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II ENCUENTRO DE MUJERES ARTISTAS VISUALES EXHIBICIÓN VIRTUAL 8 DE MARZO 2021


ORGANIZAN

COLABORAN


FOTOGRAFÍAS DEL PRIMER ENCUENTRO DE MUJERES ARTISTAS VISUALES, MARZO 2020


II ENCUENTRO DE MUJERES ARTISTAS VISUALES 2021 El propósito de gestar estos encuentros artísticos visuales, se materializa por primera vez en marzo del 2020, en el marco del Día Internacional de la Mujer. Así, guiados por un ideal paritario, ECOASOCIARTE propone este proyecto, con el fin de generar espacios e instancias para la visibilización del arte femenino, finalidad que se cimienta en la visión de nuestra organización, que establece el fomento y equidad de las artes y la cultura para todas y todos. Con este objetivo, para el primer encuentro, invitamos a todas las mujeres artistas chilenas a participar en la exposición: Mujeres Pintando Mujeres. Este año, junto a MUA INTERNACIONAL, agrupación que nace bajo el alero de ECOASOCIARTE, y con el ideario de la primera experiencia, se eclosiona esta iniciativa que busca ampliar el llamado a muchas otras mujeres artistas de otros países, que claman un segundo encuentro a nivel internacional. Y así lo hicimos. Sí en marzo del año pasado, ya nos sorprendimos con el gran interés que generó esta convocatoria sólo en nuestro país, Chile. Este año, estamos emocionadas por la alta respuesta que hemos tenido, por tanta sororidad, por tanto talento, por tanta calidad, por tanta pasión, de tantas mujeres artistas que investigan, que expresan y que crean con esencia viscérica, mística y emotiva. Agradecemos, el interés de todas las mujeres que nos enviaron sus obras y su postulación a este II Encuentro 2021. También, infinitamente agradecidas por la colaboración de Fundación Sucrea en Colombia, galería RiverArt en México y al Ministerio de la Mujer y Equidad de Género en nuestro país. En este II ENCUENTRO DE MUJERES ARTISTAS VISUALES 2021, participan 44 artistas de Chile, México, Colombia, Argentina, Francia, El Salvador, Suiza, España, Israel y Puerto Rico. Las/os invitamos a recorrer esta exposición virtual: “CUERPO Y RESILIENCIA”. Recorra digitalmente cada obra, mire, observe, perciba, sienta…. Y si se anima lea cada reseña curatorial que dice de la motivación y/o pasión que inspira a cada artista en su obra.

PAZ SEPÚLVEDA
 Fundadora 
 Ecoasociarte Ong
 Mua Internacional


Este año, el tema de creación es: “CUERPO Y RESILIENCIA” que nos invita a una introspección después de un 2020, que duele, que nos expone, que nos limita, que nos separa.


“Cuerpo y Resiliencia” No es posible pensar en la vida sin la compañía del dolor, ya sea en su aspecto fisiológico o en otro tipo de sufrimiento o carencia que nos lleve a una introspección. Enfrentarnos a nuestra historia personal es abrirse a una memoria emotiva conformada por una multiplicidad de estados. La ausencia, el quiebre, la expectativa no cumplida, el abandono, la pérdida, las distancias, la violencia (activa o pasiva), la segregación y el prejuicio parecen ir dibujando una herida inevitable que, como el bajo continuo de la música barroca, marcan una melodía en la que bailamos de modo consciente o no. “Parirás a tus hijos con dolor” fue la sentencia patriarcal que dictamina que nacer mujer es más difícil que nacer hombre. No sólo nuestros cuerpos son vulnerados con mayor facilidad, también nuestra dignidad que se enfrenta ante una mirada todavía no horizontal. El cuerpo, entonces, se expone, pero no de forma aislada, lo que da origen a otro cuerpo, un cuerpo amplio formado por muchas heridas, mutilaciones y dolores que comparte recetas ancestrales para sanar con hierbas algún malestar, que canta en coros reunidos ante el fuego tribal o con todo tipo de candelas en la mano. Y surge una voz. Una voz que es a la vez una herida abierta, pero como una muñeca rusa, contiene en su interior a todas esas voces que nos precedieron y a las que nos acompañan. Una voz que integra, que suma, que se hace parte, que se involucra. Una voz que es reflejo y espejo de un paisaje que muta. Esta semilla, fruto del dolor propio o ajeno, pero siempre visto desde adentro, encuentra en el arte una empatía que dignifica y recompone, que sensibiliza y se convierte en portavoz de quienes no tienen la fuerza para hablar. Y, ante el desplazamiento de la representación, el espectador puede soportar el trauma que ve y quizá, de este modo, podamos entendernos un poco mejor.


EXPOSITORAS

ALEJANDRA LOPEZ RIFFO
 ALEJANDRA MONTELONGO DE LA TORRE
 ANA GRACE JIMÉNEZ
 ANDREA MATTE
 ARACELLI MONSERRAT
 BÁRBARA ZAVALETA
 BERTA IBÁÑEZ
 CARMEN ALTAMIRANO
 CAROLINA KARPATI
 CECILIA BURGOS GUERRERO
 CECILIA FASSLER DÍAZ
 CELINA FERNÁNDEZ
 CLAUDIA ORTEGA
 COLECTIVA TETA
 CONSTANZA NÚÑEZ
 DIANA CAREAGA
 DOMINIQUE HOUZE
 LILIA CARRIEDO
 GINA GONZALEZ
 KARLA IBARRA
 LAURA BOMBEN
 LAURA RIVERA


LIDA PONCE
 LORETO PINO
 MACARENA FARRAN
 MANÉ VIDELA
 MARÍA CRISTINA NORIEGA
 MARÍA FERNANDA SCHULZ
 MARÍA ISABEL DUQUE
 MARÍA ISABEL NARANJO
 MÓNICA CECILIA VEGA
 PATRICIA KOZLOWSKI
 PAZ SEPÚLVEDA
 SANDRA BENÍTEZ MUÑOZ
 SARAH VÁSQUEZ
 SOLANGE GERMAIN
 SOLEDAD MECHÓ
 SUZZETTE OJEDA
 TESSY DE THERESA
 TIARMA SIRAIT
 VANESSA MAC-AULIFFE
 VIVIANA MIRANDA LAGOS
 YADIRA HERNANDEZ
 YAMI GALAZ


ALEJANDRA LOPEZ RIFFO

PRIMER PREMIO DEL JURADO

Nombre: Alejandra Ivonne López Riffo
 Origen: Santiago, Chile
 Instagram: @Pezriffo
 Facebook: Alejandra López Riffo Artista Visual

Reseña curatorial: La obra que presento en esta oportunidad, surge durante el 2020 luego de dos meses de declarada la pandemia. La libertad que debemos permanentemente conquistar las mujeres, y las circunstancia físicas, me llevaron a preguntarme sobre “el destino” y como esta ha sido interpretado desde tiempos remotos. 
 En la mitología Romana, Las Parcas son precisamente 3 mujeres hermanas, que controlan el hilo de vida de cada ser humano. Estas hermanas hilanderas personifican el nacimiento, la vida y la muerte.
 Durante este periodo pandemico el “cuerpo” adquirió aún más relevancia en mi trabajo artístico. El cuerpo femenino ha conquistado algunas libertades pero aún nos queda mucho por hacer, ese destino que podemos “tejer” nosotras mismas, se gesta en esta figura trinidad, que es a la vez nacimiento, vida y muerte. 
 Cuando esta conquista sea posible como construcción en cada mujer, seremos realmente libres.


“Hilandera”
 Lápices de color sobre papel.
 50x50 cm.


ALEJANDRA MONTELONGO DE LA TORRE

Nombre: Alejandra Montelongo de la Torre
 Origen: San Luis Potosí, S. L. P., México.
 Instagram: @alita2p y @ gatosgordos.3
 Facebook: alejandra.montelongo.12177 y tresgatosgordos
 Paginas web: https://3gatosgordos.wixsite.com/ale2p y https://3gatosgordos.wixsite.com/alejandramontelongo

Reseña curatorial: La pintura se describe como la sobrevivencia y huida de mujeres hechas columna que caminan en sus cuerpos cansados y mutilados por la violencia representada en la destrucción de espacios patrimoniales. Los colores apagados nos adentran en una atmósfera desolada a la vez que de lucha. La obra hace una visión metafórica de la guerra y la invasión muchas veces oculta y el éxodo y el sufrimiento que conllevan. La perdida cultural, natural y sobre todo de vidas humanas representadas simbólicamente en los cuerpos de mujeres que simulan columnas, contrasta la persistencia por la vida representada en su larga marcha. Con esto trato de representar la situación de muchas mujeres, que como en México durante décadas, han tenido que sortear la violencia y las guerra abiertas o no. Así el éxodo de las columnas encarna la sobrevivencia y adaptabilidad de las mujeres que sufren en estos terrenos adversos, a la vez que la mirada fuerte y cruda de la figura impacte al espectador en el discurso.


"El éxodo de las columnas"
 Óleo sobre bastidor.
 80 x 100 cm


ANA GRACE JIMÉNEZ

Nombre: Ana Grace Jiménez Murcia
 Origen: Cundinamarca (Zipaquirá), Colombia
 Instagram: @anagracejimenez

Reseña curatorial: Foto esculturas-memorias de mujer, es una antología de obras hechas en arcilla que encarnan un imaginario de distintas feminidades, las cuáles mediante su esfuerzo, coraje y un sinfín de emociones recrean el valor de la resistencia y la capacidad dadora, forjadas con las fuerzas de su naturaleza resistente, pero a la vez permeable, donde dieron un ejemplo de vida a quienes estaban a su alrededor. Es así que mediante su sacrificio y vida se convirtieron en recuerdos vivos, que evocan vivencias, experiencias, saberes, los cuales se reinterpretan con el pasar del tiempo, pero cuya esencia permanece a través de una intrincada cronología de la existencia, la cual no solo acompaña a quienes amaron, sino también a todos aquellos que las observen, encontrando en su ejemplo una forma de sobrellevar los devenires de su vida e incertidumbres del destino.


"Foto esculturas, memorias de mujer"
 Escultura cerámica
 50cms de ancho x 20cms.


ANDREA MATTE

Nombre: Andrea Matte
 Origen: Osorno, Chile. (Residencia en Lisboa, Portugal)
 Instagram: @andreamatteart 
 Facebook: Andrea Matte
 Página Web: www.andreamatte.com

Reseña curatorial:
 La obra “Strong Heart” surgió como deseo de expresar la fortaleza que el corazón- o el alma- desarrolla a partir de las experiencias vividas. Este corazón puede ser reflejo de un sentir personal o colectivo, reflexivo de sucesos individuales o de un con-vivir grupal como una sociedad particular. En este trabajo mi intención fue contemplar los tres tiempos - pasado, presente y futuro - de la evolución de esta temática y mostrar cómo en cada uno de ellos existe un proceso de transformación, los cuáles unidos de manera continua van generando un corazón que de forma lenta y consciente se torna fuerte. Las circunstancias lo van creando, sean estas alegres o dolorosas, sin embargo comúnmente las menos felices o críticas son las que aportan en mayor grado a la germinación de la fortaleza. Es a partir de la vivencia que el corazón crece y madura, no es la teoría, es el caminar en el ciclo de la vida, en ese espiral que avanza considerando lo recorrido. Desde ahí no sólo se hace fuerte, sino también desarrolla una comprensión mayor de la naturaleza de las cosas. Tan simple como decir que “de las experiencias se aprende” y son ellas que entregan ese crecimiento, quitando dudas, curando dolores e iluminando el trayecto. Todo esto surge, tal vez, de manera automática, se reconstruye un alma más preparada que logra fluir de manera diligente y apacible con el propósito de la vida, que no es más que vivir las circunstancias que se nos presentan, sin impulsos precipitados, sino acciones seguras basadas en un examen meticuloso de los sucesos y de su contexto. No premeditado sino solamente consciente. Hay una serie de símbolos en esta obra que portan significados en línea con esta lectura. Hay adhesivos como parches, hay tonos dorados como luz, hay adhesivos cuadrados como estampillas o mensajes, hay luz blanca como pureza y luz roja como rabia y energía. En definitiva movimientos del corazón, sensaciones y sentimientos de diversa índole, que pretenden transmitir que el corazón siente y crece, que puede ser fuerte, porque en un contexto de oscuridad brilla, sigue latiendo en sus dos polos, y desde su centro emana una nueva fuerza para continuar el ciclo, un nuevo movimiento con atisbos de esperanza. Como ha sido el andar y el alma de nuestras culturas ancestrales en conexión con el sol y con la luna, con la luz y con la oscuridad, renaciendo ante un nuevo día.


“Strong Heart”
 Cintas adhesivas, acrílico y lápiz tinta sobre papel.
 63 x 62 cm.


ARACELLI MONSERRAT

Nombre: Aracelli Monserrat
 Origen: Viña del Mar, Chile
 Instagram: @Auraticaa
 Facebook: Aurática

Reseña Curatorial: 
 Las flores nunca han dejado de aparecer en primavera, ni aún después del invierno, que en ocasiones puede ser crudo y despiadado hasta con el más pequeño de los seres. Lo mismo puede ocurrir con nosotras, por más difícil que se torne esta vida siempre está la posibilidad de empezar de nuevo, sanar y crecer. “Bloom” (Florecer/Resplandecer en inglés) representa esta idea pues esta ilustración fue hecha durante un proceso de sanación posterior al contexto de una relación abusiva. Las flores en este sentido guardan un doble simbolismo, por un lado, muchas de ellas en sí mismas se consideran medicinales y a su vez, representan fortaleza al crecer firmes y majestuosas a pesar de la adversidad. El sol de la ilustración implica resguardo y cobijo, donde hay luz hay vida, por lo que toda flor necesita luz para desarrollarse. Alejémonos de aquello que nos hace mal, nosotras también podemos brillar y florecer, merecemos lo que soñamos…


“Bloom”
 Lápices acuarelables y aplicaciones de pan de oro sobre papel prisma de 220 gr
 35x50 cm


BÁRBARA ZAVALETA

MENCIÓN HONROSA

Nombre: Barbara Zavaleta
 Origen: El Salvador
 Instagram: @zavaleta_barbara
 Facebook: Barbara Zavaleta

Reseña curatorial:
 Sentimientos, pasiones, emociones, la vida misma... Intimo, un autorretrato que hace un acercamiento semi abstracto a la identidad de mi ser, como mujer joven, a flor de piel, redescubriendo la realidad del mundo moderno, mostrando el desnudo como revelación. Es necesario apartarnos de todo, despojarnos de lo que traemos encima, para encontrarnos a nosotros mismos. La desnudez, como símbolo de unión y reconocimiento personal, para sanar los vínculos quebrantados por la humanidad. En estado de sinceridad, sin simulaciones ni falsedades. Que se aleja del erotismo y el morbo, más bien con una actitud de calma y descanso. Sin embargo, elementos como la cabeza, y extremidades superiores esfumándose en su atmosfera, como alusión a los miedos, traumas que me vuelven indefensa, en desprotección a lo desconocido. Mi intención es mostrar desde mi perspectiva personal una identidad en común con la mujer moderna, sensibilizarme e identificarme con ellas, en los problemas, los miedos, desafíos; la belleza, el amor, el sentimiento.


“Íntimo”
 Oleo sobre lienzo
 90 x70 cms


BERTA IBAÑEZ

Nombre: Berta Ibañez
 Origen: Foix, Francia
 Instagram: @berta_ibanez y @cyano_types

Reseña curatorial: 
 En enero de 2019 me diagnosticaron cáncer de mama, a pesar de que, según las estadísticas, yo no estaba en los grupos de riesgo. De golpe me di cuenta de que mi cuerpo y yo éramos extraños el uno para el otro. Este cuerpo que siempre me ha llevado y que iba a soportar el martirio de las cirugías y de tratamientos pesados. Además, no sería cualquier parte de mi cuerpo: serían mis senos. Tienen el tamaño perfecto, me había dicho una vez un amante.
 Empezaba un camino en el que la muerte no estaba muy lejos, un proceso en el que tendría que sacrificar una parte de mí para seguir con vida. Y para seguir con vida también necesitaba seguir creando. Por primera vez me convertí en el tema de mi relato fotográfico. 
 Vi mi piel de otra manera: frontera frágil y tenue que me separa del mundo. Detrás de ella estaban mi cuerpo y su enfermedad invisible; visita inesperada.
 Pero, ¿qué enfermedad no sería inesperada?
 ¿Cuánto tiempo se quedaría? Lo suficiente como para permitirme saber lo fuerte que puedo ser.
 ¿Qué trazos visibles marcarían mi cuerpo?
 ¿Qué huellas invisibles se grabarían en mi alma?
 ¿Cómo hacer visible lo invisible?
 ¿Cómo decir lo indescriptible y cómo decirlo para no olvidarlo?
 Elegí el blanco y negro porque creo que me permiten captar lo esencial; es un lugar donde me siento bien. Sabemos que un cielo despejado es azul y la sangre es roja, pero en una foto monocromática esta información desaparece. En blanco y negro, detrás del cielo está el tiempo, detrás de la sangre el dolor, detrás de mi gato, hay silencio. Después de este período difícil ya no juzgo mi cuerpo; gracias a la fotografía me veo a mi misma con más benevolencia. Sé que no estoy reducida al imaginario normativo del cuerpo femenino. Encuentro hermosas mis cicatrices; quedan inscritas en mi piel, como una bitácora en la que también están inscritas las caricias y los amores que la han hecho vibrar, esta piel devastada, este, mi frágil borde.


“PIEL” (de la serie WAITING, BURNING, LIVING…)
 Fotografía
 75 x 100 cm


CARMEN ALTAMIRANO

Nombre: Carmen Darquítt Altamirano
 Origen: Santiago, Chile
 Instagram: @carmenalta

Reseña curatorial: La característica conceptual de esta obra se relaciona con la figura humana como sujeto principal, poniendo de manifiesto la relación íntima que establece la Artista con el personaje, para transfigurar sobre el lienzo, la esencia y sensibilidad del personaje. La Autora plasma la cruda realidad existencial de este personaje urbano errante, trizado, que vive y transita por la urbe. La naturaleza y la humanidad de esta mujer castigada por diversas circunstancias de la vida, no impiden apreciar con verdadera sensibilidad, la relación de ternura y amor con sus palomas, que forman un aura alrededor de ella, como si fueran una familia, esta escena se plasma con la fuerza propia del realismo formal, develando ante la sensibilidad del espectador, las carencias, abandono y soledad que son la premisa de esta mujer en una primera lectura.


“El Aura”
 Óleo sobre lona
 116 x 89 cm.


CAROLINA KARPATI

Nombre: Carolina Karpati
 Origen: Raanana, Israel
 Facebook: carolinakarpati.artist
 Página Web: www.carolinakarpati.com

Reseña curatorial:
 A través del arte trato de demostrar que la vida puede ser un camino de disfrute si somos capaces de apreciar la belleza que nos rodea. Mi arte es una expresión de mi propia realidad, así como la introspección del comportamiento humano y su interacción con la naturaleza. Siento que mi arte es único porque quiere transmitir la plenitud, la alegría, la alegría y el colorido que puede caracterizar la vida, en ocasiones incluso de forma humorística. Parte de mis últimas obras de arte están diseñadas digitalmente y realizadas a partir de fotografías de alta resolución de mis obras originales de la serie de vidrio fundido. Otros son de técnica mixta con collage de papeles pintados, adhesivos y pintura acrílica entre otros. Lo que más disfruto es experimentar con muchos tipos de materiales y técnicas para crear nuevas obras. Mis últimas exposiciones: Israel, Colombia, España, Brasil, República Checa, España, Polonia, Estados Unidos, Suiza, Bélgica, Italia. Con respecto a esta obra, mi inspiración se basó en la expresión del sufrimiento de muchas mujeres, cuando sus sueños se han visto atrapados por prejuicios, culturas machistas, desigualdad de género y muchas otras situaciones de abuso, provocando que en su mayoría, estén exentas de trabajos dignos y merecidos.


"La Vida que Quise"
 Mixta con Digital
 60x60 cm.


CECILIA BURGOS GUERRERO

Nombre: Cecilia Burgos Guerrero
 Origen: Veracruz, México
 Instagram: @ceciliaburgosg
 Facebook: Cecilia Burgos G Art

Reseña curatorial: 
 Partiendo del concepto de Feminidad como el conjunto de cualidades que se manifiestan en mayor medida en las mujeres en una cultura particular, el cual alude a los valores, características y comportamientos tanto aprendidos, como a características específicamente biológicas. El concepto de feminidad también se ha desarrollado como “ideal de feminidad” en el sentido de un patrón o modelo deseable de mujer. La mayoría de estos atributos son asociados al rol tradicional de la categoría mujer. Algunos ejemplos de esos atributos son la comprensión, la debilidad y vulnerabilidad, la muestra de afecto, la educación y los cuidados de la descendencia, etc. De manera que a lo largo de la historia y todavía en esta época, las mujeres han sufrido una gran presión social para responder delante de las demás con comportamientos asociados a esos atributos. Cánones de modelo de mujer ideal basado en el punto de vista del hombre, mismos que actualmente se encuentran en constante transformación, lucha y crecimiento generando nuevos paradigmas en nuestra sociedad. Sin embargo, la limitante en nuestra sociedad contemporánea es el hecho de su escasa preocupación por su proceso reflexivo individual, ya que vive rodeada de memoria almacenada, lo tiene todo al alcance de la mano mediante bibliotecas y museos, anticuarios y archivos, cintas de audio y de video, Internet, depósitos innumerables de palabras, sonidos y cuadros, que le restan la importancia real al proceso psíquico que se lleva a cabo en nuestro yo interno, no obstante, no podemos dejar de lado ciertas características especificas de dichas circunstancias bajo la influencia de la mente, recordando que es defectuosa, frágil, efímera e incluso ilusoria, de que todo lo que se guarda en su interior puede esfumarse, desaparecer sin dejar rastro...Dichas inquietudes son el origen del proceso de creación de mi obra, la cual se basa en una búsqueda de mayor conocimiento de los medios no habituales junto con el juego en el uso de los lenguajes para lograr una mayor significación en los que una pieza de carácter creativo puede expresar, la figura femenina a manera de ejemplo del uso de símbolos como lenguajes no verbales son parte recurrente en mis piezas.


“Deconstrucción de discursos”
 Acrílico sobre lienzo
 100 x 100 cm


CECILIA FASSLER

Nombre: Cecilia Shprintze Fassler Díaz.
 Origen: Santiago, Chile.
 Instagram: @pintoraceciliafassler

Reseña curatorial:
 ¿Cuánto ha marcado el tiempo a cada una, qué huellas ha dejado en nuestra alma y nuestro cuerpo? Cada arruga, cada rollito, cada cana habla de las buenas y malas vivencias que hemos tenido, de todo lo que hemos superado o dejado atrás en post, generalmente de los demás, de nuestros hijos, de nuestros padres. Un buen día uno pasa por un espejo y apenas se reconoce, algo de lo que fuimos aún está, atrás, lejos, guardado. Entonces uno decide rescatarse, volver a conocerse, perdonarse y quererse. No es fácil y este reto habla un poco de este camino, “Cuerpo y Resiliencia” por lo que decidí retratarme, flotando, respirando y aceptándome. Mi cuerpo en el agua, como en el principio, como en el vientre materno, con los ojos cerrados, porque la mirada no está hacia afuera, está hacia adentro y nada inmuta esta figura, ni siquiera lo agreste que la rodea, la vegetación descuidada o los límites del agua. La figura principal se encuentra cruzando la tela, de forma diagonal, con los brazos extendidos, relajados transmitiendo tranquilidad y calma y a pesar del movimiento del agua y lo gris del fondo, prima la quietud. El uso del color en tanto es vivaz, alegre y saturado, intenso como la protagonista, quien a sus 53 años y siendo cuidadora de su hijo autista decidió hace unos pocos años volver a considerarse y escucharse, encontrando espacio para abrazarse nuevamente y retomar la pintura, que estaba alejada dolorosamente del cotidiano y retomar su esencia.


“Calma en azul”
 Acrílico sobre tela y lápiz grafito.
 68 cm. x 100 cm.


CELINA FERNÁNDEZ

Nombre: Celina Fernández Cámara
 Origen: Mérida, Yucatán, México
 Instagram: @celinafernandez_arte
 Facebook: @CelinaFernandez.mx
 Sitio web: www.celinafernandez.net

Reseña Curatorial:
 La obra es el reflejo del tránsito interior, que va desdoblándose entre luz y sombra, son las vivencias las que emergen en la obra titulada “El Silencio I”, de Celina Fernández. Realiza una reflexión sobre la feminidad, el dolor, el cuerpo en el que vive la mujer y la voz que se ahoga en el silencio. Alza su voz en el silencio del quehacer pictórico. Los materiales son solo pretexto para salir a la búsqueda, su vitalidad emerge del interior. Es en la abstracción donde ella encuentra la libertad, para mostrar de manera gestual y colorística esas vivencias, su trabajo es orgánico, de trazo definido. Acota con líneas negras el espacio del lienzo, dotando de movimiento la superficie. Siempre pensando en la dualidad, lo obscuro, lo luminoso, la perfección, la imperfección, la bondad y la maldad. El lugar donde habita es cruzado por un túnel negro, la superficie blanca es matizada por un tenue gris, se observan algunas transparencias en sutiles aguadas. La luz es representada por el amarillo vibrante que remite a lo intangible del alma femenina.


“El Silencio I”
 Mixta sobre tela
 90x 100 cm.


CLAUDIA ORTEGA

Nombre: Claudia Ortega
 Origen: Arica, Chile
 Instagram: @clo.creacion
 Página Web: : www.claudiaortega.cl

Reseña curatorial:


Las mujeres sueñan con ser “esposas”, se usan para las manos y tener presa a una persona. Entrando a una prisión del patriarcado llena de dolores y lágrimas incluso llegando a la muerte por femicidio o como muertes sin culpables como la de Nicole Saavedra Lesbiana (esta su animita). Pero somos “Resilientes” como la Tía Pikachu símbolo del estallido social chileno.


“Resistencia y Resiliencia”
 Digital
 50 x 50 cms


COLECTIVA TETA

Nombre: Colectiva de Arte T.E.T.A.
 Origen: Buenos Aires, Argentina.
 Instagram: @somosteta
 Facebook: TETA

Reseña curatorial:
 El proyecto Señales de Humo fue realizado por la Colectiva de Arte T.E.T.A. en 2020, durante el confinamiento social provocado por la pandemia del COVID 19 en algunas ciudades latinoamericanas. Las señales de humo frente a la violencia ejercida contra las mujeres, les niñes y las diversidades sexuales, son señales de auxilio. Desde distintos lugares de Latinoamérica nos enviamos señales y nos convocamos para hacerle frente a las acciones que atentan contra nuestras vidas en todos los contextos, incluso acrecentadas durante el encierro en los hogares. El humo abraza a les que ya no están, a les que están soles, a les que no saben cómo pedir ayuda. El humo que transmuta la materia es inconmensurable. En esta fotografía somos humareda y nos encontramos en la distancia. Seguimos resistiendo.


“Señales de humo”
 Fotografía con intervención digital
 50 x 65 cm


CONSTANZA NÚÑEZ

Nombre: Constanza Núñez Peña
 Origen: Santiago, Chile
 Instagram: @constanza_foto_imaginario
 Página web: www.constanzanunez.cl

Reseña curatorial:
 En ocasiones todo se junta, muchas cosas pasan a la vez, dejándonos en el aire, sin suelo que pisar, sin quiénes creíamos estarían a nuestro lado dándonos la mano para esperar que baje la marea. El año 2020 no trajo solamente el miedo a la pandemia, vino acompañada del exilio de lo que llamé mi hogar, de la ciudad que recorría, de los trabajos que hacía, de las plazas donde llevaba a jugar a mi hija, del amor que me acompañó por más de la mitad de vida. Muchas punzadas, muchos afanes, muchas preocupaciones, muchos desvelos, muchas responsabilidades, muchos temores, tantos anhelos muertos y mi vida desencajada y dividida en planos que no calzan hicieron que me doliera el pecho y los latidos fatigados y desacompasados me llevaran a la consulta de un cardiólogo de provincia, que con tecnología antigua revela en un largo rollo, largo como el hilo de Ariadna, el dibujo de mis latidos. En un ejercicio de autorretrato tomo una imagen de mi pecho y la imprimo en papel carta corriente en una impresora casera. Un soporte trivial, tan desechable como un papel común (como el papel que había jugado en la vida de otro) y la tinta que se corre con el agua que lo impacta, lo superpongo a la misma imagen impresa en una transparencia, porque la repetición es importante y tan infractora como la reincidencia. El resultado connota esta fractura vibrante, esta identidad quebrada y ubicua entre el pasado y un presente-futuro que necesitan un amparo, una protección, un cinturón de seguridad que pese a ser de papel es auténtico. Y esa es la primera piedra de una edificación que no sé cómo ni dónde se emplazará, pero que se reconoce a sí misma como autónoma y certifica que “esto ha sido”, como Roland Barthes define a la fotografía.


“Estertor.”
 Fotografía, técnica mixta.
 50 x 72,71 cm.


DIANA CAREAGA

Nombre: Diana Arlette Careaga Gutiérrez
 Origen: México

Reseña curatorial:
 Cuando la persona que queremos decide irse sin nosotras hay que dejar ir aún si seguimos amando y el dolor es desgarrador, no queda más que avanzar y caminar solas. El cuadro inició como un intento de exorcismo de corazón roto a mí misma atravesando el adiós y la desilusión por un amor fallido a mitad del año pasado mientras todos transitábamos con incertidumbre el principio de una cuarentena sin final. Y mientras me contemplaba a mí misma sola en mi cueva cubriendo la herida y me desgarraba el alma en recuerdos y reflexiones, empiezo como proceso terapéutico a pintar lo rota que me sentía y a ya no ocultarlo más. Pensé que al dar por finalizado el cuadro habría una catarsis y estaría en paz con mis sentimientos pero no fue así, terminé con una sensación de vacío, la pintura me incomodaba y me resultaba grotesca; pasaron un par de meses y decidí corregir algunos detalles, consideré que era momento de liberar y soltar las ataduras de los recuerdos que aún me lastimaban; terminé la pintura y estaba un poco más satisfecha pero no del todo, aún sangraba, aún dolía. Es hasta un tercer momento a inicios del año presente que firmemente decido arreglar la obra, me miré a mí misma como otra, saliendo de la cueva como un animal salvaje con una cicatriz pero más fuerte; brotando y floreciendo, disfrutando de la libertad, resiliente, mirando atrás el tiempo que tomé para curarme y agradeciendo que rompieran mi corazón para poder crear y plasmar mi sanación. Sí se sintió terminado.


“Si estás rota, brota”
 Acrílico
 52cm x62cm


DOMINIQUE HOUZE

Nombre: Dominique-Elise Houzé
 Origen: París, Francia
 Instagram: dominiqueelisehouze
 Página Web: www.dominique-elisse-houze.com

Reseña curatorial:
 Una silueta de mujer : parece que se difuma, como tragada por nubes extrañas que la acechan suave pero distantemente. En realidad aunque su silueta parezca borrarse, permanece y camina. Persiste y se afirma gracias un “tracé” delgadito pero siempre moviéndose hacia delante. Las nubes no la acechan, ya parece que de ellas toma su fuerza igual que el hilo de su silueta azul se nutre de lo que la rodea. Tiene una historia larga, larguísima desde la antigüedad : el titulo hace referencia a un verso de Virgilio en la Eneida, donde el poeta habla del camino en los Infiernos. Pero a la diferencia de las sombras de la Eneida, esta mujer sale al aire libre y camina en el azul del cielo. La vida lo supera todo.


“Iba sola en el azul cerúleo”
 Acuarela sobre papel 100% algodón, 275g. 
 64x50 cm


LILIA CARRIEDO

Nombre: Lilia Carriedo
 Origen: Oaxaca, México
 Instagram: @liliacarriedo
 Facebook: ARTE Carriedo

Reseña curatorial:
 Muchas mujeres han participado en la historia del mundo, en México no fue la excepción. Cada evento histórico que ha cimbrado a nuestra nación, la mujer se ha hecho presente y es por eso que con esta obra, quiero hacer un homenaje a todas aquellas mujeres valientes que contribuyeron en la historia nacional mexicana; Poco sabemos de sus aportaciones; algunas se quedaron en casa protegiendo lo suyo, otras acompañaron a sus padres, hermanos o esposos, no solo para cocinar, buscar comida o cuidar a los hijos, también hubo quienes fueron espías, contrabandistas enfermeras, quienes promovían el derecho al voto, defendían los derecho de las mujeres o simplemente eran acompañantes, en esa época donde tenían tanta desventaja por el derecho de ser mujeres y que sin miedo lucharon no solo tomando las armas y poniéndose hombro a hombro con nuestros héroes; estando a la altura y la capacidad de Combatir y ocupar puestos militares liderando ejércitos , sin dudar y con el anhelo común de lograr un México mejor. Es por eso que es tan importante no dejarlas en el olvido, como una vez escribió Elena Poniatowska: Que sin las soldaderas no hay revolución mexicana, ellas la mantuvieron viva y fecunda como la tierra”.


“Mujeres, espíritu de la revolución Mexicana”
 Óleo sobre lienzo
 80x 100 cm.


GINA GONZÁLEZ

Nombre: Gina González 
 Origen: Cartagena de Indias, Colombia.
 Instagram: @ginagonzalezt
 Facebook: Gina Gonzalez Art & Hand Craft

Reseña curatorial:
 Esta serie propone resaltar el valor que tienen las mujeres censuradas y rotuladas por algunos trabajos que según la sociedad son indignos, ver como a pesar de esa exclusión a la que se someten ellas siguen siendo guerreras de luz entre esa oscuridad.


“Ligueros”
 Acrílico sobre lienzo.
 100x90 cm.


KARLA IBARRA

MENCIÓN HONROSA

Nombre: Karla Liuba Ibarra Valenzuela
 Origen: Santiago, Chile
 Instagram: @karla.ibarrav
 Página Web: karlaibarra.com/pinturas/

Reseña curatorial:
 Mi obra se referencia en el mundo femenino cuestionándome su origen, lugar y destino a través de elementos socio-culturales como; la religión, lo étnico y lo histórico, evidenciando esto a través de una vestimenta tensionada o dignificando lo étnico, a través de una puesta en escena donde la mujer está en primer plano. Me interesa también mostrar como imagen femenina en la historia del arte ha sido un constante icono de tenciones y pulsiones no expresadas. En lo formal uso los recursos del realismo pictórico y el arte pop.


“Mujer sin corazón”
 Óleo sobre tela
 70 X 100 cm.


LAURA BOMBEN

Nombre: Laura Marcela Bomben
 Origen: Neuquén capital, Argentina
 Instagram: @6019_laura
 Facebook: Bomben Laura

Reseña curatorial:
 Esta obra esta inspirada en una de los tantos seres humanos, en este caso la MUJER que pasa por diferentes situaciones, en una niñez con distintos matices. Cuando una persona pasa por el doloroso camino de las carencias afectivas, crece con heridas. A medida que van transitando por la vida pueden encontrar el amor y ternura, pueden encontrar el calorcito del chal de la abuela. Pueden pasar por lugares llenos de colores, y también llenos de grises, de silencios, sin las palabras que crean las conversaciones. El intercambio de afecto, es muchas veces un factor determinante, cuando los padres son personas distantes, frías, personas que tienen dificultades para expresar sus sentimientos y los hijos se verán ATRAVESADOS por la sensación de no ser queridos. Solo con, un mirar en el interior, poner nombre, a cada partecita se va iluminando de a poco el camino y la persona se va reconstruyendo, cerrando heridas, haciéndose consciente y desarrollando su verdadera personalidad con una autoestima alta, es como cruzar un puente, de un lado puede estar en sombra pero del otro con toda la luz. Observando las raíces de la propia existencia de a poco se hace la transformación del ser, para construir una vida plena, de autovaloración personal y permitiendo un intercambio sano.


“Cielo”
 Óleo sobre tela
 50x 60 cm.


LAURA RIVERA

Nombre: Laura Rivera 
 Origen: Tlaxiaco , Oax. México

Reseña curatorial:
 Ximena Tlaxiaco: Obra que desgaja un alud de cielos azules colgados del firmamento de la región mixteca del estado de Oaxaca. Esta región de México en la que persisten las manifestaciones artísticas y culturales de los pueblos originarios, el arte se lleva en La sangre. La cultura y tradiciones de esta región, cuna de mujeres cuya fuerza arremete como los terremotos de una gran tradición de mujeres telúricas; La fuerza de la mujer en comunión con la naturaleza, que parece que el cielo descansa sobre sus hombros. El lienzo nos muestra la lucha de resolver el mundo que conlleva retos, a veces infranqueables, mujer oaxaqueña...luchadora fiera, rebelde en este mundo globalizado, empoderándose en el quehacer cotidiano, a veces silencioso y otras con voz de trueno que retumba. Mujer de Tlaxiaco, de rostro pétreo y espíritu libre. Ésta pieza trasciende el plano temporal confluyendo en las raíces culturales y la atemporalidad del paisaje y la vida que se aferra a sus orígenes de lucha y fuerzas resilientes transmitidas por generaciones de mujeres guerreras. La técnica heredada de artistas ancestrales se resuelve en el colorido de la pieza, fusiona la fuerza de la mujer oaxaqueña en comunión con la naturaleza, La maestría del bordado en el traje con los detalles y texturas; con esas pinceladas que evocan al puntillismo, contrastan con la suavidad de las pequeñas flores casi etéreas que se confrontan con la naturaleza rotunda y silvestre. así se resuelve con el dominio del oficio creador, imaginativo y tradicional de la artista Laura Rivera Palacios.


“Ximena”
 Óleo sobre tela
 100x100cm


LIDA PONCE

Nombre: Lida Eugenia Guadalupe Ponce Espejo
 Origen: Mérida, Yucatán, México
 Instagram: @lidaponce
 Facebook: Lida Ponce

Reseña curatorial:
 La abstracción provoca reflexión que forzosamente debe llevarnos hacia alguna parte; en ésta obra de color y forma hay que percibir y ver cosas que encontramos en la violencia tanto activa como pasiva; en ella podemos darnos cuenta de la explosión de la ira reflejada en el lienzo. Es una gran aventura adentrarse en los recovecos de la forma, el color, la luz y el espacio para luego terminar con la imaginación del espectador


“Explosión”
 Acrílico sobre canvas
 1mt x 1mt


LORETO PINO

Nombre: Loreto del Pilar Pino Delgado
 Origen: Temuco, Chile.
 Instagram: @loretopinodelgado
 Facebook: Loreto Pino Delgado

Reseña curatorial:
 La presente obra aborda el estado de negociación al que la mujer se ve algunas veces sometida para lograr su espacio en el medio en que habita y se mueve. Los estereotipos a los que se debe ceñir para poder hacer lucir sus verdaderos y más profundos atributos, aquellos que hacen de esta humanidad un lugar mejor y más hermoso. Con todo lo anterior, el título de la obra hace referencia a “un nuevo trato”, un acuerdo -tácito o explícitoque finalmente se establece entre la mujer y la sociedad en que está inmersa, y que cada vez más rompe con los paradigmas impuestos de antaño. “El acuerdo” es, a su vez, un llamado de atención a esta misma sociedad que mercantiliza a la mujer, pero de la cual ella logra renacer, una y otra vez, cual ave fénix.


“El acuerdo”
 Óleo sobre tela
 75x75cm.


MACARENA FARRAN

Nombre: Macarena Alejandra Farrán Rayo
 Origen: Chile (Residente Bogotá, Colombia).

Reseña curatorial:
 La mujer y la vida, me motiva en esta pintura el trabajo interno de la mujer , nos enfrentamos ante un mundo estructurado con formas y geometría en un molde aprendido vamos avanzando en la formación de una mujer que prende las luces que se encuentran dentro de ella en pequeños micro mundos que se estructuran en su interior y paso a paso se van abriendo y despertando a zonas dormidas más allá del marco estructurado por siglos y décadas, donde nos conectamos con nuestro ser íntimos dando un pequeño salto en las posibilidades de conceptos de mundo o en la geometría de mundos.


“Elevación”
 Acrílico sobre lienzo
 100cm x 100cm


MANÉ VIDELA

Nombre: María Magdalena Videla Sepúlveda (Mané Videla)
 Origen: Los Ángeles, Chile.
 Instagram: @mane.videla

Reseña curatorial:
 La obra es la mirada como mujer del proceso del dolor en general, el cual deja marcas físicas y emocionales en nuestro ser y nos mantiene en la oscuridad obligándonos a buscar esa mujer luchadora día a día hasta que procesamos el sentimiento y volvemos a recuperarnos de nuestros peores días, divisando una luz de esperanza que nos da fortaleza. Bienestar y la ansiada felicidad que no es eterna. Las mariposas en mi obra representan la transformación de días malos y feos como las orugas hasta haber vivido el proceso de transformación y convertirnos en unas bellas y libres mariposas que buscan siempre volar y llegar lejos en la vida, realizándonos como mujeres en todos los ámbitos deseados. Las manos en la oscuridad representan el querer ponerle fin al dolor pero aun sin concretar esa decisión (aun en proceso) son varias manos porque a veces son varios los intentos, ya que la mano que está en el escudo ya decidió concretar o finalizar el proceso del dolor sea cual sea físico o emocional.


“Alma Guerrera”
 Acrílico sobre tela
 70 x 90 cm.


MARÍA CRISTINA NORIEGA

Nombre: María Cristina Noriega M.
 Origen: Bogotá, Colombia. 
 Instagram: @mariacristinanoriegapintora.
 Facebook: Maria Cristina Noriega Pintora

Reseña curatorial:
 Reflexionar sobre la expresión de la tristeza a través de la obra plástica, donde mis sentimientos afloran de manera espontánea, es casi un aliviar lo que he vivido. Es mi respuesta a la carga que, como mujeres llevamos dentro de nuestro proceso de vida. Por muchas generaciones hemos sobrellevado como sustento, una condición femenina establecida como única y natural. La condición de mujer, con un peso cultural y religioso que normatiza la vida y direcciona el actuar; un devenir continuo de vida determinada por la sociedad y más aún afirmada por la propia mujer, quien repite los esquemas establecidos como sinónimo “de lo correcto” para encajar en un mundo patriarcal por excelencia, donde el hombre también hace su parte como actor de un guion preestablecido heredado y ejecutado como norma. Un sueño perdido…es una metáfora simbólica de la nostalgia de la mujer por descubrir un mundo ideal, refundido en la realidad cotidiana a la cual se entrega o en la que lucha por despertar. La Esperanza es una obra que refleja el valor, el compromiso y sobre todo la entrega de la Mujer- Madre que supera toda adversidad y se levanta para proteger a lo más sagrado de su ser, su hijo, el fruto de su vida. La Esperanza, la mujer (la Patria) de Picasso se trasforma, sufre una metamorfosis, es ella con un nuevo vestido.


“La Esperanza.” (Serie El Sueño Perdido.)
 Óleo sobre lienzo.
 100 x100 cms.


MARÍA FERNANDA SCHULZ

Nombre: María Fernanda Schulz
 Origen: Lucerna, Suiza
 Instagram: @mfernandasarte
 Página Web: www.mariafernandaschulz.com

Reseña curatorial:
 La obra trata sobre la fortaleza de una mujer, una mujer afro de una clase social desfavorecida, que lleva a sus hijos sobre la cabeza, una palenquera. ¿Es acaso posible que una mujer lleve a sus hijos sobre la cabeza? Es algo corporalmente imposible. ¿Es acaso posible que una mujer se deslige emocional y mentalmente de sus hijos, de su responsabilidad? La obra pone de manifiesto la fortaleza, el compromiso, la responsabilidad de una mujer ante si y ante su prole, no es una carga sobre sus hombros, es un compromiso del corazón de la razón, que viene de generación en generación en un matriarcado (forzado por un Patriarcado dominante e irracional) que busca respuestas y trata de salir adelante sin desfallecer, es la lucha de la mujer ante el abandono, la violencia impuesta por una sociedad machista y la segregación no solo por ser mujer, ser negra sino además por ser pobre. Es una propuesta artística que tiene como objetivo, inquietar al espectador, para que se cuestione lo inverosímil de la acción. se trata pues de la dualidad entre lo real y lo ficticio, real porque son mujeres de carne y hueso que todos hemos visto, bien sea donde vivimos o en algún lugar paradisiaco donde hemos ido y en lo ficticio porque corporalmente es imposible llevar a dos hijos junto con un jaguar sobre la cabeza. Es un mundo metafórico en donde lo real y lo ficticio son criterios determinantes, en el sentido en que fingir no es proponer engaños, es elaborar estructuras inteligibles para sensibilizar a la sociedad sobre el rol de la mujer y que así podamos entendernos de una mejor manera.


“Homenaje a una palenquera”
 Técnica mixta sobre cartón, (acrílico, tiza de aceite acrílico, tintas)
 100 x 70 cm


MARÍA ISABEL DUQUE

Nombre: María Isabel Duque C.
 Origen: Bogotá, Colombia.
 Instagram: @marissabelart
 Página Web: www.mariaisabelduque.com

Reseña curatorial:
 Una de las tareas del artista es hablar de quiénes no tienen voz, (no pretendiendo resolver problemáticas) pero sí evidenciando lo que aqueja a la sociedad y a los sujetos cómo individuos. Poner en cuestión al observador, hacer preguntas. Hablar, muchas veces, de lo que no nos atrevemos a decir o de lo que está presente, pero no se evidencia. Me he propuesto asumir una posición que busca sensibilizar, confrontar y por qué no, quitar, de vez en cuando, los velos. Y al final de cuentas, exteriorizar mis inconformidades, que son las inconformidades de muchos. Mi obra plástica está impregnada de búsquedas íntimas, reflexiones del entorno social y cultural en el que transito, reflexiones que surgen de vivencias propias y ajenas. A lo largo de los últimos años, el trasegar artístico ha fluctuado entre redescubrimientos de lo femenino en relación a la fertilidad, lo materno, y el sentido profundo de la vida a la sombra de aspectos místicos, la convivencia diaria con los otros….. La serie Hilos Rotos habla y se pregunta sobre las pérdidas, las rupturas que nos desgarran, esas, que nos llegan principalmente a las mujeres, porque somos mujeres, aquellas que nos golpean y nos conmueven. Esas pérdidas que hemos tenido que asumir en total soledad y con toda la carga que ello supone. Ante una nueva ética cultural planetaria en dónde se privilegian las individualidades y la indiferencia, es necesario preguntarse hasta dónde llegan nuestras libertades, es necesario recomponer lo ético del comportamiento humano, sin moralismos, pero con una claridad diáfana que nos permita acceder sin excusas al bien común, sobrepasando la indiferencia , y recomponiendo incertidumbres.


“Hilos Rotos”
 Óleo sobre lienzo
 60x60 cms.


MARÍA ISABEL NARANJO

Nombre: María Isabel Naranjo Cano
 Origen: Medellín, Colombia
 Página web: iamariaisabel.wixsite.com/ misitio/cuerpo

Reseña curatorial:
 Mi propuesta es el devenir de un ritual doméstico, prosaico y femenino que se celebra en la cocina, durante y después del dolor. Confinadas en el hogar, las mujeres lloramos, perdonamos y curamos nuestros recuerdos heridos y nuestras ficciones. En ese espacio desolado de mi memoria y de mis días, solo quedan los fragmentos menores, las pequeñas esquirlas de armadura inscritas en mi cuerpo a manera de traje ritual que alude a una posibilidad de instalarse de otra manera en la vida cotidiana, sanando las heridas, cociendo los vacíos, limpiando la memoria de muchas mujeres que yace en mi cuerpo. Es así que mi proyecto define a la artista como una guerrera deleuzeana, que propone hacer del uso menor de la guerra un estilo de vida, generando una poética creada a partir de cientos de cebollas y unos artefactos vestimentarios en medio de una instalación visual que, mediante la fotografía, permitan afectar las situaciones de muchas apiladas en mí como heridas sanándose, capa por capa, desde la relación entre mi cuerpo y los rituales domésticos del cocinar cebollas, mientras se transmuta y limpia nuestra historia. Se pretende vivir un proceso de creación plástica como la guerrera minoritaria, como “aquel, que asumiendo pequeñas guerras locales, que incumben la vida, construye en este sentido una forma de existencia, de existencia en el combate solitario, como un nómada autentico, como un anacoreta o como un gitano”[*]. Desde la potencialidad poética del arte y desde la experiencia creativa se plantea la posibilidad de crear tensiones simbólicas con la realidad de nuestro contexto desde la reconfiguración del estar en el mundo a partir de una narrativa blanca, por capas –como la cebolla-, ilusoria, corporal y puntiaguda que afecte a los espectadores, a quienes transitan el mismo espacio tiempo de guerra, llanto y olvido que yo, un espectador que tiene latente el ruido del metal y el sabor salado de las lágrimas, que se arma día a día exponiendo su batalla distópica para intentar sobrevivir perdonando.


“Mirada blanca”
 Performance/registro fotográfico.
 100 cm x 70 cm


MÓNICA CECILIA VEGA

Nombre: Mónica Cecilia Vega
 Origen: Barranquilla/ Atlántico, Colombia
 Instagram: @artmonicas

Reseña curatorial:
 Los niños son el futuro de un país, me enseñaban en la escuela, “ustedes son los futuros médicos, abogados, economistas, docentes, artistas”, decían mis maestros. Hoy en calidad de género femenino quiero ser portavoz de aquellas niñas y adolescentes a quienes les fueron socavados sus sueños, su infancia, su vida. Especialmente las niñas reclutadas para ser utilizadas en conflicto armado de grupos ilegales de Colombia y el mundo. Niñas que crecen en un medio bélico, que permean comportamientos generando un orden a su vida, construyendo sus propios símbolos, aprendiendo de su entorno. ¿cómo llegaron ahí? Por determinación propia o forzadas? Quizá, complejas y enmarañadas raíces, incomprensibles para las ingenuas infantes que se tejieron mucho antes de nacer. En esta obra se presenta la escena de una infanta de espalda, con su piel descubierta, sentada en primer plano, reposada sobre un solar, en sí mismada, apartada en actitud de desanimo o tristeza, observa a una figura femenina empoderada que porta un arma en su espalda y se adentra en un camino sumergiéndose dentro de un paisaje crepuscular. Espejo en Centinela es la representación social de uno de los rolles que cumplen las niñas, adolescentes y mujeres dentro de las guerrillas o grupos ilegales, es esa niña-mujer situada en posición estratégica que observa, vigila su realidad con un campo de visión nublado, al mismo tiempo esta obra representa la vulnerabilidad del cuerpo femenino desde los primeros años de infancia hasta la adultez, es ese individuo universal, aislado que a la distancia, con la presencia del otro, construye su identidad y sus propios ideales, ideales permeados por un entorno, que circunscribe su libertad, negando su infancia, socavando de las entrañas la magia que le fue legada, sometiendo y conduciendo al pequeño ser inmaduro en un juego de adultas que normaliza y termina en un largo camino culebrero con un patrón de guerras sin fin.


“Espejo en Centinela”
 Arte digital
 60 cm x 60 cm.


PATRICIA KOZLOWSKI

Nombre: Patricia Kozlowski
 Origen: Buenos Aires, Argentina

Reseña curatorial:
 La imagen pertenece a una serie que vengo realizando desde el 2012 en donde el rostro o parte del mismo está cubierto. Será parte de la publicación de un libro en dónde el cuerpo de la mujer aparece aludiendo a cambios sociales y jurídicos en nuestro país. El año 2020 con la interrupción voluntaria del embarazo hemos conseguido poder decidir qué hacer nosotras con nuestro cuerpo gracias a todos nuestros cuerpos juntos como organismo en vigilia. La luz cambia al atravesar un cuerpo, según la física; cuantiosos serán los rayos que necesitaremos para que la autoridad patriarcal abandone su poder de sojuzgamiento, ya sea para calificar lo femenino con los sinónimos de blando, débil, suave o delicado, todas son calificaciones en las no hemos participado, simplemente las soportamos a lo largo de nuestra historia designaciones impuestas. Hoy estamos por delante de Turandot, a nuestra fisicidad aún le resta diversas batallas por librar para que nuestro cuerpo logre su entidad completa en paridad.


“Mi cuerpo detiene la luz pese a que no mires. Turandot no pudo”
 Fotografía


PAZ SEPÚLVEDA

Nombre: Paz Sepúlveda
 Origen: Santiago, Chile
 Instagram: @artepazita

Reseña curatorial:
 El arte y las artes, sea cual sea su forma de expresión, se convierte en ese libro en blanco que nos ofrece sus páginas como un manifiesto de libertad, que nos sana, que nos sumerge y atrapa en esa belleza expresiva, sensible, dotando de voz propia a nuestras emociones, amaina las angustias, nos libera y nos acuna en su remanso de paz. La pausa de una historia, esa pausa necesaria para encontrarse, dignificarse, reinventarse, sanarse de un tiempo que se quiere cambiar y ser libre a voluntad; o tal vez para marcar un final y en una unión de hermanas con la fuerza de un grito agudo, o un silencio convenido, volver a comenzar. Tal como ese signo musical llamada calderón o corona, que se representa con un semicírculo y un punto en el centro, que se ubica en la partitura, y que denota la suspensión del compás, que indica un reposo, una modificación del tiempo. “La Pausa de Las Músicos”, es una obra más de mi proyecto Mujeres Azules: que habla de la invisibilización del intelecto femenino, y en esta obra, en mi propio arte las reúno como amigas, como hermanas que hacen un alto, para romper un tiempo de encierro, para nutrirse de música y liberar el espíritu en la armonía de un encuentro.


“La Pausa de Las Músicos”
 Óleo/acrílico/papel, sobre lienzo
 75 x 75 cms


SANDRA BENÍTEZ MUÑOZ

Nombre: Sandra Johana Benítez Muñoz
 Origen: San Gil (Santander), Colombia.
 Instagram: @sandraj.benitezm.art
 Facebook: Sandraj.benitezm.Art (Página) y Sandra J Benítez Muñoz (Perfil).

Reseña curatorial:
 Como mujer artista crear una obra es realizar un recorrido de sentimientos por cada situación vivida o por experiencias que nos conmueven. “CON…SENTIR” es una obra elaborada con la técnica óleo a espátula sobre lienzo. Dimensiones 60 x 90 cm. Está centrada en el sentimiento emotivo y soñador de la mujer donde se avivan interpretando con tonalidades cálidas y sutiles haciendo alusión a tratos que ilusionan, pero casi siempre llenas de sufrimiento por las realidades que vivimos y que la misma vida nos presenta, reflejando en ataduras y marcas en el alma.
 La obra presenta a la mujer con su belleza y sutileza que la caracteriza, mostrando sus virtudes y aptitudes a través de la translucidez de sus tonalidades cálidas que irradian, fuerza y con un corazón colmado de anhelos.


“CON…SENTIR”
 Óleo a espátula sobre lienzo
 60 x 90 cm


SARAH VÁSQUEZ

Nombre: Sarah Daniela Vásquez Melgarejo
 Origen: Puebla, México

Reseña curatorial:
 Esta pieza busca representar la fortaleza que poseen las mujeres. A lo largo de la historia hemos sido supra valoradas en todos los ámbitos, tanto la ciencia, las artes y demás disciplinas. Con esta pintura se busca la representación de ese poder que las mujeres tenemos para poder levantarnos de nuestras batallas perdidas y seguir adelante para alcanzar nuestros objetivos. La obra está inspirada en la diosa griega Niké, la diosa de la victoria, quien tenía el poder de favorecer en una disputa a quien le caía en gracia. La victoria muchas veces se nos ha sido arrebatada y con esta pieza se busca inspirar a más mujeres a luchar para recuperarla. En concreto la Victoria de Samotracia ha sido una inspiración para el personaje de esta pieza. Ella, una mujer golpeada, sin brazos, es quien nos dará la cara de la realidad para luchar y ganar la batalla de la desigualdad.


“Victoria”
 Óleo sobre tela
 50x50 cm


SOLANGE GERMAIN

Nombre: Solange Michele Germain Medina Origen: Los Vilos, Chile.
 Instagram: @solpedalea_artt
 Facebook: solpedalea artt
 Página web: www.solpedalea.com 


Reseña curatorial:
 La obra “Después de la muerte” invita a ver una exhibición del cuerpo femenino en un despertar sin ver mediante los ojos, sino contactarse al mundo mediante el sentir y vivir. Los cuerpos femeninos, generalmente bajo el yugo de la estigmatización de los medios, vivencian y soportan el juicio de las formas en que supuestamente deberían ser. La muerte simboliza un quiebre, un post de estados depresivos profundos. Un rompimiento con una forma pasada de concebir el vivir, mientras se vive el cuerpo antes que enjuiciarlo. Rescata lo sagrado de reconocer las emociones en estos cuerpos, sentir la piel, la boca, escuchar, desear, disfrutar; pues todas somos cuerpo y es éste el que guarda nuestro espacio físico en el mundo. La muerte antes de traer fatalidad, nos acerca a un presente consciente, a reconocernos desnudas de lo superfluo, plenas de vida en nosotras mismas, llanas al tacto, el respiro, la sororidad. Amar la resiliencia que poseemos y amarnos en el desnudo de lo que somos.


“Después de la muerte”
 Pintura acrílica y lápiz sobre género de visillo
 73x73 cm.


SOLEDAD MECHÓ

Nombre: Sole (Soledad Mechó Catalá)
 Origen: Nules (Castellón), España
 Página Web: www.solemecho.com

Reseña curatorial:
 Retrato de mi madre poco antes de morir. Nació en el 1940 fruto del reencuentro entre mi abuelo, que estuvo preso durante la guerra civil española, y mi abuela que quedó sola con dos niñas. Pasó la mayor parte de su infancia encerrada en casa sufriendo crisis asmáticas (enfermedad poco conocida en aquella época). Fue educada en un ambiente rural, patriarcal y profundamente religioso. La enfermedad y el hambre de la posguerra la marcaron pero no la condicionaron. Una degeneración corticobasal pudo con su cuerpo pero no con su alma que siguió brillando hasta su último suspiro


“Abrazando mis memorias".
 Óleo sobre lienzo.
 50 x 70 cm.


SUZZETTE OJEDA

Nombre: Suzzette Ojeda Díaz
 Origen: Santiago, Chile

Reseña curatorial:
 La obra Cuerpo resiliente es una propuesta en donde la imagen, compuesta de distintos elementos, se va unificando. Los textos en conjunto a la superposición de imágenes dan cuenta de distintos fragmentos que se unen entre sí. Simbólicamente el fondo agrietado se manifiesta como el símil de las piezas de un mosaico, que a su vez representan la continua reconstrucción, mientras en los surcos emerge el poema como la voz que se alza para clamar su existencia. Voces vacilantes, voces que se alzan a través del Cuerpo de mujer que se va dejando entrever, como una gran pieza de este mosaico digital. Mujer valiente, mujer que se reconstruye una y mil veces, y que en su cuerpo van quedando las huellas de su andar.


“Cuerpo Resiliente”
 Collage Fotografía Digital
 80 X 90 cm.


TESSY DE THERESA

Nombre: Tessy de Theresa
 Origen: Guadalajara, Jalisco. México.
 Instagram: @tessydetheresa
 Página web: www.tessydetheresa.com

Reseña curatorial:
 Con estos tiempos difíciles y atípicos nos hemos visto forzados a permanecer encerrados y nuestro entorno se ha visto limitado a la interacción con las personas que habitan bajo el mismo techo. La obra representa la dualidad de la familia que siendo el tesoro más preciado el cual debe ser cuidado y protegido a toda costa, al mismo tiempo funciona como una prisión que encadena, que limita. La pieza representa la frustración de tener que mantenerte fuerte y con un semblante feliz y relajado, funcionar como el soporte y el apoyo emocional de los hijos y la pareja, intentando suavizar las consecuencias de un aislamiento forzado, cuando en realidad te carcome por dentro la preocupación y la desesperación de ver tu espacio invadido, tu tiempos robados, tú libertad truncada ¿cómo es posible que lo que más amas sea al mismo tiempo, lo más sufrido? Los sujetos incompletos, ajenos de compañía, de convivencia externa, de actividades recreativas que alimenten su ser, se ven obligados a nutrirse unos a otros, a convertirse en lo que el otro necesita, a mutar, para encontrar en un mismo núcleo lo necesario para sobrevivir, adaptándose como una célula que al carecer de cierto componentes evoluciona y se adapta al nuevo entorno.


“Dualidad familiar.”
 Mixta sobre lienzo.
 100 x 80 cm


TIARMA SIRAIT

Nombre: Tiarma Sirait
 Origen: Bandung, Indonesia
 Instagram: @tiarmasirait

Reseña curatorial:
 The body is a never-ending problem to understand. There is no permanent definition that can be attached to the body. Therefore, the process of becoming is the only choice that is ever present. When women artists question this kind of identity they are in line with recent theoretical positions questioning the nature of meaning and how it is derived, articulated through the discussions of many contemporary writers (Derrida, Kristeva, Barthes, Laclau and Mauffe) who consider meaning as something unstable and the production of meaning is continuously in a state of flux. The body as often referred to by women artists, is a text that always provides a new meaning according to the context given. Therefore, there is never a defining regime that may dictate the meaning of the body eternally. The body is an identity that is unceasingly becoming. The body can be present in its form as a container of the soul, it can also be present as fragments of a plane in a mosaic; it can be present as a fortified soft surface, and so on. In short, identity is an everlasting redefinition that is produced”. (Hardiman, 2009). From Hardiman's statement above, I was inspired to create a painting, where I myself appear in my painting with a pink costume and reflect the pose of a modern woman who is sassy and likes selfie compared to the face of a tough female worker who looks a lot of burden and responsibility on her shoulders. It is an allusion to women's lives from postures and costumes to different fates... and the position of these women can change / reverse at any time according to time because nothing lasts forever...


“Pink After Think”
 Óleo sobre tela
 140 x 140 x 5 cm


VANESSA MAC-AULIFFE

Nombre: Vanessa Mac-Auliffe Letelier
 Origen: Santiago, Chile. 
 Instagram: @Vanessa_Mac_auliffe_Letelier
 Facebook: Mac Letelier / Vanessa Mac Auliffe Letelier
 Página Web: macletelier.com

Reseña curatorial:
 Dentro de cada mujer existe una historia secreta, desconocida a los ojos de los demás, fuerte, poderosa y sabia. Desde los inicios de la sociedad, esta se ha encargado constantemente de mantener a la mujer en silencio, sumisa y siempre con la cabeza baja, sin más, solo por la única razón de ser mujer. Esta “condición” con la cual nacimos que por el hombre fue vista como una maldición. Estos constantes esfuerzos de someter a la mujer a ser de una forma determinada, absurda de ilógicos paradigmas solo trajo sufrimiento, heridas en sus corazones y anulación de la libertad. Pero cada mujer en su interior lleva un corazón lleno de amor, instintivo, determinado para cuidar y dar guía, esta es su escénica. Buscando siempre formas creativas, imaginativas de transmitir su mensaje, desde su cualidad más interna. De esta forma logramos tener, mujeres de formas distintas, cada una tan valiosa como la otra. Que llevan el conocimiento en el alma y un corazón generoso que late con amor. Sororidad, una palabra que en el último tiempo late en el corazón de muchas mujeres, que ha hecho que los lazos entre mujeres sean más fuertes, logrando que sus corazones unidos latan al unísono para poder amarse a ellas mismas y a los demás, creando una melodía oceánica del ir y venir e iluminando los rincones más oscuros que albergan sus almas heridas con la luz de la luna. Yo, como mujer creativa, pinto un corazón, que representa los corazones de todas las mujeres luchadoras, de las que fueron, de las que son y de las que serán. Para que no olviden su fuerza intima, su sabiduría instintiva y el lazo de amor que trae vida, ya que el amor es la energía que impera en estos tiempos para sanar todas las historias ancestrales que habitan es cada una de nosotras.


“Corazón”
 Técnica mixta sobre papel figúrelas Canson, tinta china, acuarela, lápiz color, grafito.
 65X50 cm.


VIVIANA MIRANDA LAGOS

Nombre: Viviana Miranda Lagos
 Origen: Santiago, Chile
 Instagram: @arte.vivimiranda

Reseña curatorial:
 Nacer mujer es difícil, nacer mujer en áfrica es aún más difícil. Las heridas que las mujeres van acumulando desde su nacimiento, las opresiones que sufren solo por ser mujer se mimetizan con sus vivos y brillantes colores, parecen todas unas bellas obras de arte. Pero, las pinturas en sus pieles, las ornamentaciones que se aprecian en sus orejas, cuellos, brazos, ¿qué representan para ellas, en su interior, como mujer? Su pertenencia a una determinada tribu, su edad, su condición, en general, las determina. Todo lo que el ojo ve a simple vista como un hermoso adorno, como una llamativa ornamentación y se admira como bello, para ellas es una realidad que marca un destino, un dueño, a veces, un sacrificio, otras veces, o rituales a los que deben someterse. Esta obra nos muestra el doble filo de lo que podemos ver con nuestros ojos, la vemos a ella, con esa mirada penetrante y melancólica, llena de collares pesados quizás, incómodos quizás… ¿Los querrá usar realmente? ¿O será obligada a llevarlos por su tribu? ¿Podemos leer esto en su mirada? Se hace una invitación a la reflexión y revalorar nuestras admiraciones, reinterpretar las realidades y ver más allá de lo “bello”, ver la historia que hay detrás. Nos enfrentamos a la pintura y podemos leer el dolor y la resiliencia, pensando en la lucha por sus derechos como mujeres y como seres humanos. Ellas son ejemplos de una guerra en contra del sistema que nos ha envuelto durante siglos en una tristeza permanente pero que nos mantiene firmes en no rendirnos.


“Mirada del alma”
 Óleo sobre tela
 80cm x 60cm


YADIRA HERNANDEZ

MENCIÓN HONROSA

Nombre: Yadira Hernández-Picó
 Origen: Maricao, Puerto Rico
 Instagram: @yadiraphotos
 Facebook: Yadira Hernández-Picó Photography
 Página Web: www.yhphotosdesign.com

Reseña curatorial:
 Todos los barrios, tu barrio (Fragmento del ensayo introductorio de Ana Teresa Toro para la serie Volver a casa de Yadira Hernández-Picó) Volver. Aunque nunca se regresa verdaderamente a ninguna parte. Volver. Aunque ya no seamos los mismos. Volver. Aunque nadie nos espere. Volver. Aunque el lugar no tenga rastro de nuestras memorias. Volver. La artista y fotógrafa Yadira Hernández-Picó nos invita a adentrarnos al espacio íntimo de un retorno doloroso. Su detallada documentación de las vidas e historias de los residentes de los barrios de las Indieras del municipio de Maricao, nos confrontan con la experiencia traumática del regreso a casa en el periodo posterior del paso del huracán María por Puerto Rico. La literalidad de esta narrativa –los personajes regresan a la que ha sido su casa y el paisaje ya no es el que fue– hace que cualquier valor metafórico se torne pequeño ante la dimensión del golpe de verdad: han regresado a casa, pero la casa ya no está. Han regresado a casa, pero ya nada es como era. Volver a casa nos presenta una mirada humanista del entorno y sus personajes. El resultado da muestra del proceso creativo y documental. Quien documenta con una fotografía ha estado varias veces allí, ha sido paciente, ha esperado el instante más prudente para hacer la fotografía. En el gesto de los personajes es posible trazar el rastro del encuentro humano que precedió a la imagen. No es un sujeto pasivo el que sostiene la mirada a la cámara o deja perder la mirada en su entorno, es una persona que se sabe narrada y que narrándose a sí mismo logra construir su propia narrativa del retorno. Sucede lo mismo con las ventanas al paisaje. No sólo les podemos ver, sino que vemos lo que ven. Sus historias y su mirada se cruzan. [La serie] construye a su vez un relato macro, pues la artista también retorna a casa y en un instante inesperado, descubrimos que una de las imágenes es un retrato de su casa, el hogar de su madre, el rincón de sus memorias en estos barrios de Maricao. Es en ese momento en el que confirmamos que, a través del acompañamiento al retorno a casa de cada uno de los personajes, es posible para nuestra narradora llegar también a su punto de partida. Contándonos el encuentro de los vecinos de su pueblo natal con sus memorias, poco a poco, la acompañamos también al encuentro con las suyas. La obra de Hernández-Picó se suma, además, a la larga hilera de historias donde reafirmamos que sigue siendo cierto aquel decir: si cuentas tu barrio, contarás el mundo entero. En este barrio hay abandono, soledad, inocencia, amor, fe, dolor y verdad; temas todos de una universalidad incuestionable. A su vez, en esta obra, llama la atención aquello que no queda expuesto. No veremos el rostro de la documentalista, pero leeremos su tono narrativo y usaremos su marco visual para adentrarnos en este mundo. Y aún así descubriremos -como hemos advertido- que, al embarcarnos en este recorrido visual, también acompañamos el regreso a casa de la autora y si nos detenemos en alguna imagen, tendremos la certeza de que en esos rostros, en esas casas destruidas y en este retorno doloroso, también irremediablemente llegaremos a encontrarnos con la casa propia que también nos llevó el huracán. En todos los barrios recorres el propio, el intangible, el de la memoria.


“Volver a casa”
 Fotografía
 91.44 x 60.96cm


YAMI GALAZ

Nombre: Yami Galaz
 Origen: Santiago, Chile.
 Instagram: @yami.galaz.art 
 Página Web: www.yamigalaz.cl

Reseña curatorial:
 El cuerpo es un territorio que ha estado sujeto a la cultura desde el principio de los tiempos.
 Es un cuerpo en movimiento, en resistencia; debido a que es un lienzo en blanco, en el que cada individuo deja huellas para si y para los demás.
 El cuerpo es un territorio cuya finalidad es la de transmitir y perpetuarse en la significancia de su época o contexto.
 El cuerpo es un lugar donde debemos volver, el cual debemos recuperar.
 El cuerpo como territorio femenino, ha sido un gran tema de estudio y resignificación, en especial en las últimas décadas. Y es desde aquí donde el arte corporal primitivo adquiere relevancia en este tiempo.
 Es hora de generar nuevas miradas en torno a nuestro cuerpo, nuestro primer territorio; en donde tenemos gran protagonismo como agentes de cambio.
 La pintura es un medio extraordinario para tal cometido, el cual abrirá nuevos caminos a creadoras y artífices de la cultura y las artes; para que se expanda una nueva manera de hacer las cosas, un nuevo respeto y orden.


"Telsaks ankaykat axpenenè” Estrellas que brillan (en lengua Selk´nam)
 óleo sobre tela
 100 X 80 cm


CRÉDITOS

ORGANIZAN: 
 


ECOASOCIARTE
 MUA INTERNACIONAL

EQUIPO CURATORIAL: 
 


PAZ SEPÚLVEDA
 CONSTANZA NUÑÉZ 
 ANA MARÍA GÓMEZ VEGA
 ARACELLI MONSERRAT
 


COLABORACIÓN INTERNACIONAL:
 


FUNDACIÓN SUCREA
 GALERÍA RIVERÁRTE
 
 


COLABORA:


MINISTERIO DE LA MUJER Y EQUIDAD DE GENERO 



www.ecoasociarte.cl 
 instagram: @ecoasociarteong y @mua.internacional
 Facebook: Ecoasociarte y MUA internacional

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