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¡¡Lea y difunda!!


SUMARIO

09 / 2013

36 Georges Mèliés

58 Downton Abbey

Considerado uno de los padres del cine. Hacemos un recorrido por su historia y su Filmografía.

Exploramos a fondo una de las series más exitosas que ha dado la parrilla de televisión del Reino Unido.

Vicente Vértiz.

Mireia Rodríguez.

54 “Mini-Hollywood”

66 Comedias con Historia

La ciudad Andaluza de Almería se convirtió en lugar de rodaje numerosísimas películas, pero ¿qué queda de todo eso? Ana Pérez.

Aprender Historia a través del cine y además de forma divertida de la mano de Luigi Magni y los Monty Python. Javier Calvo.


SECCIONES 8 Lo que no te tienes que creer

72 Biopics

Gladiator

Alfredo Landa

Cinco mentiras que no tienes que tener en cuenta de la Roma Imperial en Época de los emperadores Marco Aurelio y Cómodo. Javier Calvo.

14 Comentarios del Lector 16 Historia del Cine El Cine Mudo Repasamos el origen del Cine a través de los grandes actores y actrices de los comienzos del Séptimo Arte. Vicente Vértiz.

Tras su reciente muerte, analizamos su carrera cinematográfica y su impacto en la sociedad. Ana Pérez.

78 Más Allá de las Cámaras

22 Vestuarios de Cine

Anécdotas y curiosidades sobre películas, actores, directores, rodajes...

Paco Delgado

82 Amores de Cine

Entrevista a Paco Delgado, nominado a los Oscar 2013 por el vestuario de Los Miserables. Ana Pérez.

30 Pequeños Grandes Detalles Cuestiones y detalles que a lo mejor a primera vista se te escaparon, pero estaban ahí, y son parte esencial de las películas. Mireia Rodríguez.

52 En Rodaje Los amores más sonados dentro y fuera de la pantalla. Mireia Rodríguez.

96 Pasatiempos


EDITORIAL DIRECCIÓN

LOS ORÍGENES DEL

REDACTOR/A JEFE REDACCIÓN SECRETARÍA DE REDACCIÓN MAQUETACIÓN COLABORADORES

CINE COMO PARTE DE LA HISTORIA

DISEÑO

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N

ormalmente, cuando se habla de los orígenes del Cine, lo primero que se nos viene a la mente son los hermanos Lumière y su cinematógrafo, con el que grabaron

numerosas películas, si bien es cierto que ellos mismo no creían en las posibilidades de su propio invento. Sin embargo, hubo un hombre que sí creyó firmemente en

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este nuevo aparato. Tal es así, que desde un primer momento lo concibió para plasmar todo tipo de mundos de ilusión y fantasía, al principio sólo alcance de algunas mentes, pero gracias a la suya, podrían llegar a todos los públicos a través de sus películas, llenas de imaginación, con viajes espaciales, dragones que escupían fuego, muertos vivientes y todo un sinfín de mundos a todo color.

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Georges Mèliés se convirtió así en un maestro del cine,

PRESIDENTE

adquiriendo un enorme éxito, exhibiendo sus películas por todas partes. Sin embargo, la Gran Guerra se lo llevó todo. Incluida su ambición por plasmar nuevos mundos. Se podría decir que se le acabó la imaginación tras ver el mundo real con sus propios ojos.


Lo que no te tienes que creer Cinco mentiras sobre Gladiator que debes tener en cuenta para entender la Roma del siglo II d.C.

Gladiator (Ridley Scott, 2000), es un claro ejemplo de que Cine e Historia pueden ir de la mano. La oscarizada película estuvo asesorada por expertos en la Roma del siglo II d. C., sin embargo, director, guionistas y productores se tomaron ciertas licencias históricas a favor de una trama mucho más intrigante. Esto provocó que uno de los asesores renunciara a tales labores, y que otro, pese a participar hasta el final del rodaje, pidiera no salir en los créditos del film. Por eso, en esta sección pretendemos desmantelar cinco de esas licencias históricas, para dar un mejor conocimiento del Imperio Romano a través de una buena película.

Javier Calvo de Luis


LO QUE NO TE TIENES QUE CREER

GLADIATOR

1.- LA BATALLA EN EL BOSQUE Hay errores que sólo se cometen una vez

L

a secuencia con la que comienza la

Considerada

película es una batalla que tiene

catástrofe, apartir de ahora sólo se

lugar en un bosque, aparentemente

llevaron a cabo batallas en campo

bastante frondoso, contra una horda de

abierto.

guerreros bárbaros.

como

una

auténtica

Sin embargo, si tenemos en cuenta la formación de los soldados, sus vestimentas y su armamento, nos damos cuenta de que la recreación para esta secuencia inicial es objeto de un largo estudio, pues la

Tanto las fuentes escritas (Dión Casio, Flavio

Josefo)

como

los

restos

arqueológicos, han demostrado que sólo hubo una vez en la que el ejército romano tomara parte en una batalla forestal: la batalla de Teutoburgo (año 9 d. C.). En esta batalla el ejército romano

sufrió

una

importante

emboscada por parte de una coalición de pueblos germanos, encabezada por la tribu de los queruscos y su caudillo Armenio.

fidelidad hacia los objetos originales es evidente.


LO QUE NO TE TIENES QUE CREER

GLADIATOR

2.- ¿VUELTA A LA REPÚBLICA? Marco Aurelio y la expansión de Roma

L

a siguiente escena a destacar es la

el sistema imperial y devolver la

conversación

República a Roma a través del Senado.

que

tienen

el

emperador Marco Aurelio (Richard Harris), y el jefe al mando de sus tropas, y protagonista de la cinta, Máximo (Russel Crowe).

decir a su comandante que el Imperio está podrido, y que en los años que él lleva al mando del Imperio Romano, lo único que ha hecho ha sido “aportar la por

lo

sabemos que bajo el

mandato de este emperador el Imperio gozó de gran popularidad, la expansión que llevó a cabo fue bastante estable

En este diálogo, el emperador llega a

espada”,

Sin embargo,

que

siente

remordimientos y quiere devolver al pueblo el gobierno, es decir, abandonar

Por esta razón, la muerte de Marco Aurelio ha sido considerada como el fin de la época de mayor prosperidad del Imperio, la conocida como la Pax Romana.


LO QUE NO TE TIENES QUE CREER

GLADIATOR

3.- CÓMODO EL EMPERADOR Compartió mandato con su padre

O

tra secuencia a destacar es la que

que compartió gobierno con él durante

implica al emperador Marco

tres años.

Aurelio, y a su hijo, en teoría sucesor en el mandato del Imperio, Cómodo (Joaquin Phoenix).

Es posible que la elección de Cómodo se debiera a la simple ausencia de otros candidatos o al miedo de que una

Aquí tenemos de nuevo una versión

sucesión incierta diera pie al inicio de

que no se corresponde con la realidad.

una guerra civil.

Es cierto que Cómodo sucedió a Marco Aurelio (algo que no se hacía desde época de Tito en el siglo anterior. Se convirtió en un líder político y militar paranoico, tremendamente egoísta y afectado por problemas neuróticos, pero no sólo no mató a su padre, sino


LO QUE NO TE TIENES QUE CREER

GLADIATOR

4.- ARMAS PROHIBIDAS Ni la Guardia Pretoriana podía llevarlas

S

iguiendo con la trayectoria de la película, una vez que Cómodo llega

al poder, ha de reunirse con los miembros del Senado para discutir sobre las líneas políticas que seguirá el joven emperador. Es aquí donde se produce una escena curiosa. Ni siquiera la Guardia Pretoriana estaba El emperador aparace portando una

autorizada a llevar armas, aunque era

espada que incluso desenvaina y la

bastante

utiliza a modo de amenaza, acción

escondida bajo la toga.

completamente ilegal, pues todo tipo de armas estaban prohibidas por razones religiosas y tradicionales.

común

llevar

una

daga


LO QUE NO TE TIENES QUE CREER

GLADIATOR

5.- LAS MUJERES Y EL SENADO Detrás de las cortinas

E

n la misma secuencia donde

En realidad hubo muy pocos ejemplos

aparece

la

en los que una mujer pudiera siquiera

Guardia Pretoriana portando armas en

entrar en la Curia, lugar donde se

la reunión con el senado, coincide un

reunía el Senado. Y muy lejos quedaba

nuevo error: la presencia de Lucila

el que pudieran participar en la

(Connie

Asamblea.

el

emperador

Nielsen),

hermana

y

del

emperador.

Las pocas que lo lograron lo hicieron

Pero no sólo eso, sino que además

siempre detrás de unas cortinas para

interactúa con uno de los senadores,

no ser vistas, ya que podían incluso

tomando nota de lo que queda

condenarlas a pena de muerte si esto

pendiente por resolver.

llegara a suceder.

Para saber más: LIBRO: Marco Aurelio, Meditaciones, Biblioteca Clásica Gredos, Madrid, 1994. PELÍCULA: La Caída del Imperio Romano (Anthony Mann, 1964).


El ORÍGEN  DEL  SÉPTIMO  ARTE     UNA  BREVE  HISTORIA  DEL  CINE  MUDO  

  Aunque   no   hay   duda   de   que   el   cine  

decir: la   narración   de   una   historia  

nació en   Francia   en   1895   cuando   los  

mediante la   presentación   continua   de  

hermanos Lumiere   presentaron   su  

una secuencia  de  imágenes  a  intervalos  

primera película   de   pocos   segundos   de  

regulares para   crear   la   sensación   de  

duración, el   origen   del   cine   como  

movimiento; en   realidad   estas   películas  

género artístico  es  muy  debatible  ya  que  

contienen elementos   únicos   que   las  

necesitó varias   décadas   para   adquirir  

destacan constituyendo   un   genero  

todas las   características   que   lo   definen  

propio dentro  del  cine.  

actualmente como   color   o   sonido.  

Aunque estas   primeras   filmaciones,  

nombre sugiere   el   cine   mudo   –también  

conocidas popularmente   como   “cine  

llamado silente–  es  aquel  que  no  cuenta    

mudo”, ya   cuentan   con   los   elementos  

con sonido  grabado  o  sincronizado  y  en  

fundamentales que   definen   al   cine,   es  

particular carece  de  lenguaje  hablado  y    

En primer   lugar,   como   su  


únicamente emplea   imágenes   como  

Title Writing”);  el  premio  no  se  volvió  a  

elementos narrativos.   En   el   cine   silente  

repartir en   las   ediciones   posteriores  

los diálogos  se  transmiten  al  espectador  

debido a  que  los  intertítulos  dejaron  de  

mediante gestos   faciales   y   mímica   y  

emplearse comúnmente   con   la   llegada  

mediante la   inserción   de   cuadros   de  

del cine   sonoro.   El   único   ganador   de   la  

texto denominados   intertítulos.   Estos  

preciada estatuilla   en   esta   modalidad  

aparecían en  diversos  momentos  de  las  

fue Joseph  Farnham.  

película y  se  empleaban  para  comunicar   el   dialogo   de   algún   personaje,   o   se   añadía   información   narrativa   que   podía   o   no   estar   expresada   a   través   de   las   imágenes  de  la  película  en  cuestión.     Los   intertítulos   se   volvieron   imprescindibles   cuando   las   primeras   películas  

adquirieron

la

duración

suficiente como   para   que   las   imágenes   necesitaran   diálogos   o   explicaciones   para   tener   sentido.   El   primer   uso   documentado   de   intertítulos   fue   en   1901  en  la  película  británica  Scrooge,  or   Marley´s   ghost.   Estos   se   volvieron   sumamente   estilizados   y   adquirieron   tanta   importancia   que   sus   escritores   aparecían  en  los  créditos  de  las  películas   dándoseles   el   mismo   renombre   que   a   los   guionistas.   Incluso   en   la   primera   entrega   de   los   Premios   de   la   Academia   (Premios   Óscar)   se   otorgó   un   galardón   al  “Mejor  escritor  de  Intertítulos”  (“Best  

Polémico intertítulo  de  El  nacimiento  de  una   nación  (1915).    

Aunque lo  intertítulos  dejaron  de   emplearse   como   mecanismos   narrativos   con   la   consolidación   del   cine   sonoro   a   finales   de   la   década   de   los   treinta,   en   películas   modernas   aún   es   común   usarlos   para   o   separar   varios   actos   o   momentos   o   incluir   un   epígrafe   en   el   que  se  suele  explicar  brevemente  lo  que   sucedió   con   ciertos   personajes   o   eventos   después   de   la   conclusión   de   la   historia.   Por   otra   parte,   aunque   los   desafíos   técnicos   hicieron   imposible   insertar   sonido   en   las   películas   hasta   el  


perfeccionamiento

del

tubo

amplificador de   audio   en   la   década   de   los   veinte;   en   realidad   la   idea   de   sincronizar   imágenes   en   movimiento   con   grabaciones   de   audio   es   casi   tan   antigua   como   el   cine   en   si.   Es   por   ello   que  

las

películas

mudas

se

caracterizaban por   ir   acompañadas   desde   un   primer   momento   por   música   en   vivo,   ya   que   desde   las   primeras   películas   de   los   hermanos   Lumiere   se   consideró  

que

imprescindible

la para  

música generar  

era la  

atmósfera y   provocar   emociones   en   el   público.   Por   la   misma   razón   incluso   se   llegó   a   contratar   músicos   para   que   tocaran   en   los   sets   durante   las   filmaciones.     Las  

salas

de

proyección

pequeñas en   pueblos   y   suburbios   usualmente   tenían   únicamente   un   pianista   para   musicalizar   las   películas,   pero   en   las   grandes   salas   de   las   principales   ciudades   se   llego   a   contar   con   órganos   e   incluso   pequeñas   orquestas.   Los   órganos   de   las   salas   de   cine   solían   tener   una   amplia   gama   de   efectos   sonoros   que   permitían   suplir   algunos  instrumentos.    

En las   primeras   películas   que   se   musicalizaban  

al

proyectarse

se

improvisaba con   música   clásica   o   teatral.   Las   películas   que   llegaban   a   las   salas   de   cine   solían   ir   acompañadas   de   hojas   con   notas   extensas   sobre   los   ánimos   y   las   emociones   que   cada   escena   pretendía   producir   para   que   se   musicalizara   de   forma   apropiada.   Posteriormente,  se  comenzó  a  recopilar   la   llamada   música   de   Photoplay   compuesta  

específicamente

para

acompañar los   films.   Desde   la   música   original  compuesta  por    Joseph  Carl  Breil   para   El   nacimiento   de   una   nación   (1915)   de   D.   W.   Griffith   se   volvió   relativamente   común   que   las   películas   de   alto   presupuesto   contarán   con   música   compuesta   específicamente   para   estas.   A   pesar   de   esto   algunos   intérpretes   solían   lucirse   haciendo   improvisaciones   para  momentos  específicos  de  la  trama.    


También fue   frecuente   que   en  

composiciones musicales   ya   existentes,  

caso de   contar   con   órganos   capaces   de  

las

reproducir efectos   sonoros   como   por  

específicamente para   la   película,   las   que  

ejemplo el   galope   de   un   caballo,   los  

adaptan otras  piezas  hechas  igualmente  

incluyeran en  escenas  apropiadas  como  

para el   cine   y   las   que   se   improvisan  

pro ejemplo   persecuciones   montadas,  

completamente

aún cuando   no   estuviera   señalado   que  

proyección. Aunque   durante   muchos  

lo hicieran.   A   comienzos   del   siglo   XX   la  

años el   interés   por   la   música   del   cine  

musicalización de   películas   en   salas   de  

mudo decayó   enormemente,   desde   la  

cine era   la   principal   fuente   de   empleo  

restauración de   Metropolis   (1927)   en  

para músicos  en  Estados  Unidos  y  otros  

1984 donde  se  incluyo  nueva  música  de  

países,

Giorgio Moroder,   este   ha   comenzado   a  

aunque

esto

cambió

rápidamente en  la  década  de  los  treinta  

que

fueron

en

compuestas

la

sala

de

recuperarse.

con la   llegada   del   cine   sonoro   que  

Por último,   otra   característica  

coincidió con   la   Gran   Depresión   lo   que  

del cine   mudo   es   la   actuación   que   se  

fue devastador  para  los  músicos.  

distingue de  películas  posteriores  por  el  

mayor énfasis   de   los   actores   en   el   lenguaje   corporal   y   las   expresiones   faciales   exageradas,   con   lo   cual,   buscan   suplir   la   carencia   de   diálogo.   Esta   expresividad   es   mucho   más   importante   que   el   realizar   una   interpretación   realista   ya   que   es   más   comunicativa.   Este   énfasis   melodramático   también   se   puede   explicar   en   el   hecho   de   que   los   Aunque   no   sobreviven   muchos  

ejemplos, las   bandas   sonoras   de   las   películas   silenes   se   pueden   clasificar   en   cuatro   tipos:   las   que   interpretan  

primeros actores   de   cine   estaban   formados   en   el   teatro   por   lo   que   sus   interpretaciones   están   profundamente  


marcadas por   su   experiencia   en   el  

Sin embargo,   otros   directores   como  

escenario.  

John Griffith   Wray   apoyaban   las  

actuaciones sumamente   expresivas.   Se  

trata de   una   cuestión   que   dividió   a   la  

opinión pública.   Para   mediados   de   los  

años veinte,   muchas   películas   mudas  

habían

naturalista aunque  no  fue  una  tendencia  

adoptado

un

estilo

más

aceptada por   todos   los   directores   y   actores.   En   fechas   tan   tardías   como   Clara  Bow.  Famosa  actriz  norteamericana  del   cine  m udo.  

La presencia  de  actores  de  teatro  

1927 aún   se   estrenaban   películas   con   actuaciones   como  

sumamente

Metropolis.

A

expresivas muchos  

en el   cine   irritó   a   algunos   críticos   que  

espectadores les   gustaba   el   estilo  

deseaban

extravagante

interpretaciones

más

de

las

actuaciones

naturales, como   el   director   Marshall  

expresivas ya   que   lo   consideraban   un  

Neilan quien   en   1917   expreso:   “Cuanto  

mecanismo de  evasión  del  mundo  real.  

antes la   gente   del   escenario   que   ha  

pasado a  las  películas  se  marche,  mejor   para  las  películas”.            

Icónica imagen  de  Metrópolis  (1917).  

La llegada   del   cine   sonoro  

supuso una  rápida  transformación  en  la  

El  director  Marshall  Neilan  en  1920.  

manera en   que   se   hacían   películas.   Aunque   Tomas   Alva   Edison   ya   había   realizado  experimentos  para  sincronizar   película   con   bandas   sonoras   desde  


1896, la   tecnología   básica   para   hacerlo  

permitían reproducir  sonidos  en  voz  alta  

no estuvo   disponible   hasta   comienzos  

y con   buena   calidad   como   el   RCA  

de la   década   de   los   veinte   cuando   se  

Photophone (1928).

desarrollaron varios   inventos   que    

Premier de  El  cantante  de  Jazz  (1927),  primera  película  con  sonido,  que  supuso  el  abandono  gradual   del  cine  mudo.    

Con la   llegada   de   la   primera   película   sonora   El   cantor   de   Jazz   (1927),   el   sonido   comenzó   a   ganar   terreno   en   la   industria   del   cine   y   en   tan   sólo   dos   años,   en   1929   la   mayoría   de   las   películas   que   se   estrenaron   ya   contaban   con   sonido.   Una   década   después,  a  finales  de  los  años  treinta,  la  producción  de  películas  mudas  prácticamente   había  llegado  a  su  fin.    

Vicente  Vértiz  


VESTUARIOS DE CINE

LOS MISERABLES AL DESNUDO Entrevista a Paco Delgado, nominado al Óscar a mejor vestuario Los Miserables, novela de Victori Hugo publica- también analiza el impacto de las acciones de da en el año 1962, estrenó su adaptación en Valjean a través de reflexiónes sobre la socieforma de músical en el pasado mes de Diciem- dad. bre de 2012. Victor Hugo se inspiró en Eugène Con cuatro nominaciones a los Globos de Oro, François Vidocq, delincuente que acabó siendo incluyendo mejor película de comedia. Ganadopolícia.

ra del SÉPTIMO a la Mejor Actriz de Reparto

La novela transcurre en Francia, en ambientes para ANNE HATHAWAY en la VIIIª edición de la rurales y capitalinos. Narra las vidas y las relaci- Copa de Cine 'El Séptimo Arte' (año 2012). Nos ones de varios personajes durante un periodo gustaria destacsar la nominación del diseñador de veinte años, a principio del siglo XIX, en las español Paco Delgado por haber vestido de forcuales transcurren las gurras Napoleónicas.

ma rigurosa y excepcional a todos los persona-

Resalta los esfuerzos del protonista, el ex- jes del músical. presidario Jean Valjean, por redimirse, pero


VESTUARIOS DE CINE Cuando Paco Delgado define el vestuario de la película musical del año lo hace como «realista con un toque fantástico». Para encontrar ese punto de fantasía, busquen los colores, especialmente los de la bandera francesa, y la vestimenta más arriesgada de las prostitutas o el matrimonio Thénardier Diseño español con sabor a Óscar Paco Delgado, diseñador español que ha participado en producciones como La mala educación, Los crímenes de Oxford y Balada tristre, entre otros, ha sido nominado a los Óscar su trabajo en la producción de Los Miserables. Delgado y Tom Hooper, el director de Los Miserables, habían trabajado juntos en un anuncio en España y al terminar, el inglés prometió llamarle para un proyecto sobre «Los Miserables». «Pensé que se olvidaría de mí, pero para mi sorpresa, a los nueve meses me llamó y me propuso esta maravilla de trabajo», cuenta el diseñador canario. “Estoy muy orgulloso de haber participado en esta película tan especial, y muy contento por todo el reconocimiento en forma de nominaciones para mí y para todo el gran equipo de vestuario que me ayudó en esta gigantesca empresa”

(con Sacha Baron Cohen y Helena Bonham Carter). «El color nos recuerda que es un musical pese a contar una historia tan triste». Tom Hooper le propuso, que como en los cuadros de los pintores de la época, se repitiesen los colores de Francia. «El rojo se puede ver en escenas del principio con los convictos y en las chaquetas de los revolucionarios, el azul en la factoría donde trabaja Fantine (Anne Hathaway) y el blanco en el personaje Cosette (Amanda Seyfried)». Pero si tiene que quedarse con un personaje, ese es Jean Valjean (Hugh Jackman). «Es el protagonista, aparece en toda la película y su evolución –de convicto a persona respetable- es la más interesante». En su indumentaria se puede traducir: pasa de colores violentos y texturas rugosas a refinarse y llevar combinaciones más complejas.


VESTUARIOS DE CINE «Tanto en la vida real como en el cine, adivi- ñar al espectador. Indudablemente el vestuanamos la personalidad a través del vestuario. rio es la referencia más cercana a quién es el Pero también lo podemos utilizar para enga- personaje y en qué época está».

Para no errar ni en aspectos de su psicología moda y casas de vestuario en Londres, Mani en los históricos, su fuente primordial fue drid o París para buscar y ver tejidos, telas, la obra de Víctor Hugo («llena de referencias texturas de la época (el siglo XIX en Francia). a la ropa y costumbres»). "Sólo fui a ver el montaje que hay ahora mismo en Londres, y porque me lo pidieron los productores [que también son productores de la obra]. Me pasé un fin de semane entero en el Louvre tomando notas y sacando fotos de los cuadros más famosos y de otros no tanto pero que retrataban la vida cotidiana. Todo lo que se ve en la película está sacado de Delacroix, Courbet, Goya y, sobre todo, Ingres, uno de los pintores que más me ha influido siempre en mi trabajo". También visitó musesos de


VESTUARIOS DE CINE Como curiosidad, recuerda el revuelo que ha Realismo: "Es lo primero de lo que me habló causado en la prensa internacional cuando Tom [Hooper]. Quería que la película tuviese contó que Anne Hathaway pidió zapatos ap- una base muy realista, pero al mismo tiempo tos para veganos. Pero lo que pocos saben es que fuera algo con imaginación, puesto que que uno de sus personajes y actrices predi- un musical, algo no real. Un balance entre la lectas, Helena Bonham Carter, le comentó realidad y la imaginación [algo que también que su madre era madrileña. Entonces, el venía de hacer en Blancanieves, de Pablo diseñador canario decidió incluir en su ves- Berger]. Tom además quería color, que no tuario referencias a la cultura española: «El nos dejáramos llevar por la tristeza de la pelíprimer corpiño que luce está lleno de borda- cula y se volviera todo gris". Los estudiantes dos de torero del siglo XIX». Y es que, según visten la tricromía de la bandera francesa, las el diseñador, conocer al actor es primordial calles están llenas de color a pesar del horripara desarrollar su trabajo. «Sin conocerles ble momento que retrata la historia... personalmente es muy complicado, es a partir de hacerlo cuando comienzo a dibujar. Como curiosidad, recuerda el revuelo que ha causado en la prensa internacional cuando contó que Anne Hathaway pidió zapatos aptos para veganos. Pero lo que pocos saben es que uno de sus personajes y actrices predilectas, Helena Bonham Carter, le comentó que su madre era madrileña. Entonces, el diseñador canario decidió incluir en su vestuario referencias a la cultura española: «El primer corpiño que luce está lleno de bordados de torero del siglo XIX». Y es que, según el diseñador, conocer al actor es primordial para desarrollar su trabajo. «Sin conocerles personalmente es muy complicado, es a partir de hacerlo cuando comienzo a dibujar.

“Fantine (Anne Hathaway) aporta el color en la fábrica. Todas visten de color azul y gris y ella, con su camisola rosa, aporta color a una escena monótona y triste”


VESTUARIOS DE CINE La ambientación de la ropa "Era una de las uno de los niveles más altos de pobreza. cosas que Tom tenía más claro: la ropa ne- Francia vivía un momento horrible. Y todo cesitaba estar muy ambientada [tratada, eso se tenía que reflejar en la ropa. Por eso, envejecida...]. El propio título ya lo dice Los diseñabamos y creabamos ropa que luego miserables. Es la ropa de un momento en el debía ser rasgada y manchada con tierra, que París era una de las metrópolis más im- polvo, etc.". portantes del mundo pero era donde había

“Russell Crowe: "Ha sido el único que se ha llevado una versión de cada uno de sus uniformes para su museo personal. Siempre se lleva algo de sus películas". "El resto del vestuario no sé qué pasará con él, se lo queda la productora, no tengo ni idea de dónde lo guardan. Si la película tiene éxito quizá algún día hagan una exposición.”


VESTUARIOS DE CINE que les ha ayudado muchísimo con sus personajes. Yo les enseñaba lo que iba a hacer y ellos me hacían sugerencias. Por ejemplo, Hugh Jackman quería que su ropa estuviera más acolchada, parecer más grande para demostrar el ascenso social de su personaje Jean Valjean". "Me gusta mucho la ropa de Anne [Hathaway]. Su vestuario lo fuimos ensombreciendo, oscureciendo, del cálido rosa inicial, donde destaca entre la fábrica, para destacar la evolución trágica y extrema delgadez de Fantine". "También me gusta mucho el de "Mi trabajo es a muchas bandas: lees el Amanda Seyfried [Cosette]. Y los Thénardier guión, hablas con el director, con el diseña- [foto arriba con Helena Bonham Carter] fuedor de producción, con el operador, con los ron los más divertidos porque su comicidad actores... Estos últimos en general creo que dentro de la historia te permite jugar más". han estado muy contentos con su ropa, creo


VESTUARIOS DE CINE

"Había días que vestíamos casi a mil personas en el set. Es una dimensión desconocida para mí y para el cine español. En total habremos vestido a unas 4.500 personas. Hemos hecho más de 1.500 trajes...". "Cornejo [la sastrería española] hizo cerca de 800 trajes, toda la figuración, los estudiantes, algunos uniformes, los mendigos, las mujeres de la fábrica...". Paco Delgado dibujaba él mismo sus figurines jugando con los bloques de color y las formas y cortes sencillos, su marca personal. Él mismo diseñó los trajes de los protagonistas.

"Tengo muy claro que uno de mis lugares es por primera vez en La mala educación. mi país, que es España. Las historias que se cuentan aquí son las historias que me llegan. No quiere decir que no me interesen proyectos de esta escala y que tengan unos valores universales que nos atañen a todos", asegura, y solo tiene buenas palabras para Pedro Almodóvar ("sabe perfectamente lo que quiere", dice) y con quien trabajó

Aunque es consciente de lo vistoso del resultado de una película de época como Los miserables, subraya que es más meritorio para él haber recreado la Barcelona contemporánea y marginal en Biutiful, de Alejandro González Iñárritu.


VESTUARIOS DE CINE

Delgado alude al buen momento que viven Lo más difícil de su trabajo en Los Miseralos técnicos artísticos españoles, sobre todo bles (dirigida por Tom Hooper y protagonizade cara a la proyección exterior. "En general, da por Hugh Jackman, Russell Crowe, Anne el cine tiende, como casi todo lo que vemos, Hathaway y Amanda Seyfried) ha sido "llevar a una revolución general, lo que hace unos adelante una historia tan conocida por el años llamábamos la aldea global y que ahora público y hacerla original sin perder de vista nadie nombra desde la crisis. Formamos par- las raíces de donde venía", revela recordante de un entorno en el que hay menos fron- do que el filme parte de un musical que han teras, nuestro cine se tiene que aliar con visto 80 millones de personas y que ha estaotras cinematografías para poder subsis- do en el West End londinense durante 25 tir frente a los gigantes americanos. Eso es lo años. e esqutá pasando", indica. Delgado ha trabajado junto a diseñadores En este sentido, indica que los profesionales como Jean Paul Gaultier en La piel que habiestán más preparados, hablan idiomas y es to

y

fue

responsable

del

vestuario

"mucho más fácil coger un avión y plantarte de Biutiful de Alejandro González Iñárritu. En en Inglaterra para trabajar". Además, indica, la actualidad trabaja para el nuevo film de "tenemos una cinematografía con una cali- Álex de la Iglesia, Las brujas de Zugarramurdad excelente, se ven los frutos de los técni- di. cos y actores que trabajamos en ella".

Ana Pérez


La réplica perfecta del buque de los sueños

Pequeños grandes detalles

James Cameron durante el rodaje dando indicaciones a Kate Winslet y Leonardo Dicaprio

El Titanic se convirtió en la obsesión de James Cameron, quien quiso recrear cada detalle del mítico barco. La misma comida servida en una réplica exacta de la vajilla, alfombras fabricadas por la misma empresa que las realizó para el Titanic en 1912… El director se ayudó de mapas, diagramas y planos para reproducir de la forma más fiel posible tanto las características del barco como el relato del hundimiento. A continuación desvelamos algunas curiosidades del rodaje de esta película, que aún sigue conmocionando tras 16 años desde su estreno. Mireia Rodríguez


Pequeños grandes detalles

1 James Cameron fue el autor del retrato que realiza Jack de Rose en la película. De hecho, la mano que aparece en la mítica escena es del director. En 2011, el dibujo fue subastado por 11.200€. 11.200

2 La imagen de la derecha muestra una escena en la que un niño juega a la peonza con su padre en la cubierta de primera clase. Es la réplica de una fotografía original tomada en el TItanic.


Pequeños grandes detalles

3 Tanto los actores como los extras, siguieron cursos dirigidos por Lynne Hockney para aprender a comportarse según los usos y costumbres de la época. Hockney produjo Titanic Etiquette, vídeo donde se explicaban los modales de principios del siglo XX.

4 El hombre a quien examinan en esta escena para comprobar que no tenga piojos, es el propio James Cameron.

5 Las Señoritas de Avignon (Picasso, 1907) se exhibieron por primera vez en 1916, por lo que no es posible que cuatro años antes las poseyera nadie. Además, de haber viajado a bordo del Titanic, nunca hubiéramos podido contemplarla. Lo mismo sucede con las obras de Monet, Braque o Degas D que aparecen en el film.


Pequeños grandes detalles

La Maria Antonieta más moderna

E

n 2006, Sofia Coppola, hija del célebre director Francis Ford Coppola, presentaba su particular versión de

Marie Antoinette. La banda sonora del film, que combina temas punk con piezas barrocas de la época, no fue suficiente para la directora, quien ofrece algún toque más de modernidad como la escena que se presenta a continuación. Seguro que estas zapatillas Converse que se cuelan cue entre los zapatos de la reina, pasaron desapercibidas para mchos espectadores. La película, que concede una gran importancia a la estética y la caracterización de los personajes, consigue

reflejar

el

estilo

preciosista

de

Versalles. Por ello fuee galardonada con un Óscar al mejor vestuario (Milena Canonero).


Pequeños grandes detalles

Refrescos que salvan vidas

E

l

product

placement

es

una

práctica habitual tanto en la pequeña como en la gran pantalla. pantalla

Pero integrar la publicidad en el guión sin que desentone o desvíe demasiado la atención del espectador no siempre es fácil. En Pearl Harbor (Michael Bay, 2001) tuvieron que ingeniárselas muy bien para insertar estas botellas de Coca-Cola Cola con cierta coherencia cohe en un momento de máxima tensión y dramatismo. Resulta curioso que de las tres horas que dura la película escogieran precisamente este instante para emplazar la marca. Tal vez la intención del anunciante fuera mostrar otro lado de “la la chispa de la vida” y presentarse como una opción también en duros momentos como éste.


Y El GANADOR ES...

En esta sección haremos un repaso de las películas y series con temática histórica, más laureadas con los principales galardones en los últimos años. Javier Calvo de Luis


Ben-Hur (William Wyler, 1959) es la segunda película con más premios Oscar, contando con 12 estauillas, entre las que destacan Mejor Diseño de Vestuario (Elizabeth Haffenden), o a los Mejores Efectos Visuales (A. Arnold Gillespie, Milo B. Lory y Robert MacDonald).

Blancanieves (Pablo Berger, 2012) Es la tercera película más laureada con los premios de la Academia de Cine española, con premios como Mejor Diseño de Vestuario (Paco Delgado), o Mejor Fotografía (Kiko de la Rica).

Game Of Thrones es una de las series más galardonadas de los últimos años, y aunque trata el género de la Fantasía Medieval, detrás hay una enorme labor de asesoramiento sobre esta época. Arrasó en la edición de 2011 (año de su estreno) llevándose 11 premios, en 2012 ganó 6 más, y este año cuenta con 15 nominaciones.


v


El séptimo arte nunca habría llegado a ser lo que es sin las aportaciones de algunos pioneros, auténticos genios que permitieron que la naciente industria del cine despegara dejando de limitarse a reproducir unas cuantas imágenes filmadas, para relatar grandes historias en la gran pantalla. Sin duda, George Méliès fue el primero de estos pioneros y uno de los más importantes. Su talento como ilusionista y director de cine, le permitió reinterpretar por completo el uso que podía dársele a una cámara. Méliès puede considerarse el tercer padre del cine -tras los hermanos Lumière, creadores del proyector cinematográfico- pues entre sus amplia trayectoria como cineasta, desarrolló numerosas técnicas de efectos especiales que fueron fundamentales para el desarrollo del cine como un arte narrativo. Méliès también destacó por ser el primero en hacer cine de ficción, en películas como Viaje a la Luna (1902) o Viaje a través de lo imposible (1904) inspirándose en la obra de Julio Verne; así como cine de terror, en La manoir du Diable (1896).

La Manoir du Diable (1896)

Viaje a través de lo imposible (1904).

Marie Georges Jean Méliès nació en el Boulevard Saint-Martin de París el 8 de diciembre de 1861. Sus padres fueron Jean Louis Stanislas Méliès (1815-1898), un conocido empresario del calzado, y su esposa de origen holandés Johannah Catherine Schuering. Su padre se mudó a Paris en 1843 para trabajar como un zapatero ambulante y conoció a su madre que trabajaba en una fábrica de botas; ella era hija del antiguo zapatero oficial de la

George Méliès

corte holandesa, quien había perdido su


negocio en un incendio. Ella empezó a

artístico. Sin embargo, el propio Méliès

educar al padre de Méliès y tras casarse,

reconocía que sus instintos creativos

abrieron una fabrica de botas de alta

solían

calidad en el Boulevard Saint Martín

intelectuales. Desde pequeño mostró

donde nacieron sus dos primeros hijos:

interés y habilidad en el dibujo, aunque

Henri (1852) y Gaston (1861). Para el

también desde muy joven fue capaz de

momento en que nació Méliès en 1861,

recitar versos en latín y francés. A pesar

la

de su gran capacidad de aprendizaje,

familia

tenía

una

fortuna

considerable.

imponerse

a

sus

nociones

era constantemente regañado por sus

Méliès fue educado desde los

maestros por cubrir sus apuntes de

siente años en el Lycée Michelet y tras

dibujos y retratos de sus profesores y

la Guerra Franco Prusiana en el Lycée

compañeros de clase, o por dibujar

Louis-le-Grand,

de

paisajes o escenografías fantásticas. A

prestigio. En sus memorias, Méliès

los diez años comenzó a construir

enfatizaba esta educación clásica para

pequeños teatros de muñecos hechos

defenderse de las acusaciones que a

en cartón y a fabricar sus propias

principios de su carrera se les hacía a la

marionetas, las cuales se volvieron muy

mayoría de los directores de cine, de ser

sofisticadas

iletrados e incapaces de producir algo

adolescencia.

ambas

escuelas

cuando

entró

en

la


Tras completar sus estudios en

Escuela de Bellas Artes, pero fue

1880, Méliès se unió a sus hermanos y

obligado por su padre a participar en el

su padre en el negocio del calzado

negocio del calzado. Se encargó de la

donde aprendió a coser. Tras completar

reparación

sus tres años de servicio militar su padre

tecnológico de maquinaria empleada en esta

y

el

industria,

perfeccionamiento

mostrando

las

habilidades

mecánicas

que

posteriormente

le

muy

resultarían

útiles. Ese mismo año se casó por deseo de su familia con Eugénie Genin, la pareja tuvo dos hijos: Georgette (1888) y André (1901). Mientras trabajaba en la fábrica familiar, Méliès continuó desarrollando lo envió a Londres a trabajar para un zapatero amigo de la familia. Durante su estancia en Inglaterra, debido a su escasa fluidez en inglés que le impedía comprender bien las obras de teatro, comenzó a frecuentar para divertirse la “Egiptian Hall”, una sala de variedades donde se presentaban los célebres magos John Neville Maskelyne y George Alfred Cook. En estas visitas fue donde Méliès se impregnó de su pasión por el ilusionismo. Méliès regresó a París en 1895 con el deseo de estudiar pintura en la

su interés por el ilusionismo y los espectáculos de magia. Era un asiduo asistente a las funciones del Teatro Robert Houdini y comenzó a tomar lecciones de magia con Emile Voisin, el dueño de una tienda de artículos de magia en la Rue Vielle-du-Temple. Méliès

ofreció

sus

primeras

presentaciones de ilusionismo ante su familia

y

amigos

en

el

Cabinet

Fantastique, un pequeño teatro del Museo de cera Grévin, donde también presentaba espectáculos de marionetas y operas cómicas.


Cuando su padre se retiró en 1888, Méliès se negó a continuar con el negocio del calzado, vendiendo su parte del mismo a sus hermanos. Con el dinero compró ese mismo año el teatro Robert Houdin, del que era un asiduo visitante. Durante los siguientes 9 años escenificó en el teatro 30 trucos de ilusionismo,

creando

maquinaria,

además

siempre

un

de

él de

toque

mismo

la

dotarlos cómico

o

melodramático. Gracias a esto, la asistencia

al

considerablemente.

teatro

aumentó

Además

de

gestionar el teatro, entre 1889 y 1890 Méliès también trabajó como reportero y dibujante en el periódico satírico La Griffe.

Anuncio de La Manoir du Diable en el Teatro Robert Houdini.

La vida de Méliès se transformó radicalmente cuando los hermanos Lumière lo invitaron a la primera representación del Cinematógrafo el 28 de diciembre de 1895. Méliès escribió su impresión ante el invento: Los otros invitados y yo nos colocamos frente a una pequeña pantalla similar a la que usamos para proyecciones, tras pocos minutos una fotografía estática mostrando al Palace Bellcour de Lyon fue proyectada. Ligeramente sorprendido, apenas tuve tiempo de decirle a mi vecino: “¿nos han traído aquí a mirar proyecciones?, yo he hecho esto por diez años,” No antes de que acabara de hablar, un caballo tirando un carro comenzó a caminar frente a nosotros seguido de otros vehículos, y después un transeúnte. En resumen, todo el ajetreo y bullicio de una calle. Nos sentamos con


nuestras bocas abiertas, sin hablar, llenos de asombro.

El invento le impresionó tanto que ofreció 10,000 francos a los Lumière por una de sus cámaras, pero ellos se negaron a vendérsela. Decidido a obtener una, Méliès decidió construir su propia máquina cinematográfica con ayuda de los mecánicos Lucien Korsten y Lucien Reulos. El 5 de abril de 1896 proyectó las primeras películas en su teatro. Eran breves escenas sencillas al aire libre, documentales similares a los de los hermanos Lumière. Sin embargo, rápidamente comenzó a pensar en

Cartel publicitario y fotografía del Cinematógrafo de los hermanos Lumiere.

sus

En 1896, su primer año como

espectáculos de ilusionismo. Esta fue su

cineasta, Méliès filmó alrededor de 80

principal aportación al séptimo arte, ya

películas muy breves sobre temas

que Méliès fue el primero en dejar de

cotidianos y acontecimientos notables.

usar el cinematógrafo únicamente para

Esto le sirvió como práctica para dar el

preservar escenas de la vida cotidiana y

salto al cine de ficción por el que es

emplearlo en relatar historias en la gran

mundialmente

reconocido,

aunque

pantalla. De esta manera nació el cine

durante

su

produjo

como un género artístico.

documentales,

hacer

películas

similares

a

incluso

toda

algunos

carrera

comedia, de

los

drama

e

primeros

anuncios publicitarios filmados. Entre 1896 y 1913 Méliès dirigió 531 películas de entre uno y cuarenta minutos de duración.

La

mayoría

de

estas

producciones se hacían de manera


similar a los espectáculos de ilusionismo que

había

hecho

anteriormente;

incluyendo numerosos trucos ópticos y eventos de apariencia imposible como objetos o personas que desaparecen o súbitamente cambian de tamaño. Éste fue el nacimiento de los efectos Méliès interpretando simultáneamente a siete músicos en L´homme orchestre (1900).

especiales en el cine. Los primeros experimentos de Méliès

con

los

efectos

especiales

carecían de trama, simplemente los filmaba para comprobar que era posible hacerlo y al principio no se preocupó en insertarlos dentro de una historia. Sin embargo, estas pruebas le dieron la experiencia necesaria para elaborar el primer cine fantástico. Por ejemplo, tras experimentar con la sobreposición de múltiples exposiciones para crear una sola imagen, Méliès fue capaz de crear su película L'homme orchestre (1900) donde

él solo interpreta a

siete

personajes que aparecen en pantalla al mismo tiempo.

Méliès también fue pionero en el uso

del

truco

elementos

de

sustitución

mediante

el

stop

de trick

(literalmente "truco de parar"). Se trata de un tipo de efecto especial muy usado en el cine. Consiste en filmar un objeto y luego apagar la cámara y, mientras permanece apagada, mover el objeto fuera del plano tras lo cual la cámara se vuelve a encender. Al ver la película resultante al espectador le parece que el

objeto

Méliès

súbitamente

descubrió

accidentalmente

el

desaparece. stop

cuando

trick estaba

rodando el tráfico de una calle de París. La cámara se atascó por lo que ésta dejó de filmar hasta que Méliès pudo arreglarla, mientras tanto el tráfico siguió moviéndose normalmente. Más tarde, al proyectar la película, quedó atónito al ver a un ómnibus de pronto


transformarse en un coche fúnebre. Lo

dinero. Este se ubicaba en la propiedad

que había sucedido es que el ómnibus

de su familia en Montreuil a las afueras

se había movido fuera de plano tras

de Paris. El edificio donde se filmaban la

atascarse la cámara y había sido

mayoría de las escenas era muy similar a

reemplazado por el coche fúnebre

un gran invernadero, estaba hecho

cuando ésta volvió a funcionar. Méliès

enteramente de cristal para aprovechar

usó este truco en numerosas ocasiones,

la luz solar; utilizaba sistemas mecánicos

por ejemplo en Escamotage d'une Dame

para ocultar zonas al sol, trampillas y

Chez Robert-Houdin (1896) –una de sus

otros mecanismos de puesta en escena.

películas

Durante

más

antiguas

que

han

los

años

siguientes

se

sobrevivido hasta la actualidad- donde

edificaron edificios anexos entorno a

él crea la ilusión de sustituir por un

éste donde se instalaron almacenes

esqueleto a la actriz Jehanne d'Alcy al

para el vestuario y la escenografía, un

sentarla en una silla y cubrirla con una

taller de carpintería y un laboratorio

manta, tras lo cual apagó la cámara,

donde se coloreaba a mano cada

colocó al esqueleto en lugar de la actriz

fotograma.

y continuó filmando.

Méliès y la actriz Jehanne dÁlcy en Escamotage d´una Dame Chez Robert Houdini (1896).

Méliès pintando un decorado en el suelo de su estudio en Montreuil.

La capacidad de trabajo de Otra importante aportación de Méliès fue la construcción del primer estudio de cine en 1896, un proyecto en el que invirtió una gran cantidad de

Méliès era inmensa. A pesar de contar cada vez con un mayor número de empleados,

de

alguna

manera

él


encontraba tiempo para administrar su teatro, dirigir sus películas, adaptar escenarios y obras literarias para el cine, cortar y montar sus filmaciones, diseñar sets y vestuarios, además de interpretar papeles importantes en la mayoría de sus películas. El 20 de diciembre de 1896 Méliès creo la sociedad Star Film

Jeanne d´Arc (1900).

para comercializar sus películas, su lema

En la cúspide de su popularidad,

era “El mundo entero a nuestro

Méliès comenzó a experimentar con

alcance.”

movimientos de cámara para generar la ilusión de cambios de tamaño en sus personajes. Este efecto lo consiguió al hacer avanzar la cámara hacia delante montándola en un sistema que permitía al operador ajustar la lente y a los

Logo de Star Film.

actores modificar su posición dentro del

Para el año de 1900 el éxito de

plano. Este método lo empleó en Le

Méliés comenzó a ser notorio fuera de

Diable géant ou Le Miracle de la

Francia. Para ese año había filmado 33

Madonne

películas. Entre las más notables figuran

interpretó a Satanás quien crece hasta

Jeanne d'Arc (1900), L'homme orchestre

tener el tamaño de un gigante para

(1900) y Le rêve de Noël (1901) que fue

aterrorizar a la Julieta de Shakespeare,

una de las primeras películas en

para luego volverse a encoger cuando la

representar el nacimiento de Cristo

Virgen María aparece en ayuda de ésta.

mediante efectos especiales.

Este efecto también lo empleó en

(1901)

donde

Méliès

L'homme à la tête de caoutchouc (1901) en la que Méliès interpreta a un


científico que expande su propia cabeza

primeros hombres en la Luna de H.G.

a un tamaño enorme.

Wells. La película costó alrededor de 10,000 francos una suma considerable para los estándares de la época. El costo se debió a la maquinaria, los vestuarios de los selenitas –habitantes de la Luna- y escenografías

que

fueron

hechas

específicamente para la película. La Méliès en Diable géant ou Le Miracle de la Madonne (1901).

imagen más memorable de la película es el alunizaje del cohete en el ojo de la cara de la luna, escena que actualmente es un icono usado para representar el epítome del cine pionero. En esta escena, la evolución de la continuidad narrativa cinematográfica da un paso enorme, al montar la secuencia del

Méliès expandiendo su cabeza en L´homme a la tête de caoutchouc (1901).

En 1902 filmó la película que se considerada su obra capital, Viaje a la luna (Le Voyage dans la Lune), la cual se inspiró en dos novelas de la época: De la Tierra a la Luna de Julio Verne y Los

disparo del cañón que lleva a la luna a los astrónomos, y a continuación poner en escena un decorado con la cara animada de ésta, que va creciendo en travelling inverso y sobre la que impacta la nave/bala.


Imagen ic贸nica de Viaje a la Luna tanto en su versi贸n original en blanco y negro como en la edici贸n coloreada manualmente. Esta 煤ltima fue elaborada a partir de una copia a color redescubierta en la Filmoteca de Catalunya en 1993 y remasterizada en 2010.


Para este punto, el éxito de

una oficina en Nueva York en 1902, la

Méliès era tal que numerosas personas

cual era administrada por su hermano

intentaron

del mismo,

Gaston cuya fábrica de calzado se había

adjudicándose su trabajo. El cineasta

arruinado por el aumento en el costo

intentó proteger su trabajo colocando el

del cuero. Desde ese momento, Méliès

sello de Star Film, la fecha y los

producía dos negativos de cada una de

derechos de autor en sus películas, pero

sus películas, uno lo dejaba en Francia

esto no detuvo a algunos oportunistas

mientras que el segundo se registraba

como

en Estados Unidos.

beneficiarse

Siegmund

Lubin,

quien

simplemente borraba la marca de las películas que adquiría. Incluso aún existe

una

copia

sin

fechar

y

pobremente coloreada de Viaje a la Luna, que se piensa es una copia de Lubin de 1903. También se dio el caso de unos técnicos que trabajaban para Thomas Edison lograron hacer copias

Imagen de Viaje a la Luna.

del film y las distribuyeron en Estados

En sus casi 20 años como

Unidos, a pesar de que fue un éxito,

director, Méliès creó alrededor de

Méliès nunca recibió dinero por su

quinientas películas. Su carrera terminó

explotación. Aunque sólo recibió una

abruptamente por varios factores. Por

fracción de los beneficios que el enorme

una parte, la paulatina transformación

éxito de la película generó, se sentía

de la industria del cine

halagado por el recibimiento que tuvo.

que fue monopolizada

Anteriormente

había

por Edison en Estados

distribuido sus películas en Estados

Unidos y por Pathé en

Unidos

American

Francia, junto con la

Mutoscope & Biograph Company, pero

llegada de la Primera

para proteger sus intereses decidió abrir

Guerra Mundial, afectaron a su negocio,

a

través

de

Méliès

la


que fue declinando sin remedio. El

Gaston que la administraba, decidió

último año en que Méliès trabajó como

embarcarse, junto a un equipo de

director fue 1912; ese año produjo sus

filmación, en un viaje por Asia y el

últimas películas: A la Conquête du Pole,

Pacífico Sur para hacer un documental.

Cendrillon ou La pantoufle merveilleuse

Sin embargo, la mayor parte de su

y su último trabajo La Voyage de la

película se arruinó por el clima tropical y

famille Bourrichon. Ninguna de estas

tras enfermar, decidió regresar a Francia

películas gozó de éxito entre el público.

donde murió en 1915.

Para ese entonces los métodos de Méliès

empezaban

a

considerarse

anticuados.

Gaston Méliès

Los problemas continuaron para A la Conquete du Pole.

Méliès. Su primera esposa Eugénie murió, mientras que el estallido de la Primera Guerra Mundial provoco que los parisinos dejaran de acudir con frecuencia

Cendrillon ou La pantoufle merveilleuse. La Voyage de la famille Bourrichon (1913).

Por otra parte, su oficina en Nueva York cerró, lo cual dificulto la distribución de sus películas en Estados Unidos. Esto se debió a que su hermano

a

cines

Eventualmente

todos

y

teatros.

cerraron

sus

puertas. Con la desaparición de sus fuentes de ingreso, Méliès improvisó un pequeño teatro operado junto a su familia; participaron en él su hija Georgette, su esposo, su hijo André y su esposa. Este teatro sobrevivió a la


guerra y hasta 1923 cuando sus deudas

redujo a realizar monólogos y pequeños

con Pathé lo obligaron a vender todo su

trucos en casinos y teatros a lo largo de

estudio junto con los materiales y

varias provincias francesas. En 1925, a

equipos. El edificio sobrevivió en un

los 64 años volvió a casarse con la actriz

estado cada vez más ruinoso hasta que

Charlotte Stephanie Faes quien había

fue destruido en 1945.

trabajado para él. Ella era dueña de una pequeña tienda de juguetes en la estación de tren de Montparnasse, la cual se convirtió en la única fuente de ingresos de la pareja.

Méliès ante su pequeña juguetería en la Estación de Montparnasse.

En 1926 Leon Durhot, el editor de la revista Cine Journal reconoció a Méliès

mientras

regenteaba

la

juguetería y comenzó a publicitarlo como uno de los primeros pioneros del cine a nivel mundial. En 1929 Jean Paul Méliès en sus últimos años.

Poco después también perdió el Teatro Houdini que fue demolido para abrir paso a una nueva calle. En los años de entre guerra el trabajo de Méliès se

Mauclair, un coleccionista de películas, encontró algunas de las antiguas obras de Méliés. Tras restaurarlas y hacer algunas

copias

hizo arreglos

para

proyectarlas y darlas a conocer a las


nuevas generaciones. Los profesionales

habitaciones en el Château dOrly que

quedaron asombradas de que treinta

había sido habilitado como un hogar de

años

equipo

retiro para veteranos de la industria del

rudimentario hubiera sido posible hacer

cine. En este lugar vivió sus últimos años

películas tan perfectas, complicadas y

con su esposa y su nieta Madeleine.

coloreadas con tal maestría.

Finalmente Méliès murió en 1938 y fue

antes

y

con

un

De pronto Méliès vio que su trabajo era no sólo redescubierto sino

enterrado en la cripta de su familia en el cementerio Pere-Lachise en Paris.

nuevamente admirado. Por otra parte, se le asigno un apartamento de tres

Château d´Orly donde Méliès vivió sus últimos años junto a su esposa y su nieta. Actualmente alberga al colegio de cine Georges Méliès.

Tumba de Méliès en el cementerio Père-Lachise en Parìs.


EN RODAJE

Echamos un vistazo a las series y películas que se están preparando de cara a los próximos meses, pero cuya fecha de estreno está aún por decidir. Javier Calvo de Luis

Películas

MARZO 2014 La precuela de 300 (Zack Snyder, 2006), está ya casi terminando de rodarse. Con el título 300: el Origen de un Imperio, el director Noam Murro se prepara para contar lo que sucedió diez años antes de la Batalla de las Termópilas. Las tropas atenienses deben contrarrestar los ataques del Imperio Persa, que al mando del rey Darío I, están ganando terreno. La gran contienda entre estos dos pueblos se está gestando.

No muy lejos de Atenas, a 42 km al norte, Maratón es uno de los últimos bastiones que protegen a la gran Atenas. Los persas tienen un ejército multitudinario, en cambio los atenienses son solo un puñado de hombres, que tendrán que solicitar ayuda a los espartanos.


2014- FECHA POR CONFIRMAR Un esclavo sueña con el día en el que pueda comprar su libertad para así casarse con la hija de su amo. Sin embargo, ésta se halla prometida a un senador corrupto, mientras que aquél es vendido a otra persona. Cuando se halla en un barco que viaja a Nápoles, observa la erupción del Vesubio, que amenaza con destruir la ciudad de Pompeya. El hombre hará todo lo posible por regresar al lugar para salvar a su amada y a su mejor amigo, un gladiador que está atrapado en el coliseo.

Series 2014- FECHA Y CANAL POR CONFIRMAR

Hay muy poca información aún. Lo único que se sabe es que girará en torno a la vida

de

un

cirujano

llamado John Hunter (Tim Roth)

y

trasladará

al

espectador hasta el siglo XVIII. El piloto de la serie estará dirigido por David Cronenberg (Una Historia de Violencia, Promesas del Este), y producido por éste y Sam Raimi (Spiderman).


ESCENARIOS DE CINE

EL MEJOR WESTERN EN ALMERIA LOS DESIERTOS DE CLINT EASTWOOD NO ERAN DE EE.UU. En pleno desierto de Almería, cerca de la City, y fue diseñado por Carlo Simi para la localidad de Tabernas, se encuentra situado película La muerte tenía un precio, del a lo largo de mas de 2.000 kilometros cua- año 1965, dirigida por el italiano Sergio Leodrados, rodeado por las Sierra de los Fila- ne. bres, Sierra de Alhamilla y la Alpujarra almeriense un gran parque temático sobre el oeste y los años dorados de la industria del Western. Se sitúa en el punto kilométrico 464 de la carretera N-340, cerca de la localidad de Tabernas. Su nombre original era Yucca


ESCENARIOS DE CINE Pero hubo cientos de rodajes más como: "La Anthony Quinn, Claudia Cardinale, Alain Demuerte tiene un precio", "El bueno, el feo y el lon, Sean Connery, Raquel Welch y Orson malo","Lawrence de Arabia", "Cleopatra”, Welles. etc., hasta llegar a películas más actuales Ahora, cada día, el sheriff, los pistoleros, como "Indiana Jones y la última cruzada" bandidos, indios y las chicas del salón hacen y "800 balas", las cuales han utilizados estos revivir las explosiones, caídas del caballo, mismos escenarios

peleas y bailes de can-can. Ofrecen espectáculos dos veces al día donde finalmente el condenado a la horca termina colgado y los aplausos ponen punto final al espectáculo, en el cual cada uno puede convertirse en protagonista. Los espectáculos están realizados por verdaderos especialistas que caen desde los balcones, realizan acrobacias con el lazo, con el caballo y donde mueren como

Por estos ellos pasaron figuras tan importan- en el antiguo oeste. tes como Clint Eastwood, Brigitte Bardot,


ESCENARIOS DE CINE Tras la grabación de El bueno, el feo y el malo, miento o ocio. los extras que participaron en el rodaje deci- Pero hoy en día Mini Hollywood forma parte dieron comprar el decorado y convertirlo en de un parque mayor donde a parte de ofrecer una atracción turística. Posteriormente, el espectáculos del oeste ofrece la visita a una recinto fue adquirido por la cadena hotele- reserva de animales y el acceso a un parque ra Playa Senator, esta, junto a una reserva de acuático. animales creó un gran parque de entreteni-

En el año 1954 se empezaron a realizar los de le película. Entre el reparto también desprimeros rodajes de películas, coproduccio- tacaba con luz propia Klaus Kinski. nes italo-españolas, llamadas SPAGUETTIWESTERN, se construyeron grandes decorados, pueblos enteros a semejanza del lejano oeste americano, fuertes y poblados indios, etc. En 1964 se rodó "Por un puñado de dolares" del director Sergio Leone, en una coproducción hispano-italo-germana, 600.000 dólares y junto Clint Eastwood y Lee Van Cleef, escogieron este escenario para el rodaje

Para el rodaje Leone dispuso de nueve semanas, y los exteriores se rodaron en su totalidad en Almería, para lo que se construyó el poblado del Oeste que hoy se conoce con el nombre de Mini Hollywood. Además también se rodó en el cortijo de El Fraile, en las ramblas de tabernas, en Los Albaricoques y la iglesia de Turrillas, aproximadamente durante un mes. Ana Pérez


ESCENARIOS DE CINE

Las películas rodadas en estos escenarios fueron: Años 60:

-Por un puñado de dólares (1964, Clint Eastwood) - La muerte tenía un precio (1965, Clint Eastwood, Lee Van Cleef)

-El bueno, el feo y el malo (1968, Clint Eastwood, Lee Van Cleef)

Años 70: -Les Petroleuses (1971, Briggit Bardot, Claudia Cardinale) -Sol Rojo (1971, Charles Bronson, Ursula Andress)

Años 80: -Conan el bárbaro (1982, Arnold Schwarzenegger) -Mad Max Beyond Thunderdome (1985, Mel Gibson, Tina Turner) -Indiana Jones y la última cruzada (1989, Harrison Ford)

Año 2000:

-800 balas (2002, Sancho Gracia) -Bluberry, la experiencia secreta (2004, Vicent Cassel)


Series con historia

El costumbrismo está de moda El éxito de series como Downton Abbey, ha conllevado un gran auge en la importación de producciones británicas de este género

na de las series triunfadoras en la

británico. Se trata de Downton Abbey, una

última edición de los premios

serie costumbrista con un marcado carácter

SAG, galardonada como la mejor

inglés, escrita y producida por el oscarizado

serie

Julian Fellowes.

U

dramática,

además

de

ganadora de seis premios EMMY y dos BAFTA, ha causado sensación entre el público


Series con historia Ambientada en la Inglaterra rra de principios del

El enclave perfecto

siglo XX, la serie narra los entresijos de la casa señorial del conde de Grantham, en la abadía de Downton, a principios del reinado de Jorge V. 1912 es el año de partida, con la noticia del hundimiento del Titanic.

El castillo de Highclere, en Hampshire, Hampshire Inglaterra, fue el lugar elegido para rodar la serie. Propiedad de los condes de Carnarvon, se trata de una casa de campo victoriana de estilo isabelino que cuenta con 24 km2.

La familia aristócrata de los Crawley Craw y su séquito de sirvientes son los protagonistas de esta producción cargada de intriga, secretos, romances y misterio. Los siete capítulos de la primera temporada porada han sido vistos por diez millones de espectadores en Inglaterra. Inglaterra

Al majestuoso castillo, hay que sumarle los impresionantes

decorados

creados

ex

profeso en los estudios Ealing, además de exteriores en el pueblo de Bampton, en Oxfordshire.

Castillo de Highclere, Hampshire


Series con historia Con un presupuesto de un millón de libras por capítulo, es la serie británica más cara hasta el momento.

El historiador Alastair Bruce, consejero de la

Philippa Broadhurst, directora de arte,

serie, es el responsable de la magnífica

cuenta que se documentó en libros de

atención a los detalles que se observa en

cocina de la época, como Edinburgh

escenas como ésta.. En la cocina todo ha sido

Cookbook for Smart Houses (1912), para

pensado. Desde los utensilios, las recetas de

preparar

la época, la lista de la compra…etc.

continuamente tanto en las escenas de

En los estudios Ealing se ha construido una maqueta a escala de espacios interiores, como la cocina, donde se consigue una ambientación perfecta.

los

platos

que

aparecen

cocina como en las de los ágapes.


Series con historia

Vestuarios Susannah Buxton es la diseñadora de vestuario de la serie y la creadora del vestido ves que luce Maggie Smith en esta fotografía.. La tela se creó imprimiendo un diseño eduardiano en seda y basado en una chaqueta de la época. Se utilizó encaje original para los puños y los acabados y se añadió un lazo de encaje y un collarín a la blusa. El sombrero es de algodón, cubierto de una fina redecilla teñida del mismo color que el vestido. Un equipo de artesanos, sastres, sombrereros y bordadores see encargan de que todo quede perfecto. Rosalind Ebbut, otra de las diseñadoras de vestuario, cuenta cómo confeccionan con todo detalle los trajes de la serie copiando modelos originales de la época. El diseño comprende el atuendo entero con todos sus accesorios, Maggie Smith

incluido el corsé, prenda que las actrices confiesan sobrellevar muy mal.

El papel de la mujer A principios del siglo XX las mujeres no lo tenían nada fácil. Si querían ser alguien en la vida, debían preocuparse de encontrar un marido de buena posición. Para una joven de familia aristócrata como la de los Crawley, Craw su día a día consistía en participar pa en todo tipo de eventos sociales en los que debía hacer


Series con historia gala de sus buenas maneras y agasajar a los

fue realmente un hospital militar durante

hombres con su gracia y dulzura. La manera de

la 1ª Guerra Mundial. Además, algunos de

caminar, de saludar, de comer, de montar a

los personajes clave de la serie se verán

caballo…Las actrices de la serie tuvieron que

envueltos en esta cruenta guerra, que

aprender los modales que se les inculcaban a

traerá graves consecuencias. Pero las

las mujeres de hace cien años.

desgracias nunca vienen solas y ésta no es

Sucesos que marcaron la historia

la única tragedia con la que tienen que lidiar los Crawley. La gripe española de

La serie no sólo muestra la vida cotidiana de la

1918, considerada la pandemia más letal

familia Crawley, también refleja con bastante

de la historia, que dejó al menos 50

exactitud momentos clave de la era de Europa.

millones de bajas, también llega a la abadía

En 1914 la Gran Guerra cambió el rumbo de la

de Downton fulminando a más de un

historia, incluso en Downton Abbey, que se

personaje a su paso. Así pues, Fellowes

convierte en un improvisado hospital para

sabe crear el binomio perfecto entre los

atender a los soldados heridos en la guerra.

acontecimientos cotidianos y los intríngulis

Curiosamente, el castillo de Highclere

familiares con el contexto histórico real.

“Haya guerra o paz, Downton sigue en pie y los Crawley siguen dentro.” Shirley McLane


Series con historia La serie consigue reflejar con fidelidad la época eduardiana, en la que aún era muy rígido el sistema de clases sociales. Pero como se ve a lo largo de los capítulos, en asuntos de cama poco importa el rango social. Además de algunos acontecimientos

históricos

como

el

hundimiento del Titanic o la 1ª Guerra Mundial, también se muestra el paulatino cambio del papel de la mujer en la sociedad, éstas empezaron a ir a la universidad y a tener un papel más relevante en la vida pública, lo que conlleva un cambio de mentalidad en general. La serie producida por ITV, que en España se emite en Antena3, ha servido para que ésta se anime a crear una serie española de las mismas características,

Gran

Hotel,

también

ambientada a principios de siglo XX y con los mismos entresijos entre la clase pudiente y la servidumbre. El éxito de Downton Abbey ha abierto la veda para que otras series se sumen a la moda costumbrista.

Cranford,

adaptación

de

Elisabeth Gaskell, es la serie de la BBC que narra las historias de los habitantes de la villa del mismo nombre, y también conseguido un notable éxito. Al igual que en Downton Abbey, la atención a los detalles es máxima.

Mireia Rodríguez


EL GÉNERO DEL MES Comedias con Historia

Para algunos, la palabra Historia evoca seriedad, e incluso aburrimiento. Sin embargo, combinada con el Cine, y más concretamente con el género cinematográfico de la Comedia, puede resultar una forma muy divertida de aprender Historia. ¿Cómo? A través de dos grandes películas como Escipión, también llamado el Africano (Scipione detto anche l’Africano, Luigi Magni, 1971), o Los Caballeros de la Mesa Cuadrada y sus Locos Seguidores (Monty Python and the Holy Grail, Terry Gilliam y Terry Jones, 1975). Javier Calvo de Luis.


EL GÉNERO DEL MES

COMEDIA

ESCIPIÓN TAMBIÉN LLAMADO EL AFRICANO

La causa de la disputa es la pérdida de 500 talentos que entregó el rey seléucida Antíoco III, y las continuas discusiones que se desarrollan en el Senado romano. La película termina con el despertar de Escipión, ayudado l argumento de la película se

E

por

ciñe a las disputas entre dos

Mangano), al darse cuenta que un

facciones romanas, lideradas por

romano como él, es único y que su

Publio Cornelio Escipión “el Africano”,

papel en el Estado ha terminado

el héroe de la segunda Guerra Púnica, y

porque el Estado no le comprende por

Marco

muchas muestras de apoyo que pueda

Porcio

Catón,

todo

ello

adornado por una bella comedia en la

su

esposa

Emilia

(Silvana

llegar a recibir.

cual, Marcello Mastorianni (Escipión) y Vitorio

Gassman

protagonistas,

bordan

(Catón), sus

los

papeles

acompañados por el resto del reparto.

Filmada en clave de humor, puede resultar insólito debido a la seriedad de la lucha de facciones que, en el primer cuarto del siglo II a.C., se desarrollaron en la Roma republicana. Estas disputas


EL GÉNERO DEL MES

COMEDIA

se personificaron en el papel de los dos

posee en casa, o la presencia de Licia, la

protagonistas, líderes de sus facciones.

esclava

De ahí, que el asunto de los 500

persona que comprende al héroe y,

talentos no debemos comprenderlo

como una ironía, la única persona

como un hecho aislado, sino más bien

incapaz de ver y/o conocer el Africano a

como la cúspide de esa guerra de

lo largo de toda la película.

senadores, donde, el trasfondo real es el conseguir todo el poder, para dominar al pueblo, el Senado y el ejército.

de

Escipión,

la

única

En cuanto a los escenarios, no estamos ante una película al uso, por lo menos para la época en que se filmó, ya que está rodada, en su gran mayoría, sobre las ruinas de Pompeya, lo que difiere de la construcción de esos inmensos escenarios de cartón-piedra que se persiguen en las superproducciones hollywoodienses, ilimitados.

En la película van sucediendo unas situaciones muy cómicas que llegan a rayar el absurdo. Destacan varias de ellas, pero la que más puede llamar la atención es la aparición de Júpiter cuando Escipión va a pedirle consejo, o el

inconmensurable

representa

Ruggero

papel

que

Mastroianni,

hermano en la película, y en la vida real, de Escipión. Pero además, hace uso de otras técnicas, como la metáfora, alguna de ellas de difícil comprensión, como la relación de Catón con los gatos que

con

presupuestos


EL GÉNERO DEL MES

COMEDIA

LOS CABALLEROS DE LA MESA CUADRADA Y SUS LOCOS SEGUIDORES

Scotland

E

l rey Arturo y sus caballeros reciben un encargo divino: partir en búsqueda del Santo

Grial, para lo que deberán luchar contra enemigos

muy

diversos:

malignos

caballeros rivales, bestias sanguinarias (que solo son visibles como dibujo animado);

infames

y

groseros

caballeros franceses fortificados en un castillo (en Inglaterra), brujas, adivinos,

Yard,

y

hasta

un conejo asesino y carnívoro (que muere destruido por una cómica reliquia traída de las Cruzadas: la "Santa

Granada

Antioquía").

de

Mano

de


EL GÉNERO DEL MES

COMEDIA

los caballeros sin caballo, que marchan a pie pero cuentan con escuderos que chocan dos cocos (para simular que son un poderoso ejército al trote), y su

Se

trata

de

una

parodia

de

la Inglaterra medieval y los caballeros del rey Arturo; posterior discusión sobre el origen de Los caballeros de la mesa cuadrada y

dicha fruta; el caballero negro, que

sus locos seguidores es realmente una

sigue luchando sin desalentarse aún

excusa de los Monty Python para

después de habérsele amputado todas

ejecutar

de

sus extremidades (amenaza incluso al

los estereotipos de la vida moderna,

rey Arturo que "combatirá con sus

utilizando elementos de la Edad Media

dientes"), el castillo poblado sólo por

como base para su sátira.

jóvenes y atractivas mujeres que

Algunos momentos destacables son:

pretenden

una

ácida

crítica

secuestrar

Sir Galahad (rescatado

al contra

casto su

voluntad por sus compañeros), o los feroces "caballeros que dicen ni" (que tras amenazar a Arturo y sus seguidores huyen

despavoridos

cuando

éstos

repiten inadvertidamente la sílaba "ni" en sus diálogos).


Su Publicidad aquí, hará Historia


BIOPICS

ALFREDO LANDA, EL REPRESENTANTE DE UNA ÉPOCA El Actor Alfredo Landa, fallecido en la ciudad Alfredo Landa fue el “fundador” del Landisde Madrdi el día 9 de Mayo, dejó una vacío mo. Este adjetivo denomina a una serie en los teatros y el cine español.

de películas que protagonizó el actor durante

Alfredo Landa en un total de 128 películas, un periodo de su carrera que va desde el año destacando Vente a Alemania Pepe, El creck y 1969 hasta el año 1978 (con el estreno de las Los Santos Inocentes. En el mundo de la tele- películas clasificadas en España como S). visión participó en 16 series españolas entre Este tipo de cine pertenece al género de las que se pueden destacar El hombre, ese la comedia. Más específicamente al de la codesconocido, Tiempo y hora y El Quijote de media de situación, enredo y que es heredera Miguel de Cervantes. Y con un total de 8 de la revista de la época. Un ejemplo clásico obras de teatro como Eloísa esta bajo un al- es No desearás al vecino del quinto, exitosa mendro y Los verdes campos del Edén.

película dirigida por Tito Fernández en 1970.


BIOPICS Fue un actor que a través de sus películas su- ras, en definitiva, ver más allá de la represión po reflejar como nadie la represión sexual que donde todo era pecado. vivia la España de los años 60 y 70. Su cine, su imagen y sus gestos plasmaron con más realidad que caricatura a ese españolito de a pie que luchaba cada día por sacar su familia adelante con unos cuantos duros y que medio alto, medio guapo se creía todo un campeón sexual, encarnando al gran macho ibérico por antonomasia: celoso, mujeriego y machista. Pero sin embargo, tuvieron que llegar otros aires con más libertad y con sabor a Europa para impactar la mentalidad, al menos en los que sexo se refiere, de todo un país.

Así, ese español moreno y bajito empezó a mirar con ojos curiosos un despertar sexual que hasta entonces, estaba tapado. Una lucha entre represión y deseo. Se empezó a normalizar la sexualidad, aunque fuera de forma casi de parodia. Se empezó a hablar de ella, y se comenzó a guardar en un cajón todos los tabúes y todos los miedos. Sus películas muestran el más fiel reflejo de cómo era la España en la época del desarrollismo, finales del franquismo e incluso principios de la democracia. Representó el vivo retrato de cómo se vivía y se sentía el sexo en aquella España: se empezaba a tener curiosidad por lo que venía de fuera, por saber cómo era eso que había más allá de nuestras fronte-

"Los españoles no tenemos ningún sentido del humor, sino un sentido trágico de la risa. En vez de quitarles aristas a la vida, le añadimos unas cuantas más".


BIOPICS Se trataban temas como la homosexualidad símbolo de libertad. Y las mujeres españolas (por ejemplo en 'No desearás a tu vecino del veían en aquellas, el deseo de lo que ellas quinto'), aunque fuera en clave de broma, nos mismas querían ser. Ansiaban esa libertad en acercaron a temas que estaban censurados y algo tan simple como ponerse un bikini e irse reprimidos. Los españoles se pudieron acercar a la playa. a través del humor a todo aquello que temían de la sociedad.

Pero el papel de la mujer en la democracia comenzó a cambiar, se dejó de ver a la mujer como trofeos que colgar en las vitrinas de las Un papel relevante, en sus películas, en su conquistas y comenzó a brotar una sexualidad cine y en una sociedad que se asomaba a una sana, franca, con valores, con responsabiliventana hasta entonces desconocida, era el dad, sin miedos, como una forma de placer y de la mujer, y mucho más, si era rubia y sue- de vida. ca. "Las suecas no eran más que objetos o tro- Se podría decir que "el landismo fue toda una feos a conseguir". Se veía, aún, a la mujer co- escuela sexual en España". mo alguien con quien disfrutar ellos, pero no ellas, como un regalo. Pero también era todo muy hipócrita: les gustaba las suecas por ser más libres y, como ellos pensaban entonces más dispuestas, pero querían a la mujer en casa, a la española de

“El landismo ha marcado. Y aunque muchos se han referido a él peyorativamente, con el paso de los años la cosa ha cambiado, y hoy se habla de él como un fenómeno de sociedad “

toda la vida. Había una visión muy machista de todo, pero sin duda, las extranjeras eran

Ana Pérez


BIOPICS LOS MEJORES TRABAJOS DE ALFREDO LANDA: LOS SANTOS INOCENTES (1984) España franquista. Durante la década de los sesenta, una familia de campesinos vive miserablemente en un cortijo extremeño bajo la férula del terrateniente. Su vida es renuncia, sacrificio e obediencia. Su destino está marcado, a no ser que algún acontecimiento imprevisto les permita romper sus cadenas.

EL CRACK (1981) Areta, un antiguo policía que trabaja como detective, recibe el encargo de encontrar a la hija de un empresario de Ponferrada. Gracias al novio, descubre que la chica estaba embarazada y que huyó de casa porque su padre pretendía obligarla a abortar. A partir de ese momento, todo son presiones para que abandone el caso, pero Areta seguirá investigando.

¡VENTE A ALEMANIA, PEPE! (1970) Peralejos, un tranquilo pueblo del Alto Aragón, es un lugar donde nunca pasa nada Un día regresa al pueblo para pasar las vacaciones Angelino, un emigrante que conduce un magnífico Mercedes y cuenta maravillas sobre Alemania y sus mujeres. Pepe, fascinado por las historias de su amigo, decide emigrar también, pero su sueño empieza a las cinco de la mañana, limpiando cristales, y concluye a las doce de la noche pegando carteles.


BIOPICS

EL BOSQUE ANIMADO (1987) Adaptación de la novela homónima del escritor gallego Wenceslao Fernández Flórez (1885-1964). Personajes tiernos y humanos se pasean por un mundo de ensueño y protagonizan una telaraña de historias que se entrecruzan: un bandido, un pocero, una niña que trabaja, un chico que no quiere trabajar, una muchacha que emigra y un fantasma que busca compañía.

EL QUIJOTE (1990) Miniserie de TV de 6 episodios. Alonso Quijano, un hidalgo manchego de unos 50 años y de mediana posición económica, queda hasta tal punto trastornado por la lectura de los libros de caballería que decide salir a buscar aventuras acompañado de su fiel escudero Sancho Panza. La peculiar locura de Don Quijote, la fascinación que despierta en Sancho y la bondad de ambos personajes contrastan con la crueldad y el escarnio de que son objeto por parte de aquellos a quienes tratan de ayudar. LA VAQUILLA (1985) Guerra Civil Española (1936-1939). En el frente, un grupo de soldados se limita a escribir cartas o a dormitar. Pero la tranquilidad se rompe cuando un altavoz de la Zona Nacional anuncia que, con motivo de la Virgen de Agosto, se va a celebrar en un pueblo cercano una corrida. Cinco combatientes de la Zona Republicana deciden robar la vaquilla para arruinarle la fiesta al enemigo y conseguir la comida que necesitan.


BIOPICS

ATRACO A LAS TRES (1962) Galindo, un infeliz soñador, trabaja como cajero en una sucursal bancaria. Cierto día, reúne a un grupo de compañeros y les expone su idea para perpretar un atraco en la propia sucursal donde trabajan todos ellos. En principio, estos no le creen, pero poco a poco Galindo les va convenciendo de la viabilidad del atraco, por lo que se disponen a cometerlo tras una preparación minuciosa.

"Nada de don: Alfredo, por favor"

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MÁS ALLÁ DE LAS CÁMARAS

Anécdotas de Cine

MÁS ALLÁ DE LAS CÁMARAS Anécdotas y Curiosidades de Cine

Harold Lloyd, acrobacias imposibles; las tendencias nudistas de Sean Connery; y la historia de Robin Lane Fox, de asesor histórico a soldado en la batalla de Gaugamela. Descúbrelo a continuación.

Javier Calvo de Luis


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Anécdotas de Cine

Harold Lloyd: un acróbata sin dedos carey; alejó la bomba de su rostro justo antes de que hiciera explosión y la detonación estremeciera el edificio. Lloyd quedó ciego y perdió los dedos índice y pulgar de la mano derecha; los médicos no le daban esperanzas de recobrar la vista, sin embargo, dando

H

arold

Lloyd

películas

actuó

en

208

entre 1913 y 1947.

Durante la década de los veinte fue el actor más popular y mejor pagado del universo cinematográfico.

una lección de coraje, unos cuantos meses

después

estaba

totalmente

recuperado y haciendo sus piruetas aún sin sus dedos completos, un guante protésico disimulaba su condición de manera tan efectiva, que muchos años

Es conocido sobre todo por las

después el público no sabía que le

secuencias de persecución que incluían

faltaban dos dedos, él no quería que la

proezas físicas como trepar por los

gente fuera a ver a un hombre

muros de altos edificios. Sin embargo,

disminuido actuar y hacer acrobacias

muy popular por sus acrobacias y

como una persona normal. Harold

piruetas espectaculares, carecía de

Lloyd declaró que "el momento más

varios dedos de una mano...

dramático de mi vida fue aquel en el

El día 24 de agosto de 1919 Lloyd

que estuve a punto de perderla". Nunca

posaba para los carteles promocionales

hubo denuncias ni aclaración sobre

de la película Haunted Spooks; en ellos

aquel misterioso y dramático asunto.

debía aparecer encendiendo un puro con la mecha de una bomba que, evidentemente, se suponía era de broma. El fotógrafo detuvo unos momentos la sesión para ajustar la cámara, cosa que aprovechó Lloyd para acomodar sus ya famosas gafas de


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Anécdotas de Cine

Sean Connery “al desnudo”

T

odo actor o actriz de Hollywood

es la forma más directa para relajarse

que se precie tiene sus manías, y

antes de entrar en acción.

todos ellos no se cortan a la hora de llevarlas a cabo en pleno rodaje.

En esta pelicula, Indiana Jones y la En este sentido, el actor escocés Sean Connery, tiene una de las costumbres más curiosas hasta la fecha. Y es que no se corta a la hora de quitarse los pantalones antes de empezar a rodar algunas escenas, ya que considera que

Última Cruzada, cuando esta hablando con su hijo Indiana (Harrison Ford) en el dirigible, recordando la infancia del protagonista, Sean Connery esta sin pantalones, a sabiendas de que tan sólo su torso saldríaa en el metraje.


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Anécdotas de Cine

Robin Lane Fox: de asesor a hetairoi

A

utor del exitoso Alejandro Magno: conquistador

del

mundo

(El

Acantilado, 2007) y profesor de Historia clásica del New College (Oxford), desde 2002 trabajó estrechamente con el director Oliver Stone, tanto en el guión Además, trabajó como extra haciendo de

un hetairoi

(miembro

de

la

caballería de élite del ejército de Alejandro) en la Batalla de Gaugamela. Para ello tuvo que renunciar a que se le como en la producción en general de la

citara como extra en los créditos del

película, asesorando a los distintos

film con las palabras Introducing Robin

jefes de departamento acerca de una

Lane Fox (presentando a Robin Lane

amplia gama de detalles históricos y

Fox).

arqueológicos, desde el vestuario a las armas.


Amores de cine

año

El amor y la furia Elizabeth Taylor y Richard Burton, la pareja más famosa de Hollywood, estuvo cargada de amor y odio. e conocieron en 1961 durante el

matrimonio se divorciaron para volver a

rodaje de Cleopatra en Roma, y

casarse en 1975. Tan sólo nueve meses más

aunque ambos estaban casados, eso

tarde, se separaron definitivamente.

no les impidió enamorarse e iniciar una de las relaciones más sonadas de Hollywood. Tras dejar a sus parejas, se casaron por primera vez en 1964, y tras diez años de

Incluyendo Cleopatra, la pareja actuó junta en once películas, entre ellas Doctor Fausto (1966), ¿Quién teme a Virginia Woolf? (1966) y La fierecilla domada (1967).


Amores de cine

Desde el comienzo, las acaloradas peleas, los excesos

y

las

reconciliaciones

fueron

una

constante de su tortuosa relación, y las cámaras el eterno testigo de sus idas y venidas.

“Si me dejas, tendré que matarme. No hay vida sin ti” En 2010, la actriz hacía públicas las cartas de amor que le escribió Richard Burton durante su romance y tras las rupturas.. Con ellas, los escritores Sam Kashner y Nancy Schoenberger dieron vida al libro Furious love: Elizabeth Taylor, Richard Burton and the marriage of the century (Amor furioso: Elizabeth Taylor, Richard Burton y el matrimonio del siglo). Liz Taylor confesó que tres días antes de la súbita muerte de Richard, el 5 de agosto de 1984, recibió una carta de él en la que le pedía otra oportunidad,, a pesar de estar casado con otra mujer. El mismo año de su muerte, Burton le había confesado a su hermano "En el fondo nunca nos hemos separado. Y supongo que nunca lo haremos”. La actriz, quien guardaba esa última carta en su mesilla, rehusó usarla para el libro. "El día que murió yo aún estaba locamente enamorada de él”. La historia de amor entre Elizabeth Taylor y Richard Burton ha sido recientemente llevada a televisión con el telefilme Liz and Dick. Con Lindsay Lohan en el papel de Liz, y Grant Bowler en el de Burton, la serie refleja la tortuosa relación entre los actores. Conocidos como “el matrimonio del siglo”, los medios de comunicación siempre se hicieron eco de sus escándalos.


Amores de cine

Eternos amantes Katharine Hepburn y Spencer Tracy tuvieron una relación durante 27 años y nunca vivieron juntos.

"M

e parece, señor Tracy, que

Se conocieron en el rodaje de su primera

es usted demasiado bajito

película juntos La mujer del año (“Woman of

para mí", fue lo primero que

the year”, 1942) y desde el principio saltó la

le dijo Katharine Hepburn a

chispa entre ellos.

Spencer Tracy cuando

el

cineasta

Joe

Mankiewicz les presentó en 1941. "No te preocupes, Kate, Spencer te humillará hasta rebajarte a su altura", le contestó Mankiewicz.

Ha sido una de las parejas más famosas de la historia del cine, la química entre ellos era palpable tanto dentro como fuera de la pantalla. Coincidieron en nueve películas,


Amores de cine

entre ellas La impetuosa (1952), La costilla de

diecisiete días después de terminar el

Adán (1949) o Adivina quién viene esta noche

rodaje, Spencer Tracy moría de un ataque al

(1967). En la mayoría

corazón en Beverly Hills. Katharine nunca

Mantuvieron

una

relación

sentimental

visitó la tumba de Tracy.

durante 27 años y aún así Tracy nunca se divorció de su mujer, Louise Treadwell. Era un hombre muy tradicional y a pesar de vivir separados, sus convicciones católicas le impidieron divorciarse. Tracy era un hombre atormentado. Ni el éxito profesional, ni el dinero, ni las mujeres fueron capaces de hacerle feliz. Desahogaba sus penas en el alcohol. Y fueron sus excesos con la bebida uno de los detonantes de las grandes peleas entre los amantes. Pasaron media vida juntos, pero nunca vivieron bajo el mismo techo; cuando viajaban lo hacían por separado y nunca se les fotografió juntos fuera de los sets de rodaje o los estrenos de sus películas. Fueron muy celosos con su intimidad. Los excesos de Tracy le provocaron problemas

Películas en las que trabajaron juntos:

cardíacos y un enfisema pulmonar. Fue entonces cuando Katharine lo dejó todo y

La Mujer Del Año (1942)

alquiló una casa al lado de la de él para poder

La Llama Sagrada (1942)

cuidarle hasta sus últimos días. Durante ese

Sin Amor (1945)

tiempo, la actriz rechazó todos los trabajos

Mar De Hierba (1947)

que le propusieron, y únicamente aceptó

El Estado De La Unión (1948)

rodar Adivina quién viene esta noche, última

La Costilla De Adan (1949)

película en la que trabajaron juntos. Tan sólo

La Impetuosa (1952) Su Otra Esposa (1957) Adivina quien viene a cenar esta noche (1967)


Amores de cine

La tragedia griega La tormentosa historia de amor entre Maria Callas y Aristóteles Onassis

C

ierto es que en ocasiones la realidad

tormentosa historia de amor, con Luisa

supera la ficción. Ejemplo de ello fue

Ranieri

la

protagonistas.

apasionada

relación

entre

la

y

Gérard

Darmon

como

soprano Maria Callas y el magnate Aristóteles Onassis. En 2005 Giorgio Capitani plasmó una miniserie para televisión esta

La vida de Maria Callas fue como una tragedia griega. Rechazada por su propia madre al nacer, quien esperaba un niño, pasó toda su vida intentando suplir la falta


Amores de cine

de afecto de su familia. Eso explica sus

caprichos. Onassis entonces quiso volver

constantes fracasos en el amor. Se casó con un

con Maria, su gran amor, pero ella nunca lo

hombre treinta años mayor que ella, que la trató

perdonó.

como un padre. "¿Sabes por qué el papel de Norma Acomplejada desde la infancia por su sobrepeso, en 1957 adelgazó 30 kilos tras la ingesta de una solitaria.. A raíz de entonces su seguridad y

siempre es el que más me ha gustado?Ella gustado? elige morir antes que dañar al hombre que ama, aunque la hubiera despechado".

vanidad fueron in crescendo,, convirtiéndose poco a poco en una diva. El film biográfico narra

Maria Callas

cómo surgió el amor entre Maria y Aristóteles, a pesar de que ambos estaban casados. Tuvieron

En 1975 ante la muerte de Onassis, Maria

un hijo que nació muerto, lo que marcó de por

quedaba desolada. Considerada por ella

vida a la cantante. Lo dio todo por su profesión, profesión

misma como su viuda, estuvo enamorada

y su público, hasta que acabó sufriendo daños

de él hasta el final de sus días. Dos años

irreparables en la garganta y el público presenció

más tarde, Maria moría sumida en la

cómo poco a poco se le iba apagando la voz.

soledad en su casa de París. Sus conocidos

Las infidelidades, las salidas de tono y las peleas se convirtieron en una constante en su relación. Desquiciada y atacada por los nervios, Maria empezó a depender de los tranquilizantes y antidepresivos para todo. Para Onassis la cantante sólo era una posesión más y nunca quiso casarse con ella. A medida que la estrella iba perdiendo fuelle, su interés por p ella disminuía. Finalmente acabó abandonándola para casarse con Jackie Kennedy, la viuda de oro quien por entonces podía aportarle interesantes contactos e influencias. Pasado un tiempo, el magnate fue cansándose de su nueva esposa, quien despilfarraba toda su fortuna en lujos y

dijeron que se dejó morir por la tristeza. Mireia Rodríguez


EFEMERIDES

Su publicidad en pantalla de cine

(espacio publicitario)


EFEMERIDES

EFEMERIDES DE SEPTIMBRE: ¡Descubramos los hechos más importantes transcurridos durante el mes de septiembre en años pasados!

1 de septiembre 1939 Tropas alemanas atraviesan por varios puntos la frontera polaca. Se inicia la II Guerra Mundial. Película: El triunfo de la voluntad Documental realizado por Leni Riefenstahl para exaltar el triunfo del partido nazi en Alemania, a principios de la década de los años treinta, así como las bondades del nuevo régimen encabezado por Adolf Hitler.

2 de septiembre 1945 Rendición incondicional de Japón frente a EEUU. Finaliza la II Guerra Mundial Pelicula: La tumba de las luciérnagas Segunda Guerra Mundial (1939-1945). Seita y Setsuko son hijos de un oficial de la marina japonesa. Un día, durante un bombardeo, no consiguen llegar a tiempo al búnker donde su madre los espera. Cuando después buscan a su madre, la encuentran malherida en la escuela, que ha sido convertida en un hospital de urgencia. Tras la muerte de su madre y una breve estancia en casa de su tía, los niños vagarán sin casa y sin rumbo.


EFEMERIDES

3 de septiembre 1783 Inglaterra reconoce la Independencia de Estado Unidos a través de un Tratado de Paz firmado en Paris. Pelicula: El patriota Guerra de Independencia entre los colonos de Nueva Inglaterra y las tropas de Jorge III (17601820). En Carolina del Sur, el viudo Benjamin Martin (Mel Gibson), heroico soldado en Francia y en la India, renuncia a combatir para cuidar de sus siete hijos. Pero la pacífica vida de la familia Martin se ve alterada cuando Gabriel (Heath Ledger), el hijo mayor, se alista en el ejército; mientras tanto su padre se esfuerza por sacar adelante a la prole. Sin embargo, los británicos, al mando del cruel coronel Tavington (Jason Isaacs), llegarán hasta las puertas de su casa poniendo en peligro a toda la familia...

4 de septiembre 1986 El líder palestino Yaser Arafat reconoce el derecho a existir del estado de Israel Pelicula: Exodo Superproducción sobre el nacimiento del estado de Israel (1948). Seiscientos once judíos que han sobrevivido a los campos de exterminio nazis, abandonan Alemania en un barco (el "Estrella de David") que atraca en Chipre. Después de superar grandes dificultades, logran al fin zarpar de la isla en el "Éxodo", barco de carga con destino a Palestina. El objetivo de los refugiados es crear el estado de Israel.

7 de septiembre 1533 Nace Isabel I de Inglaterra Pelicula: Elizabeth Inglaterra, siglo XVI. La reina Isabel I Tudor (Cate Blanchett) debe enfrentarse no sólo a la traición de su propia familia, sino también a los conspiradores que tratan de arrebatarle el trono. Isabel es consciente de lo beneficioso que es para la Corona inglesa el hecho de que el Rey de Inglaterra sea, al mismo tiempo, el jefe supremo de la Iglesia Anglicana. El Acta de Supremacía de 1534, promulgada por su padre, Enrique VIII, había significado la ruptura total con la Iglesia de Roma. Sin embargo, el poderoso rey de España Felipe II (Jordi Mollà) se ha propuesto restaurar el catolicismo en Inglaterra


EFEMERIDES

9 de septiembre 1974 El presidente norteamericano Richard Nixon dimite a causa del escándalo Watergate Pelicula: Todos los hombres del presidente En 1972, dos jóvenes periodistas del diario The Washington Post, Bob Woodward (Robert Redford) y Carl Bernstein (Dustin Hoffman), comienzan a investigar el allanamiento del cuartel general del Partido Demócrata en Washington. Sus descubrimientos desencadenan el llamado 'caso Watergate', que provocó la dimisión del presidente Richard Nixon.

11 de septiembre 2001 Estados Unidos es víctima de un ataque perpetrado por terroristas musulmanes, quienes estrellan sendos aviones en las Torres Gemelas de Nueva York y uno más en el Pentágono Pelicula: World Trade Center El 11 de septiembre de 2001, dos aviones de pasajeros se estrellan contra las Torres Gemelas del complejo World Trade Center de Nueva York. Dos policías, el sargento John McLoughlin (Nicolas Cage) y Will Jimeno (Michael Peña), intentarán ayudar a las personas afectadas por la tragedia.

22 de septiembre EEUU: Lincoln promulga el Acta de Emancipación de todos los esclavos de Norteamérica. Pelicula: Lincoln En 1865, mientras la Guerra Civil Americana se acerca a su fin, el presidente Abraham Lincoln propone la instauración de una enmienda que prohíba la esclavitud en los Estados Unidos. Sin embargo esto presenta un gran dilema: si la paz llega antes de que se acepte la enmienda, el Sur tendrá poder para rechazarla y mantener la esclavitud; si la paz llega después, cientos de personas seguirán muriendo en el frente. En una carrera contrarreloj para conseguir los votos necesarios, Lincoln se enfrenta a la mayor crisis de conciencia de su vida. Ana Pérez


ESTRENOS DEL PROXIMO MES

CAPITAN PHILIPS

Título: Capitán Phillips Título alternativo: A Captain's Story Título original: Captain Phillips Año: 2013 Duración: minutos País: EE.UU. Género: Acción, Biografía, Drama Estudio: Sony Pictures Releasing Estreno España: 11 de Octubre 2013 Capitán Philips está basada en una historia real. Es un thriller de acción protagonizado por el dos veces ganados del oscar Tom Hanks. En la película el actor da vida al capitán de la marina mercante estadounidense, Richard Philips, quien al mando del carguero “Maersk Alabama” fue retenido en el año 2009 por piratas somalíes, siendo el primer barco norteamericano secuestrado en doscientos años. La película esta dirigida por el nominado al Oscar Paul Greengrass, con guión de Hill Ray, basada en el libro del Capitán Richard Philips junto a Sthemphan Talty “A Captain’s Duty: Somali Pirates, Navy SEALs and Dangetous Daysa at Sea”, y producida por Scout Rudin, Dana Brunetti y Michael de Luca.


ESTRENOS DEL PROXIMO MES

THE LOST CITY OF Z Titulo Original: The Lost City of Z Director: James Gray Guionista: James Gray, David Grann Productor: Brad Pitt Estrenos en España: 03/10/2013 Género: Acción y Drama Origen: Estados Unidos. Idioma: Inglés.

Un grupo de exploradores buscan un coronel británico, representado por Brad Pitt, que desapareció mientras buscaba la legendaria Ciudad Z en la década de los 20. La historia basada en el libro que comparte el mismo título cuenta la fascinante historia del explorador Percy Fawcett, representado por Brad Pitt, desaparecido misteriosamente en el Amazonas en 1925. Una aventura real y maravillosa en busca de El Dorado. Durante siglos los europeos situaron la legendaria ciudad de El Dorado en la selva más extensa del mundo: el Amazonas. El explorador británico Percy Fawcett no permitió que el gran número de muertos que esta obsesión había dejado en los lados del Amazonas lo desanimaran, y se aventuró en la impenetrable jungla en busca de la antigua ciudad hecha de oro. Después de emprender una expedición tras otra sin éxito, en 1925 desapareció sin dejar rastro. Desde entonces cientos de hombres han surcado la indómita selva para tratar de averiguar qué ocurrió con al expedición de Fawcett. Para todos ellos solo había tres respuestas posibles: la captura por parte de una tribu, la locura o la muerte. Ana Pérez


PASATIEMPOS 1.- Sopa de Letras Encuentra las diez palabras relacionadas con los artículos de este número:

O R M I E S E I L E M A

N I O B E I N U I N L N

A E N A S A C O T E I T

S U T I L I Z A O M Z E

S O I H L K A N C I T X

I C P A G O O M I X A M

S I Y B I L D O N O Y O

E N T E R A D O E S L A

J A H R A D F V M E O F

O T O N S O O U U O R E

T I N A O B A V D E C A

A T E S C I P I O N A S

2.- Encuentra el error histórico en esta imagen sacada de la película Gladiator.


3.- Responde a las siguientes preguntas, relacionadas con las películas de este número. ¿Cómo se llaman los caballos de Máximo, protagonista de Gladiator? ¿A cuántos premios Oscar estuvo nominada la película de James Cameron, Titanic? ¿Cuántos de ellos ganó? ¿Cómo se llama el Brujo que aparece en Los Caballeros de la Mesa Cuadrada y sus Locos Seguidores? ¿Cuántas películas llegó a rodar Georges Mèliés? ¿Cuál es la primera película de Alfredo Landa? 4.- Pon en orden cronológico los 8 maridos de Elizabeth Taylor.


Cinemascopefinal  
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