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Paquito D’Rivera y la importancia de saber escuchar S

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Guitarra Taylor 214Ce

CERATI Los signos de un músico total


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[ Año 10, Num. 114 | diciembre 2014 ]

38.

Gustavo Cerati

Un maestro, una causa, un efecto

Fotografía de portada Toni François

Diciembre será el mes de los tributos en Music:Life. Así lo decidimos hace un año con Frank Zappa y hoy hacemos un perfil de Cerati para ubicar los elementos de distinción que ayuden a la comunidad musical a valorar un trabajo que heredó al rock en español una vertiente rica en innovación; además, sumamos la reflexión en torno a los rasgos de la personalidad y el estilo de vida para sobrellevar el rock and roll. Por Alonso Arreola, Alejandro González, Rafael Mejía, Nizarindani Sopeña y Sandra Romo.

16.

18.

24.

entre el oleaje y la brisa marina

Di no a la yoga: rock fronterizo desde un Hotel Garage.

voces al espíritu.

Son de Madera,

Jaime López.

Alim Qasimov: Por Óscar Sarquiz

Por Rafael Mejía

30.

34.

36.

Instrumentos, Gadgets

Lil Studio

Guitarra Taylor 214Ce.

Producción

Home Studio:

Scan:

Por Arelia Cedillo

6. Noticias: Primer Concurso de Composición Arturo Márquez / Hasta siempre Capitán Pijama y “Kiko” Rodríguez 12. Eventos: En Contacto con Representaciones de Audio 14. Reseñas: Ondatrópica / Rogelio Garza / Soda Stereo 20. Entrevistas: David Aguilar / Andrea Balency / The Oaths / Juan Carlos del Río 28. Distor: Los Estrambóticos + José Cruz. Por Alejandro González 48. Escenario: “Si no oyes al que está a tu lado, estás tocando muy fuerte”. Por Paquito D’Rivera 50. Academia: Instituto Artene. Por Rafael Uriega 52. Más allá del Pentagrama. Por Marios Santos 54. Del Bit a la Orquesta. Por Anwar Sánchez 1


Editorial

Directorio DIRECCIÓN

Jorge Urbano EDITORA

Marisol Pacheco DISEÑO

Jhonatan González STAFF EDITORIAL

Nizarindani Sopeña Alfredo Hernández COMERCIALIZACIÓN

Claudia Pérez CIRCULACIÓN

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Edith García

“Un hombre alado extraña la tierra”.

OPERACIONES

Horacio Urbano Javier González Vázquez ADMINISTRACIÓN

ste es el tributo al amor amarillo con el que Gustavo Cerati trazó para la comunidad musical hispanoparlante líneas de acción para expresar con las notas y las posibilidades sonoras un mundo de invención colmado de riesgo, innovación, movimiento, belleza y la exigencia de un alma obsesiva que tuvo como premisa crear y retarse así mismo, así en solitario como en los proyectos que integró, como el entrañable Soda Stereo.

Sí, la circunstancia de su adiós en septiembre de este año lo convirtió para esta revista en el motivo editorial de nuestro segundo número tributo, piezas de colección que arrancamos en diciembre del año pasado al rendir homenaje y revisar la obra de Frank Zappa con un texto armado con los apuntes, conocimiento y reflexiones de Sara Valenzuela, Adolfo Castañeda y Alex Otaola. Bien, para abordar el legado de Cerati en esta ocasión pedimos a Alonso Arreola, Alejandro González Castillo, Rafael Mejía, Nizarindani Sopeña y Sandra Romo dieran los puntos con los cuales armar esta constelación desde sus luminosos atributos respecto a la composición, la ejecución y la concepción de un show; a los factores paralelos como el de distinguir a la generación de músicos que se suscribió en tiempo y estilos a Gustavo en Argentina y hasta lo que implicó, desde la perspectiva de la salud, verle estallar cual supernova sobre el escenario. El entramado es singular, estamos seguros que encontrarán apuntes para aplicar a su propia notación musical. Acompañan la edición, el estreno de discos como el de Jaime López y su Hotel Garage y Son de Madera; visiones de la música del mundo como la compartida por Alim Qusimov y un artículo sobre la importancia de saber escuchar y qué pedir a los compañeros músicos y sonidistas cuando se está sobre el escenario, escrito ni más ni menos que por el gran Paquito D’Rivera.

María Pineda Silvina Bustos Patricia Quinteros Beatriz Camacho (55) 5240 1202 y 52401203 info@musitech.com.mx www.musiclife.com.mx music:life. Revista mensual. Año 10, No. 114 Editor responsable: Jorge Raúl Urbano Calva Número de Reserva al Título de Derecho de Autor: 04-2004-112916553100-102 ISSN: 2007-0020 Certificado de Licitud de Título: 13167 Certificado de Licitud de Contenido: 10740 Distribuido por SEPOMEX, Circuito Parque 3, Col. Ciudad Satélite, Naucalpan, Edo. de México, C.P. 53100 Registro Sepomex PP09-1361 y distribuido por medios propios. Domicilio de la Publicación: Cofre de Perote 132, Fraccionamiento Los Pirules, C.P. 54040, Tlalnepantla, Estado de México Impreso en: Preprensa Digital, Caravaggio No.30, Colonia Mixcoac, C.P. 03910. México, D.F. Búscala en:

Se fue el 2014. Nuestro país y nuestra sociedad en conjunto ha experimentado un periodo convulso que nos obliga a evaluar nuestra conducta, aportación y el grado de compromiso que tenemos con México. Sin duda somos más los buenos pero ya no podemos seguir postergando alimentar los vínculos y para eso, afortunada y felizmente, estarán siempre los artistas para darnos dignísimo, congruente y emotivo ejemplo. Juntémonos. Que les sobren los apapachos y la música en estas fiestas. @MarySolPacheco

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Fotografías cortesía: CONACULTA

noticias

Leonardo Coral, Jaime Álvarez, Arturo Márquez y Gerardo Tamez

Festival Artístico de Otoño y el galardón en composición Arturo Márquez Con el fin de incentivar la composición en materia de música popular, el Patronato del Centro Cultural Roberto Cantoral, A.C., el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (CONACULTA) a través del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), convocó al Primer Concurso de Composición Arturo Márquez para Orquesta de Cámara, cuyo premio consistirá en la grabación de las piezas elegidas y un apoyo económico de 50 mil pesos. Así con la intención de atraer el imaginario de jóvenes creadores hacia los estilos del son, el vals e incluso la salsa, la convocatoria rindió frutos y, de las 41 obras participantes, serán reconocidas por elección del jurado (junto con Márquez, Leonardo Coral, Javier Álvarez y Gerardo Tamez en éste) las piezas triunfadoras: “Ángel Mestizo” del tapatío Juan Pablo Contreras Palomar; “El Malcomido”, del oaxaqueño Eduardo Ángel Aguilar Vázquez y “Son de Mar”, del capitalino Edgar Adán Ramírez Mora durante la celebración de la tercera edición del Festival Artístico de Otoño, este 4 de diciembre en el Centro Cultural Roberto Cantoral. El prolífico compositor sonorense se dijo honrado por denominar el certamen con su nombre y feliz por la respuesta de sus colegas: “Cuando me lo propusieron estaba muy emocionado, pero lo más importante es que se llevó a cabo y que haya tenido tanta participación”. “Escuchamos la música de Bach, Beethoven, Mozart, los grandes compositores y siempre hay incursiones entre estos mundos que al final se funden en uno sol. En todos los siglos hemos tenido música con una identidad muy clara y otra con un lenguaje más universal. En los últimos 30 años hemos trabajado compositores que utilizamos los ritmos, las melodías, las armonías y el color de nuestra tierra”, reflexionó Arturo. 6

Arturo Márquez


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noticias

Desiertos Sonoros, música en la calle para todos Desde el 2011, por iniciativa de un combinado de jóvenes espíritus creativos laguneros que comanda el contrabajista Carlos Maldonado (Los Dorados, Malcisne), ocurre el festival Desiertos Sonoros en la Fuente del Pensador de la Alameda Zaragoza en Torreón, Coahuila. El proyecto que este año tendrá su cita el 20 de diciembre, es un foro para la expresión de propuestas musicales de vanguardia y/o que expongan la diversidad del folclor de la región, dirigido principalmente a los jóvenes por lo cual los conciertos son en vivo y gratuitos. De esta forma el festival se suscribe a una agenda de reinserción de la juventud y la comunidad lagunera toda, que cercada por la ola de violencia y la escasa oferta cultural y de entretenimiento, se ha refugiado en sus hogares limitando la convivencia y la confianza en el otro. Bien, pues durante un día completo, las melodías y el goce revierten esto, ¿cómo? ¡Bailando y echándose un elote! Con la participación en ediciones anteriores de Mexican Dubwiser, Pato Machete, Los Cardencheros de Sapioriz, Los Dorados, Centavrvs, Timmy and the Monsters, Los Lovekills, Martinez, Efe Loko, Bufi DJ Set, entre otros, la de este 2014 devela el compromiso por dar continuidad a este espacio de conexión y diálogo a través de la música. El detalle del cartel se puede consultar aquí: www.desiertossonoros.mx

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Por Rafael Mejía @SabiduriaCutre

noticias

Fotografía: Rigoberto Espinosa

Capitán Pijama: adiós astronauta electrónico La luna llena de principios de octubre, la más bella del año en la ciudad de México, fue la despedida que el universo preparó para Jesús Bojalil Gutiérrez, el Capitán Pijama, quien fuera pionero de la música electrónica en nuestro país, además de escritor, editor, maestro de periodismo y administrador de concurridos foros en Facebook que le permitían compartir sus composiciones y expresar su espíritu dadaísta e ingenioso sentido del humor. Un infarto acabó con la vida del inigualable artista subterráneo a los 60 años de edad, mientras se dedicaba a sus mayores pasiones: hacer música y escribir. “Siempre ha sido difícil para mí decir a qué me dedico. Creo que no me ha sido conveniente tener gusto por escribir y componer música; ha sido conflictivo. Respecto a la música soy más compositor que músico. También diseñador de sonidos, por eso mi gusto por los sintetizadores. No soy buen músico porque nunca me discipliné a aprender a tocar bien los instrumentos “clásicos”, y en cuanto a los sintes tuve que ser autodidacta”, comentó en una plática que tuvimos hace tiempo. Hijo de Jesús Martínez Gil (cantante y autor de boleros) y sobrino de Alfredo “El Güero” Gil (requintista de Los Panchos), al Capitán Pijama se le recordará por legarnos decenas de discos editados independientemente y por fundar agrupaciones como El Escuadrón del Ritmo, Como México No Hay 2, Groovy People and Love Freaks y Los Pijamas a Go-Go. También por sus colaboraciones en La Mosca e Interviú, así como por su trabajo como editor en las revistas Playboy México y Lord Jones Magazine. El Capitán Pijama no solía juzgar el trabajo de otros, pero su opinión general sobre el rock mexicano era clara: “debo

decir, a mi pesar, que sigue siendo en su mayoría burdo, copión, falso, efímero e insustancial. No es transgresor porque aspira a tener difusión masiva y se ajusta a lo que las disqueras le piden. Preferiría no hablar del tema, pero ya lo hice. También en México ha habido y habrá músicos valiosos, cuyo trabajo es más meritorio porque tienen que desarrollarlo en condiciones muy adversas, casi asesinas”. Respecto a las nuevas tecnologías, pensaba: “para mí nada tienen que ver con la creatividad. La tecnología puede ayudarte a dar la impresión de que eres un artista, pero si no lo eres se nota rápido. Si no tienes qué decir, ni con el mejor equipo del mundo lo harás”. Admiradores y gente del círculo cercano a Jesús Bojalil se manifestaron en las redes sociales para dar su pésame. Walter Schmidt, Carlos Robledo, Alex Eisenring, Carlos Vivanco, Ulalume Zavala, Carlos Alvarado, Mateo Lafontaine, Carlos García, el grupo Iconoclasta y los periodistas José Xavier Nava, David Cortés y Alejandro González. Descanse en paz, Capitán Pijama, viajando por el cosmos a bordo de su Korg M3, “el padre de todos los teclados”, su “nave espacial favorita”.

“Kiko” Rodríguez, a tomar el cielo por asalto Otra noticia triste. Una semana después de la muerte del Capitán Pijama, se apagó una de las voces más distinguidas del rock azteca, la de Francisco “Kiko” Rodríguez, cantante del legendario grupo Bandido que participó en el festival de Avándaro (1971). Francisco “Kiko” Rodríguez y Bandido. Fotograma(s) de la película “Bikinis y Rock”, de 1972. Director: Alfredo Salazar.

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El oriundo de Baja California formó parte de agrupaciones como Las Piedras Brass y Tijuana Five, además de que interpretó los memorables temas “Un día de abril” y “El blues de la nube” (con Betsy Pecanins), para la película Cilantro y Perejil. Descanse en paz.


“ Inovaudio agradece a su red de distribuidores por su apoyo durante este año,esperando contar con su preferencia en el próximo

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Eventos

En Contacto con Representaciones de Audio Con el fin de apoyar la atención a usuario final en el punto de venta, Representaciones de Audio convocó a su jornada de capacitación Contacto para sus aliados comerciales en tiendas de electrónica y musicales, los proveedores de equipos para sus marcas Shure, On Stage Stands, Bose, db Technologies, KRK, CerwinVega, Celestion, Furman, Phonic y Stanton. En las instalaciones del Hotel Holiday Inn Plaza Dali en la Ciudad de México, se realizaron actividades de asesoría, adiestramiento, presentación de producto y exhibición, sesiones que tuvieron apertura con las palabras de bienvenida del director de la empresa, Jaime Celis. A ésta siguieron los workshops para conocer los atributos de los equipos, las novedades en versiones de los mismos, como las sesiones de Shure impartidas por León Soriano. En esa misma línea, destacó la ponencia “Lo que espera un ingeniero de audio de una casa de música o tienda de electrónica”, impartida por el destacado ingeniero de audio en grabación y en vivo, Salvador Tercero (Luis Miguel, Francisco Céspedes, El TRI, Joan Sebastián, Ely Guerra, Riviera Maya Jazz Fest, entre otros). En ésta se compartieron conceptos generales del proceso de sonorización que permitieran al experto 12

Salvador Tercero

León Soriano


en la venta de equipo familiarizarse con el vocabulario o descripciones con el que ingenieros y músicos buscan expresar sus necesidades en diversos contextos de creación, desde su propio home studio, en una sesión de grabación hasta un show vivo. Complemento clave de estas actividades fue el interesante ejercicio de modelo de exhibición en una tienda, donde la compañía montó un punto de venta de sus productos y, con el apoyo de sus expertos por marca, instruyó a los asistentes sobre la forma de hacer atractivo para un cliente potencial, acercarse a los vendedores para resolver dudas y probar los equipos, pasos que pueden marcar la diferencia en la experiencia de compra y dar el empujón final para la adquisición de estos. La jornada tuvo colofón con la Noche de Diversión, velada de cocteles y música que amenizada por Héctor Ortiz & The Classics, cerró el vínculo entre proveedores y expertos para la marca de la gran familia que conforma Representaciones de Audio. 13


reseñas

[ Libros, discos, vinilos, dvd... ]

ONDATRÓPICA Ondatrópica British Council/Discos Intolerancia, 2013 Este es un documento sonoro para atesorar, que convocó a grabación intergeneracional a los instrumentistas que dieron forma y trascendencia al ritmo auténtico de la cumbia colombiana: Pedro “Ramayá” Beltrán, Michi Sarmiento, Markitos Micolta y Aníbal “Sensación” Velásquez, entre otros. El proyecto, tomado por el British Council como hiciera World Circuit Records de Ry Cooder para rastrear al Buena Vista Social Club, suma la inquietud de un heredero de la cumbia colombiana, Mario Galeano (Frente Cumbiero) y el melómano y estudioso del sonido, Will Holland para capturar una antología en vivo de dos discos en cinta Ampex 440 y magnética ATR –sin overdubs- en el mítico estudio Discos Fuentes, con notable selección de microfonía y acomodo de la misma para enfatizar la riqueza dinámica del set instrumental. El resultado es una experiencia de sabor que recupera y vincula para escuchas y pies atentos, la esencia de la tradición con la que se ejecuta este ritmo nacido del sincretismo, adoptado en varias regiones de América Latina. ¡Esto tiene sabor y sazón, gente!

ROGELIO GARZA Zig- zag. Lecturas para fumar. Rueda Libre, 2014 Cuando uno monta este libro descubre que las bicicletas vuelan. Porque basta pedalear a buen ritmo –con los Ramones, Grateful Dead y los Dandy Warhol´s en los audífonos- para pasearse por las calles de Ámsterdam, Nueva York, Londres, San Francisco, Barcelona y Las Vegas; pero también por el Toreo de Cuatro Caminos, alguna azotea perdida bajo la mancha urbana del DF, un antro grasoso como el Tutti Frutti o la desconcertante bahía de Acapulco. En este libro habitan todas esas aventuras psicotrópicas, anécdotas narradas por Rogelio, quien reunió una serie de textos publicados en revistas como Marvin, La Mosca y Replicante, y también en el diario Milenio, a lo largo de casi 20 años. Sí, alrededor de dos décadas de pedaleo empastadas con tino y filo en una edición de autor sin reproches. Así que lea usted este manojo de historias y luego corra por su obra predecesora, Las bicicletas y sus dueños. Alunice (y alucine) en bici, que buena falta le hace. Alejandro González Castillo

ANDREA ECHEVERRI Ruiseñora Discos Intolerancia, 2014 Una declaración sobre el discurso con el que se refiere el mundo a la mujer es lo que este ejercicio en coplas de sólida rima expone la también vocalista de Aterciopelados. Como en declamación ocurren así doce temas que abogan por la adopción de un mundo donde hombres y mujeres no difieran más, donde el estilo del folk manda desde la guitarra y Andrea arma, entre efectos o con el apoyo de un coro –con Susana Baca, Fernanda Takai, Lido Pimienta y Ella Fuksbrauner- polifonías cuyas texturas melódicas destacan la letra de las canciones. Trova innovadora, del oficio de componer en verso, Andrea deja evidencia de contundente talento.

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9/10/14

10:36 AM

SODA STEREO Soda Stereo CBS, 1984 Bajo la producción de Federico Moura, el disco que trajo el debut de Soda Stereo ocurrió en 1984. A 30 años el post punk y new wave en español con el que los comandados por Gustavo Cerati cautivaron Latinoamérica, tuvo como invitados a Daniel Melero (sintetizador), El Gonzo (Twist) en el saxofón y el propio Moura (teclados). El banderazo de una carrera musical que puso en otro contexto el trabajo del combo argentino y que, ante la partida de Cerati, ubica la adquisición de este plato de 18 pulgadas, en un objeto de colección para los admiradores del grupo y los seguidores a fondo de la historia del rock en español.

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entrevistas

S O N D E MADERA, entre el oleaje y la brisa marina

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lístense para el fandango convocado por Son de Madera este 11 de diciembre en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, donde la agrupación presentará Caribe Mar Sincopado (Fonarte Latino, 2014), su nuevo disco. El ahora cuarteto conformado por Ramón Gutiérrez Hernández (requinto, mandolina, voz), Andrés “Tereso” Vega (jarana tercera y voz), Aleph Castañeda Fentanes (contrabajo y voz) y Natalia Arroyo (violín y voz) comparte un ejercicio de fusión que, arraigado a los atributos del son, evocará el oleaje y la brisa marina de la música caribeña como lo muestra “El Balaju”, su primer sencillo. Es Natalia quien comparte el zapateado fijado en esta producción, que devela una singular versatilidad en el tratamiento rítmico. Uno de los sellos de Son de Madera es la inmersión generosa por varios estilos del son, ¿ocurre así en Caribe Mar Sincopado, de qué forma? “Así es, de entrada las composiciones son de Ramón Gutiérrez con arreglos de todo el grupo lo que nos permitió hacer una fusión de los estilos que nos identifica a cada uno, por ejemplo, de Tereso Vega el acompañamiento con base de son jarocho al variar sus bajeos al contrabajo entre diversas influencias de la música caribeña; Ramón posee referencias amplias, desde el blues al jazz, el son tradicional y el son cubano; fue toda una experimentación para nosotros ir encontrando un sonido ahora como cuarteto, sin perder personalidad. Diría que el peso fuerte de los arreglos está en las cuerdas”. Incluyen sones antiguos, ¿cómo eligieron estos y por qué? “Por invitación al Festival de Música Antigua de Tepozotlán supimos del hallazgo de un baúl con códices de música antigua y nos permitieron echar un ojo y nos gustó uno llamado “Los Monos Blancos”. Tuvimos las partituras donde venían sólo las melodías y entre Aleph y yo lo pusimos en partitura y comenzamos a tocarlo con el grupo; también elegimos otro muy parecido al son jarocho “El Buscapíes” y le adaptamos un arreglo con acompañamiento de son tradicional con el bajo y el violín”. La pausa fue larga para tener este nuevo material… “Sí porque tuvimos un periodo de adaptación como cuarteto, tocamos mucho y luego hicimos una primera sesión donde grabamos todo el disco pero tuvimos muchos problemas técnicos y decidimos volver a grabar. Fuimos muy exigentes. Lo bueno es que nosotros producimos el disco y no teníamos prisa. Se sumó gente como Norberto Cuevas (de Estudios Azul en Xalapa, Veracruz) como ingeniero de grabación y co-productor juntó con Son de Madera; en el arte del disco está el sello de Claudia Sánchez y los distribuiremos con Fonarte Latino. Que fuera una producción independiente nos permitió trabajar hasta quedar felices; fue muy lento sí, pero muy satisfactorio”. 16

El título del disco refiere la síncopa, ¿en qué sentido la abordaron? “En este caso es para referir el contraste de lo que nosotros –los soneros- relacionamos con lo que llamamos tierra, que es marcar los sonidos al golpear el suelo algo muy característico en Sudamérica; en cambio, en el Caribe y el sur de México la forma de marcar o interrumpir el ritmo, va como más al aire, volando, y eso fue lo que intentamos hacer. Dar esta imagen del mar que no marca el pulso de manera fija sino más libre, eso es lo que hicimos con la síncopa”. ¿Cómo se tradujo esto en la dotación instrumental? “Tereso Vega además de tocar la jarana tercera, ejecutó armónica y pandero; Ramón mandolinas, requinto y zapateado; Aleph contrabajo y un babybass, y en mi caso, sólo violín y todos las voces”. Finalmente, ¿qué concepto artístico se apreciará en la presentación para el Teatro de la Ciudad? “Contaremos con la dirección escénica de Miguel Ángel Rivera, hombre de teatro de origen peruano con quien ya hemos definido un concepto de espectáculo que habla de un diseño de luces, video y cromática, que en este concierto mostrará un contraste entre la naturaleza del mar y los paisajes urbanos, tomando como referencia Veracruz. La sonorización será de Manuel Mora, quien entiende perfecto lo que esta música necesita y bueno, el baile lo haremos entre nosotros cuatro. Tocaremos los 16 temas del disco y tendremos el reto de usar todo el escenario para nosotros cuatro”.


Por Rafael MejĂ­a @SabiduriaCutre

entrevistas

Di no a la yoga:

rock fronterizo desde un Hotel Garage

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entrevistas

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esde el boceto de las canciones en hojas de papel hasta el procesamiento por computadora de los últimos detalles de producción, el nuevo disco de Jaime López & Hotel Garage ha sido un proyecto que logra la festiva confluencia de ideas, imágenes y un sonido potente y fresco que nos rescata del bostezo universal y nos invita a liberarnos en las mazmorras del blues, aunque no niega sus limitaciones políglotas al confesar: yo sólo sé que no sé náhuatl.

escribe y trato de interpretarlo; por ejemplo, al tocar Ámame en un hotel trato de describir con la guitarra lo que pasa en el hotel, y en Mazmorras del blues hago un blues, pero mezclado con Deep Purple, con guitarras de poder, que es el sonido de Hotel Garage. Los solos tienen ese estilo, continúan la emoción del protagonista. El trabajo así es más fácil, porque fluye. No se necesita ser un virtuoso, sino que haya un diseño de sonido, de fraseo. Que haya interpretación y corazón”.

El disco como un acto colectivo, como un crisol de ideas y emociones que atestigua un momento de comunión; el disco de rock no como un homenaje al ego, sino como un intenso unificador de diversos discursos artísticos. Sin falsas pretensiones, Di no a la yoga, la más reciente producción de Hotel Garage, puede presumir estas características y de ello hablamos con los creadores de esta obra genuinamente redonda: Jaime López (bajo y voz), José Luis Domínguez (guitarra) e Iván García (batería), quienes trabajaron en complicidad con Tania Martínez (diseño y representación) y Federico Robledo (fotografías, videoclip).

Las herramientas de trabajo de José Luis, que también es director de la Escuela de Música DIM, son “dos sintetizadores VG de Roland, que simulan órganos y pianos, y un procesamiento de sonido análogo para hacer delay, flanger, etcétera. Pero las máquinas no son lo más importante para mí, sino la letra de la canción e involucrarme con ella para desarrollar la guitarra”.

“En este disco involucramos a un equipo que no es meramente musical; estamos los elementos que nos encargamos desde la cuestión sonora y visual hasta la representación. Sigo creyendo que el rock provoca precisamente el hacer una obra desde distintos ángulos, y aunque sabemos bien quién se encarga de la producción musical o de la imagen, todos nos retroalimentamos”, explica el maestro López cómodamente integrado al grupo. Y es que el reconocido compositor tamaulipeco, a pesar de su larga trayectoria solista, no deja de pensarse y crearse como un ser fronterizo. “Llega un momento en que la frontera la llevas dentro y todo lo ves bajo esa lógica. Nací en la frontera norte y ahí pasé la primera parte de mi vida; luego vine al D. F. y me di cuenta de que era la frontera más grande de este país, aunque ahora creo que todo el país en sí es una frontera No me considero como un cronista urbano, como algunos me etiquetan; soy un ente fronterizo, entendiendo a la frontera como lo que hace confluir, lo que une y no lo que polariza”. En el principio, la palabra Poseedor de una mente ágil y creativa, Jaime López no pierde la oportunidad de regodearse con las palabras cuando le preguntamos cómo escribe sus canciones. “Para empezar las escribo con un lápiz en un papel de estraza, y no porque sea ecologista, sino porque soy egologista y me gusta su textura (risas). ¡De verdad! Me gusta dibujar, ver las palabras que conforman una composición que surge del oído. Un letrista a fin de cuentas hace música, y la palabra es su instrumento musical”. Para su musicalización integra una guitarra electroacústica, tal vez un piano o una armónica (“la Lee Oskar es la recomendable”); también utiliza un bajo Fender Mustang Vintage y un micrófono Shure SM58. “Lo mío es muy leve”, confiesa. A continuación inicia un segundo proceso creativo “con dos compositores, porque cuando muestro una idea o una rola, José Luis Domínguez recompone desde la guitarra e Iván García desde la batería. Y aquí se presenta una cuestión fronteriza o de confluencia: en ese momento se incorpora la cuestión del arte, de imagen, y se gestan las ideas con que trabajan Tania y Federico”. José Luis Domínguez profundiza: “trabajar con Jaime te da la fortuna de que sus letras te piden cosas específicas. Oigo lo que

Iván García también comparte su experiencia en Di no a la yoga. “En Hotel Garage generamos texturas, sonidos contrastantes. El concepto fue manejar baterías tipo John Bonham, Ian Paice, muy directas y con peso, y al grabar usé técnica Moeller y pegaba al centro para que saliera todo el sonido. Tratamos de que quedara todo en una toma para no perder la esencia y captar la fuerza de los power trio, que realmente eran bandotas”. Sin egoísmo, revela algunos de sus secretos. “Toco con un bombo de 20 pulgadas y toms cortos, de 10, 12 y 14. El tom de piso que utilizo es raro, porque la mayoría lo usa alto, pero me gusta llevarlo al límite y dejarlo súper aguado para que al hacer contraste entre tom de piso y bombo parezca un doble bombo. En la tarola usamos distintas texturas; en algunas canciones la usamos más apretada, en otras la afinación fue más suelta. En cuanto a los platillos usé un ride de 20, dos crash y un splash. Básicamente fue el mismo set para todo”. Y al final, la fiesta La obtención del sonido final de Di no a la yoga dependió de una escucha constante... y un poco de ensayo y error. José Luis Domínguez, que fue el productor musical, explica: “soy quien más ha escuchado el disco, lo he oído por horas y en la etapa final lo oí con distintos audífonos o bocinas, en la casa y en el auto, hasta que di con el balance y el sentido que buscábamos. Para mí, la mejor prueba de que logramos nuestro objetivo es que hasta la fecha lo escucho a diario”. Finalmente, sobre la selección y orden de los diez temas del disco, que trazan un camino congruente que va del rock a la música norteña, Jaime López explica: “ahí, más que compositor me siento DJ. Afortunadamente crecí con hermanos mayores, buenos coleccionistas que vivieron la explosión del rock and roll y gracias a los que escuchaba a James Brown, Chuck Berry, Bo Diddley, Little Richard, Ritchie Valens, Budddy Holly, Eddie Cochran y más. Para mí, cada canción de Di no a la yoga es un disco de 45 revoluciones: Nordaka raza es un lado A, Tu maldición es el lado B de otro disco, y al combinarlos se hace una fiesta. Hotel Garage es un festejo que disfruto mucho, y entonces como DJ programo la fiesta que quisiera oír, y trato de que quien la escuche no la suelte”. Para vivir a fondo la experiencia de Di no a la yoga, así como para conocer el concepto audiovisual (diseño, fotografías, videos) creado por Tania Martínez y Federico Robledo, es ampliamente recomendable visitar su página web: www.jaimelopezysuhotelgarage.com. Ahí también hay información sobre presentaciones próximas y ligas a sus redes sociales. 19


Por Alejandro González Castillo @soypopesponja

entrevistas

David Aguilar LA CANCIÓN COMO IDENTIDAD

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oy un cancionista degenerado que nació en Sinaloa pero vive en el DF desde hace diez años. He hecho cumbias, polkas, pop, rap, funk, jazz y electrónica; manejo varios géneros. No me anclo a un solo estilo porque la canción busca su propia identidad y significar por sí misma un género, sin que importe a cuál corriente se encuentre atada”. De este modo se define a sí mismo David Aguilar, un músico que siente el mismo encanto por David Bowie y Bob Dylan, que por Rubén Blades, Juan Luis Guerra y Jorge Drexler. Y como cancionista, dinos, ¿las letras de las canciones deben ser tratadas como poemas? “Antes pensaba así, pero ya no lo hago; no es lo mismo la letra de una canción que un poema pues la primera debe despojarse de pretensiones literarias porque está hecha para cantarse. Por otro lado, casi todos los compositores hablan de amor, y está padre; pero hay que acudir a la religión, a la ciencia, no sé, a experimentar con la palabra, como lo ha hecho Jaime López”. Ahondando en la palabra, “La de la libélula” es un tema tuyo experimental a nivel fonético. “Lo escribí en una época en la cual tenía una fijación con la palabra a nivel fonético más que semántico. Me preocupaba cómo sonaban las palabras; no encontrar su significado. Entonces busqué palabras con la letra L y noté que había muchas de ellas en el campo de la botánica, hice una lista de verbos y palabras y empecé a montarlos, uno a uno, con la música. El resultado es un tanto surrealista. La melodía le va bien a la letra y noto que la gente la ha acogido bien. Es complicada de cantar, cierto, pero es divertido hacerlo”. ¿Qué guitarra y aditamentos usas en directo? “Tengo un Takamine con cuerdas de nylon que tiene un bulbo, un detalle que le otorga un sonido muy bonito. Y tengo otra, una Martin con cuerdas de acero y cinco micrófonos integrados que dan la sensación de que el instrumento suena sin estar microfoneado. Recientemente he experimentado con el Korg Kaoss Oscillator y una Loop Station”. El disco que traes entre manos, El David Aguilar, fue producido por Hernán Hecht, cuenta al respecto. “Solía grabar en casa, con mi grabadora, low- fi, pero luego decidí hacer una producción sofisticada con la ayuda de Hernán. A él lo conocí porque 20

a veces los de Cráneo de Jade me invitaban a palomear spoken word y un día él me escuchó. Finalmente co- produjimos 17 temas que escribí entre 2004 y 2014, donde, además, me acompañan músicos como Daniel López Infanzón, Ricardo Benítez, Kevin García, Aarón Cruz, Saúl Morales y Benjamín García, entre otros”. Siendo tú un compositor arriesgado, ¿a qué atribuyes la modorra de quienes hacen la misma canción mil veces? “La radio, TV y revistas tienen la culpa de eso. Si se atrevieran a rotar otro tipo de temas la cosa sería distinta, pero siguen cerrados a una fórmula superficial. Esto obliga a muchos escritores a crear las canciones que les generen ingresos, sin que importe tanto la calidad de la obra. Hoy día, los compositores de pacotilla tiene una meta: que sus canciones sean grabadas por El Recodo, por ejemplo. Así que están sumergidos en un lenguaje de lo más cursi. No están comprometidos con la canción, sino con ganar algo de pasta”. En un ambiente así, ¿qué posibilidades de éxito tienen tus canciones? “A la hora de componer, muy pocas veces me quedo con lo que escribo a la primera, regularmente tengo que estar buscando la rima ideal, el acorde correcto. Esto puede tomarme horas o días. Tengo límites con los lugares comunes, a menos que yo esté buscando hacer una travesura al cantar “te extraño y no puedo vivir sin ti”, busco que la complejidad de la letra esté equilibrada con la de la música. Si la instrumentación es de difícil digestión, aprovecho para decir cosas simples y viceversa. Mis canciones experimentales atrapan tanto como repelen. Sé que habrá quien no quiera complicarse con ellas; pero yo busco llegar a un público con otros intereses”.


Por Benjamín Acosta @benjaminacosta

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Andrea Balency Ángel electrónico

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ondres se ha convertido en este momento, su base de operaciones. El EP Walls (2014) es una pequeña muestra de su potencial. Incluye una canción que es un destacado en la programación de la radio de la BBC. Se trata de “You’ve Never Been Alone”, una delicada pieza que despliega ambientes de aparente sutilidad, pero que en realidad son profundos y espontáneamente enigmáticos. Una electrónica suave sin caer en la fugacidad de lo superficial, y a la vez con una estructura que sabe tomar lo necesario de la complejidad armónica. Después de intentarlo con Andrea Balency Trío –que plasmó el EP Mizraim (2010)– y haber paseado por terrenos donde lo acústico delimitaba su extensión, esta artista franco-mexicana decide tomar la ruta solitaria y nos sorprende con las texturas que consigue generar con su voz y etérea instrumentación.

¿A partir de qué momento sentiste que el piano se había convertido en tu herramienta principal? “El piano ha sido mi instrumento desde chica, cuando mis padres me inscribieron a clases de música cuando tenía cinco o seis años. Y a los ocho, un maestro del conservatorio en París me propuso probar una clase de clavecín, pero me contó mi madre que aparentemente no me gustó nada. Me quise salir a los 15 minutos, llorando. Creo que me había asustado el sonido, o extrañaba mucho el piano. No me acuerdo de todo, pero supongo que ese fue el momento en el que el piano se convirtió en mi instrumento”. ¿Cuándo fue que cambiaste la dirección del plan para convertirte en concertista? “Fue un proceso lento pero creo que el momento en el que encontré el camino que quería seguir fue cuando viví en Buenos Aires, a los 17. Todos mis amigos hacían música pop y me inspiraron mucho en ese momento”. ¿Qué es lo que más te atrae de la música pop? “Creo que la libertad de poder hacer lo que quieras. Otros estilos tienen reglas y se esperan ciertas cosas de las composiciones. Hoy en día una canción pop puede ser completamente descompuesta, puede durar 20 minutos, puede estar en cualquier escala y tener cualquier combinación de partes y acordes. No hay límite en la composición”. ¿Cómo fue que descubriste tu estilo para cantar y hacer tu música? “No sé si la mejor palabra para describirlo sea un 22

“descubrimiento”, porque fue un proceso muy difícil y muy lento. Pasé por muchas influencias, muchas colaboraciones y muchos lugares para llegar a dónde estoy ahora. En realidad creo que sigo cambiando y espero nunca terminar de evolucionar”. ¿Qué es lo que más te emociona en este momento de la música contemporánea? “He estado escuchando mucha música noise y ambient. Me emociona mucho porque para mi gusto son los géneros que están empujando los límites de la música”. ¿Qué hay detrás del tema “You’ve Never Been Alone”? “Es una canción que originalmente quería descartar, pero fue mi manager Fred quién la escuchó y me propuso volverla a trabajar. Era una canción de tiempo atrás, pero fue interesante llevarla a otro lado y producirla de nuevo. La mayor parte de la grabación la hice en mi casa cuando vivía en París, trabajando a distancia con Rob McAndrews, mi colaborador”. Acerca de tus instrumentos consentidos, ¿qué puedes mencionar? “Cada vez me gusta más una caja de ritmos de Dave Smith Instruments que se llama Tempest. Es análoga y con ella es posible llegar a sonidos de drums y synths muy ricos en textura. En general, uso el secuenciador para los sonidos de bases percusivas y un teclado MIDI o el OP-1 de Teenage Engineering) en modo MIDI para tocar los sintetizadores. Últimamente he estado usando el MS-20 de Korg, que es un clásico. Cada error es una nueva posibilidad en ese instrumento”.

Playlist Puedes combinar la música de Andrea Balency con la de Banks, James Blake, Bat for Lashes y Goldfrapp. En sus créditos Andrea colaboró con su interpretación vocal e instrumentista en la primera etapa de la banda mexicana Torreblanca; fue parte del cartel del festival Sónar en Barcelona.


Por Óscar Sarquiz Figueroa / Traducción del Azerí: Lalé Kafar-Zadé @OSarquiz

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ALIM Y FARGANA QASIMOV: VOCES AL ESPÍRITU E

l uso de la música como mero fondo sonoro de otras actividades es uno de los males de la posmodernidad; hay, actualmente, fondos sonoros diseñados para anular el silencio sin llamar la atención del escucha. Pero el contacto íntimo del alma con los sonidos que la expresan depende de la voluntad de quien escucha activa y participativamente, a diferencia de meramente oír como si fuese ruido ambiental.

Nunca más evidente esto que ante música de intención y orientación espiritual, que poco tiene en común con la destinada a entretener el ocio de la audiencia. Y resalta en la intensidad ecuménica del Mugham, virtuosa tradición ancestral vocal de Azerbaiyán que el mundo descubre hoy gracias a su máximo intérprete contemporáneo: Alim Qasimov, quien innovándolo en compañía de su similarmente dotada y talentosa hija Fargana, viene embelesando públicos internacionales como recientemente hizo en México durante el Festival Internacional Cervantino en Guanajuato y Mérida, así como sendos conciertos en la capital y Guadalajara.

Fotografías cortesía Discos Corason

Previo a su arribo, Alim compartió aspectos de la mágica capacidad que tiene esta música de fe islámica para conmover por encima de convicciones, distancia física y cultural y barreras idiomáticas: ¿Cómo es que público internacional que no conoce su idioma se conmueve espiritualmente con su música? “Para escuchar esta música realmente no se necesita conocer el idioma, porque se escucha con el corazón, más bien

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es cosa de estar abierto a lo que te dice la música, no tanto a las letras, no es una canción común donde tú escuchas la letra. Aquí no, tú abres tu corazón y, como es música espiritual, pues ése es el punto común para todos”. ¿Cuál es el origen del Mugham y su ruta hasta salas de concierto internacionales? “No se puede decir que se originó en algún lugar; es tan viejo como el hombre mismo y se fue propagando por la tierra igual que la música de los sufíes y los dervishes, poco a poco haciéndose conocida fuera de Oriente y también en Europa. El Mugham se fue abriendo camino propagándose alrededor. ¿De qué habla el Mugham? “Normalmente, parte de poemas clásicos medievales, autores como Nezamí, Ferdowsí, clásicos conocidos desde Persia hasta Azerbaidján; se memorizan esos poemas llamados gazals, que emplean lenguaje arcaico, que no es del todo sencillo entender incluso para nuestros contemporáneos. Habla ante todo del ser humano, su relación con Dios, estados de ánimo, emociones. Normalmente son esos los contenidos filosóficos y espirituales de esos versos”. ¿Qué dotación instrumental usa? “Normalmente un ensamble tradicional está compuesto por el Tar, instrumento de cuerda muy conocido en Oriente cercano, con variaciones de país a país; el Saz, especie de laúd; y el Kamanché, cual violín, pero se toca, vertical, con arco, cual Viola da Gamba. Instrumentos de percusión: Magará, un tambor y pandero, Def, que porta el Kanendé, cantante. Ah, y otro instrumento llamado Balabam”.


entrevistas ¿Es usual, o novedad la participación femenina en el Mugham, como hace con usted su hija Fargana? “Efectivamente, antes no existía la tradición de que cantase la mujer, lo hacían hombres solos. En cuanto a los duetos, es un fenómeno nuevo; empleados en música popular, sí, pero no en música espiritual. Es una innovación nuestra, pues vi que mi hija tenía talento, una bella voz y aproveché eso para enseñarle la técnica e ir formando un dúo sobre la armonía que hay en nosotros y el cómo van fluyendo las melodías de uno y otro”.

Trabaja sobre patrones fijos, pero su énfasis está en la interpretación; ¿cómo balancear tradición con pasión? “Desde hace miles de años escuchamos la música tradicional, la conocemos bien, y por lo tanto sus estructuras y patrones ya están introyectados, pero cada vez que uno interpreta una de estas obras clásicas, le llega una inspiración divina que te ayuda a transformar la pieza cada vez que la interpretas; nunca lo vas a hacer de la misma manera, es algo que no puedes explicar, pues sale de adentro, de tu corazón”. ¿Improvisa también letras, o exclusivamente música? “Tanto una como la otra; sólo que la letra no es arbitraria, pues está basada en un verso clásico, al improvisar hay que ser congruente con las exigencias de un poema clásico para que no sea un disparate, un parche. Debe ir en la misma dirección”.

¿Cuánto de sus logros es atribuíble a su instrumento, la voz con que nació, y cuánto a su estudioso esfuerzo? “Por supuesto, primero debe haber talento, voz, oído, características personales con que se nace, pero para desarrollarlas bien hace falta estudio. Yo estudié con distinguidos maestros y en escuela musical, y sí, se necesitan las dos cosas. ¡Pero primero, facultades!”. ¿Piensa asimilar instrumentos occidentales, o ajenos a la tradición? “Ya lo hemos hecho; el violín, por ejemplo, es instrumento occidental y lo hemos usado”. ¿Cuál debe ser la función social de la música? “La música sirve para purificar al hombre, hacerlo mejor, quitarle los malos pensamientos, ayudar a los hombres a entenderse unos con los otros para que el mundo sea mejor”.

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Por Benjamín Acosta @benjaminacosta

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The Oaths. Bajo una esfera resplandeciente

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tipos con laptops. Después de un tiempo de prueba y error, salió el EP Astronomy (2011)”.

ay rastros de un funk que se aparta de lo evidente. Y en el camino, dejan una estela de la música disco y un piso con iluminados mosaicos translúcidos. Son algunos recuerdos que The Oaths consigue reinventar en Fractal, su álbum debut. “Overhead” puede convertirse en un clásico de otoño. Su base rítmica es tan pegajosa como pocas canciones del indie pop mexicano han conseguido recientemente. El sonido de la flauta transversal evoca experimentos incorporados a la electrónica francesa de Rinôçérôse en “Le mobilier” y su mood en términos generales se acerca a la esencia de un imaginario Jamiroquai minimalista. Sin comparar, sólo damos las referencias como coordenadas para ubicar parte de la estética sonora que esta banda presenta desde Guadalajara, música para el goce absoluto. Para acercamos a sus propósitos, hablamos con Andrés Romo, su nada tímido cantante y tecladista. Recuperar este sonido ahora, resulta prácticamente ir en contra de las tendencias. ¿De qué manera es que coinciden para perfilarse así? “Trabajé en un bar de Guadalajara durante muchos años y ahí conocí a personas de la escena local de jazz. Quienes formamos la banda, nos dimos cuenta desde un inicio de la coincidencia en gustos musicales y de la misma idea que teníamos para formar un grupo. Empezamos a moldear algunas maquetas en 2008, cuando la electrónica en Francia estaba en un buen momento, así como en Australia con bandas como Cut Copy. La intención que tuvimos fue hacer un grupo que tocara en vivo apoyados con algunas secuencias y que no se limitara a unos

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FORMACIÓN BESUCA Y LOS INSTRUMENTOS CONSENTIDOS Arturo Lamadrid: compositor, guitarrista y programador Andrés Romo: voz y teclados Alfonso Fuentes: batería Guitarras: Ibanez Cajas de ritmos: Roland A808 y 809 Sintetizadores: Prophet y Mopho de David Smith Instruments; Voyager de Moog; Korg M18 y MC20

ALLÁ Y MÁS ALLÁ

The Oaths se presentó en octubre en Los Ángeles y San Francisco. Existen planes en 2015 para viajar a China.

Su música es tan bailable como orgánica… “Quisimos rescatar el sonido de instrumentos como la flauta transversal, así como las secciones de cuerdas y metales. Es una revoltura de lo digital con lo orgánico. La premisa no era basarse en secuencias porque sentimos que en vivo se siente muy frío. En el estudio reemplazamos los emuladores por los teclados originales. Los matices de una batería también son insustituibles. Para nosotros se convirtió todo ello en una prioridad. Es muy importante para nosotros, desarrollar el sonido de esta forma. Por el momento, nos apoyamos con algunos elementos pregrabados. Una computadora puede hacer las veces de cuatro músicos pero la intención es tenerlos en vivo. Es cuestión de logística y presupuesto. La idea es contar sobre el escenario con un flautista y un bajista, al menos. Sobre ello estamos trabajando para que el desempeño en concierto sea lo mejor posible y refleje lo que conseguimos dentro del estudio. Mientras tanto, entre los tres resolvemos todo lo posible en vivo”. Además decidieron ser sus propios productores… “Así fue como lo resolvimos en el Cubro Estudios en Guadalajara. La canción “Desorden” fue la única que se grabó en Honky Tonk Studios en la Ciudad de México, un lugar increíble en todos los aspectos. Eso sucedió porque ganamos un concurso y en ello consistía el premio. Esa canción la produjo Héctor Castillo (Gustavo Cerati, Torreblanca) y nos gustó bastante el resultado. Fue una experiencia fabulosa”.


Fotografías: Fernando Del Río G.P.

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Juan Carlos Del Río: El color del ritmo Baterista gráfico Egresado de la Escuela Superior de Composición y Arreglo Musical (ESCAM), Juan Carlos del Rio, por su fuerza, técnica y sensibilidad, se ha convertido en uno de los nuevos valores de la batería mexicana. “Desde adolescente nació en mi un gusto natural y espontáneo por la música”, reveló iniciando la entrevista; “me atrapó la fuerza de la batería y su empuje para respaldar a una banda”. Tenía un abuelo músico y un primo tecladista pero como le sucedió a muchos aficionados, para Del Rio todo iniciaba como un juego. “Fue una atracción por desarrollar ritmos y sacar las piezas que en ese momento me gustaban; sin pensar en que, más adelante, tocar se convertiría en mi profesión”, admitió Juan Carlos; “en mis primeros años con la batería, me gustaba aprender canciones de Aerosmith, Mötley Crüe y Guns & Roses. Luego descubrí a Pink Floyd y las demás grandes bandas de rock progresivo. Después conocí la obra de los clásicos”. Su primera batería fue una Impalam. “Con ella, aprendí mis primeras lecciones después de haber usado un practicador con un pedal. Estoy seguro que el equipo nos ayuda a mejorar el sonido pero depende de nosotros lo que vamos a transmitir al público”, explicó el también compositor; “de chico estuve en academias como Yamaha y Veerkamp; pero debo reconocer que también la calle me ha enseñado mucho, para expresarme mejor y poder enfrentar situaciones adversas. Si conjugamos la preparación académica con la realidad que nos confronta, tendremos fuertes herramientas para desenvolvernos”.

GALERÍA DEL RÍO Baterías RMV Cross Road (01) Bombo 22”. (04) Toms 10, 12, 13 y 14”. (01) Tom de piso 16”. Pearl (01) Bombo 16” wood fiber glass. (01) Tom 10”. (01) Tarola 14x5 1/2” Pearl Export. (01) Tarola Black Panther 14x5” maple. (03) Rototoms Linko 6, 8 y 10”. Platillos: (02) Zildjian Medium Ride 18”; (02) Sabian AA Xplosion Crash 18”, (02) Hi Hats 14”, (01) Splash 10”; (01) Izmir China 18”. Hardware y percusión: (01) Pedal Doble DW 5000; (01) Jam Block Meinl; (01) cabasa Rhythm Tech; (01) Pandero Lp, (01) cortina de campanas chinas y (01) timbal 14”; (01) cencerro Toca. Baquetas: Pro Mark 5A madera. Parches: Remo

Desde la adolescencia Lo más pronto posible, Del Rio quería tocar en vivo y ser parte de una agrupación.”La primera de ellas tenía un estilo hard rock de los años noventa y se llamaba Necrosis. Todavía nos presentamos en el memorable Rockotitlán, en 1994. Más adelante, tuve proyectos de rock progresivo y jazz con Ficta, Áurea y El Brujo”.

Al cumplir la mayoría de edad se enlistó en la ESCAM, donde repasó a los autores clásicos de la batería: Buddy Rich, Jim Chapin, David Garibaldi y Dave Weckl. “Haber estudiado composición y arreglo me permitió entender mejor la parte melódica, tímbrica y composicional que los tambores aportan a una obra y eso ha contribuido valiosamente en mi desarrollo musical”. Pinceles por baquetas Desde muy pequeño, Juan Carlos dibujaba caricaturas y durante la adolescencia, plasmó los trazos que iniciarían su obra. “Al principio sólo estaba reservada a nivel personal hasta que en 2013 me invitaron a exponer en el Tianguis Cultural del Chopo y afortunadamente he recibido muy gratos comentarios; creo que la música merece tener color y la pintura ser escuchada”. Actualmente Del Río forma parte del popular grupo Drugster Monster. “Es un power trio muy heavy, conformado por Fernando Puighol (guitarra) y Froylán Ruiz (bajo). Tenemos un sonido potente con influencias de Black Sabbath y Judas Priest. Nos gusta fusionar, experimentar y aventarnos a nuevos horizontes”. Instructor. Además de exponer regularmente y tener una agenda ocupada con el power trio, este veterano emplea parte de su horario para compartir sus conocimientos impartiendo clínicas de batería, en las que reflexiona sobre los métodos rítmicos de Johnny Rabb, Benny Greb y Jojo Mayer.

Novedosa explicación. “Lo que busco es tener un sonido nítido y claro. Me enfoco en movimientos de estiramiento en brazos, muñecas y manos; sin embargo, últimamente aplico varias técnicas de respiración para concentrarme y hago ejercicios mentales que me permiten visualizar el entorno físico y auditivo. Con esto quiero decir que la preparación antes de tocar no es únicamente física sino mental y sensorial”. Bate-artista. 27


Por Alejandro González Castillo @soypopesponja

LOS ESTRAMBÓTICOS

Técnicas para mantener sana la química sonora y humana

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ino, Chadou, Leo y Adrián conforman Los Estrambóticos, uno de los grupos más emblemáticos del ska manufacturado en México con historias plenas de dolor citadino. Interceptado antes de subir al escenario, el cuarteto responde para Distor.

porque no mete ruido y sus pastillas son increíbles, pero para tocar en vivo prefiero la Fender. Tengo una Gibson Les Paul, pero casi no la uso porque me cuesta trabajo cuadrarla con mis efectos debido a que ésta tiene mucha galleta, una patada muy fuerte”.

Pino, ¿cómo te preparas antes de subir al escenario? “Debo aclarar que tengo asma, entonces me encuentro en otra dimensión respecto a otros cantantes. Practico box y diario nado y corro, así que mi técnica se fundamenta en hacer ejercicio. Mi condición física es determinante. Pertenezco a la misma generación de Roco (Maldita Vecindad), Manú Chao y Rubén (Café Tacvba) y noto que todos procuramos tener una condición física decente. La disciplina que te da un deporte como el futbol americano te ofrece herramientas para aprender a respirar sobre el escenario. Para mí es importante lucir sano porque interpretando el género que hacemos en el grupo no podría ser posible que el público bailase más que yo, ¿verdad? El ska no se canta sentado. Aunque claro, no es lo mismo haberme metido el slam a los veinte que ahora, cuando paso de los cuarenta y ese acto luce peligroso”.

Leo y Adrián, ¿qué tan importante es para ustedes el estudio y el ensayo? Adrián: “Cuando yo empecé estudiaba ocho horas diarias, hasta que me salían ámpulas. Pero ahora no es así porque ya no tenemos tanto tiempo para estudiar. Además, los ensayos son más cortos que antes, pero de mejor calidad”. Leo: “Somos una banda a la cual le gusta ensayar, disfrutamos hacerlo. Conforme ha pasado el tiempo nos conocemos mejor y eso se nota en el escenario. Es en el ensayo donde encontramos un lenguaje corporal común; por ejemplo, debo estar atento para que cuando el baterista haga determinado cabezazo ahí entre yo con un acento, o si él aplica ciertas figuras yo ya estoy listo para hacer líneas más firmes para darle más cuerpo a la base. El fundamento de esto es meterle galleta al ensayo y claro, al estudio”. Pino. “Algo que hemos descubierto a lo largo de veinte años es que, además de pulir tus técnicas como músicos hay que esmerarse en las técnicas para convertirse en un mejor ser humano. De hecho, lo último es lo que nos ha hecho mantenernos juntos. El mayor mérito de un grupo es seguir unido y pasarla bien; ese es el reto más complicado de nuestro oficio, más allá de cualquier escala o ritmo. Porque convivir es un privilegio y desde cierto punto de vista Estrambóticos vende felicidad, y ni modo que estemos en conflicto entre nosotros, eso se reflejaría en el escenario”.

Chadou, ¿cuál es la guitarra ideal para tocar ska? “Para Estrambóticos la que funciona mejor es la Stratocaster, aunque últimamente uso mucho Parker Fly, una guitarra que muchos critican porque no tiene un sonido tan cálido como el de Fender, pero poco a poco ha ido ganando terreno dentro de la nueva generación de guitarras. La Parker Fly es buena para grabar

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Un instrumental estrambótico: Bajo: Fender Jazz Bass de cinco cuerdas (mexicano) Guitarras: Fender Stratocaster (pastillas DiMarzio); Parker Fly, Telecaster; Gibson Les Paul Amplificador: Ampeg SVT; Marshall JC 900 y Fender DeVille. Batería: Yamaha Stage Custom; Sonor Force 2001 y Mapex Mars Pro. Platillos; Zildjian y Sabian Micrófono: Shure SM 58


Por Alejandro González Castillo

P A L A B R A S

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M Á S

P A L A B R A S

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JO S É CR UZ

a vida de José Cruz está delineada por el polvo amante de un espacio mental llamado Real de Catorce, cuyas dimensiones podrían medirse años blues. Al mando de su guitarra, armónica y voz, José ha cruzado los desiertos de los corazones más oscuros y trazado órbitas psicodélicas en la vía láctea, siempre con hongos y peyotes como combustible. ¿Escuela de música o escuela de la vida? “No estoy peleado con el academicismo, sino con la inflexibilidad de la llamada música culta. Hay muchos compositores de música culta que han abrevado de su folclor porque ahí es donde se da la música, en las calles, en la vida. A mí me encantan los sones jarochos, las décimas de la sierra huasteca, la música huichola; prefiero la música que sucede en la vida real, aunque estudié en la Escuela Superior de Música”.

¿Recuerdas cuál fue la primera canción que escribiste? “Desde niño fui un compositor muy productivo. La primera canción que compuse la escribí cuando tenía once años. Era una especie de milonga que titulé “Mestizo”. Mi gran dilema existencial entonces era descubrir cómo combinar le melodía de una letra con la armonía de mi guitarra”. ¿Existe alguna composición que te gustaría robar? “Fíjate que hay canciones que me gustan mucho, pero yo siempre tuve la rabiosa intensión de no imitar a nadie. Por eso dejé la escuela de música, porque mi deseo no era interpretar la música de otros compositores, sino crear mi propia obra. No fue un asunto de ego, sino un deseo de verter mis experiencias en canciones, con una guitarra como aliada”. ¿Alguna vez has extraviado un instrumento? “Es doloroso contar esto. Me robaron una guitarra en mi propia casa quienes fueron mis compañeros en Real de Catorce. Se trataba de una Variax (Line Line 6) como de unos 30 mil pesos que, además, apenas había tocado yo un par de veces. Ellos tenían llaves de mi casa y se enfadaron cuando me enfermé porque ya no iba a poder seguir tocando. Me dolió mucho ese acto, pero no por la cuestión material. Trato de no detenerme en eso más, sin embargo entonces me hirió mucho descubrir que en verdad no eran mis amigos”.

¿Existe algún instrumento que te gustaría aprender a tocar? “Intenté tocar el violín a los diez años, pero mi abuela un día me regaló una armónica de doble hilera y ésta me atrajo más que el violín. Y fíjate, una vez me compré un violín cuando fui a la ex Unión Soviética, un instrumento alemán, pero no lo abordé jamás. Quizás en el futuro”. ¿Miras con recelo a algún tipo de músico en especial? “A los músicos que en realidad no lo son, quienes crean chatarra, los que dan hasta el alma por salir en la televisión, quienes enajenan su producto para entregarlo a manos extrañas. Ese tipo de músicos me molestan mucho porque yo llevo más de treinta años de carrera como músico independiente y sé bien que se puede vivir de esto dignamente. No me gusta el arribismo de ciertos músicos comerciales. Julieta Venegas me molesta mucho, por ejemplo; así como quienes se anuncian como una maravilla que en realidad no son. Yo no se las compro”. ¿Cuál es la parte más complicada de tu labor como músico? “Te podría decir que lo más difícil que a mí me ha tocado vivir es la enfermedad que padezco. Tuve un paro respiratorio que me dejó muchos daños cerebrales, olvidé entonces muchas cosas, sobre todo de técnicas de armonía y también de sintaxis a la hora de escribir. Entonces he tenido que aprender de nuevo muchas cosas que ya sabía. Lo demás, ha sido una experiencia muy lúdica, en realidad elegí vivir una vida muy placentera, llena de erotismo. Muy padre”. ¿Cuál es tu instrumento favorito? “La armónica. Porque tocarla significa identificar mi propio halito de vida. A través de la armónica me doy cuenta de que estoy vivo, porque me hago consciente de mi propia respiración. Saber cómo respiro significa comprender mi existencia. Tocar la armónica es un acto de vida, hermoso. Cuando toco la armónica es mi voz quien habla, se trata de mi huella digital. ¿Qué es lo más cercano que un ser humano tiene en su vida? Su respiración”. Para terminar, ensambla la agrupación de tus sueños. “Qué padre pregunta. Mira, el grupo se llamaría Blues & Luz, y pondría a John Lee Hooker y BB King en las guitarras, en la batería a John Bonham y en el bajo a John Entwistle. Entwistle Yo cantaría y tocaría la armónica”.

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Producción

[ Instrumentos ]

Selmer

/ Clarinete / CL601

Afinado en Si bemol, Conn-Selmer fabricó este modelo de la serie Aristocrat con cuerpo de resina y llaves niqueladas -que amplian la durabilidad del instrumento-. A la altura de las exigencias para instrumentistas de aliento con agenda de ensayos y conciertos activa. Globalmusic / (01 33) 3616 4981 / contacto@globalmusic.mx / www.conn-selmer.com

Paiste

/ Platillos / Black Alpha Hyper Set

La firma suiza expande los atributos sonoros de esta gama para entregar redobles en contextos de fusión, particularmente en el estilo del metal como el oído, toque y fuerza del baterista Joey Jordison (Slipknot, Korn, Rob Zombie, entre otros). El kit comprende los platos Alpha Hyper Ride (20”), Alpha Hyper Crash (16”), Alpha Hyper Hi-Hat (14”) y Alpha Hyper Splash (10”), todos forjados en bronce (aleación CuSn8), el revestimiento Colorsound sello de la serie y atractivo acabado en negro. Se entregan con su funda y líquidos para mantenimiento. Yamaha de México / (55) 5804 0600 / www.yamaha.com.mx / www.paiste.com

Fender

Guitarra eléctrica / Custom Shop Stratocaster Salida de la boutique donde Fender está perfeccionando la sonoridad y sistemas electroacústicos de sus encordadas, la versión 2014 de esta guitarra adquiere denominación high end por la mezcla de maderas ocupadas para su fabricación, palo de rosa (diapasón), aliso (para el cuerpo) y arce (AAA en tapa y para el mástil la variante ojo de pájaro), lo cual enfatiza los tonos medios y agudos, sin que pierdan cuerpo. Está equipada con pastillas Custom Shop Fat ‘60s y bobina simple en el puente. Holocausto Music / (55) 5709 9046 / www.holocaustomusic.com / www.fender.com 30


[ Instrumentos ]

Producción

Ludwig Batería LC179X

Para innovar una vez más en el ámbito de las baterías, Ludwig pone a disposición esta variante de medidas compactas con bombo de 16x14”, tom de aire de 10x7”, tom de piso de 13x13” y tarola de 14x5” (con vaso construido con siete capas de 8mm), cuyo propósito es atender las actividades cotidianas de ensayo o tocadas en foros pequeños. Viene como Shell Pack, incluye juego de fundas y está disponible en colores negro y blanco. Globalmusic (01 33) 3616 4981 contacto@globalmusic.mx www.ludwig-drums.com

Hotone

Pedal de distorsión / CHUNK Con la característica de diseño pequeño y ultra portátil que ha dado fama a la marca, este integrante de sus conocidos nano-pedales (caben en la palma de la mano) recrea el tono crunch del rock británico concebido desde los años setenta, así que quienes rasguean entre acordes del punk, el hard rock e incluso el heavy metal verán en este mini stompbox un versátil aliado. Distribuidora Gonher / (55) 9152 4600 www.gonher.com / www.hotoneaudio.com

Laney

Cabezal para guitarra Ironheart – IRT Studio

IRT- Studio es una suerte de prodigio, pues no se requiere usar un gabinete ya que posee una carga de impedancia que emula estar conectado a uno. Con él, es posible grabar en casa a las dos de la mañana sin que los vecinos vean perturbado su sueño. Tiene una salida de audio después del ampli de poder, una más de tipo USB con dos canales, entrada para señal directa y otra para la señal que pasa por el amplificador. Permite grabar y ajustar la ecualización al gusto de cada oído. Casa Veerkamp / (55) 5709 3716 www.veerkamp.com / www.laney.co.uk

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Producción

[ Gadgets ]

Stanton

Mezcladora / M.203 Uno de los equipos básicos de la firma en cuya sencillez para trabajar las mezclas está la clave. De dos canales, posee dos faders lineales, un crossfader recambiable y selector de cue; permite ajustes de ecualización (en bajos, medios, agudos), control de ganancia, de master y de audífonos, así como perilla para tono y volumen de micrófono. Representaciones de Audio / (55) 3300 4550 infocv@repdeaudio.com.mx / www.stantondj.com

Blue Microphones Audífonos / MO-FI

Con sistema de amplificación analógico de sonido integrado (con tres modalidades: pasivo, activo y de realce de bajos), estas orejeras se pueden usar lo mismo para la escucha de música reproducida en laptop, smartphone, tablet o equipo de alta fidelidad casero que tener la referencia de las grabaciones y mezclas producidas en casa. Tiene un driver dinámico de 50mm reforzado con fibra y su diseño circumaural, que cubre por completo la oreja aísla la sesión de escucha. Vari Internacional / (55) 9183 2700 / www.varinter.mx / www.bluemic.com

Native Instruments Controlador Traktor S8

Con mejoras tales como usa el S8 como mesa de mezclas independiente y así usar tanto vinilos como cds sin requerir un ordenador para ello. Ofrece cuatro faders por canal para el armado de los remixes decks y, en este modelo de Traktor, el control está en sus pads touchstrip que reemplazan los clásicos jog wheels. Su doble pantalla de visualización RGB despliega la información de cada tema reproducido. Casa Veerkamp (55) 5709 3716 www.veerkamp.com www.native-instruments.com

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Filosofía: Con dos décadas como DJ, Guztavo Chávez ha traspasado fronteras con su música electrónica, la cual nació y se consolidó en la vida noctura de clubes y discotecas de todo el país. Fue en Chicago donde formalizó estudios en producción musical, preparación que le ayudó a incursionar en proyectos televisivos e iniciar la aventura de armar su propio espacio de creación. “Gracias a mi trabajo como productor de tv he podido viajar a distintas partes del mundo y conocer los estudios de varios de los dj’s más importantes del planeta, lo que también me dio inspiración para continuar tanto en el mundo de la música electrónica y afianzar mi estilo (progressive house) como aspirar a tener donde grabar mis cosas. Empezó como algo pequeño pero ahora funciona como estudio y cuarto de ensayo para DJ. A la par de comprar mis viniles, equipo de audio, tornamesas, audífonos, agujas, etcétera, adecué mi casa y finanzas para “alimentar” mi estudio. Tras seis años es una gran satisfacción despertar todos los días, dar unos cuantos pasos y ponerme a trabajar en un ambiente motivador con todo lo que necesito para producir en un solo lugar”.

www .gu Co n

Lista de equipo: (Para producción musical) Apple MAC 27”; monitores M-Audio BX8A; controladores M-Audio MIDI Keyboard Axiom 49, MIDI Keyboard Ozonice; mezcladora Tascam X-15; tarjeta de audio Native Instruments 4 DJ; software Native Instruments Maschine; secuenciador/caja de ritmos/ arrenger MIDI Roland MC-505; audífonos Pioneer 1000; micrófono Shure SM-58; guitarra acústica.

Uso: En Lil Estudio la prioridad ha sido la música electrónica pero también se atienden propuestas de grabación y mezcla para otros géneros y estilos. El motor que activa la maquinaria sónica recae en el uso de software, hardware y plataformas digitales como galerías de sonidos y plug-ins, además de los controladores MIDI: “trato de mantenerme al día en cuanto a tecnologia y la música electrónica se (Como cuarto de ensayo/sesiones para DJ) presta para hacerlo; además, aunque tengo todo Apple MacBook 15”; mezcladora Pioneer DJM-800 y reproductor el set de DJ de manera OLD school, siempre estoy multimedios DVJ1000 (x2); tornamesas Technics SL-1210MK2; implementando nuevos aditamentos a mi estudio monitores Montarbo MT-180 A; interfaz de audio Native o a mi trabajo con controladores, editores visuales, Instruments TRAKTOR Audio 6 DJ; controladores TRAKTOR tarjetas de audio y todo aquello que pueda hacer mi KONTROL X1, KONTROL X1 MKII y KONTROL F1; set trabajo más atractivo y diferente para los demás. Es de agujas Ortofon Elektro; vinyl & cd cases satisfactorio saber que cada uno de los equipos que se Oddysey; videocámara portátil Go Pro encuentran en mi estudio han sido pagados con mi trabajo, HERO +3 pues me considero de los pocos djs/productores que pueden vivir de algo que realmente te guste y te apasione. Así que todos los retos y dificultades para lograrlo bien han valido la pena”. Proyectos: Realización de un show de radio semanal con transmisión en toda la República Mexicana y algunos países de Latinoamérica // Masterización, selección y compilacion de discos como las sesiones para los discos Ibiza Residence (2012-2014) y The Anual Compilation // Remixes y producciones propias así como colaboraciones con djs y productores mexicanos en nuevas producciones. 34


Rusia-Reino Unido

Katia Apekisheva, piano Charles Owen, piano StravinSky Petroushka rachmaninov Suite para dos pianos no. 2 milhaud Scaramouche

Sala Nezahualcóyotl Jueves 04 de diciembre/20:30 horas Boletos $150

Jan Latham-Koenig, director artístico Anabel De la Mora, soprano Iván López Reynoso, contratenor Ernesto Ramírez, tenor Josué Cerón, barítono Ensamble Filarmonía: John Daly Goodwin, director coral

Händel El Mesías Sala Nezahualcóyotl Sábado 13 de diciembre/20:00 horas Domingo 14 de diciembre/12:00 horas Boletos $240, $160 y $100

Boletos con los descuentos habituales • Programas sujetos a cambios Informes en días y horas hábiles: 5622 7113 • www.musica.unam.mx


Por Arelia Cedillo Novoa* @AreliaCedillo

Producción

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GUITARRA TAYLOR D

e entrada lo que debemos saber sobre esta guitarra es que la serie a la que pertenece la 214Ce fue diseñada y construida en México en 2009. Concebida con 20 trastes suaves y lisos, perfectamente colocados en una escala de 25 1/2¨, su parte trasera y los costados cuentan con un precioso acabado laminado de palo de rosa de la India, mientras que la parte frontal es de abeto blanco (stika spruce). El acabado del brazo permite que la mano se deslice suavemente y que se sienta cómodo tocarla en cualquier posición ya sea cejilla, acorde mixto o incluso digitación. Atributos principales La Taylor 214Ce es una de las guitarras más accesibles dentro de las series hundred. Posee un sistema electro-acústico de pastilla activa y preamplificador integrado que por la tecnología EST (Expression System-T), permite que el preamp imprima el cálido sonido acústico de esta serie, gracias a años de investigación para su desarrollo a cargo de David Hosler. En concreto, la tecnología EST consiste en la acción de un par de sensores dinámicos ubicados, uno en la tapa y otro -exclusivo para las cuerdas- por debajo del diapasón, que se suman al trabajo sonoro del preamplificador. Estos sensores permiten dar preamplificación individual por cuerda tomando en cuenta la dinámica, por eso el sonido de la tecnología xpression System-T®, gualable. puros cristalino y no talado por debajo del cada seccio EST es inigualable. Cuenta con tres controles fáciles de usar: volumen y dos de ecualización, uno para frecuencias bajas y otro para frecuencias medias-altas. La 214Ce viene equipada con cuerdas Elixir Light Gauge Nanowebs de bronce, pero para esta serie les recomiendo cambiar éstas por las Elixir Phosphor Bronze Light .011, pues cuando registras tu Taylor en la página oficial de la marca, el servicio Taylor Quality Guitars se encarga de hacer un calendario virtual que contempla fechas para mantenimiento y cambio de cuerdas (conforme al día de compra y el modelo). Esto es muy útil ya que al ser una guitarra de alta calidad, es de suma importancia cambiar sus cuerdas cuando lo requiera y darle mantenimiento, preferentemente como lo indica el Taylor Quality Guitars. Este modelo de Taylor se entrega en un HardBag, un estuche rígido de tela el cual es mucho más liviano que un HardCase y cuyo diseño asemeja a una mochila de viaje. Este estuche es fácil de transportar, resistente y duradero. Tengo más de un año con

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214Ce él y, en un par de ocasiones que accidentalmente tiré mi guitarra, hizo perfecto su trabajo pues mi guitarra sigue en perfectas condiciones. A prueba Existe algo más allá del diseño simple y estético de esta guitarra pues suena increíble. No podría componer con otra guitarra que no fuera mi Taylor 214Ce: su sonido es contundente pues el brillo de las cuerdas, en combinación con el diseño de la caja -en este caso Grand Auditoriumhacen resaltar los medios como ninguna otra. En guitarras acústicas del mismo tipo se tiende a empastar el sonido de las frecuencias medias y graves; en el caso de este modelo de Taylor no es así. Las guitarras Taylor poseen por lo general un brillo mágico que resalta las frecuencias altas y acentúa los bajos de manera suave y sorprendente. La 214Ce no es la excepción: su sonido tiene cuerpo, presencia y un brillo inigualable que, en mi caso, la ha hecho mi elección para tocar lo mismo country que pop acústico, baladas y blues -desde John Mayer a Jason Mraz-, así como elegirla para gigs acústicos como hacen los de Boyce Avenue. Su sistema electro-acústico es muy fácil de ecualizar y suena tan bien en vivo como conectada. Si no has tocado con ninguna guitarra Taylor en tu vida te invito a hacerlo, definitivamente es una experiencia que jamás olvidarás. Ingeniera en audio, productora y compositora, ha realizado música para meditación, chill-out y pop. Es autora del libro Producción y grabación del siglo XXI (Pro-Audio TS, 2014) Actualmente funge como Technical Operator for Media Control Systems en MediaMation, al frente de la tecnología de las salas X4D de Cinemex México.


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Producción

CARACTERÍSTICAS GENERALES Madera (posterior/frontal): Palo de Rosa Madera en tapa: Abeto blanco Formato: Grand Auditorium Corte: Veneciano Mástil: Sapele Alma del mástil: Si Diapasón: Ébano Perfiles: Blancos Puente: Ébano Cuerdas: Elixir Phosphor Bronze Light xx


Fotografía: Toni Françcois

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Un maestro, una causa, un efecto. 38


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MAESTRO Once episodios lumínicos P O R A LO N S O A R R E O L A* @ L A B A LO N S O

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quí estamos, una vez más, hablando de Gustavo Cerati; entristeciéndonos por su larga y extraña partida. Es diciembre y el año cierra la puerta. Vale la pena entonces sacar el microscopio para señalar aspectos específicos, menos sentimentales. Brillos, fisuras, rasgos que revelen —que confirmen— el porqué de la grandeza de quien fuera un cantante excepcional, un tremendo guitarrista y mejor escritor de letras. Un artista en quien cabe la palabra inspiración, sí, pero sobre todo interpretación. Por ello, a punto de entrar al 2015 y todavía celebrando los treinta años del primer disco de Soda Stereo, he aquí nuestro caprichoso muestrario con once episodios para despedir a un iluminado.

1.

El debut “Trátame suavemente”, letra en el primer disco de Soda Stereo de 1984. “No quiero soñar mil veces las mismas cosas, ni contemplarlas sabiamente. Quiero que me trates… suavemente”. Con una producción defectuosa, paupérrima, el trío deja ver pequeños destellos de lo que resplandecerá doce meses después.

2.

El acorde Sucede en la introducción de “Juegos de seducción”, esa madurez prematura de 1985 que nunca abandonó los conciertos de Soda Stereo y que, más aún, se convirtió en símbolo de apertura durante su gira de despedida: “Por fin… Una eternidad esperé este instante”, gritó Cerati para su grabación en vivo. “¿Saben qué acorde es éste?... ¡Sí! ¡Bienvenidos!”.

3.

El video “Signos” en Viña del Mar 1987, también con Soda Stereo. Porque en esas imágenes vimos el poder de un volcán a punto de estallar, de un triunvirato glamoroso que dinamitaba el aire con frases elocuentes y provocativas (“signos, mi parte insegura, bajo una luna hostil”); con melodías de pulcrísima índole que, cosa rara en Cerati, eran ejecutadas en una guitarra española electroacústica. Momento en el que entendimos que algo iba a cambiar en el rock latinoamericano.

4.

El silencio “En la ciudad de la furia” de 1988, tras uno de los mejores coros que se hayan hecho en el rock en español (“Me dejarás dormir al amanecer, entre tus piernas. Sabrás ocultarme bien y desaparecer, entre la niebla. Un hombre alado prefiere la noche…”), el silencio final que impulsa al solo de guitarra en cuyo fade out se distingue a un Cerati rabioso: “¡Me verás volver!”. (Caso contrario al mejor arranque de letra en, verbigracia, “Sueles dejarme solo”, donde dice: “Nena nunca voy a ser un súper hombre”. Del disco Canción animal de 1990).

5.

Los efectos En el Dynamo de 1992, la distorsión de “En remolinos”, pieza que dijo más preferir de su etapa con Soda Stereo. Psicodelia pura al servicio del que probablemente sea su mejor y más oscuro desempeño

en las seis cuerdas, manto para una de sus pocas letras místicas: “Un maestro, una causa, un efecto. ¿Quién sabrá el valor de tus deseos, quién sabrá?... Florecer mirándote a los ojos, perfección”. Un ejemplo de cómo se domina la estridencia.

6.

Los vibratos “Avenida Alcorta” de Amor amarillo, álbum solista de 1993. “Hoy volví cansado de hablar de mí… Donde estemos juntos será nuestro hogar”, canta el argentino. Metáfora que refleja una aproximación tipo blues sólo por momentos emparentada con el pop y que en la presión de sus dedos consigue una textura rugosa, filosa.

7.

La voz “Corazón delator” en los Once episodios sinfónicos (2001), interpretada en el Teatro Colón de Buenos Aires. Uno de los momentos más poéticos e inspirados en la carrera de Cerati. Vestido de “Principito”, vulnerable sin instrumento, el cantante —más cantante que nunca— muestra el imperio de una voz que muerde al amor: “Un reflejo… hay algo oculto en cada sensación”. Sobresalen los impecables arreglos de una orquesta que comparte sentimientos con quien la gobierna.

8.

La frase “Entiendo que todo va hacia lo práctico y hacia lo veloz, lo que no significa que sea lo mejor”. Palabras de Cerati en su entrevista HOT con la mexicana Linda Cruz refiriéndose al cambio de la industria y al regreso de los vinilos (Fuerza natural, 2009), pero sobre todo al poder ritual de escuchar un disco con atención. “Lo que más me molesta es que la gente se acostumbre a escuchar mal”, dice hacia el final del encuentro antes de rematar con lucidez: “No miro casi nada para atrás, esa es la verdad, tengo un espejo retrovisor lleno de humedad”.

9.

La colaboración “Tráeme la noche” (“Bring On The Night”). Su arreglo y ejecución del bajo eléctrico junto a Andy Summers en guitarra y Vinnie Colaiuta en batería. Paréntesis único con el cual hace tributo a uno de sus más admirados compositores (Sting). Una transformación de acordes desde las cuatro cuerdas que lleva a este tema clásico a profundidades que superan por mucho la versión original.

10.

El solo “Té para tres” en el MTV Unplugged. Sin extenderse de más, Cerati ofrece este poema dedicado a su padre ausente para rematarlo con una breve melodía en donde la guitarra llega a su mejor punto con una frase melódica desgarradora de cuatro notas.

11.

La despedida La progresión armónica en “De música ligera”. Sí, una secuencia de acordes típica que vive en cientos de piezas de rock clásico, boleros y tantos géneros más. Un cliché que pocos se atreven a abordar porque parece que todo está dicho sobre él y que exige valor, talento lírico: “No le enviaré… cenizas de rosas”. Una pieza que finalmente albergó palabras emblemáticas durante el concierto de despedida registrado en El último concierto de Soda (1997). “No sólo no hubiéramos sido nada sin ustedes”, dice Gustavo. “Sino sin toda la gente que estuvo a nuestro alrededor desde el comienzo. Algunos siguen hasta hoy. Gracias… Totales”.

* Es bajista y líder de LabA, A+C. Colabora en numerosas publicaciones de México. labalonso.com 39


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CAUSA Un sonido forjado con las garras encima

P O R A L E J A N D RO G O N Z Á L E Z C A S T I L LO* @ S OY P O P ES P O N J A

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n los inabarcables rincones de la red existe una foto de Gustavo Cerati al lado de Roger Waters y Pedro Aznar. La imagen data de 2008, fue tomada en Nueva York y en ella puede verse al otrora bajista de Pink Floyd abriendo el estuche de una guitarra, sonriente, mientras Aznar y Gustavo observan el cuerpo de madera que se asoma del envase aterciopelado. Se trata de una toma excepcional, pero no porque ilustre la reunión de tres grandes figuras de la música alrededor de uno de los mejores inventos que el hombre ha labrado; sino debido a que Cerati no tiene en sus manos dicho instrumento. Él jamás lo toca; apenas lo observa, quizá ansioso por ponerle las garras encima. Gustavo fue la clase de sujeto que jamás se mantuvo en calma. Por eso resulta extraño verlo en esa foto con los brazos desocupados. Es bien sabido que con la guitarra encontró un lenguaje lo suficientemente tóxico como para infectar las entrañas de millones de personas; sin embargo, el nacido en Buenos Aires sentía un afecto especial por el bajo y, además, por las máquinas, las perillas y las computadoras, las cuales manipulaba atinadamente en salas de ensayo y estudios de grabación. Por si fuese poca cosa, así como dominaba la plumilla, domaba su pluma con prestancia. En realidad, fue un artista de proporciones excepcionales que para alcanzar tal calibre ocupó su tiempo al máximo. La quietud, para él, apenas duraba unos cuantos compases

Se forjó escuchando a The Clash, Genesis, King Crimson, Earth, Wind and Fire y otros más. Aunque encontró en los planetas de The Beatles, Led Zeppelin, The Police y Kraftwerk leyes ajenas a las terrenales que lo llevarían a asomar los oídos al otro lado de la atmósfera, el espacio ideal para curiosear en las músicas disco y afro, en el reggae, el jazz fusión y el folclor sudamericano. Zurdo, decidió tocar la guitarra cual diestro, y en sus primeros años de formación como ejecutante se obsesionó por convertirse en la plumilla más rápida de Argentina, una carrera contra reloj con la cual adquirió rigor, técnica, resistencia. Desde entonces, el resto sería encontrar parajes inusitados para ahí cazar inspiración –como si fuese cualquier cosa- y en eso los muchos proyectos sonoros en los cuales militó antes de formar Soda Stereo resultaron determinantes. Al lado de Zeta Bosio y Charly Alberti formó una hilera de álbumes esenciales en la historia del rock en español. Un catálogo de temas donde el guitarrista siempre operó como artífice central, aunque el par que lo rodeaba definió en gran medida los alcances y, por qué no decirlo, también los límites, de un grupo que maduró su propuesta sonora a nivel discográfico a lo largo de aproximadamente una década. Soda Stereo pasó de la crítica social disfrazada de ska chabacano en su debut homónimo (1984) a una búsqueda 40

de personalidad, con certeros guiños al folclor sureño, que arrancaría con Nada personal (1985) y que encontraría en Signos (1986) y Doble vida (1988) un grado de sofisticación que le permitió al trío zafarse de los fórceps estéticos y de acción impuestos por el pegote “rock en tu idioma”. Canción Animal y Dynamo (1990 y 1992, respectivamente) fueron los platos donde los argentinos amalgamaron sus mejores trucos. En ellos se asomaron hambrientos de presente con un perfil estético perfectamente trazado. Después vendría un post scriptum llamado Sueño Stereo (1995) y los puntos suspensivos que significaron los once temas incluidos en Comfort y música para volar (1996); porque tras su disolución en 1997, el grupo descansaría diez años para reencontrarse en un gira apoteósica. Sin embargo, antes de que la banda se desmembrara, su cantante ya había comenzado un andar discográfico alejado de sus compinches. Contaba entonces con dos discos: Colores Santos (firmado con Daniel Melero) y Amor amarillo. Concretando: fue la de Soda Stereo una etapa donde Gustavo conoció la vida de rockstar a tope, un periodo en el cual fincaría las raíces de una caminata solitaria donde las barreras estilísticas ya no formarían parte de su marco estético. ¿Cuántos rostros tuvo Cerati? Podríamos analizar ese punto tomando en cuenta las guitarras que se colgó. En sus años formativos solía usar Fender Stratocaster, pero cuando arrancó la carrera de Soda las que más rasgaba eran una Jackson Soloist y una Kramer Baretta (luego preferiría una Paul Reed Smith); trozos de madera que fueron compañeros suyos en esos años de cabello esponjado, botines y pantalones pegados al cuero. Para entonces, el compositor se mostraba un tanto reservado en cuanto a hacer solos espectaculares y enfocaba su musculatura en manufacturar estupendas guitarras rítmicas y desarrollar emotivos pasajes armónicos. Porque a la par de los riffs, Gustavo consideraba que una guitarra rítmica podía otorgarle personalidad y gancho a una canción (tal como Johnny Marr, de The Smiths, pensaba). “Cuando pase el temblor”, “Un misil en mi placard” (tanto la versión original así como la incluida en el disco unplugged), “Nada personal” y “Doble vida”, por sólo mencionar un puñado, son buenas muestras de ello. Y en cuanto a arpegios, ¿qué tal apabullante sencillez de “En la ciudad de la furia” y “Persiana americana”? El artista igualmente creó grandes solos de guitarra, escúchese sino “Un millón de años luz” o “Sueles dejarme solo”; y memorables riffs, como los que inauguran “De música ligera” (según el videoclip correspondiente, hecha con una Fender Electric XII) o “Ella usó mi cabeza como un revolver” (inspirado éste en “Kashmir”, de Led Zeppelin); además, construyó excelsos trances sónicos con filtros de las más variada monta en prácticamente todo Dynamo, un tratado shoegaze a la altura de Loveless, de My Bloody Valentine (en ese rol, atención a ese trozo de vértigo llamado “Planeador”). Mención aparte merece su incursión en la galaxia de los delays y los loops con “Disco eterno”; interesantes pasajes sónicos confeccionados con guitarras como una Gibson ES 335, una Parker Fly y una rara Davoli Polyphon. En el terreno de las guitarras acústicas, su Guild F4CE le fue fiel para interpretar en directo “Té para tres” o “Zoom”, aunque también se le vio con una Taylor T5, una Gibson Chet Atkins y una Yamaha APX5. Regularmente anclado a un Vox AC30 y un Roland JC 120, tras la partida de Soda hizo Bocanada (1999), con el cual alcanzó uno de sus puntos más álgidos como compositor, ejecutante y productor. Sin abandonar del todo la guitarra, experimentó con sampleos (la cantidad de los que echó mano alcanza para llenar varias páginas) y ciertos elementos de la llamada música electrónica; además, una aún indescifrable calidez envolvió su tono vocal y de su pluma escaparon


Fotografía Cortesía: Auditorio Nacional / Fernando Aceves

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versos improbables en el pasado. Definitivamente para entonces había desactivado el grillete rocker con el que su antiguo grupo le había prensado el tobillo. El autor cargaba frecuentemente con una libreta donde iba anotando frases, palabras, verbos, imágenes, que encontraba en su vida cotidiana. Siempre se supo de sus dotes como escriba, desde los juegos de palabras del primer álbum de Soda hasta el acabado fino de relatos densos en formato de canción, rastreables en “Corazón delator”, “No existes” y “Entre remolinos”; un trío para sujetos de vísceras duras. Sin embargo, cuando el nuevo milenio arrancó muy probablemente aquel puñado de páginas que el autor guardaba ya lucía desbordante de motivos. Distante placer, de una mirada frente a otra esfumándose; cantaba el sureño en el tema que titula dicho álbum; un enunciado sugerente, evocador, apenas uno de los muchos que el disco aloja. Y es que como buen lector, Gustavo recurría a la literatura para nutrir sus rimas. Un ejemplo: en “Perdonar es divino” el espíritu de Borges (específicamente el de Funes el memorioso) se tambalea entre estrofas. Pendiente del público que abarrota las pistas de baile, y también de los amantes de la electrónica experimental, formó parte de Plan V, Ocio y Roken, además de editar un plato doble con remixes de Siempre es hoy (2002), el trabajo que antecedió su regreso a las guitarras con distor, Ahí vamos (2006), acompañado de una flamante G&L roja. Tres años después, editó Fuerza natural (con una Gretsch Duo Jet colgando de los hombros y una máscara en el rostro), el punto final de un relato apasionado donde la música, el arte, siempre operó como protagonista esencial. Porque jamás importó cuáles fuesen las condiciones alrededor de Gustavo; los acordes, las tonadas, acudían a él y éste las atendía con esmero. Así ocurrió hasta el final. Mantuvo un estándar de calidad, en directo

y en estudio, difícil de alcanzar, además de un grado de confidencialidad con su público apabullante, un afortunado amasiato muy pocas veces visto en el panorama del rock iberoamericano. En 2002, el zurdo se alió con Alejandro Terán para grabar algunas de sus composiciones con la compañía de una Orquesta Sinfónica. Naturalmente ninguna de sus guitarras lo acompañó en aquella gira y se le veía esforzarse por lucir como crooner disfrazado de Principito atormentado, cantando “Verbo carne”. Ansioso de retarse a sí mismo, salió bien librado de la experiencia; sin embargo, uno podía imaginarlo al terminar aquellos conciertos, a paso veloz, dirigiéndose al camerino para tomar su guitarra y repasar la intro de “Stairway to heaven”, puntear “Here comes the sun” o raspar bien recio el riff de “Rebel rebel”. Con las garras siempre encima, nunca en calma; así lo recordamos. Sobre su guitarra, encorvado, buscando la sucesión de acordes perfecta siempre que hubiera dos minutos de respiro. Porque Gustavo amó la música sin medida, porque sabía que el objetivo de hacer arte es fundamental, mantenerse a flote, sobrevivir. “El fin de amar, sentirse más vivo”, solía cantar con toda razón.

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Se pone lacio tocando guitarras y discos. Le gustan los perros, las nubes y las olas; también las citas clandestinas y la cerveza espesa.

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EL PUENTE CON UNA GENERACIÓN DORADA P O R R A FA E L M E J Í A* @ S A B I D U R I AC U T R E

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principios de los años ochenta del siglo pasado, Argentina se sacudía una dictadura militar e intentaba digerir el agrio episodio que representó la Guerra de las Malvinas (1982). En ese convulso y sombrío ambiente, condicionado por la inflación y el desempleo, apareció una notable camada de músicos (viejos conocidos y buenos por conocer) que coincidieron en que había que sacudir la solemnidad de los viejos moldes que caracterizaban al rock local. Ciertas o no, las crónicas de la época dicen que en las fiestas del ambiente universitario bonaerense confluían personajes como Daniel Melero, Richard Coleman, Fabiana Cantilo, Héctor Bosio, Pipo Cipolatti, María Gabriela Epumer, Daniel Melingo, Carlos Alberto Ficicchia, Andrés Calamaro, Hila Lizarazu y, por supuesto, Gustavo Cerati. Todos ellos darían vida a distintos proyectos musicales y se aliarían con músicos más experimentados, como Luis Alberto Spinetta, Miguel Abuelo, Federico Moura y Charly García para dar forma a una etapa gloriosa del rock argentino. En ese contexto haría su debut Soda Stereo, y aunque es difícil reconstruir esta compleja etapa, dejemos que la música nos guíe para dibujar, al menos, un esbozo auditivo. Los Encargados. Fue la banda de Daniel Melero, el mismo de Colores Santos y quien intervino en Canción Animal y Dynamo. Los Encargados se distinguieron por ser una banda que recurrió a loops y sintetizadores, lo cual no fue bien visto por los seguidores del rock tradicional. Curiosamente, uno de sus temas insignia apareció primero en un disco de Soda que en uno propio: “Trátame suavemente”. Álbum significativo: Silencio (1986).

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Fricción. Richard Coleman, el líder de esta agrupación de sonido pop ligeramente obscuro, estuvo a punto de ser “el cuarto Soda”, mientras que Gustavo Cerati hizo las veces de guitarrista de apoyo y luego productor de Fricción. Ambos, Coleman y Cerati, se reencontrarían años después, en la gira de Ahí vamos. Álbum significativo: Héroes (antología 1986/1988).

Fotografía Cortesía: Sony Music

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3 Virus. Agrupación de La Plata que puso las bases del fino sonido pop y new wave que arroparía a Fricción, Soda Stereo, Perdón Amadeus y otros. Federico Moura, su carismático líder, fue el productor del primer LP de la banda de Cerati, Bosio y Alberti. A finales de los años ochenta gozaron de una notable popularidad en Chile, Perú y México; sin embargo, la gira que se planeaba para su encumbramiento se truncó por la muerte de Moura, por VIH/sida, en 1988. Álbum significativo: Locura (1986).


central 4 Los Twist. Fueron los líderes indiscutibles del “rock divertido” con el que algunos relacionaron a Soda en su primera etapa (“Mi novia tiene bíceps”, “Te hacen falta vitaminas”). En Los Twist confluyeron el ocurrente Pipo Cipolatti, Daniel Melingo y Faby Cantilo; su música era alegre, algo salvaje, y sus letras estaban salpicadas de sarcasmo. Álbum significativo: La dicha en movimiento (1983). 5 Luis Alberto Spinetta. Si el sonido del Soda de los años ochenta tuvo una deuda con Virus, sus letras le debieron mucho a El Flaco, quien era ya un viejo lobo de mar que había deslumbrado con proyectos como Almendra y Pescado Rabioso. Sin duda, Cerati se nutrió de las metáforas y sonoridades líricas de Spinetta, y retomó el uso de imágenes poéticas emergidas del inconsciente. Álbum significativo: en esos años, Téster de violencia (1988). 6 Los Abuelos de la Nada. Banda clave en la escena musical argentina que en esos años tuvo entre sus filas a Andrés Calamaro, Gustavo Bazterrica y Cachorro López, bajo la batuta del provocativo Miguel Abuelo. Sus letras retrataban el ambiente bonaerense de los primeros años de la democracia, y a pesar de que supieron sortear varios cambios de integrantes, se disolvieron cuando Miguel Abuelo falleció, también a causa del VIH/ sida, en el mismo 1988. Álbum significativo: En el Ópera (1985). 7 Charly García. Otro músico y compositor deslumbrante que ya tenía un largo recorrido a inicios de los años ochenta, de la mano de Sui Generis, La Máquina de Hacer Pájaros y Serú Girán. Por su banda desfilaron numerosos músicos de la época, produjo a muchos grupos nuevos y hasta la fecha es uno de los referentes más destacados del rock argentino. Siempre tuvo una buena y sincera amistad con Gustavo Cerati. Álbum significativo: en esos años, Clics modernos (1983). 8 Sumo. Lidereados por el irreverente italiano Luca Prodan, su actitud fue ajena a la comercialización masiva. Su música fusionaba rock duro, punk, reggae y algo de ska, y daba gran importancia a las improvisaciones. Debido a su vigorosa actitud dentro y fuera del escenario, se llegó a considerar que Sumo y Virus representaban polos opuestos. Desafortunadamente, Luca Prodan también falleció antes de que terminara la década, en 1987, por un paro cardiaco y cirrosis hepática. Álbum significativo: Divididos por la felicidad (1985).

REFERENCIAS

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DISCOGRAFÍA

9 Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. Tuvieron una polémica relación con Soda, alimentada más por ciertos fans y algunos periodistas que por los mismos músicos. Involuntariamente, ambos grupos heredaron “la confrontación” entre Virus y Sumo, pues el sonido duro de los Redondos y la vocación netamente subterránea de Carlos “Indio” Solari y Eduardo “Skay” Beilinson (daban poca importancia a las giras internacionales y a los videoclips), fueron vistos como la contraparte del trabajo de Cerati y compañía. En fin, que la ventaja de estar a kilómetros y años de distancia es que podemos escuchar a ambos grupos sin rencores. Álbum significativo: Un baión para el ojo idiota (1988).

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Aficionado al rock y al vino. Se declara Chiva y Canuck. Favor de encender el sarcasmómetro al estar junto a él.

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Fotografía Cortesía: Sony Music

EL ESCENARIO,

una razón de ser para Gustavo Cerati

P O R N I Z A R I N DA N I S O P E Ñ A* @ S O U N DA N DV I S I O N 7

Después de su tremenda participación en el Festival de Viña del Mar en 1987 en Chile, el camino para la internacionalización de Soda Stereo era una realidad. Con una imagen definida y un sonido que evolucionaba a grandes pasos, la historia del trío bonaerense se escribía como la de mayor proyección al exterior, proveniente de una camada única de músicos argentinos de rock. Además del innegable talento de Gustavo Cerati, Héctor “Zeta” Bosio y Charly Alberti, uno de los aspectos que cuidaron desde el inicio mismo de sus presentaciones y sus discos fue la manera en la que eran vistos por sus cada vez más seguidores y la forma en la que entregaban su música en vivo. Ya sea a través de sus videos, el arte de sus discos y la producción de sus recitales, Soda Stereo supo relacionarse con la gente adecuada para sentar la mayor parte de las bases de lo que hoy se llama industria del entretenimiento en nuestra región. Capítulo 1 Primero fue Alfredo Lois a quien los Soda encargaron aquellos primeros diseños de escenario e imagen de la banda. El logo más famoso de la banda fue de su autoría y de él fue la dirección de dos de sus más famosos videos: “Cuando pase el temblor” y “En la ciudad de la furia”. Con una mezcla entre new wave y letras 44

en español cuyas referencias eran comunes en la mayoría de los países latinoamericanos, Soda Stereo consiguió un estilo propio que los llevó a donde nunca antes otras bandas lo habían hecho. Fue justo con el disco Signos que la agrupación llegó a México a ofrecer sus primeros conciertos; discotecas como el Magic Circus o la del otrora Hotel de México o campus de conocidas universidades fueron los primeros escenarios para el trío argentino en nuestro país. Después de aquella primera visita, tanto con la banda como después en su carrera en solitario, Gustavo Cerati no dejaría de tomar en cuenta este territorio para ofrecer su música. Doble Vida fue el cuarto disco de Soda Stereo, y con él, la banda salió de gira con un equipo de producción en jornadas intensivas que comenzaba a reunir la experiencia requerida para cubrir decenas de fechas tanto en su país como en países como Puerto Rico, Venezuela, Uruguay e incluso los Estados Unidos. Para el siguiente tour, con motivo del disco Canción Animal, la fiebre sodera ya abarcaba multitud de ciudades del continente y en México, un histórico concierto con Caifanes elevaban al grupo en la cima del rock en Latinoamérica. Y para terminar ese lejano 1991, un concierto de magnitudes inimaginables se realizaría en diciembre en la Avenida 9 de Julio de Buenos Aires, donde se reunieron más de 250 mil personas para escuchar al trío. El escenario era la pecera donde Gustavo Cerati nadaba con la mayor naturalidad y donde proyectaba todo lo que tenía por dar.


central Sendas giras de Soda Stereo llegaron a México cada vez que salía un nuevo disco a la luz: Dynamo, entre 1992 y 1993, y Sueño Stereo, entre 1995 y 1996, con un descanso para que Amor Amarillo, en el mismo 1993, fuera realizado por Gustavo en Santiago de Chile mientras esperaba a su primer hijo, Benito. Para 1997, los rumores de la despedida de la banda se concretaron, y fue así como, con una gira de seis fechas por México, Venezuela, Chile y por supuesto Argentina, llevaron una producción que aunque con un motivo doloroso para muchos, reunió a una gran cantidad de músicos y personal técnico que pocas veces se había visto. Andrea Álvarez, Tweety González y Fabián Quitiero fueron algunos de los músicos de soporte, mientras que al pie del cañón en el audio y la iluminación nombres como Adrián Taverna, Sandro Pujía y Eduardo Bergallo destacaron. Capítulo 2 Para 1999, un renovado Gustavo Cerati lanzaba su segundo disco solista, Bocanada, y con él, comenzaba una etapa donde se involucraría en todas las etapas de la producción de sus shows. Los ritmos electrónicos, loops y sampleos fueron elementos comunes, y el escenario lo reflejaba como tal. En México, el Teatro Metropólitan lo recibió y un público expectante descubrió que, además de la música, Gustavo tenía muy claro el concepto en sus conciertos. Comenzado el nuevo milenio, en el 2003, después de una serie de conciertos a razón de su disco Once Episodios Sinfónicos, la siguiente parada fue con Siempre es hoy, que presentado en el Auditorio Nacional, reafirmaba a Cerati como el músico argentino más querido en México. El escenario, coordinado por el productor Diego Sáenz, incluyó una buena cantidad de recursos bien

valorados por el público, que seguiría a Gustavo a otras invitaciones para tocar en nuestro país en distintas ciudades y en festivales como el Vive Latino, siempre como figura estelar. Una cosa es segura: el movimiento para Gustavo Cerati era lo esencial. Con invitaciones para tocar con otros artistas y participar en grabaciones y bandas sonoras cinematográficas, siempre encontró tiempo para afinar al máximo su siguiente jugada. Fue así como en 2006 vimos nacer el disco Ahí vamos, que volviendo a las raíces guitarreras de Gustavo, nos mostró que siempre hay camino que recorrer y que comenzó a dar paso a rumores acerca de una reunión con sus ex compañeros de grupo. Por fortuna, esto fue realidad y justo diez años después de aquella despedida, el Foro Sol de la Ciudad de México veía volver al trío, con un despliegue de recursos técnicos comandado por Paul Tozer y Diego Sáenz en la producción, los infaltables Adrián Taverna y Eduardo Bergallo en el audio y Martin Phillips en la iluminación, creando una burbuja en el tiempo que los llevó a países como Ecuador, Chile, Estados Unidos, Colombia, Panamá, Venezuela y Perú. Dos años después, lo que ahora es el último disco de Gustavo Cerati se llamó Fuerza Natural, presentado con gran éxito por los países acostumbrados y terminada la gira aquel 15 de mayo de 2010 en el Campo de Futbol de la USB en Caracas, Venezuela. Lo demás es historia; la historia de una leyenda en la que los escenarios fueron figura principal, comienzo y fin de una carrera tan impresionante como mítica; de la que fuimos afortunados de escuchar y ver de cerca y de la que el olvido no hará presa.

* Editora de la revista sound:check Magazine México.

SUS INSTRUMENTOS

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central “Ante los trascendidos, informamos que luego de finalizar el show de anoche, Gustavo sufrió una descompensación por una subida de presión debido a estrés y agotamiento, de la que se está recuperando favorablemente. Posteriormente y por precaución, se dirigió a una clínica de Caracas para realizarse chequeos médicos de rutina, donde le recomendaron reposo. Una vez finalizados los estudios, continuará con su viaje a Buenos Aires”.

Fotografía Cortesía: Sony Music

(Nota en su página de Facebook: 16/05/10, 15:30 horas).

“El manager me llamó a las diez de la mañana y me dijo: ‘Julio quiero reunirme contigo, quiero hablarte de Gus’. Fui al hotel, estaba en el Hotel Radisson de la 1:16. Me senté con Nando a hablar, me dijo: ‘Estoy preocupado con Gustavo. Está muy estresado. No se está cuidando. Volvió a fumar. Está tomando trago. Como viste, las noches ya no son tan largas, pero el estrés y el vuelo que tiene a Madrid de doce horas lo tiene muy asustado’. Yo le dije a él: ‘Nando, llévalo a España y a la vuelta proponle que se interne en una clínica y que se haga ahí una limpieza larga’. No era fácil, la verdad. No era fácil. Quedé preocupado porque me di cuenta yo también que no se estaba cuidando. (Fragmento del relato que realizó el empresario y locutor Julio Correal 7/09/14 quien lo acompañó la última semana en su gira por Colombia, en. http://www.las2orillas.co/la-ultima-rumba-de-cerati-segun-julio-correal/) 46


central

EFECTO

El cuerpo habla

P O R S A N D R A RO M O* @ FI G M X

El accidente cerebrovascular y su relación con el estrés Tras un Accidente Cerebrovascular (ACV) masivo y después de cuatro años en estado vegetativo, el pasado 4 de septiembre se nos fue uno de los grandes, Gustavo Cerati. A esta afección también se le conoce como STROKE o Enfermedad Vascular Cerebral (EVC) y a los afortunados que logran librar la muerte, les queda afrontar, con ayuda de un programa de rehabilitación, a un cuerpo con secuelas neurológicas discapacitantes sobre todo referentes al movimiento como la hemiplejia (parálisis de la mitad del cuerpo), al lenguaje como las afasias y a habilidades cognitivas. En un ACV se produce una isquemia, es decir, deja de fluir y distribuirse la sangre como debería y con ello, disminuye el suministro de oxígeno con la consecuente necrosis (muerte) de diferentes zonas cerebrales. En el origen hemorrágico ocurre el rompimiento de una arteria (como el aneurisma) y en el origen obstructivo ocurre una oclusión de una arteria, ya sea por disminución en su tamaño conocido como estenosis, por formación de un coágulo dentro de un vaso sanguíneo en el cerebro o el cuello, llamado trombosis o por el movimiento de un coágulo de otra parte del cuerpo, llamado embolia. En los primeros partes médicos de Gustavo Cerati se informó que comenzó con un ataque isquémico transitorio que posteriormente se volvió un ACV masivo (al parecer hemorrágico) teniendo que ser intervenido quirúrgicamente para disminuir la presión intracraneal. Mientras más joven ocurre un ACV, existe menor probabilidad de supervivencia. En los pacientes que sobreviven de un ACV, he visto cambios profundos en hábitos que solían tener. Hoy, la partida de este grande de la música, sirve también para cuestionarnos: ¿debemos esperar a tener una segunda oportunidad de vida -que puede no llegar- para hacer cambios sustanciales en nuestro estilo de vida?   Seamos honestos, solemos atravesar por estrés tanto por falta como por exceso de trabajo.  Las respuestas fisiológicas que tiene el cuerpo ante el estrés sirven como un mecanismo de supervivencia diseñadas ante situaciones extremas.  Pero cuando el estrés ocurre repetidamente, esas reacciones que aisladamente son útiles, se

desencadenan una y otra vez en el organismo ocasionando verdaderos estragos, como el envejecimiento prematuro, agotamiento, aletargamiento, problemas digestivos y circulatorios. Ante el estrés agudo domina la ansiedad, el miedo y la ira, y ante el estrés crónico, la depresión. Existe en la actualidad evidencia científica que comprueba que el estrés causa aumento de la presión arterial y, ésta a su vez, es un factor de riesgo importante para producir un ACV.  El estrés combinado con otros malos hábitos, como abuso de alcohol, drogas, tabaquismo, falta de descanso, diabetes, aumento de colesterol y triglicéridos, se convierten en una bomba para el cuerpo. Por ello, es importante que conozcamos los siguientes signos de alerta para saber cuándo se atraviesa por un ACV: • Entumecimiento súbito o debilidad facial, del brazo o la pierna, especialmente de un lado del cuerpo • Confusión súbita, o dificultad para hablar o comprender el habla • Súbita dificultad para ver con uno o ambos ojos • Dificultad súbita para caminar, mareos, o pérdida del equilibrio o la coordinación • Dolor de cabeza grave súbito sin causa conocida El cuerpo en su sabio desempeño, está de acuerdo con nuestros pensamientos y emociones. Si estoy bajo estrés y me presiono por cualquiera que sea mi situación externa, en mi interior se va a reflejar, por lo tanto, el cambio debe surgir desde adentro, porque lo externo seguirá siendo, con sus subidas y bajadas, parte de la vida.  El dominio propio y adecuado manejo de las emociones, se traducirán en paz interior. Una de las mejores herencias de Oriente es la meditación. El Dr. Gabriel Bertona, quien tiene una amplia experiencia en no tratar únicamente el síntoma sino en guiar al paciente a la escucha de los mensajes que el cuerpo manda para hacer cambios sustanciales en nuestras actitudes y la manera de ver la vida, nos habla sobre los beneficios de la meditación: “Como práctica nos propone el desapego de las ideas, las emociones y las sensaciones corporales, estar en tiempo presente, simplemente aquí y ahora, con una percepción plena. El apoyo de la práctica implica llevar esto a la vida de todos los días, vivir en meditación. Es una práctica que paso a paso nos ayuda a librarnos de la respuesta al estrés y de las consecuencias del mismo a nivel celular, enseñando al cuerpo a responder relajadamente a los estímulos que antes nos hubieran tensionado, y sino, no perpetuar una respuesta que por su naturaleza basta con que sea aguda, actual y transitoria para cumplir con su función vital”. Para indagar más sobre esta propuesta, les recomiendo el blog del doctor Bretona y su artículo sobre el estrés: http://elsintomaysufuncion.com/?page_id=208 así como el video sobre el síntoma y su función https://www.youtube.com/watch?v=jMKGm6Epr3A en Músicos, co fundadora de FiG health * Fisioterapeuta Cadenista especialista sandraromo@figmx.com // www.figmx.com

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Por Paquito D’Rivera* @PaquitoDRivera

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[ Escenario ]

“Si no oyes al que está a tu lado, E

l mail que llegó venía firmado por Paquito D’Rivera y decía lo siguiente: “El tema del volumen excesivo en el jazz y la música popular se ha convertido en una plaga mundial y yo he decidido hacerme eco de las quejas sordas de las muchas víctimas de este abuso sonoro”.

“Bill Cosby dijo cierta vez, sabiamente, que para enmendar los fallos de cualquier comunidad, lo primero que hay que hacer es reconocer y enfrentar esos fallos. Por eso mismo mandé este artículo a Modern Drummer Magazine, quienes se negaron a publicarlo. Pero, como tarde o temprano la verdad se abre paso, la prestigiosa Down Beat solicitó la exclusiva (en inglés, claro) para su edición educativa de Enero y, ahora, se los brindo a ustedes también (en español), por si les interesa para las páginas de Music:Life”. “Gracias y hasta pronto”. Desde luego nos interesó y le tomamos la palabra al maestro. Aquí compartimos su valiosa refl exión sobre el tema de la relación ejecución y volumen en las presentaciones en vivo y cómo afecta esto sobre el escenario al alternar con los colegas músicos, sonidistas y el público.

“Ser bueno es fácil; lo difícil es ser justo”. Victor Hugo

Alfred Nobel y la invención del microfono Se supone que la tecnología está ahí para ayudar al arte, no para cubrirlo. Desgraciadamente, salvo raras (y cada vez más raras) excepciones, la invención del micrófono que se acredita al alemán Emile Berliner en 1876, ha resultado casi tan dañina como la dinamita de Alfred Nobel, pues han sido usados y abusados al punto de provocar destrozos irreversibles en el buen gusto y los oídos de los oyentes, con la ayuda de los sonidistas y la aprobación de los músicos que, con mayor frecuencia, piden más y más volumen en sus monitores y, por lo tanto, en la sala. Pareciera que todos han llegado a la conclusión de que mientras más fuerte, mejor se oye la música. Que volumen es sinónimo de energía y quien grita más duro es el que gana, ¿no es así? ¡Qué pena caray! Yo he visto agregar tanto volumen y reverberación a la flauta de Dave Valentín, hasta convertir su hermoso sonido natural en un verdadero sintetizador, lo cual es más apropiado para un combo de heavy metal que para tocar “Obsesión”, la pieza de Pedro Flores que él y su público tanto disfrutan. Y es que ya el “efectismo”, el circo, la adicción al aplauso fácil y el volumen excesivo han llegado como marea negra a la música latina y hoy todo es forte y fortísimo. –“Gracias Paq-Man, nos hablas al alma, a innumerables víctimas de esta ¡fenomenología!”, me escribió el pianista colombiano Héctor Martignon; -“He pensado en este problema millones de veces”, me comentó el trompetista brasileño Claudio Roditi; -“Muchos cantantes han sido víctimas de ese abuso del volumen. Yo soy solo una de ellas”, se quejó amargamente la soprano Brenda Feliciano. Hace años, el legendario ingeniero de sonido Rudy Van Gelder, que hizo aquellas

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[ Escenario ]

estás tocando muy fuerte” famosas grabaciones de Impulse, Blue Note, CTI y Atlantic con Coltrane, Monk, Hubbart, Rollins, Miles, Lee Morgan y todos aquellos jazzistas gordísimos de los años cincuenta y sesenta, tuvo “las pelotas” para decirle, textualmente, a la revista Down Beat que: “Los pianistas de jazz o no quieren o no saben sacarle un sonido decente al piano”. Y ciertamente es verdad que es difícil encontrar pianistas de jazz con la belleza y la elegancia sonora de Kenny Barron, Makoto Ozone, Teddy Wilson, Renee Rosnes o Bill Evans. No hay duda de que parte de la culpa de eso la tienen los bateristas que tocan cada vez más fuerte y obligan a los pianistas a aporrear el teclado, a pedir más volumen en los monitores y, por ende, a destruir el carácter acústico inherente al instrumento. Yo me atrevo a asegurar que esa era una de las razones por las cuales Nat “King” Cole y Oscar Peterson muchas veces no usaban batería en sus trios. “Dame más piano en el monitor”, es la frase de orden y mi pregunta es siempre la misma: Coño, y ¿por qué no tocas más suave para que puedas escuchar lo que está haciendo el freakin’ pianista? ¿Dejastes las brochas en casa o qué? El gran pianista argentino Jorge Dalto aseguraba que los bateristas llevaban dentro el “pecado original” y que, cuando se comportan de otra forma, lo hacen con gran esfuerzo pues es ir en contra de su naturaleza. “Si no hubieran estudiado el arpa o la flauta, ¿no?”, decía Jorge entre serio y en broma. Yo agrego que si los perros aprenden a convivir y respetar la integridad de los gatos, los gatos al loro e incluso los leones ser entrenados para no comerse al domador, no veo por qué no pueda aplicarse este mismo principio a los percusionistas. Y no me malinterpreten. La batería, como la trompeta, el trombón de varas y hasta un poco el saxofón, es un instrumento de fuerte

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presencia sonora. Es parte de su personalidad y característica. De lo que se trata es de evitar los excesos, no de perder swing ni energía. La fórmula es sencilla: Si no oyes al que esá a tu lado, estás tocando muy fuerte. ¿Me explico? Otro tanto pasa con los bajistas que, desde que inventaron la guitarra bajo, se creen que están tocando siempre con Kiss o con Metallica. Se alían a los bateristas -y yo creo que hasta compran los tapones esos para los oídos juntos, de a cuatro, para así, entre los dos hacerles la vida insufrible a los demás músicos-. Seguro que por eso mismo Wynton Marsalis le ha sacado el micrófono de contacto al bajo de Carlitos Henríquez, y así controlar mejor al baterista, que entonces no encuentra un cómplice. Claro que esto de los micrófonos apagados aplica mayormente a conciertos bajo techo. Yo también creía en este concepto hasta que en el anfiteatro de nuestro festival anual de Punta del Este, el trompetista Terrence Blanchard mandó a retirar todos los micrófonos, ¡incluyendo el del exquisito pianista Ed Simon! Todo se escuchaba clarísimo y con tremendo swing. Lo único que debió pasar fue callar y escuchar con atención, que para eso se inventó la música en un principio, ¿es o no es?

*

Navegante del viento, Francisco de Jesús Rivera Figueras (La Habana, Cuba, 1948) es un apasionado de la elegancia, tanto en la improvisación como en la partitura de concierto. Clarinetista y saxofonista (alto, tenor y soprano), Paquito D’Rivera, como le conocemos todos, ha tenido como objetivo hacer que el jazz se convierta en una nueva parte de la música clásica. Ustedes pueden ahondar más en el artículo de portada que Music:Life le dedicó en Junio de 2013, nuestro número 96.

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Por Rafael Uriega Facebook: Rafa Uriega

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[ Academia ]

INSTITUTO ARTENE, semillero de talento infantil

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ontar con una adecuada e integral educación artística sin duda es un pilar en el desarrollo del individuo y la conformación de una mejor sociedad, y qué mejor si desde la infancia se inicia el aprendizaje y gusto por la música. Ante ello el Instituto Artene, ubicado al sur de la Ciudad de México, y con 40 años de experiencia, destaca por ser un semillero y centro de iniciación musical infantil. Fue fundado por el reconocido maestro, investigador y músico César Tort, quien al darse cuenta de la falta de una estructura adecuada en el sistema de enseñanza musical infantil en las escuelas públicas y privadas desarrolló el método Tort. Metodo Tort El método Tort se aplica en el Instituto Artene y se basa en la premisa de que la música es parte fundamental en el desarrollo de los niños. A través de cantos y ejercicios de lectura rítmica, dicción, coros de voces, percusiones entre otros más los niños van aprendiendo y conociendo la música. El método Tort está dirigido a bebés que van desde los tres meses hasta niños de doce años. El programa educativo consiste en la difusión y aprendizaje de tradiciones mexicanas como son la lirica infantil y el folclor nacional. Desde su primer día de clases los niños crean música mediante el canto o con el ensamble de percusiones. Asimismo, aprenden a tocar instrumentos de origen precolombino, como el huéhuetl y el teponaxtle o bien xilófonos y metalófonos, arpas diatónicas y timbales, entre otros más. El programa educativo en el Instituto Artene abarca los siguientes niveles: • Estimulación musical temprana: En esta etapa se encuentran los bebés de tres meses a un año. Aquí comienzan a experimentar la música realizando, con alguno de sus padres y la maestra, juegos musicales a través de los cuales se van percatando de su entorno. Se emplean instrumentos musicales, objetos que los rodean, partes de su cuerpo como sus pies o manos. Aquí se inicia el desarrollo potencial auditivo del niño, y a través de la música, el de su comunicación social. • Maternal: Está dirigida para los niños de

dos años. En esta área el alumno se inicia en el canto, intercalando en sus juegos musicales actividades en las cuales el niño acompaña sus cantos con un grupo de pequeños instrumentos de percusión. Esta doble actividad, cantar y tocar simultáneamente, prepara a los niños para introducirse en una educación musical más amplia y elaborada. • Motivación musical: En esta etapa se ubican los niños de tres a cinco años y comprende tres niveles, los cuales corresponden al del jardín de niños en donde las actividades se dividen en: a) Juegos abiertos: Los niños continúan con sus actividades a través de virtuales juegos musicales en los que el cuento, la pantomima y elementos teatrales se combinan con la música. b) Juegos cerrados: La actividad de los niños va dando forma a un conjunto coral y a un conjunto instrumental, lo cual introduce al pequeño a un mundo de experiencias músicales más profundas e interesantes. • Educación por nota: Dirigida a niños de seis a doce años, abarca lo correspondiente al nivel primaria y se divide en seis grados según la edad del menor. A través de la lectura musical que paulatinamente va dominando, el niño se introduce en un mundo musical más amplio y exigente. Mediante géneros musicales (suits, cantos a varias voces, piezas instrumentadas, piezas con notación musical moderna) el niño llega a valorar con mejor perspectiva la naturaleza del arte musical. El ritmo, los matices, los timbres, la combinación frecuente entre la voz humana y los instrumentos, la notación musical moderna, conforman elementos y recursos musicales que se traducen en experiencias donde la sensibilidad de niño juega un papel esencial. El complemento del método A la par del programa educativo, el Instituto Artene ofrece cursos de instrumentos individuales como: violín, violonchelo, arpa

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Fotografías Cortesía: Instituto Artene

[ Academia ]

(diatónica y cromática), flauta (dulce), guitarra, piano, oboe, canto (individual), coro, composición, saxofón entre otros más. Otro aspecto que destaca en el Instituto es que no se realiza ningún proceso de selección, todo niño es admitido y las inscripciones se realizan todo el año, no obstante, se recomienda que el niño inicie su curso entre los meses de agosto y marzo ya que al finalizar el ciclo escolar los alumnos realizan una serie de conciertos y presentaciones, en los cuales dan a conocer su talento y lo aprendido en la escuela. Las presentaciones de los alumnos del Instituto Artene no sólo son al interior de la República Mexicana sino que también lo han hecho en países como Argentina, Brasil, Nueva Zelanda, Inglaterra, Canadá, Ecuador y España. En lo que respecta a la plantilla docente, los maestros que imparten clases cuentan con estudios profesionales en música, asimismo, reciben capacitaciones y actualizaciones en lo que respecta a pedagogía musical. Además, el Instituto también imparte cursos de capacitación magisterial, los cuales comprenden los siguientes niveles: • Curso elemental: Está dirigido a maestros de estimulación temprana y maternal. • Curso medio: Está dirigido a maestros de Jardín de Niños. • Curso avanzado: Dirigido a maestros de nivel primaria. “En Artene no hacemos músicos profesionales, pero si aportamos nuestro granito de arena para hacer de este niño un mejor adulto, que viva en una mejor y más humana sociedad. Él o ella decidirán si se dedicarán o no a la música, nosotros les damos las bases”, expresó Genoveva Tort, directora académica del Instituto Artene.

César Torto

En Europa y en Asia se han hecho diversos estudios en los que se muestra que la música favorece el desarrollo de las facultades humanas como la sensibilidad, el amor, la inteligencia, la imaginación y la capacidad de crear, así como de comunicarse. Al estar en contacto con la música desde etapas muy tempranas el niño desarrolla su intelecto, su sentido auditivo, sus capacidades sensoriales, motrices, de lenguaje y de socialización, incrementa su autoestima y potencia su cerebro de tal forma que lo lleva a ser más lógico, analítico y creativo cuando sea adulto. Sin duda, y si tomamos en cuenta la realidad que se vive en nuestro país no hay más razones no para sembrar e incentivar a los niños a tomar clases de música y contribuir con ello a su formación humana y artística. 51


Por Mario Santos @mariosantosmex

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[ Más allá del pentagrama ]

LOS ELEMENTOS BÁSICOS DE LA MÚSICA E

l cosmos es el resultado de la integración de millones de elementos, factores y circunstancias. No podemos entender nuestra vida sin comprender la relación de la causa y el efecto. Así, los principios de muchas doctrinas espirituales nos enseñan, que ningún árbol aparece de un momento a otro en un jardín, sino que todo lo que vemos y percibimos es resultado de un proceso, de una combinación de factores y causas que al integrarse y ocurrir, producen un efecto o resultado. Esta podría decirse que es la mecánica del universo y en este sentido, tomo la idea de Daniel Barenboim cuando explica que la música, es el resultado de la integración ordenada de distintos elementos. Debemos comprender que la música es un conjunto de piezas que forman un rompecabezas. ¿Qué piezas son? ¿Cómo se organizan y qué función tienen? Sería complicado explicarlo todo en un artículo tan breve como éste, pero sí es posible entender de manera general, algunos conceptos que pueden ayudar a entender la función de ciertos elementos musicales. La melodía Comenzaré por acercarme a la melodía, que es por mucho, un elemento esencial de la música. La melodía es el tema musical, es la idea que conforma la identidad de éste, es el personaje definido, donde se centra parte del argumento musical, lo que el público recuerda de un tema. No conozco a nadie que, cuando le preguntas: “Recuerdas la canción “Yesterday” de The Beatles?, responda: “Sí, claro: Fa mayor, Mi menor 7 con la quinta disminuida, La 7a dominante, Re menor… Normalmente esto, que es la armonía o acordes con los que se acompaña la melodía en cuestión, es lo que recuerda un músico, aparte de la melodía. Si conoce la canción, recordará sin duda la melodía porque ésta es lo que hace identificable a una composición musical. El gran compositor Tchaikovsky consciente de su capacidad natural para componer melodías, escribió pasajes donde estos bellos temas son tocados por toda la orquesta de cuerdas: violines primeros y segundos al unísono en un rango agudo,

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violas una octava abajo y violonchelos una octava debajo de las violas: tres octavas, y a veces incluso cuatro octavas de rango para sonar una melodía. Esta manía incluso fue seguida por otros grandes melodistas como Rachmaninoff, Glinka, Rimsky-Korsakov y se convirtió en una técnica característica el post-romanticismo ruso y heredada por el cine de Hollywood. Para que un arreglo suene bien, es importante considerar el aspecto melódico. Es común encontrar a músicos escribiendo un arreglo pensando exclusivamente la verticalidad, esto es, buscando el interés de su arreglo en la armonías exclusivamente, olvidándose por completo del desarrollo lineal u horizontal en lo que cada instrumento de su arreglo toca. En este punto, Johann Sebastian Bach es nuestro maestro universal; Bach concebía sus composiciones en ambos sentidos; horizontalmente, con lo cual dotaba magistralmente a su música de maravillosas cualidades melódicas; y verticalmente, proporcionando un contenido armónico a su música que superó las expectativas y costumbres musicales de su época. En términos de arreglo, hay que dar importancia a la lineal horizontal; nos preocupamos demasiado en cómo suena verticalmente el acorde, aspecto que por supuesto no debe descuidarse pues también es importante. Dice Bill Dobbins que si las líneas individuales suenan bien el conjunto sonará bien. La armonía Un día, hace muchos años, entré a Mixup de Plaza Loreto al cubículo de música clásica a comprar algo de Györgi Ligeti, compositor del que había escuchado muy poco pero que me había parecido interesante. El señor que atendía, como un profeta o adivino, un amable y conservador hombre mayor me preguntó si era músico y le respondo que sí. Inmediatamente, inquirió: “¿Y por qué compra usted esta música que en realidad es solo un ruido “organizado? Estos compositores del ruido serán olvidados en menos de cien años, se lo aseguro ¡La música sin melodía no trasciende!”, dijo. Por supuesto, no estuve de


[ Más allá del pentagrama ]

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acuerdo con mi amigo conservador, porque admito que existe la música sin melodía, en la cual otros aspectos musicales la hacen interesante como en el caso de Ligeti y muchos otros compositores experimentales, cuya música admiro profundamente. La armonía es la parte que se estudia durante cuatro semestres en la escuelas y a veces incluso más. Forma parte del cuerpo más importante del conocimiento musical. Para mi, el nivel atómico de la armonía está constituido por la relación sonora más básica entre dos sonidos distintos que es el intervalo. Aquí a este nivel “celular” se definen los dos estados más esenciales de toda armonía: la disonancia y la consonancia, unidades que dan lugar a los fenómenos de tensión y resolución auditivas, fundamentos primordiales para el desarrollo de la armonía. La armonía conlleva, por lo misma, una buena parte del contenido psicológico de la música y es un recurso fundamental, desde el punto de vista de la composición musical, en la transmisión de emociones. Con esta construcción básica de los intervalos consonantes y disonantes, se construyen los acordes y a través de enlazar varios de estos, se produce una progresión armónica, con la cual se sustenta o acompaña a una melodía. La armonía es compleja porque se estudia en ella el mayor cuerpo de conocimientos con respecto a la teoría musical, el sistema temperado de afinación que usamos en occidente, el concepto de tonalidad, la construcción de los intervalos, la formación de escalas, la construcción de acordes y su función, la forma correcta de enlazarlos y muchos aspectos más. Para un músico es fundamental estudiar armonía porque en ella se constituye el 80 por ciento de sus conocimientos y herramientas para desarrollarse como ejecutante o como compositor. A pesar de ser el elemento más intelectual de la música, la armonía puede también desarrollarse y conocerse de manera natural e intuitiva, en un nivel básico. Este fenómeno es fácil comprobarlo en la música popular, donde muchos músicos a través de la experiencia, se aprenden progresiones armónicas comunes en varios temas o canciones y de esta manera, son capaces de intuir o predecir los acordes de una canción que no conocen, e incluso improvisar sobre ellos a través del oído. El ritmo Finalmente, este es el aspecto que brinda a la música la sensación de movimiento, que nos permite escuchar y concebir impulsos, acentos y demás elementos que relacionan a la música con el transcurso natural del tiempo. El ritmo, además, tiene una íntima relación con la danza pues se conforma como una experiencia orgánica que sentimos en el cuerpo, que nos impulsa que nos invita al movimiento. Para armar el concepto del ritmo, los músicos concebimos primeramente una división arbitraria pero regular del tiempo llamada pulso o –beat–. Con este pulso, podemos organizar y medir el tiempo en fracciones de tiempo iguales que organizamos a través de los compases. Muchos de los ritmos asociados a los distintos estilos musicales están relacionados con la subdivisión básica del pulso. Así, el pop, muchos estilos del rock se basan en una subdivisión binaria del pulso, mientras que el Blues en una división ternaria. Veamos el siguiente cuadro donde se reflejan ciertas tendencias de ciertos estilos con respecto al pulso.

Además del pulso, el otro factor rítmico que determina de manera importante la sensación que nos produce la música, es la velocidad o –tempo– que normalmente medimos a través de un metrónomo y se mide en unidades llamadas BPM (del inglés: beats per minute). Igualmente los estilos de la música pueden dividirse de acuerdo a la velocidad del pulso: Estilos en la Música Electrónica

Tempo (BPM)

Indicación tradicional

Down Tempo

65-95

• Largo, Larghetto • Adagio • Lento

Hip Hop

85-100

• Andante • Andantino

House

100-130

• Moderato • Allegretto • Allegretto moderato

Breaks

125-135

• Allegro

Trance

135-150

• Allegro • Vivace

Drum & Bass

150-170

• Presto

El ritmo produce una sensación agradable llamada –groove– que nos hace sentir que la música nos mueve, nos produce una cierta catarsis que nos permite vivir una experiencia emotiva y física al escuchar música. Una pregunta interesante que siempre nos queda en el aire es: si el ritmo es tan importante en la música y se relaciona tanto con la danza, ¿por qué muchos músicos no saben bailar o no les agrada esta actividad? Yo, aún no lo sé. Estos son los tres elementos más básicos de la música que, al relacionarse a través de un orden específico que un compositor, músico o banda determinan, producen la música que tanto disfrutamos. Igor Stravinsky comentó alguna vez en una de sus pláticas ofrecidas en Harvard -reunidas en un maravilloso libro llamado Poética Musical-: “Deduzco pues, que los elementos sonoros no constituyen la música sino al organizarse, y que esta organización presupone una acción consciente del hombre”.

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Por Anwar Sánchez @bitorquesta

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[ Del Bit a la Orquesta ]

¿Qué es la música chiptune? A diferencia del circuit bending, en el género musical denominado chiptune pocas veces se modifica el hardware de los aparatos en los que se genera esta “nueva” música; el enfoque está en explotar a través del software el “chip sonoro” de una consola, como puede ser una que muchos de nosotros conocimos, el Game Boy de 1989, la cual es hoy una herramienta indispensable para la creación de este neo género musical. El Game Boy ahora podrá parecernos una máquina portátil de videojuegos vieja y rústica, pero crear música en ella -y en las consolas contemporáneas-, no era una tarea fácil pues se debía explotar la limitada tecnología sonora en éstas, identificada como la era de los 8bit: cuatro canales de audio, tres dedicados para sonidos monofónicos y uno para efectos, en 4KB de espacio. Los compositores pioneros de música para videojuegos se las tenían que ingeniar para crear las piezas en código máquina, que con el paso del tiempo se regrababan pero ya con grandes orquestas sinfónicas para las nuevas plataformas. Despúes de 1998 esta ingeniosa práctica quedó obsoleta, mas en varios lugares del mundo se le explotó más allá de su uso original y fue a finales de los años noventa que empezaron a surgir los primeros colectivos independientes de este género, quienes de cierta forma reciclaban estas antigüedades para crear nuevos estilos musicales basados en los videojuegos que seguramente tanto ellos como nosotros jugamos de niños. Pioneros Podríamos hablar de la agrupación 8bit peoples, colectivo originario de Nueva York que, gracias al internet compartían información de los primeros prototipos del LSDJ, un software actualmente muy utilizado por los chiptuners, nombrado así porque permitía manipular el procesador sonoro del Game Boy para que, como si fuese un secuenciador musical, se pudieran crear nuevos tonos al manejar el control de onda (Wave) y el ADSR del procesador (acrónimo en inglés para: Attack, Decay, Sustain y Release, los atributos del generador envolvente de tonos digitales) con los que se crean una infinidad de sonidos y así componer obras de arte musicales. Posteriormente, en Japón, el compositor HALLY fundó VORC, una página de internet que al igual que 8Bit peoples, ahora difunden el trabajo de artistas del chiptune. Ahora bien, es importante recalcar que el chiptune, a pesar de estar inmerso en la música electrónica, requiere de ciertas particularidades para diferenciarse, la más importante es que esta música siempre debe concebirse con una consola o juguete de 54

JUGAR A HACER

MÚSICA ELECTRÓNICA S

i se es asiduo visitante a museos contemporáneos, seguramente en más de una ocasión habrán escuchado el término “Arte Objeto”, el cual -en una descripción muy general-, consiste en cambiar la función básica de un objeto, transformándolo ya sea parcial o totalmente. Especialmente en la electrónica es muy usual esta aplicación artística a diversos aparatos y las consolas de videojuegos no han sido una excepción, tomándoles particularmente para la creación de música, lo que dio origen a varios términos -que poco a poco ganan reconocimiento-, por ejemplo el circuit bending o el que abordaremos en esta ocasión, el chiptune.


[ Del Bit a la Orquesta ] videojuegos que de una manera armónica cree sonidos y -mejor aún- melodías, evitando usar nuevos instrumentos musicales para armar la melodía. Todo el trabajo cae en una o varias consolas y secuenciadores análogos, así la música emerge con ayuda del ingenio humano para secuenciar incluso en tiempo real. Referentes actuales de esto los podemos encontrar en descargas gratuitas (siendo esto otra característica del género, aunque no una regla) del trabajo de artistas como Nullsleep (famoso por sus covers a Depeche Mode en formato 8bit) y Trash 80, quien sutilmente mezcla ambientes de sintetizadores análogos con la música del Game Boy. En México Por estas latitudes, para admirar este género musical podemos acudir al trabajo del que se podría considerar el colectivo más grande de Latinoamérica para el género chiptune, el Colectivo Chipotle (del cual este su servidor es miembro). Con nombre totalmente regional se han dedicado desde finales de la primer década del 2000 a conformarse y difundir a los artistas mexicanos de todo el país, compartiendo su música gratuitamente desde colectivochipotle.org, además de ser partícipes de diversos eventos altruistas y de tecnologías retro informáticas, así como eventos de vanguardia como el Electronic Game Show y foros de desarrollo de nuevas tecnologías donde presentan este género musical como una nueva propuesta de difusión artística para quienes se expresan vía la música electrónica.

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Recientemente, el Colectivo Chipotle realiza la segunda edición del evento conocido como Format DF, que se está convirtiendo en el festival más importante de habla hispana para el género chiptune, donde se dan cita artistas de diversas partes de la republica así como sus seguidores. Durante dos días comparten sus propuestas y conocimientos en talleres y conferencias para crear música. Sin duda el éxito del fenómeno chiptune a nivel mundial está relacionado con el valor nostálgico que artistas y seguidores profesan por las consolas de videojuegos con las que crecieron –como el Game Boy- pero persiste la inquietud sobre su aplicación y alcance en la música, ya que pocos géneros se adaptan a casi cualquier situación y son aprovechados hoy para crear las bandas sonoras de películas como Scott Pilgrim (Estados Unidos, 2004), la de videojuegos como vvvvvv – 2010, o bien música folclórica mexicana en 8bit como la del disco ChipFolk (Colectivo Chipotle, 2013).

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