los servicios de aquel cuarteto de jóvenes etílicamente desmesurados para apoyar su álbum “The Ultimate Sin”, no obstante lo que aparentemente sería una carta ganadora resultó ser un arma de doble filo. El público norteamericano acudía masivamente a los recintos para ver a Metallica por encima del Príncipe de las Tinieblas; el frenetismo de su música, lo descarnado del apartado lírico y la autenticidad de James Hetfield, Lars Ulrich, Kirk Hammet junto a nuestro protagonista en las cuatro cuerdas, era para la época, un derroche de emociones muy difícil de ofrecer en el acicalado hard rock establecido. El corto tiempo que Cliff Burton estuvo en las filas de Metallica, bien puede ser rememorado como un ascenso acucioso a la gloria. Tras militar en Trauma (un conjunto de San Francisco que pasaría sin pena ni gloria), y el abandono del bajista Ron McGovney, fue su puerta de acceso a lo que poco después se convertiría en la principal fuerza del emergente thrash metal. Su incontrolable sacudir de cabellera, aunado a una motivación que iba en el mismo cause de Hetfield y Ulrich, lo convirtieron en una de sus garantías en busca del éxito. Burton registró tres discos: “Kill ´Em All”, “Ride the Lightning” y “Master of Puppets”; tres cartas que simbolizan la esencia de la banda –antes de que esta se dispersara en pro de la euforia de los estadios rebosantes–. Con tales obras se pudo ver el raudo crecimiento y acogida que tuvo el cuarteto sin ampararse en la radio o la televisión. Todo un fenómeno que consolidaba un recambio no solo en los estilos musicales, sino en las formas de ganarse fans con el sudor de los exten-

sos itinerarios de conciertos. Parecía un cuento de hadas para cualquier joven de pelos largos, mas el hechizo, estaba por extinguirse. La muerte se apareció en la carretera. Metallica se hallaba de gira por Europa cuando su bus se volcó en las frías carreteras suecas expulsando a Cliff por uno de los laterales, el peso del vehículo sería su lapida. Se lloró su partida mezclada con la ira en San Francisco. Pese a que los tres miembros restantes se sumieron en el escapismo del alcohol, el luto pasó rápido y las turbias audiciones darían con el nombre de Jason Newsted en reemplazo. Quince años más tarde Robert Trujillo ocuparía esos mismos zapatos tan difíciles de llenar. Paradójicamente la baja de Burton acrecentó la popularidad del combo, llevándolos a otro nivel. “…And Justice For All” disparó el primer sencillo vestido en un críptico videoclip: “One”. El grupo de culto se revelaba y MTV lo avalaba. El subsiguiente disco de tapa negra aumentaría exponencialmente las ventas, y con ello, la polémica sería la eterna compañera de Metallica. Reflexionar acerca de la suerte de este hecho sin la abrupta caída del buen Cliff, es ejercicio vano. La historia está escrita, la decisión tomada por Ulrich y compañía puede ser rechazada por la parroquia thrash metal, pero nunca por sus saldos bancarios. Lo seguro es que Burton seguirá rockeando igual de fuerte cada vez que alguna de sus canciones se honre dando play en alguna parte, en algún momento. Tal y como le gustaba, alzamos la copa para brindar a 25 años de su adiós. Tipos así es lo que llaman leyenda, el imperecedero legado sustenta su linaje. ¡Salud!


Por: Donny Rubiano Fotografía: Donny Rubiano E-mail: donnyrubiano@hotmail.com Twitter: @donnyrubiano En memoria de Misael Arias Gómez (We’ll miss you my friend).

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na entretenida intención independiente, creación de Transmission Entertainment, una joven productora norteamericana, es el Fun Fun Fun Fest, que en 2011 llega a su sexta edición, y que contó con una selección actual de una serie de artistas y agrupaciones en ascenso y considerados como revelación en el año que termina. Este es uno de los festivales que al lado del South By South West (SXSW) y Austin City Limits, enriquece la escena en Austin, Texas, y al que Music Machine Magazine tuvo la oportunidad de asistir, además de acompañar en uno de los auditorios locales a una banda de metal colombiana con un sonido sencillamente devastador, que está radicada en esta ciudad hace algunos años, y que dejando el nombre de Colombia en alto, ha ido escalando escalones y ya compartido escenario con bandas tan importantes como Cavalera Conspiracy, además de recibir reconocimientos tan importantes como el que le otorgó el sello Roadrunner Records, se trata de Head Crusher, de quienes esperamos recibir prontas noticias además de una presentación en su país natal.

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Fun Fun Fun Fest 6 albergó agrupaciones de la talla de Slayer, M83, Passion Pit, Odd Future, Lykke Li o M83, Public Enemy, Henry Rollins, entre otros artistas que a lo largo de tres días en un lugar llamado Auditorium Shores y en cuatro escenarios simultáneos le dieron vida a un festival que mezcla todos los sonidos, la cultura y propuestas de la escena independiente en un solo lugar. En pleno centro de Austin, justo al lado del lago Lady Bird, se dieron cita todas las subculturas de la movida independiente de la ciudad, en especial los llamados ‘hipsters’, que se volcaron a los escenarios Orange Stage (Escenario principal, con sonidos indy rock, electro pop y rock alternativo), Yellow Stage (Escenario de competencias, stand-up comedy y sketchs de comedia), Blue Stage (Escenario fiestero, hip hop, funk, electrónico y de fusión) y Black Stage (Sonidos metaleros, hard core, progresivos), además de las zonas VIP, skateboarding, comida, zonas lounge y lucha libre que engalanaban el lugar.

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aquinaria Festival es un festival reciente, creado a partir de la iniciativa de la empresa privada, que da cuenta del buen momento económico por el que está pasando el país austral, que en su primera edición, realizada en 2010, contaba con bandas tan importantes como Incubus, Linkin Park, Pixies, Queens Of The Stone Age, Cavalera Conspiracy o CSS. Music Machine Magazine tuvo la oportunidad de apreciar en primera fila este gran festival que cuenta con los mejores esquemas de producción y por supuesto un line-up de lujo.

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Maquinaria Festival 2011, se realizó en el Club Hípico de Santiago de Chile, con tres escenarios en total, dos de ellos escenarios principales llamados Claro Sony Ericsson Stage y Transistor Stage en el que se presentarían las bandas cabeza de cartel, y un tercer escenario llamado Lenovo Stage que le daría cabida a nuevos sonidos chilenos, electro, reggae y fusión; además contaba con amplias zonas verdes, un acceso VIP, zona de juegos y de bienestar adecuadas para atender las casi 100 mil personas que atendieron esta cita rockera de nostalgia y remembranza noventera, que durante dos días generó una amplia expectativa por un público no solamente nacional sino de varios países vecinos.

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El primer día el festival comenzó con paso firme, con la banda de uno de los integrantes de Guns ‘n Roses, se trata de Duff McKagan’s Loaded, una banda robusta, bien armada, llena de rock and roll puro y una buena vibra escénica. Inmediatamente, continuó Black Rebel Motorcycle Club, una banda que tuvimos la oportunidad de apreciar en Rock al Parque, que demostró porque es una de las agrupaciones más importantes del más purista rock and roll oscuro y visceral de los últimos años. Mientras el público se preparaba para una pobre presentación por parte de la banda norteamericana Down, liderada por el mítico Phil Anselmo, el tercer escenario se preparaba para Members of Morphine

and Jeremy Lyons, un recital que revivió canciones inolvidables como “Honey White”, acompañadas del infaltable bajo de dos cuerdas y una notoria melancolía por la ausencia de Mark Sandman, fundador de Morphine, quien falleciera de un ataque cardíaco en 1999; más adelante en el mismo escenario, vendrían Matanza, Bag Raiders, Matías Aguayo, entre otros artistas chilenos de gran calidad como The Ganjas y Perrosky, que defendieron su posición de locales con mucha fuerza. A partir de este momento, vendría una demoladora combinación de impresionantes sonidos, iniciando con la banda liderada por Jerry Cantrell, originaria de Seattle, Alice In Chains, que con la impecable interpretación vocal de su nuevo miembro, Willam DuVall, demuestra la solidez de su historia y una vigencia sonora que desgarró al público chileno con canciones como “Nutshell”, “Down in a Hole”, “Angry Chair”, “No Excuses”, “Would?” y las recientes “Your Decision” y “Check My Brain”. Chris Cornell deleitó y conmovió con una combinación de covers y versiones de Soundgarden, Temple of the Dog y Audioslave en formato acústico, como “Black Hole Sun”, “Fell On Black Days” o “A Day in the Life” de los Beatles. Faith No More llegaría al escenario de Maquinaria de inmediato, que prácticamente ha sido adoptada en Santiago y que inició su set con una potente “Get Out”, que instantáneamente encendió el Club Hípico, que contaba ya con un aforo de más de 60 mil personas. Canciones como “Evidence”, “Just a Man”, “Digging The Grave” y “Ricochet” fueron los detonantes de esta agrupación icónica de los años 80’s y 90’s, que se muestra más fuerte que nunca. El primer día, cerraría con la descarga de Megadeth, que presentó además de sus clásicos más reconocidos, un nuevo disco que retoma las raíces de la banda norteamericana liderada por Dave Mustaine, titulado ‘TH1RT3EN’.

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esde hace años la industria musical viene en un cambio constante, motivado por factores como la internet, la piratería y el surgimiento de la música de autor. La actual búsqueda de independencia y la autogestión, han hecho desarrollar la idea de sellos pequeños y autónomos con la libertad artística como arma principal de los artistas/productores. Music Machine Magazine entrevistó a tres melómanos y gestores de sellos independientes: Francisco Rojas de Atarbán Records, Bernardo Guevara de Audio Lírica y Luis Daniel Vega de Festina Lente, quienes llevan su proceso de forma diferente como productores y llevan proyectos diametralmente opuestos. Todos trabajan con artistas por gusto personal, sus oficinas están ubicadas en sus computadores portátiles, han aprendido a manejar un sello sobre la marcha y funcionan desde la base de la autogestión en empresas que en su mayoría están integradas por amigos.

Luis Daniel Vega

Atarbán Records

Festina Lente

Sello dedicado exclusivamente a grabar a las bandas en vivo y captar su actuación completamente al vivo, sin contratos ni papeles sino de común acuerdo con los artistas.

Sello ecléctico que de forma intuitiva y libre de prejuicios, busca promover artistas de músicas no comerciales.

2. Hacemos grabaciones en vivo, es el importante momento de capturar la artista dándolo todo en escena. 3. Por ahora no me ha generado mucho dinero, no hay muchos recursos en estos géneros underground, pero es satisfactorio contribuir a un círculo que mucha gente no mira; no hay una gran retribución económica. 4. No me ha afectado, cuando trabajo con artistas no les hago firmar contratos, creo que la música es de cada quien y la gente con la que trabajo muchas veces no han registrado sus canciones.

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1. ¿Qué lo motivó a formar un sello disquero? 2. ¿En qué se diferencia su sello de otros? 3. ¿Qué tan rentable es el sello? 4. ¿Cómo se afectan los sellos independientes por endurecimiento de las leyes de Derechos de Autor? 5. ¿El sello tiene un catálogo? 6. ¿Cuál es el futuro del Sello?

Francisco Rojas

1. La idea nació cuando viajé a Argentina a estudiar y me motivó la idea de hacer un puente musical entre la movida underground de los dos países.

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Por: Manuel Estévez altafidelidad1@gmail.com

5. No tenemos un catálogo como tal, he grabado en vivo a muchas bandas de Punk como I.R.A., Triple X y Ginger y sus Tóxicos, además de artistas de otros géneros como Cumbia Queers. 6. Grabar audio y video en vivo.

1. Editar discos de músicas que no tienen mucha difusión como el jazz experimental. 2. Básicamente es la línea musical, le apostamos a músicas ‘extravagantes’, pero no necesariamente novedosas y sin ninguna pretensión o arrogancia. 3. No vivo de hacer los discos, realmente las ganancias se reinvierten para hacer más disco. 4. No tenemos ni idea, no entendemos ese universo loco de los Derechos de Autor, pero creemos que la música no nos pertenece, Festina Lente es sólo la marquita. El mundo de los abogados no debe hacer parte de la música, nuestra posición es inocente. 5. Tenemos 13 discos de Ricardo Gallo, Alejandro Flores, Etcétera, Asociación Libre Orquesta, Bituin, Parsec Trío y los Pirañas. 6. Hacer discos y editar la mayor cantidad de discos posibles, para brindar memoria al país, en Colombia no se sabe qué pasó musicalmente hace 5 años y así pasa cíclicamente, cada 5 años se borra el casete y nadie recuerda.


Bernardo Guevara Audio lírica

Sello independiente con ocho años de fundado, que trabaja con artistas Hip Hop, R&B y música tradicional del archipiélago de San Andrés, aunque busca abrir su espectro a otros géneros. 1. Fue darle orden a mis ideas y entender que más allá del arte hay un negocio, empecé a sacar sencillos y mixtapes y les puse un nombre de respaldo. Empezamos en una época que no había músicos de Hip Hop y también queríamos hacer crecer el movimiento. 2. Artistas y sello, somos amigos y trabajamos en una red de amigos, ligar un proyecto y sacarlo adelante. 3. Yo vivo de esto. 4. Aunque no somos partidarios, sí nos afecta la piratería, pero es importante poder difundir la música por internet, igual vivimos en un país donde no hay cultura de comprar por internet y mucha gente no tiene acceso a una tarjeta de crédito. Hoy en día se vende más mercadeo que discos en los toques.

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5. Empezamos con el Hip Hop pero nos hemos ampliado a otros géneros, tenemos artistas como Juan Habitual, Flaco Flow & Melanina y Lianna y hemos editado a artistas como Tres Coronas para Colombia.

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6. Seguir ayudando en el crecimiento de los artistas, la escena e impulsar nuevos talentos. Consolidar colaboraciones.

SEDE CENTRO Cra. 3 No. 18 – 45 Tel. 334 2263 SEDE CHICÓ Cra. 11 No. 93–40 Tel. 379 33 70 SEDE CEDRITOS Av. 19 No. 134 – 81 Tel. 216 88 98 SEDE TUNJA Trv. 9A No. 28A-53 Tel. 740 37 75

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Nuestra historia viva, nuestra historia robada

Por: Felipe sepulveda martinez Artista Plástico y Visual / Diseñador Grafico impulsedsxe@gmail.com

…Se decapitaban y se desmembraban personas para sembrar terror (…) La guerra, ahora me doy cuenta, que la única causa no era solo combatir a la guerrilla, habían otros objetivos; intereses personales, políticos, económicos…

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Alias HH

n gran sector del país aún clama por la verdad, por la justicia, por la reparación, por el no olvido, por hacer historia plena y justa al combatir la IMPUNIDAD; este mismo nombre se adoptaría para el documental que nos presenta dos realizadores colombianos y que ha sido autocensurado en nuestro país por hacer visible una serie de documentos escabrosos de nuestra historia patria o más apátrida que jamás se haya conocido. Hollman Morris, conocido por su objetivo de no acallar u ocultar información que expone a la luz pública las infamias del conflicto armado colombiano, especialmente por los crímenes de lesa humanidad cometidos por grupos paramilitares ante el pueblo más excluido del país y, Juan José Lozano, realizador suizo-colombiano que ya en su haber ha dejado expuesto su interés de visibilizar una memoria perdida, oculta y olvidada en la historia de Colombia con otros documentales, como “Testigo Indeseable”. Ellos, son los creadores de esta pieza que se dedica explícitamente a las víctimas y que nos da duro en la cabeza, duro al corazón, duro al sentido de comunidad, duro a nuestro más profundo sentido de responsabilidad.

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IMPUNIDAD nos muestra imágenes ya vistas, pero olvidadas, voces ya oídas, pero no escuchadas, historias reales que son sacadas de las más macabras e inhumanas mentes, pero más triste aun, evidencia la burla a la que han sido expuestas las víctimas directas por parte de sus victimarios, no solo de los que empuñan el machet, si no de quienes maquinan las distracciones para evadir la verdad, a ellos, directamente a ellos, es a quienes también desearíamos ver respondiendo por estos crímenes de lesa humanidad y como muy bien lo cuestiona HH “¿Colombia realmente estará preparada para escuchar la verdad?”; después de esto, HH fue extraditado. La confesión y la dureza del encuentro con quien ha cortado el lazo de amor, de familia, de amistad, de compañía y de comunidad, hacen que minuto a minuto se vaya evidenciando el secreto a voces; el asesino tiene un mecenas y ese mecenas es el innombrable, el que muchos conocen, pero le temen por que su megalomanía lo ha llevado a rodearse de más megalómanos, que peligrosamente han deshonrado los lugares más sacros donde se edifica el sentido y pensar

político del país, si es que lo ha habido alguna vez; han sembrado con sangre, dolor, humillación y falso señalamiento las tierras más ricas con las manos más fuertes y trabajadoras del país. IMPUNIDAD es el grito ahogado de toda un sociedad que con miedo y velos de realidad, sigue adelante construyendo sobre el olvido y sobre las lágrimas de miles de personas… y qué sabe uno, si el de al lado, el vecino o el compañero, ha vivido y jamás ha olvidado.


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MUSIC MACHINE No. 11  

Punto de encuentro entre los diferentes géneros musicales y opiniones que van en total contraposición a la manipulación mediatica existente...