Revista Ars Combinatoria. Francisco Guerrero Marín. CPMAS Linares by MusicLinares128

Francisco Guerrero Marín

Nº 1 Mayo 2021 PIENSOLUEGOESTUD PERSONALIZ ATUMINU CONOCESL A APPOÍDO ELCONTR ABAJO C A MER ATA ANDRÉSSEGOV PA SEOPOR ALGUNA SDEL A S DE 3A99AÑOSPAR AL@SMÁ S 30MINUTOSCONÓSC ARNAV REDESCUBRIENDOUNAVE Z MÚSIC AYLEC TUR AINDISPEN MÚSIC AYCINE LOSBENEFICIOSDEL A MÚSIC A COUPERINYL AELEC TRÓNIC A EL ACOMPAÑA MIENTOPIANÍS QUÉSIGNIFIC AELCONSE ELCONSERVATORIOYLO

Versión digital para acceso al contenido multimedia

Nº 1 Ars [COMBINATORIA] Francisco Guerrero Marín Edición: Mayo de 2021 © De la presente edición: Conservatorio Profesional de Música “Andrés Segovia” de Linares. Autores: Javier Alonso Alacreu, Ana María Barragán Cobo, Pilar Cervera Aragón, Eduardo Cuervo Jiménez, Carmen García Godoy, Antonio Florián López Rodríguez, Carmen Meló Mansanet, Esteban Ocaña Molina, Norberto Prados Gómez, María José Ruiz de Lope, Mª Carmen Smith Tarazaga, Jesús Vega Sánchez Reservados todos los derechos. Queda prohibido reproducir, almacenar en sistemas de recuperación de la información y transmitir parte alguna de esta publicación, cualquiera que sea el medio empleado -electrónico, mecánico, fotocopia, grabación, etc.-, sin el permiso previo y por escrito de los titulares de los derechos de la propiedad intelectual.

Edita: Ediciones Reding Plaza Reding, 1 T. 953 670 818 23710 Bailén (Jaén) Diseño y maquetación: Equipo de diseño, redacción y editorial del Conservatorio Profesional de Música “Andrés Segovia” de Linares. Impresión y encuadernación: Elorza Plaza Reding, 1 23710 Bailén (Jaén) www.elorza.org ISSN 2792-3053 Depósito Legal: J-333-2021 Impreso en España - Printed in Spain

Ars [ C O M B I N A T O R I A ]

TÉCNICA

SUMARIO 7 [ Pienso, luego estudio (Parte I) ] Javier Alonso Alacreu

10 [ Personaliza tu Minus One ] Javier Alonso Alacreu

13 [ ¿Conoces la APP Oído Perfecto? ] Pilar Cervera Aragón

17 [ Pienso, luego estudio (Parte II) ] Javier Alonso Alacreu

20 [ El contrabajo ] AC TIV IDADE S

Norberto Prados Gómez

22 [ Camerata

Andrés Segovia

Pilar Cervera Aragón

]

24 [ Paseo por algunas de las actividades realizadas este curso ] María José Ruiz de Lope

26 [ ¡De 3 a 99 años! Para l@s más peques y no tan peques ] ENTREVISTAS

Eduardo Cuervo Jiménez

27 [ 30 minutos con ÓSCAR NAVARRO ]

MÚSICA Y...

Eduardo Cuervo Jiménez

28 [ Redescubriendo, una vez más, a Vivaldi ] Jesús Vega Sánchez

31 [ Música y lectura. Indispensable para el alumnado de cuerda ] Carmen Meló Mansanet

33 [ Música y Cine ]

Eduardo Cuervo Jiménez

34 [ Los beneﬁcios de la MÚSICA ] Carmen Meló Mansanet

36 [ Couperin y la electrónica ]

Ana María Barragán Cobo/ Antonio Florián López Rodríguez

37 [ El acompañamiento pianístico de Franz Schubert ] NAD O

Mª Carmen Smith Tarazaga

ALUM

42 [ ¿Qué signiﬁca el Conservatorio para mí? ] Carmen Meló Mansanet

44 [ El Conservatorio y ¡los memes! ] Ana María Barragán Cobo

Ars [ C O M B I N A T O R I A ]

INTRODUCCIÓN

Como Director del Conservatorio Profesional de Música “Andrés Segovia” de Linares os presento la nueva revista Ars [ C O M B I N A T O R I A ] Francisco Guerrero Marín, realizada desde nuestro centro.

Esta revista nace de la iniciativa del profesorado por compartir experiencias, vivencias y conocimiento siempre desde la perspectiva musical y su interrelación con otras disciplinas artísticas creando contenidos orientados a nuestra comunidad educativa. La publicación de nuestra revista en formato digital pretende visualizar el Conservatorio fuera de nuestro espacio físico y proyecta una imagen de innovación educativa y tecnológica que propicia un impulso a la difusión que realizamos diariamente de nuestra actividad, dentro y fuera del centro. Nos sentimos muy orgullosos de que este proyecto tan ilusionante salga a la luz después de un gran esfuerzo en la realización de un formato profesional, que pueda adaptarse a los contenidos elegidos, combinado con una imagen atractiva, tanto para el profesorado como para el alumnado.

Para cada esfuerzo disciplinado hay una recompensa múltiple Jim Rohn

Desde la dirección del centro quiero valorar la aportación del profesorado encargado de la realización, producción y edición de la revista, siendo consciente de la energía y esfuerzo empleados para extraer los mejores resultados, prueba de la excelencia que buscamos en todo lo que emprendemos y que, en este caso, hemos conseguido. Finalmente, solo me queda animar al resto del profesorado y del alumnado a mantener activa esta iniciativa y a seguir avanzando en este camino tan gratificante que es el hecho de compartir y expandir el conocimiento sobre este campo tan interesante que es la música y que tanto nos ha ayudado en estos momentos tan difíciles.

Esteban Ocaña Molina Director del Conservatorio de Linares

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EQUIPO EDITORIAL

El equipo editorial de la revista Ars [ C O M B I N A T O R I A ] Francisco Guerrero Marín está compuesto en su totalidad por profesorado del Conservatorio Profesional de Música Andrés Segovia de Linares de varios departamentos y con diversas responsabilidades dentro del centro. Todo el equipo ha puesto lo mejor de sí mismo trabajando con determinación y entusiasmo en este proyecto para ofrecer una publicación que sirva de complemento a otros canales de información y divulgación ya en uso. Esperamos no defraudar con este trabajo y aplicar lo aprendido de la experiencia en futuras publicaciones.

Esteban Ocaña Molina Carmen García Godoy María José Ruiz de Lope

Edición

Redacción 4

Jesús Vega Sánchez Ana María Barragán Cobo Antonio Florián López Rodríguez Norberto Prados Gómez Mª Carmen Smith Tarazaga

Carmen Meló Mansanet Pilar Cervera Aragón Eduardo Cuervo Jiménez Javier Alonso Alacreu

Diseño

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ACERCA DE LA REVISTA

La revista Ars [ C O M B I N A T O R I A ] Francisco Guerrero Marín es una publicación gratuita que nace en el seno del Conservatorio Profesional de Música Andrés Segovia y que intenta, de alguna manera, homenajear a uno de los más destacados compositores españoles del siglo XX: D. Francisco Guerrero Marín (Linares, 1951 Madrid, 1997). La revista debe su nombre a una composición homónima de Guerrero, la cual está fechada entre 1979 y 1980. Se trata de una obra de unos siete minutos de duración compuesta para flautín, oboe, contrafagot, trompa, trompeta y trombón, en la que el autor, fiel a su estilo y lenguaje compositivo, se basa en las matemáticas, y más exactamente en la combinatoria, para hacer un despliegue sonoro intenso y variado en linea con las vanguardias de su época. El musicólogo Stefano Russomano describió esta composición como una obra en la que “se construye un universo cerrado, sólido, pero en absoluto estático y cuya superficie, en constante movimiento, se carga y descarga de energía de continuo”.

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Ars Combinatoria de Francisco Guerrero debe su nombre, a su vez, al procedimiento también homónimo ideado por Ramon Llull (Mallorca, 1232 - 1316) según el cual, “mediante una combinación mecánica de círculos y diagramas se podía expresar en un lenguaje supuestamente universal las verdades fundamentales de la fe cristiana y sus razonamientos correspondientes”. En relación a esto escribió diversas redacciones sobre estos procedimientos combinatorios, a los que se atribuye una cierta relación con la lógica. La revista Ars [ C O M B I N A T O R I A ] Francisco Guerrero Marín es una, entre varias, de las propuestas que el Conservatorio de Linares está impulsando para que la figura de Francisco Guerrero tenga un reconocimiento y presencia más destacados en la ciudad que lo vio nacer. Esta publicación pretende no solo hacer ese homenaje al compositor, sino que también aspira a ser un canal de difusión y comunicación periódico que complemente a los ya utilizados por la comunidad educativa de nuestro centro como son las habituales redes sociales, centradas en la información más actual y en la rapidez de su difusión. Su línea editorial son contenidos creados por y para su comunidad educativa que no dependan tanto de la inmediatez o actualidad del momento, es decir, aquellos cuya relevancia se proyecte más allá del momento en el que son publicados y que no por ello dejan de ser relevantes, formativos o útiles. Esta revista es el resultado, entre otras cosas, del trabajo de un grupo de doce profesores y profesoras del Conservatorio de Linares que, con apenas experiencia en la gestión de una publicación de este tipo, ha sacado adelante este proyecto con ilusión, esfuerzo, constancia y alguna que otra duda, porque partir desde cero

nunca es sencillo. Para ello, ha sido necesario familiarizarse en el uso de herramientas de edición específicas para este tipo de proyectos y conocer más de cerca la metodología y los flujos de trabajo necesarios para crear el producto en el tiempo requerido. Todo el grupo formamos el equipo editorial, el cual ha asumido las tareas de edición, redacción y diseño de la totalidad de la publicación, y aunque su funcionamiento requiere fundamentalmente del compromiso de las personas que la integran, el equipo ha estado y seguirá estando abierto a la colaboración externa, ocasional o regular, de cualquier persona de la comunidad educativa con creatividad, inquietud y generosidad que quiera contribuir con sus ideas, contenidos y proyectos. El trabajo del actual equipo editorial ha sido posible gracias al total apoyo del Conservatorio a este proyecto, al CEP de referencia, al estímulo y ánimo trasladado por parte de otros docentes y a la implicación de alumnado en algunos contenidos. Una vez puesta en marcha esta revista, esperamos poder ofrecer de forma periódica y habitual contenidos de interés y contribuir de esta manera a mejorar la experiencia de estudiar, trabajar, participar o vivir la música en el Conservatorio de Linares. ¡Gracias a tod@s!

Equipo editorial revista@conservatoriodelinares.es

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Para progresar en el estudio de un instrumento solo hacen falta tres cosas: poder hacerlo, querer hacerlo y hacerlo bien Pienso, luego estudio (Parte I) Situación de partida No es de extrañar que en ocasiones el profesorado, especialmente el de asignaturas instrumentales, anime a su alumnado a que estudie todos los días su materia, algo que generalmente viene acompañado de cierta presión emocional y académica. Y eso es así cuando se detecta que, semana tras semana, los progresos realizados en el aula no tienen la evolución esperada en casa. Esta dinámica desanima frecuentemente al alumnado, pero también al docente que ve cómo su labor, la que hace con esfuerzo y visión de futuro, parece caer en saco roto.

Parece que pretendemos que su hogar se convierta en un aula de extensión de nuestra propia clase, donde puedan estudiar haciendo uso del tiempo disponible y aplicando todas y cada una de las directrices que, por enésima vez, hemos repetido pacientemente en el aula. Simplificando, el razonamiento sería algo así: “si todos los días se tiene tiempo para comer y dormir, también se tiene para estudiar. Festivos el doble”. Con este estupendo plan nuestro alumnado se saca el curso antes de Halloween y la carrera antes de empezar secundaria. Y si no lo hacen así es porque viven en la dinámica de “me levanté un lunes para estudiar un martes, pero como el miércoles vi que el jueves iba a llover... me dije el viernes: ¿para qué estudiar un sábado si el domingo es fiesta?”. Pero lo cierto es que el encaje de los estudios oficiales de un instrumento con la realidad social de nuestro alumnado ha cambiado mucho en las últimas dos décadas, asemejándose su rutina más a “me levanté un lunes para estudiar los tres exámenes del martes, pero como el miércoles después de cuatro horas en el conservatorio vi que TÉCNICA

Ars [ C O M B I N A T O R I A ] el jueves tenía otro examen, una montaña de deberes y una redacción, me dije el viernes antes de volver al conservatorio, y después de inglés, tenis y danza: otro sábado y otro domingo que me toca hacer tareas todo el día”. Bueno, lo dejamos en ni tanto ni tan poco, porque ni viven en un día de reyes perpetuo ni tienen exámenes de todo el currículo a la semana, pero cuando un alumno o alumna no rinde bien en nuestra materia es porque hay un problema de gestión de su tiempo de estudio, ya sea por insuficiente, por mal aprovechado o por ambas cosas.

Claves del progreso Para progresar en el estudio de un instrumento solo hacen falta tres cosas: poder hacerlo, querer hacerlo y hacerlo bien. Poder hacerlo es disponer de un espacio adecuado, un tiempo suficiente y un momento oportuno para la nada fácil tarea de ser tu propio profesor o profesora en casa, o lo que es lo mismo, para estudiar. Estas tres cosas deberían de estar al alcance de cualquiera mientras recibamos el apoyo y la comprensión de nuestro entorno más cercano y, en según qué especialidades, también del centro. Querer hacerlo, que nada tiene que ver con las ganas o el deseo de hacerlo. Querer es tener la determinación de no aceptar nada como excusa para no hacerlo. Hacerlo bien. Sin duda, lo más complicado es acertar en el qué hacer y cómo a la hora de estudiar, y es que solo hay una cosa peor que no estudiar, que es hacerlo mal. Aprender a tocar un instrumento está ligado a valores como el esfuerzo, la paciencia, la concentración o la perseverancia, y el estudio es el mejor momento para ponerlos en práctica.

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¿Cómo estudiar adecuadamente? Crear una rutina semanal. Estudiar no puede depender del “me apetece” o del “tengo ganas”. A lo largo del día hacemos multitud de cosas sin dudarlo simplemente porque hay que hacerlas. Nuestro cerebro a veces acepta mejor una imposición que una decisión. Una actividad programada requiere el esfuerzo de hacerla; sin embargo, una actividad propuesta hay que valorarla, buscar alternativas, cotejar todas las opciones, tomar la decisión de hacerla o no y finalmente hacerla, algo mucho más agotador. En definitiva, es crucial fijar un horario diario de tramos disponibles para estudiar, realista, en armonía con el resto de actividades, y respetarlo fielmente y de forma sistemática. Distribuir ordenadamente el tiempo de estudio. Esta distribución dependerá del tiempo disponible y, aunque no hay una fórmula concreta para cada tramo, sí hay un principio básico a aplicar: a mayor tiempo disponible más contenidos podemos abarcar. Estudiar escalas, estudios, ejercicios técnicos, obras, repertorio grupal, de cámara, son tareas que llevan tiempo y no podemos elegir hacerlas todas a la vez para amortizar mejor ese tiempo, porque lo

Ars [ C O M B I N A T O R I A ] que hacemos realmente es desperdiciarlo en provecho de ninguna. Hay que preguntarse cada día ¿qué puedo o debo estudiar hoy? en función del tiempo disponible y de los contenidos semanales. Fijar metas realistas en cada sesión. Tenemos un lugar para estudiar, tiempo suficiente y sabemos qué estudiar hoy, ahora no debemos caer en la trampa de aspirar a aprenderlo todo en los próximos minutos ya que puede ser tan

beneficioso como perjudicial hacer una sesión de estudio monotemática. Sabremos que debemos parar de estudiar “esa canción” cuando hayamos logrado un avance significativo en ella, no cuando nos salga perfecta. Podemos considerar el avance como significativo cuando nos acerca al final del camino, no cuando nos deja en él. Centrarse en el aquí y en el ahora. Generalmente, durante un estudio eficiente el tiempo pasa volando, pero si los minutos parecen horas podemos estar seguros de que está perdiéndose el tiempo, o como mínimo, aprovechándose mal. Y es que resulta muy frustrante cuando los resultados no son proporcionales al tiempo empleado para obtenerlos. Es mejor un tiempo breve de estudio bien aprovechado atendiendo a la resolución de problemas, que uno largo mal empleado pendientes del tiempo transcurrido. El reloj es de utilidad para estructurar el tiempo de estudio, pero no es una prueba de haber estudiado. En resumen, desde que se comienzan los estudios de música necesitamos crear una rutina de estudio eficiente, en la que lo importante no sea estudiar mucho sino hacerlo bien. De este modo, los resultados llegan con facilidad y prontitud. Cuánto tiempo dedicar al estudio y cómo gestionarlo dependerá de algunas variables, no hay una única fórmula, aunque personalmente considero muy productivo el enfoque del método científico, el cual se basa en aislar un problema, buscar una solución, aplicarla y evaluar los resultados obtenidos. En la segunda parte de este artículo se abordará este método aplicado al estudio de un instrumento musical. Javier Alonso Alacreu Profesor de Viola del Conservatorio de Linares

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suelen ser grabaciones profesionales con una gran calidad. El confinamiento sólo se ha encargado de crear conciencia de una necesidad a la que muchos usuarios han puesto remedio.

Personaliza tu Minus One Si algo bueno ha traído el confinamiento que sufrimos en primavera de 2020 por culpa de esta terrible pandemia ha sido el descubrimiento, por parte de alumnado y profesorado, de numerosos recursos digitales que han servido de ayuda para asimilar los cambios metodológicos impuestos. Basta con darse una vuelta por YouTube buscando acompañamientos de piano para ver la cantidad de conciertos, sonatas y obras de todo tipo que se han subido a esta plataforma el último año. Por supuesto, hay acompañamientos que llevan ahí mucho tiempo puesto que este recurso no es nada nuevo. Los Minus One son tan veteranos como los primeros métodos “modernos” de segunda mitad del sigo XX, y

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Pero el poder usar un acompañamiento de piano de tu actual obra de estudio no debería circunscribirse a la imposibilidad de ensayar físicamente con piano, debería ser un procedimiento más para estudiar tu obra, para tener una visión global del discurso musical, detectar errores de lectura o prepararte para el primer ensayo real con piano. Si el recurso está a tu alcance y tiene unos claros beneficios en el aprendizaje, usarlo es una decisión acertada. Muy bien, ya tenemos un acompañamiento encontrado en YouTube, por ejemplo, pero vemos que la grabación va demasiado lenta para nuestras preferencias de estudio. No hay problema, la plataforma te permite personalizar la velocidad de reproducción ascendente o descendentemente sin cambiar la afinación. A través de la aplicación móvil se hace en valores de 0,25%, lo que quiere decir que si el tempo es q = 120, al subirle ese porcentaje se quedará en q = 150, aparentemente un cambio demasiado

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brusco. Pero a través del navegador el ajuste es de solo 0,05% y en este caso la negra 120 subiría a 126, mucho más preciso y progresivo. Obviamente, a mayor diferencia con su tempo original peor calidad del sonido, ya que el algoritmo usado para cambiar el tempo se fundamenta en recortar fracciones de audio para aumentar la velocidad o duplicarlos para bajarla. Depender en ocasiones de una conexión a Internet o de tener la pantalla encendida no siempre es deseable, por lo que podemos usar solo el audio extrayéndolo con compresión mp3 de la plataforma de la forma que creamos

conveniente, si no disponemos de una cuenta Premium, y luego usarlo con aplicaciones que permitan esos y otros ajustes. Actualmente el dispositivo principal que usamos como herramienta de apoyo a nuestro estudio es el smartphone y/o tableta por su versatilidad y usabilidad. En un ordenador, una aplicación para la manipulación del audio muy usada por ser gratuita, multiplataforma y llevar ya muchos años funcionando es Audacity, pero ¿qué aplicación como alternativa para móvil podemos usar? Existen unas cuantas que son capaces de cambiar los parámetros básicos de tempo y tono de forma independiente. Una buena elección para el entorno iOS es Audio Stretch, aunque en Android siempre he preferido Music Speed Changer.

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Audio Strech En iOS está disponible en versión gratuita con funciones limitadas y en versión de pago con todas sus funciones activadas, siendo la versión de Android solo de pago. Lo más interesante de este tipo de aplicaciones es que podemos, además de cambiar el tempo, cambiar la afinación, elegir la parte del archivo que queremos reproducir o exportar y hacerlo todo sin depender de una conexión a internet o manteniendo durante la reproducción la pantalla apagada. El ajuste del tono (pitch) se hace por intervalos de semitonos, algo interesante, por ejemplo, para transportar versiones de otros instrumentos, pero no para ajustar la afinación a nuestro instrumento. La selección del tramo a reproducir (loop) facilita el empezar y acabar en el punto exacto que necesitamos sin necesidad de ajustarlo manualmente. Igualmente si lo que queremos es exportar sólo un fragmento o movimiento de un conjunto de varios. Al igual que Youtube, los ajustes de velocidad son desde 0,05x y el algoritmo usado para las modificaciones es muy simple, aunque la calidad es suficiente para que la experiencia sea buena. La versión para Android no cambia en nada salvo en el precio, sin embargo para esta plataforma existe una alternativa igual de interesante, gratuita y con las mismas funcionalidades.

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Music Speed Changer Es capaz de hacer lo mismo que Audio Strech, pero además de estar disponible en español, es posible usarla online desde casi cualquier navegador e incluso instalarlo como extensión en los navegadores Chrome o Edge. El ajuste de velocidad es aún más preciso, de tan solo 0,02x, y la calidad del audio es igualmente válida para nuestro propósito que es adaptar nuestro Minus One a nuestras preferencias y necesidades de estudio o interpretación del momento. No son las únicas aplicaciones que pueden hacer esto, pero son accesibles para cualquiera, fáciles de usar y realmente útiles. Sin duda alguna, deberíamos aprovechar las oportunidades que nos brinda la tecnología para exprimir al máximo nuestro tiempo disponible y para facilitar la tarea tanto de aprender como de enseñar.

Javier Alonso Alacreu Profesor de Viola del Conservatorio de Linares

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Cuántas veces te has puesto a estudiar lenguaje musical y has pensado … ¡Qué difícil! ¡No sé si lo estoy haciendo bien! ¿Esto será así? Ojalá pudiera dejar el libro y coger el móvil...

¡Buenas noticias! Existe una forma de estudiar lenguaje musical sabiendo si lo estás haciendo bien o no con tu móvil o tableta

¡Te presento la aplicación “Oído Perfecto” que viene para ayudarte a mejorar en Lenguaje de forma amena y sencilla! Es una aplicación gratuita disponible para dispositivos android que nos permite realizar entrenamiento auditivo y rítmico y que puedes descargarla AQUÍ

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¿Conoces la APP Oído Perfecto?

“Oído perfecto” cuenta con 4 secciones: Audición, Ritmo, Ejercicios y Teoría. Al abrir la app nos encontramos la pantalla principal donde, además de acceder a las diferentes secciones podemos ver apartado de metas diarias. Aquí podemos observar a simple vista cuánto hemos practicado cada día y si hemos alcanzado nuestro objetivo. Lo mejor es que el objetivo lo puedes definir tú mismo y cambiar el tiempo, los puntos o el número de ejercicios que tienes que realizar. En cada sección tienes diferentes tipos de ejercicios, por ejemplo, en el entrenamiento auditivo puedes trabajar intervalos, escalas y acordes. La app te permite ir desde lo más fácil, como pueden ser ejercicios de comparación de 2ªM y 2ªm, hasta ejercicios mucho más complejos, como la identificación o canto de intervalos hasta la 5ª Justa. Podemos acceder a ejercicios de intervalos más grandes, pero hay que pagar un suplemento de 2,99 €. Eso sí, al pagar el suplemento te desbloquean los ejercicios de todas las secciones (Audio, ritmo y teoría) por ese precio, que hoy día es lo que te cuestan dos refrescos en un bar. Además, si sólo estás interesado en una sección, puedes obtener esos ejercicios por 1,29€. En mi opinión, una gran ventaja de esta app es que no solo hay ejercicios de audición y reconocimiento, sino que, gracias al uso del micrófono, es posible realizar ejercicios de entonación. Me ha sorprendido gratamente la precisión de la aplicación para reconocer la voz y determinar si está o no afinado. Además, te permite configurar el rango de voz en el que puedes cantar (Barítono, Tenor, Mezzosoprano), e incluso si no llegaras bien ajustando estos niveles, puedes activar la opción de “Ignorar octava” y cantar el intervalo en cualquier tesitura.

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Ars [ C O M B I N A T O R I A ] La sección de entrenamiento rítmico tiene 3 tipos diferentes de ejercicios, introducción de ritmos (Una especie de dictado rítmico), imitación y lectura de ritmos. En estos dos últimos, hay que tocar la pantalla del dispositivo realizando el ritmo para que se grabe. Para mejorar la precisión, la aplicación hace una prueba en la que calcula la latencia del teléfono, para que nos entendamos, la pequeña diferencia entre que pulsamos el botón y el teléfono lo registra. Por desgracia, no es del todo preciso y da algunos fallos a la hora de introducir las notas. La buena noticia es que al pulsar se registra un punto debajo de la nota, y aunque pueda salirte que has fallado (advierto que la aplicación exige mucha precisión para dar por bueno el ejercicio), puedes calcular si la medida era correcta, aunque no hayas ido exactamente a tiempo.

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Ars [ C O M B I N A T O R I A ] La tercera sección se llama “Ejercicios”. Incluye lectura de claves, notas absolutas y teoría para trabajar el círculo de quintas. Lo que más me ha gustado de esta sección, y que es de agradecer, es que te permite desarrollar la lectura de diferentes claves, como la de DO. Además, me resulta muy divertido ponerse a prueba con los ejercicios de notas absolutas, creo que es lo más complicado de la app y es el entrenamiento definitivo para terminar de desarrollar el oído.

Por último, en la sección de teoría tenemos un resumen de todo lo que necesitamos para realizar correctamente los ejercicios de las secciones anteriores, es decir, un repaso a todo lo básico que debemos saber en lenguaje musical. Como curiosidad, la aplicación tiene una sección de Logros, que aunque no aporta nada al estudio, sí que puede servir como motivación, ya que puedes enlazar con Google Play comparar con el resto de usuarios tu puntuación, incluso puedes comparar con tus compañeros y amigos quién está más cerca de alcanzar el oído perfecto. En resumen, creo que es una gran aplicación que permite desarrollar todo lo necesario para un buen músico. Es una pena que tenga algunos ejercicios de pago, pero el precio es bastante asequible en comparación con otras aplicaciones que ofrecen menos recursos. Otro punto a favor es que se encuentra completamente en castellano, lo que facilita el uso y el entendimiento. No es una aplicación que pese demasiado ni tiene grandes gráficos, por lo que puede descargarse en prácticamente cualquier dispositivo aunque no tenga un gran procesador. Es una pena que no esté disponible también para iOS ya que, en mi opinión, pierden bastante público. En definitiva, con esta app estudiarás entonación, dictado y ritmo todo en uno, de una forma considerablemente fácil y entretenida. ¡Se te han acabado las excusas! ¡A estudiar lenguaje musical!

Pilar Cervera Aragón Profesora de Viola del Conservatorio de Linares

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Pienso, luego estudio (Parte II)

A la hora de afrontar el estudio de un instrumento musical posiblemente nos identifiquemos con procedimientos basados en prueba-error, problema-solución, causaefecto… Las metodologías de estudio que hacen uso de estos procedimientos suelen ser bastante efectivas si se combinan entre ellas, pero no tanto si se aplican aisladamente ya que por sí mismas no abarcan todos los frentes sobre los que hay que intervenir durante un estudio. El enfoque más habitual cuando nos ponemos manos a la obra es el de corregir errores o solucionar problemas que tenemos con el repertorio que estamos abordando, lo usemos como medio o como fin. Teniendo en cuenta que el origen de los problemas no suele estar donde se manifiestan, durante el estudio en casa habrá que identificar esos problemas a resolver y encontrar las soluciones apropiadas haciendo un pequeño trabajo de investigación, pero no un trabajo científico, sino uno de estar por casa valga la redundancia. Para entenderlo mejor tomemos como ejemplo un fragmento de una obra que estamos empezando a trabajar y que se nos atraganta más de la cuenta.

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OBSERVA 1. META. El primer paso será fijarnos una meta de estudio u objetivo a perseguir. Las metas deben ser realistas, alcanzables en el tiempo que dispongamos para el estudio y en línea con nuestras capacidades actuales o las que aspiramos a tener. Esto nos ayudará a delimitar el área de trabajo y sacar el máximo rendimiento del mismo. En nuestro hipotético ejemplo (un fragmento de obra) nos ponemos como meta realista para una sesión de estudio de 30min tocar diez compases a q = 100 con las dinámicas marcadas (forte, piano, algún crescendo y unos acentos). No sería realista para esta sesión ponerse como meta tocarlo de arriba a bajo haciéndolo todo perfecto. 2. PRUEBA. Vamos a tocar buscando cumplir nuestra meta. Para muchas personas esto ya sería estudiar, pero en realidad solo estamos buscando qué estudiar. 3. RESULTADOS. Analizamos los resultados obtenidos. “¿Hemos conseguido tocar los diez compases a q = 100 con las dinámicas que hay marcadas?” Si la respuesta es afirmativa, insistir en algo que ya sale como esperábamos no es lo más práctico, así que buscaríamos una nueva meta y repetiremos el procedimiento. Si la respuesta es no, empezaría nuestro verdadero proceso de estudio.

ESTUDIA 4. HIPÓTESIS. Tras encontrar el objeto de estudio, ahora toca definir el problema (o problemas) y su origen, es decir, debemos formular una hipótesis sobre lo que ha ocurrido. A partir de aquí, la diferencia entre estudiar y tocar sin más radica en lo reflexivas que sean o no nuestras acciones. Pienso, luego estudio; no pienso, luego desaprovecho el tiempo.

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En nuestro ejemplo anterior, al tocar hemos cometido algunos errores que nos han dado pistas sobre cuál puede ser el problema que tenemos en ese pasaje de diez compases. “Al hacer un crescendo los dedos se nos han desincronizado, los acentos han estropeado el sonido y tocando piano no iba con el metrónomo” (sí, ese aparato que es el auténtico mejor amigo del hombre, y no el perro). Primera hipótesis: “el hacer dinámicas afecta a la mecánica de los dedos porque los errores cometidos han sido cuando intentaba hacerlas, el origen del problema puede estar en que cambio mi forma de tocar involuntariamente (mayor tensión, imprecisión, gestos erráticos, cambios de geometría…)”. 5. SOLUCIÓN. Con esta hipótesis diseño un plan: “quitaré todas las dinámicas y las aplicaré progresivamente (primero una, y si todo va bien, luego otra…) para comprobar si hay cambios involuntarios en los dedos o cualquier otra parte del cuerpo que esté activa”. 6. EXPERIMENTACIÓN. Ponemos en práctica la solución que hemos diseñado, basada en la hipótesis de que el origen del problema que me impide tocar diez compases de la obra con las dinámicas que me he propuesto está en cambios involuntarios en mi forma de tocar. 7. TESIS. Es obvio que necesitamos hacer una escucha activa y reflexiva de nuestra propia práctica para obtener datos de los resultados, los cuales analizamos para comprobar si vamos por el camino adecuado o si debemos replantear nuestra estrategia de estudio. En este punto, cabe mencionar que cualquier procedimiento que nos ayude a registrar lo que hacemos es bienvenido: una cámara grabando, un amigo/a escuchando, un profesor/a guiándonos, el vecino gritando “¡Así no Josua!”… De este modo tenemos una perspectiva más amplia y objetiva de lo que hacemos.

Ars [ C O M B I N A T O R I A ] Es el momento de valorar si nuestra hipótesis era o no cierta, y si el origen del problema es el que habíamos identificado. Para ello, hacemos una argumentación o tesis con la experiencia acumulada durante el proceso. Si no es cierta habrá que buscar otras causas, formular una nueva hipótesis, diseñar una nueva solución, aplicarla y volver a valorar los resultados, así hasta que demos con la solución al problema que nos impide alcanzar nuestra meta.

REFUERZA 8. ACCIÓN. Si hemos dado con la solución y, en el caso del ejemplo ficticio expuesto, “sabemos que la causa que nos impide tocar esos diez compases como queremos es que al intentar los fortes tensamos demasiado la musculatura, elevamos sin darnos cuenta los hombros y colapsamos la geometría de los brazos”, es el momento de aplicar nuestra solución repetidamente valorando el alcance del progreso. Es decir, “añadiremos progresivamente las dinámicas manteniendo la tensión al margen hasta que consigamos nuestra meta”. No reforzar lo estudiado es el error más frecuente (después del de quedarnos en la fase de observar), y eso tiene sus consecuencias. Si nos conformamos simplemente con haber encontrado la solución, posiblemente en la próxima sesión de estudio del mismo pasaje habremos olvidado parte, si no todo, de lo aprendido. El esfuerzo realizado habrá sido en vano y tocará, de nuevo, volver a empezar. Llegados a este punto hay que dejar un buen “poso” antes de poner el pasaje en “reposo”. 9. CONCLUSIÓN. Puede que durante este proceso nos demos cuenta de que nuestra meta era demasiado optimista para alcanzarla en 30 minutos, o demasiado conservadora y en 3 minutos la hayamos logrado, pero en cualquier caso, el proceso debe servirnos para

conocer mejor nuestro ritmo de aprendizaje y definir en futuras sesiones metas más realistas y alcanzables. Si tras una razonable secuencia de repeticiones todavía no hemos alcanzado nuestra meta quizás deberíamos rebajar las expectativas y conformarnos, temporalmente, con una parte de ella. Por el contrario, si hemos logrado nuestra meta podemos dar por concluido su estudio y acceder al último paso, antes de plantearnos otro reto e iniciar el proceso de nuevo. 10. INFORME. Dar a conocer los resultados a la comunidad científica es el último paso en el proceso de investigación a través del método científico. Podemos afirmar que si algo no se conoce es que no existe (y si no está en Google o Amazon tampoco). En este momento debemos de ser muy conscientes de lo que hemos logrado y lo que no para que el trabajo realizado tenga la continuidad que se merece y no caigamos en la reiteración o en el olvido en futuras sesiones de estudio. Tenemos que informarnos claramente a nosotros mismos de lo conseguido y tomar nota de ello, literalmente si es necesario. A Albert Einstein se le atribuye la afirmación de que “un problema no puede ser resuelto en el mismo nivel en el que ha sido creado”, y parece que no le falta razón pues, si todo ha salido como estaba planeado, con una meta pequeña hemos logrado dar un pequeño pero decisivo paso hacia adelante, que si bien no nos deja en nuestro objetivo más ambicioso, sí nos acerca más a él, por lo que podemos estar seguros de que estudiando así hemos conseguido subir de nivel.

Javier Alonso Alacreu Profesor de Viola del Conservatorio de Linares

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El Contrabajo

¿Por qué tocar el contrabajo? El contrabajo es un instrumento de la familia de cuerda frotada y dentro de ésta es el instrumento que tiene la sonoridad más grave. Esta familia es la base de toda orquesta sinfónica y, dentro de ésta, el contrabajo, gracias a su característica sonoridad, nos aporta apoyo y sustento tanto armónico como rítmico para toda la orquesta. Hablando con muchos de mis amigos contrabajistas, en los descansos de los ensayos en las orquestas jóvenes y posteriormente en las profesionales, siempre comentamos cómo llegó a nuestras vidas el contrabajo, un instrumento que, a priori, no llama la atención y que, dado su desconocimiento del gran público, no es el instrumento con el que sueña todo niño o sus padres. Al final, nos damos cuenta que todos hemos tenido una historia parecida y llena de anécdotas y llegamos a la conclusión de que fue el propio instrumento el que nos eligió; con el transcurso del tiempo aprendes a ver que es un instrumento que cautiva, que te atrapa y que una vez has caído en sus garras, no puedes más que sucumbir a sus encantos y dejar que el amor fluya. Siempre podemos comentar las bondades de las salidas profesionales de este instrumento puesto que, a parte de no ser un instrumento tan masificado como otros y por tanto no hay

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tanta competencia, sí dispone de muchísimas salidas profesionales entre las que se encuentran la posibilidad de ser profesor, solista, miembro de una orquesta, una banda sinfónica, una orquesta de plectro, un grupo de jazz, tango, rock, pop o soul... En definitiva, todo un gran abanico de posibilidades. Dicho esto, la razón que te debe hacer tomar la decisión de elegir un instrumento u otro, debe ir un poco más allá. El mundo del contrabajo es un mundo sano, de competitividad únicamente con uno mismo, de amistad, de serenidad, siempre en comparación con el resto de especialidades. Desde luego, una vez que posees un contrabajo, nunca más pasarás desapercibido. Llamas la atención allá por donde vas en su compañía. Parecerá pesado e incómodo de llevar pero todos nos hemos encontrado esos problemas y ya existen ruedas que se le acoplan, fundas con ruedas o carritos para poder transportarlo fácilmente... nada en comparación con lo agradable que es tocar un instrumento así, notar su vibración y sentir que tienes en tus manos toda la responsabilidad para que la orquesta no se desmorone como si de un castillo de naipes se tratara. No obstante, en el conservatorio tenemos instrumentos por lo que no habría que

Ars [ C O M B I N A T O R I A ] cargar con él en un principio para venir a clase. Desde el minuto uno en que empiezas a notar la vibración que emana desde el suelo y se adentra en ti, sientes como esas notas graves te hacen entrar en un estado plácido, de calma. Cierto es que yo hablo desde el amor que tengo por este instrumento y no puedo ser objetivo pero esta relación se ha ido forjando a lo largo de los años y me ha traído muchas satisfacciones, muchas amistades y solo unos poquitos disgustos y frustraciones por notar que no siempre lo dominas como te gustaría. Mi comienzo con el contrabajo fue a una edad ya tardía para esta clase de enseñanzas y es que es un instrumento que se presta tanto a niños de 8 años, o incluso menos en escuelas del Método Suzuki, por ejemplo, como a personas ya adultas, puesto que hay contrabajos de distintos tamaños que se adaptan perfectamente a cada etapa de crecimiento y, como no está tan masificado como en otras especialidades, siempre hay opción de entrar a poder estudiarlo. Existen incluso los denominados “Mini Bass” que son contrabajos muy pequeños de colores pensados para poder empezar a edades más tempranas.

Mini Bass

Mis inicios reglados fueron en el Conservatorio de Música “Andrés Segovia” de mi ciudad natal, del cual soy ahora profesor. Siempre he estado ligado al mundo de la música puesto que me encanta, aunque mis primeras notas las daba sin tener ninguna idea de música en una guitarra eléctrica. Tocar sin saber la teoría y la técnica, siempre es una limitación y una vez comencé, este mundo me atrapó y supe que quería dedicar mi vida a ello. Os animo a todos y todas a que le deis, y os deis, la oportunidad de conocer este instrumento tan precioso en el aspecto melódico como importante para la fundamentación armónica de la música. Aquí os espero.

Norberto Prados Gómez Profesor de Contrabajo del Conservatorio de Linares

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¿Y qué hace?

Camerata Andrés Segovia

¿Camerata? ¿Eso qué es? No, aunque el nombre pueda inducir a error, no tiene nada que ver con las cámaras de fotos o de vídeo. La camerata es una agrupación de instrumentos de cuerda formada por profesorado y alumnado del centro. Se fundó en el curso 2019-2020 con la intención de potenciar el trabajo del cuarteto de cuerda a través de una formación más grande.

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Esta agrupación se da cita cada martes para ensayar, profesores y alumnos trabajando “arco con arco” para conseguir interpretar obras de diferentes estilos. En estos ensayos se trabaja emulando el trabajo que podría realizar cualquier orquesta de cuerda profesional. Así, el alumnado puede desarrollar recursos y estrategias que podrán poner en práctica en su futuro laboral.

¿Es Santa Cecilia?... Concierto. ¿Se acerca la Navidad?... Concierto. ¡Que la semana que viene es el Día de Andalucía! ¡A tocar se ha dicho! Cualquier excusa es buena para desenfundar los arcos y hacer disfrutar con su música. ¿Quieres escucharlos? Aquí tienes un trocito de una de sus actuaciones:

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Proyecto Alumnado Solista Además, este curso, la camerata ha puesto en marcha un proyecto especial. Todos los que nos dedicamos a la música sabemos lo complicado que resulta llegar a tocar como solista delante de una orquesta. Gracias a la camerata, un grupo de alumnos de cuerda ha tenido la posibilidad de subirse al escenario para interpretar algunas de las obras trabajadas en clase como auténticos solistas, rodeados de auténticos profesionales que los han apoyado durante su actuación.

Con muchas ganas, el profesorado del departamento de cuerda ha arreglado partituras, diseñado un plan de ensayos, trabajado obras y acompañado a alumnado de diferentes cursos, desde 4º de Enseñanzas Básicas hasta 6º de Profesional. Todos y cada uno de ellos han hecho un gran trabajo, prueba de ello es el excelente resultado del I Concierto de solistas de cuerda que realizaron el pasado mes de Abril.

En el futuro, esperan poder ampliar este proyecto a otras especialidades, creando ciclos de conciertos con diferentes instrumentos solistas. De momento, siguen trabajando para hacer música y disfrutar con ella. Si os habéis quedado con ganas de escuchar más, podéis pinchar en estos enlaces para ver el concierto de Santa Cecilia o el del Día de Andalucía.

¡Os invitamos a que sigáis a la Camerata muy de cerca y no os perdáis ni un concierto! Pilar Cervera Aragón Profesora de Viola del Conservatorio de Linares

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Paseo por algunas de las actividades realizadas este curso

Si echamos la vista atrás hasta el comienzo del curso, en ese momento era difícil apostar por hacer ninguna actividad como conciertos, salidas, audiciones… Mucha gente incluso pensábamos que al poco tiempo volveríamos a estar confinados por la subida de contagios que supondría volver a abrir los centros educativos. Nada más lejos de la realidad, ya que no sólo hemos constatado que el Conservatorio ha sido un lugar seguro, sino que, gracias a la creatividad, capacidad de adaptación y esfuerzo de toda la comunidad educativa, hemos podido superar las dificultades de este complejo curso y realizar las tan necesarias audiciones y conciertos que todo músico necesita en su formación. Amén de todas las audiciones individuales del profesorado, muchos de ellos expertos a día de hoy en grabaciones y edición de vídeos y audios, así como en el uso de Drive, Clasroom, Meet, Zoom, y una multitud de aplicaciones y programas para poder llevar diversas actividades con el alumnado, hemos podido realizar incluso conciertos interdepartamentales para celebrar fechas señaladas como el que todos los años dedicamos a nuestra querida Santa Cecilia, nuestra patrona. A pesar de las circunstancias no le hemos fallado y, tanto profesorado como alumnado, pudimos compartir nuestra música en ese día tan especial para cualquier músico. El Conservatorio es también reivindicativo, tod@s queremos igualdad, seamos del género que seamos. Y es por ello que nuestro centro no

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podría lucir mejor con los carteles de alumnado y profesorado pidiendo respeto, educación y mucho más en el Día contra la violencia de género. Y como no, también reivindicamos este día con un concierto. Pero es que, además, hemos realizado con nuestro alumnado de enseñanzas básicas unos talleres conmemorativos como celebración del Día Internacional del Flamenco. Nuestro profesorado de la especialidad de guitarra flamenca, siempre al pie del cañón, consiguió que nuestros alumnos y alumnas sintieran el pulso con su cuerpo a través de palos de flamenco, una forma diferente de comprender el lenguaje musical. Y espectacular el concierto de dicho día, cómo no. En cuanto a Halloween, qué decir. Hubo que echar mano de creatividad para adaptarnos a las circunstancias y el resultado fue que realmente lo pasamos de miedo. Y llegamos al colofón del primer trimestre que tuvo lugar en El Pósito con nuestro Concierto de Navidad. Pudimos disfrutar de grupos de todas las especialidades, respetando siempre las medidas de seguridad, por supuesto. Nunca había visto tantos roll-up trasparentes juntos cual laberinto en un escenario. Impresionante la música de nuestro alumnado, con la que pudimos volver a sentir la emoción de tocar en un magnífico escenario, de nuevo, tras meses desde casa. Fue un auténtico reencuentro con vivencias pasadas. Como no podía ser de otra manera, celebramos el Día de Andalucía con un Concierto de profesorado, un Concierto de alumnado y un Concierto de ensembles. Todo un placer poder hacer música en este día tan señalado desde nuestra Sala Francisco Guerrero.

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Como anécdota, fue curioso comprobar cómo unas cámaras grabando parecían intimidar mas a los músicos que la presencia de un público. Las mujeres somos y seguiremos siendo parte importante y necesaria de la historia de la música, como así nos han mostrado las actividades tan creativas que se han propuesto. Motivo por el cual realizamos un imprescindible Concierto para el Día Internacional de la Mujer interpretado por alumnas y alumnos, profesoras y profesoras, como no podía ser de otra manera. Esto es sólo una pequeña muestra de todo lo que se ha realizado desde el Conservatorio de Linares. Hemos conseguido esquivar las dificultades y, a pesar de todo, seguir adelante gracias al equipo humano que trabaja cada día para mejorar e innovar. Está claro que la música alimenta al alma.

María José Ruiz de Lope Profesora de Violonchelo del Conservatorio de Linares

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¡De 3 a 99 años! Para l@s más peques y no tan peques ¡Es la hora de divertirnos! Esta sección está dedicada a TODOS y TODAS, mayores, pequeñ@s, familiares, amig@s, músicos, no músicos. ¡Juguemos con la música! Os presentamos los musicogramas, ¿sabéis lo que son? Son gráficos o dibujos que representan diferentes elementos que intervienen en una obra musical (ritmo, frases, timbres, compases, etc.). Ayudan a comprender la música, a mirarla y escucharla de una forma activa. No sustituyen a la partitura convencional, sino que la complementa. Es una manera muy divertida de seguir la música incluso SIN TENER NOCIONES MUSICALES. Os proponemos que juguéis en familia con los siguientes ejemplos: Lo primero de todo, en este vídeo, veremos en qué consisten. Ahora es tu turno, ¡sigue la música sin ayuda! (usa las tarjetas en orden descendente, en este enlace tienes el audio) ¡Os dejamos muchos más para que os divirtáis! La Pantera Rosa La famila Addams Marcha Turca de W.A. Mozart Uptown Funk, de Bruno Mar

Eduardo Cuervo Jiménez Profesor de Flauta del Conservatorio de Linares

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30 minutos con ÓSCAR NAVARRO

Hemos tenido el placer de charlar unos minutos con uno de los compositores más influyentes y mediáticos del momento como es Óscar Navarro. ¿Qué hace un nominado a los Goya en su día a día?, ¿qué le llevó a componer obras como Osanna in Excelsis o Libertadores?, ¿qué consejos puedo dar a nuestro alumnado del Conservatorio de Linares? Os dejamos el vídeo en el que responde a estas y muchas otras preguntas. ¡No os lo perdáis!

Eduardo Cuervo Jiménez Profesor de Flauta del Conservatorio de Linares

ENTREVISTAS

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Redescubriendo, una vez más, a Vivaldi En realidad el Barroco y la creación contemporánea puede que no estén tan alejados unos de otros… ¿Qué ocurre si los mezclamos? Que podemos obtener combinaciones fascinantes “Vivaldi escribió el mismo concierto 500 veces”. Esta afirmación, atribuida a Igor Stravinsky, fue una creencia ampliamente aceptada a lo largo de todo el Siglo XIX y principios del XX, tiempo en el que la figura del compositor veneciano permaneció prácticamente olvidada. Sin embargo hoy día gracias a la proliferación de ensembles e intérpretes dedicados a la interpretación historicista ha surgido un renovado interés en la figura del Prete Rosso.

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Cierto es que muchos de sus conciertos, el formato de su producción más ingente y conocida, están realizados siguiendo patrones y esquemas similares, pero también lo es que su obra no puede mirarse como la de un artista, figura surgida a partir de Beethoven, sino más bien desde la del artesano, que componía como una de sus obligaciones. Es esta una música a la que el ego no le termina de sentar bien… El estudio historicista mencionado anteriormente nos ha devuelto un Vivaldi chispeante, enérgico y cargado de virtuosismo en los tiempos rápidos, y con sorprendentes y punzantes disonancias en los tiempos lentos, de gran audacia armónica. Un Vivaldi limpio de ese filtro de suavidad al que lo sometió la orquesta romántica, y que, gustos aparte, es cuanto menos mucho más estimulante. Sin embargo, el objetivo de este artículo no es hablar sobre Vivaldi, o no exclusivamente sobre él, sino sobre la influencia que éste ejerce sobre la creación contemporánea, para lo cual se han escogido tres grabaciones en las cuales

Ars [ C O M B I N A T O R I A ] la música del compositor es reinterpretada de diversas maneras o sirve como marco para otras composiciones contemporáneas. Las tres propuestas son muy diferentes entre sí en cuanto a temática y ejecución, así que habrá para todos los gustos. Simplemente hay que sentarse y dejarse sorprender.

modales… convirtiendo una pieza conocida en algo sorprendente e inesperado. Algunos movimientos son muy parecidos al original, mientras que otros se transforman totalmente (como el caso de Spring 1, basado por completo en el famoso episodio de los pájaros de la primavera). Lo verdaderamente interesante de esta grabación es que no es un simple remix, sino que está auténticamente recompuesto en partitura para orquesta, solista y electrónica en algunos puntos, y la diversión para ver qué sorpresa aguarda a la vuelta de la esquina está garantizada, al tiempo que se trata de una revisión respetuosa con el original, al mantenerlo siempre en el frente.

Recomposed by Max Richter: Vivaldi - The four Seasons La primera de las propuestas es sin duda la más comercial. En ella, el mediático compositor Max Richter toma como material de partida los archiconocidos conciertos de Vivaldi y los pasa por su máquina de la posmodernidad. La estructura externa no cambia: cuatro conciertos, cada uno con tres movimientos. En cada movimiento son perfectamente reconocibles los materiales originales, tomados directamente del movimiento original correspondiente. Lo que hace el compositor es aplicarle su arsenal de recursos minimalistas: loops, drones, irregularidades rítmicas, melodías

Sounds & clouds: Works by Hosokawa & Vivaldi. Esta segunda opción es de escucha más compleja. En ella se presenta la obra Singing gardens in Venice del compositor japonés Toshio Hosokawa como interludios de diversos conciertos de Vivaldi. Al contrario que en el

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Ars [ C O M B I N A T O R I A ] anterior, esta pieza, si bien suena a Vivaldi, los materiales tomados son menos reconocibles, ya que consisten en armonías, texturas orquestales, sonoridades… acercando los mundos de la música oriental, la contemporánea y la barroca. A la escucha da la sensación de fragmentos de Barroco congelados en el tiempo. Antiguos y modernos a la vez, occidentales y orientales, en una propuesta onírica y sensual, realmente sorprendente por cómo consigue Hosokawa integrar música totalmente actual con la compuesta siglos atrás.

What´s next, Vivaldi? En esta última propuesta podríamos decir que se explora el lado más salvaje del compositor barroco, el más abiertamente virtuoso, y para ello nadie mejor que Il Giardino Armónico, cuya grabación de las cuatro estaciones rompió moldes en los años 90, sentando nuevos estándares en la interpretación historicista. A este grupo se une la joven violinista Patricia Kopatchinskaja, y es precisamente el estilo de

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interpretación virtuosísitico y agresivo de la solista (muy en sintonía con el de Il Giardino Armonico) el que sirve como nexo de unión entre la música barroca y la contemporánea, ya que en esta grabación, de nuevo como marco a diversos conciertos de Vivaldi se intercalan otras piezas de creación actual, en este caso de diversos compositores. Al contrario que en las dos grabaciones anteriores, los materiales no proceden de Vivaldi, o por lo menos no se aprecia abiertamente, y sin embargo, la combinación es fascinante mostrando que ambos mundos, en realidad, no están tan lejos. Esto queda de manifiesto ya desde el primer concierto que abre el disco (La tempesta di mare), interpretado a velocidades imposibles, y en el que aparecen interludios más propios de la actualidad que del Barroco, pero que no desentonan en absoluto. A partir de ahí, sólo queda sorprenderse por, como dice el título, lo que venga a continuación. Éstas son solo tres de las muchas propuestas actuales que rescatan la música de la “gran tradición” y la mezclan con la música de creación actual, dándonos nuevos puntos de vista de obras muy conocidas, pero puestas en contextos diferentes, proponiendo una escucha sin complejos y liberada. Al fin y al cabo es de lo que se trata, de escuchar y dejarse llevar por los sonidos, y eso no ha cambiado mucho desde el Barroco hasta hoy.

Jesús Vega Sánchez Profesor de Fundamentos de Composición del Conservatorio de Linares

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Música y lectura. Indispensable para el alumnado de cuerda Hay tres libros de los que soy incapaz de separarme y que me acompañan, mudanza tras mudanza, allá donde me depara el destino (nunca mejor dicho). Los leí en mi época estudiantil, entre los últimos cursos del grado profesional y el grado superior, cuando ya tenía claro que quería dedicarme a la música. Cavaron tan hondo en mí que no puedo pasar por alto el recomendárselo a mis alumnos. El primero que me leí fue “El arte del cuarteto de cuerda”, de David Blum, de la Editorial Idea Books, en conversaciones directas con el cuarteto

Guarneri. De lectura fácil y amena resume, con vivos e ilustrados ejemplos, gran parte de la técnica y musicalidad que había estudiado con mi instrumento. Los leí en una época en los que, literalmente, estaba enamorada de la música clásica. Los miembros del Cuarteto Guarneri estuvieron 39 años juntos como intérpretes profesionales de un cuarteto. En estos manuales se incide sobre todo en el tema interpretativo, tanto técnico como de fraseo. Además, el Cuarteto Guarneri nos describe, siempre con un toque de humor, cómo sobrevivir tantos años a una convivencia tan prolongada, todo ello, por supuesto, envolviendo un sinfín de partituras y pasajes musicales, cómo los afrontan, cómo ceden si no hay consenso de ideas, etc. Tanto me gustó este libro que decidí leer también el de Pau Casals, del mismo autor y edición. Con multitud de ejemplos musicales

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que ayudan a esclarecer el carácter interpretativo de la música, Casals nos muestra su visión personal acerca de cómo tocar un determinado pasaje para que suene más claro, más afinado, más nítido. Todo lo que enseña tiene sentido y ayuda a comprender mejor el arte de la música. Recuerdo que en esa época compré muchos libros. Cuanto más leía, más curiosidad tenía por aprender. Mi profesor me habló del libro de Ivan Galamian “Interpretación y enseñanza del violín”, y lo estuve buscando por todas las tiendas especializadas de Valencia, sin encontrarlo. No fue hasta el verano del 2000, paseando por las calles de Granada, después de una intensa jornada de curso de violín impartida por Michael Thomas, cuando, de repente lo vi. Estaba en un estante colocado a pie de calle en una librería. Por fin lo tenía en mis manos. Lo empecé a leer ese mismo día. Es un manual extenso en el que aparecen las bases de toda la técnica e interpretación del violín (aplicable también a los demás instrumentos de cuerda frotada), tanto de la mano derecha como

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de la izquierda, así como las pautas para lograr un buen y fructífero estudio. Aunque, como dice el propio Galamian “un libro no puede reemplazar la relación directa entre el alumno y el maestro, ya que el enfoque resulta demasiado individualizado para trasladarlo a un papel”, pero un libro, no obstante, puede ilustrar los principios generales y clarificar muchos de los problemas que surgen en la interpretación.

Carmen Meló Mansanet Profesora de Violín del Conservatorio de Linares

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Música y Cine

Qué sería del cine sin música… y viceversa desde luego. En muchas ocasiones no somos conscientes de la importancia que tiene la música dentro del género cinematográfico. No me refiero únicamente a las bandas sonoras como tal, sino al simbolismo y significado que los compositores y compositoras quieren dar con su música a personajes, escenas y momentos de las respectivas películas. Con esto quiero decir que componer una banda sonora no es, ni mucho menos, poner música de fondo a diferentes escenas, sino ayudar a completar la película y servir de guía al público para identificar diferentes escenas sin siquiera darnos cuenta. En pocas palabras, la banda sonora nos cuenta la historia de la película. Os invito a escuchar el siguiente audio y a contestar a la siguiente pregunta, ¿Qué es lo que está sonando? La gran mayoría, por no decir todos y todas pensaremos: “¡Ah si! Es la banda sonora de la película de Star Wars”. Efectivamente, desde luego, pero quiero ir más allá, ¿qué es realmente este tema melódico?. Sin lugar a duda este fragmento representa al gran villano de la saga cinematográfica, Darth Vader. John Williams, con esta melodía, nos presenta a uno de los personajes más emblemáticos de la Guerra de las Galaxias. Esta música es el tema de Darth Vader, al igual que no nos imaginamos a este personaje sin su traje negro y su famosa máscara, tampoco nos lo imaginamos sin esta música. Es

su música, su tema, su personalidad, su carácter, su fisonomía, es todo él. George Lucas, nos presenta a su villano visualmente, pero John Williams lo hace auditivamente. Volved a ver las películas y os daréis cuenta que este tema únicamente aparece en el momento en el que Darth Vader sale a escena. Hay infinidad de casos, por no decir todos, en los que vemos esa relación simbiótica de la música y el cine. Uno de los influencers musicales de moda como es Jaime Altozano, analiza todos estos aspectos con gran acierto en la mayoría de los casos. Pero la conclusión que quiero hacer con estas pocas palabras, es que nos quede claro que la música de cine no es ni mucho menos la música de fondo de una película, sino que es la película en sí. Mi aplauso y admiración para los grandes compositores y compositoras de bandas sonoras, uno de los grandes géneros de la Música Contemporánea.

Eduardo Cuervo Jiménez Profesor de Flauta del Conservatorio de Linares

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Los beneﬁcios de la MÚSICA

música cumple una función de vital importancia en el desarrollo cognitivo del ser humano. Colabora con el pensamiento lógico-matemático, la adquisición del lenguaje, el desarrollo psicomotriz, las relaciones interpersonales, el aprendizaje de lenguas no nativas y potencia la inteligencia emocional, entre otros. De todos es sabido los beneficios que la música proporciona al bienestar general, ya que ayuda a regular las emociones y crear felicidad y relajación en la vida diaria. Algunos de estos beneficios son: reducir el dolor, disminuir el estrés, reforzar la salud, estimular el cerebro, aumentar el rendimiento físico, facilitar el sueño, aumentar el optimismo, funcionar como medicina emocional. A nivel neurológico, estudios realizados por la Universidad de Harvard y la Universidad de

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California han comprobado que la práctica de instrumentos musicales hace que los dos hemisferios cerebrales formen nuevas conexiones, cuya realización produce que el cerebro tenga un mejor rendimiento en los campos de la concentración y la memoria. Los efectos de la música en el cuerpo son cuestión de química y tienen nombre propio: la dopamina, un neurotransmisor que ayuda a controlar los centros de recompensa y placer del cerebro. Además, ayudan a procesar otras emociones como el miedo, la tristeza, el resentimiento y el dolor, aún cuando estén presentes a nivel subconsciente. Por poner un ejemplo, la música clásica, según algunos estudios, provoca la generación de serotonina, una sustancia química que provoca relajación y calma los niveles de estrés y ansiedad. La práctica de la ejecución musical sobre la base de un instrumento promueve un mejor rendimiento a nivel cerebral. Las lecciones musicales activan ambos hemisferios cerebrales. Por esta actividad, la concentración, memoria y disciplina de un estudiante se ven a duelo a ejercitarse, y este ejercicio suele mejorar la capacidad de las aptitudes mencionadas. En el momento en el que el cerebro se ve retado

Ars [ C O M B I N A T O R I A ] a dividirse en varias funciones que requieren concentración y precisión, como al tocar instrumentos como el piano, guitarra, violín, contrabajo, entre otros, mejora sus funciones. Estudios realizados por la Universidad de Harvard y la Universidad de California han comprobado que la práctica de instrumentos musicales hace que los dos hemisferios cerebrales formen nuevas conexiones, cuya realización produce que el cerebro tenga un mejor rendimiento en los campos de la concentración, memoria y aprendizaje. El legendario científico español de la neurociencia moderna, Santiago Ramón y Cajal, descubrió que la única actividad que hacía más conexiones en las células cerebrales era tocar el piano, ya que en este instrumento se emplea cada dedo en una tecla distinta, enfocándose cada mano en distintos ritmos y velocidades, y en adición, los pies, que también tienen una importante función al utilizarse los pedales.

nivel mental, también se considera muy útil la teoría musical para facilitar el aprendizaje en otros idiomas. Características importantes de la música, como el tono, el timbre, la intensidad y el ritmo, tienen mucho que ver con las variaciones del habla de los distintos idiomas. Cada uno de estos tiene un acento distinto, y en la música descubrimos los diversos tonos, timbres y ritmos que se podrían acoplar a los diferentes idiomas. La música fortalece el aprendizaje y contribuye a mejorar su lenguaje, favoreciendo su discriminación auditiva. Además, la repetición de canciones incorpora vocabulario nuevo, y el ritmo les ayuda a repetir frases complejas. Un aprendizaje divertido, dinámico y espontáneo. Siempre se suele recomendar la música clásica para el estudio. De hecho, se dice que algunas composiciones de Mozart estimulan el cerebro y relajan de manera formidable para

mejorar la memorización y la adquisición de conocimientos. La música y su relación con la corporalidad y la conciencia permite desarrollar capacidades como: la lateralidad, la direccionalidad, el equilibrio y la sincronización de los cuerpos, ya que éstos se afectan entre sí mutuamente.

el área psicomotriz, se sabe que la música contribuye a desarrollar las habilidades sensoperceptivas, habilidades de coordinación corporal, motricidad, relajación y expresión gestual. La música no solo ayuda a que nuestros niños/as se relajen, sino que al combinarse con el baile, estimula los sentidos, el equilibrio y el desarrollo muscular, estimula la creatividad y la imaginación infantil, y enriquece el intelecto. El movimiento rítmico ayuda al niño a tomar conciencia y hacerse dueño de su cuerpo, como instrumento musical y de expresión, proporcionándole una mayor agilidad psicológica que le ayudará al afianzamiento de la personalidad y a una mejor adaptación al medio socio-cultural. El canto les ayuda a sentir la intensidad de sus actividades. Además, permite transformar cualquier momento de estrés, de tensión o de ansiedad en un instante más sereno, tranquilo y relajado. Algunas actividades para potenciar la inteligencia emocional podrían ser rodearse de un ambiente donde la música sea importante en la vida cotidiana. Acudir a conciertos y recitales musicales, aprender a tocar algún instrumento, bailar siguiendo el ritmo de una música.

Carmen Meló Mansanet Profesora de Violín del Conservatorio de Linares

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Couperin y la electrónica

Cada vez más, la tecnología, en sus múltiples versiones, toma protagonismo en nuestro día a día. Esto se hace palpable también en los centros educativos, como es el Conservatorio; por lo que nos hemos hecho la siguiente pregunta: ¿es posible reunir Música Clásica y Tecnología? La respuesta la podéis obtener tras terminar de leer estas líneas y visualizar el vídeo pulsando el botón. Uno de nuestros propósitos en este trabajo para el primer número de Ars Combinatoria ha sido alcanzar la experimentación musical reinterpretando la pieza Les Barricades mystérieuses de F. Couperin a través de medios tradicionales como el Piano, y medios contemporáneos como Groove box y DAW. De este modo, hemos querido ofrecer una visión actual y multidisciplinar del músico profesional, capaz de integrar creación, interpretación y educación gracias a la hibridación de lenguajes. Esta simbiosis entre tradición y modernidad está presente gracias a los conocimientos sobre interpretación pianística y composición, adquiridos durante años, y los conocimientos sobre interpretación electrónica. Esta forma de hacer música supone una vía de búsqueda creativa para el artista, el espectador y, por supuesto, para el alumnado, explorando nuevos sonidos, timbres, ritmos, melodías o texturas. De esta manera, hemos alcanzado una meta pedagógica que teníamos en mente: más conocimiento sobre las herramientas e instrumentos de producción musical electrónica para incluir en nuestras clases. Es por ello, que

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nos gustaría dejar en interrogación las claves y entresijos del proceso creativo para realizar en un futuro cercano tutoriales sobre los materiales y los métodos necesarios para reelaborar electrónicamente piezas de vuestro repertorio. Sí que dejaremos constancia del proceso tan enriquecedor profesionalmente y personalmente que hemos vivido. Hemos materializado la creatividad, el trabajo en equipo, hemos hecho brain storming (tormenta de ideas), debates, pruebas... hasta llegar a un resultado aceptado por los dos. Sin entrar en demasiados detalles (pues nos gustaría que el receptor sacara sus propias conclusiones), diremos que la parte pianística carece de matices agógicos en favor de la expresividad rítmica de la parte electrónica, se han combinado estilos y se ha producido una fusión entre estéticas histórica y musicalmente alejadas (en un primer momento) entre sí. Por tanto, creemos firmemente que el Conservatorio puede ser una institución en la que dar cabida a este tipo de proyectos como medio para integrar las innovaciones y avances tecnológicos que se vienen sucediendo en el momento actual. No nos despedimos puesto que ¡nos vemos en clase y en los próximos números de la revista!

Ana María Barragán Cobo Profesora de Piano del Conservatorio de Linares Antonio Florián López Rodríguez Profesor de Composición del Conservatorio de Linares

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El acompañamiento pianístico de Franz Schubert

Situación de partida A través de este artículo se analiza el papel del piano como acompañamiento de la melodía en el Lied alemán y su clara interrelación con el resto de parámetros musicales, concretamente en el lied de Franz Schubert, haciendo referencias sobre todo al ciclo “Die Schöne Müllerin” D.795. 1. El piano en el lied romántico El acompañamiento pianístico adquiere una gran relevancia en la literatura del lied. El lied tiene una doble función: Por un lado, ofrecer pequeñas obras de menor dificultad técnica para los aficionados burgueses y por otro, representa el lado más íntimo del compositor romántico. El Lied es poesía entonada, es una canción para voz y piano de gran sencillez, basada en un breve poema sentimental. Su base literaria lo vincula con la música programática y su forma estrófica lo acerca a la música popular. El principal representante de este género es Schubert, también destacan Brahms y Schumann. El piano del lied es tan protagonista como la voz, no es algo secundario, su papel es el de crear una atmósfera que dominará en el lied conseguida a través de la idea principal, que aparece en el primer motivo acompañante y que será la fuente del desarrollo de la melodía.

A menudo, el texto inspira un elemento sonoro que describa una imagen: el galope del caballo, el ruido del torno, las olas del arroyo etc. Estos elementos no se limitan a un efecto aislado, sino que se convierten en símbolos musicales que forman la base para el posterior desarrollo de los contenidos, garantizando la coherencia de la obra. Además, la expresión del texto no se limita a los símbolos sonoros, el compositor sigue libremente el contenido del texto empleando recursos como la aceleración, disminución o interrupción del discurso musical, el cambio dinámico o de tesitura, la modulación, etc. Con Schubert el instrumento se convierte por lo menos en un igual de la voz, a veces inclusive responsable de establecer el tono de todo un Lied. Puede afirmarse que el papel del piano introducido por Schubert fue único en su tiempo e influiría posteriormente en compositores como Schumann. 2. Origen y evolución del lied El término lied se refiere a una composición típica de los países germánicos y escrita para un cantante con acompañamiento de piano. Su principal característica es la brevedad de la forma, la renuncia al virtuosismo belcantístico, la estrecha relación con el poema y la fuerte influencia de la canción popular alemana (Volkslied). La canción culta, elaborada a partir de lo popular, no adquirió respetabilidad hasta el s. XIX, cuando los grandes compositores románticos consiguieron la paridad artística con la ópera y la cantata religiosa. Se desarrolló con el compositor alemán Franz Schubert en 1814, aunque tuvo sus antecedentes en Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven. Desde entonces, se impondría el término alemán Lied (Lieder en plural), literalmente canción, como denominación de la canción culta o composición a una o varias voces, con MÚSICA Y...

Ars [ C O M B I N A T O R I A ] acompañamiento instrumental, generalmente pianístico. 2.1. El lied en Schubert Si colocamos el lied en el punto central de la obra de Schubert, es para marcar la importancia universal que adquirió este género gracias a él. No es solamente, que Schubert haya creado y dado vida a los lied con sus poemas y melodía, sino que los de él son los más trascendentes, los más escuchados y aún vigentes. Con Franz Schubert (1797-1828), el lied fue liberado de todas las convenciones del aria de ópera y reducido al núcleo de la forma, el poema, la melodía y la ilustración a través del piano. Schubert escogía textos de Johann Wolfgang von Goethe, Friedrich Schiller y Johann Mayrhofer. El poeta más importante fue Wilhelm Müller, quien escribió los textos para “Die Schöne Mullërin” (la bella molinera) y “Winterreise” (viaje de invierno) y la canción para soprano, piano y clarinete “El pastor en la roca”. Las formas fundamentales de la canción de Schubert son la canción estrófica o la compuesta de parte a parte, que sigue el poema de principio a fin en una misma continuidad dramática o lírica; a menudo mezclaba estas dos formas. 2.2. Tipos de lied en Schubert Uno de los elementos fundamentales en la renovación del género lied llevada a cabo por Schubert, radica en su capacidad de innovación en el ámbito formal. En efecto, vemos que a principios del siglo XIX, el género lied se consideraba una propia forma musical. Aunque la terminología contemporánea para el análisis mantiene la nomenclatura “forma lied” para las estructuras musicales ABA. Las formas más habituales de lied que encontramos en Schubert son:

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Lied estrófico. A cada estrofa del poema corresponde la misma melodía y acompañamiento. Este esquema puede ampliarse, o tomar la forma ABA. Lied estrófico ampliado o desarrollado. La ampliación de la forma musical del lied mediante estructuras contrastantes o de desarrollo parte, habitualmente, del contenido poético. Dentro de esta estructura encontramos también aquellos lieder que presentan dos estrofas iguales, pero con un alargamiento de la segunda. Otros tipos. La estructura de los lieder más valorados de este compositor no responde a ninguna de estas dos formas. El contenido es la causa del peculiar funcionamiento de estos lieder, que tienden a ser discursivos, con un punto culminante, que coincide con el instante de máxima tensión textual. La impresión que producen este tipo de lieder es que no hay estructura. 2.2.1 La importancia de la melodía Debemos destacar la extraordinaria riqueza y belleza de la melodía en los lieder de Schubert. De hecho, esta belleza melódica siempre viene unida a un acompañamiento pianístico brillante y creativo, un empleo eficaz de las modulaciones y cualidades armónicas, etc. La voz, en su discurso, puede plantear la forma de la composición completa. El movimiento del canto no suele presentar saltos amplios, que generalmente se reservan para los momentos cumbre de mayor tensión. Schubert tiende a evitar también una excesiva ornamentación. La intensidad expresiva del canto recae en los siguientes factores: El acento musical suele recaer en el acento textual. También el discurso de la frase musical se relaciona con la frase textual. Se realzan las palabras más significativas.

Ars [ C O M B I N A T O R I A ] Los períodos melódicos suelen ser claros y bien delimitados, sin perderse por ello la continuidad melódica. Se emplea con frecuencia la repetición. Pero Schubert recurre a la ornamentación de la línea melódica en las recapitulaciones. Aquí vemos un ejemplo de las múltiples variaciones melódicas que hace Schubert cuando repite una melodía.

• Se tiende a modular y establecer los desarrollos en los ámbitos de las mediantes, tanto la tercera como la sexta de la tonalidad principal. • Se plantean cromatismos en la melodía que coinciden con armonías diatónicas. • Empleo conjunto de la tónica mayor y menor, con gran importancia expresiva. • Bajos omitidos. • Resolución sincopada de las voces de los acompañamientos. • Texturas homofónicas (duplicación de la melodía en las voces internas).

Imagen 1. Ejemplo de la voz en lied de Schubert, “Rast” del ciclo Winterreise, D.911-10.

Las frases surgen de un modo que denota intuición y naturalidad y se evitan los excesos expresivos.

Imagen 2. Ejemplo de la voz en lied de Schubert, “Frühlingssehnsucht” del ciclo Schwanengesang, D957.

2.2.2. La importancia de la armonía A través del tratamiento armónico, Schubert conduce el texto hacia sus momentos climáticos. Las notas decisivas de la armonía, por ejemplo, la tercera nota de la escala cuando estamos modulando de mayor a menor, pueden aparecer tanto en el canto como en el piano. La armonía de Schubert comprende algunas de las características del primer romanticismo. No obstante, sí encontramos algunas licencias novedosas, que tendrán amplia repercusión en los compositores posteriores: • Se tiende a modular y establecer los desarrollos en los ámbitos de las mediantes, tanto la tercera como la sexta de la tonalidad principal.

• Acordes de quinta disminuida. Se emplean en los instantes de máxima tensión, pero también pueden aparecer empleos más novedosos. • Modulaciones repentinas o abruptas. Modulaciones a tonalidades lejanas o inesperadas, con escasa preparación. • Finales abiertos. Esto sucede tanto en el final de secciones o estrofas, como en el final de algunos lieder, que no terminan en la tónica. • Repetición de núcleos armónicos o melódicos o de ambos tipos, a distancia de semitono ascendente (da una nueva brillantez al fragmento) y a distancia de semitono descendente, (tono más sombrío). 2.2.3. La importancia del acompañamiento Uno de los aspectos más interesantes de los lieder lo encontramos en los diferentes papeles que puede representar el acompañamiento pianístico. Los esquemas de acompañamiento estricto, en los que el piano no se equipara a la línea vocal, ya presentan posibilidades muy variadas, pero la riqueza de su aportación es mucho mayor. MÚSICA Y...

Ars [ C O M B I N A T O R I A ] El piano, en su aparición, puede plantear los siguientes papeles: • Puede ser un discreto actor secundario, con alguna intervención polifónica, repitiendo alguna línea vocal en eco, o con pequeñas intervenciones solistas después de las cadencias vocales.

ejemplificada en una estructura circular en el acompañamiento pianístico o en “Halt!” en el cual aparecen continuamente en la mano izquierda un grupo de 6 semicorcheas que nos recuerda a la rueda del molino.

• Puede sujetar las armonías bajo el canto, de un modo sincopado, repetitivo, con acordes fundamentales y sus inversiones, sin notas de paso, cromatismos ni otras variedades de acompañamiento. • Otra opción de acompañamiento puede ser una corriente de armonía ininterrumpida, ya sin esquemas rítmicos claros. No obstante, Schubert tiende a equiparar la importancia de la intervención pianística a la de la voz. Citamos a continuación algunos de los elementos que otorgan un papel fundamental a la intervención del piano: 1. La inserción de formas fijas de acompañamiento (un esquema rítmico o bien rítmico-melódico, como puede ser el lied nº 2 de Die Schöne Müllerin, “Wohin?” (seisillos de semicorcheas).

Imagen 4. Ejemplo del acompañamiento en lied de Schubert, “Halt!” del ciclo Die Schöne Müllerin, D.795 y “Gretchen am Spinnrade” del ciclo Gretchen am Spinnrade, D.118

4. Se pueden introducir pasajes que varíen y complementen la melodía del canto.

Imagen 5. Ejemplo del acompañamiento en lied de Schubert, “Der Neugierige” del ciclo Die Schöne Müllerin, D.795

5. En relación con el recurso anterior, la melodía pianística puede oponerse a la del canto. 6. Aparecen pasajes a solo, entre las estrofas o incluso entre los versos, en forma de interludios o codas a dicha parte.

Imagen 3. Ejemplo del acompañamiento en lied de Schubert, “Wohin?” del ciclo Die Schöne Müllerin, D.795

2. Un incremento de la tensión armónica mientras la línea vocal todavía mantiene un tono despreocupado o ligero. 3. Establecer ostinatos que recalquen una idea del texto: la rueca de Margarita, por ejemplo, en el lied “Gretchen am Spinnrade”, aparece

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Imagen 6. Ejemplo del acompañamiento en lied de Schubert, “Der Leiermann” del ciclo Winterreise, D.911-10

7. El piano puede ser un personaje más de la trama musical, con un tipo de acompañamiento o un giro musical característico, apareciendo a la vez que la voz, o en los momentos en los

Ars [ C O M B I N A T O R I A ] que la voz está en silencio. En “Thranenregen” (Die Shöne Müllerin) en el momento que la voz está en silencio aparece el personaje del arroyo en el piano.

se repiten las palabras “Das Wandern” o en las siguientes estrofas “Die Ráder”, se consigue la variedad mediante el contraste dinámico fortepiano. Un elemento característico de la música del siglo XIX, que aún será más destacado décadas más adelante, lo encontramos en la exageración dinámica: Schubert puede crear una transición desde extremas distancias dinámicas ( π y ƒ, por ejemplo) en apenas tres compases.

Imagen 7. Ejemplo del acompañamiento en lied de Schubert, “Thranenregen” del ciclo Die Schöne Müllerin, D.795

8. Oponiendo diferentes papeles: el piano puede tratar de evocar timbres de instrumentos orquestales, como sucede en el lied número 13 del ciclo Winterreise, Die Post, donde el sonido del piano evoca el timbre de la cometa.

Los tempi indicados deben respetarse necesariamente. Aunque en ocasiones se cree una dialéctica entre el carácter expresado por el poema y el tiempo anotado en el lied, nunca existe una contradicción. Sin duda existen diferentes allegros y diferentes largos en Schubert. Las anotaciones de tiempo de duración más corta, como acellerandos o ritardandos, siempre tienen una conexión con el texto. 3. Conclusiones

Imagen 8. Ejemplo del acompañamiento en lied de Schubert, “Die Post” del ciclo Winterreise, D.911-10

El acompañamiento schubertiano es único por su variedad y riqueza. Ningún compositor precedente había conseguido dotarlo de una importancia verdadera. El piano en el lied comienza, con Schubert, a ser parte del sentido profundo de la música. 2.2.4. El tratamiento de la dinámica y la agógica Entramos en un terreno bastante delicado. Ambos recursos se ponen a disposición de la narración, por entero. Las variaciones dinámicas son de gran importancia, muy especialmente, por ejemplo, cuando el lied tiene una estructura estrófica. Podemos poner como ejemplo el primer lied de Die Schöne Müllerin, “Das Wandern”: cuando

Es evidente la importancia universal de la figura de Schubert para el desarrollo del lied como género musical. El compositor supuso una gran revolución en éste, por las innovaciones en el tratamiento de elementos como la melodía, la armonía, el acompañamiento, la dinámica y el tratamiento del texto, valiéndose del piano y la voz como recurso para llevar a cabo sus objetivos. En definitiva, este estudio nos ofrece una visión global que nos acerca a este género musical y que se convierte en una práctica herramienta analítica e incluso compositiva, a la hora de enfrentarnos a una obra de estas características.

Mª Carmen Smith Tarazaga Profesora de Composición del Conservatorio de Linares

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¿Qué signiﬁca el Conservatorio para mí?

Cuando me pidieron formar parte del proyecto de la revista digital, tuve la inquietud de mostrar lo más importante que tenemos en el conservatorio: la música y, por supuesto, el alumnado que forma parte de él. En esta entrevista, los protagonistas son los alumnos del Conservatorio y su relación con la Música. He querido ofrecer una pequeña muestra de la variedad de alumnado que nos acompaña en esta andadura, en cuanto a instrumento, curso, edad, características, intereses, motivaciones, etc. Para ello he contado con la participación de 8 alumnos, para conocerlos un poco más y saber de sus inquietudes musicales. Estos alumnos son: Carmen Pérez, de 1º EPM violín; Alejandra Monsalve, de 1º EPM violín; Marino Morales, 6º EPM de piano; David Pérez, 6º EPM de clarinete; Alicia Montiel, 2º EPM de violín y ex-alumna de piano; Laura Márquez, 5º EPM de violín; Irene Checa, de 3º EPM violín y Claudia Checa, de 1º EPM piano. La entrevista está en formato vídeo; en él formulo una serie de preguntas que el alumnado muy amablemente va contestando, bien individualmente o en grupos de dos, a modo de charla, y que podéis visualizar en los enlaces que aparecen a continuación pinchando en cada una de las preguntas. ¿Porqué vienes al conservatorio?, ¿qué es lo que más y lo que menos te gusta? Prácticamente todos los alumnos coinciden en que vienen al Conservatorio porque les gusta la música y se lo pasan bien aprendiendo. Otro

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aspecto a destacar es la profesionalidad del profesorado, que les motiva a seguir aprendiendo y estudiando las diferentes asignaturas que se imparten. ¿Llevas bien la carga lectiva? En general, los alumnos llevan bien la carga lectiva, a pesar de que pasan muchas horas en el Conservatorio. En algún momento se sienten algo cansados y/o estresados, pero coinciden en que pueden llevar a cabo satisfactoriamente todos sus estudios debido a una buena organización del tiempo y del estudio. ¿Te gustaría estudiar la carrera de Música? Aquí hay disparidad de opiniones. Algunos quieren dedicarse a la música profesionalmente; otros, no. Pero todos coinciden en querer terminar el grado Profesional por los numerosos beneficios que les aporta la música y estudiar en el Conservatorio, y también porque están acostumbrados a terminar lo que empiezan. ¿Qué significa la música para ti? La música es una parte muy importante de la vida de este alumnado, ya que les transmite sensaciones como tranquilidad y bienestar, y la sienten como una forma de expresión y reivindicación de uno mismo. ¿Cuánto tiempo dedicas a la Música? Aquí también hay disparidad de opiniones. Algunos alumnos estudian 30 minutos al día; otros, unas cuatro horas. Todo depende de la carga lectiva del día y de la motivación individual por la música de cada uno. ¿Te sientes integrado en el Conservatorio? Todos los alumnos se sienten integrados en el Conservatorio y les gusta participar de las actividades que se realizan, tales como cursos, conciertos, proyecto Erasmus, etc. ya que son actividades diferentes y muy motivadoras.

Ars [ C O M B I N A T O R I A ] ¿Cómo te sientes con las restricciones de la pandemia? Los alumnos se sienten mal, ya que es bastante molesto tocar con la mascarilla. Además, lo bonito de la música es poder compartirla con los compañeros, quedando para tocar y ensayar, y con las restricciones es más complicado, ya que no pueden quedar un mayor número de personas. Esto se complica bastante con asignaturas grupales como Orquesta, robando tiempo de la clase en preparar el aula, con las separaciones pertinentes, colocando los roll-up y limpiando sillas y atriles al finalizar cada clase. En el día a día les resulta más difícil quedar con los amigos, con lo importante que es la socialización en esta etapa de la adolescencia. ¿Podrías vivir sin música? Todos los alumnos coinciden en que no podrían vivir sin música, ya que están en contacto con ella todo el día: para estudiar, para ducharse, etc. Aparte, llevan estudiando en el Conservatorio unos cuantos años, con lo que la Música en general ya forma parte de sus vidas. Making Of En el Making Of podrás visualizar el “Cómo se ha hecho”, con algunos de los momentos más divertidos de la entrevista. Seguro que a más de uno se le escapa una carcajada. ¡Espero que lo disfrutéis tanto como yo!

Carmen Meló Mansanet Profesora de Violín del Conservatorio de Linares

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El Conservatorio y... ¡los memes!

A continuación os presentamos estos perspicaces “memes”, creación de alumnas de nuestro Conservatorio. Aparte de estudiar (esperamos que mucho) en cada una de las asignaturas, han hecho uso de su creatividad para presentarnos esta idea tan divertida. ¡Agradecemos mucho su colaboración y animamos al resto de alumnado a participar!

Ana María Barragán Cobo Profesora de Piano del Conservatorio de Linares

Cristina Muñoz de la Vega Alumna de 4ºEP de Piano del Conservatorio de Linares Ana Gallardo López Alumna de 4ºEP de Piano del Conservatorio de Linares Raquel Barrio Guillén Alumna de 4ºEP de Piano del Conservatorio de Linares Irene Pascual Ojeda Alumna de 4ºEP de Clarinete del Conservatorio de Linares

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