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FORMAS DISEÑOS Y MAS BOGOTA COLOMBIA 2009 MIGUEL ANAYA- DISEÑADOR GRAFICO


DEVOLUTION La nueva obra maestra de destrucción hizo golpear el alemán top 100 cartas de la posición 65 hoy! Felicidades muchachos, que DEVOLUCIÓN la nueva obra maestra de destrucción hizo golpear el alemán top 100 D. EVOLUTIÓN E.LEVATOR TO HELL V.ICIOUS CIRCLE - THE 7 SEVEN DEADLY SINS O.FFENDERS OF THE THRONE L.AST DESPERATE SCREAM U.RGE (the Greed of Gain) T.HE VIOLATION OF MORALITY I.NNER INDULGENCE O.DYSSEY OF FRUSTRATION

R

egresa el combo alemán Destruction con su nueva producción titulada D.E.V.O.L.U.T.I.O.N., en el que de nuevo nos regalan una producción de primera, cargada de los corrosivos riffs de Mike, la filosa voz de Schmier y una contundente batería a cargo del consolidado Marc Reign. Destruction desde su regreso en el año 2000, ha conservado la esencia de Thrash de antaño y mejorar en cuanto a producción gracias a personas del talento de Peter Tägtgren (Hypocrisy, Pain). wD.E.V.O.L.U.T.I.O.N. fue producido de nuevo por el músico danés Jacob Hansen, quien ya ha-

bía hecho esas funciones en su anterior trabajo, Thrash Anthems (RESEÑA). Hansen, quien se ha convertido en el productor de planta de Destruction desde que están con AFM Records, ha demostrado ser un experto en la materia y este nuevo disco confirma que los teutones han encontrado un gran aliado en él. Hansen, como ya había apuntado además de productor es el guitarrista y vocalista e la agrupación Invocator. El disco inicia su aplastante ataque con el tema título, Devolution, el que inicia con una pe-

queña introducción en guitarra acústica por parte del virtuoso Vinnie Moore (UFO) para darle paso al coro Devolution!!!! y posteriormente a un desgarrador grito de Schmier: Ahhhhhh!!!!!!!!, tan propio de este singular vocalista. Y a partir de ahí nos encontramos ante una feroz embestida de velocidad y potencia, tal y como podemos esperar de esta legendaria agrupación. Destruction no se guarda nada y desde el principio nos golpean en la cara con toda la


Schmier - Bass, Vocals

Mike - Guitar

Marc - Drums

potencia de su Thrash. ametralla a punta de doble bombo el gran Gary Holt (Exodus) y el Elevator To Hell no es un tema y riffs, sin embargo es un medio genio canadiense Jeff Waters (Antan rápido como el anterior, pero tiempo que rompe el cuadro ya nihilator) en el extraordinario solo sí de mucho peso y juegos de riffs que nunca acelera. del cierre. tan propios de Mike, sin perder Su mejor momento es de nueThe Violation of Morality es esa agresividad tan característica. vo el solo, aunque es algo corto y otro tema relativamente veloz, Los juegos de los bombos están no transmite gran cosa. No es de aunque no en exceso. Ese riff tan a la orden del día, especialmente las mejores pero se sostiene. Last propio de Mike, y que ha distinen los cambios de velocidad que Desperate Scream sube un poco guido el sonido del grupo por 25 contiene. El intermedio es a me- las revoluciones y de nuevo es años, se nos mete en la cabeza dio tiempo con mucho peso, que adornada por una sencilla pero como un taladro, acelerando detiene como protagonista al solo, reiterativa melodía que la distin- liciosamente en el intermedio, y en el que Mike sigue demostrando gue, de nuevo tiene ese aire a los donde la ácida voz de Schmier con que es una de las grandes guitarras temas del Release From Agony. sus gritos tan típicos, no nos deja líderes del Thrash, una mezcla de Sin embargo le faltó ese “je ne sias otra cosa que hacer que mover la melodía y velocidad, que nos trae quoi” que la pusiera al nivel de cabeza. Mike de nuevo se lleva las a la memoria el trabajo hecho en las anteriores, pero es una buena palmas por sus juegos de guitarra y Release From Agony (RESEÑA). pieza. ese solo realmente portentoso. La Vicious Circle - The Seven Urge (the Greed of Gain) re- actitud de esta banda en canciones Deadly Sins es algo más oscura toma esa potencia y velocidad como está nos deja realmente imen su inició, me presionados. recuerda el inicio Inner Indulgendestruction de Dead Skin ce nos devuelve en el Mask de Slayer, D.E.V.O.L.U.T.I.O.N Trash Metal tiempo, ese riff es una atípico totalmenpágina robada (en el te dentro de la línea general de la del principio, otro de los bue- buen sentido de la palabra) a Mebanda, fundamentalmente por los nos temas que inicia con un solo tallica, es el de No Remorse, otro coros que lo acompañan. El tema asesino, corto pero a la yugular. tema algo lento que tiene sus modespega y los riffs junto con ese Una de esas canciones directas y mentos de aceleración, pero que al impetuoso doble bombo, vuelven con un gran coro; de nuevo des- igual que Offenders of the Throne a inundar el entorno, una canción taco el trabajo de Marc Reign, queda debiendo un poco, especialque cambia constantemente de ve- este chico cada vez suena mejor mente después de una aplanadora locidad y ritmo, con una melodía dentro de esta maquinaria llama- como The Violation of Morality. que se repite una y otra vez, lo que da Destrucion. Los solos fueron Pero esto pequeño altibajo se olle concede identidad a la canción. interpretados por Mike y dos de vidan rápidamente, más cuando le Offenders of the Throne nos los grandes guitarristas de Thrash, siguen canciones


Judas Priest regresa con estruendo un instante épico, ‘Nostradamus’ en múltiples formatos clásico y una gira mundial

P

iense ‘doble vinilo, gatefold manga álbum concepto’, y algunos de rock de todos los tiempos clásicos grabaciones vienen a la mente. Sin embargo, en el ámbito de metales pesados, nunca ha habido un doble vinilo (ahora el disco!) Álbum concepto que ha logrado un equilibrio estimulante historia con truenos metálicos. Eso fue, hasta ahora. Leyendas de metal Judas Priest será la liberación de su extenso concepto de disco doble álbum, ‘Nostradamus’ a través de Columbia Records, el lunes, 16 de junio en el Reino Unido / Europa, y un día más tarde en los EE.UU. en Epic Records. Tiempo en las obras, ‘Nostradamus’ toma épica narración de cuentos a un nivel completamente nuevo, ya que relata la vida de este misterioso, conocido en todo

el mundo siglo 16 francés profeta. Algunos de los acontecimientos que Nostradamus expertos han interpretado como sus predicciones incluyen el gran incendio de Londres en 1666, el aumento de Adolf Hitler y, más recientemente, 9-11, entre innumerables otros eventos de renombre. “Como en cualquier pieza concepto, el salvavidas debe ser de una fuente sólida, teniendo la música lo largo de muchos niveles de interés y la percepción”, señala el cantante Rob Halford. “Nostradamus” contiene nuevas fronteras exploradas y definidas. El sentido de aventura y el viaje nos comprometimos con lo que el hombre viva la vida con el metal fue un verdadero trabajo de amor “ Como ocurre con todas las nuevas versiones Sacerdote, el grupo - cantante Rob Halford, los

guitarristas Glenn Tipton y KK Downing, el bajista Ian Hill, y el baterista Scott Travis - se embarcará en una gigantesca gira mundial en apoyo de “Nostradamus”. Sacerdote para llevar a cabo en el Descargar Festival 2008 - sobre un proyecto de ley también con Kiss - que servirá como un “regreso” de tipo para el grupo, ya que actuó en la primera vez “Monstruos del Rock Festival ‘en Donington Park en 1980. Desde 1974, Judas Priest ha sido uno de los metales pesados de las bandas de mayor éxito, la emisión de este tipo de todos los tiempos clásicos álbumes del 1980 como ‘British Steel’, de 1982 “de Screaming de venganza, ‘y 1990’ Painkiller ‘, tal y escenario-balanceo himnos como “Breaking the Law,” “Living After Midnight” y “Tienes otra cosa Comin ‘”. Sin


embargo, la influencia del sacerdote va mucho más allá de su música - que fueron los primeros a la banda de metal abarcar la «mirada motociclista de cuero, una moda que se ha convertido en sinónimo con el género musical. Además, la potente Halford cuatro y media octavas gama vocal y la guitarra de doble armonías de Downing y Tipton se han “estudiado” por innumerables bandas de metal en el Sacerdote de la raíz. El ‘Nostradamus’ álbum - por encima de todos los demás - es quizás la que yo estoy más orgulloso”, dice Tipton. “Si bien en esencia y el carácter todavía muy Judas Priest, ha ofrecido la oportunidad de explorar zonas de clásica y ópera dimensiones que la banda normalmente no. Como guitarrista y escritor que me ha inspirado a una mayor altura y abrió nuevas puertas a la intriga y pasión. Desde el principio hasta el final, que le llevará a través de una experiencia mágica llena de luz, sombra, drama, melodía y emoción que refleja este singular hombre y su vida “. “Para mí,” Nostradamus “ha sido un viaje musical sin comparación”, añade Downing. “La intriga y misterio que rodea a este hombre venerado ha ampliado mi percepción de metales pesados en la meseta más alta y me permitió

llegar a los límites exteriores de mi

imaginación y de transporte único sentimientos y emocio-

judas priest nostradamus

judas priest es un grupo britanico de heavy metal nes en el instrumento que me permite expresarme”. Además de regular la caja de doble versión en CD del ál-

bum, de colección será sin duda

interesados en la caza una copia de un CD Doble Deluxe alojados en la página 48 un libro hardbound paquete. Pero eso no es todo - un Super Deluxe Box - conjunto versión también estará disponible con triple vinilo, el CD doble, una ampliación de un folleto y carteles. La mayoría de las bandas de este alto estatura sería feliz de jugar seguro. Sin embargo, no Judas Priest, que siguen a tener oportunidades y abrir nuevos caminos. Ninguna otra banda de rock podría haber tirado fuera de esa gran declaración, y Judas Priest han planteado la barra una vez más con ‘Nostradamus’. En cuanto a por qué optó por hacer un álbum de concepto acerca de Nostradamus, Tipton explica: “Nosotros no - que nos eligió. Creemos que se pretende ser! “ Para obtener un sabor de lo que usted espera para dentro de ‘Nostradamus’, ir a livenation.com / judaspriest lunes, 21 de abril para descargar mp3 gratis exclusivo del álbum de la pista de título, así como ver el estreno mundial de la portada del álbum de arte . En la gira Judas Priest tocara en varios países de sudamerica, incluyendo a Argentina, México, Brasil, Chile y Colombia.


EL VOCERO DE UNA GENERACION Kurt Donald Cobain (Aberdeen* 20 de febrero de 1967 - Seattle el 5 de abril de 1994) fue el cantante, compositor, y guitarrista de la prominente banda grunge de Seattle Nirvana, antes de ser encontrado muerto en su casa de Seattle en 1994, en circunstancias todavía no esclarecidas. Nirvana

Cobain era un devoto seguidor de los primeros artistas de rock alternativo. Él hizo referencia a sus bandas favoritas en entrevistas, dándole inclusive mayor importancia a las bandas que lo influenciaron que a su propia música.

C

obain no sólo fue el principal compositor de la banda y su líder musical, sino que además sirvió como su “líder y centro espiritual”. Con el éxito de la banda, Cobain se convirtió en una famosa celebridad a nivel mundial, una posición incómoda para alguien que dijo “Famoso es la última cosa que quise ser”. Cobain y Nirvana ayudaron a transformar la música popular en

los años 90. En 1991, la llegada de la canción más conocida de Cobain, “Smells Like Teen Spirit”, marcó el comienzo de un cambio dramático de la escena musical, alejada de los géneros dominantes de los ochentas, el glam metal, y el dance-pop, llevando al ascenso del grunge y el rock alternativo. Los medios musicales le concedieron eventualmente a “Smell Like Teen Spirit” el estado de “himno generacional”. en los años 90

Cobain recibió su primera guitarra de su tío a la edad de 14 años, quien la consiguió en el centro musical Rosevear en Aberdeen, escogiendo el instrumento en vez de una bicicleta. Desde ese momento, Cobain intentó formar bandas con amigos, interpretando canciones de AC/DC y Led Zeppelin. En la secundaria, sin embargo, Cobain tuvo problemas frecuentes para encontrar a alguien con quien tocar, debido a que ninguno de sus amigos poseía algún talento musical particular. Posteriormente, Cobain encontró a Krist Novoselic, un fiel devoto del punk rock, que vivía al otro lado del puente de la calle Young. La madre de Novoselic era propietaria de un salón de belleza (“Maria’s Hair Design”), así que ellos pudieron practicar en el segundo piso del edificio ocasionalmente. Pocos años después, Cobain intentó convencer a Novoselic para formar una banda con él, y le prestó una copia de un demo casero (titulado Illiteracy Will Prevail) grabado por una de las primeras bandas que formó Cobain, Fecal Matter. Después de meses de pensarlo, Novoselic aceptó unirse a Cobain,


mujer mientras cantaban la canción de Nirvana “Polly”. Cobain condenó el episodio en las notas adjuntas a las versiones estadounidenses de la compilación Incesticide, refiriéndose a los agresores como “dos desperdicios de esperma y óvulos”.

Adiccion

Nirvana fue una banda estadounidense de grunge, procedente de Aberdeen, Washington. Con el éxito del sencillo “Smells Like Teen Spirit”, del álbum Nevermind, Nirvana escaló las listas musicales en todo el mundo.

Durante su vida Cobain luchó contra la depresión, la bronquitis crónica y contra un intenso dolor físico debido a una condición estomacal crónica que jamás fue diagnosticada, de la cual buscó por años la causa y lo afectó emocionalmente. Ninguno de los doctores a los que consultó fue capaz de encontrar la causa específica, aunque le aseguraron que pudo ser el resultado de una escoliosis que Cobain sufrió en su niñez o tenía relación con el estrés producido por las giras y eventos a los que la banda asistía. Cobain se auto-medicó con heroína, pese a que su condición médica no fue la razón principal que provocó su uso de la droga.

lo cual sentó las bases de Nirvana. Cobain tuvo problemas para En los primeros años como adaptarse al éxito masivo de Nirgrupo, a Novoselic y Cobain les vana con sus fuertes raíces undertocó rotar frecuentemente de ba- ground. Además, se sintió perteristas. Eventualmente, El 8 de abril de 1994, el cuerpo sin vida de Cobain fue Chad Channing descubierto en un cuarto ubicado arriba del garaje en se unió a la banda, con el cual su casa ubicada en los alrededores del Lago Washington grabaron Bleach, por el empleado de Veca Electric Gary Smith. lanzado en Sub Pop Records en 1989. Cobain, sin embargo, no seguido por los medios, hasta el El cadáver de Cobain fue estaba satisfecho con el estilo de punto de compararse a sí mismo cremado, y un tercio de sus Channing, y la banda lo reem- con Frances Farmer, y tuvo resen- cenizas se esparcieron en un plazó por Dave Grohl. Junto a timiento con personas que decían monasterio de Budismo TiGrohl, la banda encontró el éxito ser fanáticos de la banda, pero que betano en Ithaca (New York), con su álbum debut en una gran no entendieron el mensaje de ésta. mientras que otro fue espardisquera, Nevermind (1991).Pos- Un incidente que molestó parti- cido en el río Wishkah, y el teriormente en el año 1993 salió cularmente a Cobain involucró a último tercio fue entregado a el disco “In Utero” dos hombres que violaron a una Courtney Love


La naranja mecanica

La naranja mecánica se caracteriza por sus imágenes violentas que facilitan el comentario social en psiquiatría, el pandillerismo juvenil y otros tópicos ubicados en una sociedad futurista distópica

La naranja mecánica (1971, A Clockwork Orange) es una película producida, escrita y dirigida por Stanley Kubrick, que la adaptó al cine a partir de la novela homónima de 1962 de Anthony Burgess. Está protagonizada por Malcolm McDowell, que da vida a un carismático y psicopático delincuente llamado Alex DeLarge, cuyos principales intereses son la violación, la ultra-violencia y la música de Beethoven. Sinopsis

A

mbientada en la Inglaterra del futuro, 1995, vista desde 1965, la película sigue la vida de un joven de 18 años llamado Alex DeLarge (McDowell) cuyos placeres son Beethoven, la violación y la ultraviolencia. Él es líder de una pequeña pandilla de gamberros, a los cuales se refiere como “drugos”. Alex narra la mayoría del filme

en “Nadsat”, el argot contemporáneo que comprime el Eslávico (especialmente el ruso) con el inglés y el Cockney (por ejemplo rozzer -policía-, drugo -amigo-, chavalco -muchacho- o lactaca -leche-). Alex es irreverente y abusa de los demás; miente a sus padres para no ir a la escuela; en su cama tiene un cubrecama cubierto con senos de goma, un caro equipo de alta fidelidad, una boa llamada “Basil” y la mesita de noche repleta de botines de sus robos.


Alex lleva a sus “drugos” a invadir una las acciones violentas con el dolor que estas casa, golpean al escritor que vive en ella y le provocan. violan a su esposa ante la mirada impotente Así que, el tratamiento Ludovico, lo de éste mientras Alex canta Singin’ in the deja incapaz de ser violento (ni siquiera en Rain. Después, lidia con un intento de golpe defensa propia) y también incapaz de tocar de uno de sus “drugos” subordinados. a una mujer desnuda, pero, en un imprevisto Después de faltar a clases, seduce a dos efecto secundario, el tratamiento también adolescentes en una tienda de discos; a lo hace incapaz de oír su pieza favorita pesar de no reconocer los nombres de sus de Beethoven, la Novena Sinfonía (fondo estrellas favoritas, éste las lleva a su casa y musical de una de las películas). tiene relaciones con ambas. Sin la capacidad de defenderse, y de Posteriormente, Alex es capturado haber sido desahuciado por sus padres durante un robo, traicionado por sus “drugos” (éstos tienen alquilada su habitación a un (uno al que Alex le había cortado la muñeca huespéd, desechado su estéreo y tesoros en respuesta a un reto a su autoridad como y, aparentemente, mataron a Basil), Alex líder de la pandilla). Alex es golpeado en la desanimadamente deambula por Londres. cara con una botella llena de leche y queda Pronto encuentra a viejas víctimas y dos ciego en la escena del crimen. Después de de sus antiguos “drugos” (ahora policías) ser arrestado, descubre que la víctima del quienes lo golpean y casi ahogan. robo ha A l e x muerto: vaga por Alex es un los bosques asesino. Es h a s t a sentenciado llegar a la a 14 años de casa del prisión. escritor Después c u y a de haber e s p o s a cumplido h a b í a n dos años, violado se le ofrece antes en la la libertad película. condicional, El escritor si se lo deja somete al e n t r a r El filme cuenta con una banda sonora compuesta principalmente tratamiento por selecciones de música clásica y sintetizador Moog realizadas por antes de L u d o v i c o , Wendy Carlos. descubrir un terapia s u experimental de aversión, desarrollada identidad; luego, droga a Alex e intenta por el gobierno como una estrategia hacer que se suicide tocando una versión para detener el crimen en la sociedad. El electrónica de la Novena Sinfonía de tratamiento consiste en ser expuesto a Beethoven (Segundo Movimiento). Alex formas extremas de violencia a través de trata de ‘evaporarse’ (como el dice una pantalla, como un cine muy violento. suicidarse) saltando por una ventana, Alex es incapaz de apartar la mirada de la pero sobrevive. pantalla, ya que sus ojos están sujetos por Después de una larga recuperación en el un par de ganchos. También es drogado hospital, Alex parece ser el de antes. En el antes de ver las películas, para que asocie hospital, el Ministro de Interiores


(quien antes había seleccionado a Alex personalmente para el tratamiento Ludovico) visita a Alex, disculpándose por los efectos del tratamiento, diciendo que sólo seguía las recomendaciones de su equipo. El gobierno le ofrece a Alex un trabajo muy bien remunerado si acepta apoyar la elección del partido político (conservador), cuya imagen pública se vio seriamente dañada por el intento de suicidio de Alex y el controvertido tratamiento al que fue sometido. Anticipando su regreso al estrago, Alex narra el final de la película: “Definitivamente, estaba curado” mientras se ve una fantasía surreal de él mismo copulando con una mujer en la nieve, rodeado por damas y caballeros victorianos aplaudiéndole, mientras se puede escuchar el último movimiento de la Novena Sinfonía de Beethoven de fondo.

Moral

Temas

Una de las principales preguntas moralistas de la película -como en otros libros de Burgess- es la definición de “bondad”. Después de la terapia de aversión, Alex se comporta como un buen miembro de la sociedad, pero no por opción; su bondad es involuntaria y mecánica, como lo dice el título de naranja mecánica. En prisión, el padre, el único hombre honesto y genuino allí, critica al Tratamiento Ludovico alegando que la verdadera bondad debe venir de adentro. Debe ser genuina.

Psicologica Otro tema central es el ultraje a la psicología conductual propuesta por los psicólogos John B. Watson y B.F. Skinner. Burgess desaprobaba el conductismo, llamando al libro más famoso de Skinner, Beyond Freedom and Dignity (Más Allá de la Libertad y la Dignidad), “uno de los libros más peligrosos jamás escrito”. Aunque Watson

concedía limitaciones al conductismo, Skinner argumentaba que la modificación de la conducta (aprender técnicas de recompensa sistemática y castigo) era la clave para un sociedad ideal. El tratamiento Ludovico es la forma de modificación de conducta que los científicos aplicaron a Alex, condicionándolo a asociar actos de violencia con malestar físico, previniéndolo de ser violento. La película incorpora una desconfianza al conductismo, enfocándose en la deshumanización y falta de opción en los métodos de modificación de conducta. Lo que se pretende es modificar la conducta del protagonista, que es desadaptada socialmente, a través de un sistema de reforzamiento y castigo, de modo tal que las conductas disruptivas se fueran “extinguiendo” y él pudiese integrarse rehabilitado a la sociedad. Pero al respecto hay una gran crítica: la sociedad en el que él vive ya está distorsionada y alterada en valores y normas, siendo este protagonista solo un representante de un ámbito mucho más amplio.

Adaptacion El filme de Kubrick, realizado en 1971, es relativamente fiel a la novela de Burgess, omitiendo el capítulo final en que se nos muestra a un Álex maduro y desencantado de su vida anterior. Se sabe que las primeras ediciones de la novela tampoco incluían este capítulo, pero la cuestión de si Kubrick conocía la obra íntegra y tomó la decisión conscientemente no está del todo clara. Afirmó que no había leído la versión original de la novela hasta tener casi terminado el guión, y que nunca había considerado usar ese capítulow . Entre las diferencias más notables están la vestimenta de la banda, negra en el original, con el protector del mismo color y un dibujo personalizado. La novela, además, muestra un uso mayor de la jerga nadsat (que habría supuesto un problema de inteligibilidad en la película) y emplea


explícitamente la frase que da título a la obra dos veces.

de McDowell se secaran. McDowell también sufrió de costillas fracturadas durante la humillación en el escenario y casi se ahoga mientras se filmaba la escena donde es sostenido bajo el agua. Cuando Alex salta por la ventana para tratar de terminar su tormento, el espectador ve el suelo viniendo hacia la cámara hasta que colisionan. Este efecto se consiguió tirando una cámara desde dos o tres pisos, con el objetivo apuntando hacia abajo, esto presenta un sentido realista de como podría ser tal caída.

La película fue calificada X en su estreno original en los Estados Unidos.

Dirección

Produccion

El director Stanley Kubrick fue un notorio perfeccionista, así que exigía bastantes tomas mientras hacía sus películas[cita requerida].

Antes de comenzar la filmación, mientras el actor Malcolm McDowell se colocaba las Respuestas y controversia pestañas postizas que utilizaba su personaje, Kubrick se dio cuenta de que con sólo una pestaña era suficiente. La película fue nominada a cuatro premios Antes de filmar la escena de la violación de la Academia (perdiendo contra The a la mujer del escritor, McDowell estaba French Connection) y revitalizó las ventas de preparándose en el set y comenzó a cantar la Novena Sinfonía de Beethoven. También “Singin’ in the rain”. Kubrick lo escuchó y causó controversia y no fue permitida su le dijó que la cantara mientras realizaba exposición en el Reino Unido. Para el tiempo la escena (Por regla general, el director de su re-estreno en el 2000, ya había ganado no aceptaba jamás modificaciones en el una reputación de clásico de culto. Muchos guión). críticos y Durante aficionados La banda sonora de la película comprime la consideran la escena del t r a t a m i e n t o , música clásica y música electrónica compuesta como una de M a l c o l m las mejores por Wendy Carlos M c D o w e l l películas La música en la película puede ser interpre- jamás hechas. se rayó una tada como una extensión temática a la condi- El film ha sido córnea y estuvo temporalmente criticado por ción psicológica de Alex. ciego[cita su violencia requerida]. El excesiva y la doctor que estaba a su lado en la escena falta de aparente humanidad, por grupos colocando solución salina en los ojos moralistas y religiosos, pregonando que forzadamente abiertos de Alex no sólo sirve como un pésimo ejemplo de ideal de estaba allí por propósitos del filme, sino que comportamiento para la actual juventud era un doctor real que prevenía que los ojos ávida de referentes en que basarse.


La mirada de Carl Einstein, constructora de la historia de las vanguardias Madrid, 11 nov. (EFE).- La historia del arte está construida por ideas que se reciben de revistas, publicaciones, críticos o historiadores del arte como el alemán Carl Einstein (1885-1940), quien tuvo un papel fundamental en la construcción de la historia de las vanguardias.

F

igura clave en el discurso histórico y teórico del arte, Einstein, al que el Museo Reina Sofía dedica la exposición “La invención del Siglo XX”, introdujo en Occidente el arte africano, al que dedicó el libro “Negerplastik”. Este arte figura como núcleo central de una exposición cuyo objetivo es dar una descripción visual convincente de su trabajo intelectual, concentrándose en las obras de los artistas más importantes del siglo XX a quienes él conoció, con quienes trabajó y sobre quienes escribió. Esto hace que las alrededor de 120 obras reunidas formen una

exposición “muy bella y especial”, según el director del museo, Manuel Borja-Villel, para quien Einstein es un historiador heterodoxo, con reconocimiento tardío. Aunque la muestra no es muy grande, “es una pequeña joya” en la que se pueden contemplar destacadas obras de los artistas más importantes de la vanguardia como Picasso, Miró, Braque, Leger, Gris, Klee o George Grosz. “No hemos querido hacer una exposición biográfica, sino intelectual que mostrase su visión, aunque en su trayectoria el aspecto biográfico tiene también mucha importancia ya que fue amigo de artistas españoles como Picas-

so, Gris o Miró, lo que le motivó participar en la Guerra Civil”, comentó el comisario Uwe Fleckner, quien se refirió a las dificultades que ha habido “para traer las obras que queríamos”. Según Fleckner el título de la exposición “trata sobre la invención del estos artistas, pero fundamentalmente se puede decir que Einstein inventa el siglo XX, porque en su libro “El arte del Siglo XX”, escrito en el primer cuarto del siglo, se atrevió a inventar un modelo teórico e intelectual sobre cómo pensaba que se iba a desarrollar el arte del siglo XX”. El autor “no es objetivo en su mirada de la historia del arte “ ya que en ella faltan el Constructivismo ruso y el Expresionismo alemán, “con los que fue muy crítico”. El recorrido de la muestra comienza con una serie de libros que reflejan su pensamiento para continuar con piezas de arte primitivo africano que se sitúan en el centro de la sala. Por primera vez se reúnen casi cuarenta obras originales reproducidas en su famoso “En este tiempo buscaba una solución integrada de la fragmentación que había en el arte, y en el


mero que consideró el arte africano como arte y vio la relación que tenía con el Cubismo”, declaró el comisario. El Dadaísmo y el Verismo está presente con obras de Max Beckmann, Rudolf Schlichter, Otto Dix y George Grosz, con los que compartió esperanzas frustradas en un nuevo punto de partida político y su juicio radical sobre la República de Weimar. Otro espacio exhibe los ocho números de la revista surrealista-antropológica “Documents”, junto a obras de Giacometti, Arp, Klee. El cubismo, que para él era un modo de repensar el sujeto, ocupa otro espacio destacado. En sus textos de los años veinte y treinta formuló una interpretación del Cubismo que desarrolló a partir de estudios filosóficos, matemáticos y psicológicos. Einstein, amigo de Georges Braque, Juan Gris y Fernand Léger, estaba convencido de que el Cubismo era una imagen del mundo y del hombre acorde con la época. Las obras de estos artistas y de Picasso destruyeron la realidad convencional para crear otra nueva. El Cubismo quedó definido como un realismo muy especial:

“El verdadero realismo no consiste en reproducir objetos, sino en crearlos”. En la segunda mitad de los años veinte se ocupó del Surrealismo, al que la exposición dedica un espacio con obras de Masson, Joan Miró, Gaston-Louis Roux, Hans Arp y Paul Klee, que mantenían una distancia crítica con el

“Negerplastik” (“La escultura negra”), de 1915. surrealismo doctrinario. Radicalizado políticamente por sus experiencias en la Primera Guerra Mundial y activista comunista, vino a España para luchar al lado del famoso anarquista Buenaventura Durruti. En julio de 1940 se suicidó. En el apartado dedicado a la Guerra Civil, se exhiben obras de Pablo Picasso y Joan Miró, además de un busto de Carl Einstein realizado por Benno Elkan y una obra de George Grosz recién adquirida por el Museo Reina Sofía. Mila Trenas La exposición se divide en varias secciones: ‘El Arte del siglo XX’, ‘Arte africano’, ‘Dadá y Veris-

mo’, ‘Cubismo’, ‘Surrealismo’, una sala dedicada fundamentalmente a la revista surrealista-antropológica “Documents” (1929-1930), que aglutinaba a los artistas disidentes del Surrealismo y un espacio en el que se estudia el papel de las artes en la guerra civil española

OBSERVACIONES

Reúne alrededor 120 obras, pinturas en su mayoría, y un conjunto de alrededor de 35 esculturas africanas, con el fin de proporcionar al espectador una descripción visual convincente del trabajo intelectual de Carl Einstein, concentrándose en las obras de los artistas más importantes del siglo XX, a quienes él conoció, con quienes trabajó y sobre quienes escribió. Carl Einstein (1985-1940) es uno de los historiadores del arte más peculiares del siglo XX y se encuentra en estos momentos en posición de jugar un importante papel como una de las principales figuras intelectuales del discurso histórico y teórico del arte. La muestra que organiza el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, le hará protagonista por primera vez de una exposición internacional,


El placer del Museo Botero En Colombia, el programa Red Nacional de Museos del Ministerio de Cultura, hizo parte del Encuentro de Bahía y es el ente encargado de promover la realización de actividades en todo el país y divulgarlas a través de su página.

L

os museos y los espacios expositivos deben ser esencialmente sitios de disfrute.Su función didáctica debe estar supeditada a esta vocación primaria, pues si se hace énfasis en el aspecto educativo, se corre el riesgo de coartar de una vez y para siempre el placer que proporciona la experiencia artística, que es en definitiva el “gancho” que permitirá la visita repetida y el interés en profundizar -y que convertirá eventual-

mente al Museo en una fuente de conocimiento más formal.No hay nada más descorazonador que ver un grupo de niños en un museo copiando afanosamente las fichas técnicas y los textos “explicativos” de una exposición con el fin de cumplir una tarea que le ha dejado un profesor que probablemente ni

siquiera se ha tomado el trabajo de ver la exposición él mismo.Estos niños muy seguramente no volverán, o no lo harán por iniciativa propia:al planteárseles las obras de arte (o de ciencia, es igual) como una obligación antes que como un placer, su relación se ha viciado desde el inicio, a veces para siempre. Resulta también significativo ver cómo los asistentes a las exposiciones miran primero la ficha técnica que la obra, con lo cual la visita se convierte en un acto más de constatar que de mirar: Hemos sido condicionados a que a un museo se va a “aprender”;nadie nos dijo que esto era un paseo de disfrute.Marta Traba afirmaba en uno de sus últimos artículos (del cual parafraseo el título) que los museos estaban en el principio del placer, no solamente por lo que mostraban sino porque allí se tenía una experiencia que iba más allá de las obras mismas:se accedía a un espacio reservado, “a salvo de una ciudad amenazadora”; todo lo que contribuya a hacer de la visita una experiencia placentera ayudará que esa segunda lectura, la profunda, la constante, se pueda dar algún día El Museo Botero ha sido instalado en la bella casa de patio que hasta finales de 1999 albergaba la Colección de Arte del Banco de la República.El maestro Fernando Botero la escogió personalmente,

pues guardaba gratos recuerdos de la presentación de su serie “La corrida” en esas mismas salas. La casa ha sido completamente readecuada, pero de manera muy sutil, sin gestos formales innecesarios, teniendo como único cambio aparente la apertura de unos vanos para que el magnífico patio central tuviera una mayor presencia en el vestíbulo de acceso.Botero mismo guió la museografía con un criterio de sobriedad en el cual se privilegian el blanco y el verde

museo botero

característicos de la arquitectura de La Candelaria.Con esta paleta que va del blanco al gris y del verde oscuro al negro, se manejaron las diferentes superficies:puertas, ventanería, pasamanos, señalización, muros.El otro componente esencial de la propuesta museo-


fica es la luz: luz natural en abundancia en las áreas comunes como vestíbulos, corredores y patios;luz artificial cálida en las salas, manteniendo una cierta penumbra al interior en función de lograr un ambiente de un ligero dramatismo, en donde las obras están iluminadas de manera perfecta y precisa.En todos los ejes visuales hay siempre una obra tridimensional como remate, que actúa como bisagra entre una sala y la siguiente.Los textos se han limitado a la ficha de identificación, para hacer énfasis en la obra misma y en su disfrute visual.

en libros, estampas y diapositivas reducen la obra a dos dimensiones, hacen que se pierda la escala, falsean el color, obliteran la textura, hacen que una miniatura y un mural tengan el mismo tamaño, establecen una coexistencia obligada entre dos obras:en resumen, reducen la experiencia artística a sus manifestaciones visuales más primarias. Los esfuerzos realizados por instituciones como el Museo Nacional, el Museo de Arte Moderno y la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República por traer exposiciones de artistas clási-

En varias ocasiones Botero ha relatado cómo su primer acercamiento al arte universal fue a través de reproducciones en estampas y libros, dado que en el país no existían (siguen no existiendo) colecciones de arte universal en entidades públicas.Para todos aquellos -la mayoría- que no podemos viajar a Europa o Norteamérica para ver los originales, la Historia del Arte se convierte en la historia de las Imágenes del arte.Las reproducciones de pinturas o esculturas

cos, modernos o contemporáneos para presentarlas temporalmente en sus salas solucionan parcialmente el problema, pero su acción y su cubrimiento son limitados

relatado cómo su primer acercamiento al arte universal en el tiempo por los plazos cortos de itinerancia de las exposiciones internacionales. La Temporalidad,

concepto clave de la museología contemporánea, se aplica en ese caso a las colecciones:sólo están disponibles por un tiempo corto para el disfrute del público. Pero el concepto de “exposición temporal” ha estado precedido históricamente por unas colecciones disponibles permanentemente para el público. Es sobre esta base que se intenta interesar al público de una ciudad en visitar de nuevo su Museo.El problema es que esta estrategia de la museología contemporánea presupone que la base existe.Y esto no ha sido cierto en nuestro país.Es aquí en donde radica la importancia capital de la donación del maestro Fernando Botero. En 1994 presentamos en las salas de la Biblioteca Luis Ángel Arango la exposición “Obras escogidas del Museo de Arte de Sao Paulo”, muestra en la que a través de 29 obras se hacía un recorrido por la pintura del siglo 19 y las primeras décadas del 20, y que incluía nombres como Renoir, Picasso, Chagall, Vuillard, Modigliani, Laurencin, y por primera y única vez en el país, una obra de Van Gogh.Entre las muchas cartas que recibí hubo una que me conmovió especialmente, que decía así:“he sido profesor de arte en un colegio público por más de veinte años.Les doy las gracias por permitirme ver en persona aquello que había por tantos años enseñado”.Además de colocar a Colombia de un solo golpe entre las cuatro o cinco colecciones públicas de arte internacional de mayor importancia en América Latina, la Donación Botero cumplirá una función social de gran importancia: estará allí por siempre, para la enseñanza pero sobre


Museo de barcos Vikingos Los francos llamaron normandos (“hombres que vienen del norte) a estas gentes que nunca formaron un pueblo unido dentro de fronteras nacionales. Se impuso el nombre de vikingos, que deriva del antiguo término nórdico vikingr, usado para describir a escandinavos en viaje de pillaje, en los que saqueaban, asesinaban y también comerciaban.

Expediciones vikingas:

L

os diversos pueblos escandinavos iniciaron a finales del siglo VIII una rápida y amplia expansión. Los suecos (o varegos) cruzaron el Báltico hacia Finlandia, el lago Ladoga y Novgorod. Por el río Dnieper atravesaron Rusia hasta el mar Negro alcanzando Constantinopla y Europa Oriental. Los noruegos se dirigieron a las islas del Atlántico Norte (Hébridas, Feroe, Orcadas,

Shetland e Irlanda). Después llegaron a Escocia, Islandia y hacia el año 1000, a las costas de Norteamérica, que llamaron Vinland. Los daneses invadieron Inglaterra y Frisia, surcaron el Elba hasta Hamburgo, el Rin hasta Colonia y el Sena hasta París. Tras asolar las costas de Asturias y Galicia, bajaron a Portugal, remontaron el Guadalquivir hasta Sevilla y llegaron al norte de Africa e Italia.

El capitel con figuras en barca es un tema recurrente en las iglesias de la provincia de Burgos que se suele agrupar en la llamada “Escuela de Mena - Villadiego”.

Naves y técnicas de navegación: Ya los noruegos de la Edad del Bronce (1.500 a. de C.) pintaron barcos en las paredes de las cuevas varios jarls (jefes) han sido encontrados enterrados con su nave. Un barco de tipo knorr podía avanzar a una velocidad de seis nudos transportando una carga de 40 toneladas (esta unidad de peso debe su nombre a un contenedor de madera en el que los vikingos portaban sus mercancías). El mástil no iba sujeto rígidamente en el casco, sino que podía moverse o ser abatido si el barco necesitaba ser arrastrado por tierra con ayuda de troncos. La quilla, un invento vikingo, proporcionaba estabilidad y maniobrabilidad en las corrientes rápidas. En las calmas o con viento en contra, los tripulantes empuñaban los remos. Con sus drakkar (llamadas así porque las proas y popas de sus naves estaban adornadas con cabezas de dragón) de 32 metros de largo Erik el Rojo recorrió hacia el oeste unos 320 kilómetros hasta encontrar la costa este de Groenlandia. Se orientaban con mucha precisión sin brújula. Probablemente establecían la latitud por la posición del sol, la luna y las estrellas. Navegaban cerca de la costa, atentos a las señales de tierra. Un timonel veterano se


ocupaba de marcar el rumbo. Observaban islas, nubes, vuelo de gaviotas, el tamaño y color de las algas. Calculaban la velocidad y las millas recorridas fijándose en su estela y la fuerza con que la roda de la proa iba rompiendo las olas. La borda de las naves era muy baja y el oleaje podía inundarlas con facilidad. La tripulación arriesgaba la vida en cada tormenta. Los que fallecían durante el viaje eran arrojados al mar.

Museo Como mencionara en la nota anterior sobre el museo del Fram, durante 1999 pude concretar la visita a unos amigos noruegos en Oslo y proyectar una escapada a uno de los lugares con mayor concentración de museos relacionados con el mar que haya visto. Aquella soleada mañana de octubre, después de visitar museo del Fram (Frammuseet), mi esposa y yo decidimos conocer el Museo de los Barcos Vikingos (Vikingskiphuset) que se encuentra localizado en una zona denominada Bygdøynes, al SW del muelle de Oslo. A él se puede llegar tanto por ferry (que sale de Akerbrugge) como por ómnibus. El área dónde se halla el museo conforma una especie de “parque temático” en el cual también se encuentran, entre otros, el museo del Kon-Tiki y el museo marítimo (Sjøfartsmuseum). Si bien recorrer todos estos museos en un día exige una gran dosis de resistencia física y un buen par de zapatillas, creo que vale la pena el esfuerzo. En la nota del Fram se puede ver un plano donde muestra la ubicación del museo y los medios para acceder a él.

La entrada al museo cuesta unas 40 coronas noruegas (U$S 5 aprox.), lo cual es aún razonable para nuestros bolsillos y está abierto durante todo el año en diferentes horarios, dependiendo de la época, entre cinco y siete horas diarias.

la sección de popa. Junto a ella yacía otra mujer, posiblemente una sirvienta, y sus más preciadas posesiones. Bajo el barco se encontró una gruesa capa de arcilla azul mientras que el montículo en sí mismo fue levantado con turba, lo cual explica el excelente estado

El Museo de los Barcos Vikingos en Bygdøy comprende uno de los dos edificios pertenecientes al museo universitario de historia cultural. EL BARCO DE OSEBERG

Muchas de las ornamentaciones de la tumba de la reina en Oseberg están exhibidas en la sección más recluida del museo, en la colección de artefactos.

Este barco se encontró en un gran montículo funerario en la granja de Slagen en Vestfold durante las excavaciones de 1904. La nave fue construida en el 815820 D.C. aproximadamente y se usó para la navegación durante muchos años antes de ser usada como barco funerario para una prominente señora vikinga que muriera en el 834. Esta señora fue alojada en la cámara funeraria en

de conservación del barco y otros objetos de madera, cuero y textiles. Salvo algunas pocas excepciones, este tipo de objetos nunca antes había sobrevivido en una tumba del período vikingo. Este montículo había sido saqueado en tiempo remotos, lo cual explicaría por qué no se halló joyería ni otros artículos de oro, plata o con algun valor monetario o simbolico en la tumba de estos mismos


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