The Milieu of the Dead. Part 2. by Mobile Akademie Berlin

2 The Milieu Of the Dead

Part 2: Absences. THE AFTERLIFE OF SLAVERY AND THE gaps in the archive

The Afterlife of Slavery

Das Nachleben der Sklaverei

FILM PROGRAMME

Filmprogramm

The Participants

Teilnehmerinnen und Teilnehmer

»What you cannot see, you can talk about. What you cannot know, you should definitely talk about. N arrating, fabulating and hallucinating in all appropriate a mb iguity: that’s the way to m aintain relationships with things and beings that are not present.« MAB, 2010

as man nicht sehen kann, darüber kann man sprechen. Was man nicht wissen W kann, darüber sollte man unbedingt sprechen. In aller angebrachten Zweideutigkeit, erzählend, fabulierend und halluzinierend. So pflegt man Beziehungen zu Dingen und Wesen, die nicht anwesend sind. Vgl. Mobile Akademie Berlin: Die Untoten. Life

Ebda.

Sciences & Pulp Fiction, Hamburg 2010

The Milieu of the Dead Since 2010, the theorists and artists of the Mobile Academy Berlin (MAB) have been working on a range of topics related to the new life sciences; they are examining the precarious zones between life and death and investigating the milieu of the dead — or more specifically, advocating changing the milieu of the dead for the better. With the series continuing from 2017 through to the end of 2019 in collaboration with the Humboldt Forum Berlin, it is now focusing on gaps and absences in archives, collections and exhibitions. While the Humboldt Forum exhibitions present world history through objects and artefacts, the performances by the Mobile Academy Berlin stage the stories of things and beings which cannot, or should not, be exhibited, and where any representation is doomed to fail. Part 1: The Proposition (May 2017, silent green)

Three researchers defended their proposal for a research pro ject on the milieu of the dead in front of a German Research Foundation review commission. The researchers demanded that the dead should not be regarded as something inconceivable or unknowable and hence banished from the domain of philosophy and science. The application was rejected in the first round and is due to return in 2018. Part 2. Absences (December 2017, St. Elisabeth-kirche)

MAB has invited the American authors and theorists Saidiya Hartman and Christina Sharpe to take a close look at the impos sibility of describing, representing or historicizing slavery, using their own previous works as a starting point: Lose your Mother: A Journey along the Atlantic Slave Route and In the Wake: On Blackness and Being. Is it possible, narratively and imaginatively, to overwrite the emptiness and limits of the archive of slavery?

In the 1990s Saidiya Hartman travelled through Ghana search ing for remnants of the history of the enslaved. As a footstep traveller, she follows the old slave routes, visits the dungeons and reads historical papers, chronicles and documents. She finds deserted places, abandoned landscapes and silence, for »to read the archive of slavery is to enter a mortuary«. And be cause »Africa was the land of graves without bodies«, even the dead are absent. The history and stories of the enslaved cannot be told because signs of their existence were erased, and be cause this history has not passed into the past, but is inscribed in the present. The losses were passed on, and they still deter mine the reality of black lives: »We live in the wake of slavery« (Christina Sharpe), in the backwash of the slave ships on the transatlantic route. Hartman’s method of »critical fabulation« takes the gaps and absences in the archives and the ephemeral signs of the lives of the enslaved as the starting point for impossible stories, which at the same time reflect on the historical and contempo rary reasons behind the impossibility of telling them. Christina Sharpe entwines a wide variety of images and motifs from po etry, film, art, historical documents and current news reports as a way of looking closer at the deeply ingrained history of slav ery in contemporary »black lives« and »black deaths« — »a past not yet past, in the present.« Both books circle around the im possibility of describing slavery’s »archives of breathlessness« and reflect on the systematic conditions which have prolonged this situation down to the present day. Hartman collects a choir of voices before adding her own story of what could have hap pened to what she did not find. Sharpe’s writing approaches theory as a kind of poetology that calls on us to read, speak and imagine differently. She traces concepts and motifs in repeti tions and variations through history, weaving them into dense theoretical and poetic patterns.

An echo of polyphonic speech acts respond to the two authors on the two evenings: the theorists pick out text and pictorial motifs from their books and comment on them in short, over flowing footnotes, which top up the motifs with their own re search. A performer and a DJ recite text passages in a spokenword performance, while experts in exhibition practice and theory give responses pondering what the ideas of Hartman and Sharpe could mean for ethnographic world museums. What leads and pointers can literature and theory give for curating collections and exhibitions? Hannah Hurtzig und Marian Kaiser

For The Milieu of the Dead series, Mobile Academy Berlin is set ting up a travelling theatre at assorted locations around Berlin (concept by Hurtzig; architecture by Stirnemann; production by the Stiftung Humboldt Forum im Berliner Schloss). A mechanized arena which has been specially designed for the series alternately shuts the audience and protagonists in and out. It functions like an earpiece, making it possible to listen in on the dead and their hitherto unheard stories.

Footnotes / Responses *1: Un/Picturability / Ulrike Bergermann

Looking at museums in Liverpool and London and how they use documents, pieces of writing, narratives, political accusations and evocations of empathy, Ulrike Bergermann will provide a foot note on the un/picturability of slavery in exhibitions: what lan guage speaks of slavery in the museum, through its space, design and objects? (04.12.) *2: Historiographies / Karin Harrasser

Karin Harrasser will provide a footnote on how to practice histo riography in a way that is dedicated to urgencies of the present while keeping the future open. How can we narrate history in such a way that the past is able to transform our political present? How can I write about music I have never heard, but which colo nized minds and bodies 250 years ago? (04.12.) *3: Aesthetics and Affect / Elahe Haschemi Yek ani

This footnote deals with the interconnectedness of historical ar chives and contemporary affects and the influence of this connec tion on the aesthetics of writing about slavery. How does Christina Sharpe’s critical, poetic, essayistic, collectivistic and associative text reflect the afterlife of slavery? (05.12.) *4: Zombi / Gudrun Rath

Narratives about the Caribbean have defined the zombi as the living dead whose soul has been stolen, so that after their death, burial and resurrection, they can be put to work as a slave. These narratives have shaped the zombi as a figure that passes on the memory of enslavement. (04.12.)

*5: Recitation & spoken word / İpek İpekçioğlu & Goitseone Montsho

The performance artist and storyteller Goitseone Montsho and the Berlin DJ İpek read extracts from Christina Sharpe’s In the Wake and from the long poem Zong! by Canadian poet M. NourbeSe Philip. (05.12.)

Response 1: Clémentine Deliss

Clémentine Deliss discusses the unresolved condition facing ethnographic museums in Europe. She argues that this c olonial institution, which is currently deadlocked around questions of public display, needs to perform a radical transition into a »museum-u niversity«. By enabling artists and researchers from diverse disciplines and cultures to gain rights of access to so-called ethnographic collections, a new kind of inquiry and interaction can take place between rigorous transdisciplinary research, innovative aesthetic practice, and tests in law, eco nomics and mediation. (05.12.) Response 2: Wayne Modest

Wayne Modest will consider the influence of theory on the cura tion practices of ethnographic museums. Drawing on his experi ence as both a researcher and curator, he reflects on how best to cope with the difficult legacy and the »postcolonial anxiety« that is so disconcerting for European collections and institutions. (04.12.) Response 3: Etienne Turpin

The MuseuAfroBrasil in São Paulo is an artistic and ethnographic museum dedicated to researching, preserving and exhibiting the objects and works of black people in Brazil. Philosopher and curator Etienne Turpin describes why this museum is the best he has ever seen. (04. & 05.12.)

Response 4: Friedrich von Bose

In his footnote presentation, Friedrich von Bose reflects upon the disturbing potential of an archive’s blind spots for exhibi tion practice. How can we deal with these blank spaces and simultaneously leave them open for future interpretation and narratives? How do they relate to the museums’ crowded stor age areas, which tell their very own histories? How can museum critique be made fruitful for exhibition practice without losing its transformative power? (05.12.)

As a writer committed to telling 足stories, I have endeavored to represent the lives of the nameless and the forgotten, to reckon with loss, and to respect the limits of what cannot be known. For me, narrating counter-histories of slavery has always been in足足separable from writing a history of present, by which I mean the incomplete project of freedom, and the precarious life of the ex-slave, a condition defined by the vulnerability to pre足mature death and to gratuitous acts of violence. As I understand it, a history of the present strives to illuminate the intimacy of our experience with the lives of the dead, to write our now as it is interrupted by this past, and to imagine a free state, not as the time before captivity or slavery, but rather as the anticipated future of this writing.

Saidiya Hartman, Venus in Two Acts, 2008

The intent of this practice is not to give voice to the slave, but rather to imagine what cannot be verified, a realm of experience which is situated between two zones of death—social and corporeal death—and to reckon with the precarious lives which are visible only in the moment of their disappearance. It is an impossible writing which attempts to say that which resists being said (since dead girls are unable to speak). It is a history of an unrecoverable past; it is a narrative of what might have been or could have been; it is a history written with and against the archive.

Das Milieu der Toten Seit 2010 arbeiten die Wissenschaftlerinnen und Wissenschaftler und Künstlerinnen und Künstler der Mobile Akademie Berlin (MAB) zu unterschiedlichen Themen der Lebenswissenschaften, untersuchen die prekären Zonen zwischen Leben und Tod und erforschen das Milieu der Toten, genauer gesagt: sie treten ein für eine Verbesserung des Milieus der Toten. Die Serie wird 2017 – 2019 fortgesetzt und kümmert sich um die Leerstellen und Abwesenheiten in den Archiven, Sammlungen und Ausstellungen in Zusammenarbeit mit dem Humboldt Forum in Berlin. Während die Ausstellungen des Humboldt Forums die Weltgeschichte anhand von Objekten und Artefakten präsentieren, inszenieren die Aufführungen der Mobile Akademie Berlin die Geschichten der Dinge und Wesen, die nicht gezeigt werden können oder sollten, deren Repräsentation scheitern muss. Teil 1: Der Antrag (Mai 2017, silent green)

Drei Wissenschaftlerinnen und Wissenschaftler verteidigten vor einer Gutachterkommission der Deutschen Forschungsgemeinschaft (DFG) ihren Antrag zur Erforschung des Milieus der Toten. Die Antragstellerinnen und Antragsteller forderten, dass die Toten nicht als etwas Undenkbares oder Unwissbares aus dem Zuständigkeitsbereich der Wissenschaft verbannt werden sollten. Der Antrag wurde im ersten Verfahren abgelehnt und kommt 2018 zur Wiedervorlage. Teil 2: Die Leerstelle (Dezember 2017, St. Elisabeth-Kirche)

Die MAB hat die amerikanischen Autorinnen und Theoretikerinnen Saidiya Hartman und Christina Sharpe eingeladen, um ausgehend von ihren Büchern Lose Your Mother. A Journey Along the Atlantic Slave Route und In the Wake. On Blackness and Being die Unmöglichkeit der Beschreibung, Darstellung oder Historisierung von Sklaverei in den Blick zu nehmen. Ist es möglich die Leere und die Grenzen des Archivs der Sklaverei erzählend und imaginierend zu überschreiben?

Saidiya Hartman reiste in den 1990er Jahren durch Ghana auf der Suche nach Überresten einer Geschichte der Versklavten. Als footstep traveller folgt sie den alten Sklavenrouten, sie besucht die Kerker, liest historische Akten, Chroniken und Dokumente. Sie findet menschenleere Orte, verwaiste Landschaften, Schweigen: »to read the archive of slavery is to enter a mortuary«. Und selbst die Toten sind abwesend, denn »Afrika war das Land der Gräber ohne Leichen«. Die Geschichte und die Geschichten der Versklavten können nicht erzählt werden, weil ihre Lebenszeichen gelöscht wurden und weil diese Geschichte keine Vergangenheit ist, sondern eingeschrieben in die Gegenwart. Die Verluste wurden weitergegeben, sie bestimmen noch immer die Wirklichkeit Schwarzer Leben: »We live in the wake of slavery« (Christina Sharpe), im Kielwasser der Sklavenschiffe auf der transatlantischen Route. Hartmans Methode einer »Critical Fabulation« nimmt die Leerstellen des Archivs und die Vergänglichkeit des Lebens der Versklavten zum Ausgangspunkt unmöglicher Geschichten, die zugleich die historischen und aktuellen Gründe der Unmöglichkeit reflektieren, sie zu erzählen. Christina Sharpe verwebt eine Vielzahl von Bildern und Motiven aus Poesie, Film, Kunst, historischen Dokumenten und aktuellen Newsreports, um die Immanenz der Geschichte der Sklaverei in gegenwärtigen »Black lives« und »Black deaths« in den Blick zu nehmen – »a past not yet past, in the present.« Beide Bücher umkreisen die Unmöglichkeit, das »atemlose Archiv der Sklaverei« (Sharpe) zu beschreiben und reflektieren auf die systemischen Bedingungen, die diese Situation in die Gegenwart verlängert haben. Hartman versammelt einen Chor von Stimmen, bis sie sich erlaubt, ihre eigene Erzählung dessen, was gewesen sein könnte, dem hinzuzufügen, was sie nicht gefunden hat. Sharpes Schreiben betreibt Theorie als eine Poetologie, die auffordert, anders zu lesen, zu sprechen und zu imaginieren. Sie verfolgt Begriffe und Motive in Repetitionen und Variationen durch die Geschichte hindurch und verwebt sie zu verdichteten theoretischen und poetischen Mustern.

Ein Echo vielstimmiger Sprechakte antwortet den beiden Autorinnen an den zwei Abenden: Theoretikerinnen kommentieren in überquellenden Fußnoten ausgewählte Text- und Bildmotive aus den Büchern, eine Performerin und eine DJane rezitieren Textpassagen in einer Spoken Word Performance und Expertinnen und Experten aus der Ausstellungspraxis und -theorie geben Responses, die überlegen, was die Ideen von Hartman und Sharpe für (post-)ethnografische Weltmuseen bedeuten könnten. Welche Hinweise können Literatur und Theorie für die Kuratierung von Sammlungen und Ausstellungen geben? Hannah Hurtzig & Marian Kaiser

Für die Serie Das Milieu der Toten schlägt die Mobile Akademie Berlin an wechselnden Orten in Berlin ein Wandertheater auf (Konzept: Hurtzig / Architektur: Stirnemann / Produktion: Stiftung Humboldt Forum im Berliner Schloss). In einer eigens für die Veranstaltungsreihe entworfenen mechanischen Arena, einer Hörmuschel, die die Zuschauerinnen und Zuschauer, Protagonistinnen und Protagonisten abwechselnd ein- und ausschließt, kann man den Toten und ungehörten Geschichten lauschen.

FuSSnoten / Responses *1: (Nicht)Darstellbarkeit / Ulrike Bergermann

Anhand von Beispielen aus Museen in Liverpool und London und deren Einsatz von Dokumenten, Schriften, Erzählungen, politischen Anschuldigungen und Angeboten zur Einfühlung in das Thema, fragt Ulrike Bergermann: Wie spricht das Museum, durch Raum, Ausstellungsdesign und Objekte von der Sklaverei? (04.12.) *2: Historiographie / Karin Harrasser

Wie kann man Historiographie so betreiben, dass sie sich den Dringlichkeiten der Gegenwart annimmt und zugleich die Zukunft offenhält. Wie können wir Geschichte so erzählen, dass die Vergangenheit unsere politische Gegenwart verändern kann? Wie kann ich über Musik schreiben, die ich noch nie gehört habe, die aber vor 250 Jahren Köpfe und Körper kolonisierte? (04.12.) *3: Ästhetik und Affekt / Elahe Haschemi Yek ani

Die Fußnote beschäftigt sich mit dem Wechselverhältnis von historischen Archiven und zeitgenössischen Affekten und dem Einfluss dieses Wechselverhältnisses auf die Ästhetik des Schreibens über Sklaverei. Wie reflektiert der kritische, poetische, essayistische, kollektivistische, assoziative Text von Sharpe das Nachleben der Sklaverei? (05.12.) *4: Zombi / Gudrun Rath

Geschichten über die Karibik definieren den Zombi als einen lebenden Toten, dessen Seele geraubt wurde, um ihn nach Tod, Begräbnis und Wiederauferstehung als Sklaven arbeiten zu lassen. Die Erzählungen haben den Zombi als eine Figur geformt, die die Erinnerung der Versklavung weitergibt. (04.12.) *5: Rezitation & Spoken Word / İpek İpekçioğlu & Goitseone Montsho

Die Performancekünstlerin Goitseone Montsho und die Berliner DJane İpek lesen Texte aus Christina Sharpes In the Wake und dem Langgedicht Zong! der kanadischen Poetin M. NourbeSe Philip. (05.12.)

Response 1 / Clémentine Deliss

Clémentine Deliss diskutiert die ungelöste Situation, in der sich ethnographische Museen in Europa befinden. Sie argumentiert, dass diese kolonialen Institutionen, die derzeit in Diskussionen darüber feststecken, wie ausgestellt werden sollte, stattdessen einen radikalen Übergang zu »Museums-Universitäten« vollziehen müssen. Indem Künstlern und Forschern verschiedener Disziplinen und Kulturen Zugang zu sogenannten ethnografischen Sammlungen gestattet wird, können neue Formen der Untersuchung und Interaktion entwickelt werden, die zwischen rigoroser transdisziplinärer Forschung, innovativer ästhetischer Praxis und Testfällen aus Recht, Wirtschaft und Mediation stattfinden. (05.12.) Response 2 / Wayne Modest

Wayne Modest fragt nach dem Einfluss kritischer Theoriebildung auf die Kuratierung ethnografischer Museen. Ausgehend von seiner Arbeit als Forscher und Kurator, denkt er darüber nach, wie mit dem schwierigen Erbe und der »postkolonialen Beklemmung« umgegangen werden kann, die zeitgenössische europäische Sammlungen und Institutionen umtreibt. (04.12.) Response 3 / Etienne Turpin

Das Museu AfroBrasil in Sao Paulo ist ein künstlerisches und ethnographisches Museum, das sich der Erforschung, Erhaltung und Ausstellung von Objekten und Werken Schwarzer Kultur in Brasilien widmet. Der Philosoph und Kurator Etienne Turpin beschreibt, warum dieses Museum das beste ist, das er je gesehen hat. (04. & 05.12.) Response 4 / Friedrich von Bose

Friedrich von Bose fragt in seiner Fußnote nach dem (ver-)störenden Potenzial der Leerstellen im Archiv für die Ausstellungspraxis. Wie können wir diese Leerstellen thematisieren und gleichzeitig offen halten für zukünftige Interpretationen und Narrative? Wie verhalten sie sich zu den vollen Museumsdepots, die ihre ganz eigenen Geschichten erzählen? Wie kann die Kritik am Museum in die Ausstellung eingehen, ohne dabei ihre transformative Kraft zu verlieren? (05.12.)

Christina Sharpe, In the Wake. On Blackness and Being, 2016

Film Programme She’s gotta have it

30.11. 2017, 9 pm S-Bahn station Jannowitzbrücke, please follow the signs (In cooperation with HIT and RUN KINO) Killer of Sheep

01.12. 2017, 8 pm Wolf Kino, Weserstraße 59 For Ahkeem

02.12. 2017, 8 pm Villa Elisabeth, Invalidenstraße 3

In the world of film and cinema, if you start digging under the surface, towards the layers slightly beneath the discourses of current affairs, you might come across an astonishing phenom enon. Amidst media hyper-production, an acute void of imag es can be discovered, which relates like an echo to the empty archives of museums and the extinguished biographies in the »Afterlife of Slavery« — the very field that Christina Sharpe and Saidiya Hartman are researching. Of course, there are a number of classics in film history dealing with the topic: Uncle Tom’s Cabin (Edward S. Porter, USA, 1903), Gone with the Wind (Victor Fleming, USA, 1939), Sankofa (Haile G erima, Burkina Faso / Ghana / Germany / USA / UK, 1993), Quilombo (Carlos Diegues, Brazil 1984), Daughters of the Dust (Julie Dash, USA 1991), and 12 Years a Slave (Steve McQueen, USA, 2013), to mention just a few, ignoring here the controversial issues which surround them, such as their narrative perspectives, »black-facing« or depic tion of bodies. Unlike films dealing with the Holocaust, for e xample, pro ductions depicting the afterlife of slavery in Africa and the Black diaspora remain rare exceptions. As misleading as a quantitative comparison might be, it has far-reaching effects, because the mere fact that films exist stimulates the production of further films. This is in contrast to productions from Africa and the Black diaspora, for with certain notable exceptions, films with African topics or Black protagonists are considered box-office poison by distributors and ratings killers by the commissioning editors of TV stations. This is not only the case in Germany. It goes without saying that not all films with this background necessarily deal with the afterlife of slavery, yet their overall scarcity in our cine mas and TV schedules enhances the dynamics. As globalization increasingly takes hold, there has been an ever-greater paucity of media visualization of the realities of Black lives in Africa and the diaspora, along with the dramatic under-representation of Black /African film professionals at an international level.

When trying to analyse the problem and seeking responsibili ties, it is easy to get trapped in a swirl of conspiracy theories and finger-pointing — at ignorant audiences, racist curators or colour-blind juries. Behind closed doors and with a hand over their mouths, Western experts might even apologetically ex press their concerns over »deficiencies in professionalism« when it comes to Black / African filmmaking; the uproar follow ing the #oscarsowhite debate in 2016 was extremely insight ful in this context. But why is it so difficult to find ways out of this dilemma? Maybe because the absence of imagery is at the same time cause and effect. Underneath the obvious, it seems that the lack of images and films does indeed trigger the imag ination’s failure to evoke curiosity and generate interest to see more. It is a vicious circle: the German audience, for example, is generally not really in synch with present-day African lives, so consequently African films — if they get a theatrical release at all — are very hard to sell, which is why distributors in turn shy away from any opportunities. Moreover, when it comes to depict ing the realities of Black lives, the expectations are suffocatingly stereotypical, and thus the escape routes for anyone trying to break away are very narrow and burdened by resentments. In association with the performances Absence. The Afterlife of Slavery and the Gaps in the Archive, the Stiftung Humboldt Forum im Berliner Schloss and Mobile Academy Berlin are pre senting three films: a documentary and two features. They de pict the aftermath of slavery — in individual biographies, in the present day, in contemporary history. The screenings begin with short personal introductions by individuals who have a special relationship to each film. The idea is to look for and discover obvious or hidden traces between the three films and the larger context. Dorothee Wenner

SHE’S GOTTA HAVE IT Spike Lee, USA 1986

The young and extremely attractive Nola Darling gets out of bed, a place where, according to her roommate, too many men find shelter. In the course of this comedy, we get to know three of the current admirers buzzing around Nola like bees around a honey pot. They are Greer, a vain model-cum-actor, conventional Jamie on the outlook for a wife, and buffoon Mars, played by Spike Lee himself. Different as they are, the three men have one thing in common: they are each convinced they can provide the best solution for Nola’s quest to find the meaning of life. But as Nola herself repeatedly explains directly to the camera — and hence to us, the audience — she doesn’t want to be owned by any of these men, nor indeed by any other. That’s a challenging set-up for this modern woman and the rather possessive men around her. Immediately after its release, this debut movie by Spike Lee became known as a landmark film which heralded the era of New Black Cinema in the USA. With its all-black cast and its political messages — which are obvious but never foregrounded — the film greatly changed the perception of Brooklyn and its emerg ing black middle class in the 1980s. Thirty years later, Spike Lee adapted the original film into a series of ten episodes for Netflix, which will be launched this year for Thanksgiving — a decisive date for the film’s narrative. In cooperation with HIT and RUN KINO VIDEO-INTRO: RICO SPEIGHT

KILLER OF SHEEP Charles Burnett, USA 1977

Stan lives with his wife and daughter in Watts, a district of South Los Angeles populated mainly by African-Americans. He is a sen sitive dreamer tormented by his job at a slaughterhouse, where he disembowels dead sheep. Frustrated by money problems, Stan finds respite in moments of simple comfort with his family: the warmth of a coffee cup against his cheek, slow dancing with his wife in the living room, holding his daughter. The film offers no solutions; it merely presents life — sometimes hauntingly bleak, sometimes filled with contagious joy and gentle humour. Charles Burnett’s thesis film at UCLA, shot on weekends in 1977 with a minimal budget, is a rarely seen masterpiece of American film history. Its rough, empathetic documentary quality has drawn comparisons to Italian neorealism, while others see the influence of John Cassavetes’ Shadows, and Burnett himself names Jean Renoir as his role model. In 1981 the film was intro duced to an international audience at the International Forum of the Berlinale; in 1990 it was named one of the fifty titles in the National Film Registry at the Library of Congress. Recently restored by the UCLA Film and Television Archive, KILLER OF SHEEP can now be seen on screen again, three decades a fter its creation. Every grainy black-and-white shot contains so much affection, so much authenticity, so much poetry and dedication that the film remains an inspiration. VIDEO-INTRO: CHRISTINA SHARPE

FOR AHKEEM Jeremy S. Levine, Landon Van Soest, USA 2017

Daje is seventeen, and just as unruly and caught up in her own thoughts as others of her age the world over. We only realize her future hangs in the balance when we see her go to juvenile court with her mother; having been expelled from school for re belliousness, she has just one last chance to get her life back on track. Yet the true gravity of her situation only gradually becomes clear — such as when we see the many names of her friends written on her notebook followed by R.I.P. and a recent date, or when Daje talks to her boyfriend about whether she — or he — might also die that young. FOR AHKEEM explores the cosmos of a young black woman in St. Louis, Missouri, not far from Ferguson, the city where Michael Brown was shot in August 2014. The film adheres to a strictly personal perspective in order to recount her upbringing in today’s United States and show the predetermined paths open to her — lined as they are with barricaded brick buildings. But it also reveals Daje’s talent at avoiding the pitfalls of being either a victim or a model student, while evolving into the impressive protagonist of a documentary film that depicts her complicated life more in the style of a poignant feature than a social reportage. VIDEO-INTRO: JIMMIE EDWARDS

FilmProgramm She’s gotta have it

30. November 2017, 21:00 Uhr Treffpunkt: S-Bhf. Jannowitzbrücke. (In Zusammenarbeit mit HIT and RUN KINO)

Killer of Sheep 01. Dezember 2017, 20:00 Uhr, Wolf Kino, Weserstraße 59 For Ahkeem

02. Dezember 2017, 20:00 Uhr Villa Elisabeth, Invalidenstraße 3

Wer zu graben beginnt, entdeckt in der Film- und Kinowelt, in den Schichten etwas unterhalb der tagespolitischen Diskurse, ein erstaunliches Phänomen. Inmitten der medialen Hyperproduktion stößt man auf einen akuten Bildermangel, der sich wie ein Echo zu den leeren Archiven der Museen und den ausgelöschten Biographien im »Nachleben der Sklaverei« verhält, über die Christina Sharpe und Saidiya Hartman forschen. Natürlich gibt es einige Klassiker in der Filmgeschichte, die sich dem Thema widmen – etwa Uncle Tom’s Cabin (Edward S. Porter, USA 1903), Gone with the Wind (Victor Fleming, USA, 1939), S ankofa (Haile Gerima, Burkina Faso / Ghana / Deutschland / USA / GB, 1993), Quilombo (Carlos Diegues, Brasilien 1984), Daughters of the Dust (Julie Dash, USA 1991), 12 Years a Slave (Steve McQueen, USA, 2013), um nur einige zu nennen – und ohne hier Erzählperspektiven, »black-facing« oder Körperdarstellungen zu problematisieren. Im Unterschied zu Filmen, die sich etwa mit dem Holocaust beschäftigen, sind filmische Auseinandersetzungen über die Auswirkungen des Sklavenhandels in Afrika und in der schwarzen Diaspora Raritäten, bleiben Ausnahmeerscheinungen. So problematisch quantitative Vergleiche auch sein mögen – sie haben weitreichende Konsequenzen, denn vorhandene Bildproduktionen beflügeln weitere Bildproduktion. Im Unterschied dazu gelten Filme aus Afrika und der schwarzen Diaspora, Filme mit afrikanischen Sujets oder mit schwarzen Protagonisten – von Ausnahmen abgesehen – unter Verleihern als Kassen gift, unter Fernsehredakteuren als Quotenkiller, nicht nur in Deutschland. Selbstredend geht es nicht in allen Filmen dieser Provenienz um die Auswirkungen des Sklavenhandels – doch ihre kaum vorhandene Präsenz in unseren Kinos und Fernsehprogrammen verstärkt das Problem. Mit fortschreitender Globalisierung wird der Bildermangel über Lebenswirklichkeiten in Afrika und der schwarzen Diaspora eklatanter, einhergeht die dramatische Unterrepräsentanz schwarzer /afrikanischer Filmschaffender im internationalen Mediengeschäft.

Versucht man eine Analyse, gerät man schnell in einen unübersichtlichen Strudel von Verschwörungstheorien und Schuldzuweisungen – mal ist es das ignorante Publikum, mal sind es rassistische Kuratoren, farbenblinde Jurys, die für die Problematik verantwortlich gemacht werden. Hinter verschlossenen Türen oder vorgehaltenen Händen wird in westlichen Fachkreisen auch öfter mal ein »Mangel an Professionalität« seitens der schwarzen /afrikanischen Filmschaffenden bejammert – die Tumulte um die #Oscarsowhite-Debatte im Jahr 2016 waren in diesem Zusammenhang sehr aufschlussreich. Warum jedoch Auswege aus dem Dilemma so schwer zu finden sind, könnte daran liegen, dass der Bildermangel gleichzeitig Ursache und Folge ist. Unterhalb des Offensichtlichen scheinen es tatsächlich die fehlenden Bilder / Filme zu sein, die die Vorstellungskraft bräuchte, um Neugierde und Interesse an einem »Mehr« zu wecken. Ein Teufelskreis: weil z. B. das deutsche Publikum relativ wenig über afrikanische Gegenwart weiß, interessiert es sich nicht für afrikanische Filme, die, wenn sie dann mal ins Kino kommen, kaum ein Publikum, somit selten Verleiher finden. Oder: weil die Erwartungshaltungen an die filmische Darstellung schwarzer Lebenswirklichkeiten erstickend stereotyp sind, werden ästhetische Befreiungsversuche aller, die auszubrechen versuchen, unter der Last der Ressentiments erschwert. Korrespondierend mit den Aufführungen Das Milieu der Toten. Teil 2: Die Leerstelle: Das Nachleben der Sklaverei und die Lücken der Archive präsentieren Stiftung Humboldt Forum im Berliner Schloss und Mobile Akademie Berlin an unterschiedlichen Orten Berlins drei Filme, die fiktiv und dokumentarisch über die Auswirkungen des Sklavenhandels in Einzelschicksalen erzählen – in der Gegenwart bzw. Zeitgeschichte. Kurze, persönlich gehaltene Einführungen von Menschen mit einem besonderen Bezug zu den einzelnen Filmen ergänzen die Vorführungen. Sie lenken den Blick auf offensichtliche und verborgene Spuren, die in diesen drei Filme einen größeren Kontext entdecken lassen. Dorothee Wenner

SHE’S GOTTA HAVE IT Spike Lee, USA 1986

Im Bett, aus dem die junge, überaus attraktive Nola Darling aufsteht, übernachten dann doch zu viele Männer, so beschwert sich zu Beginn des Films Nolas Mitbewohnerin. Drei der aktuellen Verehrer, die Nola umschwirren wie Motten das Licht, lernen wir im Verlauf der Komödie näher kennen. Es sind der eitle Greer, ein Model und Schauspieler, der konservative Jamie, der eine Frau zum Heiraten sucht und Mars, gespielt von Spike Lee, der chronisch Witze reißt und Nola zum Lachen bringt. Wenngleich komplett unterschiedliche Typen haben Nolas Männer doch etwas gemeinsam – ihre Überzeugung, die jeweils individuell beste Lösung für Nolas Suche nach dem Sinn des Lebens zu sein. Nola jedoch, die Augen direkt in die Kamera gerichtet, lässt uns, das Publikum, nicht nur einmal wissen, dass sie weder in den Besitz eines dieser drei Verehrer noch irgendwelcher anderer Männer geraten will. Eine anspruchsvolle Beziehungskonstellation für diese moderne Frau zwischen drei besitz ergreifenden Männern. Gleich nach seiner Premiere wurde das Debut von Spike Lee als Meilenstein gefeiert, als der Film, mit dem in den USA die Ära des NEW BLACK CINEMA begann. Mit ausschließlich schwarzen Darstellern und sehr präsenten, aber niemals vordergründigen politischen Botschaften veränderte der Film drastisch die Wahrnehmung von Brooklyn und der aufstrebenden schwarzen Mittelschicht in den 1980er Jahren. 30 J ahre später hat Spike Lee den Film in eine zehnteilige Serie für Netflix adaptiert, die dieses Jahr zu Thanksgiving gelauncht wird – dem Feiertag, der auch in der Geschichte des Films eine wichtige Rolle spielt. In Zusammenarbeit mit HIT and RUN KINO VIDEO-INTRO: RICO SPEIGHT

KILLER OF SHEEP Charles Burnett, USA 1977

Stan lebt mit Frau und Tochter in Watts, einem hauptsächlich von Afroamerikanern bewohnten Bezirk von South Los Angeles. Er ist ein sensibler Träumer mit einem peinigenden Job im Schlachthof, wo er die Körper toter Schafe ausweidet. Zuhause gelingt es ihm manchmal, die chronischen Geldsorgen zu vergessen, in kurzen Momenten familiärer Geborgenheit. Etwa, wenn er eine warme Kaffeetasse an seine Wange hält, mit seiner Frau tanzt oder seine Tochter im Arm hält. Der Film zeigt keine Auswege aus einem Alltag, der oft trostlos erscheint, aber auch Momente von ansteckender Freude und feinsinnigem Humor parat hält. Charles Burnetts Abschlussarbeit an der UCLA, 1977 an mehreren Wochenenden mit einem Minimalbudget gedreht, zählt zu den selten gesehenen Meisterwerken amerikanischer Filmgeschichte. Seiner ungeschliffenen, einfühlsamen dokumentarischen Qualitäten wegen wurde er mit dem italienischen Neorealismus verglichen; andere erkannten den Einfluss von Cassavetes’ Shadows, während Burnett Jean Renoir als Vorbild nennt. Das Forum der Berlinale machte den Film 1981 einem internationalen Publikum bekannt; 1990 wurde er von der Kongressbibliothek als einer von 50 Titeln in die »National Film Registry« aufgenommen. Vor kurzem vom UCLA Film and Television Archive restauriert, ist KILLER OF SHEEP drei J ahrzehnte nach seiner Entstehung wieder auf der Leinwand zu sehen. Noch immer kann der Film inspirieren – so viel Zuneigung, so viel Authentizität, so viel Poesie und Hingabe stecken in jeder körnigen Schwarzweißeinstellung. VIDEO-INTRO: CHRISTINA SHARPE

FOR AHKEEM Jeremy S. Levine, Landon Van Soest, USA 2017

Daje ist 17 Jahre alt, so widerspenstig und verträumt wie ihre Altersgenossinnen anderswo auf der Welt. Wie ernst es um ihre Zukunft steht, ahnt man, als Daje mit ihrer Mutter zum Jugendrichter muss, weil sie wegen Aufsässigkeit von der Schule geflogen ist und nur noch eine Chance bekommt. Doch erst allmählich begreift man ihre Situation: wenn man auf ihrem Schulheft die vielen Namen von ihren Freunden sieht, mit dem Kuli gekritzelt – dahinter ein R.I.P. und ein frisches Datum. Wenn Daje mit ihrem Freund darüber redet, dass sie – oder er – vielleicht auch so jung sterben werden? FOR AHKEEM erforscht den Kosmos einer jungen schwarzen Frau in St. Louis, Missouri, unweit von Ferguson, wo im August 2014 Michael Brown erschossen wurde. Aus einer strikt persönlichen Sicht erzählt der Film von ihrem Aufwachsen im heutigen US-Amerika, von den für sie vorgezeichneten W egen, den verrammelte Backsteinhäuser säumen. Aber auch von Dajes Talent, weder als Opfer noch als »Musterschülerin« zur beeindruckenden Protagonistin eines Dokumentarfilms zu avancieren, der ihr kompliziertes Leben eher wie ein bewegender Spielfilm denn als Sozialreportage zeigt. VIDEO-INTRO: JIMMIE EDWARDS

S. HARTMAN AND C. SHARPE Saidiya Hartman is a professor for English and comparative literature at Columbia University, New York, specializing in African-American liter ature, history and theory. Her writing oscillates between historiography, theory and literature in a method that she has called »critical fabulation«. A prerequisite of this method is a refusal to fill the gaps in the archive of slavery with a single unequivocal history. It means not only writing history with and against the archive, but also telling an impossible story while enacting the impossibility of telling a story that could represent the lives of those enslaved. Saidiya Hartman is the author of Scenes of Subjection: Terror, Slavery, and Self-making in Nineteenth Century America and Lose Your Mother: A Journey Along the Atlantic Slave Route. Her new book, Wayward Lives, Beautiful Experiments, will be available at the end of this year. Christina Sharpe is professor of English at Tufts University in Boston. Her work is concerned with Black visual studies, African-American literature and culture, Black queer studies, and Black diaspora studies. She is the author of two monographs on the afterlife of slavery in contemporary culture and society: Monstrous Intimacies: Making Post-Slavery Subjects and In the Wake: On Blackness and Being. In the latter, Sharpe delves into literary, visual, cine matic and quotidian representations of Black life that comprise what she calls the »orthography of the wake«. Activating multiple registers of »wake” — the path behind a ship, keeping watch with the dead, coming to conscious ness — Sharpe illustrates how Black lives are swept up and animated by the afterlives of slavery and what survives despite such insistent violence and negation.

the Participants Ulrike Bergermann is a professor for media studies with a special focus on gender and postcolonial studies at the University of Arts in Braunschweig. Her current work focuses on the »Hidden Atlantic« and on the persistence and effects of colonialism up to the present day. One of her most recent publications is the essay Sugar and Shame about the exhibition German Colonialism in the German Historical Museum. Clémentine Deliss is a curator, publisher and cultural historian who studied contemporary art and semantic anthropology in Vienna, Paris and London. Her work addresses historical and contemporary iterations of global artists’ networks, the remediation of ethnographic collections, and the articulation of artistic practice in alternative forms of education and publishing. Now based in Berlin, she is a visiting professor at ENSAPC and a visiting researcher at INHA, both in Paris. Jimmie Edwards, a judge on the Judicial Circuit of Missouri, St. Louis, is a »supporting character« in For Akheem — as a man with a key influence on the film’s protagonist, Daje. Edwards himself was raised by a single mother on the gang-ridden violent North Side of St. Louis. Familiar with issues sur rounding urban crime, in 2009 he founded the Innovative Concept Academy, an experimental school which serves as a last resort for wayward teenagers. Edwards’ efforts have gained national attention, for instance through his TEDx Talk, »Encouraging the Incorrigible — Smart on Crime«. Karin Harrasser is a professor for cultural studies at the University of Art and Design in Linz. Within the Mobile Academy Berlin, she is an expert for the manifold relations between bodies and media and the complicated relationships between the living and the dead. She is currently researching the decolonization of political media and affective technologies, through e. g. musical practices in South America in the seventeenth and eighteenth centuries. Her translation of Donna Haraway’s last book Staying with T rouble will be published soon by Campus.

Elahe Haschemi Yek ani is a professor for English and American Liter ature with a focus on postcolonial studies at the Humboldt-Universität zu Berlin. She is currently finishing her work on her new book Familial Feeling: Queer Entanglements between Early Black Atlantic Writing and the Rise of the British Novel, in which she confronts canonic novels of the late eigh teenth and nineteenth centuries, e. g. by Daniel Defoe, with the first written self-testimonies of Black British authors like Olaudah Equiano. Hannah Hurtzig founded the Mobile Academy Berlin in 1999. The Mobile Academy enacts experimental academies, theatric installations, speech acts of science, knowledge, and non-knowledge, and builds analog and dig ital archive units. Since 2009, she researches the Milieu of the Dead, and has realized various art projects, congresses, films, and Blackmarkets for Useful Knowledge and Non-Knowledge on the topic. İpek İpekçioğlu, aka DJ Ipek, is a queer-living DJ, producer and curator who is based in Berlin and Istanbul. Playing in clubs and at festivals world wide, her music has a strong political agenda relating to women, immigra tion and queer issues and upholds the principle of cultural diversity. Known as the »Queen of Eklektik BerlinIstan«, she mixes psychedelic Turkish funk with disco, Balkan folk with minimal, Anatolian folk with deep house, Kurdish halay with electro, Turkish tango with break beat, Bhangra with moombahton, dabke with reggaeton, Albanian folk with twerk, and Iranian bandari with techno. Marian Kaiser is a media theorist, writer and curator. He is currently work ing on a book titled Madness, Culture, Theory on psychiatric media in colonial situations between Asia and Europe. His work is situated between academia and culture, mostly in Berlin and often as a member of the Mobile Academy. Wayne Modest is head of the Research Center for Material Culture, the research institute of the Tropenmuseum, Amsterdam, Museum Volken kunde, Leiden, Afrika Museum, Berg en Dal and Wereldmuseum, Rotterdam. He is also professor of Material Culture and Critical Heritage Studies at the Vrije Universiteit Amsterdam. Operating between museum and academia, his work is concerned with the histories of ethnographic collecting and ex hibitionary practices in relation to colonial heritages, with a special focus on slavery.

Goitseone Montsho is a storyteller who uses oral tradition as a chan nel for her passion in activism, intersecting narratives and performance art. Storytelling and performance art gives a voice to unknown narratives and helps us all connect and understand each other better. Her poetry is inspired by tales of daughterhood, motherhood and the many shades that can form such alliances. Narratives of the black female experience are com bined with storytelling and the urge to give the next generation a better experience. M. NourbeSe Philip is a Canadian poet, writer and lawyer. Her poetic work Zong! is based on historic legal documents from the end of the eighteenth century relating to the notorious murder of Africans on board the slave ship Zong. Equal parts song, moan, shout, oath, ululation, curse and chant, Zong! collides memory, history and law, reworking them into poetic fragments. Gudrun Rath is a cultural studies scholar working at the University of Arts and Design in Linz. Her research focuses on the politics of memory and cultural theories. Currently, she is investigating narratives of the undead from a historical and transatlantic perspective. She is especially interested in the role played by figures of the undead in passing on the memory of colonialism and enslavement, but also of rebellion. She has recently edited Zombies, a special-issue of the Zeitschrift für Kulturwissenschaften /Jour nal for Cultural Studies, on her current research. Rico Speight, who is based in New York, has had a diversified career in directing, writing and producing for film, theatre and television. His doc umentary Who’s Gonna Take the Weight (1999), portraying young African- Americans and South Africans around the fall of apartheid, was premiered at the Cannes Film Festival. In 2010 and 2013 he directed a multimedia the atrical presentation of Aime Cesaire’s A Season in the Congo. Speight is cur rently producing a feature documentary on Frantz Fanon, the revolutionary psychiatrist, philosopher and political theorist. Florian Stirnemann is an architect who collaborates with raumlabor berlin and creates spaces for the Mobile Academy, the artist Phil Collins, and various exhibition venues. The mechanical arena opens and closes due to his sketches, plans, and constructions. He builds atmospheric, intuitively readable spaces. Moreover, he has a secret passion for embarrassing archi tecture which, unfortunately, he can rarely indulge in his assignments.

Etienne Turpin is a philosopher, curator and founding director of anexact office, an atelier for design research in Jakarta and Berlin. With Anna-Sophie Springer, he co-directs Reassembling the Natural, an exhibition-led inquiry into the colonial will to knowledge. They are currently curating Disappearing Legacies: The World as Forest in the Zoological Museum of the University of Hamburg, which considers the legacy of European natural science in Amazonia and the Malay Archipelago. Dorothee Wenner is a filmmaker, author and curator in Berlin, whose work is particularly concerned with filmmaking in and out of sub-Saharan Africa, e. g. for the Berlinale or the Dubai Film Festival. In her recent pro jects as a filmmaker she has dealt with image production in and about Africa. In Drama Consult (2012) she accompanied Nigerian entrepreneurs on their business trips to Germany. Kinshsa Collection (2017) is a semi-fictitious web series, created together with Congolese and Chinese filmmakers. www.kinshasa-collection.com Friedrich von Bose is a cultural anthropologist and associate at the Humboldt-Universität zu Berlin’s Hermann von Helmholtz Center for Cultur al Techniques, where he is also curator for the Humboldt Lab in the future Humboldt Forum. He is particularly interested in the potential for exhibi tions to become spaces of critical knowledge production. His ethnographic study about the planning process of the Humboldt Forum was published by Kadmos in 2016.

MAB Since being founded by Hannah Hurtzig in 1999, MAB has been enacting stage appearances and arranging creative meeting places for exchanging knowledge and non-knowledge. Over the last few years this has evolved into creating various collective learning and production spaces for commu nicating knowledge and imaginative performative installations. The current members of the MAB ensemble are: Prof. Karin Harrasser (Kunstuniversität Linz), Prof. Petra Gehring (TU-Braunschweig), Dr. Philip Ekardt (Warburg In stitute, London), Marian Kaiser (media theorist, Berlin), Sarah Lewis (cura tor, Berlin / LA), Dorothee Wenner (film curator, Berlin), Prof. Christiane Voss (Bauhaus Universität Weimar), Florian Stirnemann (architect, Berlin). Preview 2018 The Milieu of the Dead. Part 3: The Breathless Museum. Taxidermy and the sixth extinction. With a. o. Etienne Turpin and Anna Sophie Springer, Max Mönch, Alexander Lahl The Milieu of the Dead. Part 4: The Unpractised Ritual: Juristic, symbolic and diplomatic acts of past returns

THE HUMBOLDT FORUM When the Humboldt Forum opens its doors in late 2019 it will mark the es tablishment of a whole new cultural quarter in the very heart of Berlin. The participating actors are the Stiftung Preußischer Kulturbesitz (SPK) with the Ethnologisches Museum and the Museum für Asiatische Kunst of the Staatliche Museen zu Berlin, Kulturprojekte Berlin with Stadtmuseum Berlin, the Humboldt-Universität zu Berlin and the Stiftung Humboldt Forum im Berliner Schloss. In viewing the unique concentration of everyday objects, spiritual items, and works of art in the reconstructed Berlin Palace from the twin perspectives of science and art, these institutions are aiming to devise entirely innovative approaches to topical themes such as culture and nature, politics and religion, research and history. With its diverse programme of exhibitions, discussions, performances, workshops, films and artistic inter ventions, the Humboldt Forum has already developed a highly visible pres ence throughout Berlin.

S. HARTMAN AND C. SHARPE Saidiya Hartman ist Professorin für Englische Literatur und Komparatistik an der Columbia University New York, spezialisiert auf Afroamerikanische Literatur, Geschichte und Theorie. Ihr Schreiben bewegt sich zwischen Geschichtsschreibung, Theorie und Literatur in einer Methode, die Hartman als »Critical Fabulation« bezeichnet. Kritisches Fabulieren weigert sich, die Lücken und Leerstellen des Archivs der Sklaverei mit einer eindeutigen Historiographie zu überzeichnen und abzuschließen. Ein Anschreiben mit dem Archiv gegen das Archiv, um die unmögliche Geschichten der Versklavten zu erzählen, und zugleich von der Unmöglichkeit, ihre Geschichte und Geschichten aufzuschreiben. Saidiya Hartman ist Autorin von Scenes of Subjection: Terror, Slavery, and Selfmaking in Nineteenth Century America (1997) und Lose Your Mother: A Journey Along the Atlantic Slave Route (2006). Ihr neues Buch, Wayward Lives, Beautiful Experiments, erscheint Ende diesen Jahres. Christina Sharpe ist Professorin für Englische Literatur an der Tufts University in Boston und arbeitet zu Black Visual Studies, Afroamerikanischer Literatur und Kultur, Black Queer Studies und Black D iaspora Studies. Sie ist Autorin zweier Monographien über das Nachleben der Sklaverei in der heutigen Kultur und Gesellschaft: Monstrous Intimacies: Making Post-Slavery Subjects (2009) und In the Wake: On Blackness and Being (2016). Letzteres verfolgt im Rahmen einer »Orthography of the Wake« literarische, visuelle, kinematographische und alltägliche Repräsentationen schwarzen Lebens. »Wake« bedeutet hier nicht nur das »Wachen«, wie z. B. die Totenwache oder das Erlangen von Bewusstsein, sondern bezeichnet auch das »Kielwasser«, die flüchtige Spur und den Sog, die Schiffe im Wasser hinterlassen. Die verschiedenen Register des Begriffs zeigen, wie Schwarze Leben noch immer von der Geschichte und Wirklichkeit des transatlantischen Sklavenhandels heimgesucht werden – und was trotz der insistierenden Gewalt und Negation zu überleben vermag.

Teilnehmerinnen und Teilnehmer Ulrike Bergermann ist Professorin für Medienwissenschaft mit Schwerpunkten in Gender und Postcolonial Studies an der Hochschule für Bildende Künste Braunschweig. Derzeit forscht sie zu Figuren und Dingen aus dem Hidden Atlantic und zu den Persistenzen und Nachwirkungen der Kolonialität bis in die Gegenwart. Zu ihren jüngsten Publikationen zählt der Aufsatz Zucker und Shame über die Ausstellung »Deutscher Kolonialismus« im Deutschen Historischen Museum. Clémentine Deliss ist Kuratorin, Publizistin und Kulturwissenschaftlerin. Sie studierte Kunst und semantische Anthropologie in Wien, Paris und London. Sie beschäftigt sich mit globalen Künstlernetzwerken, der Revision ethnografischer Sammlungen und der Artikulation künstlerischer Praxis in alternativen Bildungs- und Publikationsformen. Sie ist derzeit Gastprofessorin an der École nationale supérieure d‘arts de Paris-Cergy und Visiting Researcher am Institut national d‘histoire de l‘art, Paris. Sie lebt in Berlin. Jimmie Edwards Richter am Judicial Circuit of Missouri in St. Louis, ist ein »Nebendarsteller« in For Akheem – mit größtem Einfluss auf Daje, die Protagonistin des Films. Edwards wuchs bei seiner alleinerziehenden Mutter im von Kriminalität geprägten Norden von St. Louis auf. Überaus vertraut mit allen Aspekten städtischer Kriminalität gründete er 2009 die »Innovative Concept Academy«, eine experimentelle Schule für Teenager, die anderswo keine Chance mehr haben. In den USA hat Edwards mit seiner Arbeit bereits viel Aufmerksamkeit erregt, u. a. durch den TED talk »Encouraging the Incorrigible – Smart on Crime.« K arin Harrasser ist Professorin für Kulturwissenschaft an der Kunst universität Linz. In der Mobilen Akademie Berlin ist sie Expertin für den homo protheticus, Parahumanität und all die vielfältigen Verhältnisse von Körpern, Technologien und Medien. Sie arbeitet gegenwärtig zur Dekolonisierung von politischen Medien und Affekttechniken, z. B. durch musikalische Regierungspraktiken in Südamerika im 17. und 18. Jahrhundert. Ihre Übersetzung von Donna Haraways letztem Buch Staying with Trouble erscheint in Kürze bei Campus. Elahe Haschemi Yek ani ist Professorin für Englische und Amerikanische Literatur und Kultur mit Schwerpunkt Postcolonial Studies an der Humboldt-Universität zu Berlin. Zurzeit beendet sie die Arbeit an ihrem Buch Familial Feeling: Queer Entanglements between Early Black Atlantic Writing and the Rise of the British Novel, in dem sie kanonische Romane des 18. und 19. Jahrhunderts z. B. von Daniel Defoe den ersten

schriftlichen Selbstzeugnissen Schwarzer britischer Autorinnen und Autoren wie Olaudah Equiano gegenüberstellt.

Hannah Hurtzig gründete die Mobile Akademie Berlin 1999. Seither entstanden experimentelle Akademie-Modelle, Inszenierungen von Sprechakten der Wissenschaften und des Nicht-Wissens, theatrale Installationen und analoge wie digitale Archiveinheiten. Seit 2009 forscht sie zum Milieu der Toten und hat hierzu Kunstprojekte, Kongresse, Filme und mehrere Schwarzmärkte für nützliches Wissen und Nicht-Wissen realisiert. İpek İpekçioğlu aka DJ Ipek lebt als DJane, Produzentin und Autorin zwischen Berlin, Istanbul und arbeitet in Clubs und Festivals auf der ganzen Welt. Ihre Arbeit hat eine starke politische Agenda zu Fragen von Gender, Queerness, Migration und folgt einem unbedingten Prinzip kultureller Vielfalt: Die »Königin von Eklektik BerlinIstan« mischt psychedelischen türkischen Funk mit Disco, Balkanfolk, Minimal, anatolischem Folk, Deep House, KurdishHalay, Elektro, bhangra, moombahton, dabke, reaggaton, twerk, iranischenBandari und Techno. Marian K aiser ist Medientheoretiker und Schreiber. Er arbeitet derzeit unter dem Titel Wahnsinn, Kultur, Theorie an einem Buch zu psychiatrischen Medien in kolonialen Situationen zwischen Asien und Europa. Oder er arbeitet als Autor, Kurator und Projektemacher im Zwischenbereich von Akademie und Kulturbetrieb, meistens in Berlin und häufig als Teil der Mobilen Akademie. Wayne Modest ist Leiter des Forschungszentrums für materielle Kultur, des Forschungsinstitut des Tropenmuseums, des Volkskundemuseums, des Afrikamuseums und des Weltkulturenmuseums in den Niederlanden. Er ist zudem Professor für Materialkultur und Critical Heritage Studies an der Vrije Universiteit Amsterdam. Im Zwischenbereich von Forschung und Museumskuratierung beschäftigt sich seine Arbeit mit der Geschichte ethnographischer Sammlungs- und Ausstellungspraxis und ihrem kolonialen Erbe, insbesondere dem der Sklaverei. Goitseone Montsho ist Geschichtenerzählerin. Sie nutzt münd liche Traditionen für aktivistische Zwecke und verbindet Erzählungen mit Performancekunst, um unbekannten Geschichten eine Stimme zu geben. Ihre Poesie ist inspiriert von Tochter-Mutter-Beziehungen und den vielen Schattierungen, die solche Allianzen entwerfen können, sie ist geprägt von schwarzen weiblichen Erfahrungen und dem Engagement, der nächsten Generation bessere Erfahrungen zu ermöglichen.

M. NourbeSe Philip ist eine kanadische Dichterin, Schriftstellerin und Anwältin. Ihr Langgedicht Zong! basiert auf historischen juristischen Dokumenten vom Ende des 18. Jahrhunderts, die sich auf die berüchtigte Ermordung afrikanischer Menschen an Bord des gleichnamigen Sklavenschiffs beziehen. In einer Sprache, die singt, flucht, klagt und heult, kollidieren in Zong! Gedächtnis, Geschichte und Gesetz und verwandeln sich in poetische Fragmente. Gudrun R ath ist Kulturwissenschaftlerin an der Kunstuniversität Linz mit Forschungsschwerpunkten zu Erinnerungspolitiken und Kultur theorien. Gegenwärtig forscht sie zu historischen, transatlantischen Narrativen des Untoten, insbesondere dazu, wie Zombie-Figuren die Erinnerung an Kolonialismen und Versklavung, aber auch an Rebellion, weitergeben. Unter dem Titel Zombies hat sie unter anderem eine Sonderausgabe der Zeitschrift für Kulturwissenschaft herausgegeben. Rico Speight arbeitet in New York als Produzent, Regisseur und Autor sowohl im Filmbereich wie auch im Theater und für das Fernsehen. Sein Dokumentarfilm Who’s Gonna Take the Weight? (1999) portraitiert junge Afroamerikaner und Südafrikaner nach dem Ende der Apartheid wurde auf den Filmfestspielen in Cannes gezeigt. 2010 und 2013 führte er Regie in einer Multi-Media-Aufführung von Aime Cesairs A Season in the Congo. Derzeit produziert Speight einen dokumentarischen Spielfilm über Frantz Fanon, den revolutionären Psychiater, Philosophen und Theoretiker. Florian Stirnemann ist bildender Architekt, der mit dem raum laborberlin kollaboriert und Räume für die Mobile Akademie Berlin, den Künstler Phil Collins und verschiedene Ausstellungshäuser gestaltet. Die mechanische Arena öffnet und schließt sich aufgrund seiner Zeichnungen, Pläne und Konstruktionen. Er baut atmosphärische, intuitive lesbare Räume. Außerdem hat er eine heimliche Leidenschaft für peinliche Architektur, die er in seinen Aufträgen leider zu selten ausleben darf. Etienne Turpin ist Philosoph, Kurator und Gründungsdirektor von anexact office, einem Atelier für Designforschung in Jakarta und Berlin. Mit Anna-Sophie Springer leitet er Reassembling the Natural, eine Serie von Ausstellungen und Publikationen über den kolonialen Willen zum Wissen. Ihre Ausstellung Verschwindende Vermächtnisse: Die Welt als Wald im Naturhistorischen Museum Hamburg (Eröffnung 18.11.) setzt sich mit dem Erbe europäischer Naturwissenschaftler in Amazonien und dem malaiischen Archipel auseinander.

Dorothee Wenner ist freie Filmemacherin, Autorin und Kuratorin in Berlin, die sich insbesondere mit dem Filmschaffen in und aus Subsahara- Afrika beschäftigt u. a. bei der Berlinale und beim Dubai Filmfestival. Als Filmemacherin hat sie sich in ihren letzten Projekten mit der Bildproduk tion in und über Afrika auseinandergesetzt. In Drama Consult (2012) begleitete sie nigerianische Geschäftsleute auf Businesstrips nach Deutschland. KinshsaCollection (2017) ist eine semi-fiktionale Webserie, die zusammen mit kongolesischen und chinesischen Filmemachern entstand. www.kinshasa-collection.com Friedrich von Bose ist Kulturanthropologe und am Hermann von Helmholtz-Zentrum für Kulturtechnik der HU Berlin Kurator für das Humboldt-Labor im Humboldt Forum. In seiner Arbeit interessiert er sich insbesondere für die Möglichkeiten der Verbindung kritischer Wissensproduktion und reflexiver Ausstellungspraxis. Seine Ethnographie über die frühe Planungsphase des Humboldt Forums erschien 2016 im Kadmos Verlag.

MAB Seit ihrer Gründung im Jahr 1999 durch Hannah Hurtzig inszeniert die MAB Bühnenauftritte und Versammlungsstätten des Wissens und Nicht-Wissens. In den letzten Jahren entstanden verschiedene kollektive Lern- und Produktionsräume zur Wissensvermittlung sowie performative Installationen. Zum Ensemble der MAB gehören derzeit: Dr. Philip Ekardt (The Warburg Institute, London), Prof. Petra Gehring (TU Braunschweig), Prof. Karin Harrasser (Kunstuniversität Linz), Marian Kaiser (Medientheoretiker, Berlin), Sarah Lewis Capellari (Kuratorin Berlin / L.A.), Florian Stirnemann (Architekt, Berlin), Prof. Christiane Voss (Bauhaus Universität Weimar), Dorothee Wenner (Filmkuratorin, Berlin). Vorschau 2018 Das Milieu der Toten. Teil 3: Das atemlose Museum. Taxidermie und das sechste Artensterben Mit u. a. Etienne Turpin, Anna Sophie Springer, Max Mönch, Alexander Lahl Das Milieu der Toten. Teil 4: Das ungeübte Ritual. Juristische, symbolische und diplomatische Akte vergangener Rückgaben

Humboldt Forum Mit dem Humboldt Forum entsteht Ende 2019 ein neues kulturelles Stadtquartier in der Mitte Berlins. Akteure sind die Stiftung Preußischer Kulturbesitz (SPK) mit dem Ethnologischen Museum und dem Museum für Asiatische Kunst der Staatlichen Museen zu Berlin, die Kulturprojekte Berlin mit dem Stadtmuseum Berlin, die Humboldt-Universität zu Berlin und die Stiftung Humboldt Forum im Berliner Schloss. Anhand einer einzigartigen Konzentration an Alltagsgegenständen, spirituellen Objekten und Kunstwerken und in Verknüpfung von Wissenschaft und Kunst eröffnen diese im rekonstruierten Berliner Schloss neue Sichtweisen auf aktuelle Themen wie Kultur und Natur, Politik und Religion, Forschung und Geschichte. Bereits jetzt ist das Humboldt Forum mit einem vielfältigen Programm aus Ausstellungen, Diskussionen, Performances, Workshops, Filmen und künstlerischen Interventionen in der ganzen Stadt präsent.

MAB Concept: Hannah Hurtzig, Marian Kaiser / Film Curator: Dorothee Wenner / Stage: Florian Stirnemann Team Video: Phillip Hohenwarter / Research: Sonja Lau / Production: Laura Weber, Eva Lämmerzahl / Sound: Jonas Hinz / Light: Fabian Bleisch / Simultaneous Translation: Lilian-Astrid Geese, Sungur Bentürk / Translation: Paul Bowman / Foto Documentation: David von Becker / Design Programme Handout: T a-Trung, Berlin / English proofreading: Tradukas Gbr Arena Stands and stage: Bartmann Berlin / Supporting steel structure: Ertl & Zull / Rail system and curtain: Gerriets The Mobile Academy’s audio archive is accessible at: audio-archive.com More information at: untot.info / mobileacademy-berlin.com

STIFTUNG HUMBOLDT FORUM IM BERLINER SCHLOSS Executive Board: Johannes Wien, Lavinia Frey, Hans-Dieter Hegner FOUNDING DIRECTORS Neil MacGregor, Hermann Parzinger, Horst Bredekamp Humboldt Forum Kultur GmbH Managing Director: Lavinia Frey / Programme & Events: Stefan Schmidtke, Philipp Hochleichter, Felipe Marineli, Franziska Oelkers / Communications: Mirko Nowak, Christian Kawalla, Michael Mathis, Tom Reichard

Many thanks to Sarah Lewis Capellari, Alexandra Heimes, Gisela Lenthin, Siddharta Locanandi, Marc Siegel, Antke Engel, Institut für Queer Theorie; Moira Hille, Akademie der Bildenden Künste Wien; Khashayar Naderehvandi, Valand Academy Göteborg A production by Mobile Academy Berlin, coproduced and organized by the Stiftung Humboldt Forum im Berliner Schloss, made possible thanks to the representative of the Federal Ministry for Culture and Media. humboldtforum.com

Performances Monday 04.12. 2017 7:30 pm Saidiya Hartman Footnotes by Ulrike Bergermann (Un/Picturability), Karin Harasser (Historiography), Gudrun Rath (Zombi) 8:30 pm Responses by: Wayne Modest (Postcolonial Anxiety) and Etienne Turpin (Museu AfroBrasil) Tuesday 05.12. 2017 7:30 pm Christina Sharpe Footnotes by Elahe Haschemi Yekani (Archives & Affects), Goitseone Montsho and İpek İpekçioğlu (Recitation & spoken word) 8:30 pm Clémentine Deliss (Museum University) and Etienne Turpin (Museu AfroBrasil) and Friedrich von Bose (Blank Spaces That Disturb) Doors Open 6:30 pm St. Elisabeth-Kirche, Invalidenstraße 3, 10115 Berlin Admission free, please register via events.humboldtforum.com Limited number of seats in the mechanical arena. We also offer additional seating and a video live stream at Villa Elisabeth. Film programme Thursday 30. 11. 2017, 9:00 pm She’s Gotta Have It (Spike Lee) Meeting Point: S-Bhf. Jannowitzbrücke (In cooperation with HIT and RUN KINO) Admission free, no registration required Friday 01.12. 2017, 8:00 pm Killer of Sheep (Charles Burnett) Wolf Kino, Weserstraße 59 Admission free, register by 30.11. 2017 Saturday 02.12. 2017, 8:00 pm For Ahkeem (Jeremy S. Levine, Landon Van Soest) Villa Elisabeth, Invalidenstraße 3 Admission free, register by 01.12. 2017 Registration via: events.humboldtforum.com