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STANDARD

SERIES


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LINEA CALIENTE: LEY SOPA VS. ANONYMOUS La tentativa de Estados Unidos de promulgar una ley que prohíba la distribución gratuita de multimedia por Internet hizo que la red de hackers Anonymous declare la guerra a las corporaciones EL ADIOS AL FLACO SPINETTA Uno de los dioses del rock argentino se nos fue tras una lucha perdida contra el cáncer. Luis Alberto Spinetta es considerado como una leyenda en la historia de la música moderna.

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UNDERNEATH. El rock nacional tiene su espacio en METRO a través de Underneath, una de las bandas que más peso le dio a la música en Santa Cruz y el país entero.

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ARTE: DIANNE ARBUS: “Una imagen vale más que mil palabras”. Esa frase nos da a conocer de una manera el trabajo de la fotógrafa Diane Arbus, una mujer con el tercer ojo bien abierto.

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ROLLING STONES Jagger vuelve al ataque junto con los dinosaurios del rock. Una gira anunciada por el mundo al final fue suspendida, pero dejó entrever que los Stones aún tienen mucho que dar.

24 ROGER WATERS: EL MURÓ CAYO EN EL SUR

Una de las experiencias de rock más profundas es el poder ver caer el muro del concierto de The Wall de Roger Waters. METRO estuvo presente en esta ceremonia, cuando el autor de In The Flesh se nos vino de visita al sur del continente americano.

MARTIN JOFFRÉ, LA BÚSQUEDA DEL PARAÍSO PERDIDO:

Visinario, poeta,spiritual, cristiano, buscador, creador, loco…Una serie de adjetivos que se podrían usar para describir la personalidad del multiinstrumentalista Martín Joffré, ex bajero de LouKass y actual miembro de Tejilah. En este número, METRO tiene el honor de presentar a uno de los músicos más influyentes del rock nacional a través de una entrevista exclusiva.

20 www.facebook.com/revistametro

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C O R R E S P O N D E N C I A

Carta al Lector

Hola amigos de Metro… Mi nombre es Agustín, me dicen Acuti. Leí en el número 39 de la revista un artículo extractado de la obra de Patti Smith, que me pareció increíble. Debo decirles que su revista es la mejor que existe en el rock nacional, no lo digo yo, si no mis amigos y mi familia también. Aguante Metro!! Felicidades.

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Me ha parecido espectacular en sus anteriores ediciones las tapas de Steve Jobs, una especie de gurú de la tecnología de última generación y en su siguiente número al “Matador” Mamani, un gran acierto, pero además revelador saber que nuestros deportistas obtienen logros solos; pues doble mérito. Ojala que su presencia motive a nuestras autoridades a fijarse más en los logros que en las peleas. Sigan adelante. Naul Fernández Villavicencio.

DIRECTOR GENERAL: Carlos Rodriguez San Martín

Y llegó el 2012. El año que los Mayas predijeron que se iba a acabar el mundo. Pero METRO sigue, porque el Rock and Roll continua, y la música continúa, porque ustedes continúan. La fecha en el que este planeta llegará a su fin debido al mal comportamiento de los pinches seres humanos que lo habitan está predicha para el 22 de diciembre, así que mientras tanto tenemos un montón que disfrutar, por si las dudas, y por sí los mayas acertaran en su calendario. “Nocturniquete” es el último disco de Mars Volta; The Black Keys siguen tronando con su “El Camino”; The Stone Roses agota las entradas para su esperada gira; Roger Waters bate récords de taquilla en Chile y Argentina; el ministerio de Culturas se manda un premio al arte boliviano, entre el que se cuenta la categoría de mejor banda de rock; Adele nos continúa cautivando con su increíble voz, mientras las bandas más conocidas de la escena: Oil; Oz; Elektrochok; Matamba; Krauss; y otros que siguen dando lata en boliches como el Equi o el Alive. La información de todo esto que se conoce con el nombre de R.O.C.K podrás encontrar en este número de METRO, en el último año de la humanidad. En tus manos tienes, querido lector, lo que será el inicio del camino de METRO hacia su número 50. Así es, girando en los kioscos de La Paz, Cochabamba y Santa Cruz y el serio compromiso de llegar hasta los últimos rincones del país donde también se escucha buena música, se lee y en el imaginario de la gente. Te agradecemos, lector, por tu preferencia, porque siempre estuviste con METRO disfrutando de esta religión llamada Rock and Roll. Y si la profecía se cumple, es probable que en el futuro nos encuentren como un referente de la música nacional, como algo que existió totalmente inherente en la vida de la gente. Sigue enchufado a METRO que este año te tenemos reservadas increíbles sorpresas. ¡¡Bienvenidos a METRO!!

Responsable Edición CLUB METRO

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GERENTE GENERAL: Ivan Rodriguez Petkovic RESPONSABLE EDICIÓN: Joaquín Leoni REDACCIÓN: Fernando A. Lopez Gonzalo Meleán Joaquin Leoni Jorge Arduz Carolina Hoz de Vila Pedro Pablo Siles Tania Mokrani Cristian Hurtado DISEÑO Y DIAGRAMACIÓN: Luis Aranda FOTOGRAFÍA: Tony Suárez FOTO TAPA: Tony Suárez COMERCIALIZACIÓN: EP MARKETING & RR.PP: Grupo Metro (EP) GERENTE DE ADMINISTRACIÓN: Alex Vargas Viladegud CORRESPONSALES: Pedro Pablo Siles (Buenos Aires) Silvana Augusto (Santiago) Olga Do Vale (Sao Paulo) Enrique Soruco (México) Miodrag Vujovic (Europa) REDES SOCIALES: : http://www.facebook.com/revistametro : @metrobolivia

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LÍNEA CALIENTE

GUERRA SANTA contra la inquisición en internet EL MUNDO SERÁ

DE LOS ANÓNIMOS Por: Carolina Hoz de Vila

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¿Qué es Anonymous?

E

s un movimiento internacional de ciberactivistas, formado por un número indeterminado de gente, que no se adscriben a ninguna corriente política, y todas las acciones de anulación de sistemas las llevan a petición de los usuarios de la red. V de Vendetta es el símbolo que los representa y es su himno de autodeterminación. “El conocimiento es libre. Somos Anonymous. Somos Legión. No perdonamos. No olvidamos. ¡Espérennos!”. Es el mensaje que han lanzado al mundo en cada vídeo que han creado para reivindicar sus ciberataques contra las páginas web.

¿Cuándo surgieron? El caso Wikileaks prendió la mecha en el grupo. Se declararon enemigos de los enemigos de Wikileaks y tumbaron a todos los que negaron su apoyo a Julian Assange, como Visa, Mastercard, PayPal o Amazon. Al principio solo realizaban sus acciones en

internet. Provocaban la caída de servidores, llevaban a cabo diferentes ataques informáticos y difundían datos privados a través de la Red. Cultura para todos. Cuando la cultura hacia el siglo XX se transformó en un mercantilismo que despojó al arte de toda esa “aura” y autenticidad que tenía, se

muestras de arte. Decidieron tomar cartas sobre el asunto y cerrar cuanto sitio hiciera una supuesta acción ilegal. El FBI cerró de manera arbitraria megaupload y arrestó a sus propietarios el pasado 17 de enero. No obstante, la venganza vino de parte los nerds más famosos del planeta, los anónimos hackers que bloquearon

“Con la tecnología y el crecimiento de Internet los últimos 15 años, la piratería fue una rebelión contra los precios elevados de las musas” debió al valor comercial que adquirieron las obras, según Walter Benjamin. Los precios del mercado subieron tanto, hasta convertirla en algo banal e inalcanzable. Con la tecnología y el crecimiento de Internet los últimos 15 años, la piratería fue una rebelión contra los precios elevados de las musas. La tecnología devolvió a la humanidad esa fuente de conocimientos que el arte hacía. La cultura dejó de ser de élites y estuvo al alcance de cualquiera. Esto no agradó para nada a las transnacionales que antes hacían fortunas con estas

varios sitios de internet, en una operación llamada #OpMegaupload. Dejaron fuera de servicio páginas del FBI, el Departamento de Justicia de EEUU, Universal Music, la MPAA, Jefatura de Policía de Utah, Warner Music y Universal Music entre muchos otros por el mes de febrero. Twitter no tardó en regar la noticia y solidarizar al mundo en esta campaña. Durante la noche del 19 al 20 creció la cantidad de consultas en las redes sociales con respecto a los pasos a seguir para ser un Anonymus. Cada vez

más adeptos se unen a esta causa mientras nada parece detenerlos.

La sopa se congela El secreto de la invencibilidad de Anonymus. No se trata de un grupo definido que se organiza en Internet, lo que dificulta encontrar algo oficial relacionado con Anonymous. Son los bandidos sin pistas, los piratas que de un día para otro cambian de puerto, de redes, y de manera clandestina son el terror de los meres virtuales. Varias partes, piezas y engranajes por separado unen sus fuerzas, sin organización previa, para hacer funcionar esta máquina. La protesta sin rostro es esta voz que dia a dia es líder de opinión en problemas sociales y mueve más seguidores en todas partes del mundo que una estrella de rock. Sin embargo, esta comunidad de personas organiza operaciones, debate del estado de los países y se vale de canales online para generar un público ¿Es que los héroes de ahora son Anonymus? www.facebook.com/revistametro

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EXCENTRICIDADES ENTREGAN PREMIOS EDUARDO ABAROA Atajo ganó como la mejor banda de rock boliviano

Entre una serie de categorías artísticas nacionales el ministerio de Culturas decidió entregar 2 millones de Bolivianos en premios a quienes se rajaron en los últimos años por producir arte en el país donde el arte y la cultura andan abandonados a su suerte.

EN POCAS

PALABRAS

LANZAN LO NUEVO de Mars Volta

La banda estadounidense de rock The Mars Volta lanzó su sexto disco de estudio titulado “Noctourniquet”, del que se desprende como carta de presentación el tema “The Malkin Jewel”. SOUNDGARDEN lanza tema de “AVENGERS” Soungarden una de las bandas icono del grunge lanzará su primera canción nueva en quince años, como parte del soundtrack de la película “Avengers” (Los Vengadores), basada en el cómic de Marvel.

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Con una cantidad de 2 millones Bolivianos el viernes 23 de marzo el ministerio de Culturas entregó los premios Eduardo Abaroa 2012, destinado a rendir homenaje al arte y la cultura contemporáneos. En rock el grupo galardonado fue Atajo. El evento fue realizado en Santa Cruz, en el que el Ministerio de Culturas, que promovió el premio nacional a la trayectoria, eligió a los ganadores de las 22 categorías instituidas en ese premio, después de la evaluación del jurado que valoró más de 400 postulaciones, según la agencia ABI. Las categorías para la premiación fueron el arte originario, artes plásticas, investigación, música, artes escénicas, artes audiovisuales, deportes, cine, fotografía, danza, folklore, rock, recuperación del acervo musical, popular, investigación histórica, escultura, pintura, grabado,

dibujo, cerámica, orfebrería, textiles y tallado en madera. Panchi Maldonado recogió el premio de su banda, una medalla de honor y un dinerito que de hecho le servirá para que siga haciendo la música que hace. Entre los nominados para recibir este premio gubernamental, en la categoría de mejor banda de rock estaban también Ale Deliuz, pero el criterioso jurado decidió premiar a lo mejorcito en rock boliviano.

Lindsay Lohan

termina su condena La actriz norteamericana Lindsay Lohan cumplió su condena de detención domiciliaria, la misma que le fue dictaminada en 2007 por conducir en estado de ebriedad. El retorno de Illya Kuriaki and The Valderramas

Tras su presentación en el festival Vive Latino 2012 llevado a cabo en México, el dueto formado por Dante Spinetta y Emanuel Hor villleur se enfocan ahora en componer temas para su nuevo disco Nuevo Album de Aerosmith en julio

Los veteranos de Aerosmith confirmaron el lanzamiento del sucesor de su aclamado disco “Honking on Bobo”. Julio es el mes elegido por estos rockeros que quieren una vez más conquistar el mundo.


The White Stripes no va

NUNCA MÁS

A pesar que la noticia sobre la imposibilidad del retorno de los White Stripes es mucho conocida por los fans, Jack White, líder y compositor del dueto confirmó una vez más que este retorno es completamente imposible. “No soy la clase de persona que se retiraría de baseball y retornaría un año después. Quiero decir, si pasamos todo el inconveniente de

Salen más rumores sobre la muerte de

Whitney Houston

decirle a la gente que terminados es porque era en serio”. Sin embargo, White dejó abierta la posibilidad para una situación extrema: “Si nos viéramos forzados a cambiar de opinión, solo puedo imaginar que la razón sería porque estamos en bancarrota o porque no tendríamos dinero, lo cual sería realmente triste”.

Zakk Wilde

lanza un libro para niños El ex violero de Ozzy, líder de Black Label Society y aguerrido mercenario del metal, Zakk Wilde, lanzó un libro para niños metaleros llamado: “Bringin Metal to the children”, un esfuerzo que sin duda dejó boquiabiertos a más de uno. El libro está previsto para salir a las tiendas el próximo 10 de abril, fecha en la que la editorial William Morrow (una subsidiaria de Harper Collins Publishers) realizará un concierto metalero inédito en las tiendas de Amazon.com. Wilde describe en su libro

todas sus experiencias durante sus giras de rockero maldito. Fiestas en los autobuses, alcohol, muchas drogas, y a pesar de ello, la responsabilidad de estar presente en el escenario a la hora de tocar rock and roll.

Muchos rumores han surgido en torno a la muerte de Whitney Houston, con la publicación de las pruebas toxicológicas tras su fallecimiento que arrojaron datos sobre la impresionante cantidad de cocaína que la cantante consumió momentos antes de su deceso. Entre estas noticias (en su mayoría infundadas) aparece un supuesto culpable de la muerte de la diva. Su nombre: Raffels Van Exel. Van Exel era socio y amigo de la actriz y cantante que a lo largo de su vida presentó

problemas de drogadicción. Su familia afirmó que no estaban enterados de que Whitney consumía sustancias tóxicas de nuevo y que su vida estuviera en peligro. Sin embargo, después de varios estudios se comprobó que la habitación en la que falleció la diva fue limpiada antes de que llegaran las autoridades y el principal sospechoso es Van Exel, ya que él declaró a una publicación danesa que lo había hecho, también se investiga a gente cercana a Houston. www.facebook.com/revistametro

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EXCENTRICIDADES en vivo

Metro Cochabamba Q

se adueña de

En una noche cargada de fuerte energía rockera, METRO se dio a conocer a un público cochala ávido de apoyo y de noticias de rock. La Muela del Diablo fue el escenario en el que la conquista del Valle comenzó con un bacanal de música, energía y rock.

ué mejor manera de e m p e z a r el año produciendo un evento en la ciudad de Cochabamba, y contar con la presencia de importantes personalidades del rock y grandes bandas nacionales. La Muela Del Diablo es el lugar perfecto para hacer Rock, para tomarte un tiempo libre y disfrutar del arte cochabambino. El lugar transmite grandeza, y lo hacia desde tempranas horas de la tarde del 4 de febrero. La gente empezó a ocupar las mesas de La Muela del Diablo desde las 6 de la tarde, para comer o tomar 10 algo y esperar que la METRO cumpla con lo que había anunciado semanas atrás: Un concierto de primer nivel. Y no hizo falta esperar más. A las 22 hrs. las mesas se llenaban y en el escenario empezaba a calentar una nueva banda, que además se estrenaba en tocadas de la Muela; “Amoniako”, changos que empiezan a dar sus primeros pasos en el rock nacional; entusiastas, ponían energía a los primeros momentos de la noche, para que luego el público reciba a “A Pie”, que después de un tiempo volvía

a dar conciertos para estar presente y gritar en lo alto el nombre de la METRO. Las palabras de su vocalista, Cayo, eran contundentes al respecto del apoyo al rock nacional “debemos aplaudir a los que apoyan este movimiento que pronto será mucho más, gracias Muela, muchas gracias METRO” reitero más de una vez. Para eso los lugares libres que habían entre las mesas, tenían un pequeño espacio para notar las sombras, el lugar quedaba completamente lleno, la gente levantaba las voces y cantaban mientras otros no dejaban de leer la revista, regalada la misma noche. OIL, solo con pisar el escenario causó temblor. Ya sabes lo que va pasar, pero no sabes dónde te llevará, “Gracias OIL” el grupo de la revista en un rincón del lugar. “Gracias por la tremenda energía” a lo que en voz alta respondía Chelo “METRO es la magia de Bolivia para el rock Boliviano”, para continuar con canciones nuevas y del último disco, y para chocar cabezas entre guitarristas y alargar las cabelleras hasta el piso. Una noche tremenda. METRO sella la ciudad con broche de oro.

Fotos: Eduardo Zurita


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CRÍTICAS CD’S Alex Zapata: The Black Keys Attack and Release (2008)

A

ttack and Release es un disco del cual me interesa hablar bastante, pues surge a la mitad de la carrera de los Black Keys y consolida a la banda. Este álbum, que salió a la luz en 2008, muestra una estética más desarrollada, llena de feeling e inspiración, en su construcción melódica. Las canciones son simples dominadas por riffs 12 de guitarra muy coherentes e intensos, con acordes, que aunque sencillos, están bien desarrollados en su ejecución. Dan Auerbach lleva en su voz mucho soul y transmite un sentimiento muy marcado y lleno de matices, como resonancia de una educación bien cultivada en el blues, mientras que la batería

En esta edición de METRO dejamos este espacio para que sean los músicos quienes mencionen sus discos favoritos.

de Patrick Carney es muy real, no suena a máquina ni a pro tolos. Al escuchárselo, transmite la impresión de desarrollar una interpretación en vivo. El bajo es siempre simple. Hay una implementación de un órgano hammond en algunos temas para dar un poco de profundidad a la atmósfera, que se hace más notable en la canción, Things ain’t like they used to be. El instrumento entra como un tsunami, justo a los 2 minutos y 18 segundos del track All you ever wanted. So he won’t break es otra de mis favoritas en el disco. Sueño con realizar este tipo de producción destacada en el disco debut de Devinylos, al menos en alguna de las canciones. The Black Keys son el perfecto ejemplo de que menos es mucho más en el arte. Con la mayor naturalidad del mundo ellos mezclan blues soul en el sonido de la producción, de la voz y ¿por qué no decirlo? introducen algo de grunge, también en sus arreglos. Esta es música desnuda, no disfrazada con cientos de tracks y tools. ¡Gracias Black Keys por traer la esencia del buen rock y la música auténtica!

Matamba: Los Cafres El paso gigante (2011)

Dante Dominguez (Enfant): Gil Scott-Heron: I’m New Here (2010)

“El Paso Gigante” de Los Cafres, gran disco de esta gran banda Argentina que demuestran una vez más porque son una de las mejores sino la mejor banda latinoamericana de Reggae. “Revelation pt1 The Root of Life” de Stephen Marley, tenia que ser uno de los hijos del gran Bob para lograr semejante disco. Particularmente creo que Stephen es el que de todos los hijos de Bob canta más parecido al Padre. “Electroshock” de Electroshock lindo disco de mis hermanos, lograron conseguir una identidad sonora y eso en la música es fundamental, además salgo yo también en el disco... jajajaja

Es un disco que muestra los sonidos callejeros y subterráneos de Heron. Scott Heron es el amo de la música, todos sus discos son increíbles, pero este es especial. Gil Scott Heron fue un poeta y músico, principalmente conocido a finales de la década del 1960 y principio de los años 1970 por sus actuaciones de poesía cantada y hablada, relacionadas con los activistas afroamericanos. Fué famoso por su poemacanción: La revolución no será televisada (“The Revolution Will Not Be Televised”).


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The Avengers, orgía

de superhéroes en el cine

Woodie Allen: Whatever Works Por: Tania Mokrani

Para muchos cinéfilos, “Annie Hall” (1977) y “Manhattan” (1979) son las películas más representativas 14 del hilarante estilo narrativo y cinematográfico del escritor, actor, humorista, guionista y cineasta, Woody Allen. Sin quitarles la razón, me permito incluir a una de sus últimas producciones, “Whatever Works” (“Si la cosa funciona” 2009), dentro de esta categoría. Se trata de una comedia protagonizada por Larry David, quien logra introducirse, con una notable soltura, en la piel del recurrente personaje neurótico construido por el director a partir de una suerte de autocrítica que alterna con altas dosis de humor y una ironía poco común.

En este film, Allen retoma escenarios neoyorquinos (Manhattan) salpicados con un jazz muy Dixyland y en ellos traza el recorrido amoroso entre Boris Yellnikoff (Larry David), un académico víctima de ataques de pánico, de problemas existenciales y de una personalidad obsesiva, y Melody (Evan Rachel Wood), una ilusa joven sureña de escasas luces que deja su pueblo para vivir en la Gran Manzana. Ambos se sumergen en situaciones adversas que, entre risas, nos retratan la complejidad de las relaciones humanas y la posibilidad de que estas “funcionen” eventualmente, pese a las diferencias. Y, al parecer, las cosas funcionan mejor para el judío en la realidad que en la ficción, pues como dicen por ahí, “la relación entre Woody Allen y su hijastra es la más estable de Holywood” (PPSR).

Destinada a ser la película más aclamada del año por su elenco de primera y por ser la adaptación de uno de los comics más populares de la historia, The Avengers llegará a La Paz cumpliendo con el ciclo de los superhéroes que llenaron las pantallas durante los últimos 10 años. Continuando con las épicas aventuras en la gran pantalla de Iron Man, Hulk, Iron Man 2, Thor y Capitán América, llegan Los Vengadores. El legendario grupo de superhéroes. Cuando un enemigo inesperado surge como una gran amenaza para la seguridad mundial,

Nick Fury, director de la Agencia conocida como SHIELD, se encuentra en la necesidad de reunir a un equipo para salvar al mundo de un desastre casi seguro. Basada en la serie de cómics de Marvel publicadas por primera vez en el año 1963, Los Vengadores de Marvel reúnen a los más poderosos personajes, y la más espectacular agrupación de ellos jamás vista en una película. Dirigida por Joss Whedon la película arribará a los cines de la ciudad en la última semana de abril y a juzgar de los trailers, está de poca madre.


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DIVAS

Por: Pedro Pablo Siles R.

Y

a h o r a se nos 16 fue Etta James. Poco a poco se han ido apagando los grandes representantes de la época dorada de Chess Records, la compañía discográfica de Blues, R&B, Gospel y Rock & Roll que habían fundado Leonard Chess y su hermano Phil en 1950. Algunas de las leyendas más prominentes del género blusero pasaron por estos estudios. Desde Muddy Waters hasta Otis Rush, pasando por dos nombres que siguen bendiciéndonos con su talento: Chuck Berry,

Buddy Guy… En este mundo, generalmente masculino, esencial es el aporte de las grandes damas del género. Bessie Smith, Sister Rosetta, Big Mama Thornton son sólo algunas de las antecesoras de Etta James, por un lado, legítima heredera de una corriente eximia; por el otro, aportadora de un factor único que luego sería retomado por Janis Joplin y una larga camada de nuevas voces que llega hasta Beyoncé (que incluso interpretó a James en la reciente película Cadillac Records). Cuando la canción lo requería, podía proyectar

toda la sutileza y candor que eran necesarios. Pero cuando, asimismo, el tema necesitaba que se gruñese, se aullase o se abandonase lo característicamente “femenino”, James parecía tomar más elementos de Howlin’ Wolf que de Billie Holiday. Esto la llevó a transitar exitosamente por instancias tan diversas como la balada dramática revestida de cuerdas (‘At Last’), las composiciones de blues neto de Willie Dixon (‘Spoonfull’), o incluso números más tirados al jazz o el soul. Los componentes de su leyenda podrían parecer

inconcebibles en otro ambiente, pero casi son moneda corriente en el contexto del blues clásico. Hija de una madre adolescente, vivió sus primeros años a cargo de un par de tutores abusivos. Al morir uno de ellos, su madre biológica retomó el cuidado de la pequeña Jamesetta Hawkins y se la llevó a San Francisco, donde la niña experimentó su primer contacto serio con la música, llegando a formar una agrupación vocal de chicas junto a otras dos jóvenes. Las Creolettes terminaron topándose con Johnny Otis, que les consiguió su primer contrato discográfico. El resto es historia… El año 60 llegó Chess Records y grabó buena parte de su catálogo más imprescindible. La muerte de Leonard Chess, dueño de la compañía, terminó con el desmoronamiento de la discográfica y la posterior caída en desgracia de Etta. Tras años luchando con sus adicciones, logró retomar los escenarios a partir de 1987. Algunos éxitos tardíos y el merecido reconocimiento de la industria llegaron en esta nueva etapa. Los salones de la fama y las revistas especializadas se fueron ocupando de contar con su presencia y de tallar su nombre en piedra. Siempre inoxidable, siguió grabando y subida a los escenario hasta que su salud se lo permitió. Su muerte obliga a honrar su memoria de la única manera posible: disfrutando de la enormidad del legado. Resuenan para siempre su voz maravillosa, su personalidad rebelde y sensible, el poderío de su música.


Adele,

la reina de los Grammy 2012

La británica se llevó seis gramófonos de oro en la edición de los premios Grammy 2012, en una ceremonia inédita en la que la “gordita” batió el récord de premiaciones llevándose todos los trofeos para los que estaba nominada.

L

a artista británica Adele fue la gran triunfadora en Los Ángeles de la 54 edición de los Grammy tras alzarse con 6 galardones en una ceremonia suntuosa en la que la muerte de Whitney Houston rondaba los noticieros de farándula estadounidenses. Adele, de 23 años, confirmó las expectativas y conquistó todos los galardones a los que estaba nominada después de arrasar en las listas de éxitos con su “Rolling in the Deep”. Ese tema fue nombrado la mejor canción y mejor letra de 2011 y el disco “21”, el segundo de su carrera, fue reconocido como el mejor álbum. Habría que remontarse hasta 2007 para encontrarse un dominio tan abrumador de

Fuente: Agencias. un artista en los Grammy. En aquella ocasión, la gloria fue a parar a las Dixie Chicks con su “Not Ready To Make Nice” incluido en su LP country “Taking the Long Way”. Adele se llevó, además, otros tres gramófonos dorados por la mejor actuación solista en pop con su “Someone Like You”, mejor álbum vocal pop con “21”, y mejor vídeo

musical de corta duración (“Rolling in the Deep”). Escueta en palabras al recoger los galardones, Adele no pudo evitar sollozar nerviosa y acordarse de su madre, sus amigos e incluso de los médicos que la operaron hace cinco meses de las cuerdas vocales después de que tuvo que suspender su gira estadounidense por problemas de salud.

Los Grammy confirmaron el nacimiento de una nueva diva de la canción al tiempo que dijeron adiós a otra que reinó en los 80 y 90, Whitney Houston, cuyo recuerdo sirvió para abrir la gala en el pabellón Staples Center. Adele es la nueva cara de la voz mas importante del mundo, no hay dudas. Una mujer de la que esperamos grandes cosas en el futuro.

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SPINETTA: un i nven t o con tra l a frag il idad

Por: Caro Hoz de Vila

“Somos burbujas que se rompen con facilidad, si no entendiera esto no podría crear” (Luis Alberto Spinetta)

estuvo a la caza de sonidos que se cuestionasen de un disco a otro, sin resignarse a la monotonía de una fórmula cómoda. Si bien tomó clases de guitarra clásica hasta sus 13, el resto lo completó con un aprendizaje autodidacta, producto de viajes y encuentros con diversos estilos, y una humildad que lo haría crecer al contacto de nuevos músicos. Spinetta era una obra inacabada, un sonido en expansión como el big bang. En una producción de largo aliento, bebió de las sorpresas que dejaba la vida, sin titubear.

Sabor a almendra

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N

o tenía miedo. Ni siquiera la muerte lo inquietaba. Como una hoja

en la tempestad el genio escribía sus líneas, al contemplarse firme en un misterio que sólo su música conocía. Ni siquiera el más leve rayo de noche lo atemorizaba. En

una marcha contra el tiempo, creó más de 40 obras, en 4 décadas, con la obsesiva determinación de un Mozart. No hay un momento desperdiciado en él. Siempre

Nació un 23 de Enero en Belgrano, en 1950. Un barrio en el que las tardes del futuro cantautor se inundaron de la Milonga que reproducía la consola de su casa. El tango se instauró en su hogar como una rutina de semana. Un padre cantor aficionado al arte del lunfardo, transmitió la aventura lírica al pequeño gigante. Con un concurso de canto del cuál desertaría al poco tiempo, por no sentirse a gusto, Spinetta se introdujo en la guitarra, su mayor descubrimiento. Exploró el instrumento hasta agotarlo: gesto insaciable que lo llevaría a ser uno de los mejores intérpretes. Desde sus primeros años de colegio, junto a Emilio del Guercio, su mejor amigo, conformó la agrupación Almendra, que consagró en los escenarios argentinos. Asimismo fundó el rock latinoamericano con sencillos como Muchacha ojos de Papel, Plegaria para un niño dormido, Laura va, Figuración y Fermín entre muchos otros, que se volverían himnos en la muchachada de las siguientes generaciones. Esta repercusión repentina los condujo a interminables giras y shows que lo llevaron a establecer


una conexión especial con los músicos de su tiempo.

quién le dedicó Los libros de la buena memoria.

Pescado Rabioso en la fugacidad

Una marca llamada Spinetta

Llegada la década de los 70 la banda se disuelve, no sin antes dejar un legado de dos discos, Tema de Pototo y Almendra II. Spinetta viajó a Francia y a su regreso grabó un disco solista, Spinettalandia y sus amigos, tras reproducir su memoria de viaje, retornó con un sonido mucho más rockero, producto de las bandas que escuchó en el viejo continente. Esta experiencia le serviría de antesala para un nuevo proyecto, Pescado Rabioso. Alejado de la sonoridad dulce de Almendra, la precisión daría más vida a este proyecto. Junto a Black Amaya y Osvaldo Frascino, debutó con la agrupación en 1971. La banda sólo tendría dos años de duración, pero quizá los más contundentes que el resto de las bandas que el músico formó. Desatormentándonos es el debut, que marcó el regreso de El Flaco y dio un alto vuelo en su carrera, en 1973 con el disco, Pescado II, un álbum doble que dio fin a la banda, pese a que su próximo disco “Artaud” llevase su nombre. El suspiro Invisible. Invisible I, Durazno Sangrando y El jardín de los presentes editó con un mítico proyecto llamado Invisible, que nació en 1974, en el cuál sorprendió con Durazno Sangrando en 1975. La dictadura empezó a barrer gente como escombros en Argentina. Corrían los oscuros años en los que varios amigos del cantante fueron eliminados. El artista rindió homenaje a estos difuntos, con imágenes y dibujos realizados por los mismos en la tapa de sus discos. La alegría vendría a su casa, tras el nacimiento de su primer hijo, Dante en 1976, a

El jazz no tardaría en unirse al rock. Con la Banda Spinetta estrenó “A 18 minutos del sol” en 1977. Ensamble con el cuál tocaría hasta 1979. El nómada Flaco nuevamente se vió en la necesidad de nutrirse de nuevas vivencias, así que viajó a los Estados Unidos en 1980 para grabar su nuevo material en inglés, “Only love can sustain”, del cuál años más tarde se arrepentiría por representar musicalmente un concepto muy alejado de su esencia. Spinetta Jade encamina al solista Spinetta-Jade vino con un estilo de armonía más compleja en los arreglos y acordes. Cuatro discos dejó en memoria la banda, Kamikaze, Mondo di cromo y Bajo Belgrano, que fijó el sendero a Spinetta para que formara después una carrera como solista. El primer disco no obtuvo el reconocimiento esperado de la crítica. Distinta suerte corrieron “Mondo di cromo” y “Bajo Belgrano”, que con un retorno a lo eléctrico marcaron pauta. “Téster de violencia” llega en 1988..

Charly García: una nueva amistad La revista “Hurra” en 1980 publica un sugestivo artículo en el que colocaba en competencia a los máximos exponentes del boom rockero, Spinetta y Charly García, cada uno con sus respectivas bandas, Spinetra Jade y Seru Giran. Para desmentir esa absurda confrontación, ambos decidieron ofrecer un show memorable en conjunto en el estadio Obras. Charly García entra en acción en 1985 para conformar un dueto con Spinetta. No obstante, el tema

“Rezo por vos”, sería el único que grabarían. El dúo entre ambos se frustró por diferencias estéticas.

un nuevo sonido respecto de sus producciones anteriores. Entre músicos de sesión y grabaciones en vivo el artista cautiva.

La la la “La la la”, en 1985, en combinación con Fito Páez, si despertó expectativas pero no llegó a convencer. Con un disco doble, por un tiempo realizaron diversos recitales. “Don Lucero” de1989, da apertura a Exactas después en 1990, primer disco como solista en vivo grabado en la Facultad de Ciencias Exactas de la UBA. “Pelusón of milk” en 1991 se destaca, especialmente por el tema Seguir viviendo sin tu amor. Es un disco que tomó bastante tiempo al solista, porque tanto en los arreglos como en la producción intervino su mano. Con melodías frescas y acústicas el disco suena hogareño y calmado.

Socios del Desierto Los Socios del Desierto, un trío integrado por Daniel Wirtz y Marcelo Torres, con quiénes hizo una minigira en marzo de 1996, al tocar gratis en los jardines de Palermo. Las peleas con discográficas e indistrias grandes detuvieron por un tiempo al Flaco. Spinetta no obstante retomó la marcha con un disco doble, titulado simplemente “Spinetta y los Socios del Desierto”

El silencio y la luz

Años de silencio sellaron la incógnita de El Flaco. Sus fans lo reclamaban. Hacia 2001 apareció de nuevo con “Silver Sorgo” y en 2003, con “Para los árboles” . Camalotus (2004) es simplemente una suerte de “bonus track” del disco, anterior “Para los árboles” En marzo de 2006 aparece uno de los mejores trabajos de su carrera: “Pan”, con nueva banda y con

La sonrisa tras la enfermedad El cuadro de salud de Spinetta declinó. El 23 de Diciembre de 2011, el cantante anunció padecer un cáncer de pulmón, en la cuenta de Twitter de su hijo Dante. Si bien mantuvo un temple de tranquilidad absoluta, con la frase, “estoy muy cuidado por una familia amorosa, por los amigos del alma, y por los mejores médicos que tenemos en el país”, alarmó a la tribuna de fans. Toda una nación se conmocionó con la noticia.

La embriaguez y la contemplación Embriagado por cada episodio que el mundo regala, el artista se dejó llevar en vida por la poesía. Arte y vida eran dos caras de un mismo espejo para el Flaco. Jung, Freud, Nietzsche, Foucault, Deleuze, Castañeda y Artaud fueron esas voces que guiaron la palabra en su canto. Hilvanó palabras con sonidos y entabló la conexión perfecta entre el verso y el estribillo, para unir a la gente, en una filosofía sencilla. Carismático como pocos, no dejó de sembrar dulzura donde fue.

En vísperas a la despedida En una entrevista concedida en 2008, a la nación.com, Spinetta demostró que se encontraba en un punto de su vida en el que nada lo asustaba. Si bien era consciente de la muerte, sabía que la única forma de estar vivo era despertar a cualquier acontecimiento. “Puede ser el hecho de no querer perderme nada, pero me despierta la menor cosita. Mi pieza no tiene cortinas, me despierta el sol, eso me encanta ¡eh! Yo trato de usar hasta la última gota de luz natural”. www.facebook.com/revistametro

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I

nvitado por METRO para cavar en lo más profundo de su personalidad musical, Martín Joffré, ex bajista de LouKass y actual líder de la banda de rock cristiano Tejilha, se dejó llevar hacia atrás en un encuentro que tuvo lugar en los más recónditos escondrijos de la memoria. La entrevista permitió conocer a más detalle los pormenores de una historia pocas veces contada, aquella que llevó a tres generaciones de rockeros a buscar un sonido original que tuvo su punto más álgido en la primera mitad de los años noventa. Durante la entrevista, Joffré, ni corto ni perezoso recordó como fueron sus inicios en la música, allá, a principios de los años ochenta, en un ambiente en el que el rock nacional atravesaba su adolescencia más temprana. 20 A sus cinco años Martin escuchaba The Beatles, y veía los cartoons de ellos que pasaban por el único canal de TV. A esa edad creció escuchando lo que su padre lo hacía escuchar: Paul Anka, Elvis Presley, Frank Sinatra y Tchaikovsky. Así, su acervo se nutrió de música que lo llevó a incursionar directamente en el rock and roll. Joffré recuerda: “Cuando tenía 13 años asistía a las tocadas de rock; recuerdo que tuve el chance de ver a Stratus; Collage (la banda de Puka Reyes Villa); a Sourmenage; a Trueno Azul, que en ese entonces estaba

conformado por Yayo Morales, y por Mauricio Tórrez en la batería, y entonces sentí que yo podría hacer lo que ellos estaban haciendo, y tal vez, mejor”. Fue ese sentimiento el que hizo que Martín decidiera incursionar en la música, mucho más cuando, a pesar de ser un baterista innato, recibiera una guitarra de regalo, la misma que permitió que en ese mismo instante comenzara a interpretar canciones al oído. “En esa época mi hermano Juan Pablo entra formar parte como vocalista de la banda Fox que estaba formada por Rodrigo Villegas, en guitarra; Rodolfo Ortiz, en batería, además de E. Fernández y Ronny Ruiz. En esa época los estándares eran AC/ DC; Iron Maiden; Black Sabbath; y mi hermano me convocó a tocar el bajo en la banda. Después de dar el examen con algunos temas de Metallica, “logré entrar”, recuerda. Fox siguió la línea de búsqueda de sus cuatro integrantes, rock duro y pesado, mezclado con un poco de sazón a la boliviana. Pero Ronny Ruiz deja la banda y Juan Pablo asume

la guitarra junto al Grillo Villegas; el cuarteto comienza a tener sus primeras experiencias en componer canciones, algo que poco a poco iría germinando en lo que después sería Loukass. Tras una etapa de tocar thrash metal de la mano de Metallica, Venom, Slayer y Destruction la banda se encuentra con un disco que Rodo Ortiz hizo conocer a todos; éste develó otro espectro del rock

que ninguno de ellos había escuchado antes. Se trataba del álbum Fragile de Yes. Con la cabeza llena de nuevos acordes y arpegios a la prog, y ya en una nueva etapa, la banda comienza a sacar los covers de Yes y a experimentar con temas de Rush. Ese es un punto de quiebra que Juan Pablo, un metalero más aguerrido, no puede bancarse, y decide separarse del cuarteto y dejar


me pregunto si realmente era lo que yo quería. Hasta que un día me dice: “Martín, creo que he encontrado la manera de ganar dinero con la música”. Y era cierto, puesto que Villegas se había conocido con el blusero Drago Dogan y vislumbraba al jazz y al blues como el futuro de la música. En ese momento Grillo también había conocido a un alemán que había llegado de mochilero a Bolivia. Se trataba de Christian Krauss a quien deciden incluir en su locura musical. Fue así que surgió LouKass, de todo un movimiento caótico que al final se hizo creación y que de las cenizas de esta aventura azarosa surja la luz de LouKass. Paralela a esta historia surge en Bolivia el boom del rock latino. Soda Stereo; Los enanitos verdes; GIT; Virus y otras bandas argentinas se adueñan del éter radial; pero Fox aún mantenía su línea progresiva, covereando temas que nadie se hubiera atrevido a coverear. “En ese momento nos damos

cuenta que no teníamos una dirección y es el momento en que la banda se empieza a deshacer. El Grillo, sin embargo, iba a los boliches a escuchar a los músicos que tocaban en esa época. Recuerdo que en una ocasión me comentó que estuvo en una tocada de Adrián Barrenechea, y en ese momento me di cuenta que él quería estar envuelto en esa onda y es cuando yo

música. La historia del fenómeno LouKass ya fue contada en diversas oportunidades, pero la creatividad musical que detrás de esa historia se esconde es muy poco conocida para quienes incluso siguieron a la banda todo el tiempo que estuvo vigente. Estos son algunas de las pepitas de oro que Martín reveló a Metro:

LouKass y el poder de la creatividad Uno de los elementos fundamentales que hizo que LouKass se convirtiera en un verdadero fenómeno nacional fue el hecho de que sus cuatro componentes vivieron un camino iniciático en la música. Es decir, todos ellos escucharon desde thrash metal, jazz, blues, rock progresivo, rock latino, trova y otros géneros más. De ahí que la fuente de su inspiración se hizo más rica que la que otros músicos pudieron haber logrado. Martín relata: “LouKass fue el momento en el que comenzamos a descubrir quiénes éramos. Es el momento de que ese anhelo que teníamos los cuatro de poder componer nuestras propias canciones se hiciera realidad. Cuando comenzamos a hacer nuestras propias canciones tenían que estar a la par de las canciones que estábamos covereando, y ese era un desafío para cada uno de nosotros”. Algo que sucedía en las tocadas de rock de Bolivia y el resto del mundo era que las bandas amateurs sacaban los covers de sus grupos favoritos, y luego de éstas, en su repertorio, interpretaban los temas compuestos por ellos mismos, y resultaba que éstos, por lo general, no estaban a la par de los temas covereados. Un elemento que hizo que LouKass comenzara a ser reconocido en la noche paceña era el hecho de que sus tocadas eran originales; es decir, en una noche de Loukass no se escuchaban covers de grupos conocidos. Joffré: “No tocábamos Soda www.facebook.com/revistametro

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Stereo, o ningún hit del momento, tocábamos temas de bandas brasileras que nosotros traducíamos, y entre medio de esas canciones poníamos las nuestras y entonces pasaba como que todas las canciones eran nuestras, y a la gente le gustaba lo que hacíamos”. Así, una noche de LouKass, era una noche de buena música. Producción Bolivia siempre ha tenido una falencia que los músicos sufren cada día: la falta de productores. Por ello es que LouKass no sólo se dedicó a crear sus propios temas, sino que también se constituyó en el calificador de sus propias canciones, algo que de por sí es más que difícil. Joffré: “¿Cómo te das cuenta que la canción en la que has estado trabajando tanto tiempo no es suficientemente buena?. Es así como vas aprendiendo a desechar canciones que no están buenas y buscar un juicio y un sentido común relacionado a hacer buenas canciones. Dentro tuyo 22 empiezas a sentir que eres una fuente de creación”. Esa fuente de creación fue el origen de los álbumes “Akasa”; “Akisitos” y “Enaisitos”. ¿Cuál fue el secreto mayor de LouKass al momento de volverse un fenómeno artístico nacional? ¿Cuál es el elemento que hace que un músico pueda calar en la memoria de la gente y convertirse en un elemento dentro el inconsciente colectivo de las masas? Esas preguntas lanzamos a Martín Joffré y una de sus respuestas fue la siguiente: “Cuando compones

canciones y te quieres auto sabotear dices: “es que yo no hago música comercial”, pero tal vez sea que no seas bueno para hacer música; o tal vez digas: “no, lo que pasa es que yo hago música para mí”, y eso es muy relacionado con el baño, porque cuando tu entras al baño entras sólo para ti; pero cuando haces música es para tener una conexión, porque la música es vida. Entonces cuando compones una canción de manera honesta buscas las energías, buscas emociones, y creas a partir de ello, y llevas a la gente a diferentes frecuencias, así es como lo logras.” Música de emociones,

conexión, honestidad. Esos son adjetivos que podrían colocarse antes del nombre LouKass, y antes de cada uno de los nombres que le dieron vida a la banda. Joffré nos reveló de esa manera el lado oscuro de la luna de esta banda, algo que sin duda podría ser tomado en cuenta por futuras generaciones, pero que en realidad sir ve para entender más el brillo de diamante que significó la música de este grandioso multiintrumentalista. Espiritualidad Martín recuerda que llegó un punto en el que LouKass había perdido la dirección, algo que se acentuó con la partida de Christian en el

momento más importante de la banda. LouKass tocó el cielo, pero un cielo que al final, con todos los placeres que el éxito y la fama que pudieron llevar al cuarteto, terminó. Y terminó por un simple hecho: la búsqueda de cada uno de sus miembros no había cesado, y cada uno de ellos decidió, individualmente, emprender una marcha hacia otros horizontes. Fue así como Martín se encuentra con el camino del cristianismo en el que su música adquiere un nuevo matiz a través de Tejilah, una nueva banda que, a través de una energía muy elevada, transmite un


profundo mensaje de vida y amor. “Se puede decir que mi cambio de dirección está relacionada con que descubrí que la música es algo divino, y te puede transportar a los cielos”, señala Martín. Al encontrarse en una congregación cristiana, Martín descubre que no tenían idea de la realidad que los rodeaba, que la música era pésima y que había que hacer algo para lograr que el rock pudiese volver a los altares. Es en ese trance que se encuentra con Mauricio Salcedo, miembro de la banda Jetro, con quien deciden armar Tejilah, cuyos inicios estuvieron marcados por la fusión de ritmos andinos, de rock, funk, reggae, metal y otros estilos. “Cuando hicimos el tema, fue todo un éxito en ese mundo paralelo de las congregaciones cristianas, mientras que en el mundo secular, nadie sabía que esta banda la estaba rompiendo, cosa que hasta ahora sucede, ya que en los boliches de La Paz nadie nos da cabida, pues porque nuestro público no bebe alcohol”. Tejilah es una banda cuya historia es contada muy pocas veces. La palabra viene del hebreo “alabanza”, y su receptividad aún no es completa en un mundo ávido de sensaciones plásticas y artificiales. Tejilah, sin embargo logra en los escenarios del mundo cristiano llenar coliseos y auditorios, por otro público que busca una respuesta que a veces está escondida en los acordes de una guitarra.

Tejilah

y la etiqueta de “Rock Cristiano”

U

na de las paradojas que a Martín se le ocurrió mencionar sobre el hecho de que exista una etiqueta a su música como es la de “rock cristiano”, es la que el inicio del rock and roll como tal se dio en las iglesias, algo que con el pasar del tiempo se ha olvidado y que hace que los consumidores de rock and roll actual no lleguen a comprender que simplemente se trata de rock universal. “No nos olividemos que muchísima música que se escuchaba antes de los 60´s venía de las iglesias, entonces por ejemplo, tenías a Ray Charles tocando música sacra para que luego los feligreses lo vuelvan

soul, funky. Toda la música de la cual hoy en día se hace jolgorio es sacada de la Iglesia, lo que pasa es que nace ahí arriba pero luego, tras un tiempo, deja de ser música de Fe. Por ejemplo tienes Stand by me, que es una música cristiana; tienes a Joe Cocker que canta “You are so beatiful” que es una canción cristiana; y así se puede mencionar cientos de canciones famosas que son músicas cristianas”, dice Joffré. En el ámbito cristiano existe algo que se llama “Ministros de alabanza” que son canciones de alabanza dirigidas a Dios, en el caso de Tejilah, si bien muchas canciones que componen son

dirigidas a Dios, otras son cantadas a la vida, a la tragedia, a acontecimientos duros y difíciles, como lo es tomar decisiones a último momento, y aquello que puede ocurrir con tu vida. Si bien el desafío de Tejilah es ahora el de salir de las congregaciones a llevar su mensaje, esto se ha hecho difícil por el prejuicio que tiene la gente de que se trata de rock cristiano, algo que sin duda no tiene relevancia a la hora de apreciar buena música, prueba de ello son las bandas The Happy Nobodies; DN 3:16; y otras más cuyas canciones son tan universales como cualquier banda secular. www.facebook.com/revistametro

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“THE WALL”live ROGER WATERS EN EL ESTADIO DE RIVER PLATE LUNES 12 DE MARZO DE 2012 Por: Cristian Hurtado

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ada vez que escuchaba mencionar “Pink Floyd” venía a mi mente la imagen del disco “The Wall”, la portada muy simple y a la vez, muy sugestiva: sólo una pared blanca. Recordaba tener en mis manos el vinilo y conversar de música con un querido primo que me llenaba la cabeza de

C

rock (muchos deben recordar ese LP). Desde que se anunció que la gira de Roger Waters, legendario bajista de esa banda, pasaría por Sudamérica y tendría su edición argentina, alisté mi tarjeta de crédito y separé la fecha 4, (lunes 12 de marzo) para ser testigo de un recital histórico. Todo esto pasaba ya a principios de agosto de 2011 y quedaba esperar 7

meses para el espectáculo. La gira, al comienzo, iniciaba con dos fechas, y a pedido de la demanda llegaron a la cifra récord de 9 presentaciones, pronosticando más de 400 mil espectadores, superando sus anteriores dos visitas a suelo argentino, (In the Flesh? el 2002 y The Dark Side Of The Moon el 2007) a los Rolling Stones y Soda Stereo.

The Wall no es solamente el disco 11 de Pink Floyd, es una obra de arte, una ópera rock creada, escrita y producida por Roger Waters en 1979 acompañado por David Gilmour, Richard Wright y Nick Mason; llevada al cine en 1982 con Alan Parker como director y Bob Geldof como personaje principal (Pink en la película) prohibida y


censurada en varios países, interpretada en vivo como obra musical con una puesta en escena impresionante, desde sus primeras versiones entre 1980 y 1981, en Julio de 1990 en Berlín y la gira mundial “The Wall Live” que empezó el 2010 en Canadá y llegó a Buenos Aires con más de 120 presentaciones. Pasados los 7 meses de espera llegó el día del viaje, llegué a la “Ciudad de la Furia” y mi primer destino fue la Boletería de River donde debía buscar mi entrada teniendo en cuenta la presentación de mi carnet y la tarjeta con la que había comprado por internet en agosto del año pasado, todo sin problema y ya tenía en mis manos el pasaporte al otro lado de la pared, pase un par de días visitando atracciones de la ciudad, incluido el partido Boca - Independiente en la bombonera y un teatro en la calle Corrientes. Finalmente llego el día Lunes 12 de Marzo. Días antes ya estudié la mejor y más rápida manera de llegar al Monumental. Una vez allá, sabía que detrás de las puertas de ingreso nos esperaba un cine a cielo abierto con un muro de 90 metros por casi 15 de altura, construido con más de mil ladrillos, 247 toneladas de equipos que transmitirán la mística de Pink Floyd, su esencia en perfecta imagen lograda por 41 proyectores led de alta definición, sonido cuadrafónico graduado y ecualizado mágicamente, cotillón gigante y fuegos artificiales, detalles que catalogaron al show “The Wall Live” como “La Gira Más Importante de 2010” y “La Mejor Creatividad En Producción Escenográfica”, premios otorgados en “Pollstar Music Industry Awards” en

Los Ángeles, California. Pasé los controles y adentro quede impresionado por la pared a medio construir que estaba instalada de una gradería hasta la otra, pase por delante de la pared que tenía el centro vacío. Un acomodador como en cine me llevo al sector VIP D fila 27 asiento 12 y al final estiró la mano para recibir una propina, ¡qué nivel!!!! En mi cabeza sonaba: “….¿Por qué no puedo ser del Jet Set?”. A las 21:20 las luces se apagaron y por los parlantes en un español muy castizo una vos decía que a Roger no le molesta que la gente tome fotos pero advierte que el uso del flash

proporciones incalculables, el sonido cuadrafónico nos hace sentir el helicóptero dando vueltas a nuestro alrededor, los gritos de la gente por todo lado, la fuerza de la música se siente en el estomago y el espectáculo visual deja a la multitud en estado de shock, y el show recién empieza. “The thin ice” en contraste a la potente entrada ofrece una melodía dulce y las imágenes de héroes de guerra caídos en acción y víctimas inocentes, Roger y la banda dejan los disfraces a continuación la primera de las tres partes de “Another brick in the wall” en la que Waters evoca la memoria de su padre

“La calidad del sonido nos hace imaginar un home theater de proporciones incalculables, el sonido cuadrafónico nos hace sentir el helicóptero dando vueltas a nuestro alrededor,.” puede deslucir las proyecciones de video, acto seguido aparece Pink, custodiado y sometido por agentes de represión y las luces, la pirotecnia abren el acto con una majestuosidad increíble, se escuchan los acordes de “In the flesh?” entre gritos y aplausos aparece Roger Waters vestido con un sacón largo, lentes oscuros y botas militares, se proyectan las características imágenes de martillos y banderas, y desde una esquina del estadio, una réplica de un avión caza de guerra sobrevuela todo el campo hasta estrellarse en una esquina del escenario incendiándose y dando inicio al show tan esperado. La calidad del sonido nos hace imaginar un home theater de

que voló a través del océano dejando sólo un recuerdo, la gigante pared se convierte en un océano rojo que da la impresión de inundar las butacas de las primeras filas y “The happiest day of our lives” hace el prologo para “Another brick in the wall pt. 2”. Para reforzar los efectos visuales aparece una marioneta gigantesca con la figura del cruel profesor que se mueve, baila, observa al público e interactúa con un coro de niños con poleras negras y el mensaje “el miedo construye paredes” representando la opresión en las aulas, el sarcasmo y el abuso, el mensaje también es proyectado en la pared junto a otras consignas, desaparecen los niños y el profesor, Waters

saluda al público, felicita a los niños del coro y dedica el concierto a las Madres de Plaza de Mayo y a Ernesto Sábato por su lucha por revelar los secretos del terrorismo de Estado. Con una guitarra acústica en mano Roger Waters se presenta a sí mismo proyectado en todo lo ancho del muro y canta a dúo “Mother” con su imagen y vos de los 80’, aparece a un lado del escenario una marioneta gigantesca de la madre sentada con mirada y actitud sobreprotectora y asfixiante, Madre debo confiar en el gobierno? Ni en pedo, es la respuesta que se proyecta en el muro. Sin darme cuenta estaba conmovido hasta las lágrimas y el sentimiento era similar entre mis ocasionales vecinos de butaca. El Gran Hermano también fue mencionado en el muro como una madre controladora, a la vez, el muro se iba construyendo ladrillo a ladrillo. “Good bye blue sky”, hace que la pantalla nos bombardee con los símbolos de lo que separa a la humanidad, el comunismo, capitalismo, islamismo, cristianismo, judaísmo, las marcas mundiales, Shell, Mercedes Benz, evocando memorias del bombardeo, las llamas se han ido pero el dolor permanece, “Empty spaces” totalmente visual las flores del mal diseñadas por Gerald Scarfe muestran crueles relaciones entre hombre y mujer desde la inocencia de la niñez pasando por la lujuria llegando a la destrucción y canibalismo en la guerra de los sexos, el muro se va cerrando. “Young lust”, el sólido rock, la primera contribución de Gilmour en el álbum, las imágenes de las groupies llegando al hotel, “One of my turns”, “Don’t leave www.facebook.com/revistametro

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now” Waters micrófono en mano cantando al muro que proyecta imágenes de su soledad y desesperación, otra marioneta gigante más alta que el muro de una mujer atormentadora ataca a Roger, una actuación y canto que nos refuerza el concepto de ópera rock, mientras quedan pocos espacios vacíos en el muro que muestran al fondo a la banda. Revientan potentes acordes e imágenes de vidrios rotos en “Another brick in the wall pt.3” que en el concepto de la película es la furia de Pink ante la traición de su esposa, y decide destruir todo para despedirse del mundo con “Goodbye cruel world”, queda en la pared el espacio para un solo ladrillo, espacio por donde se asoma Roger para decirnos goodbye y poner el ultimo ladrillo.

Hace muchos años este era el momento en que daba la vuelta al cassette para ponerlo de nuevo en el walkman, lo mismo sucedía en el recital, un intermedio, esta vez fueron 20 minutos en que la gente comentaba entre sí lo increíble del show, el sonido, las animaciones otros compraban suvenires, official merchandise aprovechando las bondades del capitalismo, en la pared totalmente completa se proyectaban fichas con las identidades de muchos muertos recordados por la gente: habían héroes de guerra, judíos sacrificados, presidentes, líderes mundiales, políticos, desaparecidos, escritores y artistas además de una nota de agradecimiento a todas las personas que enviaron a su sitio web las imágenes firmada por Roger.

De nuevo las luces se van, se proyecta un muro sobre el muro que servía de pantalla, “Hey you” suena desde el otro lado y es cantada por un Waters invisible, los efectos en la pared simulan que el muro se abre gira y se desploma pero el muro sigue ahí, la locura empieza de nuevo, se abre una ventana por donde se ven 2 guitarras acústicas que dan cuerpo al interludio clásico de “Is there anybody out there”, que se vuelve a cerrar, “Nobody home” abre otra ventana en el muro que simula el living en que Pink ve la tele esta vez encarnado en Roger, cuando recrimina al mundo entero por su soledad. Las proyecciones muestran el dolor de una niña que recibe la noticia que su padre murió en la guerra mientras la banda interpreta “Vera”,

canción nombrada en homenaje a Vera Lynn una cantante inglesa conocida en los años 40 apodada como “La novia de las fuerzas armadas inglesas” que cantaba “We’ll meet again”, una canción que infundía la esperanza en los soldados ingleses de regresar a casa. “Bring the boys back home” con imágenes muy fuertes en todo lo ancho del muro mostrando amenazantes tanques, y armas luego la devastación total con muertos heridos y desolación acompañados de mensajes en contra de la guerra, entonado como himno antibélico. Gilmour, es el creador de “Comfortably numb”, por eso, el estilo de la canción es diferente al resto del disco, las guitarras suenan imponentes, el segundo solo de la canción está considerado como uno


de los más expresivos de la historia de la guitarra eléctrica, en esta ocasión es Dave Kilminster elevado en una plataforma por encima del muro quien lo ejecuta, la voz en el show es de Robbie Wycoff quien aparece en otra plataforma elevada, el muro seguía con la proyección de una pared hasta la mitad del segundo, solo cuando Waters toca en un punto la pared que se despedaza imaginariamente dando inicio a colores y formas visualmente impactantes, a la vez delante del muro se fue formando la banda con sus instrumentos, y un coro de oficiales como al principio del show e interpretaron “The show must go on”, cayeron las banderas los martillos y de nuevo “In the flesh” creando el imaginario nazi tan característico del álbum.

Roger toma una metralleta y la descarga contra la gente con un realismo que asusta al público. Las imágenes de nuevo muestran una cámara gigantesca y la leyenda de “Big brother is waching you”, comienza el frenético ritmo de “Run like hell” (colaboración de Gilmour), el cerdo inflable sobrevuela toda la platea con mensajes escritos en todo el cuerpo “el que muere de hambre muere asesinado”, Roger invita al público que está sentado a pararse, es la única canción en que el publico permanece de pie. Los pilares que sostienen las banderas proyectadas en el muro empiezan a ser devoradas por cables que simulan gusanos al ritmo de “Waiting for the worms”, con la banda tocando delante

del muro, continuando la alucinación con la breve “Stop” que aclama al cielo poder volver a casa y quitarse el uniforme. The trial a continuación proyecta las partes animadas de la película, alternando con algunas 3D y el desfile de personajes influyentes en la vida de Pink, su madre, maestro, esposa, y el juez. Hasta llegar al momento en que todos gritan “Tear down the wall” y el muro se derrumba ante los ojos de todo el público un momento impresionante que significaba la devastación con un espíritu de optimismo que anuncia un nuevo inicio, y una reconstrucción de la sociedad. Pasaron un par de minutos en silencio y desde los escombros del muro aparece Roger Waters con una trompeta en la mano, seguido de los demás

músicos, entre ellos su hijo Harry quien toca el teclado desde hace 10 años con él, todos juntos interpretan “Outside the wall” son presentados y despedidos uno por uno Roger agradece y se despide los aplausos efusivos lo acompañan hasta que desaparece del escenario. Son ya varios conciertos a los que asisto regularmente y la sensación que deja “The Wall Live” es incomparable, una conjunción entre arte, tecnología y sentimiento, va a ser casi imposible de aquí en adelante ver un show tan perfecto, en temas de calidad de sonido, video, puesta en escena, sorpresa, contenido y mística. Salí del estadio más que feliz y satisfecho por cada centavo que gasté y la distancia que recorrí, el viaje valió la pena. Gracias Roger Waters.


UNDERNEATH Luego de una larga espera, algunos cambios de formación, tragedias personales, alguna toma de decisiones importantes y la llegada de la cigüeña, la banda cruceña se apresta a enfrentar nuevos retos en estos seis años de vida. Tiempo que les ha quedado muy corto. Por: Jorge Arduz M. Por fin y luego de una larga espera hay nuevo disco 28 de ustedes. Contáme qué diferencias hay entre su primer trabajo y este. Para empezar, te cuento que la diferencia entre ambas placas es abismal: “Happiness”, muy amateur, poco producida y realizada con escasos recursos económicos, pero a su vez con gran contenido creativo, y como muestra de ello, las canciones mas conocidas y representativas de la banda, pertenecen a esta producción. Es el caso de “Don’t Need No Love” y “The ghost”, ambas reeditadas en versiones desenchufadas e incluidas en la nueva placa “Follow Me” (Sigueme). A diferencia de nuestro primer

trabajo discográfico, “Follow me” es fruto de muchísimo esfuerzo, dedicación, perseverancia y entusiasmo, pero que tuvo su origen a raíz de la terrible tragedia que fue para mi haber perdido a mi hermana Maria Eva, en una larga agonía, luego de un grave accidente sucedido en 2007. Obviamente, mi percepción sobre el tema, arrastraba a mis compañeros también ya que ellos sentían un vacío en el corazón que compartían conmigo, y que sin pensarlo, nos dio un disco lleno de amor y de palabras, de notas y cadencias que nos harán descubrir que uno es fuerte por naturaleza y que hay que salir siempre adelante. El presupuesto y el tiempo que nos tomó este disco, fueron muchísimo

mayores, y por tanto la diferencia será notable a primer oído... M. Porque titularon al disco “Follow me” (Sígueme) ¿Se podría interpretar como un llamado para conseguir más seguidores para el grupo? Absolutamente no. El llamado que hacemos con este “Sígueme”, es una invitación a salir adelante como lo hemos hecho nosotros alguna vez. En mi caso personal, como ser humano y como artista, jamás he sido mezquina con las cosas buenas que tengo o que me ocurren, y es por eso que al buscar compartirlas, debo hacer la invitación a que me sigan. Yo salí adelante después de perder a Maria Eva, y ahora puedo decir que estoy bien, por eso invito a

que escuches cada canción como un regalo que te guiará como a mi, por el camino de la vida, en lugar de vivir en la permanente e infructífera queja. Sin embargo, todas las personas que decidan formar parte de nuestro público, sepan que estos portavoces del alma, seguramente en alguna canción, cuentan algo que a Uds. También les pasó. M. La llegada de Martina a tu vida ¿afectó tu manera de componer? Martina llegó a agregar más motivos por los cuales seguir insistiendo en esto... Ella nos acompaña a los conciertos, y nos escucha desde que estaba en la panza, y hoy, a sus 6 meses


y medio, puedo decir que ella posee cierta inclinación por el arte, y el don que la caracteriza es la sonrisa y el arte de contagiar felicidad. Por todo esto, nuestra forma de componer sí que fue afectada, y fue para mucho mejor, ya que los temas para el tercer disco ya están galopando. M. Underneath ya se está escuchando más allá de nuestras fronteras, ¿de cómo se da esto? Gracias a la buena voluntad y al respeto que en el mundo la gente siente por el artista compositor, y en nuestro papel de artistas independientes, las radios, que sorprendidos se admiraban de lo que hacía Underneath en Bolivia, hoy por hoy, tienen más de 4 temas nuestros incluidos en su programación y en actual rotación. A través de nuestra agencia StormBlaze Entertainment Booking and Management, hay muchas puertas que aun están por abrirse y darnos paso, y es así como poco a poco vale la pena el esfuerzo y la vida que le dedicamos a esto.

contar con Álvaro, y puesto que el no se alejo y nadie nuevo lo reemplazo, sigue formando parte vital de Ameba, como lo hace Joselo de Underneath. M. Como podés definirme el nuevo sonido de Underneath? El nuevo sonido es mucho más fiel a nuestras raíces y a nuestros gustos personales, lo que de hecho ya le ha dado una identidad al sonido que hacemos, de modo que escuchando aun sin tener idea de quienes somos, podrás saber que somos los mismos en Happiness y en Follow Me. Ya sabes, lo que hacemos es rock alternativo, y Joselo Aponte, Alejandro O. Ramos, Jose Carlos Aramayo y yo, tenemos una visión y una relación tan estrechas que somos (y hacemos) muy Underneath en el tiempo y el espacio. M. La presentación oficial del disco la hicieron acompañada de algunas perfomances artísticas. ¿Su música encaja en esto?

Absolutamente sí, y la verdad son muy pocas cosas (y de hecho no me viene ninguna a la cabeza) que no están acompañadas por música. En esta ocasión, la idea era hacer una expolanzamiento en la que la pintura, la poesía, fotografía, literatura, performance y la música se vieran como parte de un todo, que es llamado “ arte y cultura “, de lo cual todos formamos parte como un solo cuerpo, aunque a veces actuemos desmembrados. M. ¿Ya tienen planeada alguna gira para presentar “Follow Me”? Para ser honestos, el tour Follow Me se ha venido realizando en todo el país desde el 2008. Digamos que en este caso el postre vino primero y la cerecita, al final. De todos modos, las presentaciones que se realicen o planifiquen, ya estarán incluyendo temas del siguiente disco, que ya esta en gestación. M. Tus expectativas acerca de este nuevo trabajo.

Este trabajo, nos dio muchas alegrías, nos abrió muchas puertas, y nos llevó a lugares impensados... Solo falta enseñar ese camino a quien lo quiera caminar. M. Tus palabras finales Agradecer a METRO por dedicarnos tan especial espacio, y me gustaría mucho invitarlos a Uds. y a toda su lectoría a seguir la producción completa de Follow Me Underneath, que cuenta con un documental cargado de información, historia, y trayectoria de la banda, que ya ha sido estrenado en Tv y que daremos aviso en cuanto tengamos los datos de las próximas televisaciones del mismo, del acústico, vídeos y mas lanzámientos a través de www.MySpace.com/ rockunderneath - Facebook pages Underneath - grupo Rock Underneath & friends... Un abrazo enorme, a todos esos fans que lo son desde hace tiempo, y a los que pronto lo serán.

M. Álvaro Irahola (guitarras) ya no se encuentra como integrante del grupo ¿de cómo se da su alejamiento y quien lo reemplaza ahora? De hecho Álvaro siempre fue integrante de Ameba, agrupación con la que hemos compartido mucho, y en esa amistad, él muy amable y comprometidamente, se ofreció a ayudarnos y con grandes méritos, en la ausencia de Joselo, quien se había fracturado una pierna, en el teatro, pero de verdad, jajaja y que por ello no pudo concretar las fechas que teníamos planificadas como el rodaje del unplugged, y su presentación en Santa Cruz y una importante fecha que hicimos en el equinoccio de La Paz, entre otras. Hay muchas anécdotas que www.facebook.com/revistametro

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Metro #43